Iluminación simple para ilustración de Procreate

1. Vid 01: Oigan chicos, mi nombre es María. Soy ilustrador y diseñador de personajes de Turín, Italia. Esta es mi quinta clase en Skillshare. Y quizá hayas visto antes algunas de mis clases. Generalmente se enfocan en el arte digital y mantienen una imagen de referencia entrando unidad en un personaje fértil. Me encanta crear clases para la persecución porque la comunidad es súper solidaria. Y también me gustan los archivos que ustedes me pueden dar retroalimentación y puedo implementar clases que ustedes chicos realmente quieren ver en mis anteriores clases de personajes de dibujos animados. Obtuve muchos comentarios pidiendo un enfoque más profundo en la iluminación y el sombreado. Entonces básicamente aquí es donde me enfoco en la iluminación y el sombreado. Creo que la iluminación y el sombreado son temas algo difíciles de abordar porque la iluminación es tan importante, puede tardar sólo el 20 por ciento del tiempo que le das a una pieza, pero en realidad tiene un enorme impacto en atraer al espectador ojo. Apareciendo, sobre todo en redes sociales donde las imágenes son tan pequeñas y necesitas todo lo que puedas conseguir para atraer la atención de la gente. En esta clase, traté de poner tantos conocimientos y consejos prácticos como sea posible para que ustedes puedan sentirse más cómodos y más competentes cuando hagan iluminación y sombreado. Me voy a centrar primero en la teoría, hablando de la teoría del color y cómo la vida de hecho puede colorear y qué tipo de sombras puede crear. Y luego a partir de ahí, voy a seguir adelante y mostrarles ejemplos prácticos de cómo se puede configurar uno de los ajustes fotográficos más comunes que se pueden obtener, que es la iluminación de dos puntos y la iluminación de tres puntos. Y entonces realmente voy a sacar mi iPhone y en realidad tratar de aplicar ese conocimiento a diferentes momentos del día. Es a plena luz del día, al atardecer y luces nocturnas. Estoy usando Procreate en mi iPad, pero podrías estar usando Photoshop u otra tableta digital y no sería muy diferente considerando Procreate y Photoshop tienen una configuración de mezcla muy similar para las capas son, por lo que es bastante fácil migrar de una a otra. Dijo, esta no es una clase de principiantes. Siento que necesitas tener confianza razonable a la hora de esbozar y posar, anatomía, coloración plana, etcétera. Porque solo voy a hablar de iluminación si sientes que necesitas un poco de cepillarte en esos otros temas, recomiendo que vuelvas y te lleves 10 mis gafas y cómo convertir una imagen en un personaje de caricatura para luego venir de vuelta aquí cuando termines, creo que eso es todo por ahora. Por favor hágame saber qué piensa de esta clase en la sección de discusión del curso. Y también me encantaría que me etiquetaras si compartes tu trabajo en redes sociales en cualquier lugar. Soy ilustración de subrayado MLM, básicamente en cualquier plataforma. Y me encantaría darte un grito. No olvides actualizar tu progreso. Y te veré en el primer video donde hablo de la teoría del color. 2. Teoría: Colour pt. 1: Hola chicos, y bienvenidos al primer video teórico en este curso. Como mencioné antes, voy a hablar rápidamente de color y luz para darte una base general antes de sumergirte en las sesiones de práctica. Para empezar con el concepto básico. El mismo motivo por el que vemos color es porque hay luz. Los objetos no tienen inherentemente un color para el ojo humano. Y pueden parecer que son varios tonos del mismo tono de acuerdo a la cantidad de luz a la que están expuestos. Por lo que los dos conceptos, el color y la iluminación, están intrínsecamente atados. Pero, ¿qué es esta terminología que estoy usando? Empecemos explicando algunos de los términos que estaré usando en las clases para que todos podamos estar en la misma página. El término hue se utiliza a menudo como sinónimo de la palabra color. No obstante, más específicamente, un matiz es un color puro. Es decir, es la longitud de onda principal de un color de los 12 colores presentes en la rueda de color, que comprende los colores primario, secundario y terciario. Por supuesto, no muchos colores que encuentras en la naturaleza son tonos puros, sino más bien son toneladas de un tono específico. Es decir, colores que han sido desaturados, pero no son blanco y negro. Saturación es un término usado para definir qué tan vibrante o puro es un color. En la pintura de la vida real, se puede desaturar el color agregando gris o un color en el lado opuesto del pellet, lo que efectivamente mata la vitalidad del color. Esto es diferente de lo claro u oscuro que puede ser un color, que se expresa en su lugar por el valor de un color. Y ahora esto puede ser confuso, sobre todo porque puedes mirar un color más oscuro y pensar que también está menos saturado que uno más claro, pero ese no es el caso. En realidad, los colores oscuros también pueden estar saturados. Simplemente son de un valor menor en comparación con los colores más claros. Si miras las opciones de color en Procreate, ves que puedes visualizar la rueda de color de varias maneras diferentes, lo que te ayudará a entender prácticamente estos conceptos. Entonces echemos un vistazo juntos. La primera opción que encontrarás es visualizar el color en la opción tradicional de rueda de color redondo te muestra un anillo exterior con todos los diferentes tonos y un disco interno mostrando saturación. Puedes seleccionar tu tono básico moviéndote alrededor del anillo exterior y luego afinar la saturación de ese tono moviendo el dedo en el disco interno. Puede que no sepas que simplemente puedes pellizcar el disco interno para hacerlo más grande y permitirte más control en la selección de la saturación. Si tocas dos veces en cualquier lugar dentro del disco interno, procreate automáticamente ajustará tu color elegido al valor puro más cercano. Entonces como puedes ver aquí, estoy seleccionando estos tonalidad dorada oscura. Pero si toco dos veces, se encaja a un diferente. Amarillo más oscuro o más claro, que son las versiones de negro puro, blanco puro, media saturación o saturación completa de la vista. Personalmente me gusta mucho este formato de visualización de color ya que creo que combina la ayuda de ver los colores como una rueda de color con la flexibilidad de elegir su propio valor y saturación. A la segunda opción de visualización se le llama color clásico. Se divide en, con el área más grande siendo retomada por la vista de color clásica que tienes en otro software como Photoshop, un rectángulo donde puedes cambiar el brillo y la saturación de un cierto tono. Para cambiar el tono real, tienes tres deslizadores debajo. El primero cambia el tono, y el segundo cambia estas iteraciones. Y el tercero el valor. Esta es la visualización que puede ayudarte a entender mejor la diferencia entre saturación y valor. Como puedes ver aquí, estoy manteniendo el mismo tono, pero cambiando valor y saturación, lo que por supuesto cambia la percepción del color. más interesante, si guardo el mismo valor y saturación pero cambio el tono, tenemos colores radicalmente diferentes donde el 1 de mayo parece ser más oscuro que otro. Pero como el valor es el mismo, sabemos que puede ser el caso. El motivo por el que esto es importante es que al usar Hughes, la apariencia del valor puede ser engañosa. Para evaluar adecuadamente el valor de una pieza equipo europeo, debes quitarte el color y trabajar en escala de grises para que puedas estar seguro de que puedes colocar la cantidad correcta de valor en las diferentes partes de la imagen de acuerdo a su cercanía con la cámara. Esto se debe a que en perspectiva y sobre todo una perspectiva UDL, cuanto más cerca esté un objeto de la cámara, menor será el valor, lejos sea el objeto, mayor será el valor. Trabajar en escala de grises puede ayudarte a entender cómo configurar correctamente la escena en tus piezas. Pero no te preocupes, hablaremos más de esto en los próximos videos. El tercer color de visualización en procreate se llama Armonía. A pesar de que estas representaciones no son súper precisas ya que combina tono y saturación juntos. Es genial para elegir paletas de colores ya que automáticamente te muestra las diferentes combinaciones de colores para un tono específico, simplemente tienes que elegir tu matiz y saturación moviéndote dentro del disco y ajustar el valor moviendo el deslizador arriba y abajo. Entonces si alteras las opciones de armonía, procreate seleccionará los colores apropiados en el disco. Las principales combinaciones de colores utilizamos nuestra split de cortesía, cortesía, triádica análoga y tetrárquica. cortesía son dos colores que se encuentran enfrente en la rueda de color. Split complimentary te mostrará dos colores que están en el lado opuesto de la rueda de color a la original. Por lo que tendrás un tono cálido y los demasiado fríos o viceversa. El esquema análogo seleccionará dos colores que están cerca de cada lado del tono original. Por lo que serán tres colores cálidos o tres colores dando una sensación de uniformidad a la paleta. Entonces tienes los esquemas triádicos y tetra fueron procrear, lo encontrará tres o cuatro colores que son todos equidistantes en la rueda, resultando en que ningún color aparezca como dominante. Si estás trabajando con una paleta de colores limitada, y siempre te recomiendo practicar palets pequeños antes de pasar a los complejos. Te sugiero que empieces con el split de cortesía, donde el color original será el tono dominante, y los otros dos aportarán un punto culminante y un acento a la composición. Pero de nuevo, no te preocupes por los detalles ahora mismo, vamos a hablar de paletas de colores en un video posterior. A la cuarta pestaña del panel de color se le llama valor, y se le llama de esta manera porque representa el color en una escala de grises. Pero debido a que puedes ver un enter valores precisos para definir tu paleta de colores, puedes crear colores moviendo manualmente los deslizadores de tono, saturación y brillo, o debajo de los deslizadores RGB o introduciendo valores en ellos. También puedes usar códigos hexadecimales específicos que puedes encontrar en línea. Pero no creo que eso sea tan útil. Por último, la última pestaña se llama paletas, y ahí es donde se pueden encontrar las paletas nativas de Procreate, las que vienen con el software. La primera vez que abres la app, estás guardada. Puede crear una nueva paleta tocando el símbolo más en la esquina superior derecha y seleccionando la primera opción nueva paleta, luego puede cambiarle el nombre simplemente tocando el nombre sin título. Y si tocas alguno del espacio vacío dentro de la paleta, guardas el color que estás usando actualmente. Si cambias el color y luego tocas un nuevo espacio vacío, tu guardas ese color también. Si desliza todo el palé hacia la izquierda, verá que puede compartirlo con diferentes aplicaciones como muestra de Procreate o borrado. También puedes crear una paleta de colores desde tu cámara o desde una imagen, que son algunas integraciones bastante dulces implementadas por Procreate 5. Esto es bastante cool ya que creará automáticamente una nueva paleta con todos los colores principales de la imagen, lo cual es útil, sobre todo si estás pintando algo realista o haciendo un estudio partiendo de referencia. En general, tiendo a mantener la pantalla clásica como predeterminada, pero cada representación tiene sus pros y sus contras. Por lo que te recomiendo que las pruebes todas primero y veas cuál te conviene más. Ahora que hemos hablado un poco de la teoría del color e introducir algunos de sus conceptos clave y terminología. Creo que es seguro pasar a la teoría detrás de la iluminación. Para esta asignación de videos, simplemente me gustaría que te familiarizaras con procreate varias pestañas de colores y crearas algunos esquemas de color usando las herramientas de armonía. Siempre puedes registrar tu progreso en el proyecto que puedes crear en el área de proyectos de este curso. Y espero con ansias verlo. Nos vemos en el siguiente video. 3. Teoría: Colour Parte 2: Hola chicos y bienvenidos al segundo video teórico dedicado al color y específicamente a los esquemas de color. Pensé que te daría alguna idea de los precios de mi paleta de colores, Ya que la iluminación y los colores están muy entrelazados. Y a veces podemos encontrarnos en duda cuando se trata de esquemas de color efectivos. En el video anterior, te mostré cómo puedes usar la pestaña Armonía de Procreate para ayudarte en tu toma de decisiones. En este video, te voy a mostrar en la práctica cómo diferentes paletas de colores pueden cambiar radicalmente el mismo boceto o personaje exacto. En primer lugar, estoy dibujando rápidamente a un personaje femenino. Nada de fantasía, sólo algo para usar como base para nuestras pruebas de color. Ya que vamos a experimentar con colores audaces, me siento inspirado en las vibras de los 80 y los trajes de pantalones power. Ahora que tengo a mi personaje con un arte de línea limpia y te animo a tomar mis cursos de diseño de personajes aquí en Skillshare. Si quieres ver este proceso explicado en profundidad, puedo empezar a crear algunas paletas de colores. Siempre que estoy trabajando en personajes que vienen directamente de mi imaginación, es decir, no soy color escogiendo sus colores originales de una referencia. Normalmente desarrollo miniaturas de color para jugar con opciones. Un pulgar de color es básicamente una capa de color rugoso que creé debajo del line art, donde rápidamente coloreo en toda la silueta del personaje. Entonces yo pixel bloqueo la capa deslizando, izquierda con dos dedos para que pueda colorear en cualquier lugar alrededor del lienzo, pero los trazos solo aparecerán en la parte superior de las áreas que ya están coloreadas. Empiezo con el esquema de color triádico. Usando estas aguamarina TO tipo de color como sombra primaria. Sé que he escrito split de cortesía en el Lienzo. Eso fue en realidad un error ya que me confundí, Perdón por eso. Este es el esquema de color triádico. Coloca tres diferenciados en la rueda de color a la misma distancia en relación entre sí. Esto significa que tendremos algunos contrastes de color muy audaces ya que los tonos no tienen nada en común entre sí. Este es un gran esquema de color para el diseño gráfico y dibujos e ilustraciones más estilizados. Para crear el pulgar de color, utilizo la herramienta de selección para crear rápidamente una máscara alrededor del contorno del personaje y luego llenarla con el color primario. Cuando termine de colocar los otros dos tonos en la imagen, duplico la capa de color, la redimensiono, y la coloco a un lado para compararla con la siguiente. El segundo esquema de color es en realidad el complemento split, que es mi paleta de elección. En la mayoría de las ocasiones, estoy usando la misma aguamarina que el color primario y la pestaña Harmony en procreate es encontrar los otros dos tonos de cortesía divididos para ir con ella. Estos dos tonos se van a colocar ligeramente más altos y más bajos en comparación con los colores originales, sombra de cortesía real. Por lo que crean unos contrastes bastante fuertes con el aqua marine, pero no están en fuerte contraste entre sí, alcanzando un buen equilibrio entre audaz pero también armonioso. Por supuesto, a la hora de colorear nuestro personaje, lugar de usar estas paletas para el diseño gráfico, tenemos que considerar que a menos que tomemos una decisión para quedarnos muy, muy estilizados, vamos a tener que usar más de tres colores para el tono de piel del personaje y diversos accesorios. Cuando hago los pulgares de color, no considero elementos como labios, ojos, o cualquier otro detalle. Simplemente estoy probando las opciones para las áreas más llamativas del personaje. No obstante, suelo añadir al menos un tono diferente más natural para el tono de piel con el fin de crear un poco más de contraste entre el atuendo en el cuerpo de los personajes reales. Este es el caso también para la tercera paleta de colores y creando el esquema análogo, que agrupa tres tonos muy cerca uno del otro, creando una combinación armoniosa pero quizás no muy llamativa. Rara vez elijo este esquema de color para los personajes, ya que sobre todo en las redes sociales, los espectadores se sienten atraídos por los colores atrevidos y No obstante, esta puede ser una buena opción en algunas instancias. Nuevamente, sobre todo si estás tratando de hacer algo más bien estilizado o con fines de diseño gráfico como la ilustración de revistas. La cuarta paleta de colores que estoy probando, la tetrad, el esquema. De igual manera que el triádico, este piloto reúne para colores que son equidistantes entre sí en la rueda de color. Nuevamente, creando un contraste muy fuerte, sobre todo cuando se parte de un color primario bastante brillante. Esta opción le dará al personaje una vibra juvenil, quizás recordando al espectador los años ochenta y noventa donde la moda y los accesorios favorecen este tipo de opciones de color. Como mencioné antes, probablemente voy a usar el esquema complementario split para este personaje es lo que hago generalmente para la mayoría de mis personajes e ilustraciones. Esto se debe a que este bit complementario puede ser a la vez audaz y armonioso, teniendo un color como tono principal, uno como su punto culminante, y el tercero como el acento contrastante. Por supuesto, como dije, ya que este es un personaje humano, probablemente voy a usar unos tonos más para rellenar los detalles y darle al personaje adjuntar más realismo. No obstante, depende enteramente de ti, y te recomiendo que no agregues más de dos o tres colores a la paleta, manteniéndola alrededor de cinco o seis colores en general, para que puedas practicar bien el uso de pequeños pellets, antes de pasando a los estilos más complejos, realistas o pictóricos. A modo de asignación para este video, me gustaría que tomaran el contorno limpio de uno de sus personajes. O pueden usar este ya que estoy compartiendo el archivo PSD con ustedes chicos y jugar con diversos arreglos que los inspiran. Intenta cambiar el color inicial y ve cómo los esquemas de color también cambian. Al final del día, las paletas de colores y la estética son en gran medida un asunto personal y subjetivo. Y muchas veces la misma persona puede cambiar radicalmente de acuerdo a su estado de ánimo y periodo de un año. Entonces no hay nada que siempre funcione al 100%, sino más bien mucha experimentación y ensayo y error. Diviértete. 4. Teoría: iluminación y sombreado: Hola chicos, y bienvenidos de nuevo a un nuevo video de teoría en esta clase. En este video, voy a hablar de cómo funcionan la iluminación y el sombreado en teoría, qué tipo de sombras puedes encontrar y qué tipo de reflejos podemos ver en la pintura. Como establecimos en el video anterior, cuando la luz golpea un objeto, rebota hacia atrás, transmitiendo información a nuestros ojos y así percibimos el color. Otro efecto de cualquier tipo de iluminación, calentar un objeto es que creará áreas donde el objeto es más claro y áreas que son más oscuras según su proximidad a la fuente de luz. Esta es la base para la iluminación y el sombreado en la pintura. Los objetos tienen dos tipos de sombra, fundición y forma. Las sombras proyectadas se crean cuando algo bloquea la luz. Por lo que pueden ser causados por un personaje o un objeto en un entorno o Bye parte de ese personaje u objeto al conjunto, prácticamente hablando, el área oscura debajo de la nariz de alguien, por ejemplo, o el área en el cuello justo debajo de la barbilla es una sombra de fundición, o incluso la sombra que proyecta un personaje en el piso o en algún mueble que se paran detrás de ellos. Eso también es una sombra de fundición. Las sombras de forma son mucho más sutiles que las sombras proyectadas. Son más suaves y menos intensos porque son creados no por un objeto que impide el camino de la luz, sino simplemente por la luz que no llega a esa zona. Las sombras de forma son esenciales para hacer que un objeto aparezca 3D, y no necesariamente se utilizan en todos los estilos de dibujo. estilo de dibujos animados por lo general no emplea sombras de forma real, aunque los estilos más realistas y el estilo de caricatura 3D hacen uso de ellos con el fin de definir una forma sin el uso del liner. El modo en que se pintan las sombras tanto de forma como de fundición e interactúan con el objeto o personaje de la escena tiene que ver con la forma 3D de los objetos. Por lo que si quieres pintarlas con precisión, debes estudiar anatomía o obtener una referencia para que puedas estudiarla. Muchos errores los cometen los principiantes. Tratan de implementar el sombreado sin referencia porque nuestra mente tiende a maquillar cosas que no conocemos muchas veces sumadas a una falta de realismo. Por otro lado, tenemos áreas más ligeras sobre los temas que se denominan destacados. Y pueden ser más o menos intensas según el material del objeto y la proximidad a la fuente de luz. Por supuesto, si optas por representar los diferentes tipos de material o no es en gran medida una cuestión de estilo. Como dije antes, los estilos más realistas prefieren mostrar estas diferencias detalladas para sumar a la complejidad de la textura. Por ejemplo, si tiene un objeto que es plástico o un objeto que es vidrio, o un objeto que es escalera. Este tipo de material reflejará la luz de una manera muy diferente. Más estilos de caricatura ignoraron personalmente este tipo de diferencias. Y si viste mis cursos anteriores sobre la creación de personajes de dibujos animados, probablemente ya lo sepas. Tengo más de un estilo de caricatura cuando dibujo para proyectos personales. Por lo que a veces tengo que emplear estilos más realistas al trabajar con clientes. Pero para el propósito de este video, me voy a apegar a consejos y técnicas de iluminación de caricaturas. Como asignación. Me gustaría que ustedes tomen diferentes objetos cotidianos que pueden encontrar en la casa, como gorras, frutas, u otros sólidos. Yo estoy eligiendo vela aquí y apuntarles una lámpara desde diferentes ángulos para que puedan observar primera mano el tipo de sombras que se desarrollan sobre ellas. También puedes tomar fotos como yo he hecho todos estos efectos e intentar replicarlos con sencillos dibujos en tu Lienzo. En el siguiente video, vamos a empezar a entrar en la parte de práctica del curso. Entonces vamos a tener una amplia ocasión para hacerlo en ese momento. Diviértete como de costumbre, y te veré en el siguiente video. 5. Ajustes y herramientas de lienza de Procreate: Hola chicos, y bienvenidos al último episodio en una sesión de teoría de esta clase. Antes de empezar a las sesiones de práctica, necesitas configurar tu lienzo en Procreate. Existen varias relaciones de tamaño estándar ya presentes entre las que puedes elegir. Pero me gusta tener el mío propio. Por lo que he creado unos lienzos cuadrados estándar de varios tamaños. Y te mostraré cómo crear el tuyo. Arriba en la esquina superior derecha de la galería. Y llegarás a una nueva ventana donde podrás ingresar tu tamaño preferido y DPI. DPI significa puntos por pulgada y se refiere a la cantidad de puntos que se pueden colocar en impresión en una línea de un centímetro. Por supuesto, las pantallas no tienen puntos, tienen píxeles. Por lo que esto realmente no debería importar si pretendes que tu obra de arte se mantenga digital. Alto valor en el BI y asegura que su obra de arte luzca nítida cuando se imprima. Entonces si no estás seguro de si vas a imprimir tu obra de arte o no, Probablemente lo mejor sea mantener tu DPI bastante alto por si acaso creo que lo mejor de ambos mundos en cierto modo es tener unos lienzos cuadrados que sean mejores si quieres compartir en redes sociales. Y además mantenga su resolución de DPI en 300 para que aún pueda imprimir su obra de arte si desea correr y no tendrá ningún problema. Ahora que tienes tu configuración de Canvas, puedes importar un carácter de color plano desde un dibujo que hayas reparado o simplemente abrir el archivo PSD incluido en este curso. Esta es la etapa de color de inundación del personaje rápido que dibujé antes en el video de la teoría del color. Y eres muy bienvenido a usarlo como práctica, siempre y cuando me anheles. Si lo publicas en redes sociales, si quieres, puedes dibujar tu propio personaje ahora mismo. Simplemente deja de ver este video y ve a ver mis cursos anteriores sobre cómo dibujar personajes de dibujos animados en Procreate o Photoshop. Más pasos hasta llegar a la parte de sombreado e iluminación y luego volver aquí cuando estés listo. Dentro del lienzo procreate, se puede ver tenemos un área vacía muy grande, que es donde se puede dibujar. Alrededor del área de dibujo. Hay varios deslizadores y botones. Partiendo de los deslizadores de la izquierda, tenemos el tamaño del pincel y la opacidad. Pasando a la esquina superior derecha, está la herramienta de pincel, hace mera o herramienta de mezcla, el borrador, el panel de capas, y las pestañas de color, que ya hemos explorado. En la esquina derecha de la barra superior, encontramos la llave pequeña que significa ajustes donde se puede cambiar el tamaño del lienzo, la importación y exportación y cosas por el estilo. El panel de efectos, la herramienta de selección, y las herramientas de movimiento y cambio de tamaño. Una de las pocas cosas técnicas que necesitamos para esta clase es entender el concepto de capas y ajustes de mezcla, que es la base para lograr efectos de iluminación en este flujo de trabajo. Las capas son diferentes. Niveles de transparencia en el Canvas que se superponen entre sí en un nivel entero lógico y jerárquico. Los puedes encontrar en la pestaña de capas y funcionan de una manera bastante sencilla, simplemente cubriéndose unos a otros. A medida que te mueves a la parte superior, cada capa está encima de otra, cubriéndola y no dejándote ver lo que hay debajo si la coloreas completamente. He dibujado un punto morado en el lienzo en una capa. Si creo una nueva capa en la parte superior y cambio su configuración de mezcla, esa es la forma en que Procreate lee, que las capas interactúen con la capa debajo para superponerse, por ejemplo, lo que dibuje en esa capa también cambiará el punto morado I dibujó debajo. Si hago lo mismo dos veces más, una vez cambiando el ajuste para multiplicar y quiere agregar. Se puede ver que el mismo color amarillo pálido se está comportando de manera muy diferente encima de ese punto morado. De acuerdo con el tipo de ajuste de mezcla. Estos son los conceptos básicos detrás de deleitarse en este flujo de trabajo. Como la mayoría de mis consejos y trucos, nuestras experimentaciones se basan en cambiar la configuración de mezcla y ver qué sucede con la imagen de debajo. La mayor parte del sombreado que crearé se hará con estos color púrpura neutro utilizando la mezcla Multiply en ajuste y la mayor parte de la iluminación usando el amarillo pálido con el ajuste de mezcla de superposición. Voy a acercarme más a estas técnicas en los próximos videos, pero quería empezar a mencionar estos términos ahora. Para esta asignación, por favor juega un poco con Procreate y experimenta con cada ajuste de encuadernación diferente para que sepas qué esperar para el resto de la clase. 6. Configuración de iluminación de 2 puntos: Hola chicos y bienvenidos de nuevo. En este video, voy a mostrar cómo funciona la configuración fotográfica más común, la configuración de iluminación de dos puntos. He terminado rápidamente de colorear el personaje de prueba desde antes de usar la paleta de colores complementarios split. Nuevamente, si quieres ver el proceso completo de cómo me acerco a las ilustraciones de personajes hasta este punto, te recomiendo que vayas a tomar el Creating a cartoon character en la clase Procreate. Si te encuentras arriba, Pasemos a punto la iluminación no es de extrañar hace uso de dos luces para resaltar las formas 3D del sujeto en la escena de una manera que no es necesariamente natural, pero que es lo suficientemente realista y llama la atención sobre los detalles que desea que el espectador note. la primera luz que se pone en la escena se le llama Luz Clave, y es una luz fuerte, ya sea el sol o una fuente artificial. Esta diapositiva invertirá la forma 3D del objeto creando sombras de forma en las áreas a las que no puede llegar. Entonces, en cierto modo, es sólo el elemento contador a una sombra de forma. Estoy dibujando las fuentes de luz como una flecha 3D aquí porque creo que es muy útil, sobre todo como principiante, tener un recordatorio constante en la página de donde viene la luz para que puedas analizar cómo se va a golpear los planos de la cara y el cuerpo del personaje y crear un sombreado preciso. La luz clave rebotará sobre los elementos del entorno, como las paredes, el cielo, etcétera, y reflejará de nuevo sobre el tema, creando una segunda luz más débil llamada luz de relleno es luz hará que la forma más oscura sombras un poco menos oscuras, aunque no tan ligeras como las invertidas por la luz clave. En este video, te voy a mostrar cómo crear sombras, no por adición, sino por resta. Esta es una forma ligeramente, ortodoxa de pintar sombras. Y normalmente no lo hago de esta manera cuando estoy pintando, pero creo que es más fácil entender el concepto es camino. He creado una nueva capa en la parte superior de la imagen, enlace a ella vía máscara de recorte. Una máscara de recorte es simplemente una forma de vincular una capa a otra para que los únicos trazos que aparecen en el Lienzo sean los pintados sobre la silueta original de abajo? He dicho esta capa sobre multiplicar, ya que es la capa de sombreado, y eso lo lleno con un color azul profundo. Esto se debe a que las sombras y los reflejos nunca son, nunca, solo en blanco o negro. Para asegurarse de que no desaturen a todo el personaje. Siempre debes usar sombras y reflejos de colores. Como decía antes, sin luz, el personaje estaría totalmente a la sombra. Entonces eso es lo que estoy imitando colocando encima una capa completa de sombra azul. El segundo paso es averiguar cómo la luz clave fuerte está golpeando la forma 3D del personaje. ¿ Qué áreas son convexas y qué áreas son cóncavas? Cuáles son los poderes que primero golpeará la luz, y cuáles serán cubiertos y en la sombra, como mencioné antes aquí, un buen conocimiento de anatomía te ayudará mucho. Pero en un pellizco, también puedes simplemente intentar colocarte frente al espejo en la misma pose y tomar una foto para que tengas una referencia para el cuerpo. Creo una nueva capa y la configuro para superponer el ajuste habitual para la iluminación y empiezo a marcar más o menos en el personaje. A las áreas que creo van a ser golpeadas a toda su fuerza por la luz clave. No tienes que ser súper preciso aquí. Esto es más una guía que nada. Cuando estés satisfecho con tu análisis, es hora de volver a la capa de sombras, seleccionar la herramienta de borrador y empezar a borrar encima de las áreas que has señalado como reflejos. Esto es lo que quise decir por proceso de resta. No estamos pintando las sombras encima del personaje. Estamos borrando la sombra de las zonas donde la luz está golpeando, que es exactamente lo que sucede en la vida real. Y la razón por la que creo que es más fácil pensarlo Hace forma de entender cómo funciona la luz. Como puedes ver, al astillar a la sombra con un cepillo duro, estamos creando un fuerte contraste y destacando muy claramente ¿cuáles son las formas 3D del personaje y sus accesorios? En realidad, podrías incluso pensar que estas sombras son un poco demasiado fuertes, y eso es cierto. Este tipo de iluminación ahora se parece a la configuración de focos, donde solo tienes una fuente de luz fuerte que se inclina sobre un tema, lo cual es un tipo de configuración muy dramático. Iluminación de dos puntos. Tenemos que añadir la segunda fuente de luz, la luz de relleno difusa que hace que todo sea un poco más natural. Por lo que el tercer paso es tomar la capa de sombra y bajar su opacidad del 100% al 20 o 30 por ciento, o incluso 15%, dependiendo del tipo de color que elijas para la sombra. Esto imita los efectos de la luz de relleno, que es la luz que rebota sobre el sujeto y alrededor de la habitación, dada una fuente de iluminación difusa y más suave, borrando el contraste de las sombras proyectadas más fuertes. Como mencioné, no necesariamente uso el método de resta cuando pinto en general, sino más bien ítem a pintar las sombras sólo en las zonas donde se necesitan, como te voy a mostrar en los próximos videos. Pero puedes trabajar de cualquier manera, lo que sea más cómodo para ti. Cuando me he ocupado del sombreado, suelo añadir algunos reflejos usando amarillos o varios tonos en una capa establecida en superposición o agrego, dependiendo de la intensidad de la fuente de luz, reflejos suelen ser muy áreas limitadas que ayudan a levantar algunos de los mejores detalles de los personajes. Al igual que el brillo en el cabello, pequeños puntos claros en los ojos, aretes, u otros accesorios metálicos calentados por el personaje. Trata de mantener el contraste entre las porciones resaltadas y no resaltadas del personaje bastante alto para que puedas destacar detalles específicos en lugar de tener una pieza entera luciendo sobreexpuesta. Si lo desea, también puede agregar una tercera luz, que va a hacer que la configuración parezca un poco menos natural, pero puede proporcionar una separación muy efectiva para el personaje del fondo. la tercera luz se le llama luz de llanta. Por lo general, es una fuente artificial de luz proveniente de la parte posterior del sujeto que resalta su silueta. El tercer semáforo es especialmente útil si estás dibujando una escena nocturna. La forma del personaje se está perdiendo dentro del fondo ya que puedes pintar fácilmente la luz del borde de un color neón y justificarla con algunas luces de neón nocturnas, por ejemplo. Vamos a hablar más de la iluminación artificial y las luces de la llanta en un video posterior cuando nos acercamos a la iluminación dramática, no te preocupes. Por ahora, estos son los fundamentos para configurar efectivos también. Y la iluminación de tres puntos, de nuevo, un gran todoterreno para piezas genéricas de personajes que no necesitan configuraciones dramáticas sino que son solo piezas de presentación. Como tarea, te animo a que descargues el archivo PSD con el personaje de práctica de color plano, y practiques pintar sombras usando el método de resta siguiendo los tres escenarios que creé para ti. 7. Práctica: luz del día: Oigan chicos, y bienvenidos de nuevo al segmento de práctica de esta clase. Ahora que hemos introducido la configuración y los conceptos básicos detrás de 23 iluminación, quería mostrarte prácticamente cómo puedes recrear diferentes momentos del día usando capas y ajustes de mezcla. Voy a empezar con un tipo de situación de luz diurna genérica. Simplemente he ido en internet y googleado día de configuración de iluminación para encontrar esta imagen. Pero también puedes buscar referencias en Pinterest o incluso disparar en el que estás. Lo primero que debes hacer es observar la referencia e identificar la luz principal o la luz clave. Observe cómo golpea al personaje mirando la dirección e inclinación de las sombras, luego se puede identificar de dónde viene la luz de relleno, que suele ser desde el ángulo opuesto de la luz principal ya que es el producto del rebote de la luz clave sobre el medio ambiente. Por último, se puede buscar en la imagen una tercera fuente de luz, que suele venir de detrás del sujeto, y se llama luz de llanta. Es posible detectar a la luz del borde porque suele producir reflejos muy brillantes en la silueta del sujeto. Es diferente a la luz clave, porque si pones el nivel de brillo de estas dos luces, escala, la luz del borde es mucho más intensa que la luz clave al punto de que quema ligeramente la imagen donde la golpea, marcando claramente los contornos del personaje. Es por ello que la luz de llanta funciona particularmente bien en contextos donde los brazos o las piernas del personaje o alguna otra parte del cuerpo o accesorio se separa de la forma principal y por lo tanto deja un agujero para que pase la luz de atrás, haciendo que toda la silueta sea más fácil de leer y más atractiva. Una vez que haya analizado y puesto en sus notas de dónde provienen las luces principales. El segundo paso es aproximar el color de las luces y sombras. Digo aproximado porque no hay forma de que lo puedas encontrar con 100% de precisión. Pero incluso si no lo haces bien la primera vez, puedes cambiar fácilmente el color más adelante ya que lo vamos a mantener en una capa separada, suelo usar el color picking dos en tasa de Brock para muestrear un resaltado en la imagen y luego ir de ahí para definir el color de la luz clave. Dijeron que para un día completo cuando la luz solar natural, por lo general el color será una luz, amarilla. La luz de llanta suele ser un tono más claro del mismo color que escogiste para la luz clave. Por lo que un amarillo aún más pálido en este caso. Si bien para la sombra, puedes volver a la luz clave y seleccionar el esquema de colores de cortesía en la pestaña Harmony. Esto se debe a que aparte de raras ocasiones en las que estás usando iluminación artificial, la sombra y los reflejos suelen ser dos colores complementarios, un gusano y uno frío, para equilibrarse entre sí y darle más armonía al conjunto pieza. Ahora, ¿qué hemos analizado el cuadro de referencia? Apliquemos este conocimiento a nuestro personaje de prueba. Voy a considerar la misma dirección e intensidad de las fuentes de luz en la imagen y aplicarlas al personaje. Por lo que necesito mirar la gran flecha de luz clave 3D, y averiguar cómo la luz va a golpear la forma 3D de mi personaje. En primer lugar, voy a identificar las áreas del cuerpo del personaje. Van a ser impactados por la luz clave con toda su fuerza. El semáforo viene de la esquina superior izquierda. Por lo tanto, va a calentar ligeramente los personajes lado derecho de la cara y el cuerpo desde el frente. Como puedes ver, he colapsado el personaje en una sola capa para facilidad de uso, pero puedes mantener una copia de seguridad de los personajes, varias capas en un grupo de capas diferente si quieres conservar la posibilidad de hacer ajustes por la línea te animo a crear una nueva capa encima de la figura y marcar con un color audaz como el rojo. Todas las áreas que sobresalen, empujan hacia fuera o convexas, y por lo tanto atraparán primero la luz. Cuando dibujes estas áreas, intenta recordar los volúmenes 3D de estos elementos y sigue su borde con líneas curvas para asegurar que no salgan tan planas. Por ejemplo, la frente, las mejillas y la nariz están por todas partes que sobresalen de la cara y lo tanto serán golpeadas por la luz primero en su parte superior redondeada, al igual que un tazón. se golpeará el hombro derecho, el pecho, la etiqueta de las chaquetas y una pequeña parte del hombro izquierdo Tambiénse golpeará el hombro derecho, el pecho,la etiqueta de las chaquetas y una pequeña parte del hombro izquierdocomo el dorso de la mano derecha y la pierna delantera. Estos son todos los aspectos destacados en el cuerpo. Todo lo demás va a ser en forma sombras, diversas áreas de sutil sombreado, no directamente alcanzadas por la luz. El segundo paso es identificar las sombras. Aquí, no estamos buscando sombras de forma, sino sombras proyectadas , las sombras creadas por un objeto o parte del cuerpo bloqueando el sol y por lo tanto creando un área sombreada dura. Las sombras fundidas suelen encontrarse en la cavidad orbital, debajo de la nariz y la barbilla, en el cuello, dentro de la oreja, debajo o detrás de las prendas que crean pliegues o caídas en el cuerpo. Entre el cabello en la parte posterior de la cabeza, en la mitad inferior sobre parte esférica del cuerpo como los senos o el vientre. Usted ha identificado estas áreas. Vamos a probar nuestras suposiciones creando una nueva capa, vinculándola a la imagen principal a través de la máscara de recorte y cambiando el ajuste de mezcla para multiplicar I color, escojo el tono azul de la sombra y procedamos a pintar todo el proyecta sombras con el pincel de tinta seca, mi pincel favorito en procreate porque es tan versátil y úsalo para todo, desde bocetos hasta line art hasta color. Nuevamente, no estoy siendo particularmente cuidadosa ni precisa con mis pinceladas en este punto porque encuentro que es mejor bajar rápidamente sombras y reflejos, comprobar si tienen sentido, y luego proceder a borrar el acceso a refinarlos. Una vez que hayas terminado con la primera capa de pintura, apaga la visibilidad en las pautas de sombra y evalúa si las áreas sombreadas funcionan dentro de la posición de la luz y sigue los volúmenes de las partes del cuerpo son suele reducir el tamaño del pincel en este punto a pintar algunos detalles más finos y utilizar el borrador para que las áreas de sombra sean más precisas y precisas. Naturalmente, las sombras serán bastante intensas en este punto, y ya puedo ver que son demasiado oscuras en comparación con la referencia. Por lo que voy a bajar la opacidad a alrededor del 30 por ciento por el momento. Volveré atrás y probablemente haga algunos ajustes de trabajo cuando tenga los reflejos pintados para poder igualarlos. Ahora, crea una nueva capa, haz una máscara de recorte, configúrela en superposición y pintemos en los reflejos con el color claro clave. Esta vez, sigue de nuevo las áreas que dibujaste en rojo e intenta ser rápido en lugar de preciso ya que esa parte llega más tarde. Cuando termines, puedes apagar la capa guía y refinar los reflejos como lo hiciste con las sombras, tratando de tener en cuenta si un elemento es curvo o plano y cómo está angulado en relación con la fuente de luz. Al refinar los aspectos más destacados, también hay que tener en cuenta la hora del día en la escena y por lo tanto la intensidad y el alcance de la luz solar. Si estás usando luz natural, mirar al personaje en la referencia te ayudará en esto. Entonces por ejemplo, si miro hacia atrás a la mujer en la foto de referencia, puedo ver que la mayor parte de nuestro cuerpo está bastante bien expuesto con sólo unas pocas como sombras en las zonas que no están frente al sol. Esto se debe a que en día completo, el sol está bastante alto en el cielo y fuerte. Por lo tanto, la luz de rebote, es decir la luz de relleno es muy fuerte y proporcionando iluminación a casi la totalidad de la figura. Cuando esté satisfecho con la forma de los reflejos, voy a bajar rápidamente la opacidad a alrededor del 40 por ciento, sólo para que no esté en el camino cuando pinte la luz del llanta. Voy a añadir la luz de llanta en otra máscara de recorte siguiendo la dirección e intensidad de la llanta iluminando la referencia. Por lo que viniendo de atrás el personaje y va latín hacia la izquierda. Por lo general pongo la capa de luz de llanta en el anuncio como ajuste de mezcla ya que proporciona una iluminación de mayor nivel en comparación con la superposición. Desafortunadamente, un amarillo más claro en el anuncio se convertirá básicamente en blanco, quemando por completo lo que hay debajo. Por lo que siempre hay que bajar la opacidad de la capa alrededor del 35 por ciento, aunque podría cambiarla a un porcentaje aún menor más adelante. Voy a añadir una capa más en este punto, un gradiente, que es algo de lo que no he hablado antes. Este paso es esencial para darle más ambiente a la escena y ayudar al espectador a identificar la hora del día. Esta capa de lectura va en la parte inferior debajo de todas las demás capas multiplicar y superponer. Y debes usar colores que sean prominentes en la foto de referencia. Entonces en este caso, amarillo y naranja. Dado que Procreate no proporciona una herramienta de gradiente en este punto, voy a cambiar de pincel y seleccionar un cepillo suave grande de la categoría aerógrafo para luego rellenar completamente la capa con el primer color. Entonces voy a cambiar el color al segundo tono en el gradiente, esta vez naranja. Y probablemente pintando la parte del cuerpo que está más a la sombra. Nuevamente, estos proporcionarán una bonita variación de color, haciendo que el personaje se vea menos plano y agregando atmósfera y temperatura a la luz. La capa de gradiente se puede configurar para superponer o multiplicar dependiendo del efecto y la hora del día. El gradiente de superposición iluminará aún más la escena mientras que la capa de multiplicación la hará más oscura y saturada. Entonces como esta es una escena de luz diurna, voy a ponerla en superposición. Ahora para el último paso en este proceso, reajustaré las capacidades de las diversas capas hasta alcanzar un equilibrio que se asemeja al cuadro de referencia. No puedo darte una medida precisa que vaya a funcionar cada vez en esta etapa. En ocasiones hay que poner la capa de multiplicación en 30 por ciento y el resaltado en 50. A veces es lo contrario. Depende realmente del color que hayas escogido para la sombra y del efecto que quieras lograr. Este es el punto donde la experimentación y el tiempo te ayudarán a encontrar la mejor solución para tu dibujo. Y ningún consejo o tutorial fácil puede decirte lo que es correcto para lograr este tipo de ajuste de día completo en particular. He puesto el gradiente de superposición en 15 por ciento, la sombra multiplicada en 40, los reflejos en superposición en 35 por ciento, y la luz de llanta en anuncio en 45 por ciento. Como se puede adivinar, la razón por la que los reflejos y la luz del borde son bastante fuertes es que es de día. Por lo que el sol es muy fuerte. Si solo hubiera una fuente de luz, como un foco en un teatro, las sombras también serán muy fuertes. Pero en cambio, en este entorno al aire libre, la luz clave rebota alrededor sobre los objetos y ha sido reflejada por el suelo y el cielo, por lo tanto, haciendo que las sombras no sean muy intensas. Este tipo de análisis e implementación, al igual que la proximidad e intensidad de los reflejos y sombras, ayuda al espectador a entender de inmediato qué tipo de hora del día es, aunque tu personaje sea un colocado en cualquier tipo de fondo como asignación para este video, por favor busque algunas referencias de luz del día o descargado el que uso de los materiales del proyecto e intente replicarlo en su propio carácter de seguir estas estructuras de capas y mezclar ajustes. En el siguiente video, nos acercaremos a él una hora diferente del día, la puesta de sol. 8. Práctica: atardecer: Hey chicos, y bienvenidos de nuevo al segundo video de práctica, explorando diferentes configuraciones de iluminación para diferentes momentos del día. En este video, específicamente voy a acercarme a las puestas de sol para las que he encontrado una imagen de referencia. El proceso en este video va a ser bastante similar al mostrado en el anterior, partiendo del análisis de las fuentes de luz en la referencia. Aquí la luz clave, por supuesto viene del sol poniente, que vemos en la parte posterior del personaje en la esquina inferior derecha, intensidad de la luz solar está disminuyendo, haciendo que la luz de campo también sea menos intensa y por lo tanto crear sombras más fuertes a la izquierda que a un lado del sujeto en la imagen. El color de la luz clave es un amarillo más cálido que el sol de luz del día, casi una naranja realmente. Y el color complementario es un azul más intenso para las sombras. La luz de relleno también es mucho más cálida en este caso, dado el carácter de tonos rojizos, naranjados. tanto que el contraste entre las luces y las sombras en general se incrementa debido a la disminución de la intensidad de la luz de campo. Al igual que en la práctica anterior, voy a intentar replicar la misma configuración de iluminación exacta en mi personaje de escritorio. Por lo tanto, la luz clave debe venir de la parte posterior del personaje. Pero ya que mi personaje, a diferencia de la mujer en la imagen de referencia, está frente a la cámara y estará completamente a la sombra. Si llego al sol en la misma posición exacta que la referencia, lo voy a llevar un poco más a la derecha con el fin de golpear el lado izquierdo del personaje y encender un poco más de su rostro. Aquí, estoy definiendo en naranja todas las áreas que van a ser golpeadas a toda su fuerza por la luz clave. Entonces estoy identificando las sombras de yeso que de nuevo se van a colocar debajo de la nariz, Shane, cuello, y en la mayor parte del autobús y en los pliegues interiores, incrementos de la chaqueta y el cabello. Cuando esté satisfecho con mi análisis, crearé la primera de la masa de recorte y coloreando las sombras. Primero un poco más o menos, y luego borrando con mayor precisión las piezas adicionales que se necesitan para crear detalles adicionales. Cuando esté contento con el nivel de precisión, encenderé la capa, multiplicaré y bajaré la opacidad alrededor del 35 por ciento. Pasando a la capa de luz clave, voy a llenar los reflejos con una luz de tecla naranja, luego girar la capa para superponerse, bajando su opacidad a alrededor de 45 por ciento. En esta imagen, no hay luz de llanta obvia ya que el sol poniente es demasiado débil para proporcionar el contraste necesario. Por lo que voy a pasar a la capa de gradiente. De inmediato. He decidido usar un naranja cálido para la parte más destacada del gradiente y un azul pálido para los destrozados. Por ello, seleccionando los mismos colores utilizados para el resaltado y la sombra, agregando atmósfera y profundidad a los colores para realzar la sensación del sol poniente y la venida de la oscuridad. Ya que la hora del día es bastante tarde. Y quiero transmitir un aumento de sombras al revisor. Voy a establecer el ajuste de mezcla de esta capa para multiplicarse en lugar de superponerse, lo cual, como se puede ver, hace que todo el personaje sea más oscuro y saturado, lo que implica una falta de luz. Para el ajuste final de la opacidad de la capa, me he asentado en 35 por ciento para la capa de gradiente, 20 por ciento para las sombras, y 30 por ciento para los reflejos. Como dije antes, estos no son necesariamente el valor de opacidad que utilizarías para cualquier censurado. Pero son un buen punto de partida si quieres experimentar un poco. A modo de asignación para este video, me gustaría que encontraran algunas referencias más de diferentes puestas de sol y hicieran algunos estudios con su personaje o utilizando el personaje proporcionado. 9. Práctica: noche: Hey chicos, y bienvenidos de nuevo al último video de práctica en esta clase, donde hablamos de referencias nocturnas y 99 configuraciones artificiales. El referente que he encontrado es bastante interesante porque utiliza colores contrastantes y casi complementarios para la luz clave y la luz del borde. Ya haciendo un gran trabajo con la paleta de colores. Para la luz clave, la intensa luz artificial proveniente de la esquina lateral izquierda, tenemos un azul pálido, que es bastante común para Night Lights. No hay mucha luz de campo en la imagen contribuyendo a la presencia de sombras profundas. En cambio, la luz de llanta viene del lado opuesto de la luz clave en magenta brillante. El opositor del azul y el magenta no es solo grado según la rueda de color. También ha sido bastante popular tanto en fotografía como en ilustración en los últimos años. Por lo que definitivamente vale la pena familiarizarse con este esquema. Como ya saben, primero voy a identificar el área de luz clave, las sombras del reparto, y la luz del borde en mi propio personaje. Tratando de replicar la misma configuración que en la imagen de referencia. Entonces voy a crear el primer conjunto de capas de recorte para multiplicar por las sombras de fundición, que estoy pintando en un color salmón rosado que es el tono complementario a la luz azul. El área de las sombras del casting es bastante sensible y cruda. En este caso. Por la noche, la reciente luz de mucho relleno rebotó por la reflectividad del entorno y por lo tanto, las sombras son mucho más nítidas que a la luz del día. Cuando termine de refinar las sombras, voy a bajar la opacidad de la capa, pero mantenerla mucho más alta que en los videos anteriores a cerca del 65 por ciento. A continuación, voy a pintar en azul los reflejos, ajustando la capa a superponerse a alrededor del 50 por ciento. Estos reflejos también son bastante nítidos porque sin la sensación de luz uniformemente ahora los reflejos y sombras de contraste van a ser mucho más visibles. Entonces voy a añadir las luces de borde magenta a los personajes lado derecho, manteniéndolo bastante extenso como está en la imagen de referencia. En este caso, voy a experimentar un poco con diferentes configuraciones de mezcla, tratando de encontrar el que mejor se ajuste, el efecto que quiero lograr. Me he conformado temporalmente con luz dura. No obstante, por el momento no se ve del todo bien. Y sospecho que es porque la oscuridad general, saturación y la temperatura de la imagen sigue siendo demasiado brillante. Voy a pasar al siguiente paso y añadir un gradiente morado oscuro a azul para realzar la atmósfera nocturna. Y asegúrate de que los reflejos y la luz de borde de más en contraste con las sombras oscuras. Voy a configurar la capa de gradiente para que se multiplique y bajen a alrededor del 50 por ciento de opacidad por el momento. Ahora realmente es solo cuestión de ajustar los valores de opacidad de la capa y borrar partes de las sombras y reflejos con un pincel suave para refinar el nivel de detalle. Los valores finales que llegué a nuestro 50 por ciento para la capa de gradiente, 40 por ciento para las sombras en Multiply, 22% para los reflejos, y 53 por ciento para la luz de llanta en superposición. Habría notado que también cambié el ajuste de mezcla de la capa de resaltado de superposición a agregar. Esto se debe a que ya que el tipo de luz es artificial y definitivamente más cerca del personaje que el sol a la tierra. Quería agregar un contraste más starker y la configuración de mezcla de anuncios transmite que afectan mejor que la superposición, que tiene una mezcla ligeramente más suave. Podrías aplicar estos ajustes demasiados otros escenarios nocturnos simplemente cambiando el color de la iluminación artificial. Por lo que los animo a explorar un entorno diferente tanto en entornos urbanos como naturales como su asignación. Según Nos vemos en el siguiente video para un resumen de toda la clase. 10. Conclusión: Hey chicos, Hemos llegado al final de nuestra clase. Gracias por seguir conmigo a través de la teoría y la práctica. Sé lo difícil que es estudiar con cursos en línea por tu cuenta para mejorar tus habilidades. Por lo que quiero felicitarte por tu tenacidad. No todo el mundo tiene la paciencia y la determinación para las clases en casa. Tan bien hecho tú solo quería pasar un par de minutos más resumiendo los conceptos básicos que espero que hayas aprendido en esta clase. Partiendo de la idea fundamental de que la iluminación y el color están intrínsecamente relacionados. Sin luz, no hay color y la cantidad, tipo y proximidad de una fuente de luz pueden cambiar de color dramáticamente, creando sombras y reflejos sobre personajes y ambientales similares. En primer lugar, necesitamos identificar o el lado, si lo estás configurando desde tu imaginación, cuál es la fuente de luz principal o la luz clave, y aproximar su color. Después de haber averiguado qué partes del cuerpo se invertirán por la luz plena fuerza, puedes deducir dónde caerán las sombras. Podemos encontrar dos tipos de sombras, forma y reparto, que nos ayudan a entender los volúmenes 3D de un personaje y realismo a una escena. En estilo de caricatura, todavía dibujaremos las sombras en su mayoría planas usando un pincel duro. Lo mismo vale para los reflejos y la luz de llanta opcional que podrías tener en la configuración. Una vez que tengas estas tres capas básicas, las sombras se multiplican, luz clave o la superposición, y la luz de borde en la superposición o agregan recortadas a tu dibujo original. Se puede agregar un gradiente completo en Multiplicar o superponer, dependiendo de la temperatura y oscuridad de la escena y la hora del día. Para darle a la imagen el ambiente correcto. A partir de ahí solo se trata de ajustar la capacidad relativa de estas capas para lograr un equilibrio adecuado. El efecto que estabas persiguiendo, si no estás seguro de cuál sería la iluminación mejor para una hora específica del día, solo tienes que buscar cualquier panorama paisajístico de esa situación en Internet y experimentar con gradientes, luz color y color de sombra en base a lo que encuentres, lamentablemente no hay sustitución para la observación. Y pacientes. Una vez que conoces la teoría y entiendes lo básico, la mejor manera de mejorar es tomar esos fundamentos y aplicarlos una y otra vez, experimentando con ajustes de color y mezcla. En Gran ejercicio adicional para mejorar tu biblioteca mental de ajustes de iluminación es aprender de las mejores películas de culto de búsqueda que son conocidas por su fotografía y tomar capturas de pantalla de algunas de las mejores escenas. Puedes intentar replicarlos para entender realmente cómo el director de fotografía configuró la iluminación. Algunas de las mejores películas de esta categoría son Blade Runner B, película original de los años setenta, Pan Laberinto, cualquier película de Tarantino, una de mis favoritas es django Unchained, pero hay muchas otras que puedes buscar y entrar al vacío. Incluso puedes simplemente ir a Google Images, n-type mejores películas de iluminación o algo así, para encontrar toneladas de capturas de pantalla ya hechas de escenas fantásticamente iluminadas. Al estudiar y copiar estas obras maestras, honestamente puedes aprender mucho que luego puedes emplear en tu propio arte. Nuevamente, espero que hayan disfrutado de este curso y por favor no duden en dejar una reseña o un comentario en el panel de discusión de esta clase para que me conozcan sus pensamientos o preguntas. Me puedes encontrar en redes sociales en todo el tablero como ilustración de subrayado de MLM. No olvides etiquetarme si compartes parte parte de tu trabajo para que te pueda dar un grito. Tengo muchas ganas de ver tus proyectos en la sección de proyectos de esta clase. Por lo que no olvides actualizar tu progreso. Adiós por ahora.