Elementos de los paisajes urbanos

1. ¡Hola!: cada uno de nosotros soñamos con viajar por el mundo, explorar nuevos lugares y ciudades, y capturar esos momentos espectaculares en nuestras memorias. Desde que recogí mi pincel y me aventuré en el mundo de las acuarelas, pintar paisajes urbanos, paisajes urbanos, y los lugares de mis fotografías de viaje fueron mi pasión. Me intrigaron los elementos arquitectónicos masivos en diferentes ciudades, y supe que eventualmente, quería ser esos artistas de acuarela que pudieran viajar por el mundo y pintar las diferentes ciudades que visité o incluso pintar paisajes urbanos y paisajes urbanos, al menos de las fotografías. Hola a todos. Bienvenido de nuevo a mi clase. Si eres nuevo aquí, soy Geethu, un ingeniero aeroespacial de tiempo completo con sede fuera del Reino Unido, con pasión por pintar y enseñar arte. Llevo más de dos años practicando con acuarelas regularmente, y puedes encontrar todo mi trabajo en mi perfil de Instagram como Colourfulmystique. Bienvenido a la primera de una serie de clases sobre pintura, paisajes urbanos y paisajes urbanos. Vas a pisar en un viaje excepcional a pintar los lugares en tus sueños. Empezamos la serie con aprender todos los elementos que conforman un paisaje urbano o paisaje urbano, como edificios, autos, farolas, luces, personas, y todo lo que se te ocurra. Esta clase es ideal y perfecta aunque seas un principiante que acaba de empezar con acuarelas, porque justo desde los ejercicios de bocetos y pincel para obtener memoria muscular y control de manos, entendiendo la teoría del color, la luz, sombra y perspectiva en detalle, y escogiendo a mano los colores para cada pintura. Incluso estarás decidiendo tu propia paleta de colores y curando tus propios colores para el futuro. Vamos a crear nuestra propia revista de estudio de paisaje urbano con sus propias notas, mis notas, nuestros aprendizajes, muestra de color de diversos estudios, nuestras propias paletas de colores, y nuestras importantes observaciones con diversas paisajes arquitectónicos, al lado de los proyectos de pintura en esta clase. Aprenderás a crear un bonito contraste entre los elementos de sombra y luz, qué técnicas usar para hacer brillar tus pinturas acuarelas, y cómo acercarse a cualquier pintura de paisaje urbano o paisaje urbano con detalle. Repleto de toda la información para que te inicies en cada aspecto y elemento de pintar un paisaje urbano con facilidad, esta clase, el inicio de una serie, va a crear un nuevo mundo de acuarelas a tu alrededor. Cada uno de los proyectos de la clase cubre los elementos a detalle y cada día llegarás a explorar un nuevo elemento con consejos y trucos sobre cómo incorporarlos en tus pinturas. Sin más preámbulos, entrémonos en las lecciones de esta clase. 2. Acerca de esta clase: Esta clase va a ser la primera de una serie de clases donde aprenderemos a pintar paisajes urbanos y paisajes urbanos con detalle. Entender los elementos individuales que constituyen una pintura completa nos dará la confianza y el conocimiento necesarios para pintar enormes paisajes urbanos en general. De ahí que estamos iniciando esta clase con tratar de entender estos componentes individuales. Hay mucho más que estos, no sólo estos. Siguiendo esta clase será más grande paisaje urbano y paisajismo urbano. Cosas que podrás pintar con facilidad, acumuladas con todos los conocimientos de esta clase. Nos adentraremos en diferentes paisajes urbanos como pinturas en perspectiva. Entender cómo incluir elementos meteorológicos y estacionales, vistas a las calles desde diversas ciudades de todo el mundo, ciudades antiguas con hermosa vista al mar, Maravillas del Mundo, pueblos medievales, e incluso paisajes urbanos abstractos. Los fundamentos de todos estos requieren del conocimiento de perspectiva en detalle, luz y la sombra, teoría del color, además de conseguir armonía de color en una pintura. Por esta razón, te estaré enseñando todas estas lecciones con mayor detalle con ejemplos útiles para que entiendas claramente estos conceptos. A lo largo de toda esta clase y de las clases que seguirán, estaré compartiendo consejos y trucos en general, así como consejos de teoría del color, que te harán un largo camino. Aquí tienes una vista rápida de los iconos de consejos y trucos para ayudarte a distinguir entre cada uno y el cual puedes mirar a lo largo de esta clase. Consejos y trucos generales, consejos de teoría del color o información útil sobre colores, colores alternativos que puedes mezclar. Espero que esta clase le agregue un mayor valor a su viaje de pintura y que pueda pintar todas las clases de paisaje urbano que se vienen con tanta facilidad después de tomar esta clase. 3. Materiales necesarios: Echemos un vistazo a todos los suministros de arte que necesitarías para esta clase. Necesitaríamos 100 por ciento de algodón, mínimo 300 gsm, papel de superficie prensado en frío o rugoso para obtener el mejor resultado. Yo siempre recomendaría ir con un papel que tenga todos estos, es decir 100 por ciento de algodón, 300 gsm. Puede ser prensado en frío o áspero, no importa. Pero no vayas por papel prensado en caliente porque no tiene la textura en la superficie del papel para ayudarnos a lograr los efectos de acuarela que queremos hacer. sea puedes ir por esta serie Canson Heritage o este es Saunders Waterford. Esto también es un 100% de algodón, 300 gsm, y esto es prensado en frío. Aquí tengo Arches. Esto es áspero. También puedes ir por el prensado en frío como dije, y todos estos, como puedes ver, son de 300 gsm, que es el peso del papel. Necesitamos que el papel sea grueso para poder soportar los lavados de acuarela que vamos a hacer. Si prefieres pintar en cuadernos de bocetos, también puedes ir por una opción de cuaderno de bocetos si lo deseas. A continuación, necesitas pinturas de acuarela, claro. Puedes usar las acuarelas en tubos, sartenes, o conjuntos de acuarelas ya hechos, lo que tengas contigo. Estaré usando tubos de acuarela como estos de varias marcas, en su mayoría White Nights, Daniel Smith, Schmincke, Sennelier, y Rembrandt. Simplemente tengo una colección de todas estas diferentes marcas y he escogido los mejores colores fuera de ellas y los añadí a esta caja aquí. También te estaré mostrando el proceso de cómo he elegido los colores y la confección de mi paleta para que puedas hacer y decidir por tu cuenta también. A continuación, necesitamos pinceles de acuarela. No necesitas muchos pinceles para esta clase. Por lo general, recomendaría tener un pincel plano para que pueda aplicar un poco de agua, ya sea un pincel plano pequeño o un cepillo plano grande, lo que sea que tengas. Después un cepillo redondo puntiagudo de tamaño mediano, como un cepillo de talla ocho o un cepillo de tamaño 6. Un pincel que puede contener mucha agua y pintura. Por lo general, un bonito cepillo natural para el cabello sería ideal, y luego tal vez un cepillo delineador o detallista. Si no tienes un cepillo de forro, puedes ir por como un cepillo talla 0 o un cepillo redondo puntiagudo talla 1. Necesitamos el punto, así que asegúrate de tener un pincel punto-redondo tan bonito. Entonces también recomendaría tener un pincel sintético que lo podamos usar para el levantamiento así como donde queremos aplicar la pintura y el agua sobre el papel sin que el cepillo tenga que absorber mucha agua o liberar mucha agua. No te preocupes por estos pinceles sintéticos en general. Esto se debe principalmente a que la mayoría de los pinceles que poseemos desde el principio son pinceles sintéticos. Son los más baratos de los pinceles, por lo que lo que puedas tener contigo puede que ya sea el pincel sintético. Estos son los pinceles que yo sugeriría para esta clase. También puedes intentar conseguir un pincel chino como este. Estos se llaman pinceles de caligrafía chinos. Los uso principalmente para lograr algo de textura en mis cuadros, principalmente por los pelos. Pero no necesariamente necesitas el mismo pincel chino. Todo lo que necesitas es probablemente un cepillo que puedas manejar sin preocuparte, como no preocuparte por las cerdas y manejarlo más o menos. Se puede ver que es la razón por la que uso este pincel de caligrafía china. Si tienes un cepillo más viejo en el que puedes manejar las cerdas sin ningún cuidado para tu uso rudo, entonces puedes seguir adelante y usar eso también. Por supuesto, necesitarás un borrador, una regla y un lápiz. Estaré usando un lápiz mecánico como este porque es fácil de usar para mí. No tengo que afilar a veces y todo lo que tengo es cambiar el liderato en él. Se trata de un lápiz mecánico de 0.5 milímetros. Después un borrador, claro. También estaré usando esta goma de borrar amasada. Esto es muy útil cuando se quiere quitar las marcas de grafito del lápiz. A esto se le llama borrador amasado. Como puedes ver, es fácil para nosotros amasarlo. Estaré explicando el uso de esta goma de borrar amasada en la próxima lección. Pero no necesariamente necesitas esto. También puedes ir con tu borrador normal, así que por favor no te estreses por eso. También necesitarías un cuaderno de bocetos, pero no tiene por qué ser de 300 gsm, 100 por ciento de algodón, ni ningún cuaderno de bocetos específico para acuarela en sí porque vamos a estar escribiendo muchas notas y muchos bocetos en este. Esto es para tu diario. Tan solo asegúrate de que pueda soportar algunas pequeñas trazos y marcas de color y no se desgarre. Asegúrate de que no sea como un simple cuaderno. Sería ideal si es de 150 gsm al menos para que consiguiera un poco de espesor. Esto es separado de los papeles de acuarela que había mencionado que necesitarás para esta clase. Este cuaderno de bocetos no es para pintar. Esto es para tu propósito de diario si te gustaría hacer eso conmigo. Algunos lápices de colores o bolígrafos o bolígrafos de boceto o lo que sea si te gustaría decorar tu diario. Si solo prefieres seguir escribiendo notas simples, entonces eso también está bien. Sólo estaré usando este bolígrafo rojo, azul, y este negro para agregar cosas a mi diario. Necesitarías dos frascos de agua. Obviamente ya sabes si has tomado mis clases anteriores, un frasco limpio por tomar agua dulce para tomar pinturas frescas, así como aplicar el agua sobre tu papel, y el otro es lavar la pintura sucia de tus pinceles. Es sólo porque imagina que una vez que esto se pone mucho barro y nublado, no queremos usar esta agua fangosa para estar aplicando sobre un papel para el método húmedo sobre húmedo. Esta es la razón por la que necesitarías dos frascos de agua. A continuación, puedes ir por cinta de enmascaramiento si quieres encolar los bordes del papel en una tabla o superficie. Para esta clase en particular, no vamos a necesitar ninguna cinta de enmascaramiento porque sólo voy a estar enseñando todos los elementos al principio antes de que podamos movernos a paisajes urbanos, paisajes de pleno derecho. Simplemente ten en cuenta que si quieres cinta por tus bordes, puedes ir por una cinta de enmascaramiento como esta. Esta no es una cinta de enmascaramiento de marca específica que he estado usando por un tiempo. Basta con observar que si encuentras que tu cinta de enmascaramiento esté arrancando el papel, no es la cinta de enmascaramiento la que es el culpable sino más bien el papel. Un buen papel no se arrancará aunque utilices cualquier tipo de cinta de enmascaramiento. A pesar de que he escuchado que los artistas recomiendan esta cinta adhesiva Tesa Perfecta para sus pinturas porque es muy buena y resiste muchos lavados. Como puedes ver esto es nuevo. Todavía no lo he usado. Este es el que uso mayormente. Necesitarás algo de pintura de gouache blanco también. Este es un gouache blanco que estaré usando. Este es blanco permanente de Winsor & Newton. Si no tienes gouache blanco, también puedes ir por las acuarelas blancas en tus sartenes o en tubos. Realmente no importa. Todo lo que necesitamos es un bonito color blanco opaco para agregar algunos reflejos y otros detalles en nuestra pintura. También necesitarás algunos pañuelos o toallas de papel para quitar el exceso de agua y pintura de tu pincel y para cualquier técnica extra que queramos lograr, así que solo tienes listas algunas toallas de papel en tu mano. También podríamos necesitar alguna película adhesiva o algún papel de envolver plástico con el fin de lograr algunas de las texturas que estamos tratando de lograr para algunas de las pinturas. Sólo ten eso en cuenta. Está bien si no tienes esto porque podemos lograrlo usando otros métodos también. Obviamente olvidé esto. Necesitas una paleta de acuarela para estar mezclando tus pinturas en tu paleta. Una bonita paleta de acuarela plástica o metálica o lo que sea que tengas es absolutamente fina. Por último, intenta apoderarte de una vieja tarjeta de crédito si puedes. Esto es ideal para algunas técnicas de rascado que podemos hacer en el papel. Esta es una de mis viejas tarjetas la cual está anticuada, así que por eso estoy usando esto. Pero no te preocupes si no tienes esa tarjeta, lo que puedes usar es un cuchillo de paleta, o incluso puedes usar el extremo de tu regla si es tan plano como éste. Ahora que conoces todos los materiales que necesitamos para esta clase, sin más preámbulos, saltemos a la siguiente lección. 4. Crea tu propio diario: ¿ Cómo te gustaría crear tu propio diario de paisaje con todos tus aprendizajes importantes de esta clase y futuro siendo cosas? ¿ Te gustaría tener toda esta información curada en un solo lugar para que puedas referirte a ella cuando quieras y volver a la revista cuando necesites referirte a algunos fundamentos? Te va a ayudar en tu viaje y estoy seguro de que esta revista también será una motivación y por supuesto, prueba de tu logro. Vas a hacer esto por tu cuenta. Simplemente voy a empezar para ti en esta clase con las ideas iniciales. Eres la persona que va a completarlo y ejecutarlo. Como dije, sólo soy el conductor inicial. Considera esto como tu diario de estudio personal. Es posible que algunos de ustedes ya tengan algo similar o incluso como un diario de muestras o un diario de técnica por lo que es posible que ya tengan algunos de estos. Pero en esta clase, esta va a ser una experiencia enorme. Te voy a estar enseñando cómo crear un hermoso diario y cómo vas a incorporar tus ideas y tus aprendizajes a esa revista. Tengo este diario para ensañar todos los colores que poseo de diversas marcas. Es realmente útil cuando estoy buscando recoger algunos colores nuevos, estamos trabajando en un nuevo proyecto y quiero revisar las formas que tengo y también puedes ver que hay algunos pequeños ejercicios de mezcla de colores aquí también. Obviamente, esto también está incompleto. Estos son todos los colores que tengo para este y uno anterior, pero aún no los he ensayado. Eso es porque en realidad los he ensayado en una hoja de papel más grande y los he pegado en el balón aquí en mi estudio así que esa es la razón. Este es mi diario de muestras. Nuestro cuaderno de bocetos o un diario va a ser mucho más que un simple diario de muestras. Cada pedacito de nuestros aprendizajes va a entrar aquí. Es absolutamente tu elección qué agregar y qué. Te estaré mostrando el proceso de cómo lo hago y cuáles son las cosas que voy a estar agregando en mi diario y en el transcurso de esta clase, vas a encontrar muchos consejos, trucos, técnicas, así que cualquier cosa que pienses es útil para que puedas agregarlos a diario y puede haber elementos son consejos o trucos importantes que probablemente no voy a agregar a mi diario mientras te estoy explicando estoy pintando porque quizá ya lo sepa y es algo que me viene naturalmente. Pero si es algo nuevo y lo encuentras como un consejo realmente útil y quieres anotarlo, entonces puedes seguir adelante y añadirlo a tus revistas. Va a ser completo plomo muchas ideas, mucha técnica, muchas muestras, tu balance de color, todo, y cualquier cosa que vayas a aprender en esta clase. ¿ Qué cuaderno de bocetos estamos buscando? Esta vez no diría un papel de acuarela 100 por ciento de algodón porque básicamente va a ser algunas muestras y algunas técnicas sencillas y un montón de notas manuscritas resaltadas y es como un diario de consejos y trucos para acuarelas. Básicamente, no se necesita papel 100 por ciento de algodón para eso. Cualquier cuaderno de bocetos estaría bien. Vas a estar escribiendo, bosquejando, dibujando, pintando, resaltando, decorando, cada método periodístico posible que realmente se te ocurra. Incluso puedes pegar sabes las diferentes imágenes que estás usando ahí. Es encontrar saca esos bolígrafos estacionarios, lápices, resaltadores, lápices de colores o lo que sea que tengas, y solo, vierte tu corazón en esta clase y lección porque nos vamos a divertir mucho. Cualquier cuaderno de bocetos sería suficiente y estoy tratando de tenerlo al menos 150 GSM o 120 al menos. Porque de lo contrario, cuando estás ensayando los colores, es decir cuando estás haciendo muestras de colores simples, tu papel empezará a abrochar y podría arrancarse. Esta es la razón por la que recomiendo al menos un 150 GSM. Cualquier cuadernos de bocetos básicos que como sabes dibujando cuadernos de bocetos por ahí también son 150 mínimos, por lo que realmente estaría bien. Cualquier cosa con un espesor bastante bueno para soportar algunos trazos básicos de acuarela. Eso es lo que necesitas. Tengo esto de BBVA Colors. Este es un cuaderno de bocetos prensado en caliente. Idealmente, si I IV o algo más grande es mejor también tengo este más pequeño de nuestro diseño así que este es cuaderno de bocetos cuadrado de 5.5 pulgadas. Eso se puede ver. Esto también está bien. Pero creo que esto es demasiado pequeño para mí. Tal vez ni siquiera llenes estas páginas enteras en esta clase, pero luego quiero que la mía sea un poco más grande y pueda cubrir muchas cosas en ella. Pero esto son sólo unos cuadernos de bocetos que te estoy mostrando. El que voy a estar usando es éste. Esto lo hizo un muy buen amigo mío. Ella es artista caleidoscopio. Ella me hizo esto como un, yo le compré esto. Ella estaba diseñando estos cuadernos de bocetos y me encantó mucho y así es como trabajar en realidad en la portada ella diseñó todo esto para que puedas ver, es un caleidoscopio artes, una imagen kanji. Este es mi signo del zodiaco Géminis y luego ella ha escrito mi nombre en el frente y así y este papel es realmente grueso y bueno. Eso se puede ver. Esto es lo que voy a estar usando. Se puede ver que esto es A5 también. Simplemente similar a esto. Sólo que está en el modo retrato. Esto es lo que voy a estar usando, mi cuaderno de bocetos y estoy tan ansioso por llenarlo. Ya has visto cómo se ve después de llenarlo, obviamente. Pero entonces vas a diseñar el tuyo propio y hacer el tuyo propio. No necesitas un cuaderno de bocetos de lujo como este, así que no te preocupes por eso. Si estás en la caligrafía, también puedes anotar el nombre de tu revista en escritura de caligrafía. Depende de ti cómo quieres decorar tu cuaderno de bocetos. No tienes que seguir las líneas exactas que estoy haciendo. No tienes que seguir las decoraciones que estoy haciendo en mi cuaderno de bocetos. Simplemente ve con tu propio instinto y piensa ideas creativas que puedes hacer y también puedes compartirlas en la sección de proyectos, a todos les encantaría ver qué creaciones que has hecho o cuáles son los nodos que que has hecho en tu cuaderno de bocetos. Entonces alternativamente, si no quieres crear este cuaderno de bocetos, pero aún así te gustaría conservar algunas de las lecciones que se tratan en esta clase, puedes tenerlas hechas en un buen papel de acuarela y llevarlas a la pared de tu mesa o estudio. Confía en mí, esos conceptos que vamos a aprender en esta clase son muy importantes y necesitabas para siempre. Si ya tienes algunas cosas como la rueda de color, puedes ignorar esa parte y no crearla. Pero luego hay muchas otras cosas cubiertas en esta clase que necesitas para siempre. Puedes tener esas técnicas se hacen en una gran hoja de papel y se pegan a tu pared. Pero confía en mí en esto, este cuaderno de bocetos va a ser una de las partes más satisfactorias de esta clase sobre de las pinturas. Porque es un reflejo de tus aprendizajes y de lo que probablemente necesitarás para todo tu futuro como artista o como lo que quieras aprender de pintar acuarelas. Durante el transcurso de esta clase, te estaré contando algunos consejos y trucos que puedes poner en tu diario. Depende totalmente de ti hacerlo. Puedes crear uno y probar similar al que estoy haciendo o puedes personalizar y decidir por tu cuenta. Depende totalmente de ti. 5. Crea tu propia paleta de colores: Ya sea que estés pintando desde una referencia o en real, necesitas una paleta de colores, un conjunto de colores comisariados para ti mismo. Todo artista tiene un conjunto de combinaciones de colores o una paleta personalizada de tonos o colores que no siempre hacen, o cuáles son sus favoritos. Estas combinaciones de colores son claramente visibles a través de sus obras de arte. Por ejemplo, hay artistas que prefieren pintar completamente monocromo o con colores fríos como el azul o los colores cálidos como el amarillo y el naranja, o incluso pueden preferir un cierto color para sus fondos, como el azul turquesa. Si revisas sus obras, todas sus obras van a ser como en tono azulado o tono verdoso, o tal vez lavanda o violeta. Todo depende de persona a persona y cómo les gusta representar o exhibir su trabajo. De ahí que decidir y finalizar en una paleta de colores sea absolutamente necesario para que podamos recorrer el mundo con nuestra paleta o crear una identidad única para nuestras pinturas. Pero este proceso de elegir los colores no es fácil, requiere una vasta cantidad de conocimientos en teoría del color, en los pigmentos, en cada uno de los colores y sus propiedades. Imagina tener que cavar a través de todos los colores que tienes para pintar algo. Pero, ¿no preferirías pintar una escena específica con tu propia paleta, con tu propia percepción de la imagen de la escena frente a ti sin que te influencien los colores originales como tal? ¿ No querrías crear una identidad original propia? ¿ Qué tal si te ayudo a patear iniciar este proceso? Yo no querría elegir los colores para ti yo mismo, eso depende de ti. Pero definitivamente me gustaría ayudar a construir para elegir los tuyos y curar los tuyos propios. Te diré las principales cosas que debes considerar y también los principales factores que influyen en tu decisión mientras eliges una paleta de colores. Esta fue mi paleta para mi clase de proyecto de 100 días. Había tratado de apegarme a esta paleta durante toda la duración de la clase. Creo que solo hubo una vez que podría haber usado adicionalmente una luz verde cola y una luz amarilla cadmio. Aparte de eso, durante los 100 días, me había pegado a esta paleta y estaba usando todos los colores en ésta. Esta es la razón por la que dije que crear una paleta propia es absolutamente útil y esencial, y también te enseña mucho sobre la mezcla de colores porque luego tratas de pintar a partir de los colores en tu limitada paleta y estás tratando de crear la tuya propia. Te voy a ayudar hoy con la creación de la tuya propia, y también he comisariado otra paleta para esta clase específicamente. Este fue para mi clase de proyecto de 100 días, todavía me encantan todos los colores que puedes ver. No he limpiado esta paleta, así que todavía la uso a veces. Pero para la clase de hoy, como te había mostrado, estaré usando esta paleta y te estaré mostrando exactamente cómo he elegido los colores o cuáles son los colores que he elegido. Esto es lo que estaré usando en esta clase. Antes de empezar con ideas para crear nuestra propia paleta, primero sumerjamos en la comprensión de la voluntad del color y un poco sobre la teoría del color. Esto es lo fundamental y lo más básico que necesitarías entender sobre los colores. Vamos a sumergirnos en eso. 6. Teoría del color Parte I: Echemos ahora un vistazo a la rueda de color y algunas de las propiedades más importantes de la mezcla de color. Aquí puedes ver una rueda de color sencilla que he hecho. Esto en realidad está compuesto de colores cálidos. También hay una opción de rueda de color fresco. Te explicaré todo eso en un rato, no te molestes. El color rueda es los fundamentos más básicos de la teoría del color. Todo artista, al menos una vez en su vida, debería haber mirado al menos la rueda de color. Pero el mejor de los casos sería tener esta rueda de color. De memoria, en tu mente, en tu cabeza, debes saber dónde están los colores, cuáles son los colores complementarios, cuáles son los colores análogos, y todo. Si lo sabes de memoria, entonces considera la mitad del trabajo realizado. Es decir, ya conoces la parte de mezcla de colores y todo lo que necesitas aprender son las pinceladas. Echemos un vistazo a eso. Aquí está la rueda de color que he hecho. Sabemos que hay tres colores primarios, los cuales son amarillo, rojo y azul. Ellos son la tríada, puedes ver que están como en los bordes de nuestro triángulo aquí. Los tres colores, amarillo, rojo, y azul. Entonces el siguiente color son los colores secundarios. Es decir, los colores que vienen justo en el medio, que se compone de mezclar dos colores primarios. Si mezclamos amarillo y rojo, obtenemos naranja, que es el color secundario. ¿Ves eso? Ese color secundario, son tres de ellos, obviamente otra vez. Amarillo y azul, si las mezclas juntas, obtienes un verde. Azul y rojo, si las mezclas juntas, obtienes un tono morado. Entonces la siguiente parte son los colores terciarios. Los colores terciarios se obtienen mezclando un primario y otro secundario juntos. El secundario fue mezclando dos primarias, el terciario es mezclando primaria y la secundaria juntos. Dijimos que la secundaria es naranja, verde, y morado. Si mezclamos naranja y amarillo juntos, que es uno de los secundarios y los primarios, obtenemos un color terciario, que está en algún lugar entre el amarillo y el naranja. Se puede ver que es un tono más claro de naranja, mucho más cerca del amarillo, pero justo en el medio. Lo mismo, si mezclas naranja y rojo juntos, obtienes un tono diferente de rojo, que es como en el medio, que es un color terciario. la misma manera que harías por todos los demás, y verás los morados y verdes variables que obtuviste, que son los colores terciarios. Esta es básicamente la rueda de color. la posición del amarillo, rojo No importala posición del amarillo, rojo y azul mientras estén en la tríada. Lo que quiero decir es que puedes empezar con tu amarillo aquí en la parte inferior y tienes que ir en lo normal. Pero si tu amarillo está aquí, y obviamente tu rojo debería estar aquí y tu azul debería estar aquí. Eso es lo único que necesitas cuidar. No necesariamente tienes que poner tu amarillo en la parte superior, pero la mayoría de la gente lo hace así porque ahí es donde comienzas. Esto es lo básico de la rueda de color. Mientras sepas esto de memoria, te va a ayudar mucho. Ahora, lo siguiente que necesitamos saber son los colores de cortesía. Los colores de cortesía son los colores opuestos entre sí en una rueda de color. Amarillo, ¿qué es directamente opuesto a ella? Eso es violeta. El color complementario del amarillo es violeta, del rojo es verde, y el azul es naranja. Todos estos colores definitivamente tienen colores complementarios. Para los primarios, los principales son un color secundario. El color complementario de un color primario siempre es un color secundario, que es como justo en el medio. Esto es lo principal que hay que entender. Ahora lo siguiente es cómo puedes dividir tu rueda de color en colores cálidos y fríos. su mayoría la primera sección de los colores cálidos y fríos varían para diferentes artistas. Algunos artistas prefieren dividirse en el amarillo, algunos artistas prefieren dividir ligeramente uno aquí junto al amarillo porque esto se ve más cálido. Los colores cálidos son básicamente esos colores que es cálido, se parece más a amarillos, fuego, rojizo, el sol, cualquier cosa con la que puedas relacionarte como cálido. Pero los colores fríos son con lo que puedes relacionarte como fresco y dorado. Eso sería el mar, el océano, las cosas azuladas, esos son colores fríos. Por eso me he dividido en mi percepción, los colores fríos y los colores cálidos a través de esta línea aquí. Todos los colores hacia la izquierda de esta línea que tiene este semicírculo es cálido, y el semicírculo derecho aquí son colores fríos. Se puede ver esto es azul y los siguientes colores. Esto definitivamente se obtuvo mezclando un azul con el amarillo. A pesar de que el amarillo es cálido, el azul en realidad se percibe como un color fresco, así que por eso tienes una versión fresca del verde aquí, diría yo. Esto definitivamente es más fresco porque agregaste más azul a este para conseguir este color. Es por eso que toda esta gama es fresca y todos estos se mezclan agregando amarillos y rojos. Es por eso que a esto se le conoce como el lado más cálido. Ahora, hay otra cosa que necesitamos entender. Dije que en realidad esta es una rueda de color cálido y esta es una rueda de color fresco. ¿ Qué significa eso en realidad? Si ya hay colores cálidos y colores fríos en este, entonces ¿por qué se llama a esto como rueda de color cálido? Cada color, aunque estén del lado más cálido, por ejemplo, tomemos el amarillo. A pesar de que el amarillo es un color cálido en una sola rueda de color, en realidad puedes tener un amarillo más cálido así como un amarillo más fresco. Veamos cómo va eso. Este amarillo que he usado aquí es amarillo indio, y es más hacia el lado más oscuro del amarillo o se parece más a naranja. Si lo miras, tiene, sólo mira, no se ve en absoluto como un azul, se ve más como un poco de naranja o un toque parduzco, así que por eso este amarillo es cálido. Pero hay algunos amarillos que se ven ligeramente verdosos. [ inaudible] o amarillo limón por ejemplo. El amarillo limón es el ejemplo perfecto. Si intentas ensayar amarillo limón, verás que hay un ligero tinte verdoso. Ese tinte verdoso se debe principalmente a que es un amarillo frío. Se puede calificar como un amarillo frío porque ¿cómo se obtiene un tinte verdoso en amarillo? Si agregas una diminuta gota de azul a este amarillo, verás que se pone un poco de tinte verdoso, incluso más ligero que éste. En algún lugar entre esto, obtendrás un tinte verdoso muy claro a tu amarillo. En realidad puedes hacer amarillo limón. Es por eso que el amarillo limón es un amarillo fresco. Se encuentra en tiempo real, se encuentra en tubos, por lo que se puede decir que el amarillo limón es un amarillo frío, mientras que el amarillo indio es un amarillo cálido más claro. Pero hay otros amarillos que son más cálidos que éste porque cuando intentas pintarlo, verás que está más cerca del naranja o se parece más al rojo. Por eso es un amarillo más cálido. A continuación te presentamos algunos puntos importantes. Con amarillo, cuando parece más naranja o rojo, es un amarillo más cálido. Con amarillos, si se ve más verdoso o azulado, es un amarillo frío. Ese es el caso de los amarillos. Lo siguiente es, ¿cómo clasificamos el blues o los rojos como fríos y cálidos? Veamos eso. Aquí, tengo algunos blues aquí. Ya verás que todos son diferentes. Un azul cálido sería donde se inclina más cerca hacia el lado rojizo. Cuando mezclas azul con rojo, te pones oscuro, obteniendo morados. Además, tu azul empieza a oscurecerse. Se puede ver que esto es oscuro. Es un tono púrpura, pero sigue siendo oscuro. rojo es el más definitivo de los colores cálidos, es decir, en el lado cálido. Si tu azul comienza a inclinarse hacia el lado más oscuro debido a la presencia de rojo en sus pigmentos, es un azul cálido. Eso es lo que hace que un azul sea más cálido. No estoy hablando de esta rueda de color. Hablo de colores, en general, sólo blues. Intenta entender la diferencia. Sé que es mucho confuso entender este concepto, pero confía en mí, lo conseguirás al final. Este azul de aquí es más cálido, que he usado, porque en realidad usé azul cobalto. El azul cobalto es un azul cálido porque es más azulado que verdoso o hacia el amarillo. ¿ Qué es un azul fresco? Un azul fresco sería cuando empieza a tender hacia el lado verdoso. Si comienzas a mezclar azul con un poco de verde, obtienes azul fthalo o azul turquesa por lo que sería un azul frío. El azul frío son colores como el azul fthalo, azul turquesa, el azul verde, y el azul verde marino. Esos azules, son más fríos porque se ven más verdes, que también está en el lado más fresco. Esta es la razón por la que tenemos azules cálidos y fríos. Aquí, uso azul cobalto. Es un azul cálido. Todo este asunto está compuesto por una paleta de colores más cálida. Espera, todavía tengo que explicar los rojos sin embargo. Veamos el caso de los rojos. Aquí te dejamos dos rojos. Esta es alizarina carmesí, y esta es quinacridona violeta rosa. Es lo mismo que la rosa quinacridona en otras marcas. Es PV19. Alizarin carmesí es lo que he usado en esta rueda de color, y es más cálido que esta. Yo diría que es más cálido porque se ve más rojizo, y más como el amarillento. Hay otros rojos más cálidos que este carmesí alizarin, de hecho. Por ejemplo, rojo prominente o rojo fuego. Todos estos creo que son rojos más cálidos que este quin rose. Eso se debe principalmente a que tienden más hacia el lado amarillo. Este es el rojo aquí. Se ve más hacia el lado amarillo. Por eso es más cálido. tanto que, esta quin rose, es ésta de aquí, se puede ver. Es rosa a la sombra. ¿ Qué en realidad hace que un color, un tono rojo, se convierta como una rosa? Si le comienzas a agregar azul, se convertirá en el lado violeta, o girará hacia el lado azulado, razón por la cual se le llama rojo frío. Esta es la rosa quin, y esta es la alizarina carmesí. Compara estos dos aquí, estos dos exactamente. ¿ Cuál se ve como un amarillo o una naranja? Esto se parece más a un amarillo y una naranja. Este. Es por eso que este es un rojo más cálido, mientras que, este es un rojo más fresco. Esto es lo principal que debes entender sobre los colores. Cuando estás haciendo una rueda de color como esta, no necesariamente tienes que ir a encontrar todos los colores cálidos y hacerlo. Cuando estés empezando, solo tienes que empezar con tres colores primarios cualquiera. Eso es amarillo, rojo y azul. No te preocupes por si es un rojo frío o un rojo cálido o un amarillo cálido, amarillo frío. No te molestes por eso. Simplemente intenta hacer primero la rueda de color, e intenta memorizar ese concepto. Te estaré mostrando un pequeño proceso de cómo voy a añadir esta rueda de color en mi diario aquí. Esto se debe a que se trata de una rueda de color que había hecho hace mucho tiempo. En realidad estaba atascado en mi pared aquí en mi estudio. Yo quería tener esto en mi diario aquí. Aquí está el diario, y acabo de hacer un bosquejo aproximado de lo que necesito agregar. Ya puedes ver, he hecho el boceto de la rueda de color. Soy muy malo en la caligrafía, así que puedes ver mi escritura es mala, pero así es como quería decorarla. Pero puedes simplemente seguir, y agregarle mucho más. Así es como voy a estar haciendo. Lo que he hecho es que acabo de trabar dos círculos concéntricos, y lo he dividido en 12. Yo también quería agregar la versión más cool. La versión cool aquí que he agregado, aquí se puede ver esto. Este, sólo he hecho la primaria y la secundaria. No lo hice como porque éste, y sumar el terciario. Si quieres, puedes seguir adelante, y hacer la rueda de color fresco exactamente similar a ésta, con los grandes colores terciarios en el medio. En realidad, creo que fui por un tono de terciario. No lo hice exactamente como un color secundario. Yo hice una mezcla de una secundaria y una terciaria. Se puede ver esto, esto, esto, esto. Eso es un amarillo, el rojo, y el azul. Aquí está mi primaria. Lo que hice es tratar de conseguir los dos colores en el medio. Estos no son en realidad colores secundarios, y estos no son en realidad colores terciarios porque están justo en el medio. Si buscaba el color secundario, debería haber ido por exactamente sólo seis formas, en lugar de nueve. Esto es lo que he dividido en nueve. Eso es lo que quiero que entiendas. No intentes pique tu mente que tiene que ser exactamente esta primaria, secundaria, terciaria o una combinación de todas estas. Se puede ver aquí que esto se acaba de obtener mezclando el amarillo y el rojo aquí juntos, pero acabo de añadir más amarillo a éste y más rojo a éste para que me quede los dos colores en el medio. Esa es la magia de los colores primarios. Puedes mezclarlo de tal manera y obtener una variedad de tonos. Te estaré mostrando el proceso de cómo hago esto, y cómo voy a empezar a hacer todas las cosas que estoy explicando aquí en mi diario. puedes ver, acabo de hacerlo más sencillo, y acabo de agregar estos en mi diario por ahora. Te lo mostraré. También estaré adjuntando páginas de esta revista como PDF, que puedas referirte a ella en cualquier momento, y puedes hacer las tuyas propias. No te preocupes por eso. 7. Teoría del color Parte II: Una vez que nos hemos familiarizado con la rueda de color, ahora lo que necesitamos entender es la temperatura del color. Los colores cálidos y fríos que acabo de definir es exactamente lo que se conoce como la temperatura. Eso se debe a que es cálido o bien fresco. Al igual que este amarillo que expliqué, este es un amarillo frío y este es un amarillo más cálido. Ahora se ve similar. Pero vamos a ver si se puede notar la diferencia mirando a los dos. ¿ Cuál de estos luce más verdoso que el otro? Esto definitivamente no se ve verde. Pero puedes mirar aquí. Esto es algo más ligero y se puede decir que tal vez haya un tinte de verde en eso, en esta sombra. Es por eso que esto es más fresco y esto es más cálido. Puede haber amarillos más cálidos que éste. Amarillo arce. Basta con mirar esto. Si fueras a mirar ambos, ahora, ¿cuál es más cálido? El más cálido es éste porque se ve más hacia el naranja que este. Si solo miraras ambos y definieras fresco y cálido, esto es más cálido y esto es más fresco, aunque esto no es del todo fresco cuando solo dices el nombre, pero en comparación con estos dos, esto es más fresco y esto es más cálido. ¿ Conseguiste ese concepto, lo que trato de decir? Cuando se agregan estos, entonces ¿cuál es el orden del cálido para enfriar? Cálido, cálido, cálido. La línea de cálido a fresco sería de aquí para aquí. Este es el más cálido, y este es el más fresco, y esto está en el medio. ¿ Se puede ver esa diferencia en los tubos? Eso es lo que estamos tratando de entender aquí. La temperatura del color es básicamente cómo se puede hacer realmente un color más cálido o más frío. Aureolin, por ejemplo, esto es aureolin. Dije que es más fresco, pero no lo pienses como un amarillo cálido más fresco en este momento, solo piénsalo como un amarillo. Esto es sólo un amarillo ahora. Aquí está la aureolina amarilla aquí. Ahora, quieres hacer que esto sea más cálido. ¿ Cómo lo haces más cálido? Para que sea cálido, agrega algo que se parezca más a tono rojizo o naranja, y que sería agregar naranja en sí o agregar rojo, cualquier rojo, carmesí alizarina, o agregar siena quemada. Cualquier cosa que mire hacia el tono rojizo o marrón. Si le agregas eso a tu amarillo, tu amarillo se vuelve más cálido, y así es como aumentas la temperatura del mismo. Entonces aquí, he mezclado alizarin carmesí con aureolina aquí. Espero que lo puedan ver. A ver puedes mirarlo más de cerca. Aureolin con alizarina carmesí y se puede ver que se pone más cálido y cálido y más cálido hasta que se parece más a un tipo de look de siena quemada oscura o naranja-ish. Es así como haces un calentador amarillo. Ahora, ¿cómo lo haces más fresco? Para que sea más fresco, agréguele un azul. Es tan simple como eso. Aquí, he añadido azul cobalto a este lado. Se puede ver que éste en realidad se parece un poco a amarillo limón. El amarillo limón es un poco más ligero que esto. Pero creo que si hubiera reducido la cantidad de azul que mezclé en esto, habría conseguido amarillo limón, así que por eso dije que el amarillo limón está en el lado más fresco. Aquí está amarillo amarillento limón. Si sigues agregando más azul, puedes ver que has hecho de este amarillo un color más fresco. Así es como realmente haces un color cálido o fresco. Esa punta es para amarillo. En el caso del rojo, no lo he hecho aquí. Esta caja de temperatura de color aquí que he hecho, puedes hacerlo exactamente de la misma manera para los otros dos [inaudible] también. Escoge cualquier sombra roja, y colócala en el medio, y piensa en cómo puedes hacerlo más cálido y más fresco. Entonces un rojo, ¿cómo lo haces más cálido? Aquí está el rojo. Es por ello que entra en juego el conocimiento de la rueda de color. Aquí está el rojo. ¿Cómo lo harías más cálido? Si miras esta línea, el lado más cálido está aquí, eso es esto. Para que un rojo sea más cálido, es necesario agregar amarillo. un rojo, cuantos más amarillos agregues, lo harás más cálido, y en un rojo, más blues añades, porque este es el lado más frío, lo convertirás en un rojo fresco. Ese es el caso del rojo. Tenga en cuenta esto y en realidad puede tener esto en su diario. Yo sólo voy a hacer un color porque sé esto. Pero si hay algo en una nueva información o realmente te gusta hacer las muestras, confía en mí, disfruto este proceso y por eso lo voy a volver a hacer. Eso es con el rojo. Entonces para el azul, eso es o azul también para que puedas ensayarlo así. Temperatura de color para los tres colores principales. Cada color tiene una temperatura de color y podrás anotarlo. Te explicaré después del azul. Aquí está el azul. Aquí está el azul. ¿ Cómo lo harías parecer más cálido? Para hacerlo con la caja del azul, porque es como justo en el medio del lado más fresco, tiene ambas percepciones, puedes agregarle más amarillos y hacerlo más cálido y cálido, o puedes agregar rojos a ella. ¿ Cómo diferenciamos si se trata de un amarillo cálido o del clima o el rojo es lo que necesitas agregar? Sólo entendamos eso. En mi percepción, el azul, el verde es definitivamente un color fresco, diría yo. Esto se debe a que se obtiene mezclando el propio azul. El verde se obtuvo mezclando amarillo y azul juntos, por lo que obtuvimos verde. verde ya tiene un azul, ¿no es así? Porque el verde tiene azul en él, eso significa que está más fresco. Esta es la razón por la que cuando se mezcla un azul y verde, este tono, nuevo, creo que tiende más hacia el lado más fresco. En tanto que el rojo por otro lado, si lo miras en la percepción de que es un color rojo normal, no pienses en frío y cálido aquí. El rojo no tiene un azul en él. Es un color primario y no tiene azul en él. Sé que estábamos hablando de amarillo y rojo aquí pero sólo escúchame. El rojo no tiene ningún azul en él. Cuantos más rojos agregues a tu azul, se va a poner morado, más oscuro. Eventualmente, se convertirá en rojo, que es el color más cálido. Esta es la razón por la que creo que si le agregas rojos a tu azul, se pondría más caliente, y si le agregas amarillos o verdes a tu azul, se volvería al lado más fresco. Espero que hayas entendido eso. Entonces del ejemplo, verde. Entonces si tuvieras verde por ejemplo. Aquí tienes verde, ¿cómo harías esto más cálido? Para hacer este más cálido, obviamente, puedes seguir agregando amarillo, naranja, rojo, y esto lo haría más cálido y puedes hacer este enfriador agregando azules, azules oscuros, morados y volvería tinte al lado más fresco. Esto es tan simple como eso y como dije, todo lo básico radica en esta rueda de color y en el posicionamiento de los colores cálidos y fríos. Si en tu cabeza, realidad puedes visualizar, sé que no puedes ver, pero tengo los ojos cerrados y si realmente intentas picturizar en tu cabeza, así que tengo el amarillo, tengo el rojo, tengo el azul. Tan amarillo y rojo, en el medio viene el naranja, luego aquí viene el verde y aquí viene el morado. Si puedes visualizar esto y luego pensar en esta línea, que separa la rueda de color en dos, en los lados más cálidos y fríos. Este lado aquí, comenzando desde el amarillo al rojo es el lado más cálido, y comenzando desde el verde ligeramente más claro hasta el lado morado es el lado más fresco. Si tan solo puedes imaginar esto y tratar de memorizar la rueda de color, confía en mí, todo va a ser simplemente simple para ti. Sé que esta es mucha información para procesar y lleva tiempo entenderla. Aquí es donde entra en juego nuestro diario. A lo largo de esta lección específica, podría haber visto surgir muchos puntos. Podrías añadirlos todos a tu diario como trucos de pasos. Puedes anotarlas. Puedes ensayar tus colores. Se puede aprender tanto de los colores y es tan divertido. Cuando te metes en un blog de arte o algo así, lo que suelo hacer, aunque no es cuando consigo una trama de arte. Siempre que estoy sentado simplemente, me encanta simplemente ir y leer sobre los colores. Basta con leer lo que puedas. Entérate de los colores, sobre la teoría del color. Simplemente mejorará tanto tus conocimientos y te ayudará en la pintura. Simplemente no queremos estar usando los colores que alguien más nos está enseñando. Queremos estar inventando nuestros propios colores. Esto es lo que quería transmitir a través de esta clase. Es decir, quería que siguieras adelante y crearas algo propio, crearas tu propio palé, y me siguieras con las técnicas para aprender los paisajes urbanos y paisajes urbanos pero por tu cuenta. A menos que y hasta que aprendas por tu cuenta y definas una composición, no creo que podamos progresar a la siguiente etapa. Es por ello que el objetivo principal de esta clase fue ayudarte a entender todos estos conceptos y ayudarte en tu proceso de aprendizaje a hacer diario todas estas cosas. Lo siguiente es sobre la saturación de color. Cuando miras un objeto en tiempo real, realidad no se ve exactamente rojo en su conjunto. Tiene muchos colores en ese objeto específico por la forma en que la luz está cayendo sobre él y cómo la ven nuestros ojos. Es por eso que probablemente tengas que silenciar un color. Es absolutamente necesario silenciar un color en la vida real cuando estás pintando, porque en realidad no puedes encontrar un objeto en una sola saturación de color mirando con nuestros ojos desnudos. Siempre habrá tonos variados de la misma en diferentes niveles de saturación, y como dije es principalmente por cómo cae la luz sobre ese objeto. Si te mostrara, tal vez este pincel rojo de aquí. Si miramos de cerca este pincel, se pueden ver algunos tonos más claros, se pueden ver tonos medios de rojo, y luego se pueden ver tonos más oscuros de rojo en la parte inferior. ¿Puedes ver eso? Como dije, este no es un solo tono rojo, tiene diferentes tonos de rojo. Si bien este es solo un color, pero los diferentes tonos que vemos es principalmente por cómo cae la luz sobre él y cómo la perciben nuestros ojos. Por eso. ¿ Cómo silenciamos un color? La forma más fácil de silenciar un color es agregarle el color complementario. Hay dos opciones, puedes agregarle un color de cortesía, o puedes agregarle un tono gris o negro para silenciar el color. Pero el artista en su mayoría prefiere usar el color de cortesía para silenciarlo hacia abajo. Porque cuando le agregas negro, se vuelve más oscuro y más oscuro hacia el negro, mientras que cuando añades un color de cortesía, el nivel de saturación de ese color empieza bajar y luego lo ves oscurecer y más oscuro. Es posible que hayas oído hablar de la saturación en la fotografía o cuando estás editando, cuando aumentas la saturación, sabes lo que sucede. Se vuelve más vibrante y el color se satura. Eso es lo que estás tratando de hacer cuando estás agregando un color complementario, estás tratando de reducir la saturación de ese color. Aquí está, por ejemplo, este es el carmesí de Alizarin aquí, y lo que he agregado es que he añadido sap green. ¿Por qué verde? Porque aquí está el rojo y el color opuesto a ese rojo es verde, por lo que se parece más a un verde savia. Añadí savia verde a rojo muy poco a poco hasta obtener el color marrón oscuro aquí. Se puede ver en la primera columna misma ¿qué ha pasado? Cuando reduje la saturación de la misma agregando un poco de verde. Acabo de añadir una muy pequeña cantidad de verde aquí a este rojo, y se puede ver que ya está hecho y es un poco más ligero, o no se puede decir que es más ligero, pero esencialmente el nivel de saturación ha bajado. ¿ No estás de acuerdo? Aquí, el nivel de saturación ha bajado y está disminuyendo hasta que vuelve más hacia la escala pardusco grisácea. Es así como silenciarías un color o disminuirías la saturación de un color. Lo mismo se puede hacer con todos los demás colores. cada color se le puede agregar color opuesto para disminuir el nivel de saturación. Igual aquí azul cobalto, el color de cortesía es naranja, justo en lo contrario, así que le agregué naranja. Se puede ver disminuida su saturación hasta que se vuelve a la escala parduzco. Eso es lo principal de la saturación de color. Ahora, intentemos entender el valor tonal o el tono de color. Estos son términos diferentes que necesitamos entender la diferencia entre la temperatura era si está en el lado más cálido o en el lado más frío o cómo hacerlo cálido, fresco. La saturación es disminuir los niveles de saturación o silenciar ese color, y el tono es lo claro u oscuro que es un color. Un solo color o sombra, qué tan claro u oscuro es eso, eso es lo que es el tono. Aquí he usado el gris de Payne. El gris de Payne en su forma más oscura es como el negro, puedes ver aquí. Este es el gris del Payne que he usado y en su forma más oscura, parece negro. Entonces si le sigo agregando agua. Existen diferentes formas de obtener el tono de color nuevamente, puedes agregar blanco a tu color o simplemente puedes seguir agregando agua y luego ensancharla. Con el blanco, no es el escenario perfecto, es el método del agua que buscan la mayoría de los artistas porque agregar el blanco tiende a hacerlo más ligero, pero también tiende a hacerlo hacia el lado grisáceo en caso del gris de este Payne. También para otros colores, lo haría más ligero y ligero, pero no la luz exacta que queremos. Aquí el gris de Payne, parece negro, y luego le agregué un poco más de agua a esa mezcla y se puede ver que se volvió más ligera. Añadí más agua cada vez hasta que al final, tenía casi nulo del pigmento, pero más del agua. En realidad no significa que ahora estás cayendo agua y terminas con un charco grande. No, solo significa que, en esta mezcla de aquí, probablemente sea como el cinco por ciento del pigmento y más agua. Te mostraré cómo está el proceso tonal. Creo que en realidad ya lo he mostrado en mi clase de guía definitiva de acuarelas sobre tono de color, por lo que estos son conceptos importantes, razón por la que quería volver a cubrir. Eso fue con el gris del Payne. Pero hay ciertos colores por mucho que intentes, no podrás obtener un tono más oscuro del mismo porque en realidad es más claro. Un ejemplo principal es un amarillo. Este es el amarillo indio que he usado aquí. Este amarillo indio, este es el amarillo. No puedes conseguir ningún lado más oscuro que este, pero cuanto más agua agregues a tu amarillo, podrás hacerlo más ligero y obtener tu escala tonal. Aquí está la escala tonal inicial, y se puede ver este modo luce casi similar, mientras que como éste tiene un poco del gris de Payne y éste tiene un poco de amarillo. ¿ Cómo se hace un color como el final amarillo hacia el lado más oscuro? Es muy sencillo, todo lo que tienes que hacer es agregarle una versión más oscura de esto. Eso sería o puedes ir por esta opción carmesí Alizarin o puedes ir por Burnt Sienna. Aquí lo he hecho, amarillo indio más Sienna quemada. Añadí Sienna Burnt a este amarillo indio, y ahora puedes ver que he hecho mi amarillo más oscuro y más oscuro. Aquí de nuevo, esta no es la versión más oscura de Burnt Sienna, podría conseguir otra caja. Pero ¿y si quieres oscurecer aún más y llegar hacia el lado negruzco? Después a Burnt Sienna, agregarías el gris o el negro de Payne, o puedes agregar una versión oscura de la misma, que sería como un umber quemado oscuro, y seguirás consiguiendo la versión más oscura de la misma. Puedes extender esta línea hasta obtener el negro agregando versiones más oscuras de este color. las versiones más oscuras de cada color como amarillo, es Burnt Sienna, de Burnt Sienna, puedes ir por umber quemado, luego quemado umber piensas en Zapier después de Zapier, puedes ir por negro o gris de Payne, y entonces simplemente seguirías consiguiendo ese tono más oscuro. Se trata de tono de color. Estos conceptos que he explicado aquí son las principales cosas que hay que recordar sobre la teoría del color. Una es familiarizarse con la rueda de color y la posición de los colores. Cuando digo la posición, la posición se relacionaba entre sí, no donde se encuentran. Relativo a cada uno que significa amarillo, luego vienen los verdes, luego vienen los azules, luego los morados, luego los rojos, naranjas y volver a amarillos Eso es lo que necesitas comprar corazón, no necesitas recordar que el amarillo está en la parte superior. Esa no es la posición que quiero decir, la posición relativa entre sí, los colores complementarios luego la teoría sobre los colores cálidos y fríos del uno del otro. Rueda de color cálida y fría, temperatura de color, saturación de color, tono de color. Estos conceptos se familiarizan, y confía en mí, ahora eres un pro si realmente conoces todas estas cosas. 8. Círculo cromático en el diario: Ahora te mostraré más o menos como hacer real este color y todo en tu diario. Puedes hacer exactamente lo que estoy haciendo yo. O puedes tener tu propia creatividad y descubrir formas de hacerlo. En lugar de estos círculos concéntricos, en realidad puedes ir por algo similar a esto con doce secciones. O puedes tener pequeños círculos redondos en esa posición en lugar de dibujarlo así. Hay varias formas, incluso si Google y te enteras de la rueda de color, verás muchas opciones y muchas formas en las que puedes representar la rueda de color. Simplemente sigue adelante y trata de encontrar tu creatividad. Adicionalmente, repite el proceso ahora todo el asunto. Porque de lo contrario, va a ser un proceso muy largo. Pero creo que una vez que consigues el hackeo de ello, ya sabes seguir adelante. Voy a usar esta [inaudible] paleta de proyecto aquí porque creo que algunos de los colores ya están aquí. Pero también porque en realidad aún no he configurado el palet. Lo vamos a estar haciendo juntos en la siguiente lección. Sólo vamos a ver. Empecemos primero con la rueda de color. En realidad tuve que pegar otra hoja de papel en la parte superior porque la que hice primero me olvidé de grabar y también cometí un error, ya que en me caí algo de pigmento en la parte superior, luego todo se arruinó. Voy a apilar un papel en la parte superior ahora para mostrarte cómo se hace. Además, me gusta cómo se ve, se ve saliendo la rueda de color. Hace especial a éste. Empecemos con el amarillo. Voy a estar usando amarillo indio aquí. Ese es nuestro primer color primario. Llenemos una de las cajas. Entonces el siguiente color primario que voy a usar es el rojo. En mi caso, voy por alizarin carmesí. Deja tres espacios, es decir uno para colores secundarios y dos terciarios. Después viene otra vez la siguiente primaria, eso es alizarin carmesí que estoy usando. Puedes usar cualquier color rojo que tengas, para la vista inicial de color, no te molestes en el frío cálido ni nada de ese tipo. Tan solo intenta familiarizarte con la rueda de color que puedes obtener. Eso es rojo hecho. El siguiente color que voy a estar usando es el azul cobalto. Dejando de nuevo tres espacios, aquí viene el azul y ahí está el tres espacio que queda. Ahora intentaremos agregar los colores secundarios. Te mostraré el primero y después de eso, todos los demás, lo vas a hacer tú mismo. Yo solo aceleraré el video y solo te mostraré. El primero va a estar mezclando estos dos colores primarios, amarillo y rojo. Aquí está amarillo y aquí está rojo. Ahí mezclando esos dos colores, he obtenido naranja. Eso es lo que voy a estar pintando. Ahora, los demás, lo puedes hacer de manera similar, solo por colores secundarios estaría mezclando las dos primarias y iría en el medio. Ahora que ya terminaste con los colores secundarios, te muestro cómo podemos conseguir los colores terciarios. A esta naranja, vas a añadir más amarillo. Obtendrás el primer color terciario, y luego al naranja sencillo, puedes agregar un poco de rojo para obtener el color terciario. Este es exactamente el proceso que vamos a pasar por todo el círculo que está a esta burbuja de aquí. Si agregas más azul, conseguirás éste, y si añades más rojo obtendrás éste. Lo mismo a este verde, si agregas más azul, obtienes éste, y si añades más amarillo, obtienes éste. Eso es lo que vamos a hacer ahora. Ahora que ya has terminado de hacer que tu color se llene, en realidad puedes seguir adelante y etiquetar las cosas como quieras. Primero agreguemos la división entre los colores cálidos y fríos. Esta es la división en mi perspectiva, ahí. Aquí de este lado, los colores cálidos, y de este lado, están los colores fríos. Entonces solo marquemos los colores complementarios también. Aquí creo que seguiría adelante y marcaría estos dos. Mi línea está ligeramente doblada de todos modos, eso está bien. Este azul aquí y esta naranja. Eso es porque estaba tratando de trazar la línea porque está demasiado húmeda, se puede ver eso. Color de cortesía y así es esto y esto, y este rojo y este verde. Esos son todos colores complementarios. Cálido y fresco. Vamos a marcar aquí también. Esto es fresco y esto es cálido. Esta es una de las ruedas de color principales. Lo que me gusta hacer es marcar las primarias por separado solo para conocer los colores exactos que utilicé y la información de marca también, o la información de pigmento, si quisieras anotar eso. Este es el amarillo que usé, entonces este es el rojo que usé. Mi azul está contaminado, tenemos amarillo, déjame solo limpiar eso. Este es el azul que he usado. Simplemente me gustaría marcar esos colores y saber qué amarillo y qué azul se usaron. Porque si volvemos a esto después de meses o años, en realidad podrías olvidar cuál era el amarillo que usaste si tienes muchos amarillos, obviamente. Lo que he usado aquí es éste es amarillo indio, que es PY150 de White Nights. Esto es alizarin carmesí, es PR83. Conozco la mayoría de estos pigmentos por arte, por eso no tengo que mirar el tubo. Este es azul ultramarino, que es PB29. Estos son los tres pigmentos que se utilizan. Ahora, cuando vuelva más tarde, sabré cuál es exactamente. No necesito escribir la información de marca como tal, porque cuando veo que es PY150, sé cuál podría ser. Es o el Sennelier Yellow Lake o el Indian Yellow de White Nights. Lago Amarillo en Sennelier es PY150. Porque aquí he escrito Indian Yellow, sé que es de White Nights. Así lo han llamado. Si sigues la lección sobre guía definitiva de acuarelas, entenderás que el nombre visto en el tubo de una pintura de acuarela, no significa exactamente el pigmento que se está utilizando. Por ejemplo, diferentes marcas denominan de manera diferente. Indian Yellow es el nombre dado a PY150 por White Nights, y Sennelier lo ha nombrado Yellow Lake. Otras empresas podrían llamarlo amarillo transparente o lo que sea. Diferentes nombres para el mismo pigmento de hecho. Esta es la razón por la que necesitas mirar la información del tubo, y ver qué pigmento es. No sé si podemos ver con claridad, esto es demasiado ligero. PY150, este tubo es demasiado delgado, que no se puede ver la información del pigmento. Te mostraré por otro, fuera del tubo. Está aquí de este lado. En algún lugar de tu tubo tendrás la vena de pintura. Si es la sartén, en realidad puedes comprobar el cubrimiento. El envoltorio que vino en la sartén podría tener la información del pigmento. O es posible que puedas encontrar la información de pigmento de la marca de color que estás usando desde línea. Podrán tener gráficos de color, que describe la información del pigmento. Es realmente bueno entender, porque ese es en realidad el pigmento que hay en ese tubo, y los nombres en realidad no importan. Ya que usé las versiones más cálidas de amarillo, rojo y azul, solo te mostraré cómo funciona también la versión genial de la misma. Sé que te pedí que no te molestaras por el rojo, azul, y amarillo que están usando, pero ahora solo quiero mostrarte la diferencia de cuáles son los colores que puedes obtener en una rueda de color cuando estás usando la versión cool del mismo. Estos son los colores, azul brillante, Quin Rose, y Aurelion, que he llamado aquí en mi paleta. Sólo voy a mostrar rápidamente el proceso. Otra vez es muy sencillo. Este, como dije, no tiene una secundaria, terciaria, sino más bien lo que voy a estar haciendo es que va a ser amarillo, rosa o rojo, y azul. Entonces lo que voy a hacer es que voy a mezclar amarillo y rojo juntos, pero más de rojo. Eso va por aquí. Entonces más del amarillo, así que eso va aquí. Entonces amarillo y azul juntos, pero con más de azul, así que va a ir aquí y más del amarillo aquí. la misma manera con el rojo y el azul. Esto es lo que voy a estar haciendo. Basta con observar. Puedes hacer lo mismo si tienes versiones geniales el uno del otro. Todo lo que tienes que hacer es mirar tus tubos y tratar percibir cuál ves como fresco y cuál ves como cálido, para luego simplemente usar esos. Aquí está la rueda de color fresco que hemos hecho. Aquí hemos utilizado Aurelion, Quin Rose, Phthalo Blue. Estos son los tres colores que hemos utilizado aquí. Si observas esta rueda de color y esta rueda de color, verás que estos colores son más vibrantes. De hecho, si realmente mezclas un color fresco entre sí, son más vibrantes principalmente por la vitalidad de los rojos frescos y el blues fresco. Pero eso es algo que nos falta aquí. Usamos colores cálidos aquí y aquí usamos colores fríos. ¿Qué nos falta? Nos falta la mezcla de una versión cálida y una versión fresca. Eso significaría, si mezclamos este amarillo, ahí está este amarillo indio con estos otros dos colores, esa es la versión cool de los rojos y el blues, ya nos mezclamos con estos dos, y así es como conseguimos esto, pero no lo mezclamos con esto. Entonces, ¿qué obtenemos? Sólo voy a mostrarte rápidamente el arte. No tengas Amarillo Indio. Déjame mostrarte cómo sería eso. Sólo voy a mostrarte rápidamente sin mezclar, en mi papel ahí. Ese es el Amarillo Indio. Entonces lo vamos a mezclar con esto y esto, en lugar de estos dos. Si fuera a mezclarlo con este Quin Rose, ahí, ya ves obtuvimos un bonito tono rojo, ahí. Este Quin Rose se extiende hacia el lado azul. El azul y la mezcla de Quin Rose, ya lo sabemos. Ya lo hemos visto aquí, eso es todo. Eso está bien. Pero entonces no hemos visto la mezcla de este Phthalo Blue o azul seco con el verde, ahí. Se puede ver lo vibrante que verdor. Accidentalmente toqué ese azul aquí y allá. Vea lo que hemos obtenido. Estábamos probando la mezcla de este Amarillo indio con estos dos colores. De igual manera, hay otra vez, el gasto de agua es, la mezcla de esto con los otros dos colores cálidos. Esto con los otros dos colores cálidos. la misma manera con esto con los otros dos colores cálidos. Estos colores fríos, lo siento. De todos modos, pero se obtiene el punto. Hemos acordado, porque tenemos seis colores en total, tenemos muchas posibilidades que tenemos que hacer. Ahora lo que hemos hecho es, hemos hecho aquí la combinación de estos tres y la combinación de estos tres y una combinación de intermezclar estos dos. Pero luego está lo que queda, es que tenemos que mezclar Alizarin Crimson con estos tres. Tenemos que mezclar Ultramarine Blue con, no estos tres, no necesitas mezclarlo con rojo, obviamente, para el Alizarin Carmesí y el azul con el azul, pero luego esto con estos dos. Entonces este amarillo con estos dos, este rojo con estos dos, y este azul con estos dos. Hay muchas posibilidades que se pueden obtener. Si quieres en tu siguiente página, puedes probar esas mezclas también y ver. Esta es la razón por la que el artista no usaría verdes en su paleta, sino que más bien se decidiría a usar amarillos, rojos y azules. Si tienes unas versiones frescas y cálidas de los tres colores primarios, eso es todo lo que necesitarás. Se puede ver claramente la vibrancia aquí. Yo usé el amarillo indio aquí a propósito y usé aquí Aurelion. Se puede ver claramente la naranja y el verde que he obtenido. Este verde es ligeramente diferente a este verde. Eso es por el amarillo indio. Eso es un amarillo cálido. Esto no es en realidad del todo una rueda de color fresco, sino más bien esta es una mezcla de rueda de color fresco y cálido, porque he usado amarillo indio, azul fthalo, y Quin Rose. Esto es como un color es cálido y los otros dos colores son geniales, pero aún así se obtiene una versión fresca de la rueda de color. Eso es principalmente, porque el amarillo no es un color tan dominante, sino el azul y los tonos rojos lo son. Por eso domina los refrigeradores de toda la rueda de color y te da una rueda de color fresco. Eso es eso. Ahora podemos seguir adelante y etiquetar las cosas si quieres. Este sería el lado más cálido aquí, por lo que no estaría exactamente en el medio, diría yo. Esto todavía está en el lado más frío o más cálido. Esto en realidad puede ser considerado como fresco. Esto sólo porque no lo he dividido como 12 secciones, sino que lo hice sólo nueve, y no lo dividí en secundaria y terciaria. Si quieres, puedes ir por la rueda de color fresco, exactamente igual que ésta, y conseguir los colores secundarios y terciarios. Eso es cálido, eso es genial, y el color que he usado aquí es Aurelion. Este es Quin rose, este es Phthalo Blue. azul fthalo es PB15. Quin Rose es PV19. Necesito revisar este, porque este es un tubo nuevo que acabo de conseguir, y desde Shmincke, Aurelion es PY 151. También podrías usar amarillo limón. Eso también estaría bien. Aquí están los tres colores principales que he usado para este. Se puede ver cómo se ha resultado. Esta es la rueda de color mayor que hemos hecho en nuestros cuadernos de bocetos. 9. Teoría del color en el diario: Ya te he explicado sobre la temperatura de color, así que solo te voy a mostrar el proceso inicial de cómo podemos conseguir esa escala de temperatura de color. Aquí está aurelion, con el que voy a empezar, así que lo voy a pegar en el medio. Este libro es más corto, razón por la cual fui por esta opción. De lo contrario, podrías hacer uno largo como éste con aurelión en el medio. Lo que he hecho es aurelion en el medio y luego lado más cálido este lado, y lado más fresco este lado. Se puede hacer lo mismo, pero debido a que el espacio era limitado, lo hice de esta manera. Aurelion, y hacia arriba voy a ir por el lado más cálido y hacia abajo voy a ir por el lado más fresco. Eso es aurelion, y a eso, voy a añadir un poco de azul. Esa es una muy poca cantidad de azul y ya se puede ver que el color se ha convertido en la versión más fría. Es más hacia el lado amarillento verdoso . Entonces, si aplico más verde, puedes ver cómo está girando, nuestro azul verde. Es así como puedes silenciarlo. Ahora, ¿por qué estoy diciendo silenciarlo hacia abajo, que sea más fresco, más y más fresco? Lo que voy a hacer es pintar todo el asunto con este color y luego sólo vamos a añadir unas gotas de azul en la parte superior. Ya verás cómo se pone más fresco y más fresco. Esta es la forma más fácil de hacerlo, o podrías mezclarlo también en la paleta para que realmente no importe. Si lo arrastro todo el camino hasta aquí, vamos a ver. Tomando un poco de azul cada vez, y aquí me he tomado un poco más azul, y lo voy a añadir. Ahora, un poco más azul y agregándolo. Ese es el azul equivocado, ese es Taylor azul. Ahora puedes ver cómo hice este enfriador y enfriador amarillo hasta que llegó a un verde más oscuro. Ahora lo vamos a hacer más cálido, es decir hacia el lado más cálido. Puedes hacerlo inicialmente igual que dije, primero, solo tienes que seguir adelante y aplicar todo el asunto con amarillo y luego solo seguir agregando rojo en la parte superior, más ligero y más claro y más claro y hacia el lado más oscuro. Después verás cómo el rojo afecta el amarillo y lo cambia en amarillo más cálido. Aquí puedes ver que he hecho que el amarillo en un tono más cálido. En realidad puedes obtener más estándares de tono si lo extiendes y si tienes los tonos intermedios. Sólo vamos a marcar en esto. Este es aurelion PY151, y éste era el lado más fresco, y éste era el lado más cálido. Aquí agregamos menos azul ultramarino y aquí agregamos menos alizarina carmesí. Eso es lo que hicimos y cómo conseguimos las versiones más frías y más cálidas de un solo color. Puedes seguir adelante y hacer lo mismo por los otros amarillos y otros rojos y azules e intentar conseguir las versiones más frías y cálidas entre sí. Solo puedo mostrarte una o tal vez posiblemente con el azul Taylor. No voy a dibujar ninguna caja, pero voy a hacer el azul Taylor y sólo voy a añadir azul Taylor o azul seco, es PB15. Si le agrego rojo, se pondrá más oscuro y más cálido, se puede ver eso. Ese es el lado más cálido de esto, y lo mismo si lo hiciera más fresco, le agregaría más amarillo. Ahí, se puede ver cómo se está yendo hacia el lado más fresco. Ese fue el caso con Taylor blue plus aurelion tendiendo hacia el lado fresco. Esto es de nuevo, Taylor azul más alizarina tendiendo hacia el lado cálido. Simplemente te mostraré rápidamente la parte de saturación de color también. Para la saturación de color, lo que dije fue silenciar los colores, le agregaríamos el color opuesto. Empecemos con alizarin carmesí. Aquí está alizarin carmesí, esta no es la forma más fresca. Pero, ¿cuál es el color opuesto al rojo? Eso es verde. Aquí te dejamos un poco de verde. Se lo voy a agregar a mi alizarina, y ya se puede ver que la vitalidad o el nivel de saturación de mi rojo ha disminuido. Añadamos un poco más verde. Ahí, agregué un poco más verde y ahora se puede ver que el nivel de saturación ha disminuido y está girando hacia el marrón. Más verde, ahora eso es más hacia el marrón. Más verde, eventualmente será un punto en el que tienes un tono marrón y has silenciado por completo el color. Eso es lo que vas a conseguir. Es así como se hace la saturación. Eso fue alizarin más verde. No importa qué verde. A lo que agregué fue el verde que mezclamos por conseguir la rueda de color, así que está bien. Los colores son saturación, aumenta hacia esto, y silenciados hacia abajo hacia el lado derecho. Eso es lo que es esto. Sólo te mostraré para el azul también. Si fuéramos a usar azul ultramarino, vamos a tener el azul ultramarino en nuestra paleta aquí, es azul ultramarino. Entonces voy a añadir un poco de naranja a eso. Ya se puede ver lo que ha pasado, el nivel de saturación del azul ha disminuido. Si añado más naranja, eso fue demasiado, mira, ya está empezando a formarse gris, más naranja. Eventualmente llegará a un punto en el que estás obteniendo un tono grisáceo porque lo has silenciado con un color complementario. Has silenciado todo el color. Ahora, ya sabes lo que significa saturación. Esto es, de nuevo, ultramarino más naranja. Este lado, la saturación aumenta, y este lado, está silenciado hacia abajo. Si quieres, puedes seguir adelante y hacer lo mismo para el amarillo también. Ahora bien, el valor tonal es muy importante. Aquí está mi pantalla para el dolor que les voy a mostrar, y voy a recoger una versión oscura de la misma en mi pincel, lo más oscuro que pueda, para que se asemeje a negro. Esa es la escala tonal final porque eso casi se ve negro. ¿Ves eso? Es casi tan negro, casi 95 por ciento se ve enteramente como negro. Eso, pintamos de gris. Si solo le agrego una gota de agua a eso y lo pinto, verás que la escala tonal se vuelve un poco más ligera. Voy a añadir otra gota de agua. Se pone aún más ligero. Agregando otra gota. Pero cuando tomas la gota, no significa que te lleves toda la pintura, solo trata de liberar esa agua ahí misma para que el tono de tu pincel sea más claro, pero luego tiene más agua que has recogido de la paleta. Más agua en la siguiente. Se puede ver, se está poniendo más ligero y más ligero. Solo trato de mover el pigmento, este es el lado más oscuro, luego se pone más claro y más claro. Otra forma de pintarlo sería simplemente usar agua y tirar hacia abajo el pigmento todo el camino para que al final, sea más ligero y solo tenga casi agua. Estas son dos formas en las que puedes hacer esto. Ahí, esa es la escala más ligera que se puede ver. Este es el valor tonal del gris de Payne. Voy a dejar este lado de la página en blanco porque volveré a él tarde para presentarte más cosas para ti. Si puedes, solo deja en blanco el resto de la página porque tengo algunos conceptos interesantes para contarte sobre el valor tonal. Ahora, veamos de nuevo el valor tonal de otro color. Yo voy a ir con amarillo indio aquí. Si tomo el amarillo indio concentrado, lo voy a pintar en el número 10. Ese es el más oscuro del tono. Aquí está el número 10. Esto es como el amarillo indio oscuro puede ponerse, no lo puedes conseguir más oscuro que eso. Entonces, ¿cómo voy y lo oscurezco? Pero primero, veamos las versiones más ligeras de la misma. Vamos a seguir creando las versiones más ligeras. Eso es más ligero. Simplemente agregando agua y aligerando toda mi pintura. Se puede ver, hacia el final, casi no tengo pigmento, sólo agua. Esa es la escala tonal del amarillo indio. Pero quieres oscurecerlo. ¿A qué se hace? Para eso, lo que harías es a esa misma versión más oscura del amarillo indio, porque nos vamos más oscuros, estoy usando la versión más oscura ahora, más oscura. Esto se puede hacer en una paleta o se puede hacer en el propio papel. Déjame llenar todas las plazas con la versión más oscura porque estamos tratando de conseguir lo más oscuro, lo más oscuro, lo más oscuro. Simplemente te mostraré cómo podemos oscurecernos más. En primer lugar, necesitamos la última versión más oscura del amarillo indio que podamos obtener. Ese es el más oscuro. Sigue agregándolo hasta el final. Tiene que ser lo más oscuro posible. Esta es la versión más oscura del amarillo indio, como dije. Ahora, a partir de ese punto, tenemos la versión más oscura del amarillo indio. Para hacerla más oscura, lo que podemos hacer es empezar con umber quemado. Aquí está umber quemado, este es el número 10. Si empiezo a agregar umber quemado, verás que se pone un poco más oscuro que el anterior. Entonces solo sigue agregando más y más umber quemado, y verás que empieza a oscurecerse. ¿Ves eso? Es así como oscureces el color más claro como el amarillo mediante el uso de una versión más ligeramente más oscura de esos colores. Por ejemplo, si añado una bonita cantidad concentrada de siena quemada, aquí, se puede ver lo oscuro que he hecho mi amarillo para ser. Pero, ¿y si quieres oscurecer aún más esto? Si quieres oscurecer aún más esto, entonces seguirías adelante y probablemente agregarías umber quemado a tu marrón porque eso es lo que es más oscuro que la siena quemada. Ahí. Ahora, lo estás haciendo cada vez más oscuro. Porque esto ahora se está oscureciendo, voy a añadir más umber quemado. Esto ahora es más oscuro que esto. Ahora, tenemos que hacerlo más oscuro. Para que sea más oscuro, puedes usar sepia o puedes usar el gris de Payne. Aquí, estoy agregando sepia. Ahora, ya puedes ver, el marrón se ha vuelto más oscuro. Ya puedes ir y seguir agregando negro o gris de Payne, y verás que obtienes las versiones más oscuras. Voy a ir con el gris de Payne hacia el final para que lo oscurezca. Ves cómo has obtenido ese color más oscuro a partir de un tono tan claro como el amarillo. Esto se trata de saturación de color. Si disfrutaste de esto, no olvides compartir todas estas páginas de tu revista en la sección de proyectos a continuación. Espero que realmente te gusten estos. Todavía vamos a seguir haciendo partes de éstas. Sólo vamos a ver. 10. Ejemplos de paletas de colores: Como dije antes, crear una paleta de colores o predecidir los colores antes es esencial antes de empezar a pintar. Es por ello que he dedicado esta lección a discutir con ustedes algunas paletas de color de muestra. No necesitas muchos colores para estar tomando parte en esta clase, sino más bien, puedes seguir adelante y crear tu propia paleta de colores o decidir con los colores que tengas. Es por ello que he dedicado este ejercicio para que entiendas los colores que posees y también puedas decidir cómo seguir adelante. Si estoy recogiendo un amarillo específico, y digo que este es un color muy bueno, y lo estoy usando, no significa que tengas que usar exactamente el mismo amarillo en tus cuadros. Simplemente puedes seguir adelante y cambiarlo a un color completamente diferente. Ni siquiera tiene que ser amarillo. Al igual que por ejemplo, si decido pintar un fondo con lavanda, puedes preferirlo pintarlo con un fondo de color diferente, por ejemplo, marrón o naranja, o azul turquesa o algo así. Simplemente ve de acuerdo a tus instintos. En esta lección, planifica qué otros colores que vas a estar usando en comparación con lo que voy a estar usando. En primer lugar, voy a discutir algunos colores de muestra para que sepas cuál es la paleta más básica y todo. He configurado algunos colores aquí. También adjuntaré esto en referencias para que puedas referirte a esto y tenerlo ensayado en tu diario si ya tienes algunos de estos colores porque estos son muy buenos y también servirán para fines de viaje si pretendes hacer eso. Pasemos por estos. Esta es la paleta más básica que se puede tener, y es absolutamente suficiente. Observe que no hay greens, sino más bien, es solo una combinación de amarillo, azul y rojo y solo los colores de la Tierra y un gris. Eso es todo. Cuando digo colores tierra, es siena cruda y siena quemada. Ambos son colores de la Tierra y son diferentes de los otros tres colores primarios. Esto sólo se compone de colores primarios, colores de la Tierra, y uno gris y eso es todo. Esta es la paleta más básica. No necesitas un verde por el ultramarino, o también puedes cambiar al azul cobalto. Debido a estos dos, puedes mezclar cualquier color en el mundo, incluso el gris, realidad puedes mezclarlos usando las tres primarias. Pero los grises que mezclas quizá no sean tan perfectos como el gris de la Payne, y podría que te den un color fangoso. Pero si en realidad prefieres usar ese gris en su lugar, también puedes saltarte el gris de este Payne. Pero esta es la paleta más básica. Si solo tienes estos colores, y quieres seguir adelante y crear una paleta de colores con solo estos colores básicos, puedes hacerlo también. Simplemente tienes que entender cuáles son las mezclas y cuáles son la amplia variedad de colores que puedes obtener de esto. Aquí he añadido algunos reemplazos que realmente puedes hacer con esta paleta también. Por ejemplo, la siena cruda puede ser reemplazada por ocre amarillo o amarillo Nápoles. No se necesita esencialmente la siena cruda misma. Igual que con el gris de Payne, puedes reemplazarlo cualquier otro gris que tengas o tinte neutro. También he marcado entre paréntesis cuáles son las marcas que he usado para ensañar estos. WN es White Nights y W & N es Winsor y Newton. Los demás son bastante obvios. Al igual que AP es Filosofías de Arte y Sennelier. DS es Daniel Smith y SCHM, justo en shorts es Schmincke. Creo que esas son las marcas que he usado aquí. Podrás encontrarlos en las referencias y elegir en consecuencia por tu cuenta. Entonces la siguiente paleta de muestras que he creado aquí es una adición a la paleta básica, además de algunos colores de muestra que en realidad puedes usar para fondo y crear tu propia singularidad a las pinturas. Son varios los artistas que prefieren ir con un solo color siempre por sus fondos y sus elementos. De igual manera, también puedes elegir un color para el tuyo y crear esa singularidad en tus pinturas. He cambiado a algunos de los colores de la paleta básica, pero puedes o bien ir por la paleta más básica, además de algunos otros colores si quieres. Este es amarillo limón, ultramarino, y carmesí alizarina. Nuevamente, los tres colores primarios, luego quemada siena, naranja transparente, azul turquesa es el color que he elegido para el fondo aquí. sea puedes cambiarlo con lavanda o cualquier color de tu preferencia el cual te guste crear un bonito fondo y el gris de Payne. Los reemplazos van igual. Para el gris de Payne, también podrías usar pintura neutra o en lugar de amarillo limón, podrías usar aureolin o gamboge. alizarin carmesí, podrías cambiarlo con quinacridona Rosa y azul turquesa o verde, en realidad puedes cambiarlo con azul Phthalo. Eso también es azul brillante en Noches Blancas. Observe aquí que en la mayoría de mis paletas, incluyo siena quemada. Esto se debe a que estamos tratando de entender cómo funcionan los paisajes urbanos y los paisajes urbanos. siena quemada es un color muy crítico, y en realidad no se puede mezclar ese color de la Tierra usando tres primarias. Es muy difícil conseguir ese color de siena quemado como tal en una mezcla marrón. Esta es la razón por la que sugeriría ir con una siena quemada si la tienes. Es un muy buen color para tener e ideal para pintar paisajes urbanos y edificios o las paredes de edificios. Este también es el caso con colores como siena cruda, ocre amarillo o amarillo Nápoles. También es bueno tener esto en una paleta además de la paleta más básica. Simplemente puedes agregar a esta paleta similar a estos colores extra aquí amarillo ocre, amarillo Nápoles, o una siena cruda, cualquiera de estos tres. El motivo principal detrás de estos es que son los colores de la Tierra y cuando se mezclan con el azul, no crean verdes fácilmente. Puedes aplicar un tono muy claro de siena cruda y amarillo Nápoles o ocre amarillo, y aplicar ultramarino justo debajo de él, y no obtendrías un tono verdoso. Es por eso que estos son muy útiles y muy útiles en pintar cielos también. En mi proyecto de 100 días, tuvimos una clase donde pintamos cielos, y aplicamos un poco de siena cruda junto con azul ultramarino, y no crea un verde. Estos son buenos conocimientos que puedes acumular para crear tu propia boleta. Entonces la siguiente paleta que he hecho aquí es la paleta extendida, fresca y cálida. Discutimos la paleta más básica con solo tres colores primarios. Aquí dentro, no hemos mirado si ese amarillo, azul, o rojo es cálido o fresco o lo que sea. Pero ésta se compone tanto de las versiones cálidas como frescas de cada una de las primarias. Ahí está el cálido y esta es una versión fresca además del ocre amarillo y la siena quemada, que son los colores y el gris. Esto es como la paleta básica extendida. Es por eso que sólo necesitaba una paleta extendida fresca y cálida. Esta paleta extendida, puedes ver que los calentadores son amarillo indio, azul ultramarino, y rojo permanente o escarlata, o algo que sea cálido, y los colores fríos son amarillo limón, azul fthalo, y Alizarin carmesí. También puedes cambiar el carmesí de Alizarin con Rosa de Quinacridona, que sería el color más fresco para el lado rojo. Por supuesto, como dije, los colores de la tierra y el gris, el tinte neutro o el gris de Payne, para que puedas ir con el que elijas. Pero esta es la paleta más perfecta para tener, en realidad. Porque tienes tanto las versiones frías como cálidas de los colores. Eres capaz de crear la gama perfecta de colores vibrantes de acuerdo a la rueda de color que hemos discutido. Por ejemplo, aquí está la rueda de color, recuerdas esto, donde discutimos. Se puede ver tanto la rueda de color fresco como la cálida y también la que realmente hicimos en este libro, recuerda ambas versiones. Si posees ambos estos amarillos, ambos rojos, tanto el blues, y adicionalmente, solo unos pocos colores tierra y el gris, es la paleta más perfecta para que viajes y lleves a cualquier lugar. En realidad no necesitas ningún otro color. Pero además, si lo prefieres, solo puedes agregar unos colores como estos, verde oliva. No es tan difícil hacer verde oliva con la paleta básica. Pero entonces es bueno tener en tu paleta cuando estás pintando aire verde y quieres pintar mucha vegetación y árboles. Es bueno tener verde oliva así que por eso lo he agregado. Entonces, me gusta tener lavanda o turquesa cobalto. Esta es la que dije que podías cambiar a un bonito fondo uno y colores opacos en caso de que necesites agregar algo de opacidad para luces y otros objetos. Los tres colores opacos, los colores opacos básicos. Son buenos para tener además de estos si quieres, pero es completamente opcional y no para nada necesario. los colores más opacos, estos tres: amarillo cadmio, rojo cadmio y naranja cadmio. Estos tres colores, si realmente los tienes, son muy buenos porque incluso sobre un fondo grisáceo, podrías aplicar estos colores porque son realmente opacos y no transparentes. Podéis probarlos por vosotros mismos si tenéis estos colores y veréis que es muy bueno tenerlos. Cuando estás pintando luces de ciudad y todo, incluso después de pintar todo el fondo y los elementos de primer plano. Se puede agregar en las luces de la ciudad usando estos colores en sí porque aparecen incluso sobre un fondo más oscuro y simplemente aparecerían encima de ella por la opacidad de esos colores. Entonces, también he hecho una paleta de cadmio. Esto se debe a que algunos artistas realmente prefieren tener el conjunto de sus pinturas con colores opacos y en lugar de trabajar con la transparencia de los colores cálidos. Por ejemplo, cuando estás aplicando tu pintura, quieres que toda tu pintura sea más opaca en lugar de transparente y también quieres que tus grises o tus marrones sean más fangosos. Yo no diría fangoso, pero quieres que sea más opaco, entonces podrías ir por la paleta de cadmio. Obviamente, son los tres colores cadmio. Entonces por supuesto, necesitas un azul si quieres hacer un verde; tan ultramarino, verde oliva, y por supuesto, nunca saltaría siena quemada y ahí hay violeta. Yo solo lo agregué porque usando los colores cadmio, si realmente mezclas violeta, es decir si usas rojo cadmio y ultramarino, no conseguirías un bonito violeta como este. Esta es la razón por la que incluí el violeta en esta paleta de cadmio y por supuesto el gris, que es de tinte neutro. Como dije, el gris se obtiene de estos son fangosos. Por eso incluyo un tinte neutro. Pero entonces si prefieres ese fangoso o ese tipo de gris en tus cuadros, no necesitas esto. Nuevamente, por lo que esta es la paleta básica de cadmio. Esto es lo que tienes que decidir. ¿ Qué clase de persona eres? ¿ Cuáles son los colores que quieres tener en tu pintura? Para eso, siempre sugeriría que necesario entender las propiedades de estas acuarelas, es decir si son opacas o transparentes. Ya lo he explicado antes. Podrás encontrar toda esta información si estás usando tubos de color agua o en las envolturas de las cacerolas de acuarela, en realidad, ya sea opaca o transparente. Por ejemplo, este, es un pigmento opaco. Se trata de Luz Amarilla Nápoles. Es opaco porque se puede ver aquí hay una plaza. Esa plaza está llena. Eso significa que es completamente opaco. Si no está lleno y solo un cuadrado vacío, eso significa que es transparente y a medio camino lleno es semitransparente o semi-opaco, así que sabes a dónde tiende. Esos son los detalles que puedes encontrar en un tubo y son muy útiles y también lo son la información del pigmento. Trata de entender todas estas y también las cosas más importantes que aprendimos en la lección de la rueda de color sobre la temperatura del color y también sobre la saturación del color. Si conoces todos estos, entonces no creo que haya mucho más que no necesitarías empezar aunque seas principiante. Entonces acabo de añadir aquí la paleta oceánica. Esto por si acaso eres una persona a la que le gusta pintar muchos océanos y paisajes, entonces esta es la paleta perfecta. Se puede ver que comprende una gran cantidad de verdes y azules y solo un solo marrón o grises, amarillo, naranja, y rojo. Amarillo Aureolin, naranja cadmio es lo que he incluido aquí y esto se debe a que el naranja cadmio es perfecto para pintar puestas de sol. Porque cuando agregas naranja cadmio justo al lado de azul cobalto o azul ultramarino, se convierte en un gris dulce y no hace verdes en la pintura y da un brillo muy bonito al atardecer en la pintura. Es por eso que el naranja cadmio es muy bueno y también es muy bueno agregar ese resplandor en el agua y también lo es Aureolin y naranja cadmio. Entonces los colores obviamente para el océano tienen mucho blues aquí. Eso es azul Phthalo, azul cobalto, azul indantreno. También es llamado por diferentes nombres, por diferentes bandas. Se trata de azul sennelier o simplemente azul por White Nights. Son nombres diferentes. Índigo, verde fthalo, también puedes agregar verde esmeralda si quieres, luego van dyke marrón y tinte neutro, y luego un negro opaco oscuro, eso es negro óxido. Esta es la paleta oceánica. Entonces aquí, por supuesto, está la paleta que había usado para mi proyecto de 100 días. Simplemente lo muestro y lo creé aquí para que siempre recuerde cuál era la paleta que había usado. Si te has llevado mi proyecto de 100 días y te has seguido, entonces es buena idea incluir esto en tu libro porque para siempre, más adelante, tal vez años después cuando regreses y compruebes recordarás, oh estos son los colores que yo poseía hace mucho tiempo y aquí fue donde empecé mi viaje o aquí fue donde hice el proyecto de 100 días. Simplemente es realmente bueno ensayarlos en tu diario y tener una nota de ello. Porque para mí, esa clase era realmente enorme e importante. Fue una experiencia realmente buena para mí al crear esa clase. Espero que fuera lo mismo para ti si estuvieras pintando. Por eso lo incluí en mi diario. En la siguiente lección, te mostraré qué otros colores incluidos en mi paleta y cómo he elegido esos colores para que sepas exactamente qué voy a usar en esta clase. 11. Mi paleta de colores: Como se discute en los materiales requeridos, esta aquí es la paleta que voy a estar usando. Es una paleta de plástico con 24 pozos, y aquí están los colores que he decidido por mi propia paleta de colores. No necesitas todos estos colores. Recuerda eso, que es el punto más importante. No te estreses viendo todos estos colores y que necesitarías exactamente lo mismo. Es por eso que he discutido la lección sobre paletas de color de muestra para que puedas decidir por tu cuenta y no te influencien los colores y las elecciones que hago para esta clase. No quiero que te abrumes en absoluto, y quiero que decidas libremente por tu cuenta y escojas a mano tus propios colores únicos y empieces tu viaje a este maravilloso ejercicio de pintura. Voy a pasar por los colores que he usado aquí. Esta es una paleta normal que he hecho para mí. Esto en realidad contiene todos los colores que realmente me encantan de todas las marcas que tengo. Si tuviera una paleta donde pudiera almacenar todos estos colores, ese sería el perfecto. Pero sí tengo una paleta extendida la cual consiste en un poco más que estos. Se trata de un 24 pozos, se puede ver eso. Esta es una paleta de 36 pozos y se puede ver que la he usado mucho y no está llena del todo todavía, pero entonces me encantan los 36 colores que me curé y puse en esta paleta. Se trata de una versión extendida de estos y cambiada a algunas otras marcas también. Se puede ver aquí es una mezcla de diferentes marcas, y te mostraré la versión extendida de la misma también. Aquí, empiezo con luz amarilla Nápoles. A mí me gusta por su ligereza y también por su versión opaca de la misma. Es muy bueno para paisajes urbanos. Se puede recordar lo que dije al respecto. Puedes usar siena cruda o ocre amarillo. Ya he incluido ambas en mi paleta porque la que estoy usando aquí es la luz amarilla de Nápoles, y ésta es ocre amarillo, que es una versión un poco más oscura. Pero en realidad puedes conseguir una versión más oscura si añades un poco de naranja a este amarillo Nápoles, pero solo quería tener un ocre amarillo en mi paleta. Esa es la razón por la que los incluí a ambos. Como dije, no necesitas tanto de eso. Entonces aureolin, es un amarillo fresco, que me gusta mucho porque produce una hermosa cantidad de greens si lo mezclas con los diferentes blues. Esta es la razón por la que fui con aureolin. También puedes ir por amarillo limón en su lugar o simplemente ir con un solo amarillo primario que posees. No se estresen. Entonces esto es amarillo transparente o amarillo indio en Noches Blancas. No puedo ir en una paleta sin este color. Este es el amarillo más hermoso que tengo y me encanta. Es transparente. Aquí se puede ver la caja vacía. De acuerdo, eso es muy difícil de ver. Ahí, esa es la caja vacía aquí, lo que significa que es completamente transparente y me encanta este amarillo indio. Eso es de White Nights, y está ahí en las dos paletas en realidad. Se puede ver que este es el amarillo indio. En esta paleta, entre los amarillos, tenía algunos más, esto era amarillo Nápoles, sí, esto es amarillo limón. Yo cambié el amarillo limón con aureolina aquí, y esto es amarillo cadmio. No estoy diciendo que estaría usando sólo esta paleta, pero entonces esta es la principal y los otros colores que necesito están justo aquí. Si en todo lo que necesitara, solo podría usar un poquito pequeñito que necesito, como el amarillo cadmio por su opacidad. Podría usarlo para algo de luz o algo así, pero entonces no es absolutamente esencial para nuestras pinturas, así que esa es la razón por la que la he saltado de mi paleta. Eso era amarillo cadmio. Esto es amarillo indio y esto es quinacridona amarillo o oro indio. El amarillo quinacridona es un nombre en [inaudible] y la misma versión es el oro indio en White Nights. Eso me salté en esta paleta. Eso es porque en realidad puedo hacer amarillo o el oro indio usando este amarillo y este rojo, la mezcla que es alizarin carmesí. Por esa razón, me lo salté, pero honestamente, si me preguntas, me encanta este color dorado indio. Es una de mis favoritas. Esta de aquí es mi paleta favorita absoluta, pero quería limitarme a un poco más de colores menores y curarme otra paleta para mi clase de paisajes urbanos, así que esta es la razón por la que hoy estoy creando una diferente. Después de eso viene la naranja. He ido sólo por una sola naranja aquí, que es naranja transparente, mientras que aquí tenía dos naranjas diferentes. Eso es naranja cadmio, que es la naranja opaca, y ésta es la naranja transparente, la misma. Entonces el siguiente que he elegido es alizarin carmesí. Con alizarin carmesí aquí en mi paleta, no voy por otra versión genial del rojo. Por lo general, tengo rojo cadmio, alizarina carmesí, y quinacridona rosa, que es la versión fresca del rojo. Por eso los tres. Esta paleta, idealmente se puede ver lo que es en realidad. Consiste en las versiones frías y cálidas, más colores tierra, además de algunos grises, verdes agradables, y las versiones de cadmio, esa es la versión opaca. Te acuerdas de las tres paletas que había mostrado. Podrías ir por la paleta de cadmio, podrías ir por la paleta cálida y fresca extendida. Esto es lo que en realidad he agregado aquí. Acabo de sumar los tres juntos y hacer esta paleta aquí. Después de eso, empiezo con el blues aquí. A mí me gusta tener tanto azul cobalto como azul ultramarino en mis paletas. El motivo de eso es porque aunque son muy similares, no demasiado similares, pero muy similares. Prefiero tenerlos a los dos. El motivo de ser azul ultramarino es granulador. Hay ciertos lugares donde no quiero la granulación en mi papel, así que seguiría adelante y usaría azul cobalto en su lugar. Esta es la razón por la que prefiero tener ambos colores en mi paleta. Entonces este color es azul de White Nights. Es lo mismo que PB60 o azul indanthrone. Me encanta ese color. Se puede usar eso. Creo que es Blue Lake, así que del mismo color. Es de color muy bonito, y es bueno para pintar en realidad agua y esas cosas. Yo quería incluir eso en caso de que tengamos algunos elementos de agua cuando estamos tratando de pintar ciudades. Esta es la razón por la que incluí eso. Aquí en realidad, me falta este color. Oh, ¿cómo podría dejarlo arriba? Este es de color azul brillante. Eso también se conoce como sastre azul. Me encanta ese color por su propiedad de tinción y es hermoso pintar los cielos con azul sastre. Pero se mezcla tan fácilmente con amarillos para crear verde, así que tenemos que tener mucho cuidado cuando estamos usando este azul brillante para cielos. Esa es una cosa sobre la que tenemos que tener cuidado. Entonces otro color que he incluido es el azul cerúleo aquí. Esto por su opacidad. Nuevamente, es de un color muy opaco. Eso se puede ver. Esto es igual a los amarillos de cadmio que tienes. Puedes usarlo para cielos o es muy bueno hacer grises que sean grises fangosos o grises que sean tan útiles al pintar cielos. Esta es la razón por la que he incluido el azul ceruleo. Entonces, el siguiente color es verde aquí. Este es verde 725 de White Nights. Este es mi verde absolutamente favorito. Esto no hace falta decir, esto es exactamente lo que siento por el amarillo indio también. Es lo mismo de ese verde. El blues en mi paleta aquí son azul cobalto, azul ultramarino, hay azul cerulean, luego hay azul indanthrone, hay índigo. Además, aquí hay un color extra, que es azul real. Lo agregué nuevamente a esta paleta por su opacidad. Es un pigmento muy opaco y aparece encima incluso del negro. Podría usarlo si fuera necesario. Aquí, ese es el color, azul real en caso de que necesitemos añadirlo para algo de luz o algo así. Pero entonces sólo va a ser como una mota de color, que en realidad puedes llenarla mezclando ya los colores existentes más la calabaza. No necesariamente necesitas incluir eso en tu paleta, así que por eso no estoy incluyendo eso. Entonces aquí está el verde oliva. Es muy bueno pintar árboles y vegetación en paisajes urbanos, así que esta es la razón, verde oliva. Aquí tengo azul turquesa. También puedes reemplazar por verde turquesa si quieres. Eso sería sastre verde o un sastre siena y turquesa aquí. Se puede cambiar con cualquiera de ellos. Creo que en realidad podría seguir adelante y usar este. El motivo es, este color azul turquesa aquí en realidad se puede hacer con el verde y este azul aquí. Esta compuesta por PB15 y PG7. Este verde es PG8. No es la PG7, pero sí, todavía se puede hacer un bonito tono azul turquesa con estos dos tonos. Por eso voy a sustituir eso por [inaudible]. Tengo un espacio vacío aquí. No he decidido bastante qué color quiero poner ahí. A lo mejor sí me encanta este tono burbuja de Venecia y quiero ir con él. Pero sigo muy confundido entre este morado de Venecia y este Serpentine Genuine de Daniel Smith. El motivo es, esto es granulador. La granulación crea efectos tan bellos que no puedes imaginar. Pero entonces sé que muchos de ustedes tal vez no tengan estos colores. Si sigo adelante y empiezo a usar este tipo de colores en mis cuadros sería tan difícil para ti. Esa es la razón por la que no estoy incluyendo en mi palé. Entonces claro, hay violeta, hay marrón transparente, el gris de Payne. Me encanta incluir un gris. Para negro, me he ido con negro lunar. Estos son los colores principales. Después vienen los colores que quiero usar para mezclar, claro. Antes de eso, claro, hay ocre amarillo y Sienna quemada. Se puede ver que he dado que se dedica los espacios más grandes al ocre amarillo y quemado Sienna. Esto se debe a que estos son los colores que tanto podría usar cuando estamos pintando paisaje marino. Esta es la razón por la que el gran espacio va para ocre amarillo, Sienna quemada y también lo hace la lavanda. Es un color muy bueno para mezclar con grises y crear fondos y tan acostumbrado a la lavanda. Es por eso que estos tres consiguen los espacios más grandes dedicados. Entonces estos tres son los colores, lo que quiero usar para mezclar otro tipo de grises y otro tipo de colores. Esta es la razón por la que los he incluido, pero no necesitas estos colores, en realidad puedes saltarlos y simplemente ir con los colores básicos. Como dije, ve y trata de encontrarte cuáles son los colores que tienes y solo usa eso. Por favor, por favor no se estresen sobre los colores extra que necesita o todos estos colores y se abrume de que no los tenga todos. No es absolutamente necesario. Simplemente conoce cómo mezclar los colores en tu propia paleta y cómo puedes crear un conjunto único de colores a partir de los que ya posees. Eso es todo. Aquí me dieron unas mattes de Daniel Smith, Horizon Blue de Marjorie. Este es rosa concha de Whole paint. Estos tres son hermosos colores. Puedes usar el concha rosa de eso, o puedes usar cuarzo rosa de White Nights. Ese también es un tono hermoso que si queremos usar, quiero decir si vas a conseguir estos colores entonces estos son los extra que yo recomendaría. Cuarzo rosa, entonces, por supuesto, me encanta la naranja cadmio. Es como dije, es la versión opaca. Lo tengo aquí en esta paleta, pero no quiero estar llenando mi paleta naranja cadmio aquí porque se puede ver esto, la llené la primera vez y no la he usado mucho. Es solo para pequeñas motas diminutas que podrías necesitar. Esta es la razón por la que no la estoy usando en esta paleta. Entonces, por supuesto, en lugar de negro lunar o frijoles grises, puedes ir por tinte neutro. Esto es de [inaudible]. Se puede ir por tinte neutro. Entonces Serpentina Genuino. Ya hablé de este es un color muy bonito. Después está este verde a medida de Sennelier. Es casi similar a la turquesa a medida de aquí. Entonces esto es bueno para pintar océanos y mares cuevas, esos hermosos reflejos que obtienes en el océano. Si quieres ir con eso, pero esta es una clase de paisaje urbano, entonces esta es la razón por la que no he incluido eso. Pero hay algunos de estos colores de reemplazo, como este es transparente, que es exactamente lo mismo. Tengo una Sienna Raw aquí. Esto, los cuerpos ambos son todos Sienna Raw. puedes ver me he saltado la Sienna Raw de esta paleta porque ya tengo una luz amarilla Nápoles y la ocre amarilla también. Por eso me salté la Sienna Raw de mi paleta. Entonces este es otro de mis colores favoritos que va normalmente a mi violeta es la rosa Quina. Es hermoso crear violetas. Si realmente tienes estas rosas Quina, en realidad puedes saltarte el violeta y no tenerlo en tu paleta. [ inaudible] violeta también es hermosa sombra que obviamente son cobalto o quiz. Tengo aquí en mi cobalto violeta o quiz, incluí eso porque esto es otra vez opaco. Básicamente, los pigmentos opacos son amarillo cadmio, naranja cadmio, también hay un rojo cadmio, pero normalmente no necesitas eso. Podrías mezclar esa naranja cadmio con un poco de cualquier otro rojo y obtendrías un bonito rojo opaco, por lo que no es necesario. Después está este cobalto. Ahí está por supuesto, el azul real. Ahí tienes casi, esta es la turquesa cobalto, la versión verde. Las tres versiones primarias más las versiones verdes de los colores opacos. Es bastante bueno para crear encima de algo que es negro y aparecerá encima sin ninguna transparencia. Si quieres saber cómo paso mi moribundo decidiendo todos estos colores, quiero mostrarte. No es un proceso fácil, confía en mí. Paso mucho tiempo investigando, viendo todos los colores que tienen el tinte y tratando de averiguar sus propiedades, sus mezclas, y luego salió con esta conclusión. Confía en mí, es un proceso muy divertido durante toda una semana estuve haciendo esto y estaba tan feliz porque estaba decidiendo algo que quiero. Estaba decidiendo mi propia paleta. Estaba realmente feliz de tener esto. Esto está aquí. Esto es lo que estaba diciendo. Yo sólo estaba probando las versiones opacas. No cogí mucho pigmento. Por eso, pero se puede ver que aparece encima del negro, no se desvanece. Esos son los colores. Se pueden ver todos los colores, el tinte está lavado y este fui yo decidiendo el amarillo que quiero. He mezclado los amarillos con diferentes versiones de marrones y verdes, azules para conseguir estos colores y luego decidir cuál quiero y escuchar del blues. Poseo diferentes blues de diferentes marcas y quería ver qué azul es el mejor que quiero ir, qué azul crea el mejor grado que quiero pintar con que Sienna quemada quiero, porque he quemado Sienna de Sennelier, Caballero Blanco, Daniel Smith, [inaudible], todo eso. Por eso, no te molestes si no vuelves a tener todos estos, por favor no te tenses y abrumados porque todo justo lo que he acumulado a lo largo de tantos años. Por favor, no te preocupes. Aquí estaban los rojos y naranjas. Básicamente puedes ver cuánto trabajo he puesto en descubrir estos colores. Estos fueron sólo los colores básicos que he probado porque tenía una gran idea y una idea áspera en mi mente en cuanto a cuáles son los colores que necesito porque ya había configurado esta paleta y solo estaba decidiendo entre esta paleta plus unos colores extra. Mi decisión ya estuvo influenciada por la idea de esta paleta. Me tomó sólo una semana y esto. Pero en caso de que solo posea un conjunto básico de 12 colores, eso es absolutamente suficiente para toda una serie de pinturas. No te abrumes y no, no te esfuerces pensando que necesitarías eso. Confía absolutamente en mí. Aquí he recogido mis colores favoritos que quiero entrar en mi propia paleta para toda esta clase y las pinturas que van en ella. He hecho una tarjeta de muestra para esta paleta misma. Es bueno hacerlo en este tono porque entonces sabes qué color está en qué posición. También se pueden anotar los nombres correspondientes a cada uno de estos pozos también. Pero aquí los he agregado a mi diario porque éste es mío. Aquí va mi paleta en ella para que lo sepa, que es la paleta que finalmente he decidido ir por mí mismo. La paleta definitiva, incluyendo los otros colores extra que entraron en mi paleta baja mayor sería justo esto más los colores adicionales de cadmio, nada más. Este lo he incluido aquí. Si lo deseas, también puedes agregarlas a tu diario diciendo paleta [inaudible]. Sé que puede que no tengas los mismos colores, pero al menos puedes enumerarlos abajo y ya sabes cuáles son los colores cuando los estoy usando. Será realmente útil elegir la tuya porque por ejemplo, tal vez puedas hacer una caja o una mesa y decir, vale, entonces está usando amarillo Nápoles. En lugar de eso en mi cuadro, voy a estar usando ocre amarillo o voy a estar usando algunos otros colores. Se puede notar que contra los colores que he elegido. Entonces cuando estás empezando a pintar por ti mismo, se convierte en una tarea fácil para ti. Es decir, todo lo que tienes que hacer es solo referir tu diario y ver de qué color es el que voy a estar usando. Eso es todo lo que necesitas hacer. Todo se trata de decidir por ti mismo. Es realmente importante crear esa singularidad a tus pinturas. Es decir, para encontrarte, es muy importante como artista. No tomes esta lección a la ligera, porque confía en mí, es un proceso completamente feliz, es un proceso calmante al igual que tan satisfactorio. Al final, da muchos resultados en tu pintura. Intenta hacer uso de eso. 12. Ejercicio de boceto: Cuando se trata de paisajes urbanos y paisajes urbanos, el boceto básico a lápiz tiene mucha importancia porque eso es lo que define la estructura de tu pintura, la composición, la perspectiva, todo en tu pintura. Es absolutamente esencial que aprendamos a esbozar esos elementos arquitectónicos. Además, hoy estoy haciendo este ejercicio porque tus manos realmente tienen mucha memoria, es decir, tu músculo tiene memoria. Si aprendes a hacer algunas formas básicas, entonces tu mano va a hacer el resto. He visto que muchos artistas se enfrentan a muchos problemas con las formas respectivas o dibujando o incluso dibujando forros simples. Pensé que trataré de simplificar el proceso para ti, es decir, simplificar el proceso de aprendizaje para que obtengas esa memoria muscular, el control de la mano sobre cómo dibujar líneas rectas. En realidad podrías usar una regla para conseguir líneas rectas, eso depende absolutamente de ti. Pero luego en pinturas acuarelas, cuanto más lo hagas con la mano, más atractivo se ve. Esta es la razón por la que quiero mostrarles algunos ejercicios de bosquejo como, por ejemplo, dibujar una línea. ¿ Cómo se dibuja una línea? Tenía esta cosa cuando empecé, así es como traté de aprender. Como dije, en su mayoría trato de usar un lápiz mecánico. Esto es porque sólo tengo que seguir cambiando la punta y no tengo que afilar mi lápiz en el medio. Esto tiene una lectura de 0.5 milímetros por dentro, 0.5, eso es lo que me gusta usar. Empezando por una línea recta, ¿cómo se crea una línea recta? Esa es una línea recta, es demasiado debilita. Lo que traté de aprender fue mantener la mano al trabajo es lo que importa. Si mueves solo la mano y mantienes el brazo constante, puedes conseguir una línea recta. O otra forma es iniciar el símbolo primero. Marca dos puntos en el papel e intenta unirte a ellos. Por cierto, olvidé mencionar, este ejercicio lo puedes hacer en cualquier papel. No estamos usando agua ni pintura. Simplemente ve con cualquier papel rugoso normal o hojas ásperas, hoja aleatoria, reverso de un diario, cuaderno, incluso un periódico, esto es solo para la práctica. Esto es simplemente hojas de impresión A4 normales que estoy usando. Lo clave es tratar de agregar dos puntos en tu papel e intentar unirlos sin doblarse, sin crear huecos, así que ahí. Después, la próxima vez, intenta sumar los puntos un poco más separados y luego intenta unirlos. Lo que he observado es lo clave es mantener constante tu brazo, luego enfocarte en esos dos puntos. Ver el movimiento de mi mano. Esto de aquí, mi muñeca es, no sólo el brazo, creo que la muñeca es constante, y toda tu mano es que se va a mover, ¿ves eso? Si haces eso, en realidad puedes trazar primero tu mano alrededor del papel que conecta los dos puntos, y puedes ver, sí, es una línea recta. Una vez que estés absolutamente seguro, solo hazlo. Ves, es una línea recta. Vamos a alejarlo más allá, ahí. Ese va a ser mi movimiento de muñeca. Ves, esa es una línea recta. Es así como se puede aprender a dibujar líneas rectas. En realidad puedes aprender a dibujar líneas más grandes usando este método, todo lo que necesitas es solo para asegurarte de que tu mano pueda girar como el brazo de un reloj. Simplemente gira alrededor para crear eso. Si te rompes, entonces se detuvo. No te rompas, solo vete. A veces puede que no suba directamente al grano pero eso está bien. Cuando intentas conseguir algo, todo lo que solo necesitas hacer es asegurarte de que sigas girando de ida y vuelta, y una de esas líneas va a ser la línea recta y la línea perfecta. Otros, ignorarlo, está bien, sólo todo viene en el boceto. Tus bocetos no tienen que ser perfectos, solo tus trazos tienen que ser mucho perfectos. Una vez que hayas aprendido a conectar los puntos, ahora puedes pasar a tus formas tan complejas. Seleccionar, por ejemplo, dar un ángulo a esos puntos. Aquí he marcado dos puntos, conéctalos. Ver, ahí. Entonces voy a añadir otro punto aquí. Trata de conectar esos dos puntos, ahí, vamos a añadir otro aquí. Después practica los trazos verticales también. Para los trazos verticales, o bien puedes desplazar realmente tu papel, es decir, rotar tu papel y hacerlo de esa manera, o puedes tener ese movimiento constante del brazo, nuevo, en la dirección vertical. Ya ves, mi muñeca está fija y sólo mi mano se mueve. Si hago eso, mira, tengo una línea recta. Probemos otra cosa, otro punto aquí. Es simplemente básicamente tratar de mantener el brazo constante y tratar de conseguir ese movimiento con la mano. Así es como consigues las formas. Si pongo aquí, allá, otro aquí, a ver eso, no tengo que seguir cambiando mi papel. Simplemente prueba esto, pon puntos en varios lugares e intenta conectarlos. Creo que esto es básicamente como los ejercicios tuvimos de niños en 1er o 2do estándar, recuerda, donde tenías la numeración y solo tenías que conectar los puntos, y solía convertirse en una forma diferente, es exactamente así. Simplemente practica ese movimiento del brazo y verás que obtendrás tus bocetos a lápiz correctamente. Una vez que tienes tus líneas rectas, lo siguiente es probar las líneas curvas. Me refiero a dos puntos aquí, y entonces lo que vamos a hacer es que vamos a intentarlo como la mitad de una elipse, ¿ves eso? Tenemos que tratar de seguir haciéndolo, tratar de conseguir la simetría, ahí. Hagámoslo más grande. A medida que se hace más grande, se pone complicado. Podría doblarse y la simetría podría aflojarse. Eso está bien. Tan solo mantente en ello y ya verás. En esto no hay movimiento constante de la muñeca ni nada, solo hay que asumir la simetría. El modo sencillo de hacer es, aquí están los dos puntos, línea central emergente entre los dos puntos. Prueba a partir de ese primer punto, sube en una curva hasta esa línea media. Una vez que cruces esa línea media, empieza a descender hacia el otro punto. Se puede ver, esto ahora es algo simétrico, y si no, sólo se puede ajustar en lugares donde no lo es. Ahí está tu curva. También puedes agregar, esta es una curva simple, no parece una cúpula. Si quieres que parezca una cúpula, así que de nuevo, aquí están los dos puntos, aquí está mi línea media. Puedes hacer que tu curva vaya hacia arriba, eso es tocar mi línea media. Entonces a partir de ahí empezaré a descender hacia mi otro punto, así que aquí. Ahora tenemos una forma de cúpula perfecta, ¿lo ves? Trata de practicar todas estas formas con tu lápiz y tus manos porque confía en mí, una vez que te lo cuelgues, tus manos tienen mucha memoria y recuerdan los trazos, pueden hacerlo. Simplemente confíe en el proceso. Esa línea curva está hecha, así que intentemos algo diferente. Eso no es lo que pretendía, quería que tuviera en el medio. Hagámoslo otra vez, así que aquí, ese es el medio. De nuevo, si en realidad marco el punto medio, eso podría ser útil. Ese es el medio. Desde el medio, quiero ir al otro lado. Eso es como una onda sinusoidal. Esto es lo que pretendía hacer. Se puede ver ahora esto, porque aquí, la curva de palabras en realidad comienza en este punto, por lo que no pasó, eso está bien. Simplemente sigue practicando estas curvas e intenta conseguirlas. Mira, hay muchas formas que puedes practicar con las manos en una hoja de papel de muestra incluso cuando estás viendo una película o simplemente haciendo cosas al azar o incluso si estás en una llamada telefónica. En realidad, lo que solía hacer era, como cuando hablo con alguien y estoy ocupado por teléfono, solía tener algún tipo de bloc o cuaderno, y solía seguir haciendo este ejercicio para tener mi línea recta, y así lo aprendí. También puedes ir por las curvas, como en una llamada telefónica. He visto que mucha gente garabatea mientras están en la llamada, así que en realidad puedes hacer esto también. Esta es una gran manera en la que entrenas tus manos, y estás multitarea, básicamente, porque estás en la llamada, hablas con alguien, ¿no? Ahora, lo siguiente es obviamente pasar a formas, como un cubo o un cuboide. Eso está básicamente compuesto de líneas rectas, ¿no? Aquí hay un cuadrado, no un cuadrado, rectángulo. Si voy a añadir otro rectángulo. Ahí, así que básicamente está compuesto de líneas rectas y es muy fácil de crear. Después vienen los círculos. Para tratar de agregar un círculo, ve con círculos más simples y pequeños al principio. Simplemente haz estos con tu lápiz. Puedes rodearlo varias veces, solo crear así. Entonces, una vez que tengas confianza, intenta agregar, círculos más grandes. Con los círculos, he observado que de nuevo tiene que ver con el movimiento de la muñeca. Mantén tu muñeca girando alrededor en una posición específica. Al igual que por ejemplo, si empiezo aquí y primero trato crear ese movimiento giratorio con mi mano, y luego una vez que esté listo, solo llénelo para allá, en algún lugar de esas líneas es un círculo perfecto. Tan solo hay que mantenerlo en ello y ahí. ¿ Ver? Eso no está mal, ¿verdad? Lo mismo vale para una elipse. Ya hemos visto esto es como una media elipse. Si realmente tienes dos puntos y dibujas la línea de simetría, en ambas direcciones en realidad, puedes agregar la elipse así que aquí va nuestra cúpula y va descendiendo aquí, la misma manera hacia el otro lado. Mientras practicas estas curvas, prueba bien la curva lateral inferior así, porque eso es lo que va a crear una elipse, ¿de acuerdo? Creo que es bueno ahora no se ve como un huevo, siempre y cuando no se vea como un huevo, es una elipse. Esa es la forma sencilla de esbozar una elipse. Cualquier elemento arquitectónico, en realidad se pueden esbozar muy fácilmente utilizando las formas simples básicas y utilizando las líneas de simetría. Aunque sea como un vaso, así que creo que ya lo mostré en mi clase de ilustración de alimentos. Tienes un vaso, así que básicamente es agregar las líneas de simetría y dibujar una elipse para la boca del vaso, luego ir con la línea de simetría y asegurar que la distancia, la descendente distancia que haces es simétrica en estas líneas, y agregando la base. Ese es un simple vaso. Es igual un cilindro que está cónico en la parte inferior. Eso es tan sencillo como eso. Todos los elementos arquitectónicos, edificios que conocemos, están compuestos ya sea de líneas rectas o curvas para cúpulas. Esa es una cúpula compuesta por algunas líneas curvas y algunas rectas. Se puede tener más edificios. ¿ Se puede ver? Son sólo estas diferentes formas las que queremos aprender. Es tan simple como eso. Es por eso que el ejercicio de bosquejo fue realmente importante. Además, quiero mostrarles el uso de esta goma de borrar amasada. Es igual que el borrador normal, pero luego se llama borrador amasado porque en realidad se puede ver se puede amasar para crear cualquier forma. El uso de esta goma de borrar amasada es porque cuando estás teniendo muchas líneas oscuras en tu papel y tu lápiz o el plomo que estás usando en realidad está hecho de grafito. Si realmente te frotas la mano sobre el papel, el grafito se va a extender y crear como una capa de ligero grafito en el papel. Cuando tus líneas son más oscuras y quieres aligerar las líneas porque eventualmente al final de la pintura, no quieres que se vea tu boceto a lápiz. Por eso quieres restregárselo. Pero si lo fueras a frotar de usar una goma como esta, esto va a quitarle el boceto en sí. El motivo por el que usamos una goma de borrar amasada es porque la goma de borrar amasada solo puede ir por encima de la parte superior, deshacerse del grafito y aún así dejar un tono más claro para nuestros bocetos. Como si solo froto sobre el círculo, para que ese círculo siga ahí, pero es más ligero. Simplemente frotándolo sobre él. Eso funcionaría. Se puede ver aquí está absorbido, parte del grafito no absorbido, pero aquí en la superficie está el grafito, así que Uno es demasiado grafito. Simplemente puedes amasarlo y cambiar la forma y conseguirlo. Usando este borrador, en realidad puedes frotar todo el asunto también si frotas bastante bien. Ya ves, me he frotado la parte superior de la misma. Ya he hecho una línea más oscura y quiero aclararla. Sólo estoy usando esta goma de borrar amasada y he aligerado esa línea. Esta es la razón por la que los artistas usan esta goma de borrar amasada, pero esto no es para nada necesario. También puedes hacer los mismos efectos con esto. Pero prefiero éste por encima de éste. No sé por qué, tal vez sólo porque si hay mucho grafito en tu papel, solo puedo frotar sobre toda mi pintura y hacer que mi borrador absorba todo ese grafito sin preocuparme que despegue cualquier esencial esbozar líneas. he cambiado a un bolígrafo de micras porque ahora te voy a contar la estructura más esencial de un cuadro, de qué se compone. Estas son las cosas más importantes en un cuadro. Eso es la forma, número 2 es el color, y el número 3 Es el tono de una pintura. En la forma se incluye la forma y la perspectiva. El siguiente es el tono, el tono de los colores utilizados. Estos dos juntos, en realidad debería haber escrito este número 2.Estos dos juntos definen la profundidad y Vida de la pintura. Si tienes la perspectiva y la forma de los objetos correctamente y utilizas el tono adecuado para su posición en la pintura, eso va a hacer que tu pintura luzca real y tenga una profundidad. Entonces lo siguiente son los colores, obviamente. Tenemos que revisar esa pintura para la armonía del color. Es decir, si has utilizado tonos tanto más cálidos como más fríos en tu pintura, representando los objetos en diferentes colores. Es el menos importante de tres. Pero aún así la armonía del color es muy importante. En realidad el orden es forma a tono y tres; colores. Esta es la estructura más esencial de nuestra pintura. Ten en cuenta esto, y recuerda esto siempre en tu cabeza. 13. Ejercicio con pincel Parte I: Ahora trataremos de entender algunos pinceles y pinceladas a detalle para que te ayude en tu viaje al colorido mundo. Los pinceles juegan un papel importante en la pintura, y a pesar de que sólo son terceros en el papel, la pintura, los pinceles ordenan, éstos eventualmente se entrelazan. Déjame mostrarte cómo, por ejemplo, ya sabes esto, papel y aplicas la pintura sobre el papel. Pero, ¿qué es lo que los vincula? El vínculo entre el papel y la pintura son los pinceles. Los pinceles son el vínculo entre las pinturas y el papel para un artista. Los pigmentos del papel se colocan sobre el papel o se mueven sobre el mismo, principalmente con la ayuda de pinceles, y así juegan un papel muy importante. El tamaño de los pinceles, el cabello del cepillo, la forma del pincel. Todos tienen una lección diferente que enseñarnos. Este conocimiento y la memoria muscular de usar el pincel con mano es absolutamente útil para un artista. Por favor, no te preocupes. No se necesitan muchos pinceles, sino más bien una pequeña colección de pinceles bastaría para cualquier pieza de trabajo, ya sea grande o pequeña. Entendamos a detalle los pinceles principales. Este es un pincel redondo puntiagudo. Se puede ver que la punta es puntiaguda y se llama redonda por su vientre redondo. Eso se puede ver, así que por eso se llama pincel redondo puntiagudo. Pero hay más pinceles, que también es exactamente como un pincel redondo puntiagudo, excepto por su vientre es un poco gordo. Déjenme mostrarles eso. El pincel entra en forma cuando lo sumerjo en agua. Ahí tienes, eso es un cepillo redondo puntiagudo y un cepillo de fregona. Se puede ver claramente la diferencia entre los dos aquí, que es, éste, el vientre está un poco gordo. Por lo general, más cepillos están teniendo un agarre como este en que abundan por alambre sobre el cuerpo del cepillo, es decir, el mango del cepillo. tanto que típicamente los cepillos redondos puntiagudos tienen una carcasa de acabado de metal plateado como esta, donde se le conoce como la virola del pincel. Pero hay ciertas empresas que en realidad siguen este principio en sí para los cepillos de la fregona, y Escoda es una de ellas. Este es DaVinci y estos son pinceles Escoda. Vienen en diversas formas. Formas como en tamaños. Esta es una talla 8. Se puede ver que esta es una talla 1. Tengo varios tamaños de estos y son los que determinan el trazo. Obtienes trazos más pequeños con pinceles más pequeños y trazos más grandes con pinceles más grandes, sabía que ya sabías estas cosas. El siguiente tipo de pincel que debes conocer es un pincel plano. Este es un pincel plano. Se puede ver que las cerdas son planas y por eso se llama cepillo plano. Este también se conoce como un pincel plano. Pero por lo general, este gordo, grande suele llamarse como un cepillo Mottler. Estos dos son de Escoda. Este es un plano y éste es un pincel Mottler. Algunas empresas llaman a estos cepillos planos como cepillos de un solo golpe también. Otro pincel que quiero que conozcas son los pinceles de detallista o pinceles de delineador. Este es de Silver Brush y éste es de Escoda, por lo que estos son pinceles de detallista. O se les conoce como pinceles de delineador de guión o pinceles de rigger. Principalmente consiguieron su nombre porque si está usando los tiempos antiguos donde se usaba para pintar las líneas del aparejador de los barcos, de ahí salió el nombre cepillo rigger. Déjame mostrarte la forma. Se puede ver que la cerda es muy larga. Esta es una talla 2, y esta es una talla 1, por lo que puedes ver la diferencia. Esto es delgado, pero esto es sólo más largo. Por su longitud, es fácil pintar líneas delgadas también por su punto puntiagudo aquí. También puedes dibujar líneas finas usando un pincel redondo como éste con punta puntiaguda, por supuesto. Pero entonces existe el riesgo de que accidentalmente presione demasiado duro el cepillo y la delgada línea se vuelva más gruesa. En tanto que en este caso, debido a que todas las cerdas del cepillo son delgadas, todavía vas a conseguir una línea más delgada. Si bien visualmente, por la diferencia de tamaño, los tamaños van a ser diferentes. También hay tantas otras formas y tamaños, pero entonces no necesitas todo eso para pintar incluso un gran tamaño de pintura. Por ejemplo, éste era puntiagudo en redondo. Este también es un pincel redondo puntiagudo, y se puede ver que es una talla 20, es enorme. Entonces si quieres aplicar la pintura sobre una superficie muy grande, esto va a ser muy útil. Es un pincel redondo puntiagudo, así que si sumerjo esto en agua, voy a conseguir una punta puntiaguda. No quiero sumergirlo ahora mismo porque entonces tengo que mantenerlo en seco, por eso. Ahora hablemos de los pelos del pincel. Son naturales, así como pelos sintéticos. En realidad me gustan mucho los cepillos para el cabello de ardilla porque sostienen mucha agua. Liberan tan bien la pintura, esta es la serie Aquario de Escoda, y este es un cepillo natural para el cabello. Pero si no prefieres cepillos naturales para el cabello y quieres ir con la versión sintética, eso está bien. Son tantas las marcas que pueden lograr las propiedades de un cepillo natural para el cabello con sintético mismo, así que está bien ir y usar eso si lo tienes. Por ejemplo, este, esta es la serie Ultimo. Esta es la versión sintética de la serie Aquario. El tamaño es diferente pero sí tengo la versión talla 8 de esta, ahí está. Estos dos cepillos son exactamente los mismos en cuanto a propiedades. Este es sintético y éste es natural, que la única diferencia. Si eres alguien que no quiere usar pinceles naturales, puedes seguir adelante y usar los sintéticos. Pero entonces tu pincel sintético también tiene propiedades muy diferentes porque depende del cabello del que esté conformado. Escoda cuenta con una gama muy amplia de pinceles sintéticos en los que han utilizado muy buen tipo de pelos sintéticos en realidad porque éste casi puede lograr el 95 por ciento de lo que este pincel puede. Pero también hay otras versiones de pincel sintético. Por ejemplo, esta es la serie Prado. Este es un pincel tamaño seis, pero esto no sostiene mucha agua, esto no sostiene mucha pintura. Esto idealmente va con las propiedades de un pincel sintético. Es decir, donde se quiere usar para levantar o donde en realidad no se quiere poner mucha pintura en el papel. Ahí es donde entran en uso estos cepillos. También, aquí hay un pincel plano sintético. Nuevamente, este es otro tipo de pincel sintético porque se puede ver que las cerdas son blancas. Es blanco. Esto solo está manchado con algo de color. Esto es [inaudible]. Esto también sostiene muy poca agua incluso menor que la pradocidis. Esto es ideal si quieres levantar algo a lo largo de una línea porque también tiene una cerda plana lo que lo hace ideal para levantar algo del papel. Como dije, no necesitas tantos pinceles caros. No los necesitas para nada. Lo que necesitas es un buen pincel. Por ejemplo, si tienes un buen pincel que sostiene mucha agua y pintura, como la talla ocho o la talla seis idealmente, y luego probablemente un liner o puedes ir por una capa de detalle, pequeño pincel redondo puntiagudo, como este. Ya sea un liner o un pincel de detalle, que es un tamaño uno o un tamaño cero o tamaño doble cero, por ejemplo. Si puedes apoderarte de eso, y luego un pincel plano, estos son suficientes para cualquier artista. Puedes pintar cualquier cosa, eso es todo lo que necesitas. También preferiría tener un bonito pincel sintético, cual se puede utilizar por sus propiedades del cabello sintético, es decir , no retiene mucha agua y cuando no quiero aplicar mucha agua sobre mi papel, me gustaría usa un pincel sintético. No te preocupes por eso porque cuando comienzas, su mayoría empezamos con pinceles sintéticos, los pinceles que compraste inicialmente, son sintéticos, no necesitas ir y conseguir un poco más nuevos pinceles al tratar de averiguar los sintéticos. Todo lo que necesitas son los buenos. Pero de nuevo, no te estreses en el hecho de que necesitas exactamente los mismos pinceles, puedes seguir adelante y usar siempre el cepillo que tienes en la mano. Es muy importante entender el pincel que tienes en mano y aprender coordinación y control con eso. Nada de esto viene a través de los costosos pinceles en sí, por lo que puedes hacerlo todo con los pinceles existentes que también tienes en la mano. Ese es un punto muy importante que tenemos que entender. Es muy importante practicar pinceladas. No tomes esta lección a la ligera, esto se debe a que nuestras manos tienen memoria muscular y podemos acumularla a nuestra ventaja. Muchas veces hacemos trazos sin siquiera darnos cuenta. Es la memoria muscular en acción, por lo que necesitamos construirla. Las pinceladas pueden ser sueltas o detalladas dependiendo de dónde sostenga el pincel también. Estas son todas las cosas que necesitas cuidar, y construir la memoria muscular es lo que vamos a estar haciendo en esta lección. Puedes usar tu pincel para variar el tipo de trazo que estás usando en el papel. Si lo sostienes más cerca de las cerdas, entonces tus trazos van a ser más detallados y más controlados. Es decir, si vas más lejos de las cerdas, eso está más lejos de los pelos del cepillo, entonces tus trazos van a estar más sueltos y más descontrolados. Esto es a medida que tu mano se mueve hacia arriba. Dependiendo de qué trazo quieras, o bien quieres sujetarlo más cerca de las cerdas o quieres sostenerlo en el medio, o quieres sostenerlo al final. Si estás sosteniendo al final, puedes ver que va a estar muy suelto de hecho. Todo esto, solo puedes enseñarle a tus manos a hacerlo. Practicemos varios golpes ahora y construyamos nuestra memoria muscular. Enseñemos nuestras manos a hacer la magia. Aquí voy a estar practicando usando mi propio papel Canson 300gsm 100 por ciento de algodón, y la razón principal por la que voy a ir por esto es porque este es un papel en el que voy a estar pintando, así que necesito aprender cómo mi pincel se comporta en este papel. Sé que el papel es caro y usar tu papel caro para tal ejercicio parece, ¿qué dices? Heriente a tus bolsillos, pero entonces es una lección muy importante. Es muy importante entender cómo la pintura, cómo entiende el pincel en el papel en el que vas a estar trabajando. Porque imagina que comienzas a trabajar en un trozo de papel al azar, llegas a cepillarte la memoria de la mano que va a estar ahí, pero luego al mismo tiempo, no vas a entender cómo está puesta esa pincelada el papel que vas a estar usando. Eso es muy importante para nosotros entenderlo. Esta es la razón por la que recomendaría ir y usar el mismo papel en el que vas a estar haciendo las pinturas. Aquí, en mi caso, va a ser este papel Canson 300gsm 100 por ciento patrimonial, eso es lo que voy a estar usando, y aquí voy a estar usando este cepillo talla cuatro, lo siento, cepillo talla 8, y también este cepillo talla cuatro, solo para mostrarte la diferencia. Aquí estoy sumergiendo mi pincel en agua y vamos a recoger un poco de pintura. Creo que iré con oro indio. Ahí está el oro indio [inaudible]. Como dije, te mostraré lo que quise decir por los detalles y lo controlado. Cuando lo estás sosteniendo más cerca de las cerdas, tus trazos son más controlados, puedes ver que puedes dibujar fácilmente líneas y cosas, y cuanto más te aguantes, te esfuerzas por conseguir el control, pero entonces estos son necesarios para los trazos sueltos. Si lo sostengo más lejos, mis trazos van a ser más duros para conseguir líneas rectas. Se puede ver la diferencia entre estos y estos, es muy duro, pero entonces esto es lo que necesitas para pintar trazos sueltos al pintar mucho mojado en trazos mojados. Por eso es muy importante. Pero ahora mismo, lo que vamos a hacer es que vamos a practicar algunos trazos con nuestro pincel tal que tengamos el control de mano o ¿qué dices? El recuerdo muscular. Déjame recoger tal vez un tono oscuro para que todos podamos verlo fácilmente. Aquí voy a ir con índigo, allá. Ese es un bonito tono oscuro, y lo que voy a estar haciendo es, recuerda que el trazo es muy importante, usando la punta puntiaguda de tu pincel, toca la punta puntiaguda de tu pincel, y luego suavemente empuja el cepillo todo el camino y luego levántelo lentamente. ¿ Ves? Formaba una hoja o algo así. Esa es una manera. Puedes comenzar con una línea delgada, y luego presionar suavemente tu pincel, y luego levantarlo de nuevo lentamente. ¿ Ves? Eso. Practica esto unas cuantas veces. Es muy importante. Hagamos eso. ¿ Ver? Basta con ver qué sale de ella, porque la forma en que tu pincel libera el agua, los trazos van a ser diferentes. Simplemente intenta torcer tu pincel en diferentes direcciones para ver cómo puedes conseguir esa forma de hoja agradable y perfecta. Este fue muy agradable. Esta fue agradable, así que sigue practicando eso. ¿ Ver? Sigue practicando tus formas de pincel y también pruébalo con un pincel más pequeño si lo tienes, y verás que la forma es más pequeña. Esto se debe a sus cerdas más pequeñas, menor tamaño. ¿Ver? Es más pequeño. Practica esto con tus pinceles, y luego de nuevo, lo siguiente que quiero que practiques es usar el pincel redondo puntiagudo. Vas a practicar para hacer líneas. Simplemente usando la punta puntiaguda, sé que tenemos un cepillo de liner para eso, pero solo vamos a usar la punta puntiaguda de nuestro cepillo para conseguir lo más delgado de la línea posible, sigue intentando ir hasta el final de tu hoja y solo usa la punta puntiaguda y trata de conseguir lo más delgada posible. Se pueden ver líneas rotas. Eso está absolutamente bien. Pronto sabrás por qué pero consigue la línea delgada tanto como sea posible. Mira, es un poco grueso por ahí, así que sólo intenta conseguir eso. Con respecto al movimiento de la mano, lo que he aprendido es; trata de fijarte tu punto de mano, igual que lo estaba explicando en la lección de bocetos, en algún momento para que tu mano pueda girarse alrededor de ese punto. Para mí, está en algún lugar aquí y aún así lo movería. Yo movería la mano, pero luego la estoy moviendo en línea recta. ¿ Ves eso? Eso es muy importante. Una vez que hayas hecho las líneas horizontales, quiero que hagas lo mismo con las líneas verticales, intentes y practicas las líneas verticales, y esta vez, vuelve a conseguir las líneas delgadas en tu papel usando solo la punta puntiaguda. No queremos un golpe grueso, así que ahí. Estos están resultando ser buenos. Estoy usando una talla ocho, debes entender lo grande que es el pincel, y sin embargo estoy haciendo estas líneas más delgadas. Obviamente es por el punto, por eso he dicho un pincel puntiagudo como este es absolutamente ideal, pero está bien si no lo tienes. Usa cualquier pincel que tengas e intenta hacer el más delgado de los trazos. Es muy importante para nosotros aprender esto. Lo he hecho con mi pincel puntiagudo. La siguiente herramienta que quiero que pruebes, va a ser un poco más complicado. Usando nuevamente el pincel puntiagudo, vamos a hacer una espiral. Usando la punta puntiaguda, gira tu pincel y da la vuelta y prueba a hacer una espiral. Estas son pequeñas espirales. Eso se puede ver. Está bien si te rompen las líneas, está bien. Pero luego intenta conseguirlo lo más delgado posible. Ese es el objetivo. Se puede ver que me están dando muchas líneas rotas, pero luego estoy tratando de conseguirla lo más delgada que pueda. Por lo que hacia el final aquí, trato de hacer algunos de ellos más rápido. Se puede ver en realidad cómo resultaron. Es un poco más grueso, pero sigue probando estos golpes hasta que los tengas bien. Entonces lo siguiente que quiero probar es una hoja doblada. Fue así, pero luego la hoja está doblada. Entonces lo mismo. Si podemos empezar y luego levantarnos en dirección, ¿ves eso? Mi pincel no tiene mucha agua, así que esta es la razón por la que tiene un borde roto un poco aquí. Pero luego me dieron la forma de esa sonriente o esa curva o lo que sea que esté tratando de conseguir. Entonces vamos a cargarlo con mucha más pintura, y luego vamos a intentarlo de nuevo. Empezando por la punta puntiaguda, estoy tratando de hacer esto y luego presionar lentamente mi pincel. Conforme estoy presionando, estoy girando la dirección de mi pincel y luego levantándome. Esto es lo que necesitamos practicar. Puedes intentar conseguirlo en diversas formas. A mí me gusta mucho este. Es perfecto, lo que yo quería. Este también es agradable. Aquí tenemos el trazo de pincel para esto. Entonces la siguiente que voy a hacer es otra vez esta espiral, pero esta vez con una presión variable. Entonces con la espiral, lo que vamos a hacer es empezar a adelgazar, y luego a medida que te muevas afuera, quiero que aumentes la presión, y luego te levantes usando poca presión. Este es muy complicado y se puede ver que lleva un poco de tiempo. En realidad, iba a decir que cambiemos de color, pero ya hemos hecho uno. Entonces lo cambiaré después de la siguiente. Empezando pequeño, y luego estoy presionando lentamente mi pincel sobre el papel. Conforme estoy presionando, estoy torciendo, y estoy torciendo, y estoy girando, y y ahora estoy levantando, levantando. Esto es lo que estamos tratando de hacer. Probemos y practiquemos este trazo. Es muy complicado y es muy difícil de obtener, pero pruébalo y practica hasta conseguir al menos dos o tres de ellos perfectos. Lo conseguí correcto hasta aquí, y luego para el último, intenté cambiar de alguna manera la forma del mismo y luego no había suficiente espacio en el papel así que lo arruiné. Pero lo que intenté hacer realmente fue intentar rotar un poco el pincel y conseguir esa forma. Este es mucho mejor. Esto es lo que intentaba hacer por éste. De todos modos, eso lo conseguimos correcto. Ahora, otra cosa que quiero mostrarles es tratando de pintar usando dos colores en un solo pincel. Eso va a ser, digamos, yo he recogido. Cuando estés recogiendo la pintura para esto, recoge la pintura en todo tu pincel, ¿ves eso? Entonces he recogido en toda mi pincel muy bien, la pintura está ahí en todo mi pincel, y entonces ahora lo que voy a hacer es en la punta de mi pincel, me voy a llevar índigo. Aquí, sólo estoy sumergiendo la propina, y veamos qué viene. Voy a empezar a hacer estos trazos otra vez. Empezaré, y lo verás índigo que está saliendo, y luego poco a poco presiono mi pincel y puedes ver que te dan un tono de duelo así. Vamos a intentar volver a hacer eso. Índigo mezclado con el amarillo para crear un poco de tono azul-verdoso. Se puede ver lo hermoso que destaca. Puedes usar esto a tu favor también. Eso es conseguir un tono de duelo agradable usando un solo pincel. Hay varios colores que puedes usar para el mismo propósito, prueba estas formas. A este me encanta. Prueba estos en diferentes direcciones, diferentes tamaños. Aquí, volveré a recoger todo mi amarillo y propina con índigo. Cuando empiezo, es índigo, y luego sale mi amarillo. Sólo porque sólo si es lo que pasa por el medio. Se puede ver que la porción media tiene ese índigo. Entonces lentamente a medida que vas más allá, más del amarillo empieza a salir porque sólo hemos sumergido una vez en el índigo. Por lo que ahora empezamos a conseguir una mezcla del índigo y el amarillo. Nuevamente, practica estos trazos también usando un bicolor en tu pincel. ¿ Podemos realmente hacer tres tonos en un pincel? ¿ Crees que podemos hacer eso? También intentemos eso. Yo quiero probar eso. Aquí, me llevo la pintura amarilla en todo mi pincel. Necesito que mi pintura roja esté mojada. Déjame mojar eso usando otro pincel aquí. Toda mi pincel tiene amarillo ahora, y luego hacia la mitad de la misma, lo he llenado de rojo. Entonces tal vez hasta la punta, lo llenaré de índigo. No tengo ni idea de cómo va a salir esto, pero estoy seguro que va a ser divertido. Ahí sale mi índigo, y ahí está mi rojo, y ahí está mi amarillo al fondo. Esto es simplemente hermoso. Si recojo solo amarillo en las puntas aquí en este extremo, su porción media es la roja, y luego la punta es índigo. Si vuelvo a intentar eso, a ver qué hermoso es eso. Eso es un tres tonos que tenemos. Prueba a experimentar con tu pincel y ve. Sé que no estamos pintando flores, pero este tipo de trazos son muy importantes en paisajes urbanos y paisajes urbanos. Pronto verás cómo. No estamos pintando hojas, lo sé. Estos son muy importantes, y apenas sabrás pronto por qué y cómo estos son importantes, es decir aprender estas pinceladas. Tan solo ten esto en cuenta. Ahora lo siguiente que quiero que aprendas es trazos secos, así que técnica de pincel seco. Ya he cubierto esto en la lección de técnicas, pero luego aquí te voy a mostrar trazos de pincel seco, eso es comenzar con trazo de pincel y luego convertirlo en un trazo de pincel seco. Eso es lo que vamos a hacer. Por ejemplo, vamos con este tono azul brillante. Aquí he retomado este tono azul brillante. Voy a quitarme toda el agua extra usando mi pañuelo aquí, y luego puedes ver esto ya está seco. Yo quiero que esté un poco más mojado. Por lo que ahí. Eso es un golpe mojado, pero luego a medida que voy, me dan trazos secos. Este es el tipo de derrame cerebral que necesitas aprender. Hemos aprendido mucho sobre trazos de pincel seco en mis clases anteriores. Si las has tomado, sabes que hemos hecho muchas técnicas de pincel seco donde te estás quitando todo el exceso de agua del cepillo y luego pasas tu cepillo sobre el papel. Si tu papel está texturizado, entonces obtienes un trazo de pincel seco. Aquí, estoy hablando de ello un poco diferente, eso se está acercando un poco diferente. Vas a empezar con un buen trazo húmedo, y luego quieres convertirlo en un trazo de pincel seco. ¿Ves eso? Eso es lo que estoy tratando de hacer aquí. Intenta conseguir eso también. Practica que trazos semi secos o los trazos medio mojados, medio secos. 14. Ejercicio con pincel Parte II: Ahora, hemos practicado nuestras pinceladas con nuestro cepillo redondo. Veamos qué podemos hacer con nuestro pincel plano. Esta también es una lección muy importante porque es un pincel plano y eso es mucho alcance y uso a este tipo de trazos, así que por eso es muy importante. A lo mejor iré con un color diferente para esto. Voy a ir con rojo y estoy llenando todo mi pincel de rojo, se puede ver eso. El primero es obviamente que sabes con un pincel plano, normalmente pintamos así, pero aquí vamos a probar algo diferente. Usando un pincel plano, lo que quiero que hagas es intentar crear un pequeño rectángulo así. Tan solo un pequeño rectángulo. ¿Ves eso? Un pequeño rectángulo. Intenta crearlos en ambas direcciones. Se quiere probar la vertical y la horizontal. Estos van a ser útiles cuando estamos tratando de pintar ladrillos. Aquí, déjame mostrarte cómo, así que si pintas unas horizontales así, y luego las colocas de forma intermitente. Ves, ya se ven como ladrillos, ¿verdad? Esto es muy importante. Tratamos de aprender esos trazos. El elemento clave para pintar paisajes en paisajes urbanos o rurales o incluso paisajes urbanos es tener nuestros trazos en su mayoría sueltos. Eso es lo que hace que se vea más atractivo en el punto de vista de la acuarela. Porque queremos que parezca una pintura más que una fotografía. Sé que esa es mi preferencia. Hay mucha gente a la que en realidad le gustaría que sus pinturas se vean exactamente como la fotografía. Normalmente no me gusta eso, quiero que se vea acuarela, como si fuera una pintura. Yo quiero hacer que la pintura tendrá la sensación de la pintura en lugar de hacer que parezca una fotografía. Es solo mi preferencia personal, así que por eso vamos por este tipo de trazos. Es decir, trazos sueltos para practicar. Eso fue con el pincel plano, es decir, estas formas horizontales. Déjame mostrarte el siguiente que quiero que pruebes. A lo mejor me iré con índigo otra vez. Aquí, tengo bonito índigo en mi pincel. Usando el pincel plano, quiero que intentes dibujar líneas. Este pincel plano es bastante grande, por eso. Pero entonces si intentas hacer las cerdas lo más delgadas posible, intenta conseguir las mías usando el cepillo plano. No va a ser uniforme porque esto no es sintético, es de pelo natural. Se trata de una versión sintética del pelo natural. Los pelos son más difíciles de conseguir. Pero entonces esto es lo que necesitas para practicar con tu pincel plano. Si podemos practicar para hacer líneas rotas como estas. Estos trazos son muy importantes cuando se trata de paisajes urbanos, no de líneas rectas. Lo que queremos hacer es usar nuestro pincel, vamos a hacer esto. Déjame coger eso. Lo que intento hacer mi paleta es tratar de obtener la forma de mi pincel correctamente. Eso es lo que estoy tratando de hacer. Por eso lo presiono y trato de conseguir la forma correctamente. Tengo casi la forma correctamente. Lo que voy a hacer es, voy a sostenerlo verticalmente así y luego presionar. Si puedes ver el final tiene una curva, así que por eso tengo estas formas curvas. Déjame intentarlo y hacerlo plano. Pero de todos modos, es por eso que esto es muy importante para practicar. Eso es practicar conseguir esas líneas ahí. Estas líneas rectas. Estas líneas son muy importantes cuando se trata de pintar paisajes urbanos. Puedes usarlos para obtener mucha textura en edificios y esas cosas. Eso es algo. Entonces también tenemos que tratar de hacer esos trazos en dirección vertical también. Ya puedes ver, estoy tratando de ponerlos en las direcciones verticales. Ya ves, estos se pueden utilizar para trazos o para ventanas. Si puedes practicar eso con tu pincel plano. Cómo lo siguiente que quiero probar es otra vez la versión multicolor. Con la versión multicolor, déjame mostrártelo. Lo que voy a hacer es, voy a recoger amarillo en mi pincel, en todo mi pincel, voy a recoger amarillo. Entonces sólo un consejo, lo voy a sumergir en índigo ahí. Lo he sumergido solo la punta en añil y mi resto de mi pincel tiene amarillo. Vean eso. Este cepillo libera mucha agua. Es por eso que dije que esto es como imitaciones de propiedades del cabello natural. De todos modos, en cuanto termine, verás que eso está resultando. Ver ahora se hace en una mezcla de estos dos colores. Es ideal que mezclar ambos colores en la paleta o incluso en el papel porque entonces obtienes estos trazos. ¿Puedes ver eso? ¿ Cómo se crea eso cuando se está mezclando esa pintura en las paletas? Esto es lo que yo quería. Se puede conseguir la sombra. El tip aún tiene índigo porque el índigo es un color tan dominante y el amarillo no lo es. El tip aún tiene índigo, y trata de usar ese bien amanecer en tu pincel. Nuevamente, estos se pueden utilizar para edificios, no estos colores obviamente, sino diferentes colores. Pero entonces se obtiene el punto, lo que estoy tratando de decir al tratar de usar múltiples colores como estos, y conseguir esos trazos. Estos son cada vez más emocionantes ahora. Otra forma en que realmente puedes llenar pincel plano es cuando estás pintando arcoíris. Ya lo había explicado en mi clase de guía definitiva de acuarelas también, donde puedes tener diferentes partes de estas cerdas alineadas con diferentes colores, por lo que necesitas un segundo pincel para eso; estarás recogiendo un color. Si es un arco iris, comenzarías con amarillo, y luego empezarás con naranja, rojo, y los siguientes colores y lo aplicarías en línea recta en estas cerdas usando otro pincel. Es decir, solo estás transfiriendo la pintura. Entonces cuando dibujas una línea, la obtienes en arco iris. Puedes hacer cualquier forma con eso. Entonces lo siguiente que quiero mostrarte es cómo puedes tirar hacia abajo la pintura usando el pincel plano. Te voy a mostrar eso. Aquí, tengo índigo. Lo que voy a hacer es, voy a aplicar algunas líneas índigo como esa. En este caso, necesitamos ser rápidos antes de que ese índigo se seque. Lo que voy a hacer es que me voy a llevar mi oro amarillo o indio y voy a usar eso. Voy a bajar mi pintura índigo. Esta fue otra forma. Pero si tiro hacia abajo la pintura índigo encima de eso, puedes ver, la parte superior tiene índigo y luego la parte inferior estás tirando hacia abajo. Pero un poco de ese índigo se filtra en nuestro amarillo para crear una textura hermosa. Esto es algo. Esa es otra hermosa técnica. Hagámoslo otra vez. Aquí está el índigo. Yo sólo lo voy a aplicar. Yo también lo voy a aplicar en dirección horizontal. Porque mi papel es 100 por ciento de algodón que resistiría antes de secarse. Tienes que ser muy rápido. Puedes hacer estos trazos uno por uno si tu papel se está secando. De lo contrario, está bien. Se puede ver cómo resultaron. Se puede ver, se pone amarillo, pero luego tiene esa bonita época de índigo que se filtra en la parte amarilla. Por eso esto es tan hermoso. Esta es una técnica muy útil. Al menos terminamos con el pincel plano. Lo siguiente que podemos probar es usar el cepillo de delineador. Te quiero mostrar las líneas delgadas que podemos hacer usando el pincel de delineador. ¿ Con qué color vamos? Creo que me voy a ir con este azul calor seco aquí o azul fthalo. Solo estoy tratando de hacer que esto sea mucho más interesante en el papel, solo tratando de usar diferentes colores. Aquí, el uso de este cepillo de forro, si no tienes tal pincel de forro, ve con un pincel de detalle más pequeño como talla 1 o talla 0, y usa la punta puntiaguda. El uso de este pincel delineador es para crear líneas. ¿ Ves la diferencia entre estas líneas y las líneas que probamos con los pinceles redondos? Esto es lo que estaba diciendo. Cuando estás usando el cepillo redondo, hay posibilidades de que accidentalmente incluso aplique un poco de presión y tus trazos o tus líneas se vuelvan un poco más gruesas, pero cuando en el caso del pincel de forro, obtienes una línea aún más delgada, y eventualmente ayuda cuando estás tratando de agregar líneas más delgadas. Es bueno conseguir uno si buscas conseguir uno, pero no quiero que vayas y malgastes dinero. Solo piénsalo, y usa tu pincel de talla 0 o talla 1. Agrega estos y luego intenta añadir líneas verticales también. Estos son movimientos de las manos , de nuevo, que necesitamos practicar. Ahí, eso es todo. Eso es algo bueno y con el liner se puede ver que aunque lo presione mucho, esta es la forma máxima que puedo obtener. Es como bordes finos, pero principalmente con el liner, lo que quiero que aprendas es cómo hacer formas de hierba y tal, incluso con un pincel de menor tamaño. Si cargas tu pincel, todo con pintura, y lo que necesitas aprender es dibujar trazos en dirección ascendente. De abajo hacia arriba y a medida que subes, levantando la mano. Ahí, así. ¿Ves eso? Eso es muy importante cuando estamos tratando de agregar algunas formas de pasto o algunos trazos que las necesitan. Entonces lo siguiente que quiero mostrarles son algunos trazos como este, pero luego con descansos en el medio. Vas a dibujar una línea recta, pero luego levanta la mano en lugares, y dibuja la línea. El motivo por el que estoy haciendo esto es, así que ahora verás donde sea que he levantado la mano, me sale un punto. Este tipo de trazos también son útiles cuando estamos tratando de pintar nuestros paisajes. Ahí, levante. El mismo verticalmente también. Con vertical, no son muy evidentes, pero lo siguiente que quiero que practiques con un pincel de forro es la espiral, similar a la que hicimos en el cepillo redondo. Esto debería ser bastante fácil. Ese fue un gran foco de atención, fácil de hacer. Quiero que sigas adelante y pruebes pequeña espiral. Eso es lo más duro porque se puede ver hasta mi espiral no consiguió la forma exacta que busco. Esa es una cosa que definitivamente necesitas practicar. Se pueden tener líneas rotas. Eso está bien, pero luego la espiral, es dura, y eso es lo que necesitamos practicar. Ya lo estoy consiguiendo, así que puedes ver mis manos ya están consiguiendo la memoria. Es muy, muy importante. Practicarlo hasta que lo hagas bien. posible que no lo hagas bien en primer lugar y eso está bien. Estos a veces llevan años de práctica y está bien. Está bien, pero no creo que vaya a tardar años en realidad. Honestamente, esta es la primera vez que realmente estoy dibujando esta espiral, y puedes ver que ya tengo el colgado de ella. Son solo unos cuantos intentos extra y lo vas a clavar. Lo bueno de hacer la espiral es que las curvas se cubren en estas formas espirales. Si estás tratando de conseguir una curva, mira, que se cubre con estas formas espirales. Si sabes hacer la espiral, entonces hacer una curva, aunque sea una curva más grande, podría ser fácil. Aquí quiero que intentes dibujar dos postes y luego intentes unirlos con tu pincel delineador o el cepillo pequeño detallista. Dos polos, ahora únete a ellos. Intenta dibujar dos postes, y únete a ellos. No tiene por qué ser perfecto. Eso es lo clave importante. Yo quiero que los trazos estén sueltos, no detallados. Vamos por trazos sueltos, trazos muy, muy sueltos. Eso es lo que buscamos. Practica estos tanto como puedas. Ahora, lo último que quiero que pruebes es intentar pintar alrededor de un objeto. Voy a ir otra vez con este amarillo. Me encanta ese color dorado indio. Alrededor de un objeto, como en, digamos que este círculo es nuestro objeto. Lo que tenemos que intentar y hacer es, tenemos que tratar de pintar alrededor de ese círculo sin arruinar la forma de ese círculo. Es bastante complicado porque en realidad lo hicimos con un pincel. No apareció, pero aquí está esta ronda que he hecho con mi marcador aquí, con mi bolígrafo. Lo que ahora necesito intentarlo y hacer es, es fácil ir y despacio, lentamente hacerlo todo alrededor de esa forma, pero no. Quiero que lo intentes y lo hagas usando tu pincel yendo alrededor de la forma. Usando las cerdas. Está bien si accidentalmente pisas adentro. No, está bien. Tan solo tómate tu tiempo para ajustarte a esa forma. Hagamos un poco más. Aquí te dejamos algunas rondas. Voy a hacer tres más. Tomando la pintura. Un pequeño hueco aquí. Ahora, voy a llenar eso, pero aún así, es mucho más mejor. Si realmente lo prefieres, puedes dar la vuelta a tus libros también o puedes cambiar la dirección. No tiene que ser en una sola dirección, pero entonces este es un muy buen ejercicio para aprender a pintar alrededor de algunos objetos. Mira, he pintado alrededor de eso. Ahora, más cerca de ella. Voy a ir un poco despacio, pero ahí. Hemos logrado algo. Prueba este ejercicio con diferentes formas. Si eres una persona que tiene problemas para intentar hacer esto, prueba eso con diferentes formas, cuadrados y triángulos. Todos esos deberían ser realmente fáciles porque todo lo que tienes que hacer es intentar dibujarlo en línea recta. Ahí. Esto fue fácil, pero luego cuando se trata de círculo, ahí es donde es difícil. Por eso te pedí que fueras a probar esa forma curva. Te va a ayudar de verdad. También quiero mostrarte la diferencia entre este bonito, cepillos para el cabello natural y el cepillo para el pelo sintético. Se trata de un pinceles de calidad muy viejo, muy barato. Nunca, nunca lo usaría, pero quería mostrarles la diferencia entre estos dos pinceles, lo que pasa. Vamos con un tamaño más pequeño para que sea justo con este pincel. Aquí, el tamaño más pequeño. Yo me llevaré el azul y podrás ver cómo están mis trazos. Si trato de hacer lo mismo con este pincel, así que aquí, tengo el azul. Se puede ver ya el segundo trazo de mi pincel ya no tenía pintura alguna. Esta es la razón por la que este no es un pincel ideal para pintar y además puedes ver esto no me va a dar una forma puntiaguda. Ver la forma no es tan puntiaguda exactamente. Si fuera a tratar de conseguir el punto, así que esto es lo más cerca que puedo llegar a un punto. No es tan genial y aquí estoy yo tratando de conseguir una hoja. A lo mejor si trato de llevar más pintura en ella, déjame intentar hacer una hoja. Tomé mucha agua y me ayudó. Por eso dije que puedes seguir adelante y tratar de usar el pincel que tienes. Ahí, lo hice con este pincel. Genial. Esto es exactamente lo que quería probar y probarle. Necesitamos una buena comprensión de los pinceles que poseemos. Tu pincel, necesitas saber cuánta agua necesitas tomar en tu cepillo. Cuánta agua o pintura, y cómo aplicarla en tu papel. Es por eso que estas clases de ejercicio de pincel fueron muy importantes para que aprendas tus pinceles y lo entiendas, y eres capaz de replicar esos trazos porque cuando estoy dando una clase y te estoy explicando cómo hacer esos trazos, estoy hablando de la presión, el tamaño, y todo, y cómo se debe aplicar el trazo dependiendo del pincel que use. Tienes que entender tu pincel y convertir esos trazos a cómo se aplicarían a tu pincel. Eso es muy importante. Espero que esta lección te haya enseñado muchas cosas buenas. 15. Técnicas: En esta lección, te estaré mostrando algunas técnicas que te serán muy útiles en tu viaje en el futuro. Pero si eres un principiante completo que acaba de empezar con acuarelas y nunca lo has usado antes, entonces sugeriría pasar por mi clase sobre guía definitiva de acuarelas, donde estoy discutiendo todas las técnicas y explicando ella en detalle. Estas son algunas de las técnicas que hemos cubierto en esa clase. Se puede ver he cubierto casi todas las técnicas con acuarelas. Diferentes texturas que puedes lograr usando diferentes objetos. Entonces también las técnicas simples, así como la técnica de cepillo seco, mojado sobre seco, húmedo sobre húmedo. Cómo se puede obtener la técnica de elevación, y también sobre las propiedades de tinción de los pigmentos de acuarela, además de obtener un gradiente perfecto. También, cómo evitar errores en las acuarelas, cómo evitar bordes duros, cómo evitar las flores. Tanto lo he cubierto en esa clase. También lo mismo con dos papeles diferentes también. Ya puedes ver, he cubierto casi todas las técnicas en mi clase guía definitiva de acuarelas. Eso va a ser realmente útil para ti si eres un principiante definitivo, que acaba de empezar con acuarelas, y eso no estoy familiarizado. Porque en esta lección, te voy a estar mostrando algunas técnicas más adicionales que te serán realmente útiles. Aquí está mi Canson Heritage, 300 GSM, papel 100 por ciento de algodón. Te estaré mostrando las técnicas en este trabajo. Porque el papel que voy a estar usando es 100 por ciento de algodón, 300 GSM, así que realmente necesito estar mostrando las técnicas sobre exactamente las mismas personas. Eso es lo que siempre sugiero a todos viendo esta clase, a practicar y a aprender usando papel exacto en el que vas a estar haciendo el ejercicio o los proyectos en. Porque eso realmente te ayuda a entender cómo tu papel y pinceles juntos se comportan. A ver. Lo primero que quiero mostrarte es sobre crear un bonito lavado de fondo o un gradiente. Voy a estar usando mi paleta para mezclar mis colores. Digamos que aquí quiero ir con ocre amarillo. Bueno, necesito un poco más de agua en mi paleta. Esa parece una consistencia agradable. En lo primero en lo que quiero que te enfoques es en conseguir la caída. Se llama la gota cuando estás tratando de crear un gradiente, y también necesitas que tu papel esté en ángulo. Por eso estoy sosteniendo mi papel. Puedes sostener el papel como yo lo estoy haciendo, o puedes poner una cinta debajo o cualquier objeto debajo, para que tu papel tenga ese ángulo. Ese ángulo es muy importante cuando estamos tratando de trabajar aquí en esta técnica específica. Usemos un buen pincel como este. O en realidad, voy a cambiar a unos más grandes, porque esto es sólo una talla 8. Creo que, quiero ir con una talla 10. Ya sea un cepillo talla 10 o un cepillo talla 12, eso va a ser lo suficientemente grande. Ahí está mi ocre amarillo mezclado con mucha agua. Lo que voy a estar haciendo es, voy a aplicar mi indio. ¿ Por qué sigo diciendo amarillo indio? Es ocre amarillo. Por lo que ahí. Ahí, estoy aplicando mi ocre amarillo en la parte superior. Lo que se puede ver es, que se ve que el agua se acumula en ese fondo. Eso es lo que se conoce como la gota. Se está acumulando en la parte inferior por el ángulo, por la gravedad, y es realmente importante. El descenso aquí es lo que es importante para que sigamos con nuestro trabajo. Es como un seguro contra bordes duros. Porque si pintas justo debajo, no vas a conseguir ningún borde duro, sólo porque esa gota ahí exista. Te lo mostraré. Voy a pintar justo debajo de eso. Ya ves, no estás recibiendo ningún borde duro, pero luego tu caída se movió a un nivel por debajo. Mantener esa caída es muy importante. Esta es la razón por la que he mezclado mucha agua aquí. Intenta entender esta técnica. Ya puedes ver, estás consiguiendo un bonito lavado plano en la parte superior. También estás evitando que tu papel obtenga bordes duros. Dibuja las fronteras por ahora. Cuando estamos pintando normalmente tenemos como la cinta de enmascaramiento en los bordes. Eso está bien. Lo que necesitamos aquí ahora es conseguir esa gota. Asegúrate de aplicar suficiente agua a tu mezcla. Eso es lo importante. Podemos ver. Ahora, voy a traer mi desplegable más abajo. Yo voy a pintar. Ahí, he bajado la gota, uno abajo. Todavía estoy consiguiendo un hermoso gradiente del ocre amarillo. Se puede ver que la pintura fluye hacia abajo, y también lo hermoso que es ese lavado. Acaba de mantener su belleza. Digamos que ahora se quiere diferenciar. ¿ Qué tal si voy con un poco de azul cerúleo aquí? Eso es azul cerúleo. Necesito agregar mucha agua a esa mezcla. Ese es el azul cerúleo. Asegúrate de mantener ahí esa agua. No dejes que se seque. Ahora, voy a bajar mi gota. Se puede ver que es probable que se mezcla con el ocre amarillo para crear un bonito tono verdoso. Pero aquí se puede ver la diferencia. Aquí no crea una enorme cantidad de un verde saturado. Esta es la razón por la que el ocre amarillo es bueno para pintar cielos de atardecer. En realidad es realmente bueno. Simplemente sigue agregando. Estoy perdiendo el agua ahí. Necesito bajarlo y conseguir mi gota en el fondo. Agrega más agua a nuestra mezcla. Creemos ese seguro. Ya ves, he bajado esa agua otra vez. Simplemente puedes seguir pintando todo tu fondo usando este proceso. Si ya no quieres esa agua, en realidad puedes absorberla con tu cepillo también. Eso es otra cosa. Si utilizas un cepillo seco, no del todo seco, sino que solo saca toda el agua. Se puede cepillar absorber agua. Eso es algo que se puede hacer ahí. He absorbido toda esa agua. Ahora eso va a tomar una dura ventaja aquí. Pero solo me detengo ahí porque te he mostrado cómo funciona esa técnica de gota, lo cual es realmente, realmente importante. Entonces lo siguiente que quiero mostrarles es una técnica de pincel seco. Un cepillo seco, como en mi cepillo, acabo de sumergirme en agua, pero luego casi lo voy a secar en mi tejido. Lo que voy a hacer es que voy a recoger algún color. Digamos que voy con este verde. Estoy recogiendo una bonita cantidad saturada de verde en mi pincel. Esto es directamente de mi, bueno, se puede ver, y puedo mezclarlo en mi paleta, pero se puede ver lo fuerte que es eso. ¿Ves eso? Entonces lo estoy aplicando en mi papel. Se puede ver no es habitual a la técnica de pincel seco que conocemos, donde solo aplicamos y obtenemos esta técnica. Estoy tratando de crear algunas formas con mi pincel seco. Aquí acabo de sumergirlo en un poquito de agua. Te mostré esto en los ejercicios de pincel donde puedes tener tu pincel para empezar con el mojado, y luego pasar a la dirección seca. Esto es casi similar. Yo quiero que esté más seco, vamos. Hazlo secar. Elimina todo el exceso de agua. ¿ Ver? Esto forma como lo que queremos. Sólo intentemos eso. En realidad puedes hacer diferentes formas con eso. Digamos que creo algo así. No sé qué estoy creando, solo estoy tratando de mostrarte algunas cosas aquí, solo para que sepamos. Quítate agua extra, vamos a conseguir más. A lo mejor añadir algunas líneas. Acabo de crear alguna forma aleatoria en mi papel. Ahora lo siguiente que les voy a mostrar es, así que tenemos nuestra pintura seca directamente de la paleta aquí. Ahora, una técnica que puedes hacer es, puedes tener tu cepillo húmedo, no demasiado húmedo, solo un cepillo húmedo, y correr sobre tu cepillo seco. Ves la pintura se extiende, pero luego retiene en ciertos lugares y crea una textura hermosa. Déjame sólo mostrarte. Puedes tenerlo derribado. ¿Ves eso? Crea una hermosa textura. Déjame mostrártelo aquí. Si se suponía que lo hiciera aquí, puedes ver, la pintura se queda en algunos lugares, pero luego cuando la tiras hacia abajo, obtienes una textura hermosa. En realidad puedes hacerlo con un color diferente también. Esa es una cosa que quiero cubrir. Digamos que recojo alguna buena cantidad de amarillo indio aquí. En realidad voy a tratar de hacerlo en la parte superior de esto. Se pueden ver nuestras mezclas amarillas indias con ese verde que aplicé. Entonces esos pincel seco, ven aquí de cerca, déjame acercarte eso a ti. Que los trazos secos están ahí, pero son amarillos mezclados con ese verde para crear un hermoso efecto en el papel. Eso es algo. Esto es sólo una extensión de la técnica de pincel seco. Va a ser útil cuando estemos pintando algunos de los proyectos de clase. Ahora lo siguiente que quiero mostrarles es cómo pintar juntos dos colores diferentes. Aquí, déjame empezar otra vez con el amarillo. Obteniendo una bonita mezcla de amarillo. Aquí estoy pintando un poco de amarillo. Para esto, o bien tenemos que trabajar rápido o nuestro papel tiene que ser 100 por ciento de papel de algodón para que puedas trabajar en él por una duración un poco más larga. Aquí hay un poco de alizarin carmesí, y lo voy a aplicar justo debajo. Se puede ver la pintura mezclada entre sí, pero luego simplemente no creó un borde áspero. Puedo volver a mi amarillo y conseguir que se aplique en la parte superior y crear una mezcla si quiero. Ahí está mi rojo y aplicado en la parte inferior. ¿ Ver? Creó un hermoso gradiente. No tuve que repasar varias veces para crear esa mezcla. Todo lo que hice fue asegurarme de que trabajo lo suficientemente rápido para que mi pintura no se seque justo antes de terminar. Eso es cubrir el borde de tu trazo anterior justo antes de que termines. Te lo puedo mostrar una vez más. Escojamos un color diferente. Vamos por el azul amarillo. Aquí estoy pintando azul amarillo. Digamos que quiero continuar con esto. ¿De qué color? Vayamos por la alizarina otra vez. Entonces aquí. Entonces mi trazo aún no está seco, así que ahí lo repaso rápidamente, y me sale ese bonito gradiente. Ya puedes ver, las claras divisiones entre los dos colores, y consiguiendo un hermoso gradiente de los dos colores. Esto es tan sencillo como eso. Ahora quiero mostrarte otra técnica de pincel seco. Eso también va a ser realmente, realmente útil. Empecemos otra vez con el amarillo. Estoy mezclando un bonito amarillo en mi paleta. Para esto, lo que vas a estar haciendo es, vas a sostener tu pincel en el medio, en algún lugar así. Sosténgalo paralelo a tu papel, algo así. Aquí está la pintura de mi pincel, sosteniendo así y luego simplemente rasgando tu pincel sobre el papel. puede ver al principio que era buena cantidad de color, pero luego a medida que te mueves más, se empieza a conseguir esas líneas rayadas. Algo, es una técnica de pincel seco, pero es diferente a ésta porque ya teníamos mucha pintura en nuestro pincel. Entonces porque estamos usando los lados de nuestro papel, tenemos esta hermosa textura, y puedes usar la misma y extenderla con un color diferente. Por ejemplo, déjame seguir adelante y añadir algo de color en la parte superior ahí. Entonces, ¿ves eso? Esa es una técnica útil para entender, que es solo sostener tu pincel así y luego rascar tu papel en diferentes direcciones, así que esa es otra técnica. Ahora la siguiente técnica que quiero mostrarte es sobre usar un objeto afilado. Diferentes formas en que puedes usar un objeto afilado. Aquí tengo una buena cantidad de marrón en mi paleta. Déjame simplemente llenarme bien con agua, así que una buena cantidad de pincel en mi paleta. Necesitamos como una buena punta afilada, así que busca un pincel o algo que tenga una punta afilada en tu pincel, o tal vez incluso tijeras harían, porque ver que la punta afilada es realmente buena en eso. Probemos con las tijeras en realidad. Aquí lo que voy a hacer es que sólo voy a poner mi pintura aquí en mi papel, y luego sólo voy a usar mis tijeras para sólo ver algo de la pintura. Esto es muy útil si quieres crear algunas ramas de árbol. Te estaré mostrando más de esta técnica cuando realmente estemos cubriendo eso en uno de los días. O puedes usar esto o tal vez en realidad puedes usar la parte trasera de tu pincel. Funciona muy bien. Esa es una forma de conseguir muy bien ramas delgadas. ¿ Ves la delgadez de esa rama que acabamos de crear? Esa es una técnica realmente buena de entender también. La siguiente técnica va a ser el uso de una vieja tarjeta de crédito o algo que tenga superficie rayable como esta. Esta es sólo una vieja tarjeta que tengo. Esa es otra cosa que puedes usar. Usemos de nuevo este marrón. Lo que voy a hacer es, voy a aplicar mi pintura marrón aquí en el fondo muy bien. Existen diferentes formas que puedes usar, por ejemplo, puedes usarlo para rayar y crear un hueco en tus pinturas. Por ejemplo, si quieres crear árboles de abedul o algo así, es muy bueno hacer los arañazos. Ahora mismo la pintura está mucho mojada, así que por eso no viene. Sólo absorbamos pintura extra, déjame hacer eso. Ahí me he rayado algo de pintura. Entonces puedes usar bordes también para rayar la pintura. Puedes ver que obtienes formas bonitas cuando usas una tarjeta de crédito o algo para rascar y quitar la pintura, pero en realidad es probar eso con diferente color. Déjame probar eso con alizarin. Yo sólo voy a aplicar mi alizarina. Ahí está la base de verde, pero creo que eso va a estar bien. O sea, revelará el verde si en todo eso sucede. Ver, esto funciona. Creo que este pigmento era demasiado acuoso y demasiado brillante. Esta es una lección, algunas cosas que sí necesitamos para entender cómo funciona. A ver, si esto no fuera tan acuoso, soy capaz de levantar algo de pintura usando mi vieja tarjeta ahí. Ese es un método. Lo que esto hace es, cuando se tira hacia arriba siendo así, se obtiene la pintura acumulada al lado derecho en una textura muy hermosa. Puedes seguir haciendo eso, y eso ayuda a crear una bonita textura de árbol de abedul, y también es útil en varios otros lugares también, así que ten nota de esta técnica y también puedes usar la punta de la esquina para sacar pintura. Mira, creé una rama, y esto también es bueno para crear pequeñas formas de hierba. A ver, que es muy importante y muy útil. Podemos usarlo para quitar la pintura y crear algunas texturas así, porque de ninguna manera vas a poder quitar la pintura así usando un pincel. Aquí es donde entra en uso un objeto puntiagudo. Te mostraré otro objeto también que puedes usar. Pongamos alizarin aquí. Tener mi alizarin ahí. La otra cosa que es un cuchillo de paleta si tienes, así como tal vez puedas usar una regla también. En lugar de una tarjeta de crédito, en realidad puedes usar una regla, pero no quiero rascar los bordes de mi regla y prefiero usar la tarjeta de crédito en su lugar. Esto es otra cosa que puedes usar para rayar la pintura. Mira, funciona de la misma manera que la tarjeta, solo la usas para rascar la pintura y puedes ver que crea una hermosa textura herbácea. También puedes usarlo y rayar de cualquier manera que quieras, tal vez algunos árboles solteros que necesitan mostrarse como blancos. En lugar de pintarlo de ese color blanco, esto en realidad es mucho mejor porque muestra que hay algo ahí en el fondo y no atrae al espectador hacia ese lado, porque si tienes pintura lo con blanco, entonces va a quedar claro y evidente cuál no queremos, así que por eso a medida que se seque mi pintura, va a ser más fácil para mí hacer esa cosa de cuchillo paleta más, porque estaba mojada antes, así que cuando yo rascarse, mi pintura va a volver a ese lugar original, pero entonces todas estas son técnicas que puedes usar. A lo mejor quieres que algunos árboles se cubran con un poco de pintura, a lo mejor quieres que algunos árboles estén abiertos así. Puedes usar todo eso a tu favor. Aquí tal vez añadir la sucursal, ver. Este es también otro método de rascarse usando objetos y es muy, muy, muy, muy útil. Estas son algunas de las técnicas extra que quería cubrir en esta clase, que va a ser realmente útil en el futuro. 16. Perspectiva: Ahora, tratemos de entender acerca de los diferentes tipos de perspectiva. Existen dos tipos de perspectiva, que son la perspectiva lineal y la perspectiva aérea. Es decir, una es perspectiva lineal y la otra es perspectiva aérea. Estaremos discutiendo acerca de la perspectiva lineal en esta lección. Perspectiva Lineal es una técnica de dibujo que da la ilusión de profundidad en una obra de arte. Vivimos en un mundo tridimensional y cada objeto que vemos tiene longitud, anchura y altura. Pero cuando empezamos a pintar o dibujar, nuestro papel es de bidimensional. Esto es solo un papel, es bidimensional, no tiene la altura. De ahí que debemos hacerle algo a nuestra obra para que parezca tridimensional. Perspectiva es ese algo que crea una ilusión de profundidad en una pintura o fotografía. En una fotografía o obra de arte, incorporar perspectiva lineal implica que estamos estafando a nuestros ojos para que la imagen se vea tridimensional. Es decir, crear una ilusión de profundidad. Objetos que están más lejos de nosotros, los dibujamos más pequeños para que se cree una ilusión de espacio y profundidad. Existen principalmente tres tipos de perspectiva lineal. También hay otros. Discutiremos aquí los principales. Tres tipos de perspectiva lineal. Echemos un vistazo a la perspectiva lineal en detalle. El primero es la perspectiva de un punto, segundo es de dos puntos, y obviamente, el tercero es de tres puntos. Esto es lo que estaremos viendo. Recuerda esta perspectiva es básicamente una ilusión óptica para dar una sensación de espacio y profundidad a nuestras obras de arte. Echemos un vistazo a la perspectiva de un solo punto en detalle. 17. Perspectiva de un punto: Ahora empecemos con una perspectiva de un solo punto. Este es el más fácil. La perspectiva de un solo punto es útil para hacer que nuestra pintura sea más atmosférica y se ve sobre todo cuando queremos dibujar elementos que se extienda un largo camino frente a nosotros. Por ejemplo, imagina que estás parado en medio de una carretera y mirando todo el camino recto. Claramente, verás que el camino parece estrecharse más cerca de un solo punto más alejado de ti. La perspectiva es aplicable en todos los ámbitos, ya sea una fotografía o un cuadro. En realidad, son líneas paralelas, pero cuando estás ahí parado en el medio y mirándolo, sentirás como si estas líneas paralelas estuvieran convergiendo a un punto. Aquí he creado estos edificios improvisados para que entiendan la perspectiva. En realidad los he alineado en línea recta, y sin embargo se puede ver que estas dos líneas paralelas, es decir, las partes inferiores de los edificios, parecen ir unos hacia otros. En realidad son paralelos pero en el video, se puede ver claramente la perspectiva donde parece que estas líneas están tratando de converger a un punto en el medio. Es por eso que dije que si estás parado en medio de una carretera y mirando algunos edificios, parecen como si estuvieran convergiendo a un punto y siguen la perspectiva. Simplemente no es la base, sino cada parte que está frente a este lado, que está de pie aquí. Toda parte que se enfrente a estos lados va a estar en perspectiva. Esas serían las líneas, es decir estas líneas en los edificios. Si tienen ventanas, estarían en perspectiva así como en las partes superiores de las ventanas estarían en perspectiva todo el camino hasta ese punto central. Si nos fijamos en este punto, esta línea que es el techo superior de este edificio, se supone que esta también está en línea de perspectiva y la misma que ésta, y también el edificio superior. Todos ellos siguen la misma regla de perspectiva. Aquí al principio, estábamos asumiendo que estamos parados al fondo de la carretera y mirando los edificios. Eso significa que estás de pie aquí al fondo, así que no vas a ver el techo de ninguno de los edificios porque obviamente, no tienes tanta altura. Pero imagina que en realidad estabas parado encima de otro edificio. Estás a una altura elevada, algo así. Entonces, todavía van a estar en perspectiva, todos esos edificios, pero entonces ahora tienes otro borde aquí y este otro borde del techo que va a estar en perspectiva y cumplir ese punto. Te mostraré todos estos ahora para que puedas entender y dibujar edificios y todo lo demás en perspectiva. La ciencia detrás de esta percepción es algo compleja, pero entienda que se debe principalmente a la forma en que la luz del entorno cae sobre la retina de nuestro disco de ojos, dentro de nuestros ojos. No necesitamos entender esto a detalle. Sólo entiende que todo lo que te rodea está en perspectiva. ¿ Te acuerdas de ese punto en el que todas las líneas parecen converger o encontrarse? eso se le llama el punto de fuga. Cuando decimos sobre una, dos, o tres puntos de perspectiva, estamos hablando del número de puntos de fuga. La perspectiva de un solo punto tiene un solo punto de fuga, perspectiva de dos puntos tendrá dos puntos de fuga, y tres obviamente tres puntos de fuga. En una perspectiva de un punto, todas las demás líneas que no estén convergiendo al punto de fuga serían o horizontales, es decir, paralelas a la línea del horizonte, o perpendiculares a la línea del horizonte. ¿ Qué es la línea horizonte? Por lo general, es la línea donde el cielo se encuentra con la superficie de la tierra cuando se está mirando una perspectiva de un punto o de dos puntos. Entender perspectiva lo más simple de usar sería una caja. Por eso hice todos estos edificios en cajas. En realidad, no serán cajas simples como estas serán formas complejas, pero no hay nada que no podamos simplificar usando estas formas simples de las que hemos aprendido. Tratemos de dibujar una caja en perspectiva de un solo punto. Probemos esto. Va a ser muy sencillo. Imaginemos nuestra línea del horizonte algo así. A lo mejor este es nuestro punto de fuga y estás parado en algún lugar aquí y estás mirando esa caja. Veamos cómo va a ser eso. Todos los lados de esa caja van a estar en perspectiva. Es decir, hay que dibujar líneas como esta originando desde el punto de fuga. Cada una de las partes superiores es como dije, esa parte lateral es lo que estás viendo en perspectiva. Recuerda dije que desde aquí están mirando los edificios. Estas líneas que van directamente a ese punto de fuga es lo que estás viendo en perspectiva. Estos son en realidad verticales y éstos serán rectos y paralelos a la línea del horizonte. Esta es la altura del edificio que es esta altura, y es sólo una caja que estamos dibujando. Incluso la base es otra vez, lo que va convergiendo a ese punto. Ahí está la base. Aquí estoy sentado en un ángulo así que espero que esta sea una línea recta. Esa es la parte frontal de esa caja. Ahora, los otros lados van a ser exactamente los mismos, por lo que son paralelos a la línea del horizonte. Se puede ver esta es la línea del horizonte y aquí está paralela. Esto es de nuevo, paralelo a éste que es perpendicular a la línea del horizonte. Es así como verías una caja. ¿ Y los otros lados de la caja? Obviamente, hay que mirar eso también. No vas a ver el otro lado de la caja porque estás parado aquí mismo y lo estás mirando así no vas a ver el otro lado de la caja. Tan solo para mostrarte dónde está este otro lado, únete a esta línea y a la esquina, y lo mismo con esto. Puedes usar una regla para obtener líneas rectas exactas solo voy a probar, bien ahí. Esa línea ahí está la línea de perspectiva. Ahí es donde habrías conseguido la línea en la parte de atrás. No vamos a intentar dibujar eso, pero en caso de que quieras intentarlo y averiguarlo, entonces ahí, esa es la parte trasera del edificio que es esta parte. Va a ser algo más largo porque esto es más largo. Entonces para encontrar dónde va a estar este punto, sólo tenemos que trazar otra línea, otra vez horizontal. Es decir, paralela a la línea del horizonte y ahí ese es el punto que va a cumplir. Nuevamente, lo mismo aquí paralelo a la línea del horizonte, ese es el punto. Esa es la parte interior de la caja. Esta es esa caja en perspectiva de un solo punto y estás parado en el suelo. Hay diferentes formas en que se puede obtener la perspectiva para la misma caja como dije. Este eres tú de pie en el suelo. Imagina que estás de pie en la parte superior de un edificio y mirando el edificio al frente. Aquí está el edificio, y este es otro edificio que obviamente es más alto que éste. Estás de pie encima de esto y estás mirando esta caja así que el punto de fuga va a estar en algún lugar del frente. Estos lados son los que ahora van a estar en perspectiva. Porque solo míralo estás aquí, estás mirando hacia adelante justo en el centro aquí. Nuevamente, las líneas que están en alineación con tu visión son estas líneas así que eso es lo que va a ser en perspectiva. Eso sería, aquí está mi línea de horizonte otra vez, ese es mi punto de fuga. Para dibujar de nuevo la caja, solo dibuja estas líneas. Esa es la línea de la caja. Entonces este es el techo superior de la caja que vas a estar viendo. Aquí, como dije, esta plaza de aquí es lo que hemos dibujado ahora, entonces la base del edificio va a ser recta porque estás parado aquí mismo en la parte superior y estás mirando así que eso va a ser recto hacia abajo. No voy a dibujar toda la longitud. Esto es muy largo sólo lo voy a hacer más pequeño. Ahí. Esa es la caja en perspectiva. Si quisieras conseguir las líneas interiores, obviamente seguimos la misma regla. Únete a esas líneas hacia el interior. Nuevamente, para conseguir la línea dentro, dibuja la línea vertical recta hacia abajo. Esta línea no es recta así que por eso no la tengo correcta. Es por eso que dije que puedes usar una regla si quieres. De todos modos, ahí. Esa es la línea. Esa será la parte interior del edificio que no se está viendo, me refiero al otro fondo y los otros tres lados del edificio que no se ve para el cubo. Así sería el cubo en una perspectiva de un solo punto cuando lo estás mirando desde lo alto de un edificio. Ya he explicado esto con la ayuda de una sola caja ahora. ¿ Qué significa idealmente cuando estamos mirando algunos edificios? Aquí está otra vez la línea del horizonte. Suponiendo que ese es el punto de fuga, tu nivel de ojos está casi siempre en el horizonte. Imagina que estás ahí parado y mirando los edificios. Los edificios en perspectiva van a ser así, sólo estoy tratando de dibujar por todos los lados. No hagámoslo exactamente en la misma línea vamos a tener algún edificio diferente más alto. Aquí, este es un edificio que estás mirando, y aquí hay otro edificio. Este es el escenario donde probamos esto. Estás de pie aquí y tienes edificios a ambos lados. ¿Qué fue esto? Este es el caso en el que estás parado en la parte superior de un edificio. Aquí, otra vez, esa es nuestra línea de horizonte, ese es el punto de fuga. Añadamos los edificios. Intenta dibujar esto tú mismo, entonces comprenderás claramente el concepto y cómo se forman las líneas de cada una de estas cajas. No entres en pánico. Sé que este es un tema muy difícil de entender, pero falla y no te preocupes. ¿A qué estamos mirando? Tenemos un edificio aquí en el centro. Estás parado encima de ella. ¿ Cómo obtenemos la parte superior? Otra vez usando las líneas de perspectiva así ahí, ese es tu edificio en el que estás parado. Digamos que este eres tú. Por el momento, no estoy buscando acertar la perspectiva de la gente, solo tratar de introducir el concepto para los edificios contigo. Ahí estás tú parado en la parte superior de ella y tenemos edificios a ambos lados. ¿ Cómo verías los edificios? Obviamente, aquí está el costado del edificio, luego la altura. Esta es la altura y ahí está la parte inferior. Entonces de nuevo, este lado va a ser paralelo a la línea del horizonte. Nuevamente, también lo es este lado y este. Esto también paralelo a la línea del horizonte. Este de aquí es el techo de ese edificio. Déjame explicarte para que entiendas claramente. Esta es la altura. Este es el techo, que está exhibiendo aquí es el techo de ese edificio. ¿ Cómo lo escribí Demasiado diminuto? Déjame acercarlo para que lo veas, así que ahí. Ese es el techo del edificio. Esta de aquí es la altura. Este era un edificio largo, posiblemente como una fábrica o algo así. Intentemos quizá en realidad uno diferente, uno más corto. Digamos que aquí hay otro edificio y esto es más corto. Ahí, y obviamente el otro lado otra vez va a ser eso, ahí. Este es un edificio más corto pero obviamente, de nuevo, estás viendo el techo del edificio. Este techo aquí. Estás viendo el techo del edificio principalmente porque estás parado encima de otro edificio más alto y mirando, lo contrario no verías el techo, solo lo verías de esta manera. Esto está de pie en la parte inferior. Solo estoy usando diferentes colores porque este es mi diario y quiero decorarlo. En realidad también podrías usar diferentes colores para las líneas de perspectiva, usar diferentes colores para las cajas y todo, pero para mí cuando te estoy explicando, si empiezo a cambiar a diferentes colores, ya sabes cuánto tiempo se va a llevar. Por eso estoy haciendo eso. Esto está de pie en la parte inferior y esto está de pie en la parte superior. Ese fue el escenario con sólo un edificio a ambos lados. ¿ Y si hay más edificios uno al lado del otro? Basta con agregar más edificios uno al lado del otro. Es decir, en este caso, quizá el siguiente edificio, veamos si el siguiente es más alto. En realidad no quiero arruinar este boceto. Te lo mostraré usando otro punto de fuga y línea de horizonte. Ese es mi punto de fuga. No. Línea de horizonte, no es recta, pero eso está bien. Ahí está mi punto de fuga. Asumamos que estamos quietos al fondo de la carretera, Aquí está mi línea de horizonte. Digamos que nuestros edificios, ese es un edificio que estamos mirando. Pero digamos que hay otro edificio justo al lado. Ese otro edificio, porque hay otro edificio justo al lado, no vas a ver todo este lado de este primer edificio. Eso sería enmascarado por el segundo edificio. Digamos que el segundo edificio es en realidad más alto que este. Pero la base de nuevo tiene que seguir la misma línea de perspectiva, si están parados en la misma línea recta, si no están parados en la misma línea recta y tal vez este edificio esté ligeramente atrás, entonces, sí, necesitarías dibujar otra línea de perspectiva. Aquí sólo supongamos que están en la misma línea. ¿ Qué pasa con la parte superior de esto porque es más alta por lo que vuelves a dibujar otra línea de perspectiva. Ahí, esa es la línea de perspectiva para ese edificio luego llega a este y a este lado. No estoy dibujando más, pero ¿entendiste el concepto de cómo habrías tenido más edificios a ambos lados y si quisieras tener aquí un edificio más pequeño, obviamente, digamos que edificio más pequeño está aquí en el frente. Sólo estoy usando mi lápiz ahora. Nuevamente, para encontrar la parte superior de ese edificio más pequeño, necesitas otra línea. Esa es la parte superior. Esta es la base. Esto será obviamente paralelo a la línea del horizonte. De nuevo, por lo que no se verán estas líneas aquí del otro edificio. Será enmascarado por el edificio del frente. ¿Viste eso? Esto sería lo mismo de este lado también cuando estás agregando más edificios. Yo sólo voy a agregar rápidamente. Ese es mi primer edificio. Pero digamos que quiero agregar algún otro edificio al frente del mismo. Esta vez, esto es lo que dije. A lo mejor este edificio está ligeramente detrás del otro. Entonces para conseguir la base de la misma, necesitamos otra línea de perspectiva. Hay una línea de perspectiva de eso. A lo mejor la altura de ese edificio sólo está aquí abajo. Nuevamente, esa es la línea de perspectiva. Ese es el edificio. Ahí se va a reunir la parte superior de este edificio en la azotea. Es así como seguirías agregando montones de edificios. Sé que esto se ve un poco complejo y muy difícil de entender, pero no te preocupes, no es tan duro si comienzas a intentar bosquejarte e imaginas el sitio de los edificios de los que estaba hablando, y esta imagen del edificios aquí. Ahora veamos cómo aplicar la perspectiva de un solo punto a otras formas. Asumamos forma cilíndrica. Eso fueron edificios. Tenemos la línea del horizonte, tenemos el punto de fuga. Es un solo punto. Por eso lo llamamos como perspectiva de un solo punto. Digamos esto. El frente, esa es esta llana que te estaba mostrando aquí, esa es la cara frontal. Estás aquí parado y mirando los edificios. Hay edificios a ambos lados, y tú estás aquí parado y mirando. Esta es la cara frontal, esta es la cara lateral. Estas caras laterales son las que están en perspectiva y éstas no van a estar teniendo perspectiva alguna. Lo verás exactamente como el propio rectángulo. Estas líneas en la parte superior son las que seguirán la perspectiva. En el caso de un cilindro, digamos que el cilindro está mintiendo así, por lo que la cara frontal es un subgrupo. Eso va a ser exactamente en un subgrupo. Lo vas a ver exactamente así. Ese es tu subgrupo. No va a ser en ninguna perspectiva. Pero los bordes, es decir los lados van a estar en perspectiva y así es el círculo posterior. Eso de nuevo no va a estar en perspectiva, pero sería más pequeño porque la distancia aquí para que las líneas se unan son más pequeñas. Esa es la parte trasera y esa es la parte posterior del cilindro, así que así sería el cilindro. Si era un cilindro aquí en medio, intentemos eso. Mi círculo va a ser malo. En fin, esa es la cara circular de mi cilindro, pero entonces se está extendiendo hacia atrás. Ese es el lado del cilindro. ¿ Y el trasero? El trasero, de nuevo, el círculo va a ser más pequeño. ¿ Qué vemos? Aquí sólo vemos este fin. Eso es para el cilindro. Simplemente, por el bien de ello, dibujemos también hacia el lado derecho para que pueda parecer completo. Aquí está la cara circular que ves como un círculo en sí mismo. Aquí está la parte de perspectiva, y esa es la cara circular. Pero esto sólo se ve porque esto es como la parte interior de ese cilindro. ¿Ves eso? Este es el caso con los lados en perspectiva. Pero ahora quiero mostrarles el caso donde ¿y si fuera la parte circular la que está en perspectiva? Este fue el cilindro aquí. ¿ Qué muestro para un cilindro? Este es un buen ejemplo de un cilindro. Aquí está el círculo y aquí está el círculo frontal. Fue así. Pero ¿y si está sentado así en paralelo a la línea del horizonte? Entonces, ¿no es este el lado? Esto es como una cara normal, así que esto es lo que será en perspectiva. ¿ Cómo dibujamos un círculo en perspectiva? Veamos cómo podemos dibujar nuestro círculo en perspectiva. ¿Qué es un círculo? Si solo asumes un círculo, no estoy usando una brújula ni nada, así que va a ser el peor círculo. Pero mi punto es, encajemos este círculo en un cuadrado, y dividamos este cuadrado, y sólo sumamos estas líneas en el centro. Yo he dividido la plaza. Ya sabemos dibujar una plaza en perspectiva. Aquí está la línea del horizonte y el punto de fuga. Déjame dibujar ese cuadrado. Esta misma plaza, así se vería en perspectiva, está doblada. Ahora necesitamos simplemente agregar el círculo a esto. Pero entonces otra vez, ¿cómo encontramos este punto máximo? El punto medio no lo he dibujado en una línea igual, así que ese no es el punto medio. Tenemos que encontrar el punto medio. Todos estos puntos, ¿cómo encontramos esos puntos? Para encontrar esos puntos, no es tan fácil y no hay una regla recta, pero hay una cosa que debemos entender es a medida que las cosas van hacia el horizonte, se acercan el uno al otro. Esta línea es esta línea. La línea central es lo que estamos tratando de dibujar, y esta línea es esta línea. Estos dos estarán más cerca el uno del otro porque están más cerca del horizonte y del punto de fuga. No va a estar en el centro, pero va a ser en algún lugar así, hacia el horizonte porque esta parte va a ser más grande. No sé cómo explicar más esto pero comprenderás claramente cuándo estamos agregando más elementos a nuestra imagen. No te preocupes, definitivamente entenderás ese concepto. Nuestro único trabajo es meter ese círculo. El punto medio va a ser exactamente el mismo, así que sólo encuentra el punto medio de esto. Creo que está en algún lugar ahí. Ese es el punto medio. Ahora es fácil dibujar el círculo. El círculo apenas está uniendo todos esos puntos juntos. Este círculo, cuando lo estás mirando desde un costado, así será en perspectiva. Cuando lo estás mirando paralela a la línea del horizonte, estás ahí parado y estás mirando este círculo. No lo vas a ver como un círculo pero vas a ver algo así. Se vuelve algo como una elipse. Es así como puedes conseguir que un cilindro se vea como en perspectiva. Tratemos de dibujar uno de estos cilindros en perspectiva. Eso sería otra vez, la línea del horizonte, el punto de fuga. Mis líneas de perspectiva. Estas líneas son solo una guía para que dibujemos nuestros objetos, no los necesitamos. Después de dibujar nuestro boceto, podemos dejarlos. Pero aquí dejarlos en nuestros libros que está ahí para siempre para que entienda el concepto. La línea, el cilindro, el círculo sería una elipse aquí porque dije que está sentado así. Va a ser paralelo a la línea del horizonte. Tenemos que encontrar el otro punto de ese círculo. Ese círculo trasero va a estar aquí. Este mismo cilindro estaría en perspectiva si lo hubieras girado de este fuera así. Por eso se ve la fase circular. Este está sentado así. Es por eso que se ve la fase circular en el costado en perspectiva. Sé que esto es muy complejo de entender para algunos tal vez, pero no te preocupes, solo trata de llevarte todos estos poco a poco para que puedas entender. Entonces ahora que sabes hacer por un cubo o un cuboide y un cilindro, prueba un triángulo por ti mismo. Entonces eso es un ejercicio o un proyecto de clase para ti. Puedes probar un triángulo. Nuevamente, puedes simplemente simplificar tu triángulo poniéndolo en un cuadrado primero y viendo cómo se comportarían las líneas dentro del cuadrado y luego agregando ese cuadrado en perspectiva y luego simplemente uniendo las líneas para consigue tu triángulo. Es muy fácil replicar las fases en perspectiva simplificando casi todo en un cuadrado o un rectángulo. Al principio, puede parecer que hay muchas líneas por dibujar. Pero con la práctica, necesitarás cada vez menos líneas para dibujar tu cuadro. Por lo que siempre tenga en cuenta que la línea central de la plaza no estará a distancias iguales al dibujar fases en perspectiva, la fase más cercana será un poco más grande que la fase más alejada. Al igual que esto aquí donde expliqué, por esta razón, los techos, es decir los techos inclinados de las casas siempre estarán teniendo un lado ligeramente doblado más que el otro. Aquí está. He dibujado un triángulo en perspectiva. Entonces cuando un triángulo está en perspectiva, se puede ver que esto se parece al techo de las casas. Si hay algún techo de las casas, hay algunas casas y lo estás mirando, la fase frontal de ese techo en perspectiva, la techada también va a ser algo así. Cuando solemos pintar, siempre tratamos de agregar un techo como este y usamos para dibujar casas. No están idealmente en perspectiva y no es la forma correcta de hacerlo. Esta es la forma correcta encontrar la perspectiva. Entonces si encontraras la base también, dibujarás líneas de perspectiva y encontrarás la base. Así habría sido esa casa. Tan solo tratando de explicar cómo todo esto se une en el panorama más amplio. Permítanme simplificar lo que hayamos aprendido sobre la perspectiva de un punto en general. Por lo que en una perspectiva de punto, cualquier objeto tiene longitud, anchura y altura. Entonces si esto es un cuboide en perspectiva, ¿cuál sería la altura? Esta es la altura, esta es la longitud, y esta aquí es la anchura. Permítanme mostrárselo de cerca. Así es como es. Por lo que siempre es la altura la que entra en perspectiva. El ancho es paralelo a la línea del horizonte y la longitud está a lo largo de la línea de la línea de perspectiva. El que va más corto es la altura. El largo es lo que seguirá la línea de perspectiva y el ancho es paralelo a la línea del horizonte. Debido a que la altura es cada vez más corta, es la que es perpendicular a la línea del horizonte. Por lo que esto se aplica a todos los objetos y sujetos en general. Esto es lo que estaba diciendo que voy a explicar el objeto entrando en perspectiva. Supongamos que aquí está nuestro punto de fuga y la línea del horizonte otra vez. Permítanme simplemente trazar algunas líneas. Imagina que tienes una lámpara de calle, ahí está la lámpara vertical, una bombilla aquí. Entonces cuando estás dibujando las faroles yendo y convergiendo en la línea del horizonte, siempre van a estar en perspectiva porque si conoces las líneas de historia siempre están en la línea de costura en una carretera. A menos que la construcción haya sido tan difícil y no pudieran ponerla en línea recta. Por lo que siempre van a estar en línea recta, pero aquí es donde entra en escena el punto donde las distancias. El primero estaría más alejado, pero a medida que se acerque a la línea del horizonte, se van acercando. Es así como le das el efecto de profundidad o distancia en una imagen. Por lo que esta distancia y la distancia entre la siguiente va a ser más pequeña. ¿Ves eso? Cada una menor que la anterior. Hasta el final, será como si ni siquiera se pudiera ver lo que es. Es así como dibujarías una lámpara de calle. Lo veremos con más detalles cuando nos ocupemos de ese elemento en sí. Antes de pasar a la siguiente perspectiva, hay una última cosa que quiero explicar. A veces tendrás que imaginar múltiples perspectivas de un punto o múltiples puntos de fuga en una sola imagen. ¿Por qué es eso? Esto se debe a que imaginen un camino, pero entonces ese camino está girando al final. Entonces si está girando al final, pero sigues parado en medio de la carretera y mirando eso. En ese caso, aún no es una perspectiva de dos puntos. Sigue siendo una perspectiva de un punto, pero ¿cómo dibujarías eso? Se ve más duro. Ese caso sería, así que aquí está mi línea de horizonte otra vez. Aquí está mi punto de fuga. Permítanme añadir algunos edificios. Aquí hay un edificio. Creo que el edificio va a estar aquí. Sólo estoy dibujando dos edificios por ahora. Asumamos que hay más edificios. Este es el camino. Tengamos el camino también. Este es el camino en perspectiva. Esta carretera en realidad está girando al llegar allí y no está en línea recta, y aquí también hay algunos edificios. ¿ Cómo los dibujarías en perspectiva? Entonces lo más sencillo sería suponer que este punto, punto fuga aquí se está moviendo hacia la izquierda. Entonces a medida que la carretera se curva, sólo suponga que el punto de fuga se mueva ligeramente aquí y luego dibuje los edificios que están más cerca de ese doblado. Eso son todos los edificios donde has asumido el turno de estar ahí. Déjenme mostrarles esto de cerca. Por lo que has asumido el turno de estar ahí. Por lo que todos los edificios a partir de aquí, se asumiría que este es el punto de fuga. Nuevamente, la carretera está girando más allá, así que movamos más el punto de fuga. Por lo que todos los edificios aquí estarían usando este punto de fuga. Esto es tan sencillo como eso. Simplemente Ten esto en cuenta por ahora. Podríamos necesitarlo para las futuras lecciones donde tenemos ese tipo de caminos donde estás teniendo una curva en la carretera. Entonces voy a explicar, más cuando lo estemos haciendo entonces, así que solo ten esto en mente por ahora. 18. Perspectiva de dos puntos: Ahora entendamos perspectiva de dos puntos. Obviamente, como dije, depende del número de puntos de fuga. En perspectiva de dos puntos, significa que hay dos puntos de fuga. ¿ Qué es exactamente la perspectiva de dos puntos? Aquí están mis edificios otra vez. Esta vez, no estás parado en medio de la carretera y mirándolo. Déjame arreglar esto otra vez. No quiero cambiar mi cámara a la otra vista, pero estoy seguro de que lo entenderás. Aquí, supongamos que hay más edificios, aquí hay un edificio, está frente a este lado, y otro edificio aquí más cercano a éste. Lo que exactamente está pasando aquí es en perspectiva de dos puntos, estás parado en el camino, pero no mirando derecho a un camino adelante, sino más bien estás mirando este ángulo que está hacia el costado de la misma. Ahora tienes estos lados que estás viendo, así como estos lados de estos que estás viendo. Por ejemplo, tal vez estés de pie en un cruce o en un camino que tenga una curva, no una pequeña curva, sino un cruce en forma de T. Estás parado en ese cruce y estás mirando un edificio o algo así. Ahí es cuando obtienes dos puntos de perspectiva. También hay otros escenarios, pero esta es la forma más sencilla que puedo explicar. Es por eso que estas caras de los edificios van a estar en perspectiva y también estas caras de los edificios. Ambos estarán en perspectiva. Obviamente si vas hacia el techo y estás de pie encima de otro edificio, digamos que estás vendiendo encima de un edificio muy alto, pero de nuevo, lo estás mirando desde este ángulo. Aquí está el edificio. Verás estas caras en perspectiva, estas caras en perspectiva, y también verás las partes del techo en perspectiva. Pero de nuevo, sólo hay dos puntos, uno aquí y uno aquí, así que dos puntos. Esa es la perspectiva de dos puntos que aquí estamos tratando de entender. Simplificemos eso y entendamos. Aquí está nuestra línea de horizonte y ahí están nuestros dos puntos. Eso significa que, como dije, estás de pie en algún lugar aquí y estás mirando al costado de un edificio. Aquí está el lado de ese edificio. Esto no es recto, de todos modos ahí. Ahora debido a que ambos lados están en perspectiva, necesitarás agregar la línea de perspectiva para ambos. Ahora la altura se hace más corta en ambos lados. Ahí está tu cubo o edificio. Lo estás mirando desde un costado, así que los ves a ambos en perspectiva. ¿ Eso tiene sentido? Sí, sí lo hace. Esto es exactamente como lo expliqué con la ayuda de edificios. Ahí está el edificio y lo estás mirando desde un costado. Ves este lado y este lado en perspectiva. Todas estas líneas de los pisos del edificio también estarán en perspectiva, es decir, cada línea del piso, todo tiene que seguir esa perspectiva. Lo mismo con este lado. Si dibujara las líneas de los edificios, sería así. Así sería un edificio si lo estás mirando desde costado y ahí es donde entra en escena la perspectiva de dos puntos. Ahora sólo sumemos múltiples edificios a un costado. Al igual que una perspectiva puntual, la altura es lo que se acorta. Digamos que tenemos una línea de horizonte. Esa es mi línea de horizonte y mis dos puntos de fuga. Permítanme añadir algunos edificios. Creo que dibujaré las líneas de perspectiva con un lápiz, solo ignora esa por ahora. Aquí está mi edificio único que voy a agregar. Ese es este rostro de este edificio. ¿ Y la otra cara? Para la otra cara, necesito obtener la línea de perspectiva de la otra. Esa es mi otra cara del edificio, pero sumamos más edificios al costado del mismo. Aquí va a haber otro edificio, pero vamos a ver un poco del lado izquierdo de ese edificio. Para conseguir la cara izquierda de la misma, nuevo, necesitamos una línea de perspectiva. Oscureceré los edificios más tarde. Aquí, este es el lado izquierdo de ese edificio. Obviamente la base va a ser la misma. ¿ Y este lado derecho? Va a ser, de nuevo, en perspectiva. Se me olvidó, esto tiene que estar siguiendo esta línea, ahí. Ese es un edificio. Añadamos otro edificio más alto ahí. Tendría más sentido cuando lo miras en un punto de vista edificante. Ahí hay otro edificio alto. Déjame obtener la altura de la misma. Esa es la altura. Déjame sacar la parte inferior de eso y ese es el lado. ¿ Y este lado? Mira, cada vez que hay que intentar llegar a los puntos de fuga, verás que esta línea, esta línea, y estas líneas no van a ser paralelas, sino que están en perspectiva. Eso es lo que tenemos que entender. Eso son tres edificios. Añadamos algunos edificios hacia ese lado también. Creo que esto en realidad está bien, ya se puede entender. Ahí están mis edificios en perspectiva, solo oscureciéndolos para que lo entiendas. Pruebe estos por su cuenta usando líneas de perspectiva y todo. Confía en mí, definitivamente lo entenderás, así que ahí. Eso fueron edificios. Como dije, tienes un camino. Este es tu camino, otra vez , ahí. Esa es tu carretera y tal vez un cruce en T o algo así. Estás parado en esa carretera en algún lugar de aquí y estás mirando esos edificios. Es un cruce en T y por eso estás viendo este lado, es decir, esta cara y esta cara de esos edificios. Ahora sólo lo último, donde estás parado encima de un edificio y mirándolo. Nuevamente, esa perspectiva sería, aquí están los dos puntos de fuga. Permítanme trazar las líneas. No sé por qué empiezo con la pluma siempre, pero de todos modos, acabo de dibujar algunos puntos. Permítanme añadir un edificio aquí. Aquí está el edificio en perspectiva. Esa es la parte superior que vas a ver. En perspectiva aquí, pero digamos que quiero agregar otro edificio aquí en el frente para obtener línea de perspectiva para eso. Esto es paralelo a la propia línea del horizonte. Esa es la altura, ahí está el edificio. Yo había dicho que estamos viendo estos en perspectiva. Obviamente, estos lados no van a ser paralelos a la línea del horizonte. Se puede empezar así, eso es usar perspectiva de un punto. Entonces cuando llegues al otro lado, puedes encontrar la línea de perspectiva del otro. Esta es una forma sencilla, es decir, iniciar tu boceto con una perspectiva de un punto y luego ver las líneas que no son las caras en perspectiva. Entonces este rostro ahora tiene que seguir la línea de perspectiva, así que ahí. Así sería este rostro. Esta es una forma fácil de obtener tus líneas de perspectiva. Este edificio estaría en algún lugar ahí y eso se está uniendo a la azotea. ¿ Y esta línea? Esta línea, de nuevo, va a estar en perspectiva. No estoy usando una regla así que por eso mis líneas de perspectiva están algo dobladas, pero usamos una regla para conseguir estas líneas rectas, así que ahí. El techo va a ser así. La base también se va a inclinar hacia esa línea de perspectiva. ¿ Ves eso? Así será ese edificio en perspectiva, esos dos edificios. Se puede tratar de ampliar esto mucho más agregando muchos edificios diferentes en diferentes direcciones. Intenta agregar tantos como puedas. A lo mejor intenta agregar un edificio aquí, agregar un edificio aquí, pero todos ellos, si lo estás mirando a un costado, los verás en perspectiva en este, así como en el otro punto. Eso es lo básico de la perspectiva de dos puntos. 19. Perspectiva de tres puntos: Ahora, perspectiva de tres puntos. Obviamente, significa que hay tres puntos de fuga. Pero aquí una cosa que hay que entender es perspectiva de tres puntos donde los dos puntos están en el horizonte, pero el tercer punto no está en el horizonte. Esto se debe a que la diferencia aquí es lo que está pasando es, así que aquí está nuestro edificio. Aquí está el edificio si lo guardo así aquí. Obviamente, de nuevo, lo estás mirando desde un ángulo. Pero esta vez, no lo estás mirando directamente, sino que estás parado aquí en el borde y estás mirando hacia arriba al edificio. Se puede ver este borde, se puede ver este borde, y también se puede ver toda la parte superior del edificio, pero se está mirando hacia arriba. Porque estás mirando hacia arriba, esta altura del edificio también estaría en perspectiva. Aquí, permítanme dibujar primero la línea del horizonte. Esa es la línea del horizonte. Supongamos que los dos puntos de fuga en el horizonte son éste. Porque estás mirando hacia arriba al edificio, que en algún lugar arriba está el 3er punto de fuga para la altura del edificio. No es realmente recta. Creo que eso está bien. De nuevo, sólo estoy tratando de conseguir ese ángulo. Algo ahí. Simplemente haz eso y déjame asumir que el edificio va a estar ahí. Este es el otro lado del edificio. Pero entonces como dije, estás mirando hacia arriba al edificio. ¿ De dónde sacas la línea de fondo? Para conseguir esa línea de fondo, es necesario comenzar desde ese 3er punto de fuga a sabiendas de altura del edificio y bajar. Es así como verías el edificio si lo miraras desde un costado. Así es como serían los pisos del edificio. No lo estoy detallando pero solo te estoy mostrando si fueras a marcar los pisos de ese edificio, así sería, e incluso las ventanas y todo estarían en perspectiva. Pero esta 3ª línea es por esto. Pero esto se usa muy raramente. Obviamente sabes que no necesitamos mucho de esto en práctica a menos que realmente estés tratando de dibujar un edificio que sea así. No he visto muchas fotos como esta pero esto es sólo un buen conocimiento para tener. Ten esto en tu mente cuando pienses en perspectiva de tres puntos. Hay perspectivas multipunto así como en 4, 5, etc. En realidad son más complejas y difíciles de diseñar. Creo que está fuera del alcance hasta para mí y para todos nosotros en este momento. Sé vagamente cómo funciona la perspectiva de cinco puntos, pero no creo que realmente pueda explicarlo en este momento así que no quiero ni siquiera entrar en eso. Esa es una cosa que me gustaría ampliar aún más con la perspectiva de un solo punto mirando hacia arriba. Recuerda, dije que esto era altura porque lo estás mirando desde abajo y estás mirando hacia arriba. ¿ Y si estás parado en medio de un grupo de edificios? Aquí te dejamos algunos edificios. Si los colocara en diferentes posiciones, así que ahora hay algunos edificios aquí, y tú estás parado justo en el centro y estás mirando hacia arriba. Es posible que ya hayas visto en realidad imágenes como esa con el disparo de un avión en el medio derecho en el centro de esos edificios. ¿ Cómo diseñarías eso? Sigue siendo una perspectiva de un solo punto. El motivo siendo, en este caso, esa perspectiva es la altura sabia porque va. El punto de vista que se ve es la altura de los edificios que van más lejos o convergen entre sí. Eso es muy sencillo. Simplemente imaginas un solo punto en alguna parte. Permítanme simplemente dibujar muchas líneas de perspectiva para que pueda explicar esto mucho mejor. Ahí. Creo que ya es suficiente. Ahora supongamos que estás de pie en el centro y estás mirando los edificios. Necesito tener esa línea recta. Hay un edificio. De nuevo, aquí hay otro edificio alto. Digamos que aquí hay otro edificio corto. A lo mejor otro edificio otra vez aquí. Estas líneas, en realidad necesitan ser como la base de un triángulo. ¿Puedes ver eso? Esa línea son los bordes de un triángulo y necesitan estar en el mismo ángulo. La base debe ser como si fuera exactamente una línea plana a esos dos bordes. Es así como lo dibujarías. Sólo estoy tratando de explicar. Ahora bien, ¿puedes recordar ver tal imagen en algún lugar donde este es el borde del lienzo y todos los edificios están mirando hacia arriba? Estos son edificios altos y tal vez haya un avión o algo por aquí. ¿ Te acuerdas de tal foto? Creo que he visto tantas fotos así. Ahora, así es como se logra esa perspectiva asumiendo ese punto central ahí como el punto de fuga y todos los edificios están convergiendo a ese punto. Se trata de perspectivas que quería darles en esta lección. Espero que toda esta información sea muy valiosa para ustedes. Confía en mí, es un concepto muy difícil de entender. Yo lo sé. Todo lo que tenemos que hacer es seguir practicando con muchas líneas de referencia y lineamientos como estos. Prueba y practica tan bien como si realmente puedes encontrar imágenes reales de paisajes urbanos o paisajes urbanos, encontrar esas imágenes y conseguirlas en tu teléfono o cualquier dispositivo que estés usando. Intenta averiguar el punto de fuga en esos lugares. Permítanme mostrarles sólo algunos ejemplos. Aquí te dejamos unas fotos que tengo. Estaremos pintando todos estos en las próximas lecciones y venideras clases así que no te preocupes. Aquí está el ejemplo perfecto de una perspectiva de dos puntos donde dije, recuerdas, estás de pie en algún punto de la carretera y estás mirando la esquina donde puedes ver ambos lados del edificio. ¿ Ves esas dos líneas en perspectiva? Ver este está convergiendo a algún punto. Obviamente, aquí el punto de fuga está fuera de este cuadro. Pero por eso dije que hay que practicar de alguna manera y ver cómo convergen todas las imágenes y averiguar el punto de fuga. En este, está en algún lugar afuera y lo mismo con este lado. El punto de fuga, si intentas extender esta línea hacia abajo, creo que hay un punto de fuga. Lo siento, eso fue bajo la luz del sol. Eso ahí está tu punto de fuga. Si observas, los techos de todos esos edificios están convergiendo a ese punto exactamente. No importa cuál sea la altura del edificio, todos esos puntos van a converger a este punto de fuga. Este es un ejemplo perfecto de una perspectiva de dos puntos. Entonces, ¿qué pasa con este? Esta es una perspectiva de un solo punto porque este edificio de aquí, partiendo de todo el camino allá, tiene un punto en algún lugar en la parte trasera de este edificio, por supuesto. Este edificio no está a un costado, pero está parado justo frente al horizonte recto. Por eso esto es recto. No tiene ninguna línea lateral que estemos viendo que esté convergiendo al horizonte, es recta. Pero toda esta sección está convergiendo a un solo punto por lo que se trata de una perspectiva de un solo punto. ¿ Y éste qué? Este es de nuevo el ejemplo perfecto de donde dije donde la perspectiva de un solo punto tendrías que moverte ligeramente porque el camino está ligeramente inclinado por aquí. ¿ Ves eso? Para esto, la perspectiva de un solo punto de este edificio estaba en realidad en algún lugar aquí. Creo que para estos, estos están todos en línea recta. Aquí es donde ha sucedido la curva de la carretera. A ver que aquí hay dos curvas, una aquí, y otra aquí. El camino tiene curva dos veces. Necesitas mover tu perspectiva de un punto ligeramente hacia el lado izquierdo dos veces y obtendrías la altura de estos edificios. No te pongas tenso ahora mismo. Estaremos dibujando estos a detalle. Entonces éste, de nuevo, aquí hay una perspectiva de un solo punto. Éste está de nuevo frente a la línea del horizonte. Pero entonces estos edificios están en algún lugar una línea yendo y convergiendo. También está fuera del periódico, pero está ahí. Es decir, de nuevo, una perspectiva de un solo punto. Es por eso que dije si puedes referirte a muchos edificios e imágenes y tratar de averiguar si es una perspectiva de dos puntos, si es una perspectiva de un solo punto, ¿dónde está ese punto de fuga? Es básicamente psicología inversa yo diría. Aquí cuando estábamos rastreando todos estos, lo que teníamos fue que primero teníamos el punto de fuga, y luego estábamos averiguando los bordes de los edificios. Intenta hacerlo en el método inverso donde ya tienes el edificio. Entonces ahora estás tratando de averiguarlo, vale, ¿a dónde va ese punto en mi horizonte? Dondequiera que toque el horizonte, ese es el punto de fuga. Es así como lo puedes averiguarlo. Ve a mirar muchas imágenes y trata de descubrirlo tú mismo. Seguro que podrás encontrarlo y hacerlo tú mismo. 20. Perspectiva aérea: Ahora entendamos el concepto de perspectiva aérea. Este es el otro tipo de perspectiva cuando dije que había dos perspectiva lineal y aérea. Ya hemos echado un vistazo a la perspectiva lineal con el punto, dos puntos, y la perspectiva multipunto. Ahora veremos la perspectiva aérea. Te acuerdas que dije que dejemos esa página en blanco cuando hicimos el valor tonal. Aquí es donde va a entrar en uso. La perspectiva aérea es básicamente otra vez, la perspectiva que añades a tus pinturas para que tenga la ilusión de profundidad en ella. Para conseguir la ilusión de profundidad en un cuadro, particularmente en pinturas acuarelas, yo diría que usamos perspectiva aérea. El concepto es muy, muy sencillo. Para los objetos que están más cerca de nosotros, objetos que están más cerca del espectador, por lo que cuando una persona está de pie y mirando el paisaje o la naturaleza o incluso una fotografía, la perspectiva aérea es tal que los objetos que están más cerca del visor, lo agregarías con un tono más oscuro, y los objetos que están más lejos del espectador lo agregarás con un tono más claro. Ahí es donde entra en escena el valor tonal. Si dibujamos una línea, los tonos más oscuros serían para los objetos más cercanos, y los tonos más claros serían para los objetos que están más lejos. También aplica a los detalles también. Todos los detalles en la imagen serían hacia el punto más cercano del espectador. Más detalles aquí. Aquí serían menos detalles. Déjame explicarte esto con la ayuda de un ejemplo para que lo entiendas más. Aquí tengo dos fotos. En realidad esto es ideal para mostrarte la perspectiva aérea en acción aquí. Cuando estamos tratando de pintar esto, se puede ver, así que la persona está de pie aquí y mirando este cuadro y todas las cosas más alejadas, eso es hacia el horizonte van a estar lejos de él. Todos estos detalles, los detalles de la carretera, este tranvía o tranvía de autobús, este autos, y todas estas luces aquí son los objetos que están más cerca, por lo que lo pintaría o lo pintaríamos en detalles y también usando un tono más oscuro. Se pueden ver estas luces, el poste de la lámpara, las pintaríamos a detalle. Pero mientras que estos también son algunos edificios o tal vez son algunas montañas lejanas o algo así. Estos edificios, de nuevo, están más cerca del espectador, por lo que lo pintaríamos con un tono más oscuro además de añadirle más detalles. En tanto que miren a esta montaña, esto, como dije, está hacia el horizonte y muy alejado de la persona. Por eso usarías un tono muy claro de cualquier color que tenga ese elemento. Aquí el elemento o esta montaña, está compuesto por algunos tonos amarillentos. No los pintaríamos más oscuros, y también no los pintaríamos con un borde áspero. Trataríamos de crear como en trazo húmedo sin ningún tipo de bordes duros, por lo que los bordes suaves. Trataremos de lograr bordes suaves para que den la ilusión de profundidad en la pintura. Cuando intentas agregar bordes duros, trae ese objeto o superficie al frente y no parecería tener profundidad en la pintura. Para conseguir esa profundidad, eso es lo que haríamos. Veamos la segunda imagen, por ejemplo. Otra vez, aquí. El espectador está parado en algún lugar aquí en la parte inferior y mirando ese edificio de ahí. Todos estos edificios están más cercanos. tanto que si miras este edificio, sí, Entanto que si miras este edificio, sí, es el punto culminante principal de la imagen cuando se trata de una fotografía, pero si vas a pintar esto en acuarelas, realidad puedes decidir la borrosa en un manera cuando estás tratando de pintar abstracto. Pero no nos metamos en eso. Pero estoy hablando de la situación ideal de la acuarela aquí. Cuando estamos tratando de pintarlo con acuarelas, se observaría que este es el punto más lejano de este cuadro. Pintarías estos edificios menos detallados y también usando tonos más claros. Cuando estás usando este verde aquí, usarías un tono más claro del verde que la luz circundante aquí, ¿ves? Este verde y este verde turquesa aquí también es el mismo redondo, pero entonces esto sería más enfocado y más oscuro a diferencia de estos porque esto es como más lejos en la imagen. Lo mismo aquí. Las azoteas de estas imágenes que es de color ligeramente rojizo, van a estar teniendo más valor tonal que estas en el centro porque están como lejos. Cuando estás agregando la perspectiva, igual que hablé de la perspectiva de un solo punto donde dibujamos las líneas de perspectiva y las líneas se hacen más grandes a medida que nos acercamos al cuadro, aquí, la oscuridad o la profundidad de el color va a aumentar a medida que nos acercamos al espectador. Estas líneas rojas serían más suaves y menos detalladas así como menos tono de color en ella, mientras que a medida que te acercas, agregas cada vez más colores. Es así como pintarías un cuadro. Los detalles extremos de un cuadro siempre estarán en la parte inferior y en la parte superior. El top porque esta es la línea del horizonte. Sé que esto es muy difícil de mostrar con una fotografía, pero solo quiero que tal vez vayas y te quedes afuera en un balcón o justo fuera de la puerta y mires la escena frente a ti. Entonces incluyendo el cielo, intenta imaginar una fotografía tomada con los ojos. Estás tomando una fotografía, o de hecho en realidad puedes probar este ejercicio también con un teléfono. Es decir, sal afuera, toma tu teléfono, e intenta capturar esa foto frente a ti. De lo que notarás es que el punto central en ese marco es el más alejado de ti. Prueba esto con una cámara o algo en la mano. Notarás que cuando estás mirando lo que sea que haya delante de ti, el punto más lejano está en el medio y conforme vas arriba, es el cielo que está en la parte superior y es el más cercano a ti. Este cielo de aquí está en realidad más cercano al espectador porque estás de pie aquí, así que puedes ver que la Tierra es redonda por lo que la atmósfera se va a curvar en la parte superior y llegar hacia ti. Esta parte superior de aquí está en realidad más cercana a ti y también lo es la parte inferior. Los objetos más alejados de un cuadro están hacia el centro de un cuadro o hacia el centro de una fotografía. Entenderás claramente este concepto si haces el ejercicio que acabo de decir, solo para salir afuera, pararte afuera con un teléfono y solo observar ese marco. Cuando miras ese marco, verías que el cielo que está más cerca de ti está en la parte superior y así otros detalles que están más cerca de ti justo en la parte inferior y todo lo que esté más lejos de ti estará hacia el centro de la pintura del marco, eso es justo en el medio donde has elegido tu horizonte para estar. Este concepto es muy sencillo. Eso es todo lo que hay que saber sobre perspectiva aérea donde le estás dando esa profundidad a tu pintura usando el valor tonal y agregando más detalles. Por eso, si tienes puntos extra que se te ocurra, o si he dicho aquí puntos extra que sientes que vale la pena señalar, puedes agregarlos en tu diario aquí. 21. Autos: bocetos Parte I: Bienvenido al proyecto de clase. En este, voy a empezar con uno de los elementos más divertidos, en la pintura de paisaje urbano. Una de las divertidas y más comunes pero también ligeramente difíciles para casi cualquier persona, e incluso para mí, tuve que practicarlo mucho, mucho, mucho. Van a ser autos. Se puede ver así es como empecé, pero luego me enteré de cómo podemos proceder, y ajustarnos lentamente, poco a poco mejoró, y ahora se puede ver cómo he dibujado autos, ver estos. Estos son mis favoritos. Sí, hay algunos más. Voy a estar simplificando el proceso para ti para que puedas aprender a dibujar un hermoso auto. Veamos cómo podemos hacer eso. En una pintura de paisaje urbano, dependiendo de qué tipo de pintura o en qué dirección sean tus líneas de perspectiva, va a haber muchos cambios en cómo se coloca tu vehículo dentro de la pintura. Puede ser o estás mirando la vista frontal, la vista trasera, o la vista lateral, o unas vistas ligeramente inclinadas. Vamos primero por las formas comunes. Te voy a mostrar con la ayuda de algunas líneas de bosquejo para que sea más fácil para ti seguir. Asegúrate de practicar esto tanto como puedas si quieres ser un profesional en esto. No entres en pánico, se simplifica tanto como puedo. Empecemos. Aquí voy a dibujar una caja pequeña. Esas son nuestras líneas de guía para el automóvil. Ahora sólo voy a añadir la vista frontal. Deja un poco de espacio dentro de la caja, y agrega la vista frontal y ahí están las ruedas. ¿ Viste lo sencillo que era eso? Tan solo una forma cuadrilátero, y luego la extendemos ligeramente a los lados, solo le damos una ligera curva o poca extensión hacia el final de las cajas y luego hacemos ruedas en la parte inferior. Esta es la forma más sencilla. Esto puede ser ya sea el coche está hacia adelante o hacia atrás. ¿ Cómo distinguimos eso? Obviamente, van a estar usando las luces. Colocemos las luces. Incluso las luces no podemos distinguir correctamente. Pero ahora esta es la parte trasera. Principalmente porque cómo se colocan las luces. Se ve que las luces se colocan directamente debajo del parabrisas trasero. Es por eso que esto está mirando hacia atrás y su mayoría las luces van a estar en tono rojo, o brillante, sí, debe ser de color rojo brillante si el auto va hacia el otro lado y estamos mirando la parte trasera . Solo agreguemos allí una carretera de referencia. Eso es una cosa. Ahora intentemos sumar nuestro próximo auto. Aquí está mi línea de guía, y aquí voy a añadir de nuevo la pantalla del viento, entonces la voy a extender un poco como un triángulo hacia el borde. ¿ Ves eso en ambos filo? Entonces traigo el fondo hacia abajo y le agregamos dos ruedas. Con las ruedas, asegúrate de añadirlas ligeramente hacia el interior. En realidad no está esencialmente fuera del cuerpo del auto, en realidad está dentro porque está unido a los ejes del auto. No demasiado por dentro también. Por lo que ahí. Ahora, ¿cómo hacemos esto? El frente del auto, recuerdas esa cosa de ángulo ligero que hicimos, dibujamos una línea ahí y luego agregamos las líneas. A lo mejor un número de matrícula incluso aquí, se puede tener una matrícula y tal vez en la parte trasera del auto donde se puede levantar del maletero, Aquí está el frente. Esta parte aquí sirve como el capó. Esto también puede parecer la parte trasera de un auto sedán, lo sé. Pero entonces mayormente lo que distinguirá esto de la parte trasera sería cuando coloques las luces. Si agregas una luz blanca brillante cuando estás pintando esto, entonces muestra que el auto viene hacia el frente porque los autos no tienen luz roja en el frente, sino que tienen blanco. Si quieres convertir esto en un taxi, tal vez un taxi de Nueva York solo agrega algo en la parte superior o tal vez sea el auto de la policía, lo que sea, pero ahí. Esa es otra forma más sencilla. Pero estos son los más simples porque estos están mirando hacia atrás y los de éste están mirando al frente. Aquí está sólo la línea de base. Simplemente he dibujado. Pero veamos los más complejos donde hay que dibujar los autos orientados hacia los lados, y ese es el más difícil. Para el auto que mira a las guardas laterales, y déjame dibujar una ligera línea de guía para ti. Aquí, estoy agregando un rectángulo. Se puede ver que no es un rectángulo muy largo o muy corto, lo que lo convierte en un cuadrado. Aquí está la plaza y luego este mucho espacio extra frente al rectángulo. Entonces también, dibujemos otra línea de guía aquí y tal vez otra línea de guía extra pequeña allá y línea de guía allá. Aquí es donde va a estar el auto dentro esta es la parte del techo, aquí es donde van a estar las ruedas y esta es la parte del capó derecha, y esta es la parte lateral. Simplemente te mostraré en un rato no te tensas. Aquí está la parte superior donde va a ser ese mi auto, y entonces vamos a tener un ángulo igual que lo hicimos en este filo. Cuando estás pintando autos de cara a algún lado, eso es ver un poco de la parte lateral de ese auto, una cosa que debemos recordar es que el ángulo de ese parabrisas va a cambiar. Aquí, idealmente, si estuviéramos a pintar el parabrisas, debíamos haber entrado y dibujado exactamente otra línea con el mismo ángulo que ésta. Ahí es donde viene la diferencia. Debido a que este auto está mirando hacia este lado, tu ángulo va a disminuir ligeramente. No va a ser lo mismo, pero sólo un pequeño ángulo, ¿ves esa forma ahora? Entonces solo te unes a eso. Ahora para dibujar la parte delantera del auto, vamos a sumar primero en el capó. Agrega dos líneas y ambas de estas líneas en realidad pueden ser así. Eso va para la parte del casco delantero del auto. ¿Ves eso? Pero entonces sólo dibujemos otra línea sólo para conseguir esa forma correctamente y obtenemos la parte del capó del auto. Ahora, lo siguiente es agregar en las luces. Estás mirando el auto desde los lados y lo que debes entender son las luces del auto, no están justo frente a la parte principal del capó, están en forma ligeramente angulada hacia los lados. ¿ Has visto eso? Ahí tomas un espacio extra desde ahí y te unes hacia aquí, lo mismo aquí, no estamos viendo el lado derecho. Sólo vamos a tomar un poco y añadirlo. Esas son las luces para el lado derecho. Ahora ya tenemos eso, vamos a sumar algunas características en el frente. Esto va a ser el, ¿cómo llamamos a eso? El respiradero de aire en el frente. Esa otra vez va a ser esta forma trapezoide. Esa es la ventilación de aire en el frente, luego viene la base. Aquí está la línea base, no te unas a esta parte todavía. Entonces aquí debajo está la rueda para este lado. Ahora ya se ve como la parte delantera idealmente de un auto. Simplemente dibujemos algunas líneas extra dentro para representar el parabrisas en general. Ahora, por este lado, porque estamos viendo el costado de la rueda, ¿dónde están las ruedas? En realidad las ruedas están a un costado del auto. Este que estamos viendo es porque estamos viendo a través de la parte inferior del auto. Lo que queremos ahora ver es que ya tenemos el costado del auto, necesitamos ver el lateral. Empezamos nuestras ruedas desde ahí ahí es donde arranca la rueda delantera lateral. De ahí y allá. Esa es ahora la rueda. Asegúrese de que esta distancia sea la misma. Sólo tienes que añadir eso en la base. Están aquí, esos dos. Ahora tenemos que sumar en los lados. Queremos hacer que este auto esté mirando hacia el frente, es el frente. Pero sumemos en un espejo. Eso es sólo agregar dos tal forma. Esta forma a ambos lados. Agregó esa forma. Ahora ya hay dos espejos en la parte delantera del auto, lo único que tenemos que hacer es rematar a un costado. Para rematar a un costado, lo que tenemos que hacer es alargar algo así, eso es un ángulo. Aquí va a tener un ángulo muy menor, no dibuje todo el camino allá arriba y únete a eso. Después de unirnos a eso, incluso en la parte de atrás no va a ser una línea recta, vamos a tener alguna extensión en la parte inferior. Al igual que esto, es más voluminoso en la parte de atrás. Agrega esa voluminosidad, ver. Esa voluminosidad no va todo el camino hacia abajo, pero va por debajo del cuerpo y luego viene la rueda trasera. El volante trasero, tenemos que estar dibujando en algún lugar del centro posiblemente. Simplemente dibujarlo. Unirse a esas líneas juntas. Se puede agregar una línea en el medio, ahí es donde se divide la puerta y todo. Pero, ¿ves eso? Porque agregamos la rueda trasera ahí, necesitamos estar viendo la rueda trasera. Esa es la que está en la rueda trasera otro lado, en algún lugar ahí verás la rueda trasera. Aquí ahora, tenemos un auto que está mirando hacia un costado. Aquí hay muchas líneas extra que he agregado. Deshacernos de todas las líneas. Aquí es donde estoy usando mi borrador amasado, por lo que es muy útil deshacerme de las líneas guiadoras porque las otras líneas las he dibujado muy oscuras. Ver casi todas las líneas de guía se han ido y ahí está nuestro auto de cara a este lado. ¿ Eso no se ve increíble ahora? Este es un auto donde se puede ver este lado del mismo. ¿ Qué tal si agregamos un cruce de cebra frente al auto? Si quieres agregar el cruce de cebra y estamos mirando a este lado del auto, entonces eso significa que hay algún punto de fuga. Recuerda las reglas de perspectiva, el punto de fuga. Se puede encontrar ese punto de fuga utilizando la línea superior. ¿ Viste la línea de arriba? Extiende eso, y también la línea donde están tus ruedas. Simplemente únete a ellos. Ese es nuestro punto de fuga. Así entró este auto. Esto se debe a que normalmente cuando estamos haciendo nuestra pintura de paisaje urbano, ya tendríamos el punto de fuga y tendríamos que dibujar nuestro auto, estos ángulos para las llantas y estos vista superior dependiendo del punto de fuga. Recuerda la teoría de la perspectiva de un solo punto. Pero como no tenemos un punto de fuga en este, también podemos rastrear hacia atrás y conseguir ese punto de fuga. Ya tenemos eso. Ahora, lo que tenemos que hacer es sumar en el cruce de cebra. Agregando en el cruce de cebra. Eso es demasiado lejos quiero acercarlo un poco más. Esa es una línea un poco temblorosa. viene mi lápiz perder. Eso está demasiado cerca. Si me deshago de las otras líneas extra y también estas líneas partiendo de mi punto porque no las quiero, todo lo que busco son las líneas de cruce de cebra. Voy a parar aquí por esto. Ahí, ese es mi cruce de cebra frente al auto. Así es, porque necesitamos cuidar siempre el punto de fuga. Veamos cómo podemos dibujar un auto que está de frente a este lado ahora. Para eso de nuevo, comenzamos con el rectángulo. Añadamos, y es exactamente el método opuesto, por lo que es muy, muy fácil. Ahí, agregando el rectángulo, agregando esa línea extra, otra línea extra aquí para caber en el capó de mi auto. Si quieres convertir esto en taxi, puedes hacerlo también. Aquí, como un taxi de Nueva York, si dibujas un poco de tipo cono con una base plana. De nuevo, sigue la línea de fuga al lado que estabas viendo, porque estabas viendo este lado, por lo que necesitas ver este lado de ese letrero. Ahí, que ahora parece taxi de Nueva York. Oh Dios, esto es hermoso. Ahora de nuevo, para un auto que está mirando ligeramente a este lado y estás viendo este lado de ese. Dibujemos también esos lineamientos para la base, por lo que nuestro ángulo aquí va a ser mayor, porque recuerden que nuestro auto está de frente a este lado. Aquí estoy dibujando, y luego mi ángulo aquí va a ser un poco menor que éste, allá. Entonces dibujando el trapezoide aquí en la parte inferior y esta línea va a ser en realidad como estas dos líneas. Entonces la luz del auto desde aquí, el del auto enciende la ventilación de aire aquí o puedes agregar también la matrícula. Probablemente necesito extender un poco más. Hice un juicio equivocado con la plaza. Entenderás básicamente cuando intentas agregar un tono porque con el primer rectángulo que tenía, mi capó era realmente pequeño en la parte inferior. Eso no tiene sentido porque mis luces ya venían aquí abajo. Esa es mi luz, así que necesito tener un poco mi frente del auto ahí abajo. Ahí está mi llanta delantera partiendo de este lado, ahí está mi otra llanta. Ahí están mis dos espejos extendiéndose un poco hacia afuera. Este ángulo y este ángulo aquí casi sería el mismo. Después extendiéndose un poco hacia afuera, igual que aquí. Es sólo en la dirección opuesta chicos. Es bastante fácil, y luego curvarse hacia adentro para agregar esa rueda trasera. Quiero que mi rueda trasera venga por este lado para que pueda agregar otra pequeña porción de mi otra rueda trasera aquí. Después agrega algo en el medio para dar esa separación. Encontrar nuestro punto de fuga, ahí, ese es nuestro punto de fuga y ese es nuestro auto. Si lo deseas, solo puedes agregar un poco de la parte superior aquí, tejado siendo visto. Nuevamente, si estás sumando el punto de taxi. Entonces encontrar ese punto, es realmente, realmente fácil conseguir eso. Añadamos tal vez un cruce de cebra otra vez en el frente. Esto es sólo porque es fácil no hagas eso. Estoy agregando el cruce de cebra principalmente porque es fácil representar aquí la actividad del punto de fuga. Esa es la razón. Ese es el cruce de cebra en acción. Ahora podemos deshacernos de todas nuestras otras líneas innecesarias en la pintura. El auto se ve tan sencillo. Ese es el auto mirando ligeramente a este lado. Ahora hemos mirado dos tipos diferentes de autos. 22. Autos: bocetos. Parte II: En la mayoría de nuestros cuadros, los autos van a ser o así o así, pero también sólo por el bien de entender tratemos entender un auto que está mirando totalmente de lado también. De nuevo, esto va a estar teniendo algunas líneas de guía y esta vez el rectángulo va a ser más grande. Aquí hay un rectángulo que estoy agregando. Voy a dividir este rectángulo en tres secciones diferentes. Esa es una sección. Entonces la sección media, quiero que sea un poco más grande y casi aproximándose un cuadrado y la sección trasera entre estos dos. Es decir, las longitudes no van a ser esto o esto, sino en el medio, un poco más grandes que ésta, pero más pequeñas que ésta. Es así como dividirías los tres rectángulos dentro del rectángulo más grande. Ahora ya conoces las líneas de guía. Lo siguiente que tenemos que hacer es que vamos a sumar la parte media del auto. Esa es nuestra primera línea. Entonces vamos a sumar en la parte trasera. Esa es la parte superior plana. Entonces la parte trasera no va a tener el mismo ángulo que ésta. Si observas un auto desde un costado, verás que el ángulo del parabrisas delantero es muy diferente al ángulo en la parte trasera. Si reduce el ángulo, esa va a ser la forma del parabrisas lateral. Entonces por lo general no es una línea plana como esa, pero se extiende ligeramente algo de ese tipo y se une. Esta es la forma del parabrisas. Tenemos eso. Ahora vamos a sumar. Esto son sólo las ventanillas laterales. Si dibujamos el exterior de eso porque esa es la parte exterior. Ahora esta línea de aquí, lo que vas a hacer es que la vas a extender hacia abajo al frente así. Entonces, como lees aquí inténtalo y curvilo. Déjalo ir curva hacia arriba así. Esa es una curva aquí que has agregado, y luego aquí vas a añadir la barra superior. Agrega una curva poco, muy pequeña aquí y luego tomemos eso hacia abajo y unamos esta curva que lo que trajimos, y dejemos que esta curva entre atrás hacia el interior. Es un montón de curvas y es algo difícil, pero una vez que te practiques esto unas cuantas veces, esto se va a quedar en tu cabeza y nunca te olvidarás. Es así para mí ahora. Esta curva aquí y luego agrega una pequeña curva aquí, trae eso hacia abajo y une eso de nuevo hacia arriba a eso. Ahora esa es la parte delantera del auto. ¿ Lo ves? Ya lo puedes ver formando un poco de forma. Al frente, vamos a tener nuestras luces. Esa es la pequeña luz que hay en el frente, y luego traemos el frente hacia abajo y una pequeña línea. El volante delantero del auto va a ser antes incluso de que arranque el parabrisas. Si vas y observas, verás que es diferente para diferentes autos y formas. Yo estoy tratando de hacer aquí es un lindo sedán. Aquí a un costado se puede ver la imagen que estoy tratando de hacer. Esa es la parte interior de la rueda que está en el cuerpo del auto. Ahora sigamos yendo hacia el otro lado. Esto estaba dentro de este rectángulo. Ahora, la siguiente rueda del auto va a arrancar antes del final de la vista lateral, se llama a estos, gafas. De nuevo, porque lo estamos viendo sin ninguna perspectiva, aquí no hay líneas de perspectiva porque está exactamente frente al costado, por lo que todas las cosas tienen que estar exactamente en la misma línea. Aquí, esto tiene que ser lo mismo que esto y aquello. Hemos dibujado hasta ese punto. Ahora tenemos que seguir con la parte trasera. Para la parte trasera, esta es la parte superior. ¿ Te acuerdas de esa pequeña curva que hicimos? Esta es la parte superior extendida. Lo que vamos a hacer es, vamos a extenderlo un poco más y añadir ahí el lado opuesto de la curva. Ese es el techo del auto. ¿ Recuerdas que agregamos esas líneas al parabrisas? ¿ Esta línea extra? A partir de ahí, vamos a sumar otra línea y esta vez dejarla pasar al tercer rectángulo así. Si vuelves a mirar la parte trasera de un auto sedán, verás algo de espacio extra. Por lo general, algunos de los autos también tienen un parabrisas ahí, así que es tu elección. Este, lo vamos a extender hacia el final y luego de la misma manera como lo hicimos para esto, lo que necesitamos seguir esa línea nuevamente porque necesitamos que esa perspectiva sea correcta para los autos. Hazlo curvado hacia adentro así. Después viene la parte trasera, la línea superior de esa pequeña curva. Este es el más duro, lo sé. Haz eso y únete eso como una curva a este lado. El reverso y el frontal es exactamente el mismo. ¿Ves eso? Lo que hicimos aquí, hacemos el reverso pero ligeramente en mejor ángulo o algo así, y luego aquí está la parte trasera. Se puede agregar las pequeñas luces en la parte trasera y tal vez la apertura del tanque de combustible aquí. Entonces, ¿qué? Aquí, voy a añadir la base. No quiero que la base sea plana, pero la voy a agregar como una curva porque creo que normalmente los autos tienen esa pequeña curva en la parte trasera. Ahí, ya tenemos el chasis del auto y se ve hermoso. Sé que esto es realmente duro si estás dibujando por primera vez esto, pero es muy divertido tratar de conseguir la forma correcta. Puedes ver este video tantas veces como quieras y probarlo tantas veces como quieras, y confía en mí lo vas a conseguir porque viste cuántas veces tuve que practicar para hacer bien mis autos. Esto es exactamente de la misma manera. Después, agregando la rueda. Esta no es la rueda, este es el eje. Por eso está en el centro. En realidad la rueda está rodeando eso. Simplemente puedes ajustarlo y cuando estás pintando con acuarelas, no te vas a dar cuenta porque los colores realmente van a estar en un formato muy suelto, no vas a hacer que sea demasiado detalle, así que nunca se dará cuenta de eso. Entonces aquí lo que necesitamos es un pequeño espejo. Para eso, haz un pequeño c así, únete a eso y luego agrega una base a la c. Esto es lo que estamos tratando de hacer aquí pero en un formato más pequeño allá. Ese es el espejo lateral que está pegado al auto. Entonces necesitamos agregar la porción central. Aquí, agrega una línea y una ligeramente angulada ahí, tal vez algo así. Mostrar las líneas en el cuerpo. Puedes mostrarlo como aquí va la línea y se une así. Entonces, ¿lo ves? El auto ya está hecho, se ve tan bonito, ¿no? Ahora puedes deshacerte de tus líneas de guía y lo verás más en forma. Las líneas de guía siempre tratan de añadirlas en un tono más claro para que cuando caigas tu borrador amasado o lo que sea que intentes frotar, solo se quitarán tus líneas de guía y tu auto se quede ahí tal como está. Ahora puedes ver mi auto en su lugar. Esto ya se ve tan bonito, ¿no? Esto tal vez podamos sumar en el lugar para la sombra. La sombra no va a estar justo aquí abajo porque se puede ver esta parte está ligeramente elevada fuera de la carretera por lo que la sombra va a ser así. Esa es posiblemente la sombra. Eso es increíble, ¿no? Seguro que lo puedes hacer. De verdad confío en todos ustedes, así que sé que si lo prueban, lo pueden hacer. Esa es una forma de dibujar este auto sedán hacia un costado. Estos autos son el otro tipo de autos hacia un costado tampoco es tan difícil. Lo que puedes hacer es simplemente tomar una imagen de referencia, tratar de romper eso en pequeños rectángulos o líneas de guía y ver cómo se mueven esos revestimientos o en qué dirección están mirando, así es en realidad como pinté este auto. Tomé una foto de referencia y comprobé y agregué mi punto de fuga. Se puede ver que este auto está en realidad en perspectiva. Revisé, y vi cómo se mueven cada una de las líneas con respecto a esas líneas. Basta con agregar esas líneas como si no fueran todas piezas cuadradas. Por ejemplo, se puede ver que esto se está doblando hacia adentro y formando esa curva del parachoques trasero. Simplemente mirando tu cuadro y observándolos de cerca para ver cómo puedes lograr esas cosas. Si miras estos dos autos en general, puedes ver que se ve como si alguien lo estuviera mirando desde abajo, eso se debe a que la línea del horizonte está ahí. Es decir, está justo debajo del auto. Idealmente, debería haber sido un punto por encima del auto porque recuerden, estamos en una perspectiva. Dije que las cabezas de toda la gente estarían en el horizonte. Aquí, el jefe del pueblo está en algún lugar va a estar en el punto de fuga, esa es la línea del horizonte aquí. Estos dos autos se ve como si la persona lo estuviera mirando desde abajo. Veamos el caso donde si la persona lo miraba, no desde debajo del sino desde arriba. Empecemos a dibujar. Aquí voy a dibujar dos autos uno al lado del otro. Se van a estar mirando el uno del otro, los dos. vamos a hacer un poco más grandes que los que ya he hecho. Ahí y esa es la otra caja para mi auto, las dos cajas. Por lo que este auto va a estar frente a este lado como esta parte donde vamos a ver, así que ahí. Dibujando los dos lineamientos y luego es de arriba. El ángulo de este auto va a ser mayor. Aquí, no tanto ángulo. Ahí está mi parte del capó. Las luces. Demasiado pequeño. No necesitamos que esto sea perfecto, eso es lo clave que necesitamos entender cuando estamos tratando de dibujar autos. Entonces aquí está mi rueda delantera, ahí está la otra rueda. Ahora, de esto es de lo que estaba hablando, imagina la línea del horizonte para estar en algún lugar ahí. Ahí es donde va a estar la línea del horizonte, todas nuestras líneas en el auto van a estar a lo largo de esas líneas. Eso significa que la parte trasera de mi auto y media mi ventana aquí, están viendo una pequeña porción de ese trasero. Ahí, ahora tenemos el auto. Solo agreguemos nuestras cosas de frente, la matrícula, y todo, y lo mismo hará por este lado. Por este lado, de nuevo, el ángulo del auto va a ser menor, y aquí un ángulo más. Sólo recuerda estos cuando estamos tratando de bosquejar autos. Este es el mismo principio a lo largo de todo. Ahí, ¿y luego qué? ¿ He cometido un error aquí? Se suponía que este auto iba a estar de este lado, y este auto se supone que es de este lado. Eso es correcto. Está bien. Esto debería haber sido un poco más grande de esa manera. Ahí lo tienes. Entonces aquí viene la rueda, luego la delantera. Eso son sólo dos autos frente al otro por lo que sólo podemos dibujar las líneas interiores en ambos autos, luego seguir de nuevo la línea de perspectiva. Esta es la perspectiva única que estás usando, perspectiva de un solo punto. Usa eso para todas las partes del auto. Ese es el techo del auto que vamos a ver, y luego esa es la parte trasera. Ahí tenemos dos espejos. Está bien, ahí. Eso son dos autos en la carretera. Vamos a sumar de nuevo el camino de perspectiva para que entienda. Añadamos un cruce en el frente. Nuevamente, siguiendo estas líneas de perspectiva, puedes usar una regla, si quieres, no va a doler, solo te va a dar líneas perfectas eso es todo. Se puede ver cómo va. Así va a ser el cruce. Entonces aquí ya puedes ver que hemos cubierto cruce de cebra así como elementos lejanos diferentes porque puedes ver en tantas fotos cuando estás tratando de dibujar la carretera ya tiene un cruce de cebra y te estás preguntando cómo lo pintarías en perspectiva. Si no supiéramos de la regla de perspectiva lo que habríamos hecho es que acabaríamos de dibujar en esto. Pero entonces si lo miras desde el punto de una pintura, entenderías que carece de perspectiva y le falta la vista 3D que necesitamos en una pintura mientras que lo mismo si lo dibujaras con perspectiva. Ahora, mira la diferencia entre estos dos cruces de cebra. ¿ Ves eso? Esto tiene más de una perspectiva y esto se ve plano. Esta es la razón por la que necesitamos seguir líneas de perspectiva en nuestras pinturas. Es bastante simple siempre y cuando sepas dónde está tu punto de fuga y solo elijas ese punto de fuga, y vouloir lo consigues. Ahora lo que voy a hacer es sólo voy a frotar todos mis lineamientos porque no las necesitamos. Esta es la razón por la que recomiendo encarecidamente este borrador porque puedes ver que me estoy frotando dentro de mi auto y no afecta mucho. Es por eso que cuando estás dibujando las líneas de perspectiva, tienes que dibujarlas más claras y cuando estás dibujando el auto y otros objetos que necesitas para dibujarlas más oscuras. Entonces, por último, todo lo que tendrías que hacer es simplemente repasarlo una vez más si crees que tu boceto se ha ido. Pero entonces tienes los lineamientos previos para ayudarte. Esos son nuestros dos autos en el horizonte. Es decir, desde punto de fuga en el horizonte y frente al cruce de cebra. Apenas le quitó todas las líneas innecesarias. Ahí está nuestro boceto. Veamos ahora cómo podemos agregar algo de color a nuestro primer elemento, que son los autos. 23. Autos: pintura. Parte I: Ahora que hemos bosquejado los autos, veamos cómo podemos pintarlos. Lo que necesitamos entender ahora es que vamos a estar pintando la mayoría de estas cosas vagamente porque son elementos que van al paisaje urbano o al paisaje como tal. Posiblemente no sean el elemento que sea el principal atractivo de la pintura, por lo que estarían de manera suelta. También, otra cosa que debemos entender es que en el panorama más amplio, los otros elementos van a ser tan grandes y mucho más detallados. Pero como nuestros autos no son los elementos principales, no tienen por qué ser tanto detalle. Entonces otra cosa que debemos recordar es que aquí sólo estamos pintando este elemento como tal, por lo que entonces parecería que es algo duro con mucha espera a que el papel se seque y todo. Pero en el panorama más amplio, sería muy fácil porque mientras esperas que eso se seque, puedes seguir adelante y pintar algo más. Así funciona todo el asunto. Déjame mostrarte lo que quiero decir. Tengo aquí mi paleta de colores. Ignora estos dos, eso es algo que usé para una pintura diferente. Esto dijimos es la parte trasera del auto y esto dijimos que es la parte delantera del auto. Hagámoslo así. Lo que voy a hacer es que sólo voy a aplicar agua por todas partes. Recuerda aquí esto es parte de la pintura y de ahí, no va a tener fronteras limpias ni nada, así que solo estamos tratando de entender cómo funciona. Aquí, vamos por un enfoque diferente. Aquí, voy a tomar una versión muy ligera de gris primero. Yo le estoy aplicando mucha agua, así que es muy ligero, se puede ver eso. Este tono claro voy a aplicar a toda mi ponencia. ¿Ves eso? He aplicado ese tono más claro a toda mi ponencia aquí. Trataremos de pintar todas estas utilizando diferentes técnicas porque solo quiero mostrarles las diferentes técnicas que podemos usar para acercarnos a nuestras pinturas. Si bien éste se seca, sigamos adelante y hagamos el siguiente porque simplemente no quiero estar perdiendo el tiempo para secar nuestro papel. A lo mejor el siguiente, el fondo más claro, iré con un color diferente. A lo mejor un color como lavanda aquí. Voy a usar mi pintura de lavanda aquí. De nuevo, puedes ver que estoy aplicando mucha agua así que tiene que ser muy ligera. Esto es lo que voy a hacer por el fondo. Este no es el mismo cuadro, pero desde que dibujamos los autos tan cerca por eso lo estoy aplicando. Ahí, tengo mis antecedentes encima. Antes de pasar realmente a este, porque estos pretendo hacerlos en una técnica diferente. De hecho me gustaría secar esto rápidamente para poder mostrarles el siguiente paso de pintar esos dos autos. Esta es la parte trasera y esta es la parte delantera. Déjame secar esto rápidamente. Aquí he secado ambos de estos, así que ahora podemos empezar a pintar el auto y los elementos que lo rodean. Hay diferentes maneras de pintarlo en realidad. Déjame mostrártelo. En realidad se puede pintar sin pintarlo. Eso es pintar los elementos a su alrededor. Por ejemplo, sigamos adelante. Aquí, voy a tomar un poco de siena quemada y tal vez mezclarla con la lavanda. No importa, solo está tratando de crear algún tipo de color. Asumamos que aquí tenemos algún tipo de edificio o algo de fondo. Lo que básicamente estamos haciendo es que estamos evitando las áreas de nuestro auto. Entonces aquí, dando la vuelta al auto, y simplemente agregando algunas cosas al fondo. Déjame ir con un color diferente. Tan solo quiero agregar un elemento diferente al fondo. Eso es lo que intento hacer. No importa. El foco de nuestra pintura es obviamente el auto, así que vamos a llegar a eso. Ahí hay una línea. Sea lo que sea que haya en el fondo, no nos importa. Entonces pintemos ahora el camino debajo. Eso sería otra vez, tomando y evitando todas las áreas del auto. Cuando estás evitando todas las áreas del auto, lo principal que debes evitar es solo el cuerpo del auto porque las ruedas van a ser negras de todas formas, que luego pintemos. Ahí has evitado esa zona. Que eso sea. Ahora lo siguiente es que necesitamos pintar algo por dentro. No toda la zona. Simplemente deja eso a un tono ligeramente más claro del gris o negro de Payne o así. Estoy tomando un tono de negro muy claro aquí que tengo y solo lo estoy repasando. Se puede ver que no he tocado todas las fronteras, sólo algunas zonas, y luego aplico el tono en su interior. Eso se puede ver. Ahora lo que tenemos que hacer es hacer las ruedas del auto. Eso sería más negro y también necesitan ser sombra para el auto. Ahí se puede ver mi pintura negra oscura. Tenemos que tener cuidado en cuanto a cuánto mojado está el papel. No dejes que esté demasiado mojado, de lo contrario, se extenderá mucho y nos será difícil manejarlo. Después una línea debajo. Si puedes ver esa pequeñísima brecha por ahí para indicar que esa es la superficie inferior, pero no demasiado porque eso también tiene que ser más oscuro. Pero esto es lo que podemos suponer que es una sombra justa. Si tan solo puedes oscurecer las ruedas un poco más como lo he hecho aquí. ¿ Ves eso? Acabo de oscurecer eso. He hecho un poco la sombra del lado derecho aquí, lo que significa que suponiendo que la fuente de luz es de algún lugar de este lado izquierdo, razón por la cual tenemos la sombra hacia el lado derecho. Eso tiene mucho sentido, ¿verdad? Dijimos que esta es la parte trasera. Entonces, ¿cómo hacemos que se vea como la parte trasera? Para que se vea como la parte trasera, necesitamos demostrarle que sí, es la parte trasera, así que ahí es donde entra nuestra sombra roja, la luz. Se trata de Alizarin carmesí, por lo que es un ligero rosado. Creo que voy a añadir un poco de amarillo Nápoles a mi carmesí Alizarin para que consiga un bonito tono rojizo. Es opaco. Es decir, este amarillo Nápoles es opaco. Lo que hay que hacer es simplemente agregar dos luces ahí. O puedes dejarlo así y asumir que es un auto blanco o puedes darle algunos detalles más. Si estabas pensando en dar detalles, déjame cambiar a un pincel de tamaño más pequeño aquí. Recuerda lo que dije que no necesitas enfocarte mucho en conseguir los detalles. Muchas de esas cosas se trata de simplemente aplicar algunos trazos aleatorios. Se puede ver con las luces ahí mismo lo que hice. No pinté un cuadrado perfecto para las luces. Acabo de aplicar algo de pintura sobre esas luces. Eso es lo clave para que nuestra pintura luzca más acuarela. Esa es la palabra que sale de mi cabeza para que se vea más acuosa. Eso es lo que es. Se trata, te diré el truco de ello. Simplemente pinta solo algunas áreas o algunas áreas aleatorias, porque sabes qué? Cuando alguien mira esta pintura, tu cerebro llena el resto por ti. Esa es la parte más importante. El cerebro de la persona que está viendo la pintura llena el resto y hace que se vea tan hermoso. Los datos digitalizados no tienen ningún sentido. De todos modos, así que eso es lo que pasa. Aquí, he cambiado a mi pincel de tamaño más pequeño y he recogido una bonita solución de este negro lunar que tengo. Lo que voy a hacer es simplemente posiblemente, agregar algunos bordes y algunas líneas, no mucho, para que puedas ver líneas rotas. Eso es lo clave de agregar líneas rotas en la pintura porque justo el punto que dije donde el usuario lo llena para ti, para que no tengas que hacer todo. Al igual que posiblemente sólo añadiendo matrícula numérica y algunas líneas. Ve que ya parece que es un auto que va por ese lado. Podrás hacerlas lucir más oscuras de nuevo si quieres y añadirlas en algunos tonos. Ahora todavía se ve un poco raro porque el parabrisas es un totalmente blanco, por lo que suponiendo que el auto es blanco pero entonces el parabrisas no puede ser tanto blanco. Sé que esto es sólo un pequeño auto ting y seguimos sumando muchos detalles a él, se ve así, pero confía en mí, no es porque a la larga, cuando estás tratando de agregar algo, no lo hace porque vas a estar agregándolo a todo el punto de la imagen. Eso fue demasiado de eso. Déjame simplemente agarrar eso y reducirlo. Ver Acabo de aplicar un poco más de negro en el parabrisas, así que ahora esto se parece más a un auto. A lo mejor solo aplico un poco al lado derecho también. Supongo que ahí es donde está la parte de la sombra y aquí hay mucha luz. Lo que he hecho es, he tocado esa parte derecha y luego simplemente movido mi pincel hacia la izquierda sobre el área que ya había aplicado el tono más claro así que entonces empieza a mezclarse. Ahora, ¿ves eso? Ahora me encanta esto. Ya se ve como un auto, un auto blanco que se va más lejos. En realidad, el auto no es tan completo, totalmente blanco y esta es la razón por la que aplicamos un tono inicial de un gris más claro ahí dentro. Además, muchos otros factores van a ser una entrada en tu pintura. Por ejemplo, si es como una escena puesta de sol, vas a tener algunos amarillos y cualquiera que sea el color que haya en el cielo o los edificios de objetos cercanos en tu auto también. Esto se debe a que un auto es metálico, debes entender que la superficie del auto es metálica y eso va a reflejar mucho del color que rodea. Eso es algo que tenemos que cuidar. Adelante y empecemos a pintar éste ahora. Dije que lo vamos a hacer de manera diferente. Veamos qué tan diferentes podemos hacer eso. Yo quiero ir con posiblemente un enfoque diferente en un fondo ahora. Voy a pintar todo eso en tono más claro. Ignora la lavanda porque no se va a ver todos modos porque estamos pintando con ocre amarillo. Aquí tengo mi ocre amarillo y eso es lo que voy a estar usando. Aquí de nuevo, pintaré alrededor mi vehículo y alrededor del vehículo con mucho cuidado, y luego volveré a pintar la superficie inferior. Esta vez posiblemente me deje usar el gris de Payne en lugar del negro lunar. Literalmente no hay diferencia, no te preocupes. Ahí acabo de agregar un muy oscuro, solo voy a aligerarlo, solo usando mi pincel y dejándolo caer sobre él. Eso no se arruina ninguna parte. Si lo deseas entonces dejarás caer algo en el fondo usando cualquier color. Este es solo mi OCD para tratar de poner algo en segundo plano. No es absolutamente necesario, pero luego se ve más interesante cuando se ve en el panorama más grande en lugar de tener como un fondo vacío. Esa es la parte del auto entonces. Ahora, sigamos adelante y pintemos algo dentro. Desde que empezamos con lavanda en el interior, vamos de nuevo con lavanda. Aquí, lo voy a mezclar con un poco de lavanda y negro. Recuerda mi parte donde dije que tienes que decidir los colores propios. Si has elegido algún otro color en lugar de lavanda en tu paleta, entonces eso es con lo que tenemos que ir. Entonces recuerda eso. Aquí, acabo de aplicar y lo que voy a hacer es, solo voy a usar mi pincel para esparcir eso. Ve que no necesitas difundir eso incluso total o uniformemente sólo algo aleatorio. Ahora, podemos ver que nuestro auto sigue siendo blanco. Entonces aquí no quiero un auto blanco, quiero ir con un auto más oscuro. Lo que voy a hacer es cambiar ahora mi cepillo y me voy a llevar a sí mismo negro lunar para dibujar mi auto. Aquí lo que voy a hacer es, posiblemente dibujar a lo largo de los bordes. Pero eso es otra vez, otra cosa que necesitamos recordar. Sin detalles, todo puede ser simplemente, solo a mano alzada y no necesita ser ninguna perfección en ninguno de estos trazos. Ves Acabo de aplicar mucha agua y el agua también se extendió hasta el fondo, así que déjame simplemente aplanar eso. A ver he dibujado algo. Déjame solo agregar algunas líneas más o detallando en, y también hay algo en la parte superior así que solo agrega una línea ahí. Ahora, necesitamos hacer que este auto parezca como si viniera hacia nosotros. Entonces ahí es donde entran las luces. Recuerda dije que se supone que es blanco brillante o amarillo brillante. Ya sea puedes ir con amarillo Nápoles. Aquí lo que voy a hacer es, quiero tomar amarillo Nápoles, y lo voy a agregar con un poco de blanco. Aquí está mi pintura blanca y la voy a mezclar con amarillo Nápoles. Por lo que conseguimos como un tono de blanco muy claro y lo pasamos ahí. Todavía no es tan blanco, necesitamos que sea blanco más vibrante. Ese blanco es lo que va a determinar si nuestro auto viene hacia nosotros o lejos de nosotros. En el centro, hazlo lo lo más blanco que puedas. Ahora, ¿ves lo diferente? Se viene hacia nosotros. En este cuadro en realidad si fuera un día lluvioso o algo así, tendrías un reflejo en la parte inferior así. Lo que hice fue simplemente sujetar mi pincel así, bajé un poco el blanco sobre mi piso. Entonces vea la reflexión, eso es algo que necesitamos entender, la diferencia entre el reflejo y la sombra. La reflexión siempre va a ser perpendicular a la superficie hacia la parte inferior, no importa donde estés mirando, aunque se tratara de un auto que se fijó en ángulo hacia el zócalo y las luces se extendieron ahí. Al igual que por ejemplo aquí, este auto la luz está aquí, pero el reflejo de la misma, no va a estar de este lado, todavía va a estar verticalmente hacia abajo. En tanto que la sombra de la misma dependería de dónde esté la luz. Eso es algo que debemos recordar sobre la reflexión y las sombras. Entonces ahí esa ya es la diferencia entre cómo va un auto por ese lado y viene por este lado. 24. Autos: pintura. Parte II: Para los siguientes, creo que les voy a mostrar una técnica diferente. Aquí déjame solo aplicar el agua a todo el papel. Lo que he hecho es que acabo de aplicar agua a todo mi auto y a esa pequeña porción. Lo que voy a hacer es que voy a empezar con un bonito ocre amarillo. Aquí está mi ocre amarillo, y lo voy a pintar en mi auto. Esto es como técnica totalmente diferente. Se puede ver que toda nuestra pintura se está extendiendo y posiblemente estás pensando, ¿qué demonios está pasando? Ahí, hemos dejado que todo el asunto se extienda. Eso está bien. Ahora lo siguiente que voy a hacer es volver a tomar lavanda. Es así como voy a hacer esto interesante, y voy a mezclarlo con una buena cantidad de negro lunar, un poco más de lavanda. Este es el tipo de forma que estoy recibiendo, y la voy a aplicar a la base y tal vez a su alrededor. Iré con un tono diferente. Creo que iré con marrón, mi tono marrón aquí para mi fondo. Lo que puedes hacer es simplemente coger el tono marrón y aplicarlo alrededor. No va a afectar a tu auto ni a sus antecedentes. No te preocupes. Puedes recoger más lavanda, mezclarla con tu marrón y dejar que se mezcle. Eso está bien. Esto es algo que estoy creando para el fondo. Estas son las cosas que debes cuidar. Ahora puedes ver todo el auto luce extendido, eso está bien. Ahora estoy cambiando mi pincel por uno sintético o uno de talla más pequeña. Cepillo de tamaño más pequeño, eso es lo que quise decir, no la talla uno, y ahí está mi índigo. Voy a aplicar un poco de lavanda por dentro y solo extenderla. Esa es la parte interior. Esa es la parte interior de nuestro auto. Podemos tener más detalles diminutos usando ya sea el negro o el gris frijol. Aquí están las ruedas. Permítanme simplemente agregar algo ahí. Lo que posiblemente voy a hacer es que voy a tomar más de mi ocre amarillo y aplicar en la parte superior, luego aplanar cualquier superficie irregular. Ahora puedes ver que se ve un poco extraño y en realidad necesitamos que la forma de la misma sea correcta, y también necesitamos conseguir la luz, por lo que estos autos vienen hacia nosotros. Agregaremos las luces más adelante. Pero por ahora, lo que necesitamos arreglar es la sombra principal o la parte del pavimento. Aquí voy a ir con el gris de Payne, y lo voy a aplicar aquí en la parte trasera baja aquí. Ahora sobre los pavimentos, aquí es donde entra la parte divertida cuando estás pintando el pavimento, pero creo que el papel sigue mojado, así que no lo voy a retocar. Yo sólo voy a jugar con el fondo ahora. Simplemente agregando algunos trazos que se parecen a un edificio o algo de ese tipo. Tu pintura, si empieza a extenderse dentro del auto, intenta absorber parte de ella, pero puedes ver lo rudo que se ve eso. Se puede tomar un poco de lavanda y añadir a las ventanas traseras también. Es absolutamente opcional. No es necesario. Lo que voy a hacer ahora es que quiero tomar un poquito de siena quemada y la voy a mezclar con mi ocre amarillo para que consiga una versión más oscura de ocre amarillo. Es un poco de siena quemada con el ocre amarillo, y luego vamos a usar eso y aplicarlo. ves, acabo de agregar una versión un poco más oscura o un color más oscuro a esa zona de ahí, para representar un poco de eso en zona de mi auto porque esta zona es como la parte del tapón, es plana, y luego va verticalmente abajo. Esa es la zona que obtiene la menor luz, por lo que tenemos que dar cuenta de eso. Lo siguiente que queda es pintar la luz, por supuesto, así que aquí voy a ir con mi pintura blanca y añadiendo la luz, ahí. Sólo tienes que añadir bonita mota de luz, ahí. Eso ya se ve bien. Lo que debes entender claramente es que este no es el principal de la pintura. Esto va a estar llenando el cuadro más pequeño de una pintura más grande. Entonces nadie va a mirar los detalles menores de este cuadro. Pero incluso entonces, si quieres entrar en ligera perfección, hay cosas que puedes hacer como tomar más siena quemada y conseguir algunas sombras más oscuras. Al igual que aquí, creo que voy a añadir un poco de sombras más oscuras, y tal vez algunas líneas. Eso fue demasiado. Pero sí, tú consigues el punto. Para agregar algunas líneas y detalles así. Se puede ver esto. Esto ahora está seco, así que puedo seguir adelante y pintar el pavimento. Aquí es como lo voy a hacer. Yo estoy tomando una agradable consistencia del gris de mi Payne, y sólo voy a pintar en las áreas entre las áreas de pavimento, ¿ves eso? Esto es, nuevamente, tenemos que seguir las líneas de perspectiva, y porque esencialmente esas líneas de pavimento, es mejor no dejarlas perfectamente blancas porque eso no se ve bien en un cuadro yo diría. Es bueno tenerlos en un color de tono ligero más claro que el resto de lo que estás agregando en el fondo. Aquí solo traemos todo eso y te mostraré a qué me refiero exactamente. Ahora bien, ¿ves la diferencia? Ahora, mira ese pavimento. Ya se pueden ver esas líneas de perspectiva en acción. derecha no es el blanco del papel, pero tiene algunos detalles ligeros, y originalmente cuando estás haciendo una pintura más grande, hay algunas otras cosas que harías al fondo que es un secreto por ahora. De todos modos, lo haremos en futuras lecciones, pero por ahora, así es como pintaríamos algo como esto. Si eres una persona a la que quieres agregar más detalles, como dije, puedes seguir adelante y agregar la base. Estoy agregando la base porque obviamente necesito agregar en la sombra. Aquí estoy agregando en la sombra y tal vez generar algunas líneas ahí que podrían ser las escobillas del limpiaparabrisas. Algo vamos a empezar a ver que ese es un auto muy bonito, ¿no? Espero que te haya gustado eso. Ahora sigamos adelante y probemos esto. Este, lo vamos a hacer de una manera diferente, pero casi de la misma manera yo diría. Es tan sencillo como tomar tu ocre amarillo y empezar a pintar todo el asunto. Es justo lo contrario de lo que hicimos aquí. Aquí, pintamos junto con la técnica húmeda sobre húmeda, aquí no estamos pintando ninguna técnica húmeda sobre húmeda, sino más bien, solo vamos con los siguientes colores. Aquí, estoy usando mi índigo otra vez. ¿ Por qué sigo diciendo Indigo por lavanda? No lo sé. De todas formas, solo voy a agregar mi lavanda y tal vez algo en la parte de atrás, justo atrás. Vayamos por siena quemada. Tomemos lo que quede de la boleta. Yo sólo quiero tomar lo que quede en mi boleta y llenarlo. Aquí, se puede ver que habrá leves sangramientos por el amarillo que acabamos de agregar, y está mojado. Ese poco sangrar, dejarlos sangrar y hacer crear cualquier textura que quiera. Esa es la diversión de ello. He creado algún extraño fondo ahí. Vayamos hacia el interior. Dejamos el adentro hacia afuera. Algunos dentro y luego necesitamos pintar el techo del auto. Dejé eso fuera. Nuevamente, hicieron algo. De nuevo, no necesitas preocuparte por los detalles a partir de ahora. Se puede ver incluso cuando pinté el auto, no lo completé. Hay algunos trazos blancos o blanco-pasos que dejé. Yo diría, es como un deliberado y no un error. Es solo que, como dije, manténgalo sencillo y ten esos elementos que puedes usar si con los ojos para rellenar. Déjame ir con un poco de siena quemada y añadir cualquier detalle que pueda. Ahora, tomemos el negro y rellenemos. De nuevo, está fresco con el blanco. Agrega en las luces. nuevo, puedes mirar las luces y ver que no las he añadido a la perfección. Quizás incluso después de que se seque la pintura, puedes darles una capa más de blanco para que se vea más blanca si quieres. Acabo de agregar algún trazo aleatorio ahí. Vamos a verlo. A lo mejor me llevaré más gris de Payne y lo añadiré al fondo para las sombras. Tenemos que seguir cuidadosamente la línea de perspectiva. Porque no quiero esperar a que se seque, así que esta cosa probablemente va a estallar y extenderse por todas partes. Sólo vamos a ver. No tan mal, Sólo va a estar mirando un poco suelto. Eso realmente no es nada malo. Ahora, ¿dónde está nuestra línea de perspectiva? Déjame terminar el cruce en la parte inferior. Eso no es nada malo. El renglón está en algún lugar ahí. No lo dejemos en eso, sólo por mi TOC, no quiero dejarlo ni el camino, no me importa el fondo, pero solo quiero llenarlo de algo para que no se vea vacío. Simplemente puedes agregar lo que quieras. Eso en realidad se ve mucho mejor. Ese es el siguiente. Estos dos autos que te mostré, los vas a estar pintando a tu manera, la manera que quieras, y sólo voy a mostrar rápidamente este ahora. Para este, lo que voy a hacer es, les voy a mostrar un enfoque diferente donde tenemos alguna fuente de luz y posiblemente esté agregando algunos valores de color al auto. Eso es lo que te voy a mostrar. En primer lugar, sólo voy a añadir un bonito fondo aquí. Voy a ir por este enfoque de pintura que hicimos. Le he agregado pintura a todo mi pequeño papel ahí. Ahora, lo que voy a hacer es, voy a tomarme un poco. Vamos con la transparencia en este punto. Aquí, me voy a llevar un poco de amarillo indio, y lo voy a aplicar a mi auto. Al mismo tiempo. Voy a recoger un poco de umber quemado y aplicarlo también. Como dije, no te molestes por que la pintura se esté apagando o no. No nos importa en este momento. Voy a añadir alguna versión más oscura del umber quemado hacia abajo. Es sólo posiblemente para mostrar parte de la luz reflejando ese auto. Eso es lo que estamos tratando de hacer y dentro del auto, déjame añadir ese tono más oscuro. Eso es más o menos el interior. Tomemos el gris de Payne o el negro y agreguemos un reflejo, no reflejo esto en realidad es la sombra. De hecho hice un error aquí quería decir eso claramente, pero luego lo pinté accidentalmente. Yo estoy quitando ese color, pero en realidad, es bonito. Está hecho de eso un tono gris. Esto se debe a que la rueda, la parte central es de plata, solo se supone que debemos realmente si puedes, vuelta y crear esa ilusión de una parte plateada en el medio. No tiene por qué ser perfecto, puedes tener ciertos trazos, así que está bien. Ese es el fondo y esa es la sombra. Sé que el auto se ve todo voluminoso porque se ha extendido mucho. Ahora bien, si realmente puedes esperar a que se seque el fondo, entonces podemos pintar alrededor y tendrá mucho sentido. Aquí he secado rápidamente esto y voy a añadir algo al fondo. ¿Qué hago? Yo quiero ir con esto: alizarin carmesí mezclarlo con lo que sea que haya en mi paleta. Como dije, no es el color que estás usando lo que es importante. Podrías ir con cualquier color que quieras y aún así crear algo natural y algo hermoso. Todo lo que necesitas en realidad es conseguir ese estilo suelto en nuestras pinturas. Aquí puedes ver realmente voy por ahí usando todo lo que está disponible en mi paleta. Tenemos que tener cuidado alrededor del auto porque no queremos pintura en nuestro auto. Ahora tiene mucho sentido. Se ve más hermoso. A lo mejor ahora podemos ir y agregar cualquier detalle extra que queramos, como por ejemplo, vamos con un poco más del umber quemado y agregarlo al fondo, a las líneas y cualquier cosa. Tomemos también un poco de negro y sumémosle a las zonas alrededor porque creo que para este auto, estas van a ser ligeramente de tono negro. Podemos agregar algunas cosas al frente, ahí así. Después agregando algo de profundidad a las áreas dentro porque es como la parte interior de eso, y también al área de abajo déjame adivinar que va a ser pitch black, algo así. Ahora ves que tiene mucho más sentido, no tienes que agregar todos los detalles en. Vamos, llenemos las luces, eso es importante. Aquí está mi alizarin, y acaba de agregar las luces y haremos lo mismo por la luz brillante del frente. Esto se parece más un poco a un boceto. Eso es lo que intentaba mostrar. Hay tantas maneras diferentes que en realidad se puede pintar una sola cosa. Depende totalmente de ti la forma en que quieras pintarlo. ver aquí estoy agregando algunos trazos blancos en la ventana. Esto se debe a que tal vez está reflejando la luz de algún otro objeto o luz o algo de ese tipo, eso es lo que hemos agregado aquí. Esto es lo que hemos aprendido. Estos dos sólo quería mostrarles una línea de horizonte, que está en la parte trasera del auto y el punto de fuga en la parte trasera por lo que vas a pintar esto tú mismo, déjanos ver qué haces. Aquí está mi versión final, cómo lo he hecho, y aquí están los colores que he usado para esto: ocre amarillo, siena quemada, negro lunar, lavanda, carmesí alizarin, marrón transparente, umber quemado, y gris de Payne. puedes ver acabo de seguir las líneas de perspectiva y el fondo es que acabo de poner todos los colores en mi paleta aquí y simplemente mezclarlo. Para eso autos decidí ir con dos colores diferentes aquí se puede ver. Hay una cosa pequeñita que olvidé decirte antes y de verdad lo siento. Eso es para tomar un poco de blanco y solo agregar una mota de línea por ahí hacia el centro porque eso es una matrícula numérica, eso es algo que me olvidé, pero aquí lo he llenado en esas dos áreas. De verdad lo siento por eso, por olvidar esa parte, pero aquí está la que he hecho. Puedes o intentar replicar esto exactamente como lo hice o ir con tuyos y elegir tus propios colores e intentar experimentar. Como ya habrías entendido, la parte más importante es que el boceto sea correcto, y entonces el proceso de pintura es sólo observar los diferentes planos de donde puede venir la luz. Aquí, no he añadido mucho de sombra porque he añadido el reflejo. Se puede ver la luz reflejándose en la parte inferior. por lo que acabo de añadir unas buenas reflexiones ahí. Se trata más de agregar los colores hacia la base. Al igual que agregamos alguna siena quemada hacia la base para que se muestre la profundidad en el posicionamiento del auto. Lo mismo aquí, usé un tono más claro de alizarina y luego usé nuestro tono más oscuro aquí, así que ahora eso da esa ilusión de profundidad. Este es exactamente igual a éste. Es sólo amarillo, es decir, ocre amarillo y siena quemada en el fondo. Eso es todo. Es así como puedes tratar de conseguir estos correctamente en tu pintura. En el panorama más amplio va a tener mucho sentido, no te preocupes por eso, pero antes que nada, necesitamos entender los elementos por eso quise ir a practicar primero todos los elementos. que cuando tratamos de armar todos ellos en el panorama más amplio, se vuelva tan fácil para nosotros. Espero que te haya gustado la lección de hoy. Aquí está. 25. Autobuses: Ahora que echamos un vistazo a nuestro primer elemento, que eran los autos, pasemos al segundo elemento, que hoy van a ser autobuses. Es otro elemento que está en la carretera pero también es bueno agregar en nuestras pinturas. Va a ser muy sencillo porque ya has hecho los autos, que fue el más duro. Con todo, todo lo que tenemos que recordar es que necesitamos seguir las líneas de perspectiva. La perspectiva es muy importante en nuestra pintura principal. Esa va a ser una línea de horizonte. Eso va a ser un punto de fuga. De igual manera, supongamos que tenemos nuestro punto de fuga en alguna parte de aquí. Tratemos de bosquejar el autobús. No voy a ir todo el camino hacia abajo. Pero, posiblemente, mi primera línea va a estar en algún lugar ahí y eso es lo que esbozaré. Permítanme empezar con la adición de la cara frontal del autobús. El frontal del autobús va a ser fácil porque va a ser como una pequeña plaza o una rectangular. Algo así. No dejes que los bordes estén afilados, traté de curvarlos. Ver curvado alrededor de los bordes. Entonces solo tenemos que sumar los detalles en el frente. Digamos que tiene una placa de nombre o algo por aquí. Esa es la placa de nombre y esa es la ventana por la que el conductor va a mirar, y ahí está la luz. Esa es la parte delantera. Una vez que hemos hecho con la parte delantera, ahora lo siguiente es dibujar el lado que estamos viendo. Hemos asumido nuestro punto de fuga para estar aquí y vamos a estar viendo nuestro auto de esta manera, obviamente, porque el punto de fuga está aquí. ¿Yo dije auto? Me refería al autobús. De todos modos, así que para que esas líneas rectas atraviesen, si lo deseas, puedes usar una regla para obtener la perspectiva correctamente. Eso es casi correcto, y luego eso es otro, y eso es para la base. todos modos, la longitud del autobús no va a ser tan larga. Probablemente queremos detenernos ahí. Probablemente me detendría ahí. Esa sería una línea vertical paralela de nuevo a esta línea. Entonces, tendremos la ventana al frente, e incluso esas ventanas tienen que estar en perspectiva. Si arrancamos ahí nuestras ventanas, esa es la línea de perspectiva, e incluso la parte superior de las ventanas también. Todo básicamente necesita estar en perspectiva. Ahí, eso ya se ve bien. Dibujamos el final, y siguiendo las reglas de perspectiva, cuanto más lejos se va, tiene que disminuir, es decir, los lados entre las ventanas. Este será el más grande. Entonces obviamente podemos agregar algunos detalles, y sumemos las llantas al frente del autobús. Eso va a estar en algún lugar ahí. Incluso las llantas, de nuevo, necesitan estar en perspectiva. Por lo que la llanta trasera estaría de acuerdo al nivel superior de ese primero aquí. Entonces eso sería en algún lugar aquí. Entonces cuando agregas la rueda en sí, solo estoy dibujando más o menos todos estos porque sabes por qué, en nuestro boceto principal, nada de esto va a ser un problema. Ahí, he bosquejado una rueda y voy a extender la parte delantera de la misma, esa es en realidad la rueda que se ve a través de la parte inferior. Nuevamente, para la parte inferior de la rueda, necesitamos que esté en perspectiva. Esa rueda está en perspectiva y vemos ahí la parte delantera. Ese es nuestro autobús. Pero sí, falta algo porque esto parece como si estuviera girando en el aire. Tenemos que sumar en la rueda aquí en la parte de atrás. Ahora, eso se ve mucho mejor. A lo mejor puedes agregar dos escobillas limpiaparabrisas ahí. Ahí, eso es tan sencillo como eso. Puedes usar el borrador que estés usando para frotar esas líneas de perspectiva porque no son necesarias. En realidad olvidé la parte superior del autobús, así que en realidad hicimos eso primero y ahí va a ser horizontal. Entonces esa es la parte superior del autobús. Ves, ese es el autobús, hecho. Borra todas las demás marcas que no sean necesarias. Simplemente puedes agregar cualquier pequeño pedacito de detalle que quieras dentro. Este fue el punto donde el punto de fuga está por encima de la línea del autobús. Hagamos uno más donde miramos un punto de fuga que no está por encima de la línea del autobús sino justo donde está el punto medio del autobús. Eso sería algo de este tipo. Yo quiero que mi autobús esté aquí. Por lo que de nuevo va a ser el frente de mi autobús. Recuerda añadirle bordes curvos, no va a tener bordes afilados. Podemos añadirlo de manera diferente en la parte superior. He ido con un diseño diferente aquí, y he ido con un diseño diferente aquí, y tal vez luces diferentes. Estas son todas las cosas que improvisas dependiendo de la imagen que estés mirando. Entonces si estás mirando una imagen de referencia y ves una foto de un autobús, y eso es lo que estás tratando de replicar, sólo puedes mirar eso. Esto es algo que estoy probando de mi memoria ahora, solo al azar. Eso es todo. Entonces, aquí está la longitud de mi autobús. Nuevamente, solo voy por los bordes curvos. Aquí al final del autobús, lo voy a añadir un poco de plataforma elevada ahí solo para mostrar el filo. Eso se unió y ese ya es el autobús. Ahora, quiero agregar en las ventanas. Esa es mi línea de perspectiva. Esa es la ventana de arriba. Se va a unir aquí. Esa es mi ventana trasera. Sólo estoy asumiendo que la puerta va a estar siempre del otro lado. Si lo deseas, en realidad puedes incluso agregar tu puerta. Es decir, ¿qué hay de daño en eso? En realidad, hagámoslo. Añadamos aquí la puerta del autobús. Ahí, esa es la puerta, y estas son las ventanas. Yo no usé una regla. No te preocupes, solo intentaba hacerlo rápido. Ahí, esa es la puerta. Ahora, vamos a llegar a las ruedas del autobús. Para eso, necesito volver a revisar la perspectiva para el final de la rueda, va a estar en algún lugar ahí. Aquí las llantas parecen igual, son las llantas y ves que algo de la parte delantera sobresale así, y puedes llevar eso horizontalmente al otro lado, y en algún lugar estará tu rueda. Sólo para entender dónde está el posicionamiento de la rueda. Se puede ver claramente la distancia aquí entre el frente y el lado izquierdo. Igual aquí la distancia entre aquí y donde arranca la rueda va a ser aproximadamente la misma del otro lado también para que tengamos que emparejar. No hagas las ruedas hacia el final aquí. Espero que todas estas cosas tengan mucho sentido si sabes a lo que me refiero. Ese es el autobús frente a este lado. De nuevo, puedes deshacerte de cualquier línea de perspectiva adicional que no quieras en tu papel. Mira, hemos esbozado dos autobuses diferentes, así que obviamente puedes seguir adelante y probar esto en diferentes formatos. Busca fotos de autobuses e intenta replicarlos. Ahora echemos un vistazo a cómo podemos pintarlos. Digamos para este autobús, ¿de qué color lo hacemos? Puedes ir con cualquier color de tu elección, solo estoy pensando en qué color debemos agregarle. A lo mejor vamos por un color amarillo Nápoles. Puedes ir y usar el método que te guste pintar. Simplemente voy a pintar directamente en mi autobús y sin ningún mojado sobre mojado. Puedes seguir cualquiera de los pasos que mostré en la lección de autos, depende totalmente de ti. Sólo estoy siguiendo este método, ahí. Voy a aligerar un poco mi tono para el amarillo y agregarlo a la parte superior. Es sólo asumiendo que la luz es de arriba, así que por eso la estoy aclarando, tal vez pueda aplicar un poco a este lado también. Ahora que lo he hecho, veamos cómo podemos pintar el área alrededor. A lo mejor la zona alrededor, iré con un tono de color diferente en este momento. Pero entonces el caso de tener edificios y paisajes urbanos es que no vas a estar viendo el autobús en un fondo verde o en un vibrante cielo azul. Esta es la razón. Creo que me iré de nuevo con mi siena quemada, y es mi más ir a color cuando estoy tratando de pintar paisajes urbanos. Cuidado a lo largo de los bordes y siguiendo con mucho cuidado, ahí. Puedes seguir el método que quieras, si te gusta el método húmedo sobre húmedo, puedes usar eso también. Pero aquí, nota cómo se está comportando mi trabajo. Estoy aplicando mi siguiente trazo justo antes de que se seque el anterior. Por eso mis trazos se ven continuos, no están mojados en trazos secos como tales. estoy haciendo de tal manera que todo mi papel se mantenga mojado mientras los estoy haciendo. se puede ver claramente. Las llantas van a ser negras, así que esta es la razón por la que he ignorado eso por ahora. Ya he agregado eso, déjame añadir un bonito efecto base o carretera. Eso es negro lunar, puedes o bien ir por negro lunar o frijoles grises, o lo que sea negro o gris que hayas decidido. Simplemente lo voy a agregar. Este es solo el trasfondo, así que no estoy centrando mi atención en ello. Acaba de agregar algunos tonos aleatorios. Ahora sólo voy a pintar realmente las ruedas y tal vez añadir una sombra. Eso es muy importante y agregando la sombra también aquí se puede ver que me estoy extendiendo hacia la derecha, para que ahí esté la sombra. Ahora para los detalles interiores, creo que solo cambiaré a un pincel talla 4 porque esto es un poco demasiado grande para ello. Aquí está mi pincel talla 4 y lo que voy a hacer es, me voy a llevar lavanda. En realidad es mi mejor preferencia al tratar pintar esas áreas sobre las que necesito reflexionar. Mezclo la lavanda con casi todos los demás colores sucios de mi paleta y creo diferentes tipos de colores. Esta es la razón por la que había recomendado lavanda en mi historia en realidad, para que puedas ver creé un poco gris afuera. Nuevamente, todo lo que voy a hacer es solo correr esto y se puede ver cómo lo estoy haciendo, es como una mezcla mezclada, dejando algunas áreas blancas aquí y allá. Lo mismo hacia ese lado. Entonces probablemente sólo agrego algunos puntos oscuros en mi autobús en lugares aleatorios. Sólo algunos pequeños detalles. Ahí. Ahora necesito agregar un poco más de detalle sobre la región de autobuses. Quieres que oscurezca en algún lugar. Dale un poco de dimensión. Aquí estoy usando una versión más oscura del amarillo. Usé amarillo Nápoles, así que voy a ir por ocre amarillo. Si usaste un amarillo normal, mezcla un poco de naranja con ese amarillo para conseguir esa versión poco más oscura, y luego aplica eso. Eso es un símbolo a añadir. Acaba de agregar y luego tal vez unas líneas o lo que puedas agregar, y luego volveré a tomar mi negro. Probablemente va a agregar algunas líneas alrededor las líneas fuera del autobús y tal vez conseguir la forma de las ruedas un poco más, darle a esa sombra un poco más de dimensión. Agrega esa otra rueda. Sólo pequeñas cosas que necesitamos cuidar. Aquí, necesito pintar la parte superior del autobús. Lo que he hecho es que apliqué un poco de ese negro y luego sólo lo voy a tirar hacia el otro lado que acaba de ser parado y se puede ver que se extiende, y entonces tal vez escribir algo. Si quieres, puedes tenerlo anotado en rojo. O sea, cualquiera que sea el color que elijas. A lo mejor añadí un poco de mota de rojo por ahí y tal vez si quieres agregar algunos detalles o diseño, puedes agregar rojo. Es simplemente totalmente, ese es el punto completo de esto, que es completamente aleatorio y no hay regla específica, y obviamente otra vez, el siguiente punto es agregar en las luces que lo harían blanco. Hay diferentes maneras de realmente agregar en las luces. Artista, típicamente podrían usar pintura blanca, lavado blanco, o incluso podrían aplicar líquido de enmascaramiento al principio en las áreas que se supone que son realmente blancas porque hay un límite en cuanto a la blancura que se puede conseguir con estas pinturas. Esa es la razón por la que es que he añadido algunas motas de blanco. Pero creo que quiero sumar un poco de rojo en los lugares. Acaba de agregar una pequeña cantidad de rojo. Es luz blanca, pero luego tiene ese pequeño rojo debajo. Básicamente está tratando de hacerlo lo más simple posible. A lo mejor podemos añadir en las escobillas del limpiaparabrisas ahora. Creo que esto está seco, sí, está seco. Acabo de agregar una línea simple y lo mismo que estoy haciendo al otro lado, entonces se puede tener una clara distinción entre algunos de los bordes así. Todas estas son cosas que solo puedes improvisar y hacer por tu cuenta. Lo que voy a hacer ahora es que sólo voy a tomar un poco de amarillo y hacer esa línea distinta en la parte superior. Ahora eso parece como si fuera tono más claro, esto es más claro y eso es más oscuro. El semáforo no es de aquí, sino de arriba aquí. Por eso tenemos esa zona como más clara y la sombra está hacia el lado derecho para que podamos fortalecer las sombras. Aquí estoy usando el gris de Payne y solo haciendo las ruedas y luego agregando un poco más. Ahí está la sombra más grande que es la sombra más oscura y luego viene el semitono. Pero cuando estamos pintando cosas como esta, no tenemos que ir en profundidad detallando cómo sería la sombra de objetos curvados. Esto es totalmente suficiente, y ahora para el segundo autobús creo que lo voy a hacer un tono más claro de verde oliva. Simplemente yendo y aplicando mi verde oliva a todo mi autobús. Entonces todo el asunto de las pinturas tales cosas es no tenerlo en un solo color, sino más bien agregar puntos y pinturas de algunos otros colores en ciertos lugares. Aquí lo vería contaminado con siena quemada. Se puede ver acabo de añadir alguna mota de siena quemada en ciertos lugares sólo para contaminar esa pintura, sólo le agrega belleza a nuestra pintura, diría yo. Ahí consiguiendo mi verde oliva otra vez. Aquí lo que voy a hacer es no pintar las luces, quiero saltarme esas regiones donde se queda blanco. Ese es el autobús pintado. A lo mejor le agrego un poco de región oscura y el costado, y luego por supuesto, esta región alta y tal vez un poco de siena quemada como la espalda. Para que veas que acabo de añadirla. No siempre es siena quemada. Puedes elegir el color que sea y tratar de agregar algunos como punto o [inaudible]. Es solo que principalmente porque estos objetos que vemos en real no son solo de un solo color, por lo que solo necesitamos improvisar e intentar agregar diferentes colores. Aquí voy a asumir que la luz es de este lado. Estas zonas van a ser ligeras y también lo es el lado izquierdo del autobús van a ser más oscuro y el lado derecho más ligero. Por eso voy con una versión más oscura de verde oliva, y se puede ver que se pone más claro hacia el lado derecho. Ahí. Tomando un poco de siena quemada, probablemente agréguelo ahí. Ahora por el centro al vamos con el gris de Payne. Aquí aplicando el gris de Payne en el centro y se puede ver estoy dejando deliberadamente espacios en blanco en el medio. Ni siquiera tienes que molestarte en llenar todo el asunto es solo tratar de meter espacios en blanco en el medio, como cubrirlo al azar y esos espacios en blanco aparecerán por sí mismos. Hagamos lo mismo por esto. Aquí puedes ver que mi pincel no está tan mojado, así que me dan estos trazos difíciles eso es lo que dije sobre tratar de conseguir espacios en blanco. Ahí. Acaba de agregar algo. Ahora después de eso, puedes seguir adelante y empezar a sumar en los detalles. Sí, esta era la puerta, así que no se suponía que fuera verde oliva en el medio, así que está bien, vamos a cubrirlo. En realidad puedes levantar pintura de esa región y llenarla con un color diferente, probablemente iré por lavanda ahí en el medio, mi ir a color. Puedes agregar como tonos de lavanda. De nuevo, esto es como dije, no tiene que ser siempre lo mismo. Sólo estoy agregando, improvisando y agregando según mi deseo. La moción que ahora he hecho es que te la enseñe. Acabo de sostener así mi pincel y luego usando mi pintura de lavanda, acabo de hacer eso en ciertos lugares. Tengo algo así en mi autobús. También puedes hacer lo mismo con diferentes colores. Aquí tengo negro en mi pincel, y probablemente haré lo mismo. Ves, está casi seco. Ahí agregó algo para dejarme solo crear una linda frontera. Ver, agregó algo de rugosidad. Si lo deseas, en realidad puedes usar tu pincel para esparcirlo así. Como dije, es totalmente tu deseo en cuanto a cómo deseas tomar esto. Ahí, agregué un poco de gota de lavanda en ese lado. Ahora solo sumemos algunas líneas. Nuevamente, no necesitan ser perfectos. En realidad, quiero que esas líneas sean más detalladas. Voy a cambiar a mi cepillo de tamaño más pequeño. Este es un pincel talla uno. Lo que voy a hacer es que simplemente no voy a completar todas las líneas, así que asegúrate de cerrar. Esto está demasiado lejos posiblemente, por lo que si miras las líneas, son altamente incompletas. Esa es la clave, no tratar de llenarlos todos. A medida que te acercas, puedes intentar que sea un poco más detallado. Pero más lejos, no necesitan ser detallados en absoluto. Ves, acabo de añadir algunas cosas, y tal vez una frontera. Escribió algo al frente. A lo mejor los detalles en el frente. Algunas líneas. Podrías hacer esos incluso con verde oliva también. Simplemente agregando unas líneas o algunas cosas con verde oliva. Esto es muy diferente al proyecto de 100 días si realmente has tomado eso. justo tan diferente. Incluso el proyecto de clase es diferente. Aquí, me estoy tomando un poco de rojo y lo aplicé hasta el final. Apenas un poquito del verde oliva. Yo quiero aplicarlo al lado izquierdo. Como dije, la luz es de aquí, así que quiero mostrar las partes oscuras del autobús. Creo que el autobús ya está bien para ir. A lo mejor podemos sumar en las ruedas también. Esas son las ruedas del autobús. Entonces podemos empezar a sumar el fondo. ¿ Qué antecedentes agregamos? Esa es siempre la pregunta, ¿no? Tan difícil decidir qué antecedentes agregar. Creo que me voy a ir con marrón oscuro, o tal vez sin embargo me iré de inmediato por lavanda. Es solo mi color go-to en estos días. Eso se ve realmente bien; el verde oliva y la lavanda alrededor. Como dije, ve con tus instintos y elige el color de tu elección. No recojas lavanda sólo porque lo hice. Se supone que esta es tu pintura, así que elige el color que te guste y que quieras. Confía en mí, después de practicar todos estos elementos, va a ser tan fácil cuando en realidad vas a las pinturas principales porque estas pequeñas cosas en realidad conforman la totalidad del otro cuadro grande. Espero que todos estén de acuerdo con ese punto principal. Aquí, me voy a llevar un poco de marrón transparente aquí arriba en mi paleta. Simplemente lo voy a agregar a la base y tal vez a la parte de atrás, así que sólo añadiendo como fondo. Se puede ver claramente este color lavanda es muy bonito. Simplemente se mezcla con cada color para crear algún bonito tono violeta. Simplemente es tan útil. Aquí, tengo mi negro y esta vez voy por la sombra ahora otra vez. Pellizca gris o el color que estés usando, y empezamos a añadir la sombra. Ahí, he añadido la sombra. Ahora, se pueden agregar más detalles una vez que el autobús realmente se seque. A lo mejor podemos seguir adelante y agregar esa matrícula numérica. Si quieres sumar en nuestra reflexión, sería verticalmente abajo como dije, no como la sombra. Ves, en la pintura, ambos pueden no juntarse. Esa es tanto la sombra como los reflejos pueden no existir porque, obviamente, la sombra no se formará sobre una superficie húmeda, por lo que sólo se formará el reflejo sobre una superficie húmeda. Si hay un reflejo, eso significa que no hay sombra. Pero puede haber circunstancias vagas donde es brillante, pero sin embargo tampoco tan brillante, así que te pones un poco de ambos. Pero eso obviamente está demasiado fuera de nuestra liga por ahora. Déjame solo tratar de conseguir ese negro y cubrir mis ruedas adecuadas. Creo que ya se ve bastante bien. Todo lo que trato de hacer es solo mi TOC de tratar de agregar más detalles o este tipo de trazos. Te acuerdas dije donde uso mi pincel para tirar hacia abajo y crear algunos trazos, puedes usar eso. Pero sólo estoy tratando de crear otro tono diferente en mi autobús. Ahí, creo que ya es suficiente. ¿ Por qué hay un poco extra? Ahí, ahora la forma del autobús se ve increíble. Ya me gusta. Esto es lo que hemos hecho para hoy. Aquí, acabo de agregar los colores que hemos utilizado. la línea superior se muestran los colores principales y la línea inferior se muestran los colores que acabo de agregar aquí y allá, como el rojo que acabo de agregar. Igual aquí, el color de línea superior muestra los principales que utilicé, y la línea de fondo solo colores que usé aquí y allá. Son los colores que usé aquí y allá. Es solo totalmente de acuerdo a tu deseo y no tienes que ni siquiera usar los colores superiores también, igual que usé un fondo de lavanda. Pero puedes ir por un color diferente como puedes ir por un horizonte azul o rosa concha o cualquier color de hecho que tengas en tu paleta. Está totalmente basado en tu elección. Eso es lo que quiero que hagas. También para tratar de buscar diferentes fotografías de todos estos elementos y dibujarlas individualmente también porque eso te daría muchas ideas a su posicionamiento en cuanto a qué tipo de colores viene en el fondo también. Espero que te guste la de hoy. 26. Camiones: Ahora practiquemos el siguiente elemento, que son los camiones. Estos son todos vehículos ya sabes, pero entonces es bueno si puedes mezclar un auto, un autobús, y un camión o algunos de todos estos elementos a nuestro paisaje urbano o pinturas de paisaje urbano, razón por la cual quería cubrirlos. Si ya has practicado autos y autobuses, confía en mí estos camiones son literalmente muy fáciles. Vamos a seguir adelante rápidamente y tratar de ver cómo hacer uno. Aquí está mi punto de fuga, que estoy asumiendo. Digamos que voy a tener un camión por aquí. Sólo voy a usar mi regla para unas líneas rápidas en mi papel. Déjenme asumir que esta va a ser la parte inferior y tal vez estas son las ruedas. Podría necesitar cambiarlo más tarde, pero asumiendo que eso es correcto, esa es la parte trasera. Aquí va la parte del tráiler del camión, luego vuelve a venir de este lado, y ese es el lateral. Entonces obviamente, esto va a ser paralelo a la línea del horizonte. Aquí, obviamente esta es la línea del horizonte y ésta va a ser paralela a la línea del horizonte. Se trata del tráiler adjunto a la parte delantera del camión. Necesito volver a conseguir la parte delantera del camión. Asumo que eso es lo que va a ser la parte delantera de mi camioneta, ahí. Recuerda siempre la perspectiva, eso es todo lo que hay que saber en realidad. Estoy asumiendo que, ahí ese es el frente, lo que estoy viendo. Permítanme extender un poco eso y haciéndolo recto. Este es el frente. Esta curva de línea, tengo que encontrar la línea de perspectiva para eso. Va a ser así. El frente de la camioneta, esta es la ventana frontal. Porque todo esto está a un costado, por eso hay que ver eso a lo largo, por eso no lo estoy haciendo una línea recta. Pero si has visto la forma del camión, alguna manera es como una extensión hacia el medio, no es plano como al frente de un autobús, tiene algo. Es algo plano, pero hay diferentes formas y looks diferentes para cada uno de los camiones. Es solo de acuerdo a lo que quieras en realidad, así que ahí. Déjame hacer esto un poco recto, eso es posiblemente demasiado. Creo que eso se ve bastante bien por ahora. A lo mejor algo así y creo que la base es ir un poco más abajo. Sí, porque esta es la línea donde va a estar la rueda. Eso es justo y tal vez dos luces y lo que sea detallando ahí. Después las llantas. Esta parte también tiene en realidad una llanta ahí. En algún lugar van a haber las llantas. Permítanme simplemente agregar algo en perspectiva ahí. Mi suposición fue que la llanta se va a extender hasta así. Entonces vemos una pequeña parte del frente, ahí. Esa es una de las llantas. la misma manera en el otro lado vas a ver la otra llanta, así que recuerda esta distancia hacia el interior, esa distancia, esa distancia está ahí. El neumático interior va a estar en algún lugar de la camioneta y ves alguna parte de eso, ¿ves? Ahora por las llantas traseras. Estos tráileres van a tener muchas llantas también otra vez. Hay una, ya que es larga, supongamos que ahí tiene tres. Se puede ver que éste tiene que ser más grande que los demás. No voy a entrar en demasiados detalles por ahora, pero así es como es. Pero aún no terminamos, ¿ porque este top no se ve plano? Esto se debe a que aún no nos hemos unido a este rincón. Tenemos que ver un poquito de la porción oscura de nuestro camión. Pero en este camión, si quieres, puedes tener el tráiler como tráiler plano y solo tienes que ir con eso. Ahora se ve completo. Ahora parece un camión. En realidad, me gusta esto, no quiero cambiar la forma del mismo. Este es el trailer, solo algunos detalles o lo que quieras agregar. Sí, claro, un pequeño espejo sobresaliendo a un costado. Por lo general, los espejos a un costado son algo así de grandes, ahí. la misma línea, un espejo hacia un costado. Ahí, por lo que se ve bien. Este es el camión. Por pintarlo, obviamente, no tengo que decirlo de nuevo. Tan solo tienes que ir con tus instintos y probar diferentes tonos de color y cómo puedes conseguir flojo variable en tu pintura. Es solo de acuerdo a lo que desees. Sólo intentemos algo aleatorio. Aquí lo que voy a hacer es, voy a tratar de pintar todo el exterior de la camioneta por ahora. ¿ Cómo pintamos todo el exterior de la camioneta? Lo que voy a hacer es, tengo mucha pintura aquí en mi paleta, mucha pintura sucia. Yo sólo voy a usar eso. No importa porque no quiero entrar y mezclar ninguna pintura fresca. Esta es una buena manera de agotar todas las pinturas de mi palet. Yo voy a hacer eso. Ahí, esa es bonita sombra. Simplemente voy a usar todo eso y ponerlo en mi exterior de mi área de camiones. Es solo que literalmente está usando toda la pintura sobrante de mi paleta, sin receta, por eso. Simplemente sigue adelante con lo que tengas. No se escatime al respecto. Puedes optar por ir con un color específico también, es totalmente tu deseo, si quieres crear un fondo específico para ello. No quiero que esta clase sea algo donde elijo un color específico y luego copie exactamente lo mismo. Yo sólo quería que estuvieras experimentando y descubrieras las cosas por tu cuenta. Lo clave es que crees una identidad para ti mismo tratando de entender todos estos conceptos y conseguir un hackeo de cómo pintar todo esto por ti mismo, en lugar de seguir a un solo artista en alguna parte. Ahí hay un poco de verde oliva, solo lo voy a agregar en algún lugar ahí y en el fondo. Es demasiado oscuro para ser verde, porque tengo muchos marrones y tengo este tono negro lunar en mi paleta de alguna pintura que hice antes. Eso es algo que tenemos. El motivo por el que lo he pintado así es porque en realidad quiero conseguir un poco de color más claro para mi camioneta. No quiero que sea tonos más oscuros, quiero que sea un blanco más claro o algo así. Aquí está un poco de, creo que esto es más ligero el gris de Payne. Sólo voy a usar eso y lo voy a dejar caer al interior de mi camioneta, sólo un poco al azar. Entonces voy a esparcir eso por ahí para que consiga ese tono más claro y parte de la pintura de abajo se va a beber. Como pueden ver, está bebiendo hasta el interior de mi camioneta, eso está bien. Voy a caer un poco más y el frente también. Aquí, permítanme asumir que la luz viene de arriba. Entonces esta región va a estar en la sombra porque no está recibiendo luz alguna. Tendremos que pintarlo un poco más porque no está recibiendo luz, así que ahí. Creo que tal vez pueda recoger un poco más del gris de Payne y sumar a esa región. Se me cayó un poco de agua ahí mientras estaba pintando, pero está bien. Es sólo un fondo. De todos modos, aquí está la parte interior del camión. A lo mejor vamos a añadir algunos pedacitos de sombra y algunas líneas o algún detalle porque está en el trailer, no va a ser esencialmente blanco. Acaba de caer en algo de pintura si quieres, dejando caer alguna otra pintura también. Creo que iré con siena quemada. Tengo gusto por estos tres colores aquí. Esa es mi preferencia personal. Acaba de caer en algo de pintura. Nuevamente, nada en particular. Entonces obviamente otra vez, tenemos que pintar eso. El vaso de esa región frontal, solo estoy usando un tono más claro del gris de Payne. Voy a agregar un poco de agua para que mezcle esa zona en. Entonces voy a caer un poco de lavanda en alguna parte. Ahí. He caído un poco de pintura de lavanda, te caerás un poco de amarillo [inaudible]. No hay razón específica solo tratando de conseguir ese cristal reflectante. A lo mejor hay algún elemento aquí que está hecho de amarillo [inaudible], así que se está reflejando en ese vaso. Simplemente no lo sabemos. Es simplemente totalmente aleatorio. No tiene ninguna razón específica de por qué estoy haciendo eso. Está bien. Acerca del frente del tráiler, por lo general he visto camiones, en su mayoría son blancos. Solo estoy tratando de pensar en un buen color que podamos agregar a ese frente océano. ¿ Qué tal esta concha rosa? No tengo ni idea de si va a ir bien. Está bien, no está mal. Esto es rosa concha pero como dije otra vez, ve con tus instintos y elige el color que quieras, sin presión. Cualquier cosa que quieras, solo estoy agregando un poco de rosa concha. He añadido un poco de concha rosa y probablemente necesito un tono más claro para las áreas y sombra. Ese es un tono más claro, y sólo voy a tener que mezclarlo junto con agua. Esto es porque como dije, estoy asumiendo que la fuente de luz sea de aquí. Estos bordes van a ser más ligeros que estas áreas. Esta zona tiene que ser más oscura. Esa es la razón por la que estoy aplicando un tono más claro a esa región. También lo es el tono más claro en la parte superior. No va a ser más oscuro, va a ser más claro por la luz. No tengas una ligera zona de oscuridad aquí porque este tráiler está bloqueando que la luz llegue al punto superior extremo allá. Pero va a ser más ligero hacia este fin. A lo mejor para conseguir ese color oscuro, lo mezclaré con un poco de alizarina. Eso fue alizarin en mi paleta aquí. He añadido algunos tonos oscuros. A lo mejor le daremos ese tono oscuro a ese top también, un poquito ahí. A lo mejor deja un poco ahí y lo extiendes. Eso se ve bien. A mí me gusta ahora. Necesito hacer que esta región de sombras sea un poco más oscura porque ambos colores me parecen casi iguales. Si queremos que la iluminación sea correcta, necesito que eso se oscurezca más. Aquí estoy mezclando el gris de payne. Básicamente todo el asunto es simplemente hacer asumir y observar dónde van a estar tus regiones de sombra y tratar de conseguir eso correctamente. Aquí está mi región de sombra, y esa es la cima. Eso ahora se ve mucho mejor. Acabo de conseguir que el gris de mi payne se filtre en mi rosa aquí. Sólo voy a tratar de deshacerse de eso. Eso se ve bien. De esto estaba hablando, donde solo necesitas observar e intentar averiguar dónde está tu sombra, dónde está tu luz. Ahora podemos seguir adelante y tratar de sumar esas vistas del camión. No voy a entrar en mucho detalle ni profundidad aquí, sólo agregando algunas cosas ahí. Lo mismo se aplica a aquí, algo allá. Ahora solo sumemos una sombra básica. Esto va a tener una sombra plana, pero deja un ligero hueco ahí entre camión. ¿ No dije que la luz es de aquí, así que entonces la sombra debería estar hacia el lado exterior, verdad? Creo que probablemente necesitamos extender un poco más eso. Este lado posiblemente va a estar en la sombra. Este lado izquierdo no va a tener mucha sombra. Déjame aplanar eso. La sombra va a estar hacia el otro lado, porque asumimos la luz desde aquí. La luz de algún lugar en la parte trasera aquí. Por eso tenemos alguna sombra así. No es perfecto por el momento, pero solo estamos tratando de entender las formas por ahora. Cuando esto se seque, puedes agregar un poco más de detalle a las llantas. Esto para secarse antes de que podamos agregar más detalles. Déjenme simplemente levantar algo de pintura para que consiga la dirección de la sombra correctamente. No está mal. Ahora lo que solo queda es agregar algunos detalles al frente. Aquí he cambiado a un pincel de tamaño más pequeño, y me voy a ir con un payne gris o negro más oscuro o lo que tengas. Vamos a añadir en los espejos, y entonces tal vez añadir en limpiaparabrisas o algo así. No sé qué hay ahí, algunos detalles. Algunas líneas. A lo mejor aquí hay una ventana o una puerta donde el hombre pueda salir o el conductor pueda salir. Eso es como una porción de puerta. Tan solo algunos detalles menores. Ahora lo ves ya se ve un poco completo. Yo sólo voy a tomar un poco de alizarin y añadir en algún lugar, así que las luces van a ser blancas, pero creo que vamos a sumar un poco al lado de la luz. Entonces obviamente si quieres probarlo en las luces, puedes seguir adelante y recoger algo de pintura blanca y dejarla caer ahí y tener tus luces. Si quieres que reflexionen, entonces puedes hacer eso también. Todo solo se basa en tu juicio cuando intentas pintar. Pero, ¿entendiste cómo estaba tratando de agregar más o menos algunas cosas, así que sólo voy a hacer que esta ventana aquí sea un poco más oscura. Aquí le he agregado algo. A lo mejor algo y tal vez puedas ver la silueta de alguna persona necesitaba ser detallada, pero hay algo ahí. Ahí hay una plata de una persona sentada dentro. No lo estás viendo a detalle. Te acuerdas de que te mostré antes. Es sólo sostener tu pincel así y simplemente dibujar algo alineado así. Eso daría algunos detalles. A lo mejor voy a caer en algunas líneas o detallar también en esto. Algo o tal vez como si quieres darle a esto una marca o algo así. A lo mejor, está escrito algo que nos llame. Esta es la empresa, esta marca. A lo mejor hay un emblema o algo, sólo algo en eso. Eso es todo. Aquí he marcado los colores que hemos utilizado para este camión. Espero que te guste sólo para seguir adelante y marcar lo mismo que has usado. Aquí esto es en realidad de nuevo, recogí de los datos de mi paleta y agregué allí. 27. Personas. Parte I: Ahora veamos cómo vencer a la gente en nuestros paisajes urbanos o paisajes urbanos. Estoy tratando de cubrir todos estos elementos más pequeños primero antes de poder meterme en los más grandes como faros o edificios como tales, por lo que hay elementos enormes. Por eso trato de cubrir primero a todos los más pequeños. Gente, como saben, es uno de los elementos más importantes en un paisaje urbano o pinturas de paisaje urbano. Si pones algunas figuras en ese cuadro, ahí es cuando cobra vida. De lo contrario, por ejemplo, si solo estás pintando plaza de la ciudad o algo así y no hay gente en ella, parece vacía, no parece real porque tal escenario nunca ocurre. Siempre hay gente, aunque esté en la carretera o en cualquier lugar. Incluso si solo estás poniendo una figura ahí dentro, es bueno tener en cada una de estas pinturas de paisaje urbano o paisaje urbano. A menos que sea de una sola vez algo donde estás pinta algo abandonado lugar vacío o algo así. Hay bastantes cosas que necesitamos entender cuando estamos tratando de pintar personas o figuras en el paisaje urbano. En primer lugar, no necesitan ser detallados. Simplemente necesitan ser boceto rudo o figuras ásperas porque considerando la longitud total de los edificios y toda la imagen en perspectiva, estos son muy pequeños, por lo que ni siquiera hace falta dibujar la cara ni nada correctamente, simplemente no necesitan serlo. Pero luego hay ciertas cosas que necesitan ir justo en pintar figuras en paisajes urbanos o paisajes urbanos. Estas cosas son básicamente la forma, composición, la estructura y todo eso de la gente. Veamos las cosas que hay que ir correctamente cuando se trata de dibujar a la gente. En primer lugar, obviamente, la perspectiva debe ser correcta. Ya hemos mirado lecciones de perspectiva. La perspectiva de la gente necesita ser correcta, la forma o la forma necesita ser correcta, y obviamente, lo último sería la sombra. Hay más elementos involucrados como por ejemplo, la forma y la forma, puedes dividirla en el gesto, lo que significa la forma en que están de pie o lo que están haciendo en esa escena en particular todo eso. Pero no necesitamos entrar detalladamente en eso mientras solo estemos tratando de dibujar a gente pequeña en nuestras pinturas. Si queremos hacer, también podemos hacer otros más grandes, pero aún así no tenemos que dibujar ningún detalle en ellos. Ahora entremos a cada uno de estos en detalle. Perspectiva. Con respecto a la perspectiva, eso es algo que debes saber. Al pintar a la gente, todas las cabezas de la gente van a estar en la línea del horizonte. Si tienes una línea de horizonte como esta, cada persona en esa imagen, las cabezas deben estar en la línea del horizonte. El motivo de esto es que cada vez que estamos pintando una escena o un cuadro, estamos asumiendo que estamos mirando ese cuadro y la línea del horizonte estaba a nuestro nivel de los ojos. Entonces dondequiera que estés, tu nivel de ojos es la línea del horizonte. Entonces todas las cabezas de la gente de donde estabas parado. Digamos que este eres tú, estás de pie en alguna parte y hay otras personas de pie en otra parte. Pero a pesar de que están literalmente tan lejos de ti, su nivel de ojos o el nivel de la cabeza va a ser igual que tú. Hablo de un adulto, no de un niño aquí. El nivel de los ojos o los niveles de la cabeza van a ser los mismos. Las únicas diferencias van a estar en las alturas de la gente que es diferentes alturas. Considerando un promedio, todas las cabezas deben estar en la línea del horizonte. Ahora veamos cómo funciona en perspectiva. Asumamos la primera persona en algún lugar aquí, también, siempre el punto de fuga, y siempre hay que recordar todos esos puntos. Asumamos la primera persona en algún lugar aquí, esa es la primera persona, creo que necesito extender un poco las piernas. De todos modos, no estoy dibujando a la gente en detalle ahora mismo, así que eso es una primera persona. Digamos que de otra persona? A la altura de los ojos cuando veo, así es como alrededor del punto medio de la cabeza, así que por eso he hecho la línea del horizonte en el punto medio de eso. Primero marquemos los lugares, pero quiero mostrar cómo va a funcionar la perspectiva en su lugar. Digamos que quiero dibujar aquí a una persona, luego quiero dibujar a una persona aquí, tal vez a otro hombre aquí, otra persona aquí, a otra persona aquí. Estos van a ser sus pies. ¿ Cómo íbamos a hacerlo? Estamos considerando la perspectiva porque las puntas de flecha siempre están en el horizonte. Es así como van a disminuir las longitudes de las personas. El que está parado aquí, su cabeza aún va a estar en el horizonte, entonces su cabeza va a ser pequeña. Va a estar justo ahí en medio, y ese es su torso. Entonces esa es la persona parada un poco más lejos. ¿ Qué tal esta persona? Creo que esta no era la misma línea. Eso fue completamente innecesario. En fin, esa es esa persona. ¿ Qué tal esta persona? Está literalmente lejos en la imagen. Entonces va a ser literalmente diminuto. Apenas nada, casi, sólo tan visible porque eso va a ser todo su cuerpo, pero entonces las cabezas están en línea del horizonte. Eso es lo que tenemos que recordar. ¿ Por qué no dibujé esta línea en el mismo lugar? Vamos a moverlo aquí abajo. Mudarse aquí abajo significa que la persona va a ser tanto. Otra cosa que necesito decirles antes de dibujar esto porque esta es la longitud de la persona y donde las cabezas están en proporción al cuerpo de toda la persona. Ahí es donde esta forma de corte entra en la cabeza las formas. Típicamente una persona debe ser de 7-8 cabezas. Esa es la longitud de una persona. Escojamos un bolígrafo diferente. Si dibujas una cabeza de este tamaño, entonces la longitud de la persona debe ser de aproximadamente 7-8 cabezas. Si quieres, puedes ir por 7.5, 7-8. Digo 7-8 a eso son las diferencias de altura promedio entre diferentes personas, así que eso sería 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, así que como en algún lugar aquí, esta va a ser la altura total de una persona con la cabeza de este tamaño, bien, entonces esta es la referencia principal. Su estatura va a ser mala, así que esta persona, supongamos. El torso o la parte superior del cuerpo de esa persona va a estar alrededor, así que ese es el pecho, cintura y los demás. Eso es que entonces la parte inferior. El primero es la cabeza, luego tres cabezas hacia abajo para el cuerpo. Entonces el resto de ella van a ser las piernas que no tienes que dibujarlo con claridad, solo estoy delineando más o menos esto va a ser la longitud de esa persona. Es así como se dibujaría una persona y la mano de esa persona va a estar aquí abajo, eso son 1, 2, 3, 4 cabezas hacia abajo de la cabeza, aproximadamente. Es así como dibujarías a una persona. Dije que esto es una línea, así que necesitamos encajar persona o gente. Es decir, necesitamos caber ocho o siete cabezas aquí. Simplemente aproximadamente, aproximadamente, creo que esta es esa altura. Eso significa que esta es mi cabeza probablemente, y entonces ese es el cuerpo de mi quinta persona. Ahí está mi persona. Este hombre ahora es más grande porque está más cerca de la persona que está viendo. Por eso es algo grande. Esta va a volver a ser una persona más grande, porque está más cerca del espectador que está en algún lugar de aquí. Esa persona va a tener una cabeza un poco más grande. Pero de nuevo, siempre la cabeza va a estar en el horizonte. Simplemente voy a dibujar el torso superior. Ahí está la persona. ¿Ves cómo trabaja la gente en perspectiva? Así de sencillo es. Ahora, sé que mostré todos los bocetos. Déjenme decirles rápidamente cómo esbozo a estas personas. Básicamente dibuja un óvalo para la cabeza. No dibuje un círculo porque es un óvalo. Entonces recuerda este punto para que los hombros no lo hagan curvado o aplanado porque eso destruiría la forma de la persona así que la hagan ligeramente inclinada, así. Cuando estés dibujando a una persona más cercana, no dejes un poco de espacio para el cuello también. Pero para estas personas, solo necesitas dejar un diminuto espacio de puntos, he dejado un poco de espacio angulado así y luego derribar el cuerpo. Simplemente calcula aproximadamente tres cabezas hacia abajo 1, 2. Tres, ahí es donde va a estar el cuerpo. Por el lado, sólo para mostrar tal vez una pequeña parte de la mano o algo así, por eso hice una forma como esta. A lo mejor esta mano va hacia adelante, frente y esto es hacia atrás, por eso alguna forma como esta. Entonces hacia abajo, ¿cómo lo vamos a hacer? Necesitamos 3-4 cabezas, así que 1, 2, 3, 4 aproximadamente va a haber los extremos de las piernas. Al pintar figuras en paisajes urbanos, todo lo que necesitamos es sólo marcar los pies, algo así. Porque esencialmente, no están ahí parados, en realidad están caminando. Cuando están caminando, solo ves las piernas, porque cuando estás caminando, estás haciendo este movimiento. No se ve la pierna ahí parada así, a menos que estén específicamente parados ahí en el punto. Pero así es como dibujarías a una persona. Bocetos, pero no hace falta dibujarlos, pero yo estaba tratando de explicar aquí el concepto de perspectiva. Esta persona no está incluida en esta imagen. Es una persona fuera de la persona de pie en otro lugar, porque no es correcto en perspectiva, así que no asuma que forma parte de este cuadro. Te estaba mostrando cómo dibujar a una persona. Ahora que ya has visto cómo bosquejar a las personas en forma y forma de perspectiva, veamos cómo podemos pintar a las personas en un paisaje urbano. Esencialmente, sólo estaríamos agregando leves marcadores para las figuras en perspectiva al pintar un paisaje urbano o de un paisaje, es cuando lo dibujamos, pero sólo agregaríamos en la gente en forma real sólo mientras pintamos. Veamos cómo podemos hacer eso. Vayamos con color gris para nuestra gente. Aquí solo estoy mezclando suficiente gris en mi paleta. Tengo unos grises. A lo mejor le mezclaré un poco de azul para que consiga un tono azulado solo para que sea un poco más fresco, porque quiero que sea un poco más fresco. Eso es suficiente. He mezclado mi indentry en azul con el gris de Payne. Por las cabezas, voy a ir con siena quemada. Voy a mezclarlo con un poco de naranja permanente o naranja transparente, así que siena quemada mezclada con naranja transparente. Ahí, tengo el color. Veamos cómo pintaríamos figuras. Yo sólo voy a mostrar pintura general de algunas figuras ahora, no las voy a poner en perspectiva todavía. Recoge tu gris. Lo que vamos a hacer es, primero, dibujaríamos un pequeño óvalo para la cabeza, claro. Entonces lo que vamos a hacer, es que vamos a hacer exactamente lo que hicimos con el boceto. Eso es para los hombros, deja como un posiblemente un poquito de espacio, luego extiende los hombros hacia abajo. Bajar los hombros así, y únete a ellos si quieres. Es bueno si dejas un ligero hueco ahí en el lugar intermedio, parece como si fuera un abrigo o un jersey o algo en la parte superior. derecha consigue ese torso, y tal vez voy a añadir ese ángulo en el costado así, ¿recuerdas la forma que te había mostrado? Eso es 1, 2, 3? Sí. Ese es mi torso superior. Entonces para las patas inferiores, todo lo que necesito hacer es simplemente extenderla hacia abajo. Ve así es como va a ser la gente. Existen diferentes formas de bosquejar a la gente en una pintura de paisaje urbano. Déjame mostrarte otro. Esa es la cabeza. Aquí hay otra forma en que puedes hacerlo. Una vez que hayas hecho la cabeza, dibuja una línea usando tu pincel hacia un costado así. Entonces el otro lado, dibuja una forma de V. Ver una forma de V. V como en una V frente a este lado, por lo que una forma de V. Asegúrate de cubrir tres cabezas hacia abajo, 1, 2, 3, esa es la marca de tres cabezas hacia abajo. Ahí, eso son tres cabeza abajo y cuatro cabezas abajo, cuatro o tres cabezas abajo. Vayamos con 3.5 cabezas hacia abajo. Esa es la pierna, puede hacerla más delgada y la otra pierna hacerlo más corta, esto se debe a que este paisaje urbano que el hombre está caminando. Está caminando, por eso la otra pierna está atrás. Eso es lo que está pasando. También tenemos que considerar el hecho, ¿cómo caminamos? Cuando caminamos, cuando ponemos la pierna derecha hacia adelante, creo que nuestras manos también van hacia adelante. Eso es algo de lo que tenemos que cuidar. Ahí está la cabeza, esas son las dos líneas. ¿ Qué pierna vamos a acortar? Digamos que vamos a acortar la pierna derecha igual que ésta. Entonces si dibujamos el hombro algo así para esta persona, mira, creo que esto tiene más sentido que éste. Porque aquí dentro, la parte de la mano y la pierna acortada están ambos en la misma dirección. No creo que eso sea posible caminar así, porque cuando caminas, cualquiera que porque cuando caminas, sea la dirección que estés caminando, ese es el lado donde después tienes la mano. Pero nadie puede sentir la diferencia entre estos dos, así que no te molestes demasiado. Estas son diferentes formas en las que puedes bosquejar. Vamos a probar persona algo más grande ahora. He dibujado una cabeza más grande, puedes ver, hacerlos ovalados siempre. Oval, y a un costado, sólo una línea como esa. Entonces hacia este lado, tal vez hagamos una forma de V, una pequeña curva forma de V, y 1, 2, 3. Sí. Entonces la pierna, 1 2, 3, ese va a ser mi punto. Ahí, esa es mi persona. ¿ Ves lo sencillo que es? Incluso puedes tener las cabezas más pequeñas, pero una cabeza más grande va a hacer que la persona se vea rara o fuera de proporción. Eso es algo que tenemos que notar. Ahora, déjame mostrarte otra forma de pintar a la gente. Eso sería usar esta mezcla de siena quemada que hemos hecho, por lo que las cabezas estarán usando siena quemada. Esa es la cabeza, y tal vez un poco de cuello para el cuerpo. Entonces puedes seguir adelante y usar el gris otra vez, para el cuerpo de la persona. Eso es demasiado pequeño, sólo necesitamos hacerlo más grande, 1, 2, 3. Va a ser hasta aquí. Ves, esa es otra persona. No siempre tienes que dibujar todo con el negro mismo, puedes ir por otros colores también. Tal como, intentemos, si estoy dibujando a otra persona aquí con una bonita cara ovalada, y digamos, me voy a llevar un poco de Alizarin. Dibujemos el torso de esa persona con Alizarin. mí me gusta dejar un ligero hueco en el medio , muestra diferentes reflejos en el cuerpo. Ahí, ese es el torso, 12 3. Entonces por las piernas o los pantalones, me voy a ir con el mismo color también, ya que en voy a ir con el gris mismo. Ahí, esa es otra persona cuando quieres agregar color. También hay tantas formas diferentes de dibujar a la gente, probar y practicar estos métodos para que puedas obtenerlos correctamente. Déjame decirte la diferencia entre estos dos, esta persona se aleja de ti, porque por eso su rostro está cubierto de negro. Pero si realmente quieres diferenciar entre las personas que caminan hacia ti y se alejan de ti, este es el método para hacerlo. Eso es gente alejándose de ti, sus cabezas serían negras, y la gente caminando hacia ti, sus cabezas serían de color marrón o naranja o de cualquier color que quieras darle a la cara. Entonces también, intentémoslo quizá, vistiendo un vestido diferente o algo así. Eso sería, hagamos a esta persona, entonces me voy a llevar un poco de Alizarin, asegúrate de dibujar dos hombros distintos. En realidad para dibujar hombros, solo asuma que estás haciendo una diminuta forma de V con un hueco en el medio, eso sería por cómo se formarían los hombros. Ese es el torso superior, entonces supongamos que esta persona lleva vestido o algo así. Siempre que vengas hacia el fondo, intenta reducirlo, porque eso hace que sea mucho mejor conseguir la forma en que están caminando. Después recogiendo un poco del gris de Payne, voy a sumar algunas sombras. Yo sólo voy a añadir unos tonos más oscuros al lado derecho, asumiendo que mi fuente de sol o luz es de la izquierda, pero puedes ir con la suposición que quieras. Entonces aquí está mi pierna, y esta pierna probablemente esté caminando. Ahí está, una mujer vistiendo un vestido o algo de ropa. Pero es bastante diferente, ¿no? 28. Personas. Parte II: Ahora déjame mostrarte más cosas. Aquí hay otra persona. Probemos eso. Voy a añadir a esta persona con el gris de Payne porque esa persona va a caminar hacia ese lado. Ahí está su cabeza. A lo mejor dibujemos una cabeza grande. Esa es su cabeza, y esa es su torso superior, así que 1, 2, 3, eso está aquí abajo. Dibujemos como una pequeña parte extra de mano ahí. Cuando digo mano, me refiero a decir este ángulo, eso es lo que está mostrando como si esa persona estuviera teniendo su mano un poco extendida afuera. No necesitamos dibujar demasiados detalles ni nada por el estilo. Ese 1, 2, 3, arreglamos la cabeza, ahora las piernas. Entonces 1, 2, 3, 4, aproximadamente hasta aquí. Así va a ser esta persona. Ahí está nuestra persona. Lo que quería mostrarte fue en realidad, puedes hacer que esta persona asumiera estar cargando una bolsa o algo así. Pero para eso, necesitamos que este gris de Payne se seque. Si bien esto se seca, rápidamente agreguemos algunas personas más para que podamos agregar en bolsas o cualquier cosa cuando se sequen. Voy a añadir otra persona aquí. Puedes añadir la otra pierna así, como te he mostrado. Desde el torso superior, solo hazlo más corto pero hazlo más corto hasta posiblemente el punto medio del otro. ¿ Qué tal si pintamos a dos personas caminando hacia nosotros? Hagamos eso. Ahí está la siena quemada, como la cabeza. Entonces voy a dibujar el cuerpo, 1, 2, 3, ese es el cuerpo, 1, 2, 3, 4, así que esa es una persona. Yo quiero dibujar a una mujer al lado de ese hombre. El jefe de la mujer es posiblemente un poco más pequeño y más corto. Se trata de una mujer corta caminando junto al hombre. Démosle algo de color a la mujer. ¿ Qué tal si la pintamos con un poco de azul brillante o azul más pálido. Ese es el lugar donde están tomados de la mano. No necesitamos dibujarlos a detalle. Pero de nuevo, ese es el torso. A dónde va el torso, 1, 2, 3, hasta allá, y asegúrate de que sus piernas se encuentren porque no pueden ser como parados en diferentes alturas. Por las piernas, qué quiero, iré con usar una banda o algo así. Déjame tomar el gris en sí. Están caminando en sincronía, ¿lo ves? Al igual que en ambas de sus piernas izquierdas vienen hacia nosotros. Así es como van caminando. Dos personas caminando juntas. ¿ Viste cómo uní las manos? En realidad no tienes que ir y unirte a ellos así y representar aquello. Pero justo ese ángulo, mostrar ese ángulo en el torso por ambos lados será suficiente para dibujarlos como si estuvieran caminando juntos. Esto aún no está seco, así que déjame secarlo rápidamente. Ya está seco. Déjame mostrarte de lo que estaba hablando. Estas personas se alejan de nosotros. Podemos agregar una bolsa o algo encima de ellas, y para poder agregar un color encima de este fondo más oscuro, necesitamos un color que sea opaco. Aquí es donde dije que debes entender las propiedades de las acuarelas para poder entender cómo podemos pintarlas. Cuando pintamos a algunas personas de negro y luego quieres agregar algo de color encima de ellas ve con pigmento opaco que es amarillo cadmio, naranja cadmio, rojo cadmio, azul real, azul ceruleo a verde turquesa, y cualquier tipo de pigmentos opacos. Esta información se puede encontrar en el tubo. Aquí lo que voy a hacer es ir con este color verde turquesa. Esto en realidad es azul horizonte, pero es como un color verde turquesa. Se puede tomar eso, y lo que voy a hacer es simplemente ir a trazar algo de línea en él. Déjame mostrártelo de cerca. Yo puedo hacer esto más cerca para que puedas ver, entonces tal vez algo así. Ahora parece como si esta persona tuviera una bolsa. Esencialmente no necesitas dibujar tanto la línea. El motivo siendo lo principal que dije, deja que el cerebro lo llene por ti. El cerebro del espectador llena muchas cosas. Al igual que cuando miras esta imagen, ya puedes ver a mucha gente empezando en diferentes lugares, y ni siquiera hemos dibujado nada en su totalidad. Esta es la razón por la que es tan útil cuando el cerebro hace el trabajo por ti. Entonces deja huecos, deja huecos blancos. No termines las cosas que estás dibujando. Simplemente añade belleza a las pinturas acuarelas, [inaudible]. ¿ Qué tal otro color? Creo que el amarillo Nápoles, sí, ese es un buen color opaco. Aquí está mi amarillo Nápoles. Recoge una buena cantidad de amarillo Nápoles. Como puedes ver, hay muy poca agua en mi cepillo. No vamos a ir por una técnica húmeda sobre húmeda, pero estamos tratando de conseguir unos trazos secos encima de esa persona. Para trazo seco, tal vez esta persona tenga una bandolera o algo así, déjame ver. Apenas [inaudible] algún golpe aleatorio en la parte superior y ya parece que está caminando hacia ese lado, lejos de nosotros, pero llevando una bolsa. Es así como puedes agregar gente a tus cuadros. Sé que estoy tomando mucho tiempo, pero sólo quería explicar claramente este concepto. Pero también hay una cosa que necesitamos recordar, la perspectiva. Al igual que en perspectiva no sólo lineal, sino [inaudible]. Aquí te voy a mostrar eso ahora. Asumamos que esta es nuestra línea de horizonte, y vamos a pintar muchas cifras. Pintemos aquí la figura, una figura aquí. Déjame dibujar otra aquí, otra aquí, y posiblemente otra persona allá, y tal vez otra allá. Estos son los lugares que voy a pintar las figuras. Veamos cómo resultaría eso, y algunos de ellos van a estar alejados de nosotros y algunos de ellos van a estar hacia nosotros. Primero dibujemos a esta persona más grande primero. Necesito meter ahí a esa persona más grande. Ocho cabezas lapso, 2, 3, 4, 5, 6, 7. Entonces mi cabeza un poco más pequeña que mi medida inicial. Asumiendo, creo que esto debería estar bien para la cabeza. Voy a darle un poco de color a esta persona. Creo que volveré con azul más pálido. No importan los colores que estoy usando aquí. Creo que obviamente ya lo entiendes. Estos son solo vestidos de la gente para que no tengas que pintarlos exactamente como en cualquier tipo de referencia que estés usando. Sólo tienes que ir con tus instintos y tratar, agregarlos, si sabes a lo que me refiero. Ahí está el hombro, luego viene un torso, por lo que 1, 2, 3. Ahí es aproximadamente donde va a estar el torso. Cuando estamos pintando personas más cercanas, en realidad necesitamos dibujarlas un poco detalladas. Pero aquí solo te estoy mostrando con el propósito de perspectiva, por eso. Entonces no es tan malo, la forma. A lo mejor puedo extender un poco para su cuerpo, y luego vamos a añadir como una mano para él. Está bien unirse a todos estos colores. Simplemente se van a fundir y crear ese efecto de acuarela. Eso está bien. Dibujemos las piernas. Ahí está esa persona. Creo que hice el torso demasiado pequeño, ¿verdad? 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8. Esta persona es en realidad una persona muy alta efectivamente. Calculé mal el tamaño de la cabeza, pero está bien. Simplemente se convierte en una persona alta. Como dije, tu cabeza puede ir más pequeña pero no la hagas demasiado grande. Eso es lo único. Ahora esta persona tiene una cabeza más pequeña y el torso más grande, pero entonces incluso entonces está bien porque sí se ve como una persona alta. Al revés no está bien porque entonces se ve raro en la pintura. No una cabeza grande, sino una cabeza más pequeña puede ir igualmente bien. Hemos agregado a esta persona. Si quieres agregar algunos detalles o algo así, puedes dibujar algo a un costado, como un poquito de umber quemado. Tan sólo una diminuta gota de línea que he hecho. Déjame mostrarte cerca. ¿ Ver? Sólo un poco de línea. Eso lo hace para las manos de la persona. Sólo lo estamos agregando porque está más cerca de nosotros y merece un poco más de detalle. Entonces si quieres agregar algo, más color, tal vez una chaqueta o algo así, acabo de añadir un poco de alizarina en su parte del cuello. Ahora lleva puesto un jersey azul o una chaqueta azul y dentro hay una camisa roja o algo así. Ahora para distinguir principalmente entre las personas en perspectiva. Aquí es donde la perspectiva aérea entra en panorama. Al pintar a la gente en perspectiva aérea, lo que tenemos que entender es que la gente más alejada debe ser más clara en tono. Recuerda la lección sobre perspectiva aérea. Esta persona tiene que ser mucho más ligera en tono. Usa un tono más claro y píntalo. Ya ves que esa persona es más ligera. Entonces, a medida que te acercas al espectador, puedes hacerlo más oscuro en valor. Esta persona, es un poco más oscuro. Es así como dibujarías a la gente en perspectiva aérea. Eso es algo que hay que recordar. Dibujemos a otra persona aquí. Está un poco más cerca nosotros así que entonces tiene que ser un poco más detallado. Su cabeza va a ser un poco más grande que ésta. Se aleja de nosotros, así que 1, 2, 3, ese es su torso superior. Ahí está esa persona. A medida que te acercas, necesitas agregar en ese detalle. Entonces hagamos que este tipo venga hacia nosotros. Nuevamente, su cabeza va a ser más grande que ésta obviamente. Esto es lo que dije que juzgué mal la cabeza. Su cabeza idealmente debería haber sido si fuera alrededor de este tamaño. Creo que ahora tiene más sentido con la altura. Eso está bien, no necesitas hacer la cabeza más grande. Ser más pequeño está bien. A lo mejor por el cuerpo, iré con lavanda esta vez. Uno, 2, 3; eso son tres puntos. Nuevamente siento que he juzgado mal la cabeza porque ya se puede ver lo grande que va a ser la pierna. Hagamos la cabeza más grande. Esa es la cabeza más grande, por lo que necesitamos un cuerpo más grande. Ese es el cuerpo más grande, 1, 2, 3. Ahí es donde entra la tercera cabeza. Después sus piernas. Ahora eso tiene más sentido. Puedes agregar algunas sombras más oscuras, si quieres, agregando en tono más oscuro a un lado. Simplemente escoge algunas sombras. Ahora cuando agregué esa sombra, se ve más mejor. Se puede ver cómo he conectado todos estos juntos, como en se ve la cabeza y luego la siena quemada en la cabeza está conectada un poco al cuerpo. Eso ahora parece un cuello. No dibujes a la gente y a los torsos juntos, porque eso lo haría parecer como si no tuvieran cuello. Por eso dije siempre salir como un pequeño hueco entre cada una de las personas. Entonces eso da la ilusión del cuello, el cerebro lo completa por sí mismo. De lo contrario, ni siquiera quiero mostrarlo en el papel, se va a quedar raro. ¿ Ves cómo has sumado gente en perspectiva? Si tuvieras que sumar más gente por atrás, dibujemos más gente junto a este hombre; todos van a ser más claros en tono para seguir la perspectiva aérea. Es así como se dibujan diferentes tipos de personas. Hay más formas en cuanto a cómo se puede bosquejar diferentes tipos de personas. Si quieres, en realidad no puedes simplemente pintar a la gente así en tus cuadros, sino que también puedes ir por personas en diferentes posiciones. Eso es más de una manera avanzada. Definitivamente te lo mostraré otro día. Descubramos esto por ahora porque esta ya es una lección larga y todavía me queda para mostrar la sombra de ella. Entonces he guardado pocas fotos en mi Pinterest y puedes ver tengo un montón de imágenes de personas en diferentes poses. Se puede ver que éste es como la gente en ciclo. Siempre que intentas pintar estos incluso, no tienes que dibujar todos estos detalles. Sólo hay que hacerlos, donde es negro, sólo conseguir los contornos de sus posiciones. Eso es lo que se conoce como el gesto o su pose, eso es lo que necesitas conseguir. Puedes encontrar tantas imágenes como esa. En realidad, lo que busqué es gente caminando y luego vino uno de estos y luego lo guardé. Entonces cuando fui hacia la parte inferior de la misma en Pinterest, esas son las imágenes similares en la parte inferior, encontré todas estas, así que las guardé todas en mi cuenta de Pinterest. Se puede ver que solo hay un montón de referencias que se pueden probar. De hecho, en realidad lo probé uno de estos. Esta no es una bicicleta normal, si estás confundido sobre la longitud de la misma. Esta no es una bicicleta normal, esta era una especie de bicicleta rara. No sé cómo se llama esto. Estas son algunas de las imágenes que probé. Esta era una anciana caminando, encontré esa foto y acabo de probarla. Como pueden ver, es sólo el gesto que he dibujado. No necesitas entrar en profundidades ni detalles. Mira la cara, solo es siena quemada y naranja. Lo que hice es, agregué un poco de ese verde en el área del cuello y luego agregué algunos trazos hacia la parte inferior, por lo que parece como si estuviera teniendo un chal o algo alrededor del cuello. Después agregué un poco de amarillo Nápoles y negro mezclado en la bolsa, así que es como si estuviera cargando una bolsa. Estas son solo cosas que solo puedes improvisar y agregar por tu cuenta. A lo mejor sólo voy a mostrar uno de estos para que lo entiendas, pero es muy difícil escoger uno de estos. Echa un vistazo a esto. Voy a probar a esta mujer, pero de nuevo, no necesitamos nada de ella para estar en detalle. Voy a estar dibujándolo minúsculo también. Esto es de lo que dije cuando tratas de conseguir las formas, no tienes que ir por detalles. Ese es el rostro de esa persona. Se puede ver lo diminuto que es comparado con lo que ya tenemos aquí. Esa es la cara y para el cuerpo, voy a ir con lavanda. No voy con exactamente los mismos colores también, se puede ver eso. Ese es mi torso. Esta persona es como si estuviera caminando hacia un costado, 1, 2, 3, eso son tres cabezas. Ella tiene la mano de alguna manera así. Ella está caminando en ángulo. Yo me llevo negro, no voy por las patas blancas. Esa es su pierna. Eso fue incluso demasiado largo para la pierna, no necesito tanta longitud. En fin, a ver dibujo la otra pierna más corta. Ahora parece como si estuviera de pie hacia este lado. Pero de nuevo, ese es mi punto, no necesitas obtener todos los detalles correctamente. Ahí está la mano de este lado. Se puede ver la siena quemada, pero eso está bien, y esa es la otra mano. Probablemente necesito esperar a que se seque si quiero agregar en una bolsa, pero entonces si quieres, solo puedes tenerlo conectado. Aquí está la bolsa en su cuerpo y hacer su línea. Ella lleva un abrigo, pero no quiero añadir eso. Pero mira que ya hay una persona y si quieres, puedes darle un poco de pelo en la cabeza ahí. Es así como dibujarías ese simple gesto, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, sí, el tamaño es correcto. Esto es lo que dije, así que inténtalo y practica con muchas fotos y lo harás bien. Ahora hay una cosa más antes de que terminemos esto que quiero mostrarles. Todo esto mientras les mostraba adultos, no les mostraba un niño. Un niño obviamente, las cabezas de los niños no van a estar en la línea del horizonte, porque si eres un adulto mirando esa vista, entonces el niño va a estar muy abajo en la línea del horizonte, debajo de tu vista. Solo agreguemos aquí a un niño para que te pueda mostrar. Además, las cabezas del niño son más grandes, los niños son más grandes. Veamos cómo dibujas aquí a un niño. Eso es un niño junto con este hombre. ¿ Ves cómo he añadido? Con respecto al niño, aproximadamente 5-6 cabezas, pero depende de la edad, ¿qué tan altas son, qué tan pequeñas son? Es mucha diferencia. A lo mejor vamos a hacer que se tomen de la mano. Todo lo que estoy haciendo es conectarlos usando una línea pequeñísima aquí. Ni siquiera tienes que conectarte, no lo he conectado completamente. Ahí se puede ver una ligera brecha, pero así es como ahora parece que ambos están caminando y este fue otro niño junto con él. Así es como pintarías. Ya has visto cómo ahora puedes agregar colores variados y tantas cosas que puedes agregar, solo haciendo estos pequeños trazos. Yo sólo voy a ceder en un chal o algo así al cuello de esta persona. Ya ves, acaba de agregar algo, por lo que parece que esta persona ahora tiene una lana, ¿cómo lo llamas? No puedo recordar ahora mismo. Algo ahí colgando, pero eso es todo. Puedes pintar todos estos de tantas maneras diferentes. Aquí esta persona posiblemente esté teniendo una camisa roja y un traje negro. Es así como dibujarías a la gente en pinturas de paisaje urbano o paisaje urbano. Mucho viene con la práctica, así que todo lo que tienes que hacer es encontrar imágenes así. Lo consigues en Pinterest, no va a estar desencadenando ningún problema de copyright. El principal cualquiera de las razones es porque no estás dibujando sus caras, solo estás tomando el gesto o la pose, eso es todo. Nadie va a rastrearlo hasta esto. Esto está absolutamente bien cuando vas a hacerlos tan pequeños como este y practicar a la gente así. Prueba y practica de diferentes maneras, diferentes poses, y obviamente lo conseguirás. Pero para las etapas iniciales, se puede entender claramente cómo es esto. Espero que te haya gustado este ejercicio de la gente de pintura. 29. Personas: sombras: Ahora entendamos cómo pintar la sombra de las personas. Antes de entrar en la parte de pintura, hay un poco de explicación que hacer. Obviamente, la sombra va a depender de la fuente de luz. ¿ Y la fuente de luz? Va a depender de la intensidad de la fuente de luz. Entonces va a depender de la posición o dirección de la fuente de luz. Posición o dirección, intensidad, por lo que estas son muchas cosas que van a importar. El intensidad de la fuente de luz, cuando la luz es intensa, las sombras van a ser más agudas, y cuando la luz no es tan intensa, entonces las sombras van a ser más suaves con bordes más suaves, entonces posición o dirección, así que básicamente, donde la fuente de luz está en relación con el objeto va a afectar la sombra de ese objeto obviamente. Nos ocuparemos más de sombras más adelante. Por ahora, solo te voy a mostrar cómo funciona la sombra de algunas cosas básicas para que puedas relacionarla con cómo lo haría con alguna persona. Básicamente, de nuevo, hay dos formas en las que realmente se pueden representar sombras en el paisaje urbano o una pintura de paisaje para las personas. Te voy a mostrar los dos caminos ahora. La forma más fácil de mostrarme esto para mí es así, así que voy a mostrar la primera vía ahora, así que esta es la línea del horizonte. Lo que voy a hacer en este momento es que voy a dibujar a mucha gente aquí, realidad, voy a ponerlos todos en una sola línea por ahora para poder explicarles esto con más claridad. Aquí hay algunas personas paradas en una línea, y ahora supongamos que la fuente de luz está aquí, así que esta aquí es nuestra fuente de luz, no tiene que ser el sol, puede ser una lámpara o lo que sea. Este es el primer método, artistas usan todos estos métodos, por lo que solo puedes ir con cualquiera de estos métodos. Para mí, el segundo método es el más correcto y el exacto en relación a la perspectiva, por lo que éste es el más fácil. Puedes ir con el que prefieras. Suponiendo que el sol está aquí, obviamente, los rayos del sol van a actuar sobre todas estas personas en todas las direcciones, por lo que llevando los rayos del sol a los pies de todas estas personas , a los pies. Así lo harías tú. Entonces déjame poner esa línea recta. Entonces ahí. Hemos añadido las líneas de perspectiva desde el sol, por lo que estas personas, sus sombras van a estar enfrentando algo así. Este es el primer método y el método más fácil de pintar sombras para personas en un paisaje urbano o pintura de paisaje urbano. Pero yo diría que esta no es la forma correcta, pero esta es la forma más sencilla, nadie se va a dar cuenta nunca de que las sombras no son correctas, así que no te preocupes por eso. Déjame mostrarte el segundo método. Además, este fue el método número uno. Segundo método, que creo que es el método más correcto es éste, por lo que suponiendo que, vayamos con diferentes colores sólo para explicarlo más claramente. Asumiendo que esta es tu línea de horizonte, y en lugar de la gente, déjame mostrarte con posiblemente palo primero, así que este es el palo con algo pegado, tal vez sea una luz. Entonces esta aquí es la fuente de luz, por lo que este punto aquí es la fuente de luz, por lo que la forma ideal de dibujar la sombra sería extender esta fuente de luz hacia el fondo y conseguir un punto ahí, y este punto se llama como el punto de fuga de la sombra, por lo que este no es el principal punto de fuga en nuestra línea del horizonte. En nuestra línea de horizonte, podríamos tener el punto de gestión normal en la imagen así. ¿Ves eso? Este podría ser el punto de fuga normal con tus elementos. Este es el VP normal. Esta es la sombra VP, por lo que la sombra VP es la línea que cuando se extiende verticalmente hacia abajo sobre la línea del horizonte, obtiene el punto, así que esa es la sombra VP. Ahora para dibujar la sombra, lo que necesitas dibujar es, ¿sabes la porción oscura de nuestro objeto? Extiende la parte superior de la luz solar hasta la parte superior de nuestro objeto en línea recta. Entonces desde la sombra VP, llévala al fondo, exactamente al fondo de ese punto. reunirán en algún momento, por lo que a lo largo de la línea desde abajo, así que ahora esta es tu sombra, por lo que esta es la forma ideal de dibujar una sombra. Es muy sencillo, no es complicado. Déjame mostrártelo una vez más. Asumiendo que esta es tu línea de horizonte, aquí está tu objeto. Esa es tu luz del sol, luego extiende eso hacia abajo a la sombra VP, SVP, y luego todo lo que tienes que hacer es desde arriba hacer todo el camino hacia abajo, y luego unir los fondos juntos, y se van a encontrar en algún momento, aquí está fuera de mi papel, pero ahí está la sombra, va a ser más larga, y va a estar mirando hacia un costado, así que así es lo idealmente que sería la sombra. En referencia a las personas, permítanme mostrarles eso. Déjame dibujar a algunas personas a lo largo de la línea del horizonte, igual que hice aquí. Aquí está la gente, y aquí está mi fuente de luz, así que extendiéndola hacia, este era nuestro horizonte, los niveles de los ojos de la cabeza, está en el horizonte, así que esta es la sombra VP. Veamos cómo dibujaríamos las sombras de todas estas personas. Para las sombras, a la primera persona, ahí va extendiéndose hacia afuera, luego desde el SVP, por supuesto, hasta el fondo de su pierna. Ahí, ese es el punto, así que su sombra va a ser algo así. Entonces, ¿qué pasa con esta persona? La cabeza de esta persona, otra vez así y hasta el fondo de su pierna, ahí. Ese es el punto. Esa es su sombra. Siguiente persona. Ahora puedes ver con referencia a esto, realmente obtienes la longitud de la gente también, así que déjame mostrarte la diferencia. Aquí, cuando estabas siguiendo este método, ¿cómo sabes qué tan alta es la persona? Al igual que en, ¿cómo sabes cuál es la longitud de la sombra cuando estás usando este método? No sabes cuánto tiempo necesitas para colocar a esa persona. Eso es muy difícil de entender porque todo lo que hice aquí fue simplemente dibujar una forma de V aquí. No sabía dónde van a estar los fines. Pero aquí dentro claramente tienes la longitud de la sombra por este método y también el ángulo es el correcto en este y no el otro, así que por eso dije siento que esta es la forma más correcta, así que obviamente cuando la persona está parado cuando la luz del sol está justo en la parte superior, es un poco complicado conseguir la línea correctamente, por lo que generalmente intenta no pintar o agregar personas directamente por debajo de la luz solar. Es posible obviamente la sombra estaría relacionada con su posición, así que cuando decimos que el sol está en la parte superior, no necesariamente significa que el sol del mediodía en la cima. Esto podría estar en ángulo en el horizonte, el sol, así que eso no lo sabemos. De todos modos, va a ser más corto, y así es como va a ser. Es así como obtienes las sombras de todas estas personas. Únete el sol a las cabezas y el SVP o la sombra punto de fuga a esos puntos. Aquí viene un escenario donde cuando estás extendiendo esta línea, va así y el SVP aquí. Para esta persona aquí está la cabeza luego del SVP al fondo ese es el punto, por lo que la sombra de esta persona. Esa es su sombra. ¿No crees que este es el método correcto para dibujar las sombras porque todo se ve claramente en perspectiva? Es así como añadirías las sombras de diferentes personas. Ahora, en este método hay una situación en la que crees que contradice. En realidad no es contradictorio. Lo que realmente está pasando es, aquí está. Si esta es tu línea de horizonte y es tu persona, déjame dibujar eso en un color diferente. Aquí está la persona. Esa persona está ahí parada y ¿qué pasa si la fuente de luz está demasiado cerca del horizonte? Esto fue como muy lejos del horizonte. Cuando digo demasiado cerca, es menor que la altura de la persona. Esta aquí es la altura de la persona, ¿y si la longitud de la fuente de luz desde el horizonte es menor que la altura de la persona? Ahí es cuando se desencadena este escenario. Si ponemos eso aquí así, en cualquier lugar por debajo de esta línea, cuando el sol esté por debajo de esta línea este escenario se va a desencadenar. Escuche Escuche Escuche. Voy a poner mi sol aquí, así que ahí está el SVP. Cuando esto suceda, intentemos dibujar la sombra en el método que sugerí. Simplemente verás qué pasa con esto. No está mal. Ahí va mi línea de sombra y ahí va mi línea de sombra de fondo. ¿ Cómo te unes a esto? Nunca se reúne. Esto no es porque esté mal. Esto se debe a que el sol o la fuente de luz ha bajado de tal manera que la sombra es infinitamente más larga, por lo que más grandes estos puntos no se unen. La sombra de esta persona va a ser tan larga, infinitamente larga. Cuando lo estás pintando lo pintarías tanto tiempo extendiéndote de tu papel y a medida que te alejas de la persona la sombra tiene que hacerse más clara y más suave y aquí, más cerca de la persona la sombra será más oscura y bordes duros no más suave. Lo dibujarías de tal manera que comienzas con un bonito borde duro y luego lo llevarías ablandado y poniéndote más claro pero la sombra es infinitamente grande y la razón de esto es porque el sol ha bajado mucho. En realidad experimenté esto con una fuente de luz. Lo que hice fue, intenté sostener un bolígrafo o algo así y luego tratar de experimentar y ver cómo se obtiene la luz. Aquí tengo mi teléfono y probando la sombra. Es muy difícil mostrar esto en una imagen pero puedes experimentarlo exactamente de esta manera usando un bolígrafo o algo y fuente de luz como tu teléfono, prueba a usarlo en una mesa o algo así, pon tu bolígrafo plano sobre la mesa. Después sostenga primero la fuente de luz por encima de la pluma. Entonces bájala lentamente y verás que la sombra se aleja y en cuanto tu teléfono o las herramientas de luz debajo del nivel de la pluma verás que la sombra es como infinitamente más larga e infinitamente como en ella es muy larga. Obviamente, se va a echar sobre los objetos o paredes cercanas pero verás que es tan largo y los bordes se vuelven más suaves a medida que se aleja de ese objeto. Esta es una forma en la que realmente puedes averiguarlo. Tan suave de esta manera y de esta manera es más oscuro. Así sería la sombra de esa persona. Ahora déjame mostrarte rápidamente cómo pintar eso. Aquí está nuestra gente. Necesitamos una fuente de luz para todas estas personas, por lo que la fuente de luz está aquí. Voy a dibujar diferentes fuentes de luz. La fuente de luz está aquí para este tipo, la fuente de luz está aquí para este tipo la fuente de luz está muy por encima de la parte superior, su fuente de luz es esta. Este tipo, tal vez la fuente de luz está aquí, para él está aquí. Por estos dos hagámoslo aquí. Para este tipo hagámoslo aquí. Estas son solo imágenes diferentes. Este tipo de aquí, para toda esta imagen, supongamos que la fuente de luz está ahí. Es así como quiero pintar todas las sombras. En realidad puedes intentar hacer unas sombras más suaves si quieres. Obviamente, necesitas conseguir el SVP. Como dije, la línea del horizonte está a los niveles de los ojos, por lo que es muy fácil conseguir eso. Ahí está la parte superior de esa persona. Esta persona va a tener una sombra infinitamente grande porque se puede ver que las líneas están convergiendo. ¿ Qué hay de él? Creo que también podría tener una sombra infinitamente grande. Sí. Pero la dirección de su sombra va a ser diferente dependiendo de la posición de estas fuentes de luz. Ves, éste va a ser el lado, éste es así. Para él de nuevo, esa es la línea del horizonte, el SVP. Todos estos están teniendo sombras infinitamente largas. ¿ Por qué no dibujé uno adecuadamente? Sí. Creo que este tipo va a tener una sombra adecuada. Sí. El ritmo de sombra va a ser así de largo. ¿Ves eso? En realidad vamos a cruzar sobre esta persona pero eso está bien. Su sombra, sé que es difícil cuando realmente estás en el proceso de pintura y vas a conseguir las sombras pero confía en mí, todo esto viene con un poco de práctica. Podrás ver que esto y solo conseguir que ángulos correctamente. Ahí, eso es todo. Este tipo y el SVP está ahí al fondo. Esta va a ser su sombra. Todas estas personas. Esa es su sombra. ¿Dónde estaba este tipo? Sí. Esa es la sombra de este tipo, ahí. Idealmente en nuestra imagen, no te preocupes, el sol no va a estar tan cerca. Va a ser como arriba en el cielo y la gente va a estar muy abajo en la calle. Entonces no vamos a tener tanto tiempo, así que no te preocupes por eso. En realidad para estas personas, hagamos la sombra un poco más alta porque no quiero que tengan infinitamente largas. Su sombra es la línea más larga, esta mujer sombra a lo largo de esta línea y desde el SVP está el crossover. Con todas estas personas, esta era la sombra, y esa es la línea del horizonte. Ahí. Después consigue el SVP al fondo. Ahí está su sombra. puede ver lo fácil que es conseguir la sombra usando tanto el SVP como la línea de sombra. Va a tener una sombra infinitamente grande. ¿ Y estas personas de aquí? Tendrán una adecuada reunión a la sombra en alguna parte, y allí se encontrarán. ¿ Qué pasa con el niño? Ahí va a estar la sombra del niño. Este tipo, su sombra va a estar a lo largo de la cabeza. Dibuja a lo largo de la cabeza y desde el SVP hasta el fondo. Su sombra va a estar muy abajo. Sé que esto no se ve bien. Parece que hay demasiadas líneas, pero entendiste lo que intento hacer. La sombra va a ser algo sencillo. Volvamos a tomar algo de gris de Payne, y voy a hacer que las sombras sean más claras. No quiero que sea más oscuro, así que ahí está. Siempre nos aseguraremos de que la sombra se une a la pierna, no tiene separación. Obviamente, cuando digo unirse a la pierna, significa la pierna que está adelante, no la pierna trasera, así que ahí. Como dije, su sombra iba a ser infinitamente más grande, así que hazla más grande, pero vamos a aligerarla hacia abajo, para que veamos que está ablandada y aligerada. Sólo usaré un pañuelo y quitaré ese trozo de agua extra. Incluso su sombra iba a ser infinitamente larga. Ahí. Se puede ver que estas son las sombras de estas personas. ¿ Qué pasa con el suyo? Incluso el suyo iba a ser infinitamente largo. Obviamente, sabes que estas son imágenes diferentes. No hay en ninguna parte en una sola imagen que vayas a tener sombras como esta. sombra de este tipo era ésta. Se puede desprender los extremos porque las sombras se vuelven más claras a medida que desaparecen. Más cerca de la persona, va a estar más oscuro, y a medida que te alejes de la persona, se va a poner más ligero. Esto, ¿ves eso? Es así como añadirías las sombras. Obviamente, confía en mí, en un cuadro grande, no va a ser así de grande, pero esto es sólo para hacerte entender la perspectiva exacta. Ahí, la sombra de esta mujer era algo así. La sombra de este tipo se extendía hasta aquí. No tipo, esta era la mujer que hicimos. Se ve algo así, y luego me estoy quitando la pintura extra. Ver? Puedes suavizar esa sombra y conseguir sombras bonitas. ¿ Ves eso? No voy a dibujar las sombras para toda esta gente. Lo que voy a hacer es que sólo voy a dibujar para estos de aquí. Estas personas, sus sombras van a ser obviamente más claras porque son más ligeras. Ver? Sombras más claras para ellos. Entonces este tipo va a tener un poco más de una sombra más oscura. Ahí. Entonces la mamá y el niño, su sombra iba a ser más larga y extendiéndose hacia afuera. Ahí. Esa es la sombra del niño, sólo eso sólo porque se están inclinando en una línea y está tan lejos de la fuente de luz. Entonces su sombra fue la que estaba infinitamente fuera del papel. Aquí me tocó accidentalmente la mano. Hay formas fáciles de dibujar sombras como esta cuando se están extendiendo hacia afuera, así que te voy a mostrar eso ahora. Lo que estoy haciendo es mojar el papel para que me quede un borde más suave, solo mojando esa zona del papel, solo mojar esa zona, y luego me voy a llevar el gris de Payne, y quiero empezar desde obviamente el parte puntiaguda de las piernas, por eso le agregarías la sombra. Lo mismo para este tipo. Entonces puedes tomar más profundidad o tono más oscuro y añadir a la parte inferior para que la sombra sea más destacada. Acabo de hacer esto rápidamente por eso esto se está extendiendo, lo contrario, no se aplica mucha agua porque no queremos que se formen estas cabezas. En realidad puedes deshacerte de las cabezas simplemente sacando y usando un pañuelo para quitarte toda esa agua extra. Debe ser una línea a lo largo de la pierna. Este es un poco gordo. Estamos haciendo esa. De todos modos, siempre podemos levantar la pintura. Ahí. Ahora, eso es mucho mejor. Déjame unirme a eso como una sola pierna. Aquí están las sombras de diferentes personas. Es así como los dibujarías, personas en perspectiva, para que puedas ver todas sus sombras, cómo son. Este es exactamente el método, cómo usarías para encontrar la longitud de las sombras, lo contrario, en el otro método, lo que estamos haciendo fue que había tanta gente parada en diferentes lugares y solo estás agregando algunas sombras así. Este método no está nada mal. Puedes ir con eso si eso es lo que te conviene, pero la forma más ideal es ir y agregar las sombras así. Aquí, acabo de quitar todas esas horribles líneas de mi papel, pero aquí se puede ver cómo dibujar a diferentes personas. Espero que te guste esta lección de bosquejar, pintar las sombras de diferentes personas. 30. Farola de noche. Parte I: Ahora, veamos cómo podemos hacer farolas en general. Existen diversos métodos por los que puedes pintar farolas en tus cuadros, pero una de las primeras cosas que debes probar y dar cuenta es saber qué tipo de farolas está incluida en la imagen. Por ejemplo, ¿es el farol que va a ser el foco principal en la pintura? Si lo es, entonces obviamente tendrías que sumar muchos más detalles y cuidar de todos y todo en el farola. O es el farol sólo otra parte o elemento de toda la pintura. Por ejemplo, éste yo estaba probando el método suelto, mientras que, en éste, iba por el farol y es la sombra siendo el elemento principal. Se puede ver que hay una diferencia entre estos dos, aunque a pesar de que las partes principales he intentado vagamente, pero traté de poner mucho más foco en la parte de la sombra. Pero entonces, obviamente, por ejemplo, si el farola no es el foco principal de tu edificio, entonces no necesitas ponerlo en demasiados detalles. Estas son las primeras cosas que debes analizar cuando estás tratando de entender y pintar o agregar un farola a tu imagen. Por ejemplo, si es un cuadro grande completamente diferente, tienes muchos edificios, algunos autos, y entonces tal vez haya un farol aquí en la esquina. No agregarías demasiados detalles a esa lámpara de calle, porque es igual que otra parte. El foco de tu pintura va a ser completamente algo que es diferente. Por esta razón, tus faroles no serán más detallados ni tendrán mucha atención buscando parte para ello. Esta es una cosa que debes analizar y tratar de averiguar. Si solo fuera una manera suelta, entonces simplemente seguirías adelante, y empezarías , y pintarías algo muy suelto con tu pincel. Voy a mostrar todo eso. Si se trata de una pintura detallada, obviamente, entonces tendrás cuidado de agregar más profundidad, el efecto de luz, el efecto de sombra, todo eso en tus farolas. Aquí, he dividido mi papel en cuatro secciones, para que hoy les mostraré cuatro tipos diferentes de faroles. Dos de ellas escena nocturna y dos de ellas de día. Eso es lo que vamos a hacer. Para la escena nocturna, primero solo esbozemos el contorno de mi caja. Entonces te muestro los colores en la parte inferior para que puedas guardar esta pintura y más adelante siempre recordarás volver a ella y comprobar cuáles son los colores que has usado para eso. Al igual que hicimos para el elenco, no mostré el proceso de sarpullido pero entonces aquí se puede ver que debajo marqué los colores que usé. la misma manera, se puede hacer eso. Permítanme añadir rápidamente algunas cajas aquí en todas estas secciones. Como pueden ver, no estoy usando ninguna regla, sólo voy con un boceto a mano alzada. Siempre intenta generar bocetos a mano alzada porque eso fortalecería el tipo de trazos que estás tratando de hacer incluso con tu lápiz, que eventualmente aprendas a hacer líneas rectas. Tomará tiempo, pero luego te ayudará mucho a la larga. Aquí, he agregado las cajas. Ahora, veamos cómo dibujaremos el primero. Para la primera lámpara de calle, supongamos que va a ser una escena nocturna, como dije. Posiblemente tengamos aquí un edificio o algo así y las farolas se van a adjuntar a ese edificio, pero como la foto se toma tal manera que el farol se muestra en el foco principal. Eso es lo longitudinalmente del edificio, o simplemente eso es el techo del edificio. Esto es como en perspectiva de un solo punto, ir a algún lugar al uno. Para mayor facilidad, supongamos que es este punto aquí, porque en realidad quiero dibujar también la siguiente línea del edificio. El siguiente renglón del edificio va a ser eso, ver eso. Entonces si quiero conseguir ese tercer punto también, así que ese fue el punto. Justo en el ala aquí, quiero conseguir eso. Ahí, ese es el edificio en nuestra imagen. Después para agregar las faroles. Digamos que el farola está unido a esta porción final aquí. El que ha tomado la fotografía ha tomado la foto de tal manera que un cierre de la luz de la calle frente al edificio. Por eso el farol es el foco principal. Es el foco principal pero mi punto es, esto es lo que estamos tratando de sumar a eso, el stand dentro del cual está apegado. En realidad, creo que voy a poner ese stand un poco más hacia la parte superior porque quiero sumar algunos detalles en la base. Sólo hagamos eso. En algún lugar ahí entonces, eso es ideal. Eso se ve bien. Entonces, ¿qué? Puedes dibujar cualquier tipo de detalle que quieras. Esto es como una lámpara de calle vintage con algunos, se puede ver. Simplemente agregando algunas cosas así y tal vez tenga una curva aquí. Sólo estoy improvisando y dibujando de mi propia cabeza. Ese es el semáforo. Ahora bien, esta es la parte donde se adjunta la lámpara de calle , algo así. Ahora es el punto de donde viene el farol. Obviamente, si has visto las formas de las faroles es o tienen como lados diferentes o bien es redondo. Puedes ir con las formas que quieras. Obviamente, esta es la forma más común que generalmente la gente intenta dibujar. Ahí, y ese es el otro extremo, y esa es la línea media. Entonces esta es la porción superior. Algo así en la parte superior, entonces tal vez tengamos como una bonita cúpula. Este farolas, por eso dije que puede ser de cualquier forma. Si quieres que te guste ir solo por una recta, cúpula, o donde sea, puedes hacerlo. Ves, este es un farol de calle con el que quiero ir. Sí, eso se ve bien. Entonces para la azotea, en realidad, ese es el techo de la casa. Eso es esto. Entonces necesitamos agregar algunas ventanas a la casa al fondo. Este es el boceto de que vamos a detenerlo. Ahora, hablemos de la perspectiva aérea, nuevo, y encontremos cómo dibujaremos este cuadro. En este caso, estamos asumiendo que el foco principal de nuestra pintura es la lámpara de calle, por supuesto. Si es la lámpara de calle, ese es el foco principal de nuestra pintura, entonces obviamente este edificio está de fondo. Entonces necesitamos dejarlo suelto, es decir, no necesitamos agregar ningún enfoque al edificio. ¿ Cómo haríamos eso? Veamos eso ahora. Lo que vamos a hacer ahora es, primero vamos a mojar el papel. Ignora las fronteras por ahora porque obviamente no tenemos ninguna cinta de bordes. Si te gustaría tener una pintura perfecta entonces puedes seguir adelante y cinta el papel y cortarlo a la mitad. Eso depende de ti. Aquí puedes ver que estoy aplicando el agua, pero luego voy a saltarme alguna región justo en medio de mis farolas, así que alguna zona ahí. Déjame ver si te lo puedo mostrar, el agua. Sí. Ver en este ángulo, se puede ver esta gota de lugar donde no he agregado el agua, que se va a dejar ahí. A las otras áreas, vamos a aplicar el agua de manera uniforme. Aquí está. Yo lo he aplicado de manera uniforme. Ahora, vamos a pintar. Voy a usar uno de mis cepillos de fregona. Simplemente usa cualquier tipo de pinceles redondos puntiagudos que tengas. En primer lugar vamos a empezar con tratar de pintar la luz alrededor primero. Necesitamos como un bonito tono amarillo. Aquí, me voy a ir con amarillo Nápoles, y lo que voy a hacer es sólo ir a añadir algo de luz alrededor de la lámpara, claro. Pero entonces, mucho cuidado, y nota aquí, que no voy a tocar el área alrededor del agua, así que no he puesto mi pincelada cerca del área del agua. Te lo mostraré. Déjame mostrártelo otra vez en ese ángulo. Mira, mi superficie blanca sin el agua sigue ahí y he aplicado la pintura a su alrededor, tal manera que, ahí no me dan bordes duros. Apenas poca área a la que quería agregar la luz. Justo dentro, no hagas que la pintura fluya hasta el borde donde no hayas aplicado el agua porque entonces eso creará un borde áspero el cual no queremos, obviamente. Ahora, pintemos el cielo alrededor. Por pintar el cielo alrededor, sí dije que va a ser una escena nocturna. Para escena nocturna, lo que voy a hacer es mezclar lavanda con el gris de mi Payne. Aquí está el gris de mi Payne. Tomaré más gris de Payne y haré bonito color de tono grisáceo. Creo que voy a añadir un poco de azul oscuro también para que me ponga como un tono azulado. Ahí, y luego esto es lo que voy a añadir a mis antecedentes. Entiende que todos estos colores de fondo y todo, esa va a ser obviamente tu elección. Tienes que decidir cuál es el color de fondo que quieres hacer, si es una escena nocturna, así que para conseguir la escena nocturna correctamente, qué color irías y a qué color elegirías para tu noche. Obviamente eso es algo que toda la decisión está en ti. Aquí, voy con este color el cual he mezclado con lavanda, gris de Payne, y un poco de azul, así que me pongo como un tono azulado. Eso depende totalmente de ti. Se puede ver que estoy pintando cerca de la zona donde he aplicado mi amarillo y estoy pintando la región exterior de eso porque esa es mi región del cielo, que quiero ser oscura. Hemos aplicado el agua y estamos pintando el área fuera de eso. Se puede agregar con cuidado a la región superior. Eso ahora es la parte principal. Tengo algo de luz solar aquí, pero espero que esté bien porque aquí estoy pintando esta plaza. Eso ajustaré después de algún tiempo cuando bajemos a las otras cajas. Ahora por el edificio. Para el edificio, quiero ir con un tono amarillo parduzco. Aquí me llevo mi siena quemada y luego la voy a tomar y mezclar con un bonito tono ocre amarillo y ese va a ser mi edificio. Aquí lo voy a agregar al borde de mi edificio. Esto sigue mojado sobre mojado. Como dije, nuestro edificio no va a ser el foco, así que no tienes que preocuparte por eso. Yo sólo voy a añadir mi pintura a todo el edificio. Como pueden ver, estoy usando una mezcla tanto del ocre amarillo de la siena quemada para mi edificio. Voy a hacer algo ahora, posiblemente voy a agregar algunas salpicaduras en mi edificio solo para darle algo de textura agradable en ciertos lugares y un bonito aspecto de fondo, así que solo tomando mi pincel y luego corriendo mis cerdas como que así caen las salpicaduras sobre mi zona quemada de siena. Entonces ahora me voy a ir con un marrón oscuro. Aquí está mi marrón oscuro. Voy a usar esto para sumar las zonas superiores de los edificios. Todo esto sigue en mojado sobre mojado, recuerda eso y las otras líneas que habíamos esbozado. Simplemente agrega algunas líneas básicas porque va a estar mojado sobre mojado, por lo que se va a extender recuerda eso. Está bien que se esté extendiendo. Posiblemente mezclaré un poco del gris de Payne con él para conseguir un color sepia y de eso va a ser de lo que están hechas mis ventanas. Para las ventanas, mira, sólo unos trazos con mi pincel. De nuevo, está mojado sobre mojado porque mi papel sigue mojado. Sólo te estoy mostrando el método suelto ahora. No necesitamos estar enfocados en lo que estamos tratando de hacer. Sólo unos trazos sueltos. Como dije, creo que quiero agregar un poco más de gotas de agua, pero no quiero que esa agua entre en mi cielo, así que justo afuera aquí, voy a añadir el agua. Se pueden ver algunas salpicaduras. Algo está pasando ahí, no obtenemos ningún trabajo detallado al respecto. Ahora lo que vamos a hacer es porque mi papel sigue mojado, solo voy a extender algo de este color aquí porque no quiero que sea tan amarillo o brillante como este por lo que algunos de los colores solo se van a extender usando mi pincel para que la luz esté ahí alrededor de mi lámpara de calle. Sólo haciendo esto si mi papel está mojado así puedo ver que mi papel sigue mojado así que esta es la razón por la que estoy pasando por este método. Se puede ver, simplemente agregando agua ahora y extendiendo la pintura alrededor. Ahí lo he agregado. Ahora lo que necesitamos hacer es posiblemente que tengamos que esperar a que todo esto se seque para que podamos sumar más detalles a ese farol de calle. Si quieres, tal vez solo agrego un poco más de amarillo al interior de mi farola. Aquí es donde está toda la luz del farol, la parte central es la luz, por eso va a ser que se seca. El interior no quiero que sea ninguna pintura así que estoy despejando esa zona y dejándola blanca. Ahí. Esperemos ahora a que todo esto se seque. Ahora todo está seco. Lo que voy a hacer es, voy a empezar con un bonito tono marrón y he cambiado a un pincel sintético. Usando ese pincel sintético, recogiendo un bonito tono marrón en mi pincel, voy a agregar en algunas líneas en mi farola. Aquí hacia el medio, voy a añadir una línea. No voy a llenar la parte media porque eso es demasiado brillante. Simplemente dejaremos ese espacio ahí. Añadamos a la porción exterior. Nuevamente, se puede ver que esto está completamente suelto. Esta es la razón por la que dije que no tienes que ir por demasiados detalles cuando estás tratando de sumar todos estos en una pintura de City scape. Ahora lo que voy a hacer es añadir un poco de gris de Payne a eso para que consiga un bonito tono negro. Este tono negro va a ser la parte superior de mi lámpara. Obviamente, esta es mi cúpula. Es una escena nocturna así que mi cúpula va a estar realmente oscura. Esa es la parte superior. Puedes dejar unos repentinos espacios en blanco, eso está bien. Acaba de agregar algunos trazos y solo una pieza por supuesto pintando la base ahí. Como pueden ver, he dejado un pequeño hueco. En ese hueco voy a tratar de agregar marrón ahí, que consiga un poco de sombra de ligereza ahí de la luz en la parte superior. Se puede ver. Déjenme aclarar eso. Si quieres conseguir un poco más de luz, puedes seguir adelante y añadir un poco de amarillo Nápoles a ese marrón para que ahora sea un poco más brillante. ¿ Ves eso? Ahora, volvamos a pintar con nuestra sombra oscura. No sabemos cuál es la forma de esta cúpula, pero entonces es de noche así que dejémosla así. Yo quiero agregar algunos diseños o algo en esa lámpara, algo así. Entonces ese es el final de la lámpara. Hacer al final aquí. Entonces, ¿dónde estaba la base que hicimos? Hicimos un bonito diseño. Hagamos eso. Usando un pincel sintético porque no quiero que estos trazos sean demasiado acuosos. Esa es la razón. A lo mejor voy a añadir otro diseño aquí. Esto es lo que otra vez, con tu pincel, puedes improvisar mucho y conseguir tanto. Ahí, tal vez otro algún diseño aquí. Si quieres, puedes seguir adelante y literalmente pintar esto con mucho detalle también. Mira esto, esto ya se ve tan hermoso con el efecto de la luz y todo eso en tu pintura. Una vez que todo eso esté seco, puedes seguir adelante y agregar más profundidad y oscuridad a ciertas líneas. Estoy agregando algunas líneas más oscuras a ciertas áreas. Ahí. Agregamos otro diseño circular aquí. Sólo estoy improvisando y sólo voy a añadir cada vez más detalles. Realmente no tienes que hacer todas estas, solo puedes saltarte. Pero simplemente no quiero mantenerlo vacío, sino tratando de hacer esa lámpara de calle a mi propio estilo. Simplemente ve con cualquier diseño que tengas en tu mente. Mira cómo está ahora la imagen, el foco está en la lámpara de calle. Como puedes ver el edificio está de fondo y se ve tan bonito, ¿no? Si lo deseas, puedes convertir esto en una escena nevada o lo que sea. Déjame sólo tomar un poquito de siena quemada. Lo que voy a hacer es que voy a llenar esa zona en la parte superior donde había añadido un tono claro. Se puede ver que el blanco se ha ido, pero entonces sigue siendo un tono más claro que el resto y la zona ya se ve hermosa. Además, permítanme añadir un tono de siena quemada en su interior. Esta siena quemada dentro va a ser el otro extremo de la luz. En el interior, va a haber la parte interior de la lámpara vista a través del cristal. Esta es nuestra primera lámpara completa y se puede ver cómo ha resultado. Se ve tan bonito en la escena nocturna. 31. Farola de noche. Parte II: Aquí he añadido los colores que hemos utilizado para esta lámpara de calle. Empecemos ahora con el siguiente. El siguiente, intentemos que sea un tipo un poco diferente. A ver, tal vez esta lámpara de calle va a estar teniendo una pared, algo así. Lo estamos mirando desde abajo, así que por eso siguiendo la perspectiva lineal, va más corto hacia arriba. Entonces quizá tengamos aquí la primera lámpara. Es como una bombilla redondeada para ésta. Algo así. Ese es el primero, luego el siguiente está apegado de ese. Ese es el siguiente. Va a tener algunos detalles al respecto así. Se puede bosquejar mirando lo que estoy intentando. Ahí. Entonces el otro que mira hacia atrás va a estar justo en la parte de atrás aquí. El plato redondeado de ese en la parte inferior, y aquí está la bombilla. Por último, el otro, eso va a empezar posiblemente desde el final aquí. Ahí. Esa es la siguiente lámpara de calle, así que tal vez tenga algunos diseños en este. Sólo necesito añadir a éste. Hagamos que esto muestre éste. Ahí está la marca del otro. Éste va a tener ahí su apego, que no lo veremos porque está hacia atrás. Entonces obviamente la parte superior de la farola. El top va a tener algunas formas extrañas o algo así, solo algún diseño que podamos agregar. Ahí. Eso es un farol de calle. Déjame mostrarlo demasiado cerca para que puedas pausar aquí arriba si quieres, e intentar bosquejar lo mismo. Esto es lo que va a ser una lámpara de calle. A lo mejor tendrás algunos anillos en este. Mismo diseño, otro conjunto de anillos o diseño ahí en la parte inferior. Este no es el fondo extremo, el farol se va a extender todo el camino hacia abajo también. Pero esto es como la mitad de la porción de la lámpara de calle que queremos pintar. ¿ Cómo crees que vamos a pintar esto? Nuevamente, aplicemos primero agua a todo el semáforo. Esta vez, vamos a aplicar agua a toda la misma. Eso está bien aplicar al conjunto. No es necesario dejar vacíos. Ahí vas. Estoy aplicando el agua muy bien porque no quiero que se seque rápidamente. Esto es algo que siempre recomiendo aplicar tu agua tantas veces como puedas para que sepas que no dejas que tu papel se seque tan rápido. Simplemente necesitamos como un brillo en el papel, no demasiada agua también, así que asegúrate de que sea parejo. Es difícil obtener esa uniformidad cuando no hay cinta porque cuando hay cinta, realidad se puede sacar el agua y limpiar los bordes. No te molestes demasiado en ello ahora mismo. Aquí estoy cambiando de nuevo a mi pincel, y ahora veamos cómo podemos pintar. Esta vez, voy a ir con un conjunto de colores diferente. Voy a empezar con uno de mis colores favoritos, amarillo indio, y lo voy a aplicar dentro de mi lámpara. Apenas dejando ahí un hueco de luz. Esa brecha, quiero decir, no estoy enfocada en dejarla. Tan sólo un color se va a extender por dentro tanto como pueda y tal vez simplemente deshacerse de todo el espacio en blanco también, pero no me molesta. Simplemente deja un hueco con tu pincel y deja que fluya por dentro si así lo desea. Pero he pintado alrededor de las lámparas como se puede ver hacia el interior. He pintado alrededor de mis lámparas. Ahora voy a mezclar un tono dorado indio. Si ya tienes oro indio, puedes usarlo, pero no lo incluí en mi paleta porque sabía que realmente puedo mezclar y hacer oro indio. Por hacer oro indio, es amarillo más un poco de alizarina y me sale ese bonito tono dorado. Se puede ver que he hecho el bonito tono dorado, y ahora este color voy a aplicar hacia el final. Creo que necesito mezclar más, no solo alizarin. Creo que necesito mezclar más de mi color, pintar para obtener una consistencia agradable más oscura. Ahora eso tiene más sentido. Sólo voy a pintar alrededor de eso otra vez. Se puede ver de nuevo que se va a extender posiblemente hacia el interior de la luz, pero eso está bien. Deja que se extienda. Esa es mi lámpara. Ahora para el fondo, voy a mezclar un color verde azulado oscuro. Aquí voy a tomar mi azul oscuro y luego mezclarlo con un poco de verde [inaudible] o verde esmeralda , lo que tengas, puedes mezclarlo. Entonces lo voy a mezclar con [inaudible]. Es como un color verde azulado oscuro, y eso es lo que quiero aplicar para mi fondo. Ya puedes ver, creo que está demasiado oscuro, así que solo lo voy a extender por ahí con mi pincel y ponerlo más claro. Ahí, lo tengo más ligero. Yo solo estoy tratando de agregar diferentes tipos de fondos para que siempre puedas ir con el de tu elección, obviamente. Puedes ir con el mismo fondo exacto que usamos aquí porque es como una escena nocturna otra vez, y queremos que nuestra luz brille, así que esta es la razón. Recoge el color y solo aplícalo por todas partes. Hazla un poco más ligera alrededor de la luz porque queremos que sea un poco más brillante debido a la luz, y hacia la parte superior, en realidad, puedes agregar más color para la oscuridad. Intentemos hacerlo. Ahora voy a tomar un bonito azul oscuro y añadir más profundidad a la parte superior y lo mezclaré hacia abajo para que no se vea raro. No quiero que se vean mis marcas de trazo. Voy a añadir algunos antecedentes al fondo también. Pero va a dejar el área alrededor del encendedor de luz, ahí. Nuevamente, estas áreas que no se han mezclado, puedes usar tu pincel para dar la vuelta y conseguir una bonita mezcla en las luces y también tratar de deshacerte de ese verde más claro que se ha formado mezclando con tu amarillo. Es sólo tratar de levantar la pintura dando vueltas como se puede ver, algunos detalles. Como sabrán, la acuarela se vuelve más ligera después del secado, así que por eso estoy agregando más color porque sé que obviamente, esto se va a poner más claro. Esto es lo que pasa con estar en el Reino Unido. No se puede predecir el clima. Cuando empecé este cuadro, era realmente bonito y soleado, pero ahora se pueden ver otras necesidades de iluminación. Simplemente se está poniendo realmente oscuro y está tan nublado afuera ahora, tan impredecible clima aquí. Simplemente imitando algunas formas o algo, algún edificio o algo así. No lo sabemos, así que esos son antecedentes extremos. No necesitamos molestarnos, puedes ver acabo de añadir un poco de forma o algo ahí para que no se vea raro. Ese es el trasfondo. Ahora tenemos que esperar a que todo esto se seque para que podamos sumar más detalles. Aquí es después de secarlo, así que ahora intentaremos sumar las lámparas de cerca. Para eso, voy a ir otra vez con mi marrón, marrón transparente, pero observa de cerca cómo voy a hacer esto. Aquí está mi marrón y tenemos los anillos alrededor de las luces. Voy a empezar en este anillo, voy a aplicar la sombra, y aplicar la sombra a este fin también. Estoy usando un bonito pincel sintético, se puede ver eso, y luego he lavado las pinturas de mi pincel, lo lavo bien. Entonces solo voy a usar mi pincel para esparcir esa pintura, y cada vez voy a lavar mi pincel también porque no quiero que se extienda demasiado. Porque quiero que esa zona centro sea ese tono dorado, el tono dorado indio que aplicamos. Se puede ver lo que estoy tratando de hacer, tratando de extender ese color y conseguir ese tono más claro. Permítanme mostrárselo de cerca lo que ha sucedido. Ver? Tan solo un tinte de sombra más claro ahí, así que asegúrate de seguir por la forma para que haya algo. Esto es lo que vamos a hacer por todos los demás. Si quieres, en realidad puedes, tomar un poco de oro indio y añadirlo a la parte superior también, que esa capa se vea completa. Hagamos lo mismo con el otro. Aquí está mi marrón transparente. Yo lo voy a agregar a esta parte del disco y la otra mitad está en la otra parte de la luz. Que esté ahí, y la parte superior. Ahora en el centro, podemos o bien agregar oro indio o puedes seguir adelante y agregar solo agua y mezclarla a lo largo para que eso dependa totalmente de ti. Ahí. Es así como he mezclado eso y hago lo mismo para los otros dos también, así que la lámpara de la otra pantalla, esa es la pantalla de lámpara, y ahí está la otra pantalla. Oro indio. Voy a mezclarlo. Se puede ver que los colores que aplicamos aparecen dominantes en la parte superior porque nuestra base solo es amarilla ahí. Estas son casi como pinturas de toda regla, pero también es muy divertido pintarlas porque son solo elementos pequeños, por lo que algo que puedes aprender cada día y este conocimiento realmente te va a ayudar cuando estás tratando de sumarlos a un paisaje urbano más grande. Es por ello que quería tratar primero con cada uno de estos elementos. Esa es la luz añadida, así que ahora sumemos la otra base. Por agregar la base de eso, lo que voy a hacer es que empecemos con siena quemada. El motivo por el que empezamos con siena quemada es porque queremos conseguir ese brillo en el tallo, donde agregaremos un color más oscuro más adelante. A la siena quemada, voy a mezclar un poco de naranja para que me quede como un bonito tono naranja. Creo que también voy a añadir un poco de marrón. Eso fue demasiado. Se hace más oscuro, pero obviamente podemos hacerlo más claro agregando más siena quemada y más de la naranja. Ves, este es el tipo de color que quiero, déjame mostrártelo de cerca. Este tipo de tonos de siena quemada, naranja, y un poco de umber quemado juntos. Eso es lo que he agregado. Un bonito tono marrón. Esta sombra marrón ahora, vamos a pintar el stand. Aquí es donde mencioné, ¿recuerdas la técnica de pincel seco que mencioné donde tienes que recoger muy menos pintura, y asegurarte de que tus trazos se hagan en un trazo seco?. Se puede ver que hay muy poca agua aquí en mi paleta, y voy a tratar de conseguir esos trazos secos. Mira, los trazos aquí son como casi muy secos. Aquí es donde viene a usar la lección de técnicas. Casi seco, muy seco. No voy a llenar el resto de la misma. Adelante y empecemos con los otros lugares. Ahí está el stand aquí, y tal vez otra vez, se puede ver casi lo secos que están estos trazos. En eso es en lo que necesitas enfocarte. Esa es la parte superior. Simplemente pintando alrededor de mi boceto a lápiz. También puedes simplemente seguir adelante y hacerlo con tu propio pincel. No necesitas un boceto a lápiz para eso esencialmente. Básicamente tienes la porción oscura y algunos detalles ahí. Se puede ver lo livianos que son todos estos. Ahora es el momento en que vamos a sumar algo de oscuridad y profundidad a estos lugares. Ahora sigamos adelante y empecemos a mezclar el color oscuro, y por mezclar ese color más oscuro, lo que voy a hacer es mezclar mi marrón transparente con un poco del gris de Payne para que me ponga como un bonito tono sepia. Usando ese mismo tono sepia, es lo que voy a añadir. Aquí, sólo voy a añadir. Nuevamente, los trazos están muy sueltos, y además no hay mucha agua en mi cepillo. Lo agregaremos a la parte superior de ese golpe de siena quemado. La parte superior va a ser ahora más clara y la parte inferior ahora oscura porque la luz no está llegando allí. Se pone más claro hacia la parte superior, como se puede ver, y obviamente vamos a añadir trazos más oscuros sólo a ciertos lugares, como a esa luz de ahí. Puedes agregar trazos más oscuros a solo ciertos lugares para conseguir un bonito trazo oscuro, pero solo donde crees que es la sombra, así que no estoy cubriendo todo el mismo. Como se puede ver, simplemente agregando en ciertos lugares. Todos esos lugares más alejados de la luz. Aquí lo hice en el lado derecho porque está lejos de esta luz, y aquí lo haré en la parte superior para cubrir la parte superior y obviamente, esta porción superior puede ser más oscura porque ahí no hay luz. Eso es algo ahí. Hablamos de agregar algunos anillos aquí. Hagamos eso, Así que he añadido algo ahí, y otro conjunto de partes de anillo ahí, y luego esta zona de esa otra lámpara, detrás está oscuro obviamente, luego está la parte interior. Ahí está la luz. Ahí está esa cosita que agregué aquí. Creo que eso se ve ya muy cool, pero ahora solo hay un último pedacito que tenemos que hacer, obviamente las partes inferiores de la luz. Para eso, voy a ir otra vez con un bonito tono marrón transparente. Ese es mi umber quemado, o marrón transparente, lo que sea que estés usando, puedes usar eso. Vamos a sumar eso al fondo de todas nuestras luces. Ahí a toda esa luz. Ahora quiero sumar en algunas líneas sobre esa luz sólo porque, ¿cómo crees que esta parte inferior se une hacia abajo? Debe de estar unido por algo hasta la cima. Probemos y añadamos eso. Voy a cambiar a un pincel muy fino, y voy a volver a recoger mi marrón. Usando el pincel fino, sólo voy a agregar algunas líneas como esa. ¿ Se puede ver eso de cerca? Acabo de agregar línea ahí. Eso es lo que está colocando esta cosa a la lámpara. Ahora tiene sentido, ¿verdad? De lo contrario, fue como, ¿cómo se adjunta esto? Eso tiene más sentido creo. Otro que va hacia el otro lado. Hagamos lo mismo con todas las lámparas, para que tenga más sentido en cuanto a cómo se adjunta esa parte inferior de la iluminación. Ahí está. Creo que ya se ve tan guay. Ver? Este es el segundo semáforo. Como dije, éste fue un poco más fácil y rápido, pero éste traté de agregar un poco más de detalles. El motivo principal porque este fue el foco principal de nuestras farolas. Este fue el foco principal en las pinturas. Esta es la razón por la que le di un poco más de luz y un poco de detalle, para que se pueda ver claramente cómo se ha hecho todo esto. Voy a volver a tomar mi marrón, sólo voy a agregar en una línea de detalle alrededor de esas placas. Creo que eso tiene más sentido. Esas son las farolas nocturnas terminadas. Estos son los dos métodos. Puedes o bien ir por el método suelto, y los colores ahora dependen totalmente de tu selección, así que solo asegúrate de que lo sepas. Para las farolas, se obtiene un bonito amanecer más ligero, algo que se puede llenar por dentro. Algunos artistas prefieren usar incluso como una sombra lavanda dentro de las farolas, o puedes ir por como un bonito toque amarillento con un poco de blanco por dentro para representar el brillo de las lámparas. Estos son dos métodos que quería mostrarles para las farolas nocturnas. Después de eso, ahora veremos las farolas diurnas. 32. Farola de día: Cuando estamos tratando de dibujar la lámpara de calle diurna, obviamente, supongamos que va a haber una sombra. Entonces esta es la que voy a sumar en una sombra para el farol. Asumiendo que mi lámpara de calle está pegada a la pared aquí, así que está pegada a un accesorio de pared en algún lugar de aquí, y ahí está el farol, y luego tomemos un apego, algo así. Entonces obviamente la forma de la lámpara de calle. Dije que la parte superior va a ser, todo esto tiene que ser un ángulo. Así es como es. Hagamos que la parte superior de ésta sea triangular o algo así. En lugar de una cúpula ahí, hagámosla tener algunos círculos o algo así. Ahí te lo muestro también. Entonces esta es nuestra lámpara de calle. Ahora por la sombra. ¿ Cómo añadirías la sombra? Recuerda de nuevo, supongamos que nuestra fuente de luz va a estar ahí. Para éste, realidad no necesariamente se necesita entrar en la sombra porque no hay una línea de horizonte que podamos asumir. Entonces si quieres, puedes como simplemente asumir que en algún lugar abajo está la línea del horizonte de todo el panorama, pero creo que está por ahí abajo, así que no podremos verlo. Si asumes que la sombra tal vez está aquí, puedes simplemente trazar obviamente cómo va a ser la sombra. A ver. Este es el ángulo en el que va a estar la sombra para este rayo. Entonces la viga inferior así. Obviamente, de nuevo, toda la sombra ya se ha desplazado. Esa es la sombra de ese rayo ya se ha desplazado un paso hacia abajo. Déjame que ese rayo sea un poco más oscuro, y esa es la sombra. Ahora, ¿qué pasa con estas líneas? Aquí es donde va a empezar esa línea, y ¿cómo va a terminar? Es así como es difícil trazar dónde va a estar el ángulo de esa sombra. Obviamente de nuevo, necesitas trazar una línea y averiguarlo. Creo que así abajo ahora. Entonces supongamos que está aquí. Si asumimos que está aquí y tratamos de conseguir el final, creo que eso no va a funcionar porque no es exactamente donde va a estar la línea del horizonte de ese punto de sombra. Aquí es donde tienes que entrar a asumir dónde te gustaría dibujar lo mejor de su sombra. Creo que si lo intentas y este es un punto de partida, obviamente, así que por eso, tenemos el punto ahí. Este punto aquí ha bajado aquí y ahora sólo tenemos que señalar este punto. Es muy difícil encontrar ese ángulo, pero luego asumiendo la fuente de luz aquí así que esta es la dirección de la sombra. Consigue esa sombra en esa dirección. Así sería la sombra de esto. Entonces obviamente, esto no va a girar de todos modos porque esto es horizontal. Algo que es vertical en nuestra imagen. Sólo se desplaza la sombra. Estos son puntos que debes recordar. Ahí está esa línea de sombra, y entonces sólo podemos dibujar nuestra sombra para la lámpara aquí. Obviamente, va a tener su apego aquí y esto llegaría a la base. En realidad, creo que quiero agregar aquí alguna decoración para mi lámpara, igual que hicimos por esto porque no quiero que sea una lámpara vacía. Entonces tal vez le agrego una forma, algo así. Una forma como esta, y tal vez tener algo aquí en la parte inferior, algo así. Eso también va a pasar aquí. Esto va a bajar por aquí y va a tener esa forma curva y unirse a la lámpara ahí. Obviamente, la sombra de la lámpara se va a extender camino allá abajo. Esta es ahora la sombra, y esto está en la parte superior. Entonces, eliminemos todas esas líneas innecesarias que ahora tenemos en nuestro papel. Ahí está. No dibujamos la parte superior, no terminamos con la parte superior. Obviamente, la sombra va a estar en un solo color a diferencia de la lámpara, por supuesto, y esto es como dije, es una escena de día. Por lo que hay que recordar que la lámpara va a ser algo reflectante de los colores del fondo. Obviamente, no tenemos que ir con y mostrar la luz. Es una escena de día, es sólo una lámpara ahí. Entonces empecemos aplicando el agua. Entonces aplique agua a todo el papel. Aquí he aplicado el agua, solo sigamos adelante y empecemos a pintar. Lo que voy a hacer es que voy a pintar directamente con mi amarillo Nápoles y aplicarlo a todo mi fondo, así que no necesito molestarme por lo que hay en el fondo. Pero le daremos algún edificio o algún look para que sí tenga sentido pero antes que nada, vamos a pintar todo de amarillo. Este es mi amarillo Nápoles que estoy usando, puedes ver estoy agregando bonito y oscuro amarillo Nápoles en algunos lugares. Ahora, déjame caer en otros colores más porque no quiero que sea un solo tono. A lo mejor voy a caer como un poco de siena quemada, sólo caer un poco de siena quemada y no tiene que ser parejo, me caí en esta plaza. Por lo que puedes ver es solo una gran cantidad de mezcla de colores que hemos agregado. Ahora quiero que esto sea más interesante, este es el conjunto de los antecedentes, como dije. A lo mejor vamos a recoger una buena cantidad de siena quemada y voy a añadir algunas salpicaduras en esto. Esas son salpicaduras con siena quemada y están mojadas sobre salpicaduras húmedas recuerdan que así se va a quedar y crear esa textura de mezcla. Voy a hacer es, voy a añadir un poco de salpicaduras con violeta también, así que aquí está mi pintura violeta. Se puede ver que la mezcla es realmente acuosa, y si quieres puedes seguir adelante y recoger un poco más del amarillo y mezclar en lugares. Creo que eso es bueno. Ahora voy a añadir algunas salpicaduras de agua también no mucho, sólo muy poco, creo que eso es bueno ir. Ahora, le añadiré algunas líneas sólo para representar algún fondo. Entonces para eso, voy a usar mi mezcla marrón transparente aquí. Voy a agregarle un poco de siena quemada y lo que voy a hacer es que sólo voy a añadir unas líneas, líneas verticales o algo así. Entonces esto está mostrando la textura en la pared y es el fondo así que por eso la estoy agregando con el método wet on wet, ahi. No te molestes por la luz o la sombra ni nada por el momento todo lo que necesitamos son unas líneas. Como dije, quizá esto sea un muro. ¿Lo ves ahora? De lo que estaba tratando de hacer y tal vez algún punto o algo aquí así que por eso está oscuro. Acaba de agregar algunas cosas al fondo se puede ver que, ahora todo lo que tenemos que hacer es esperar a que todo este asunto se seque para que podamos sumar en nuestra lámpara. Ahora puedes ver claramente cómo se ha secado todo el asunto, y cómo podemos ver fácilmente el boceto a lápiz debajo dándonos una mejor manera de pintar nuestros detalles. Entonces lo que voy a hacer es intentarlo con mi marrón transparente y una mezcla de siena quemada a ella, así que es como un bonito color sepia oscuro por lo que un color marrón muy oscuro. También puedes ir por Vandyke brown pero como dije, intenta elegir tus propios colores en tus percepciones. Si quieres que tu lámpara sea con negro ve con negro, o si quieres ir con un tono más claro intenta imaginar cuál es el color o la forma de esa lámpara. Ahí es donde esta lección es muy importante, porque no quiero que estés pintando con los colores exactos que estoy usando así que intenta improvisar y usa todo eso. Aquí, como puedes ver mi pincel está casi siguiendo el método seco y he añadido la línea base. Ahora voy a hacer esto mismo, voy a recoger más marrón transparente que es muy transparente marrón transparente que es muy transparente y se puede ver la mezcla es realmente, realmente espesa sin agua casi. Eso es lo que voy a usar aquí. Está muy seco como puedes ver, y acabo de aplicar esa pintura. Ahora, observa lo que voy a hacer, lo que voy a hacer es, voy a tirar hacia abajo esa pintura, recuerda la técnica de tirar hacia abajo que había explicado. Entonces aquí me voy a llevar un poco de naranja en mi pincel, y tal vez un poco del gris de este Payne. Apenas muy poco de ellos por lo que sólo un trazo del gris de Payne una luz, y luego un poco de posiblemente naranja en mi pincel. Entonces desde lo alto de ese marrón, lo voy a tirar un poco hacia abajo para que veas algo así de marrón. Se puede seguir adelante y agregar un poco de agua a esa zona, por lo que ahora ese marrón ha sido tirado hacia abajo junto con un poco de naranja que podemos aplicar. Solo estoy tratando de tal vez agregarle algo de información de color y luego el resto de ella dentro. Solo agreguemos el gris de Payne no mucho, por lo que puedes ver solo usando un tono muy claro y agregando el gris de Payne al interior del mismo. Entonces esto le da ese tono más claro del gris de Payne o un negro o el tono que estés usando. Creo que también puedes usar un poco de lavanda tal vez eso le daría el color para el vaso con algo de suciedad o polvo en él, así que entiendes. Ahí he añadido un poco de gota de lavanda y tapado eso para que esto no se encienda, pero luego se muestra en la estructura de vidrio. derecho al marrón para la base, y hacia el interior también, añadió algunas líneas y haré lo mismo por éstas. Entonces usando mi marrón otra vez voy a ir a añadir esa línea. Esa es nuestra lámpara principal hecha, solo hay que añadir las porciones superiores. Yo estoy agregando esto con ronda. Acude con el color de tu elección. Como se puede ver, la lámpara no está encendida, pero luego, se puede diferenciar claramente la lámpara del fondo, así que eso es lo que hemos intentado hacer. Ahora, por la sombra. Para la sombra, vamos a añadir algunos colores fríos así como algunos colores cálidos. Porque es la sombra, tiene que ser como hacia el lado más fresco, eso es lo más importante. Para pintar el lado más fresco de la sombra, así que supongamos que la siena quemada es como el color que usamos. Es casi marrón, así que eso es siena quemada. ¿ Cuál es el color complementario? Eso es lo que siempre usaríamos para una sombra. Es ideal usar un color complementario cuando intentas agregar en sombra. Si asumes que es naranja, ¿cuál es el color complementario del naranja? Es si recuerdas el color que nosotros, es como azul, ¿no? Vamos con un poco de azul, así que aquí hay un poco de azul. Aquí estoy tomando azul cobalto y vamos a usar siena quemada. No es exactamente complementario porque he usado marrón aquí, pero que es casi como, estoy asumiendo que las bandas en ella casi como una naranja, así que por eso dije que va a ser el azul. Casi mézclalo juntos en tu led de plomo y te pondrás como un bonito tono gris, así que esto es lo que vamos a usar para pintar la sombra. ves que he añadido la siena quemada, pero lo que vamos a hacer es, hay que proporcionar como una mezcla de esos dos, así que tomando un poco más de azul ahora, y lo voy a agregar y puedes agregar ese azul a tu sombra que que has agregado también. O lo que puedes hacer es que realmente puedes ir adelante y primero pintar todo con azul y luego coger esa siena quemada y agregarla. Ahí, recogiendo siena quemada y agregándola a la parte superior, que la sombra no sea tan oscura como ésta. Simplemente puedes usar tejido para aligerar eso. Eso es ligero en tus golpes hacia arriba. Ya puedes ver cómo salió eso, así que tal vez le damos un golpe más para que lo puedas aligerar. Agrega un poco de siena quemada. Esta vez, nos estamos mezclando directamente en nuestro propio papel. Ve con más siena quemada, por lo que agregar los colores complementarios ayuda a conseguir las sombras, recuerda eso. Mezclarlos juntos crea agradables grises juntos y así es como puedes mezclar una sombra agradable, así que absorbamos todo eso ahora. Podemos ver ahora eso se hace como un bonito tono grisáceo, pero como la sombra misma. Si quieres, en realidad puedes mezclarlos juntos en tu paladar, así que aquí está mi siena quemada, aquí está mi azul. Mezclándolas juntas, puedes ver cómo se hace para ser como un bonito tono gris. Este tono gris, puedes usarlo para pintar la sombra y no la absorbas ahora mismo. Deja que eso se empape un poco en el papel y luego absorberlo. Creo que ya es suficiente. O si querías ser un poco más oscuro. Pero no lo hice mucho más oscuro. Eso es porque mi luz está con marrón. Por eso no lo hice mucho más oscuro. De lo contrario, se puede ver este. Este, la luz estaba con un tono negro, así que agregué. Como puedes ver, le he añadido unos tonos más oscuros mezclándolo con azul y convirtiéndolo en un tono marrón, pero se puede ver claramente cómo ha resultado la sombra. Puedes agregar más pintura y si estás agregando más pintura, asegúrate de que haya muy poca agua y muy poco color en ella para que no se vea rara. Añade un poco de tono azulado si quieres, ahí. Esa es la sombra. Voy a añadir un poco más de tono azulado a aquí. Estos necesitaban ser acuosos, ahí. Ahora, ¿cómo fue eso? Eso me gusta tanto. Si quieres, incluso podrías mojar todo el fondo y luego agregar tu sombra en un método húmedo sobre húmedo también, pero eso no es realmente necesario. Simplemente puedes seguir adelante con este método también, así que ese es el apego, esa era la base. Esa es la escena de primer día. Haremos otra también. Para la segunda, supongamos ahora que la lámpara es como en alguna plataforma. Asumamos que esta aquí es la plataforma para esa lámpara. No es una lámpara larga, pero es más bien una más corta y tiene algunos diseños funky en ella. Algo así y luego va a la lámpara superior. Hagámoslo redondo así y luego, tal vez otra ronda en la parte inferior, así que esa es la forma de nuestra lámpara, supongamos. Esa es una, es desde justo debajo de ese punto donde todas las lámparas están juntas. Digamos que aquí hay uno. Eso va a ser de nuevo en forma de primero, una pelota, luego otra en la parte superior. Esa es la forma de esta lámpara que vamos a hacer. Ahí hay otro que es como extenderse hacia afuera. Hagámoslo un poco más abajo. No los quiero a todos en el mismo nivel. Ahí, algo así. Entonces esa es la primera bola y esa es la segunda bola en la parte superior. Entonces, ¿qué tal el otro lado? Ahí va a haber una lámpara que no se va a ver, así que esa es la bola más grande de arriba en ella. Entonces ese es el otro. Esa es la bola pequeña y la bola más grande encima de ella. Encima de cada una de estas balas, añade como perdición o algo para las lámparas. No se va a ver lo alto de esto. Déjame mostrarte demasiado cerca. Debiste entender por qué hice estas lámparas tan pequeñas. Aquí en esta imagen, la lámpara no va a ser el foco. Este cuadro, el cordero, y la sombra fue el foco. Aviso, en esta imagen la lámpara no es el foco, así que así es como vamos a ver cómo podemos pintar estas lámparas. Cualesquiera que sean los detalles o las líneas que haya, vamos a tratar de agregarlas. Esa es la lámpara. Adelante ahora y empecemos a pintar el fondo. Nuevamente, aplicando agua a todo mi papel. Ahí vas. Ahora hemos añadido el agua al papel. Vamos a añadir en un cielo o algo en el fondo posterior. Para eso, voy a recoger mi azul cobalto y mezclarlo bien en mi paleta, y lo vamos a agregar al cielo o a todo el papel. Va a ser posiblemente un bonito cielo azul con una pequeña cantidad de nubes, así va a ser el día. Estoy agregando tonos más claros hacia abajo. Entonces hacia abajo aquí, tal vez voy a añadir en alguna planta o algo así. Simplemente no quiero dejarlo en blanco. Yo solo quiero crear algún fondo, esta es la razón por la que estoy agregando esto. Es verde oliva y lo estoy agregando a mi papel mojado. Los trazos van a estar en mojado sobre mojado en sí mismo, puede ver eso. Algo que he agregado ahí, y voy a crear una versión más oscura de ese color. Estoy mezclando verde oliva con poco de siena quemada y posiblemente un poco azul para que me dé un color más oscuro por agregar en las sombras. Soy muy particular, aunque sea el fondo, que mi imagen tenga sentido. Esta es la razón por la que ahora estoy agregando un tono más oscuro al arbusto de ahí. Mezclando más de azul oscuro con un poco de gris. Ahora tiene más sentido, ese arbusto ahí, esa es la razón por la que agregué. Ahora, tal vez por ese soporte o plataforma, iré con un bonito tono marrón. Comienza de nuevo, umber quemado o marrón transparente. A lo mejor voy a añadir más color hacia abajo aquí sólo para darle un efecto de sombra en la parte inferior. Acaba de agregar la plataforma. Déjenme aclarar la plataforma, la pintura extendiéndose. Simplemente aplanar ese borde. Ahora todo lo que tenemos que hacer es esperar a que todo esto se seque para que podamos sumar en la lámpara. Ahora lo primero que tenemos que hacer después de secar esto es agregar en un efecto de la estructura de vidrio de estas lámparas. Para eso, voy a mezclar un tono muy, muy claro del gris de Payne. Ese tono más claro de alguna manera va a ser como, recuerden nuestra escala tonal. Casi, tal vez el número 2 o el número 1, es de. Es sólo muy, muy menos pigmento. Pero luego hay algo ese pigmento que es el gris de mi Payne. Eso sería una gota de gris de Payne en mucha agua. Se puede ver solo tocando el gris de mi Payne y sumando mucha agua. Ves eso, esa es mucha agua que he agregado y ahora voy a sumar a mis luces ahí. Eso es demasiado así que tomaré más agua, y aclararé esa sombra, y luego absorberé toda esa agua porque no queremos tanta agua, y luego la agregamos a nuestras lámparas. Eso le da el efecto de un poquito de vidrio o algo así. Si lo deseas, en realidad puedes agregar un poco de reflexión sucediendo ahí. ¿ De qué color va a reflejar? ¿ Qué opinas? Aquí hay una planta y ahí está la planta. Añadamos un poco de esa planta reflectante. Aquí me llevo mi verde oliva, pero se puede ver la cantidad que he tomado es muy menor, y estas cosas que hemos agregado aún están mojadas. Apenas una pequeña, diminuta cantidad de ese verde oliva si podemos agregar ahí. Ya que esta lámpara es muy pequeña, ni siquiera es evidente. Pero, ¿puedes ver? Es solo un poco de reflexión porque es una estructura de vidrio. Esa es la razón por la que estamos agregando eso. Entonces ahora podemos pintar las otras partes. Ahora la parte del proceso de pintura va a ser fácil. Todo lo que necesitamos es tomar un poco del gris de Payne o si quieres ir por el marrón, quieras, o creo que aquí tengo negro lunar, que también es uno de mis lindos colores teóricos. Elige cualquiera de eso y sólo tienes que seguir adelante y pintar plataforma. Esa es la lámpara en la plataforma, eso es lo que estamos tratando de agregar. Va a ser con un tono oscuro, de todos modos. Ahí tengo el negro, ahora vamos a sumar a la parte superior y luego obviamente estas manos. Ahí he agregado. Ahora se puede ver, así que esta lámpara, obviamente como dije, no va a ser mucho detallada principalmente porque no es el foco principal. Es un foco principal, pero el punto es que no es lo suficientemente grande como para agregar muchos detalles. ¿ Entiendes eso? Esa es la razón. Agregando lo que sea en el medio. Simplemente, un poco de detalle. ¿Ves eso? Usa solo tu propio pincel y agrega. ¿ Ves eso? Ahora hemos añadido muchas cosas a nuestra lámpara, pero solo hagamos que esto sea más interesante con algunos diseños. No tenías que agregar eso con tu lápiz, pero puedes agregarlo con el pincel. Ahora no se ve vacío, pero como en realidad hay muchas cosas pasando en esa lámpara. Podemos hacer lo mismo en la parte inferior solo que no lo sabemos, tal vez es como una estatua en la parte inferior, algunos detalles ahí. Ahora lo que necesito hacer es tomar un poco mi marrón transparente y fortalecer esa plataforma. Lo agregamos con un bonito tono más claro al principio, pero ahora iremos con un bonito tono del marrón y lo agregaremos. Pero ya puedes ver, sólo voy a tratar de arreglar con mi pincel. Ponte como un tono agradable. Ves, esto es lo que he hecho. Primero agregó el tono, luego simplemente lo oscureció usando mi pincel. He añadido un tono más oscuro ahí al fondo. Esto se debe a que un poco de sombra o algo en esa plataforma. No quiero que esto sea separado así que uniéndolos juntos, ahí. Ahora esto tiene más sentido. Eso es todo. Se puede ver esto es menos detallado. Es decir, esto fue más detallado al enfocarse en la sombra. Esto es lo que hemos hecho, hay dos escenas nocturnas y dos de día como se puede ver. Aquí he agregado todos los colores dentro y aquí están las lámparas que hemos hecho. Espero que te guste. 33. Alumbrado público: Ya hemos visto farolas en perspectiva, así que echemos un vistazo a semáforos, tableros, diferentes semáforos, etcétera que está ahí en el paisaje urbano. Obviamente, incluso estos tienen que estar en perspectiva. La perspectiva es algo que no puedes olvidar a lo largo de toda tu pintura. Te voy a mostrar rápidamente cómo hacer eso. Asumamos que esta línea es nuestra línea de horizonte, y este aquí es el punto de fuga en nuestra pintura. Entonces supongamos que, eso es posiblemente un camino o algo así. Después cerca del lado de la carretera, tenemos algunas lámparas de calle. Ahí va a estar la posición de los faros de calle. Pero entonces, ¿cómo obtenemos la altura correcta de una lámpara de calle? Eso es muy difícil de averiguar, ¿no? Una solución simple es considerar a las personas en la imagen. Asumamos que alguna persona estaba de pie aquí. ¿Cómo sería? Su cabeza, obviamente, a la altura de los ojos va a estar en el horizonte. Después su cuerpo. Aproximadamente ocho cabezas. Como dije, ocho o siete, lo que sea tu favorito, ahí. Tenemos una persona parada ahí. Entonces estos elementos son sólo postes y farolas, farolas, todos estos. Se puede tomar en relación con este hombre, es decir, su posición relativa a este hombre. Por lo general, las farolas son como de dos a tres veces la altura de una persona. Depende de diferentes lugares y de qué tipo de lámpara de calle sea, pero suponga que va a ser alrededor de dos veces. Obviamente, no puede ser la misma altura de una persona porque ¿has visto una lámpara de calle que es exactamente la misma altura de una persona? No, ¿verdad? Podemos dibujar una cosa aproximadamente a esta altura. Si dibujamos el primero ahí, y tal vez tenga una lámpara afuera así. Esa va a ser mi lámpara de calle. Este es mi farola justo al lado de la persona cuando voy a dibujar a la persona. Esta persona era sólo para representar la altura correcta de esa lámpara de calle. Entonces ahora, ¿cómo dibujamos las otras lámparas en perspectiva? Para dibujar las otras lámparas en perspectiva, necesitamos encontrar la línea respectiva desde aquí hasta el punto de fuga. Eso sería, esta es la línea al punto de fuga. Entonces puedes colocar fácilmente las otras lámparas. La primera lámpara, obviamente, estará a una distancia, esa es la longitud. Entonces la segunda lámpara, obviamente como te dije antes, la distancia entre ellos va a ser menor, porque a medida que avanzas hacia el punto de fuga, la distancia se vuelve menor. Este va a estar más cerca que el otro. ¿Ves eso? Entonces obviamente el siguiente va a estar más cerca que el anterior, así que estamos ahí. Entonces al final, va a estar tan abarrotado ahí hacia el punto de fuga. Después para dibujar también estas luces, puedes usar líneas de perspectiva si quieres que sean perfectas también. De lo contrario, solo puedes seguir adelante y solo agregar esas lámparas. De lo contrario, si quieres dibujarlos perfectamente también, consigue esa línea hacia el punto de fuga. Ese sería el final de tu luz ahí. Incluso para esto, así que ese sería el otro extremo. Ves, eso es todo. En realidad dibujé este un poco más allá. Déjame acercarme eso. ¿ Ver? Esa es la luz y la misma forma que puedes conseguir para todos ellos de una manera similar. Como dije, la perspectiva es algo que no podemos olvidar cuando estamos tratando de dibujar a la ciudad escapando cosas. Incluso si se trata de una lámpara de calle, un coche, persona o algo así, hay que añadir las líneas de perspectiva. Se puede ver cómo funcionan los postes o las luces en un paisaje urbano, están siguiendo la perspectiva. Si bien los estamos pintando, también son muy simples de pintar porque considera cómo está en una pintura grande. Es un cuadro grande, y tu poste va a ser una pequeña parte de ese paisaje urbano, al que no necesitas agregar mucho detalle. Te mostraré rápidamente cómo podemos pintar esto. Déjame solo aplicar un poco de agua para pintar el fondo. Yo he aplicado el agua. Yo sólo voy a ir con un poco de ocre amarillo al fondo ahí, entonces tal vez un cielo o algo así. O de hecho, hagámoslo aún un poco más ligero. Voy a ir con, esto es amarillo Nápoles. Eso es amarillo Nápoles y tal vez un poco de alizarina en la parte inferior. Esto es como una escena de puesta de sol o algo así. Entonces tal vez hacia el fondo, voy a ir con la mezcla gris y lavanda de Payne. Ese es mi camino. No te molestes en lo que hay ahí. Ahí va a haber ociosamente muchos edificios y cosas. No nos va a molestar por eso por ahora. No estamos agregando ningún edificio. Esto es sólo por el bien de aprender estas farolas en perspectiva. Ahí, he añadido el fondo. Creo que necesito añadir un poco más del cielo también. A lo mejor iré con lavanda por eso. Lavanda y un poco de mezcla azul. Ya hay algo de azul cobalto en mi paleta. Yo estoy tomando eso, y voy a añadir eso a la parte superior. Añadí un bonito amarillo y le di ese bonito look de atardecer. Ahora, lo que solo necesito hacer es que sólo voy a añadir esa línea para mi camino. Este fue nuestro punto de fuga. Ahí está la carretera y tal vez otra línea en el centro para representar que es un camino. Entonces algo así. Ese es nuestro camino. Ahora, todo lo que necesitamos hacer es esperar a que esto se seque rápidamente para que podamos sumar esas farolas. Como puedes ver, ahora está seco. He cambiado a un cepillo talla 2, de tamaño más pequeño y también está en el grueso, porque no quiero que introduzca mucha agua en mi papel. Esto es lo que vamos a usar para pintar nuestras farolas. Aquí, estoy usando el gris de Payne. Ahí está el gris de Payne tomando una mezcla agradable y se puede ver lo seca que está mi mezcla. ¿ Ves eso? Casi no es agua y sólo pintura. Voy a seguir tomando pintura, porque queremos que nuestros trazos sean un trazo semiseco como lo había mostrado en la lección de técnicas. A ver. Se puede ver cómo vienen mis trazos. Aquí está casi semiseco. ¿ Ves eso? Así es exactamente como lo queremos. Deja que sea semiseco. Eso está bien. Puedes ir a pintarlo de manera detallada. Pero siento que cuando agregas esos trazos secos o semisecos, agrega algo de belleza a toda la pintura como tal, por la razón de que tu cerebro se completó. Creo que ya lo he dicho muchas veces. Tu cerebro, hace mucho trabajo para nosotros cuando estás viendo pinturas de acuarela. Ahí, sólo llena eso. A lo mejor podemos agregar algo como un diseño o algo así. Acabo de agregar un poco de diseño. Déjame hacer lo mismo. A medida que vas más lejos, recuerda la perspectiva ociosa para disminuir los detalles. Recuerda eso, eso es muy importante. Ahí agregué algo de gamuza y algunos detalles sobre eso. Este va a ser mucho menos detallado. En realidad los más alejados, ni siquiera van a ser verdaderamente visibles. No necesitamos agregar demasiados detalles a esto. Vea qué tan menos es el detalle. Esto es seguir la perspectiva ociosa porque no queremos demasiados detalles sobre ellos. Ahora, hemos añadido las farolas. Solo estoy agregando algunas líneas aquí para representar ese camino. Claramente, no es así como va a ser la pintura original. Básicamente entiendes eso. Ahora, lo último que hay que hacer es agregar algo de luz ahí dentro. ¿ Qué hacemos para agregar la luz? Creo que necesitamos usar un poco de blanco. Puedes ir por una luz blanca o puedes ir por una luz amarilla. Aquí, mi blanco ya está un poco amarillento, creo, porque lo he usado con algo de pintura amarilla antes. Posiblemente, lo mezclaré con un poco de mi amarillo Nápoles, para que consiga ese color claro. Ahí está mi amarillo Nápoles. Lo estoy mezclando. Nuevamente, ver mi consistencia de pintura, es muy, no líquida, no concentrada, diluida, y solo agrega algo. No es visible. A lo mejor iremos por como un amarillo concentrado. Creo que el amarillo es mucho mejor. Es visible. Están recogiendo un bonito amarillo. Nuestro fondo será más oscuro que en realidad pintamos este paisaje de ciudad. Entonces podrás ponerle más luces. Las otras luces que están lejos, solo necesitas agregar puntos o incluso está bien si no agregas nada ahí dentro. Ahí. Esas son las luces. Cuando realmente estemos pintando así de grande, estas cosas serán más grandes y un poco más detalladas. este momento solo te estoy mostrando el proceso y los pasos para hacer eso. Pero aún más que el proceso de pintura, más importante es entender acerca de la perspectiva, tanto lineal como aérea en este cuadro. Lo siguiente que quiero mostrarles es cómo podemos agregar algunas luces a nuestro cuadro después de haber pintado todo el asunto. Sin boceto a lápiz. Sólo vamos a hacerlo de una manera muy sencilla. Esto es sólo para mostrarte lo que realmente sucede. Acabo de regar esta región. Añadamos en algún color ahí. Yo quiero hacerlo oscuro y noche. Tomaré esta lavanda, mezclaré con el gris de mi Payne, y posiblemente me tomaré un poco de azul también. Eso es bueno. Aquí, pintaré todo eso, escena nocturna. Creo que le voy a añadir un poco más de oscuridad porque realmente quiero mostrar cómo funciona en el papel oscuro. Esto es realmente oscuro, tal vez le agrego azul a la parte superior. Está bien, ahí. Hay tantas maneras de hacerlo. Una forma sencilla es levantar algo de pintura y crear algunos espacios en blanco. Levantándose y se puede ver he usado un cepillo muy pequeño. Tiene un final puntiagudo. Levanté algo de pintura girándola en un círculo y luego arrancando toda esa pintura extra. Recuerda usar un pincel sintético. Si usas un cepillo que sostiene mucha agua mientras haces este proceso, ese cepillo va a introducir más agua en tu papel y este método no funcionará. Aquí no estoy mirando la perspectiva ni la luz en línea recta, posiblemente estamos mirando luces en el horizonte, así que aquí no hay ninguna regla de perspectiva ni nada. Simplemente asuma. Solo te voy a mostrar diferentes métodos en esta misma columna aquí. Nos hemos quitado algunas de las pinturas. Ahora, no esperemos a que se seque. Lo que haré es añadir un poco más de luz y luego les mostraré los dos métodos. Déjame quitarme el agua y la pintura del papel. Ahora un método es agregar las luces de este. Eso sería, así que aquí voy a volver a usar el pincel sintético. Aquí es donde entran en la imagen los colores como los colores brillantes que son opacos . Por ejemplo, este color aquí, azul horizonte. También puedes ir por turquesa cobalto, verde turquesa, y esos colores. Son muy luminosos y opacos. Si aplicas eso, puedes ver que brilla a través muy bien encima del tono negro u oscuro que has agregado. Ese es un método. Esto está mojado por lo que entonces se ve bien porque se va a extender uniformemente y crear un bonito efecto en el papel. Ahora los siguientes te mostraré. Déjame esperar a que este papel se seque ahora. Déjame secar esto rápidamente. Ahí, lo he secado y se puede ver cómo ha destacado el horizonte azul. Sigue siendo malo en el papel oscuro. Esto es por su opacidad por supuesto. Como dije, otros colores que puedes usar, son amarillo nápoles o amarillo cadmio porque son opacos. Ver?. Incluso cuando estás agregando luces. Por lo general, los artistas ya sea agregan luces circulares o puedes ir por luces pequeñas como esta. En el panorama de la gran ciudad, esto va a tener mucho sentido. Pero entonces el punto, por supuesto, es entender las propiedades del pigmento de acuarela. Eso es lo más importante. Si te preguntabas, ¿cómo añadiría algo de luz al final de la imagen, entonces estos son los colores que necesitas usar. Eso es amarillo nápoles, amarillo cadmio o puedes ir por cadmio naranja, rojo cadmio o azul real, azul sennelier de sennelier. Esto es azul sennelier. Si fuera a tomar el azul sennelier y añadirlo, se puede ver que todavía aparece encima de ese azul oscuro. De hecho, el azul real es aún más brillante que esto. Te lo puedo mostrar. Este de aquí es azul real. Si yo tomara ese azul real, tomando ese azul real muy bien. Se puede ver que es más ligero, ¿no? Eso resultará muy bien. Entonces obviamente otro para los greens, va a ser o turquesa cobalto, verde turquesa, todos esos colores. Lo que hay que buscar esencialmente en el tubo es ver y averiguar si son opacos. ¿ Ver? Estos son bonitos colores que puedes usar para este propósito. Ya te he dicho cómo podemos encontrar esa información en el tubo. O si no, si no tienes ninguno de estos pigmentos, aún puedes hacerlos. Existe una forma alternativa que por supuesto, es utilizar alguna lechada de cal o pintura de acuarela blanca. Los tubos de acuarela en blanco suelen ser opacos. Este cuadrado de campo representa que es opaco. Si encuentras un tubo de acuarela o un tubo de gouache como éste, en realidad puedes mezclarlo con cualquier azul normal, rojo normal, amarillo normal o cualquier cosa para obtener esa opacidad. Porque un color opaco cuando se mezcla con un color transparente, dará opaco no transparente o incluso un semitransparente o semi-opaco. Se va a convertir en un color opaco sólo por la opacidad del otro color. Simplemente puedes mezclarlo. Obviamente cuando lo mezcles, vas a conseguir un tono un poco más claro que éste porque cuando lo mezcles con amarillo, el amarillo va a ser obviamente un poco más claro. Pero eso no va a ser un problema porque obviamente cuando se quiere agregar las luces, no importa tener una luz amarilla un poco más clara, eso es todo. Se trata de luces o faros de calle de hecho que sepas agregar en diferentes postes o farolas ahora. 34. Cableado eléctrico: Ahora echemos un vistazo a postes eléctricos o líneas eléctricas, líneas eléctricas, etc. Quiero seguir en la misma hoja para esta. Posiblemente sólo voy a crear un fondo más simple directamente en mi papel aquí. Estoy aplicando mi agua porque sólo quiero pintar algo directamente. Yo agregué eso. Entonces posiblemente me voy a ir con un tono marrón transparente. Ese va a ser mi antecedente. Digamos que es como un cielo nocturno o algo así y me voy a llevar un poco de naranja también. Solo estoy tratando de traer muchos colores diferentes a mi pintura. Ahí agregué un poco de naranja y tal vez caigo un poco de naranja hacia la parte superior también. Algo de sombra naranja. Entonces lo que voy a hacer es, sumémosle en edificio a ese lado izquierdo. Por agregar el edificio, me voy a ir otra vez con mi bonito marrón transparente. Voy a mezclarlo con un poco del gris de Payne para que consiga un tono sepia. Suponiendo que mi punto de fuga está en algún lugar ahí, el lugar donde he puesto mi punto, el extremo superior de mi edificio se va a curvar así. Hagamos la altura del edificio desde aquí, porque quiero tener esta porción izquierda del edificio. Entonces así se va a doblar hacia el punto de fuga. Como puedes ver, estoy literalmente dibujando esto con el pincel. Ese es nuestro edificio. Ahora, vamos a darle algo de dimensión para separarlo de esta esquina y del otro lado. Acabo de tomar un poco de marrón y editarlo. Ahora se puede ver que agrega separación. Antes de que esto se seque voy a añadir en las ventanas sobre esto también. Todas las ventanas tienen que seguir la línea de perspectiva. No lo olvides. Eso agregó algunas ventanas o algunas cosas. A lo mejor vamos a dar la división de los pisos también. Por lo que solo estoy usando mi propio pincel para dibujar todos estos. Se puede ver a todos ellos seguir la perspectiva e ir a ese lado. Apenas el techo del edificio. No me importa lo que sea ahora. Este es mi fondo uno al que quiero sumar en las líneas de poste o lo que sea. Déjame sólo rápidamente, mientras se seca, marca los colores que he usado. Eso es marrón transparente el cual mezclé con un poco del gris de Payne. Antes de eso usábamos naranja, ahí. Ahora, vamos a secar rápidamente esto para sumar en los postes, que va a ser la parte más divertida. Aquí se ha secado. Ahora viene la parte más emocionante de agregar los postes o cables eléctricos y todas esas cosas. Aquí es donde viene el uso de un pincel delineador o pincel detallista como una talla 1 o una talla 0. No vayas más que eso porque entonces perderías el punto y no obtienes las líneas más delgadas que quieres. Talla 2 sería demasiado grande, siento, pero depende de ti si tu pincel es como realmente delgado y te da esa línea puntiaguda, entonces eso está bien. Pero idealmente, es por eso que siempre recomiendo tener como un pincel puntiagudo en tamaño mediano, un pincel plano, y un delineador. Estos son los únicos tres pinceles que alguna vez necesitarías estar en el paisaje urbano. Puedes usar ese redondo puntiagudo para pintar todas las demás cosas, el pincel plano para aplicar el agua, y para dibujar el fondo extremo, así como cualquier trabajo de técnica detallada que hicimos con el pincel plano y el pincel detallista o este liner para agregar en los detalles. Ya he explicado las propiedades del liner antes cómo da una línea tan delgada con el pincel y así crea una hermosa línea más larga. Incluso si lo presionas con liner, todavía solo obtendrás una línea delgada por las cerdas largas, lo que es ideal para ese tipo de trabajo. Aquí lo que vamos a hacer es, me voy a ir con este azul lunar aquí en mi palet. Por lo que solo puedes ir con el gris de Payne también. Son literalmente iguales. No hay mucha diferencia excepto que el negro lunar está granulando. Está bien si no tienes una pintura granuladora. Aquí tengo el negro lunar muy bien en mi paleta, en mi pincel delineador. Ahora vamos a añadir algunos postes o lo que sea aquí. Digamos que el poste es la altura de dos pisos aquí en esta imagen. Hemos añadido el poste, ahora, vamos a añadir otras cosas al mismo. Asumamos que las luces van a todos los lugares. Eso es un poste y supongamos que sale una luz de ese poste, o tal vez esa luz está detrás de ese poste. Esta es la razón por la que necesitas este pincel fino. Ya ves, ni siquiera necesitas completar ninguna de esas líneas y cualquier línea que esté rota o cualquier cosa está bien. Recuerda que tenemos este ejercicio de pincel. Esta es la razón por la que tuvimos ese ejercicio porque es muy importante cuando estamos tratando de sumar estas cosas en un paisaje urbano. Es decir, tratar de dibujar las líneas de los postes en diversos ángulos. Asumamos que hay más líneas que van de ahí a la cima. Entonces tal vez algunas otras cuatro líneas están ahí en la parte superior de esta imagen donde están cruzando, hay algunas conexiones eléctricas Eso se puede ver. Entonces, ¿qué más? A lo mejor hay algunas conexiones entre los polos así. Debiste haber visto todos estos. Entonces tal vez haya esas cosas de cable eléctrico algún detalle. Entonces vamos a tener alambre de eso. Se puede ver lo delgadas que son mis líneas y lo importante que es realmente conseguir esas líneas delgadas. Justo por el momento estoy dibujando las líneas a todos los diferentes lugares solo para representar cómo en realidad se pueden hacer estos. Ahí. Este es un cuadro con muchas líneas de poste yendo en diferentes direcciones. Digamos que esto se une ahí en alguna parte, alguna conexión eléctrica. Digamos que esto tiene una conexión eléctrica ahí. ¿ Viste lo fácil que es hacerlo en realidad? Es por eso que necesitas un cepillo de forro así. Otra cosa que ahora quiero mostrar es, cuando estás haciendo todas estas líneas, también a veces es bueno usar cal o acuarela blanca en ciertos lugares. Simplemente porque idealmente en tu cuadro, todas estas líneas de poste, sí, pueden ser simplemente negras pero luego hay lugares donde cuando las representas como blancas, luce más en la imagen. Al igual que por ejemplo, este edificio es oscuro. Esta es la razón por la que realmente lo pinté en marrón inicialmente para poder mostrarte esto. Voy directamente desde el tubo porque quiero conseguir un pigmento opaco. Si lo mezcle en mi paleta se va a diluir más. Aquí tengo mi blanco. Si puedes agregar solo algunas de las líneas en las zonas más oscuras con pintura blanca que además le agregan algo de belleza. No todas, sólo algunas de las líneas. Eso es todo. O en una imagen como esta, va a haber más elementos. Cuando va delante de los otros elementos, algunos lugares es bueno tener blanco, las zonas más oscuras, las zonas más oscuras, que en realidad representa la luz y la sombra que actúan sobre esas líneas. Eso también es bueno. Incluso líneas rotas como esta también representa las áreas más claras y oscuras de las líneas. En realidad no significa que la línea no esté conectada o rota, solo significa que la luz actúa sobre ella no nos hace realmente ver esas líneas en su totalidad. Eso es todo. Aquí ahora hemos aprendido postes eléctricos. Lo mismo va a ser cuando estamos pintando líneas de tranvía o las líneas de tranvías. Te voy a mostrar rápidamente eso también. Otra vez, mi negro lunar otra vez. Asumamos que ese es nuestro punto de fuga. Supongamos que la línea del tranvía va así. Sólo suposición. Se va a conectar de diferentes maneras. Supongamos que hay otra línea conectada entre los edificios. Este no tiene realmente ningún sentido ahora pero ya verás cuando dibujemos una línea de tranvía como tal. Pero todo mi punto es mostrarles el uso de estos cepillos de revestimiento. Algún tipo conectado. Ahí está la parte principal del tranvía. Después hemos visto estas cosas conectadas a las cabezas de los tranvías y están conectadas a esas diferentes líneas de tranvía. Puede haber estas líneas eléctricas corriendo en diferentes direcciones y tienen diversos puntos de cruce. Nuestro tranvía va a estar justo debajo. No voy a dibujar toda la parte del tranvía pero creo que lo consigues. Permítanme que demuestre eso rápidamente. Nos ocuparemos de tranvías más adelante eso está cubierto. Pero yo quería que las líneas eléctricas de esto fueran más fáciles para ti. Esto también podría ser como un teleférico, pero obviamente, lo que hace que parezca un tranvía sería cuando tiene un trasero. Eso necesita ir realmente al horizonte. Olvidé el punto de fuga estaba aquí. Ahí, no está mal. Simplemente agregamos algo a la base. Ahora eso se ve mucho mejor, pero tenemos que dibujar también la porción oscura. De todos modos, así es como dibujaríamos las líneas eléctricas. Eso es lo que quería representar en este. 35. Semáforos: Ahora quiero mostrarles algunos semáforos sencillos también. Eso seguiría en realidad el principio de, recuerda cómo hicimos estas luces. En realidad va a ser muy sencillo hacer eso. Probemos eso. Yo solo estoy mojando mi papel aquí en un área para agregar en algún fondo para que sumemos en las luces. Digamos que voy a añadir amarillo nápoles y tal vez voy a añadir una bonita lavanda. Tomando un poco de bonito tono lavanda y eso es lo que voy a añadir a mi región del cielo. Como un pequeño cielo fangoso. Ahora obviamente necesito esperar a que esto se seque para que pueda sumar en los otros elementos. Aquí. Está casi seco ahora así que voy a estar usando un bonito tono negro. Aquí está negro lunar. Lo que voy a hacer es que sólo voy a sumar los semáforos para que puedan ver. Algo de ese tipo. Eso es todo lo que necesitas. A lo mejor algo lejano que está pegado en la parte superior. Debió haber visto esas luces también. Ahí. Algo de ese tipo. A lo mejor algo más alejado de fondo. Una vez que hemos agregado eso, en realidad es muy fácil recoger las luces de estas porque como dije, podrías ir por esas verdes o rojas y añadirlas en la parte superior como puedes ver. Ahora, esto en realidad muestra verde. El verde turquesa sería mucho mejor, esto es azul horizonte. No lo tengo en mi paleta aquí y no quiero llevarme la otra paleta. Ver, eso es verde añadido. Si fuera como si quisieras agregar un rojo, entonces obviamente irías por rojo cadmio. No lo tengo en mi paleta ahora mismo, pero déjame coger eso porque el rojo cadmio es un color tan bueno que puedes tener. Aquí está el rojo cadmio. Se trata de rojo cadmio de Sennelier. Como dije, esto es muy útil porque solo puedes sumar. A ver acabo de añadir, déjame mostrarte eso cerca. Acaba de agregar en algunas paradas rojas, marcas rojas ahí. Eso ya demuestra que los semáforos, está funcionando, ¿no? Ese es un bonito rojo cadmio. Es opaco. Funciona encima de negro. Eso es lo que hay que recordar siempre. O hay cadmio naranja, amarillo cadmio. Ya mencioné los colores opacos cuando estábamos aprendiendo éste. Eso es todo por éste. Esta fue una rápida, ¿no? 36. Tranvías: Ahora echemos un vistazo a pintar tranvías en nuestro cuadro. Ya hemos echado un vistazo a las líneas eléctricas y como dije, esas líneas de tranvía van a ser útiles cuando estemos dibujando los tranvías mismos. Dibujemos dos sets ahora. Una, voy a estar mostrando la vista frontal donde sólo se ve el frente, y luego vamos a tener otra en perspectiva. Digamos que este es el que está en la vista de frente, así que ahí. Se puede ver la forma que he hecho. He hecho alguna pequeña curva aquí por la forma de ese tranvía en sí. Entonces tal vez hacia el techo, vamos a tener una cabeza para el tranvía. Creo que este es uno de los tranvías que vi en Praga. Entonces obviamente la parte frontal. Para la parte frontal, vamos con una forma diferente en lugar de todo un solo frente. Esto está en formato de ventana, puedes ver. Eso es un tranvía ahí, y el frente obviamente, tal vez tengas algo de luz en el frente y la base no va a tener nada. Esta es una y no parte de esta imagen, voy a añadir otra otra de nuevo, pero esta vez en perspectiva. Aquí está mi punto de fuga, y voy a tener aquí mi tranvía, así que el frente del tranvía. Es el mismo tranvía, pero después porque lo estamos viendo en perspectiva, posiblemente sea un poco más delgado en el frente. Ahí. Entonces la luz, luego la parte frontal de la cabeza obviamente. Ahora en realidad necesitamos agregar esto en perspectiva. En perspectiva desde el punto de fuga, la dirección del tranvía va a ser así, y también lo están todos los techos y cada ventana y todo va a estar en perspectiva. Recuerda siempre perspectiva. Si asumiste que el final del tranvía estaba ahí, entonces esa es la parte superior, entonces ahí va esa parte superior para unirse a esa zona frontal, entonces tenemos la parte inferior. Entonces obviamente las ventanas en el tranvía todo en perspectiva, por eso dibujamos las líneas de perspectiva. Entonces, como dije, esas ventanas, obviamente, llegarán más grandes cuando nos alejemos del punto de fuga. Ahí. Ese es nuestro tranvía. Entonces obviamente si quieres sumar en la línea del tranvía, así que esa va a ser la línea del tranvía. Esta va a ser la línea del tranvía. Entonces la parte de cabeza del tranvía, no agregué la porción de cabeza aquí así que déjame agregar una cabeza. Esto es lo que se adjunta a la línea del tranvía. Esta línea de tranvía es diferente, no es la misma, así que supongamos que esa línea va así, hay otra paralela. Muchas líneas van en diferentes direcciones, líneas eléctricas. Esto se adjunta ahí. Entonces vamos a tener por esto también. En la cabeza está esa cosa, está apegada. Entonces digamos que está apegado a éste, pero obviamente también van a haber líneas de tranvía en perspectiva. Ahí, algo de ese tipo. Así va a ser la línea del tranvía. Si quieres dibujar también el otro riel, entonces de nuevo, intenta mirar la perspectiva para unirte ahí. Esa va a ser la línea del tranvía. Ya ves cómo dibujaríamos todos estos en perspectiva. Ya puedes quitar las líneas del punto de fuga y aún así todo el tranvía va a tener sentido sin esas líneas, lo verías vivir en una imagen. Echemos un vistazo a pintarlas. Pintarlos de nuevo obviamente depende del color, del fondo, de lo que hay en ese tranvías, los tranvías pueden ser diferentes colores. Tendrías una referencia o estarías pintando en la vida real. Todo eso depende de cuáles son los colores principales en eso. Aquí, creo, voy a ir con sombra naranja para mi tranvía. Un tono variable de tonos naranja y mixtos. He tomado naranja aquí, y voy a aplicar a toda la parte delantera de mi tranvía, pero luego voy a añadir en algunos colores. Yo he tomado marrón, eso es ámbar quemado y lo he agregado ahí. Posiblemente vaya a agregar algo de color al fondo porque esencialmente no queremos que todo nuestro tranvía esté en un solo color. En todo el panorama, tendría mucho sentido. Aquí está el tranvía otra vez. Ahora parece un poco de barro y algunos detalles ahí. Ahora sigamos adelante y mezclamos un poco de naranja marrón y transparente juntos para que tengamos un bonito tono naranja marrón. Esto es lo que voy a usar para el fondo aquí. Simplemente voy a seguir en la línea. Entonces me llevaré mi marrón y luego me voy a aplicar a la parte superior. Entonces mi color se mete un poco de filtración en el marrón que ya he aplicado, eso está bien, así se va a ver. Ahora necesito pintar la parte interior. ¿A dónde voy? Tomemos siena quemada y voy a añadir los detalles interiores en mi tranvía. Como pueden ver, he tomado siena quemada y acabo de agregar. Por el momento, mis trazos están muy sueltos. Pero cuando tratamos de pintar un paisaje urbano, podemos agregar trazos más detallados si queremos. Eso lo he agregado. Déjame posiblemente añadir un poco de marrón, y tal vez un poco amarillo en ciertos lugares. Esto es sólo mostrar la parte interior. Yo también llevaré lavanda. Es mi color favorito para dibujar en ventanas y esas cosas. Acaba de caer unos pedacitos y bobs. Ahora, obviamente, esto no tendrá sentido a menos que tengamos antecedentes. Para pintar el fondo, sólo voy a ir con un bonito Payne gris. Pero me voy a llevar todo eso está ahí en mi paleta, así que hay muchos grises y marrones y todo. No me voy a molestar en concentrarme en el gris mismo de Payne. Simplemente me voy a llevar todo y aplicar. Cuidado de seguir a lo largo del borde muy bien para que tengamos un buen borde para nuestro tranvía. Cuando esto se seque, tendrá mucho sentido. Posiblemente agregue agua para que esa zona sea más ligera. No voy a añadir mucha pintura a la parte superior. Voy a empujar los pigmentos lejos. He añadido algún tipo de fondo. Déjenme despejar un poco esa zona superior. Ahora, solo sigamos adelante y sumamos un poco de sombra o una base. Apenas tomó un poco del gris de Payne y se agregó a la base. En nuestra pintura, van a haber otros elementos. Esto no va a ser un tranvía independiente como este, así que asegúrate de tenerlo en cuenta. Sólo para que no se vea raro, sólo estoy tomando un poco del azul oscuro y agregando algunos elementos sólo porque no quiero que se vea raro. A lo mejor un poco de lavanda. A lo mejor un poco de alizarina. Apenas cayendo en muchos colores. Nada de lo que quiero decir con esto. Ahora, al fondo, tenemos la agradable oscuridad, así que un poco de detalle para eso. Vamos sólo con un poco de marrón y añadirlo a la base del tranvía. algunas líneas que he agregado, se puede ver eso. A lo mejor voy a añadir otra línea o algo así. Se puede ver que mi pincel está casi muy seco y acaba de agregar algunas líneas ahí. A lo mejor fortalecer la línea ahí un poco. Ahora, tenemos que esperar a que eso se seque para poder trazar las líneas del tranvía. Rápidamente he secado esto. Ahora para las líneas del tranvía, volveríamos con el pincel delineador o detallista y recogeríamos un bonito tono más oscuro del gris de Payne o el tono oscuro que estés usando en tu pincel, y añadiríamos ese detalle en la parte superior . De nuevo, recuerda, va a estar suelto. No es necesario agregar eso en detalles extremos. Algunas líneas de tranvía que van en diversos lugares. Tantas líneas, pero ese es el uso principal de tener un pincel de revestimiento como este. Intentemos pintar este también. Pero para este, voy a entrar en un color diferente posiblemente. Creo que iré con Nápoles amarillo. Agregando el tono amarillo Nápoles a mi tranvía. Esto aún no se hace. Tenemos que sumar esas luces, pero lo voy a agregar después de que todo se haya secado por completo para que no lo seque por completo. Aquí he añadido el amarillo Nápoles, pero puedes ver he añadido un tono más oscuro hacia el frente y luego un tono más claro hacia el lado izquierdo. Justo aquí, he añadido esos tonos más oscuros. Ahora, vamos a fortalecer un poco más los tonos más oscuros. Yo estoy tomando naranja aquí, y voy a agregarle a la base y mezclarla a ese amarillo Nápoles. A lo mejor un poco de marrón también, como hicimos con el otro. Mezclarlo a lo largo. Es de un color opaco, por lo que tendrás que tener cuidado mientras lo doblas. Entonces obviamente, otra vez, el techo otra vez. Entonces vayamos con marrón para el techo otra vez. Se puede ver que he tomado un tono más claro hacia el lado izquierdo, y conforme voy hacia el lado derecho, iré por un tono más oscuro. Todo depende de la luz y la sombra en tu imagen. Estas son cosas que debes cuidar y observar en tus cuadros. Pero ya se puede ver algún efecto de profundidad en la pintura. Esto es, de nuevo, el tono más claro es por la perspectiva aérea. Si lo haces más ligero a medida que te vas, es decir hacia el punto de fuga, sigue la regla de la perspectiva aérea. Entonces agreguemos el interior de los tranvías. Para eso, voy a ir con ocre amarillo. Yo sólo voy a añadir un lavado de ocre amarillo al principio. Ahí, he añadido un lavado de ocre amarillo y ahora voy a añadir en otros elementos y detalles, así que tal vez persona o algunas cosas ahí dentro. No sabemos cuáles son. Un poco de lavanda agregó algunas cosas ahí dentro, y hacemos lo mismo por el frente. Te estoy mostrando un enfoque diferente. Este, lo dejamos en blanco, pero éste, no lo vamos a dejar en blanco, sino que más bien vamos a pintar todo por dentro y más bien, más adelante, le añadimos detalles. Aquí, le agregamos terrenos. A lo mejor le añadiré un poco de siena quemada también. A lo mejor un poco de lavanda. Ahora, volvamos a pintar el fondo. Esta vez por el fondo tal vez voy a añadir en luz y un efecto de sombra, así que he añadido algo de ocre amarillo al suelo. Ahora, lo que voy a hacer es añadir que el gris de Payne. A lo mejor hay algo de luz que agregando esta base ocre amarilla a nuestra imagen. no lo sabemos. Acaba de agregar algún fondo aleatorio. Hay un tobogán tono más claro. Ahora, siguiendo las líneas del tranvía. Mi paleta se movió. Siempre puedo absorber esa agua. Yo estaba descansando mi mano sobre mi paleta y la moví y mi mano entró . A lo mejor para arriba, iré con lavanda esta vez. Esto es sólo por el bien de este trasfondo. Idealmente, los fondos no van a ser estos colores, van a ser diferentes. Ahí he añadido algún tipo de fondo. Ahora, tenemos que sumar en la sombra recordar. Entonces aquí está el gris de mi Payne y justo debajo del tranvía es obviamente donde sumarás en la sombra. Ahora bien, mientras las otras cosas se secan, creo que podemos sumar en la luz a ésta. Aquí está mi blanco otra vez, y estoy sumergiendo mi pincel liner, y puedes agregar en una bonita luz blanca y además fortalecer cualquier trazo que creas que has arruinado como cualquier borde exterior o algo tal vez añadir unos cuantos líneas. Cualquiera que sea el detalle que realmente quieras agregar a tu tranvía tal vez le agrego dos líneas ahí y la misma aquí. Creo que voy a añadir la luz. Está seco, esa zona y también, creo que esto ahora está seco. Sí. Eso está seco. Lo que puedes hacer es por las ventanas, puedes usar el blanco. En lugar de dejar blanco, en realidad puedes usar el blanco para dibujar así el blanco de las ventanas. Estos son diferentes métodos que puedes usar. Agregó una bonita base ahí. Esta luz amarilla es realmente genial porque creo que muestra la luz reflejándose desde dentro del trump. O tal vez haya otra farola o algo ahí. Déjame secar rápidamente esto para que podamos pintar las otras líneas. Esto es seco y ahora para dibujar las líneas del tranvía. Ahí en la parte superior es donde se adjunta el tranvía y la línea eléctrica corriendo a lo largo del accesorio. Puedes tenerlo en diferentes ángulos, diferentes direcciones, de cualquier manera que quieras. No tienes que enfocarte en hacer mucho detalle como dije. Creo que si quieres sumar las líneas ferroviarias, puedes hacer eso también. Entonces eso sería desde atrás. Ahí va, y ahí va ahí. Eso es todo. 37. Trenes: Ahora echemos un vistazo a los trenes. Básicamente son casi exactamente similares a los tranvías, claro. Siempre hay que mirar la perspectiva. Posiblemente siempre tengas una referencia o una vista en tiempo real de un tren. Pero obviamente, creo que la escena en tiempo real va a ser difícil porque va a estar pasando tan rápido a menos que esté estacionada en algún lugar, claro. Déjame simplemente bosquejar rápidamente un tren. Asumiendo que eso es frente, así que algo así. Esto es como el frente del tren. Extenderla. Ahora déjenme asumir que este aquí va a ser mi punto de fuga. Recuerda siempre eso es absolutamente necesario. No podemos olvidar nunca el punto de fuga. Mi tren va a ser de ahí para allá. Es decir, no toda la longitud, claro. Va a ser un poco más largo que los tranvías. Eso es lo que lo diferencia de los tranvías, claro. Obviamente, la forma y todo eso. Nosotros tomamos eso. Esa va a ser mi primera parte del motor. Digamos que mi tren va a ser así de largo. Una vez que tengo toda la longitud, no necesito estas otras líneas extra. Entonces obviamente sólo lo necesitamos para conseguir las líneas de ventana. Esa es la línea de mi ventana y la otra ventana. Eso es eso. Entonces el primer compartimiento está en algún lugar ahí. Entonces pongamos el compartimiento detrás de eso. Esta es la brecha entre los compartimentos. Como dije antes, tiene que ser más pequeño cada vez. Es como ir más lejos pero en realidad no se puede ver el final de la misma. Así es básicamente como sería. Puedes agregar más detalles a la parte superior, como tal vez una luz o algo así. Entonces tenemos el frente. Esto aún no se hace. Tenemos que sumar en la base. Aquí es donde irían las ruedas grandes y todo. Se trata de un tren en un ferrocarril. Suponiendo que, de nuevo, incluso el ferrocarril tiene que seguir las líneas de perspectiva. Digamos que aquí hay otro carril paralelo y obviamente otra línea. Esta cadena está en realidad en esta línea aquí, allá, y esto es como otra línea justo al lado. Esto es sólo un pequeño boceto como se puede ver. Solo agreguemos en las ventanas. Ahí, he añadido a las ventanas, y sólo algunas líneas, tal vez otra ventana aquí. Estas son obviamente las otras ventanas fuera del trato. Entonces obviamente se puede quitar de cualquier línea de fuga, las líneas de perspectiva. No los necesitamos. No los ves largamente. Ahí está el tren. Como puedes ver, es muy fácil hacer eso. Simplemente todo lo que tienes que observar son las líneas de perspectiva. Ya hemos visto mucho las líneas de perspectiva. La mayoría sólo dependería de la forma del tren. Eso es todo. Pero quiero mostrarles algo diferente, como en, cómo sería si el tren se doblara. Sólo intentemos bosquejar eso aquí también antes de empezar a pintar éste. Aquí está el frente de mi tren; uno diferente ahora, posiblemente. Algo así. Ese es el frente. Sólo tienes que añadir algo en la parte superior. Ese es el frente de nuestro tren. Pero entonces supongamos que va hacia una curva y aquí está la línea de perspectiva. Si es flexión, ¿cómo dibujaríamos eso? Obviamente siguiendo las líneas de perspectiva, sería, vamos a añadirlo. Déjame bajar eso un poco, así que quiero que mi punto de fuga esté ahí. La parte original de perspectiva del tren sería así. Pero entonces como pueden ver, el frente, no lo he hecho voltear como éste. No estamos viendo la cara girada del tren. Esto se debe a que está doblado hacia el frente. Esta es la barandilla. Está doblado. Si añado la barandilla aquí ahora, entenderás de lo que estoy hablando. Eso es mucho hasta el borde. El otro. Ahora ya puedes ver, está doblado. Se supone que este riel está doblado y va hacia el punto de fuga. Ahora eso tiene mucho sentido. Entonces ahora necesitas añadir el tren aquí en formato doblado. Digamos que la longitud del tren estaba alrededor de tanto, pero entonces tenemos que hacer todo doblado. Eso significa que no vamos a dibujarlo recto, sino que lo tendremos curvado dentro y yendo hacia atrás. la misma manera, Aquí tendremos una curva hacia adentro también. Agregar esa curva hacia adentro es lo que hará que esto parezca como si estuviera viajando hacia nosotros con un doblado. No demasiado, sólo una sutil curva. Ahora en realidad lo puedes ver. Esto se inclina hacia nosotros. ¿ Ves eso? Por eso dije que hay que añadir esa sutil curva. Entonces agreguemos la porción superior. Seguir perspectiva a su alrededor. Viene más grande lejos del punto de fuga. Esa es la parte superior. Entonces digamos que ese es el primer compartimento o bogie ahí. Después siguiente compartimiento, siguiente. Se puede ver ahora, sigue también la perspectiva. No lo hagamos así de largo, vamos a reducirlo un poquito ahí abajo. No quiero que sea demasiado largo. Ahí. Ahora eso se ve mucho mejor. Entonces van a estar las ruedas aquí abajo y así está girando la barandilla. Aquí verás la capa de la barandilla. Ver, y lo mismo. Empieza a ver la doble capa a medida que se acerca allí. Eso tiene mucho sentido ahora. Nuevamente, para las ventanas, eso viene así y sigue la perspectiva curva. Igual aquí, sigue la curva. Ahora tenemos las ventanas y las puertas si quieres agregar. Ahí, así que acabamos de aprender dos tipos de perspectiva, ya que en esta también está en perspectiva. Es sólo que se estaba curvando un poco así que esa es la razón por la que tuvimos que añadir curva a la perspectiva. Esta es en realidad la parte donde recuerdas dije que si tu camino estaba girando, entonces seguirías moviendo tu perspectiva punto de fuga. En este caso, a medida que empiezas, el punto de fuga estaba en algún lugar de aquí, y luego solo tenías que seguir moviendo ese punto de fuga hacia el lado izquierdo hasta que obtuviéramos esa curva. Eso es un poco complicado entender hacer eso. Más bien es mucho más fácil si solo ponemos ese único punto de fuga y tratamos de hacer que tus objetos se curvan hacia ese punto de fuga. En lugar de ir en línea recta, se curvan, y debido a esa curva representa en perspectiva. Este es el caso donde se curvaba así. Porque estaba curviéndose así, lo teníamos venir y estirar hacia afuera. ¿ Y si lo hubiéramos hecho tanto de esta manera? Entonces como pueden ver, si hacemos ambas cosas de esa manera, no parece que venga de esta manera, sino que parece como si va al revés. Eso es algo que estas todas las cosas vienen cuando intentas hacer muchos bocetos y tratas de averiguarlo, vale, ¿cómo puedo hacer que esto parezca como si estuviera girando hacia mí? ¿ Cómo puedo hacer que parezca alejarse de mí? Todos estos puedes experimentar y averiguarlo eventualmente. Ahora intentemos aplicar algo de color a nuestros trenes. Sólo para mostrarte rápidamente. Voy a empezar con el cielo, claro. Agregando agua. No voy a dibujar el segundo carril completo. Esto es sólo por el bien de este tren. Apenas a eso mucho. Simplemente les mostraré cómo podemos representar más elementos que hemos aprendido y ponerlos todos juntos en una gran pintura de paisaje urbano. Ahí, he añadido, así que lo que voy a hacer es, voy a ir con como un bonito tono gris para el cielo. No mucho sólo algunos lugares y tal vez un poco azul. Ese es sólo el cielo en mi cuadro. Está bien que la pintura se suba al tren por ahora. Acabo de agregar algunas nubes en mi cielo. Añadamos algunas zonas inferiores del tren también. Tomando mi pincel morphe y cosa para la parte inferior, me voy a ir con umber quemado o marrón transparente. Sólo vamos a añadir eso. Ahí, he agregado eso. Entonces tal vez le agrego un poco de verde hacia este lado izquierdo también. Pero antes de eso, permítanme añadir el final de esa barandilla o lo que sea. Eso es suficiente. Entonces recuerda cómo hicimos el verde en algunas de las imágenes. Mezclaré un poco de umber quemado con mi verde oliva y así voy a añadir el verde. Ahora he añadido bonito verde, vamos a añadir algunas sombras más oscuras y profundidad en ciertos lugares. Mezclando mi verde oscuro con marrón para que consiga un tono aún más oscuro de verde oliva. Simplemente agregando eso a esa zona de fondo. Ahora hemos pintado todo el fondo o tal vez permitir sólo algunos árboles o arbustos o algo en el otro lado de la barandilla también. Yo sólo quiero suavizar estos bordes. Solo estoy usando mi cepillo y un poco de agua para simplemente suavizarlos. Porque ya casi está seco. Sí. Eso es mucho mejor. Ahora esperaré a que se seque todo esto para que pueda agregar algunos detalles a mi tren. Aquí mi tren está ahora seco. Seguiré adelante y empezaré a pintar. Voy a empezar con un bonito ocre amarillo para agregar a la parte inferior del frente, mi tren. En sólo el primer compartimento también y luego creo que volveré a la siena quemada. Conseguir mi siena quemada y agregarla larga. Ahí, he añadido tal vez región superior también. Esto es totalmente de manera suelta. Si quieres ir y agregarlo de manera detallada, también puedes hacerlo. Pero depende totalmente de la forma en que quieras agregar color a los elementos en tu paisaje urbano. A lo mejor cuando estamos pintando pinturas de toda regla, podríamos añadirlas con más detalle. Por ahora, porque esto solo son los elementos, por eso solo te estoy mostrando rápidamente cómo puedes bosquejar todos estos. Como pueden ver, he convertido mi tono en tono más claro cuando estoy pintando de este lado aquí. Ahí, sólo se volvió un poco más ligero. Creo que hacia atrás, vamos con un bonito color azul. Iré con ultramarina. Ultramarine es agradable y le agregaremos ultramarina. Es sólo un pequeño tren colorido. Creo que podemos ir a pintar todo y le añadiremos los detalles más adelante. Creo que quizá podamos cubrir las ventanas también. Porque está bien y posiblemente lo mismo aquí y tapar las ventanas y luego podemos agregar en los detalles más adelante. Entonces necesitamos pintar el área en medio. Eso voy con un azul más oscuro. Esto está en el tema azul. También puedes ir con el índigo. Ahí. Nosotros hemos agregado apenas pocos detalles ahí dentro. Ahora pintemos la parte inferior. Con eso me llevaré Payne's Grey y lo voy a sumar al fondo. Ahí, he añadido. Ahora, iré con un tono más claro hacia el lado derecho. Esta región espacial aquí del tren va a estar con un bonito umber quemado. Ahí. Cualquier detalle adicional, puedes agregar eso más adelante. Por ahora, pintemos las ventanas. Estoy mezclando lavanda y Payne's Grey para las ventanas y tal vez a la iluminación en la parte superior también, iré con la misma y la zona superior de nuestro tren. Ahí. Sólo algo agregado ahora. Veamos cómo podemos sumar en las ventanas y todo. Ahora iré con un tono más oscuro de mi Sienna quemada y añadiré en las ventanas. Esto es como muy suelto como puedes ver, literalmente no he añadido a trazos perfectos. Entonces creo que tomaré azul ceruleo por agregar en las ventanas de atrás. Es un tipo diferente de azul encima del otro azul que ya hemos agregado. Este azul ceruleo es un azul opaco. Aparece en la parte superior, ahí. A lo mejor también en las puertas, eso está bien. Literalmente no voy a entrar en ningún detalle aquí, se puede ver claramente eso. No te molestes en detallar por ahora. Ahí está el riel. Aquí están los otros rieles. Simplemente agregando las líneas. No queremos agregarlo por completo, solo flojo por ahora. Simplemente te estoy mostrando cómo sería cuando lo hayamos pintado de manera suelta porque somos muchos los que en realidad preferimos tener todos estos pintados sueltos y algunos de nosotros en realidad preferimos ir ir al extremo detallando. En realidad soy una persona a la que le gusta pintar estos a detalle. Si bien estamos haciendo cuadros grandes nos ocuparemos de los detalles. No quiero agregar demasiados detalles sobre eso. Creo que si quieres puedes parar ahí. Sólo voy a añadir en los detalles del frente , y tal vez algo a las ventanas. Eso es todo por esa. No te voy a mostrar cómo pintar éste porque como dije, lo voy a pintar muy flojo por ahora. Porque cuando estamos pintando un gran paisaje urbano, tendremos todos estos elementos dentro y los pintaremos más bien. Deja que me apague esto rápidamente y te lo mostraré. Aquí es como se ve finalmente, después de haber agregado algo de color suelto a mi tren. Se puede ver cómo ha resultado y también agregué algunas sencillas líneas de poste a la izquierda. Yo quería agregar algunos elementos a la izquierda aquí, igual que añadí estos arbustos aquí. Ahí vas. Sé que no mostré cómo pintar esto pero todo lo que quería era que comprendieran la perspectiva, que es la parte más importante. Espero que te guste esta lección. 38. Árboles y vegetación: Ahora echemos un vistazo a cómo agregar algo verde o alguna pequeña cantidad de árboles o algo en nuestro paisaje urbano. Esto no es en absoluto una gran parte del paisaje urbano, como sabrán, sólo va a ser un pequeño arbusto o tal vez un padre de árbol en algún lugar de esa ciudad. Por eso pensé que lo mejor es discutir los colores y elementos que entran en esa parte también. Echemos un vistazo a eso hoy. Existen diversas técnicas que podemos utilizar para pintar nuestros árboles, así que voy a estar demostrándolo a lo grande. Pero cuando lo pintemos en un paisaje urbano, va a ser literalmente diminuto y pequeño. Probablemente los colores van a ser diferentes también, considerando la luz en la imagen, el tipo de imagen que es, los elementos contrastantes en esa imagen, así que solo veremos el paso general de cómo acercar eso. Aquí, tengo mi pincel y sólo voy a aplicar agua al papel. Cuando estoy aplicando el agua, no voy a aplicar a todos los lugares, sino más bien sólo observar, sólo voy a aplicar a ciertos lugares. Algunos de los lugares van a estar un poco en blanco o sin el agua, así que eso me daría una bonita textura para mis árboles así que eso es lo que voy a hacer. Entonces recuerda dije que necesitamos un cepillo viejo o algo que puedas hacer que tu pincel haga todo este mal trabajo porque no haría una acción tan apremiante con mi pincel normal, así que por eso uso estos pinceles de caligrafía chinos. Si tienes algún cepillo viejo que estás bien para destruir las cerdas, entonces esto es ideal para eso. Lo que vamos a hacer es que vamos a tomar el color verde oliva, y esto es algo que realmente quiero discutir con ustedes. En paisajes urbanos en su mayoría, los artistas no usan sap green porque el verde son los verdes dominantes en una imagen. Cuando estás representando la naturaleza en un paisaje urbano o un paisaje urbano, su mayoría vas por los verdes de olivo y diferencias las inversiones de la misma de esa manera. Si no tienes verde oliva, puedes hacerlo mezclando tu verde normal con siena quemada o umber quemado, o incluso un poco de ocre amarillo. Idealmente, solo tienes que mezclar tu verde con siena quemada y obtienes un bonito tono verde oliva. Voy a hacer que esto sea un poco marrón. Aquí me he tomado un poco de siena quemada y la he mezclado. Ya puedes ver cómo destaque esa mezcla así que déjame añadir más verdes ahora. Ahí está mi mezcla verde oliva y esto es lo que vamos a aplicar. Con este pincel, es muy fácil porque voy a estar presionándolo hacia abajo en diferente movimiento. Además, la forma en que he aplicado el agua ayudará porque no todos los lugares tienen agua, así que algunos de ellos, mis trazos estarán sueltos y en algunos lugares, va a tener bordes duros, y algunos lugares a los que va tienen bordes suaves. Al igual que aquí, ya ves, tiene bordes duros porque se puede ver allí no hay mucha agua, mientras que en estos lugares se puede ver que mis trazos están teniendo bordes más suaves donde hay agua. Aquí hay agua, se vuelve más suave. Pero si voy hacia afuera, ves eso? No es suave. Esta es la razón por la que aplicamos el agua de esa manera, y aquí estoy presionando mi pincel en diferentes trazos. Esta es la forma de sumar los árboles en paisajes urbanos o paisajes urbanos. Obviamente, no podemos parar con eso en buen color, quizá necesitemos añadir un poco de sombra también. Para agregar sombra, puedes agregar un poco de verde oscuro. Pero luego ves que cuando agrego el verde más oscuro, se convierte en un bonito color verde savia. No podemos tener eso, así que podemos seguir adelante y mezclar un poco más de marrón. Mira, ahora mi verde oliva se ha convertido en un tono más oscuro y esto es lo que quiero. Voy a aplicar en la parte superior. Ver ahora es un tono más oscuro del verde oliva que usaba anteriormente. Lo que hice fue simplemente mezclarle un poco de verde oscuro y luego quemarle siena. Después usando mi pincel, agregando esos trazos aleatorios, puedes ir por un tono aún más oscuro que este. Todo lo que necesitas es obviamente un poco del gris de Payne o algo así y agrega eso a tu mezcla. Ya tenía algo de gris de Payne en mi paleta, que he añadido a la mezcla que hemos hecho. Ahí. Ahora es, aún más, más oscuro, y se puede agregar eso en ciertos lugares para conseguir ese bonito trabajo de sombra en nuestros árboles. Ahora, obviamente, como saben, el árbol no está completo con sólo los arbustos, necesitamos también la rama. Para las ramas, puedes seguir adelante y usar directamente siena quemada o umber quemado. Simplemente depende, de nuevo, del esquema de color que estés usando para tu pintura. No necesariamente tiene que ser el mismo marrón que estoy usando. Apenas puedes ver me estoy uniendo a mi rama de árbol por algunas áreas y porque hay agua que se va a extender un poco, eso está bien. El pincel que estoy usando es sintético porque no quiero que mi agua fluya. Cuando estés dibujando ramas de árbol, intenta conseguirlo de un solo golpe, y puedes ver acabo de variar la forma en que muevo mis manos y me dieron un trazo similar, así que puedes verlo nos muestra si el árbol tiene algunas curvas o ramas. No lo hagas demasiado obviamente en una forma perfecta si lo quieres conseguir agradable y perfecto. He añadido siena quemada. Lo que voy a hacer ahora es que voy a sumar un poco de sombra. Aquí voy a recoger un poco de transparente redondo o quemado umber ahora. Asumiendo que mi luz es de la izquierda, sólo voy a añadir en algún trazo a mi árbol así. Tiene un [inaudible] cuando esto se seca, será mucho más evidente con la sombra. Entonces, volveré a recoger mi marrón, y tal vez sólo añada algunos usando la punta de mi pincel. Sólo tienes que añadir algunas ramas que sobresalen del árbol. Si lo deseas, puedes seguir adelante y usar el cepillo de forro. Aquí es donde de nuevo, entra en uso el cepillo liner porque nos daría las líneas delgadas que estamos buscando. Ahí. He tomado el marrón en mi pincel de forro y solo usando la punta, solo agrega las líneas que puedas. En su mayoría sólo para recoger algunas líneas extra hacia las tapas y ramas que sobresalen del árbol. Esta es una forma de agregar el árbol por supuesto. A continuación, ahora veamos un escenario en el que queríamos recoger algunos árboles de fondo. Esto está más en primer plano porque aquí tienes un poco de detalles o bordes más duros. Los bordes más duros no suelen entrar en segundo plano porque eso significa que es un poco detallado y más cerca. Te acuerdas en la perspectiva [inaudible], dije que a medida que vas más lejos o hacia el fondo, los elementos van a ser más suaves. Esto tiene bordes más duros, lo que significa que este no es un árbol que está en el fondo. Veamos cómo podemos mostrar algunos elementos de árbol en el fondo. Porque está en segundo plano y necesitamos que sea completamente suave, voy a estar aplicando mucha agua porque de nuevo, como dije, queremos que sea suave. Aquí estoy aplicando el agua. Aquí he aplicado el agua. Iré otra vez con mi mismo pincel, porque realmente no importa. Aquí tengo mi verde oliva, y tal vez un poco de verde oliva siena quemada, y usando el verde oliva solo agrego algunas formas. Ahora puedes ver que todo es más suave, ¿no? Esto, obviamente, por el agua que hemos aplicado. Ya verás que todo el asunto se está extendiendo, y así es exactamente como lo queremos. Queremos que se extienda. Ahora, sólo voy a mostrarles una forma diferente de agregar algunas sombras a esto. Para agregar algunas sombras, si es tener un buen tiempo de puesta cual está creando una buena cantidad de sombra, lo que puedes hacer es, puedes agregar un poco de azul a tu mismo árbol, que te pongas como un bonito efecto de sombra. Estoy mezclando azul cobalto y azul ultramarino. Solo necesitas un solo azul. Si quieres, puedes ir por un poco más azul oscuro. Este es inventario en azul que estoy mezclando. Si no tienes inventario en azul, mézclalo con un poco de índigo. puede ver que es una versión un poco más oscura del azul. Quítate todo el exceso de agua, porque esto podría haber empezado a secarse. Entonces sólo voy a caer en algunos blues en mi árbol. Se puede ver, obviamente esos blues van a crear un bonito efecto. Ya puedes ver cómo está creando un efecto muy bonito. Entonces obviamente puedes seguir adelante y agregar más verdes de oliva si quieres. Simplemente tomando más verde oliva en mi paleta, y luego agregando a las áreas entre el blues, para que el blues se extendiera juntos y en realidad pareciera que es una sombra. Puedes ir por una sombra más oscura con colores poco más atrevidos. Se trata de sombras más oscuras extremas, y el azul simplemente contribuiría también. En realidad también se ve como flores, pero cuando esto se seque, el blues se va a poner más ligero y luego se verá y contribuirá más hacia la belleza de eso. Ahora bien, esto es sólo todos los detalles de fondo que estoy mostrando. Al igual que en, uno los elementos. Lo siguiente que quiero mostrar es, ¿y si estás mostrando una montaña distante, un follaje distante? Muy, muy distante, que está muy lejos. Una montaña lejana en ese caso sería, aplicarías agua o básicamente tendrás agua en toda tu página y estarás pintando primero los fondos. Cuando tienes agua en toda tu página y quieres agregar en las montañas distantes, obviamente el color que buscarías es más como un tono grisáceo. Recogerías un bonito tono grisáceo y lo mezclarías con tu verde oliva, pero también es bueno tenerlo como un poco de tono azulado, por lo que en su mayoría es un tono verde oliva azul y más oscuro mezclado entre sí. Aquí he hecho ese tono, y la montaña o ese elemento en el fondo será aproximadamente este color. ¿ Ves eso? Sería más suave, por supuesto, porque está en segundo plano. Ahí, agregó que. Pero obviamente puedes caer en alguna buena cantidad de textura o cualquier cosa sobre eso. Se puede agregar un bonito tono azul a algunas de las zonas también, por lo que ahí. A lo mejor le voy a añadir un poco de verde a este lado, así que ahí. Entonces puedes suavizarlo usando tu propio cepillo, eso no lo haría más difícil, así que solo lo hace incluso sin que se extienda demasiado. ¿Ves eso? Simplemente corro mi pincel por el borde y me quité todo ese exceso de pintura. Esto está en segundo plano, ahora. Para detalles adicionales, si lo deseas, puedes caer algo de textura de agua sobre ella, para que obtengas algo de textura como esta. Todo esto es algo que va mucho más allá en nuestra pintura. Es el fondo extremo, por lo que estas texturas o estas gotas de agua florecen realidad le da un aspecto más hermoso en nuestra pintura. Ahora lo siguiente que quiero mostrarles es, cómo agregar sombras de árboles o arbustos o lo que sea a nuestra imagen. De nuevo, aquí está mi pincel. Voy a aplicar un bonito fondo poco de lavado de agua. Ahí está mi pequeña mezcla de fondo de agua. Lo que vamos a hacer es, vamos a empezar de igual manera como éste, pero después de eso, vamos a empezar a sumar las sombras. Aquí está mi verde oliva mezclado con un poco de siena quemada, claro. Voy a empezar con la adición de mi árbol. Creo, yo para añadir un poco más de agua al lado izquierdo, porque en realidad quiero representar la sombra cayendo a un lado. Aquí está nuestro verde oliva en la base. Entonces vamos a tener la sombra. Estoy asumiendo que la luz es de aquí, así que entonces agregaremos la sombra al lado izquierdo aquí. Antes de eso, sumemos los detalles de la base y los elementos más oscuros para esto. Para eso, obviamente, me mezclaré en un poco de verde, luego iré a mezclar en más verde oliva y siena quemada, para que consiga la sombra más oscura. Entonces añadiré eso en la parte superior. Ahí, he agregado eso. Ahora quiero ir por un tono un poco más oscuro, así que estoy tomando el gris de mi Payne y agregando a la misma mezcla y agregando a la base. Las sombras más oscuras en los arbustos siempre van a estar al fondo, porque ahí es donde el arbusto es denso. derecha puede ir directamente y aplicar un poco de negro también, tal vez un poco de textura azulada en eso. Hemos agregado la parte bushy. Ahora por las sombras. Para las sombras, lo que voy a hacer es, aquí está mi azul ultramarino, sobre eso, voy a mezclar mi siena quemada. Cuando mezclas siena quemada y azul ultramarino, obtienes un bonito, hermoso gris. Esto sigue siendo marrón, lo que significa que necesito un poco más azul. Ahí, te estás poniendo ese gris cuando añades más blues, así que ahí. Crea un hermoso gris cuando mezclas azul ultramarino y siena quemada. También puede ser azul cobalto o cualquier azul, básicamente. Azul y ese marrón da una bonita, hermosa puerta. Si quieres, añade un poco de tinte de ese mismo color que usaste, el verde oliva. Hacia la base, puedes seguir adelante y añadir esa sombra. Esto es demasiado acuoso, así que déjame simplemente deshacerme de esa agua. Lo bueno de mezclar un gris en lugar de usar un gris directamente es, cuando mezclas un gris y lo usas en el papel, tienes la libertad de cambiar ese tono gris ya sea al lado rojizo o azul. A ver, si añado más el gris de Payne, se vuelve hacia el lado rojizo. Si añado más azul, se convierte en el lado gris. No hagas que suba todo el camino, porque este no es el arbusto, esta es la sombra en el suelo. Ahí, he añadido ese mismo gris mezclado con el azul. Como se puede ver, algunos lugares hago el gris para ser azulado, y algunos lugares hago el gris para ser rojizo, pero solo está humedeciendo los dos colores que he usado. También puedes agregar lo mismo en la parte superior de tu árbol, para que la sombra y el árbol se vean como una sola parte de la pintura. Ignora todos estos bordes oscuros por ahora, vienen obviamente porque no tenemos una frontera estricta ni nada. Pero cuando estamos pintando un cuadro, esto va a quedar mucho más hermoso. Pero tú estás sacando el punto, lo que estoy tratando de hacer aquí, agregando estas sombras al suelo. En este caso, es suponiendo que la luz estuviera en algún lugar aquí, desde este lado, por lo que está lanzando una sombra hacia el lado izquierdo. Es así como añadirías follaje o árboles o todos estos elementos a una pintura de paisaje urbano o paisaje urbano. Aquí en mi papel, he marcado todos los colores que hemos utilizado para nuestro follaje, árboles, y plantas en esta lección de elementos. Espero que te guste, y las técnicas que hemos utilizado aquí. Sólo hay otro método que en realidad no he discutido. Es bastante simple y similar a éste. Pero como muchos de ustedes tal vez no lo tengan, no lo mostré, pero sólo les diré qué es. Es básicamente usar una película transparente como esa, así que solo alguna película plástica doblada hacia arriba. Si lo cortas, obtienes un pedacito. Lo que puedes hacer es, puedes sumergir tu film transparente en la pintura que has mezclado. Si comienzas a aplicarlo usando esa película transparente, obtienes una textura similar en tu papel. Este árbol de aquí, en realidad se hace usando la película transparente. Se pueden ver los bordes, cómo han resultado. Depende totalmente de ti, cómo quieres hacerlo. Es muy sencillo, puedes probar eso por ti mismo y ver cómo resulta. Solo tienes que doblar un poco de film de papel, mezclar una buena cantidad de pintura en tu paleta, y luego sumergir esa película y aplicarla en tu papel. la misma manera, mezcla los tonos más oscuros y aplícalos sobre el papel, y mezcla un tono aún más oscuro y aplícalo sobre tu papel. Entonces las ramas de los árboles son solo con el pincel en sí mismo. 39. Paraguas: A continuación, echemos un vistazo a cómo agregaríamos alguna tienda, restaurantes, cafés o algunos paraguas en nuestra imagen. Hay varios lugares que tienen estos increíbles paraguas pequeños en nuestros paisajes de la ciudad y es bueno agregarlos. Vamos a ver cómo podemos agregarlas. Obviamente, sus formas van como un paraguas triangular. Aquí se puede ver algo de ese tipo. Es así como lo iniciarías con una base como esa. Entonces necesitamos mostrar algunos dentro de parte del paraguas, así que ahí. Si puedes extender esa línea hacia el interior y luego agregar alguna base. ¿Ves eso? Esto se sumaría a nuestro paraguas. Voy a añadir otro detrás de él. Déjame unirme a esto. Esos son dos paraguas y el soporte en el medio. ¿ Ves eso? Obviamente, de nuevo, hay tantas formas diferentes de pintar esto, la razón principal es que dependerá del cuadro de fondo. Si toda tu pintura es de tono grisáceo, entonces esto va a tener un tono grisáceo pero si es una escena puesta de sol, entonces tu paraguas va a tener algunos colores reflejándose fuera del cielo. Todas estas cosas dependerán totalmente de tu escena principal. No estreses sobre cómo los vas a pintar porque estos son solo elementos pequeños para entrar realmente a la pintura principal en sí, y depende totalmente de cómo sea la escena del cuadro principal. Tenemos que tener mucho cuidado con eso. Aquí acabo de aplicar rápidamente el agua. Lo que voy a hacer es que voy a añadir algunos antecedentes, asumiendo que hay un edificio o algo de fondo. Tengo cuidado de no aplicar la pintura en mi paraguas. Mi papel no está demasiado mojado, solo un poco mojado para que no fluya demasiado sobre mi región paraguas. Se puede ver esto es ocre amarillo que estoy aplicando, asumiendo que es algún edificio. Pero luego hacia la base, creo que voy a ir con un bonito tono grisáceo. De nuevo, se puede ver que me estoy saltando la región de paraguas. A lo mejor voy a añadir un poco de siena quemada. No asuma que esta es la forma exacta de pintarlo. Como dije, todo depende de qué elementos de fondo haya. Yo solo quería cubrir esto y mostrarte cómo hacerlo y algunos de los métodos para acercarme a pintar un paraguas o un restaurante o un café o algo en tu pintura. Lo más básico es entender el proceso y cómo lo abordarías en lugar de los colores exactos utilizados. Como puedes ver, he agregado algunos trazos básicos y asumiendo que así va a ser mi fondo, tal vez tenga alguna sombra o algo ahí dentro. No sé qué hay ahí pero es alguna escena desordenada ahí. No sabemos qué hay entre el paraguas y el piso, así que acaba de agregar algunas cosas. A lo mejor estas son personas sentadas, no lo sabemos. Simplemente lo estoy dejando así. Entonces después de que esto se haya secado, ahí es cuando agregarías detalles al paraguas. Aquí he secado rápidamente esto. Se puede ver lo liviano que ha resultado. En un cuadro original, no va a ser esta luz y tampoco va a ser así de simple. Ahora por pintar los paraguas, he tomado un poco de pintura gris y la voy a agregar a los lados izquierdo. El lado derecho, lo voy a dejar más ligero. De nuevo, esto significa que la sombra está del lado izquierdo y eso significa que la luz es del lado derecho. Sólo quiero fundirlo en mi paraguas. Dejaré ese lado derecho como en blanco. Ahora en realidad se puede ver cómo se ve, la parte superior ya, pero imagina que los colores en el fondo van a ser más brillantes y oscuros de lo que es esto. Esto es sólo mostrar el paraguas inicial solamente. Entonces obviamente, al siguiente necesitarías agregarle un poco de detalle, así que he cambiado a mi pincel delineador. Aquí quiero llevar mis pinturas grises en mi pincel liner. Podemos agregar algo a la parte superior, tal vez como una línea o algo que se une a eso. Entonces obviamente, necesitarías pintar la parte interior porque esa, como dije, es la parte dentro del paraguas y necesita ser más oscura. Incluso éste. Ahí. Ahora ya lo puedes ver entrando en escena. Esa es la cabeza. Obviamente, en nuestro cuadro, van a haber otros elementos y detalles aquí hacia abajo, que vamos a sumar cuando estemos pintando toda la escena. Por ahora, solo estoy agregando trazos aleatorios de gris y marrón ahí. Pero esto ya parece que es algún restaurante con algunos asientos dentro. No esperaba que esto resultara así. A lo mejor le voy a añadir algo de tono gris, tal vez una persona sentada ahí tiene una camisa verdosa, tal vez algo de lavanda en ciertos lugares y tal vez una mesa y piernas. Ves, ya parece que hay algún tipo de detalle ahí. Es así como añadirías paraguas o tales elementos en una imagen. Ahora, sobre lo que dije que va a reflejar los rayos del sol, eso sería obviamente, otra vez, tendrías tu cosa de paraguas, dibujas eso y esa es la línea, y esa es la parte interior, esa es la parte central. Esta no es la forma exacta obviamente, tu paraguas se va a girar de diferentes maneras, por lo que tendremos que añadir eso. Pero si ibas a tener tu luz solar reflejada en tu paraguas, entonces obviamente después de haber pintado todo el fondo y todo, tendrás que volver a aplicar agua sobre tu paraguas, agua, y luego tomas los colores que utilizas para la puesta de sol. Asumiendo que te fuiste con arces amarillos, aquí estoy agregando un poco de arces amarillo y tal vez tomaré un poco de alizarina y añadiré eso también. Hacia el lado derecho, lo haremos más frío por lo que esto significa que el sol está de este lado, lo que significa que el lado derecho está más frío porque tiene sombra. Ahí. Eso hemos agregado. Esto ya parece un paraguas colorido. De todos modos, esa no es la intención. Vamos con tonos más oscuros hacia la derecha, puedes tomar un poco de negro y añadirlo a la derecha. Obviamente, la parte inferior tiene que ser más oscura también. Ahí. Es algo así. Esa es la base otra vez. Esto se debe a que algunos de los colores de la puesta de sol se están reflejando en ella. Puedes agregar algunos detalles con los colores que estés usando. Ahí. ¿Ves eso? Esto se hace más claro cuando hay elementos a su alrededor. En su mayoría cuando dibujarías tal paraguas, el fondo sería más oscuro porque ahí está el sol de este lado, tienes la puesta de sol en el cielo, pero los edificios a su alrededor, porque es una escena puesta de sol, van a ser más oscuros. Entonces todos los edificios alrededor de este paraguas van a estar en un tono más oscuro, por lo que entonces este paraguas sería lo más brillante que destaca en ese cuadro. 40. Bicicleta: Antes de pasar a la lección final, que va a ser por supuesto cosas mejores en los paisajes urbanos, vamos a ver algunos últimos elementos aquí. Supongo que estos no son elementos necesarios en todos los paisajes, pero solo quiero mostrarte o de hecho decirte cómo te acercarías a tal elemento. No voy a estar mostrando demasiado del proceso, pero solo quiero decirte cómo te acercarías a elementos tan similares en tu imagen. Digamos que se quiere dibujar a un hombre en una bicicleta o algo así. Entonces si quieres agregar a un hombre en una bicicleta, obviamente, veamos cómo te acercarías a eso. El primero que hay que entender es si se trata de una pintura de gran paisaje urbano, entonces obviamente este hombre de la bicicleta va a ser tan pequeño y pequeño. No necesitarías agregarlas a detalle. A menos que estés pintando en el que el edificio es tan de fondo y tu enfoque esté en la figura humana en la bicicleta, entonces obviamente es un caso completamente diferente. Pero eso no es lo que estamos viendo aquí. Estos son solo pequeños elementos que van a los principales paisajes urbanos. A ver. Tenemos la cabeza del hombre. Se puede ver esta es la cabeza, lo que significa que la altura de la persona es máxima, va a ser justo así, que obviamente es de 7-8 cabezas. No va a ser en absoluto mucho. Lo que voy a hacer es que me voy a llevar el gris de Payne, pero el tono muy claro del gris de Payne porque quiero mostrarles el otro en el ajuste. Ese va a ser el hombro. Entonces se va a inclinar un poco hacia adelante porque está montando una bicicleta obviamente. Entonces esa es la mano que se extiende para sostener la moto. Entonces ese es su cuerpo y su pierna, para que casi esté sentado en la moto. Ahora iré por un tono más oscuro para agregar en la moto. Como dije, no queremos que todos estos estén en demasiados detalles. Pocas líneas básicas serían suficientes. Si ese es el mango de la moto, algo así y ese es el asiento en el que está sentado, entonces obviamente esa es la parte trasera. Entonces rueda simple. Entonces la otra rueda va a estar más cerca de su cuerpo, por lo que su pierna va a enmascarar alguna parte de esa rueda. Simplemente puedes agregar algunas líneas en eso con la punta de tu pincel obviamente y el centro. No vamos a estar viendo qué hay, pero mira acabo de añadir algunas líneas aleatorias. Te lo mostraré cerca. Cuando miras de cerca , no tiene ningún sentido. Pero entonces eso es todo lo que necesitas en eso, ¿entiendes? Porque esta es una parte muy pequeña de la imagen, déjame simplemente completar la mano con un poco de siena quemada. Entonces ahí que está sosteniendo la moto, y eso es todo. Ahora, si quieres agregar en una sombra, nuevo, puedes ir con esa siena quemada. En última instancia mezclar para la sombra. Depende de cuál sea tu sombra, si necesita ser fría o cálida. Eso depende de la imagen otra vez. He añadido algún tipo. No es gran cosa en particular. Esa es la persona que sostiene. A ver, así que acabo de agregar algunas cosas. Esto ahora definitivamente parece una persona montando una bicicleta en un paisaje urbano. No quiero que esa sombra sea tan oscura. Simplemente absorbo ese extra. Por suerte esto ha resultado en realidad. Lo principal que debes recordar aquí es que, ¿cómo hice esto? Esto fue de mi cabeza. Pero entonces cómo puedes agregar estos elementos a tu imagen es mirar principalmente las fotografías y ver cómo están posicionadas. Si ves a un hombre montando en motocicleta o algo así, solo intenta trazar el contorno de ese tema. No hace falta entrar en ningún detalle de las cifras. Es así como obtendrías una imagen así. Si en absoluto quieres agregarle algún detalle, solo puedes seguir adelante y recoger esos colores opacos y tal vez añadir una gota de color a la moto. No se va a ver en esto, pero déjame mostrártelo de cerca. Pero ¿ves ese tinte de verde turquesa que he agregado? Se puede hacer lo mismo. Añade un poco de tinte de verde turquesa, o lavanda, o amarillo. A lo mejor quieres agregar una bolsa para la persona. Tan solo toma un poco de amarillo opaco, agrégalo a la persona. A ver ahora que parece un hombre con bolsa. Todas estas cosas puedes improvisar y no hay necesidad de tener un trazo perfecto para ello. Eso es todo lo que necesitas entender. 41. Avisos y señales: Echemos un vistazo a algunas simples líneas y símbolos de calle antes de que simplemente pasemos a los edificios. Para simples líneas de calle y edificios, todos van a estar en trazos sueltos al igual que hicimos las líneas eléctricas, hicimos las faroles, todo ello. Déjenme asumir que tenemos una lámpara de calle como un letrero o algo así, que está teniendo algún diseño. Ni siquiera voy a dibujarlo a detalle. Sí, algún diseño así. A lo mejor está colgando de un gancho, una tabla como esa tal vez. Se puede ver que mis trazos están secos y esto en realidad no tiene sentido en un papel blanco como este. Pero imagina que tienes un trasfondo completamente diferente de ciudades y otras cosas de fondo, entonces estos trazos van a tener mucho sentido. Yo he añadido algo. Déjame seguir adelante y añadir un poco de trazo a esa lámpara de calle. Idealmente tal vez si todo tu fondo es negro, estoy usando alizarina ahora, pero tal vez tengas que ir y usar rojo cadmio para conseguir ese tono más claro, ese es el tono opaco en la parte superior. Es posible que tengas que usar rojo cadmio. Mira, estos trazos secos en realidad van a hacer que se vea hermoso. No lo llenes de colores. Es así como se hace como en, añade belleza a tus pinturas. Confía en mí en esto. ¿ Qué queremos agregar en el cartel? Algún tipo de escritura, pero estoy pensando, ¿qué escribo? [ inaudible] Soy un gran fan de Harry Potter. Eso es lo que estoy pensando en mi cabeza, pero no hagamos eso, pongamos otra cosa. Esta es mi cal y voy directamente del tubo para que me ponga el más oscuro, no el más oscuro, sino el, ¿qué dices? Integrar eso, no la consistencia diluida. Pongamos hotel ahí dentro. Como dije, debería estar suelto. No escribas perfectamente en él. Ves, algo de ese tipo. Escribió hotel, pero es de una manera suelta y sutil tal que en todo el panorama general, se va a quedar genial. Estos son distintos tableros que podrías encontrar en tu paisaje urbano o paisaje urbano. Pero, ¿y si estás teniendo una señal vial o algo así? Si hay una señal vial, posiblemente irías con rojo cadmio si quieres que aparezca encima de un fondo negro. Pero de lo contrario lo que puedes hacer es usar un líquido de enmascaramiento para enmascarar esa zona al principio para que las porciones centrales se mantengan blancas así. Es absolutamente opcional, no es necesario en absoluto. No te estreses en todas estas cosas. Siempre es lo que improvisarías en un cuadro. Cuando pasemos a las principales cosas de paisaje urbano, lo entenderás obviamente. Acabo de tomar un poco de negro y voy a añadir un círculo ahí en el centro. Sí, no sé para qué es el símbolo ahora mismo. Esto es apenas de arriba mi cabeza que he añadido algo. Ahí algún tipo de símbolo. Pero esto lo puedo ver claramente en mi imaginación en un camino frente a un paisaje urbano. Así es como quiero que te imagines todos estos. Sé posiblemente si nunca te has aventurado en un paisaje urbano o paisaje urbano no tiene sentido. Pero entonces esto es sólo una introducción de mi lado para recordar esto cuando realmente vamos a pintar algo así. 42. Edificios. Parte I: Ahora lleguemos al último y al mejor de los elementos que son los edificios, claro. Nuevamente, esta parte de conseguir es muy simple porque obviamente sólo tenemos que buscar la perspectiva. Aquí, quiero mostrarles cuatro técnicas principales que usaremos para pintar edificios. Podrás elegir lo que sea tu favorito y seguir adelante con eso para todos los sentidos cuando estés pintando paisajes urbanos. O puedes improvisar y mezclar muchas de estas técnicas o elegir diferentes técnicas para cada pintura. Simplemente depende totalmente de lo que quieras. Suponiendo que esta aquí es mi línea de horizonte y ese es mi punto de fuga, tengamos edificios a ambos lados. Sólo voy a dibujarlo muy pequeño ahora mismo. Si tenemos la parte inferior de los edificios a lo largo esta línea y tal vez la parte inferior de los otros edificios laterales en esta línea, solo la barra inferior porque están alineados en la calle, y esta es la longitud del primer edificio. ¿ Cómo se obtiene el ángulo? Obviamente, para obtener el ángulo, se dibujaría la línea de perspectiva. Esa es la línea. Eso viene todo el camino hacia abajo. Digamos que se ve un poco hacia el frente. En realidad, dibujemos más porque quiero hacer un edificio más pequeño junto a él. Ahora digamos que el próximo edificio que vas a ver está ahí, y esa es la altura del siguiente edificio. Entonces, ¿cómo vuelves a obtener el ángulo? Nuevamente, seguir la línea de perspectiva, y ahí. Únete eso al fondo porque se trata de líneas verticales que no están en perspectiva. Es la altura pero se acorta dentro de las líneas de perspectiva. Ese es el edificio. Ver este edificio va atrás. Te acuerdas de las cajas que mostré cuando estábamos aprendiendo perspectiva. Digamos que quiero otro edificio en el frente de éste de aquí. No estamos viendo todo esto, sólo un poco, pero no es alto como éste. Nuevamente, para obtener el ángulo del costado, ese es el ángulo. Estos son sólo edificios en diferentes alturas. Ese es el fondo. Esta es sólo una perspectiva de punto. Estamos dibujando todos los edificios hacia este lado. Puede que haya más edificios del otro lado también, como digamos que aquí hay un edificio. Se ve el lado de ella, algo así. Te ves [inaudibles] diferentes edificios en diferentes alturas. ¿ Qué tal si agregamos edificios de este lado también? A ver. El edificio a un costado es así de alto, ¿cómo obtenemos el ángulo? De nuevo a lo largo de la línea y digamos que este edificio es así de largo. Esa es la línea vertical. Después va la línea horizontal. Digamos de nuevo, al igual que aquí, hay otro edificio hacia el frente de él, y siempre seguir a lo largo de la línea de perspectiva, ahí. Ya has visto cómo podemos sumar edificios ahora. Si esta es nuestra imagen, y digamos que este aquí es el pavimento frente a los edificios, ahí, ese era el edificio, entonces este aquí es el pavimento. Digamos que tenemos un camino al frente, así que ese es el camino. Ver. Digamos que aquí tenemos un cruce de cebra. Si tienes un cruce de cebra, obviamente, entonces las líneas todas seguirían perspectiva. Recuerda lo que dije cuando estábamos aprendiendo perspectiva y dibujamos los autos, ahí, por lo que sería el cruce de cebra en perspectiva. Es así como esbozamos los edificios. Déjame mostrarte rápidamente más bocetos para que podamos probar las diferentes técnicas en la pintura. Otra que quiero mostrarles es quizá, vayamos con una simple perspectiva de dos puntos, y tratemos de encajarlo en este cuadro de aquí. Asumamos que esta es la línea del horizonte y tenemos dos puntos de fuga. Asumamos que están fuera de la pintura. No quiero mostrarles dónde están todos los puntos de fuga exactamente en el mismo avión. Esta posiblemente sea la altura del edificio. Ahí hay edificio, hacia este lado también. Hagámoslo un poco más largo en el costado. Olvidando también la base, necesitamos el punto de fuga de esa línea realmente para unirlo ahí. Mira, así sería ese edificio de perspectiva de dos puntos. Añadamos en pisos. Añadamos en tres plantas. No, esa línea estaba en cierto ángulo, tenemos que ir por las líneas de perspectiva. Esos son los pisos, ahora sí se ve como un edificio que está en ángulo inclinado. lo mejor hay otros edificios detrás y tal vez hay otros, digamos que aquí hay un edificio alto. Digamos que el lado de la misma. En realidad, cuando estamos dibujando el costado, necesitamos sumar todos los lados y perspectivas. Este lado iría aquí y altura. Entonces se va a doblado el ángulo de ese edificio. Es así como dibujarías un edificio de perspectiva de dos puntos. Ya hemos aprendido perspectiva. Solo quería mostrarte un boceto rápido para que cuando añadamos en los colores, tengas un boceto perfecto. Voy a sacar mis líneas de perspectiva ya que no son necesarias. necesita ninguna de estas líneas de perspectiva. Como puedes ver, esta es la razón por la que uso una goma de borrar amasada como esta porque ayuda a eliminar cualquier línea no deseada sin quitarle nuestras líneas útiles. Ese es un boceto. Ahora, quiero dibujar dos bocetos más para poder mostrarles las cuatro técnicas de las que hablaba. Si agrego otro edificio dentro de éste, hagámoslo bastante sencillo. Simplemente voy a ir con una perspectiva de un solo punto a un costado. Asumamos que el edificio está aquí y esa es la perspectiva de un solo punto. Añadamos en pisos. Digamos que esa es la base del edificio y lo que sea. Hay un camino o algo y tal vez como una montaña o algo en el fondo extremo. Entonces el último, vamos a encajar. Siempre debes probar y practicar todas estas técnicas porque va a ser realmente útil cuando estamos dibujando paisajes urbanos a gran escala. ¿ Cómo va a ser éste? Intentemos agregar la silueta de una ciudad o algo así. Digamos que hay algunos árboles y algunas cosas, pero luego hay una casa o algún tipo de edificio , luego una cúpula. Solo estoy tratando de agregar diferentes elementos a ese fondo. Digamos que éste tiene una cúpula más grande. Recuerda cómo te mostré cómo bosquejar la cúpula siguiendo la simetría en ambos lados. Ahí. A lo mejor voy a añadir dos cúpulas más aquí. No me preguntes qué lugar es este, esto es como totalmente fuera de mi cabeza. Creo que he visto esto en alguna parte. Por eso esto está atascado en mi cabeza. Esto es como un puente en el frente. Ahí. Este es el puente y este es el agua. Estos son nuestros cuatro bocetos que intentarán pintar ahora. Para la primera, te voy a mostrar un estilo suelto. Ese es el primero. Estilo suelto como en bordes más suaves para todos los edificios. Esa es la primera técnica que vamos a aprender. Aquí de nuevo, voy a aplicar agua sobre mi papel porque necesitamos que nuestro papel esté mojado para conseguir los bordes más suaves obviamente. Aquí tengo agua aplicada. Vamos a empezar de nuevo con la región del cielo. Aquí estoy usando azul cobalto y agregando a mi cielo. No me molestan los edificios por ahora porque va a ser como en un tono más oscuro, entonces ese azul cobalto no lo va a afectar. Yo he añadido el azul cobalto, y ahora vamos a ir a los edificios, pero como dije, va a ser en un tono más suave así que todavía hay agua en mi papel. Esto está pintado en su mayoría cuando se quiere agregar bordes más suaves horneados a los edificios. Principalmente porque tal vez es una escena lluviosa o como mejores elementos están involucrados. Al igual que es una escena nevada o naranjas, brumosa. O quizá quieras mostrar la perspectiva aérea en todos los edificios porque eso es algo más que está exigiendo el enfoque en la pintura. Lleguemos a las pinturas. Aquí voy a mezclar lavanda con marrón claro para que me quede como un tono marrón oscuro, y esto es lo que quiero agregar. Se pueden ver todos mis edificios. Los añadiré con la técnica húmeda sobre húmeda. Déjame sostener eso para que no fluya por todas partes. Como puedes ver, he dado dos colores diferentes para ambos lados. Puedes seguir añadiendo los tonos de anillo a tus edificios, pero luego es completamente más suave. Se puede ver. A lo mejor voy a ir con éste, ver suficiente con éste. Ya puedes ver, he añadido tonos más suaves. Ahora bien, no quiero que se esté extendiendo tanto, así que sólo absorberemos parte de la pintura de los bordes para que quede parejo. Incluso puedes agregar otra capa en la parte superior para que ahora no se extienda tanto como se extendió antes, porque ahora tu papel está empezando a secarse y obtendrías los bordes más claramente. Así es como en realidad había pintado una de mis pinturas [inaudibles], los edificios estaban todos sueltos. El motivo principal por el que estaba suelto fue porque era una escena nevada, y yo quería conseguir ese toque suelto para mis edificios. Puedes repasarlo una vez más. Como puedes ver mi papel sigue mojado, pero esta vez no va a fluir mucho porque tu papel ha empezado a secarse casi pero no tanto como antes. Este lado está casi seco. Es como dije. A lo mejor esto es para representar que se quiere mostrar algo de profundidad en el lado izquierdo, no en el lado derecho. Se puede ver que he perdido la suavidad del lado izquierdo, deberíamos haber sido rápidos. También cuando realmente pintamos los grandes edificios, tendríamos más tiempo para trabajar en nuestros edificios porque ahora mismo no aplicé mucho el agua de mi papel para que definitivamente va a afectar la forma en que se seca el papel. De todos modos, esta pintura en realidad cubre tanto el método blando como el duro también, al lado izquierdo se ha ido hacia los bordes más duros y el lado derecho hacia el más suave. Añadamos un poco de color frío a este edificio. Hazlo un poco más frío. Se puede ver esto se utiliza principalmente cuando se está pintando algo donde quiere mostrar que los edificios sean brumosos o nevados o lluviosos, ahí es cuando se usaría esa técnica. Sólo ten eso en cuenta. Añadamos el camino ahora. Yo estoy agregando un tono más claro a la carretera primero. Antes de que mis edificios se sequen, quiero agregar también en las ventanas, así que solo dibujarías líneas como esa con un tono más oscuro para las ventanas si quieres agregarlas. Nuevamente, todos tienen que seguir por la línea de perspectiva. No olvides eso. Eso es muy importante. Esto es, como se puede ver, muy suelto, no de manera detallada. Tus edificios pueden ser como las ventanas, pueden ser trazos más ligeros. Apenas muy muy ligero. Pero se obtiene el punto. Esto sigue mojado. Necesito que se seque si quiero agregar detalles a la carretera. Ese es el camino. Nuevamente, agregando color extra al pavimento pero siguiendo a lo largo de las líneas de perspectiva. Ahora, se puede ver que el sendero se ha hecho evidente ahora pero este es completamente un estilo suelto de pintura, y este es exactamente el estilo que usé para pintar la pintura del tranvía. Déjenme mostrárselo. Este cuadro de aquí, se puede ver lo flojo que había pintado todos los edificios y todo. Esto es principalmente, como dije, por el elemento que interviene. Eso es nevado, y quería que los edificios fueran borrosas y bordes suaves. Ahí es cuando utilizarías tal método. Ahora, veamos el segundo método. El segundo método es bastante diferente al primero. Esto va a ser en capas. Capas como en un enfoque bastante diferente al primero. Apliquemos aún primero el agua sobre nuestra pintura, sobre nuestro boceto. Aquí he aplicado el agua. Vamos a empezar de nuevo con el cielo. Yo sólo voy a caer en azul cobalto en ciertos lugares y tal vez lavanda hacia abajo, algunas áreas. Eso es demasiado. Déjame aclararlo. De todos modos, ahí. Ahora, quizá lo siguiente, lo que voy a mostrar es, mostrar algo de luz en estos edificios. Yo sólo voy a añadir amarillo. Esto es amarillo Nápoles, y eso lo estoy agregando a mis edificios. Este es el color base, recuerda eso. Ahí, acaba de agregar eso, y luego pintemos también la zona vial, la parte inferior. Simplemente mezclando marrón y pintando gris juntos, tal vez un poco de siena quemada también. Agregó eso a la base. Ahora esperamos que todo se seque porque esto es, como dije, pintar en capas. Aquí, la primera capa se ha secado, y ahora nos ponemos a pintar las siguientes capas. Para eso, lo que voy a hacer es, voy a mezclar un color frío y cálido juntos. Aquí está mi azul ultramarino, y aquí está mi siena quemada. Ahí está mi siena quemada. Tomaré un poco del marrón transparente también en mi paleta. Ahora, voy a empezar con este marrón transparente para este edificio, y como pueden ver, sólo voy a seguir añadiendo este marrón transparente, y luego iré con la siena quemada también pero como pueden ver, mientras pintura, puedes dejar huecos. Ves que he dejado algunos huecos en mis edificios, y esos contribuirían en realidad a formar ventanas. Es así como ayuda cuando estás pintando en capas pero obviamente, al pintar también las ventanas, asegúrate de seguir ahí las líneas de perspectiva. Dale una mezcla de ambos de estos colores. Hacia la base, iré con más de un color más oscuro. Entonces hacia la derecha, intentaré agregar eso. Entonces tal vez iré con un tono azulado mezclado con mi siena quemada. Pero mira cómo puedes agregar algunas ventanas y formas a los edificios. ¿ Ves eso? Así es como se puede hacer. No tiene que tener ventana más limpia en todos los lugares. Simplemente sigue agregando. A lo mejor las ventanas sólo estaba en la región de arriba. Añadamos en el edificio en la parte trasera. Este fue un método, y este es el segundo método. Permítanme agregar en la pintura al edificio de atrás. Estoy agregando un tono más oscuro, ahí. Voy a mezclar un poco de lavanda a ese marrón que hay para agregar al frente. Añadiré algunas ventanas en esta capa. Siguiendo por la línea de perspectiva allá, añadiré otro conjunto de ventanas aquí. Esto era pintar en capas pero como puedes ver, esto es solo bocetos rápidos, pero cuando realmente estamos pintando paisajes urbanos de gran venta, iríamos con trazos más detallados. Pero esto fue sólo para mostrarte cómo está todo el asunto. También puedes agregar en detalle a tu pintura. Vamos con un pincel más pequeño. Este es un pincel talla dos y voy a tomar un bonito marrón y añadir algunas líneas de perspectiva, ahí. Ahora bien, si lo deseas puedes agregar ventanas cerradas también. Ves, no todos ellos, sólo en lugares aleatorios, ahí. Esta era una manera. Esa es la segunda vía. Ahora echemos un vistazo a la tercera. Puedes agregar tantas capas encima de esto para agregar más detalles si lo deseas. Irías por un tono o detalle diferente para agregar aquí. He añadido un poco de color extra ahí. Ahora, este lado del edificio luce separado del primero. 43. Edificios. Parte II: Ahora el siguiente método que quiero mostrarles es el método de contar esto más esto. Veamos cómo se vería eso. Aquí he aplicado el agua. Quiero empezar con un bonito azul cobalto para mi cielo. Aquí te estoy aplicando mi azul cobalto para la región del cielo. Va a ir por como un bonito cielo azul. Ahora esa es esa montaña de fondo. Voy a crear como un color verdoso más oscuro. He tomado verde oscuro, luego lo mezcle con siena quemada, y luego lo mezclaré con un gris, necesito que sea un poco más frío, así que un poco azul tal vez. Ese es un bonito color ahí. Eso es lo que voy a añadir a esa montaña de atrás. Entonces ahora nos adentraremos a nuestros edificios. Por los edificios, déjame ir con el ocre amarillo. Ahí está ocre amarillo. Añadiré ocre amarillo. Pero esta vez cuando estás agregando las pinturas, tenemos que tener mucho cuidado en no incluir mucha agua en tu pincel. Porque si estás agregando mucha agua en tu pincel, entonces tu pintura se va a extender. Se puede ver el amarillo ya extendido un poco. Pero entonces como vamos a combinar este método y este método, va a estar bien. Ahora iré con el gris por el camino, mezclaré lavanda sola. Eso es todo un montón de capas agregadas. Podemos ir con empezar a agregar más detalles como he tomado una siena quemada de pintura seca. Como pueden ver, hay muy poca agua en mi cepillo, y yendo con cantidad seca de siena quemada. Eso lo sumaré a la parte superior de mi edificio. puede ver que ahora no se extiende. Pero se da que una bonita forma o un techo a mi edificio, obviamente siempre siguen la línea de perspectiva. Por eso es más grueso aquí. Después esperaremos a que esto se seque para que podamos agregar más detalles más adelante. Detallando así. Apenas fortaleciendo esa montaña allá atrás. Ahora vamos a secarlo rápidamente. Ahí está seco ahora. Si siguiéramos la misma técnica que usamos aquí, eso significaría que vamos a añadir una segunda capa en la parte superior. Aquí me llevo mi siena quemada, y voy a fortalecer la línea de nuestros edificios. Después iremos otra vez con ocre amarillo, y lo agregaremos a la parte superior. Nuestro edificio se ve más seguro y en su lugar. Esto sigue siendo, no estoy aplicando muchos detalles como puedes ver porque es una figura muy pequeña. El siguiente es que agregaríamos en ventanas o puertas. Asegúrate de seguir la perspectiva. Sigamos también la perspectiva sobre ésta. Algún tipo de edificio, digamos que éste tiene balcón o algo en la parte inferior. Así sería. Ahí agregan algo. Creo que esa línea no es recta porque esa es la línea de perspectiva y si empezara desde aquí, sí me iría todo el camino y lo haría. Así sería la perspectiva. Una vez que esto se seque puedes ir y agregar más detalles en la parte superior otra vez como déjame mostrarte eso rápidamente. Si tuviera que tomar algo de pintura en mi pincel detallista, podrías seguir adelante y agregar más detalles o tal vez haya como un balcón. A lo mejor como un balcón para sólo las áreas de ventana. Esto es combinar estos dos métodos. Obviamente los colores utilizados no son ideales, esto es porque apenas estaba pintando de mi cabeza. No tengo ninguna referencia en absoluto, así que acabo de ir con los colores en mi mente. Ahora para la cuarta y la última técnica que quería mostrarte es cómo pintar algo brumoso. Esto es mayormente, tengo una foto de Praga donde la mañana brumosa en el Puente de Carlos. Si quisieras pintar pinturas así, ahí es cuando utilizarías esta técnica. Empecemos con el gris de Payne. Vamos a aplicar unos colores en el fondo. Eso es sólo algo al fondo. Ahora voy a secar rápidamente esto. Aquí lo he probado, y ahora tratemos de pintar toda esta escena. Aquí tengo mi verde oliva, y esto es con lo que quiero empezar. Apenas empezando con mi verde oliva y aplicando. Queremos convertir esto en toda una escena brumosa. Para hacerla brumosa después de aplicar los colores, trataríamos de mezclar el fondo. ¿Ves? Simplemente mezcle todo. Hagamos todo este edificio al fondo con Alizarin. Como pueden ver, no estoy siguiendo ningún esquema de color en particular. Esto es sólo para mostrar rápidamente el proceso. Asegúrate de que cualquiera de los bordes de nuestras pinturas no se seque porque queremos que esté brumoso. He aplicado la pintura. Estoy tratando de cubrir rápidamente los bordes sin que creara ningún borde áspero y ahí usaré mi pincel para mezclar todo el asunto y eso lo hace tener un bonito efecto brumoso. También puedes usar tu pincel para levantar alguna pintura de estas regiones. Eso le da la mirada brumosa. He quitado parte de la pintura. Nuevamente, como puedes ver, los colores no son ideales. Pero apenas te estaba mostrando rápidamente cómo podemos crear el efecto de niebla en un cuadro. Haremos algunas pinturas como estas en el futuro. Podemos secar rápidamente esto de nuevo. Después de eso puedes agregar cualquier detalle que quieras, haz el padre de edificios, como en las zonas más alejadas. Aquí solo quiero agregar algunas líneas, habrá las raíces de éstas. Ahora posiblemente pinte ese puente. Recuerda todo esto es sólo pintar de manera aproximada. No hay perspectiva involucrada en este cuadro en particular, principalmente porque esto es como enfrentar en el horizonte y lo estamos mirando desde un costado. El punto de vista habría sido si estás ahí parado y mirando ese edificio, entonces todos los bordes de esos edificios habrían sido perspectiva. Eso sí lo entiendes. Esto es simplemente agregar algo rápidamente. Agrega detalles en el interior. Apenas un poquito de ángulo del edificio de ese puente se ve. Para saber qué tipo de puente es ese solo estoy improvisando en el camino algo de luz o algo en el edificio, entonces necesito agregar el área de agua al fondo. Para eso, déjame recoger el azul ultramarino y agregar más rápidamente algunas cosas. Esto es literalmente tipo de boceto de trazo. Lo que intentaba mostrarte principalmente fue la forma en que puedes agregar el efecto brumoso a los edificios. Esta es una técnica así que asegúrate de probar y practicar eso. Es decir, aplicar tus trazos cuando tu trazo anterior aún no esté seco. Esa es la forma más rápida de hacerlo. A lo mejor alguna sombra en el agua. Eso es todo. Estas son las cuatro técnicas. Estas son las cuatro técnicas para pintar edificios. Obviamente, cuando estamos pintando un cuadro grande como tal, mantendríamos con mucho más detalle en nuestros trazos. Pero las técnicas aquí que he usado son lo más importante. Este era de estilo suelto. Esta era de dos capas. Esta fue una mezcla de ambas técnicas, y ésta fue para lograr el efecto brumoso. Ten en cuenta estas técnicas porque van a ser realmente útiles. Como saben, este es el último de los elementos que quería cubrir. Después de esto, vamos a sumergirnos directamente en pleno derecho a estas pinturas rupestres, que va a llegar pronto. 44. Gracias: Aquí hemos llegado al final de la primera clase en nuestra serie de paisajes urbanos, que estaba cubriendo diferentes elementos, por supuesto. He mostrado una amplia variedad de técnicas para pintar diferentes elementos. Obviamente, todas eran demasiado pequeñas y no demasiado detalladas, claro. Pero en lo que quería que te enfocaras eran las técnicas que estaban cubiertas, no los colores o no los trazos ni nada, sino las técnicas para pintarlas y para bosquejarlas también. Entender estos elementos te daría tanta visión cómo abordarlos en una gran pintura de paisaje urbano o paisaje urbano. Este es el fin de esta clase. Pero entonces pronto vamos a tener pinturas de pleno derecho donde vamos a pintar gran paisaje urbano o paisaje urbano utilizando todos estos elementos que acabamos de aprender. Cubrimos autos en perspectiva de diferentes maneras para dibujarlo detallado. También vimos cómo dibujaríamos el cruce de cebra, agregando todos estos pequeños detalles a los autos así como cómo dibujarlos de una manera más sencilla. Porque para mí cuando empecé, tuve dificultades reales para tratar de agregar un auto a mis cuadros. Siempre solía tener unas formas funky, pero una vez que lo descubrí, me pareció realmente útil, lo cual pensé que sería genial compartirlo contigo. Después pintamos autobuses y camiones. Entonces por supuesto, sí, aprendimos a pintar a la gente en perspectiva. Algunas cosas generales que debes recordar son tener las cabezas de la gente en el horizonte a menos que estén escalando, o camino inclinado o algo así. También cómo pintar a la gente, cómo pintar las sombras. Recuerda los dos métodos que mostré para pintar las sombras. Entonces obviamente las farolas por la noche y las farolas durante el día, las técnicas de sombra. Hay más ondas y más colores que puedes usar para agregar las sombras obviamente. Pero el punto principal era conseguir aquí la forma de la sombra. Entonces sí, cubrimos semáforos, líneas eléctricas, líneas de tranvía, semáforos. Entonces, claro, solo para agregar un poco de árboles y vegetación a nuestras pinturas. Me encanta cómo ha resultado esto después del secado. También aquí, se puede ver cómo agregamos la sombra con la luz que viene de este lado y cómo pintar una montaña más alejada al fondo. Después echamos un vistazo a cómo pintar tranvías y trenes solo para obtenerlos correctamente en perspectiva. Por supuesto, entonces tuvimos cafés callejeros, restaurantes, agregando otros elementos como bicicletas, tablas, símbolos, etc. Por último, claro, teníamos edificios que aprendimos a pintar en cuatro métodos diferentes. No mires el boceto ni el detalle ahora. Las técnicas que aprendimos fue la más importante. Este era obviamente para pintar de una manera de borde suelto y suave. Esta era de dos capas. Esta fue una mezcla de lo blando y las dos capas, y ésta fue cómo obtener el efecto brumoso. Cuando estamos pintando en un cuadro grande, este efecto brumoso va a verse más brumoso y mucho mejor que éste, claro. Espero que te hayan gustado las lecciones que cubrimos en esta clase. Para mí, honestamente, esta es mi favorita de las lámparas. Simplemente me encanta este. Si disfrutaste de esta clase, no olvides dejarme una reseña así como subir tus proyectos a la sección de proyectos aquí en Skillshare. Podrás atender todo esto uno por uno en tu cuaderno de bocetos o en papel. Es un ejercicio realmente bueno porque no es la primera vez que practico esto. Para que incluso logre este nivel de confianza en probar estos elementos, tengo que experimentar mucho y tengo que tratar pintar estos múltiples veces así que así es como pude llegar allí. Aquí tengo algunas de mis prácticas. Estos ni siquiera son practicantes porque estos son los que en realidad probé cómo mostrárselos. Su, gente, los árboles y follaje, etcétera tengo más de mis trabajos de práctica, y toma mucho tiempo conseguir todos estos correctamente, y no quería que todos pasaran tanto tiempo para conseguir el hackeo de todos estos. Esta es la razón por la que saqué esta clase. Manténgase atentos para el siguiente, que será sobre incorporar todos estos elementos, decidir nuestra propia composición, y ponerla en un gran paisaje urbano o pintura de paisaje urbano. Espero que te guste de verdad esta clase. Gracias a todos por unirse a mí. Nos vemos en mi próxima clase. Hasta entonces. Adiós.