Ilustración de marca: crea imágenes de marca inolvidables y estilizadas

1. Introducción: Yo creo que como artistas, no tenemos que encasillarnos y elegir ser una cosa u otra. Hola, me llamo Roman Muradov. Soy autor galardonado, e ilustrador, y profesor en el California College of the Arts. A lo largo de mi carrera, trabajé para clientes tradicionales como Penguin Random House, Wired, New York y New York Times, así como empresas tecnológicas como Google, Notion, Patron y así sucesivamente. A pesar de que nunca aspiré a estar haciendo imágenes de marca como parte de mi trabajo, se ha convertido en una parte significativa de mi cartera. Creo que lo había desarrollado de una manera muy personal y a veces poco convencional, y me gustaría compartir este enfoque con ustedes. En esta clase, estaremos creando una ilustración e identidad visual para una marca imaginaria. Puede ser cualquier cosa. Aquí, utilicé la palabra marca de la manera más amplia posible. Puede ser una minúscula cafetería o una organización sin fines de lucro, o incluso el planeta. Al final, tendremos un nombre, un logotipo, un lema, y tres ilustraciones que nos ayudaron a contar la historia de la marca que se te ocurrió. Esta clase será valiosa para cualquier persona interesada en la mecánica de la comunicación visual. No tienes que ser un artista experimentado, y el enfoque original es mucho más importante aquí que las habilidades técnicas. Por favor, no olvides compartir tus proyectos, y no puedo esperar a ver qué se te ocurre. 2. Todo se ve igual: Entonces el problema con la ilustración de la marca es que la mayor parte se ve igual. ¿ Por qué sucede esto? Creo que sobre todo porque a menudo hay demasiadas manos haciendo lo mismo y la gente tenderá a jugarlo seguro. Esto crea un campo donde no pasa nada nuevo porque todos copian lo que ya está funcionando. Al mismo tiempo, todo se ha hecho más o menos, y la historia de cómo se lleva bastante tiempo, por lo que es increíblemente difícil llegar a algo nuevo. Entonces, ¿cómo se hace? Bueno, la clave en mi opinión es apartar la mirada de nuestros contemporáneos. En uno de sus ensayos, Lydia Davis nos asesora para mantener más bajo tu original sobre tus contemporáneos porque como ella dice, “Ya perteneces a tu tiempo”. Creo que eso se aplica a prácticamente cualquier forma de arte y al arte comercial también. En otras palabras, si se quiere llegar a algo nuevo en el entorno contemporáneo, lo mejor es no mirar ese entorno y mirar hacia atrás. Si estás copiando lo que es relevante en este momento, entonces estás estrechando severamente tu alcance. En cambio, debes ampliarlo tanto como sea posible y no solo retroceder en el tiempo, sino también para mirar otros médiums y cosas que no están conectadas a lo que realmente estás haciendo. Por lo que podría ser útil alejarse de lo que están haciendo otras empresas y otros artistas, y en cambio investigar cosas que parecen no estar relacionadas. Graffiti, y bellas artes, literatura, poesía, casi cualquier cosa en lo que se refiere. Puede parecer irrelevante al principio, pero claro, el estilo es la suma de todo lo que consumimos y procesamos. Cuanto más lejos sea la distancia entre lo que estamos haciendo y lo que estamos consumiendo, más original será el resultado. De verdad ayuda a rodearte de cosas que amas ya sea que tenga una irrelevancia para tu trabajo o no, porque todo lo que se alimenta de tu estética e inspiración encontrará una manera en tu trabajo aunque no tienen ni idea de cómo sucede esto en realidad. Entonces en mi caso, mucha gente se sorprende un poco cuando aprenden en lo que estoy porque me gustan las cosas que casi no tienen nada que ver con ilustraciones comerciales como el arte abstracto, y el arte conceptual, la literatura modernista como así como el manga, y el post-punk, y las cosas que no son arte en absoluto como la comedia y sólo las cosas aquí en la calle. Muchas de mis influencias artísticas son muy diferentes a lo que realmente dibujo. Durante mucho tiempo, me dio mucha confusión. Yo pensaría: “Bueno, ¿por qué dibujo tan elegantemente mientras me gustan las cosas que parecen no tener nada en común con eso?” Pero entonces, claro, me di cuenta de que sólo me hace más original como artista porque hubiera sido mucho menos interesante si estuviera haciendo cosas que estuvieran mucho más conectadas a lo que me gusta. Creo que tener esta diversidad de influencias y dejar que te lleven algún lugar donde no esperes ir es una parte de desarrollar un estilo único fuerte. Tan importante es seguir haciendo tu trabajo personal sin cuestionar si tiene alguna relevancia con lo que quieres hacer profesionalmente. Entonces si te gusta garabatear en pedazos de papel, escribir poesía, todo esto surgirá de alguna manera u otra y todo esto siempre es importante. No es sólo una cuestión de desarrollo personal, estético y de estilo, los clientes son mucho más propensos a contratar a alguien que parece apasionado de lo están haciendo en lugar de alguien que sólo quiere encajar en los estándares existentes. En mi propia carrera, ha habido varios ejemplos en los que haría algo completamente irrelevante y a menudo tonto e idiota, y entonces de alguna manera alguien me pediría que hiciera esto por dinero que nunca esperaría cuando lo iniciaría. Por supuesto la importante comida para llevar aquí es que no lo estaría haciendo de todos modos porque quiero, y me trae placer. Todas las cosas que he hecho, muy poco me ha dado en realidad algún valor comercial, pero nunca se sabe, solo intentas todo y algo se pega. Entonces por ejemplo, en algún momento me cansé mucho de dibujar cosas limpias y pulidas para trabajo y quería hacer algo que fuera todo lo contrario. Algo mucho más áspero, y relajado, y sencillo inspirado en los dibujos de Paul Klee y mucho arte forastero. Así que empecé a publicar esos en Instagram y pronto, alguien de WeTransfer me preguntó si puedo hacer algo en estas líneas con el branding para su nueva app llamada Collect. Eso fue bastante inesperado, pero también realmente liberador porque de repente, podía hacer lo que quería hacer por dinero, lo cual es bastante raro. Por lo que también me permitió cambiar mi enfoque; en lugar de hacer bocetos, refinarlos, y luego proporcionar ilustraciones limpias, en su lugar hice 5 o 10 versiones del mismo dibujo y simplemente los hice muy rápido, y luego recogió bits de uno, bits de otro, y los combinó. Al final, eso se veía muy diferente de cualquier otra cosa que se hacía en las imágenes tecnológicas en ese momento, y realmente resonaba con la gente porque tenía una calidad tan simple y dibujada a mano para ella. Entonces, para tu propio proyecto, intentemos alejarnos de lo que se ha hecho en ese campo y mirar afuera. Entonces si estás haciendo una cafetería, ignoremos todas las demás cafeterías y veamos cosas que no tienen nada que ver con el café. Podría ser bueno hacer una lista de todas estas cosas que te mantienen despierto por la noche, o te inspiran, o abusar de ti y ver si eso tiene alguna relevancia en lo que quieres hacer. De no ser así, tal vez puedas encontrar la manera de encontrar relevancia en ella. 3. Desarrollar un nombre y un concepto: Esto no es una clase de escritura o dibujo específicamente, pero claro que involucra ambas cosas. Para que puedas empezar con palabras o puedes empezar con imágenes. No importa lo que te guíe. Lo importante es lo que es la cadena de asociaciones e ideas que te llevan a tu proyecto. Entonces empecemos a trabajar en tu propio proyecto. Algunos de ustedes quizá ya tengan una idea de lo que quieren hacer, y otros podrían no tener nada realmente y eso también está bien. Quizás quieras empezar a garabatear y garabatear y a ver qué sale. Algunas personas les gusta empezar con imágenes, otras personas se sienten más cómodas sincronizando conceptos y luego encontrando una manera de traducirlo en imágenes. Encontrar cómo funciona eso para ti personalmente es una parte enorme de averiguar tu estilo y tu método de trabajo. Entonces cuando se te ocurra un nombre y un logotipo, asegúrate de que tengan sentido juntos y se complementen entre sí en lugar de simplemente hacer lo mismo dos veces. Si no quieres dibujar un logotipo, solo puedes pensar en una imagen de encabezado o algo que rodeara el nombre de tu proyecto. Recuerda que la claridad y la comunicación es probablemente lo más importante aquí. Pero al mismo tiempo, creo que es realmente importante no deletrear todo. Quieres contar una historia para mantener un sentido de intriga y quieres inspirar al lector a mirar más allá y luego a revelar más a medida que se desplazan hacia abajo. Si bien la redundancia no es necesariamente algo malo, y a veces la claridad es lo único que realmente necesitamos, es bueno considerar cómo las palabras y las imágenes funcionan juntas. A menudo es una buena idea incluso contradecirlos o encontrar una manera de interrelacionarlos donde sucede algo nuevo en el espacio entre la imagen y la palabra. Entonces, por ejemplo, se puede llegar a un nombre y el logotipo que realmente no tienen sentido por sí solos, pero una vez que los juntas, crean algún pan visual o una pista y se abren y se expanden hacia algo nuevo. Realmente no hay una pauta de cómo hacerlo con éxito, y mientras tenga sentido para tu proyecto y tu estética, todo está bien. Entonces para mi proyecto demo, creo que voy a tratar de llegar a algo poco tonto. A lo mejor una app que te permita esculpir con nubes. No estoy muy seguro de cómo funcionaría técnicamente eso, pero bien podría imaginar algo que no existe y no tiene forma de existencia por el momento. Por lo que podemos llamarlo algo así como cloudscribbler o cloudscraper o cloudsculptor, siempre puedes deshacerte de los Es y Os, por lo que será más [inaudible]. Creo que el raspador suena bien. Entonces vamos a rodar con eso. Entonces podemos pensar en el logotipo. Bueno, podemos tener nubes. Por supuesto, las nubes es una de las imágenes más sobreutilizadas en el mundo de la tecnología. Pero claro, todavía hay formas de dibujar una nube que no se ha hecho antes, podemos tratar de averiguar cómo se puede hacer eso. Por supuesto, la forma más sencilla de acercarse a un logotipo es solo usar las letras. Por lo que sería C y S puede ser algo así como tal vez unidos en un signo de infinito. El S puede ser un poco más como el S dibujado a mano y tal vez puedan ir juntos algo como esto, o tal vez puedan estar dentro de una pequeña nube. Esto servirá para nuestras notas y luego puedo hacerlo de una manera más pulida en mi iPad. De verdad creo que la mejor manera de abordar la lluvia de ideas es solo escoger un pedazo de papel de impresora y llenarlo. No te preocupes por la calidad, no uses libros de boceto de lujo y papel ni nada por el estilo. Cuanto más simples sean las herramientas, más fácil es cometer errores y sacar cosas de tu sistema y no preocuparte por los clichés y simplemente sacarlo todo y luego recoger. Entonces imaginemos qué es esta cosa. Podemos empezar con un tagline o podemos empezar con el concepto y luego encontrar palabras para ello. Algo que aparece en mi mente es el cielo es tu Lona, porque ¿por qué no? Suena como un tagline y así es. También la palabra Lienzo tiene letras C y S, como el nombre, así que eso es bonito. Podemos imaginar tal vez escoges tu teléfono y apuntas al cielo y luego hay una nube, y luego mueves el dedo y puedes organizar estas nubes en diferentes formas. Toma una foto y envíala a alguien y compártela. A lo mejor varias personas pueden colaborar y hacerlo en la misma nube y tal vez puedan leer sobre esas nubes y aprender de sus acumulativas o algunas otras palabras que no conocen. Para que podamos dividir nuestra historia en tres partes. Una es que, será como una aplicación AR para que puedas tomar la naturaleza y hacer lo tuyo. Entonces, la parte 2 puede ser colaboración y la parte 3 puede ser compartir. Esto cuenta una historia de una persona a muchas. Es posible que desee desarrollar aún más su proyecto y pensarlo con más detalle de cómo realmente existe o no existe. En mi caso, realmente no me importa un partido de muerte, es solo un poco de fantasía. Entonces me voy a preocupar más la forma en que se presenta y la forma más abstracta de mostrarlo. Entonces creo que la emoción es al menos tan importante como el concepto. El sentimiento de mirar algo, ya sea una novela experimental o simplemente un simple sitio web de marketing, sigue siendo el mismo, sigue siendo un aspecto importante. Porque no solo nos hundimos sin cerebro también estuvimos experimentando todo con nuestros cuerpos y hay sensación táctil muy real de mirar algo. Entonces ahora pensamos en el estilo, ¿ o seguimos pensando en esta historia? Bueno, puedes acercarte de cualquier manera o puedes hacerlas ambas juntas. Los estilos deben informar narrativa y la narrativa debe informar al estilo. Entonces en mi caso, creo que empezaré con una historia para luego averiguar cuál sería la mejor manera de dibujarla. Empecemos con el principio. Podemos imaginar cómo se muestra en el sitio web y sería probablemente un entorno de bala de desplazamiento horizontal. Entonces podemos pensar en la mayoría de los sitios web que vemos. La mayoría de ellos tienen el fondo blanco? Entonces las nubes son anchas por lo tanto, ¿qué podemos hacer? A lo mejor podemos usar el espacio negativo. De esta manera, se verá como un papel cortado y luego el texto estará aquí. Entonces a medida que te desplazas, tal vez podamos tener algún movimiento de paralaje y podamos tener una nube dentro de la nube que se moverá a diferentes velocidades y esto te dará una sensación de mirar las nubes que pasan. Entonces para nuestra historia la primera será sobre posibilidades apenas abiertas que puedas hacer cualquier cosa con las nubes. Así que vamos a tener nuestra forma recortada y vamos a tener aquí un pequeño personaje de posición, tal vez con el pincel, y entonces podemos pensar en qué es ese personaje más tarde. También podemos tener a alguien simplemente dibujando algo garabateando, puede estar garabateando todo el Lienzo o no puedes tener ningún carácter en absoluto. Simplemente puedes tener ese cielo abierto y varias formas superpuestas así. Entonces esa será nuestra primera. Para una segunda, eso es colaboración. A lo mejor nuestra forma de recorte único puede ser dos, algo así. Pero claro, esto es un poco difícil porque como dijo Marcel Duchamp creo que, “Cuando tienes uno, es uno, cuando tienes dos, es una pareja, y cuando tienes tres, es cualquier otro número”. Lo cual creo que es una lección importante que si quieres mostrar la posibilidad de colaboración, no quieres tener solo dos porque se siente casi demasiado íntimo y si tienes cuatro, entonces son dos pares y si son cinco entonces es demasiado. Pero si tienes tres cosas diferentes, eso implica prácticamente cualquier número de participantes. Entonces también podemos pensar en tener una sola forma y justo dentro esa forma hay un montón de personajes haciendo algo juntos. Ahora bien, creo que es realmente importante ir por la cantidad más que por la calidad en este punto. Así que asegúrate de llegar con al menos tres ideas diferentes para cada una. Entonces podemos refinarlos y tirar a la basura los que no nos gustan, no importa. Para el último, el compartir. Entonces compartiendo porque siempre un poco de un concepto difícil porque hay tantas imágenes cliched de personas enviándose cosas estremeciéndose la mano y todo eso. Pero no quiere decir que no podamos llegar a algo nuevo y tampoco quiere decir que podamos tomar algo que es bastante estándar y darle un giro interesante. Entonces, por ejemplo, podemos jugar de nuevo con la idea del paralaje y volver al principio y tener muchas, muchas capas que parecen sugerir infinidad y tal vez sus personajes y todas estas capas. A lo mejor hay muchas nubes pequeñas como esta y todas están atadas juntas. A lo mejor puede haber una combinación de estas dos ideas. Entonces este paisaje pasando aquí y luego los más pequeños retrocediendo al fondo. También podemos pensar en las ideas de colaboración de estos pequeños personajes, construyendo algo juntos, formando una pequeña escultura. Así que llena una o dos páginas o como muchas que quieras con ideas. Mantenlo suelto en este punto, no trates de hacer hermosos dibujos, solo saca tantas ideas como sea posible. Puedes empezar a pensar en el estilo de inmediato, o puedes pensarlo en el siguiente paso de nuestra siguiente lección. 4. Desarrollar tu personaje: Ahora pasemos a la estática y al estilo. ¿ Qué aspecto tiene el proyecto y cómo comunica el concepto? Recuerda que el estilo es sustancia. Se puede tener una historia que tenga mucho sentido, pero luego cuéntala de una manera realmente sosa que no le hace justicia a la historia y todo el asunto se desmoronará. Por otro lado, puedes tener algo bastante sencillo que aún se verá afectado si realmente piensas en el estilo. Por lo que puede ser un poco abrumador pensar todas las diferentes cosas que podrías hacer y en todos los estilos y medios que podrías usar, y podría ser una buena idea usar restricciones. Siempre usaré restricciones en mi propia práctica artística, ya sea trabajo personal o profesional. Las razones por las que lo hago son muy sencillas; porque te libera del miedo y la tiranía de la inspiración, de esperar la inspiración, pensar dónde vendrá, y sólo tener esta hoja de papel en blanco o un iPad y tratando de averiguar cómo hacer algo de la nada. Por lo que la forma en que usas las restricciones depende enteramente de ti, puede ser limitando tu esquema de color o trabajo de línea. Por ejemplo, tal vez no te estés dando la oportunidad de usar diferentes ondas de línea o usando patrones específicos o usando material encontrado. También se pueden romper las restricciones y tal vez deberían romperse. Piensa en ellos como una forma de patear tus ideas. Entonces digamos, te das una restricción para usar solo 10 líneas por personaje. Esto te permitirá simplificar las cosas y no exagerar en ellas. Bueno, una vez que tienes algo desarrollado que te guste bastante y sientes se beneficiará de tener un par de líneas más, entonces ve por ello. Entonces para mi proyecto, voy a usar un iPad por un par de razones; porque me permite simular muchas cosas diferentes sin ir demasiado lejos de mi camino, pero eres bienvenido a usar cualquier medio que te guste y sentirse cómodo con o incómodo, que en realidad puede ser mejor. Nuevamente, es bueno empezar con garabatos simples. Ahora bien, ¿cómo dibujamos las nubes? A mí me gusta bastante garabatearme. Es algo que hago casi compulsivamente y es una gran parte de mi trabajo. Incluso cuando hago dibujos más pulidos, siempre trato de retener una calidad gestual manuscrita a mano a todo. Entonces puedo pensar en las nubes como esta pequeña oveja como garabatos o entonces puedo ir a algún lugar bastante diferente y tener una idea de formas más ovaladas con texturas, puedes tener patrones. Podrías tener una nube como esa, que estaría solapándose con la nube como esta y crear una tercera. Lo mismo se puede hacer con el color, por supuesto. También puedo pensar en material encontrado y tener una idea de trozos de papel tal vez rasgados que proyectan sombras. Puedes hacer pequeñas maquetas o simplemente sacar tu iPhone y tomar unas fotos. Podemos pensar en dónde vas a usar a la gente en absoluto. Entonces si lo hacemos, ¿cómo los vamos a dibujar? A lo mejor puede ser solo un protagonista que tenga unos mechones de cabello parecidos a la nube. Este será nuestro vocero, tal vez algo así. A lo mejor pueden usar gafas porque tienes círculos aquí que elogia círculos aquí. Creo que cuando estás diseñando personajes, a menudo es bueno pensar en cosas concretas como formas abstractas. Entonces en tu mente, reducir tus personajes y entorno a solo formas. Entonces en nuestro caso, es algo así. Son redondos y sencillos y es una combinación de líneas rectas y círculos. No obstante, creo que para este proyecto, tendría sentido hacer algo más abstracto porque se trata de algo que existe en la naturaleza. Podemos pensar en tal vez hacer criaturas nubosas que son las protagonistas en nuestra historia, para que puedan verse algo así. Cuando tienes dudas, siempre puedes poner un hub y hace que todo sea más lindo. Entonces podemos bucear un poco más profundo y pensar en cómo pueden verse las caras. Puede ser un poco más realista así, o puede ser aún más realista así, o completamente abstracto, tal vez sólo los ojos. Notarás que cuanto más detalle agreguemos, más difícil puede ser relacionarse con el personaje. Por lo que a veces el proceso de simplificación significa ir un poco demasiado lejos y luego ver qué se puede quitar. Entonces consideremos nuestra nube como una forma. En primer lugar, tenemos forma de dominio. Ahora bien, ¿cómo podemos hacer esto? Puede ser papel rasgado, o puede ser una forma abstracta hecha digitalmente, puede ser un trabajo de línea, o puede ser una combinación de estas cosas, tal vez un patrón. Creo que tendría sentido dibujar la forma digitalmente y luego tal vez poner una textura encima. Entonces no queremos que se parezca demasiado a una nariz, así que evitemos cualquier asociación. Ahora, la forma siempre se complementa con líneas. No siempre, pero puede serlo. Para que podamos tener piernas y manos. Ahora, ¿necesitamos las piernas? A lo mejor no. Podemos jugar alrededor de algo como esto, por lo que parece una gorra. Tengamos a nuestra buree porque un personaje tiene tan poco detalle que cualquier cosa ayuda. Vamos a tener sólo una mano y de esta manera, se ve menos como un personaje totalmente soplado y más como una abstracción a la que se le ha dado un toque de personaje. Ahora el personaje tiene un pincel. Ahora, el problema aquí es que tenemos dos líneas rectas una al lado de la otra y se ven bastante similares. Entonces, ¿qué podemos hacer al respecto? Bueno, quizá la mano pueda ser algo así, lo que hará que se vea un poco como un fantasma, pero creo que puede funcionar. Como alternativa, el pincel puede ser un poco grueso y tener un poco más de forma. Entonces de nuevo, estamos reduciendo nuestros dibujos al nivel de abstracción. A mí me gusta mucho dibujar narices porque creo que le dan mucho carácter, y creo que de hecho, muy a menudo se puede prescindir de una boca y sólo tener la nariz. Creo que Steinberg dijo que la nariz es la única parte de nuestra anatomía que no miente, y tiendo a estar de acuerdo con eso. Podemos hacer que sus caras sean bastante tontas o tal vez caricaturas. Nuevamente, a algunas personas les gusta desarrollar algo plenamente en esta etapa, y a algunas personas les gusta empezar a trabajar y ver a dónde los lleva. Creo que solo debes ir con lo que se siente intuitivo y ver a dónde te lleva. 5. Crear una maqueta: También es una muy buena idea hacer un poco de maqueta, no solo tú mismo, sino para los clientes. Por supuesto que es muy conveniente enviar bocetos que solo son en blanco y negro, garabatos como lo que acabo de hacer, pero a la vez, algunos clientes tienen una mejor idea de cómo se verá tu trabajo en el foro final que otros, por lo que es buena práctica empezar a hacer maquetas de la obra final junto con los bocetos. Entonces una maqueta no tiene que ser pulida, no tiene que verse exactamente como la final por supuesto, pero debería darte una idea, y dejarte imaginar cómo se verá la final. En nuestro caso, puede ser cuestión de escoger los colores adecuados y ver cómo se sienten. Toma un pincel grande y crea una forma. Mantén las cosas muy simples, y ahí. Ahora podemos imaginar cómo se ve esto en nuestra página web, y luego podemos imaginar cómo se verá con un poco de paralaje. Entonces tal vez sea algo como esto, y entonces podemos imaginar cómo estas capas se pueden mover unas contra otras a medida que se desplazan por la página, y luego podemos tomar un poco de fondo aquí. Este es un color espantoso. Hagamos algo más como esto. Eso es aún peor. Claro, por qué no. Esto fue un completo accidente, pero vamos a explorarlo mientras estamos en ello. Esto realmente se siente como si fuera el tono equivocado para el proyecto, pero ¿por qué no? Entonces ahora podemos dibujar un pequeño tipo nube, algo así. Esto se ve bastante bonito, mucho más dramático de lo que necesita ser, así que voy a deshacerme de ese cielo muy oscuro y recoger algo más claro, tal vez un color arenoso. No esa Sandy. Sí. Esto podría ser muy ligero. Esto es sólo una maqueta. Entonces por ahora lo que tendremos que hacer, podemos hacer que el fondo sea un poco más ligero tal vez algo así, y podemos darle a nuestra nube un poco de características, por lo que puede ser un pincel diferente, tal vez un poco más garabateado, algo así. Ahora podemos pensar en sombras y cosas así, así que entre estas dos capas por ejemplo, podemos conseguir un pincel muy suave y darle un poco de sombra, no tanto. Entonces esto es muy rudo, pero nos da una idea de cómo podría parecer, y luego vamos a reemplazar todas estas cosas con texturas reales y cosas así, e incluso podemos tomar nuestra pluma, e imagina dónde estará el texto, tal vez algo así, y tal vez el texto pueda estar en blanco lo que en realidad tendría mucho sentido. Puede ser una combinación. Ahora un logo puede estar en algún lugar aquí. Creo que mantenerlo perdido es una muy buena idea en este punto, y aún así permitirte siempre mucho espacio para la improvisación cuando se trata de la final, porque no querías preparar todo al grano donde la final es simplemente llenar los espacios en blanco, todavía quieres darte suficiente espacio para jugar y experimentar, y probar algo nuevo hasta el final. 6. Refinar tu estilo personal: Entonces ahora cuando pasemos a terminar nuestra obra de arte lo que hay que preguntarte primero es, ¿cuál será la primera impresión? Yo lo pienso de la misma manera que cuando te acercas a un póster o una portada de libro porque antes de entender de qué se trata y qué está pasando, tienes una reacción emocional muy inmediata solo a las formas y colores, y tienes que preguntar usted mismo, ¿qué hace y cómo se relaciona con el producto en cuestión? Al mismo tiempo es igual de importante mantener un nivel de complejidad. que no quieras decirlo todo de inmediato, no quieres derramar todo. Se quiere invitar a la gente a entrar, pero luego dejarlos explorar las imágenes y las palabras por su cuenta y sacar sus propias conclusiones. Tan importante como el estilo es conocer y entender a tu público, pero al mismo tiempo no jugar completamente a sus gustos y expectativas. De hecho, muchas veces es bueno jugar con estas expectativas y subvertirlas. Otra cosa a considerar son los temas de la diversidad y la representación. Entonces si estás haciendo algo bastante abstracto, como My Clouds, no es realmente un problema, pero si es una causa de la vida real entonces por supuesto es tremendamente importante ser respetuoso y al mismo tiempo pensar en el nivel de detalle que pones en representación humana. Por ejemplo, si haces algo en un estilo realista, es un poco más difícil relacionarte esos personajes porque se vuelven más específicos y más reales, mientras que algo que es más caricatura y minimalista significa que cualquier persona puede proyectarse sobre esa imagen. Aquí no hay bien ni mal, y no es una escala deslizante. Es más un tema de considerar lo que estás haciendo, y el hecho de que pueda tener sobre la gente, y si hay alguna posibilidad de mala interpretación u ofensa y cómo evitar eso. En general, la gente tiende a gravitar hacia arte que no parece que esté tratando de venderles algo, por lo que probablemente lo mejor es evitar imágenes de marketing realmente duras y agresivas e intentar ir por algo más sutil. En general, la gente tampoco disfruta sintiéndose como si estuviera siendo condescendiente. Por lo que es mejor no inclinarse a un demográfico específico y tratar de ser respetuoso en cualquier representación que elijas hacer. Entonces de nuevo, no hay forma correcta de hacer esto, lo único que puedo sugerir es hacer mucha y mucha exploración, ser juguetón y ligero, y considerando muchas opciones diferentes, diferentes medios, diferentes estilos y representaciones, y ver lo que tiene sentido. En mi propio trabajo me gusta empezar el día haciendo pequeños garabatos, aunque no lo hago todos los días, pero todo encaja en mi estética general y permite que se desarrolle lenta y poco a poco en lugar de sentarse y golpeándote la cabeza contra la pared hasta que algo nuevo salga. Creo que es realmente bueno practicar la observación para dibujar a la gente, tus amigos, y a extraños, para hacerlo en tantos estilos diferentes como sea posible. Realmente estoy en contra de toda esta idea de que como artista debamos encontrar una forma de hacer las cosas y seguir con ella. Creo que es cada vez más aceptable ser algo así como polímeros y trabajar en diferentes medios. A pesar de que en su mayoría soy conocido por mi trabajo de tinta, recientemente he estado aprendiendo Blender en 3D y haciendo cosas que están completamente fuera de mi zona de confort. Creo que también es muy importante hacer muchas versiones de lo mismo, ni siquiera tratar de explorar tanto, sino simplemente repitiendo porque es absolutamente imposible hacer el mismo dibujo dos veces y cada vez que intentas repetir algo, inevitablemente se te ocurre algo nuevo. Entonces ese proceso de exploración es cómo se llega a algo que es unificado, y simple, y se siente como si simplemente saliera de la nada. También es realmente importante considerar tu temperamento y considerar la fabricación de marcas como un proceso. Por lo que muy a menudo acabo de empezar a hacer garabatos completos que no tienen absolutamente ningún sentido ni contexto y esta es simplemente una forma de ejercer mi letra y mi gesto. Cuanto más lo hagas, más se convierte en tu propio. Entonces algo así tiene la misma letra y la misma calidad gestual que algo más elaborado. Muy a menudo dibujo demasiado y luego carteo lejos, y eso también es un proceso legítimo de minimizar tu material. Entonces muchos de mis dibujos empiezan tantas versiones que armé, borro algunos bits aquí, algunos bits allá, prueban cosas diferentes. A menudo tengo una pila de dibujos para sólo una sola impresión final, y luego al final tendrás algo como esto. Mezclar medios tradicionales y digitales te permite tener espontaneidad, pero al mismo tiempo tener control. Hablando de eso, sí tengo algunas otras clases de tinta y de medios digitales que puedes mirar para una exploración más profunda del material técnico. De nuevo, creo que es importante entender y respetar tu temperamento. Por ejemplo, soy bastante impaciente y es más fácil para mí dibujar varias versiones de la misma cosa en lugar de pulir una sola y por eso uso varios papel de impresora simple y barato para la mayor parte de mi trabajo. Encontrar al que se sienta bien en lugar de lucir lo mejor también es bastante importante porque muy a menudo no es el que es el más pulido y hermoso, sino el que transmite la sensación mejor que cualquier otra cosa. Es bueno jugar con convenciones y expectativas. Por ejemplo, en este dibujo la asignación del negro es completamente irrazonable. Hay trozos grandes que están completamente sin llenar y rompe muchas reglas de dibujo básico y de creación de imágenes, pero claro que me hace cosquillas porque es mi trabajo personal y puedo hacer lo que quiera. Entonces a medida que estás finalizando tu proyecto, piensa en quién es, quién lo va a ver, qué van a sentir, y piensa en el estilo. Al mismo tiempo, no te obsesiones demasiado con estos temas. Trata de encontrar un equilibrio entre libertad y examen. Es bueno escrutinar, pero al mismo tiempo es bueno no dejarse llevar demasiado y perder la pista de lo que realmente quieres hacer. 7. Presentar tu trabajo: Ahora, mientras estás terminando tu proyecto, pregúntate, ¿por qué está ahí? ¿ Por qué no es sólo una fotografía? ¿ Por qué necesita dibujos? A veces podemos dejarnos llevar y simplemente hacer las cosas compulsivamente sin entender realmente su propósito, y es realmente importante interrogarte de vez en cuando y averiguar, cuál es el propósito de la ilustración aquí y ¿cómo lo estás usando? Entonces, ¿cuál es la función de una ilustración? Bueno, puede haber muchas cosas que una ilustración puede hacer. Puede llamar la atención, ayudarte a destacar entre la multitud, inspirar algo, contradecir el texto, complementarlo, puede seducir al lector o tal vez apartarlos, y puede hacer todas esas cosas juntas en un forma compleja y sutil. Cuando pasamos demasiado tiempo con nuestro proyecto, puede ser fácil olvidar lo que es verlo por primera vez. Entonces es bueno alejarse de él, tal vez dejarlo a un lado, ir a dormir y luego volver a mirarlo por la mañana, mostrárselo a otra persona y ver qué piensa. Se aplica el mismo principio a la presentación final. Trata de encontrar una manera de presentarlo que le dé justicia y también juegue al lado de tu concepto. Por lo que puede ser una serie de imágenes o incluso puedes construir un sitio web o puede ser una cosa de Instagram desplazable, o una postal o cualquier cosa que tenga sentido para lo que estás tratando de hacer. Entonces para mi proyecto, lo voy a presentar como una serie de imágenes que simplemente van una tras otra y cuentan la historia. Puede ser más complicado que eso, puede ser aún más simple, lo que sea que tenga sentido para tu proyecto. Otra habilidad tremendamente importante que hay que tener es la voluntad de hacer revisiones. Tantos artistas no están del todo listos y no dan cuenta de cuánta revisión tienden a entrar al trabajo profesional, sobre todo cuando terminan la escuela de arte, y hay bastante. Poder hacer revisiones para tu propio trabajo sólo porque quieras hacerlo mejor y ni siquiera mejor, pero explorar qué otras posibilidades hay es realmente importante y útil tanto en tu profesional como en tu personal práctica. Por último, es bueno considerar cómo te presentas en Internet. Es bueno pensar cómo te ve la gente en línea. Para mí, realmente no me importa mucho, pero para las personas que están más preocupadas por su imagen profesional, eso será más un tema. Entonces para mí, soy muy abierta y honesta en mi presentación y posteo muchas cosas que no necesariamente están relacionadas con mi trabajo profesional. Pero entonces de nuevo, se une a mi estética que todas están basadas e inspiradas en la tontería y la alegría. Si vas por algo más serio, ese enfoque no tenga sentido. Lo único que hay que evitar es la afectación. Siempre es mejor presentarse de una manera honesta y directa que pretender ser el artista que realmente no eres. Entonces para mis versiones finales, fui con algo bastante sencillo. Ahí hay un logo sencillo y una tipografía simple, y luego tenemos tres imágenes que se construyen como panorama con un poco de paralaje implícito. El primero, tenemos una pequeña criatura nubosa lista para enfrentar el lienzo. Yo quería abrazar la apertura y no quería poner nada en segundo plano porque quería que pareciera que puedes hacer lo que quieras, y no es una cosa específica que se está anunciando aquí. En la segunda, quería enfocarme en la interacción de estos tres personajes trabajando juntos, y sobre todo, quería que se sintiera ligera y juguetona, y no quería darle la impresión de que están haciendo algo difícil o que le están poniendo demasiado esfuerzo. Yo quería que se sintiera como algo que cualquier persona puede recoger y empezar a trabajar. En la tercera imagen, quería enfocarme en las profundidades y la posibilidad de este proyecto. no es solo lo que ves frente a ti, sino que es infinidad de lienzos y puedes compartirlo y ver lo que la gente ha hecho en todo el mundo y así sucesivamente. Por lo que para la final, decidí usar paleta de colores muy simple y poner algo de textura de papel. De esta manera, no es exactamente la textura del cielo, pero es una textura de algo que nos es tangible y familiar y que nos recuerda a las nubes. Entonces de alguna manera se aleja un poco de la realidad, pero al mismo tiempo se siente enraizado en la naturaleza. Entonces, una vez que hayas terminado, echa un vistazo final a todo el proyecto y hazte todas estas preguntas. ¿ Qué establece cada imagen? ¿ Cuál es la progresión de uno a otro? ¿ Cómo cambia? ¿ Es necesaria una de ellas? ¿ Se puede quitar? ¿ Pueden ser reemplazados? ¿Se puede cambiar el pedido? Creo que hacer todas estas preguntas puede darte una mejor comprensión de lo que hiciste, y no es necesariamente para cambiar nada. Puede ser tan simple como obtener una mejor visión de tu propio proyecto y de lo que has logrado. Por lo que desde el lado técnico, decidí hacer todo el asunto y procrear usando pinceles de software para las capas exteriores y los pinceles un poco más duros para las propias nubes. De esta manera, hay un poco de contraste y luego las líneas en las características son un poco dentados que más dibujadas a mano. Como toque final exporté todo a Photoshop y aplicé texturas y curvas simples. Podrás aprender más sobre todas las cosas de mi clase sobre la impresión digital, que cubre todo esto y muchas otras técnicas. Para tu presentación final, puede ser lo que quieras. La forma más sencilla sería simplemente exportar un montón de imágenes y ponerlas una tras otra. Pero si quieres, puedes escribir más sobre tu idea y usar más textos e incluso animación si eso se ajusta a tus necesidades. Creo que siempre es bueno mostrar estas cosas en contexto. Entonces, en lugar de separar imágenes, toma capturas de pantalla de esa obra, o si se trata de una publicación, entonces bien podrías tomar una fotografía. Si es una portada de libro, entonces toma una foto de ella en la librería. Poner las cosas en contexto da a la gente una mejor idea de dónde pertenece y a qué función sirve. Una última pregunta que tal vez quieras hacerte es, ¿disfrutó haciendo esto? ¿ Te gustaría volver a hacerlo? ¿ Te gustaría hacerlo por el resto de tu vida? Creo que es bastante fácil quedarse atascado en hacer algo que no quieres particularmente porque es relevante en este momento o está de moda, o si solo eres bueno en ello, y puedes pasar bastante tiempo, y hablo desde la experiencia, haciendo algo que realmente no quieres. Entonces recuerda, te vas a morir, ¿te gustaría seguir haciendo esto hasta que esto suceda? Esta es una pregunta que me hago casi todos los días y realmente no tengo respuesta para ello, pero creo que es una pregunta que vale la pena examinar. 8. Reflexiones finales: Enhorabuena por terminar esta clase. Gracias por ver y gracias por todo su trabajo. Por favor, no olvides compartir tu proyecto en la galería de proyectos. Recuerda que no existe una distinción real entre arte e ilustración, entre ilustración comercial y personal, es todo lo mismo. Todas estas distinciones es el supuesto de que nosotros mismos creamos. Entonces no tenemos que pensar en esas cosas y podemos simplemente reconectarnos con la alegría de hacer y crear, y encontrar diferentes fuentes para ello y diferentes puntos de venta. Eso es lo que me gustaría que recordaran. 9. Estudio de caso: Notion: Entonces otro ejemplo de mi trabajo personal y estética alimentándose en mi trabajo comercial sería el branding que hice para Noción. Por lo que siempre he sido un gran fan del grabado y serigrafías o risograph, y siempre me ha encantado la belleza de las imágenes dibujadas a mano, y siempre he trabajado principalmente con tinta y lápices en lugar de digitales. Entonces con piezas así, haría uno o dos estampados a color, y luego también desarrollaría un hábito de unir algo una y otra vez hasta que el sentimiento sea justo, lo cual creo que es realmente importante no ir por perfeccionismo de la calidad como tal, pero por encontrar el sentimiento correcto. Entonces, por ejemplo, si miramos a estos gatos, están todos básicamente bien, pero uno de ellos es un poco más ingenuo y relajado que los demás, y ese es el que decidí usar para esta impresión final. Por lo que llevo haciendo estos estampados y dibujos de tinta para mí desde hace mucho tiempo sin ningún propósito en mente. Simplemente disfruto haciendo eso. Cuando Noción se acercó a mí, se sintieron atraídos por las cosas que he estado haciendo para New York o el New York Times que tenían una calidad muy texturizada, dibujada a mano, y querían tener algo de eso para su branding. Por lo que como producto y marca Noción se construye sobre el minimalismo y la sencillez y accesibilidad. Por lo tanto, las ilustraciones también tuvieron que reflejar la idea detrás de ella. En su momento, la mayor parte del branding de startup tecnológico era muy colorido y bastante uniforme y muy pulido y limpio. Entonces queríamos idear algo que fuera radicalmente diferente, que tuviera sólo un solo color, tal vez ocasionalmente un color secundario, su mayoría blanco y negro, y que tendría un muy gestual, dibujado a mano, tal vez una calidad ligeramente excéntrica a ella. Entonces para desarrollar el estilo Noción, inmediato fui por algo que sería muy sencillo, muy suave, y bastante pulido, pero al mismo tiempo tendría una calidad gestual bastante pronunciada. Por lo que para desarrollar un estilo que se sintió muy ventoso, y ligero, y en contacto con el producto, que también es bastante minimalista, quería llegar a este look que sólo se basa en un solo gesto para cada sencillo forma. Por lo que nunca construiría en la línea. Yo sólo usaría un gesto para definir la forma de una cara, o pelo de pelo, o cualquier otra cosa. Al principio, trabajé con solo pincel y tinta. Entonces yo haría dibujos como este, que son bastante bonitos, pero también tardaría mucho tiempo en hacer, y en el clima de inicio donde las cosas cambiaron bastante y hay que volver a trabajar el mismo elemento muchos, muchas veces, fue bastante insostenible. Por lo que desarrollaría un look ligeramente simplificado para mucho de nuestro branding, que sería lo que ahora está mayormente en la página web. Si bien todas las ilustraciones de Noción son bastante consistentes, todavía hay un grado variable de acabado para ellas. Algunas de ellas son más minimalistas, otras son más realistas, algunas se dibujan con pincel y tinta, y otras se hacen enteramente digitalmente, y eso permite un poco de variación que aún nunca cruza en territorio que no se sienta en contacto con la identidad de marca, con sus valores, y lo que significa el producto. También creo que fue bastante importante para mí investigar y entender la inspiración detrás de Noción, los pioneros competidores que los han inspirado, y eso también me permitió crear un estilo que tenía sentido para el producto y la transferencia, no sólo el concepto, sino la emoción detrás de él. Por lo que realmente no esperaba que el estilo Noción se volviera popular, pero sí, lo cual es genial. Pero también inspiró a bastantes imitadores, y creo que lo que la gente echa de menos de la calidad de ese estilo es la consistencia y el gesto detrás de él, y también la idea de que para llegar a algo que es tan minimalista, en realidad tienes que ir muy lejos y hacer mucha investigación y construir algo que esté muy por encima de la cima, luego recortarlo y llegar a algo como esto que sea muy pequeño y simple. Pero si tomas algo como esto y tratas de replicarlo, eso no funciona del todo. Es decir, si estás lidiando con la estética minimalista, siempre hay que recordar que detrás de todo simple hay una gigantesca montaña de cosas que nunca llegas a ver, que es otra vez, otra razón por la que no deberías miren demasiado cerca los productos finales de sus contemporáneos y en su lugar miren hacia atrás y traten de averiguar qué les inspiró y todas las cosas que hay detrás de las escenas, les inspiró y todas las cosas que hay detrás de las escenas, y encuentren montañas similares para luego recortarlas.