Transcripciones
1. Introducción: Hay tantas opciones disponibles para herramientas de acuarela, que rápidamente puede volverse abrumadora sobre todo si eres nuevo en el mundo de las acuarelas. Si te preguntas qué herramientas y materiales necesitarás para empezar, has venido al lugar correcto. Hola, soy Emma. Soy artista de acuarela. Bienvenido a mi clase de Skillshare. En la clase de hoy, estaré compartiendo algunos consejos útiles e información sobre cómo elegir las herramientas que necesitarás para empezar en tu viaje de acuarela. Estaremos viendo lo esencial de diferentes pinturas, papeles, y pinceles de pintura, junto con herramientas
adicionales que pueden ayudar a complementar tu práctica de acuarela. También aprenderás cómo y por qué funcionan diferentes materiales de calidad, para que puedas tomar decisiones más informadas a la hora de comprar tus suministros. Una vez que tengas listas tus herramientas, compartiré algunos ejercicios sencillos, fundamentales, para que puedas empezar a practicar con tus herramientas y aprender a usar los colores del agua. Para tu proyecto de clase, puedes combinar las técnicas aprendidas para crear este lindo marcador o tarjeta de inspiración. Mi objetivo es proporcionar algunas ideas e información que puedas utilizar para decidir mejor por ti mismo qué se adaptaría mejor a tus necesidades. último, pero no menos importante, espero que te diviertas aprendiendo en
el camino mientras te adentras en el maravilloso mundo de las acuarelas. Espero verte en clase.
2. Descripción general: Ahora, antes de que empecemos, solo
quería señalar que las herramientas y marcas que
comparto en esta clase son las que yo mismo usé personalmente. De ninguna manera estoy sugiriendo que consigas las marcas o herramientas exactas porque entiendo que algunas de estas cosas podrían no estar disponibles para ti localmente y los precios pueden variar de un país a otro. Al final del día, tus propias preferencias personales, tus técnicas,
tu proceso de trabajo, también influirán en tu selección de herramientas. Al decir eso, espero que los punteros que ofrezco en esta clase
puedan guiarte en la decisión de las mejores herramientas para tus necesidades. Ahora, he proporcionado los enlaces a los suministros y materiales que he usado en esta clase, cuales puedes encontrar en la pestaña Proyectos y Recursos, así que asegúrate de comprobarlo. Está bien. Sin más preámbulos, empecemos.
3. Pinturas de acuarela: Las pinturas de acuarela están hechas de pigmento finamente molido mezclado con un aglutinante, también conocido como goma arábiga. Este aglutinante es lo que sostiene el pigmento en suspensión y le permite adherirse suavemente al papel una vez aplicado. También se agregan pequeñas cantidades de disolventes para aumentar el rendimiento general de la pintura. Las tres formas principales que entran en la acuarela, son sartenes, tubos, y líquidos. acuarelas de pan son tortas secas duras de acuarelas, que generalmente puedes encontrar en tamaños de media sartén y sartén completa. Normalmente se empaquetan como un conjunto en un pellet de plástico o metal, pero puedes comprar sartenes individuales para crear tu propia paleta. acuarelas de tubo tienen una consistencia similar al espacio, y por lo tanto son más suaves y cremosas en textura. Son geniales para mezclar grandes lotes de pintura, sobre todo cuando haces lavados grandes o una pintura a gran escala. También se pueden usar directamente del tubo para una mezcla más saturada. Puedes exprimirlos en una paleta vacía,
dejarlos secar durante la noche, y luego reactivarlos igual que harías pan acuarelas. Los colores del agua líquida, como su nombre indica, vienen en forma concentrada, que requieren el uso de un gotero para transferirlo de la botella y a tu paleta de mezcla. Ahora, dependiendo de la marca y línea de acuarelas, algunas son más concentradas y gruesas porque son a base de pigmento, acuarelas líquidas
dibase, por otro lado, suelen ser más acuosas y más ligeras en consistencia. No obstante, ambos produjeron colores realmente brillantes y saturados. Ahora que conoces los tres tipos de pinturas de acuarela, aquí te presentamos algunas cosas que debes considerar y tener en cuenta a la hora de elegir tus acuarelas. El primero es la calidad. Generalmente, la calidad de las pinturas se puede dividir en pinturas de grado
estudiantil y profesional o artista. Las pinturas de grado estudiantil suelen tener menos pigmento en ellas y más rellenos añadidos. En ocasiones utilizan múltiples pigmentos para reemplazar un pigmento costoso, lo que les permite reducir significativamente el costo. Pero esto suele resultar en colores menos vibrantes y, a veces, una textura calcárea, lo que puede causar colores confusos al hacer mucha mezcla de color. En pinturas realmente baratas, el uso de un aglutinante de baja calidad también puede afectar el rendimiento general del pigmento. Esto suele resultar en una cobertura inconsistente y una mala capacidad de flujo. Al decir que hay bastantes pinturas de grado estudiantil confiables en el mercado que son de buena calidad y adecuadas para las necesidades y presupuesto de un principiante. Las pinturas de grado profesional suelen consistir una carga de pigmento más completa y formuladas con menos rellenos, lo que significa que son de color más rico y vibrante. El uso de aglutinante y pigmentos de alta calidad también asegura una distribución más uniforme y permite que la pintura se mezcle mejor. Las pinturas profesionales también constan de una amplia gama de formulaciones de pigmento único, que proporcionan mezclas más limpias y vibrantes y luminosas. El siguiente punto a considerar es la permanencia o la resistencia a la luz de un color. Resistencia a la luz o permanencia se refiere a la durabilidad del color a la luz del día. Cuanto mayor sea la resistencia a
la luz, más estables serán los colores, lo que significa que no se desvanecerán ni se degradarán con el
tiempo en condiciones normales de luz y humedad. Los colores fugitivos por otro lado, se desvanecerán y desplazarán el color porque sus pigmentos no son químicamente estables. Si buscas colgar tus pinturas, regalarlas como regalos, o vender copias originales, entonces quieres asegurarte de que tus pigmentos tengan una buena calificación permanente. Por lo general, se puede encontrar la calificación de resistencia a la luz de un pigmento en el tubo o embalaje, o el folleto que viene con juegos de pintura. De lo contrario, puedes encontrar esta información en la página web de la marca sobre su gama específica de acuarelas. A continuación, vamos a ver diferentes propiedades pigmentarias. Estos son importantes de saber para que entiendas por qué un determinado pigmento se comporta de la manera que lo hace. Podría usar esa información al intentar lograr un determinado resultado o al usar diferentes técnicas de acuarela. El primero es transparencia y opacidad. Los colores transparentes permiten que la luz pase y refleje hacia atrás el blanco del papel, dando a los colores un efecto o resplandor luminoso, que es una cualidad única de acuarelas. Los colores transparentes se usan mejor cuando se construyen capas de pintura para crear un efecto de color deseado. Los colores opacos, por otro lado, dan lavados aleteo y una cobertura más completa porque cuando se utilizan a la máxima fuerza no permiten que la luz pase por ellos. También puedes usarlos para tonificar o desaturar mezclas de colores. Normalmente puedes buscar estos símbolos para determinar la transparencia y opacidad de un color. Siguiente es tinción y pigmentos no manchados. Del mismo modo que su nombre indica, algunos pigmentos se tiñen mientras que otros se pueden levantar fácilmente, ya sea con el cepillo, la esponja o la toalla de papel. Dependiendo de cómo planees ejecutar ciertas técnicas, ten en cuenta la calidad de tinción y no tinción de un color. Por ejemplo, si planeas hacer técnicas como el levantamiento, elige pigmentos que sean bajos o que no estén manchados. Por último, granulación. Algunos pigmentos contienen partículas pesadas que se concentran en patrones a medida que dibuja en el papel. Esta característica de granulación se utiliza a menudo para agregar textura visual a una pintura. Ojalá las cosas que hemos cubierto hasta ahora te den una idea de qué buscar a la hora de seleccionar tus pinturas. Ahora bien, si estás investigando cierta marca o queriendo saber más sobre las diferentes características de pigmento y tacos disponibles, te sugiero agarrar un folleto de acuarela de un par de marcas en tu tienda de arte local o de tiendas de arte en línea. De lo contrario, también puedes encontrar esta información directamente desde los sitios web de las marcas.
4. Papel para acuarela: Un papel de acuarela de buena calidad es una de las cosas clave que hay que tener para aprovechar plenamente las capacidades de las acuarelas. Por lo que puedes usar las mejores pinturas y pinceles, pero si no usas el papel adecuado, no permitirá
que el resto de las herramientas y el medio se desempeñe a toda su capacidad. Esto puede convertir todo el proceso en una experiencia muy frustrante. Entonces conozcamos un poco más sobre el papel de acuarela para que sepamos qué cosas buscar y consideremos a la hora buscar el papel adecuado que se adapte a tus necesidades. El papel coloreado al agua suele estar hecho de celulosa, que se deriva de algodón o pulpa de madera. El algodón es mucho más fuerte y más duradero que la pulpa de madera debido a la longitud de sus fibras y es naturalmente libre de ácidos, lo que
significa que resistirá el amarilleo y el deterioro con el tiempo. Las fibras de algodón también tienen una mejor retención de agua y pueden soportar aplicaciones pesadas de agua y pintura. En base a estas cualidades, un algodón 100 por ciento, que a menudo se le conoce como papel de trapo. Generalmente se considera el papel de mejor calidad. papel hecho de celulosa de madera no es tan duradero algodón y necesita ser tratado
químicamente durante el proceso de fabricación para eliminar el contenido de ácido natural. Los papeles de acuarela generalmente se fabrican con un recubrimiento o dimensionamiento de gelatina, almidón o sustancia sintética. Este recubrimiento o dimensionamiento reduce la absorbencia, para que el dolor no se hunda directamente en el papel. De lo contrario, se comportaría igual que una toalla de papel. Ahora, el papel puede ser tanto interna como externamente. Dependiendo de la calidad del dimensionamiento, afectará la tasa de absorción, así
como la propagación de pintura y agua en la superficie. Por lo que al igual que con las pinturas de
acuarela, los papeles de acuarela también se pueden dividir en grado estudiantil y artista. Como puede esperarse, papel de grado
artista suele estar hecho de un 100 por ciento de fibras de algodón. También tienen una cantidad bien equilibrada de dimensionamiento, tanto interna como externamente. El uso del dimensionamiento de alta calidad también asegura una distribución uniforme de la pintura. Los papeles de grado estudiantil son una opción menos costosa, ya que pueden estar hechos de pulpa de madera o una combinación de pulpa de madera y algodón. Si bien no es tan fuerte y resistente como un algodón 100 por ciento, todavía puede soportar una buena cantidad de técnicas líquidas y de fregado. Dicho esto, la calidad dentro de un grado de estudiante también puede variar de marca a marca y depender del proceso de fabricación. Entonces aquí sólo voy a hacer una breve demostración para ilustrar la diferencia entre papel de grado estudiantil y artista. El de mi izquierda es el papel Canson XL, que es el papel estudiantil y el papel de grado artista a mi derecha es la marca Arches. Ambos son prensa fría en peso 300 GSM, pero el Canson XL está hecho de pulpa de madera, mientras que el Arches es un 100 por ciento de algodón. Aquí he aplicado un pesado lavado de agua y como puedes ver, el Canson XL empezó a abadezar en poco tiempo. Dejé que el agua se sienta un poco, pero notarás que el papel estudiantil no está absorbiendo realmente el agua, así
como el papel 100 por ciento de algodón. Pero lo mismo pasa cuando aplicé pintura sobre el papel. Parece estar sentado encima de él en lugar de remojarse en él, lo que podría deberse al dimensionamiento externo y al contenido de pulpa de madera. Como se puede ver, el papel artista está tomando realmente
bien la pintura y distribuyéndola uniformemente por toda la superficie. Lo que significa que tiene una buena calidad y un dimensionamiento bien equilibrado. La pintura aquí se está inundando y no se mezcla también debido a la lenta tasa de absorción y esto probablemente puede causar que aparezcan fondos cuando se trabaja con un lavado realmente húmedo. Ahora, dicho
eso, aún he podido
practicar con éxito lavados de pintura más ligeros en este papel. Es barato y creo que funcionará bien para proyectos de medios
mixtos y pequeños estudios rápidos. También depende del tipo de pintura así como de las técnicas que planees utilizar. A continuación veamos los tres tipos diferentes de acabado
superficial en los que entran los papeles de acuarela. El primero es una textura rugosa. Como su nombre indica, este trabajo tiene la máxima rugosidad superficial entre los tres. Debido a la textura rugosa, es ideal para técnicas como el cepillado en seco. El papel prensado en caliente, por otro lado, tiene un acabado superficial liso, lo que es ideal para un trabajo realmente detallado. Papeles prensados en frío se encuentra en algún lugar entre los dos con un acabado texturizado medio. Esta superficie permite una cantidad razonable de detalle, además de darle a tu trabajo algo de textura, que lo convierte en una opción popular. Ahora, tu estilo de pintura también influirá en tu elección del
acabado de papel ya que la textura afecta la apariencia de la pincelada y el detalle. Por lo que definitivamente puedes experimentar con cualquiera de ellos, pero para principiantes, recomendaría comenzar con papel prensado en frío. papel de acuarela también viene en diferentes pesos, que generalmente se mide en gramos por metro cuadrado o por libras. Cuanto mayor sea el peso, más grueso será el papel, lo que significa más resistencia a la deformación y al deformación. Pero esto también significa que los papeles más gruesos son más costosos. Un buen peso de rango medio para empezar es de 300 GSM o un 140 libras. Es adecuado para trabajos de tamaño mediano a pequeño y puede necesitar estiramiento dependiendo de la pesadez de la aplicación de pintura. Ahora bien, el pisapapeles no afecta la calidad, pero sí afecta la cantidad de agua que absorbe. Por lo que dependiendo de tu estilo de pintura, tus necesidades pueden variar. Ahora, el papel de acuarela está disponible en varios formatos diferentes, incluyendo hojas sueltas, rollos, bloques y almohadillas engomadas o espirales. También puedes encontrar algunos empaquetados como diarios de viaje convenientes. Por lo que las almohadillas de acuarela son hojas de acuarelas
precortadas que vienen en una variedad de tamaños convenientes. Las almohadillas están pegadas por un lado o vienen en un encuadernado en espiral. Los bloques son similares a las almohadillas, excepto que están pegados en los cuatro lados, lo que básicamente mantiene el papel plano y evita que se deforme mientras trabajas. Ahora que sabes más sobre el papel de acuarela, ojalá eso te dé una mejor idea de qué buscar al momento de seleccionar tu papel. Pero sólo una recapitulación de algunas de las cosas a considerar. Para un papel de buena calidad y confiable, lo mejor es seleccionar aquellos que estén etiquetados como un 100% de algodón. Ahora, dependiendo de tu presupuesto y tus necesidades, podrías optar entre papel de grado de estudiante o artistas. Es comprensible, no querrías romper tu papel de grado de artista para pequeñas pinturas de práctica, pero es importante que elijas un papel de grado estudiantil de buena calidad
leyendo sobre la marca o incluso reseñas sobre el papel. Se puede empezar con grado estudiantil, pero sugiero también invertir en algunas hojas de
un papel de grado artista 100 por ciento de algodón para crear pinturas finales sobre. Ahora, el 100% de algodón suele estar libre de ácidos. Pero para estar seguros, revisa la etiqueta libre de ácido, sobre todo si estás comprando papeles de grado estudiantil. En esta sección, solo voy a compartir un poco sobre las marcas y tipo de papel de acuarela que he usado y disfruto usando. Por lo que empezaré con el papel de grado de artista. Uno de mis favoritos para usar, que es el bloque prensado en frío Arches en 300 GSM. Está pegado en los cuatro lados, por lo que no requiere ningún estiramiento lo cual es útil para cuando estás trabajando pesadamente sobre técnicas mojadas, húmedas. Para este papel, disfruto usándolo para cuando necesito pintar en muchas capas y crear algún bonito mezclado húmedo sobre húmedo como esta pintura de aquí, por ejemplo. Simplemente realmente maneja la pintura muy bien y se siente realmente agradable para pintar mojado en lavados húmedos en. Las almohadillas son un poco más baratas, por
supuesto, y podría necesitar estiramientos, pero generalmente no estiro mis papeles porque realmente
no siento la necesidad de pisar mi tipo de pintura. Lo más que haré para mantener el papel abajo es inclinar los lados con cinta enmascaradora. Otra marca que disfruto usando es este bloque prensado en frío artístico Fabriano, también en 300 GSM. Se trata de un 100% de algodón y también viene en 20 sábanas, pero es un poco más barato que Arches. Tiene una textura de superficie agradable para pintar y también
puede manejar mucho mojado en técnicas húmedas muy bien. Este es el bloque prensado en frío stonehenge aqua, también en 300 GSM. Es más barato que los dos papeles anteriores, y también es realmente agradable para pintar. Tiene una encantadora textura de prensa fría y estas son las pinturas para las que las he usado. Ahora, esta siguiente es la serie Strathmore 400, que es un papel de grado estudiantil. Es de 300 GSM de peso, prensa en
frío y libre de ácido, pero no indica en ninguna parte los ingredientes del papel. Entonces después de algunas investigaciones, encontré que no tiene ningún contenido de algodón en absoluto. Pero he usado un papel de práctica de escritorio y lo
encontré todavía lo suficientemente decente como para usarlo por su precio, sobre todo para pintar ideas ásperas o practicar pinceladas. Entonces este siguiente es el papel de acuarela Canson XL, que utilicé en la demostración de grado estudiante versus artista. Como habrías visto, no es genial para aplicaciones pesadas de pintura, pero sí me gusta la superficie lisa de prensa fría para mi cotización, pinturas y trabajo de estilo más ilustrativo. Normalmente escanearía estas piezas y realzaría los colores digitalmente o arreglaría cualquier borde duro si fuera necesario. Guardaré una copia digital porque las acuarelas líquidas ecoline no
son tan rápidas como la gama hidra del Dr. Bh Martin. También vienen en formato espiral encuadernado, que me gusta usar como revista de práctica para formas de estudio más ligeras. Ahora, compré bloques y almohadillas para mayor comodidad, pero ahora también compro sábanas para una opción más económica. Cuestan un poco menos si las consigues en hojas grandes, que luego puedes cortar en tamaños que aúna tus proyectos. De lo que recomiendo es conseguir algunos paquetes
de muestra para que puedas probar diferentes marcas y tipos de superficie. Esperemos que esto te dé un poco más de perspectiva en el proceso de toma de decisiones para ayudarte a elegir el mejor papel para tus necesidades.
5. Pinceles de pintura: La siguiente herramienta que necesitarás son algunos pinceles. Ahora, hay una variedad de pinceles disponibles para acuarela, pero en esta lección, en su mayoría vamos a estar buscando pinceles redondos. Esto se debe a que el cepillo redondo es un pincel muy versátil que puede crear una gama de trazos, ahí que sea un gran lugar para empezar para principiantes. Antes de ver los diferentes tipos de cabello, familiaricémonos con los términos comunes a los se hace referencia a
menudo al hablar de pinceles de acuarela. El primero es la capacidad, que se refiere a la capacidad del cepillo para sostener y retener la humedad. Liberación se refiere a la capacidad del cepillo para distribuir líquido lenta y uniformemente. Punto aquí se refiere a la visibilidad del pincel para llegar a un punto cuando está mojado y retener ese punto mientras pinta. Snap o spring es la capacidad de un cepillo para volver a su forma original cuando está mojado. Los cepillos con bajo broche permanecerán doblados cuando se presionen sobre una superficie. En términos generales, un buen cepillo debe poder contener una buena cantidad de humedad y liberarlo suavemente y uniformemente en la superficie. Se desea que mantenga un punto fino y vuelva a su forma adecuada después de cada uso. A pesar de que la snappiness de un pincel puede depender de tu estilo de pintura y de tu preferencia personal. Los cepillos generalmente vienen en tres tipos de cabello diferentes: Fibras naturales, sintéticas o mixtas. cerdas naturales para el cabello pueden variar en el rango desde el pelo sable, ardilla, el buey y el cabello de cabra. El precio también puede variar dependiendo de la fuente del cabello natural, pero generalmente, son más caros que los pinceles sintéticos. Los cepillos naturales para el cabello suelen ser más duraderos y tienen la capacidad de sostener mucha pintura y la capacidad de liberarla lenta y uniformemente. Este pincel que estoy usando aquí es un Rafael Kolinsky Red Sable y es uno de mis pinceles favoritos para usar. Conserva un bonito punto fino y tiene una buena cantidad de resorte y broche a ella. Este es mi pincel preferido cuando estoy haciendo una pintura con muchas capas y blending suave. Las cerdas sintéticas suelen estar hechas de materiales como el nylon, taklon o las fibras de poliéster. Son mucho más firmes que los cepillos naturales para el cabello y se volverán a formar rápidamente. Si bien los cepillos sintéticos generalmente no sostienen mucho líquido y lo liberan tan consistentemente como los cepillos de cerdas naturales, estos días se pueden encontrar unos de buena calidad que se
fabrican para imitar de cerca esas mismas cualidades. Los pinceles sintéticos son definitivamente una buena alternativa para un precio más económico. Ahora, el pincel que estoy usando aquí es un pincel sintético patrimonio de Princeton y es un pincel de muy buena calidad y asequible para trabajar. Sostiene un punto agradable y la resorte
del cepillo permite trazos más controlados y más firmes. También tiene una buena cantidad de líquido. Normalmente uso mis pinceles sintéticos para una pintura de estilo más gráfico o ilustrativo. También puedes encontrar pinceles que están hechos con una mezcla de fibras naturales y sintéticas. Nuevamente, el rendimiento y la calidad variarán según el fabricante y la construcción. Dependiendo de la mezcla de fibras también, es posible que encuentres algunas con cerdas más suaves o más firmes. Este cepillo de terciopelo negro plateado es una mezcla de pelo sintético y ardilla. Tiene un punto afilado muy bonito cuando está mojado y una buena cantidad de flexibilidad al pincel. Se siente agradable y suave para pintar con, pero sí tiene menos broche para que las cerdas puedan sentirse muy suaves y un poco floppy en comparación con un pincel sintético. Elegir un pincel en última instancia bajará a la preferencia personal porque la forma en que se sienten ciertos pinceles en tus manos variará de persona a persona. Si eres completamente nuevo en las acuarelas y aún no del todo seguro sobre el medio, te sugeriría comenzar con un pincel redondo sintético de buena calidad. Cuando has tenido una sensación por ello por un tiempo, y encuentras que sí disfrutas del medio y quieres seguir explorando, entonces puedes seguir adelante e invertir en un pincel de sable de muy buena calidad. Eso es sólo una sugerencia por supuesto. Todo depende de dónde te encuentres en tu práctica, cuál es tu presupuesto, qué prefieres, y estés pintando estilo, etc. A continuación, veremos los tamaños de pincel. Te recomiendo conseguir un cepillo redondo en tres tamaños diferentes; grande, mediano y pequeño, para cubrir una variedad de tareas, desde lavados grandes hasta detalles finos. Una cosa a tener en cuenta es que los tamaños de pincel no son estándar en todas las marcas por lo que un cepillo redondo tamaño 6 de una marca podría no ser lo mismo que un cepillo redondo tamaño 6 de otra marca. Una vez que tienes tus pinceles redondos cubiertos, otro buen cepillo para tener a mano es un cepillo plano o en ángulo, que son buenos para una amplia cobertura uniforme. Ciertamente puedes usar un cepillo redondo grande lavados pero a veces un cepillo dedicado para la tarea puede hacer las cosas un poco más fáciles.
6. Superficie de mezclado: A continuación necesitaremos algo para sostener nuestra pintura y permitirnos mezclar colores antes de aplicarla sobre papel. Si tienes uno de estos conjuntos de sartén de viaje preempaquetados, entonces ya tienes una paleta de mezcla que viene con él, lo cual es muy útil, sobre todo cuando estás en el auto. Pero una vez que empieces a mezclar muchos colores, posible que encuentres que necesitas el espacio de mezcla extra, y ahí es donde puedes utilizar cualquiera de estas paletas aquí. Puede ser en cualquier tamaño, y todo depende de la escala de tu trabajo, así
como de tu propia preferencia personal. El pellet mezclador más común que podrías haber visto son estos de plástico
con pequeños pozos y son muy baratos y fáciles de conseguirlo en cualquier tienda de arte. Utilicé este durante años desde mis días de pintura de secundaria. Entonces tengo este que tiene más pozos y tiene esta superficie de mezcla plana en el medio, lo cual es útil cuando estás mezclando dos o más colores, y quieres ajustar tu ratio pigmento a pigmento. Simplemente es agradable poder ver tus mezclas sobre una superficie plana. Desde entonces he pasado a usar pellets cerámicos porque los encuentro muy agradables para mezclar y los colores no golpean y simplemente se deslizan agradable y suavemente sobre la superficie. También me gusta usar estos con paredes inclinadas porque permite que el agua se charque en la parte inferior aquí, y puedes separar tus mezclas acuosas de tus más pigmentos a la vez. Estos no son tan amigables para viajar como los de plástico obviamente pero cuando tu pintura en casa o en tu estudio, son muy agradables y estables y no se moverán tanto. También son mucho más fáciles de limpiar, lo cual definitivamente es un plus para mí. Ahora, estas paletas están hechas especialmente para pintar, lo que van a costar un poco más, pero si estás buscando una alternativa más barata entonces un buen plato de cena viejo funcionará igual de bien. Si tienes uno o dos viejos por ahí, puedes empezar a usarlos como superficie de mezcla y no tendrá que costarte nada extra. Los platos de cena son geniales ya que
son de cerámica o porcelana, serán agradables para mezclar colores y tener un área plana grande como esta
te permite mezclar más colores y también es útil para momentos en los que necesitas usar un pincel más grande. Encontrarás que muchos de los artículos de cerámica para el hogar o cocina son geniales para usar como paleta de mezcla. Normalmente consigo unos baratos de Dyson como este desorden sumergido y
puedes conseguir unos que tengan pozos más profundos si estás haciendo muchas más mezclas acuosas. También unos con pozos separados, si quieres que tus mezclas permanezcan contenidas. Este plato de aquí también es de Dyson y es bastante
amigable para viajar y solo conveniente para sacar cada vez que necesite esa superficie de mezcla extra. Hay muchas opciones y todo se reduce a lo que prefieres trabajar.
7. Agua y toalla de papel: Lo siguiente que necesitaremos y lo más esencial para los colores del agua no es otro que el agua. Cualquier contenedor que pueda contener una buena cantidad de agua servirá. Preferiblemente algo robusto y estable para que no se vuelque fácilmente. A algunos artistas les gusta usar dos frascos para separar su agua limpia y sucia. Un frasco se utiliza para enjuagar todo el pigmento y como el otro se mantiene limpio para que se pueda utilizar para agregar en mezclas de pintura y para pre-humedecerlo el papel antes de aplicar pintura. Quieres estar seguro de usar agua limpia para esas cosas para que no termines con colores fangosos. Otra forma de usar dos frascos de agua es separar tus colores cálidos y fríos. Al igual que con el frasco sucio, cuando mezcles todos los colores juntos, especialmente los colores sentados en lados opuestos de la rueda de color, obtendrás una mezcla fangosa. Mantener separados a los dos evitará eso. Esto podría funcionar para algunos, podría no funcionar para otros. Realmente se reduce a la elección personal. Algunas personas podrían incluso tener un tercer frasco de agua
limpia si esa es su forma preferida de trabajar. Prefiero separar mis colores cálidos y fríos y suelo tener esta botella de apretar como mi agua limpia que utilizo para activar mis pigmentos, y cuando estoy aplicando un lavado de agua para técnicas húmedas sobre húmedas. Realmente no importa cuántos frascos de agua o el tipo de contenedor que uses, una buena regla a seguir es, una vez que tu agua se pone realmente fangosa, es hora de refrescarla. último, pero no menos importante, necesitaremos alguna toalla de papel. Puedes usar un trapo de algodón viejo o tejidos. Pero esencialmente, quieres algo que pueda bloquear el exceso de humedad en tu cepillo, para ayudarte a controlar tus relaciones de agua y pigmento. Simplemente puedes frotar tu cepillo suavemente sobre una toalla de papel siempre que necesites eliminar el exceso de agua. Un buen consejo cuando hayas cargado tu cepillo con pigmento y encuentres que está un poco sobrecargado, simplemente daña el costado o el vientre del cepillo para eliminar la humedad extra sin perder demasiado pigmento de la punta del cepillo. Una toalla de papel también es genial para borrar errores mientras la pintura aún está húmeda y para limpiar charcos de agua no deseados de tu papel. Esto lo convierte en una gran herramienta para las técnicas de elevación. Se puede triturar la toalla de papel o tejido y borrar las pinturas para crear texturas interesantes como nubes, por ejemplo. Exploraremos más esto en los próximos ejercicios de clase.
8. Herramientas y materiales adicionales: Ahora que hemos cubierto lo esencial, vamos a ver un par de herramientas adicionales que quizás ya tengas, o son opcionales para llegar a complementar tu práctica de acuarela. El primero son los lápices. Es bueno tener uno o dos en la mano para cuando estás colocando un boceto ligero, o tu papel de acuarela, o planeando tu pintura, y la composición en un pedazo de papel o cuaderno de bocetos aparte. Pre-planear tus pinturas, especialmente cuando
tienes más de un elemento en tu pieza, te
ahorrará mucho tiempo y posibles errores. No quieres estar dibujando y borrando constantemente
tu papel de acuarela porque esto puede debilitarlo o incluso dañarlo. Normalmente uso ya sea un lápiz mecánico o uno tradicional, y uso un plomo HB para ambos, lo que hace líneas más claras. Por supuesto que necesitaremos un borrador. Podemos utilizar cualquier borrador suave que sea suave en papel de acuarela. Me gusta usar gomas de borrar amasadas porque es fácil levantar apenas suficientes marcas de lápiz, y aún así dejarte con una guía. Puedes moldearlos en cualquier forma para un borrado preciso, y suelen estar bastante libres de desorden, lo cual es genial. A continuación, tenemos bolígrafos de dibujo. Estos bolígrafos de tinta pigmentada suelen ser impermeables y permanentes, y vienen en una gama de tamaños. Son geniales para agregar detalles a tus pinturas, y para crear cierto estilo o look. Ahora aparte de la tinta negra, la tinta blanca, y la metálica también son otra forma de agregar divertidos pequeños elementos a tus pinturas. Qué tinta acrílica, guage, o bolígrafos blancos [inaudibles] son geniales para esto. También puedes encontrar tintas doradas, iridiscentes, o incluso láminas metálicas de acuarelas. Otra forma fácil de agregar texturas interesantes a lo que se llaman arandelas es mediante el uso de sal. Simplemente espolvorea parte de la pintura que aún está húmeda, y deja que se seque completamente antes de lavarla suavemente para revelar las texturas. Muy bien, nuestra siguiente herramienta práctica es una cinta de enmascaramiento o cinta lavada. Puedes usar cinta adhesiva para enmascarar tu papel hacia abajo en una pizarra de arte para reducir la deformación del papel, especialmente cuando se trabaja con técnicas mojadas sobre húmedas. Ambas cintas también son geniales para crear un bonito marco limpio alrededor de tu pintura. Por último, una herramienta que creo que será muy útil tener, sobre todo cuando empieces a aprender más sobre tus colores, y cómo mezclarlos, es esta rueda de color. Tiene información básica sobre la teoría del color, y son simplemente geniales para tener como guía rápida, especialmente cuando estás planeando tus esquemas de color, o haciendo alguna mezcla de color.
9. Resumen de la práctica: Una vez que tengas tus herramientas listas, ahora, podemos comenzar la parte divertida. En las próximas lecciones, vamos a mirar un par de ejercicios
sencillos para ayudarte a sentirte cómodo usando tus herramientas, y para entender cómo funciona el color del agua, ahora estos ejercicios no son solo para principiantes, también son buenas como calentamientos antes de pintar o como refresco para los momentos en que estás pasando por un bloque creativo. Siempre puedes referirte a ellos siempre que te sientas sin inspiración o atascado.
10. Técnicas básicas: Ahora, a medida que comienzas a pintar con
acuarelas, las dos técnicas básicas
con las que quieres familiarizarte son la técnica húmeda sobre húmeda y húmeda sobre seca. Entender estas técnicas y aprender diferentes formas de aplicarlas puede ayudarte a exhibir las cualidades únicas y hermosas de las acuarelas. Empecemos con mojado -on- húmedo. Mojado en húmedo es cuando se aplica pintura a una superficie ya húmeda. Esto lo haces ya sea primero casando el papel con una capa de agua y luego aplicando pintura, o soltando pintura en otra capa de pintura húmeda. Trabajar mojado sobre húmedo es mejor cuando estás tratando de lograr trazos con bordes
más suaves o una transición suave y mezcla de colores. Echemos un vistazo a mojado-en-seco. Wet-on-dry es cuando pintas directamente sobre papel
seco o sobre una capa de pintura que ya está seca, que es una técnica también conocida como acristalamiento, húmedo -on- seco se usa mejor para cuando quieres más controlado y claramente pinceladas definidas. Puedes combinar fácilmente ambas técnicas porque cuando pones la pintura húmeda sobre seca, esencialmente
estás creando un área húmeda en la que luego puedes empezar a trabajar húmeda sobre húmeda. Ahora que sabemos de estas dos técnicas básicas, veamos algunas cosas esenciales a tener en cuenta al pintar húmedo- sobre -húmedo. El primero es que una mayor humedad siempre fluirá hacia una menor humedad. Lo que esto significa es que si tus pinceles son más húmedos que el papel, al dejar caer la pintura, se dispersará y se extenderá en el glaseado de agua. Pero si tu cepillo está húmedo o tiene menos humedad que en el papel, actuará como una esponja y absorberá la humedad. Ahora bien, esto es útil si quieres hacer técnicas de
elevación o enjabonar el exceso de humedad del papel. En ocasiones si encuentras que cuando estás dejando caer pintura sobre papel
mojado y apenas hay flujo o dispersión, esto podría deberse a que el cepillo tiene muy poca humedad que el papel que está insertado tratando de absorber el líquido en su lugar de dispersarlo. Entender esta dinámica te ayudará a encontrar el equilibrio adecuado entre la humedad del papel y la humedad del cepillo. Lo que nos lleva a nuestro siguiente punto, que son los diferentes niveles de humedad del papel. He dividido los niveles en cuatro etapas las cuales son muy húmedas, o inundadas, húmedas o brillantes, húmedas y casi secas. Ahora a veces podrías encontrar otro artista explicarlo en tres o incluso seis etapas diferentes. Pero esencialmente lo que se quiere quitar de entender estas terminologías de humedad es que los diferentes niveles de humedad del papel influirán en la forma en que se comporta la pintura sobre el papel. Echemos un vistazo a la primera etapa, que está muy húmeda o inundada. Aquí es donde se puede ver el agua burbujeando en la superficie y oscurece por completo la textura del papel. Cuando tienes demasiada agua en tu esmalte de agua y entras con un pincel muy cargado, la pintura flotará en la superficie del agua en lugar de fluir a través del papel. Un exceso de humedad también hará que el pigmento tire de los bordes de la forma y te deje con estos contornos duros cuando se seque. Ahora, sin duda puedes trabajar con un lavado muy húmedo y mover la pintura alrededor inclinando tu papel o dejando que la gravedad y los pintores hagan lo
propio para crear hermosos efectos orgánicos y espontáneos. Y puedes dejarlo secar como está queriendo texturas interesantes. Pero de lo contrario, simplemente puedes levantar el exceso de humedad con una toalla de papel o un cepillo. Siguiente es la etapa húmeda o brillante. Aquí es donde se puede ver un bonito brillo uniforme de agua y la textura del papel es visible. El agua es bastante reflectante, pero aún puedes ver los pequeños golpes del papel. Para que la pintura se extienda y difunda bien a través de la superficie. Quieres que sea en esta bonita etapa de brillo brillante. El escenario húmedo es cuando todavía están humedad en el papel. Pero el brillo se ha vuelto estera o más bien aburrido. Agregar demasiada humedad durante este tiempo creará lo que florece o fondos en lugar de una mezcla sin costuras, porque la humedad empujará hacia arriba pigmento que ya
han comenzado a asentarse en el papel. Entonces las floraciones y los fondos no son realmente algo malo a menos que por supuesto aparezcan cuando menos lo esperas. Por eso es importante entender cómo
suceden para que puedas optar por incorporarlos deliberada a tu pintura y lo exploraremos más en los próximos ejercicios. En la siguiente etapa, que está casi seca, es donde no hay máquina, pero el papel todavía se siente un poco frío para destocar. Si quieres empezar a pintar, una nueva capa se fue a secar, entonces el anterior lavado de color necesita estar completamente seco de
antemano para que no se levante ni sangregue cuando no se supone que lo haga. Al estar al tanto de lo mojado que están tus cepillos y lo mojado que está tu papel, es una buena práctica para controlar la humedad y el flujo. Lo que a su vez permite ejecutar diferentes técnicas y lograr los resultados deseados. Con el tiempo, comenzarás a sentirlo y se volverá más intuitivo con la práctica. Ten en cuenta que la calidad del papel también afectará cómo se absorbe y dispersa la pintura, como hemos comentado en la sección de herramientas. Si encuentras que aún tienes problemas para trabajar mojado sobre mojado, asegúrate de que estás usando el papel adecuado para el tipo de pintura que estás haciendo. último, pero no menos importante, recuerda que la pintura fluirá donde hayas aplicado agua y permanecerá dentro de los límites de esa zona húmeda, a menos que extiendas el área y crees más formas con tus pinceladas. Dependiendo de la cantidad de pintura que aplique al área húmeda. Puede llenar toda la forma o desvanecerse gradualmente en agua clara, creando bordes suaves emplumados. Muy bien, ahora empecemos a practicar estas técnicas y aprendamos cómo podemos crear lavados planos y graduados. Cómo mezclar dos o más colores, cómo sostener el proceso húmedo en húmedo y crear texturas y efectos, luego aprender diferentes formas de combinar las dos técnicas.
11. Ejercicio 1: lavados y mezcla de colores: En este ejercicio, vamos a empezar con crear un simple lavado plano, que es básicamente una hoja sólida de color, uniformemente distribuida. Voy a hacer este usando la técnica húmeda y seca. Voy a pintar directamente sobre el papel seco. Podrías seguir adelante y dibujar las formas para tener una guía, o podrías pintarla a mano alzada si lo prefieres. Ahora, he preparado una mezcla pareja de pigmento y
agua y tengo eso listo para ir porque cuando trabajas mojado y seco,
quieres trabajar con bastante rapidez para que la pintura no se seque antes de aplicar el siguiente trazo de color. De lo contrario, dejará bordes duros o calles de color desigual. Es bastante fácil de controlar cuando se trabaja a una escala más pequeña. Pero para áreas más grandes donde se quiere una mezcla de colores más suave y difusa, lo mejor es trabajar mojado sobre mojado y pre-humedecido el papel. Simplemente estoy llenando toda la forma con pintura y asegurándome de que la extienda uniformemente con mi pincel. Ahora, lo repaso una vez más solo para igualarlo y me aseguro de que no haya charcos de pintura de pie en ningún lado. Si hay algún exceso de humedad o pintura, asegúrate de remojarlo con tu cepillo o toalla de papel para que no
fluya de nuevo en el lavado y cree un fondo ya que se está secando. Ahora vamos a crear algunos lavados graduados. Un lavado graduado esencialmente muestra una transición de color de oscuro a claro, o incluso una transición entre diferentes tonalidades. Voy a crear el primero, húmedo y seco. Similar a cómo hicimos el lavado plano, vamos a aplicar trazos y trabajar de arriba a abajo. La única diferencia es que vamos a disminuir la cantidad de pigmento en el cepillo enjuagándolo poco a poco, cada par de trazos para que el color se alivie gradualmente y se desvanezca. Una forma alternativa es agregar agua a tu mezcla rosada para diluirla, y obtener los mismos resultados. Se puede practicar en ambos sentidos, pero voy a demostrar esto usando el primer método, que es enjuagar el pigmento de mi cepillo. He preparado una mezcla de pintura y sólo voy a ensayarla en un pedazo de
papel de chatarra para asegurarme de que esté en un valor de consistencia y color con el que estoy contento. Entonces voy a aplicar los dos primeros trazos de un extremo a otro y me muevo ligeramente hacia abajo cada trazo. Entonces rápidamente sumerjo mi cepillo en agua y limpiaré el exceso de humedad en el borde del frasco aproximadamente una o dos veces, para luego hacer unos trazos más con el pigmento restante en mi pincel, superponiendo ligeramente el trazo anterior que yo puesto abajo. Mi objetivo es extender el área húmeda para que la pintura pueda fluir hacia ella a medida que se desvanece gradualmente. Ahora bien, algo importante a tener en cuenta es la dinámica del agua de la que hablamos en la lección anterior, donde una mayor humedad siempre fluirá hacia menor humedad. Aquí quieres asegurarte de que al aplicar o seguir trazos a medida que se desvanece el color, tu cepillo no está sobrecargado y más húmedo que el último trazo, porque no quieres terminar empujando el pigmento hacia arriba. Si sientes que tu cepillo aún está cargado de humedad, simplemente dale suavemente sobre una toalla de papel. Lo que quieres hacer es extender el área húmeda y coaxar la pintura en el papel para que fluya hacia esta nueva área extendida para que se desvanezca gradualmente. Para terminar, he enjuagado prácticamente todo el pigmento de mi pincel, y estoy poniendo los últimos trazos donde el rosa se desvanece en agua clara. Ahora, este método de desvanecimiento es muy útil para cuando se quiere suavizar un borde duro y alejarlo. Ahora voy a crear el segundo usando la técnica húmeda sobre húmeda. Me aseguro de mojar a fondo el papel y dejar que absorba la humedad durante aproximadamente un minuto. Voy a comprobar que tengo un bonito par [inaudible] y sin charcos de pie. Entonces aplicaré unos dos trazos horizontales de pintura antes de enjuagar algún pigmento de mi pincel. Después acuesta otro trazo o dos que sea más ligero que el último. Repetiré este proceso hasta que no me quede más pigmento en mi pincel. Ya que el lavado sigue mojado, solo
voy a usar la mezcla de pintura de mi paleta y añadir un par de trazos en la parte superior del lavado solo para profundizar un poco más el color. Antes de dejarlo secar, nivelo cuidadosamente la pintura, teniendo en cuenta la humedad de mi pincel y papel. A continuación vamos a practicar crear un lavado variegado, que es básicamente la mezcla de dos o más colores. Para mantener las cosas simples, solo
voy a usar dos colores y que se reúnan en el medio y se mezclen para crear el tercer color. Voy a usar rosa permanente y amarillo limón profundo. Tan solo asegúrate de que estén activados y listos para salir. Aquí, mis mezclas están bastante pigmentadas, pero con suficiente agua para facilitar el flujo. Con este primer ejemplo, voy a trabajar mojado sobre mojado así como de costumbre, voy a mojar el papel bien y a fondo. Entonces empezaré a pintar mi primer color de arriba a abajo usando trazos horizontales a través del papel. Simplemente estoy agarrando más pintura y agregando eso desde arriba solo para profundizar un poco más el color. Seguiré agregando más golpes hasta que esté dos tercios del camino. Después enjuagaré mi pincel y agarraré mi segundo color. Voy a trabajar de abajo hacia arriba hacia el primer color. Voy a seguir pintando trazos horizontales dos tercios del camino, igual que hice con el primero. Ahora, donde dos colores se superponen, voy a calmar mi pincel de ida y vuelta horizontalmente solo para ayudar a que los colores se mezclen un poco más. Ahora voy a dejar que esa se seque. Ahora en este segundo ejemplo, te
voy a mostrar cómo mezclar dos colores y crear un color de transición como lo hicimos en el primero. Pero dos lavados de color separados, uno encima del otro. Con mi primer color, voy a pintar un lavado graduado, mojado y seco como lo hicimos antes, pero reduciendo gradualmente el pigmento en mi pincel y luego ajustándolo en agua clara. Ahora voy a dejar que esta capa se seque completamente antes de vidriar en la segunda capa de color. Una vez que está completamente seco, repito el mismo proceso que antes, solo que esta vez estoy mirando de abajo hacia arriba. Ya puedes ver aquí donde se superponen los dos colores. Obtienes el color de transición, que es un bonito tono verde. Esta es básicamente una de las formas en que puedes usar la técnica de acristalamiento y superponer diferentes colores transparentes para obtener un color diferente. Esas son algunas formas de mezclar colores y crear un lavado variegado, pero también puedes crear unos que sean más orgánicos y no tan uniformes y pueden estar en todo tipo de formas. Sí, ten una jugada con caer en diferentes colores o diferentes tonos de una manera más irregular. Observe cómo colorear spread y hacer un poco de papel. Se puede solapar los colores que son pinceladas o simplemente que se extiende y se mezcla por su cuenta. Simplemente experimenta con él y diviértete.
12. Ejercicio 2: combinar técnicas: Está bien, ahora veamos algunas formas en que podemos combinar la técnica húmeda sobre húmeda y húmeda sobre seca. Esto es especialmente útil para cuando quieres más control sobre tus trazos de pincel, pero también quieres algunas mezclas de colores suaves y agradables. He pintado un par de formas que ahora están secas, y quiero entrar y añadir más capas para darle más dimensión y forma. Empecemos con esta forma aquí. Yo quería oscurecer la parte media aquí sólo para darle la ilusión del espacio y demostrar que está curviéndose. Voy a glasear otra capa del mismo color, pero en lugar de aplicar primero la pintura, voy a mojar un área más grande que donde fluirá la pintura. Solo estoy dejando caer el pigmento en el centro donde quiero que sea más oscuro y luego solo dejarlo que se desvanezca en el esmalte de agua para conseguir bordes suaves en ambos lados. Si la pintura se está extendiendo demasiado, puedes extender el esmalte de agua o usar un cepillo húmedo y levantarlo
suavemente y plumarlo o barrer el pigmento hacia atrás. Si bien el lavado seguía un poco mojado, caí un poco más pigmentado y pintura para profundizar el color. Muy bien, este siguiente aquí, quería mezclar dos colores en la parte inferior de la hoja, así que solo moje esa parte de la forma con agua. Después caí en mis colores donde los quiero, y luego para conseguir un bonito borde limpio en la punta de la hoja, simplemente tire la pintura hacia el área seca. Está bien, voy a hacer otra aquí, y de nuevo, estoy mojando sólo la parte inferior de la forma en la que quiero que la pintura se desvanezca. Esta vez, pinto la punta primero húmeda sobre seca y fundo la pintura en las zonas húmedas para que se desvanezca gradualmente, similar a un lavado graduado. Está bien. Ojalá con los ejemplos que he mostrado aquí, obtienes más una idea de cómo puedes adaptar las técnicas básicas para crear ciertos resultados y resultados.
13. Ejercicio 3: crear texturas y efectos: En esta lección, les voy a mostrar un par de formas de crear texturas y efectos
interesantes extendiéndose sobre el proceso húmedo sobre húmedo. Hay un par de métodos y opciones a utilizar. Pero esencialmente se quiere trabajar durante la etapa cuando el papel está húmedo o más cerca de esa etapa. La primera opción que voy a usar es un poco de sal. He mojado a fondo el papel y dejarlo reposar un rato. El sal absorbe la humedad y tengo un bonito Xin brillante con el que trabajar. Entonces acabo de caer en algo de pintura y crear un simple lavado variegado. El papel sigue bastante mojado, pero he caído en algo de sal solo para ver cómo respondería en esta etapa húmeda. Ahora, se puede ver que los grandes trozos de sal sí empiezan a blanquear un poco el color. Pero debido a que el papel está tan saturado, no es tan distinto como si estuviera húmedo. Voy a dejar que eso se siente un poco más. Ahora en el papel aún le ha dado un brillo brillante,
pero puedo ver que la mayor parte de la humedad se ha asentado en el papel y la textura del papel es mucho más visible. He ido adelante y he caído en más sal. Ahora voy a dejar que ese se seque y trabaje en otro lavado. Este siguiente, voy a usar algo de alcohol de frotamiento en una botella de spray, que en realidad es algo que tengo que se usa como limpiador de superficies. Similar a la sal, repele la pintura y la empuja para revelar un color más claro. Es otra opción con la que experimentar al crear texturas. Juega con cómo lo aplicas. Puedes rociarlo si tienes algo similar o puedes usar un gotero y dejarlo caer en el lavado o incluso usar Q tips y débito. He dejado que mi lavado se siente por un par de segundos y luego acabo seguir adelante y rociar algo de esa solución en el lavado. Como se puede ver aquí, los efectos son bastante prominentes. Ahora solo estoy jugando con agregar un color más oscuro solo para ver cómo va a salir eso. Se puede ver que estas últimas partes han sido completamente blanqueadas de humedad por lo que la pintura no está fluyendo en esas zonas. Pero algunas partes se pueden ver los colores aún doblándose. A continuación vamos a crear algunas flores de acuarela, también conocidas como fondos, o un efecto coliflor. Básicamente son una marca de flujo creada cuando mucha humedad se encuentra con un área de menos humedad. Cuando estás agregando pintura muy húmeda a un lavado ya dibujante, la diferencia significativa en la humedad empujará hacia fuera pigmento que ya han comenzado a asentarse en el papel, dando como resultado estas texturas impredecibles. Ahora, ciertamente hay momentos en los que quieres evitar las flores, sobre todo si parecen fuera de lugar en tu ilustración. Pero otras veces realmente sí quieres
incorporarlas para agregar interés visual a tu pintura. Empecemos a crear algunos. He dejado que la pintura se siente un poco y se asiente en el papel, pero también dejé un poco tirando por las esquinas solo para ver cómo eso afectará el lavado. Ya que estoy pintando y también siendo consciente de los niveles de humedad del papel. Como se puede ver aquí, algunas partes de los lavados superiores tienen un brillo opaco, algunas partes aún brillantes, y las partes donde se rocía el alcohol frotando están completamente secas. Aquí me caí en un poco de agua con un pincel muy cargado para crear algunas flores. Después sigo bajando más agua ya que la pintura se había asentado más en el papel. Se está volviendo un poco más distinto. Aquí, caí en más pintura ya que el lavado estaba en una etapa húmeda. Se puede ver cómo el flujo de pintura se ha ralentizado mucho y está creando bordes
más duros en lugar de mezclarse suavemente con el resto de la pintura, como lo hace en esta esquina donde el papel sigue mojado. Experimenta con diferentes niveles de humedad del papel y humedad del
cepillo e incluso tu método de aplicar pintura o agua al papel. Ya sea que lo cepille, lo deje caer, rocíe o lo esparciera para ver los diferentes resultados que obtiene. Si hay un proceso que realmente te guste, puedes practicar más en él e incorporar eso a tu pintura. Otra técnica que se puede utilizar para crear ciertos efectos en acuarelas es el levantamiento. Cuando estás levantando, el cepillo necesita estar más seco que el papel, pero no completamente seco. Para eliminar cualquier exceso de humedad del cepillo, simplemente débito en una toalla de papel. Se puede levantar una o dos veces. Pero después de eso, lo mejor es enjuagar tu pincel y
empezar de nuevo para que no estés extendiendo pintura de nuevo a la zona que acabas de levantar. También puedes jugar con la forma de tu pincel y usar un trazo más amplio o una punta puntiaguda. Dependiendo de la propiedad del pigmento, podría levantar fácilmente los pigmentos no sustentantes que
ya se han secado mediante el uso de un cepillo DEM y frotar suavemente el área que desea levantar y luego usar una toalla de papel o pañuelo para bloquear el pigmento. Recuerda, cualquier cosa que sea absorbente se puede usar como instrumento de elevación. Aquí voy a crear nubes usando un papel de seda revuelto. Hay tantas posibilidades por explorar. Te animo a experimentar y combinar los diferentes métodos y técnicas para descubrir qué efectos se pueden llegar.
14. Ejercicio 4: mezclado de colores: Muy bien, entonces en este ejercicio vamos a aprender más sobre nuestros colores y saber qué mezclas podemos crear, sobre todo cuando se trabaja con una paleta limitada. Entonces, al empezar, no
tienes que conseguir una enorme gama de colores, puedes empezar con unas cuantas primarias básicas y familiarizarte con la mezcla de colores, luego construir tu paleta a partir de ahí con colores que encuentres que tiendes a usar más. Muy bien, entonces vamos a crear una rueda de color básica usando los tres colores primarios. Ahora, los colores primarios tradicionales de los que crecimos aprendiendo son el rojo, el amarillo y el azul. Pero a medida que llegas a descubrir al mezclar estos colores en cualquier medio, no
producen mezclas tan claras y saturadas como cuando se mezclan con magenta, amarillo y cian. Ahora, esto se debe a que cada color primario tiene un sesgo de color cálido y fresco. Por lo que para crear mezclas vibrantes, ambos colores primarios necesitan estar sesgados entre sí, lo que significa que ambos deberían querer mezclar el mismo color secundario. Entonces para crear un violeta vibrante, por ejemplo, necesitamos mezclar un azul cálido y un rojo fresco. Pero si mezclas un azul cálido y un rojo cálido, que se inclina hacia el amarillo, creará un tono morado menos saturado porque la mezcla esencialmente tendrá presentes
los tres colores primarios y cuando mezcles las tres primarias, crea un color apagado opaco. Entonces lo que encontrarás a medida que trataste más en la mezcla de colores, es que hay un sistema de mezcla de tres colores y un sistema de mezcla de seis colores que también se conoce como el sistema primario dividido. El sistema de mezcla de tres colores básicamente utiliza cian, magenta y amarillo como las primarias, mientras que el sistema de seis colores consiste en una versión cálida y fresca de cada primaria. Ahora, me pondré más en detalle sobre este tema en mi próxima clase, que estaremos explorando más sobre los colores, pero por ahora,
para mantener las cosas simples, nos vamos a apegar a un sistema de mezcla de tres colores y denotar cian, magenta, y amarillo como nuestros colores primarios. Estaré usando mis pinturas Winsor y Newton Professional para esta demostración y sus tres colores primarios en la gama son, Permanente Rose, Winsor Lemon, y Winsor azul rojo. Ahora, esto diferirá de marca a marca, por lo que puede buscar información en el sitio web o folleto de una marca para ver sus colores primarios designados o incluso información sobre la temperatura de un color. Ahora, siéntete libre de usar los rojos, azules y amarillos que tienes actualmente porque este ejercicio está destinado a explorar qué colores puedes mezclar con la paleta que ya tienes de todos modos. Muy bien, así que empecemos a mezclar algunos colores primarios. Ahora, voy a crear un triángulo simple y hacer la mezcla sobre papel. Puedes hacer lo mismo o crear una rueda de color tradicional porque es esencialmente lo mismo, pero solo estoy trabajando un poco más orgánicamente para explorar la mezcla en papel y en mi paleta. Por lo que solo estoy conociendo a cada color primario a mitad de camino y mezclándolo suavemente donde se reúne para crear este color secundario. A continuación, voy a hacer las mismas mezclas pero en mi paleta, y pintar eso en medio de los dos colores primarios correspondientes. Ahora, empezaremos a mezclar los colores terciarios, y eso lo conseguimos mezclando un color primario y otro secundario. Entonces aquí estoy agregando un poco más de Rosa Permanente a la mezcla naranja para obtener un tono rojo-naranja y luego estoy mezclando más amarillo en la mezcla naranja para obtener un tono amarillo-naranja. Recuerda, puedes muestrearlo en un trozo de papel de chatarra para comprobar la mezcla si no estás muy seguro de si tienes las relaciones de pigmento adecuadas. Entonces como puedes ver aquí, con estos tres colores primarios que son esencialmente cercanos al cian, magenta y amarillo, producen bonitas mezclas de colores vibrantes. Ahora, lo siguiente que quieres hacer es, si tienes diferentes tonalidades de rojos y azules, digamos si tuviste un azul cálido y fresco y un rojo cálido y fresco, puedes seguir adelante y experimentar mezclando los alrededor para ver el diferentes tonos de morado que crean y puedes hacer lo mismo mezclando tus verdes y naranjas. Entonces aquí solo estoy usando mi sennelier para acuarelas y mezclando el rojo [inaudible] y la quinacridona con el amarillo-azul y también estoy solo sondeando barras diminutas de las dos mezclas y variando los tonos agregando más rojo o más azul en ellas. También mezcle el Winsor y Newton-Permanent Rose con el azul amarillo sennelier y como se puede ver, estas dos combinaciones produjeron un morado más brillante y vibrante. Ahora, lo importante no se trata de encontrar el tono perfecto de morado o naranja o verde. bien, se trata más de saber crear el tono que
quieres usar en tu pintura y como dije antes, este ejercicio está destinado a ayudarte a conocer mejor tus colores y saber qué mezclas puedes producir con la paleta que ya tienes, así
como entender por qué ciertas mezclas no producen resultados vibrantes. Muy bien, ahora practiquemos crear algunos tonos neutros oscuros. Entonces como aprendimos antes, mezclar los tres colores primarios juntos crea colores silenciados, menos saturados porque se neutralizan unos a otros. Cuanto más pigmentadas sean las mezclas, más oscuras y más cercanas al negro se vuelven. Por lo que puedes crear diferentes tonos de gris o marrón dependiendo de la proporción de cada color primario en la mezcla. Esto es especialmente útil para cuando quieres crear tonos oscuros para sombras, o crear neutrales como marrones o incluso tonificar la intensidad de un color. Es por ello que los colores complementarios, que son colores sentados en el lado opuesto de la rueda de color, producen marrones neutros o grises cuando se mezclan, pues esencialmente tendrán los tres colores primarios presentes en la combinación. A veces, estas mezclas opacas se conocen como una mezcla fangosa. Entonces vamos a empezar a mezclar un par de estos colores complementarios solo para jugar y ver los diferentes marrones o grises que podemos conseguir. Ahora, el naranja y el azul son colores complementarios, pero esta naranja que uso era más de un amarillo profundo. Por lo que en realidad estaba mezclando un bonito tono verde porque este amarillo se inclina más hacia el lado más frío, y por lo tanto se mezcló bien con el azul. Por lo que mientras los colores complementarios crean una llamativa combinación lado a lado, cuando se mezclan entre sí sin embargo producen un tono opaco más rojo. Pero la forma de aprovechar verdaderamente esta combinación es agregar solo un poco del color complementario del color que desea reducir el tono. Entonces, por ejemplo, el color verde en la naturaleza no es todo vibrante y brillante. En realidad está conformado por diferentes tonos de verde y puedes crear un bonito verde
natural agregando solo un poco de rojo o magenta a la mezcla. Para que puedas jugar con las proporciones de color para mezclar una variedad de tonos oscuros profundos. Está bien, así que ojalá consigas una comprensión básica de las relaciones de color a través de
estos sencillos ejercicios y usa eso para ayudarte a crear mezclas que estás buscando.
15. Ejercicio 5: proporciones de agua y pigmentos: En este ejercicio, vamos a practicar un pigmento y proporciones de
agua para crear diferentes niveles de transparencias dentro de un color, así
como para crear un uso de transición variable entre dos colores. El primer ejercicio que vamos a practicar es crear una escala de valor. Valor aquí se refiere a la ligereza y oscuridad de un color. En acuarela, aclaramos nuestro color agregando más agua en lugar de agregar blanco. Tengo algunos pedazos de papel listos para que pueda
ensayar los colores antes de ponerlo sobre mi papel. Voy a usar el gris de Payne para este ejercicio porque es un color muy profundo y se puede obtener una gama más amplia de valores con él. Está bien. Voy a empezar con el valor más ligero del color. Estoy creando aquí un charco de pintura muy acuoso. Aquí solo hay un poquito de pigmento con mucha más agua. Estoy asegurándome de que cada bloque sea un aumento gradual de valor. El ratio cantidad de pigmento a agua
eventualmente aumentará hasta que a su máxima fuerza, el bloque está muy pigmentado con sólo un poquito de agua en la mezcla. Ahora puedes ver cómo usando un color, todavía
puedes obtener niveles variables de valor de color, lo cual es muy útil para crear contraste en tu pintura. Aquí empiezo con el valor más oscuro. En lugar de agregar más pigmento, agrego más agua para diluir gradualmente la mezcla. Ten una jugada con la creación de una escala de luz
a oscuridad u oscura a luz para que tengas una mejor sensación de control del agua y te hagas una idea de cuánta agua o pigmento necesitas para obtener un cierto valor de color. Está bien. A continuación vamos a crear uso de
transición para practicar una relación de pigmento a pigmento. Estos son los diferentes tonos de colores que se producen entre una mezcla de dos colores. Esencialmente el puente entre los dos. Se puede mezclar dos colores cualquiera en la rueda de color incluyendo complementarios, pero para este ejemplo, estoy mezclando colores cerca uno del otro en la rueda. Esencialmente estoy creando un esquema de color análogo. Está bien. Voy a empezar con un color puro de rosa permanente. Entonces agarro un poco de mi segundo color, que es el amarillo Windsor profundo y agrego eso a la mezcla permanente de rosas. El tercer bloque va a ser alrededor de una mezcla igual de los dos colores. No existe un método exacto para cuantificar la relación. Es realmente una práctica de medir cuánto de cualquiera de los pigmentos tiene que tener
una mezcla para obtener un tono de color deseo. Es por eso que crear una escala como esta ayuda a
al menos representar visualmente el cambio gradual en el color. En este cuarto bloque, hay más amarillo en la mezcla que rosa. El bloque final es de un color puro del amarillo. Ahora puedes subir esto una muesca y crear una escala de valor también para cada tono de color. Se puede ver cómo usando solo dos colores, puede crear una gama de vistas y valores que son importantes para crear armonía de color, además de crear más profundidad y contraste en una pintura. Juega con diferentes colores y también puedes cambiar los colores libremente sin crear gráfico de escala y simplemente divertirte explorando.
16. Ejercicio 6: capas: Aprendimos a glasear en el ejercicio de técnicas básicas
superponiendo otro lavado de color sobre otra capa seca de color. En esta lección, te mostraré un par de formas más en las que puedes practicar el acristalamiento para entender cómo funciona el estratificación. Ya que estamos construyendo capas, vamos a trabajar de la luz a la oscuridad. Entonces voy a usar dos colores como lo hicimos en la lección anterior, y obtener esa gama de colores de transición. Pero voy a estar trabajando mayormente con estos rangos de valores más ligeros y medios. Esto se debe a que queremos retener la translucidez
del color ya que los estaremos solapando uno encima del otro. Por lo que para la primera capa de ciclos, los
estoy pintando por todo el papel y variando sus tamaños y mezclas de color. Trabajo de izquierda a derecha ya que soy diestro y no
quiero manchar accidentalmente sobre ninguna pintura húmeda con la mano. También me aseguro de dejar suficiente espacio negativo entre cada ciclo. Ya que estoy colocando diferentes mezclas de color, también
estoy pensando en cada colocación y asegurarme de que equilibren toda la pieza. Por lo que trato de asegurarme de que no tenga un tono de color sentado pesadamente en un lado, o en una línea muy vertical que puede ser un poco distraer a los ojos. Una vez que la primera capa de ciclos esté completamente seca, voy a repetir el proceso con una segunda capa de círculos que se superponen a la primera. Con estos últimos círculos, jugué por ahí combinando los diferentes tonos en la misma forma. Eso es todo por la primera pieza. En esta siguiente, vamos a crear una linda carta decorativa de tratado. Estaré trabajando en este valor más ligero de color, luego vidriando varios lavados de ese color en zonas quiero que sea más oscuro. Ese valor de contraste y color es lo que le da a la forma más forma y dimensión. Estoy aplicando el primer lavado de color por toda la forma y luego dejando que eso se seque por completo. Entonces voy a entrar con la misma mezcla ligeramente acuosa, y pintar los lados que quiero que sean más oscuros. Entonces aquí me estoy quitando parte de la humedad de mi pincel para llevarla a un punto más fino para que pueda trabajar con más precisión en los bordes de la forma. A continuación, repito el proceso para la tercera capa, y pinto solo los lados que quiero oscurecer. De este lado de la letra, en lugar de un lavado plano lo estoy desvaneciendo y cargando en más pigmento en la olla superior solo extraño un poco más de contraste. Ahora de nuevo, una vez que todo esté seco, voy a glasear sobre algunos detalles divertidos usando diferentes tonos de azules y morados que tengo en mi paleta. Esto es completamente opcional pero he añadido algo de tinta blanca y tinta de bronce iridiscente, igual que un poco de algo extra. Experimenta con lo que tienes y juega con diferentes colores, técnicas y métodos
combinados, y solo ve qué se te ocurre.
17. Ejercicio 7: pinceladas: Muy bien, en los siguientes ejercicios, vamos a practicar usando nuestro pincel y explorar las diferentes pinceladas y marcas que podemos crear con él. En este ejemplo, estoy usando un pincel redondo. Dependiendo de cómo se mantenga y la dirección en la que lo muevas, puedes crear una amplia gama de marcas. Por lo que cuando tocas tu pincel en ángulo, puedes usar la misma punta del pincel para pintar líneas finas. Puedes mantener tu movimiento estable colocando tu dedo meñique sobre el papel para evitar que las cerdas se muevan hacia arriba y hacia abajo. Mantén tu pincel perpendicular al papel, y mientras mantienes la muñeca fija, prueba a mover el brazo desde el hombro mientras pintas un trazo fino. Para crear trazos más amplios, presiona hacia abajo el vientre del pincel con un poco de presión. Intenta variar el ancho de tus trazos presionando hacia abajo, levantando y presionando de nuevo hacia abajo. Puedes usar tus papeles de práctica o incluso la parte posterior de una pintura vieja para este ejercicio e
intentar llenar la página con líneas finas y practicar pintarlas cerca entre sí sin tocarlas. Este es un gran ejercicio para que ganes más control y confianza de tus pinceladas y desarrolles memoria muscular para líneas nítidas y confiadas. Muy bien, a continuación, puedes intentar crear patrones con tus pinceladas variando el tamaño y la longitud de las líneas. También puedes practicar trazos de letras básicos para obtener una mejor sensación para tu pincel, o pintar contornos divertidos de formas y llenarlo con ancho variable de líneas estrechamente pintadas. Muy bien, entonces otra buena manera de practicar la precisión de pinceladas es pintar el espacio negativo o alrededor del espacio positivo, que está alrededor de su materia u objeto. Entonces en este ejemplo, espacio
negativo es el espacio alrededor de las letras. Puedes usar un pincel pequeño para desplazarte por áreas
más estrechas como cuando pintas alrededor de las letras, y una gran prisa por trazos más anchos para llenar el resto del fondo. En el segundo ejemplo, he combinado la técnica húmeda y seca y húmeda sobre húmeda mojando partes de la pintura con agua para que los bordes se mantengan suaves y difusas, mientras pinto alrededor de las letras tanto húmedas como secas y mojadas sobre húmedas. A continuación, también puedes explorar técnicas de cepillado
seco quitando la mayor parte de la humedad de tu pincel, y luego pintando con bastante pigmento y pintura. Entonces, aquí aplano suavemente el cuerpo del cepillo presionándolo hacia abajo sobre una toalla de papel, y luego usando mis dedos para extender las cerdas como una diversión. Después agarro un poco de pintura concentrada y creo suaves barridos por el papel. Como puedes ver aquí, las pinceladas son otra gran manera de crear texturas y patrones mojados sobre seco. Está bien, así que siéntete libre de practicar también con diferentes pinceles que
tengas y seguir experimentando con una gama de trazos.
18. Proyecto de clase y demostración de pintura: Para tu proyecto de clase, puedes subir cualquiera o todos los ejercicios de clase, o puedes combinar las técnicas que aprendiste y crear ya sea un marcador o una tarjeta de inspiración como tu proyecto final. Lo que elijas pintar depende enteramente de ti. Aquí puedes ponerte realmente creativo, o puedes elegir algo tan simple como formas y técnicas de exportación y mezcla de colores. Puedes hacerlo de la manera que quieras. Creé dos ejemplos solo para darte una idea de cómo combino lo que hemos aprendido hasta ahora en esta clase. Esta primera, he elegido una palabra que quería incorporar a mi tarjeta de inspiración, y he pegado las esquinas de mi papel para
que me quede un bonito marco blanco como en una postal. Decidí ir por un fondo de lavado graduado usando dos colores, pero descolorí los bordes de ambos extremos porque
quiero mantener más del papel blanco en la sección media del papel, que es donde pintaré en mi palabra. Aquí, solo estoy mezclando una mezcla un poco más pigmentada de rosa y azul para obtener un bonito tono morado que usaré para mis letras. Ahora que el fondo está completamente seco, voy a pintar las letras a mano libre. Pero he marcado muy a la ligera en el papel donde la primera, media y última letra iría sólo para darme una guía. Ahora, puedes dibujar una guía lápiz muy ligera de la palabra e incluso practicar dibujarla y pintarla en una hoja de papel de práctica. O alternativamente, también puedes pintar el espacio negativo alrededor de las letras. Pinto bastante rápido porque quiero que las letras se sangren unas en otras. Si bien cada letra sigue mojada, cargo con un pigmento más oscuro y la dejo caer aleatoriamente alrededor de la sombra. También juego con matices variados en cada letra solo para crear algún interés. Al mismo tiempo, estoy cayendo en más pigmento para profundizar un poco más el color. Si bien dejo que eso se seque, pinto algunas líneas decorativas alrededor de la palabra, jugando con diferentes niveles de transparencia y variación de tonalidad. Sigo usando los mismos dos colores que hice con el fondo, pero agregando ya sea más rosa o azul a la mezcla para obtener los tonos variados del morado. También estoy cayendo en una mezcla de colores, por lo que crean una bonita mezcla húmeda sobre húmeda. Aquí, me aseguré de que las capas anteriores se hayan secado antes de acristalar sobre más líneas. Muy bien, para terminar el cuadro, decidí añadir una salpicadura usando una mezcla más pigmentada de la pintura. Por lo que he cargado mi cepillo redondo con algunos pigmentos en morado y lo golpeé en un segundo pincel sobre el papel, luego repetir lo mismo con otro color. Una vez que todo se secó, decidí agregar algunos detalles finales usando un poco de tinta dorada. Ahora, para mi segundo ejemplo, he creado dos marcadores. Una, una pequeña pintura de galaxia, y la otra he creado un patrón de formas de triángulo. Para la pintura
galáctica, voy a crear un lavado variegado de morados y azules profundos, y voy a mezclar esos colores en mojado sobre mojado. Sigo cayendo en pintura más pigmentada para profundizar el color porque acuarelas tienden a secarse un poco más claras que como parece ser cuando está mojada. También he caído en algo de sal para que pasen algunas texturas bonitas, después agregué un par de gotas de pintura
pigmentada gris solo para agregar ponches de color más profundo. He dejado que la pintura se asiente en un poco más antes de caer en alguna luz turquesa cobalto pigmentada. En esta etapa, se puede ver cómo el flujo de pintura es un poco más distinto. Ahora voy a dejar que ese se seque y empezar a trabajar en el segundo cuadro. Con este marcador, voy a usar los dos colores hielo observados en la lección anterior porque me gusta bastante el combo de colores y la gama de colores de transición. Solo estoy pintando en diferentes tamaños de triángulos y ajustándolos de cerca uno al otro con una ligera brecha, y solo estoy jugando con los diferentes tonos de verde turquesa y amarillo verde. Para rematar esta pieza, vidrié sobre algunos detalles de línea dentro de los triángulos solo para crear más interés visual. Ahora, para rematar nuestra pintura de galaxia, salpicé un poco de blanco para crear las estrellas y también pinté algunos con mi pequeño pincel. Añadí algo iridiscente en detalles también, y ahí lo tienes. Dos pequeños marcadores listos para usar. Está bien. Ojalá los ejemplos que te he mostrado te den algunas ideas sobre lo que puedes crear. Espero ver tus proyectos, así que asegúrate de subirlos a la galería de proyectos. Si tiene alguna pregunta en absoluto, inclúyala en su proyecto y me aseguraré de ayudar donde pueda.
Aima Kessy, Top Teacher | Dainty Rebel
