Transcripciones
1. Introducción: Desde que era niño, siempre me ha encantado la fotografía, cinematografía y las artes visuales. A temprana edad, solía llevar una cámara a todas partes que iba y fotografiaba cualquier cosa que me interesara. Empecé a ver a esa edad cómo esto se convierte en un lenguaje sobre sí mismo. Hola, me llamo Ben Rountree y soy cineasta con sede en la ciudad de Nueva York. Mi hermana, Sarah, también es una persona creativa y una chef muy talentosa. Trabaja en un restaurante llamado Blue Hill. Durante años, la he visto cocinar en la cocina, iniciar un negocio de sándwiches de helados, experimentar con platos nuevos. Su proceso siempre está inspirado mi proceso creativo. En esta clase, te voy a mostrar cómo crear una sofisticada película de cocina de un minuto para principiantes. Esto es algo que puedes hacer fácilmente en tu cocina, y se va a centrar más en el proceso de cocción en lugar de en una receta. No obstante, me encantaría que tuvieras mucha libertad creativa y crearas una película que te va a beneficiar en lo que la estás usando. Si te ha interesado algo relacionado con la cocina, probablemente
te hayas dado cuenta de cómo las películas de cocina son muy populares en este momento. Desde los sorprendentes videos sabrosos hasta Binging with Babish, Chef's Table y todas las películas de cocina, cine es una herramienta muy eficaz que puedes utilizar para exhibir artes culinarias. Si eres alguien que ama la comida, al igual que yo, o filmando a otros cocinando, como yo también hago, esta va a ser una gran clase para ti. Vamos a repasar algunas técnicas cinematográficas, iluminación, edición básica, y puedes hacer todo esto a través de cualquier cámara que tengas en casa o tu iPhone si eso es lo que quieres usar. Esto será muy relevante si estás buscando construir tus redes sociales, construir un sitio web, un blog de comida, o si estás buscando meterte en los comerciales de comida. Estoy súper emocionado de filmar esta clase porque realmente quiero mostrarte cómo
puedes exhibir artes culinarias y comida increíble a través de la cinematografía. Muchas gracias por unirte y empecemos.
2. Descripción de la clase: Hola chicos. En esta clase vamos a estar creando una película de cocina de un minuto. Ahora hay muchas formas en las que puedes acercarte a esto, pero voy a compartir contigo una forma que me
acercaría y te daría alternativas a otras formas. Ahora en los últimos cinco años, he trabajado en una gama de comerciales, documentales
cortos, y narrativas. Pero tengo que decir, algunos de mis proyectos favoritos han estado capturando el proceso creativo de otra persona. Ya sea un escultor en la ciudad de Nueva York o un diseñador de muebles, o incluso chefs en la cocina. Me encanta capturar el proceso creativo de las personas y sobre todo hacer que las imágenes se vean lo más buenas posible. En esta clase, les voy a mostrar cómo trabajar en composición, edición, iluminación, y opciones creativas. Los materiales que se requerirían son una cámara por razones obvias, definitivamente
necesitas una cámara para grabar imágenes. Pero esa podría ser cualquier cámara que te guste, y también un software de edición. Ya sea Adobe Premiere o Final Cut Pro o incluso muevo tu Instagram creo que estaría bien. Materiales que no se requieren pero sugeridos serían iluminación y un trípode. Dependiendo de la frecuencia con la que quieras hacer estas películas, creo que invertir en alguna iluminación podría ser un gran recurso si buscas trabajar mucho en esto porque vas a tener mucho control sobre tus imágenes. Del cual hablaré más en la clase de iluminación. Un trípode, creo, sería genial si estás en una situación en la que te vas a estar filmando cocinando. Si te estás filmando cocinando,
tendrás que centrarte en las tomas que estás filmando, así
como en la propia cocina y probablemente querrás un trípode para hacerlo. Con eso, yo también diría, será realmente bueno trabajar en una receta que conoces muy bien, una que has hecho mucho y que ya sabes, por dentro y por fuera. Porque además de
filmarte, también tendrás que estar cocinando. Espero que ustedes estén realmente entusiasmados con esta clase. No puedo esperar a ver qué hacen ustedes.
3. Demostración de iluminación: Hola chicos. Para esta parte de la clase, vamos a repasar la iluminación. Ahora bien, esto podría sonar un poco extraño, pero personalmente me encanta
tanto la luz y la iluminación que cada vez que entro a un café o restaurante, siempre busco la mejor zona que tenga gran luz, ya sea una ventana o un ambiente. Hubo incluso una vez en la que esperé 30 minutos solo para conseguir un spot junto a la ventana que tenía gran luz. Entonces eso es todo para decir, me encanta la luz. Pienso mucho en ello. Intento notarlo en películas que veo y tiene un gran impacto en las películas que hago. Si alguna vez has visto Chef's Table o la película Chef en Netflix, tienen alguna fotografía de comida increíble, algunas fotos geniales de comida. Además de que cuentan con cámaras de cine de muy alta gama, también
hacen un gran trabajo con la iluminación y tiene un enorme impacto en la película. Algo que es realmente interesante y fresco de notar es, si tomas la palabra fotografía y la divides, foto y gráfica, se traduce del latín como dibujo con luz, foto-luz, grafía-dibujo. Esto es muy cierto porque cuando estás grabando una imagen la cámara necesita luz para grabar. Entonces lo que estás haciendo es que estás dibujando con luz. Por lo que hablaremos de tres tipos diferentes de iluminación hoy, y el primero es la luz dura. Podría sonar muy similar a lo que es, pero la luz dura es la luz que viene de una fuente de luz muy pequeña. Por lo que puedes pensar en esto por la tarde cuando el sol es muy brillante y obtienes sombras muy oscuras y reflejos muy brillantes, crea una imagen muy contrastia y eso es luz dura. Mucha gente tiende a decir que esto no funciona tan bien con la fotografía de belleza o las películas de comida, pero yo diría que hay una manera de usar esto si eres intencional y consciente de lo que crea. El segundo tipo de iluminación es la luz suave. Ahora, la luz suave es muy diferente de la luz dura ya que proviene de una fuente de luz muy grande. Entonces esto sería como la tarde que está muy nublado. Las nubes difunden la luz y crean una fuente de luz más grande para el sol, creando
así una luz más suave. Crea una imagen menos contrastia que tiene más transición de los negros a los blancos, creando
así lo que mucha gente dice que es una imagen muy agradable. El tercer tipo de iluminación del que hablaremos es la luz natural, que es increíble y lo que a todos les encanta simular y es la más real, es de lo que estamos conscientes y familiarizados. El asunto con la luz natural sin embargo es que puede ser muy difícil de controlar y manejar. Hubo una vez en la que me contrataron para fotografiar comida para un sitio web y elegí usar solo la luz natural. Lo que pasó sin embargo es que a lo largo del día la luz siguió cambiando, entrando y saliendo de las nubes y tuve que compensar para crear una imagen cohesiva que todos fueran similares y predecibles. No obstante, la segunda vez que me contrataron de nuevo y fui a traer mi propia iluminación, y fue mucho más fácil porque pude controlar la luz y por lo tanto cómo se iban a ver las imágenes. Entonces es una cosa en la que pensar. Hablaremos más de esto mientras rodamos. Daré recomendaciones para diferentes luces en las que puedes mirar, esa manera puedes familiarizarte con ella. Yo también te animaría la próxima vez que veas una película o un programa de televisión, empieza a estar al tanto de cómo están iluminando las escenas, dónde viene la luz y si es luz dura, luz
suave, o si están usando luz natural y cómo eso afecta las imágenes. Antes de que empieces a filmar, quiero que pienses en la ubicación en la que vas a estar filmando, en el escenario, y empieces a pensar de dónde viene la luz, y si hay alguna forma de que puedas darle forma o trabajar con ella. Entonces por ejemplo, esta es mi cocina. Obviamente estoy muy familiarizado con este espacio, pero notarás que tengo una gran, bonita ventana aquí y mucho espacio de mostrador. Aquí es donde vamos a estar haciendo nuestro trabajo preparatorio porque tengo mucha luz natural para iluminar nuestro tema, y mucho espacio para trabajar para construir nuestra composición. El segundo espacio en el que vamos a estar trabajando es la estufa de aquí. No hay tanta luz con la que trabajar en este espacio. Sí tengo estos tres accesorios, pero sé que no van a producir la luz que quiero. Por lo que traje mi luz Kino Flo, que es una gran luz. Esta luz crea una fuente de luz muy suave, y así que eso va a iluminar a nuestros sujetos cuando está cocinando en la estufa de aquí. Estas son cosas que quieres considerar con el espacio en el que estás trabajando y cómo puedes darle forma y trabajar con él. Este es el Kino Flo que vamos a estar usando para iluminar a nuestro sujeto, mi hermana Sarah. Te voy a mostrar la diferencia entre cuando está encendida y apagada para que veas cómo la luz está creando una separación entre el sujeto y el fondo. Esta es la luz que actualmente está encendida y se puede ver cómo Sarah está bellamente iluminada y el fondo se está cayendo muy suavemente. Esto es lo que se va a ver cuando apague eso, y si solo estoy usando la luz natural, entonces es una imagen muy diferente. Entonces esto es algo que vas a querer considerar cuando estás filmando personas y sujetos, es cómo crear esa separación y cómo usar la luz a tu favor. En la siguiente clase, vamos a hablar de composición y cómo enmarcar tus materias.
4. Composición: Oigan chicos, hoy vamos a ver cómo hacer que su película sea más
interesante a través de la composición y el diseño de tiro. Entonces la composición es básicamente cómo se compone una imagen en su totalidad. Lo que elijas incluir o excluir de tu marco, y quiero que pienses en esto como algo que puedes controlar, que no solo estás tomando una imagen de algo que ya está ahí, sino que estás haciendo una imagen y construyendo algo para que tengas control sobre ello de esa manera. Entonces una regla temprana en la fotografía se llama la regla de los tercios, y esta es una técnica de encuadre realmente sobre cómo posicionas a
un sujeto para mostrar su relación con otro elemento de la escena. Si tienes tu marco e imaginas que hay una tabla tic-tac-toe superpuesta, la regla de los tercios diría que querrías que tu sujeto principal esté en una de las cuatro esquinas del tablero tic-tac-toe, y por lo tanto, dejaría espacio en el marco para mostrar otro elemento y su relación con ese elemento. Entonces esta es una regla que diría que no necesitas seguir, pero es realmente bueno estar al tanto de ello y
saber cómo romperla dependiendo de tus intenciones. Entonces con la película de comida, una cosa que me encanta hacer es mostrar la relación de un chef con su comida. Entonces pondré al chef en el lado izquierdo del marco,
y la sartén o la comida en el lado derecho para mostrarles interactuar con él y por lo tanto mostrar su relación con lo que están cocinando. Está bien. Entonces hay tres tipos de disparos que me encantaría repasar. Un tiro ancho, un tiro medio, y un cierre hacia arriba. Por lo que el tiro ancho es básicamente cualquier cosa desde la cabeza hasta los pies mostrando a una persona completa o más ancha, y estas tomas son geniales
para empezar, para mostrar el entorno, la ubicación, los contextos. Dan mucha información en el marco porque hay mucho espacio para trabajar. El segundo disparo del que hablaremos es un tiro medio, y podría definir un tiro medio como un tiro de cintura arriba nivel que está un poco más cerca que un tiro ancho, pero puede mostrar al sujeto y tal vez lo que están trabajando con o su relación con otra cosa. Entonces el tercer disparo es un cierre que es exactamente lo que suena, y aunque es un poco subjetivo, primeros planos funcionan muy bien con mostrar textura y detalle de color, y funcionan muy bien con la comida porque se llega a ver el comida realmente cerca y hacer que realmente cobrara vida, sobre
todo en una pantalla más grande. Entonces con mi proceso, normalmente empezaré con capturar un tiro ancho. Esta es una gran toma para empezar porque me estoy acostumbrando al espacio, me estoy familiarizando con él, los
estoy mostrando en la ubicación. Estoy estableciendo lo que está pasando. Es un punto de vista cómodo. No es claustrofóbico, y luego trabajaré mi camino hasta conseguir tomas medias y luego trabajaré mi manera de acercarme, y a veces iré de ida y vuelta entre el cierre hasta el ancho. Pero quieres pensar de una manera que va a tener sentido con el rodaje que estás haciendo para asegurarte de que tienes todo el contenido que necesitas. Porque sé que nuestra película tiene sólo un minuto de duración, probablemente no necesito más de 10 segundos por disparo dependiendo de cuántos disparos voy a querer usar. Entonces cuando estoy filmando, sólo voy a intentar filmar entre 5-10 segundos para que no me rebase. Pero realmente estoy pensando en mi composición y soy capaz obtener tantos ángulos como pueda del proceso. Hubo una vez cuando estaba filmando un corto documental sobre un restaurante en Nueva York, Eleven Madison Ave, y sólo tenía 15 minutos para filmar a los chefs en la cocina. Entonces sabía que tenía que usar mi tiempo sabiamente cuando sólo tengo 15 minutos, y así hice como lo mencioné. Empecé con conseguir todas las tomas anchas que necesitaba y luego
transité para conseguir todas las tomas medias que quería, y luego empecé a conseguir todas las tomas de cerca para poder conseguir la belleza de la comida, y ellos interactuando con él y realmente exhiben lo que estaban creando. Fue genial tener eso preparado en ese tiempo dudas para
que yo supiera en qué me estaba metiendo y tuviera un plan. En ocasiones habrá un equilibrio de querer prepararse y hacer un plan y también responder a lo que está pasando y divertirse e ir con tus instintos y tomar decisiones fuera del puño. Creo que hay un balance realmente bueno para tener entre ambas cosas. Pero tener un plan y saber algo que quieres entrar es realmente útil. Una de las cosas que voy a hacer con muchos brotes que hago es escribir una lista de tomas, y podría decir todos los tiros anchos, tal vez dos o tres tiros anchos o medio, primeros planos. ¿ Cuántos podría querer? ¿ Cuánto podría usar? Si incluso quieres ir más allá, puedes escribir una línea de tiempo de un minuto y simplemente anotar cuántas tomas quieres y cuántos segundos sería cada disparo. Esa es una descripción muy detallada de saber específicamente lo que quieres. Si quieres que tu tiro ancho sea de 10 segundos o medio sea tres segundos para tener cinco de esos y luego terminar con otro ancho. Realmente puedes planearlo tanto como quieras y luego tener mucha flexibilidad para tomar decisiones fuera del puño e inspirarte en un momento y tener mucha flexibilidad cuando estás filmando. Creo que es bueno tener ambos. Entonces puedes pensar en eso y tal vez empezar a pensar en escribir un plan y hacer referencias a lo que quieres. Las imágenes y el diseño de
la toma, la composición para lucir, y cuántas tomas crees que vas a necesitar, andas, médiums, y primeros planos. Entonces a medida que avanzas,
sigue pensando en la composición y practicándola para tener una idea de lo que te interesa y lo que te gusta y cómo te gusta componer. Sigue pensando en lo que estás incluyendo y excluyendo del marco, y sigue trabajando en cómo hacer esos ajustes. En nuestra próxima clase, vamos a estar hablando opciones
creativas y cómo eso puede mejorar tu película. Por lo que espero verte entonces.
5. Tomar decisiones creativas: Oigan chicos. En este video, vamos a estar hablando tres opciones creativas que puedes considerar a la hora de hacer tu película. El 1er es movimiento. El movimiento es realmente genial porque es lo que distingue a la fotografía del cine. En fotografía, por lo general solo tienes un momento o una fracción de segundo para capturar una imagen. Con video, tienes todo el tiempo que necesitas para crear una escena, y en ese tiempo puedes hacer tanto con cómo se mueve la cámara. Digamos por ejemplo que tienes un movimiento de cámara que es muy lento y estático. Puede crear un estado de ánimo más reflexivo. Pero si tienes un movimiento de cámara que es más rápido, puede aumentar la emoción y sacar más energía en una escena. Puedes elegir cómo quieres pensar en esto. Puede ser curioso o puede ser enérgico. Lo que quieras, cualquiera que sea el estilo de tu película va a ser. Un tiro que me gusta particularmente cuando se trata filmar
a un artista o a un chef es un tiro donde empieza con el artista o chef y poco a poco se mueve hacia abajo a la comida o a su oficio en el que están trabajando. Me encanta esto porque muestra a los artesanos al arte en una sola toma. La 2da opción creativa que consideraremos es a cámara lenta. La cámara lenta es realmente genial porque no es como vemos el tiempo normalmente. Se puede tomar un momento en el tiempo y extenderlo mucho para que podamos prestar más atención a ese momento y enfocarnos más en él. Creo que la cámara lenta también es intrínsecamente romántica en algunas formas por cómo se ha utilizado en películas en el pasado y por la calidad de
ralentizar el tiempo y tener esa mirada que es mucho más larga. Puedes usar eso en tu película y experimentar con eso. La 3ª opción creativa que consideraremos es la profundidad de campo. Ahora la profundidad de campo se define por cuánto de la imagen está enfocada. Si tienes una profundidad de campo poco profunda, eso significa que solo una pequeña parte de la imagen estará enfocada. Pero si tienes una mayor profundidad de campo, significa que una parte más grande de la imagen estará en foco. Es genial porque si tienes una profundidad de campo poco profunda, puedes jugar con lo que quieres que el espectador preste atención, a lo que quieres que vean. Eso se puede controlar en la cámara. Con las películas de comida es genial porque puede sacar tanto color y textura y puedes jugar con cómo quieres que vean tus imágenes. Ahora en una cámara, tu apertura es lo que controla la profundidad de campo. En tu cámara, yo diría que en cualquier lugar entre una abertura de 1.4 a 4.0 va a ser una profundidad superficial de campo y en cualquier lugar de 5.6 a 22 te dará una mayor profundidad de campo. Estas son tres opciones creativas que puedes considerar al hacer tu película. Yo quiero animarte a experimentar con ellos, probarlos, ver lo que te gusta, ver lo que no te gusta, y familiarizarte con ellos. Empieza a notarlos también cuando estás viendo televisión y otras películas. Vea cómo las personas usan el movimiento, vea cómo las personas usan cámara lenta, y si alguien está usando una profundidad de campo superficial o mayor profundidad de campo. Cuanto más te acostumbras a estas técnicas, más te sentirás seguro de usarlas manera efectiva y contar la mejor historia que puedas contar. En nuestra próxima clase, vamos a estar hablando del último rodaje de la película que es lo que llamaremos el tiro de héroe. Esta sería una toma importante porque va a ser el producto alimenticio final, va a capturar la comida final que ustedes crean, y va a exhibir eso de la mejor manera posible. Muchas gracias por unirte hoy y te veré en la próxima clase.
6. La fotografía del héroe: Oigan chicos, aquí vamos a estar hablando de crear el último rodaje de su película, que es lo que llamaremos el tiro de héroe. Esta va a ser una toma de tu producto alimenticio terminado. Se va a mostrar la comida que has creado de manera elocuente y sofisticada. Con esto, yo diría que tienes mucha libertad creativa. Va a ser muy divertido porque puedes elegir qué tipo de iluminación quieres usar, cómo quieres que se vea el ajuste. Si tienes una mesa fresca que quieres sacar o un mantel o algunas losas de mármol, quieres crear una escena que mejor represente el plato que estás haciendo. Tienes muchas opciones con esto. punto de vista logístico también diría que es muy importante encontrar
la ubicación y encontrar donde se quiere filmar esto antes de filmar cualquier otra cosa. De esa manera, cuando el plato esté terminado y esté completamente cocido, puedes traerlo y dispararlo de inmediato porque, con la comida, no quieres que esté sentado y se enfríe. No quieres que esté esperando por ahí. Se quiere disparar justo cuando está fresco, justo cuando está listo para salir. Este va a ser un momento en el que puedes experimentar si quieres usar iluminación dura o iluminación suave, si quieres usar tal vez algunas velas o hacer alguna decoración a su alrededor y también pensar si sí quieres textos en la imagen, donde quieres que esté el texto, cómo podrías querer que eso interactúe con tu imagen. ocasiones puede quedar realmente bien tener algunos textos de cómo se llama el plato o puedes poner tu nombre ahí o cualquier información que quieras incluir. Para mí, voy a estar usando las tres técnicas creativas que pasé. Estaré usando una profundidad de campo poco profunda. Estaré filmando en cámara lenta y estaré incorporando movimientos muy lentos en mis tomas. Podrás ver eso y podrás ver cómo se ve y qué quieres usar y qué no quieres usar. Se puede ver una toma como esta puede requerir mucha atención y detalle, pero realmente se puede hacer tan simple o complejo como se quiera que sea. Puedes tener un telón de fondo blanco muy sencillo y mantenerlo liso y elocuente o puedes decorarlo con todo tipo de cosas y hacerlo de la manera en que lo desees. Ésa es básicamente todas las clases que tenemos para el aspecto de filmación de la misma. Para nuestra próxima clase, querrás tener todo el rodaje completo y ya estás listo para empezar a editar. Eso es lo que estaremos haciendo en nuestra próxima clase. Espero con ansias verte ahí.
7. Edición: Oigan chicos, me alegra tanto que hayan llegado hasta aquí. Estamos casi al final de la clase aquí, y en este punto deberías tener todo el metraje capturado y estar listo para empezar a editar. Te estaré enseñando cómo edito en Adobe Premiere, pero siéntete libre de usar cualquier plataforma de edición que tengas y siéntete cómodo con. También quiero estar al frente diciendo que esto no es una edición en profundidad o clase Adobe Premiere, siéntete libre de revisar definitivamente otras clases de Skillshare sobre eso. Pero si tienes una plataforma con la que te sientes cómodo y tienes algún conocimiento general de, eso funcionará muy bien. Aquí está nuestra ventana de archivo de proyecto Premier Pro y puedes ver que tengo todos mis archivos importados. Lo primero que vas a querer hacer es organizar todo en papeleras. La organización definitivamente es súper importante y te va a hacer la vida mucho más fácil por el camino. De esa manera, no te faltan archivos ni pierdes información más adelante. Se puede ver aquí tengo mis secuencias bin, que va a tener todas mis secuencias. Ya verás que tengo mi papelera de película terminada, que en realidad es la película en la que estaba trabajando para esta clase, así que no te importe eso. Pero entonces tengo mi carpeta de material con todo el metraje que tengo. Entonces tengo mi papelera de música, que tiene todas las canciones que estaba probando y viendo cuál funcionaba mejor. Entonces tengo mi página de título. Quieres pensar en qué papeleras van a ser más
relevantes a medida que avanza y las creas en consecuencia. De lo siguiente de lo que quiero hablar realmente rapido es de la música. Todo el mundo tiene un enfoque muy diferente de cómo usan la música, y realmente no hay un bien o un mal, pero una cosa que me gusta hacer personalmente, es tener la música que sé que voy a usar o una pista
temporal que está en el mismo género o estilo que voy a usar. De esa manera influirá en el ritmo y el estilo y cómo voy a editar. Con esto, por ejemplo, probablemente miré alrededor de 20-30 canciones, y luego de ahí, lo estreché, tal vez 10-5, y terminé recibiendo permiso de un artista, Stan Forebee, que hace hip hop realmente cool, chill hop, beats estilo jazz. Me dio permiso para usar una de sus canciones y me gustó mucho lo dinámico que era y me gustó el tono meloso para ir con mi película, así que terminé yendo con ese track. Pero también podrías iniciar una edición aproximada de tu película y luego traer una canción más tarde y moldearla de esa manera. Esta es mi ventana de proyecto Adobe Premiere. Ya puedes ver tengo todos mis archivos importados y empecé a organizar papeleras. Esto es lo primero que vas a querer hacer, es organizar todos tus activos en un metraje. Te darás cuenta de que tengo mi carpeta Secuences, que tiene todas las secuencias que estaré usando, tengo mi carpeta Finated Film, que en realidad es la película en la que estaba trabajando para esta clase, así que no te importe tanto. Pero luego tengo mi carpeta de material de archivo, que tiene todo el metraje que filmé, y luego tuve la carpeta Música, que tiene todas las canciones con las que estaba experimentando, y luego mi secuencia de Título. Vas a querer pensar en la mejor forma de organizar tus archivos y lo que va a tener más sentido para tu proyecto, pero estar organizado es súper importante y definitivamente es muy útil en
el camino cuando estás editando así que no pierdan la pista de ningún archivo ni pierdan nada. Atraveso todo el metraje. Lo siguiente que vamos a hacer es que vamos a seleccionar todo nuestro metraje. Entramos en nuestra carpeta de material de archivo, seleccionamos todo el metraje, y lo vamos a arrastrar a nuestra línea de tiempo. Yo nombro la línea de tiempo, Clase de material de archivo, pero sólo podrías titularlo Metraje, o lo que sea te va a ser de ayuda. Lo siguiente que voy a hacer es, con mi cabeza de juego, básicamente
voy a fregar todo el metraje y luego seleccionar los clips que van a funcionar mejor para nuestra película. Cómo hago esto es que ya sea con la herramienta Seleccionar, click y arrástrelo hasta la segunda capa que
pueda identificarlo como uno de los clips que me gustan, o podemos usar una Razor, que está por aquí, la Razor , también es un atajo C. Así que si haces clic en C en tu teclado, obtendrás la Razor. Podemos cortar una parte de ese clip y luego seleccionarlo. Atajos C y V, los
voy a mantener muy cerca, porque C es la herramienta Razor y puedo usar eso para cortar una parte del clip, y luego V es la herramienta de selección, y lo usaré para llevarlo hasta el segundo capa. A partir de aquí, prácticamente solo frotaré todo el metraje, cortaré las tomas que me gustan, y luego al final tendrás una buena selección de clips que quieras usar. Igual que eso. Yo sólo voy a frotar, ver todas las imágenes. En ocasiones probablemente tengas clips que se ven muy parecidos, por lo que solo quieres usar los mejores. Yo prácticamente ya pasé por todos mis clips y seleccioné los mejores que quiero usar. Se puede ver aquí, originalmente empecé con alrededor de una hora y 30 minutos de metraje, que definitivamente es mucho metraje para un video one. Corté eso a unos 10 minutos de metraje, y luego corté eso otra vez hasta aquí, que son unos tres minutos y 46 segundos. Este es un buen momento donde a los tres minutos y 46 segundos de metraje, puedo traerlo sobre mi música y empezar a
editar y ver qué tomas van a funcionar mejor, y cómo voy a querer elaborarlo juntos. Si tienes dos tomas que son muy similares y podrían funcionar bien, definitivamente incluye esas y ve cómo quieres que ese flujo, y date opciones en la edición. Desde aquí, hay dos cosas que puedo hacer. Puedo duplicar esta línea de tiempo y simplemente mantener mi metraje seleccionado, o puedo crear una nueva línea de tiempo y poner todo ese metraje en. Crearé una nueva línea de tiempo para mostrarte cómo se ve eso. Entrarás en Archivo, Nuevo, irás a Sequence, y yo titularé esta secuencia Food Film_1. Entro a Ajustes, y solo quieres
asegurarte de que todos tus ajustes sean similares a tus metrajes. Quiero mi video, 1920 por 1080, que es HD. Quiero asegurarme de que mi marco de tiempo sea 23.976, que es a lo que filmé la película. Estás bien para ir. Desde aquí, estoy en mi secuencia de metraje, resaltaré todos los clips que quiero y lo pondré en Food Film_1. Entonces voy a traer mi canción. Tengo mi pista aquí llamada Portrait. Voy a traer eso y se puede ver que la canción es mucho más corta que el metraje. Esta es realmente la parte creativa del proceso, donde usas tu creatividad e intuición y decides cómo quieres tomar decisiones de edición. Con esto, por lo general lo que haré es escuchar la canción unas cuantas veces, conseguir un sentido de cuál es la vibra, cuál es el tono, a veces, incluso
pondré marcadores en diferentes puntos de la canción que sé que van a ser realmente importante. Te mostraré, por ejemplo, en esta parte de la canción, si hay un beat aquí que sé que es una gran transición y de verdad quiero golpear, presionaré atajo M y eso me dará un pequeño marcador, y así sabré que es un punto en la canción donde realmente quiero transitar algo y ese va a ser un momento realmente importante. A veces voy a hacer eso y me parece útil, pero luego mucho es sólo escuchar la canción, pasar y editar al ritmo o fuera de ritmo o como quieras hacer que las cosas funcionen. En mi película, tengo alrededor de 40 clips que son alrededor de un segundo y medio. Puedes elegir cuánto tiempo quieres que sea cada clip y cómo quieres que sea el metraje. Yo quiero que el mío sea un poco rápido y poder mostrar muchas composiciones que me dieron. Yo lo hice creando cortes más rápidos todos dentro y fuera del ritmo de la canción. Dos atajos mencionaré que me parecen muy útiles en esta etapa de edición son la letra B. La letra B es una herramienta de edición que permite acortar o alargar un clip, y mantiene todos los demás clips juntos. Es realmente útil para acortar un clip, alargar un clip y simplemente mantener todo unido y mucho más fluido. El segundo atajo del que te hablaré es el atajo N. Esta herramienta es genial porque te permite maniobrar dos clips que están uno al lado del otro, también con mantener todo unido y no influir en los clips a su alrededor. Permite solo editar dos clips que están justo al lado del otro sin influir en el resto de los clips que lo rodean. Con esto, tienes mucha libertad creativa en cómo quieres editarla. Si quieres que sea narrativa, si quieres que sea secuencial en el tiempo, si quieres que empiece por el final, quieras hacerlo, tienes mucha libertad creativa. Siéntase libre de seguir haciendo esa edición y tomando esas decisiones creativas. Entonces cuando llegues a un lugar donde sientes que tu película está a punto de hacerse, has editado a la canción, se ve bien, generalmente lo último que haré es pensar en texto y en cómo quiero incorporar texto. Para mí, sólo voy a añadir una tarjeta de título al último tiro e incluir el texto, que es el plato, linguine todo vodka. Pero si quieres usar textos a lo largo de la película, si es un video de cocina que es instructivo o que quieres usar ingredientes, si es uno de los videos cómicos entonces puedes incluir texto a lo largo de toda la película, pero voy para mostrarte cómo lo hice al final. Yo quería un texto que fuera elocuente, sofisticado, uno que se viera realmente bonito. Aquí creé un título heredado, que te mostraré cómo hacerlo. Vas a Archivo, Nuevo y luego baja a Título Legado. Puedo nombrarle la Página de Título, asegúrate de que sea del tamaño correcto. Entonces aquí tienes una opción para tantos tipos diferentes de fuentes y tantos tipos diferentes de colores, y realmente puedes hacer mucho con el texto aquí. Qué hace eso, ese Legacy
Title, crea su propio archivo aquí mismo que puedes usar y poner sobre el metraje. En realidad se puede ver que ya hice eso aquí. Este es mi expediente. Si hago clic en eso, puedo ver, este es el texto que usé, linguine all vodka. Se puede cambiar el tamaño de fuente, los aspectos, liderando. Kerning es una cosa que me gusta usar y utilicé aquí. Kerning básicamente extiende las letras en el texto. A mí me gusta usarlo un poco y siento que me gusta cómo utiliza el espacio en la película. Una vez que sientes que estás contento con tu película, te gusta editar, los colores se ven bien, estás contento con el texto, entonces vas a querer exportar tu video, y eso es todo. Hay tanto más de lo que podríamos haber hablado con la edición, pero quiero animarte a mirar otras clases de Skillshare, seguir practicándolo, y vas a seguir mejorando y verás lo divertido que puede ser y cuánto control que tienes sobre tus imágenes. Tienes tantas opciones creativas a la hora de editar. Es muy divertido seguir practicando. Muchas gracias por unirte hoy, y te veré en la siguiente clase.
8. La película de cocina terminada: Hola chicos. Por lo que antes de terminar, sólo
quiero compartir el video final de cocina que hice. Espero que esto te inspire a crear tus propias películas y pensar en algunos de los conceptos que cubrimos.
9. Conclusión: Enhorabuena por terminar finalmente esta clase. Estoy tan emocionado por ti. Muchas gracias por unirte. De verdad espero que hayas disfrutado de esta clase, y espero que sigas haciendo películas de comida, por el camino en el futuro. medida que avanza, sigue practicando la composición, el movimiento y la iluminación, y sigue practicando con tus amigos, con tu familia en Instagram. Cuanto más crezcas en estas habilidades, más influirá en tu creatividad. Hay tanto más que podríamos haber repasado en esta clase. Pero espero que al menos veas lo efectiva que puede ser la cinematografía para involucrar a un público. Muchas gracias de nuevo por sumarse. Por favor, no olvides subir tus proyectos. De verdad espero con ansias ver lo que creas.
