Fotografía musical: cómo crear retratos impresionantes

1. Introducción: En esta clase, espero enseñarles algunos de mis métodos y técnicas para tomar fotografías significativas. Fotografías que cuentan historias, que inspiran a otras personas y que hacen que la gente quiera venir a mirar tu fotografía. Hola a todos. Mi nombre es Jay Blakesberg y soy fotógrafo comercial con sede en San Francisco. Llevo unos 42 años sacando fotos. He filmado de todo, desde publicidad hasta marketing, informes anuales corporativos, y por supuesto, rock and roll hoy eso es mayormente lo que disparo. En su mayoría tiro rock and roll. Disparo muchos conciertos en vivo, festivales de música, retratos de fans, paquetes de CD, historias de revistas, cualquier cosa que involucre a músicos dentro y fuera del escenario. El núcleo de habilidad que voy a estar enseñando en esta clase es la fotografía de rock and roll, música, en el escenario, fuera del escenario, retrato. Pero esas habilidades se pueden traducir a cualquier tipo de fotografía que quieras hacer, y estas habilidades funcionarán para cualquier nivel de fotógrafo, aficionado, aficionado, intermedio, avanzado. Cualquiera que mire estas lecciones recuperará algo y aprenderá algo de estas clases. En el transcurso de esta clase, vamos a hablar de marketing, negocios, habilidades de cámara, técnica, cosas técnicas, todo en una computadora. Yo quiero que estés bien redondeada en lo que hablamos para que puedas recuperar estas cosas, ya sea que vayas a rodar un concierto local o rodar en la fosa con otros 20 fotógrafos profesionales en el festival más grande del país, Me siento muy, muy afortunado y muy afortunado todos los días de mi vida que en realidad he hecho una carrera con una cámara. Yo quiero tomar algo de esa experiencia, aventura, y conocimiento que he recogido en los últimos 40 años y compartirlo contigo porque quiero inspirarte. Yo quiero que te apasione la fotografía porque así es como haces la mejor fotografía que puedas. Mi nombre es Jay Blakesberg. Bienvenido a mi clase de fotografía de Skillshare. 2. El proyecto de clase: El proyecto para esta clase es crear retratos interesantes y atrayentes. Es decir, el objetivo es convertirse en un mejor fotógrafo en esta clase. Este proyecto es ideal para principiantes ya que permite a la gente entender las funciones básicas de una cámara DSLR. Esas funciones básicas también te permiten ser creativo y técnicamente proficiente con tu cámara, velocidad de obturación, apertura, ISO, temperatura de color. Una vez que repasemos los principios básicos que acabamos de discutir, cualquier principiante debe sentirse perfectamente cómodo completando este proyecto de retrato. medida que pasemos por estas lecciones, estaré haciendo demostraciones en mi cámara para que veas dónde están los botones, qué hacen, cómo cambiar esos ajustes, y qué hacen los cambios de esos ajustes a nivel creativo y técnico. Estas demostraciones prácticas, van a ser simples, limpias y fáciles de entender. Una vez que tomemos fotografías, las importaremos a mi computadora, y pasaremos por esos looks para que puedas ver cómo cambias estos ajustes diferentes crea una apariencia, sensación y estilo diferentes para cada fotografía que te llevas. Todo lo que necesitas para tener éxito en esta clase y en este proyecto es una disposición para aprender, realidad siguiendo en el proyecto de la clase, y luego, criticaré y revisaré tu trabajo. Para este proyecto, una DSLR no es necesaria, pero ayudará. En una computadora, si puedes tener Adobe Lightroom, creo que realmente te beneficiará. Si te tomas en serio la búsqueda fotografía ya sea como aficionado o como fotógrafo aficionado, o incluso si eres solo fotógrafo familiar y quieres hacer un seguimiento de tus fotografías, y poder hacer la luz edición, Adobe Lightroom es el producto para ti. Si no tienes una DSLR, aún puedes seguir junto con muchas de estas técnicas en tu teléfono o cualquier cámara con la que filmes. Yo quería darte un poco de antecedentes sobre mí mismo y así tienes una idea de dónde empecé como fotógrafo. Cuando tenía 16 años, empecé a pedir prestada una cámara a mi papá. En 1978, era junior de secundaria, y traje mi cámara a un concierto de un tipo llamado Jorma Kaukonen. Fue el guitarrista original en el avión Jefferson y luego Hot Tuna. Yo era un gran fan suyo. Al final del concierto, seguimos su limusina hacia la ciudad de Nueva York. Se detuvo en Delicatessen, le tomé una fotografía, y la presenté a una revista llamada Relix Magazine. Publicaron esa fotografía como carta del editor. Esa fue la primera vez que se publicó en forma impresa. Cuando tenía 17 años, fotografié un concierto de Grateful Dead en Rochester, Nueva York en el fin de semana del Día del Trabajo, 1979. Me preguntaron si presentaría algunas de mis fotos a un periódico semanal gratuito en Nueva Jersey llamado The Aquarian Weekly. Presenté dos fotografías, las publicaron, y me pagaron $7.50 por cada foto por un total de $15, y me dirigía a convertirme en fotógrafo profesional. Cuando era adolescente y buscaba en revistas como Relix Magazine o Rolling Stone Magazine, miraba el trabajo de otro fotógrafo. En ese momento, no me di cuenta de que esta era la inspiración para mi pasión. Llevaba mi cámara a los conciertos. Yo estaba tomando fotos de mis amigos en la preparatoria. Se convirtió en mi identidad. Yo era el tipo con la cámara, y para nosotros, era como las primeras redes sociales. Haría ocho por 10 estampados en blanco y negro en mi sótano de la casa de mi madre, y se los daría a mis amigos y ellos los sacarían pulgar a las paredes de su dormitorio, que es lo que yo estaba haciendo también. Yo estaría mirando estas revistas y tú estarías viendo fotógrafos como Annie Leibovitz o Jim Marshall. Jim Marshall es un legendario fotógrafo san franciscano. Esa fue la música que realmente me encantó, la música que salía de San Francisco en la década de 1960, y así, Jim probablemente era mi fotógrafo favorito. Fue el trabajo de Jim lo que me inspiró a querer disparar rock and roll. Ahí afuera hay toda una multitud de otros fotógrafos a los que miré temprano. Gente como Terry O'Neill y Herb Greene fue otro fotógrafo franciscano de Grateful Dead San, el barón Wolman, Richard Avedon, e Irving Penn fueron realmente los chicos que me inspiraron desde el principio como fotógrafos de retratos. Puedes sacar tu inspiración de esos sitios, de la forma en que lo hice, pero también de las cosas que estás viendo a tu alrededor que te inspiran y a dónde vas para encontrar la fotografía que realmente amas. Así que agarra tu cámara, y entrémonos en esto y pasemos a la siguiente sección que va a ser una visión general del equipo. 3. Comprensión de tu equipo: Hey todo el mundo, aquí estamos con nuestra primera clase realmente haciendo una demo y mirando el engranaje de la cámara. Esta es una Nikon DSLR, es una 810. Se trata de una cámara totalmente manual y todo totalmente automática. El primero creativo que quiero repasar con todos ustedes es la profundidad de campo y la forma en que crean profundidad de campo es por elección de lentes y apertura. Apertura es del tamaño del orificio dentro de la lente que está dejando pasar la luz, que está golpeando el sensor de tu cámara. Entonces una lente amplia abierta es esta y está dejando entrar mucha luz y una lente cerrada es esta y está dejando entrar mucha menos luz. Apertura en tu cámara se caracteriza por F para F-stop y luego un número. Entonces las aperturas van 2.8, F4, 5.6, F8, F11, F16, algunos van a 22 y así a medida que se llega a esos números más altos, como un 16, eso está más cerrado hacia abajo, F4 está más abierto, dejando entrar más luz, F16 está dejando entrar menos luz. Apertura en última instancia controla tu profundidad de campo. ¿ Qué es la profundidad de campo? Profundidad de campo es cuánto de tu foto está enfocada. El otro elemento súper importante en cuanto a profundidad de campo, es la distancia focal de tu lente. Una lente gran angular tiene mayor profundidad de campo y una lente teleobjetivo o una lente más larga, tiene menos profundidad de campo. Por lo que la elección de lentes también es una opción creativa también. Entonces aquí hay algunas fotografías que tomé en Cuba hace un par de años. Estas primeras fotos que les estoy mostrando tienen amplia profundidad de campo. Se puede ver que muchas cosas están enfocadas por un par de razones. Una, es una lente muy gran angular y dos, estoy disparando en una pequeña abertura como una F16, lo que significa que mi lente está realmente cerrada. Entonces si miras de cerca estas fotos, puedes ver el tema aquí es un par de vacas tirando a un hombre en un carrito y él está enfocado, pero la casa que está a 150 o 200 pies detrás de ellas también está en foco. Lo mismo aquí de esta fotografía, de este caballo. El caballo está enfocado, el hombre está enfocado, la casa está enfocada, las montañas detrás de él están en foco y eso es porque estoy disparando con una lente ancha en una pequeña abertura. Entonces ahora vamos a ver un puñado de fotos que tomé en Cuba usando una lente más larga con una abertura abierta muy amplia, lo que crea una profundidad de campo muy superficial. Esta foto en particular de aquí es una toma de un hombre mayor que se mete en un taxi. Ahora si miras esta foto, el punto de enfoque está justo en que el hombre se suba al taxi, pero si miras el taxi real, todo lo que hay enfrente del taxi está fuera de foco y todo detrás de él está fuera de enfoque que realmente te da la oportunidad de enfocarte en que el tipo se suba al taxi y el taxista hablando con él al mismo tiempo. Otro gran ejemplo de poca profundidad de campo es esta fotografía que tomé en una cafetería. Estamos sentados en una mesa, otra vez, usé una lente más larga y me enfoqué en la copa justo en la parte delantera, más cercana a mí, en una apertura muy amplia y por lo tanto se puede ver todo va fuera de foco muy rápidamente. Por lo que le da un muy bonito, lo que llaman bokeh. Es esta mirada fuera de foco en el fondo, es realmente suave, es muy natural y es muy bonita y atractiva a la vista. Se parece mucho a lo que ves en las películas de Hollywood. Generalmente, una profundidad de campo más superficial proporciona un aspecto cinematográfico mucho más dramático. Lo importante que hay que recordar aquí es a medida que cambias tu apertura de lente y la abres para conseguir toda esa profundidad de campo, tenemos que cambiar tu velocidad de obturación para compensar para seguir obteniendo la misma exposición. La velocidad del obturador es esencialmente por cuánto tiempo permanece abierto el obturador. Se abre una velocidad de obturación lenta, deja entrar mucha luz, se cierra. Una velocidad de obturación rápida se abre y se cierra rápido y sólo vamos a entrar un poco de luz. La combinación de velocidad de obturación y apertura es la forma en que obtienes la exposición correcta. Tienes que recordar que a pesar de que estás tratando ser creativo con tu profundidad de campo, todavía siempre tienes que conseguir en última instancia la exposición correcta. Entonces, para usar el ejemplo de querer tomar una fotografía con poca profundidad de campo, lo que significa que estás disparando de par en par abierto, estás dejando entrar mucha luz justo con tu lente, con tu F-stop. Entonces, ¿cómo se compensa con eso? Haces una velocidad de obturación realmente rápida para que el obturador solo esté dejando un poquito de luz de esa manera y los equilibras de nuevo hasta obtener la exposición correcta. La velocidad del obturador está representada por fracciones de un segundo. Si la velocidad de obturación de tu cámara lee 250, esencialmente ese obturador se mantiene abierto durante una 250 ª de segundo. Si tu velocidad de obturación dice 60, eso significa que tu obturador permanece abierto durante 160 de segundo. Cuanto más rápida sea la velocidad del obturador, menos luz deja entrar, más lenta es la velocidad del obturador, más luz deja entrar. cada demarcación para F-stop y velocidad de obturación se le conoce como parada y F-stop, F2.8 a F4 equivale a una parada. F4 a 5.6 equivale a una parada. Por lo que F2.8 a F5.6 equivale a dos paradas. En velocidad de obturación, es lo mismo , 250 de segundo a 125 de segundo es una parada. Entonces recuerda que si abres tu abertura por una parada y quieres mantener la exposición correcta, tienes que compensarla cerrando con una velocidad de obturación más rápida para alejar una parada de esa velocidad de obturación. Entonces cada vez que duplique la velocidad del obturador o la mitad de la velocidad del obturador, eso equivale a una parada. Entonces si 250 F5.6 es la exposición correcta, pero quieres disparar a 2.8, por lo que abres tu apertura dos paradas a 2.8. Entonces ahora vamos a cerrar la velocidad del obturador abajo dos paradas y vamos a ir 250 a 500 como una parada, 500 a 1000 es otra parada. Por lo que ahora la misma exposición exacta correcta a 250 5.6 bajo estas condiciones de iluminación es 1000 F2.8. Igualan lo mismo, solo hacen cosas diferentes de forma creativa dentro de tu cámara. El modo en que encuentras la exposición correcta en los viejos tiempos era que teníamos medidores de luz, ya sea medidores de luz dentro de nuestras cámaras y cámaras digitales aún tienen medidores de luz en ella y puedes utilizarlos como punto de referencia, pero porque todos tener pantallas en la parte posterior de nuestras cámaras estos días, puedes tomar una foto y mirarla inmediatamente y decir, esto es demasiado ligero, esto es demasiado oscuro, esto es justo. Entonces si estás mirando tu pantalla, estás diciendo, eso es demasiado brillante, tienes un par de formas en las que puedes oscurecerla. Puedes hacerlo por velocidad de obturación, puedes hacerlo por apertura o puedes hacerlo con ISO. ISO es la sensibilidad del sensor. Cuanto mayor sea el número, eso lo hace más sensible, vamos a que más luz golpee el sensor. El problema con los ISO altos en muchas cámaras de grado de consumo y cámaras digitales más antiguas, es que se pone muy ruidoso. Aquí te dejamos un ejemplo de una foto realmente ruidosa. Por lo que esas son tres formas de traer más luz y por el contrario, mantener la luz fuera sería una velocidad de obturación más rápida, una abertura más pequeña, dejar entrar menos luz o un número ISO menor. Un ISO bajo para cualquier cámara es de 100. Cada vez que duplicas ese número, lo estás incrementando en una parada. Por lo que 100 a 200 en tu ISO es una parada, F4 a F5.6 es una parada , 250 de segundo a 125 es una parada. Por lo que las tres cosas, exposición, apertura e ISO, cada vez que se duplica o se reduce a la mitad es igual a una parada. Cada uno de estos elementos que hemos estado discutiendo, velocidad de obturación, apertura e ISO tiene un efecto secundario. Entonces si tienes una velocidad de obturación lenta para dejar entrar la luz, si sigues yendo más lento y más lento para dejar entrar más luz, tu tema, si se está moviendo, será borroso. Si abres tu abertura, puedes tener menos profundidad de campo. Si estás ajustando tu ISO cuando comienzas a ir a un número más alto, 800, 1600, 3200, 6400, estás arriesgando más ruido en tu fotografía y menos nitidez. ISO menor, menos ruido, más nítido. ISO mayor, más ruido, menos nítido, poco más suave. Combinar esos tres elementos para obtener la foto perfecta técnicamente es importante porque siempre se quiere tener la exposición adecuada. También te dan muchas oportunidades creativas. En pocas palabras, voy a tocar un elemento final que a veces es más algo creativo, pero también una forma solo de hacer que tu fotografía se vea natural posible y eso es temperatura de color, balance de blancos, it también conocido como. Por lo que lo más fácil de hacer es poner tu cámara en el balance de blancos automático. Ajustará la temperatura de color automáticamente en función de la luz que está viendo. Por lo que las luces de interior, como un tornillo regular anticuado en bombilla de luz, suelen ser muy cálidas. luz de día afuera es típicamente más neutra y si estás afuera a la sombra, se pone un poco fría y se pone un poco azul. Con temperatura de color, básicamente hay iluminación interior y exterior. La iluminación diurna al aire libre es lo que se llama 5600 grados Kelvin. La iluminación interior es de 3200 grados Kelvin. Si tienes tus cámaras ajustadas a 5600 grados Kelvin, que es ajuste de luz diurna al aire libre y entras y tomas una foto donde hay bombillas incandescentes amarillas regulares, tu imagen va a salir amarilla. Si cambias tu temperatura de color a 3200 en tu cámara, saldrá neutro y obtendrás un tono de piel normal, pero si dejas esa cámara puesta en 3200 grados Kelvin para interior y vas a disparar afuera, va a ser azul porque la luz interior tiene mucho amarillo en ella con el fin de que sea neutral para un tono de piel natural, agrega mucho azul. Entonces si quieres que tu fotografía sea normal, tonos de piel naturales, la mejor manera más fácil de hacerlo es poner realmente tu cámara en el balance de blancos automático y dejar que tu cámara la corrija. El punto de partida de esta lección es poder obtener la exposición adecuada. Ahora es un poco más difícil cuando estás interiores porque estás en un espacio más oscuro y eso. Entonces, solo empecemos de manera muy sencilla. Toma tu cámara y sal afuera. Si quieres estar a la luz solar directa, podrías hacer eso, pero te recomiendo encontrar un área sombreada, lo que llamamos sombra abierta. Ajusta tu cámara a ISO 400, configura tu velocidad de obturación a 125 de segundo, configura tu apertura en F5.6, toma una foto de una persona que está contigo que se parará ahí para ti y mira tu exposición en la parte posterior de la pantalla. Juega con esa ecuación hasta que encuentres la exposición correcta. partir de ahí, luego comienza a jugar con diferentes velocidades de obturación, diferentes ajustes de apertura y diferentes ISOs para ver qué efectos puedes obtener. Nuevamente, dispara con mucha profundidad de campo, con esa lente cerrada todo el camino hacia abajo y dispara con ella todo el camino abierto y mira la diferencia de los efectos que estás obteniendo. Sólo recuerda, si estás en el punto de exposición perfecto exacto y quieres probar algo de manera creativa, digamos, abriendo tu lente, tu apertura más ancha, cada parada que lo abres, tú tienen que compensar ya sea con su ISO o lo más probable, su velocidad de obturación, en la dirección opuesta. Todas esas tres cosas funcionan juntas en incrementos de una sola parada. Cada vez que lo dupliques, les dejas el doble de luz con tu apertura, tienes que sacar el doble de luz y velocidad de obturación o ISO. Entonces ahora agarra tu cámara, sal afuera, trae a un amigo o a un pariente, trae a un amigo o a un pariente,baja tu exposición basal, descubre tus ajustes básicos y cómo funcionan con la exposición con esos tres elementos, juega con tu balance de blancos si quieres ver cuál será la diferencia en los diferentes ajustes. Cuando volvamos vamos vamos a hablar de rodar conciertos en vivo. 4. Rodaje de eventos en vivo: Oigan a todos, bienvenidos de nuevo. En esta lección, vamos a hablar de la fotografía de concierto en vivo. Al filmar fotografía de concierto en vivo, siempre hay ese momento en el que la música, la iluminación, la energía en el escenario, el público, todo tipo de convergen en una fracción de segundo y esa es la magia de capturar un rayo en una batalla en esa fracción de segundo y viniendo con ese mágico momento musical y ese es el momento que busco capturar y preservar para siempre. En primer lugar, vamos a discutir cómo obtener acceso a un evento musical en vivo, mayoría de los eventos musicales quieren que seas miembro de la prensa. Ahora, hace muchos años ese hombre recibiendo una asignación de una publicación impresa, podría ser un periódico local, podría ser un periódico semanal gratuito, puede ser una revista grande. Hoy en día con todo en línea, muchos artistas están más interesados en la cobertura en línea.Hay todo tipo de blogs, música, sitios web de cultura pop. El mejor modo de obtener acceso es formar relaciones con esas propiedades mediáticas y tenerlas de vuelta con el fin de obtener una credencial de fotografía para ir a un gran concierto. Ahora del otro lado, hay todos los conciertos gratuitos que siempre sucedieron en todas partes todo el tiempo. Muchos conciertos en estos días, incluso los pequeños tienen barricada, separan al público del escenario y si quieres probar estar dentro del foso fotográfico, necesitas un acceso especial. Siempre es mejor estar debidamente acreditado si lo estás buscando. Pero también puedes simplemente disparar desde el público y muchas veces esos son algunos de los mejores ángulos. La mayoría de las salas de conciertos profesionales no te permitirán traer una cámara profesional. Por lo general, la demarcación no es ninguna cámara que tenga lentes que salgan de la cámara. El proceso para obtener una credencial adecuada para rodar un concierto es pasar por ese publicista de bandas. Por lo general puedes encontrar esa información en línea en la página web de la banda, dirá quién es su contacto de prensa y suele haber un correo electrónico. Entonces, si eres capaz de conectarte con una publicación musical local, la mayoría de los estados, la mayoría de las ciudades tienen sitios web de entretenimiento en línea. Si eres capaz de conectarte con ellos y llegar a respaldarte para obtener una credencial. lo general, es una simple carta escrita por el fotógrafo al publicista que dice: “Hola, mi nombre es Berg de Jay Blake y tengo una tarea para fotografiar a esta banda que usted representa en esta fecha en este recinto para esta online publicación. nombre de mi editor de asignación es XXX y su correo electrónico es éste. Siéntete libre de llegar directamente a él o avísame si eres capaz acomodarme con un pase fotográfico para poder disparar a tu artista”. Entonces ahora tienes o bien una credencial profesional para ir a fotografiar algo, o estás en camino a rodar un evento gratuito en tu comunidad local, ¿qué traes? Tienes una DSLR, ¿cuáles son tus mejores opciones de lentes? Cuando estás trabajando con iluminación de escenario, es una luz muy baja típicamente hasta que te gusta un rendimiento a nivel de arena donde están usando grandes focos brillantes. Por lo que incluso clubes nocturnos más pequeños, clubes pequeños, clubes medianos , comederos pequeños, dependiendo de la banda , el artista, el lugar, puede ser brillante, puede que no sea brillante. Cuando empecé a rodar conciertos, iba a filmar cosas que estaban al aire libre durante el día. Era una buena manera de aprender sobre la exposición y era una buena manera de simplemente tener una sensación de dónde estaba la acción. Antes de entrar en detalle sobre qué equipo traer a un concierto y cómo rodar, quiero pasar por encima de la abertura de la lente. Realmente no repasamos eso a detalle anteriormente. El velocidad de un lente es lo amplio que va en su punto máximo. Hay lentes rápidas y hay lentes lentas. Un xample de una lente rápida sería algo así, que es una lente 1.6. Se abre realmente amplia, es una lente fija, 105 milímetro, 1.6, se abre realmente amplia, deja entrar mucha luz. La mayoría de los lentes de zoom DSLR de marca de consumo se abren hasta cerca de un F4. La mayoría de las lentes de concierto que quieras se abrirán hasta alrededor de 2.8. Estas tres lentes aquí desde hace años fueron mis tres lentes principales de concierto en vivo, cubren un buen rango focal desde realmente ancho a 14 milímetros hasta 24-70 a 200. Todos ellos tienen la misma apertura más ancha de 2.8. Entonces ese es el punto de partida para rodar conciertos, si quieres una lente rápida, una que tenga la abertura de apertura más amplia que puedas permitirte. Específicamente, lo que es mejor es si puedes conseguir una lente que se abra hasta 2.8. Lo bueno de las fotos digitales es que contiene todos los metadatos. Entonces podemos mirar aquí en la computadora y puedes ver exactamente cuál era tu velocidad de obturación, cuál era tu apertura, si un flash disparado o no, y cuál es tu ISO y toda esa información es realmente clave para entendiendo cómo capturar una buena fotografía en vivo. Entonces, cuando recuperes tus fotos y las importas a la computadora, mira tus metadatos. El software que uso en mi computadora es Lightroom hecho por Adobe. Ese software te permite revisar cualquiera de tus metadatos. Entonces si sales y tomas una gran foto, puedes volver atrás, mirar los metadatos y decir, esa es una exposición perfecta en esa situación, y recordar qué son esos metadatos y volver atrás y recrear en tu cámara la próxima vez que salgas a disparar. Cuando estás filmando un concierto en vivo, hay que recordar que pasa todo tipo de cosas, no es solo el cantante principal o el guitarrista principal haciéndolo solo. Asegúrate de disparar a todos los miembros de la banda, asegúrate de disparar al baterista, al bajista, al tecladista, el lado izquierdo, el lado derecho y por supuesto nunca olvides disparar a la multitud porque hay tanto increíble, gran energía viniendo del público. Si es un show punk, podrían estar haciendo un foso de mosh, podrían estar enloqueciendo, tal vez multitudes surfeando. Si se trata más de una banda de jam, podrían estar girando al sol, ya sabes que hay todas las oportunidades para grandes fotografías que simplemente no están en el escenario. Echemos un vistazo a algunas fotografías de conciertos en vivo. Entonces aquí una banda llamada The Flaming Lips y se puede ver que estoy disparando desde el escenario detrás de la banda. El cantante principal, guitarrista está pateando la pierna hacia arriba, el público tiene las manos en el aire, es un tiro ancho. Por lo que esta fotografía fue filmada con esta lente, que es mi lente de 14-24 milímetros, que te da mucha profundidad natural de campo. Cuanto más ancha sea la lente, más enfoque obtienes. Mi punto focal probablemente estaba en el cantante en manos, así que si fuera a volar esto un poco y mirarlo, el baterista aquí que está más cerca de mí es un poco más suave. A medida que lo pasas al público, es un poco más suave, pero como es una lente ancha, parece que todo está enfocado. Lo disparé al F3.2, que es un tercio de un cierre de parada desde muy abierto, es una lente 2.8. En realidad no está cerrado. No estás obteniendo mucha profundidad de campo de esa manera. Yo lo disparé a 250 segundos, razón por la cual pude congelar la acción de él pateando la pierna arriba en el aire, 250 de segundo velocidad de obturación rápida. A medida que una velocidad de obturación más lenta, un 30 de segundo permanece abierto por más tiempo, es más probable que se desenfoque en las piernas mientras estaba pateando. Esto no tiene metadatos. Fue rodado en película. Se trata de los Pimientos de Chile Rojo Caliente. Pero voy a adivinar porque está saltando al aire y sigo congelando la acción que probablemente le disparé a esto en algún lugar entre un 125 de segundo y 250 de segundo, muy probablemente F2.8. Si miras de cerca el cabello en esta foto, tiene un poco de desenfoque de movimiento porque le está latiendo la cabeza e incluso sus piernas y su cuerpo. No es tan afilada como la foto anterior que miramos. Por eso voy a adivinar que probablemente lo disparé más cerca de 125 de segundo. Aquí una fotografía que tomé cuando tenía 18 años en un concierto de Grateful Dead en blanco y negro con una lente de 50 milímetros en mi cámara. Esta es mi primera cámara que poseí. Era una cámara Yashica. Pero lo que pasa con esta fotografía en particular, es un momento pico en la acción que intentaba capturar. Voy a adivinar que esto fue alrededor de 125 de segundo o 250 de segundo de ancho abierto en esa lente de 50 milímetros. Se trata del baterista de una banda llamada Government Mule. Los bateristas suelen ser bastante activos. Está pasando mucho movimiento, y en este caso, lo está haciendo es solo de tambor con las manos. Se está batiendo la cabeza por ahí. Se puede ver como pelos consiguieron movimiento y luego también se puede ver su mano derecha tiene mucho movimiento como lo hace su izquierda. Se puede ver un poco de desenfoque entrando en los metadatos aquí. Yo disparé esto al 800 ISO y lo disparé a la 320 de segundo, eso es un tercio de una parada, más de 250 de segundo. Velocidad de obturación bastante rápida porque sabía que necesitaba capturar ese rápido movimiento. El alumbrado era obviamente bastante bueno, bastante brillante, luz blanca, lo que también permite disparar a una velocidad de obturación más rápida y obtener la exposición adecuada. Si en su lugar tuvieran luces de color rojo oscuro u azul oscuro encima, tendría que disparar a una velocidad de obturación más lenta y lo más probable habría recogido mucho más desenfoque de movimiento de su cabeza moviéndose y sus manos moviéndose. Ahora, en este caso en particular, debido a que las luces eran tan brillantes, podría haber hecho algunas elecciones diferentes, podría haber disparado a una velocidad de obturación más rápida para ayudar a congelar un poco más sus manos porque estaba disparando un F4.5, podría haber bajado a 4 y luego 2.8. Por lo que tenía una tenía un tercio de paradas disponibles para mí, una abertura que podría haber compuesto en velocidad de obturación con una velocidad de obturación más rápida. Abriendo mi abertura, aún obteniendo la exposición correcta, pero congelando un poco más la acción. Por otro lado, podría haberlo disparado a una velocidad de obturación más lenta a 125 de segundo, consiguiendo un poco más desenfoque de su pelo girando y sus manos moviéndose. Entonces tendría cerrar la lente hacia abajo, otra parada o parada y media, cualquiera que fuera la cantidad exacta que fuera para obtener la exposición correcta. Yo habría conseguido más profundidad de campo. Las cosas habrían sido un poco más agudas delante de él y detrás de él. Pero debido a que en su mayoría es negro y no hay otra gente, la profundidad de campo no fue mi mayor preocupación con este disparo. Yo quería mantenerlo bastante agudo, pero un poco de movimiento y desenfoque de movimiento, solo para darle esa sensación de energía y emoción de lo que estaba pasando en ese momento. El motivo por el que tuve tantas opciones para velocidad de obturación y apertura en este disparo es porque el baterista estaba tan bien iluminado. Este es un ejemplo de otro ángulo que tal vez quieras intentar conseguir. Muchas bandas tienen realmente grandes espectáculos de luz en estos días. Esto fue tomado del tablero de luces. Yo estaba parado junto al director de iluminación. Elegí la lente donde se podía ver el escenario y la iluminación. A mí me preocupa menos lo que está haciendo la banda en el escenario, me preocupa más la simetría y los colores y la emoción de lo que está pasando con el show de luces. Lo disparé a 160 de segundo, no demasiado rápido, no demasiado lento, aún capaz de capturarlo, aún capaz de capturarlo, porque también me encuentro cuando estás disparando iluminando un poco más lenta velocidad de obturación ayuda a quemar esas luces en un poquito mejor. Mi apertura era de 3.2 y mi ISO de 640. Estas son luces bastante brillantes si lo estuviera disparando a tan solo 640 ISO. Aquí te dejamos otra fotografía de una banda en el escenario. Esta banda se llama Moo, pero así es como el guitarrista haciendo un salto escénico. Se quiere captar ese momento pico, y así porque yo estaba disparando un 250th de segundo, por eso pude capturar y congelar su acción durante su salto. Aquí tienes una fotografía que tomé de Crosby, Stills y Nash en 1979. No hay nada realmente especial en esta fotografía excepto por el valor histórico. Se trata de una fotografía de Crosby, Stills y Nash tomada hace 40 años. Hace unos años, Stephen Stills sacó un set de caja y una foto de este show que tomé cuando tenía 17 años se usaba en ese set de cajas. Con esta foto de Crosby, Stills y Nash, es un buen ejemplo de que nunca se sabe quién va a ser famoso, quién va a volverse valioso. Ahora estos chicos ya eran estrellas de rock en este punto, pero hay tantas bandas que están tocando gratis en tu barrio un viernes por la noche de julio en verano que te vas a fotografiar que nadie tiene oídas hoy son muy pocas las personas que hoy se han enterado, pero podrían ser las próximas grandes estrellas del mañana y se puede fotografiar para ellos cuando eran un baby bands, esas fotografías tienen valor histórico y a veces también tienen valor monetario. Salga a filmar toda la música que pueda. Nunca se sabe quién se va a hacer famoso. Nunca se sabe lo que va a ser valioso. Dispara todo lo que puedas todo el tiempo. Te hará un mejor fotógrafo. Te dará la oportunidad de crear fotografías más interesantes y nunca sabrás si esa fotografía será la fotografía que terminará en la portada de un CD en 30 años. En ocasiones cuando estoy disparando al aire libre durante el día y supe que tenía la toma que la revista podría usar. Empezaría a experimentar o a tomar riesgos. Yo creo firmemente que no hay riesgo, ni recompensa. ¿Cómo hice eso? Podría empezar a disparar una velocidad de obturación lenta, tal vez un 30 de segundo o un 15 de segundo porque eso creará desenfoque de movimiento. ¿ Qué está pasando en un escenario cuando una banda de rock está tocando? Ahí hay energía, hay movimiento. Este es un ejemplo realmente bueno de eso. Esta es la banda Soundgarden y el guitarrista tipo de correr a través del escenario y estoy panoramizando la cámara junto con él. Entonces lo estoy moviendo y siguiendo la acción, y probablemente estoy disparando a alrededor de un 30 de segundo. Es una combinación de que yo sea capaz de capturarlo y congelarlo un poco porque estoy panoramizando con la acción además de rodar un 30 de segundo, así que todavía estás obteniendo ese desenfoque de movimiento porque mira el conjunto de tambores detrás de él. Eso es completamente borroso porque pudo ver que estoy moviendo la cámara a través de ella, mientras que el sujeto, el guitarrista se está moviendo con mi cámara, por lo que no tiene el mismo tipo de desenfoque. Pero, ¿qué obtienes? Obtienes algo como esto. Esto es lo que yo llamo sin riesgo, sin recompensa. Obtienes algo interesante, atractivo, y obtienes movimiento y una fotografía fija. No voy a repasar un par de pautas realmente simples a seguir si tu rodaje en concierto. En primer lugar, que estés en ese concierto es un privilegio. No es un derecho. Aunque tengas un pase fotográfico, es un privilegio y necesitas respetarlo de esa manera. Si estás en el foso fotográfico, en primer lugar, no bloquees la vista de los mecenas. Esas personas pagaron dinero para ver el concierto. No quieres bloquearlos. Sí, podrías bloquearlos por un par de segundos pero sal de su camino. No te pongas frente a la gente todo el tiempo. En segundo lugar, muévete por el foso, no te quedes en un solo lugar todo el tiempo. No te pongas frente a otro fotógrafo. En el foso de fotos hay cinco fotógrafos, no solo corran frente a alguien y los bloqueen, así que tienen que moverse. Ahora digamos que tienes la suerte de encontrarte algún día en el escenario. No quieres estar usando una camiseta blanca brillante y un pantalón blanco. Quieres estar usando todos negros escenario negros, nosotros lo llamamos. Quieres ser lo más invisible posible. Se trata de la banda. No se trata de ti. No se quiere interponer en el camino de nadie que esté trabajando en ese escenario. No se quiere bloquear la vista del hombre de sonido que está mezclando monitores. No quieres pararte frente a una tecnica de guitarra. Siempre necesitan ver a su chico y si se rompe una cuerda de guitarra, necesitan poder verla. Se quiere ser lo más inocuo posible. Cuidado con el equipo, no pongas tu equipo encima del equipo, no pongas una lente encima de un amplificador, ten en cuenta todo lo que está pasando a tu alrededor en todo momento cuando estés fotografiando un concierto. El balance de blancos, por supuesto, juega un papel importante en todo esto. Tienes luces de escenario, tienes luz diurna, tienes luces estroboscópicas, tienes sombra, tienes sol, todas tienen diferentes temperaturas de color. Mi recomendación para punto de partida es solo disparar en auto balance de blancos. A continuación, vamos a conseguir una modelo en vivo, nuestra amiga Maggie, y hacer algunos retratos reales. 5. Tomando retratos: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. En esta lección, vamos a hacer una sesión de retrato en vivo, y la forma en que lo vamos a hacer es usar la luz disponible. Bueno, nos gustaría llamar a luz de ventana. Estoy en mi sala de estar, tengo dos puertas grandes con grandes paneles de ventana y dos ventanas, así que hay mucha luz toda viniendo de una dirección. Nos vamos a acercar eso de un par de maneras diferentes moviendo el ángulo de la persona, y haciendo algo de luz reflectante desde tan solo una pieza de cartón blanco o reflector profesional y también vamos a probar un montón de diferentes lentes. Vamos a ir con una lente gran angular, una lente de distancia focal media, y una lente más larga. Por lo general, cuando empezamos a disparar, queremos encontrar la exposición base correcta y ese es nuestro punto de partida. A partir de ahí, podemos hacer ajustes según sea necesario para diferentes tipos de efectos. Los tres lentes que vamos a usar son de 24 milímetros, 50 milímetros estándar, y un 105 milímetro. Los tres de estos lentes son lentes primos que son de distancia focal fija, no son una lente de zoom. Se trata de una lente de zoom que es una lente F2.8 de 70 milímetros a 200 milímetros. Tu lente lo más probable es como un F4.0 o incluso un 5.6. Esa es la configuración de apertura más amplia de tu lente. Para conseguir esa profundidad de campo poco profunda, y esa mirada bokeh, vas a querer estar disparando a la abertura más ancha que puedas, y a la distancia focal más larga, por lo que 200 milímetros. Eso te dará el mismo efecto que se obtendrá cuando juguemos con una distancia focal fija 105 en una abertura más ancha. Son sujetos en su lugar. El primero que queremos hacer, es asegurarnos de que tenemos nuestra configuración de cámara adecuada para la exposición correcta. Voy a poner mi ISO en 400. Voy a establecer mi velocidad de obturación a un 60 de segundo, y voy a empezar en F2.8. Ahora, bastante seguro de que F2.8 lo va a hacer demasiado brillante y sobreexpuesto. Pero empecemos por ahí, revisamos el disparo y seguro, probablemente sean dos paradas sobreexpuestas. Voy a cerrar mi abertura hacia abajo a F5.6, que son dos paradas completas 2.8456, que es de seis clics porque cada cámara y tercera parada se incrementa. Voy a tomar otra toma de Maggie y este es un F5.6 y se ve bastante bien. Pero sigo pensando que su lado más destacado de su rostro, que es el más cercano a la ventana, sigue un poco demasiado brillante, así que lo voy a cerrar por una tercera parada más a una 60 a la F6.3. Voy a tomar una foto de Maggie y la voy a mirar y voy a decir, se ve bastante bien, pero ella tiene una justa cantidad de sombra en ese lado de su cara. Si le pido que mire un poco más hacia la ventana y tomo un tiro por ahí. Ahora tenemos un poco más de luz golpeando ese lado de sombra de su cara, y los reflejos fuera de la cara todo se ve bien. Si le pido que gire todo el camino así, y le hago un tiro de esta manera, su mejilla está adecuadamente expuesta y el resto de su cara se está oscureciendo un poco. Este primer objetivo con el que trabajo es un 1.8 de 24 milímetros, es un lente gran angular que es muy rápido. Ahora voy a cambiar a la lente de 50 milímetros. El lente de 50 milímetros se considera típicamente un terreno estándar para 35 milímetros. Está justo en medio de un teleobjetivo y una lente gran angular. Esta también es una lente bastante rápida, es un 1.4, por lo que es un tercio de una parada más rápida que la lente de 24 milímetros, pero voy a ir y ponerla en 60 de un segundo F6.3, que es exactamente la misma configuración que esta lente que hice, y voy a volver a hacer los mismos retratos con Maggie. En primer lugar, voy a hacer que me mire directamente, voy a poner mi foco en, y siempre me enfocaré justo en su ojo porque ahí es donde quiero que sea lo más agudo, así que estoy configurando eso, lo tengo justo donde yo quiero que sea, y disparo, y lo miro; y eso se ve bastante bien, le voy a pedir a Maggie que se vea así. Voy a dispararle otra vez, te voy a pedir que mires así. Ahora me voy a centrar en su ojo izquierdo porque eso está más cerca de mí así que tenemos las mismas tres tomas que acabamos de hacer con una lente de 24 milímetros. Ahora voy a cambiar a la lente de 105 milímetros, que es una lente teleobjetivo de retrato. Siempre que cambies de lentes, tu cámara recuerda más o menos tus ajustes anteriores, por lo que sigue en un 60 de segundo, el F6.3. Maggie me va a mirar derecho y me voy a centrar en su ojo más cercano a mí, que es su ojo derecho, y voy a disparar, y voy a mirarlo, y se ve bastante bien; y me voy a ir de esa manera. De nuevo, me voy a centrar en su ojo derecho y lo miraré, y se ve bien y entonces le voy a pedir que vaya por ese camino y me voy a centrar en su ojo izquierdo, que está más cerca de mí y ahí están mis tres retratos. Cuando miro estas fotos en mi visor, el fondo en la lente de 24 milímetros está prácticamente todo enfocado. 6.3 me da una cantidad justa de profundidad de campo, es una lente ancha, así que Maggie está enfocada, y las estanterías están enfocadas. Al pasar a la lente de 50 milímetros, el fondo se desenfoca un poco más, pero aun así hay mucho detalle ahí atrás y cuando consigo el teleobjetivo, se vuelve aún más. Lo que voy a hacer es, voy a cambiar mi abertura, y voy a ir todo el camino hasta F2, dejando entrar mucha luz. Lo primero que tengo que hacer es encontrar de nuevo la exposición correcta. Voy a abrir mi lente a F2, voy a empezar esta vez con la lente 105. Ahora estoy en F2, y si fuera a disparar a 60 de segundo, que es lo que teníamos antes, va a estar completamente volado. No vas a poder ver nada, va a haber ningún detalle. ¿ Cómo arreglo esa velocidad de obturación? De F5.6 a F2, es tres paradas completas, cinco seis a cuatro, cuatro a dos ocho, dos ocho a dos, y yo estaba en 6.3, que es otro tercio de una parada, por lo que tres y un tercio se detiene diferencia. Para compensar la exposición con mi velocidad de obturación, voy a ir de un 60 e ir tres terceras paradas más rápido, así que va 60 a 80, 100, 125 eso es una parada. 160, 200, 250, eso son dos paradas. 320, 400, 500 de segundo, tres paradas. 640a de segundo, eso son tres y un tercio paradas. Ahora si tomo esa misma foto aquí de Maggie, con ella mirándome justo a mí, verás que es una exposición perfecta. Ahora que tengo la exposición perfecta exacta, y miro el fondo aquí, está casi completamente fuera de foco en la lente de 105 milímetros. Yo voy a hacer lo mismo o voy a tener una foto de ella mirando justo a mí, una donde ella está mirando por allá, y otra donde ella está mirando de esa manera. Miro esto y me encanta el fondo, Es lo que llamamos bokeh, que está muy fuera de foco. Ahora voy a cambiar a la lente de 50 milímetros; voy a apagar la cámara. Apague siempre la cámara al cambiar lentes, voy a ir a una lente de 50 milímetros. Cuando vuelvo a encender la cámara, como dije antes, debería recordar mi exposición 640ª de segundo en F2. Ahora voy a mirar a Maggie, y me voy a centrar en ella, y voy a ir uno, y luego le voy a pedir que se vaya por ese camino para el segundo tiro, y ahora le voy a pedir que se vaya por el otro camino para el tercer disparo. Si miro las tres, las exposiciones corrigen, y el fondo se está desenfocando un poco más, pero no tan fuera de foco como con el teleobjetivo 105, porque cuanto mayor distancia focal sea, más se reducirá la profundidad de campo. Ahora voy a apagar la cámara, y voy a cambiar a la lente de 24 milímetros y voy a mirar a Maggie, recibo el primer disparo. Ella va a mirar así para el segundo disparo, y va a ir por el tercer disparo, y vamos a ver estas fotos. Nuevamente, casi toda la habitación está enfocada detrás o porque es una lente tan gran angular, naturalmente tiene mucha profundidad de campo, entonces ¿cómo cambiamos eso? ¿ Cómo hacemos algo realmente diferente con una lente gran angular? Si quiero que los antecedentes salgan aún más fuera de foco, lo que voy a hacer es, voy a acercarme, y cuando me acerque a su cara, el fondo se vuelve más fuera de foco porque la distancia focal, la distancia entre ella y yo, también entra en juego con profundidad de campo. Esta vez la voy a dar la vuelta de esa manera y la voy a dar la vuelta de esa manera. Tengo mi serie de tres tiros. Se puede ver aquí, todavía puedo lograr una profundidad de campo muy superficial con una lente gran angular al estar cerca de mi sujeto. Muy rápido, quiero hablar de luz reflectante. En esta situación particular, toda la luz viene de un lado de la habitación. Ahí casi no hay luz. Ahora las paredes de mi sala un poco verdes, así que hay un poco de rebote pasando. Una forma de llenar la luz en el lado de la sombra de su cara es mediante el uso de una sencilla tarjeta reflectora. Ahora, tengo una configuración de plato reflector profesional aquí siendo sostenida por un stand profesional de C. Pero podría ser tan simple como un trozo de cartón blanco, trozo de núcleo de espuma blanca. Incluso puedes usar un montón de pedazos de cinta de papel de fotocopia blanca juntos en un trozo de cartón. Mientras sea blanco, rebotará de nuevo bastante limpiamente en su cara. lo que esto hace, sólo llena el lado de sombra de la cara de un poco más de luz. Viene la luz desde la ventana de aquí. Es golpear a ese Reflector y volver a ella, hagamos una serie de retratos de ella. Voy a hacer un primer plano de ella. No ves el reflector en mi marco y yo voy a hacer uno, voy a hacer dos y voy a hacer tres. Cuando miremos estas fotos en la cámara, verás cómo llenó algunas de las sombras. Este de la izquierda tiene el reflector cerca de su cara, rebotando luz hacia el área de sombra. El de la derecha no tiene eso. Se puede ver un poco más de sombra en el lado derecho de su cara. Usando la lente de 50 milímetros, voy a moverme un poco alrededor del sujeto con la luz siempre viniendo de un lado. A medida que me muevo, se puede ver cómo cambia la luz en su rostro. De nuevo, empezaremos aquí. Yo soy lente de 50 milímetros y ella recta para seguir mirando recta. Voy a moverme un poco. Ahora me quedo aquí. Voy a decir Maggie, tú me miras así, todo el camino, bien, así como eso. Voy a ir así, luego voy a ir así y voy a ir así. Podrás ver cómo las sombras se mueven a través de su cara conmigo moviendo la dirección y ella moviendo su rostro y diferentes áreas de donde se enciende la luz. Ella está mirando a la luz de la ventana, obtendrás una iluminación mucho más plana y cuando esté mirando hacia fuera de la luz de la ventana, obtendrás una iluminación más dramática. Estas son diferentes técnicas que puedes usar para crear más drama en tus fotografías. Usando la lente de 50 milímetros, te voy a mostrar otra forma creativa de hacer un retrato esta vez, manipulando la velocidad de obturación. Una velocidad de obturación lenta te permite ver movimiento en una fotografía fija. Crea un poco de lo que llamamos desenfoque de movimiento. Ese desenfoque de movimiento puede provenir del sujeto en movimiento o del fotógrafo en movimiento. Voy a bajar a un 15 de segundo, que es como cuatro o cinco paradas más lentas que antes. Ahora tengo un dial mi apertura y cierre mi abertura hacia abajo para compensar. Voy a ir todo el camino hasta F 16. Voy a tomar una foto y la voy a mirar. Voy a decir que se ve un poco oscuro. Pero lo otro que está pasando es porque estoy disparando F 16. Tiene demasiada profundidad de campo para lo que quiero. Todavía quiero rodar un poco abierto y un 15 de segundo. Lo que voy a hacer es ir todo el camino de vuelta a F 2.8. Cuando tomo esa fotografía revertir 2.8 al 15 de segundo. Está completamente volado. Ni siquiera se puede ver nada. Ahora tengo que averiguar cómo obtengo la exposición correcta. Yo quiero rodar bastante abierto y quiero mostrarles eso un 15 de segundo. Mi otra alternativa, bajar el ISO. Voy a tomar mi ISO y voy a ir de 400-200 como una parada, 200-100 como segunda parada, 100-64 es otra parada. Después tiene un ajuste bajo, que bajará a baja 1.0. Ahora veamos cómo se ve mi exposición y si es correcta. Ahora sigo un poco demasiado volado. Con todavia volado a 2.8 a un 15 de segundo, tengo algunas opciones. Puedo aumentar la velocidad de obturación, pero luego pierdo la capacidad de conseguir ese desenfoque de movimiento que busco. Pero lo único que está pasando en esta sala que aún tengo a mi ventaja es que mis ventanas están bien abiertas. ¿ Qué voy a hacer? Voy a bajar las sombras. Ahora con mis tonos completamente abajo, mi ISO es bajo como posiblemente puede ser. Haré otro tiro de prueba. Mira derecho delante de mí, Maggie. Aquí lo miro y sigue siendo un poco demasiado brillante. Mi única otra opción ahora es o aumentar mi velocidad de obturación, o cerrar mi apertura hacia abajo. A nivel profesional, si realmente querías cortar más luz, puedes poner lo que se llama filtro ND en tu lente y al filtro de densidad neutra y simplemente quita luz. Lo que voy a hacer aquí es ir de un 15 de segundo y voy a ir dos tercios y el stock a un 25 de segundo. Entonces voy a cerrar mi lente a 3.2. Ahora soy una diferencia de tope completo. Voy a mirar esta foto de prueba de Maggie y la voy a mirar ahora, y eso en realidad no está mal, un poco oscuro. Voy a abrirme en mi velocidad de obturación porque quería intentar hacer algo creativo con un obturador lento. Ahora estoy a un 20 de segundo, F 3.2 tan bajo de un ISO como puedo ir. Lo que le voy a pedir a Maggie que haga aquí es que voy a decir que levanta las manos, Maggie, y finge que me estás gritando y gritando así. Voy a intentar crear algún desenfoque de movimiento de esa manera. Maggie y sí, ahí tienes. Mantén esos ojos abiertos y mantén esas manos juntas. Estoy tratando de crear algo como mi hijo me está gritando y ellos toman una serie de fotos. Miro estos y le estoy mirando las manos y está todo borrón pasando. Pero yo estaba sosteniendo la cámara bastante estable, así que en el fondo se queda. Pero esa es una forma de conseguir un efecto diferente. Ahora tenemos una última cosa con la que vamos a jugar. Voy a volver a poner la lente de 50 milímetros. Voy a dejar las sombras cerca porque ahora es un poco más sombrío. Entra menos luz solar. Voy a cambiar el balance de blancos en mi cámara. Antes de estar en un ajuste de luz diurna porque entra la luz del día, voy a bajar la temperatura de mi color hasta lo que se llama 2500 grados Kelvin. Cambié mi velocidad de obturación a un 60 de segundo porque quiero congelar la acción. Hago mi test shot Maggie me mira y lo miro a 3.2 y está muy oscuro, ¿qué hago? Voy a aumentar mi ISL. Voy a mirar atrás a Maggie. Voy a decir aquí vamos. Mira este tiro y esa es la exposición correcta. La otra cosa que es interesante del disparo, cuando lo miro y te veremos en la computadora, es que todo es azul, porque la temperatura del color se ha enfriado. Está haciendo que todo salga un azul fresco. Ahora tienes otra gama completa de cosas que puedes hacer para crear un efecto interesante y dramático usando la temperatura de color. Ahora vamos a ir al extremo completo. Voy a tomar mi temperatura de color y voy a ir todo el camino hasta 10,000, ahora está realmente caliente. Voy a mirar a Maggie y le voy a pedir que me mire. Voy a tomar una foto. Ahora miras esto y ahora está realmente caliente, es realmente amarillo. Se puede ver el contraste de ir realmente fresco a realmente cálido. Simplemente cambiando tu balance de color de todo el camino a la configuración más baja, todo el camino a la configuración más alta. Ahora tienes una idea de cómo salir y hacer un retrato atractivo, interesante de un amigo. Adelante e inicia el proyecto. Juega con la configuración de tu cámara, apertura, velocidad de obturación, balance de blancos para crear retratos interesantes y atrayentes. Prueba todas las cosas diferentes. Intenta obtener desenfoque de movimiento, poca profundidad de campo, mucha profundidad de campo. Solo para ver lo que te gusta y qué estilo te funciona mejor. 6. Edición de tus fotos: Muy bien, bienvenidos de nuevo amigos. Bajemos estas fotos que tomamos con Maggie, nuestra modelo de retrato, y metámoslas en Lightroom y empecemos a hacer algunas ediciones. Para empezar, ya saqué la tarjeta CF de la cámara. Ya lo he puesto en el lector de tarjetas. Ya lo tengo arreglado aquí. Voy a sacar una carpeta aquí que tiene mi carpeta Nikon y todos esos perfiles están justo aquí. Voy a destacarlos todos, que es Apple A. Los voy a arrastrar a la derecha a una carpeta que ya creó llamada Maggie Skillshare. Ahora están importando directamente al disco duro de esta computadora, justo en el escritorio. Mis archivos no viven en el escritorio de mi computadora ni en el disco duro. En realidad viven en un disco duro externo. Nos vamos a meter en más de esas cosas de administración de archivos más adelante por la facilidad de esta lección de editar los retratos sólo lo vamos a hacer agradable y simple e importarlos directamente al disco duro de la computadora. Una vez que se importen a esta carpeta de Maggie Skillshare los importará directamente a Lightroom. Todos han descargado al escritorio. Voy a expulsar esa tarjeta, sacarla para que no se caliente. Ahora voy a entrar a Lightroom. Voy a Import que está justo aquí en la esquina inferior izquierda. Ahora hay un montón de tutoriales sobre Lightroom en Skillshare YouTube, todo tipo de lugares. Te recomiendo encarecidamente pasar media hora de tu tiempo solo teniendo un instructor profesional de Lightroom, pasa por todos los diferentes pasos con Lightroom. También voy a explicarlo, mantenerlo sencillo, pero aquí vamos. Mi carpeta maestra Maggie Skillshare está en mi disco duro Mackintosh, que está justo aquí. Voy a dar clic en disco duro. Voy a Usuarios. Voy a ir Digital, que es lo que llamamos Esta Computadora. Voy a Escritorio. Voy a Maggie Skillshare, que está justo aquí. Ahora todo está justo ahí. Yo sólo voy a golpear Import y va a automáticamente sólo traerlos. Ahora lo que eso está haciendo, no es mover los archivos, no está cambiando el destino, solo es importar esos archivos a Lightroom. Esencialmente lo que está haciendo es, es solo importar miniaturas y los metadatos para que realmente puedas trabajar en esas fotos. Ahora tenemos todos los tiros y Maggie aquí en orden desde donde empezamos a dispararlos. Creo que el primer disparo que hicimos fue este aquí donde sobreexpusimos una imagen de Maggie. Estamos tratando de conseguir nuestra exposición real. Entonces si vamos al siguiente disparo, se puede ver que estamos en Maggie con la exposición correcta. En Lightroom por aquí en el lado derecho, puedes acudir a lo que se llama el perfil EXIF. Es un pequeño menú desplegable aquí mismo. Ahí dentro, te dirá todo lo que hiciste. Una lente F6 60th de un segundo, 0.324 milímetros, ISO 400. Lo primero que haría normalmente en Lightroom es que miraría mis fotografías y las pasaría por ellas y puedes calificar tus fotos. Lightroom tiene un sistema por el cual al tocar el Número 1, le da una estrella Número 2 le da un número de dos estrellas Número 3 le da una tres estrellas, Número 6, hace rojo Número 7, hace amarillo. El número 8 hace verde, el número 9 hace azul. Lo que hago es, repaso mis fotos y miro las fotos que me gustan. Lo primero que hago es decir, déjenme darle una estrella, porque esos son los que quiero volver a visitar. Estoy pasando por ellos muy rápido y digo, no ame a éste, no ame a ése. A mí me gusta esa. Le daré una estrella. El otro es que si pulsas el botón Mayús Lock, cada vez que pulsas cualquier tecla, avanzará automáticamente a la siguiente imagen, que no suena como mucho, pero te ahorra mucho tiempo. Voy a seguir pasando, me gusta este, vamos a seguir pasando, me gusta eso y sólo estoy recogiendo las que no me gustan. Ahora podría llegar a algo como esto donde está parpadeando. Cuando llegas a una foto como esta donde Maggie está parpadeando, obviamente es algo que no quieres conservar. Yo quiero eliminar esta foto porque todas estas fotos son alrededor de 40 megabytes cada uno y ocupan mucho espacio en el disco duro. En lightroom si golpeas X, lo establece como Rechazado y después, si haces comando Eliminar, encontrará todas las imágenes que has xed y golpeas “Eliminar del disco” y esa foto se había ido para siempre. Ahora voy a seguir pasando y voy a encontrar. Aquí hay una que está sobreexpuesta. De nuevo, recordarás de la lección, intencionalmente sobreexpusimos algunas imágenes. Voy a dejar esto aquí un minuto porque quiero mostrarles algunas cosas sobre esa fotografía que están súper sobreexpuestas. Voy a marcarlo como una estrella para que podamos volver a ella. Vamos a seguir pasando por una linda sonrisita y simplemente seguir pasando por diferentes lentes, diferente iluminación. De nuevo, se trata de F2.0. Se puede ver que todo está casi completamente fuera de foco. Eso se llama el bokeh del que hablamos antes, realmente me gustó ese tiro. Estos son los disparos que trajimos en el plato reflector sobre costado y pueden ver cómo se está llenando en algunas de las sombras ahí. También tenemos un poco de destaque aquí y vamos a trabajar en arreglarlo un poco más tarde. Voy a marcar esa. Entonces aquí están algunos de esos disparos que hicimos donde realmente vimos mucho movimiento donde ella estaba moviendo las manos en la cara. A mí me gustaría algunos de estos. Mira este disparo en particular. En realidad su cara es bastante afilada, pero mira sus manos y sus brazos están completamente borrosas y eso me gusta. Estamos volviendo a través y vamos a encontrar unas tomas divertidas que vamos a marcar. Ahora llegamos a algunos de esos tiros donde estaba hablando de jugar con el balance de blancos. Estos son azules intencionalmente me gusta este. Yo voy a hacer este aquí porque a pesar de que está un poco sobreexpuesto, te voy a mostrar cómo podemos manipular eso. Entonces voy a tomar uno de estos que son realmente, realmente cálido ajuste en el balance de color. Ahora en Lightroom, tengo un montón de unos que tengo un inicio. Voy a entrar y voy a dar click aquí en la parte inferior está el Ajuste de Filtro basado en la calificación. Voy a dar click a One Star. Ahora sólo me está mostrando las 30 fotos de las 187 que he golpeado con una One-Star. Ahora de ahí lo que haría normalmente es que haría una Segunda Edición y entraría y ahora lo haría de dos estrellas estos. Voy a volver a un Caps Locks y van un poco más rápido. Voy a escoger unos diez tiros con los que vamos a jugar. Voy a escoger éste, voy a escoger éste, voy a recoger a su pequeña oscuridad. Voy a escoger éste, éste, aquel. Todos estos que estoy eligiendo, solo estoy golpeando el Número 2, lo que los convierte en dos estrellas. Esa la vamos a hacer esa, vamos a hacer esa. Nos vamos a meter con estos dos azules, estos dos amarillos, este amarillo. Vamos a jugar con esta última pareja. Esta es la lente de 50 milímetros y esta es la 105. También mira su cara, cómo su cara cambia un poco aquí, entre 50 milímetros y 105. El 105 lo comprime mucho más porque es una lente más larga. Ahora voy a dar clic a estas dos estrellas aquí mismo y voy a escoger esto como mi final ahora abajo a 16 fotos. Ahora empecemos justo por el principio. Mira esta foto y subo aquí a la esquina superior derecha en el hit Módulo “Mi Desarrollar”. Ahora estoy en desarrollado. El primero que quiero hacer, ya que creo que quiero intentar bajar algunos de los aspectos más destacados solo un poquito. Estos son los aspectos más destacados aquí en su cuello, en su frente. Voy a llevarme esto aquí mismo y esto aquí mismo, que son algunos aspectos destacados. Voy aquí mismo al botón Resaltar, y sólo voy a bajarlo un poquito. Entonces voy a añadir un poco de negro porque eso sube un poco el contraste y le añadiré un poco de sombra porque quiero intentar conseguir algún detalle en su cabello. Aquí mira este. De verdad voy extremo en las sombras. Mira cuánto detalle le trae en el cabello, pero también abre todo lo demás. Voy a bajar eso un poco en el medio porque me gusta ese detalle en su cabello. Si yo fuera a deshacerme de las sombras e ir por la dirección opuesta. Mira eso. No tienes ningún detalle. En la marca cero, todavía hay casi no tiene detalle pero si subo a cerca de 1720 puntos, empiezo a ver detalle. Ahora estos otros niveles aquí arriba, hay uno llamado claridad. La claridad es un nivel algo controvertido porque realmente casi a veces hace que tus fotos se vean un poco más caricaturizadas y como una pintura. Algunas personas van realmente por la borda y podrían ir hasta un 100 en tu claridad. Cambia toda la vibra y sensación de tu fotografía por un tono de piel más natural y una persona, sobre todo si estás trabajando con un familiar mayor o una madre, padre abuelo. Se llevará las arrugas en su cara y las haré profundas y duras y contrastadas, y esa no siempre es la mirada más halagadora. Por otro lado con tu claridad, puedes ir por la dirección completamente opuesta. Difunde la foto aquí da ese look de difusión suave, que de nuevo es casi un look caricaturizado. Es posible que quieras jugar con él en cualquier dirección. Nuevamente, trato de mantenerlo a tal vez no más que menos 24 sobre la claridad que va por debajo para difusión, no más de 24,25 también en eso. Ahora ese es mi punto de partida, y me gusta. Lo único que miro esta foto y realmente no me encanta es el tono de piel. Es un poco demasiado amarillo para mí. Voy a entrar en temperatura de color aquí arriba, y voy a bajarla un poco más hacia una temperatura de color más fría. Ahora mira lo que pasa si me voy realmente extremo porque azul, que es de lo que hablamos de hacer en cámara antes, llegará a eso más adelante. Un tono de piel normal en ajuste de luz del día es de unos 5600 grados Kelvin, que está justo aquí, que es decirme la temperatura del color, pero se puede ver lo amarillo que es su tono de piel. Este es un monitor corregido de color, por lo que esto es bastante preciso. Simplemente me parece que algunas de estas cámaras Nikon también son un poco amarillas en general en los tonos de piel. Voy a bajarlo a unos 43. Eso parece ser un poquito tal vez demasiado cool. Voy a volver a 4500, dar o tomar esto es 4479. Me gusta ese tono de piel, un poco diminuto pero cálido. Ahora, la otra cosa que podría querer hacer con una foto como esta es, voy a entrar en la herramienta de cultivo, que está justo aquí y aquí hay un mecanismo de bloqueo. Si eso está en la posición cerrada como lo haces, lo hará todo. Pero si lo haces desbloqueado, podrías hacer solo la parte superior, la lateral. Yo quiero deshacerme de su rodilla porque realmente no me encanta eso. Voy a entrar un poco más apretado y voy a volver a “Biblioteca”, me va a mostrar dónde está mi cosecha. Eso es bastante bueno, eso me gusta. Ahora digamos que realmente quiero convertir esta foto en una imagen en blanco y negro, puedo volver a “Desarrollar”. Tiene un estándar en Lightroom. No es un efecto especial, boom, haz clic en él y va directo al blanco y negro. Ahora bien, me gusta esto, pero para mí esto es un poco plano, no del todo tan contrastia, así que voy a añadir un poco de contraste aquí mismo. También voy a abrir un poco más las sombras para conseguir algo de ese detalle en su cabello. Me gusta justo ahí como una imagen en blanco y negro. Lo único que voy a hacer en esta foto en particular es que la voy a volar un poco, con sólo Command Plus. Ahí hay un pequeño punto justo aquí en su pecho. Voy a entrar en la herramienta de curación aquí mismo. Usando corchetes podemos aumentar o disminuir el tamaño del pincel. Yo lo voy a hacer y lo voy a arrastrar hasta aquí y voy a volver a dar clic en biblioteca. Ahora se puede ver que eso está tomando un segundo para renderizar. Se puede ver que la pequeña mancha en su pecho se ha ido. Aquí hay una pequeña mancha aquí mismo en su cara, una pequeña marca de nacimiento. Yo me voy a deshacer de eso sólo para mostrarte cómo hacerlo. Nuevamente, voy a volver a Desarrollar. Voy a golpear la herramienta de Curación. Voy a venir a aquí. Voy a encogerme el tamaño de mi pincel hacia abajo, porque es una mota bastante pequeña. Voy a ponerlo justo y luego dar clic en él. Se va a remuestrear en eso donde está otro círculo, y boom, ese pequeño punto ahora se ha ido de nuevo. Esa es una forma de limpiar imperfecciones realmente simples en la cara de alguien. Si realmente necesitabas meterte en cosas más detalladas, podrías entrar en Photoshop. Vamos a seguir adelante en la biblioteca aquí. Digamos que quiero desaturar un poco, para poder bajarlo. Todavía puedo dejarle algo de colorante. Se puede ver que hay un poco de rojo en sus correas, pero es como una cosa híbrida de color blanco y negro. En lugar de traer los aspectos más destacados aquí usando el botón Destacados, lo que voy a hacer es entrar y lo voy a cepillar. Voy a ir al Pincel. Voy a ajustar mi exposición a cerca, en realidad, voy a ir realmente extrema. Voy a ir a dos paradas. Usando la tecla de paréntesis del teclado, aumenta o disminuye el tamaño del pincel y voy a cepillarme mi exposición sobre su mejilla y su nariz justo aquí, solo para que lo veas. Otra vez, puedes moverlo como dije. Yo solo quiero bajarlo y lo conseguí realmente extremo para que lo pudieras ver. Entonces voy a traer el camino de la exposición hasta el final, esto es apenas un tercio de una parada que lo bajé. Se pueden ver esos reflejos, voy a volver a cero en ese pincel aquí mismo. Se podría ver que es un poco más destacado y se puede ver cómo poco a poco la bajé y trae detalle a esas áreas ahí. Voy a ir a acercar un poco en su cara y me voy a llevar esta pequeña marca de nacimiento aquí mismo y me voy a ir muy pequeña en esa. Entonces sólo voy a ir boom 1, boom 1, boom 3, boom 4, 5. Pero voy a dejar todas sus pecas, pero voy a entrar y voy a quitar esta pequeña de aquí y esta de aquí y este pequeño bulto en su piel y lo voy a hacer así. Se puede ver en el fondo de su barbilla lo limpio que está. De nuevo, si estás lidiando con niños que tienen imperfecciones o alguien tiene una ampolla de fiebre en el labio, estas son cosas que puedes quitar de manera muy sencilla en Lightroom. Pasando a esta foto de aquí, este es uno de los disparos que hice donde hice desenfoque de movimiento intencional. Pero se puede ver que la exposición sigue un poco brillante aquí, y me voy a ir a blanco y negro. A mí me gusta este tiro, incluso con los destacados volados un poco. Voy a añadir un poco de negro, voy a añadir un poco de contraste voy a añadir un poco de claridad. Pero creo que el trasfondo para mí es muy distraído. Lo primero que voy a hacer es que voy a cosechar y voy a traer algo de esto. Tengo el cultivo encerrado aquí, así que está haciendo todo el asunto, así que voy a volver a cero. Voy a desbloquearlo. Ahora voy a saltar por ese lado y hacer de esto una imagen cuadrada, lo cual sería genial para Instagram. El otro cosa que no me gusta de esta imagen es cómo el manto es un poco desigual por aquí. Porque yo estaba moviendo mi cámara intencionalmente cuando la estaba filmando. Aquí tienes el ajustador de ángulo, así que voy a ajustarme un poco hacia abajo a la derecha, que puedas ir realmente extremo. Voy a bajar un poco a la derecha y voy a usar las guías que Lightroom me está dando y voy a conseguir ese manto recto. Míralo ahora, es mucho más recto. Eso no molesta mi horizonte. Entonces voy a entrar en la herramienta Burning, otra vez, y voy a hacer un pincel realmente grande. No voy a volver a hacer el extremo. Bueno, vamos a ver. Voy a ir como las tres cuartas partes de una parada y voy a igual que bajar los bordes de la foto. Este es un viejo truco de Darkroom donde solíamos quemar los bordes de una fotografía como esta para llamar tu atención sobre el tema en el medio. Voy a traer un poco más de detalle en su cabello. Voy a ir, Nueva, a darme un pincel nuevo. Voy a encogerlo hacia abajo y le voy a pegar el pelo. Todo lo que me has visto hacer hasta ahora está trayendo las cosas más oscuras y eso es lo esto está haciendo ahora mismo porque solo estoy en mi exposición sobre abajo. Pero voy a ir al lado positivo de las cosas y voy a ir más brillante aquí como extremo y voy a volver a donde realmente no te estás dando cuenta de que hice algo, solo un poquito esto como un cuarto de parada. También voy a entrar a mis sombras y voy a golpear lo mismo y está trabajando en el mismo pincel y mira lo que hace en el extremo. Voy a traer un poco las sombras. Ahora tengo un poco más de detalle en su cabello. Voy a decir que las fotos hechas y esa plaza y está lista para ir por Instagram. Esta es una de las fotografías que hicimos donde bajamos la temperatura de color en la cámara y queríamos conseguir este efecto azul. Aquí voy. Voy a entrar en “Desarrollar” y en realidad se puede ver el balance de blancos es muy bajo todo el camino hacia abajo en 2600 encontrado dicho 2500. Pero digamos que realmente me encanta esta foto, pero no quiero hacerlo en azul. Quiero volver a los tonos de piel normales. Simplemente puedo ajustar mi temperatura de color y volver a la 4300 de la que hablamos antes y obtener un tono de piel natural. Puedo ir súper alto, agregando mucho amarillo. Puedo ajustar mi carpa y meterle un montón de lectura. Todas estas son cosas creativas que puedes hacer. Esas son algunas de las herramientas básicas de edición en Lightroom. Esas son las herramientas de edición más básicas. Básicamente es ardiendo y esquivando igual que lo hiciste en un cuarto oscuro si alguna vez hiciste trabajo en Darkroom. [ MÚSICA] 7. Selección y exportación: Entonces ahora, vamos a volver al modo Biblioteca aquí arriba en la esquina superior derecha. Se pueden ver todas las fotos en las que sí trabajamos porque tienen estas casitas abajo en la esquina. Si sólo tiene una caja, significa que hicimos algún ajuste a la misma. Si su consiguió dos cajas, significa, también fue recortada. En este momento, no entré y abanderé ninguno de estos en los que trabajamos. Elegí aleatoriamente algunos de estos de los 16. Entonces voy a entrar y básicamente mirando estas cajitas y voy a hacer que todas las que hicimos funcionen en tres estrellas. Entonces aquí hay una de tres estrellas, tres estrellas, tres estrellas. Voy a saltarme adelante. Tres estrellas, tres estrellas, tres estrellas, tres estrellas, y la última, tres estrellas. Entonces ahora, cuando haga clic en el botón de calificación de tres estrellas por aquí, ahora sólo me va a mostrar las ocho fotos en las que sí trabajamos. Ahora queremos exportarlos. ¿ Cómo los sacas de tu computadora y a tu teléfono para que puedas enviarlos por correo electrónico a tus amigos o Instagram ellos o Facebook o cualquier plataforma de redes sociales que estés usando? Bastante sencillo. Entonces sólo vamos a hacerlas de uno a la vez. Por lo que aquí, cada imagen individual se puede resaltar con el ratón. Si quieres resaltarlos todos, puedes ir a la primera, la última, turno de golpe, y ahora todos están resaltados. Entonces voy a entrar y voy a exportar esta primera foto. Quieres asegurarte de que estás en el modo Biblioteca y luego golpeas “Exportar”, que está justo aquí. Abre toda una nueva ventana de diálogo. ¿ Qué significa todo esto? Hay diferentes formatos de imagen a los que puedes exportar estos. Estas son fotos crudas. Se pueden exportar como un JPEG. JPEG es la forma de imagen más común que puedes usar en tu teléfono y para enviar correos electrónicos a las personas. Es una imagen comprimida. Se encoge hacia abajo. Hace que sea lo suficientemente pequeño como para que en la mayoría de los programas de correo electrónico puedan manejarlo. Ese es el más básico. Puedes convertirlo en un PSD, que es un documento de Photoshop. Puedes convertirlo en un TIFF, que es un archivo sin comprimir que aún tiene mucha información y sería demasiado grande para el correo electrónico. Se puede hacer un PNG, se puede hacer un DNG, que es un formato propietario de Adobe llamado negativo digital. Por último, se puede exportar como el original, que es el NEF, Nikon Electronic File. Para nuestros propósitos, lo vamos a exportar como un JPEG. Aquí hay una palanca llamada calidad. Esta es la cantidad de compresión que quieres hacer sobre él. Se puede exportar en un 100. La mayoría de las cosas que exporto que se van a utilizar en línea, redes sociales, etcétera, las exporto a los 90. Básicamente lo estás comprimiendo solo 10 por ciento. No se nota, pero lo contrae lo suficiente, nuevo para solo quitarle un poco el tamaño del archivo para que sea más fácil enviar el correo electrónico. Aquí está el tamaño, está bien. Ajustar el tamaño para encajar el botón. Quieres hacer clic en eso y luego tu borde largo, tu borde largo es, si es una imagen horizontal, es de izquierda a derecha. Si es una foto vertical, es de arriba a abajo. Si es una foto cuadrada, escoge una. Siempre elijo borde largo para uno, y luego aquí, siempre elijo pulgadas en lugar de píxeles. A algunas personas les gusta trabajar en píxeles, me gusta trabajar en pulgadas. Un tamaño bastante estándar para poner en Instagram, Facebook etcétera es de unos 15-18 pulgadas a 72 píxeles por pulgada. Ese es este número de aquí. Resolución de pantalla, tu teléfono, una computadora es de 72 píxeles por pulgada. Si estás imprimiendo algo en un pedazo de papel, quieres estar en una resolución más alta. Se quiere estar a 300 pixeles por pulgada. Por lo que diferentes medios requieren diferentes cantidades de píxeles. El sitio impreso requiere más que un televisor o un monitor de computadora o tu teléfono. Entonces para nuestros propósitos, vamos a exportar para redes sociales. Nos vamos a apegar a 72 PPI o DPI a veces se llama. La otra cosa aquí que vamos a elegir es Adobe RGB. Si decides que quieres que tus fotografías se impriman en algún lugar como Costco, tienen sus propios perfiles de color. Puedes descargarlo desde su página web, importarlo a tu perfil de Lightroom, y vivirá allí para siempre. Tenemos un par de perfiles Costco en Nueva York. De acuerdo, entonces nos vamos a quedar con Adobe RGB, vamos a ir a 17 pulgadas, o vas a ir a 72. Lo último que vamos a hacer es una marca de agua. Te mostraré cómo hacer una marca de agua en un minuto. Pero ves fotografías todo el tiempo. El ángulo inferior izquierdo, la esquina inferior derecha, dice foto de Jay Blakesberg, copyright Jay Blakesberg, foto de Jane Smith. Entonces es algo bueno que hacer si estás compartiendo tus fotos en el mundo para asegurarte de que la gente sepa quién tomó esa fotografía. Siempre quieres que te atribuyan, sobre todo si estás tratando de ser cualquier tipo de fotógrafo profesional. Tengo un montón de ellos pre-hechos. Voy a hacer uno que se llama JB 2018, muy diminuto. Solía hacer marcas de agua más grandes y me pareció que era tan molesto y quitárselo de la foto. Entonces encogí mi marca de agua hacia abajo. Todavía dice copyright Jay Blakesberg, pero no creo que le quite nada a la foto. Entonces, por último, tienes que elegir a dónde quieres que vaya esa foto. Entonces aquí arriba en la parte superior tienes un par de cosas diferentes para que puedas ir de escritorio. Ahora solo lo va a poner en el escritorio. Pero si quieres ponerlo en una subcarpeta en el escritorio, puedes ponerlo en una subcarpeta y luego tienes que realmente hacer esa subcarpeta. Aquí hay uno llamado lobo que no vamos a usar. Voy a llamar a esto Exportaciones de Maggie. Ahora, cuando golpeo la exportación, porque he configurado todo lo demás, JPEG, calidad, Adobe RGB, tamaño, resolución, marca de agua. Porque aún no hay carpeta de exportaciones de Maggie, voy a ir a “exportar”. Se va a hacer automáticamente una nueva carpeta así. Entonces ahora, voy a ir a la segunda foto y voy a exportar eso. Puedo dejarlo en esto pero otra forma que puedes hacerlo es, si desmarco eso y voy a mi menú desplegable, puedo ir carpeta específica, elegir, se va a abrir una ventana de diálogo. Voy a ir a mi escritorio, desplazarme hacia abajo, Maggie exporta. Yo lo voy a elegir. Yo quiero exportarlo, y va a la misma carpeta. Otra cosa que hacer si estás exportando fotos es Apple A, comando A export. Está todo listo a donde quiere ir. Golpear exportación. Ya tiene dos fotos en ella. Como pueden ver, o bien puedo sobrescribir eso y sólo los reescribiré de la misma manera exacta, o puedo saltarme y ellos harán las otras seis fotos. Ahora está exportando las seis fotos. Se oye ding, puedo hacer rincones calientes que configuré, puedo ir a la carpeta, las exportaciones de Maggie y aquí están todos. Ahora son de JPEG. puede ver que tienen una marca de agua muy pequeña en la parte inferior de cada foto, donde tiene mi nombre y ya están ahí dentro. A partir de ahí, solo puedo ir a mi programa de correo electrónico, adjuntarlos a mi correo electrónico, enviarlos a mi mismo, y luego están en mi teléfono. Volvamos un segundo y aprendamos a hacer una marca de agua. Estás en Lightroom. Se llega a Lightroom classic y dice, “Editar marcas de agua”. Entra aquí y básicamente tienes una pequeña ventana de diálogo aquí. Copyright es Opción G. Voy a decir, prueba marca de agua. Entonces mira lo grande que es. Vete a estas herramientas por aquí. Puedes hacerlo más grande, puedes hacerlo más pequeño. Por lo que me gusta estar cerca de seis o siete puntos, en algún lugar alrededor de seis puntos generalmente es lo que hago en estos días. Entonces puedes ver, puedes moverlo de izquierda a derecha. Aquí hay un montón de pequeñas burbujas, así que esa es la esquina inferior izquierda, esa es la media inferior, inferior derecha, media superior. Simplemente me quedo con ya sea un fondo a la izquierda y abajo a la derecha. Entonces quiero levantarlo un poco y quiero bajarlo un poco. Voy a subir un poco, y hay todas estas otras cosas que podrías hacer. Podrías agregarle opacidad. Puedes hacerlo más claro u oscuro puedes cambiar el color de la misma. Ahí hay uno blanco. Puedo hacerlo negro, puedo hacerlo gris. Se puede entrar en colores. Si solo elijo la rueda de color aquí, puedo escoger una roja ahora es roja. Ahí están todas estas opciones diferentes, de formas de hacer tu marca de agua. Entonces cuando golpees “Guardar”, te va a pedir que ahorres. Tiene nombre y solo puedes decir, lo guardaré como “Prueba marca de agua” escribes eso en, pegas “Crear” y tienes una nueva marca de agua. Una cosa importante es asegurarte de que siempre respaldas tus fotografías. Una vez que estén en tu computadora, asegúrate de que terminan en un segundo disco duro también, Si no un tercio. Hay muchas opciones por ahí, en la Nube que son de bajo costo y si no estás filmando tantas fotos como yo, es súper barato subirlas a Google Cloud o a la nube de Amazon. A lo mejor 10 o 15 dólares al mes. Ya sabes, siempre van a estar ahí, pero todavía me gusta tenerlos siempre en al menos dos discos duros. No dejo que mis fotografías vivan en mi computadora principal, todas viven en discos duros externos. Súper importante. Siempre deseas que tu catálogo de Lightroom se adjunte a donde se almacenan tus fotos. Entonces cada vez que abres Lightroom y haces clic en una carpeta, por lo que en este caso, Maggie habilisshare, está apuntando directamente a la carpeta en el disco duro donde viven. De nuevo, puedes aprender todo sobre eso en un tutorial en línea de Lightroom. Tengo todas mis fotos separadas por fecha. Porque disparo mayormente eventos, así que hago un seguimiento de todo por fecha. También le disparo a músicos, así que lo hago seguimiento por artistas y por fecha. Entonces si entrara a esta carpeta llamada Maestro y fuera a ir con un artista llamado los Allman Brothers. Aquí está mi cita. Este es el 12 de mayo de 2009. Se trata del 8 de junio de 2014, 24 de julio de 2012. Hago un seguimiento de mis fotografías por artistas y subcarpetas por fecha. Si yo fuera tú y solo estás disparando casualmente y no estás disparando eventos, crearía carpetas para cada mes del año. Enero 2020, Febrero 2020, Marzo 2020. Entonces dentro de eso, podrías hacer subcarpetas. Vacaciones en Hawaii, casa con Corona y los niños. Sea lo que sea, solo crea subcarpetas y manténgalas dentro. Pero siempre quieres asegurarte de que tus fotos en Lightroom y las subcarpetas en las que terminan, siempre estén adjuntas a donde viven en el disco duro. Para que no tengas que volver atrás y encontrarlos. Lo que me lleva a una última cosa antes de cerrar hoy. Eso es renombrar tus fotografías. Es algo muy sencillo. Vamos a volver a las fotos de habilidadesde Maggie que rodamos hoy, que es el 26 de abril de 2020. Por lo que salen de la cámara y tienen algún sistema de numeración que realmente no tiene relación con nada de lo que está pasando. Entonces lo que voy a hacer es dar click en la primera foto de la colección, ir todo el camino abajo la última foto, mantener el turno, dar click en eso. Ahora están todos resaltados, voy a ir justo aquí a nombre de archivo. Voy a dar click en este menú desplegable y se va a decir, texto personalizado. Yo sólo voy a poner aquí JB_042620, lo voy a arrancar en el número uno, voy a golpear “OK” y está renombrando todas estas fotos ahora mismo. Se puede ver aquí arriba se tarda un minuto en hacerlo. Son 187 fotos. Ahora está hecho y ahora es JB_042620. DG es algo que creamos, lo que significa que es una foto digital porque también he salido del cine en mi carrera, 001, 002, 003,004. Pero sabemos que estas fotos siempre fueron tomadas el 26 de abril de 2020. Gracias por ver esta lección, espero que hayas aprendido mucho. Lightroom es una herramienta realmente importante como fotógrafo digital, te recomiendo encarecidamente que lo consigas y no utilices ningún programa sencillo que ya esté incorporado en tu computadora. También te recomiendo sacar tus tarjetas e importarlas con un lector de tarjetas externo, a diferencia de importarlas directamente desde tu cámara. Ahora debes tener todas las herramientas que necesites para tomar fotos, hacer retratos interesantes, importarlos a tu computadora, hacer algunas ediciones, exportarlos, compartirlos en redes sociales. Ahora vamos a hablar un poco de marketing y estrategias de negocio. 8. Lección extra: Marketing de tu trabajo: Ahora has rodado alrededor de 10 conciertos. ¿Qué sigue? ¿ Cómo te conviertes en fotógrafo profesional o cómo obtienes más acceso para rodar más espectáculos? ¿ Cómo consigues acceso para disparar espectáculos más grandes? Hablemos un poco de marketing, promoción publicitaria, relaciones con clientes y el valor de tu trabajo. Tienes algunas imágenes, tiempo para crear un portafolio. Bastante simple. En los viejos tiempos, solíamos tener que hacer huellas, ponerlas en libros, encontrar personas a las que mostrarles esos libros. En última instancia lo que quieres hacer es que quieras que la gente vea tu trabajo, que contraten fotógrafos para filmar el trabajo que quieres filmar. ¿ Quieres ser fotógrafo de conciertos, que contrata al fotógrafo de conciertos? Páginas web, revistas, las propias bandas. Por lo que quieres empezar con esas personas. Con las bandas, se quiere conseguir una relación yendo con la banda o su gestión, con revistas, con el editor de fotos, con la gente de la web, el editor del sitio web o el editor de fotos para el sitio web. Quieres conectarte con esas personas y quieres mostrarles lo que estás haciendo. La forma más fácil de compartir tu trabajo es probablemente como PDF. Tienes 10 grandes fotografías. Crea un PDF de esas 10 fotografías, haz una diapositiva al principio que tenga tu nombre, tu número de teléfono y tu dirección de correo electrónico. Consigue el nombre y la dirección de correo electrónico de la persona a la que quieres enviárselo y di: “Hola, mi nombre es así y vivo en esta ciudad y si alguna vez necesitas un fotógrafo que cubra uno de tus eventos, estoy disponible. Aquí tienes una muestra de mi trabajo. Ese es el mejor lugar para empezar. Una vez que te den un concierto, ¿te pagarán? Difícil de decir, realmente depende de muchos factores diferentes. En el nivel más bajo, lo más probable es que no, podrías obtener algún acceso. Construirás tu portafolio, formarás relaciones. Digamos que quieren que vayas a filmar una nueva banda próxima y a la banda le gustan las fotografías que hiciste para esa página web y quieren ponerla en su sitio de Instagram. Tienes opción. Puedes licenciárselo y cobrarles dinero o puedes dárselo y decir: “Aquí, siéntete libre de poner esto en tu página de Instagram y usarlo para promocionar ese espectáculo o promocionar tu gira o lo que sea, pero si tú decide que quieres usarlo de alguna otra manera, por favor regresa y pide mi permiso y tal vez vamos a elaborar una pequeña cuota de uso para el uso de esa foto”. Una vez que tienes algunas fotografías, la mejor manera de sacarlo por ahí, Instagram, Facebook, redes sociales. Ponlo ahí fuera, ponle una marca de agua, ten tu nombre en él, compártelo, deja que otras personas lo compartan y deja que la gente vea lo que estás haciendo. Lo mejor que podrías hacer inicialmente es establecerte localmente. Deja que tu clientela local sepa que estás ahí y que existes y que estás disponible para fotografiar lo que necesitan fotografiado. A partir de ahí, puedes extenderte porque somos una economía global. El internet ha creado que para todos nosotros, las fotografías abarcan el globo. En todas partes del mundo alguien puede estar mirando tus fotografías y eso es lo que quieres y eso es lo que harán las redes sociales. Otra cosa que quiero decir es siempre que puedas proteger tu trabajo, dueño de tu trabajo, no renuncies a la titularidad de tu trabajo. Al igual que ese ejemplo que mostré en la lección anterior sobre fotografía de concierto en vivo. Esa fotografía de Crosby Stills y Nash que tomé cuando tenía 17 años, casi 40 años después, me pagaron dinero por una fotografía que tomé cuando era adolescente como solo fan, hobby fotógrafo. Podría haber oportunidades donde alguien acuda a ti y dicen que quieren comprar esa foto, quieren ser dueños de esa foto para poder hacer lo que quieran con ella. Mi consejo es evitar eso tanto como sea posible. Quieres ser dueño de tus fotografías. Tu fotografía es igual a propiedad intelectual y tiene valor para siempre y para siempre. No quieres renunciar a los derechos de esa fotografía o serie de fotografías si puedes evitarla, porque esas fotografías podrían generar ingresos para el resto de tu vida, nunca se sabe. Una forma en que se puede evitar lo que se llamaría una obra por contrata o una transferencia de derechos de autor es darle a un cliente, lo que me gusta llamar uso ilimitado por un determinado periodo de tiempo sólo para un proyecto específico y usted conserva la propiedad y derechos de autor de esa fotografía. Todo está en el lenguaje de lo que les estás dando los derechos de hacer y todo eso se reduce de nuevo, tus relaciones con ellos y cómo les estás presentando y los contratos que les estás escribiendo, que podría ser solo tu simple factura donde escribes una factura y dices: “Te voy a otorgar los derechos de usar esta fotografía para este propósito en particular, por esta cantidad de tiempo, por esta cantidad de dinero”. Ahora estás disparando, tienes algunas relaciones en marcha. Estás construyendo portafolios a medida que obtienes nuevo trabajo, haces nuevos PDF, conoces gente nueva, obtienes dirección de correo electrónico, miras en internet, buscas en sitios web de bandas para quienes son sus publicistas. Les haces saber qué haces, dónde lo haces, dónde vives y cuando vienen a tu pueblo, intentas conseguir una asignación y vas a dispararles. También quiero destacar la importancia de compartir información con otros fotógrafos. Durante el tiempo más largo cuando todos empezábamos, todos guardaban toda esa información para sí mismos. Es realmente importante compartir información porque esa información nos hace a todos más fuertes. De repente, hace 25 años, supe que este tipo estaba licenciando estas fotos por 500 dólares a la misma empresa que estaba licenciando mis fotos por 200 dólares. De repente les dije, oye, mi cuota es de 500 dólares y ya sabes lo que dijeron, vale, bien porque sabían que ese no es su dolor, sabían que estaban consiguiendo una ganga. Hasta que ese fotógrafo compartió esa información conmigo, no tenía ni idea de que podía conseguir más dinero. Entonces sólo recuerda, otros fotógrafos no son tu enemigo. No son tu competencia, son tu amigo. Comparte información, hazte amigo de ellos, conéctate con ellos, sé amable con ellos. Hablemos un poco de mostrar tu trabajo, tu set estás haciendo PDF, lo estás enviando a la gente, tienes un sitio de Instagram, probablemente necesites un sitio web. Hay muchas empresas de sitios web cortadoras de galletas realmente buenas por ahí que tienen las herramientas para que hagas un sitio web creativo realmente hermoso. Todo buen fotógrafo debe tener una página web que muestre tu trabajo. También quieres hacer un sitio web que sea fácilmente actualizable. Se quiere poder cambiar las fotos en él regularmente. Quieres poder crear galerías que puedas compartir con clientes específicos. La mayoría de ustedes probablemente tengan una página de Facebook y tal vez puedan o no saber que Facebook sólo le permite tener 5,000amigos. Antes de que te des cuenta, vas a tener 5 mil amigos, sobre todo si estás publicando fotografías de bandas de rock que estás fotografiando, a la gente le gusta mirar eso, quieren un amigo tú, quieren saber quién eres, te estás volviendo más popular. Lo mejor que puedes hacer es ir y crear una página de Facebook que sea solo para tu fotografía, así que una página de negocios. Podría ser tu nombre seguido de la palabra fotografía y puedes empezar a conducir tráfico hacia allá y eso tiene una cantidad ilimitada de personas que pueden seguirte, que pueden gustarte, que podrían ser amigas contigo. Adicionalmente, se desea enviar esas carteras PDF de manera regular. Quieres que la gente vea que estás disparando constantemente, creando constantemente, creando constantemente nuevo trabajo atractivo y quieren verte mejorar. Porque si apenas estás empezando, podrían decir, eso es genial, pero no realmente lo que estamos buscando todavía. El siguiente portafolio de PDF que envías entonces podrían decir, guau, este tipo ha mejorado realmente, me gustó mucho ese tiro y necesito a alguien en ese pueblo, en esa ciudad, en esa región para ir a disparar algo por mí. Yo quiero darle una llamada a esa persona y voy a contratarlo para que salga y haga este trabajo por mí. Las relaciones con los clientes son realmente importantes. Nunca te enojes con nadie. Nunca uses mal lenguaje con un publicista, un director de arte, un editor de fotos, incluso el asistente de editor fotográfico más junior porque ese editor de fotos junior, eso podría darte un respiro ahora, podría ser el senior editor de fotos sobre tres años de esa publicación de sitio web. Esa persona a la que ayudas puede ayudarte en un año o dos o tres, nunca sabes quién va a ser tu jefe antes de que te des cuenta. Por lo tanto, no traten a nadie como a un ciudadano de segunda clase nunca. Adicionalmente, ten en cuenta, si conoces a una banda, no estás ahí como fan, no eres una groupie. No estás ahí para conseguir su autógrafo o llevarte una selfie con ellos. Estás ahí para trabajar y conectarte con ellos a nivel profesional. Para envolver este, comparte tu trabajo tanto como sea posible. Comparte con el artista, deja que lo compartan en sus páginas de redes sociales porque más gente te seguirá. Si el artista te está siguiendo, sus fans te seguirán. Muestra tu trabajo a tantas personas como puedas que contraten fotógrafos que hagan el trabajo que estás tratando de hacer. Si eres fotógrafo de conciertos, muéstrale esas fotografías de conciertos que la gente que contrata fotógrafos de conciertos y hay mucha gente por ahí. Las compañías discográficas usan fotos, los directores de redes sociales para bandas usan fotos, las bandas usan las fotos en su página web. Los usan para anunciar sus espectáculos, los usan en carteles, CDs. Los usos son ilimitados. Para terminar con este segmento, recuerda, nunca conseguirás un trabajo si nadie sabe quién eres, tienes que sacar tu trabajo todo lo que puedas, todas partes que puedas para que la gente sepa esto es lo que haces. 9. Conclusión: Gracias a todos por acompañarme con mi clase de fotografía Skillshare. Ojalá aprendieras un montón de cosas. Mi objetivo era enseñarte algunas reglas básicas y ahora quiero que salgas a romper esas reglas porque no hay riesgo, no hay recompensa. Una vez que seas capaz de dominar la apertura, la velocidad del obturador, la ISO y la temperatura del color, puedes salir y crear todo tipo de interesantes fotografías atractivas. Toma las cosas que conoces y experimenta. Si crees que deberías estar haciendo un retrato de 250 de segundo, hazlo a los 30 en segundos, 15, un segundo, rompe esas reglas y ve qué te ocurre. Es así como crecerás como fotógrafo. Echa un vistazo a lo que otras personas están haciendo en línea. Mira la buena fotografía, inspírate en ella, ve lo que está pasando en el mundo de la fotografía. Instagram es un gran lugar, si quieres seguirme en Instagram, soy @jayblakesberg. También acabo de empezar un nuevo sitio de Instagram llamado Retro Blakesberg siendo comisariado por mi hija. Eso son sólo fotografías que filmé en película. Allí no había fotografías digitales. En Facebook soy Jay Blakesberg fotografía y Twitter Soy @jayblakesberg. Gracias por ver. Gracias por escuchar. Gracias por pasar el rato con nosotros. Espero que te hayas divertido, espero que hayas aprendido algo. Ya veremos por ahí.