Fotografía conceptual con sentido: dominar la narración visual con fotografías

1. Introducción: Hola, soy Josh aparece y estoy encantada de darles la bienvenida a mi curso en línea y a la narración artificial. El objetivo principal de este curso es que entiendas cómo funciona la narración visual para que puedas crear imágenes más significativas. Entonces no te estaré enseñando la parte técnica porque es perfectamente posible aprender eso por tu cuenta. Estaremos aprendiendo a pensar y 2D conceptualmente. Estaremos buceando profundamente en nuestras mentes y herramientas para que podamos encontrar esas ideas significativas en este curso online, he recogido todos mis conocimientos y experiencia y aún así esto en diez módulos de aprendizaje con un montón de tareas prácticas. En estas diez semanas, aprenderemos sobre cinco reglas básicas para ayudarte a contar grandes historias con tus fotos. Técnicas prácticas para generar ideas al instante. Formas de grandeza, trabajo auténtico, significativo que resonará con tu público, hablarán de qué hacer cuando te atasques y descubras herramientas sencillas para iluminar completamente los bloques creativos. También discutiremos por qué y cuándo trabajar en imágenes serias y no individuales. A raíz de completar el curso, comprenderás cómo contar historias visuales significativas. Entrena tu mente para llegar fácilmente a conceptos. Nunca tendrás miedo de tener bloques creativos. Otra vez. Tendrás una hoja de ruta clara de ideas para tus futuros trabajos conceptuales. Y juntos generaremos un tema para una serie de obras para ustedes. Y por supuesto, también necesitarás a tus pares creativos de todo el mundo para poder participar plenamente en el curso, necesitarás, en primer lugar, computadora personal con cámara de acceso a Internet, cual eres cómodo con. Esto es recomendable pero opcional ya que no se te requerirá disparar mucho. Siguiente de dos a seis horas semanales para completar los ejercicios. Y lo que es muy importante es la autoconciencia intencional y la consideración. Y por supuesto, mucho entusiasmo y ganas de experimentar. Creo que la parte más valiosa de este curso es la práctica. Por eso quiero que en realidad te beneficies de todos los materiales que te di y pongas en práctica de inmediato. He preparado muchos ejercicios prácticos para ti. No obstante, entiendo que estamos todos se puede presionar por el tiempo y tener vidas ocupadas. Por eso no espero que disparen para cada tarea, pero al menos les dibuja cachés y explicaciones secas. Entonces sí, en este curso vamos a hablar mucho de crear magia, sorprender a la gente, y contar historias visuales. Sé que debe sonar muy interesante y emocionante, pero al mismo tiempo podría ser un poco intimidante también. Supongo que estás aquí porque quieres filmar imágenes que son similares a las mías. Pero déjame adivinar que podría haber dudas. De qué tengo no tengo el talento. Pero si no tengo las ideas, ¿y si mi vida es aburrida y no tengo una historia que contar, ¿Y si no sé contar historias? Y si no tengo los antecedentes adecuados para ponerlo en el modo correcto para este curso. Déjame decirte esto. Puedes disparar como yo o incluso mejor. No existe tal cosa como el talento especial. Se puede y ojalá le cuente las preocupaciones más profundas le mejores maneras. Podrás surgir tu creatividad a increíbles nuevos niveles altos, pero necesitas trabajar mucho para ello y el trabajo. Y en este curso y con esta comunidad, tienes un espacio muy seguro para hacer esto. 2. Módulo 1: la Pyramid de maestría: Antes de sumergirnos en la carne del curso y hablar pasado hotel con fotografía, déjame compartir con ustedes la pirámide de maestría. Aquí un par de mis reflexiones sobre cómo se puede llegar a la etapa de cuando se crea. Esas son historias fantásticas y significativas que todos queremos crear. Déjame compartir la pirámide maestra de sí, esto fue creado por mí y refleja mi punto de vista sobre recombinante gran fotógrafo o cualquier otro tipo de arte es. Por lo que puedes o estar de acuerdo o en desacuerdo con ello. Pero así es como lo digo. En primer lugar, hay que reconocer el interés en su área. Ya has encontrado tu arte visual, sea fotografía, videografía o cualquier otra forma. Pero ya tienes una profunda curiosidad por expresarte visualmente. Y luego viene la etapa de práctica. También puede llamarlo la etapa de creación. Cuando te interesa y tienes pequeño viento y tu área de interés, estás motivada para explorar más esta zona. Esta es la etapa en la que creas nuestro experimento de lote en descubrir, fallar , copiar, imitar, cirujano para ti y tu estilo y hacerlo todo de nuevo. En algún momento, tu arte visual comienza a ser claramente reconocible. Y esto es lo que yo llamo la etapa de estilo. En esta etapa, sabes mucho de tu oficio y ya puedes jugar con él. También obtienes un entendimiento sobre tus preferencias visuales, qué elementos visuales quieres o no quieres tener tus obras. Y solo después de eso, puedes crear esas imágenes significativas, esas impactantes obras maestras estaban deseando crear. Este es el nivel de donde algunos de nosotros nos quedamos atrapados porque la parte visual del estilista ahí, tiene el trabajo que creamos no trae el cumplimiento que queremos conseguir de ser fotógrafo en primer lugar. Lo que necesitaba, las etapas, los aprendizajes que experimentan, son realizaciones. Ellos resuelven los temas del pasado y los traumas superados, el autodesarrollo, si se quiere. Esas cosas nos ayudan a convertirnos en mejores artistas y a hacer que nuestro trabajo sea más profundo y auténtico. Y mientras estás haciendo todo ese trabajo en ti mismo, puedes crear esas imágenes significativas que estás aprendiendo a crear, esas impactantes obras maestras. Y esta es mi definición de maestría. Ser capaz de crear un trabajo profundo y significativo que resuene con otras personas y que impacta. Y por favor no se intimiden con la palabra Maestría. Creo que está disponible para todos nosotros. Y de nuevo, vienen en una variedad de formas y formas. Dos obras maestras no tienen que estar en las paredes del museo. Si ese no es tu objetivo. Simplemente pueden hacer la vida de otras personas más bella, cálida, emocional, cómoda. Pero lo más importante, serán una forma para que expreses tu yo único a la garganta. Y te harán un ser humano más feliz. Pero sólo si haces todo el trabajo, lo cual no será fácil. Pero el arte real no se supone que sea. Por eso se llama Art. Muchos de ustedes están en el nivel de querer algo en el nivel tres de este padre. Si estás en el fondo de esta escalera, solo debes saber que está bien estar ahí. Tan solo dese tiempo y déjese explorar al artista dentro de usted. Todo vendrá con el tiempo. Y mi esperanza es que la narración artificial te ayude con nosotros. 3. Módulo 1: ¿qué es la fotografía conceptual conceptual?: En esta lección, quiero decir unas palabras sobre qué es fotografía conceptual y cómo es diferente de otros tipos de fotografía. Seguro que has escuchado mucho el término fotografía conceptual. Todos entendemos de qué tipo de fotografía se trata este curso. No obstante, aún así, no hay una definición clara al mismo. Algunas personas lo llaman suma conceptual, suma finita, creativa, alguna onírica o cuento de hadas como tetra. Otros hablan la palabra cuentacuentos. No obstante, existen tres características básicas que diferencian este tipo de fotografía. Y son, en primer lugar, se escenifica la fotografía conceptual, lo que significa que seleccionas conscientemente los modelos, la ubicación apuntala para crear una imagen. Siempre enlace ascendente, ve y busca una escena en las calles. No captas momentos de la vida real. No es un documental ni de goma Taj. Con la fotografía conceptual, muchas veces imitas algún tipo de entorno que te ayuda a introducir algún concepto. Por lo tanto, al hablar de fotos conceptuales se estará hablando de diferentes elementos de una imagen como co-ubicación, luz, colores, un tetra. A continuación, la fotografía conceptual siempre tiene una idea o concepto detrás de ella. Esta es la y para la que se crea la fotografía. Por lo general hay un tema, un tema, o un problema que interesa profundamente al fotógrafo. Por eso él o ella quiere rodar esta imagen en particular. En ocasiones esta idea o tema se revela solo después de haber creado la imagen, pero siempre está ahí. No obstante. El siguiente fotografía conceptual está abierto a la interpretación. Y esa es la mejor parte de las fotos conceptuales. Son como novelas que serán interpretadas por el lector base en los antecedentes y la visión del mundo del lector. A veces la interpretación puede ser muy diferente de lo que el artista tenía en mente. Esto es lo que suele hacer que esas imágenes sean intrigante, entretenidas y provocadoras a la reflexión. Se pueden contar historias con cualquier tipo de fotografía, no sólo las verdaderas bellas artes. Puede ser fotografía de calle, de viaje, de retrato, de moda, o incluso de comida. En nuestras próximas lecciones, sin embargo, estaremos centrándonos principalmente en la fotografía conceptual. Si has intentado rodar una imagen conceptual antes. Haz este sencillo ejercicio, toma tu foto conceptual y muéstrala a tres de tus amigos. Pregúntales cuál es la escena, la imagen, ¿cuál es esta gira que aparece en sus mentes? ¿ Qué tipo de emociones sienten al interactuar con la caída del aire? Te sorprenderá lo diferentes que podrían ser las respuestas unas de otras y de lo que tenías en mente al crear tu trabajo. 4. Módulo 1: la importancia de ser un narrador de cuentos: No es coincidencia que en el mundo del arte contemporáneo actual, que incluye también la fotografía, galerías, curadores, marcas sean aserciones para fotógrafos que son capaces de contar grandes historias visuales. buenas cartas de narrador tienen una gran demanda. Echemos un vistazo más de cerca a por qué sucede eso. La narración visual se ha convertido en una especie de palabra de moda hoy. todavía hay mucha ambigüedad sobre qué es la narración visual y por qué es importante. El término es relativamente nuevo y no hay una definición generalmente aceptada al mismo. Ventajas de Wikipedia como muy simplemente una historia contada principalmente a través del uso de medios visuales. Sí, el término es nuevo pero la narración visual existió desde hace siglos. Desde que los humanos caminaron por primera vez sobre la tierra, han contado historias y las historias visuales llegaron mucho antes que las escritas y habladas. ¿ Recuerdas los dibujos de la cueva? Sí, estas fueron las primeras historias visuales. Aquí puedes ver las primeras pinturas rupestres del mundo en una cueva de Indonesia. Fue creado hace 35 mil años. Y por cierto, los textos se inventaron sólo 32 mil años después. Después de las historias animales Han, llegamos todo el camino a las artes visuales de hoy como la fotografía, los libros ilustrados, los cómics, los videojuegos, Instagram, Snapchat, Hollywood, las películas 3D, y la realidad virtual. Entonces, además de ser el primer medio de comunicación humana, ¿por qué es importante contar historias? ¿ Y por qué debería tenerlo como componente clave para reemitir? Aquí fuera mis seis razones principales. Y en primer lugar, una historia llama la atención y llevó a mantenerla. En el mundo actual cuando los humanos son enterrados y todo tipo de información visual captan su atención se vuelve crucial. Estatus muestran que el lapso de atención humana se ha vuelto menor que el de un pez dorado. Sólo piénsalo. hoy, son ocho segundos. Eso es todo un segundo menos que los nueve segundos de lapso de atención del pez dorado promedio. Y si quieres que se vea tu trabajo, necesitas idear algo que de inmediato capte la atención de tu público y lo sostenga. Y la historia es lo primero que le habla al espectador de la imagen. Nos mantiene interesados en lo que está pasando en el marco. Entonces podemos adivinar qué sucedió antes y qué pasará después de eso, qué se muestra en la imagen. Podemos llegar a toda una narrativa para el tema principal mientras vemos una foto. Por eso historiador 3x espectadores y los dibuja en una imagen. Segunda razón sería una historia hace que la gente recuerde tu idea. Sí, las historias se recuerdan mucho mejor que los hechos y por lo tanto se reproducen fácilmente y pasan más allá, nos olvidamos de nombres y rostros. Nos olvidamos de lo que aprendimos en álgebra de preparatoria. Bueno, porque era álgebra de secundaria. Pero una buena historia, queremos olvidarla. Esto ocurre en gran medida porque los turistas cogieron a nuestras emociones y cuando conectamos hechos con emociones, son recordados mejor. Alguna vez se preguntó por qué Coca-Cola y la vista del look contemporáneo para Santos. Y lo usa hasta el día de hoy en sus comerciales. Permítanme darles otro ejemplo. Y ambas fotos incluyen burocracia, sin embargo la foto de la izquierda sí tiene una historia. Podemos interpretar lo que está pasando y la imagen de múltiples maneras. Podemos pensar en lo que sucedió antes de que se tomara la imagen y lo que sucederá en el futuro definitivamente centraría movimiento lanzado que viene de la imagen. Al mismo tiempo. Cuando vemos la imagen de la izquierda, no sentimos que aquí se representan emociones sobre los hechos. Ahora, déjame preguntarte esto. ¿ Cuál de ellos recordarás mejor? Creo que la respuesta es clara. Y ahora la tercera razón como historia es impactante. Y como una imagen simple que solo da datos o hechos aleatorios como imagen narrativa inspira a las personas, les hace pensar y sentir. En otras palabras, puede tener un mayor impacto en el espectador. A menudo una historia hace que las personas cambien sus creencias, actitudes y opiniones. Sólo piénsalo. Una vez más. Puede cambiar las creencias, actitudes y opiniones de las personas. Grandes historias nos ayudan a ilustrar hechos y nos ayudan a entender mejor algún fenómeno. A través de esto, también pueden transformar fácilmente nuestro comportamiento y los hechos por sí solos no pueden. El tema, que es que captas, puede ser no sólo sobre ti. lo mejor quieres arrojar luz sobre una causa social o una injusticia, o simplemente hacer que la gente reconozca o tome conciencia de algunas cosas que pasan a su alrededor desapercibidas. En estas situaciones evocan en emociones fuertes a través de la narración de cuentos, fotografía puede hacer cambios sociales o obligar a las personas a actuar. Echemos un vistazo a esta foto de Tyler escudos como ejemplo. Esto es lo que dice sobre esta imagen. Belly requiere un nivel de dedicación que la mayoría de la gente no está dispuesta a dar. Hay algo sobre empujar más allá de ese punto donde la gente dice que estás loco y sabes que estás haciendo exactamente lo que estás destinado a hacer. El éxito no viene sin un trabajo arduo. Ahora piénsalo. ¿ Esas palabras o algunas estadísticas sobre dedicación de entros válidos te causarían la misma impresión que esta imagen. lo dudo mucho. Ahora la cuarta razón, te ayuda a destacar y trae éxito comercial. Ahora, volviendo a lo que empezamos, sí, despotricar, galerías, coleccionistas y compradores nefastos. E incluso, o tal vez espacialmente las parejas que buscan un fotógrafo de bodas enrutarán más para aquellos profesionales que puedan contar una historia sólida con nuestro trabajo. ¿ Por qué? Si bien seamos realistas, la fotografía sin contar cuentos es sólo una mercancía. Cualquier fotógrafo que sea técnicamente bueno, pero toma fotos de hechos justos. Y aquí se puede pensar en las selecciones de la tienda web, fotos de pasaporte, fotos de la escena del crimen pueden ser reemplazadas fácilmente por alguien más que haga el trabajo más rápido, más barato o mejor. Ahora bien, si me preguntas, ¿ puedes ser comercial exitoso sin aspecto narrativo esté presente en tus imágenes? Mi respuesta será sí, sobre todo cuando crees esas fotos de commodities como picks Webster, libros de aspecto, fotos de pasaporte, y en muchos fotógrafos que pueden obtener tomas técnicamente perfectas de cualquier cosa. Y la historia no es tan importante para ellos. Y no tienen que enviar a sus principales técnicos. Cómo sea cual sea la verdad de vivir es tal que los técnicos pueden ser fácilmente reemplazables. ¿ Por qué? Exactamente porque no son únicos. Cualquiera puede hacer lo que haga. Los narradores son diferentes. Es posible que te guste o no te guste el detalle de almacenamiento, pero definitivamente reconocerás sus imágenes y las recordarás. Ahora bien, si quieres poner tu trabajo en las paredes de la galería, historias contadas Naughton, imágenes individuales aleatorias. Pero en coherencia series de obras será lo que los curadores les pedirán. Galerías saben que para poder comprar, arte, los coleccionistas necesitan conectarse con eso. Tienen que entenderlo. Es por ello que he incluido todo un módulo sobre contar tus historias en serie. Y para el final de este curso, tendrás una brillante serie nueva a estrenar propia mapeada y lista para el rodaje. Razón número cinco, una historia te vincula con tu público. En la era digital, estamos más conectados que nunca. Sin embargo, muchos de nosotros nos sentimos desconectados. ¿ Por qué estamos todos los días en las redes sociales? Y lo que nuestro cirujano extranjero Google, una conexión humana y más experiencias contadas a través de historias. A menudo surge la conexión más fuerte cuando las historias de las personas que son similares a las suyas, Esas historias les ayudan a sentirse no solos. Por ejemplo, si Dane o Bill, que tuvieron un trauma profundo y una historia de año que reproduce su situación. Podrían entender que las cosas que les sucedieron también le han pasado a otras personas. Y si esas personas fueron capaces de superar las penurias que Jain y Bill también podrán hacer eso. Y es por ello que también las mejores fotos se basan en historias personales que son duramente caídas por el fotógrafo. Esta es una, se ha establecido una conexión profunda entre el espectador y un artista. Y esto nos lleva a una de las razones más importantes para contar una historia visual. Razón número seis, una historia significativa y sincera te permite encontrar filamento en tu trabajo. ¿ No es esto lo que todos estamos buscando en última instancia? Autorealización, que por definición es satisfacción o felicidad como resultado de que los alimentos desarrollen sus capacidades o carácter. Esta razón no se habla a menudo, pero siento que es tremendamente importante si estás comprometido con la fotografía o cualquier tipo de arte visual, no sólo como tu profesión, sino algo más llamado pasión, llamando camino de vida o algo más, tu trabajo sólo te traerá cumplimiento. Estás completamente alineado con las historias que cuentas. Yo creía profundamente en eso. Si no tienes miedo de adentrarte en tu interior, encuentra esas historias que dicen tu verdad y ten el valor de contárselas públicamente al mundo. Esas historias visuales son más impactantes, mayoría recordadas, y te dan la mayor satisfacción con lo que hace. Encontrar esas historias requiere trabajo. Podrás encontrarlos mirando hacia adentro y entendiéndote mejor. Esto incluye tus elecciones, motivaciones, tus valores, tus intereses por supuesto, estarán haciendo exactamente eso durante este curso, junto con ti, ¿la narración visual se limita a sólo la fotografía conceptual? Por supuesto que no. Entonces para el ejercicio de esta lección, les pido que encuentren tres ejemplos de fotos que no son conceptuales, pero que aún cuentan una historia. Pueden viajar donde fotos documentales, familiares o de comida. Depende de ti. Resuma la historia en una frase y sube tus imágenes con breves resúmenes de las historias que se les contaron a nuestro espacio de aprendizaje. En tanto, felicidades por terminar el primer módulo de aprendizaje de este curso. Ahora, lo que quiero que hagan es reflexionar sobre lo que acabo aprender y tratar de entender cuál fue su mayor comida para llevar de este módulo. Lo que quiero que hagas a continuación es que vayas a nuestra comunidad de Facebook y lo compartas con otros. Porque esta es la forma más efectiva que vas a aprender. En nuestro siguiente módulo, vamos a sumergirnos directamente en cinco reglas básicas de gran narración visual. No puedo esperar a compartirlas con ustedes hasta la próxima vez. 5. Module2: 5 reglas de gran narración visual: la regla 1 1: En este modelo, hay que hablar de cinco reglas básicas de gran narración visual. Yo he elegido estos cinco porque creo que se aplican a cualquier historia visual. Y en mi opinión de ellos, los más importantes. Esta lista no está limitada, por supuesto. Y si conoce alguna otra regla, por favor adelante y haga un grito. En nuestra comunidad de aprendizaje. Hay una serie de roles para la narración y la escritura, y también hay reglas para la narración visual. He intentado idear una combinación de las que puedes aplicar para hacer en las imágenes internas de la historia más prominentes y convincentes. Entonces, ¿cuáles son las cinco reglas básicas de crear grandes historias visuales? Y en primer lugar, grandes historias visuales apelan a nuestras emociones más profundas. Seguro que has experimentado una variedad de emociones para ti mismo al mirar una imagen en particular. Entonces vamos a cavar más profundamente en los chalecos. Los psicólogos generalmente coinciden en que hay seis emociones básicas. La ira, el asco, el miedo, la felicidad, la tristeza, y la sorpresa. Las mejores fotografías son aquellas que pueden evocar tus emociones más profundas. Eso puede hacernos emocionados de reír o llorar o sentir empatía por otra persona. Aquí es donde primero llegamos a la noción de autoconciencia, que básicamente significa conocerte a ti mismo y ser consciente de tus desencadenantes emocionales personales. Ser capaz de entenderse a sí mismo es crucial para contar historias impactantes. Cuanto más entiendas cómo o cuándo se tiran tus propias cuerdas emocionales, más apreciarás cómo funciona eso en otras personas. Y cuanto más puedas usar esas emociones en tus historias, picos son directos repite actor lo pone así. Lo que estás tratando de hacer cuando estás contando una historia es escribir sobre un evento en tu vida que te hizo sentir de alguna manera particular. Y lo que estás tratando de hacer cuando cuentas una historia es conseguir que el público tenga ese mismo sentimiento, necesitas conscientemente poder reconocer estas diversas emociones en ti mismo. Y piensa en el por qué, ¿por qué te sientes de cierta manera cuando estás mirando una imagen? O echa un vistazo más amplio y pregúntate, ¿por qué me siento así en esta situación de vida? ¿ Cómo podrías ser capaz de tomar el por qué detrás de tus emociones y contar una historia? Continuamente cuestionándose en cierto sello, sus propias reacciones emocionales a imágenes, situaciones de vida e historias contadas de diferentes maneras. Cuando haces eso, aprendes a contar historias más auténticas, tú mismo. Historias que en realidad pueden mover a la gente. El interesante parte de la fotografía es que puede ser emocional sin realmente mostrar cuando las expresiones emocionales en los rostros de las personas en una foto conceptual creativa, que la emoción a menudo se comunica a través del entorno, ubicación, paleta de colores, utilería, profundidad de campo. Tetra. Echa un vistazo a estas dos imágenes. En ambos, verás casas en el campo. No obstante, las emociones que obtienes al mirarlas son totalmente diferentes. Es más probable que la imagen de la izquierda evoque felicidad y alegría al mismo tiempo, la imagen de la derecha parece ser sombría y triste. ¿ Por qué estas imágenes son tan diferentes? Piénsalo. Yo diría que es el uso de colores claros, temporada, ubicación, y tal vez se pueda pensar en otra cosa también. caso afirmativo, por favor haga un grito en nuestra salud comunitaria en línea, la imagen de la izquierda está rodada en un día soleado de verano, casas rodeadas de hermosa vegetación. La casa en sí se ve muy preadolescente ordenada. Los colores están muy saturados, ¿verdad? Por el contrario, la imagen de la derecha utiliza una paleta de colores desvanecida. Ahí fue tomada en una nube y sombrío día de otoño. No hay hojas en los árboles y no viven en los bosques que lo rodean. Obviamente las casas abandonadas. Y te hace pensar en la soledad y hasta en la muerte. A lo mejor. Otro ejemplo es de la fotografía de alimentos. Quienes estos son dos metros de Donald's. No obstante, los sentimientos que recabamos de ellos son completamente diferentes y la imagen de la izquierda parece traer, tiene sentimientos de alegría, esperanza, y desgarro. Probablemente te pueda recordar una mañana en un día de primavera, es muy ligera y escribir la imagen de la derecha trae emociones positivas también, pero de un tipo diferente. Es Moody. Es probable que lo haga pensar en ello. Y noches oscuras de invierno, una taza de chocolate caliente y el par de calcetines de lana. ¿Está de acuerdo? ¿ Cómo se transmite la diferencia en la emoción? Y nuevamente, será a través de la paleta de colores, a través de avisos o iluminación y ubicación o fondo en este caso. Ahora echemos un vistazo a estas dos fotos. ¿ Qué tipo de emociones evocan cerca de la imagen de la derecha tiene todos los colores saturados brillantes y por lo tanto luce llorosa justicia la de la izquierda. No obstante, aquí hay un tono ligeramente diferente de una emoción. Y la emoción puede cambiar ya que miraremos la fotografía por un tiempo más largo y trataremos de entender los detalles. Sí, aquí hay un par de puntos muy ordinarios, pero también hay un detalle perturbador, una cadena entre ellos. Podría recordarle las esposas utilizadas por la policía. Y esta asociación puede traer otra ola de emociones. A mí. El imagen de la izquierda es un reflejo de la cultura pop con todos sus pros y contras. Además, este elemento de cadena puede hacerte pensar en las adicciones. La gente tiene adicción a los alimentos siendo uno de ellos. ¿ Estás de acuerdo ambas son fotos de comida, pero la de la derecha también es conceptual y tiene un elemento de sorpresa que de inmediato te llama la atención, hablará de elementos sorpresa en las futuras lecciones. Entonces para resumir, en historias visuales, las emociones se pueden transmitir a través de la luz en color, paleta, ubicaciones, o fondos, apoyos ¿Es eso? Por supuesto que no. Ahora, echemos un vistazo a estos dos retratos. En ambos podemos ver la bella cara de la famosa modelo de moda, Natalia la Danelaw. No obstante, el combustible que obtenemos de cada una de estas imágenes son profundamente diferentes. Tómate un minuto y compara las dos fotos. Te darás cuenta de que las fuertes emociones en el recibo de fila bipolar disparo de retrato, que vemos a la derecha, se muestran a través de luz, ubicación o ambientación, ropa o su ausencia. En este caso, maquillaje y peinado, arcos de la modelo, expresión en su rostro, la dirección de su mirada, el ángulo desde el que se ha tomado la foto. ¿ A esta lista le falta algo? Si tienes una sugerencia de lo que se puede agregar a esta lista, por favor, compártala en nuestra comunidad. Entonces ahora sabes por qué medio puedes agregar ciertas emociones a su retrato. Y qué detalles debes tener en cuenta cuando trataste de comunicar menos tus emociones a la UE. Ahora es el momento de practicar. Y nuestro primer ejercicio en este módulo de aprendizaje es entender las emociones en la fotografía. Lo que quiero que hagas es tomar las seis emociones básicas, la ira, el asco, el miedo, la felicidad, la tristeza, y la sorpresa, y encontrar una imagen que ilustre cada una de ellas. Por lo que seis imágenes. El imagen puede ser cualquier cosa, envoltura documental, dodge publicidad, foto de boda, lo que sea. Pero tiene que transmitir realmente una emoción. Señaló los elementos que comunican esa emoción al espectador. ¿ Es la paleta de colores es una dislocación? Es esa la expresión en la cara del sujeto, ¿verdad? Todos esos elementos junto a la imagen y sube tus seis imágenes a nuestro espacio de aprendizaje. En la siguiente lección, estaremos hablando de la regla número dos. Todas las grandes historias están claramente estructuradas. Qué es ahora. 6. Module2: 5 reglas de gran narración visual: la regla #2 2: Entonces la segunda regla básica de la gran narración visual es que las grandes historias tienen una estructura clara. Entonces, ¿cómo se ve esta estructura? Grandes historias visuales tienen, primer lugar, tu tema, el personaje. Aquí la pregunta principal que hay que preguntar es ¿quién? Entonces como establecer la situación, ese personaje es n. Y aquí respondemos las preguntas de cuándo y dónde, y luego narrativa, trama, ¿qué está pasando con el personaje? Idealmente, es algún tipo de transformación. Las preguntas que aquí hacemos son qué y por qué. Tu sujeto es un personaje con el que el espectador puede identificarse y colocarse en zapatos nuevos sujetos. Debe ser al menos alguien en quien el espectador estará emocionalmente invertido. Tu sujeto, tu héroe, l, personaje protagonista debe ser notable y significativo dentro de toda la escena o marco. Hay una serie de formas de hacerlo, ya sea por enfoque y profundidad de campo, por composición, líneas principales, subarmazón, o por recorte. Y tu imagen estará volviendo a esas y explorándolas más de cerca en los siguientes módulos, tu configuración es la ubicación donde tomas la foto. Depende de ti cuánto quieres mostrar en la imagen. Pero cuanto más muestres la ubicación, más información das sobre el personaje y la situación que él o ella es. Y tal vez por eso rara vez tomo primeros planos permitiendo la ubicación. Seguro que voy a ser parte de la historia. Siguiente narrativa. El narrativo, el histórico real, se puede mostrar en forma de movimiento. Tanto ropa, utilería, maquillaje y peinado, otros detalles que están presentes en tu imagen. Todo esto le dará a tu espectador más información sobre el personaje y lo que está pasando con el personaje. Tu sujeto diciendo y narrativa es básicamente tu dispara un DEM. Cómo se cuenta la historia, escribe esta información que el espectador entiende o se le ocurre su idea para dos cosas importantes. De qué se trata la historia, eso significa lo que realmente se puede ver sucediendo en la imagen. Y entonces el siguiente es de lo que se trata realmente la historia. El concepto, la idea detrás de la gráfica, el pensamiento que un fotógrafo está tratando de comunicarse a través de la imagen. Permítanme darles un ejemplo de mis obras. Entonces el personaje en la historia es una niña o una mujer. Está sentada sola en la orilla del mar. El setter aquí es mar abierto, que es común, tranquilo, básicamente clima perfecto para un viaje por mar. El ambiente es una especie de estado de ánimo en sombrío debido al tono frío de la foto, la narrativa. Está sentada en la bodega de terraplén en una jaula con un barco de papel dentro del mirando al mar tranquilo. Entonces, ¿de qué se trata esta historia? manera muy clara, se trata de una chica que tiene un bote de papel y una jaula. ¿ De qué se trata realmente la historia? Aquí viene la parte interesante, la interpretación. ¿ Por qué es esto interesante? Porque en la narración conceptual, la fotografía, la historia puede interpretarse de varias maneras diferentes, de múltiples maneras. En realidad, a menudo la fotografía conceptual utiliza símbolos que también pueden tener diferentes significados y en diferentes situaciones volverán a los símbolos y hablarán más sobre ellos en los siguientes módulos. Aquí está mi interpretación de la historia. Es una historia sobre retenerte, sobre NO aligerar tus sueños hechos realidad sobre mantenerte seguro en la jaula. Por lo que el barco de papel representa un sueño y la niña no quiere dejarlo flotar en las aguas del mar, pesar de que sean estafadores. No obstante, esta historia puede interpretarse de múltiples maneras diferentes. ¿ Y cuál sería tu respuesta a la pregunta? ¿ De qué se trata realmente la historia? De verdad me encantaría saber. Por lo que por favor comparta su toma en nuestra comunidad en línea. El ejercicio de esta lección es sobre entender la estructura de la historia en una foto. Entonces lo que quiero que hagan es encontrar tres fotos en planta de libra de telecomunicaciones europeas trató ver la estructura de la historia visual y escribirla. Por lo que es necesario contestar las preguntas. ¿ Quién es el personaje y cómo es él o ella? ¿ Cuál es el escenario de la historia, cuándo y dónde está sucediendo? ¿ Qué hace el personaje? ¿ Qué le está pasando a él o a ella? Y cómo entonces watts, se trata la historia. Y el grande era el sari, de verdad se trata. Quiero que subas las tres imágenes con nodos a nuestro espacio de aprendizaje. 7. Module2: 5 reglas de gran narración visual: la regla #3 3: Seguimos hablando de las cinco reglas básicas de la gran narración visual. Y en esta lección estaremos discutiendo la regla número tres, que va así. Grandes historias tienen un propósito claro. Aquí las principales preguntas a responder son, ¿por qué debes contar esta historia en particular a continuación, cuál es la creencia ardiendo dentro de ti de que esta historia se alimenta? Tercero Vonn, ¿a qué propósito mayor sirve esto? ¿ Qué enseña? Cuando tengas un propósito real para la historia talionis, tu historia tendrá un impacto mayor en el mundo. La integridad con lo que creas es clave. Creo profundamente que si no entiendes por qué creas lo que creas, ¿ por qué esas imágenes no deberían ser importantes para ti? Tus historias no serán tan poderosas y aún más, no podrás sostenerte Fotografía y artística real a largo plazo. No obstante, si sí le asignas algún tipo de significado a tu trabajo, tienes razón para seguir anon con ello continuando haciendo un impacto? ¿ Cómo encuentras ese significado? Preguntarás, mi breve respuesta es, mientras miras hacia adentro y te comprenderás mejor, tus elecciones, tus motivaciones, valores, y tus intereses por supuesto, estarán haciendo exactamente eso durante este curso juntos contigo, puede tu imagen un batallón, una historia sin que sepas qué tipo de historia es esa y por qué tu pueblo lo, la respuesta es sí. De hecho, algunos artistas visuales, incluyéndome a mí, empiezan de esta manera. Obtienen un deseo ardiente de crear una historia, pero no piensan conscientemente las emociones que tendrán sus televidentes al mirar muy limitadas. A lo mejor estarás muy familiarizado con esto también. ¿ Conoces la sensación cuando simplemente vierte tus emociones en tu obra sin pensar en ninguna razón en particular por la que lo haces. Cuál es el impacto de tu trabajo será si no estás en la cabeza en este momento, saber que no estás solo. Y hay espacio para que este tipo de creación, de hecho, sea enormemente importante, sobre todo en el comienzo mismo de tu viaje artístico. No obstante, cuando maduras como artista, tu alma anhela asignar un significado más profundo a una imagen aleatoria. Se puede llegar a un significado para visual, lo siento, incluso después de que se haya creado pensando en lo que fue influyente Nueva York leyó Ed hablará más sobre cómo hacerlo en las lecciones comunes del curso. Ahora, fuera a la regla número cuatro, las grandes historias son simples y enfocadas. 8. Module2: 5 reglas de gran narración visual: la regla #4 4 4: Seguimos hablando de las cinco reglas básicas de la gran narración visual. Y en esta lección estaremos discutiendo el rollo número cuatro, que va así. Grandes historias son simples y enfocadas. No te pierdas en los detalles. Hazlo notar cuando la gente cuenta historias que parecen divagar para siempre y nunca conducen a nada aburrido al infierno fuera de quien esté escuchando. Una historia visual es la misma, si no peor, demasiados detalles y pierdes la atención de tus espectadores. La gente está ocupada y expuesta a demasiada información hoy en día. Delta, donde enfocar bien y despejar la estructura de tu imagen, tu composición es clave para esto como buenos fotógrafos ahora, y la forma en que arreglas las las cosas en tu marco puede hablar volúmenes por sí misma. Te daré un par de ejemplos rápidos aquí. Por ejemplo, eliminar detalles innecesarios y agregar un espacio negativo a tu imagen ayudará al espectador a enfocarse más en tu tema y menos en todo lo demás, incluidas otras imágenes. Comparemos estas dos imágenes. ¿ Cuál de ellos es probable que recuerde? Apuesto a que es la imagen de la izquierda quien trabaja por Rodney Smith, uno de mis fotógrafos favoritos. ¿ Y por qué crees que lo recordarás mejor? Bueno, porque está enfocado y carece de millones de detalles innecesarios. Y al mismo tiempo la imagen de la derecha se desborda de información, demasiados colores, demasiados accesorios. Se te ocurre la idea. 9. Module2: 2: 5 reglas de gran narración visual: la regla 5 5 de la clase: Y la última pero no la menor de nuestras reglas es la regla número cinco. Grandes historias son sorprendentes e inesperadas. Sí, el elemento de sorpresa es un arma secreta de narrador visual, o tal vez ni siquiera ese secreto. ¿ Por qué ya mencionó en las lecciones anteriores que con increíble cantidad de información visual vertiendo sobre nuestros televidentes del mundo real, internet, vallas publicitarias, revistas, tetra, El mayor reto que se convierte en agarrar su atención. Lo que hace que las historias visuales sean convincentes es cuando nuestras percepciones de la realidad son desafiadas o cambiadas de alguna manera. La gente no ha cambiado mucho desde la forma moderna de contar historias que nacemos. La mayoría sigue esperando ser conmocionado, mistificado, y sorprendido cuando esperamos que algún objeto de la foto se vea de una manera, pero se ve completamente diferente. La vida misma se siente más interesante porque llegamos a experimentar un estado de todos. Eso está bien como unas imágenes reales atraen enormemente a más espectadores. Tienen un elemento de sorpresa. Muchos grandes asuntos fotógrafos, empezando por no grabados cada uno fueron influenciados por el surrealismo, aunque el trabajo no contiene ningún objeto levitado son escenas surrealistas. Para entender cómo puedes usar la sorpresa, podemos empezar con la simple definición. El elemento de sorpresa se describe mejor como su corriente de cualquier cosa en tu historia visual la cual es considerada por el lector como inesperada. Hay muchas maneras de lograr esto. Vamos a profundizar en los trucos de magia y aprender sobre el elemento exacto de sorpresa que uso en mis imágenes cuando estaremos hablando los elementos de una imagen en las siguientes lecciones. Ahora, veamos un par de ejemplos. Ambas fotos tienen grupos de chicas hermosas en ellas, pero una de las fotos será más memorable que la otra. ¿ Por qué? El foto de la derecha es obra de Michael Dell, come, fotógrafo de moda de la ex Checoslovaquia. ¿ Cómo llama la atención? Es entonces composición habitual, falta de detalles innecesarios y pose verdaderamente inusual de los modelos. Nos hace preguntarnos por qué este tendón de esta manera, ¿qué va a pasar ahora? Ahora, ya conoces todas las cinco reglas clave para contar grandes historias visuales. Y son grandes historias apelan a nuestras emociones más profundas. Segundo, las grandes historias tienen una estructura clara. En tercer lugar, las grandes historias tienen un propósito claro. Las historias de cuarto grado son sencillas y enfocadas, y las historias de quinto grado son sorprendentes e inesperadas. Ahora bien, entender las características son geniales. La narración visual es importante, pero no significa que tengas que empezar la codicia y las imágenes significativas desde el principio. Se necesita mucho tiempo y práctica y mucho pensar también. Por el momento, has estado creando fotos solo por el bien de su estética, no hay nada de malo en ello. De hecho, llevo haciendo eso al menos cinco años antes de sentir la necesidad de profundizar. No obstante, si quieres expresarte plenamente e impactar a tu público, una buena historia es crucial. Ahora es el momento de hacer ejercicio. Para este, quiero que filmes imágenes que evoquen emociones en el espectador, pero hazlo sin un ser humano presente en ellas. Toma dos emociones básicas, felicidad, tristeza. Piensa en cómo puedes crear un inventario que tocará a tu espectador. ¿ Qué colores te vienen a la mente cuando piensas en la felicidad? ¿ Qué tipo de luz te viene a la mente al pensar en la tristeza? Piensa en qué elementos te ayudan a introducir la emoción en tu imagen y ponerlos abajo después de crear una foto real. En consecuencia, se necesita tener al menos una promoción de imagen, una para la felicidad y la tristeza. No tienen que ser técnicamente perfectos. Eso pueden ser picos telefónicos, aun cuando el objetivo principal es transmitir la emoción para esta tarea, subir nuestras imágenes en nuestro espacio de aprendizaje. Enhorabuena. Ahora ya has terminado el segundo módulo de nuestro curso y ahora sabes todo sobre las cinco reglas básicas de la gran narración visual. Cual es tu favorita y la que empezarás a implementar hoy en tus trabajos. Adelante y rasgar esto en nuestra comunidad de Facebook. Ahora, la próxima semana estaremos discutiendo peinar tus remedios y aprendiendo qué otros elementos de una imagen al lado de la sorpresa de la que acabamos de hablar, debes tener en cuenta a la hora de contar tu historia visual hasta la próxima vez. 10. Módulo 3: por qué el estilo?: Ahora que ya sabes lo que es una gran búsqueda visual y ser como, echemos un vistazo más de cerca a cómo se puede crear. En este módulo de aprendizaje, hay que hablar de este azulejo de una sesión de fotos y sonó. Y vamos a hablar de cada elemento de una imagen con más detalle. Si has intentado fotografiar retratos escénicos antes, probablemente te diste cuenta de que no es nada como simplemente agarrar nuevo, Cameron, dirígete a las calles en busca de escenas de la vida real. Contando una historia de la manera que quieras contar. Demanda mucha planeación y preparación. Y de hecho, es cierto no sólo para la fotografía conceptual. Siempre que esté haciendo un producto de boda de recién nacido familiar o el interior debe, tiene que ser cuidadosamente planeado y preparado. También incluye comprender el estilo de tu futuro estilo de disparo y se relaciona con tu habilidad para organizar y escena estéticamente agradable. El estilo juega un papel importante en contar tu historia. Cuando se trata de estilo en una sesión de fotos, eso puede significar todo, desde el armario, los accesorios, medio ambiente, el telón de fondo, e incluso hasta las uñas. No todas las fotos deben tener el presupuesto para contratar a un estilista. Por supuesto, cuando trabajo en mi proyecto de arte personal, usualmente se lo digo yo mismo. Los brotes de clientes más grandes se suelen hacer con un estilista profesional como parte del equipo. Tenía por mi experiencia, más a menudo que no, vas a tener que aprender lo básico que implica el estilo. Una sesión de fotos. El estilo suele consistir en varios elementos básicos. Yo los llamo elementos de una imagen. Y incluyen, en primer lugar, modelo si trabajas con personas, por supuesto, ubicación, siguiente y estudiosos, maquillaje ligero y cabello, accesorios, vestuario, y el elemento de sorpresa. ¿ Se te ocurre algo más? Déjame ahora, en nuestra comunidad online, lo clave a entender aquí sobre estos elementos es que al final, funcionan como elementos de un rompecabezas luego en partido para que tu historia visual sea contada de manera cohesiva y coherente antes de que podamos toma cualquier decisión de estilo, tienes que saber qué mensaje se siente que quieres expresar con las fotos que estás tratando de contar una historia. Por lo que cada elemento dentro del conjunto debe seguir efectivamente esa historia y ser cohesivo. Hay demasiados aspectos variables en la foto. Puede menoscabar a Massey y falló en captar la atención de tus espectadores. El más mínimo detalle puede hacer que todas las diferentes naranjas neuronales. La diferencia entre una fotografía olvidable y imagen de elastina puede descender a las opciones de ropa. Entonces hablemos de cada elemento con más detalle. 11. Moduél3: elementos de imagen: En esta breve lección, hablaremos del personaje principal de tu historia, de tu modelo, la persona que se ha asociado, tomando, sé que muchos de ustedes deben autorretratos todos funcionan con clientes. Estos puntos también serán válidos aquí. Entonces no te distraigas con la palabra mortal. Si nunca has trabajado con uno. Estos puntos en realidad pueden referirse a cualquier tema. Por lo que si estás trabajando con animales o productos, también podrías encontrarlos útiles. Hay muchas formas de agregar narrativa visual a cómo aparece tu modelo en tu foto. Discutiremos varios de ellos. Entonces, ¿cómo puedes agregar visualmente narrativa a tu tema? A lo mejor lo primero que viene a la mente está enfocado en tu acuerdo sobre el personaje principal de tu historia. Al mismo tiempo, las cosas que son menos importantes serán más borrosas o desenfocadas. Esto sólo será cierto si creas una profundidad de campo poco profunda. Entonces toma eso en concentración a la hora de crear tu imagen. La siguiente forma de agregar narrativa a tu tema es componer tu tiro, la ola que llamará la atención de tus espectadores hacia tu modelo. No quiere decir que tu modelo tenga que estar siempre en el centro de tu imagen. Por lo que puedes aplicar varias reglas de composición aquí. A continuación, podemos jugar con profundidad de campo. Cuanto más superficial sea, menos importante es el fondo para tu historia. Y cuanto más quieras que tu espectador Tensión D-pad a tu personaje principal. Echemos un vistazo a estas dos imágenes y tratamos de contestar la pregunta, ¿de quién es la historia? El imagen de la izquierda por Tim Walker definitivamente cuenta la historia de tres personas. Todos ellos están enfocados, sus cuerpos llenando el marco de la imagen y la toma está compuesta para que sean igualmente importantes para el espectador. En cuanto a la imagen de la derecha, el retrato de Jean-Paul Sartre por razón no grabada. Claramente se trata de una sola persona. Hay otro hombre en la imagen, pero está recortado y no le vemos la cara. Y su cara no es importante aquí. Se utiliza como medio para dirigir nuestra atención al personaje principal del retrato. El fondo borroso no es importante por sí mismo aunque. Sin duda se suma a todo el ambiente de la foto. Es propósito primordial sin embargo, es sumar a la narrativa sobre el tema del retrato. También puedes usar el cultivo como forma de la historia de Danny. Cuando tus imágenes recortadas herméticamente alrededor de tus modelos mirando cuerpo, significa que el resto no es tan importante. Y no se quiere agregar ninguna narrativa a través de la elección de ubicación, por ejemplo, porque simplemente es uno ser visto. El siguiente modo de agregar una narrativa al sujeto es la apariencia. Esta es una amplia, porque incluye rasgos faciales, altura, tipo de cuerpo, longitud del cabello, y color, y por supuesto cierra y maquillaje. Hablaremos de esos un poco más adelante. También puedes agregar narrativa a visual, perdón por los arcos de tu personaje principal y tenerla en cuenta a la hora de dirigir tu modelo en ubicación. Aquí hay otro ejemplo a retrato de dilución monóculo. La persona es la misma, sin embargo las historias contadas por las fotos son completamente diferentes, ¿verdad? La imagen de la derecha parece mucho más íntima y tecnológica, sobre todo porque está tan cerca, se ha recortado todo lo poco importante. A la imagen de la izquierda se nos da mucha más información sobre Mónica. Imagen pública instalada a través del peinado de vestir Bose y otros detalles. Pero esta foto no dice nada de cómo se siente. Entonces teniendo todo en cuenta, ¿cómo seleccionamos un modelo para nuestra futura sesión de fotos? Te sugiero hacerte una pregunta. ¿ Necesitaba un personaje protagonista o un prop? Y esto es lo que quiero decir con eso. Cuando pienso a través de mi futura sesión de fotos, me pregunto, ¿necesito mi modelo para poder expresar alguna emoción? ¿ O necesito que ella simplemente esté ahí como utilería? Causa? Hay dos tipos de tomas que hago, primeros planos y especie de retratos ambientales. Uno, mi modelo se mezcla con el entorno, fondo o la situación. Entonces si necesito un modelo de prop de lo que sólo me importaría la forma de su cuerpo y su longitud y color de pelo y qué debería en donde por supuesto, cuando estoy plan y un cerca arriba, soy más quisquilloso con la elección del modelo, causa en este caso el modal tendrá que poder actuar un poco, si no mucho. Y estoy seguro que sabes, que ninguna persona puede tirar fácilmente de una emoción frente a una cámara. También me encantaron los modelos conocidos tienen rasgos faciales interesantes y preferentemente los bienes pueden. En este caso, sin duda haré una sesión de prueba y veré qué es capaz de hacer mi modelo frente a una cámara. Ahora ya sabes cómo puedes agregar narrativa visual a tu personaje principal. Puedes hacerlo por plano con enfoque, composición, profundidad de campo, agarrar, apariencia, y pose de tus modelos. En la siguiente lección, estaremos hablando de la ubicación de tu sesión de fotos. 12. Moduera3: elementos de imagen: locación: En esta lección, vamos a hablar de ubicaciones para unas futuras historias visuales. Te compartiré algunos consejos y trucos sobre cómo encuentro mis ubicaciones. Y hablaremos de qué prestar atención cuando organices tus naves de bomberos. Ubicaciones donde tomarás tu imagen. Puede ser en interiores y exteriores. Ocasiones de orina rebasamiento puede ser en cualquier lugar. Puede ser tu habitación en patio trasero, Puede ser calles, sitios de construcción, puentes, cualquier cosa. En el ochenta y cinco por ciento de los casos, no necesitas un estudio de lujo ni un hermoso castillo para crear una imagen que cuente una interesante historia visual. A pesar de que puede ayudar, por supuesto, aserción para cationes se llama locaciones cowering. Lo hago muy a menudo. Lo que hago es simplemente caminar por las áreas de mi CD y tomar fotos de edificios interesantes, muros, puentes, árboles, etcétera. Si haces lo mismo, te recomiendo crear una carpeta en tu teléfono o computadora donde puedas almacenar todas esas ubicaciones para que cada vez que tengamos una idea o una solicitud de un cliente, solo puedes ir a esa carpeta y escoger el ubicación que calienta el estado de ánimo o el color del rodaje. La ubicación será una gran parte de tu historia visual, dependiendo de cuánto de ella quieras mostrar en tu imagen, establecerá el estado de ánimo básico y el ambiente de tu fotografía. Comparemos estas dos imágenes, por ejemplo. Y el de la izquierda es más romántico y tierno. El de la derecha es más futurista, surrealista, y una especie de duro. El ambiente tanto en la mitosis creada por la ubicación. En primer lugar, otros elementos se suman a la sensación de que la ubicación establece desde el principio, ubicación siempre determinará el estilo y el color de tu futura sesión fotográfica. Entonces si ese es el punto de partida, la misma imagen, debes tenerlo en cuenta a la hora de pensar a través de los colores, vestuario y las indicaciones para tu sesión. Si ese no es el punto de partida, entonces debería coincidir con tu ID y estilo. Déjame darte un par de consejos útiles sobre cómo elegir la ubicación adecuada para tu sesión de fotos. En primer lugar, cuando encuentres una nueva ubicación que te inspire, piensa en lo que tu personaje puede hacer en este espacio, cómo él o ella puede interactuar con él. Si llegas a encontrar respuestas a esta pregunta, ya tendrás la mitad de tu historia lista a continuación. hora de elegir una ubicación, debes pensar, si eres utilería, modelos, y vestuario sobrevivirán en ella. Por ejemplo, si tus avisos un hecho de papel, pueden ser fácilmente volados por el viento o arruinados por la lluvia. Entonces si eres como yo, vive en la zona donde es probable que llueva en cualquier momento del año, es más seguro disparar con indicaciones de papel en interiores. Otra cosa a tomar en consideración es la ubicación, la accesibilidad. Podremos disparar sus en cualquier momento. Cuál es el mejor momento para disparar a su luz sabia y a la multitud sabia, porque si está demasiado lleno, el proceso de tiro se vuelve mucho, mucho más difícil. El lugar de Leiden es muy importante porque esta será la luz que verás a tu imagen. Entonces digamos que quieres disparar con luz natural ambiental y eliges una ubicación interior. Y digamos que eres ocasión es un espacio público con mucha luz eléctrica amarilla de ópera. En este caso, ayuda saber si se pueden apagar, de lo contrario, la luz eléctrica podría arruinar tu imagen naturalmente iluminada. Entonces cuando eliges tu ocasionalmente, es bueno venir ahí con una cámara y hacer una sesión de prueba con un amigo o incluso con solo tu bolso para que sepas exactamente dónde se colocará tu modelo y dónde estarás de pie. Te ahorrará mucho tiempo durante la sesión de fotos en sí. Y tu modelo no tendrá que esperar hasta que encuentres el lugar perfecto. Además, conoces mejor el espacio y podría ayudarte a evitar sorpresas desagradables como puertas cerradas, luz solar directa donde no lo necesitas, etc. Ahora ya sabes a qué prestar atención cuando eliges un lugar para un futura sesión de fotos. Y en la siguiente lección, hablaremos de un elemento de imagen enormemente importante y profundamente amado por mí, que es el color. 13. Moduél3: elementos de imagen: color: En esta breve lección, estaremos discutiendo los colores de tu futura sesión fotográfica y cómo podrían influir en tu historia visual. Los colores que utilizan en el rodaje son elemento inmensamente importante que a veces se pasa por alto por los fotógrafos principiantes de todas las formas de colores de comunicación no verbal, el método más instantáneo de transmitir mensajes y significados. Piénsalo antes de que los humanos aprendan a apreciar la estética del color, había aspecto mucho más práctico de comunicarse con el color. A menudo, nuestra propia supervivencia depende de su capacidad para identificar los objetos necesarios y las señales Warren, ya sean animales, vegetales o minerales. Y el cólera juega un papel vital en el proceso de identificación. Colores, compañeros de equipo en el trabajo sinérgicamente con todos los sentidos. Simboliza conceptos y pensamientos abstractos, no expresaba fantasía ni deseo cumplimiento. También puede ayudarte a recordar otro momento o lugar y produce una respuesta estética altamente emocional. Lo interesante es que gran parte de la reacción humana al color es subliminal y los espectadores generalmente desconocen los efectos del color sobre ellos. No obstante, nosotros, como Creadores, debemos estar conscientes de los efectos, los colores que elegimos para nuestras historias visuales, produciendo a nuestro público. Entonces, ¿cómo pueden los colores ayudarnos a contar nuestras historias visuales? En primer lugar, el color puede ayudarte a enfatizar los detalles. Por ejemplo, cuando usas colores contrastantes para llamar tu atención sobre una persona u objeto. A continuación, los colores también pueden crear un estado de ánimo o una atmósfera, echará un vistazo a un par de ejemplos en los pocos segundos. Además, los colores pueden fortalecer tu composición. Veamos qué tipo de colores narrativos pueden agregar a la toma. Y en primer lugar, los colores tienen el estado de ánimo general de la imagen. Hay muchas teorías e ideas sobre cómo afecta el color la composición de Moon y por lo tanto las fotografías al nivel más básico, el color se puede separar en dos categorías muy generales. Fresco y cálido. Los colores fríos son los del azul, verde, y del espectro. Estos colores invocan sentimientos de tranquilidad, paz y calma. En el otro extremo del espectro están los rojos y amarillos o colores cálidos. Estos colores son más atrayentes. Invocan sentimientos de felicidad, optimismo y emoción. Dependiendo del contexto, también pueden hacer que un espectador se sienta enojado, irritado o incluso hambriento. Alguna vez se preguntó por qué tantos logotipos de comida rápida son rojos o amarillos. El color es una poderosa herramienta a la hora de agregar cierto estado de ánimo a tu imagen. ánimo generalmente se agrega mediante el uso de colores claros u oscuros. Los colores oscuros se utilizan a menudo para crear un efecto más dramático y colores más brillantes para una sensación más clara y feliz. Compara estas dos fotos, supervisor bipolar y Tim Walker. ¿ Qué tipo de estado de ánimo se obtiene al mirar a cada uno de ellos? Los colores saturados de pernos hacen que tu foto sea más emocional, poco dramática. Hacen un llamado a la acción. Es por ello que los colores saturados se usan con tanta frecuencia en la moda y anuncian la fotografía cuando usas colores descoloridos con bajo contraste, agrega una sensación más onírica. Colores apagados, megafauna o menos dramática pero más misteriosa e intrigante. En ocasiones el cólera también juega su papel en la composición. Cuencos colores saturados como el rojo o el naranja pueden agarrar esa tensión del espectador, por ejemplo, y ponerla en la dirección correcta. Echa un vistazo a esto emitido por Tim Walker. ¿ Qué es lo primero que te llama la atención? Sí. Es la oscuridad saturada para aceptar el estrés de la herida, que contrasta con casi incoloro quien sombreó el ambiente. Además, los colores pueden poner visualmente sujetos y objetos en tu imagen hacia atrás o llevarlos al frente. Por lo general, todos los colores fríos como el azul o morado hicieron que las cosas parecieran como si estuvieran más lejos de ti. Los colores cálidos como el naranja y el rojo acercarán a tu sujeto al espectador. Acabas de aprender sobre el siguiente elemento de una imagen, los colores. Ahora ya sabes cómo los colores pueden influir en nuestros estados de ánimo, dirigir nuestro ascenso y ayudarnos a componer nuestras historias visuales. En la siguiente lección de este módulo, hablaremos del elemento enormemente importante de una imagen, que es ligera. 14. Módulo 3: luz: El siguiente elemento importante de imagen del que quiero hablar es la luz. Este es crucial. Después de todo, a la fotografía se le llama pintura con luz. A pesar de que, debo admitir que tendía a pasarlo por alto por mucho tiempo simplemente porque he elegido mi ficha de Años Ligeros y estoy muy cómoda con ella. Muchos fotógrafos dedican toda su vida a estudiar en tipos de luz y cómo afectan el estado de ánimo, movimiento y la atmósfera general de una imagen. Se han escrito libros sobre este tema. En esta lección, no profundizaremos demasiado en las partes técnicas y entenderemos la luz. Mi objetivo aquí es hacerte consciente de cómo la luz que debe con puede cambiar la impresión de tu historia visual sobre el espectador. Y cómo puede o bien ayudarte a desplegar tu narrativa o traer toda la idea que estabas tratando de transmitir. La luz tiene Bower extra ordinario para crear emociones, intifada, todas las diferentes cualidades de luz, como brillo, contraste, dirección, temperatura, etcétera, todos llevan sus propias emociones. Y foto oscura retroiluminada con alto contraste envía un mensaje muy diferente de un bosque luminoso y aireado al amanecer. Y en fotografía, tu luz para complementar tu tema. Si estás tratando de fotografiar y cascada intensa y dramática, tu luz debería contribuir a esa herida, no distraer de lo que estás tratando de decir. Lo mismo es cierto si estás fotografiando un hábito divertido retrato la luz en el reflejo esas emociones personalmente, prefiero trabajar con luz natural. He tratado de trabajar en este 2D o muchas veces él apenas había encontrado que puedo conseguir el modo exacto que quiero transmitir en mis historias con iluminación de estudio puede ser diferente y eso está totalmente bien. Algo que quiero abordar aquí sin embargo, es que si eres como yo y no tienes ninguna educación formal en fotografía, que podría estar bajo la impresión de que tienes que saber trabajar con luces de estudio para convertirte en un verdadero fotógrafo. Y eso no es totalmente cierto. Esta fue una de las creencias limitantes que tuve, una empezando. Lo que no sabía es que la luz natural sigue siendo considerada como la mejor luz posible. No obstante, ya que es muy difícil burlarse y controlar a menudo para los fotógrafos, por eso utilizan todo tipo de equipo de iluminación y modificadores para imitar esa luz de la manera correcta. Hay muchas ventajas en el trabajo en un estudio. En primer lugar siendo que puedes trabajar en cualquier momento por el tiempo que quieras. Nunca depende de las condiciones climáticas, hora del día, etcétera, hasta que prefiero perseguir el sol y las nubes y trabajar con luz natural de la manera difícil. Pero de nuevo, eso sólo significa, echemos un vistazo al impacto emocional único que llevan las diferentes profundidades de luz. Si bien algunas partes de esto son subjetivas, otras son casi universales. Sospecho que reconocerás muchos de estos temas en tu propio trabajo. Uno de los tipos de luz de campo más emocionales es la iluminación oscura, intensa con muchas sombras. Esto funciona bien para todo tipo de fotografía. Retratos malhumorados, paisajes poderosos, y sombrío trabajo documental. Fotos conceptuales también. La luz oscura es popular en todo el tablero con una buena razón. Sencillamente, es único. La luz oscura oculta información de los espectadores, haciendo que una fotografía parezca misteriosa y dependiendo del tema, potencialmente omnibus o hallazgo, ve a hombres y fotógrafos de productos capturados imágenes oscuras para publicidad de gama alta. Ya que, de nuevo, en hace tan buen trabajo de transmitir emociones. Entonces las emociones que la oscuridad, luz te pueden ayudar a transmitir nuestro poderoso, omnívoro, refinado, intenso verano, el obvio contrapunto, luz brillante lleva su propio conjunto de movimientos importantes. Diga que desea capturar fotografía de área térmica. Preferirías tomar fotos bajo una tormenta dramática o un Durant brillante Hazel al final de la tarde del sol. Y esta no debería ser una pregunta dura que la luz solar de la tarde le dará a tu foto un área o calidad mucho más suave. Lo mismo es cierto en otros casos. Por ejemplo, tal vez quieras capturar sucedió imagen optimista. Si ese es tu objetivo, probablemente no salgas y busques de rincones callejeros de la noche. Simplemente no se ajustarán al estado de ánimo que intentas meterte en tu foto. Si bien una escena más brillante podría, sin embargo, tener en cuenta que siempre hay excepciones a la regla. A pesar de que la luz correcta es bastante común, aún vale la pena sobresalir. En muchos casos, si estás tras cierta inmersión de herida como optimista de área, luz brillante será lo que estás buscando. Estas son las principales emociones que se pueden transmitir mediante el uso de luz brillante en tus imágenes. Y son optimistas, de luz aireada. Daniel Carroll, el siguiente tipo de luz es de alto contraste. Muchas buenas fotos hacen uso de iluminación de alto contraste. Polvo, las regiones extremadamente brillantes y oscuras de la imagen justo al lado del otro. Si tienes una Montaña Oscura siluetada frente al cielo, ese contraste. Si tienes un lazo de novia contra una costa oscura, eso es contraste. El contraste ocurre cuando los elementos derecho y oscuro están justo al lado del otro. Muchos fotógrafos suponen que las imágenes de alto contraste atraen mucha atención. Algunos los llamaban punchantes. Se trata de un conflicto dramático y tradicionalmente dramático, del que de alto contraste es una gran ilustración, es una poderosa herramienta en la narración de cuentos. Por lo que las imágenes de alto contraste sí sobresalen entre la multitud. Ponte personalmente, creo que usar luz de alto contraste no siempre es algo bueno. Depende de la imagen, pero si ese es tu tipo de luz, ve cabeza y trabaja con ella, nunca hay un bien o un mal. Puedes encontrar contratos buscando luz no difusa. En otras palabras, una tarde soleada o un flash de cámara sin modificar probablemente dará como resultado imágenes de alto contraste. Si bien esto sí depende de tu tema, por supuesto, fotos hechas en una tarde soleada tienden a parecer particularmente dramáticas e intensas. Los movimientos clave de la iluminación de alto contraste son dramáticos. Ruidoso, vibrante, punchante y char. Sin embargo, lo que vale la pena mencionar es que fotografiar a la gente con luz brillante de alto contraste, lo que significa que el sábado es particularmente desafiante. Eso incluye conseguir sombras realmente duras en los rostros de las personas, lo que en muchos casos puede incluso cambiar visualmente los rasgos faciales. Por lo tanto, ten eso en cuenta. El siguiente tipo de luz es de bajo contraste, y este es mi tipo favorito de luz, ambient y considera que estas son las mentiras que en mi opinión, se ven más misteriosas y oníricas. Es suave y canalizado. El bajo contraste de luz me ayuda a crear el sueño en un ambiente tranquilo. Siempre voy tras. Esta luz es más fácil para mí trabajar con en el post-procesamiento también. No obstante, debes recordar que esta diapositiva es plana y menos dramática. Agregará menos movimientos a tu foto. Si estás fotografiando una escena tranquila, suave o quieres un estado de ánimo suave para tu foto conceptual, mi recomendación principal es buscar una luz de bajo contraste. Entonces cómo y dónde muy sencillamente se emitió en un día nublado o en interiores sin luz directa proveniente de una ventana. ¿ Qué hacer por alguna razón en particular tienes que rodar en un brillante día soleado? Bueno, soy un experto en escritorios. Por lo que aquí te presentamos algunos consejos útiles. En primer lugar, al momento, ¿verdad? Entonces si sabes que es probable que tengas que trabajar con sol brillante, lo primero que tienes que hacer es elegir el momento y el correcto para que la luz sea un poco más suave y te permita obtener la sensación que quieres de ella. Por lo general es horas tempranas de la mañana, 4D veces antes de la puesta del sol cuando el sol no es tan alto y las sombras, las a presentar se ven mucho más bonitas. Trató de evaluar cuándo sería más conveniente para ti y tu modelo adaptarse y entender exactamente cuánto tiempo tienes en ese tipo de luz. Si no hay absolutamente otra opción, que hacerlo, en un día soleado brillante, sugeriría cirujano para una sombra, un lugar, o también puedes esperar hasta que tengas una cubierta de nubes en el cielo. No obstante, incluso en la sombra, la luz puede ser diferente. Por lo que es útil hacer tomas de prueba y evaluar la situación de iluminación en diferentes puntos de la sombra. Y esto a veces puede ser bastante desafiante para mí ya que el fondo es extremadamente importante en mis imágenes, pero vale la pena hacerlo sin embargo, otra cosa útil es llevar tu reflector a la ubicación. Puede crear una sombra o iluminar las partes que aparecen extremadamente oscuras cerca de las imágenes al usar el reflector colocado en frente de la fuente de luz y luego ajustar el ángulo para dirigir la luz exactamente donde la desee. También querrás acercar el reflector a tu sujeto para una luz más fuerte y más lejos para un efecto más suave. No obstante, con el refactor, siempre necesitarás ayuda. Alguien tiene que aguantarlo. Un punto más que quiero hacer sobre la suave iluminación es este. Muchos fotógrafos piensan que unas fotos de bajo contraste no destacarán tanto en la primera subvención. No gritan por atención. Y de mi experiencia con el desbordamiento de imágenes de alto contraste. La gente está buscando algo donde descansen sus ojos. Algo subóptimo, suave, suave y amortiguador. Y además, encuentro que mucha gente preferiría tener algo cómodo en bajo contraste en las paredes de sus casas. hecho de que las imágenes de alto contraste a menudo las perturben y queremos tener paz en casa. No es una regla universal, claro. Entonces, no solo tomes mi palabra para ello. 2s la opción de luz que te ayudará a contar tus historias de la manera que quieras contarlas. La luz exitosa no siempre necesita extraer atención inmediata. En cambio, es la luz la que coincide con el personaje de tu historia, la trama de tu narrativa. Los movimientos que la luz de bajo contraste trae a tus historias visuales son sometidos, colgados, resueltos, tranquilos, inmutados. Por el momento, debe tener sentido que el brillo y contraste impacten fuertemente en los movimientos de una foto. Pero, ¿qué pasa con la dirección de la luz? Hay cinco direcciones primarias de luz. Lo estoy poniendo de la manera más simple posible aquí. El primero es la retroiluminación que la iluminación lateral de carga frontal, y puede ser iluminación aérea izquierda o derecha y subrayado. Los cuatro primeros son bastante comunes en la mayoría de los tipos de fotografía, desde fotos de calle hasta paisajes. El último, subrayando podría usarse para imágenes más misteriosas o incluso espeluznantes. Además de eso, podrías tener múltiples fuentes de luz, típicamente para nosotros hoy funcionan efectivamente, configuraciones de la fotografía de producción de alta gama pueden tener más de una docena de luz diferente. Realmente no hay límite aparte de la practicidad simple, pero anochecer, la dirección de la luz impacta el movimiento de tus fotos y su respuesta es sí. Pero la forma específica a los hechos la emoción es difícil de generalizar ya que depende de tantos factores y de tu vista directa, a veces la retroiluminación será de alto contraste y dramática. Otras veces, digamos, en un día de niebla, tenía buena causa que el ambiente se iluminara con rayos de sol brillantes. Ahí se sabe aquí en consistencia. Eso es incluso cierto. Si estás capturando el Retrato en condiciones controladas, puedes obtener muchas emociones diferentes desde una sola dirección de la luz. Por ejemplo, yo alterando la difusión de tu carne. ¿ Qué pasa con el color del fondo o incluso el movimiento que su sujeto está transmitiendo. Todos esos factores significan que la retroiluminación o la iluminación lateral, solo por nombrar un par de ejemplos, quieren llevar siempre las mismas emociones de una foto a seguir. Entonces esto es algo que tendrás que abordar caso por caso. Mira esta escena, analiza la interacción de la luz, y ve qué elementos de tu foto resalta. Por lo general, esa es una buena manera de decir qué emociones es más probable que transmita. Y lo importante aquí es que la dirección de luz no se remonta a fotos y movimientos, pero no consistentemente de una u otra manera. Necesitas experimentar en la ubicación y pensar cuidadosamente en qué estado de ánimo está creando la luz. Ahora que ya has visto cómo la luz puede llevar movimiento, te será más fácil introducir esas emociones a tus historias visuales. No obstante, lo que quiero subrayar aquí es que no hay un tipo de luz correcto o incorrecto para tus fotos. Puedes y debes tomar fotos con todos los diferentes tipos de luz porque tus historias podrían ser bastante diferentes. Con el tiempo. Podrías quedarte con un tipo particular de luz como yo. O puedes variar en cualquier momento que quieras. Lo que realmente es importante es prestar atención al tipo de luz que estás capturando en una foto en particular, ya que quieres asegurarte de que complementa tu historia e impone tu mensaje con la mayor fuerza posible. En la siguiente lección, hablaremos de tres elementos más de una imagen. Y esos son accesorios y vestuario, y maquillaje y cabello. 15. Módulo 3: Props, Wardrobe, de Props, Muah: Esta breve lección trata sobre los detalles de emitidos, es decir, apoyos u objetos que podrían ayudarte a contar tu historia y a elementos que nos dan más información sobre el personaje principal de tu narrativa, la ropa que usa, y cómo su rostro y cabello lu. Entonces, antes que nada, hablemos de utilería. Los apoyos son objetos que te ayudarán a contar tu historia visual sin palabras. Pueden ser ya sea un readymade y comprado una tienda o podrían estar hechos específicamente para tu sesión de fotos. Tanto una buena, personalmente, prefiero trabajar con indicaciones bastante simples que no requieren enormes inversiones financieras y que fácilmente puedan ser creadas por mí mismo. Hablará más sobre indicaciones más adelante. En tanto, quiero señalar una cosa importante. Las indicaciones suelen ser objetos que tienen algunos significados simbólicos adicionales detrás de ellos. Y los símbolos son una de las cosas que hacen de la fotografía conceptual tan cautivadora Los Objetos Simbólicos suelen tener no sólo uno, sino varios significados diferentes. Y se vuelve entretenido para el espectador adivinar cuál tenía en mente el autor de la imagen al crearla. Siguiente elemento importante de tu foto es lo que lleva tu modelo pesado. Alguna vez pensaste en cuánta información nos puede dar la ropa sobre una persona, sobre sus gustos, antecedentes, posición social, intereses, e incluso rasgos de carácter. Esto es lo primero que juzgaría cuando decimos una persona por primera vez. Ten eso en cuenta cuando cuentes una historia sobre tu personaje visualmente, lo que dirigirá comunicarte a tu espectador. Además, tu armario puede agregar un ajuste de tiempo a tu imagen y o bien enviar toda la historia visual al pasado. Si utilizas un codificador vintage o para el futuro si tu modelo donde algo guarda horno, y por supuesto, vestuario y accesorios necesitan ser muy relevantes para la ubicación, maquillaje y peinado, así como para funcionar bien con toda la paleta de colores de tu historia. Lo mismo será cierto para el maquillaje y peinado de tu personaje principal. Yo de ninguna manera y CCed on no tienes maquillaje y pelo hacia abajo profesionalmente para todas y cada una de tus sesiones de fotos. Lo que trato de enfatizar aquí es que si estás disparando de cerca, el maquillaje adecuado puede aumentar el efecto en el espectador. Tu foro de aserción al mismo tiempo, maquilla su peinado que no se ajusta al estilo general de tu sesión de fotos y no apoya la historia detrás de tu imagen puede destruir fácilmente la impresión de que quieres producir un nuevo menos. Diga la tuya debería en la chica romántica del campo, las sales más ligeras y humedeció el viento juega con sus zapatos de vestir vintage descalzos. Pero si todo al mismo tiempo, deberíamos estar usando maquillaje de noche pesado y oscuro, tiene todas las posibilidades de causar una impresión equivocada en tu público. Ahora pasamos brevemente por todos los elementos principales que componen el estilo general de tu sesión fotográfica. Hablamos de modales, las ocasiones, colores, luz, utilería, vestuario y maquillaje y cabello. Como mencioné, el estilo del bosque y se lleva a cabo en casi todas las partes de la fotografía escénica, ya sea de bellas artes conceptuales, pero también llevando retrato familiar o incluso fotografía de interiores y comida. No obstante, hay un último elemento que será principalmente único para retratos conceptuales y esa sorpresa. En la siguiente lección final de este módulo, hablaremos de mis tipos favoritos de elementos sorpresa que se pueden encontrar y juventud en imágenes conceptuales. 16. Módulo 3: sorpresiva: Esta lección, vamos a hablar de formas de sorprender siempre tu, con tus fotos. Y voy a compartir MI lista de trucos mágicos favoritos con ustedes, que de ninguna manera es completa. Si sabes algo más de préstamo visual es, que puede ser sorprendente para tu espectador, por favor adelante y compártelos en nuestra comunidad de Facebook. Pero avanzamos saltamos a los trucos de magia. Entendamos por qué sorprendentemente, irradiancia puede ser tan importante. Permítanme compartir esta cotización de Martin Parr, magnum fotografía con ustedes y comprometerse. Nunca oíste hablar de Magnum. Te recomiendo encarecidamente que lo busques. Es la agencia fotográfica más reputada del mundo que en realidad se especializa en fotografía estadounidense y documental. Y Riccardi AB razón, a quien mencioné muchas veces en este curso, fue uno de los fundadores de este agente. Pero volviendo a la cita de Martin, dice que elementos de sorpresa es clave para una foto memorable y realmente quieren de nuevo, elementos de sorpresa es clave para una foto memorable. Entonces, ¿por qué insiste un fotógrafo documental en que en el módulo anterior sobre cinco reglas o gran narración visual, ya estamos brevemente tocados sobre lo importante de sorprendentemente espectadores hoy, cuando la cantidad de visual información y pobre y sobre nosotros todos los días es enorme, los espectadores buscan algo sorprendente y entretenido cuando nosotros, como público, pensamos, cuando ahora todo sobre el mundo, ¿puede haber algún momento más asombroso? Y luego el que te sacude de tu todo estado mental conocido y te hace creer incluso por un segundo, que todavía queda algo misterioso en el mundo. Por lo que las mejores historias visuales tienen aquellas que donan en 200. Y de nuevo, la imaginación de un niño no ve limitaciones. Y si las historias visuales lo suficientemente frescas y sorprendentes, tampoco nosotros como adultos y en buena historia visual destruiremos limitaciones. Las historias que captan a los extraños o incluso un shock serán recordadas más para mí, editor, elemento surrealista, mis imágenes enormemente importantes también porque encuentro que me ayuda a expresar mi no tan común visión del mundo a lo largo de los años he recogido una lista de elementos sorpresa a los que acudo cuando pienso en grande y en tu historia visual, echaremos un vistazo en un par de segundos. Todos los trucos de magia se enumeran aquí, se pueden utilizar en, como herramientas para traer un apegado inesperado a tu trabajo. Esta lista de ninguna manera está completa. Te daremos la idea de por dónde empezar y qué explorar. Y en primer lugar, mi favorito absoluto, pero también a veces podría ser un poco difícil y costoso de preparar. Y se trata de múltiples objetos. Podrás tener una pérdida de objetos idénticos en tu foto o múltiples objetos de un tipo similar, como diferentes tazas y platos en esta imagen en particular. Por supuesto, algunos de ustedes pueden discutir y yo los apoyaré, que no hace falta tener todos los objetos o temas en su lugar. Vas a uno y el mismo objeto varias veces. Y eso es cierto. Pero sólo en cierta medida, hay casos. Digamos si quieres tener un montón de objetos cuando realmente es. Es más fácil llevar los objetos a la ubicación que tratar de crear ese montón en Photoshop. El siguiente elemento sorpresa son los objetos inusualmente grandes o pequeños. Las imágenes tienden a capturar una tangente cuando el tamaño de un objeto o de una persona utilizada en ellas es diferente a lo que estamos acostumbrados. Siempre objetos inusualmente grandes o pequeños atraerán a un Danton y harán que la gente se pregunte cómo se logró el efecto. Yo personalmente prefiero trabajar con objetos que se hicieron inusualmente grandes o pequeños, específicamente para mi Photoshopped. Pero por supuesto, ahora se pueden muchos buenos cualquier cosa usando software de edición. Por lo que depende totalmente de ti. El siguiente, seremos mundo en miniatura. Este elemento de sorpresa es muy cercano al anterior, en el que la mayoría de objetos y personas no son de tamaño normal aún diferente. En este caso, conviertes a tus súbditos en una Lena balbuceante, y colocas a tu sujeto en un mundo de objetos gigantes. El mundo mediador siempre hace que tu imagen sea extremadamente atractiva, pero sólo cuando se hace bien. Creo que el Darrel Robertson, un conocido fotógrafo de Canadá, es el rey cuando se trata de crear mundo en miniatura. Por lo que te recomiendo encarecidamente que revises sus obras. El siguiente elemento sorpresa es una limitación cuando objetos, personas o animales que generalmente no se supone que la luz levitan, se ve muy inusual y al instante agarra la atención de tus espectadores. Puedes ponerte creativo con levitación y aplicarlo ya sea a personas, cabello, objetos, o animales a tu imagen. Al igual que con muchos otros trucos, levitación exige mucha planeación previa y posteriormente sobre composite en, en Photoshop. El siguiente elemento sorpresa es uno muy interesante y exige mucho conocimiento de diferentes materiales. Yo lo llamo efectos en el escenario. A lo que me refiero con efectos en el escenario es de todo, desde humo hasta polvo, y desde el uso de filtros físicos reales de película coloreada a antorcha diapositivas para crear interés en hechos aclarados. Cosas como bengalas solares destellos la pintura de luz, tiro bajo el agua y similares siempre se verán inusuales y por lo tanto sorprendentes para tus espectadores pueden lo siguiente que atraerá mucha atención a tu foto es usar animales, especialmente no los gatos y perros habituales. Nuestros antepasados necesitaban detectar animales para sobrevivir para no ser asesinados. Desarrollaron regiones cerebrales que detectaron animales, y hemos heredado esos mecanismos. Eso significa que incluso hoy en día los animales capturan una parte de nuestra atención finita. Los animales especialmente lo hacen cuando los fotografias en una proximidad e interacciones inusuales de los humanos, el gran reto relacionado con usar el elemento sorpresa en la orina lo hace, es que los animales pueden ser bastante duros y caros de conseguir en la ubicación. Y por supuesto, puedes tomarlos de una imagen de stock, pero también se necesitarán muchas habilidades para que un compuesto de este tipo se vea creíble. Y esto es agua. Todo después de eso, como una imagen real se ve creíble al mismo tiempo, el siguiente elemento sorpresa será un vestuario inusual. Huelga decir que la forma en que se ve la gente. Está fuera de lo común, de inmediato agarró la atención de los espectadores. Y el siguiente elemento es el maquillaje y el cabello inusuales en nuestras fotos, estrechamente conectados con la anterior, pero más específico al rostro de tu sujeto. Sí funciona mejor con apps cercanas porque quieres que el maquillaje y el peinado se vea con todo el detalle. Si estás usando este, recuerda que realmente debería salir del camino y especie de revisor perturbado por lograr mejores resultados con éste, te recomiendo encarecidamente colaborar con el profesional. Ambos tendrán la oportunidad de experimentar y probar algo nuevo, que siempre es bueno para su desarrollo como artista. A continuación viene la composición. Un elemento sorpresa no tan obvio, sino un elemento sorpresa muy fuerte que puedes agregar a tus fotos. Puedes crear un efecto surrealista arreglando elementos en tu tiro de una manera inusual. A menudo, si las cosas y los objetos de la imagen están cuidadosamente organizados, esto solo se ve surrealista porque muy raramente se puede encontrar en la vida real. Es por ello que mucha atención para componer y mis tomas y asegurarme de que todos los detalles ahí tengan sus propios lugares es porque el orden que un sumar a mis Imágenes es surrealista y en sí mira a tu alrededor. La vida real nunca está en perfecto orden cuando una imagen está goteando, organiza, parece sorprendente. El último pero no menos importante elemento sorpresa sería encontrar conexiones inesperadas entre las cosas y los lugares y construir imágenes sobre asociaciones. En ocasiones se pueden encontrar similitudes visuales y piensa que nunca estarían conectados en la vida real. Aquellos cuando se hace bien, inmediatamente pausarán a la gente y les harán tropezar. Aquí. Ni siquiera siempre tienes que manipular esas imágenes. Todo lo que necesitas es un Kenai que vea estampado y conecte puntos. Antes de redondear la lista de elemento sorpresa, quiero darte el último bono uno para mí es el uso de modismos y metáforas. Esto es lo que quiero decir con eso. Puedes tomar cualquier frase establecida de tu idioma. Eres como y conectado a otra cosa y trataste visualizarla cuando haces visual el IDMS o frases metafóricas populares, siempre entretiene a la gente y hace que se detengan y reflexionen al igual los artistas españoles shaker hace con todas las metáforas y modismos conectados con amor y corazón. ¿ Se puede adivinar cuáles son esos? Entonces esta es una lista de mis trucos de magia favoritos que pueden hacer que tus imágenes se vean tan reales y sorprendentes. No está cerca de estar completo. Y si tiene sus sugerencias, por favor, publíquelas en, en nuestra comunidad online. Ahora, después de haber estudiado todos los elementos, Es hora de aprender a reconocerlos en su papel en las fotos y otra historia regional. Entonces para este ejercicio, que es en romper imágenes en elemento y entender esa conexión de estos elementos. Quiero que selecciones tres imágenes de tus fotógrafos favoritos y anotes todos los elementos que puedas encontrarlos. Ellos, no todos los elementos podrían estar presentes. Y eso está bien hasta el punto del ejercicio es aprender a romper y dar imágenes a los elementos y entender cómo todos ellos están conectados para contar esa historia. ¿ Cuál de estos elementos representa el personaje, el escenario, la narrativa de la historia contada en la imagen. Yo quiero que respondas las preguntas. Quién es el personaje, cómo es él o ella, y cuál es el escenario de la historia, cuándo y dónde está sucediendo? ¿ Qué hace el personaje? ¿ Qué le está pasando a él o a ella? Y cómo, de qué se trata la historia y por supuesto, qué se trata realmente la historia. ¿ Existe un elemento de sorpresa en esta historia visual? En caso afirmativo, ¿qué es? Léelo, entonces quiero que aplaudan las tres imágenes con comandos a nuestro espacio de aprendizaje. Espero que haya disfrutado aprendiendo sobre los elementos de una imagen y de la foto de Tyler. Ahora, quiero que pases por la conciencia sobre qué elementos de estilo son más importantes para ti cuando estás tratando de contarte una historia. Piénsalo de verdad. Algunas personas pueden cuidar las ubicaciones, la luz de Bose para algunas personas, esas cosas pueden no ser importantes en absoluto. Cuales son más importantes para ti. Y recuerda, siempre puedes experimentar con eso cuando disparas y ver cómo va. Ahora, es hora de practicar lo que has aprendido hasta la próxima vez. 17. Módulo 4: por qué utilizar los símbolos? de qué utilizar los símbolos? ?: Hoy es agosto figura símbolos válidos y narración visual. ¿ Por qué es importante tener símbolos en tus historias visuales? Vamos a discutir tipos de símbolos y hablaremos sobre cómo puedes crear símbolos propios. También hablaremos de algunos clichés de bala. Todos los usamos. Todos no queremos usarlos sin embargo. Entonces este va a ser el tema de nuestra lección. En primer lugar, ¿qué es este símbolo? Esto es lo que dice Wikipedia, una marca de simbolismo, signo, o palabra que indica significa o se entiende como representa una idea u objeto o relación. Los símbolos permiten a las personas ir más allá de lo que es conocido o visto por la codicia y una vinculación entre conceptos y experiencias de otro modo muy diferentes. Toda la comunicación se archiva mediante el uso de símbolos. Los símbolos toman la forma de palabras, sonido, ideas de Jeter o imágenes visuales, y se utilizan para transmitir sus otras ideas y creencias. De hecho, muchos símbolos oficiales, están por todos lados y los usamos todos los días sin ser conscientes de ello, incluso, por ejemplo, en algunas culturas, colores particulares están asociados con el género, como pagar por las niñas y azul para chicos. Los símbolos y las artes visuales representan conceptos o ideas no necesariamente conectadas directamente con la imagen, sino entendidas por el espectador sobre la base de horrores o sus conocimientos de fondo, algunos símbolos son inmediatamente obvios, mientras que otros requieren que el espectador ponga más esfuerzo en la comprensión y su significado. Y esta podría ser la parte entretenida de ver arte. La función principal de los símbolos en una imagen es agregar una mediana de una manera que no sea inmediatamente clara. De esta manera es más sutil que usar textos y tus perímetros, por ejemplo, comparemos estas dos fotos. Ambos son una especie de sobre el mismo tema, sin embargo la foto de la derecha nos deja menos espacio para interpretación. Dice de qué se trata muy fuerte y claro. La foto de la izquierda es más sutil. Cuanto más lo miras, más conectado e invertido emocionalmente en ti se vuelve. Detrás hay un poco de misterio. Y realmente queremos entender de qué se trata esta cosa de la cara rota. Esto es poder de los símbolos inacción. Muestran el centro de MSA en que la foto es mejor que la otra. Por supuesto que no. Pero sugiero que el que utilice más símbolos llamará más atención y será recordado más. Y es por eso que usar símbolos en tu trabajo conceptual es tan importante. Ayuda al espectador a percibir el concepto y entenderlo mejor. Los símbolos en tu trabajo ayudarán a tu espectador responder la pregunta de qué se trata realmente la historia. En efecto, los símbolos pueden transmitir un mensaje que de lo contrario sería difícil o imposible de transmitir en la obra de arte a través símbolos y el autor puede trazar fácilmente conexiones con el espectador. Ambos sabrán algo que un determinado fenómeno u objeto puede soportar foro, digamos que usa piezas de rompecabezas en su imagen. Es posible que tu espectador los asocie de inmediato con un problema o un reto basado en sus experiencias previas. Es así como se forman tus conexiones en el peso muy básico, como ya lo he mencionado, los símbolos tienen una enorme interpretación del potencial y los agregan mencionados al peor impacto posible. Por eso tan realistas como el ingrediente dolly, los estamos usando todo el tiempo en su trabajo. Y por supuesto, son divertidos de decodificar. Entenderlos podría convertirse en un verdadero rompecabezas para la mente. Esto significa que tu espectador se quedará con tu imagen una y otra vez, se invertirá más emocionalmente en ella. Ahora pongámonos realmente específicos y hablemos de simbolismo y fotografía en particular, ¿ se puede usar sólo indicaciones como símbolos muy lejos de ella, simbolismo se puede introducir a una foto de diversas maneras. Ya hemos hablado antes de significados de los colores. Por ejemplo, este es un tipo de simbolismo que puedes usar para construir sobre un tema o un indicio de una emoción. Tonos de azul, por ejemplo, son calmantes y hacen que la gente piense en el cielo. Si bien el naranja es un color emocionante que veces se utiliza para representar la ambición más allá de los colores, el uso de la luz y la sombra puede ser simbólico. Ya hemos hablado de las diferentes emociones que se pueden atribuir a diferentes tipos de luz. Ahora vamos a dar un paso más allá y adjuntarle cierto significado simbólico. Las imágenes de alto contraste pueden representar el bien y el mal, por ejemplo, o la dualidad diurna y nocturna de los positivos. Y mucho más que, que hay objetos por supuesto, y estos son los símbolos más utilizados. ¿ Qué tipo de objeto puede ser símbolo? Te sorprenderás, pero prácticamente cualquier cosa, generalmente cualquier elemento de avión que veamos a nuestro alrededor en la vida cotidiana puede tener el significado simbólico. El significado podría traerse por para qué se utiliza el artículo o por donde normalmente se puede encontrar por las cualidades del artículo también, como suavidad, nitidez, brillo, lo que sea. Por ejemplo, tomemos algunos elementos simples. ¿ Qué puede simbolizar un libro mientras tradicionalmente es conocimiento, sabiduría, historia, aprendizaje, pero también tal vez imaginación y recuerdos por supuesto, y eso es sólo la punta del iceberg. Otro ejemplo, escaleras. Pueden hacer que tus espectadores piensen un baño o algún reto que el personaje necesita superar, tal vez un sueño que un personaje tiene dependiente del entorno. También pueden hacerte pensar en algún misterio. Otro ejemplo es un qij. El primero que llega a internet si lo vemos, podría estar atrapado, control penitenciario, falta de libertad, constreñido. No obstante, al mismo tiempo, algunos de nosotros podríamos pensar en ello como un escudo o un medio de protección. No es esto simplemente fascinante cómo un simple objeto puede recordarte tantas cosas. Recuerdos, experiencias pasadas, historias que hemos escuchado y visto antes. Y aquí estamos listos para construir nuestras propias historias, interpretando la imagen frente a nosotros. Ese es el poder de los símbolos en acción. 18. Módulo 4: tipos de símbolos en las historias visuales: En esta breve lección, estaremos hablando de los tipos de símbolos que puedes usar en tus futuras historias visuales y de cómo cada tipo puede ayudarte a hacer mucho más fuerte tu narrativa visual. Tradicionalmente, los símbolos se pueden dividir en universales y los símbolos universales específicos de la cultura son aquellos que son entendidos o interpretados por la mayoría de las personas de manera similar independientemente de su trasfondo cultural. Por ejemplo. Y podemos tomar nuestros objetos o artículos como pájaros, libro, corazón, hijo, estrella, tres, fuego de bandera. Y básicamente todos los emojis que usamos todos los días se pueden llamar símbolos universales. Estos símbolos son generalizados y son ampliamente reconocidos en una variedad de culturas. Cuando incorporas símbolos universales básicos a tu fotografía, hay una buena posibilidad de que muchas personas respondan a ese significado universal consciente o inconscientemente. Podrán relacionarse con esa imagen. Y esto es lo que estamos buscando cuando resuena la imagen, gente presta más atención y la recuerda mejor. Por supuesto, el siguiente grupo de símbolos es culturalmente específico. Los símbolos culturales específicos serán entendidos únicamente por representantes de una determinada nacionalidad o de cualquier otro grupo cultural. Por ejemplo, en muchas culturas, un pez dorado es considerado como un símbolo de prosperidad y riqueza. En la cultura rusa, un pez dorado también simbolizará sueños que se hacen realidad e impermanencia. Esto se debe a que hay un popular cuento de hadas en el que un pez de colores actúa como un genio y le da a la gente lo que desea. Pero al final, cuando piden demasiado, el pez se lo quita todo. Esta es la agrupación tradicional de símbolos, sin embargo hay otro tipo que también vale la pena mencionar y eso son símbolos personales. Y estos son los que nosotros mismos creamos. Y esos pueden o no ser interpretados por otros. De la misma manera, cada uno de nosotros puede tener símbolos altamente personales basados en su personalidad e historia únicas. Si viste un pajarito, director rosal, podrías asociar rosas con la muerte. Así funcionan los símbolos por ese tipo muy básico de proceso de pensamiento conocido como asociación. Esto lo asociamos a eso. Esto me recuerda que las líneas de asociación generadas por símbolo pueden prepararse en muchas direcciones. Si estás familiarizado con la historia de Harry Potter, probablemente recuerdes las Patronas creadas por Harry cuando intentaba protegerse de los demandados. Era un ciervo. En muchas culturas, un ciervo es símbolo de sabiduría, gentileza y suavidad. En algunos, puede representar protección para Harry, en este caso, un ciervo se convirtió en un símbolo de su familia, a saber, su papá. Entonces este es un ejemplo de un símbolo personal, pero las cosas se vuelven mucho más complejas y mucho más interesantes. Cuando una imagen contiene una variedad de símbolos posibles, los símbolos se pueden combinar. Entonces tienes símbolos interactuando con símbolos, significados, interactuando con significados. Y no son sólo los elementos de una interacción de imagen entre sí, sino también el don 't, los colores y la composición los que se suman al simbolismo y significado. ¿ Cómo encaja todo? Nuevamente, puede haber toda una variedad de formas de responder a esa pregunta, y variarán de una persona a otra. Por eso nos fascinan las grandes obras de arte. Están llenos de todo tipo de significados. ¿ Cuáles son las diferentes cosas que podría simbolizar? No hay respuesta correcta o incorrecta. Juega con posibilidades. Tomemos por ejemplo esta imagen de Brooke sombreado. Aquí juega con una variedad de símbolos como agua, tormenta, linterna, luz para nombrar mejor vista. Otro ejemplo es el trabajo de Rodney Smith. ¿ Qué símbolos ven aquí? Veo un equilibrio paraguas, circo, jardín, dirección de árboles, y qué eres tú. Ahora es el momento de hacer ejercicio. Y en esta lección estaremos ejercitando sobre la lectura de símbolos en fotos. Por lo que para este ejercicio, quiero que encuentres tres ejemplos de imágenes conceptuales. Estas pueden ser las fotos que tengas para lecciones anteriores o algunas nuevas. Pueden ser ambos, ya sea tuyos o por otra persona. ¿ Qué objetos o elementos de imagen parecen simbólicos? ¿ Los lees abajo? ¿ Esos símbolos son universales, culturales o personales? Yo quería poner ese tipo al lado de cada símbolo. Cuantos más símbolos puedas encontrar, mejor y más interesante se vuelve el ejercicio. Bueno, a continuación vamos a hablar de clichés simbólicos. ¿ Deberíamos usarlos en nuestras historias visuales? No lo son. Observa la siguiente lección para averiguarlo. 19. Módulo 4: Cliches Symbolic: El siguiente tema del que quería hablarles son cliches simbólicos. Y creo que estarían de acuerdo en que este es un tema muy complicado para muchos de nosotros, yo incluido la fotografía conceptual o de bellas artes se construye sobre símbolos y clichés también. Vemos maletas, linternas, vestidos vintage, flores, árboles en cada otra foto, gente deja de sorprenderse por ellos y ya no captan su atención cuando hay un desbordamiento de esos, ¿ estarían de acuerdo imágenes con símbolos cliche no tendrá tanto impacto en el espectador. Sólo afrontémoslo. Todos están acostumbrados a ver una y la misma cosa una y otra vez. Deja de seguir dividiendo más. ¿ Por qué sucede esto? Echemos un vistazo más de cerca a eso. Todo se remonta a lo que alimentamos nuestro ancho de banda. Y en primer lugar, las imágenes de una mirada a, por supuesto, mientras digamos que te interesa la fotografía de tabulador y en todas partes que mires, ves arcos, nuevos indultos, photoshop composites de bebés en balonetas y nidos al lado de las imágenes post recién nacidos se encuentran las fotos de niños pequeños y bosques y campos bañados en una luz dorada sobretrabajada. Podrás pensar que como todo el mundo parece estar fotografiando de esta manera, básicamente es lo que uno de los clientes, y así es como deberían verse tus fotos. Esta es una forma segura de encontrarte perdido en el mar de la misma. Lo mismo está pasando con los limitadores conceptuales se vieron en todas partes. Por ejemplo, admiro verdaderamente la obra que rompió el sombreado, y me encanta su actividad como artista, como educadora. No obstante, en mi opinión, tiene algunos efectos secundarios. Esto es lo que quiero decir. Su trabajo es realmente popular y muchos de nosotros nos atrapan en mirar sólo sus imágenes, pero estar inspirados solo por su arte nos da como resultado usar los mismos clichés simbólicos. Y esto es lo que obtenemos como resultado. Todo esto, las imágenes fueron filmadas por diferentes personas, pero fácilmente podrían confundirse con la obra. Entonces solo un artista. ¿ Estarías de acuerdo? Sucede porque cuando vemos obras de un solo artista, un estilo y símbolos similares se utilizan todo el tiempo. Tenemos una idea consciente o inconscientemente de que así es como se supone que deben nuestras fotos. Y no existe tal cosa como un supuesto Luke para una foto. Sólo piénsalo. No existe tal cosa como se supone que se vea cuando aprendes de los demás. Nunca olvides que esas cosas son solo lineamientos, pero no las reglas establecidas en piedra es tu fotografía y estás aquí para crear tus propias reglas. En algún momento, lo que pasa con los fotógrafos sobresalientes es que destacan precisamente porque no están haciendo lo que todos los demás están haciendo. La verdad sobre trabajar en algún género específico, incluida la fotografía conceptual, es que no tienes que encajar en serio, solo piénsalo. No tienes que encajar. Y muchos de nosotros estamos tratando de hacer exactamente eso cuando usamos cliches simbólicos. Entonces no, no hay nada de malo en usar tazas, libros, y linternas de navegador aún cuando los uses, recuerda que primero, no se supone que los tengas en tus emisores. Y luego segundo, que no se verá tan original como te encantaría también. A menos que se utilice el objeto de una forma nueva y típica, tal vez incluso de la forma en que nunca ha sido utilizado antes por otros. Entonces cuando se quiere crear arte verdaderamente impactante, trató de encontrar nuevas formas de usar viejos símbolos universales. Esto no te llegará al instante. Por supuesto, podría tardar años en entender qué historia estás tratando de contar sobre qué tipo de mensaje quieres enviar al mundo. Esto vendrá con la madurez. Eso que hoy quiero comunicarte es que debes estar al tanto de los clichés y considerar posibilidades de evitarlos para que tu arte destaque, quiero compartir este ejemplo contigo, aunque no sea estrictamente fotográfico. Aquí te dejamos dos imágenes y donde podemos ver flores. El de la izquierda por Margarita Karima es increíblemente hermoso. Es valor estético es increíblemente grande. No obstante, el de la derecha de Banksy, aunque, no como estético, producirá un impacto más profundo en el público. No estoy diciendo aquí que producir imágenes estéticamente bellas sea de manera equivocada, sin embargo. Estamos aquí para aprender a contar historias verdaderamente impactantes. Y por eso quería exponerte a esta idea de ir más profundo y no sólo por estética, podría no parecer justo comparar estas dos imágenes. Y entiendo que, sin embargo, sigo pensando que es una forma perfecta de ilustrar mi idea. Definitivamente puedes usar cliches simbólicos, pero intenta encontrar nuevas formas inesperadas de usarlos en. Por cierto, no hay nada que diga que hay que utilizar símbolos establecidos dentro de su propio trabajo. Por el contrario, crear sus propios símbolos es cómo nosotros como cultura desarrollamos nuevos símbolos, ideas, y significados. Por lo que no dudes en crear algo propio y usarlo para atar tu cuerpo de trabajo juntos. Para algunos fotógrafos, el símbolo es un objeto que siempre está incluido en una imagen. El padre de arte de María muestra piscina para ser su símbolo, y utiliza esas decenas y decenas de sus imágenes. Cuando se trata de elegir símbolos, es muy difícil equivocarse. Simplemente dos cosas que significan algo para ti. Aquí te dejamos un par de ejemplos de mis obras. A la 1, decidí que son unos pájaros guardianes en mis imágenes representarán las emociones que pueden ser abrumadoras pero totalmente comidas al mismo tiempo. Otro ejemplo es el uso de gemelos o dualidad como representación de la autocharla que todos experimentamos en nuestras cabezas. A veces tienen unas peleas internas en otras ocasiones tratando de bajarnos y tratando de encontrar la paz interior. Aquí hay un ejemplo más. Es mi serie a la que llamo cortes de papel. Decidí que Caesars corte y papel me recuerda una transformación y una especie de deshacerme de algo que ya no te sirve. Por lo que la respuesta a la pregunta de cómo usar símbolos es simple. No hay camino correcto. No hay forma de decirle a un fotógrafo o a cualquier otro tipo de artistas cómo usar el simbolismo. Tú mismo puedes mirar las palabras de los demás con el fin de comprender mejor los significados. Pero al final, siempre es una elección personal. Los símbolos que elijas deben sentirse adecuados para el trabajo que estás haciendo. Para este ejercicio lectivo, tenemos símbolos de hallazgo y sus significados. Yo quiero que elijas tres artículos que ves en tu habitación. Objetos que te interesan como un modelo de caja, vela, lámpara, reloj pueden ser literalmente cualquier cosa menos algo que sea fácilmente accesible pero no demasiado obvio. Ahora vamos con significados simbólicos para todos ellos, piensen, qué pueden simbolizar y cómo los espectadores pueden interpretarlos. Yo quería apuntar estos tres significados para cada uno de ellos, luego pensar de nuevo e intenté llegar a tres significados y asociaciones más. Sumérgete más profundo y descartar las primeras cosas que te vienen a mente te ayudarán a crear historias más originales en el futuro. Quiero que compartas esas imágenes en nuestra comunidad en línea con comandos sobre qué significados simbólicos podrían tener y tus fotos no tienen que ser bien filmadas en este punto. Simplemente necesitan dar una idea de qué tipo de objeto Pérez. Así que siéntete libre de ir con fotos de teléfono también. Ahora que ya sabes qué tipos de símbolos pueden ser como nuevo servicio visual, es hora de tratar de presentarlos a tu trabajo. Echa un vistazo a la tarea para esta lección. Y no puedo esperar a verte lo que Hugo creyó. 20. Módulo 5: generar una historia visual desde un único punto de partida: En general, encontré que hay tres formas de construir una historia visual. El primero, cuando galería tendría un tema o tema. Por ejemplo, hay algún problema que te interesa y quieres expresar tu punto de vista sobre ese problema. Para que sepas exactamente qué tipo de mensaje quieres comunicar a través de tu trabajo. Otro ejemplo sería tomar parte en un concurso de fotografía que tiene un tema y necesitas crear algo dentro de ese tema. A continuación, cuando tengas alguna referencia visual o colección de referencias y quieres intentar introducir algunas ideas de esas referencias a tu trabajo. Digamos que encontraste una foto genial en Pinterest y quieres filmar algo así le pasa a todos, ¿verdad? Otro ejemplo sería hacer referencia a ilustraciones, piezas de arte fino, cultura, se obtiene la idea. Siguiente forma de empezar a construir una historia visual es cuando encuentras algún elemento de tu imagen futura y quieres disparar con ese elemento. Por ejemplo, te encuentras con una hermosa ocasión y quieres filmar algo ahí, o encontraste un objeto interesante, como, Digamos que una máquina de escribir vintage y quieres leer alguna historia a su alrededor. Estaremos hablando de los dos primeros en nuestros siguientes módulos de aprendizaje sobre trabajar con inspiraciones y descubrir contenidos. hoy, estaremos explorando cómo construir una historia a partir de un solo elemento de una imagen, como ubicación, utilería, vestuario, modelo, o maquillaje. Entonces esto es exactamente lo que quiero decir con un punto de partida. Cualquiera de los elementos de una imagen de la que hablamos en el módulo anterior puede ser un punto de partida de tu sesión. Tu punto de partida, de nuevo se puede abordar un prop, una asignación de persona. Y naturalmente, este elemento inicial será tu inspiración primaria y fuente de ideas. Todos los demás elementos tendrán que ser armados por ti, como piezas de rompecabezas. Con cada elemento de esfuerzo, tendrás que hacerte ciertas preguntas y jugar con las asociaciones. A lo mejor vas a tus recuerdos y recuerdas historias que lees o escuchaste. No te preocupes sin embargo, si sientes que no conoces historias interesantes a las que acudir, todo el mundo sí. A pesar de que muchas veces pensamos que nuestra vida podría ser aburrida cuando trató de responder las preguntas correctas sobre su punto de partida, surgirán ideas. Este proceso es en muchos casos, muy natural. Entonces, ¿cuáles son esas preguntas correctas? Nos ocuparemos de la calidad de tu punto de partida y de las formas en que tu personaje principal puede interactuar con él. Voltear te da un ejemplo. Encontraste un vestido vintage increíble con el que quieres disparar. Entonces respondiste a la pregunta, qué es lo que lleva puesto el personaje principal, pero qué historia puedes contar sobre tu personaje para entrar que puedes echar un vistazo más de cerca al vestido y entender qué tipo de información puede te dan para construir tu historia. Por ejemplo, qué tipo de direcciones que es un dramático o sexy. ¿ De qué tipo de estatus social te puede decir? ¿ Cuáles serían las circunstancias en las que se usaría el vestido? Al igual que la temporada, la ubicación, la hora del día, ¿qué tipo de persona usaría ese vestido? Las cualidades de este vestido se pueden convertir en significado simbólico. qué puede vestir este un símbolo de contestar esas preguntas te ayudará en la creación de tu historia y seleccionar todos los demás elementos de tu imagen. Entonces uno por uno, descubrirás cómo debe verse tu modelo y quién debe ser, qué tipo de ocasión estarás usando para el rodaje William estar rodando por la mañana o durante la noche. Qué tipo de utilería necesitas, y así sucesivamente. Deja fluir tu imaginación y no te desanimes si tus ideas parecen demasiado cliché de este punto, puedes empezar desde ahí y luego desarrollar algo más original. El punto clave es comenzar a imaginar y construir esa historia. Déjame darme un par de ejemplos de mi propio trabajo y vamos a ver si reconoces tu proceso creativo en mente. Entonces aquí la primera, mi punto de partida, y para esta imagen fue un elemento sorpresa, una idea para poner un castillo mediador de papel en la cabeza de una niña. Entonces tomé prestada esta idea de una ilustración que se ve en la pantalla. Y mi proceso de inspiración fueron los sobornos, muy parecidos a lo que les resulta familiar. Solo estaba navegando cosas interesantes en Pinterest y guardando ideas potenciales. Me gusta mucho la idea de un castillo representando un proceso de pensamiento. Es así como lo interpreté y decidí intentar introducir esta idea a mi foto y no una cosa muy fácil de hacer. ¿ Está de acuerdo? La ilustración original parece tener todo un estudio en su mano y es difícil imitar eso en la vida real. Por lo que decidí limitarlo a un castillo. Mi siguiente paso fue entender cómo será mi futuro Castillo. Nuevamente, navego por las imágenes en Pinterest y esto es lo que encontré. Después de eso me volví realmente abrumado y por encima de esto debería y empecé buscar gente que pudiera ayudarme a construir la hermosa cosecha. Hay una cosa en la que no soy realmente bueno, ya que hay trabajando con las manos. Cuando encontré al decorador al que le encantó la idea de hacerlo, tuve mi primer problema resuelto. Ahora de mi papá y se convierte en construir una historia visual alrededor de mi prop. Eso significa que tengo que encontrar todos los demás elementos para mi futura historia visual, y concretamente sujeto, mi modelo, ubicación, colores, vestuario y maquillaje y cabello. Entonces me refiero también a contestar a las preguntas quién, cuándo, dónde, qué y por qué. Seleccioné todos los elementos para que apoyen un estado de ánimo de ensueño del principal prop, castillo de papel. Sabía que mi imagen tiene que ser de cerca para que el castillo se vea con claridad y detalle. Por eso decidí trabajar con Theresa, mi modelo. Ella tiene rasgos faciales increíbles e hizo una impresionante impresoras. Tengo un rosa, por ejemplo, como vestido de tiendas de segunda mano, de re-shoot. Daba a mi imagen futura un ajuste de color que estaba filmando durante el invierno. así que estaba haciendo eso en interiores en casa donde tengo una pared blanca lisa para retratos de cerca, se seleccionó maquillaje y cabello para que apoyen todo el estilo de la imagen futura. Soñador, mágico. Aquí hay otra historia que construí alrededor de un prop. Temporal, los dos de una famosa marca y descargo de responsabilidad, no hago colaboraciones de hombres y marca, pero realmente quería mostrarte cómo las reglas que te enseño aquí podrían aplicarse a tus colaboraciones amigas como creador de contenidos, si eres uno, que la marca dos me permitió elegir los productos. Y conocí su acción de uno que me gustó más del color sabio. Este particular brunch negro con hojas me atrajo por esta monocromática y permiten monogramas, como saben. Ahora de nuevo, ¿qué puedo crear a su alrededor? ¿ Cuáles deberían ser ligeros mis otros elementos de imagen? En un principio, estaba pensando en el área del cuerpo que podría poner los dos para que la foto final siga siendo mi estilo y no marcarla. Todavía siempre quiero tener fases en mis imágenes sin embargo poner en dos en la cara es un poco demasiado difícil. Por lo que decidí ir con la mano y ponerla cerca de la cara. Cuando hice eso, pensé que la forma de esas hojas debería parecerse de alguna manera a la forma de los ojos de la modelo. Y esto me dio un empuje para buscar un modelo asiático y hacer unas preferencias con ILA entra por casualidad, encontré un papel de envolver regalos con un patrón que casi repetía el diseño en el temporal a dos. Entonces esto se convirtió en mi fondo y determinó mi paleta de colores, que ahora está totalmente reducida a una monocromática. Ahora lo último fue decidir qué usará mi modelo. Y los hombros desnudos parecen ser un ajuste perfecto aquí. Por lo que elegí un sencillo top negro. De verdad espero que encuentres estos ejemplos útiles para tu trabajo futuro. Ahora es el momento de hacer ejercicio. Para este ejercicio, quiero que elijas uno de los objetos del ejercicio de simbolismo que completaste para el módulo de aprendizaje anterior. Este será tu principal prop. Ahora trató de crear una historia a su alrededor, construyendo toda la imagen a partir del elemento inicial. En este punto, no tienes que disparar nada donde aprendas a planear tu futuro rodaje. Para que puedas jugar ya sea con uno o varios significados simbólicos de tu objeto que hayas escrito para la lección anterior. Trata de contestar las preguntas. ¿ Quién, cómo es él o ella, cuándo , dónde, cómo, qué está haciendo? ¿ De qué se trata todo esto? Al igual, ¿de qué trata tu historia y de qué trata tu real? Si estás encontrando esto duro, prueba este sencillo truco. Escribe una lista de cosas que no tendrás a tu imagen. A menudo se mostrarán cosas que obtendrán tu desapilamiento. En la mayoría de los casos estarás condicionado por el tamaño, el color y el uso del objeto, o por su significado simbólico adicional. Por ahora, no tienes que preocuparte por el dev y el significado real de tu historia. Trata de seleccionar todos los demás elementos de la imagen para que entiendas primero el proceso, si no los tienes atendidos, lo cual es natural, la mayoría de los casos tratan de imaginarlos. Necesitas hacer una lista de cómo se verá tu modelo de ubicación, armario y otros elementos y dibujar un boceto para ilustrar tu idea. Defina el personaje, el escenario, y la narrativa o su historia, ¿qué movimiento transmitirá? En consecuencia, tendrás un boceto que más adelante podrás usar para tu futura foto de tu boceto y subido a nuestro espacio de alerta. Si tienes tiempo para genial, una imagen real, adelante con amor para ver fotos reales aún más. 21. Módulo 5: construir una historia desde múltiples puntos: Ahora bien, ese fue el primer paso para construir una imagen a partir de un solo elemento inicial. En la vida real, un trailer sucede así. Muy a menudo estarás condicionado por tus propios recursos y déjame explicarlo. Digamos que tienes una amiga y sientes que ella haría una gran modelo para un rodaje. Tu otro amigo tiene acceso a un increíble espacio vacío con paredes rojas y amarillas y te encantaría disparar algo ahí. Ambas ofertas son de tiempo limitado porque dicen que ambos de tus amigos se van pronto y no tendrás acceso a ellas. Ahora ya tienes tres puntos de partida. Y el primero es modelo, que es una morena delgada, colores, rojo, amarillo, y negro del cabello de la niña. Y tu ubicación. Se trata de un espacio interior con cierta luz y seguro para piso a cierto estilo. Y tienes que acomodar tus ideas a todas esas. Necesitas conectar a los tres en una historia mientras encuentras los elementos faltantes de una imagen. En este caso, va a ser maquillaje y cabello, avisos de vestuario y sorpresa. Esto podría parecer mucho más desafiante. Y se acabó porque estás condicionado a dar a todos aquellos en mente a la hora de planear tu futura sesión de fotos. No obstante, es muy posible y te mostraré cómo en un segundo. Aquí tienes un ejemplo de mi práctica. Estuve una semana en París y realmente se quieren filmar algo. Cuando descubrí esta increíble ubicación, también asevero para modelos y encontré a Christina, que estaba feliz de trabajar conmigo y estaba disponible para que pudiéramos programar un rodaje a tiempo. Ahora tengo mi cierto color puntual, que es rosa y negro. Ya que Christina es morena, tengo un modelo, delgado Burnett, y ubicación, estilo futurista sin muebles. Mi tarea ahora se convierte en conectar el punto de partida en una sola historia. El mismo tiempo que necesitaba para descifrar los apoyos, el vestuario, maquillaje y el cabello, mi elemento sorpresa, y cómo voy a disparar todo esto. Entonces esto es lo que se me ocurrió. Decidí usar accesorios de origami de papel ya que son fáciles de hacer y fáciles de usar, pero lo más importante, fáciles de llevar a la ubicación que es un espacio público, una universidad. Estaba pensando en las formas de nuestras gomitas y decidí ir con aviones esta vez, ya que sentí que se verían más apropiados en este caso, ya mencioné que me encanta el monocromo. El vestido que buscaba fue siempre coloreado sin patrones en él y una especie de atemporal. En este caso, yo estaba como en mi modelo no había vestido adecuado por si no tuviera las tendencias. Buscaría algo en tiendas como H&M y Zara y luego devolvería el artículo después del rodaje. Otra opción es consultar tiendas de segunda mano, por supuesto, en cuanto al maquillaje y el cabello, decidí ir con tonos de rosa y pelo suelto, avión y no dragón. Demasiada atención por lo que está pasando con la chica. Ahora, entra en el elemento sorpresa. Elegí, en este caso, decidí usar un inusual plano de papel límbico. De inmediato atraeremos la atención de la gente y también quisimos sumar una menor, lo que sería una grata sorpresa cuando los espectadores mantengan los ojos en la foto un poco más de tiempo. Entonces decidí hacer volar los avioncitos. De qué se trata esta historia, trata de una mujer que de alguna manera puede transformar aviones trenzados regulares en gigantes al interactuar con ellos. Pero cuál es lo surrealista de lo interpreté así. Se trata de esperanza y cómo la gente puede tener con el poder de transformar y elevar todo a su alrededor cuando tienen la actitud y la mentalidad correctas. Permítanme mostrar un ejemplo más. Esta imagen fue extraída de tres o incluso cuatro puntos iniciales de partida, maquillaje y peinado, ubicación, elemento sorpresa, que está estrechamente relacionado con la selección de utilería. En este caso, el primer punto de partida de esta imagen fue una modelo Sabrina, con quien quería trabajar. Sabrina tiene una fase muy interesante y también tenía cabello verde derecho en su momento. Por lo que mis condiciones iniciales reales conscientes de mi modelo y su color de pelo. El siguiente punto de partida fue la ubicación y interesante edificio futurista en Hamburgo, Alemania. Me encantó porque era sencillo, pero tan real e industrial. Mi reto fue crear la historia conectando cabello verde de Sabrina con esta localización futurista. Esto es cuando recordé de una vieja inspiración mía que encontré larga y gol a los 40 por Rodney Smith que puedes ver en tu pantalla en este momento, me encantó la idea de cortar papel con Caesars para revelar algo de otra manera oculto, pero quería hacerlo a mi manera. Entonces mis utilería eran papel y tijeras. Ahora, necesitaba descifrar los elementos faltantes, el color y el vestuario. En este punto, ya puedes adivinar que esos eran obvios para mí. He seleccionado el verde para mantener el campo monocromático y encontré un vestido adecuado para mi modelo. Volviendo a las preguntas básicas desde nuestra regla número 2 de crear grandes historias visuales. Podemos ponerlo así. Entonces, ¿quién es el tema principal de mi historia? Es una chica, cómo debería ser eso. Tiene cabello verde y vestido verde. Mi requisito para el maquillaje y el cabello aquí estamos muy llanos, troqueles nuevos y labios rojos. ¿ Dónde sucede la historia? Mylocation es algún lugar indefinido que turístico con líneas rectas duras. Ahora volvamos a las grandes preguntas. ¿ Qué está haciendo? ¿ De qué se trata la historia? Ella sostiene un trozo de papel cortado en medio de las tijeras. ¿ De qué se trata realmente el desorden? Te puedo decir mente y depredación. Pero de hecho, en la mayoría de los casos, es para los espectadores abandonados y sus experiencias y asociaciones previas. Mi historia va así. La niña quiere descubrir algo nuevo, algo que se estaba escondiendo de la abierta hasta esto, cubrirse de cualquier manera y mostrárselo a los demás. Por eso hizo esa ventana en un trozo de papel. Adrenal me encanta escuchar qué tipo de historias aparecen en tu mente cuando ves esta imagen, por favor comparte tus ideas en nuestra comunidad de Facebook. Cuando creas una historia desde un solo punto de partida o varios, entiende qué elemento de la imagen es más importante para ti. Contestar esta pregunta te ayudará a concentrarte en las cosas correctas y enfatizarlas más en tus imágenes, lo cual es un primer paso para encontrar tu estilo artístico único. Ahora, tengo otro reto creativo para ti será aprender a generar ideas a partir de varios elementos de partida. Entonces, como mencioné antes, rara vez sólo tendrá unos no son un elemento de una imagen en la vida real, generalmente necesitamos combinar varios elementos desde el principio. Este ejercicio te ayudará a aprender a hacerlo. A continuación se presenta la lista de tres categorías de elementos de imagen. Tu tarea es idear una idea de imagen que tenga un elemento de cada lista para que no se repitan elementos ni anoten breves descripciones de tus imágenes y las saque. Por lo que sus opciones para el elemento de imagen de color son azul, rojo y verde. Entonces te doy la elección de objetos, y estos son bombilla y silla de César y buscamos ocasionalmente iremos con los campos de trato o habitación. En consecuencia, tendrás tres bocetos de imágenes que podrás utilizar para tu futura sesión de fotos. Tienes tiempo tratando de disparar al menos una de las imágenes con esos elementos de inmediato. Sube ya sea fotos de boceto o tus imágenes finales a nuestro espacio de aprendizaje. Y no olvides tu descripción, qué elementos usas y cuál es la historia que intentas contar. Utiliza ejemplos de la lección en el siguiente modelo, estaremos hablando de uno de los temas más emocionantes, cómo trabajar con inspiración y dónde encontrarlo para que nunca se acabe hasta la próxima vez. 22. Módulo 6: ideas e inspiración: En este módulo de aprendizaje, hablaremos de un tema fascinante. Encuentra inspiración. Y esta es la pregunta que más me hacen. Donde si subo precio el problema. Por lo que les compartiré algunas de mis fuentes de inspiración y les mostraremos cómo usarlas sin bloques la copia y las ideas de ellas. ¿Qué pueblo? Antes de hablar de encontrar inspiración, me gusta decir unas palabras sobre ideas y cómo se pueden definir cuando se aplican a la fotografía conceptual, la palabra idea puede soportar primero la forma, el contenido. ¿ Cuál es la historia realmente sobre el significado de la idea del artista que él o ella está tratando de transmitir y por qué él o ella está creando esta pieza de arte. Es la idea detrás. A modo de ejemplo, podemos tomar la famosa foto de una bolsa de plástico que parece un iceberg. La idea principal de los artistas aquí es que la contaminación por el crecimiento de la producción pronto destruirá la naturaleza de nuestro planeta y literalmente tendrá bolsas de plástico flotando en nuestros océanos y conjunto de icebergs. El término idea también puede significar la ejecución y realización visual del contenido, cómo se cuenta la historia y se presenta al espectador. Piénsalo como una colección de tendencia en decoración de interiores ADS, por ejemplo, muchas veces te darás cuenta u obtendrás ideas interesantes que no tienen ningún concepto particular detrás de ellos. Ejemplo de mi vida desde hace mucho tiempo, me fascinaron los lamines, cómo se veían y las fotos, y sabía que quería rodar algo con ellos, pero no sabía exactamente qué. Después de un tiempo cuando vives con tu idea y trataste de conectarla con otros elementos de una imagen. Se nos ocurrirá una forma que te ejecutarás en tu rodaje. Ahora, de vuelta a la inspiración, el tema principal de esta lección. Y por inspiración aquí me refiero a dos cosas. En primer lugar, es una fuerza creativa, decir que veo algo hermoso y me motiva a crear algo hermoso yo mismo. Mi nueva creación no necesariamente se parecerá a la pieza que me inspira. Y el segundo significado es referencia. Veo alguna historia de ideas particulares que se pueden utilizar en mi siguiente imagen. El primero es claro. Todo el mundo quiere sentirse inspirado y crear algo. No obstante, cuando se trata de la segunda, podrían haber dudas. ¿ Está de acuerdo hay discusiones en curso sobre referenciar a otros artistas en su obra y sobre el plagio. Cada uno de nosotros quiere crear obras verdaderamente auténticas y originales. Por eso estás tomando este curso en primer lugar. En la siguiente lección, hablaremos de mi opinión sobre copiar y trabajar con inspiración responderá a todas las preguntas, incluyendo copiar o no copiar, ver. 23. Módulo 6: a copiar o no copiar y no copiar Inspiración de capas: Hoy queremos hacer una inmersión más profunda en el tema de copiar otros artistas y si debe tener un lugar en tu práctica creativa. En efecto, es la pregunta más frecuente cuando la gente discute en cuanto a ser inspirada por el trabajo de otras personas para copiar o no copiar. Algunos expertos valoran que el color verde o robar ideas es la práctica común y no hay nada nuevo bajo el sol. Otros por el contrario, le exhortarán a no copiar bajo ninguna circunstancia, sólo producir obra original. Ambas respuestas pueden ser bastante desconcertantes porque podrías estar en algún lugar intermedio. Por supuesto, se quiere producir contenido original por el cual se le reconocerá. No obstante, también entiendes que las mejores historias e ideas son universales y apelan a un gran número de personas, lo que significa que no son nuevas. Creo que hay dos aspectos de la copia. En primer lugar, copiar como forma de aprender el oficio. Piénsalo. Cualquier gráfica sólo se puede dominar copiando algo. Es por ello que en la escuela de arte, asistir a museos y tratar de reproducir el trabajo de algún gran maestro es una práctica común para los estudiantes. Es necesario conocer las reglas para romperlas. Cuando copias el trabajo de otra persona, especie de deconstruido, lo cortas como una rana, y estudias todos los elementos separados y cómo se juntaron. Permítanme darles un ejemplo. Aquí una obra de Darío caval. Es un joven fotógrafo radicado en Madrid, España. Con su fotografía, hizo un simple ejercicio. Trató de recrear una red por renombrar pactado. Al hacerlo, trató de encontrar todos los elementos de la imagen, e intentó hacerlos coincidir con el cuadro original. Y esto incluía modelos, utilería, armario, colores claros, y la ubicación también. Cuando hace tal ejercicio, que te metes en la mente de una persona que creó la obra inspirada y aprendes mucho de eso al respecto, afrontamiento es una forma de convertirse en artesanos hábiles. transición de un artesano a un artista viene cuando comienzas a conectar cosas que antes no estaban conectadas, tomas los ingredientes de tus conocimientos previos y los combinas de una nueva manera. Ahí es cuando nació el artista. Y por cierto, para algunas personas, la transición nunca ocurre. Se mantienen al nivel de un artesano y eso también está bien. Ahora, hay situaciones en las que nuestros cerebros copian algunos elementos de un estilo particular casi inconscientemente. Entonces lo que pasa es que tratamos de copiar a otros, muchas veces ni siquiera darnos cuenta de que lo hacemos porque pensamos que nuestras fotos deben verse similares a las que nos inspiran no porque queremos robar la idea de alguien más. Digamos que te interesa la fotografía infantil. Estas son las obras creadas por cuatro personas diferentes, pero tal vez usted estaría de acuerdo en que podrían atribuirse fácilmente a una sola. Ocurre en otras áreas de fotografía escuchar algunos ejemplos de la fotografía de bodas. Nota, no digo que las imágenes se vean mal. De hecho me encantan estas fotos todavía, les falta individualidad. Y por cierto, la fotografía conceptual tampoco es inmune a esto. Aquí, la situación empeora aún más. En ocasiones con Whedon y las imágenes familiares, todavía puedes objetar. Los clientes sí quieren el tipo de fotos que ven en los álbumes de fotos de su amigo. Pero la fotografía conceptual de bellas artes suele ser autoiniciada. En la mayoría de los casos, no hay cliente que ordene y tipo particular de imagen. No obstante, la gente de esta zona sigue creando imágenes que parecen iguales. Lo que hay que recordar es que destacan, los fotógrafos destacan precisamente porque no están haciendo lo que todos los demás están haciendo. En ocasiones esto significa ser valiente y seguir un baño menos popular. Así que inspírate por los demás, pero no te compares, admira su trabajo, pero no intentes emularlo porque sólo terminarás luciendo como una pobre imitación de algo grande copiado para aprender de ellos, pero no para conviértete en ellos. Permítanme compartir una cotización de Peter Lindbergh para apoyar esta declaración. Y dijo, no me he inspirado en los desfiles de moda. Yo ni siquiera voy realmente a demasiados desfiles de moda y no lo tengo desde hace 15 años porque no quiero inspirarme en las mismas cosas que todos los demás. Si todos se inspiran en las mismas cosas, entonces por supuesto haces las mismas imágenes. Deja que se hunda un momento. Y no existe tal cosa en oposición a buscar una foto cuando aprendes de los demás, nunca olvides que esas cosas son solo lineamientos pero no reglas establecidas en piedra. Es tu fotografía. Estás aquí para crear tus propios roles en algún momento. Ahora, de vuelta al segundo aspecto de la copia. Y suena así, robando ideas y conectando los puntos. Quizás, ya sabes, la famosa cita que se ha atribuido a muchas personas, pero con mayor frecuencia a Pablo Picasso. Los buenos artistas copian, los grandes artistas roban. Lo que significa es que no hay nada de malo utilizar ideas que se ven en el trabajo de otra persona. Si logras usarlos mejor que el original y hacerlos te equivocas, agregando tu percepción y experiencia. Otra cita que apoya este punto es de Austin Kleon todavía como un artista, lo que un buen artista entiende es que nada viene de la nada. Todo el trabajo creativo se basa en lo que vino antes. Nada es completamente original. Partiendo del movimiento de datos al realismo, los artistas comienzan a notar que las imágenes que nos rodean afectan a nuestra psique y forman nuestra perspectiva del mundo. En otras palabras, nuestros cerebros registran y protestas, toda mucha información visual. Ya está ahí. Go brain recuerda cosas que viste en el pasado, aunque no lo sepas, solo piénsalo. las cosas que afectaron tu emocionalmente, serás más vívido y tenderás a aparecer en tus creaciones con más frecuencia. Ahora, tu tarea como nar desk se convierte en combinar la información visual registrada en tu cerebro de una manera inesperada para ilustrar o expresar una idea importante. Una vez más, tu tarea se convierte en combinar esa información de una manera inesperada. Una idea que es importante para ti por tal o cual razón debe presentarse de una manera fresca. Y esa debería ser una idea que de nuevo te desencadena emocionalmente. Entonces en el mundo actual, ¿hay un todo y la fotografía en particular se convierte en una forma de conectar los puntos, seleccionados y conectar diversas piezas de información y los introduce de una manera fresca. Eso servirá a las necesidades de la sociedad contemporánea. Piensa en diferentes chefs cocinando una comida. Pueden tener los mismos ingredientes, pero el resultado final saboreará y se verá diferente de cada uno de ellos. Existe una enorme diferencia entre plagiar al por mayor y parafrasear una pieza de información visual para expresar una idea entre simplemente imitar a alguien y usar una idea de una manera transformada para expresar un pensamiento propio. Por ejemplo, Salvador Dalí se inspiró en prácticamente todo. Muchas de sus inspiraciones provenían de antiguas esculturas griegas, por ejemplo. Pero nunca se atrevería a decir que su obra no era original, ¿verdad? Pero vamos a profundizar aún más en la historia del arte. Rubens, el famoso pintor flamenco, tomó prestadas ideas de aclamados italianos como Tisha y Vanessa estaño al mismo, Caravaggio y Miguel Ángel. No obstante, nadie se atrevería a decir que robó algo. Lo llaman influencia lo que hizo Rubens. Tomó elementos que al tacón le gustaba en el trabajo de esos artistas y los combina, creando así algo fresco y único para su época. Si tu trabajo claramente inspirado por algunos otros artistas, es importante afirmar honestamente sin embargo, será beneficioso para ambos, para ti y para la fuente de tu inspiración. Y si la fuente es un contemporáneo y no un antiguo poeta griego o pintor renacentista, él o ella podría incluso sentirse halagado de que su obra tenga tal impacto en otros artistas. Entonces, una vez más, al conectar los puntos, digo que se inspiren por otros artistas. Toma ideas de ellas, pero conéctalas con tus propios antecedentes, recuerdos, visiones del mundo, tu situación actual de vida, y transfórmalas en algo único propio. Aquí la clave del éxito es inspirarse en el NADH, una persona en particular, pero muchas personas a la vez. Y esto es a lo que me refiero al estratificar tu inspiración. Necesitas alimentar a tu cerebro con más y más información de calidad de la que puedas generar ideas a partir de cuando creas. No solo mires una foto en particular o a un fotógrafo en particular con admiración. Encuentra a muchas personas cuyo trabajo te guste y encuéntralas en muchas áreas del arte, no solo en la fotografía, para crear más interés por las historias visuales y generar ideas más auténticas, necesitas echar un vistazo fuera de la fotografía y conseguir inspirados en otras formas de arte. Puede ser cualquier cosa y será muy específico para ti. Por ejemplo, puede ser música o literatura, teatro, danza, etc. Y por supuesto, otras artes visuales que incluyen diseño, cinematografía, ilustración, bellas artes clásicas y así sucesivamente. Estaremos hablando de cómo trabajar con inspiraciones de fotografía y otras formas de arte en las siguientes lecciones de este módulo. Pero la inspiración en capas no debe detenerse aquí. Ve más allá e incorpora tus intereses y pasatiempos evento. ¿ Te preocupan los derechos de las mujeres, situación ambiental o el cuidado de los niños y la UCT hacen como deportes o actividades al aire libre, fusionan pequeños hilos diminutos de todas esas áreas en una sola para crear tus imágenes y serán únicas. Entonces mi conclusión aquí es, así es como veo copiando y me inspiré en palabras sencillas, cuando entiendes lo que tu esposa disparar y por qué te gustaría dispararlo, y por qué es importante para ti y lo que quieres decir con tu trabajo. Simplemente no eres capaz de plantar la copia. Cualquiera que pudiera seguir utilizando esto un elemento malo que es, o de otros artistas. Pero el proceso de creación de empleo se convertirá en conectar los puntos, los puntos de las inspiraciones visuales que has visto, los estados de ánimo y temas que reflejan tus intereses, los trucos técnicos que has aprendido de otros fotógrafos, tus experiencias personales, eventos que te impactaron emocionalmente. Y aunque los puntos cuando aprendas a aprovecharlos, se pueden mezclar de una manera única solo porque esto es lo que eres único, estaremos sumergiéndonos más profundamente en las formas de buscar las respuestas a esas preguntas en los siguientes módulos. Ahora, quiero que practiques la forma inteligente de afrontarlo para este ejercicio. Quiero que intentes recrear un 40 o cualquier otra obra visual de arte, como ilustración, pintura, lo que le digas, y trataste de acercarte lo más posible al original, copiar todo, colores, iluminación, utilería, ubicación, etcétera. No tienes que hacer un retrato. Intenta trabajar con la naturaleza muerta para que sea más fácil, sube tu inspiración original y la tuya de 40 en nuestra comunidad de aprendizaje, anota la parte más desafiante del ejercicio y tus principales tomas. En tanto, en la siguiente lección, hablaremos de las formas inteligentes de inspirarse en las fotografías sin copiarlas sin rodeos. 24. Módulo 6: cómo inspirarte en las fotos, pero no las copiadas de las fotos: Todos estamos tan acostumbrados a mirar las obras de otros fotógrafos fueron constantemente bombardeados con información visual. Y gran parte de ella es fotografía, Instagram, Facebook, Pinterest, carteleras, revistas, en Windows, cajas de cereal, vadose están por todas partes. Creo que mirar el trabajo de otros fotógrafos puede tanto bueno como malo. Entonces, ¿por qué es bueno? necesitamos saber qué está pasando en la industria, qué nuevos métodos y técnicas se están utilizando, ¿hacia dónde va la fotografía? Cuales fotos han sido favorecidas por el público en el espacio comercial, sobre todo si tenemos negocios de fotografía. Ahora, esta influencia también puede ser mala. Y si mirará demasiadas fotos, nuestro cerebro registra sólo esas. Y inconscientemente comenzamos a reproducir imágenes que vemos una y otra vez. Significa que podemos copiar el trabajo de otras personas sin siquiera saberlo. Ninguno de nosotros quiere que esto suceda. Genial. Entonces, ¿cómo seguimos recolectando referencias sin copiarlas ciegamente? Y aquí hay tres cosas que puedes hacer. Y en primer lugar, mira más fotos y más fotógrafos. Sí. Ya oíste que el tracto es crucial que no te metas encerrado en el trabajo de solo uno o dos modelos a seguir. Tómate un minuto y haz una lista de al menos 10 fotógrafos cuyo trabajo te guste, cuantos más nombres tengas en la lista es mejor. Ahora sugiero crear una carpeta para cada uno de ellos y recolectar tus fotos favoritas de las suyas en esa carpeta. Puede ser una carpeta en tu computadora o tablero de Pinterest. También puedes ser un verdadero nerd y crear una carpeta de papel con fotos que se imprimen. Tiene que hacer esto para que más adelante puedas mirar una representación válida de todo un cuerpo de obra de un artista. ¿ Qué tipo de fotografía debes mirar? En mi opinión, es muy importante conocer la historia de la fotografía y lo que importaba el grado antes que tú. Este conocimiento te ayudará a entender por qué la fotografía contemporánea es la forma en que es. Estudiar la historia de la fotografía no tiene por qué ser complicado. Por ejemplo, cuando decidí que quería convertirme en fotógrafo, decidí que debía conocer grandes maestros del pasado. Para eso, simplemente encontré unos artículos en la web, unos 100 mejores fotógrafos de todos los tiempos. Leí un párrafo sobre todos y cada uno de ellos e inicié su trabajo creando tableros de Pinterest para cada fotógrafos obras maestras. Todavía uso esos tableros cuando busco inspiración. Y aquí están algunas de las personas que encontré en aquel entonces y que me inspiran hasta hoy. En primer lugar, esta es Julia Margaret Cameron. Fue una de las primeras fotógrafas y primeras fotógrafas en crear imágenes de ensueño atrás en 18 años sesenta. Te recomiendo mucho estudiar su trabajo, sobre todo si te gusta crear imágenes que temática de un cuento de hadas. El siguiente de mis favoritos es la rezona no grabada. Es un célebre dios de la composición y célebre fotógrafo callejero que se le ocurrió la teoría de un momento decisivo para tomar fotografías. Ya lo mencioné varias veces en este curso. Entonces si aún no lo has hecho. Adelante y Google él y su trabajo ahora mismo. Sus obras tienen muy espontáneas pero cuidadosamente compuestas por el mismo tiempo. Por lo que en muchos casos se ven tan reales, aunque fue fotógrafo de street and wrapper dash, el siguiente artista es Rodney Smith y él es una de mis mayores inspiraciones jamás. Creo que definitivamente lo puedes contar de mi trabajo, lúdico y algunas reales sus fotografías están en las páginas de Time, Wall Street Journal, y The New York Times, entre otros, obtengo inspiración e ideas de su trabajo todo el tiempo. Aquí te dejamos un ejemplo de mi fotografía que estuvo muy inspirada en las obras de Rodney Smith. Como puedes ver, no tienes que ser muy literal cuando te has inspirado en una foto. Introduce siempre tu propia interpretación de Nadya. Otro fotógrafo que admiro mucho es Diane Arbus. Famosamente tomó imágenes de grupos marginados para trabajar con una amplia gama de temas, entre ellos miembros de la comunidad de bricolaje álgebra, strippers, intérpretes de carnaval nuevos budistas, niños, madres, parejas, personas mayores, y media- familias de clase. Me encantan los movimientos en sus obras y cómo logra mostrar gente real que vive en Manaus pero muchas veces se fue y se dio cuenta sólo porque son diferentes. Esta atención al raro Fox solo hace que el trabajo de baile se vea surrealista y muy atractivo para mí cuando estudias fotógrafos del pasado, bailas, miras sus obras, pero también lees biografías y escuchaste sus entrevistas. De eso solo se puede obtener toneladas de información. También creo que es crucial ver hacia dónde va la industria de la fotografía contemporánea, qué tipo de temas se utilizan, qué tipo de medios se emplean y cuáles son los estándares modernos. No me malinterpreten. No veo que tu trabajo deba seguir a todos esos. Ser educado te permitirá subir de nivel la calidad de tus imágenes de formas que te hablen. El modo aquí es una preselección de personas cuyo trabajo cierro el siguiente depreciado. Y primero de ellos es la polarización y fotógrafo de moda italiano que vive en París. Es famoso por sus técnicas de iluminación únicas cuando combina la ventana amplia y la carne en un ambiente de estudio. Verás muchas de sus obras como ejemplos en este curso. El siguiente es por supuesto, Tim Walker. Es un aclamado asunto de retratos surrealistas y hoy en día vive uno de los fotógrafos de moda más famosos. Si te sumerges en su mundo, nunca se detendrá para fascinarte. Estoy usando Tim walkers imágenes icónicas por todas partes en este curso como ejemplos al siguiente que quiero compartir contigo es por supuesto, poner Oldenburg conocido por sus memorables imágenes cinematográficas. Es reconocido como uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes. Estos son sólo algunos de los grandes maestros cuyo trabajo estoy seguro de que escucharon o al menos vieron. Pero claro que sigo a las personas que son un poco menos icónicas pero no menos inspiradoras. Y aquí están los pocos nombres. Uno de ellos es una pierna o preescolar. Como verdadero fotógrafo de bellas artes originario de Ucrania, es un maestro de crear imágenes coloridas y soñadoras que arrastran a tu eres en su narrativa visual. Asamblea. No quiero dejar de mirar esos. De hecho, una de mis imágenes más populares en realidad se inspirará en su fotografía. El siguiente uno, Gabriel Isaac es fotógrafo de Suecia. Crea unas escenas reales y melancólicas donde invita al espectador a interactuar con el mundo interior de la sal o dedos que simbolizaban nuestros propios estados inconscientes. Su obra es muy pacífica, monocromática y minimalista, y me encanta esto al respecto. También admiro las obras minimalistas del avión del Nilo Oswald, la forma en que juega con las reglas de composición me fascinan. Por eso quería presentarte también a su trabajo. Otro de los favoritos míos es Sony Music. Sus obras son una explosión de color. Su mente no parece tener límites. ¿ Está de acuerdo? Ahora, cuando hayas recogido las aspiraciones de orina, lo siguiente que debes hacer es analizarla. Derivado del ejercicio anterior, es necesario contar con al menos 10 fotógrafos cuyo trabajo resuene contigo por tal o cual motivo. Ahora la parte importante que muchas veces se pierde es tratar de entender por qué resuena la obra y sobre todo qué partes de ella te hablan. ¿ Te gusta cómo juega un maestro con la luz o iPhone para tener una paleta de colores. A lo mejor son los temas o estados de ánimo los que te hacen realmente gustar el trabajo. Pregúntate, ¿qué me gusta de esta imagen y lo que no me gusta? Elementos de su trabajo Quiero agregar a mis fotos, hacer una lista para cada fotógrafo. Por ejemplo, me gustaron las fotos de Rodney Smith. ¿ Por qué? Porque se ven tan reales. Ahí está Mr. en ellos, la composición es perfecta. ¿ Qué quiero pedir prestado de él? Son esas mismas cosas. Al mismo tiempo, me gustan las fotos de arena numero stick. Sus obras son surrealistas a y reventan de color. No creo que me gustaria agregar esos colores realmente audaces, saturados a mi trabajo, pero me gusta cómo sus imágenes rompen algunos límites o percepciones. Y quiero aprender eso de ella. Entiendo eso de todos los fotógrafos. Puedo combinar todas las cosas que me gustan de muchos fotógrafos en mi propio estilo personal. Esta mezcla será única para mí y para mi trabajo y nunca se verá como una simple copia de la imagen de otra persona. Otro ejemplo, te gusta la arquitectura para esos, pero en realidad no eres una enorme arquitectura Fan. ¿ Por qué te gustan esas fotos entonces? Principalmente porque se ven organizados y sencillos. A lo mejor porque alguna arquitectónica luce correo tan real porque disfrutas de los colores de esas fotos. Introducir esas preguntas te ayudará a entenderte mucho a ti mismo y a tu fotografía y te hará mirarla desde un ángulo diferente. No obstante, aunque se puede obtener mucha inspiración del trabajo de otros fotógrafos, es realmente importante no quedarse abrumado y estar enfocado en el, en eso. Recuerda, nuestro cerebro registra todo. Y podrías ser el segundo en las ideas. Ves el trabajo de otra persona inconscientemente y luego frotas, retírelos. En Europa, está totalmente seguro de que es tu propia creación. Por eso de vez en cuando, Es realmente importante apagar todas las inspiraciones fotográficas entradas de diferentes fuentes. Pero ahora es el momento de hacer ejercicio y entender lo que te inspira para la práctica de esta lección, quería crear una lista de 10 fotógrafos que admires la muda cuyas imágenes mirarás y pensarás, quiero rodar así. Siguiente por cada fotógrafo, lee al menos tres cosas que te hacen gustar su trabajo. ¿ Es la composición, los colores, el procesamiento de jefe? También te resultará útil si creas colecciones de las fotos para tu referencia personal. Por lo que puedes hacerlo como tablero en Pinterest o como carpetas en tu computadora o teléfono. Después de eso toma un tiempo para reflexionar por qué te gustan esas características particulares y cómo puedes presentarlas a tu fotografía para comunicar mejor tu almacenamiento. obstante, creo firmemente que nuestra inspiración nunca debe limitarse a las fotos sobre cuándo necesitaremos obtener inspiraciones de otros tipos de arte. Y esto es exactamente de lo que estaremos hablando en la siguiente lección. 25. Módulo 6: de provisión de inspiración desde fuera de la fotografía: Amy trabajo con una triste fotografía es como este bebé que necesita ser alimentado todo el tiempo. Siempre tiene hambre. Tiene que leerse para cuidarse. Entonces, ¿cómo alimentamos a este bebé, si no con fotos? ¿ De dónde más podemos fuente de nuestra inspiración? Ya mencionamos que puedes inspirarte otras formas de arte y hablaremos de eso en un segundo. Ahora bien, no te detengas ahí. También sugiero mirar sus intereses más amplios en diferentes áreas como el deporte, la política, la salud, los psicólogos, la espiritualidad, lo que sea. Ahora quiero hablar de formas en que puedes dibujar inspiraciones de diferentes áreas del arte, de otros tipos de arte visual, principalmente, ¿qué puede ser eso? Y en primer lugar, las bellas artes, por supuesto, van a exposiciones en museos, mirarán a través de libros con reproducciones. El arte fino está en la web, por lo que también puedes encontrarlo ahí. Pero no sólo lo mires activamente estudiado. Es importante ser intencional aquí. ¿ Qué se puede aprender del estudio de bellas artes y también de cualquier tipo de galería de arte contemporáneo? Y en primer lugar, las poses de las personas y sobre todo la posición de las manos. Como sabemos, las manos pueden ser el mayor problema para un modelo a la hora de posar, muchas piezas de arte fino te darán muchas poses frescas AD es para tu fotografía. A continuación, comprenda cómo se pintan la luz y las sombras e interactúan en una imagen. Estudia, combinaciones de colores y trató de entender cómo se suman a un estado de ánimo general de la pieza. ¿ El pintor utilizó colores apagados para crear un ambiente más romántico y pacífico? O era su objetivo de molestarte realmente con su trabajo, o incluso ponerte en un estado de choque ligero. ¿ Puedes aplicar esas combinaciones a tu trabajo para lograr el mismo efecto? Otra cosa que quería mencionar en lo que respecta a encontrar artistas aprendiendo de culturas y en instalaciones artísticas, arte contemporáneo rompe todos los límites y utiliza todo tipo de materiales para expresar sus ideas. Entonces, ¿por qué no tomarles prestadas esas ideas? Cosas a notar aquí, cuando ves una instalación o un arte contemporáneo, los objetos son materiales que se utilizaron, cómo se ven en una luz diferente, cómo se pueden combinar, qué pueden simbolizar ? ¿ Cómo las personas pueden interactuar con ellos? Si miras de cerca, una visita a una exposición muy pequeña puede recurrir a una fuente analista de ideas frescas. Tu siguiente enorme fuente de inspiración visual puede ser y debe estar viendo películas y series, en realidad, cualquier tipo de videos incluyendo los de música. cinematografía está estrechamente relacionada con la fotografía, sin embargo es muy diferente. Por lo que hay muchas cosas que aprender de grandes directores de cine y directores de fotografía. Y aquí te dejamos un gran ejercicio que puedes hacer mientras ves películas y cortometrajes. Pausa y las siguientes capturas de pantalla. Posteriormente podrás analizar esas capturas de pantalla. A partir de ese análisis, se puede entender cómo construir una atmósfera, cómo compilar un cierto estilo, el uso de detalles y accesorios, cómo utilizar la luz y la sombra o incluso pedir prestadas ideas reales. Por ejemplo, empecé a trabajar primero con nuestras gomitas después de ver el cupón de la película de animación las dos cuerdas, me fascinó el hecho de que un objeto tan liso, un trozo de papel, podría convertirse en miles de diferentes con muchos significados. O la siguiente fuente de inspiración visual está diseñada. Puede ser cualquier tipo de diseño desde anterior hasta web y producto uno. ¿ Cómo puedes inspirarte en el diseño? Nuevamente, puedes asistir a presentaciones de diseño, mirar a través de revistas de diseño y escaparate en tiendas de diseño, buscar ideas de uso inesperado de las cosas. A menudo, los diseñadores usan materiales u objetos de formas inusuales o incluso surrealistas. Aquí te presentamos los giros en U para recoger conceptos. Por ejemplo, encontré la idea para esta imagen en la revista de diseño de interiores hace unos cinco años. No lo usé de la forma exacta en que se presentó en la revista con ilustraciones botánicas. No obstante, en cambio, usé páginas de un libro regular y mío que era mi trabajo pre de Instagram. Ahora, parece que todo el mundo está usando libros y páginas en su contenido visual, cual no es malo, pero definitivamente tampoco se ve justo original. A continuación, y tal vez mi favorita para la inspiración visual es la ilustración. Lo que me gusta de los ilustradores y su trabajo es que a menudo están desconectados de la realidad por completo. Y nosotros, los fotógrafos solemos ser mucho en la realidad, aunque quieras crear una foto surrealista desde el principio mismo de su existencia, fotografía tenía este componente documental para ella, y fue creada para documentar la vida real. Y me encanta esto de la fotografía. Disfruto creando fotos que se ven reales, pero nuestras surrealistas al mismo tiempo, me gusta rodar todo en un mismo lugar, sin cambiar nunca los fondos de mis imágenes. No obstante, siempre tengo que pensar en cómo voy realmente debería la escena y a veces es un bloquea mi imaginación. Los ilustradores no tienen esos límites. Para ellos, todo lo posible. Me encanta pedir prestadas ideas de ilustradores y recrear en mi fotografía, mi manera. A menudo viviré en th, el significado y mensaje originales de la ilustración. Pero esto es parte de estratificación inspiradora. No se limita a copiar sino parafrasearlo con sus propias reglas. Aquí te dejamos un ejemplo de cómo nuestra prestada una idea que vi en la obra de ilustrador italiano y Nicollet para llamarla, estas fueron las fuentes visuales de tu inspiración. No obstante, tu inspiración puede venir de cualquier lugar y de cualquier forma de arte, música beat, teatro, danza, Literatura. Y tal vez muchos de ustedes se han inspirado en piezas musicales antes para aquellos que no lo eran. Aquí hay un ejercicio de un fotógrafo estadounidense más fino, Rob Woodcock. Tómate una hora o incluso una pareja, quédate solo o sal afuera y llévate tus auriculares y un álbum o tus artistas favoritos contigo y simplemente escucha la música continuamente nota en qué tipo de imágenes se levantan en tu mente. Esas serían las ideas para tus futuros trabajos. Se puede escuchar tanto música sin palabras como canciones con letras, e intentar imaginar activamente de qué está hablando la banda o músico en la canción. Esta práctica me trae al menos 23 ideas frescas todos los días. La siguiente fuente popular de operación financiera es, por supuesto, toda la literatura, novelas, cuentos, poesía, etcétera. Una de las formas más directas de inspirarse en la literatura, pero definitivamente no la única, es mediante el uso de trama e historias reales. Echemos un vistazo a cómo se refleja el popular cuento de hadas sobre las impresoras y la P en las obras de cinco conocidos fotógrafos contemporáneos. Todos ellos tienen similitudes. Por supuesto, así es como reconoces la trama. No obstante, el ambiente y la impresión de que estas fotos producen un euro son profundamente diferentes. Rodney Smith crea una imprenta de tableros de imágenes en un bosque de cuentos de hadas. Es soñador y mágico y pacífico también. El código del programa Eugenio cuenta más de una historia de alta moda usando accesorios interiores vintage y vestuario. Imagen de Brooke sombreado es como siempre misteriosa y oscura. Rosie Hardy creó un disparo de película de terror casi mostrándonos cómo deben las impresoras haber estado aterrorizadas por los moretones que apuntan como la foto de Ferdinand Goldstein, mezcla claramente elementos de la cultura pop y la fotografía holandesa de goma . Tan interesante y divertido ver esas interpretaciones. ¿ Está de acuerdo? Por lo que estas fueron sus fuentes artísticas de inspiración. ¿ En qué más se puede inspirar? ¿ Cuáles son sus intereses más amplios? ¿ Al hierro le gustan los deportes, la política, los psicólogos de la salud, la territorialidad, la naturaleza o los animales? Muchos artistas se inspiran en la naturaleza de diferentes maneras. Así es como funciona para mí. Por lo general cuando salgo a dar un paseo, miro a mi alrededor y veo algunas locaciones interesantes y parte demonios sí dispara algo ahí. Para mí, esta ubicación es el punto de partida de mi paracaídas y el inicio de mi historia visual. Recientemente sin tomar inspiración del detalle en la naturaleza, la forma en que se ven ciertas cosas, qué tan organizadas o desorganizadas son, los colores de esos objetos. Y estas pueden ser cosas muy simples como rocas, frutas, flores o ramas y hojas de árboles. Siempre cosas pequeñas, no lugares grandes como campos o playas. También puedes tratar de dibujar ideas a partir de ahí. Ahora pongámonos aún más prácticos. ¿ Cuáles son tus aficiones y cómo puedes incorporarlas a tu fotografía? Permítanme darles un ejemplo. Esta es Verónica. También es conocida como kicker de cutover en YouTube e Instagram. Es una bailarina profesional y desapasionada por necesidad y tus intereses en la fotografía vinieron exactamente de ahí. Ella quería crear imágenes interesantes de sus tricotejos. Ahora bien, no todo su público sabe de sus necesidades y afición, creo porque un pulcro en la llevan a una fotografía creativa de amor más grande. Ahora hay una fuente de inspiración más que me gustaría compartir con ustedes. Esto es lo suficientemente típico mencionado durante cualquier par de torques en la inspiración de Fotografía, pero siento que es uno enorme y hay que considerarlo también. Mi inspiración y motivación para crear a menudo viene de las personas y de las interacciones significativas. Si me has estado siguiendo desde hace algún tiempo, sabes que soy un gran proponente de colaboraciones. Y además de todos los demás beneficios como crear proyectos a mayor escala, puedes inspirarte en el trabajo de tus colaboradores y en el proceso de co-crear algo juntos. Permítanme darles un ejemplo. Estas dos imágenes son únicamente producto de mis colaboraciones. No los hubiera creado de otra manera, más aún así nunca pensaría en Creta y en algo así. Ver lo tematizó. Fue una colaboración con el comerciante más nuevo, Irina cool Cova. Ella se acercó a mí con una idea de trabajar juntos. Decidí intentarlo. Y esto inició el proceso de búsqueda de diferentes formas de conectar nuestra creatividad. Antes de ese momento, nunca se me ocurrió agregar ilustraciones a mis imágenes. El imagen con el paraguas de flor de diodo fue producto de mi colaboración con un florista, LN y Bostrom. Yolanda quería hacer algo realmente inusual con las flores y empezamos a buscar ideas juntos. Esto es lo que se nos ocurrió, y estoy muy agradecido por esta experiencia. En una nota final sobre la inspiración, me gustaría conocerlos y traerlos de vuelta a las historias. Historias sobre personas que se ven impulsadas a crear una gran porción de mi inspiración y motivación viene de alimentarme constantemente con historias como esa. Y ni siquiera importa lo que esas personas creen y terminan siempre y cuando sea algo constructivo y no destructivo. Déjame explicarte y darte un ejemplo. Soy un gran fan del show en vivo gyrase de J's en YouTube. James Jarvis es un fotógrafo y enterpreneur de fama mundial, pero soy fan de una historia. Ah, no porque me guste su estilo de fotografía. No en absoluto, sino porque constantemente está creando algo y ayuda a otros a hacer lo mismo en el show. Pasa a los creativos más importantes del mundo y les pregunta sobre sus luchas y cómo lograron superarlos. Veo a toda esta gente, este alto logro no son súper humanos que son exactamente como tú y yo, pero ponen en el duro trabajo en lo que sea que hagan. Y me motiva a seguir con mi arte y hacer lo mismo. No obstante, esos son solo pequeños ayudantes. Creo profundamente que si necesitas motivarte constantemente para hacer algo, entonces probablemente es algo hace algo simplemente no es para ti y tienes que encontrar lo tuyo. Tus motivaciones profundas deben venir desde dentro, de tu deseo de expresarte visualmente y compartirlo con la gente solo cuando entiendas por qué absolutamente debes crear algo. Puedes sostenerlo durante mucho tiempo y encontrar una respuesta a esta pregunta no te llegará de inmediato. Puede llevar años, así que no te desanimes si aún no lo sabes. Me gustaría finalizar nuestra charla sobre inspiración con consejos sencillos pero poderosos. aburrirse, obtener inspiración en ARDS y la gran gente. No obstante, si constantemente solo consumes contenido, terminas por no crear nada tú mismo. También necesitas tomar descansos y aburrirte. La inspiración para crear proviene de esos minutos de aburrimiento. Cuando no miras tu teléfono, cuando no estás viendo la televisión y no estás hablando con nadie. No es sorprendente que muchas personas informen que se inspiran. Las duchas o mientras conduces, o lo peor de todo, en mi opinión, es justo antes de dormirse. El motivo para inspirarse en esos momentos está científicamente estudiado y ha sido utilizado por décadas por los creativos más exitosos y buenos. Y Einstein, por ejemplo, necesitas meterte en el estado Alfa de la actividad cerebral. Esto es cuando no estás pensando activamente, sino que estás relajado y calmado tu Gran Bretaña más dura y golpeado lentamente. Puedes ponerte en esta condición sentándote y tratando de meditar. Por lo general, no puedes despejar completamente tu mente de los pensamientos. Pero las ideas brillantes finalmente tienen un peso. La idea de quietud que se está volviendo cada vez más popular hoy en día tiene una aplicación muy práctica para los artistas. Entonces si lo has estado alejando, dale un intento y muere garantía de que verás resultados positivos inmediatos en tus prácticas creativas. Entonces ahora sabes cómo y de dónde puedes obtener inspiración para tus futuros trabajos. Ahora, es hora de practicar. Elige dos de los siguientes ejercicios y sube tus resultados a nuestro espacio de aprendizaje. El primero, puede ser ver una película o un video musical y hacer capturas de pantalla de los episodios que realmente te gustaron. Piensa en por qué te gustan. ¿ Es el componente visual es emocional? Anote sus respuestas. La siguiente opción, piensa en los tres principales atractivos de tu ciudad. ¿ Por qué te faltan esas restaciones? ¿ Es de nuevo el componente visual, está conectada la historia con ellos? Es algún tipo de sentimiento que los conectes con ellos justo fuera esos entra opción número 3 y lee un cuento de hadas o un cuento corto. ¿ Cómo describirías la trama en una frase corta? Escríbelo la siguiente opción. Toma una revista de diseño de interiores. No importa si es viejo y miras a través de las tendencias, ¿cuáles son las características básicas? ¿ Qué puedes aplicar a tu fotografía? Y convertirte en un concepto? Anote sus respuestas. Opción número cinco, grandes tres objetos naturales. Podrás recogerlos en el parque cercano o en una tienda de abarrotes, no importa. ¿ Qué te gusta de estos objetos? ¿ Cuáles son las características más destacadas? Daxter formas de color, ¿algo más? un vistazo de cerca a ellos y anota tus asociaciones. ¿ Qué te recuerdan esos objetos? Por lo que tus respuestas a las preguntas en estos ejercicios son los detalles que puedes usar para tus futuras imágenes. Por lo que de nuevo, puedes escoger dos ejercicios a partir de los cinco minutos y completarlos. Podrás llegar a los otros tres más tarde cuando tengas más tiempo. Pero si eres bueno a tiempo, haz los cinco, comparte tus inspiraciones, sube tus imágenes ilustrando tus respuestas a al menos tres preguntas. Tu escrito entra en el comando a las imágenes. Me intriga ver qué te inspira. Ahora chicos. Sé que fue un bocado, pero solo recuerda que no tienes que inspirarte en el eritema a la vez. Fuentes de inspiración del martes que son adecuadas para ti y explorarlas a fondo. Esto te ayudará a entenderte mejor, y esto inevitablemente resultará en que produzcas un trabajo más significativo y más auténtico. 26. Módulo 7: 2 formas de Atribuir un concepto a una foto: Este módulo de aprendizaje, hablaremos de un tema avanzado, conceptos creativos. Y estaremos tratando de encontrar una respuesta a la pregunta de qué se trata realmente tu historia. Si esto suena interesante pero un poco intimidante, sabe que no estás solo. Y yo también estaba ahí. Sucede solo porque sigues diciéndote que tu vida es aburrida y que realmente no tienes ninguna historia que contar. Pero sepan que esas son sólo mentiras. Te mostraré cómo puedes crear historias significativas cavando profundamente en tu mente hasta, y encontrando esos conceptos. Vigila. Y no puedo esperar a compartirlas con ustedes. Dentro de Harvard, 10 años de mi práctica artística y después entrevistar a más de 50 fotógrafos que trabajan en la misma área conceptual, he descubierto que existen dos formas de atribuir ese concepto a su trabajo. Se puede llegar a un concepto para su imagen antes o después de crear su fotografía. Y ambos caminos están bien. Entonces lo que quiero decir con antes de crear es que se te ocurre un concepto, tema o un problema del que quieres hablar antes incluso de planear tu fotografía, escoges algo que resuena contigo a un nivel personal profundo, y solo entonces tú crear intencionalmente prestando atención a cada detalle. No obstante, hay un segundo esperado a través del concepto a tu trabajo y eso es después de crear, esa es tu idea ejecutiva. ¿ Cuál es tu proceso? Después de que la imagen esté lista, intentas contestar la pregunta, ¿qué me empujó a crear este trabajo en particular? Te estaré enseñando a encontrar contenido antes de empezar a crear la obra en la siguiente lección. En tanto, dejemos claro las fotos que creaste y sigamos creando sólo porque y por la frescura o belleza de la misma, sepamos que está bien dejarte explorar temas sin atribuirle cierto concepto desde el muy comenzando. En algunos casos, incluso es necesario desde el cielo entrevistado muchos reconocen a los fotógrafos en la oscuridad. Ahora me doy cuenta de que crear un pero sin sentido, y pongo sin sentido entre comillas. Pero el trabajo estéticamente agradable hace por la belleza y extrañeza de la misma. Un paso importante para crear ese trabajo profundo y fuerte que impactará a las personas en niveles emocionales y cognitivos. Además de eso, seamos sinceros, una gran parte de crear cualquier tipo de arte es subconsciente. Si tratamos de controlarlo todo y tomamos la parte intuitiva de crear fuera, ya no será arte. Lo que es importante entender es que muchas veces el trabajo que parece no tener sentido para ti al principio todavía puede ser visto como conceptual y contar una historia clara. En el comienzo mismo del curso, hablamos de cómo se puede contar una historia en cualquier tipo de fotografía, incluso cuando se fotografian flores o donas. Recuerda, al final, todo se reduce al significado que atribuyes a tu trabajo tú mismo. Sí, tú eres el artista y es tu derecho y responsabilidad en realidad hacerte consciente de por qué creas, cuando creas, ¿Por qué quieres tomar esas imágenes de almohadillas, parejas, flores, caras felices dichas mujeres y vestidos vintage, chicos sin cabeza en el agua, lo que sea. Permítanme darles un ejemplo personal. Los conceptos eran parte muy difícil para mí en el inicio de mi aliento fotográfico, cuando empecé a probar este tipo de fotografía, solo quería crear algo inusual y surrealista, básicamente algo que se vería genial. No tenía una historia real detrás de ninguna de mis fotos. Y si reconoces tu historia en la mía, sepas que esto es normal. Esta es la etapa de descubrir y construir tu interés en cierta área del arte. Posteriormente, cuando maduré como artista, empecé a preguntarme por qué crear, qué creo una conectada las imágenes que tenía con mis intereses en la psicología y las relaciones humanas. Y sus se dieron cuenta de que yo estaba comunicando cosas que nos estamos tocando a un nivel emocional profundo inconscientemente. Y eventualmente pude llegar a conceptos e historias reales de mis obras pasadas. Entonces si quieres ir al siguiente nivel y lo haces porque estás aquí. Y en nuestra franja visual de narradores, tendrás que empezar a hacerte algunas preguntas realmente profundas. Al igual, ¿por qué quiero crear trabajos así? ¿ Qué tipo de valor puede agregar verde a las personas? ¿ Qué tipo de valor me trae? Cuando empieces a entender esas cosas, te darás cuenta de que en realidad había historias profundas en tu trabajo, pero llegaron por tu mente inconscientemente. Ahora es el momento de que los pongas en palabras y les atribuyas todos los significados que te parecen importantes? Sí, intenta interpretar tu propio trabajo. Trató de mirarlo como si fueras un extraño. Esas preguntas son realmente grandes y lo más probable es que no puedas encontrar respuestas de inmediato a ellas. Lleva a algunas personas años. Y por cierto, las respuestas pueden cambiar en el transcurso del tiempo. Entonces, no te estreses al respecto de inmediato. Simplemente trató de tomarse tiempo para pensarlos y anotar sus respuestas, luego volver a las preguntas en una semana o en un mes. Esto te mantendrá centrado y comprometido con tu práctica de fotografía. Porque cuando sí encuentres respuestas a esas preguntas, cuando sepas tu por qué, podrás sostener tus prácticas creativas y nunca te cansarás de trabajar para los clientes. Por lo que tu objetivo como artista se convierte en elevar los niveles de autoconciencia y conciencia sobre ti mismo y las historias que quieres contar. Es aquí cuando comienzas a conseguir más realizaciones sobre las cosas que son importantes para ti y por qué son importantes, entonces conscientemente quieres que tu arte sea transformador para el espectador mientras aún estás abierto a la interpretación, Practicemos de lo que acabamos de hablar. Echa un vistazo a tus trabajos pasados. Busca los que creaste para la pura estética o extrañeza de ellos. Escoge tres imágenes. Ahora, vuelve al momento en que estabas creando y pregúntate, ¿en qué estaba pensando? Pero lo más importante, ¿qué estaba sintiendo? Las respuestas a esas preguntas te darán pistas e insinuaciones sobre los conceptos e historias que ahora se pueden conectar con tu trabajo pasado. Ten en cuenta que solo debes ir por las historias y conceptos que realmente resuenan contigo ahora y que no parecen falsos. Es importante ser completamente honesto contigo mismo mientras haces este ejercicio. Otro conjunto de preguntas que quiero que te hagas al mirar tu contraseña es qué tipo de cosas, objetos, personas que te gusta tener en tus imágenes. ¿ Por qué crees que están presentes en tu trabajo? ¿ Qué quieres que sientan los espectadores cuando vean tu trabajo? Con cuál de tus obras estás conectado más emocionalmente, sobre todo, y por qué? Contestar estas preguntas te ayudará a entenderte mejor a ti mismo y a tu trabajo. En la siguiente lección, estaremos aprendiendo a encontrar conceptos para las obras que usted está planeando entregar en el futuro. No será fácil, pero definitivamente será divertido. Vigila. 27. Módulo 7: conceptos internos: En esta lección, estaremos hablando de coma num con conceptos personales o internos. Antes de sumergirnos en eso, quiero recordarles que con este curso, mi objetivo es enseñarte a empezar a tomar conciencia de qué historias quieres contarle a este mundo. ¿ Por qué es importante esto? ¿ En primer lugar? Porque cuando entiendes por qué creas tus obras, tus trabajos te traen cumplimiento y tienes más probabilidades de encontrar a las personas que resuenarán con el mensaje que estás poniendo ahí afuera. Y esto incluye galerías, coleccionistas, seguidores en Instagram. Además, si ya estás trabajando en un plan y para trabajar con marcas y clientes, esto te ayudará a atender mejor a tus clientes. Cuando aprendes a contar historias en tus proyectos personales, sería mucho más fácil transformar este proceso a tu trabajo comercial rans, revistas, e incluso los individuos siempre tienen un mensaje que quieren transmitir a su público. Por eso quiero cavar, integrar en conceptos generales para tus imágenes primero y luego bajarme para encontrar unas ideas reales para su toma. ¿ Cuál es el primer paso para encontrar unos conceptos para tu trabajo? Echemos un vistazo a cómo se pueden clasificar los conceptos. A mí me gusta dividir conceptos en dos grandes grupos en conceptos Word y hacia afuera. Los conceptos internos incluyen todo lo relacionado con tu vida personal, con tus recuerdos, tus penurias, y momentos felices, tus antecedentes familiares aquí, las emociones y básicamente tu psicología, los conceptos externos reflejan lo que está pasando en el mundo que te rodea y cómo reaccionas ante esas cosas estará sumergiéndose más en las de la siguiente lección. En tanto, hablemos de conceptos internos. En busca de conceptos internos, hay que estar pensando en las preguntas como, ¿qué están preocupados, las luchas más grandes en la vida? ¿ Qué retos has tenido que superar? ¿ Cuáles fueron tus reacciones emocionales hacia ellos? ¿ Qué aprendiste de ellos? ¿ Cuál fue lo peor o mejor que te ha pasado? ¿ Por qué fue lo mejor o lo peor? ¿ Cuáles son tus mayores miedos? ¿ Cuáles son las cosas por las que más estás agradecido? ¿ Cuáles son tus sueños y aspiraciones? ¿ Cuáles son tus objetivos en la vida? ¿ Por qué elegiste esos goles? Y entienden totalmente que esas preguntas son realmente grandes y no son fáciles. mejor esta es la primera vez en tu vida que te han hecho esas preguntas. No obstante, cuando realmente te sientas y te tomas tiempo para pensar en esas preguntas, empezarás a entenderte mejor y eventualmente se reflejará en tu trabajo. Además, analizarte te dará una abundancia de conceptos para tus futuras imágenes. Y no sólo imágenes, sino toda la serie de obras que estaban apuntando. Permítanme mostrarles un par de ejemplos de fotógrafos que trabajan con conceptos internos. Por ejemplo, creé esta imagen cuando no estaba en medio de una transformación psicológica seria. Y el estándar que había dos de mí, el que todos me rodeaban, lo que significa que mi familia y amigos querían ver. Y la real que en realidad no era del lado pero no permitía que se mostrara porque no encajaba en la forma en que la gente a mi alrededor vivía en la imagen. Estoy tratando de armonizar esos a. La parte interesante es que no tenía eso. En mente cuando estudiaba la imagen, me vino después cuando me cuestionaba por qué esta imagen era tan importante para mí rodar. Posteriormente, encontré que este tema era muy interesante y en realidad puedo desarrollarlo de múltiples maneras. Y no se trata del bien y del mal en nosotros. Se volvió a ser sobre el diálogo interno que todos tenemos. En ocasiones ese diálogo es cruel y nos castigamos a nosotros mismos. Lo que intentaba hacer con mi trabajo fue poner ese diálogo interno, uno positivo, y para que encontremos en su pieza, Aquí hay un ejemplo de otra fotógrafa. Él o Evan Smith, cuando tuvo un bebé, eso le dio un significado completamente nuevo a su vida y la hizo reevaluar muchas cosas sobre sus relaciones madre-hija. Esos pensamientos se reflejan en esta serie que llamaste, visto, no escuchado. Otro ejemplo es de un fotógrafo terminado. Wilma caballo en realidad puede especular sobre el tema de crecer y cambiar y creó toda una serie de imágenes donde reproduce sus viejas fotos de la infancia. El siguiente paso de descubrir tus conceptos internos podría parecer aún más complicado. Algunos de ustedes preguntándose sobre sus valores de vida, ¿por qué es esto importante para un artista? Bueno, los valores son parte de nosotros. Destacan lo que representamos. Pueden representar un patrimonio individual único. Los valores guían nuestro comportamiento y por supuesto, deben reflejarse en nuestro trabajo cuando somos dueños de nuestros, nuestros valores centrales personales consistentemente y dejarlos brillar en nuestras fotos. Experimentamos el cumplimiento desde el rodaje y estamos preparados para hacerlo durante el tiempo que podamos descubrir nuevos valores fundamentales requiere algún trabajo psicológico personal, que incluye mirar hacia atrás a tus experiencias más memorables en la vida. Se puede hacer con un guía especialista y entrenador mentor por su cuenta. Y hay una serie de artículos sobre pasos prácticos sobre cómo descubrir tus valores personales. Sí te recomiendo que las revises cuando descubras lo que realmente valoras en la vida es, le haremos magia a las imágenes que creas y nunca te preocuparás copiar el trabajo de otra persona ya que tu trabajo te estará reflejando plenamente. Ahora, hagamos un trabajo práctico y veamos que sumergirnos en tu propia personalidad, recuerdos, sentimientos y creencias puede ser una tremenda fuente de inspiración artística y proporcionar una abundancia de conceptos para tus futuras imágenes. Por lo que a este ejercicio se le llama llegar con conceptos internos. Y quiero que escojas tres preguntas de la siguiente lista, introduzcas las de la manera más honesta posible. No estarás compartiendo tus respuestas con nadie. Así que sé honesto al responder cada pregunta, haz al menos tres cosas. Entonces las preguntas son, ¿cuáles son tus mayores luchas en la vida? ¿ Qué retos has tenido que superar? ¿ Cuál fue tu reacción emocional hacia ellos? ¿ Cuál fue lo peor o lo mejor que te ha pasado? ¿ Cuáles son tus mayores miedos? ¿ Cuáles son tus sueños más grandes? ¿ Cuáles son las cosas por las que estás más agradecido en la vida? ¿ Cuáles son tus metas en la vida y por qué elegiste esas metas? Después de haber completado la lista? Míralos. ¿ Cuál te desencadena emocionalmente más? 2s ese. Este puede ser el concepto básico de tu futuro proyecto. Por ejemplo, si eliges miedos en tus futuros proyectos, puedes explorar los temas de tipos similares de miedo y miedo. Ese miedo juega un papel importante en el desarrollo de todo ser humano de lo que puede ser formas de superar los miedos, o puede ser lo que los miedos pueden hacerle a las personas y así sucesivamente. No tengas miedo de ser poco original con el concepto. Recuerda que las buenas historias son universales y tus espectadores necesitarán algo para arraigar en tu trabajo. En la siguiente lección, estaremos hablando de conceptos externos y cómo puedes encontrar los que más te interesan. 28. Módulo 7: conceptos externos: En esta breve lección, estaremos hablando de los conceptos externos. A lo que me refiero con eso es a lo que está pasando en el mundo y cómo afecta a las personas y a ti personalmente. Esto incluirá procesos globales que estamos presenciando como tendencias y tendencias políticas, económicas o tecnológicas, psicológicas, sociológicas y ecológicas que están sucediendo en la vida cotidiana a tu alrededor. Aquí nuevamente, te sugiero que vuelvas a tus intereses más amplios y no sólo intereses sino preocupaciones, tema a cuidar y apasionado. Y permítanme darles un ejemplo. Ya mencionamos esta famosa foto de Jorge Gamboa. Claramente el fotógrafo estaba preocupado por la situación ecológica en el mundo. Su simple imagen es muy poderosa porque juega con las asociaciones y tiene como objetivo hacer que la gente piense en el estado actual del medio ambiente. Aquí te dejamos un ejemplo diferente a un fotógrafo canadiense, Dean y Goldstein. Ella decide especular sobre cómo podría ser la vida de las princesas de Disney en el mundo moderno. A través de esta serie, aborda muchos temas que no sólo se limitan a un tema. Podemos verla esquivando y sobre la política además problemas psicológicos y sociológicos. En su otra serie, Dina llama nuestra atención sobre cómo se organizaron las sociedades capitalistas modernas. Sus imágenes son agregarle carteles que venden cosas como ideas, venganza, amor, o incluso ir de compras. Pero, ¿y si eres de los que no pueden conectarse con los temas globales? ¿ Y si haces resonar con algo que trata de tu vida personal y experiencias pasadas, pero no llama a resolver el problema de la pobreza o el hambre mundial. Sepa que no está solo y no es un marginado o no ha sido lingüístico o demasiado egocéntrico. Te estás concentrando en las cosas que te tocan que en el nivel emocional más profundo. Y cuando tratas de procesar tus propias emociones conectadas con algo personal, como un drama familiar, un trauma infantil, o algo así. Sirves de ejemplo a otras personas de que lidiar con penurias es posible. Muchos espectadores podrían resuenar con ese tipo de trabajo porque esas cosas les pasan a todos. O digamos, te apasiona la vida de los conejillos de indias en Hungría en la época medieval. Sí, es un ejemplo raro. Pero si realmente te conectas con este tema, ya sabes por qué es importante para ti. Y cuando creas arte relacionado con eso, tocará a personas que tienen los mismos intereses. La belleza del mundo de hoy no es diversidad. Está bien ser diferente y la parte de un grupo más pequeño al mismo tiempo. Bueno, ¿qué de tu arte es feliz? ¿ Hay siquiera un lugar para ello en el mundo? Porque muchas veces parece que para ser considerado profundo y profundo, un concepto tiene que estar conectado con algún tipo de problema. Y mi respuesta es, por supuesto, sí, hay un lugar para el arte feliz que no se va a resolver en ningún tema global, pero te ayuda a ver la belleza de la vida y apreciado más. Mis artistas pesados favoritos son EnodeB es y Danielle Ruanda. Las artes pueden parecer una luz para algunas personas, sin embargo sirve a una misión más grande de hacer que el proyecto de ley valore la vida y las pequeñas cosas que hay en ella. A modo de conclusión, me gustaría señalar que al final del día, todo se reduce a una pregunta, cuánto de ti estás dispuesto a poner en tu trabajo y compartir con el mundo. Muchos de nosotros, yo incluido, no estamos demasiado dispuestos a expresar nuestras opiniones públicamente porque en la mayoría de los casos, tenemos miedo de ser juzgados y desaprobados. No obstante, es muy importante entender que nunca es posible complacer a todos y nunca se debe atribuir demasiado poder a las opiniones de otras personas. Asegúrese de que los cínicos y los que odian tienen sus propios platos más importantes de los que preocuparse. No obstante, comienzas a abrirte y compartir tus puntos de vista reales, el mundo, eres mucho más propenso a construir conexiones significativas con personas a las que les importará y tendrás mucho más probabilidades de escucharme dos a cambio. Y en última instancia, ¿no es esto lo que todos buscamos? ¿ Conexión? Seré honesto. Todavía tengo mucha lucha con compartir y me quedé en mi opinión a mi arte porque es mucho más fácil crear imágenes de ensueño que muestren cuentos de hadas y ofrezcan un escape, pero en realidad no te hacen pensar o enfrentar cosas que están pasando por aquí. También es mucho más fácil producir una emotiva pieza de arte y no entender por qué la hiciste. Es más fácil no hacer el trabajo en ti mismo. Tratar de entender tus intenciones personales más profundas es mucho más fácil decir, lo hice, el infierno sabe por qué. Ahora ustedes se mostraron como él y se conectan con él por la razón que sea. Pero entonces cómo podemos esperar que los televidentes se conecten con nuestro trabajo si nosotros, nosotros mismos no estamos conectados con él. Ahora practiquemos descubiertos en los conceptos externos que significan algo para nosotros. Toma un periódico o ve a la página Últimas Noticias de cualquier sitio web de noticias popular, mira a través de él y encuentra al menos tres temas que te tocaron lo más emocionalmente que ellos y trató de poner a cada uno de ellos en una frase corta. Y estas frases, la, los conceptos básicos para tus futuros proyectos, escoge uno de ellos, que te habla más y trató de ampliar el tema. Por ejemplo, puedes enumerar varios problemas dentro de un isquio grande. Digamos, si estás pensando en la contaminación ambiental, puedes partirla en tipos de contaminación o en efectos de la contaminación en diferentes zonas del mundo. Eso es sólo un ejemplo con concepto bastante negativo. También puedes tomar algunas tendencias positivas y romperlas en piezas más detalladas. Ahora, sé que ese fue un tema un poco avanzado, pero simplemente no pudieron pasarlo en este curso. De verdad se quieren tomar conciencia de por qué estás disparando. ¿ A qué disparas y qué tipo de métodos quieres poner en este mundo. Porque solo entonces podrás sostener tu práctica creativa durante mucho tiempo. Sólo entonces estarás motivado a disparar una y otra vez y otra vez. Y esto es lo que todos queremos encontrar cumplimiento en nuestro trabajo. 29. Módulo 8: formas práctica de desbloquear tu genio: En este módulo de aprendizaje, hablaremos del tema que muchos de ustedes están tan preocupados por los bloques creativos. Y te mostraré cómo deshacerte de esos de manera rápida y efectiva. También me enfocaré en técnicas prácticas de cómo puedes generar ideas fácilmente en cualquier momento. Empecemos, Vale, bueno, hablemos de los monstruos de miedo. Muchos creativos están tan preocupados por el bloque creativo. Y antes que nada, vamos a aclarar qué es exactamente cuando sabes cómo es un monstruo y de dónde viene, se vuelve mucho más fácil combatirlo. En otras palabras, hay que entender el problema y estar al tanto de ello para poder lidiar con él de manera efectiva. Los bloques creativos o barreras a la inspiración pueden describirse como la incapacidad para acceder a la creatividad interna de uno. El padecimiento va desde la dificultad para llegar con ideas originales hasta ser incapaz de producir trabajo creativo por días, semanas, o incluso años. Bloque creativo podría ser experimentado por cualquiera por una serie de razones. Muchos escritores, artistas, músicos reportaron periodos de creatividad estancada en algún momento de sus carreras. Por ejemplo, Francis llamado Fitzgerald estaba entre ellos, sin embargo, a menudo simplemente darse cuenta de cuándo, cómo y por qué se desarrolla un bloque creativo puede ayudar a una persona a abordar el bloque creativo e impidió regresar. Entonces vamos a sumergirnos más en eso. En este módulo, estaremos hablando mucho de ideas. Entonces permítanme recordarles en qué sentido uso esta palabra por ideas. Me refiero a cómo se desarrolla una historia en una imagen, la ejecución visual de un contrato, por ejemplo, en esta imagen, el concepto central es mostrar la fragilidad de una relación entre dos personas. Aquí la idea principal es utilizar los guiños gigantes de papel para desvelar este concepto mientras se habla con muchos fotógrafos, he concluido que los artistas suelen generar ideas de dos maneras diferentes. El primero es cuando tienes un punto de partida, como lo comentamos anteriormente, un elemento de vestido de ubicación de sorpresa que quieres probar, o tal vez sea la cara de una modelo o una prop cool. Y luego trataste de conectar algún tipo de historia o contacto con ella. Esa ha sido mi manera por muchos años. Esta también será, en muchos casos, la forma en que construiste tus historias visuales. En caso de que estés trabajando con marcas, por ejemplo, muchas veces te dan un producto y te piden crear algo interesante con él. El segundo es comenzar con una historia o un concepto. Cuando ya tienes un problema por el que quieres que se atraiga la atención del público. O si quieres compartir alguna experiencia personal profunda, pero no tienes ningún elemento de imagen ni puntos de partida. Creo que ambos están bien y tienen derecho a existir. No obstante, ambos tienen varios mayores retos potenciales o tipos de bloques que hoy quiero discutir con ustedes. Entonces cuando practicamos mi forma de crear una imagen desde un punto de partida, entonces lo más probable es que te encuentres solo en el componente estático de tu imagen futura. Por lo que tu historia será débil o no presente en absoluto. Esto me pasó muchas veces. Antídoto para éste sería nunca olvidarse de los significados simbólicos de los colores, apoyos, ubicaciones, poses que estás usando, y tratando de alinearlos con tus valores, opiniones y puntos de vista. Simplemente prestando atención a cómo este o aquel significado de un prop, por ejemplo, resuena contigo y qué emociones en ti se activan para no ser abrumados por la pura estática. Hágase preguntas sobre su punto de partida, como lo comentamos en uno de nuestros módulos anteriores, por ejemplo, mencioné cómo atribuí un significado simbólico personal a mi oregon y a las aves. Cuando tienes una historia clara en tu mente que quieres compartir con el mundo aún podrías enfrentarte a obstáculos potenciales. Y esos podrían parecer bloques creativos reales. El primero, el síndrome del lienzo en blanco, cuando te enfrentas al hecho de que tu historia se puede contar de millones de maneras diferentes y no sabes cuál de ellas elegir y por dónde empezar. Pero no es el único reto potencial. Una vez que hayas ideado la forma más cool de presentar tu historia, que en realidad no está conectada con las localizaciones, prompts, etcétera. Y entonces tienes a la mano, podría ser llamado en el mundo ideal y quería que todo fuera exactamente como la imagen que tienes en la cabeza. Y esto podría ser tanto bueno como malo. Por un lado, te empujará a aprender cosas nuevas, encontrar nuevos apoyos y ubicaciones geniales, gente nueva con la que trabajar, etc. Es extremadamente bueno, por supuesto, por otro lado, puedes empezar a postergar, diciéndote que aún no tienes esto o aquello para tu imagen ideal. Y mucha gente simplemente se detiene ahí mismo. Se les ocurre una imagen ideal en la cabeza, pero no pueden tenerla en realidad debido a algunas limitaciones de la vida real, y simplemente no la crean en absoluto. Pero eso no queremos, claro. Entonces aquí están mis sugerencias sobre cómo lidiar con estos dos obstáculos potenciales y antídoto para el síndrome del lienzo en blanco es establecer límites. Límpiate conscientemente. Uso de algunas indicaciones particulares, ubicaciones, colores, etcétera. Recuerda el ejercicio que terminamos al construir la historia a partir de tres elementos. Ahora, puedes establecer esos elementos por ti mismo. De nuevo, sé intencional cuando dijiste los limones y constantemente pregúntate por qué eliges este o aquel elemento en particular para estar presente y no ausente de tu imagen, ve un poco más allá y crea un conjunto de reglas para tu imagen futura. Teniendo en cuenta tus recursos, ubicaciones, modelos, utilería, y lo que puedes crear con ellos. Aquí hay un ejemplo de mi práctica, mi serie de alfabetos. Se trata de un proyecto de ración de columna con los estilos Jane Christopher hijo que vive en San Petersburgo, rusia. Y la mayoría de los brotes se hicieron ahí. Cuando iniciamos el proyecto, decidimos que la regla sería que siempre hay dos colores principales. El formato siempre será cuadrado, y la carta tomará el área más grande de nuestro tiro. Cuando empecé la serie, evalué mis recursos para reducir base con fondo de papel de varios colores son relativamente baratos y Petersburg y encontrar modelos suele ser relativamente fácil. San Petersburgo está muy cerca de Helsinki, Así que el proyecto se ve realizable desde el principio. Ahora, cuando tienes el síndrome de imagen ideal. Busca sustitutos de elementos que te faltan. Sí, tendrás que comprometerte, pero también debes recordarte siempre que lo has hecho es mucho mejor que lo inexistente. Si no puedes encontrar la ubicación perfecta, listas, todos los lugares que te son accesibles en la vida real y ver si puedes disparar ahí en lugar de tu lugar ideal. Cuando hagas esa lista, no pienses en la imagen que quieres crear. Esto no permitirá que tu mente creativa ofrezca soluciones originales. Después de enumerar todos los lugares, toma un breve descanso y luego mira la lista una vez más, visualizando tu imagen futura tomada en esos lugares. Confía en mí, esta vez podrás elegir uno adecuado de la lista. Y también puedes hacer lo mismo con otros elementos de imagen. Aquí hay otro ejemplo de mi trabajo. Mantuve la idea de esta imagen en mi mente por más de un año. Mantuve cirujano para una ubicación perfecta. Pensé que debía llenarse. No obstante, no pude encontrar tal fieltro, pero encontré una pared adecuada y el disparo finalmente se juntó. Lo central de los bloques creativos es que hay que entender que generalmente suceden a partir de demasiado pensamiento. Sí, necesitas inventar una historia significativa. No obstante, cuando podrías ponerte demasiado ocupado y cansado, ya no puede funcionar de forma creativa. Por lo tanto, permítanme compartir de alguna manera. Puedes restablecer tu mente para que pueda volver a ser aún más creativo de lo que era antes. Y en primer lugar, continúas con tu entorno, a veces cambiando el ajuste, cambia tu proceso de pensamiento. Acudir a una cafetería cercana en lugar de sentarse en casa o dar un paseo por el parque local, viajar también ayuda mucho. El siguiente modo es cambiar de marcha, dejar de pensar en nuevas ideas y hacer algo más que no esté relacionado con tu fotografía. Tu proceso de pensamiento seguirá funcionando en el fondo de tu mente y podría despegarse fácilmente y proporcionarte una idea brillante mientras estás haciendo algo al azar. Newton y Apple, nuestros comités y los ejemplos de la bañera están alrededor. El siguiente camino sería cambiar tu medio. Encontré este consejo en el libro Big Magic de Elizabeth Gilbert, simplemente traté de encontrar una salida creativa diferente. Puedes dibujar, pintar, tocar, instrumento musical, bailar, o comenzar tu proyecto DIY. A menudo ayuda a descorchar tu blog en todos los medios de inmediato. El siguiente será aislar y estar en la naturaleza, muchas veces suceden bloques creativos porque obtenemos demasiada información. O el Dr. demasiadas personas ven demasiadas películas, mira nuestras pantallas por demasiado tiempo. Cuando bloqueas esa distracción, tu mente, baja la calma, se aburrirá, como ya hablamos antes. Y lo último es bloquear el tiempo para tu creatividad. Sí, necesitas realmente establecer los horarios para ello en tu calendario. Los estudios demuestran que tu cerebro no puede ser lógico y creativo al mismo tiempo, creatividad necesita inmersión, sin embargo, queremos que las ideas simplemente salgan en medio de un día ajetreado. Y hasta puedes justificarlo diciendo, sí consigo ideas en la ducha o cuando me quedé dormido. No obstante, observa cómo llegan esas ideas cuando estás relajado. ¿ Y si tardaste varias horas en dejar que tu mente deambulara? ¿ Y si te tomaras un par de días a la semana en solo crear una semana al mes o varios meses al año. Algunos artistas sí trabajan en ciclos. munición de pintora difiere, por ejemplo, toma varios meses en un año producir sus pinturas, y el resto del tiempo se dedica a la docencia y cosas relacionadas con los negocios. Pero no tienes que hacer eso de inmediato. Se puede empezar pequeño. Nos limitaremos a los días Lexend en una semana y luego extenderemos lentamente ese periodo creativo y veremos cómo va. Entonces ahora ya sabes restablecer tu mente ocupada para poder dejar entrar las ideas brillantes. En la siguiente lección, discutiremos las técnicas reales para generar NADH. Vigilar. 30. Módulo 8: herramientas para generar ideas: En esta lección, estaremos hablando de cinco técnicas poderosas que puedes usar para siempre poder llegar a nuevas ideas. Vamos a meternos directamente en ello. Se pueden generar ideas por lluvia de ideas , reformulando, haciendo preguntas por qué, y no tiene que ser así visualizando imaginado en el resultado final y cómo se siente imaginando, cómo lo haría si fuera alguien otra cosa? Y meditando la meditación y claro en tu mente es una gran técnica. Ahora hablemos de cada uno de ellos con más detalle. Por lo que la lluvia de ideas, el objetivo principal de la lluvia de ideas es la creación de tantas ideas como sea posible con un énfasis en la cantidad sobre la calidad. Uno de los elementos clave de este proceso es que ideas es inclusiva de todo lo que los asesinatos, independientemente de lo extraña que pueda parecer una idea al principio, pero es importante mantenerla intencional. Es por eso que la lluvia de ideas funciona mejor cuando tienes un punto de partida para tu imagen. Al igual que un prop fresco, por ejemplo, o tema Como la soledad sobre abordado sobre los derechos de los animales. La forma más fácil de cavar ideas para la lluvia de ideas que viene a la mente es ir en línea y buscar obras de fotógrafos que más admires o te gustan. A veces sí voy por mis tableros de Pinterest. Es sin esfuerzo y rápido. Es muy raramente satisfactorio ya que las posibilidades de que crees obra de arte original basada en el trabajo de otra persona son extremadamente bajas. Por lo que finalmente, adecuar y apagar internet por un tiempo. Esto es lo que puedes hacer en stat Y antes que nada, escribe todo en papel y dibuja elementos individuales de tu futura imagen. También ayuda a dar a cada ADL e imagen una voz y un lugar en la página. No basta con pensar las cosas en tu cabeza. Tienes que ver las ideas en papel. Entonces si estás lluvia de ideas para utilería, ¿verdad? Libro, Harina, papel higiénico, y así sucesivamente. Si estás lluvia de ideas para elementos sorpresa, trataste de envolverlos en palabras. Y sí, literalmente me refiero a la línea de crecimiento sobre un granizo o rosas así CAN en gasolina. El siguiente modo sería jugar con la asociación de palabras. Ven mamá con una secuencia de palabras, cada una de las cuales es una asociación de la anterior. Por ejemplo, se empieza con el libro de palabras. La siguiente palabra que viene a la mente es decir historia. Entonces, cuando piensas en una historia, primero podrías pensar en una princesa y así sucesivamente. Podrás subir el listón y hacerlo más desafiante, sin tener en cuenta la primera asociación que te viene a la mente y tomando la segunda o la tercera en su lugar, te sorprenderá lo lejos que puedes llegar de la inicial palabra mientras aún se mantiene dentro de los límites de su tema. Este ejercicio te ayudará a encontrar las ideas originales esa fresca combinación de todo lo que has visto o escuchado antes de que estuvimos hablando en el inicio mismo de nuestro curso. A continuación, lo que puedes hacer es dividir tu lluvia de ideas durante varios días. Esto te permite volver a tus ideas con un ojo fresco. El siguiente paso sería hablar sobre tus ideas con un amigo. Tener que verbalizar tus ideas en voz alta con alguien más te motivará a ponerlas en palabras claras para que alguien más las pueda entender. Ni siquiera es la respuesta o reacción lo que más importa aquí, eres tú tratando de verbalizar cuando te escuchas explicando una idea a alguien, tú mismo entiendes mejor la idea si finanzas Osos Ears es un reto, haz un nota de voz o graba un video. En algunos casos nunca tienes que verlo. El acto de verbalizar tus ideas activará tu mente para crear más de ellas. Y el quinto paso sería una vez más, apagar Internet y apagar toda la destrucción. Apague el teléfono. La música está bien, pero de lo contrario, lluvia de ideas deberías ser tú un pedazo de papel, un lápiz, y tus pensamientos. El siguiente técnica es reformular. Y aquí, quiero decir, deberías hacer preguntas. Por qué, por qué tiene que ser de esta manera o tratando de mirar las cosas desde un ángulo diferente. Y esto es lo que quiero decir con eso. Todos podemos quedarnos atrapados en ciertas pistas de pensamiento. Pueden estar tan cómodos que ni siquiera nos damos cuenta de que nos están conteniendo. Entonces, para tener ideas frescas, necesitamos separarnos de patrones de pensamiento establecidos y empezar a ver nuevos caminos de camino. En cambio, es probable que traigas un conjunto de suposiciones a todas y cada una de las situaciones. Muchos de ellos pueden resultar ser ciertos, pero desafiar tus percepciones también puede abrir algunas posibilidades emocionantes. Cuando piensas en cierta forma de crear una imagen, pregúntate constantemente, ¿tiene que ser así? Ejemplo sencillo, se desea crear una imagen conceptual sobre el tema de la soledad. A uno te importa decirte que crees, bueno, déjame hacer una conjetura salvaje y decir que quieres fotografiar a una chica con un vestido largo vintage en el bosque, pelos sueltos, cara triste. A lo mejor sostiene algo en sus manos como una linterna o una vela. Ahora, yo quiero el reto que y hazte la pregunta, no tiene que ser así. ¿ Tiene que ser niña? ¿ Quién o qué más puede ser? ¿ Tus súbditos tienen que estar en el bosque? ¿ Dónde más puede suceder? ¿ Tiene que haber una vela? ¿ Qué más puede sostener su sujeto? Entiendes la idea, si esto parece un poco complicado, trataste de llegar a respuestas para lo que nunca querrías tener en tu imagen cuando estás escribiendo una lista de esas cosas, generalmente las cosas que realmente quieres tener en tu fotos, bob arriba. Otra cosa que hacer sería encontrar varios emisores que no te gusten y trataras de explicar por qué, ¿qué harías diferente en esta imagen? Y puedes conseguir un montón de ideas de esta manera. La siguiente técnica es visualizar. Imagina el resultado final y cómo se siente. Cuando empiezo a prepararme para un rodaje, siempre tengo en mente mi imagen final. Visualizo la escena y entiendo qué elementos necesito ponerme en su lugar para que se vea como me gustaría que te aconsejo que hagas no es simplemente conocerte en la escena, sino que hagas esa imagen mental lo más detallada posible. Quiero que lo escuches, lo huelas, lo toques, y lo sientas en tu cabeza. Y luego graba todo lo que sentiste esta visualización y experiencia aumentará drásticamente la creíbilidad de tu historia visual. La siguiente técnica es imaginarse, o ¿cómo lo haría si fuera otra persona? Entonces al imaginar aquí, quiero decir, ponerte en los zapatos de otra persona para resolver tu problema creativo, tienes una lista de tus fotógrafos favoritos. Escoge uno o dos de ellos y pregúntate, ¿qué pasaría si trabajara en Walker, cómo debería eso cómo me acercaría a este tema? ¿ Cómo trabajaría con esta persona? ¿ Cómo debería yo en este tipo de luz, cuando te imaginas como alguien más, más importante es atribuirte sus cualidades personales a ti mismo. En muchas situaciones surgen bloques creativos cuando tenemos creencias limitadas sobre nuestras propias habilidades, que no somos lo suficientemente inteligentes o no lo suficientemente talentosos como para salir con alguna idea original. No obstante, si te imaginas como un andador de equipo, te sentirás como un superhéroe fotográfico y actuarás en consecuencia y también lo hará tu mente. Y nuestra siguiente técnica es meditar. Pongo esta palabra entre comillas porque no soy cargas de trabajo a un metadato profesional y nunca tomé clases en ella. Hago lo que llamo paseos mentales creativos. Y esto hace maravillas a mi arte. Recibo ideas frescas todos los días. Lo que hago es por la mañana, después de mi rutina de entrenamiento y ducha, enciendo algo de música común y me siento con los ojos cerrados durante unos 20 minutos. Necesitas algo de tiempo para concentrarte y empezar a pensar en tus tareas diarias. Pero cuando te enfocas en el sonido y simplemente dejas vagar tu mente, las imágenes comenzarán a entrar en tu cabeza. Es bueno tener un cuaderno o un programado con créditos para que puedas grabar esas imágenes de inmediato. Otra forma de meditar así es poner un audiolibro y conjunto de música. ¿ Cuándo fue la última vez que alguien historia de radio? No obstante, no se ven imágenes reales pasando con la narrativa. Tu mente se ve obligada a crearlos. Esta escucha meditativa me parece más eficaz que leer porque tus ojos no están ocupados y tu mente puede enfocarse completamente en imaginar en las escenas. Entonces estas fueron mis técnicas de ideación. Prueba esos uno por uno y ya sea uno de ellos o toda una combinación traerá el resultado deseado. ¿ Tienes las tuyas? Me encantaría que compartieras las de nuestro grupo de Facebook. En la siguiente lección, hablaremos de los próximos pasos importantes cuando acabes de generar tus brillantes ideas. ¿ A qué hora 31. Módulo 8: colectar, bocetos y Storing ideas: Entonces cuando tienes una idea, ¿qué haces con ella? Especialmente si no tienes oportunidad de ejecutivo de inmediato. A menudo simplemente poner un a abajo no es suficiente. Déjame mostrarte algunas formas avanzadas de coleccionar y almacenar tus ideas para que incluso cuando te sientas menos creativo, siempre puedas volver a tus acciones y sacar algo increíble. Entonces, en primer lugar, quiero que capturen ideas y las escriban y bosquejen. Siempre que obtienes una nueva idea, escríbalo y trató de ser lo más detallado posible. ¿ Qué estará pasando a tu imagen? Quién es el tema principal donde todo está sucediendo, entonces nos hacen atrapar. Ya oíste eso, ¿verdad? Tu boceto no tiene que ser una obra maestra. Se trata de propósitos no manipular a la gente con su belleza, sino simplemente grabar la idea en forma visual para que sepas cómo se organizará tu imagen futura y cómo se verán todos los elementos de lo imitable. También ilustrará lo que acabas de poner en forma de Zack. También puedes comenzar con un boceto y luego explicarlo en texto adicional. Si colaboras con otros creativos, este boceto te ayudará más adelante a explicar mejor tus ideas a los demás, porque incluso un cuadro mal dibujado vale 1000 palabras, entonces quiero que puedas hacerlo en cualquier momento y en cualquier lugar. Configuración práctica de grabar ideas y tener algo con lo que grabarlo. Siempre contigo. Si la orina defensa Cuadernos genial. Toma uno cada vez que vayas y guárdelo en tu soporte de cama. Pero esto es lo que podrías hacer es tener un nodo o gato de igualación en tu teléfono. Esta cosa siempre está con nosotros. Lo siguiente que te aconsejo que hagas es tener un sistema de almacenamiento en su lugar. Cuando tus ideas empiezan a acumularse, necesitas almacenarlas de manera efectiva para que no se desperdicien y simplemente desaparezcan. Recoge todos tus físicos, capturas en la carpeta, organiza tu teléfono y los nodos de lápiz en un solo lugar. Entonces lo que hago es guardar todas mis ideas en una hoja de cálculo de Google a la que puedo acceder desde cualquier lugar. El planilla tiene columnas para cada imagen, elementos o respondió la descripción original de la idea allí y una foto. Ah, mi boceto también. Se puede tener un sistema diferente, sin embargo es muy importante tener ese sistema en su lugar. Será tu ahorrador. Cuando obtienes ese bloque creativo, tienes tanto miedo, o si eres muy simple conseguir una solicitud de cliente para una sesión de fotos creativa, es algo así como poner tus ideas en un banco, como dinero porque no quieres ser rompió un día. Ahora, practiquemos idear y poner sus ideas en dispersiones. Por lo que para este ejercicio, quiero que tomen las listas de contactos que han preparado para el módulo anterior. Escoge un concepto de cada lista y gestiona el contenido que encontraste con los elementos sorpresa de los que hemos hablado en el módulo número 3 para recordarte, aquí están mis favoritos, pero puedes agregar los tuyos, por supuesto. Por lo que hay múltiples objetos, objetos inusualmente grandes o pequeños. Liquidación mundo en miniatura en el escenario afecta a los animales, maquillaje inusual y composición del cabello, cosas incoleccionables o metáforas y artículos. Deberías tener dos bocetos como resultado, tomar picos de ambos de esos bocetos y compartirlos en nuestra comunidad. Si tienes tiempo, crea imágenes de acuerdo a tus bocetos y nos encantaría ver aún más el trabajo final. Uno de nuestros objetivos y promesas de este curso es ayudarte a iniciar un proyecto o una serie de obras en las que explores un tema que te sea significativo y que también impactará si es tuyo. La próxima semana, estaremos explorando cómo hacer eso paso a paso. No puedo esperar a mostrar esos pasos contigo ahora que tienes las herramientas para generar ideas, quiero que las apliques a la práctica. Pero lo más importante que quiero que entiendas desde este módulo en particular es que tu creatividad debe ser tu prioridad. Y esto es simplemente una necesidad si confías en ella para ganarte la vida o si esperas hacerlo en el futuro. En tanto, compartiendo los mayores lugares de nuestra comunidad en línea, siempre es muy útil entender lo que obtuviste de cada módulo en particular. 32. Módulo 9: por qué sí serio..): En este módulo, hablaremos de series creativas. Ahora, sé que podría ser un poco avanzado para algunos de ustedes. Algunos de ustedes ya han probado series de gradiente antes. Otros no saben por dónde empezar. En qué. Y te daré los pasos prácticos cómo crear una serie desde cero. Y también te contaré sobre cómo y por qué trabajar en serie puede ser beneficioso para ti, sobre todo si quieres ser comercial exitoso como artista. Bueno, empecemos. Entonces sí, en mi opinión, casi todas las imágenes se pueden convertir en una serie, pero no siempre fue así para mí. Me tomó mucha experiencia y hablar con nuestra multitud para entender la importancia de crear un cuerpo de trabajo conectado y no limitadores individuales. Entonces si eres una serie totalmente nueva de ser creada, no te preocupes, dios aquí, y te guiaré por el proceso. Estas son las cuatro principales razones por las que debes considerar trabajar en una serie de obras. En primer lugar, Series te permite explorar un concepto en profundidad y mostrar diferentes lados de la materia es serie te da oportunidad de explorar y examinar ideas particulares, temas, temas, composiciones, conceptos, o temas de formas más profundas y significativas. Los investiga desde una mayor variedad de perspectivas. A menudo no se puede hacer dentro de sólo una o dos fotos. Es como si estuvieras mirando algo bajo un microscopio en lugar de simplemente lanzar una plaga ocasional. Y Luke, cuanto más cerca mires, más ves, y cuanto más ves, más fascinantes se ponen tus exploraciones, pregunta a cualquier artista experimentado y te dirán que cuanto más profundo vayan, más involucrados y comprometidos se convierten en tu consiguiendo un viaje y nunca quieren parar. Lo que también es importante es que una serie puede permitirte contar una historia más completa al mostrar la secuencia de eventos o ilustrar la transformación. Y esto a veces es casi imposible de hacer cuando sólo tienes una sola imagen. Se trata de una serie mía llamada mosca BARDA. En esta serie mostré transformación de mi personaje principal. Aquí hay una secuencia de eventos, solo Story Behind serie. Las situaciones de vida viven en profundo impacto emocional sobre nosotros, que se queda con nosotros durante años y muchas veces entra en el subconsciente, tomaría una emoción, generalmente en una negativa como el miedo, agresión o la ira, y cargada con nosotros aún más, sin darse cuenta de que todavía lo tenemos, sí afecta nuestro comportamiento, percepciones, pensamientos, visiones del mundo, e incluso cómo. Nunca es solo una experiencia la que nos influye. Siempre es la combinación, las capas que con el tiempo se convierten en el llamado equipaje emocional. Y este bagaje carga en nosotros. En algún momento, este equipaje puede hacernos sentir atrapados por completo cuando nos sentimos deprimidos enormemente el estrés son profundamente infelices y no ser habilitados. Entender por qué pensamos de la forma en que pensamos y por qué hacemos de la manera en que lo hacemos. Dicen psicólogos que, oye, si tienes un recuerdo que tiene más de 18 meses y aún provoca una reacción emocional extrema en tu mente, significa que este evento pasado te está impidiendo vivir tu propia vida plenamente, muchas veces volviendo a esos dolorosos acontecimientos pasados, cavar en ellos de tu memoria y experimentar en ellos una vez más, en tu mente, aceptarlos y transformar tu reacción emocional inicial hacia ellos es la única manera de seguir viviendo. Proyecto refleja el proceso de acumular equipaje emocional y deshacerse de él al final, cada vez mejor y más amplio. Entonces cuando se quiere ilustrar algunos fenómenos como una secuencia de eventos, una serie es simplemente irremplazable para eso, la siguiente razón para trabajar en teorías es que la ayuda seria te conecta con el espectador en un nivel más profundo y de hecho, crear toda una experiencia para tu público. Cuando tienes una serie unificada, te conviertes, en cierto sentido, el experto o autoridad en cualesquiera pensamientos e ideas que estés compartiendo con tu arte y conocimiento y experiencia que obtienes al trabajar con este tema te permite para comunicar los resultados de su exploración de formas más impactantes. En otras palabras, te estás volviendo más convincente para tu público. El cierto es que la gente tiene un tiempo más fácil comprendiendo, apreciando y siendo conmovido por lo que estás haciendo cuando haces un esfuerzo para presentárselo a detalle. Cuando les ofreces un ingreso breve o incompleto a través de solo una o dos obras, puede dar la impresión de que realmente no tienes tanto que decir. Tu objetivo al crear una serie debería ser hacer que tu espectador diga: Vale, lo entiendo. Veo su punto. Sé exactamente lo que estás pensando, dónde vienes y por qué esto es importante para ti, y por qué vale la pena que me tome mi tiempo para reflexionar y apreciar De alguna manera, puedes comparar hacer arte en serie para escribir en una novela, muy pocas ideas pueden expresarse adecuadamente en cinco capítulo en comparación con lo minuciosamente que pueden ser tratadas en todo un libro. Lo mismo es cierto para las artes visuales. Un solo horno fotográfico no tiene principio, medio o final. Sólo podemos adivinar su propósito mayor, historia, o el mensaje que se pretende transmitir. Y en la abrumadora mayoría de los casos, la falta de esos es insatisfactoria para los espectadores, sobre todo para los más experimentados. Necesitas tener eso en cuenta si tienes la intención de vender tus obras a coleccionistas, los espectadores necesitan más, un contexto y comprensión más completos. El arte viene de lo que lo inspiró y por qué existe o a dónde va. Recuerda que dije que explorar un tema puede convertirse en un viaje muy emocionante para ti. Ahora ve qué pasa cuando llevas a tus espectadores a este viaje contigo. ¿ Qué crees que tus espectadores recordarán mejor y experiencia de mirar una serie de obras o un momento en el que gastan en mirar o solo una foto. Echa un vistazo a la serie de flora borsa, por ejemplo. Trató de imaginar cómo se vería un modelo de vida real de esos pintores. Y sí nos lleva de viaje. Realmente queremos ver cuál es el próximo en esta serie. El siguiente y el siguiente. Y se vuelve entretenido también. Otro punto muy práctico es que trabajar en serie te ayudará a comercializar tu trabajo más fácil si quieres trabajar con galerías, publicar tus obras revistas hasta una, tienes que llegar a una serie. Prácticamente cualquier galería establecida muestra sobre la obra actual de un artista establecido, presentan una selección unificada o cuerpo de obra. Es casi como lo están diciendo para este espectáculo, estamos presentando un producto o idea o concepto en una variedad de formas, tamaños, y colores se reúnen es hacerlo porque saben que la gente necesita entender el arte para comprarlo. Sólo piénsalo. La gente necesita entender el arte para comprarlo. la mayoría de los casos, galerías buscan cuerpos de trabajo cohesivos, coherentes, unificados y no una carga de imágenes no relacionadas. Funciona de la misma manera cuando publicas tu trabajo en línea, tu Rodin decidió seguirte porque les gusta tu cuerpo de trabajo, no solo uno o dos picos. Y lo que es más importante es que quieren ver cada vez más del mismo trabajo con algunas variaciones, pero aún con los mismos elementos básicos. Y ese es el problema con los hombres en la cuenta de fotografía en Instagram por ejemplo, los fotógrafos y no sólo los principiantes, sino también los establecidos, comenzaron a subir cualquier trabajo que hayan hecho a lo largo de su historia. Pero si todas esas obras se ven muy diferentes entre sí, gente no tiene razón para seguirte. No quieren ver cosas al azar. Tienen mucho y mucho de eso en su vida cotidiana. En este caso, trabajar en una serie y publicar tus obras uno por uno se puede comparar con un programa de televisión que la gente quiere ver cada unidad. El último pero no menos importante de nuestras cuatro razones para trabajar cuando la serie es que una serie bien pensada demuestra tu compromiso. Demuestra que has elegido un baño. Ya sabes lo que estás haciendo, a dónde vas, qué tienes que hacer para llegar ahí y que estás preparado para terminarlo. Lo más importante, también muestra que tienes la capacidad de pensar las cosas a través de todo el camino hasta el final. Es así como los pros, entienden un fotógrafo de bellas artes puede distinguirse a sí mismo del imaginario mediocre que hay por ahí. Ese es el tipo de arte que están constantemente al pendiente. Piénsalo de esta manera. Si un artista hace sólo una o dos o algo así, muy buenas que sean esas imágenes, la experta podría preguntarse, ¿tiene suerte? Puede terminar lo que ella empezó, puede hacerlo otra vez, una y otra vez. ¿ Debería siquiera molestarme en invertir mi precioso tiempo en mirar su arte? Personas que conocen el arte lo evalúan por números y obra de arte aislada no es más que un comienzo para ellos. Vas a empezar algo, será mejor que estés preparado para terminarlo. Entonces, de nuevo, estas son las cuatro principales razones en las que debes pensar al trabajar en serie. En primer lugar, no te había ayudado a explorar el concepto. Segundo, te conectará mejor con el espectador. Te ayudará a comercializar tu trabajo y demostrará tu compromiso. Ahora, se podría preguntar, siempre debe estar trabajando en serie y su respuesta es no. Es posible que tus imágenes individuales sigan siendo tu forma de aprovechar un determinado asunto o tema y experimentar con él. Tienes que probar el agua a veces y ver si quieres adentrarte más profundamente en el mar. Cuando encuentres un tema que realmente te interesa, entonces puedes elaborar sobre eso y crear una serie de mujeres es desde tu primer trabajo sencillo. Sé que trabajar en serie si nunca lo has probado antes y podría parecer un poco intimidante si tu mente no está acostumbrada para crearla en serie, está bien. Y no debería ser motivo para que dejes de tomar imágenes poco a poco, aprenderás a entender mejor tu arte y trabajar en serie se convertirá en una brisa para ti. 33. Módulo 9: 3 formas de crear una serie: En esta breve lección, estaremos discutiendo tres formas de crear una serie para que puedas probar una o todas ellas por ti mismo. Entonces, ¿cómo puede una serie de fotos basado tableta? A partir de mi experiencia, hay tres formas de crear una serie de obras. Primero de un solo elemento individual, siguiente, de un grupo de imágenes y desde cero, Por supuesto, hablemos primero de crear una serie a partir de una sola imagen individual. Puedes comenzar con una sola imagen individual, entender la historia detrás de ella y descubrir los temas que te dieron en esa imagen. Entonces puedes desarrollar uno de ellos en el proyecto del infierno llegando con variaciones. Pero te dan un ejemplo de mi trabajo. Ya mencioné mi serie de corte de papel. No se planeó ser un serio desde el principio. En primer lugar, solo quería experimentar con el nuevo material y un interés por el color del cabello. Entonces pensé que en realidad hay algo interesante aquí que se puede desarrollar en todo un proyecto con variaciones. Por lo que decidí variar colores, ubicaciones, modelos, y las formas de k1, el papel. No obstante, decidí mantener varias cosas en tacto, estableciendo las reglas para mi serie. Mis reglas aquí estamos manteniendo la imagen monocromática, manteniendo papel y tijeras como mis principales apoyos, el color de pelo de mi modelo siempre debe coincidir con el color general de la imagen. Y para la mayoría de nuestros modelos, decidí agregar los labios rojos al look de maquillaje. Otro ejemplo es el proyecto que filmé en colaboración con un estilista. Ganó nueva demanda. También partió de un experimento. Decidimos tratar de trabajar juntos en una sola sesión de fotos. Funcionó muy bien y tratamos de pensar cómo podemos desarrollar esta imagen individual en algo más grande y más cohesivo. Y así apareció el circo de objetos. Conectamos las obras por un solo tema, circo, y luego detalles de color similares leen elementos en cada imagen. Y también agregamos pares de imágenes. Esos pares fueron el último sumado al proyecto y en realidad conectó todo juntos. La siguiente forma de iniciar una serie sería formar un grupo de imágenes. Si ya tienes algunas imágenes en tu portafolio, pero están desconectadas, trató de echarlas un vistazo y ver esas conexiones. A pesar de que no los estabas poniendo conscientemente ahí, tu mente subconsciente podría haberlo hecho por ti. Ahora necesitas reorganizar esas imágenes y reconocer estas conexiones y quizás atribuirles nuevos conceptos, sacarlos y convertirlos en una historia cohesiva. Esto es lo que puedes hacer tu portafolio y trataste de sistematizarlo. Ayuda si realmente puedes imprimir tu trabajo y luego mirarlo, encontrando similitudes, detalles comunes, temas y temas entre imágenes individuales. Cuidado con detalles como colores, utilería, ubicaciones, y Armario. Si se ven demasiado diferentes, es posible que las imágenes no funcionen bien juntas, aunque los temas sean relativamente similares, esta tarea podría ser difícil al principio, pero definitivamente te ayudará a entender tu propio trabajo si encuentras esas similitudes en tan solo dos o tres imágenes, cual generalmente no es suficiente para una serie. Puedes usarlos como inicio si eres particularmente aficionado a ese par de fotos, trata de pensar en las historias que hay en ellas y desarrollarlas en un serio hallazgo variaciones en el tema inicial y llegar a soluciones sobre cómo se se puede explorar más a fondo. Así es como creé mi serie de escape, que de hecho fue la primera serie de la historia que creé. Imprimí mis imágenes en algún momento tratando de averiguar cómo algunas de ellas podrían formar un grupo coherente. Por lo que los conecté sobre la base de el personaje principal estuviera inmerso en algún tipo de actividad, el proyecto significa yo mismo también partí de varias imágenes individuales que no estaban originalmente conectadas. Después de algún tiempo al mirar mi portafolio, me di cuenta de que por alguna razón me gusta rodar con dobles. Y esto me llevó al tema de la dualidad y la autoconversación. Sin embargo, es mucho más productivo desarrollar una serie desde cero. De esta manera, tienes más control desde el principio. Esta es la mejor manera porque te permite planear más y por lo tanto tu trabajo será pensado mucho mejor. Cada detalle estará en su lugar correcto. Estaremos descubriendo cómo iniciar una serie desde cero en la siguiente lección. En tanto, permítanme darles un ejemplo. Ya te mostré mi proyecto de letras sinestésicas. Empezamos junto con una estilista, jane Christofferson, queriendo compartir nuestra peculiaridad de ver letras y números y colores en nuestras mentes. A este fenómeno se le llama sinestesia tímica. Y cuando después de conocernos durante cinco años, descubrimos que ambos lo teníamos. Decidimos crear algo en torno a este tema. Desde el principio, creamos un conjunto de reglas para nosotros mismos y estamos tratando de seguir adelante con esas, pesar de que a veces no fue muy fácil. Y lo mejor de esta forma de trabajar en un producto es que siempre se puede volver a alguna cosa en particular y rehacer, volver a añadirla o reorganizarla para que coincida con todo el proyecto. Antes de explorar los pasos para crear una serie desde cero, dejemos en claro dos cosas importantes. En primer lugar, ¿cuántas imágenes deben estar en serie? Esta es una elección muy personal desde mi experiencia, y será muy personal para cada artista. No obstante, la regla básica del pulgar sería no menos de cinco y no más de 20. Otra pregunta es, ¿puede algo llamado serie desnuda? Y a veces organizamos un rodaje y tenemos alrededor de 10 o 15, o a veces incluso 30 imágenes de ese rodaje. Y muchas de esas son solo variaciones, pero no son significativamente diferentes entre sí. No muestran un tema desde diferentes ángulos. No agregan nada a una historia. Si estás mostrando una secuencia de eventos y simplemente casi se repiten entre sí, eso no es una serie. En una verdadera seria, cada imagen individual es valiosa por sí sola, pero cuando se combina con las otras, cuenta una historia más grande de una manera más profunda. En la siguiente lección, te estaré explicando cómo crear una serie de fotos desde cero. 34. Módulo 9: crear una serie desde cero paso a paso: En esta lección estaremos hablando de la más dura pero la mejor manera de series de grandeza desde cero. Entonces, ¿por dónde empiezas? Sugiero dar cinco pasos. En primer lugar, encuentra el tema, luego establece los roles, dijo el marco temporal, luego evalúa tus recursos y evalúa los resultados. Entonces vamos a profundizar en eso. Paso número 1, encontrando un tema de tema. Ya hemos discutido cómo puedes llegar a temas y temas que te sean significativos al hablar de conceptos de Craven, tu tema debería ser algo de lo que te apasiona que está tanto abierto a la variación como sin embargo muy específico. Al mismo tiempo, las series exitosas deben permitir que cada obra individual pueda destacarse por sí sola, sin embargo relacionarse simultáneamente con el resto de las demás obras. De alguna manera, te ayuda a desarrollar una idea conceptual en material serial desde el principio. Esto permite entender cómo se verá tu trabajo dentro de la serie desde la primera hasta la última. Aquí es donde es importante esbozar todas las obras dentro de la serie. Vea si el boceto es mantener sus intereses de forma individual y en grupo. Si no son tan fascinantes como pensabas que serían, necesitas repensar tu enfoque. También te permitirá hacer cambios al concepto mismo desde un principio, paso número 2, reglas establecidas para tu serie. Estos te ayudarán a crear cohesión tanto conceptual como visual para la serie general, tus reglas pueden incluir formato, modelos, accesorios, colores, paisajes, detalles, ubicaciones, etcétera. Hacer una lista de reglas y apegarse a ellas desde el principio hasta el final del trabajo o una serie. No sólo las reglas te mantienen en el camino, sino que pueden crear cohesión tanto conceptual como visual para la serie en general, una vez que finalices las ideas detrás del ticket de serie con ellas, esto no siempre es fácil, pero obligarse a mantener un alto nivel de enfoque y disciplina sin distraerse resultará en el mayor valor de su trabajo final. Ahora paso número 3, evalúa el tiempo que necesitas para tu proyecto. Y recuerda, ¿quieres completar la serie o al menos crear un cierto número de obras que conforman un serio juntos. Creo que sí. Yo diría que es genial tener al menos cuatro o seis imágenes para llamar a tu proyecto la serie después de tener esas, puedes decidir si quieres explorar el tema más profundamente o no. Y esta edad, debes entender cuánto tiempo tardará la producción de qué parte de tu futura serie. Si el trabajo en una serie lleva demasiado tiempo, a menudo se pospone y es probable que esté inacabado u olvidado. Ahora paso número 4, evalúa tus recursos. Esto es lo que quiero decir con eso. Y en primer lugar, su equipo, incluyendo estilistas, maquilladores, decoradores, y otros colaboradores. Si quieres mantener las imágenes dentro de ciertos límites, quieres que no solo tu propio estilo, sino también el estilo de tus colaboradores sea coherente y consistente a lo largo de toda la serie. A continuación, debes entender el presupuesto que estás dispuesto a destinar para este proyecto. Trata de entender si puedes obtener fácilmente las indicaciones, ubicaciones y modelos para poder pegarte con lo atópico, sin embargo haciendo variaciones dentro de él. Por ejemplo, si decidiste crear una serie de retratos de chicas con maletas para ilustrar un tema, Viva viaje. El punto de vista central serie muy probablemente será la maleta y la niña, que es bastante fácil de obtener. Si sin embargo, decidiste crear una serie de retratos de esa chica con una maleta en las capitales más reconocibles del mundo, ciudades como París, Roma, Tokio, Es atraer. Necesitas estar seguro de que tienes el presupuesto para realmente tomar esos viajes. Seguirá tu modelo? Todo lo demás que puedas necesitar mientras trabajas en ese proyecto. Y aquí me refiero a avisos, ocasiones, modelos, y otros elementos de la imagen. Necesitan ser fácilmente accesibles para ti durante todo el periodo de tu trabajo. Conoce una semana, un mes, o todo un año, lo contrario el proyecto podría terminar inconcluso o abandonado. Y por último, paso número cinco, evalúa tus resultados mientras aún estás en progreso. Cuando tengas tus primeros trabajos terminados, ponlos juntos y revisarlos. Nos vemos, todavía se ven bien y coherentes si no intentan ajustarlos entre sí sin sacrificar el tema general o tema de su serie. Y sí, a veces significa reedición o reedición y parte de tu proyecto. Y lo clave aquí es tomar esas cosas últimamente como pasos necesarios para crear un cuerpo de trabajo más grande y de mayor calidad. trabajo en una serie rara vez se puede hacer en poco tiempo y salvaje concentrado en una serie, tu mente a veces se puede cansar y querer un descanso, y eso está totalmente bien. Todavía puedes experimentar y codicia donde quieras fuera de la serie y luego volver al gran proyecto. También podría ser interesante trabajar en varias series simultáneamente. La próxima semana, en nuestro módulo de aprendizaje final, estaremos explorando la mentalidad de un artista exitoso. Es un tema enormemente importante porque todas las herramientas y todo el talento no te llevarán a ninguna parte si no crees que puedes lograr tus objetivos y apegarte a tu curso. Ahora, espero que entiendas por qué las series de trabajo son tan importantes, sobre todo si quieres tener éxito en Rusia como artista. Y ahora también estás equipado con las herramientas de cómo crear toda una serie de trabajos a partir de una sola imagen o desde cero completamente. Y siempre hay una realmente querer saber qué era una cosa que más recordaba, Por favor, adelante y compártelo en nuestra comunidad en línea. 35. Módulo 10: es tu bebé y tu responsabilidad: Entonces chicos, hemos estado juntos en un viaje increíble. Y si no has podido completar todas las tareas, no te preocupes, están ahí para ti. Siempre se puede volver atrás, se puede volver a ver. Se pueden reducir las tareas. En este módulo lunar. Yo quiero compartir algunas cosas muy especiales con ustedes. Gracias Eso me ayudó en mi viaje artístico. Esas son las cosas que me ayudaron a sostener mi práctica creativa. Esas son las cosas sobre la mentalidad, la mente correcta para un tipo de artista visual sano y sustentable, orientado a contar historias. Vamos a sumergirnos directamente. Titulé esta lección, es tu bebé y tu responsabilidad para algunos de ustedes. Podría sonar como un título un poco extraño, pero déjame explicar a qué me refiero con eso. Cuando terminas tu trabajo, cuando pones esa edición final en contacto, a veces no se siente como tu creación es tu bebé, como si quisieras protegerla del daño y que lo cuidas lo más humanamente posible. En esta breve lección, se me señalará por qué no debería ser así y qué responsabilidades trae consigo. Vamos a sumergirnos directamente. Por lo que hay varias estrategias de mentalidad básicas que quería discutir con ustedes hoy. Y me gustaría empezar por crear para ti primero. El núcleo que quiero que entiendas es que a pesar todas las palabras que se dijeron en este curso sobre conectar con tu público, es increíblemente importante darse cuenta de que antes que nada, creas para ti y no para los demás. Y un nodo suena muy polémico. Después de todas las lecciones por las que has pasado. No obstante, es cierto que nadie en el mundo cuidará tu trabajo tanto como tú. Al menos no esperes que lo hagan. Las personas tienen su propia vida y sus propias prioridades. Podrían, y estoy seguro que apreciarán tu arte, pero tú eres quien más lo cuidará. Y así es como es, así debe ser. Vinimos aquí por nuestro deseo personal de crear. Entonces, en primer lugar, lo hacemos muy egoístamente por nosotros mismos porque queremos hacerlo, no porque alguien lo necesite. Sí, necesitas encontrar un equilibrio entre los dos eventualmente. Pero en el núcleo mismo, hazlo por ti mismo primero. Tu arte no cumplirá tus necesidades personales de expresarte y tus ideas, entonces no se sentirá satisfactorio y no podrás seguir adelante con ello durante mucho tiempo. Es por ello que siempre necesitas comprobarte si disfrutas de tus prácticas creativas, incluso cuando se ponen duras. Si crear una pieza no se siente bien, tal vez necesitas reconsiderar la mente aquí que puede ser difícil, pero todavía puede sentirse bien y todavía puedes disfrutarla. realiza la siguiente estrategia para el éxito y por qué necesitas hacer el trabajo de entender tu propio trabajo. Mujeres en esto muy brevemente antes. Pero también quiero subrayarlo aquí en la sección de mentalidades. Es crucial entender tu trabajo, el que creas ahora y tu mejor funciona también, porque es tu bebé y tu responsabilidad saber de dónde vino y cómo dará sus primeros pasos en este mundo, y cómo va a hacer, y cómo se aceptará si no hacemos el trabajo de tratar de entender, analizar a papá, nuestra propia creación. Stan, ¿cómo podemos esperar que otros inviertan su tiempo y energía en hacer esto? ¿ Por qué los demás deben prestar atención si no lo hacemos? Por lo que los pasos prácticos aquí son los primeros en volver constantemente a las grandes preguntas. Y esas preguntas son, ¿por qué debo, qué debo hacer? Disfruto haciéndolo? ¿ Qué me trae? Y no anote tus respuestas por ti mismo. En primer lugar, el siguiente paso es escribir una declaración de artista. Este es un breve pasaje que habla brevemente de ti como artista, ¿por qué elegiste este tipo de arte? ¿ Qué te inspira y qué estás tratando de transmitir a través de tus obras? Sí, para aquellos de ustedes que lo escucharon, sé que podría ser un dolor escribir uno, pero es necesario si quieres ponerte en serio con tu arte, aunque no estés planeando convertirte en fotógrafo de bellas artes, es importante para tener un breve mensaje para tus clientes de cómo te sientes acerca de tu trabajo y por qué lo haces. Y de nuevo, te ayuda a construir esa conexión. ¿ Podrías pensar que a la gente le gustaría ir a Mark que no dice nada de él o de la suya en su página web y ni siquiera tiene una imagen de sí mismo o de Karen que comparte eso. A ella le gusta estar cerca de las personas y capta los momentos de presión de sus vidas, le encanta trabajar con niños en particular, ya que ella misma es mamá de dos hijos. El siguiente paso sería tener una descripción escrita de sus series y colecciones. Incluso para obras individuales eso sería importante. No tienen que pertenecer, pero son necesarias para que las personas que estarán interesadas en tu trabajo lo suficiente como para no simplemente echarle un vistazo. Tómate el tiempo para entenderlo e intentar contárselo a otros al respecto, escribe sobre ello en revista o pon eso en las paredes de la galería o cómpralo. La gente sólo invertirá tiempo y dinero en una pieza si se conectan con la historia de la misma. Y es tu trabajo contarles esa historia en tantos detalles como sea posible. Ahora bien, ¿significa eso que puedes controlar completamente cómo se interpretará tu trabajo? Absolutamente no. Esta es la fotografía conceptual de la que estamos hablando. Y la apertura a la interpretación es una de sus características centrales. La gente verá sus propios significados, historias y símbolos basados en sus antecedentes y experiencias. Y nunca deberíamos querer quitarles eso. No obstante, cuando un interés en tu pregunta, ¿Qué quieres decir con esta imagen, debemos tener respuesta. De lo contrario, ¿qué tan serio tienes tu propio trabajo? En la siguiente lección, seguiremos desempaquetando estrategias para crear una mentalidad para el éxito. En particular, hablaremos sobre la importancia de ver el valor en tus propias creaciones y entender cómo impactan a los demás. 36. Módulo 10: el valor y el impacto de tu arte: En esta lección, continuamos con las estrategias de mentalidad básicas para el éxito. Y éste es el tercero. Y va así, valora tu arte. Lo que quiero que siempre tengas en cuenta que tu arte se vuelve valioso sólo cuando te evalúas. Una vez más, tu arte sólo se vuelve valioso cuando te evalúas a ti mismo. Si no ves ningún valor en ella, entonces, ¿cómo esperas que otros incluso acosen tensión? Muchos de nosotros nos distrae el cuento de hadas de los artistas de la Cenicienta, cuando un artista fue al azar crear y cosas, pero ni siquiera darse cuenta de lo brillante que era hasta que aparecieron unas galerías mágicas, millones de seguidores o periodistas y clientes de la nada y finalmente abrió los ojos a su propio genio. Esto no sucede en la vida real. La gente comienza a ver valor en tu arte cuando haces el trabajo de comprenderte y mostrar tu compromiso para sostener tu creatividad. Pero lo más importante, cuando empiezas a ver realmente tus creaciones como valiosas, echa un vistazo a tus fotos y pregúntate, ¿qué tipo de valor me aportan a mí y al mundo que me rodea? Y asegúrate de que lo hagan. Si estás luchando con ver el valor en tus creaciones, déjame darte algunas pistas. Tu trabajo es valioso porque antes que nada, invirtiste tu tiempo y lo apasionaste. Hiciste el trabajo de explorar un tema y contárselo a los demás. Planeaste y organizaste cuidadosamente el rodaje para que la imagen saliera bellamente en el camino que hacía al mirar tu trabajo, gente obtiene cierto tipo de emoción. Puede ser alegría, paz, simpatía. Podrás llevar a la gente a un viaje, tener una experiencia al interactuar con tu trabajo. Y esta experiencia puede llevarlos a algunas conclusiones o podría plantar nuevas ideas en su mente. Tu trabajo inspira a otros y cambia su estado de ánimo, tu trabajo y ayuda a la gente a contar su historia cuando la ponen en sus paredes. Podría seguir con esta lista, por supuesto, otro punto importante es entender el valor de tu regalo. Si la fotografía te llega con bastante facilidad, no significa que sea igual para los demás y que no sea valiosa. Y estuve atrapado en esta trampa por mucho tiempo, despreciando por completo mi esfuerzo y mis habilidades naturales, seguí diciéndome, pero no hice mucho. Acabo de hacer clic en el botón, sólo el engranaje. Es la bella modelo. Es sólo el bonito utilaje y acabo de tener suerte. No te estoy diciendo que te pongas la nariz en alto y que te vuelvas arrogante. Simplemente insisto en que debes tratar de valorar verdaderamente tus habilidades naturales sin dejar de decir humildes y estar dispuesto a mejorarlas siempre. Lo siguiente que quiero que entiendas es cómo tu trabajo puede estar impactando en los demás de los que hemos hablado mucho y en aquel entonces la gente, pero aún podrías tener dudas. ¿ Cómo pueden realmente afectar a alguien mis fotos? Ya te di algunas pistas al explicar el valor de tu trabajo. Ahora echemos un vistazo más de cerca a las formas en que puedes impactar a las personas con tus fotos. Y en primer lugar, se puede cambiar su estado emocional. Se puede hacer sonreír a la gente, vagar, o experimentar el tickin sentido de sorpresa y ¿qué tan cool es eso? A continuación, puedes ofrecer una solución a un problema, o si no una solución, puedes crear conciencia y educar a la gente. En tercer lugar, se puede ofrecer conexión y comprensión de que no están solos. Nunca olvides que las personas a menudo se sienten solas y si reconocen alguna parte de sus propias historias en las tuyas, se sentirán mejor y menos aisladas. Tanta gente se esconde detrás de la vergüenza y no se siente en la normalidad. Y esto nos puede pasar a cualquiera de nosotros en cualquier tipo de escala y alrededor de cualquier tipo de cosa. Algunas personas internamente se llamarán raros fenómenos por algún trauma pasado. Otros harán lo mismo porque su afición es una granja final que se esconden debajo de su cama. No obstante, cuando vean algo en tu trabajo, cuando se puedan relacionar, sufrirán menos. Puedes inspirar a la gente a crear algo propio, no importa en qué riel, sí, gente podría mirar tus remedios y decir, Oh Dios mío, esto es tan hermoso y me empuja a tratar de hacer una foto increíble para, o podría no ser una foto, pero dirigirse a un corte de pelo, un pastel, jardín, cualquier cosa, pasarás la energía positiva mayor a los que interactúan con tu trabajo. Y esto luego se puede tomar a la ligera. Y el siguiente, tu pasión y compromiso por los servidores y el ejemplo, y permiso a los demás. Y esta forma de incrustar y otras se pasa por alto muy a menudo, pero no debería serlo. Echa un vistazo a mi historia sobre el pensamiento de que podría crear algunas fotos reales. Cuando vi que un fotógrafo de mi CD estaba haciendo lo mismo y lo estaba matando absolutamente. Ahora pude convertirme en un verdadero fotógrafo de bellas artes, a pesar de la falta de apoyo de mi familia, a pesar de que mis padres me aconsejaron ver a un psicólogo que al ver mis imágenes, a pesar de que que tenía el trabajo corporativo seguro y prometedor, que no odié a pesar de que tuve dos bebés y cambié de país mientras aprendía Minecraft, a pesar de toda la duda y falta de autoestima, a pesar de todas las mentiras, Yo era tálamo cómo, que esto no es un trabajo de verdad y no me va a permitir mantenerme a mí mismo y a mi familia. Y sin embargo aquí estoy y no soy especial. Y ahora el hecho de que vaya en Twitter y mis fotos surrealistas y sintiéndome bien conmigo mismo, pero te doy permiso para que hagas lo mismo. Verás que esto es posible. Sí. Si esto es posible para mí, es posible para ti también. hoy. 37. Módulo 10: cuidado de los grandes Monstruos: erra y comparación: En esta breve lección, hablaremos de nuestros miedos, miedo a no estar a la altura de los estándares, sensación de no ser lo suficientemente bueno y miedo al fracaso. Vamos a sumergirnos directamente. Lo primero que podríamos tener miedo o preocuparnos es no encajar y no cumplir con todas las llamadas reglas. Entonces la idea que quiero traer a casa para tu hoy es que no hay reglas en el arte. Sé que hemos hablado de tantas reglas y hacer y no hacer en este curso. Pero al final del día, no hay reglas que tengas que seguir. Hay una fina línea entre dynein todas las reglas y quedar atrapado por ellas. Creo que la clave aquí es entender la esencia de qué papel y saber exactamente por qué quieres seguirlo o romperlo. Y esto incluye todas las reglas, reglas de la narración, reglas de composición, reglas de la teoría del color y demás. Te daré un ejemplo personal. Cuando estaba empezando, en algún momento me di cuenta de que mi reducción facial no era tan grande. Y tomé un par de lecciones de Skype del exitoso fotógrafo de moda cuyas obras son realmente gustadas. Estas lecciones, fueron preciosas. Aprendí mucho y empezaron a practicar los conocimientos que obtuve y me puse mejor y mejor en caras de reducción. Y también aprendí algunos otros trucos. No obstante, seguí todas las instrucciones y fue genial. No obstante, no entendía por qué estaban en su lugar esas instrucciones, por qué tuve que hacer mi opacidad de pincel al 45 por ciento en este caso y su flujo al 20 por ciento en ese caso, simplemente sigo ciegamente las reglas y me tomó años empezar romper esas reglas y jugar con las herramientas en Photoshop y entender por qué se establecieron esas reglas y qué efecto obtengo cuando las estoy rompiendo. Ahora, veo lo mismo en uno de mis amigos fotógrafos. Practica mucho, aprendió mucho sobre edición, rodaje, etcétera. Pero no puede alejarse de esas reglas, sin embargo. En realidad no sabe por qué están en su lugar. Eso lo lleva a la falta de comprensión de qué tipo de impresión quiere que produzca su foto y a su público. Y no digo que esto esté mal. Yo sí creo que para algunas personas incluyéndome, es paso necesario. No obstante, si puedes tomar conciencia de por qué cada regla en su lugar, progresas mucho más rápido, el siguiente gran miedo no es ser lo suficientemente bueno cuando se compara con los demás. La comparación es un tema grande en general, pero para nosotros los creativos, puede ser esencialmente doloroso y destructivo. Y por eso me parece extremadamente importante discutirlo aquí y ofrecerte la forma inteligente de comparación. comparación en el arte en general, y la fotografía en particular, es algo complicado. Necesitabas crecer. De lo contrario, ¿cómo sabes si tus habilidades están en un buen nivel? Pero al mismo tiempo, podría matar toda tu motivación hacer el trabajo por completo. Y por eso quiero compartir un par de reflexiones sobre convertir tu obra al trabajo de otras personas. Y esta es la clave. Estás comparando tu trabajo y no tú mismo con los demás. Eres único y valioso como ser humano. Y tu valor personal no está en modo alguno conectado a la calidad de tu trabajo. El hecho de que alguien más cree mejores imágenes no muestra que sean mejores o más talentosos que tú. Demuestra que tienen más experiencia. Trabajaron más en su arte. No quiere decir que hayan nacido de esta manera o que les llegue de forma natural, aunque tengan algunas habilidades innatas, esas suelen valer nada sin arduo trabajo de desarrollarlas y ganar dominio Minecraft. Por lo que sólo significa que trabajaron más duro y aún lo hacen. Y tú también puedes hacer eso. Tienes las mismas habilidades. Las cosas son posibles para que sepas que es muy fácil descartar el esfuerzo de alguien solo llamándolos talentosos o dotados también te pone en una posición muy cómoda de hacer que alguien especial y contar tú mismo por qué siquiera inténtalo, no seré nada bueno en eso. De todos modos, es mucho más fácil hacer eso. Entonces en realidad se atreven a intentar poner en el trabajo. Y sí, sé que podrías tener tres hijos, un trabajo de tiempo completo, un padre enfermo, pero al final del día, si estás dispuesto a poner el endurecido a trabajar, si estás listo para poner las horas haz tiempo, crearás imágenes increíbles. Y la pregunta aquí se convierte, ¿ estás dispuesto a trabajar por ello? ¿ Estás listo para poner en esas horas? No es el camino más fácil y nadie dice que hay que hacerlo. Si quieres tomar fotos como pasatiempo, está bien a su total, ¿de acuerdo? Y no hay necesidad de estresar al respecto. Aquí la clave es cambiar el foco de, no soy tan talentoso como son. Entonces por qué incluso tratar de, no estoy listo para realmente poner en las horas y el bien comunista como son y aún mejor. Aquí se toma la responsabilidad esta decisión y no hacer a alguien sobresaliente y súper heroico. Permítanme darles un ejemplo de mi vida personal. Mencioné en el mismo inicio del curso que cuando empezaba en fotografía, probé muchos tipos y fue particularmente exitoso en concientización y brotes familiares. Pero cuando comparó mi trabajo con los fotógrafos familiares, miraba hacia arriba el momento en que me di cuenta de que simplemente no estaba lo suficientemente interesado como para crecer en esta área. Simplemente no estaba motivado para convertirme en un fotógrafo familiar de clase mundial. Por lo que me rindo y me enfoco en mis imágenes de bellas artes que todavía me mantiene encendida aquí. Haré cualquier cosa para que mi trabajo sea mejor y más profundo que cuando realmente comparas tu trabajo. Aprendes, tomas notas y qué se puede hacer mejor en tu arte. Por lo que eso mejora en cada área, color claro trabajando con modelos de ojos rojos, nunca podrás llegar a tu oficio, pero hace que el viaje sea más interesante, ¿no? Entonces cuando comparas tu trabajo con el trabajo de quienes hacen mejor que tú, creces. Este tipo de comparación en realidad te hará un mejor fotógrafo y un mejor artista. El siguiente gran temor que hoy quiero abordar es el miedo al fracaso. Tanta gente me envía mensajes en sociales todos los días diciendo que a veces no están creando sólo porque tienen miedo de que no funcione. Pero de hecho, ves que no va a funcionar antes de que siquiera lo intentes. Fallarás ese efecto. Necesitas aceptarlo y luego necesitas aprender a amar tus fracasos. cual la mentalidad de , me muestra que soy un perdedor. Dos, me muestra lo que necesito mejorar en el futuro. Estos temen lo que nos impide probar cosas nuevas aunque aquí es exactamente donde podemos mejorar y aprender cosas nuevas. Había tantas veces en las que he elegido un buen baño y luego terminé con imágenes reales de Adele aquí también quiero mencionar el miedo a compartir trabajo experimental. Tan a menudo algunos de nosotros nos atrapan en querer ser admirados y lo probado todo el tiempo. Entonces cuando no vemos a gente como en nuestro trabajo en redes sociales, se convierte en un completo desastre psicológico cuando te tienes miedo de poner tu trabajo ahí fuera, recuérdate del por qué, tu por qué, por qué lo hiciste en primer lugar no fue para conseguir la atención pública o para satisfacer tus necesidades creativas personales. Si las respuestas, lo hice por mí mismo y estás contento con el trabajo, ¿por qué deberías preocuparte por lo que otras personas piensan y deciden? También es bueno recordarte que en realidad no piensan en tu trabajo que tienen montones y montones de cosas hay roan para preocuparse por los trabajos de los niños, lo tienes tu nombre? Entonces como podrían adivinar, soy un súper experto y tener miedo de cometer errores. Y con el tiempo, encontré varias cosas prácticas que me ayudaron a lidiar con mis miedos y quiero compartirlos hoy con ustedes. Entonces el primero es, hay que imaginar el peor escenario y entender que no es tan aterrador. Esta táctica te ayudará en muchas situaciones de la vida, no solo en el arte. Es decir, en serio, si disparas algo por ti mismo y no funciona, ¿cuál es el gran problema? Nadie muere. Por lo que no hay nada de qué preocuparse. Sí, podría haber gastado su tiempo, dinero y recursos, pero nunca es en vano, considerado una inversión en su educación porque esto es exactamente lo que es. A continuación, si estás a punto de trabajar en un proyecto de colaboración, deja que todos en el equipo sepan que es un experimento y lo hagan de antemano. Di que vas a estar haciendo lo mejor que puedas, pero hay estaciones no deben ser muy altas. Mi siguiente consejo es nunca experimentar en proyectos de clientes a menos que te den completa libertad. Considera ofrecer tu trabajo experimental como algo extra como un agregado a lo que tus clientes ordenaron y esperan obtener de ti? Sí. Los fracasos suceden y así es la vida. Los tendrás. Pero si te propones dar la bienvenida a los resultados negativos y aprender de ellos, no estarás tan asustado. Aquí lo crucial es entender siempre o escribir, verbalizar, formular lo que aprendiste de tus errores. De lo contrario, la experiencia será sólo dolorosa e inútil. ¿ Y quién quiere eso? Cuando experimentes, no intentes hacer muchas cosas a la vez. Haz una lista de lo que tienes miedo, arte sabio y fase esas cosas una por una. Esto te quitará mucha presión de los hombros y te permitirá enfocarte más en aprender del fracaso si hay uno. En la siguiente lección, hablaremos de cómo puedes organizar tu tiempo para que te conviertas en artistas más productivos. Vigila. 38. Módulo 10: Sin tiempo de Procrastinar: gestión creativa del tiempo: En esta lección final, quiero darte algunos consejos sobre gestión del tiempo. Espero que los encuentres útiles. Y en primer lugar, quiero que hagas de la creatividad tu prioridad. Algo que escucho mucho de fotógrafos y creativos en general es que tengo tantas ideas, pero no tengo tiempo para filmarlas todas. Sí, es cierto que todos tenemos vidas ocupadas, Francia, familias, facturas para pagar diversas obligaciones y así sucesivamente. No obstante, todos tenemos el mismo número de horas en un día. Bueno resultó ser un cambio de juego para mí al lidiar con la falta de tiempo es el cambio de la perspectiva desde que no tengo tiempo a que no es una prioridad para mí en este momento. Siempre que sientas que quieres hacer algo, cualquier cosa, pero simplemente no puedes llegar a hacerlo. Admitir que no es tu mayor prioridad ahora mismo. Y esto está bien. No obstante, ahora entiendes si realmente apuntas a crear una fotografía más significativa, debería ser una de tus prioridades, ¿verdad? Por lo que tu mente automáticamente comienza a encontrar esas oportunidades para realmente dedicar tiempo a tu arte. Y tienes tiempo, es hora de encontrarlo. Aquí te presentamos algunos consejos de gestión del tiempo para sostener tu creatividad y en primer lugar, analizar tu día. Sí. Es decir, prueba el seguimiento de tiempo real. ¿ Dónde estás perdiendo el tiempo y cómo podrías usar mejor ese tiempo? A lo mejor escuchas las noticias en la radio al ir de viaje. Pero en cambio podrías escuchar un audiolibro y conseguir algunas ideas para tus futuras historias allí. A lo mejor puedes cortar, ver Netflix o jugar juegos. A lo mejor podrías despertar una hora antes. El clave es entender que cuando haces de algo tu prioridad, ese tiempo aparece mágicamente, el siguiente paso es realmente bloquear el tiempo para tu arte en tu calendario. Sólo cuando el tiempo está realmente bloqueado cerca del calendario, puedes lograr cualquier resultado en esta área, aunque sean solo 30 minutos por semana, necesitas convertir tu creatividad en un hábito. Y sí, se necesita autodisciplina como el desarrollo y un buen hábito. Pero si vas en serio con tu arte y sigues recordándote que Why am prison todo el tiempo sobre ti podrás convertirte exitosamente en una práctica diaria y no olvides tener conversaciones con tus seres queridos, explicándoles por qué esto es importante para ti y trataron de que funcionara para todos. Otro ejemplo personal, soy mamá de dos chicas guapas. Y si eres padre de familia, sabes que tus hijos, sobre todo si son un poco quieren estar contigo todo el tiempo. Entonces eres como yo, entiende la lucha entre el ardiente deseo de ser artista y creador sin fin y el deseo de ser un gran padre y desarrollar todo tu tiempo a tus hijos. Mía en la que inicié mi viaje fotógrafo justo antes de que naciera mi hija mayor. He estado ahí tantas veces. No tiene sentido siquiera contar. Sentí una culpa normal hasta que entendí estas tres cosas. Y antes que nada, sí, sí necesitan su cantidad para estar ahí para ellos y con ellos. Pero también necesitan una mamá y mamá felices que se sientan contentos y cumplieran con la amable y amorosa mamá cuando no tengo oportunidad de crear, no estoy feliz, no estoy satisfecha y mis energías completamente drenadas. Estoy constantemente cansado y estoy muy lejos de ser siempre amable y amar a cualquiera de aquí conmigo. Y sí, yo soy el mundo para ellos, pero no puedo reemplazar este mundo. El sí necesita tiempo para sí mismos y también con otros familiares y amigos. Y eso es crucial para su desarrollo. Entonces en lugar de sentirme culpable por no haber estado con ellos 24, 7, decidí asegurarme de que sí disfruten y obtengan la mayor parte de su tiempo cuando no están conmigo y al mismo tiempo cuando estoy con ellos, puedo Seguro que estoy realmente ahí, presente, escuchando, cuidando, y comprendiendo. Intento no tocar mi teléfono ni trabajar. Y entonces no importa lo duro que lo intente, nunca seré perfecto. Voy a fastidiar de vez en cuando, y eso está bien. A esto se le llama vida. Trataré de aprender de mis errores y lo haré mejor la próxima vez. El mes que viene, seré mejor madre de lo que fui hoy porque sí me importan los manglares y quiero mejorar. Y tú también, mientras tanto, golpeándote a ti mismo, no le hará ningún bien a nadie. Espero que te ayude, compañeros míos, compañeros de padres creativos. Aquí te dejamos otra razón por la que debes convertir la fotografía en una práctica diaria. Necesitas disparar mucho y llegar a ser extremadamente productivo. Y lo que es más importante, hay que cometer errores. Sí, harás malas fotos, pero son los pasos naturales para crear unas grandes. Cuantos más errores cometas, más aprenderás. No trate cada mala foto como una lección, no un fracaso y desánimo, no seguir. Y verás que suceden maravillas en tu estilo fotográfico y grabarás el propio embrión una vez dijo que tus primeras malditas 1000 fotografías, cómo tu peor, simplemente encantado hundiendo tus primeras diez mil fotografías son tus peores aún muchas de nosotros esperamos ser pros en un par de años o a veces incluso meses, entender que la cantidad lleva a la calidad. Esta es una historia del arte del libro y el miedo de David Baylis, el profesor de cerámica, anunció el día de apertura que estaba dividiendo la clase en dos grupos. Todos los del lado izquierdo del estudio que ha tenido no se calificarían únicamente en la cantidad de la obra producida, todos los del lado derecho, únicamente en la calidad de su procedimiento era sencillo. En el último día de la clase, traería sus básculas de baño y peso, el trabajo del grupo de cantidad, 50 libras de ollas calificadas y una 40 libra de jefe B y así sucesivamente. Aquellos que estaban listos para la calidad, sin embargo, necesitaban producir sólo una olla, aunque una perfecta, para conseguir. Bueno llegó el tiempo Gradient y un curioso factor se fusionó. Todas las obras de la más alta calidad fueron producidas por el grupo siendo graduado por cantidad. Parece que mientras el grupo de cantidad estaba ocupados resultando montones de trabajo y aprendiendo de sus errores, el reagrupamiento fresco se puso teorizando sobre la perfección y luego tuvo un poco más que mostrar por sus esfuerzos que grandioso teorías y el montón de arcilla muerta. Entonces sí, necesitas convertir tu fotografía en una práctica diaria. Pero antes de tu objeto, déjame explicarte. Cuando digo convertir la fotografía en una práctica diaria, no me refiero a disparar todos los días. Si puedes hacerlo, Eso es perfecto. No obstante, seamos reales. La mayoría de nosotros tenemos vidas ocupadas, como mencioné, familias, amigos, estudios, y muy posiblemente trabajos diurnos. Entonces no, no insisto en que debas disparar todos los días, pero sí necesitas al menos ir y mirar a través de tus materias primas y tratar de editarlas. No creo que tenga sentido simplemente ir ahí y debería sin revisar tus resultados de esta manera, no podrás aprender mucho porque solo estás haciendo la mitad del trabajo que no debería separarse. Esas imágenes no están terminadas. Ellos, hasta que los revises, elegirán el mejor para entender tus errores y crear un plan sobre cómo corregir esos errores durante tu próxima sesión con esto dicho, hacen bloquear intencionalmente al menos 10, 15 minutos para cada día. Y si es posible, bloquea más tiempo en tu calendario. Y durante esos 10, 15 minutos, o bien deberían nuevas imágenes o revisar y agregar las que ya has filmado. Mi siguiente recomendación sería encontrar un compañero de rendición de cuentas, alguien que no necesariamente sea tu amigo más cercano o en tu evento de círculo más cercano, sino alguien que te entienda y te apoye de manera regular porque él o comparte esos mismos valores y esos objetivos. Sí, es un increíblemente útil salir de tu caparazón artístico de vez en cuando, si no todo el tiempo, Encuentra compañeros creativos con los que trabajarás en el mismo proyecto. Esos periodos pueden ser fotógrafos o artistas de otras industrias como diseñadores conforman artistas, ilustradores, floristas, o incluso panaderos. Cuando trabajas con alguien, automáticamente te hace rendir cuentas y te empuja a cumplir tus promesas, lo cual a veces es realmente difícil de hacer cuando estás por tu cuenta. ¿ Estarías de acuerdo en brotes programados y crearía líneas de tiempo? Y como pensamiento final sobre el curso, espero que se sientan inspirados hacia abajo, inspirados para aprender más, pero sobre todo para crear más. No obstante, la inspiración suele ser de corta duración. Está ahí cuando estás aprendiendo algo o ves algún arte increíble. Pero luego desaparece. Yo he hecho mi parte. Te he dado inspiración y algunas herramientas. Ahora necesitas hacer las tuyas, ponerte intencional sobre tus historias. Entiende tu porqué, convierte tu arte en un hábito y sé consciente de qué y de quién te rodeas. Empieza cada día pensando en qué puedes crear hoy y terminó con evaluar tus resultados. Y estoy seguro de que tus historias visuales harán un impacto que quieres que tengan y voluntad a su vez, inspirar a otros a crear. Y esta será tu forma de hacer de nuestro mundo un lugar mejor. Ahora, déjame darte dos ejercicios prácticos. En mi opinión, te ayudará a dar un salto productivo en tu arte. Y el primer ejercicio se llama crear una hoja de ruta para tu desarrollo artístico. Por lo que quería volver a la lista de décimos fotógrafos cuyo trabajo admiras y subrayaste una cosa que más te gusta y que van a trabajar y les encantará de alguna manera introducir a tu práctica creativa. Hacer una lista separada de esas 10 o menos cosas. Puede incluir cosas como aprender a disparar bajo el agua, estudios, luces de estudio, alertar para trabajar con colores, y así sucesivamente. Estas son las cosas que hay que mejorar en tu trabajo. Esta lista será su base para la hoja de ruta de desarrollo futuro. Numerar las cosas en la lista de acuerdo a su prioridad actual para usted y para su trabajo, anotar cuáles serán sus acciones reales para mejorar en esto o aquello. Por ejemplo, para mejorar en el uso de las luces de estudio, necesitas encontrar el estudio con equipos donde puedas crearlos y practicarlos. Ahora necesitamos crear un plan de ejecución sobre la implementación esas cosas en su trabajo establecer plazos para sus dos prioridades principales. Por ejemplo, haré siete retratos de estudio en el próximo mes y definí qué puedes hacer para empezar a mejorar en esas áreas en las próximas 48 horas para que tus plantas sean procesables y no papel. Entonces digamos que quieres intentar agregar l elemento de levitación a tu fotografía. Y necesitas escoger una fecha real en la que estarás haciendo tu experimento. Es muy útil tener un plazo que está bloqueado en tu calendario que sepas cuánto tiempo tienes para los preparativos, luego piensa en todo el proceso, qué vas a disparar y cómo no tuvo que descifrar todo por tu cuenta. Ahora hay un video de YouTube para cada cosa en la web. Para que puedas comprobar cómo ya están haciendo otras personas, qué quieres hacer, y luego tener todo listo para tu experimento basado en tu plazo, hacer un plan de cosas que puedes hacer dentro de las próximas 48 horas para realmente hacer tu experimento. Y si estás probando este ejercicio, realmente quiero que compartas esta lista con nuestra comunidad online. Entonces por ejemplo, su 48. Nuestras listas podrían incluir cosas como ver video de YouTube comenzó sobre los apoyos, elegir una ubicación para tu futura sesión, pensar si necesitas ayuda o no. Ahora, después de realizar tu experimento, no olvides analizar y evaluar los resultados. No recuerdo cuántas veces cometí el error de intentar disparar algo, pero ni siquiera volver a mis archivos experimentales para entender si realmente valió la pena, la zona de confort tiende a chuparte incluso después de ti trató de salir de ella. ¿ Recuerdas? Por lo que la evaluación de resultados es crucial para aprender cuando lo has probado con un elemento, pasar al siguiente. Y nuevamente, en mi opinión, es importante hacerlo un paso a la vez para que no te abrumes con la nueva información y mantengas tu intencionalidad en todo. El segundo ejercicio que quiero que pruebes es con lidiar con el miedo. Piensa en tu trabajo creativo y ¿qué te impide llevarlo más allá? ¿ Cuál es tu mayor miedo conectado con él? ¿ Tienes miedo de compartir tus pensamientos y opiniones reales? ¿ Tienes miedo de que la gente juzgue tu futuro trabajo? Temo fallar tu proyecto experimental y perder tiempo y recursos. Escribe tu mayor miedo y trataste de explicar por qué lo tienes, entonces imagina lo peor que pudo haber pasado conectado con ese miedo, y luego lo mejor posible, digamos que tienes miedo de compartir tus nuevos 40, que es muy diferente a lo que hiciste antes. ¿ Cuál sería lo peor que puede pasar si lo compartieras? ¿ Y cuál sería el mejor resultado posible? Crea una escala para tus acciones futuras que cause tu miedo. Y el número uno será el mejor resultado posible. El número diez será lo peor posible. Después de eso, llegar a los escenarios de edad faltante. Número 2 siendo muy bueno, pero no ideal. número tres sigue siendo bueno, pero un poco peor, y así sucesivamente. Y el número nueve será muy malo, pero aún así no tan malo como Dan. Ahora echa un vistazo a tu lista y date cuenta de que es más probable que termines con algunas opciones en el medio y no los extremos. Todo el proceso de trabajar en tu miedo lo hace menos estresante y te permite realmente empezar a tomar acciones en la dirección correcta. Chicos, Chicos, estoy tan orgullosa de ustedes. Me enorgullece que haya llegado hasta el final del curso. No fue un viaje increíble. Y significa que no estás simplemente interesado en snap en bastante lejos. Estás comprometido a crear una obra significativa y auténtica que impacta. Y ese impacto puede ser cualquier cosa. Puedes hacer sonreír a la gente o puedes hacerla conscientes de cosas de las que antes no estaban conscientes. O simplemente tu fotógrafo puede servir un ejemplo y permiso para que otra persona haga algo creativo también. Y eso es hermoso. Eso trae propósito y sentido a tu fotografía y mientras a tu vida en general. Una vez más, estoy tan orgullosa de ti y no puedo esperar a ver tus futuras creaciones.