Genera impacto a través del arte: conceptualización de ideas únicas que resuenan | Aram Atkinson | Skillshare
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Genera impacto a través del arte: conceptualización de ideas únicas que resuenan

teacher avatar Aram Atkinson, Storyteller. Filmmaker.

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:27

    • 2.

      El proyecto de clase

      1:20

    • 3.

      Déjalos pensando sobre tu arte

      7:12

    • 4.

      Cómo crear conceptos que se puedan relacionar

      3:36

    • 5.

      Aportar autenticidad a nuevos mundos

      3:39

    • 6.

      El poder del subtexto

      6:01

    • 7.

      Medios y producción: pensar con anticipación para cautivar

      6:22

    • 8.

      Outro

      2:01

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

813

Estudiantes

3

Proyectos

Acerca de esta clase

¿Cómo creas arte tan inspirador que deje a las personas pensando en ello durante días, semanas, meses, años? 

No existe una fórmula para crear una nueva Mona Lisa, pero existen maneras en que podemos mejorar nuestro trabajo, enfoques que podemos usar para aportar impacto a nuestras obras maestras creativas. Algunas de estas técnicas son tan simples, que te dejará pensando por qué no las hacías, porque así es cómo me sentí cuando comencé a combinar estos métodos.

Todas estas lecciones provienen de perspectivas del mundo real que el cineasta galardonado Aram aprendió después de trabajar durante años con organizaciones de caridad líderes en el mundo, haciendo presentaciones y películas que se reprodujeron en lugares como la Organización Mundial de la Salud y la ONU. A Aram le llevó 7 años de experimentación descifrar estos conceptos simples y la diferencia que puede implicar para tu arte, a ti solo te llevará media hora.

Estos serán los temas que abordaremos juntos en la lección:

  • Lograr que tu arte quede en la mente de un público.
  • Lograr que las grandes ideas sean lo suficientemente simples para que todos las capten.
  • Aportar autenticidad a tu trabajo.
  • Descubrir cómo puedes decir todo lo que quieres decir, sin tener que decirlo siquiera. 
  • Cómo optimizar los medios para lograr la máxima experiencia del público.

Crearás un concepto y una obra de arte que serán completamente únicos para ti y tus valores, no obstante, estarán diseñados de una manera que cualquiera podrá relacionarlos. ¡Lánzate!

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Aram Atkinson

Storyteller. Filmmaker.

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So you're probably wondering what can you learn from me?

I wear a few different hats, but my day-to-day is filmmaking, specialising as a writer, director, and cinematographer.

I love teaching (in fact, teaching on Skillshare led to me teaching at a university part-time)! Nothing makes me happier than seeing that moment a student understands something that's been alluding them forever. The 'oooohhhhh' moment!

Here are a few things I love to talk about

- Screenwriting & Storytelling

- Freelancing & Brand Storytelling

- Cinematography

- Notion

- Productivity

- Teaching & Leadership

Take a look through the trailers of my classes below, and when you find one you like just get stuck in!

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Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: No sé si alguno de nosotros realmente nos propusimos ser artista cuando empecemos. Sé que cuando era niño quería ser chofer de autobús, luego peluquero, luego un buen jugador de hockey. Pero creo que lo que todos queremos es hacer un impacto. Vemos cosas en este mundo a las que queremos darle una plataforma o queremos desafiar, aunque solo sea internamente nosotros mismos, incluso nuestro propio sentido de identidad, tal vez. llamo Aaron, soy cineasta, guionista y director, y he estado pasando los últimos 7-10 años trabajando con diferentes organizaciones para ayudarlas a tener un impacto a través de mi forma artística de cine. El arte es más que palabras sobre papel, pintura sobre lienzo, es la máxima expresión de un pensamiento. Pero a veces el arte que creamos, nos deja sintiéndonos tan en blanco como estaba el lienzo cuando empezamos. Nos quedamos preguntando: “¿Por qué eso no dice lo que quería?” O, “¿Por qué no se escucha como esperaba que fuera?” Esta clase es donde comparto mi enfoque para crear impacto con tu arte, para enmarcar tu creatividad de una manera que deje a gente hablando de ello durante días y semanas por venir. Ya sea que seas ilustrador, fotógrafo, cineasta, estas lecciones se aplican porque en el corazón de lo que estamos hablando, es cómo traducir un pensamiento en un concepto con el que cualquiera pueda relacionarse. Ahora, estaremos construyendo hasta hacer esa pieza de arte final, pero nos vamos a estar centrando en la etapa conceptual de antemano. El bello de esto es que podemos hacerlo en cualquier forma de arte que elijas. Cuando tenía 22 años dirigí una película sobre ahogamiento global y terminó por ser interpretada en la ONU y en la Organización Mundial de la Salud, tratando de registrar esto como un enorme problema global que debía abordarse. Ese fue el momento que me di cuenta por primera vez, el momento en que supe que mi arte tiene el poder de cambiar el mundo, y también lo hace el tuyo. Tienes una perspectiva del mundo, y eso merece ser escuchado. Ojalá, a través de las técnicas que voy a compartir, te resulte más fácil poner eso en tu arte y dejar el impacto que quieres lograr. Este es mi arte, estos son mis pensamientos, y eres muy bienvenido para unirte a mí. 2. El proyecto de clase: Bienvenida. Antes de sumergirnos, pensé que sólo te pasaría por lo que es el proyecto de clase para esto, y te daría alguna idea de lo que vamos a estar haciendo. el final de esta clase, vamos a haber ideado un concepto para una pieza de arte que va a dejar un mayor impacto. Ahora, estaremos construyendo hasta hacer esa pieza de arte final, pero nos vamos a estar centrando de antemano en la etapa conceptual. Vamos a estar haciendo eso a través de 4-5 clases diferentes que cubren todos estos diferentes aspectos que pueden darle más impacto a tu arte. El bello de esto es que podemos hacerlo en cualquier forma de arte que elijas. Si eres ilustrador, puedes ilustrar. Si eres fotógrafo, puedes hacerlo a través de fotos. Al final de la clase, si estás feliz de compartir todo el proceso o solo partes del proceso, ya sea la etapa conceptual o la pieza final de arte, eso está absolutamente bien. No hay presión en esto, depende enteramente de tu interpretación. Cuando estés listo, agarra ese cuaderno de bocetos o ese bloc de notas o ese portátil, y nos pondremos en marcha en hacer que tu arte tenga un impacto más largo, mayor. 3. Déjalos pensando sobre tu arte: ¿ Qué es lo primero que podemos hacer para darle más impacto a nuestro arte? Bueno, se reduce a un cambio muy simple de la mentalidad, y esto es algo que me tomó mucho tiempo llegar a agarrarme pero en realidad tan pronto como lo hice, simplemente hizo clic. Es esta idea de hacer preguntas en lugar de hacer grandes declaraciones. A todos nos encantan las preguntas. Preguntas nos mantienen adivinando y abren una conversación. “ Oye, ¿cómo estás? ¿De dónde sacaste los zapatos?” Estas cosas son mucho más atractivas que, “Oh, debes ser bueno. Ah, esos zapatos son de Zara”. Es la idea de crear una conversación abierta para tu arte. Bromas y acertijos son dos ejemplos primarios de esto. Tomemos sólo uno como ejemplo. Tengo ciudades pero no casas. Tengo montañas pero no árboles. Tengo agua, pero no pescado. ¿Qué soy yo? Con los creativos estamos obsesionados con hacer estas grandes declaraciones, eso es lo que creemos que tenemos que hacer como artistas. Pero si piensas en tiempos de tu vida en los que tal vez has hecho algo de lo que te arrepientes o has dicho algo, o has experimentado algo que te ha dejado preguntándote, ¿ era eso lo correcto? Es esa pregunta la que nos hace volver. No estamos pensando, hice algo terrible, nos estamos preguntando, ¿estuvo bien? ¿ Era eso lo correcto? Permitir que esa conversación se abra, eso es lo que nos hace pensar en ello mucho después de que ocurrieron los hechos. Ya sea que tu trabajo esté cubriendo un tema muy tópico o algo un poco más mundano, teniendo esa capacidad para mantenernos pensando en ello más tiempo después de haberlo visto, eso es lo que queremos hacer, así es como creamos impacto. Uno de los temas que tenemos cuando tratamos de presentar estas ideas como un comunicado, es que puedo encontrarme como acusatorio. La gente piensa que los estamos acusando de no estar a la altura de los altos estándares, y la huida de la gente o la respuesta de lucha pateó y o se van a poner a la defensiva o simplemente lo van a ignorar. tanto que como digo, si tenemos esa pregunta, entonces estamos permitiendo que se involucren y realmente razone lo que piensan. Estamos abriendo nuestro arte para la interpretación en lugar de simplemente decir que nuestra interpretación es la única manera correcta de hacerlo. Lo que vamos a hacer primero es que vamos a pensar algunas preguntas que cubren algunas áreas de interés para nosotros mismos. Pero antes de llegar a eso, solo quiero mostrarles un ejemplo usando una de mis piezas de arte favoritas, que es Hopper de Edward, Nighthawks. Es hermoso, es cinematográfico, y sin embargo el pintor niega que cualquier simbolismo de aislamiento humano y vacío urbano fuera intencional. Declarando: “Inconscientemente, probablemente, estaba pintando la soledad de una gran ciudad”. Si no está haciendo conscientemente alguna gran declaración, probablemente solo esté pensando en cómo se siente en términos de preguntas. Podemos echar un vistazo a cualquier obra de arte e intentar bajarla pensando en las preguntas más que en las declaraciones. Piensa en las preguntas de este cuadro. ¿ Por qué esta gente de aquí? ¿ Cómo se siente alguien cuando está sentado en un comensal a las 2:00 AM de la mañana? ¿ Es normal sentirse solo? ¿ La soledad se comparte menos solitaria o incluso es más solitaria? ¿ Son las ciudades buenos ambientes saludables para las personas? Este cuadro, no responde a ninguna de esas preguntas, simplemente las presenta. Podemos interpretar así como queremos. Para mí, me atrae porque me imagino a mí mismo no poder dormir y pensar, iré a tomar un café a las 2:00 AM de la mañana porque tampoco quiero estar sola. Entonces estoy pensando que saldré y me encontraré en un espacio donde no necesito hablar, porque todos los demás en ese espacio están sintiendo lo mismo. Es así como lo interpreto, y puedes interpretarlo diferente. Pero por eso esta pieza de arte es tan popular, es tan impactante porque todos podemos interpretarla como elegimos. Ahora solo empezamos a construir nuestra obra de arte con una pregunta. Todo lo que necesitamos hacer es pensar en un montón de preguntas que pueden ser sobre cualquier cosa. Quizás quieras darle un tema, quizá ya tengas alguna idea en mente, pero puede ser cualquier pregunta que te venga a la mente. No tienes que intentar planear esto súper perfectamente, se trata de enmarcar ideas y sentimientos que tienes justo en una pregunta. Podría ser algo que hayas experimentado personalmente, algo de lo que has visto mucho y de lo que quieras saber más, sea lo que sea, solo escríbalos. Te daré 60 segundos y anotaré algunos, y luego te hablaré a través de los míos antes de pasar a la siguiente lección. La primera pregunta que me vino a la cabeza es, ¿por qué no podemos apagar? Para mí eso es algo grande. Me resulta muy difícil simplemente apagarme a las 10:00 PM de la noche, mi cerebro simplemente sigue corriendo. Sé que probablemente sean razones para ver con los medios digitales, algo así. Pero eso es algo para mí, me cuesta cambiar de. Esa es la primera pregunta. Segunda pregunta. ¿ El rechazo realmente nos fortalece o nos hace más débiles? Esta idea popular de cuanto más te caigas, más fuerte eres para conseguir refuerzos. ¿ Simplemente es cierto? Esa es sólo una pregunta que tengo. Por último, ¿pertenezco o todos sufren esta idea de síndrome impostor? La gente habla de ese sentido de nunca sentirse como si encajaran. Para mí, eso siempre ha sido algo que he encontrado en mi día si estoy en la industria del cine o si estoy haciendo uno de estos, sea lo que sea, la idea de, tal vez en realidad no pertenezco aquí o no soy lo suficientemente bueno para este nivel, ese sentimiento es bastante común creo. Eso es algo que en realidad está fuera de todas las preguntas para mí me lleva a pensar que es algo que me impacta y estoy seguro que impactaría a otras personas. No hay prisa, si no tienes preguntas como muchas existen, tómate tu tiempo, piensa en algunas más, y luego pasa a la siguiente lección. Pero justo antes de seguir adelante, déjame darte la respuesta al enigma. Tengo ciudades pero no casas. Tengo montañas pero no árboles. Tengo agua pero no pescado. ¿ Qué soy yo? Yo soy un mapa. 4. Cómo crear conceptos que se puedan relacionar: Hemos evitado el primer escollo de enfocarnos en declaraciones más que en preguntas y en realidad ahora podemos abrir una conversación. Pero lo que queremos hacer para que nuestro arte realmente tenga impacto es asegurarnos de que lo estamos manteniendo relable. Hay un tropo en el cine y esto transporta en todas las formas de arte, “Si no puedes hacerlo mejor, hazlo más grande”. Todos hemos visto a esos SQL ver básicamente todo lo que han hecho es agregar más alienígenas o han agregado un ejército más grande. No nos quedan pensando en ello, sólo pasa por aquí. Esa es una trampa en la que podemos caer en cualquier forma de arte donde pensaríamos : “Está bien, voy a mostrar esto de la manera más grande posible”. Pero ¿y si en cambio, bajamos, nos ponemos más íntimos, pensamos en una forma más pequeña de mostrar algo? Al enmarcar una pregunta de una manera pequeña e íntima, podemos agregar relatabilidad. Apenas volviendo a Nighthawks de Edward Hopper brevemente. Piensa en todas las formas más grandes, más elaboradas que podría haber demostrado eso. Un gran paisaje urbano donde hay una luz encendida y el resto están apagados o una multitud de personas, y una persona es señalada. En cambio, se centró en cuatro personas en un bar por la noche. Podemos enfocarnos, realmente podemos explorar la escena, no se perdieron en el lío y el ruido. Simplemente tenemos dicha pasando y nos obliga, dibuja como en. Entonces la forma de hacerlo es pensar en estas preguntas y simplemente elegir una o dos y pensar en eso como un escenario. ¿ Cómo podemos visualizar eso? Este es el momento de empezar a usar tu forma de arte. Es posible que quieras hacer esto como un mapa mente-map. Es posible que quieras hacer eso como bocetos, sea cual sea la forma de arte que prefieras. Te animo a usar tu arte. Si eres ilustrador y empiezas a bosquejar estos, te dará algo de inspiración creativa en el futuro. Te daré un ejemplo. Para mí, la pregunta que realmente me pegó fue esta pregunta de: “¿Pertenezco? ¿ Todos sienten lo mismo? ¿ Sufres síndrome de impostor?” Empecé a pensar en los escenarios en los que siento eso. Bueno, la más obvia para mí es en el Festival de Cine. Fue un evento grande, cineastas de Philip y siento que no encajo con la multitud. Todo el mundo está ahí. Todos están en todas estas burbujas, y tal vez solo estoy en algún lugar del bar sintiéndome un poco fuera de lugar. Esa es la gran escala y estas son las que no queremos básicamente, pero puede ser útil escribirlas, para que puedas mantener las pestañas de dónde estás en tu progresión. Pero para otras veces, ¿qué otros momentos más pequeños o más íntimos me dan esa misma sensación? Bueno, incluso puede ser si acabo de salir con dos o tres amigos cineastas. Digamos que estamos en una tienda Kebab o nos sentamos en el auto, estamos teniendo pescado y papas fritas. En estos momentos, puedo sentir que aún no pertenezco a pesar de que puedan ser mis amigos más cercanos. Esto es lo que tenemos que hacer para este paso, sólo para tratar de entrenar tu cerebro, para pensar pequeño en lugar de grande. Si puedes ir por esa ruta, puedes hacer que tu arte sea relable, puedes hacer que tu arte sea íntimo y puedes hacer que tenga impacto. Consigue anotar algunos bocetos, algunas ideas, y luego pasaremos a la siguiente lección donde tomaremos eso y crearemos autenticidad con tu forma de arte mientras nos permite expandir estos mundos diferentes. 5. Aportar autenticidad a nuevos mundos: No toda nuestra obra de arte se va a poner en realidad. Parte de ella puede estar ambientada en el futuro, el pasado, mundos diferentes, experiencias distintas por completo. Pero aún queremos llevar un sentido de autenticidad a ese mundo, a ese trabajo, entonces, ¿cómo hacemos eso? ¿ Cómo mantenemos la autenticidad cuando estamos explorando lugares completamente nuevos? Bueno, una manera muy fácil de hacer esto es simplemente pedir prestadas cosas de tu realidad. Queremos hacer esto para que podamos hacer que sea más fácil para que nuestro público se relacione y mantengamos ese sentido de humanidad dentro de cualquier forma de arte que estemos creando. La vida imita el arte, y el arte imita la vida. El mujer a imagen de Edward Hopper, es decir su esposa, ella modeló para el cuadro. Incluso se sugiere que son ellos. Es una pequeña cápsula del tiempo de su relación ya que las relaciones románticas fueron una gran inspiración para mucho de su trabajo. A pesar de que ese no es el foco de las artes en absoluto, hay un elemento de verdad en eso. No tienes que poner tu propia realidad en literal, quizá quieras simplemente pedir prestados aspectos y luego convertirla en una forma de arte completamente nueva pero al usar diferentes aspectos de la verdad, ya sea emocional, experiencial, o visual, lo que sea. Si incluyes eso ahí dentro, nos dará como público, algo de lo que agarrar y pensar : “Oh, eso lo entiendo. Yo puedo relacionarme con eso”. ¿ Cómo puedo hacer eso con mi forma de arte, por ejemplo? Por lo que obviamente, el cine es una gran manera de explorar diferentes periodos de tiempo. A lo mejor quiero capturar mi escena en los años 60, pero obviamente, no soy de los años 60. No conozco ese mundo. ¿ Cómo puedo hacer eso auténticamente? Bueno, podría llevarme gente que sí conozco. Puedo tomar situaciones reales, gente real. Si fuera ilustrador, podría pintar a mi mejor amigo de ese mundo. A lo mejor quiero colocarlos contra el paisaje urbano de la ciudad en la que crecí. Nuevamente, está esa conexión íntima de la realidad o podría tomar aspectos de la verdad de mi familia. Mi abuelo, trabajaba en el aeropuerto de Heathrow y cuando era joven, mi mamá solía llevarme hacia el despegue de las llanuras, yo pudiera tomar eso y ponerlo en los años 60. De esa manera tengo esta conexión emocional real, pero es en un periodo de tiempo completamente diferente. Podría ser un aeropuerto totalmente diferente. Pero tengo los bloques de construcción desde los que trabajar y ellos actúan como una infraestructura que luego podemos pintar en nuestro propio nuevo mundo. Aquí te dejamos un tablero de humor que he creado donde he tomado diferentes aspectos de verdades y las he colocado en algún lugar solo para darme algo para volver a ti, así que cuando estoy construyendo mis nuevos mundos, estoy pensando en nuevas formas de mostrar lo que sea historia que estoy mostrando. Puedo volver a él y tomar eso, trabajar con él, y luego crear algo nuevo a partir de estos bloques de construcción. Al apoyarnos en nuestras verdades y usar eso en nuestra forma de arte, podemos mantener un sentido de autenticidad que es difícil de prescindir de eso. Nuevamente, te animé a usar la forma de arte en la que radica tu pericia y trabajar dentro de eso. Entonces si eres ilustrador, esbozó algunas verdades que tienes. Si eres fotógrafo, tal vez saca algunas fotos viejas que tienes, sea lo que sea, trabaja dentro de tu forma de arte, si puedes, de lo contrario simplemente escríbalas en algún lugar, tal vez en un mapa mental otra vez, cualquiera que sea la forma que elijas. 6. El poder del subtexto: Este es, con mucho, el paso más difícil porque depende de ti para alejar la cabeza de lo obvio y realmente pensar en, ¿cuáles son las conexiones entre diferentes entornos para responder a la misma pregunta? Una de mis películas favoritas de todos los tiempos es Crazy Stupid Love. Es un romcom y es simplemente brillante. Pero hay un momento ahí dentro que demuestra muy bien esta idea del subtexto. Se tiene una conversación telefónica entre Cal y Emily, que son una pareja recientemente divorciada. En esa llamada telefónica, de lo único que están hablando es de una caldera. Nosotros como público podemos ver, sin embargo, que la caldera no está rota. De hecho, Emily no está cerca de la caldera. Pero entendemos el subtexto porque esta conversación no se trata en absoluto de la caldera. Todo se trata de simplemente faltar a esa persona. Eso básicamente diciendo, echo de menos lo que teníamos. Yo quiero ese sentimiento de vuelta, pero sé que no puedo tenerlo. Pero nos está dando una pista de que tal vez ese amor perdido no se pierde en absoluto, y eso nunca se dice. Si acabaras de sacar el diálogo y leerlo por su cuenta, pensarías, bueno, esta es una conversación bastante aburrida. Pero cuando entiendes lo que realmente está pasando, tú como público, te sientes inteligente, te sientes en el saber, y te calientas con eso. Sientes, esto es algo con lo que puedo relacionarme, esto es algo que he entendido, y sí, suena cierto. Eso es lo que queremos crear con nuestra obra de arte. Queremos presentar una idea a través una pregunta sin simplemente ponerla ahí fuera en su cara. Queremos ocultarlo y dejar que lo encuentren por su cuenta. De esa manera, sienten que han entendido el arte, lo han interpretado como quieren y cómo, realmente, queríamos que lo hicieran. subtexto es lo que separa lo bueno de lo grande. Es la clave para desbloquear el subconsciente. Es como un inicio. Estamos poniendo esta idea en la mente del público sin haberla dicho. La gente piensa que es demasiado difícil o no es realmente la forma de hacerlo. Pero ves cualquier gran película, cualquier gran pieza de escritura, muy raramente dicen exactamente lo que significan. En el cine hay dos reglas principales que nos ayudan a tener esto en mente. El primero es show, no digas. La idea es que vas a mostrar lo que quieres decir en lugar de simplemente ponerlo en el diálogo. Estás creando una forma más visual de demostrar lo que realmente estás tratando de atravesar. La segunda regla es evitar la exposición. La exposición es básicamente donde se acaba de anunciar todo lo que pasa a través de la historia. Cuando veas una película de verdad cliche, a menudo habrá un personaje que solo explica lo que está pasando en caso de que alguien en el público no lo haya averiguado del todo. Queremos evitar eso. Queremos sólo permitir que el público interprete el subtexto por su cuenta. Pensé en esto en términos de que no sintiera ese sentido de pertenencia como cineasta. Pero, ¿cómo puedo demostrarlo sin ser el cineasta? ¿ Qué otras formas hay de decir, “No me siento como si encajara”, sin tener que mostrar a un cineasta en una sala llena de cineastas que se ven incómodos? Para contestar eso, empecé preguntando, ¿qué hago para intentar encajar? ¿ Cuáles son las cosas que hago para fingir? ¿ O qué veo hacer otras personas para intentar encajar? La respuesta clara para mí vino en ropa. Veo a mucha gente, a muchos cineastas que usan el mismo tipo de abrigo, el mismo tipo de gorro. Eso en sí mismo me dice mucho. Todos estamos tratando de encajar, pero no necesariamente encajamos en lo que llevamos puesto. Eso surgió esta idea de que tal vez podría tener esta pregunta de, ¿pertenezco y hace todos también comparten este sentimiento, pero que se muestra a través de la ropa, diferentes tipos de ropa. A lo mejor tengo un abrigo que no encaja muy bien. Cómo presento esta forma de arte depende de mí. Esto podría ser una película, esto podría ser un poema, podría ser una ilustración. De igual manera, depende de usted. Sea cual sea tu forma de arte, puedes experimentar con eso tanto como quieras. Siempre y cuando haya ese sentido de autenticidad ahí. A lo mejor incluyo pedacitos de ropa que realmente he usado. A lo mejor mi abrigo que tiene rasgaduras en él. A lo mejor uso eso en su lugar. O quizá la gente que lleva la ropa, son personas que conozco. Podría tomar esta idea y colocarla en casi cualquier entorno. Eso podría estar en la oficina, eso podría estar arriba en el espacio. Podría estar de vuelta en los días occidentales. Tengo todo este mundo con el que jugar. Pero en el corazón de ello, tengo la misma pregunta mostrando a través de una manera que no es simplemente decirlo directamente. Entonces esa es la última pieza del rompecabezas, en realidad, donde una vez podemos averiguar cómo unirlos a todos, que es donde entra tu creatividad, ahí es donde empezamos a crear un impacto realmente fuerte. Porque estamos presentando una pregunta, no una declaración. Estamos dejando a la audiencia que lo piense. Estamos pensando pequeños e íntimos más que grandes y vastos. El público puede relacionarse a un nivel más humano. Lo estamos manteniendo auténtico, y lo estamos poniendo en una forma que no es sólo decirlo exactamente como es. De esa manera, el público tiene la oportunidad de interpretar esto como quieren, y los llevamos a donde queremos que vayan sin que sepan que lo hemos hecho. El clave para hacer esto es esbozar o escribir lo que sea exactamente como es, y luego ver si puedes convertir eso en un formato completamente nuevo, una imagen diferente, un conjunto de palabras diferente, pero mantener el significado, mantener la tensión, guarden el drama, sea lo que sea, esa emoción que van por. Todos ellos son los componentes clave del concepto de tu forma de arte. Pero hay una cosa más importante. Es dejar un impacto con tu arte. Voy a hablar de eso en la siguiente lección. 7. Medios y producción: pensar con anticipación para cautivar: Durante el último número de años, cada vez que hice una película para un cliente, a menudo es un pitch de 60 segundos y un video de 30 segundos, y eso está bien y eso es genial, y creamos esta hermosa película que sí todo lo que necesita hacer y luego al final, hay esta solicitud encima del anuncio de la pantalla ancha de 60 y 30 segundos. Ellos querrán una versión cuadrada, querrán una versión de retrato para Instagram, querrán una versión de banner de seis segundos, de 10 segundos y de repente este arte, este poco de creatividad se diluye, y está deformado en algo que no estaba destinado a ser. Ahora, como cineastas, esto ha sido un poco de gripe en los últimos años porque es nuestro arte al final del día lo que estamos encontrando se está cambiando en el último minuto. Pero y si en cambio, al inicio del proyecto, el breve fuera queremos cinco, 10 segundos, retratos videos de Instagram. Vas a rodar la película de una manera completamente diferente. Te lo vas a pensar de antemano y cuando hagas eso, la salida se va a sentir mucho más natural. Se va a aterrizar mejor, se va a quedar mejor porque pensaste en la salida antes de iniciar la entrada. Aunque hay un poco más en esto que solo pensar en la relación de aspecto de tu arte. Piensa en tu Navidad favorita o en tu cumpleaños favorito. Para mí, mi cumpleaños favorito siempre va a ser yendo al centro espacial con mi pareja. Ir al centro espacial nacional y ver todas estas cosas y poder embotar y tener un fin de semana realmente agradable comiendo buena comida, tomando buenas bebidas. Pero lo que hizo tan grande a eso fue la experiencia. Cuando piensas de nuevo en tu cumpleaños favorito, es probable que sea el mismo. Vas a estar pensando en la memoria, la gente, en la experiencia, en lugar de pensar en el presente, un objeto físico, y eso es lo que queremos hacer con tu arte. Queremos que la gente experimente tu arte, no solo lo vea. Ahora bien, esto no significa que tengamos que convertirnos en artistas de instalación, para nada. Pero sí significa que podemos pensar en cómo el público puede interactuar quizás. Vamos a conseguir más compromiso. Vamos a tener mayor impacto. Ahora si estás queriendo pintar una pieza de arte de 30 pies cuadrados, eso es genial. Pero no vas a querer intentar colocar eso en una sección de 20 pies cuadrados de una galería. Vas a intentar elegir el arte para que se ajuste a la forma. De esa manera el público puede interactuar más con él. Pueden experimentarlo mejor, pueden experimentarlo fiel a cómo quieres que se experimente. Entonces piensa en eso. ¿Piensa en dónde se va a sentar tu arte? ¿ Dónde quieres que se siente? ¿ Qué quieres hacer con él? ¿ Qué quieres que la gente haga con él? Es genial hoy en día que si solo va a ser para redes sociales, hay todas estas aplicaciones diferentes para cambiar cómo funciona eso, así que obtienes esas apps donde en Instagram te pasas y tu foto se divide en dos, y obtienes el primer tiempo, y luego obtienes el segundo tiempo. Esa es una forma para que tu público se involucre, interactúe. Para pensar en esto, lo que puedes hacer es simplemente dibujar algunas formas diferentes. Puede que estés pensando lo que va a ser en Instagram, así que necesito que sea retrato o quiero que se cuelgue en una galería, pero tal vez pueda hacer de esto un espacio 3D. En realidad puedo crear diferentes planos de interés para mi arte, tal vez ahí esté el primer plano, el fondo, el medio terreno todo dividido. Van a dar un efecto de paralaje y ver diferentes partes de la imagen. Hay muchas maneras diferentes de ser creativo. Solo tienes que tomarte el tiempo para pensarlo. Tómate un minuto y solo dibuja algunos formatos diferentes en los que tu arte podría mostrarse. Darle algo de tiempo para que realmente deje que esto se siente y pensar en cuáles son mis opciones aquí? ¿ Cómo puedo hacer esto interactivo tanto en el mundo digital como en un mundo tangible? Esto es el marketing de una manera de cómo puedes obtener ese máximo compromiso de tu público. Los escritores son una de las personas más afortunadas en este escenario porque tu trabajo se puede mostrar de tantas maneras diferentes. Se puede hablar, se puede escribir, se puede dibujar en diferentes formas, se puede coser. No hay límites y eso es lo mismo realmente con cualquier forma de arte. Sólo hay que pensar un poco más en ello. Dale su propio espacio de cabeza, dale la validación que merece. Eso es básicamente todo. Eso es todo lo que necesitas hacer para crear impacto con arte y digo que todo lo que necesitas hacer en realidad no es lo más fácil del mundo. Pero si puedes empezar a hacer esto una y otra vez, vas a crear ese efecto bola de nieve donde se convierte en segunda naturaleza. Estás pensando, bueno, ¿cuáles son las preguntas que me estoy haciendo? Estás pensando, ¿cómo puedo mostrar esto de una manera más pequeña, más relable, aunque sea a gran escala? Te vas a estar preguntando dónde está esa autenticidad, ¿cómo puedes meter eso en el arte? También vas a estar pensando en cómo pongo esto ahí fuera de una manera que resuene, eso es cierto para mí, fiel a ellos, y ni siquiera he dicho nada. Todo está en el subtexto. Si haces todo eso, tu arte va a ser algo verdaderamente especial para experimentar, y va a dejar un impacto y para eso estamos aquí al final del día. Ahora solo necesitamos envolverlo todo y eso significa crear esa pieza de arte. Eso significa realmente sentarse ahí y dibujarlo, o pintarlo, o salir y filmar en lo que sea. Basta con pasar por todas estas diferentes partes del viaje. Dales ese tiempo que se les debe y luego crea la pieza de arte. Eso no significa que tengas que quedarte atascado tratando de conseguir que sea perfecto la primera vez, puedes ir a crear el arte, ver qué funciona, qué no, y mejorar ya sea en la misma pieza o pieza diferente. Cada vez que haces algo nuevo y diferente te va a ayudar a aprender. Va a ayudar a que ese viaje continúe, y una vez más, para conseguir más impacto con tu arte, deberías estar poniendo arte ahí fuera, necesitas dejar de obsesionarte demasiado o precioso con que sea perfecto. Nada va a ser perfecto nunca. Se puede hacer con estos pasos, y al final del día, no significa que esa idea vaya a ser perfecta. Podrás obtener 90 por ciento a la derecha, puedes obtener nueve por ciento a la derecha. Pero cada vez, vas a aprender algo nuevo, y para eso estamos aquí. Todos queremos crecer como artistas. Todos queremos crecer como personas y ayudar a los demás a crecer en ambos sentidos también. 8. Outro: Ahora estamos al final de esta clase. Seguro que probablemente no hayas terminado esa obra final, pero probablemente tengas todos los pasos en su lugar. Tienes diferentes bocetos, ideas diferentes, y me encantaría ver eso como un proyecto. Me encantaría ver esas diferentes ideas que han pasado, cómo conseguiste ese mapa hasta donde pretendes estar. Entonces, cuando estés listo, puedes subir tu obra también porque parte de la experiencia con el arte es compartirla, y obtener esa retroalimentación, y ver lo que el mundo está interpretando tu arte para ser. Abraza ponérselo al mundo porque el arte no está destinado a ser visto solo por ti. El arte está ahí para ser experimentado por todos. Para mí, me encantaría ver todas esas diferentes formas de arte que tienes. Me inspiro en la fotografía, en los diseños, moda, todos estos elementos diferentes que se unen y todos infunden en mi trabajo. Eso es a lo que aspiramos. Todos queremos seguir mejorando nuestro trabajo. Creo que es algo brillante que todos tengamos este deseo de seguir nuestra pasión creativa. Todo lo que puedo decir es muchas gracias por ser parte de esta clase, y espero que te haya ayudado, al menos te haya dado algunas ideas nuevas, algún estímulo para empezar a pensar en diferentes formas en las que puedes hacer un impacto con tu arte. Si tienes ganas de experimentar algo de mi trabajo, ya sea que sea mi escritura o mis películas, entonces por favor, no te acerques o sígueme en Instagram. Todos esos detalles están en mi perfil aquí en Skillshare. Dedos cruzados, te veré en otra clase en algún momento pronto sea cual sea esa clase. La mejor de las suertes y no puedo esperar a ver lo que creas.