Edición avanzada de video con Adobe Premiere Pro

1. Introducción: Hola ahí. Yo no te vi. Alguien acaba de importar un montón de clips a Premier, así que pensé que vamos a hacer una edición de eso, y en realidad está empezando a verse bastante bien. De todos modos, mi nombre es Jody, y llevo prácticamente viviendo dentro de Premier Pro los últimos 15 años. No, en serio, ese es mi trabajo. Enseño a otros sobre Premier Pro. Tenemos un canal de YouTube con más de dos millones de suscriptores, donde enseñara el programa de edición. Soy un verdadero geek cuando se trata de funcionalidad, características, opciones dentro del programa. Probablemente sé todo sobre el programa, y por eso estoy tan emocionado con esta clase avanzada para usuarios de Adobe Premier Pro, ya que finalmente puedo mostrarles todo en torno al programa. Sí, eso sí significa que se necesita tener algunos conocimientos básicos. Si vienes por mi clase de principiantes para Adobe Premier Pro, perfecto, eres el ajuste perfecto para esta clase porque eso significa que sabes hacer ediciones básicas dentro del programa, y ahora es momento de aprender más sobre su edición multicámara, corrección de color, cómo mezclar audio, cómo trabajar con las diversas herramientas avanzadas, crear animaciones 2D, convertir fotogramas clave lineales en Beziers, súper importante, y esa lista continúa. Pero al final de la clase, sabrás todo sobre el programa de edición. No hay nada más que aprender. Puedes seguir adelante ahora en el mundo de la edición y empezar a crear cosas sin necesidad de preocuparte, ¿hay algo más que deba saber del programa? Acompáñame a la clase Premier Pro más completa y entretenida para usuarios de Adobe Premier Pro. 2. Flujo de trabajo básico de edición: Hola ahí. Yo soy Jordi. Yo soy el chico del mantenimiento aquí dentro de Adobe Premiere Pro. Prácticamente llevo viviendo aquí los últimos 15 años. De todas formas, ayudo a los editores con sus proyectos, mantengo el lugar ordenado y limpio hasta que los huesos del programa se estrellen. De todos modos, empecemos con esta clase avanzada para usuarios de Adobe Premiere Pro. En esta primera lección de introducción, te voy a refrescar con lo básico. Ahora, trabajaremos con algunas animaciones básicas también. Vamos a trabajar con algunos efectos y todo. Así que definitivamente quédate por ahí porque podría haber algunos buenos consejos y trucos que definitivamente no querrás perderte a tiempo. Empecemos. De lo que tengo derechos aquí son un par de carpetas que guardan algunos archivos multimedia. Ahora, por cierto chicos, también puedes descargar estos mismos archivos multimedia desde la app de tus proyectos aquí en Skillshare y con eso, puedes seguir junto con la clase. Vamos a usar este truco toda la clase, y también puedes hacer tus propias ediciones de video. Incluso puedes compartir eso a YouTube si así te gusta siempre y cuando no estés usando eso con fines comerciales. De todos modos, la organización comienza justo aquí, quieres asegurarte de que todo se sienta bien dentro de las carpetas, así que está todo organizado y lo que quiero hacer es solo seleccionar estas carpetas y arrastrarlas a la ventana del proyecto, y tener esto misma jerarquía dentro de Premiere también, y Si todo va bien, los archivos deberían importarse ahora mismo. Ahí están, están dentro de Premiere ahora. ¿Qué tenemos? Entonces tenemos una entrevista de Yannick, tenemos algunas tomas B Roll de él pintando miniaturas. ¿ Qué tan guay es eso? Tenemos algunos efectos de sonido y todo. Entonces organicemos esto en Premier y mantengamos eso seguro, súper importante. Para la carpeta raíz, suelo mantener esto en la lista pocos, porque no necesitamos ningún molino de tiempo aquí. Empecemos creando una nueva secuencia. Al tratar una nueva secuencia, podemos o bien ir por ajustes personalizados o podemos seleccionar uno de los presets, y en realidad hay algunos presets aquí que funcionarán perfectamente para cerca del 95 por ciento de los proyectos en los que probablemente vayas a trabajar. Esos son los DNxHD o DNxHR. Por ahora, voy a ir a la carpeta de recursos humanos y voy a elegir el Ultra HD, 30 fotogramas por segundo aquí mismo. Vamos sólo por el de aquí arriba. Ahora, vamos a ver más adelante en esta clase exactamente cuáles son las diferencias entre estos presets y cómo puede beneficiar nuestro flujo de trabajo de edición. Por ahora, sólo escojamos este. Voy a darle un nombre a eso, por ejemplo, Mi Primera Edición y pega “Ok”. Espera, tenemos una línea de tiempo o una secuencia. Voy a abrir la carpeta B Roll y para esta carpeta, sí quiero establecer mi vista a la vista de iconos, que podamos ver las miniaturas. Haga doble clic en “Eclipse” para abrirlo en el monitor fuente, encuentre la parte que necesita, por ejemplo, esta parte. Establezca un punto final, mediante el uso del I en sus teclados. Adelante un poco a tiempo y establece un outpoints con la tecla O de tus teclados. Ahora, podemos llevar este clip a nuestra línea de tiempo ya sea arrastrando eso o mediante el uso de esta función aquí mismo, Insertar o coma clave corta. Mantenga presionada la tecla Alt y desplácese en su línea de tiempo para acercar, sin mantener pulsado Alt puede ir a izquierda y derecha. Cuando tu ratón se pare en la pista, y al sostener Alt y desplazarte, ampliarás las alturas de la pista. Llevemos algunos clips más a la línea de tiempo. Entonces supongamos que esto de aquí ahora es una pequeña secuencia de introducción. Después de esto, va a empezar con la pintura real. Tomemos esta toma aquí, por ejemplo, con la luz, ya que ya está empezando en el cuadro. Inserta eso también. En la línea de tiempo, voy a mover mi jugada aquí justo antes de ese clip, voy a colocar un marcador pulsando la tecla M en mis teclados. Puedes darle un nombre a ese marcador por ejemplo, empezar a pintar, presionar “Ok”. Lo que sigue ahora van a ser unas cuantas tomas más de Yannick aquí pintando sus miniaturas. Ahora, vayamos al último clip aquí, que es Yannick terminando su miniatura. Él lo está poniendo abajo, así que puntos finales, outpoints, traen eso a la línea de tiempo, y justo antes de esa, quiero crear un nuevo marcador, y me llamo a eso un final. Ahora trabajando con marcadores como una forma de definir las diferentes partes dentro de tus ediciones, pero también puedes elegir seleccionar ciertos clips, hacer clic con el botón derecho, y luego pasar a etiquetar, y simplemente darles un color diferente, por ejemplo, amarillo. De esta manera también obtenemos una visión muy clara de las diferentes partes dentro de nuestras ediciones. Ahora trabajar con colores etiquetados suele ser mejor porque están atados al clip y los marcadores no lo están. Si voy a tomar mi herramienta de edición rodante aquí desde la caja de herramientas, o presionar la tecla corta N, puedo mover el punto de salida del clip número 5, y el punto final del clip número 7. Hagámoslo., llevémoslo al lado derecho, por ejemplo. El clip izquierdo justo aquí se ha vuelto más grande en duración y el segundo clip justo aquí se ha vuelto más corto en duración, pero mi marcador todavía se sienta en este lugar justo aquí, lo que no indica la nueva parte todavía. Ten eso en cuenta, chicos, los marcadores se suelen usar cuando tienes un bloqueo de edición, cuando estás seguro de que tu edición ya no va a cambiar mucho. Lo que voy a hacer ahora, es crear un look específico a estos cuatro clips aquí mismo. Pero lo hiciste, déjame volver primero a mi carpeta raíz y voy a crear una nueva carpeta aquí llamada activos. Dentro de ahí, voy a crear una nueva capa de ajuste, presiona “Ok”. Las capas de ajustes son una capa nada, pero podemos usarlas para colocarlas encima de clips. Voy a ponerlos a la misma longitud aquí, y siempre que vamos a aplicar efectos a esta capa de ajuste, se aplicará a todo lo que esté debajo de eso. Probemos eso. Voy a ir a mi biblioteca de efectos y buscar blanco y negro. Está justo aquí en tu control de imagen. Arrastra eso a la capa de ajuste y verás que todos mis clips justo aquí debajo de la capa de ajuste se han convertido en blanco y negro. También voy a buscar el efecto llamado recortar, y arrastrar eso a la capa de ajuste también. Con la capa de ajuste seleccionada, dirígete a los controles de efectos, desde los que encontraremos los efectos que se le aplican, que es el filtro blanco y negro, y también el filtro de recorte. Con el cultivo seleccionado, podemos cortar visualmente o recortar en el video, y debido a que estamos trabajando en una capa de ajuste, se aplicará a todo lo que se muestra a continuación. Pero también podemos cambiar a valores porcentuales aquí. Entonces para la parte superior, recortemos 15 por ciento y para la parte inferior también, creemos ese ámbito cinematográfico. También hay gran beneficio de tener este efecto de cultivo en la capa de ajuste es que todavía podemos movernos alrededor de los clips debajo. Con el clip 1 aquí seleccionado en mi línea de tiempo, veo ahora que no hay suficiente espacio en la cabeza en este clip, porque hemos recortado la parte superior. Entonces lo que quiero hacer ahora es con él seleccionado, dirígete a los controles de efectos y desde la propiedad de movimiento, voy a empujar ese clip hacia abajo en su posición, y lo podemos hacer perfectamente sin alterar el cultivo real. Por lo que podemos establecer eso para cada clip individual. Ahora, todos mis clips están perfectamente alineados, justo como yo quiero. Ahora, para finalizar todo esto aquí mismo, vamos a los extremos, seleccione su capa de ajuste, y voy a animar ese valor de recorte que podemos hacer habilitando la animación. Haga clic en esta parada justo aquí, para la parte superior, y también para la parte inferior, que creará dos fotogramas clave. Avanza en el tiempo o hasta el final de ese clip, y aquí establece la parte superior y la inferior en cero. En medio de estos dos fotogramas clave, ese recorte está animado como podemos ver. Echemos un vistazo a esta animación. ha detenido la secuencia de interés, por lo que se abre a la secuencia de color. Eso es en pocas palabras, un flujo de trabajo básico de edición. En la siguiente lección, vamos a sumergirnos un poco más en los ajustes de la secuencia. Gracias por ver. 3. Ajustes de secuencia: Secuencias o líneas de tiempo como muchas personas prefieren, pero en realidad secuencias, pero sí revelan una línea de tiempo. De ahí viene el nombre. De todos modos, entonces en esta lección, me gustaría hablar un poco más sobre esas secuencias y los ajustes detrás de ellas porque son bastante importantes de entender. Aquí está esa secuencia que creamos en una lección anterior y podemos ver algo más de información sobre eso como la velocidad de fotogramas, tenemos la resolución, algo de audio info, y también podemos crear una nueva secuencia a partir de este nuevo botón de elemento aquí en la parte inferior, luego ve a Secuencia y luego a partir de aquí podemos volver a elegir esos ajustes. Pero, ¿cuál es el trato con todos estos códecs aquí mismo? Porque eso es lo que representan estos presets. Por ejemplo, abriendo el DNXHR, desplácese todo el camino en la parte inferior aquí, bajo los presets ultra HD de 30 cuadros por segundo, podemos encontrar cinco tipos diferentes de presets. Todos son exactamente iguales excepto el códec detrás de ellos. Podrías pensar: “¿No son importantes los códecs para cuándo vas a exportar tu video? ¿ Qué tiene que ver una línea de tiempo con eso?” Bueno, déjame mostrarte. Si te diriges a Ajustes, realidad puedes previsualizar o cambiar a ajustes desde ese preset. También puedes ir aquí arriba y luego seleccionar Personalizado si quieres crear algo tú mismo. Siempre puedes guardar eso como preestablecido si así te gusta, pero eso es realmente por razones muy específicas. Aparte de los ajustes de video y los ajustes de audio, tenemos Vista previa de video aquí en la parte inferior, y aquí se puede ver que sí hablamos de un códec. Esto va a ser para el códec en el que se van a guardar los archivos de video pre-renderizados. Para mostrarte qué es exactamente lo que está pasando aquí dentro, déjame simplemente cancelar este cuadro emergente. Se puede ver justo aquí que tenemos un clip el cual tiene una línea roja en la parte superior y eso indica que tiene algún efecto pesado aplicado al mismo. Lo que he hecho es simplemente aplicar un simple efecto de aclaramiento, que no tiene sentido en absoluto. Pero sí me permite renderizar este clip porque tengo problemas para reproducirlo. Todos sabemos hacer eso. Simplemente presionamos la tecla de retorno y eso empezará a renderizar. Lo que está haciendo Premier Pro en este momento es en realidad simplemente guardar este clip individual en tu computadora con el códec que hemos establecido dentro de los ajustes de secuencia. Si volvemos a los ajustes de secuencia aquí, creamos uno nuevo, luego vamos a ajustes aquí en la parte inferior, entendemos que un códec es algo importante de entender. Al prerenderizar clips en tu línea de tiempo a un códec muy pesado, todavía no podrán reproducirse sin problemas. Es importante que elijas un códec ligero como el Avid DNXHR, también tienes Apple ProRes, y hay un montón de letras. Tampoco quieres tener una vista previa de baja resolución porque después de renderizar, quieres ver claramente cómo es tu imagen. Eso es lo que hace esa opción. Tengo toda una lección separada al final de esta clase en alguna parte. Voy a hablar más a fondo sobre cómo en realidad se pueden utilizar estas previsualizaciones de video para sus exportaciones finales. Ahora volviendo a los presets, los DNxHD y los DNxHR van a ser los presets con los que más vas a trabajar. No te preocupes demasiado por el códec. Simplemente elige la resolución y las velocidades de fotogramas en las que quieres trabajar. Estos ajustes de video van a ser los ajustes que tiene que ser tu exportación final. Ahora podrías estar trabajando con clips que tienen una resolución de 8K, pero tu exportación final o tu entrega final va a ser ultra HD. Bueno, entonces no crees una secuencia 8K, crea una de ultra HD porque esa va a ser tu entrega final. Ten eso en mente. Voy a cancelar esta ventana aquí mismo. Echemos un vistazo a los clips que tengo en mi línea de tiempo. Voy a seleccionar el clip número 9 aquí mismo, dirígete a la propiedad de movimiento. Notarás que la escala, a pesar de que está establecida en 100, en realidad es más grande que la resolución ultra HD de la secuencia. Eso se debe a que estos clips fueron grabados a resolución 5k y eso me da el beneficio de que en realidad puedo bajar o tal vez reubicar ese clip. Disparar a resoluciones más altas siempre tienen un gran beneficio. Ahora cuando voy a decidir agrupar unos clips juntos en una secuencia anidada, lo cual puedo hacer seleccionándolos, haciendo clic derecho, y después decir Nest. Dale un nombre a eso. Por ejemplo, agrupan clips y pulsa Ok. ha creado una nueva secuencia con los mismos ajustes que mi secuencia original. Eso significa que ahora ya que estoy trabajando en esta secuencia anidada, ya no tengo esa resolución más grande a pesar de que los clips en el sitio lo son. Lo que voy a tener que hacer ahora mismo es hacer clic derecho en mi secuencia de Clips Agrupados, ir a Ajustes de secuencia y a partir de ahí, cambiar la resolución. No puedo hacer eso porque estoy trabajando en un preset así que voy a subir aquí, seleccionar Personalizado y a partir de ahí, establecer la resolución real de lo que son mis clips, que es en este caso, 4,800 a 2,700 y presionar OK. Te va a dar una advertencia de que se eliminarán los archivos de vista previa. No me importa. Presione OK. Ahora esta secuencia anidada es más grande, como pueden ver aquí dentro, que mi secuencia principal. Eso significa que ahora puedo seleccionar esta secuencia anidada y mover mis clips alrededor, escalar hacia arriba, hacia abajo, y disfrutar de esa resolución de 5k. Ahora, ¿cómo sé que mis clips son de 4,800 por 2,700? Bueno, si voy a mi carpeta B Roll y le echo un vistazo a mis clips, puedo ver aquí en las columnas, cuál es la resolución de esos clips son. También siempre puedes hacer clic derecho sobre ellos y luego ir a Propiedades desde las que también puedes leer ese mismo valor. Podemos crear múltiples secuencias, colocar una secuencia en otra, crear secuencias anidadas, pero siempre recuerda que una vez que vas a crear tu secuencia principal, que tiene la misma configuración a la que te gustaría exportar para la entrega final. Cuando vayas a anidar clips juntos, asegúrate de comprobar también la resolución de esa secuencia anidada para que puedas disfrutar de la resolución 5k completa o cualquier resolución con la que estés trabajando. Gracias por mirar y nos vemos en la siguiente lección donde vamos a hablar de llaves cortas. 4. Atajos avanzados: ¿ Ves estas cosas justo aquí? No se hace clic en esos. Usas teclas cortas para eso. Eso es correcto. Si quieres ahorrar tiempo mientras editas, es muy importante que vayas a trabajar con teclas cortas. Entonces en esta lección, quiero repasar varias teclas cortas. Te voy a mostrar cómo cambiarlos también, y te voy a dar algunos consejos que realmente van a acelerar tu flujo de trabajo mientras editas. Empecemos. En primer lugar, ¿dónde podemos encontrar las llaves cortas? Bueno, eso es todo aquí arriba en el Menú, Editar, y luego ve a Atajos de Teclado. A partir de ahí, podemos ver todas las teclas cortas disponibles. También podemos buscar algo específico, como el track select, y ahora podemos establecer un atajos personalizados para eso también aquí, o simplemente podemos escoger y ver cuál es el atajo para esa herramienta. A partir de ahí, quiero echar un vistazo al recorte ondulado siguiente edición a playhead y edición anterior a playhead. Estos dos son probablemente los que más vamos a utilizar. Definitivamente, vamos a trabajar mucho con entrevistas, o cuando solo tienes un tono de rollo B, estos atajos te van a ayudar tremendamente. Entonces tenemos la W y tenemos a la Q. Veamos qué hacen. El rizo trim delete son tres acciones dentro de una. La primera acción va a ser un corte sencillo. Tomemos el clip nueve aquí como ejemplo. Para crear un corte, podemos usar la herramienta de cuchilla de afeitar aquí mismo o presionar la tecla C. Haga clic en “Añadir un corte”, entonces voy a eliminar esta parte aquí mismo. Presiona “Eliminar”, y luego voy a eliminar la brecha en el medio así. Estos tres pasos se pueden hacer con el rizo trim delete. Déjame simplemente deshacer mis acciones con Ctrl+ Z y colocar mi cabezal de reproducción para ponerme Quiero que mi corte suceda y luego presionar la tecla Q. Ahí vamos. Esa parte ha sido cortada y hemos cerrado la brecha. También podemos hacer eso al final del clip extendiéndonos aquí mismo, y decir que esta parte tiene que ir, luego presione la W. Vamos a rizar recorte borrar todo lo que hay junto al cabezal de reproducción o anterior del cabezal de reproducción. Ahora hablando de agregar un corte usando la herramienta de cuchilla de afeitar solo podemos presionar el botón C y luego hacer clic en algún lugar del clip para agregar un corte, pero que de nuevo son demasiadas acciones. Déjame deshacer eso. Lo que también podemos hacer es presionar “Ctrl+ K” para agregar instantáneamente el corte donde está mi cabezal de reproducción. De ahí que lo que realmente me gusta hacer es cambiar el add edit porque eso es lo que estamos haciendo. El Ctrl+ K, sólo me gusta cambiar eso a la C, que es la herramienta de cuchilla de afeitar. Presiona “Ok”, y ahora solo podemos usar el botón C de mi teclado para cortar en lugar de usar la herramienta de cuchilla de afeitar que nunca uso. Lo siento, pero no eres útil para nada. Está bien. Al siguiente. Para eso, voy a necesitar algo de música o sonidos. Déjame sólo tomar cualquier cosa aquí y colocar eso en la pista de audio. Me gustaría ampliar la altura de esta pista, y una forma de hacerlo es manteniendo presionada tecla Alt y luego desplazando hacia pista para agrandarla. Pero también hay una tecla corta y esa es Alt y luego plus en tu teclado y que en realidad se expandirá. Permítanme hacer doble clic aquí mismo en mi línea de tiempo para maximizar ese panel por un momento. Porque como puedes ver en realidad ampliará todas las pistas de audio. También podemos presionar la tecla menos para disminuir ese tamaño. También se puede hacer lo mismo para las pistas de video con Ctrl+ plus o Ctrl+ menos. Muy útil. Definitivamente cuando estás trabajando con muchas pistas, entonces solo puedes expandirlas todas a la vez. Siguiente arriba es ganancia de audio, algo que también usamos mucho. Pero en lugar de hacer clic derecho en tu clip de audio y pasar a la ganancia de audio, lo que vamos a hacer es simplemente seleccionar el clip y presionar la tecla G del teclado. Es así de sencillo sacar ese panel, cancelar. Recuerda que G de ganancia. Para los videoclips, la velocidad y la duración es algo que usamos con frecuencia. Para eso vamos a usar Ctrl+ R para subir el panel de velocidad y duración del clip. A partir de aquí, también podríamos revertir este discurso o cambiar la interpolación. Si realmente quieres ser específico de cuánto tiempo vas a estirar tu clip entonces usa la herramienta rate stretch. Tiene derechos aquí en nuestra barra de herramientas y debería estar en algún lugar justo aquí, herramienta de estiramiento de velocidad, pero estamos trabajando con teclas cortas. Por lo tanto, presiona la R en tu teclado para estirar clips así. Eso me lleva al último atajo que es realmente importante, y eso es pantalla completa. Desafortunadamente, en mi distribución de teclado, que es una distribución belga, es AZERTY. No es QWERTY. Sé que para mucha gente eso es muy raro, para mí no lo es. No funciona, así que en realidad tuve que cambiar eso. Voy a ir a mis atajos de teclado, voy a buscar pantalla completa. Está justo ahí. ¿ Ves esa pequeña línea de ahí? Sí, eso es algo que no puedo hacer. Entonces sólo voy a cambiar eso a Ctrl+ F, que también es más universal. Siempre que estés en un reproductor multimedia y pulsa Ctrl+ F, vas a pantalla completa. Al hacer eso, en realidad recibo una advertencia y digo hey, Ctrl+ F ya está mapeado. Está mapeado al comando find, y eso es algo que nunca uso, tal vez para tu flujo de trabajo o para proyectos muy grandes podrías usar find, pero no lo uso. Voy a presionar “Ok”, porque cada vez que tengo que buscar algo, solo uso la barra de búsqueda aquí mismo para localizar algo dentro de mi proyecto. Presiona Ctrl+ F, y ahí tienes, video a pantalla completa. Qué bonito es eso. Definitivamente cuando estás trabajando en una computadora portátil o en una sola pantalla, definitivamente es agradable a veces simplemente cambiar de nuevo entre vista de pantalla completa y volver a tu interfaz normal. Entonces esas fueron las teclas cortas que definitivamente debes recordar, definitivamente que ripple trim delete es súper importante. En la siguiente lección, sólo vamos a ser súper cortos. Te voy a mostrar cómo crear tus propios mapas de claves cortos y también compartirlos con tus amigos o con otra computadora. Gracias por ver. 5. Diseños de atajos: A veces podrías estar editando y múltiples sistemas, tienes un PC de escritorio en casa, pero también laptop y tu amigo? Bueno, tiene un hermoso Macintosh donde también a veces para editar en. Pero qué pasa con tus llaves cortas. ¿ Puedes transferirlos contigo si has mapeado un diseño personalizado de clave corta? Bueno, sí se puede. Para empezar, echemos un vistazo al menú de teclas cortas aquí mismo. Teclas cortas de teclado, y en la parte superior podemos encontrar los presets de distribución del teclado. Pero por defecto, tendrás unos cuantos aquí dentro. Si vienes de Final Cut, puedes elegir esa opción para que tus teclas cortas sean las mismas que con Final Cut. Pero por supuesto, también podemos crear algo por nosotros mismos. Eso es por ejemplo, aquí, cámbiate eso a U. No me importa lo que esté haciendo ahora. Esto va a ser J y por aquí, P. Bueno, pongamos eso en O. no lo sé. De inmediato, ahora podemos ver que tenemos unos diseños personalizados, y podemos guardarlo y darle un nombre a eso. Por ejemplo, Enfriar Layout y pulsar “Ok”. Ahora, aquí hay un problema con Premiere, no hay forma de importar un layout. Eso significa que siempre que estés viajando con tu amigo para editar en su hermoso nuevo Mac, bueno, realmente no puedes importar tu diseño ahí dentro. Bueno, no a través de Premiere, pero sí podemos a través del Finder o del Explorador. Déjame mostrarte donde realmente se guarda ese archivo. Estoy en mi Explorer justo aquí, justo en mi carpeta raíz de mi nombre de usuario, y voy a abrir la carpeta “Documentos”. Desde aquí encontrarás algo llamado “Adobe”, haz doble clic en eso, y luego aquí mismo encontrarás Premiere Pro. En esa carpeta podrías ver varias versiones, solo elige la última, que es la versión más actualizada en la que estás trabajando o tal vez estás trabajando en la versión anterior. Bueno, entonces sabes que puedes elegir esa también. Simplemente escogeré el último, el en el que estoy trabajando. Haga clic en “Profile-Cinecom”, y luego aquí mismo encontrará una carpeta llamada Win. Estás en un Mac funciona exactamente igual. También tienes el mismo camino exacto. Empiezas con tu nombre de usuario, ve a “Documentos”, “Adobe”, “Premiere”, tu perfil de versión, tu nombre de nuevo, y luego aquí mismo encontrarás una carpeta llamada Mac, obviamente. Haga doble clic en eso, y es justo aquí puedes encontrar tu diseño fresco. El que acabamos de crear. También podemos simplemente eliminar todo aquí si así te gusta. Déjame volver a aquí. Déjame cerrar esa ventana. Vuelve a “Atajos de teclado”, ahora verás que nuestro genial diseño se ha ido. Pero lo que también tengo aquí en mi escritorio. Déjame sólo tomar una nueva ventana, y pasar a mi escritorio. En realidad tengo un diseño llamado Jordy. Lo que puedo hacer es simplemente copiar eso, “Control C” o “Comando C” para los usuarios de Mac, y luego presionar “Control V” para pegar eso ahí dentro. Cuando ahora vuelvo a Premiere, sólo cierra esa ventana porque tenemos que refrescar eso. Ahora mismo, verás desde el menú desplegable que tengo una opción llamada Jordy. Cuando seleccione eso, verá que un montón de teclas cortas se han ido porque eso es básicamente lo que hice en ese diseño. Muchas gracias por ver. En la siguiente lección, vamos a echar un vistazo a la diferencia entre escala a cuadro y ajuste a marco. 6. Ajuste al tamaño del cuadro VS Escala al tamaño del cuadro: Cuando trabajes con archivos fuente de mayor resolución, como 5K, podemos llevarlos a una secuencia ultra HD y escalarlos hacia abajo. Pero en premier, tenemos dos opciones para eso. Tenemos escala a tamaño de cuadro y ajuste a tamaño de marco. Pero, ¿cuál es la diferencia? Bueno, primero que nada miremos este clip aquí mismo. Se lo seleccionaría sombrero sobre control de efectos 2D, seleccionar emoción, y se puede ver que este clip es más grande que el tamaño de secuencia. Por lo que podemos o bien bajarlo como para que se ajuste al tamaño del marco, o también podemos hacer clic con el botón derecho en ese clip y elegir la escala a o establecer el tamaño del marco. hora de elegir set a frame size, premiere en realidad hará esa acción que acabo de hacer, solo ponla en una escala del 80 por ciento. Pero al elegir la otra escala de opción a tamaño de cuadro, verás que aquí harán exactamente lo mismo y programa monitor, pero retendrá la escala al 100 por ciento. La diferencia entre estos dos es que con ajuste a tamaño de cuadro, en realidad sólo disminuirá la escala de ese clip mientras conserva su resolución completa, 5K en este caso. No obstante, vamos a configurarlo para escalar a tamaño de cuadro, en realidad va a remuestrear, ese es clip haciendo el 5K en realidad 4K, y es por eso que retendrá esa escala del 100 por ciento. Ahora bien, esto podría ser muy útil cuando estás trabajando con archivo fuente 8K en una laptop antigua. Al elegir escala a tamaño de cuadro, volverá a muestrear eso y para reproducir en estreno en realidad irá más suave. Ahora, hablemos de flujo de trabajo porque estamos trabajando aquí con vislumbre fuente de resolución 5K en una secuencia ultra HD, y va a tomar un poco de tiempo si tenemos que hacer clic con el botón derecho cada clip y escala o ajustarlo al tamaño de fotograma. Bueno, para empezar, podemos ir al menú aquí, ediciones, ir a atajos de teclado. Solo busquemos el tamaño del marco. Aquí están esas dos opciones. Por lo que en última instancia podríamos establecer una clave corta para eso si así nos gusta. No obstante, hay algunas mejores maneras de hacerlo. En primer lugar, podemos seleccionar todos los clips aquí, pasar al menú aquí clip, luego ir a opciones de video, y desde ahí seleccionar escala a tamaño de fotograma. En esta fuente clips, sólo tenemos la opción de escalarlo al tamaño del marco y no ajustarlo al tamaño del marco. Entonces, cuando hacemos eso, todos estos clips ahora están escalados al tamaño de fotograma. Entonces cuando vamos a arrastrar cualquiera de estos archivos aquí a la línea de tiempo, seleccione ese clip, diríjase al movimiento de propiedad. Notarás que la escala está establecida en 100. No obstante, el clip se escala o se establece mejor reamples al tamaño de fotograma correcto. Pero ¿y si realmente quiero bajar cada clip al 80 por ciento para retener esa calidad? Bueno, no te preocupes, te puedo ayudar. Así que permítanme borrar ese clip aquí mismo, justo en el menú, seleccione “Editar”, “Preferencias”, y luego elija “Medios”. Desde aquí se puede ver que tenemos una opción llamada escala de medios por defecto, y se quiere establecer eso para establecer en tamaño de marco. Esto podría ser como muy confuso. Escala a tamaño de cuadro en realidad debería ser como en realidad escalarla al 80 por ciento en lugar del conjunto a tamaño de fotograma, lleva algún tiempo. Pero recuerda, en el universo de Adobe, nada tiene sentido. Vamos a presionar bien y cada vez que vamos a agregar alguno de estos clips aquí a la línea de tiempo, tomemos el clip 12, te darás cuenta de que ahora se ha escalado automáticamente al 80 por ciento, y de ahí podemos ampliar eso si así te gusta a 90 o lo que sea queremos. Ahí vamos. Esa es una diferencia entre establecer a, y escalar a tamaño de cuadro. Bueno, eso en realidad debería ser al revés. De todas formas, espero que hayas aprendido algo nuevo y también cómo puede beneficiar tu flujo de trabajo. Gracias por mirar, y en la siguiente lección, nos vamos a comer unos panqueques. 7. Flujo de trabajo de edición de panqueques: Está bien. Yo estaba mintiendo. No vamos a comer panqueques. Vamos a editar panqueques, que es más una técnica de flujo de trabajo dentro de Adobe Premier Pro. Es un flujo de trabajo muy eficiente cuando estás editando en proyectos más grandes que suelen tener múltiples etapas dentro de las ediciones. Déjame mostrarte cómo funciona eso. Lo que tengo aquí mismo es una secuencia llamada Selección, y dentro de esa secuencia, solo tengo todos mis clips de la carpeta B-roll. Pero lo que he hecho es en realidad, pasé por todos los tiros. Saqué las mejores tomas con las que quería trabajar, y ya he puesto puntos de entrada y salida a cada uno de estos. Esta es la primera etapa dentro de una edición. Para la segunda etapa, voy a crear una nueva secuencia, y voy a llamar a esta secuencia Edición Final, para luego presionar “Ok”. Lo que quiero hacer ahora es usar realmente mi secuencia de Selección para traer clips de aquí a mis ediciones finales. Pero para hacerlo más eficiente, vamos a apilar uno encima del otro, y de ahí viene el nombre edición de panqueques. Basta con agarrar este panel y arrástrelo abajo, así. Ahora tenemos la Selección en la parte superior, y tenemos las ediciones finales en la parte inferior. Ahora podemos simplemente fregar todo esto. Déjame sólo ver dónde puedo encontrar aquí un bonito clip. [ inaudible] está preparando su pintura, y acaba de arrastrarla hasta mis ediciones finales. Como pueden ver, tomaremos una copia de eso. Por lo general, y ese es mi flujo de trabajo personal, tiendo a empujar el clip que ya usaba para rastrear el número dos, cual puedo hacer manteniendo presionada la tecla Alt y luego Arrow Up así. O de una manera diferente, déjame simplemente deshacer esa acción, es darle a eso un color de etiqueta. A partir de la nueva versión de Premier Pro 2020, en realidad podemos establecer una clave corta para eso. Desde el Menú de aquí, ve a Atajos de teclado, y solo busquemos Amarillo, etiqueta color Amarillo, voy a establecer la tecla corta para eso, por ejemplo, Uno, pulsa “Ok”. Entonces ahora solo podemos seleccionar eso, presionar el “Uno” en mi teclado, y al instante puedo ver qué clip ya usé. Desde aquí podemos continuar. Podemos seleccionar más archivos así, también darle a eso un color de etiqueta. Este también, tal vez, darle un color de etiqueta, y éste también. De eso se trata la edición de panqueques. Para lo que esto también es útil es, si tienes varias versiones de tus ediciones, por ejemplo, has hecho un comercial, o un video corporativo para un cliente, y lo has enviado a tus clientes. Pero entonces esa persona regresa con una tonelada de retroalimentación. Lo que nunca querrías hacer es simplemente tirar tu primera edición para empezar de nuevo. No. Simplemente crea una segunda secuencia para empezar de nuevo, pero conserva la primera. Yo también entonces simplemente pondría mi primera versión encima, y sólo arrastraría hacia fuera los clips que necesito para agregarla al número dos. Lo que también puedes hacer es tomar una copia de tu primera versión, y empezar a trabajar en una copia. De esa manera, siempre puedes mirar hacia atrás a cómo se ve tu primer borrador. Bueno, sí, eso es, es edición de panqueques. Algo muy corto, pero tan útil si no has oído hablar de ello antes. En el siguiente video, vamos a echar un vistazo a cómo podemos hacer alguna edición multicámara. 8. Edición multicámara: Hola, estás de vuelta. Sí, el estreno acaba de estrellarse. Alguien importó una entrevista completa al programa, con tres cámaras. ¿ Quién hace eso? Haciendo entrevista con tres cámaras. De todas formas, creo que tengo todo bajo control. Eso espero de todos modos, así que vamos a ver cómo podemos editar esta entrevista. Aquí mismo en una entrevista de carpeta nos dieron tres ángulos de cámara A, B, y C. Esto es sólo Genic hablando sus miniaturas y cómo las pinta y lo que ama de estas miniaturas. Hay una forma rápida de editar eso dentro Premiere Pro y es a través de una técnica llamada edición multicámara. Pero antes de empezar con eso, primero necesitamos sincronizarnos con tres pistas. Como se puede ver en cada uno de estos ángulos de cámara, tenemos a Genic aplaudiendo sus manos, y está justo aquí. Esos son nuestros puntos de sincronización, así que vamos a ese punto donde Genic aplaude en sus manos y vamos a establecer un punto final se presiona la tecla I de tu teclado. Después ve al siguiente clip, cámara B. También aquí encuentra ese spot donde Genic aplaude las manos endpoint, luego la cámara C justo aquí, aplaudiendo sus manos establecen puntos finales. Como ahora podemos seguir adelante, seleccionar todos estos tres clips, hacer clic derecho y decir crear secuencia fuente multi-cámara. Estos tres clips se agregarán a una secuencia especial llamada secuencia multicámara. Para empezar, podemos darle un nombre a esa fuente multicámara. Por ejemplo, vayamos a la costumbre y solo llamemos a esa entrevista Multicam. Después selecciona cómo nos gustaría sincronizar estas tres pistas. Por supuesto, vamos a seleccionar puntos finales porque eso es lo que acabamos de poner aquí. También puedes sincronizarlo desde una capa de tiempo si tu cámara apoya eso. O también puedes sincronizarlo automáticamente a través de la pista de audio. Pero no soy un gran fan de las automatizaciones. Nunca se sabe qué podría salir mal y después de todo, sólo estamos trabajando con tres clips aquí, así que no es un gran problema sólo establecer tres puntos finales. Entonces cada año podemos elegir qué tipo de secuencia se necesita crear. La mayoría de las veces solo vas a decir automático, lo que significa que solo tienes que tomar la misma configuración de secuencia que tu fuente. Nos dieron algunas opciones más de organización y finalmente el nombramiento de las diferentes cámaras. El primero solo significa cámara 1, 2, y 3, que suele estar bien, golpeó bien. Como verás, se ha creado una nueva secuencia o secuencia multicámara y los tres clips que hay ahora están en una carpeta llamada clips procesados. Lo que podemos hacer ahora es simplemente crear una nueva secuencia normal a partir de aquí, llamar a esa entrevista prensa bien. Dentro de esa secuencia, podemos arrastrar en esa secuencia de entrevistas multicámara. Entonces ahí está, sólo podemos manejar eso como un clip normal como lo haríamos con cualquier otro clip en Premiere. Ahora aquí viene la parte muy cool de su edición multicámara, porque después de todo, es un tipo de flujo de trabajo específico de edición. Desde el monitor de programa, lo que quieres hacer aquí es dar click en el icono de la herramienta y a partir de ahí, establecer la vista en multicámara. Voy a arrastrar este panel ahora un poco más abierto así. En el lado izquierdo tenemos nuestros tres ángulos de cámara, y en el lado derecho tenemos el ángulo de la cámara, es decir en vivo. Entonces si corto a un ángulo diferente, verás que obtenemos unos puntos vivos diferentes. Ahora aquí viene la cosa genial. Siempre que voy a reproducir este clip en mi línea de tiempo, realidad ahora puedo simplemente hacer clic entre estos diferentes ángulos de cámara y verás que el borde alrededor se vuelve ahora rojo. Eso indica ahora que estoy en vivo cortando esta entrevista. A Premiere sí tiene algunos problemas tocando la espalda porque después de todo, estamos trabajando con calles diferentes pistas. Lo que voy a hacer aquí es cambiar mi reproducción de resolución a un octavo o algo así. De todos modos, ya se podía ver ahora en nuestra línea de tiempo que hace clip multicámara se ha cortado automáticamente. Desde cuando reproduzca esto, también notarás que Premiere recortará automáticamente esos ángulos que he dicho antes, por lo que ha estado grabando en vivo mis acciones. Ahora una cosa a la que prestar atención es tu pista de audio y luego incluso seguro de qué ángulo de cámara proviene este. De cualquier manera, voy a borrar eso porque el audio fue grabado en la cámara A. Teníamos este micrófono inalámbrico en Genic y eso está conectado a la cámara A. El endpoint sigue siendo el mismo, se ha ajustado. Entonces desde aquí ahora puedo simplemente arrastrar sólo el audio a mi línea de tiempo. De esa manera estoy seguro de que estoy trabajando con el audio correcto porque después de todo, sólo la pista de video necesita ser cortada en vivo. Este click es definitivo, pero también hay algunas teclas cortas que podemos configurar. Para edición de menú, teclas cortas, voy a buscar cámara, y debería estar en algún lugar aquí abajo, cortado a cámara. Sin duda se establece para controlar 1, 2, 3 y así sucesivamente. Lo que en realidad voy a hacer es solo establecer esto en mi almohadilla Num y tener 1, 2, 3, 4, etc. Presionar bien. Entonces lo que puedo hacer ahora es solo decir cortar a Cámara número 1, luego cortar a Cámara número 3 otra vez. Ahora mismo vamos a cortar al ángulo de cámara número 2, etc. Mucho más fluido para editar de esa manera. Ahora si hay partes aquí en tu edición de las que te fuiste como cortadas, por ejemplo, aquí mismo tenemos una gran pausa, puedas ver eso también en el audio. Probablemente le estés haciendo una nueva pregunta a Gene. Simplemente lo que puedo hacer aquí es agregar un control de corte K, ir un poco hacia adelante en el tiempo y rizar recorte, eliminar esta parte presionando la Q en tu teclado o cualquier tecla corta que establezcas, la Q es por defecto, por cierto. Para que una esencia cómo funciona la edición multicámara. Ahora, di que estás grabando un espectáculo de baile largo o una placa de teatro. A grabar eso sería un montón de cámaras DSLR. Ahora, cuáles son las limitaciones de este tipo de cámaras es que solo pueden grabar hasta 30 minutos cada vez. Vas a tener que detener la cámara y volver a iniciarla. Para cada ángulo de cámara, vas a tener múltiples clips. No podemos simplemente decir que estás en Premiere para seleccionar todos los clips, porque eso sólo va a hacer más pistas de esos ángulos de cámara. Esto es lo que vamos a hacer, voy a empezar de nuevo creando una nueva secuencia y voy a llamar a esta entrevista fuentes y luego presionar bien. Es justo aquí dentro voy a poner todos mis clips. cámara A va a venir aquí para decir mantener los ajustes existentes, cámara B puede entrar ahí y la cámara C. Voy a utilizar cada pista aquí que representa un ángulo de cámara. Si quiero ahora puedo empezar a cortar aquí, así que por ejemplo, esta y simplemente mover eso hacia el lado derecho porque tal vez esta es la parte donde tuve que parar y luego volver a arrancar esa cámara. Entonces eso significa que necesito un pequeño hueco aquí porque el audio necesita ser sincronizado o a video. También puedes hacer eso con clip de audio como este, por ejemplo, nos superamos y puedes seguir haciendo eso. Simplemente puedes seguir editando siempre y cuando estés prestando atención al hecho de que estamos utilizando cada pista para un ángulo de cámara. Puedes tener múltiples clips ahí dentro. Una vez que hayas terminado con eso, lo que vamos a hacer ahora es simplemente seleccionar una pista entera, clic derecho y decir nido, vamos a llamar a esa cámara 1. Presionar bien, el siguiente, haga clic derecho en nido. ¿ Dónde está? Ahí está. Cámara 2. Entonces éste de aquí, seleccione nido Cámara 3. En nuestro panel de proyectos, ahora podemos encontrar estas tres secuencias anidadas aquí. Selecciónelos todos haga clic derecho y a partir de ahí elija crea secuencia fuente multi-cámara. Llamemos a esto. No lo sé, solo bailaré, mostraré lo que sea hit bien. Los clips de proceso ahora están en una carpeta, pero estas son en realidad las secuencias. Tenemos un nuevo show de danza fría secuencia multicámara. Entonces lo que realmente podría hacer ahora es simplemente eliminar todas estas secuencias aquí para mis fuentes de entrevista y arrastrar en el show de baile ahí dentro. Esto funciona exactamente igual ahora. Puedo ir donde eso le ha tocado la espalda y cortar en tiempo real a diferente ángulo de cámara. Pero también siempre que encuentro un error o simplemente algo que necesita ser editado específicamente en ese clip. Siempre puedo volver a mis clips procesados aquí mismo, que son solo secuencias, abrir uno de esos ángulos de cámara, por ejemplo, la cámara 1, y simplemente trabajar en una línea de tiempo justo aquí. En realidad puedo mover estos hacia abajo una vez que los están en esa secuencia anidada, ya no importa dónde estén, así que puedo seguir adelante aquí y tal vez agregar un giro de capa de ajuste, golpear bien, arrastrarlo sobre todo. Como tal vez quiero usar eso para agregar un efecto específico a. Volvamos por blanco y negro. Cuando ahora vuelva a mis fuentes de entrevista, verán que ese clip aquí aparece en blanco y negro y no en los demás. Sí, si tienes múltiples clips por tal vez una razón para editar más en un ángulo de cámara específico, entonces esta es tu solución. Muchísimas gracias por ver. En la siguiente lección, vamos a bucear un poco más profundo en las opciones 2D de una línea de tiempo. 9. Personalización de la línea de tiempo: Se me cayó la pluma. De todos modos, echemos un vistazo a la línea de tiempo dentro de Premiere Pro porque hay toneladas de [inaudibles] que podemos hacer y también algunas técnicas de resolución de problemas. Entonces vamos a meternos directamente en ello.. Lo que tengo aquí mismo es una sencilla edición de Yannick, es hablar de su afición. Tenemos unas tomas B-roll por ahí, y lo primero que quiero mencionar es la organización. Anteriormente, hemos visto cómo podemos crear marcadores, también cómo podemos cambiar el color de clips específicos, el “Label”, voy a establecer que el “Azul”, Pero para las pistas, también podemos cambiar el nombre de eso. Entonces aquí mismo tenemos “Video 1”, si hacemos clic derecho y decimos “Renombrar”, podemos cambiar eso a, por ejemplo, “Entrevista”. Entonces por aquí, “Video 2" va a ser el “Roll B”. Lo mismo va para las todas tus pistas. También podemos darle un nombre a eso. Entonces este sería “Audio Entrevista”, entonces tal vez aquí podamos agregar “Música”, etc. Definitivamente, cuando estés trabajando en proyectos más grandes, estos pequeños pasos te ayudarán a largo plazo. Echemos un vistazo aquí a estos botones aquí en la parte superior. El primero es bastante importante. “ Inserta una anulación de secuencias como nidos o como clips individuales”. Lo que tengo aquí mismo es una secuencia, y en esa secuencia, también tengo un montón de clips buróricos. Entonces lo que puedo hacer en mi edición principal, solo puedo arrastrar esa secuencia en ella así, y eso ahora se insertará como una secuencia anidada o como una perspectiva de secuencia y que nuestra secuencia. Podemos tratar esto ahora como un grupo entero. Pero digamos que querías tener los clips individuales fuera de esa secuencia. Bueno, entonces solo deshabilita esa opción y ahora vamos a arrastrar en esa secuencia, verás que mirará los clips individuales, y eso realmente depende de cuáles sean tus necesidades. La opción “Snap in Timeline”, todos sabemos qué hace eso, tus clips van a chasquear para salir de los clips, o a los marcadores, o a tus sombreros de juego, o cuando desactivamos eso, no lo hará. Siguiente arriba es “Selección Vinculada”. Hay algunos clips están vinculados entre sí definitivamente con audio y video a veces como se puede ver aquí mismo, pero también podemos desactivar eso, lo que nos permite seleccionar un clip individual o parte de ese clip. Ahora bien, ¿dónde podría ser útil eso? Por ejemplo, notas que tu audio no está perfectamente sincronizado con tu video. Lo que podemos hacer entonces es seleccionar tu audio y manteniendo presionada la tecla ÄLT y usando tu flecha hacia la izquierda o hacia la derecha, podamos empuñar esa pista de audio o clip de audio hacia la izquierda y hacia la derecha, podemos compensar eso por un fotograma. También puedes ver un indicador para escuchar cómo hemos compensado esa sincronización. A veces notas que simplemente no puedes sincronizarlo empujando tu audio un fotograma a la izquierda o un fotograma a la derecha. Para poder mojar por esas muestras de audio, también tenemos que habilitar algo en nuestra línea de tiempo. Eso se puede hacer desde el menú aquí en la parte superior, haga clic en él, y diga, “Mostrar Unidades de Tiempo de Audio”. Antes de que voy a hacer eso, déjame solo primero acercar mi línea de tiempo y habrá un punto en el que ya no puede hacer zoom y eso son estos puntos, ya no hace nada. Pero lo que voy a habilitar esa opción ahora, “Mostrar unidades de tiempo de audio”, podré hacer zoom aún más. Cuanto más zoom, repente verás la forma de onda real del audio, que va a ser muy interesante ahí mismo. Con el audio seleccionado en este momento, podemos impulsar eso por muestras de audio, puedes hacer pasos muy diminutos. A continuación, este pequeño icono de herramienta aquí mismo, haciendo clic en eso te da algunas opciones más. Desde aquí, podemos mostrar o no “Mostrar miniaturas de video”, que podemos ver aquí mismo. También podemos “Mostrar fotogramas clave de video”, “Nombres de video”, etc. Creo que estos ajustes hablan por sí mismos, pero hay una cosa aquí que me gustaría mostrarles chicos, y que es presets gestionados o seguros. Digamos que actualmente estamos trabajando en el video. Entonces eso significa que el audio no es importante, voy a ti como colapsar un poco, mover la intersección entre video y audio hacia abajo, y tal vez aumentar la altura de las pistas de video como esta. Lo que puedo hacer ahora es simplemente ir a esa herramienta como menú aquí y decir, “Guardar ajustes preestablecidos” Dale un nombre, por ejemplo, “Edición de vídeo”, y podemos atrapar eso incluso a unos atajos específicos. Tenemos 10 ranuras preestablecidas, empecemos con la primera y pulsemos “OK”. Ahora, hagamos un segundo diseño también. Para el audio, voy a colapsar todas las pistas de video, mover ésta hacia arriba, y ahora ampliar todas las pistas de audio. Vuelve a ese menú y di, “Guardar preajuste”, llama a esto “Edición de audio” y guárdalo bajo el número de ranura 2, pulsa “OK”. Ahora, para ver qué tecla corta era esa, siempre podemos ir al menú “Editar” “Atajos de teclado”, y desde aquí buscar “Altura de pista” y debería estar en algún lugar justo aquí, altura de pista número 1. Pero por defecto, veo que no hay conjuntos preestablecidos para eso, así que tomemos sólo uno, por ejemplo el de mis paths num y un dos para el otro, presione “OK” y ahora un presionando estas dos teclas, se puede ver que fácilmente podemos intercambiar estos dos presets y cambiar mi espacio de trabajo de edición. Eso me lleva a una de las últimas cosas que quiero mostrarles, que también tiene algo que ver con la solución de problemas. Aquí en el lado izquierdo de la línea de tiempo, tenemos algunas etiquetas llamadas V1, V2, etc, y podemos seleccionarlas o deseleccionarlas como puedes ver. Que una primera columna aquí debajo de los lados derecho defina suéter o tuercas, los clips dentro de esa pista deben ser dirigidos. Entonces por ejemplo, voy a anular la selección de V2, pero sí tengo seleccionado V1. Cuando voy a fregar a través de mi línea de tiempo, verás que automáticamente se seleccionará el clip bajo el cual tengo mi cabeza de juego. Avanzando en el tiempo no seleccionará los clips aquí en la pista número 2, pero seleccionará el siguiente, que está en la pista número 1. Ahora, lo que voy a seleccionar V1, te darás cuenta ahora que estos clips serán seleccionados a medida que lo frego. Ahora, la columna aquí del lado izquierdo habilitará o desactivará la pista siempre que vayamos a importar nuevos clips ahí dentro. Por ejemplo, lo que voy a seleccionar la pista número 2, y también para el audio, ahora para moverme, juego un poco adelante en el tiempo aquí, y lo que tengo aquí mismo es parte de entrevista de Yannick, y sólo voy a importar que ahora en mi línea de tiempo con este botón aquí mismo. Al hacerlo, notarás que va a utilizar la pista número 2 tanto para el video como para el audio, porque eso ha sido seleccionado para las entradas. Pero ahora mira lo que pasa, voy a eliminar estas dos y voy a desactivar una de las pistas de entrada de audio. Cuando ahora voy a insertar este clip en mi línea de tiempo, sólo se insertará el video porque no se han seleccionado pistas de audio. También sucederá lo mismo cada vez que voy a arrastrar en ese clip desde el panel del proyecto directamente a la línea de tiempo. No hay manera de que pueda meter el audio en mi línea de tiempo porque ninguna de las pistas de entrada ha sido habilitada. Ese es un error muy común que veo pasar mucho donde la gente está atascada con eso y se preguntan, ¿por qué no viene mi audio con mi clip? Esa es probablemente la razón número uno. Es muy tenido la técnica de resolución de problemas de camada. Espero que hayas aprendido algo nuevo. Edita esta lección, en la siguiente, vamos a echar un vistazo a algunos ajustes más del proyecto. 10. Ajustes de proyecto: Una lección corta, pero sí tengo alguna información muy importante para ti, así que definitivamente quédate. En primer lugar, echemos un vistazo a algunos ajustes del proyecto. Podemos subir aquí Archivo y dirigirnos a Configuración del Proyecto General. Yo quiero empezar aquí con este segundo paso llamado discos scratch. Es importante saber que cada vez que vas a renderizar algo en tu línea de tiempo las previsualizaciones de video y las previsualizaciones de audio se guardan en algún lugar. Por defecto siempre es lo mismo el proyecto que es en este caso este parche aquí mismo, pero también puedes cambiar eso a una ruta de diferencia, y las vistas previas de todos tus proyectos en una de la misma ubicación y que podría ser muy útil cuando tu disco duro se está quedando sin espacio, entonces sabes que toda tu vista previa se sienta en ese mismo lugar para que puedas eliminar todo a la vez. Ahora ya hemos hablado de renderizar un poco antes cuando hablamos de los ajustes de secuencia, pero déjame profundizar un poco más en esos temas. En mi biblioteca de efectos aquí mismo, voy a buscar un efecto específico en mis efectos de video aquí mismo, luego aquí mismo bajo obsoletos los cuales son un montón de efectos que ya no se usan probablemente serán el líder en algún momento del futuro. Aquí está, auto color. El color auto aquí en el lado derecho, no se ve ninguno de estos iconos que sí vemos aquí con estos efectos. También los podemos encontrar aquí arriba y cuando salimos hacia abajo, obtenemos un poco de punta de herramienta con algo más de información. Estos son efectos acelerados y eso significa que estos efectos con ese icono realmente funcionan en tu tarjeta gráfica, que es mucho más potente que tu procesador. Al hacer click en eso, vamos a filtrar todos los efectos que son acelerados por la GPU. Permítanme simplemente desmarcar eso otra vez. Entonces siempre que vamos a aplicar uno de estos efectos a un clip, verás aquí arriba que la línea se mantiene amarilla de ahí que debamos poder reproducir ese clip en tiempo real. Déjame también cambiar un poco el valor de aquí, y pondré eso en 50. Todavía podemos reproducirlo en tiempo real sin ningún problema. Pero voy a borrar eso y voy a aplicar el auto color ahora mismo a mi clip y ahora verás que esta línea de aquí se vuelve roja. Entonces eso significa que no podemos reproducirlo en tiempo real. Todavía va bastante bien suave y eso es probablemente porque mi procesador es tan rápido. A lo mejor pongamos aquí el adelanto al completo porque sí quiero mostrarles eso chicos. Ahí ya se puede decir que tiene un problema de tonelada más. Entonces lo que vamos a tener que hacer es renderizar este clip y eso se puede hacer pulsando la clave de retorno, y ahora se renderizará y ese archivo es en realidad una exportación que está sucediendo en la misma ubicación que tu proyecto, algo que que hemos visto dentro de la configuración del proyecto. Vayamos a donde se guarda mi proyecto y aquí mismo podemos encontrar previsualizaciones de video de Adobe Premier Pro. Actualmente estamos trabajando en este proyecto número diez, configuración del proyecto justo aquí es ese clip renderizado, y podemos eliminar eso sin ningún problema desde aquí, pero también desde el programa en la parte superior, secuencia, seleccionar elimina archivos renderizados. Sí, me gustaría hacer eso y ahora se borrarán tus archivos de render, como puedes ver. Aparte de este clip de aquí, el resto de mi línea de tiempo es el amarillo, lo que significa una reproducción suave. Estos clips están siendo manejados por la tarjeta gráfica o por lo menos una parte de eso. Al volver al Menú, Archivo, Configuración del proyecto General, podemos encontrar una opción denominada Renderización y Reproducción de Video. Podemos configurar ese render aquí, que actualmente está configurado en Mercury Engine GPU Acceleration en software solamente. Al seleccionar esta opción justo aquí y luego pulsa “Ok”. Todo en mi línea de tiempo está siendo manejado por el procesador. No se está utilizando mi tarjeta gráfica, lo que también significa que la reproducción no irá tan suave como se puede ver aquí mismo. Premier Pro tiene muchos más problemas reproduciendo estos clips. A veces hay cuando estás trabajando en ese Mercury Engine con la GPU, déjame volver a poner eso, presiona “Ok”. Podría aparecer algunos problemas en los que tu pantalla podría ponerse negra o cualquier otro problema, entonces siempre puedes volver a configurarla solo en software y eso debería solucionar el problema. Es un tema común con Premier Pro y eso es un poco de trabajo para ello. Eso me lleva a la última configuración importante del proyecto y eso es con el etiquetado de tu eclipse. Totalmente está apagado. Entonces eso significa que cada vez que voy a etiquetar este clip aquí mismo a otra cosa, tomemos mango. Sólo ese clip será de color mango. Déjame deshacer esa acción. Ahora, ve a Archivo, Configuración del proyecto General y voy a golpear en la parte inferior, comprueba mostrar el nombre del elemento del proyecto y el color de la etiqueta para todas las instancias. Comprueba esa prensa “Ok”, y siempre que voy a hacer clic derecho en esto ahora, digamos etiqueta mango, verás que todos estos tres clips serán etiquetados y eso es porque estos tres clips vienen del mismo clip fuente exacto. Esta es la misma entrevista. También podemos ver aquí en el nombre, cámara A, cámara A, cámara A y a través de la configuración de mi proyecto siempre voy a cambiar ese clip aquí, cámara A. Cambiemos eso a Awesome Yannick. También verás aquí que todos estos clips están actualizados a ese nombre. Si no quieres eso, ve a Archivo, Configuración del proyecto General y desactiva esa opción, pulsa OK. Esos fueron algunos ajustes de proyecto que son importantes y también algunas nuevas técnicas de solución de problemas. [inaudible] 11. Subtítulos en varios idiomas cerrados: Hola. Estás de vuelta. Perdón. No te vi ahí. Yo sólo estaba haciendo un video con mi vieja cámara de video. Mira eso. Eso me recuerda, vamos a crear algunos subtítulos en Premiere. No es que los subtítulos sean de moda antigua, sino la forma en que Premiere lo maneja, lo es. Lo que tenemos aquí mismo es una breve entrevista de Janick y podemos o bien crear subtítulos usando las herramientas de tipo aquí que solo van adelante y escriban lo que sea que esté diciendo. Pero eso por supuesto nos limita. No podemos cambiar el estilo de todos los subtítulos una vez que hayamos terminado. También tenemos los subtítulos horneados en el video. Eso es correcto. En realidad podemos exportar eso como un archivo diferente. Todo viejo, esto no es realmente un flujo de trabajo ideal. Voy a borrar esto y vamos a echar un vistazo a los subtítulos. puede crear un título desde la ventana del proyecto aquí en la parte inferior y luego elegir subtítulos. Para empezar tenemos que elegir qué estándares son los subtítulos y aquí hay dos grandes diferencias. Tenemos subtítulos cerrados, que son estos dos aquí arriba y luego en la parte inferior, tenemos subtítulos abiertos. subtítulos cerrados son nueces horneadas en el video. Eso significa que se puede dar al usuario final la capacidad habilitar o deshabilitar esos subtítulos. También pueden cambiar de idioma tal vez, etc. Te preguntan qué son los subtítulos abiertos. Esos se hornean en el video. Simplemente están ahí. No puedes cambiar el estilo o no puedes encenderlos y apagarlos. No obstante, en Premiere, en realidad sí tenemos una opción de no hornear en los subtítulos abiertos. Yo sólo voy a escoger eso. Hit Okay y tenemos un archivo de subtítulos abiertos al cual ahora solo puedo arrastrar a través de la pista número 2. Haz eso siempre y cuando toda mi edición. Selecciona esa y ahora vamos a tener que ir a la ventana de subtítulos. Si no encuentras esa, ve al menú aquí en la ventana superior y asegúrate de que los subtítulos estén habilitados. Dentro de la pista, podemos ver dónde aparece el subtítulo. También podemos arrastrar esto más corto y más largo en el tiempo dependiendo de lo que Janick aquí esté diciendo. Tengamos una escucha. Mi afición es El Señor de los Anillos juego de batalla de estrategia. Mi afición es El Señor de los Anillos juego de batalla de estrategia. Con ese clip seleccionado, cambiemos el texto del primer subtítulo. Ahí vamos. Se detiene justo aquí. También voy a arrastrar este texto un poco más corto hasta este punto. Ahora podemos seguir adelante y crear un nuevo subtítulo presionando la tecla más aquí en la parte inferior y vamos a escuchar la siguiente frase. Es un juego de mesa donde tienes miniaturas. Es un juego de mesa donde tienes miniaturas. Arrastra eso más tiempo. Lo que normalmente me gusta hacer es tener como una pequeña brecha entre dos frases nuevas. Porque de esa manera verás que el texto parpadeará un poco y llamará la atención hacia el fondo notificando la idea, inserte un nuevo título ha aparecido. Es algo sutil, pero descubrí que funciona bastante bien. Anillo estrategia juego de batalla y dice juego de batalla. Ahí vamos. Ahora sigamos con el resto. Ahí vamos. Todos mis subtítulos han sido ajustados a mi video. Pero algo bastante guay de los subtítulos abiertos es que también podemos darle estilo a este texto. Con eso seleccionado aquí, podemos hacer clic derecho en la ventana de subtítulos y decir, Seleccionar todo y a partir de ahí, podemos seguir adelante y simplemente darle estilo. Por ejemplo, tal vez el tamaño tiene que ser un poco más grande. Establezca eso en 85. El fondo, solo voy a establecer la capacidad a cero y tal vez cambiar el color del texto en sí a algo amarillo. Accidentalmente, también cambié la posición, lo que podemos hacer aquí mismo. Podemos ponerlo en el medio. Podemos ponerlo aquí en la esquina derecha o, por supuesto, en la parte inferior en el fondo medio, que es la más utilizada. Vamos a agregarle una cosa más, un poco de filo. Aumenta la capacidad de eso y cambia el color a negro. Ahí vamos. Se ve bien. Muy claro. Se ve bien. Adelante ahora y exportemos esto. Vamos a Archivo, Exportar, Medios. Aquí mismo podemos encontrar junto al video, audio tap y todo, el paso de subtítulos. Haga clic en eso y desde aquí tenemos la opción de ya sea grabar en los subtítulos en el video y cuando seleccionamos eso, también obtenemos una vista previa de cómo se ve eso, o podemos optar por exportarlo a un auto del sitio o a un archivo separado. Hay dos tipos de formatos, y yo siempre iría por subíndice porque ese es el más estándar utilizado. Definitivamente cuando vas a subir tu video a YouTube, en realidad puedes subir tu archivo de subtítulos a YouTube también. Con eso seleccionado, le voy a dar un nombre aquí. Esta va a ser la entrevista de Janick. En el escritorio, pulsa Safe y luego Exporta. Echemos un vistazo en el escritorio. Está ahí mismo, la entrevista de Janick, pero también un expediente de CRT. Déjenme simplemente abrir eso, que es básicamente un archivo de texto. Se va a definir el primero, el segundo, el tercer subtítulo, y así sucesivamente, la capa temporal entre dónde subtítulo tiene que aparecer y, por supuesto, el texto del subtítulo real. Podríamos seguir adelante y también crear nuestros subtítulos aquí, pero esto no es tan fácil de usar. Adobe o algún programa dedicado de subtitulación es, por supuesto, mucho mejor. Abramos el archivo de video ahora mismo. Yo lo voy a hacer con un programa llamado VLC. Se trata de un programa de reproductor multimedia gratuito. Puedes seguir adelante y descargar que si no lo tienes y automáticamente, mostrará los subtítulos que he creado. Pero porque es leer que desde un archivo de texto plano, no va a hacerse cargo del estilo que tengo que leer. Es ese texto amarillo. Se le va a definir su propio estilo. Pero programas como VLC, el usuario final puede elegir el estilo. Pero a veces, al igual que un reproductor de DVD tendrá un estilo incorporado donde el usuario final no puede cambiar el estilo de los subtítulos. Pero podemos, sin embargo, si hacemos clic con el botón derecho en el subtítulo, restamos, y desactivamos esos subtítulos. Eso es lo que hace que los subtítulos cerrados o tener tus subtítulos en un archivo separado sean tan interesantes. Además, podemos empezar a trabajar ahora con múltiples idiomas y hay un par de formas de hacerlo. En primer lugar, porque tenemos este archivo ahora mismo aquí, podemos seguir adelante y igual que renombrar esto a inglés. Entonces solo copia y pega ese archivo y llama al otro holandés. Al abrir el archivo holandés, solo puedo seguir adelante y cambiar el texto aquí por otro idioma. Hagámoslo rápidamente. Ahí vamos. Cierra este archivo y volvamos a abrir el video. Ahora VLC no reproducirá esos subtítulos por defecto y eso se debe a el archivo de subtítulos no tiene exactamente el mismo nombre que el archivo de video. No obstante, podemos importar algunos. Vamos a hacer clic derecho, vaya a Subtitle, Add subtitle file y en realidad podemos seleccionarlos a ambos aquí, holandés e inglés, y presione Open. Ahora se agrega y debería reproducir una de esas pistas de subtítulos. Actualmente está configurado en inglés, pero también puedo hacer clic derecho de nuevo. Ve a Subtitle, Sub Track, y selecciona la otra, pista 1, que probablemente va a ser la versión holandesa. Ahí vamos. Creo que este es uno de los mejores flujos de trabajo si necesitas tener subtítulos cerrados en múltiples idiomas. Empiezas con un idioma en Premier, lo exporto y crea tus idiomas adicionales duplicando el archivo de texto. Déjenme cerrar esto porque hay algo que deseo mostrarles chicos. Volvamos a Premiere Pro. El modo en que se manejan los subtítulos es a través de streams. Volvamos a crear un nuevo archivo de subtítulos. Aquí se puede ver que no podemos cambiar la corriente de los subtítulos abiertos. Eso se debe a que sólo hay un arroyo disponible. Déjenme mostrarles lo que pasa. Todos pensaríamos que podemos simplemente seguir adelante y copiar esto. Entonces esto es inglés y vamos a copiar y pegar eso a holandés. Podemos simplemente seguir adelante y eliminar este clip. Tengo uno. Por ejemplo, el inglés en la pista 1 y el holandés en la pista 2. Ya que vamos a crear holandés en este momento, voy a desactivar la salida de la pista inglesa. Ve a Subtítulos, y sólo voy rápidamente a escribir algo aquí. Asumamos que esto aquí es todo holandés. Podemos ver que aquí se está actualizando el clip. No obstante, no podemos ver una actualización en el monitor del programa. Sigue apuntando hacia este archivo inglés justo aquí y eso es porque ahora mismo hay una colisión. Estamos alimentando dos idiomas a una sola corriente y no es así como se supone que funcione. Con los subtítulos abiertos, sólo podemos crear un idioma. Eso es todo. Si quieres crear múltiples streams o múltiples lenguajes, en realidad tenemos que volver al proyecto aquí. Simplemente puedes borrar holandés porque eso no funciona. Creando nuevo archivo de subtítulos y esta vez, seleccione uno de los formatos de subtítulos cerrados, que es el CEA. Ahora el 608 es de los viejos tiempos cuando aún teníamos definición estándar. Entonces vamos a escoger al 708, que es de alta definición y a partir de aquí, ya podemos ver que se puede seleccionar un par de streams. Tenemos servicio 1-6, por lo que podemos subir hasta seis idiomas. Eso es todo. De todos modos, vamos a seleccionar el servicio 1, pulse Ok. Voy a arrastrar eso a mi línea de tiempo. Cuando se selecciona, dirígete a los subtextos. Vamos a teclear aquí, servicio 1. Pero no vemos nada. No vemos nada en nuestro monitor de programa y eso es porque tenemos que hacer algunas cosas. Aquí es donde Premiere es realmente vieja moda trabajando con estas estúpidas corrientes. De todas formas, tenemos que dar click en este pequeño botón de Configuración justo aquí del monitor del programa, ir a Cerrar Visualización de subtítulos y dar clic en Activar. Todavía no podemos ver nada y eso es porque de nuevo tenemos que ir a ese menú, ir a subtítulos cerrados mostrados, ir a ajustes, y a partir de aquí, asegurarnos de que tengamos el selecto estándar correcto, que es 708, y también se asegura que el flujo correcto de seleccionado, que es el servicio 1, luego presione Ok y ahí vamos. Se ve muy feo y no podemos cambiar el estilo de eso. No tenemos ninguna opción de fuente. Podemos subrayar eso, pero eso es más o menos eso. Eso se debe a que esto no está destinado a hornear en tu video. Esto se entiende como siempre como un archivo separado por lo que sus productos finales como el reproductor de DVD o su reproductor multimedia, como VLC definirán el estilo. Ahora aquí está todo el asunto. Digamos que tienes subtítulo que tener nuestra larga película en el servicio 1 stream, que hoy quiero hacer es volver a tu proyecto, Copiar y Pegar aquí. Hacer una duplicación de servicio 1. Vamos a nombrar ese servicio 2 ahora y voy a arrastrar esto a mi línea de tiempo. Ahí vamos. Este va a ser el segundo idioma. Seleccionaría 10 sobre 2 subtítulos, y notarás que no podemos cambiar el flujo. Lo que tienes que hacer es volver a tus proyectos, crear un nuevo archivo de subtítulos y esta vez seleccionar el servicio 2. Eso significa que no se puede empezar a copiar y pegar subtítulos. Tendrás que definir de nuevo todas las estamps de tiempo. Sí. Sólo les estoy enseñando esto a ustedes para que sepan que está ahí afuera, que existe, pero probablemente nunca usarán eso. Es simplemente muy estúpido y no tengo idea de por qué Premiere no actualiza esto. De todos modos, si lo haces, quisiera seguir trabajando en Premiere para tus subtítulos con múltiples idiomas, he descubierto un flujo de trabajo que es bastante fácil de usar, o solo digamos el más fácil de usar que podemos ir. De nuevo, chicos, yo no inventé el Estreno. Yo sólo estoy aquí para enseñarles cómo funciona el programa. Tenemos subtítulos en inglés con el archivo de subtítulos abiertos que creamos antes. Nuevamente, sólo sugeriría trabajar siempre con los subtítulos abiertos. Lo que voy a hacer ahora es simplemente guardar mi proyecto y minimizar Premiere Pro. Aquí mismo, inglés. Ese es el proyecto en el que estábamos trabajando. Control C, Control V, haz una copia de eso y voy a nombrar este proyecto holandés. Déjame ponerlo justo aquí al lado, inglés y holandés. Lo que podemos hacer ahora es hacer doble clic en holandés y tener dos proyectos al mismo tiempo, insights abiertos Premiere Pro. Ahora para el proyecto holandés, lo que voy a hacer aquí es hacer algo de cambio de nombre. Vamos a renombrar este aquí subtítulos holandeses así como el archivo de subtítulos, holandés. Ahora podemos ver que tenemos dos secuencias, dos líneas de tiempo para una es inglesa y la otra es holandesa. Mostrado esto solo para demostrar mi punto, permítanme simplemente cambiar rápidamente todos los textos aquí dentro. Este es holandés. Eso es correcto. Es así como hablamos en tierras holandesas. Podemos ver aquí ahora y para inglés todavía tenemos mi afición es Señor de los Anillos juego de batalla de estrategia. Este es el único terreno de trabajo que encontré y hecho encontré que en una forma antigua de Adobe, o alguien que realmente trabaja en Adobe propuso este flujo de trabajo y así es como puedes crear subtítulos o subtítulos en múltiples idiomas. Gracias por ver. 12. Animaciones avanzadas con fotogramas clave: Fotogramas clave, todos sabemos lo que son, lo que hacen, pero echemos un vistazo a algunas técnicas de fotogramas clave o animación más avanzadas. Pero primero, ¿dónde dejé esos fotogramas clave? Aquí están, estaba buscando a estos tipos. Echemos un vistazo a esta lección, cómo hacer algunos fotogramas clave más avanzados por eso estaba buscando fotogramas clave. Los encontré para que podamos empezar. Lo que tengo aquí en mi línea de tiempo es un clip de textos normales y un clip de fondo. Con el texto seleccionado, dirígete a los controles de efectos para los que podemos crear animaciones. Vamos a crear uno en la propiedad Position. Para ello, comienza con tu Posición A, digamos en una parte superior, luego crea un fotograma clave para eso o inicia la animación, se crea un fotograma clave, avanza en el tiempo y ahora vamos a empujar esa posición hacia abajo y un nuevo fotograma clave ha sido creado. Si reproduces este clip ahora mismo, verás que se reproducirá la animación. Vamos del Punto A al Punto B, y eso lleva un tiempo específico para hacerlo. Si movemos estos dos fotogramas clave más cerca uno del otro, la animación irá más rápido. Eso es lo básico de cómo crear fotogramas clave y ya debes conocerlos. Ahora, echemos un vistazo a algunas técnicas más avanzadas y conviertan uno de estos fotogramas clave en esto. Al hacer clic derecho en un fotograma clave, obtenemos dos opciones, interpolación temporal y la interpolación espacial. Empecemos con la interpolación espacial. Es así como los dos fotogramas clave actúan en el medio. Si selecciono mi propiedad Motion, podemos ver que tenemos una línea lineal recta. No obstante, sí tenemos esta palanca en el fotograma clave y si aunamos eso, en realidad podemos cambiar los caminos. A pesar de que el texto sigue yendo del Punto A al Punto B está haciendo eso ahora en una ruta diferente. Revisando esto veremos que el título de la pintura entrará en un arco y esa es la interpolación espacial. También podemos seleccionar estos dos marcos clave, Haga clic derecho y, finícelo aquí atrás y actualmente está establecido en un Bezier. Si lo volvemos a Lineal, esa línea volverá a entrar en línea recta. Esto puede resultar muy útil si estamos trabajando con múltiples fotogramas clave. Por ejemplo, entre estos dos, vamos a crear un nuevo fotograma clave. Vamos a agarrar este texto y mover este pedacito hacia el lado derecho, y como estas interpolaciones espaciales se han establecido en lineales, esta animación ahora también irá más en su triángulo, pero si quisiéramos hacerlo tan bien como una curva aquí, podemos seleccionar estos fotogramas clave o solo el medio porque ese es el que vamos a convertir en un arco, haga clic con el botón derecho, elija Interpolación espacial y solo configure eso Bezier y automáticamente verá que aquí obtenemos más de una curva. Tenemos de nuevo estas palancas que podemos tirar para hacer esa curva más grande. Eliminemos el fotograma clave medio y volvamos a centrarnos en estos dos. Eso es todo para la interpolación espacial y tenemos una curva visual aquí en el monitoreo del programa. Por cierto, esto sólo es visible al seleccionar la propiedad de movimiento. Si no lo seleccionas, no ves ese marco a su alrededor. En el otro menú, volvamos a hacer clic derecho en uno de estos fotogramas clave. La Interpolación Temporal es cómo debe comportarse el propio fotograma clave. Eso significa que cuando se inicia la animación, ¿debe ir instantánea o lenta o rápida? Bueno, eso se puede establecer desde aquí. En la parte inferior, podemos encontrar dos opciones muy interesantes y éstas se utilizan muy a menudo a lo largo de las animaciones. Ease Out significa que la animación que está saliendo del fotograma clave comenzará muy suave y Ease In significa que cuando la animación llegue a palabras a fotograma clave tiene que detenerse lentamente. Sé que esto a veces puede ser confuso porque el primer fotograma clave a veces aparece como si fuera el in o el Ease In, pero en realidad es Ease Out. Siempre hay que ver la animación como algo que va de izquierda a derecha. A medida que salimos de ese fotograma clave y entramos en el último fotograma clave, hablamos de Ease Out para éste y de Ease In para el último. Ahora puedes ver que hemos convertido este fotograma clave en esto. Este es en realidad muy buen material educativo. Vamos a reproducirlo ahora. Aquí se ve la animación comienza suave y también termina suave. ¿ Dónde está esta curva? No podemos ver que es un monitor de programa pero lo podemos ver al expandir la propiedad. En este caso la propiedad Position y aquí está esa curva. Pero cuanto más alta sea esa curva, más rápida irá la animación y cuanto más baja sea esa curva más lenta irá. Si tire del nivel inicial justo aquí, el pico de esa curva se vuelve más alto pero aquí al principio es mucho más bajo. Ahora bien, sí recuerdan que hemos establecido un Punto A y un Punto B a tiempo. La animación tiene cierta cantidad de tiempo para pasar de un punto a otro, así que si lo haríamos ir más rápido en un punto, tiene que ir más lento en otro punto. Eso le ha jugado la espalda ahora mismo, va a ir lento y luego va a ir rápido. Puedes hacer algunas animaciones realmente interesantes tirando de estas curvas. Mira esto aquí. Este es bastante guay también. Va súper lento y rápido hasta los extremos. Cuando los vuelva a ajustar a lineales, haga clic con el botón derecho en Interpolación temporal Lineal y se inicie y se detenga sin ninguna flexibilización. Por supuesto, cuando te estás animando la mayor parte del tiempo cuando se asegura de que tus animaciones se alivien, estas Ease Out y Ease In es súper importante. Vamos a añadir un tercer fotograma clave aquí de nuevo también. Aquí mismo, sólo volveré a empujar este texto hacia el lado derecho. Tenemos un bonito triángulo pasando ahí dentro y todo va muy estático ahora. Se inician los textos. Rebota ahí en la esquina y luego vuelve a su último fotograma clave. Digamos que Ease Out para el primer fotograma clave y Ease In para el último fotograma clave y para el que está en el medio, quizá queramos tener ambos como Ease In y Ease Out. Para eso simplemente vamos a hacer clic derecho, volver a ese menú Interpolación temporal y en lugar de elegir uno de estos alivios sólo vamos a decir Bezier. Ahora tu animación empieza sin problemas. Poco a poco irá a esa esquina y acelerará de nuevo hasta llegar a sus puntos finales. De nuevo, podemos jugar con estas curvas y en realidad se puede ver lo que voy a acercar un poco más tal vez que el fotograma clave medio justo aquí se sienta un poco más alto que el primer y el último fotograma clave. Eso significa que el texto en realidad no se detendrá entre ahí. Si quieres que eso lo haga en realidad tenemos que tirar hacia abajo estas dos palancas aquí. Ahora sabemos que la animación en realidad llegará a toda una parada porque sabemos que cuanto más baja sea esa línea, más lenta va la nación de animación y cuando se sienta en la parte inferior, no se mueve. Vamos a jugar esto de nuevo ahora mismo. Ya verás que el texto se detendrá por un breve momento ahí y luego irá más allá. Si no queremos que se detenga simplemente lo tiraría de nuevo así. Ya verás que la animación se acelera hasta estos puntos y luego se detiene lentamente hasta sus últimos puntos. Ahí vamos y así es como puedes crearte algunas animaciones más suaves. Recuerda que no queremos ver a estos tipos. No, queremos ver a estos tipos aquí mismo. Estos son nuestros favoritos. Ahora, hemos estado trabajando principalmente en la propiedad de posición, pero sí recuerden que esto funciona exactamente la misma rotación también para la escala o cualquier otra propiedad de efectos también. Eso fue todo, muchas gracias por ver y nos vemos en la siguiente lección donde hablaremos un poco más de los gráficos esenciales. 13. Trabajar con gráficos esenciales: Gráficos y texto, el botón T en la barra de herramientas. Eso es con lo que vamos a trabajar en esta lección. Ya no necesitamos estos fotogramas clave, o en realidad lo hacen. Es importante chicos, pon eso en tus mentes. De todos modos, sabemos cuáles son estos ahora, así que sigamos. Hacer clic en el botón T de la barra de herramientas puede ayudarte a crear textos. Pinchemos aquí y digamos textos. Ahí vamos. Como pueden ver, se ha agregado automáticamente un nuevo archivo a nuestra línea de tiempo, y eso se llama archivo de gráficos, pero permítanme simplemente borrar esa capa de nuevo. También podemos crear textos a partir de los gráficos esenciales. Eso se puede encontrar en una ventana superior y luego gráficos esenciales, no, lo siento, son gráficos esenciales. Haga clic en eso, que abrirá un panel completamente nuevo y podemos encontrar dos pestañas aquí arriba, una es Browse y la otra es Editar. El Browse one es donde almacenamos plantillas, donde podemos importar plantillas, donde podemos crear plantillas y todo, pero eso es para una lección posterior. En primer lugar, echemos un vistazo a la pestaña Editar y realmente creemos nuestros propios gráficos. Desde aquí también tenemos un botón de elemento nuevo o un botón de capa nuevo a partir del cual podemos crear textos. Al hacer clic en eso en realidad hace exactamente lo mismo antes tomar esa herramienta de texto en la parte inferior. Podemos decir texto impresionante y eso creó una capa de texto. Tomando la herramienta de lápiz, podemos agarrar ese texto, hacerlo más grande, movernos a donde queramos. Ahora, bastante interesante, desde que se introdujeron los gráficos esenciales, ya no tenemos que crear múltiples capas en nuestra línea de tiempo si necesitamos múltiples gráficos. Simplemente podemos seguir adelante aquí y a partir de ahí decir un nuevo rectángulo, por ejemplo. Podemos entonces simplemente agrandar ese rectángulo y simplemente llenar la pantalla tal vez. Ahí vas. Eso todo se sienta en esa misma capa gráfica. Desde los gráficos esenciales, también podemos renombrar eso. Por ejemplo, estos van a ser los fondos, que tiene que estar por debajo del texto impresionante. Entonces vamos a mover eso para que podamos verlo. Podemos darle a eso un color de relleno diferente. Démosle un poco más a eso, un rojo vibrante. Mira eso. En cuanto al texto, también podemos jugar con eso. Tenemos algunos estilos de fuente diferentes, algunos estilos de apariencia diferentes y todo. También aquí en la parte superior, súper importante, algunas alineaciones y herramientas de transformación. Por ejemplo, si no estamos seguros de que este sea el medio, podemos hacer clic en estos dos botones para asegurarnos de que este texto esté exactamente en el medio. Creo que estas herramientas aquí hablan por sí mismas. No quiero adentrarme demasiado en eso porque hay mucho que tenemos que hacer. Diseñemos algo que se vea genial. Entonces sigamos. Voy a crear otro rectángulo y colocarlo debajo mi texto y hacerlo un poco más grande para que se llene detrás de mi texto. ve bien. También basta con alinear eso al medio. A lo mejor darle a este de aquí un color de relleno diferente para que realmente podamos ver ese rectángulo. Vamos por algo, no sé, como el amarillo. Ahí vamos. Ahora, a través de los gráficos esenciales, estamos limitados en cómo podemos darle estilo a estas capas. Por ejemplo, con los fondos, realmente no podemos agregar un gradiente sobre esto. Nosotros sólo tenemos relleno y eso es todo. Algo que podríamos hacer es, por ejemplo, ir a la biblioteca de efectos y buscar rampa que es tal efecto para crear un gradiente sobre eso y con nuestro texto seleccionado, también podemos ver aquí en los controles de efectos que podemos encontrar esas mismas capas exactas de vuelta aquí también. El mismo que tenemos en los gráficos esenciales. Lo que podríamos hacer es colocar el efecto de rampa sobre los fondos. Eso es algo posible de hacer, pero cada efecto que aplicamos aquí se aplicará a todas las capas de abajo. Por ejemplo, si queremos añadir a este efecto de rampa sólo a la forma, eso no es realmente posible de esta manera porque al subir el efecto de rampa por encima de esos fondos de texto, sólo se aplicará a todo lo que esté debajo de esos efectos de rampa. Eso significa que sí tenemos que encontrar la solucion para eso o trabajar con múltiples capas en la línea de tiempo. Por ahora, solo coloquemos el efecto de rampa debajo del fondo del texto y que solo se aplique en los fondos reales. Tomemos algo más como rojo vibrante para este, para un color de inicio, y el color final puede ser un poco menos vibrante así, luego cambiar la forma de rampa a rampa radial. De esa manera tenemos esta más vibrancia pasando en el medio y los rojos más oscuros aquí a los lados. A lo mejor hacerlo un poco más oscuro, así. Se ve bien. Está bien. Entonces podemos seguir adelante y animar este texto y todo así y que se pueda hacer de múltiples maneras. Por ejemplo, por ejemplo, con los fondos, realidad podemos simplemente hacer clic aquí en los gráficos esenciales de esa capa y luego aquí, esta es la propiedad de posición, y al hacer clic en el icono que hay junto a él, podemos activar la animación para la posición. Esta es la posición final ya, así que vamos a avanzar un poco en el tiempo. Haga clic en ese ícono, luego retrocede en el tiempo y ahora se empuja sus fondos hacia abajo. Ahí vamos. Juguemos esto ahora, de ahí que salgan los fondos. Ahora por supuesto, esto no te da muchos controles sobre tus animaciones así que en realidad nunca asesoraría hacerlo en este panel. Siempre acude a tus controles de efectos y solo abre la forma a partir de ahí. Aquí puedes ver esos fotogramas clave, que ahora también podemos facilitar. Por ejemplo, el último fotograma clave tiene que ser aliviado. Incluso podemos seguir adelante y expandir esa propiedad para cambiar a curva y hacer que se vea realmente impresionante. Continuemos y también hagamos eso para los fondos de texto posicionan fotograma clave. Vamos a colocar eso. Esa es la posición actual. Entonces vamos a agarrar ese fotograma clave, mover eso hacia adelante en el tiempo y empujar ese rectángulo hacia abajo. Esta es ahora la posición A subiendo así. Siempre asegúrate de calmarte. Echemos un vistazo. Agradable. Por último están los textos aquí arriba. A lo mejor hacer algo diferente con ese texto. Digamos escala de profundidad pero te darás cuenta ya que vamos a escalar ese texto que se escalará a la esquina inferior izquierda y eso se debe a que el punto de anclaje se sienta ahí. Lo que primero queremos hacer es tomar ese punto de anclaje y llevarlo al medio. Eso también cambiará a posición que todavía está al aire en Premier, pero no se preocupe, simplemente podemos usar los botones de alinear y transformar aquí para traerlo de vuelta aquí en el medio. Ahora cuando vayamos a escalar eso, lo hará alrededor de esos puntos de anclaje. Vamos a crear un fotograma clave para la escala. Mueve ese fotograma clave hacia arriba en el tiempo y baja la escala a cero. De nuevo, está dentro, juguemos eso. Ahí está, el texto. Tocemos toda la animación, entra, eso entra y sale ahí. Muy interesante ahora es que todo aquí se sienta dentro de una capa. Entonces eso significa que podemos tomar esta capa y reposicionarla en cualquier parte de nuestras ediciones. Ahora, digamos que quieres hacer como una animación global. Lo que podríamos hacer es ir a la propiedad de movimiento normal y tal vez como escalar esto hacia arriba, pero esta no es una forma saludable de animar aún más tu gráfico y eso es porque puedes ver aquí que el texto empieza a volverse borroso a pesar de que estamos trabajando con vectores. Voy a restablecer aquí a escala y para empezar realmente encontrar una propiedad global de movimiento vectorial en la parte superior. Expandiendo eso también revelará exactamente las mismas propiedades de movimiento. Entonces a partir de aquí también podemos simplemente escalarlo. Aquí verás que retenemos esos bordes afilados de los textos. Lo que también podemos hacer para restablecer ese movimiento vectorial es realmente crear grupos dentro de los gráficos esenciales. Por ejemplo, podemos decir que esto es todo desde la primera animación. Seleccionemos todo y presionemos sobre el grupo crear. Colocará todo dentro de esa carpeta. También podemos darle a eso un nombre, por ejemplo, el primer texto o lo que sea, ahí dentro de nuestros controles de efectos, también podemos encontrar ese grupo de vuelta. Debajo de ese grupo ahora se sientan todas nuestras capas que hemos creado. Al expandir ese grupo, tenemos, nuevo, esas mismas propiedades de movimiento. Ahora podemos cambiar la escala de ese grupo por separado. Esto podría ser muy interesante. Por ejemplo, lo que he creado aquí antes de empezar con la lección en mi línea de tiempo es otro gráfico donde tenemos algunos pilares que están apareciendo como puedes ver aquí mismo. Voy a dejarlo en el medio si eso es o no un buen diseño gráfico. Oye, he animado algunos pilares. Sólo dejémoslo con eso. Lo que puedo simplemente hacer es seleccionar esa carpeta. Yo también he creado el grupo para eso. Aquí, podemos encontrar esos tres pilares que han sido animados. Simplemente puedo seguir adelante, seleccionar eso, decir control C para copiar ese grupo, luego ir a mi otro gráfico esencial y aquí, decir control V para pegar esos pilares. Ahora están aquí también con su animación. Por ejemplo, ahora también podemos crear una animación diferente en ese grupo. Con eso seleccionado, amplíe esa propiedad y antes de que aparezcan esos pilares, voy a crear una animación para la escala, avanzar en el tiempo y tal vez escalar eso también. Digamos uno o 20 o algo y cada vez que voy a volver a jugar esto ahora mismo, verás que esos pilares como grupo se mantendrán animados en la escala. Sabiendo que podemos crear este tipo de grupos, ahora entendemos que también podemos agregar ciertos efectos dentro de esos grupos y sólo ser aplicados a esas capas. Por ejemplo, quiero añadir un efecto rampa a estos pilares también. Lo que quiero hacer es volver aquí a mi biblioteca de efectos, buscar esa rampa, y la voy a colocar dentro de ese grupo aquí arriba de los tres pilares. En mi control de efectos, podemos ver aquí que el efecto rampa se está aplicando a estos tres pilares, pero debido a que se sientan dentro de ese grupo, este efecto rampa no se aplicará al primer grupo de texto a menos que vayamos a sacar ese efecto rampa de ese grupo por supuesto, y ponerlo todo el camino en la parte superior, entonces se aplicará a todo. Volvamos a poner ese efecto en ese grupo de pilares y tal vez cambiemos un poco del estilo aquí. Vamos por algo amarillo. Ahí vamos. Textos impresionantes y tres pilares no tiene absolutamente ningún sentido. Pero oye, hemos aprendido algo nuevo hoy, ¿verdad? Aprendimos cómo hacer grupos, cómo crear diferentes capas gráficas, trabajar con texto, animarlas, y que estos son gráficos vectoriales y que nunca debes usar las propiedades de movimiento normales. Eso es todo. Muchas gracias por ver y nos vemos en la siguiente lección. 14. Crea preajustes personalizados: Aquí hay algo bastante cool, una cámara Redflex de 16 milímetros. Esa cosa está caliente, realmente impresionante, y no tiene nada que ver con esta lección. Dejémoslo ahí y echemos un vistazo a lo que hay en mi pantalla. He creado dos círculos y uno de ellos he animado la posición de izquierda a derecha. Por cierto, esta va a ser una lección muy técnica porque quiero hablar de crear presets personalizados en una más específica algunas opciones que obtenemos al crear un preset. Lo que podemos hacer es hacer clic derecho en la propiedad de movimiento y decir guardar ajustes preestablecidos. Podemos darle a eso un nombre, por ejemplo, derecho de animación. Entonces aquí abajo, tenemos un par de opciones, y de esto es de lo que quiero hablar en esta lección. ¿ Cómo deben almacenarse mis fotogramas clave dentro de los presets? El primero es la escala, por lo que esto es aproximadamente un tercio del clip donde se establece mi último fotograma clave. El preset también lo verá de esa manera, donde el primer fotograma clave se establece en cero por ciento, el último se establece en 30 por ciento. Guardando esto como un hit preestablecido “Ok”, y voy a ir a mi biblioteca de efectos ahora mismo a la carpeta de presets, podemos encontrar que ahí dentro los derechos de animación. Apliquemos eso al gráfico aquí arriba. Pero antes de que quiera hacer eso, voy a recortar este clip un poco más corto. Ahora arrastremos ese preset de animación a ese círculo superior. Lo que verás ahora es que la animación dejará ir tan rápido como se guardó el preset, como puedes ver aquí. Eso se debe a que se ha escalado sobre el clip. Donde en el primer ejemplo, el último fotograma clave establecido alrededor de un tercio del clip, aplicando eso a un corto otro clip también reproduce ese último fotograma clave en un tercio de ese clip. Eso es lo que hace el escalado. Si no quieres eso, déjame solo quitar los fotogramas clave de aquí, y también voy a borrar mi preset, ahí vamos. Porque vamos a crear uno nuevo, haga clic derecho en la propiedad de movimiento, digamos guardar presets. De nuevo, moviéndose a la derecha o como quieras llamarlo, y esta vez vamos a decir ancla a in point. Eso significa que va a retener la misma distancia en fotogramas en lugar de en porcentajes. Presiona “Ok”, y siempre que voy a aplicar este preset ahora al uno o al gráfico en la parte superior, notarás que el último fotograma clave aquí se sienta en la misma posición que el desde el que hemos creado nuestro preset. Estos dos círculos ahora se mueven exactamente a la misma hora. Voy a volver a borrar ese preset. Vuelve a hacer clic con el botón derecho, guarda los presets , esta vez elige ancla a punto de salida, dale a eso un nombre movimiento derecho, y lo que voy a hacer ahora es realmente mirar la distancia entre el final del clip y el último fotograma clave aquí dentro. Esta parte justo aquí, y va a retener esa distancia, porque estamos mirando el punto de salida en lugar de los puntos en. Esto es en su mayoría útil a la hora de crear una transición saliente o algo en lo que nos sumergimos en tan solo un momento. Vamos a presionar “Ok”, y voy a aplicar mi movimiento derecho al gráfico aquí arriba, y notarás que la distancia justo aquí entre el último fotograma clave es exactamente la misma que aquí mismo. La animación se aplicará a un poco más adelante en el tiempo. Pero ahora vamos a desplazarnos un poco hacia el lado derecho porque reservar lo que tenemos aquí mismo, nuestra hermosa [inaudible]. Está hablando de nuevo de sus miniaturas de los anillos, y lo que he creado es esta hermosa animación como comienza el B-roll, pero también tenemos una hermosa animación como termina el B-roll. Me gustaría guardar esto como preestablecido porque voy a usar esto más a menudo a través de mis ediciones. Basta con hacer clic en eso y está justo aquí para la propiedad de movimiento, haga clic con el botón derecho, digamos guardar preset, y solo llamemos a este borrado. Ahora no vamos a escoger báscula porque quiero retener esa velocidad. Si voy a añadir un nuevo clip a mi línea de tiempo que es mucho más largo, esa animación de borrado también tomará mucho más tiempo. Tampoco voy a echar ancla a punto fuera, porque se trata de una animación de inicio. Quiero asegurarme de que estos dos fotogramas clave de aquí se sientan al principio de mi clip. Por eso vamos a escoger ancla a en puntos. Presiona “Ok”. Hagamos exactamente lo mismo para el clip número 14 aquí mismo. Haga clic derecho en mi propiedad de movimiento, diga guardar ajustes preestablecidos, y llame a este borrado o algo así. Esta vez sí recoger ancla para sacar puntos. Porque no quiero que estos fotogramas clave aparezcan en algún lugar del medio o al principio, siempre tienen que estar al final. Para pegar ese último fotograma clave justo aquí en el final de cada clip nuevo al que voy a estar aplicando esto; voy a tener que seleccionar ancla a punto de salida, pulsa “Ok”, y se pueden encontrar de nuevo aquí ahora mismo en mi carpeta de presets, borra hacia abajo y limpie. Sólo para probarlo, déjame simplemente borrar estos dos clips. Vamos a aplicarlos de nuevo a la línea de tiempo. Aquí tienes el clip número 6, tomemos un punto de entrada y salida diferente. Tomemos esta parte, y para el clip número 14, hagamos exactamente lo mismo, tal vez una pequeña parte aquí al principio, eso es todo. De vuelta a tu biblioteca de efectos, limpiar va a ir a la primera, y limpiar hacia abajo va a ir a la última. Si todo es correcto, la toallita abajo se sienta al final, que tiene exactamente la misma longitud que he creado en primer lugar. Para el primer clip, esos fotogramas clave se sientan al principio. Todo aquí debería quedar bien. Límpiate y aquí límpiate. Mira eso y así es como funcionan los fotogramas clave dentro de Adobe Premier Pro. La última cosa que sí me gusta mencionar, y es decir; tal vez quieras compartir uno de estos presets con tus amigos. Bueno, simplemente podemos hacer eso haciendo clic derecho en cualquiera de sus presets aquí, y luego decir exportar presets. Pero debido a que tenemos dos de ellos, lo que en realidad voy a hacer primero es crear una nueva bin de presets y llamar a esto toallitas, y tener estos dos presets dentro de esa carpeta de toallitas. Entonces ahora puedo seguir adelante, hacer clic derecho en toda esa carpeta y decir, exportar presets. Dale un nombre a eso. Por ejemplo las toallitas ahorran, y en realidad puedo seguir adelante y eliminarlas para mostrarles mejor lo que está pasando. Están en mi escritorio, es un archivo sencillo que puedo compartirlo a través de correo electrónico, través de mis diferentes computadoras, o a un amigo, o a un colega. Pueden seguir adelante y hacer clic derecho en decir “Importar presets”, seleccionar ese archivo y pulsar “abrir”. Esa carpeta entera ahora será importada, y aquí tenemos el borrado y el borrado, que puedo usar directamente ahora de vuelta en mis ediciones. Ese es el maravilloso mundo de los presets y cómo guardarlos dentro de Adobe Premier Pro. Ahora voy a poner esta cámara muy vieja pero muy cara de nuevo de forma segura en el rack. Gracias por ver. 15. Gráficos de texto avanzado: Ahora aquí son chicos. Yo estaba buscando este botón. Bastante importante. El botón Guardar, quieres hacer clic en él con bastante frecuencia cuando estás trabajando dentro de Premiere. Voy a dejar que se cierre conmigo. De todos modos, en esta lección vamos a echar un vistazo a algunas técnicas de texto más avanzadas. Lo que tengo aquí en mi línea de tiempo es sólo un texto muy sencillo que dice, Señor de los Anillos. Lo que me gustaría explorar aquí con el panel gráfico esencial es la opción de máscara con texto. Lo que podemos hacer es usar realmente este texto como máscara para otra capa. Por ejemplo, se quiere ver un video a través del texto. Bueno, eso se puede hacer simplemente tomando un clip normal como este de aquí y podemos arrastrar ese clip aquí dentro del panel gráfico esencial. Vamos a poner eso en la parte inferior, seleccionar el clip en la parte superior, y después asegurarnos de seleccionar máscara con texto, y ahí vamos. Ahora podemos ver el videoclip que se pone debajo a través de ese texto que es bastante cool. También podemos optar por invertir esa máscara, que básicamente va a revelar el video y no el texto, pero esto no es tan emocionante. En este caso, no lo inviertas y solo lo tengas así. Está bien. Para el siguiente ejemplo, lo que tengo aquí es sólo un texto animado que está subiendo. Ahora lo que quiero es que este texto aquí realmente se revela por detrás de algo. Lo que voy a hacer aquí en la posición final, sólo apégate a la herramienta de máscara de rectángulo de mi caja de herramientas y simplemente dibuja un rectángulo sobre él así como así. Lo que podemos ver ahora es con esa forma seleccionada aquí, asegúrate de decir, “Máscara con forma”. Lo que va a hacer ahora es sólo revelar el texto cuando se sienta dentro de esa forma. Habrá carpeta a la animación verás que el texto irá detrás de esa máscara revelándose así. Como puedes ver, existen múltiples formas de utilizar como máscara un texto o una forma o cualquier otro elemento dentro de los gráficos esenciales. Está bien. A la siguiente técnica y esa es justo aquí donde tengo algunos créditos. Lo que quiero hacer es asegurarme de que estos créditos se enrollan. Para ello, simplemente selecciona tu capa esencial de gráficos y sin tener ninguna capa dentro de seleccionada, solo podemos decir aquí en la parte inferior, “Rollo”. Con eso habilitado, la animación ya se sienta en su lugar de ahí que los textos se enrollarán. Están bastante cool es que también obtenemos la barra de desplazamiento. Entonces eso significa que podemos trabajar más en este texto por el tiempo que queramos que sea. Ahora podemos hacer doble clic aquí y añadir una línea. Por ejemplo, actor, de ahí que el actor sea Yannick, ahí vamos. Ahora también está animado dentro de esos textos enrollables. También tenemos algunas opciones más aquí, por ejemplo, preroll, eso significa cuánto tiempo debemos esperar antes de que comience la animación. Lo mismo va con postroll, pero también algunas opciones de flexibilización. Por ejemplo, podemos decir en el primer par de segundos queremos que el texto se aliente. Ahora verás que el texto empezará a subir lentamente y luego acelerará más rápido. Está bien. Entonces finalmente es una opción de anclaje. Lo que tengo aquí mismo es una nueva capa esencial de Graphics y dentro de ahí tengo algunos textos sencillos y también una forma de fondo, solo un simple rectángulo. Entonces lo que puedo hacer aquí con el texto es fijarlo a, por ejemplo, esa forma de fondo. Puedo elegir a qué sitio al que me gustaría anclar esto. Podemos decir, por ejemplo, “Sólo a los lados izquierdos”. Pero también podemos hacer click en el medio y decir: “Tiene que estar anclado a todo”. Entonces si voy a dar clic aquí en la forma de fondo ahora y mover eso a un lugar diferente, verás que el texto siempre vendrá con él. Incluso cuando voy a estirar la forma de fondo, también verás que también estirará los textos. Se ha clavado ahí por lo que siempre seguirá lo que sea que esté haciendo con la forma. Eso significa que puedo hacer un diseño complejo, fijarlo por completo y luego simplemente animar una capa. También como un grupo, pero esto también tiene la ventaja de que también lo puedes estirar y todo se estirará con él. Algo que un grupo no hará. Esto significa que puedo hacer un diseño complejo, solo fijarlo todo junto y solo hacer mis animaciones en una capa. Eso es todo, más o menos para las técnicas de texto más avanzadas. Creo que todo el resto habla por sí mismo como el tamaño, la sensación, el trazo, la sombra, y todas esas otras opciones de estilo que tenemos en el panel gráfico esencial. Ahora vamos a salvar este proyecto. Ahí vamos, y sigamos con la siguiente lección. Muchísimas gracias por ver. 16. Crea plantillas personalizadas: Plantillas. Puedes usar el trabajo de otra persona, o también puedes crear tus propias plantillas que alguien más pueda usar tu trabajo o simplemente hacerlo tú mismo fácil y usar tu propio diseño personalizado para múltiples videos como tal vez estés trabajando en un show o algo así. De todos modos, echemos un vistazo a cómo podemos hacer eso. Lo que tengo aquí mismo es solo un gráfico sencillo y he agregado esta herramienta de animación que donde podemos ver este texto con un chip de fondo pop open. Durante una lección anterior, hemos visto que podemos fijar diferentes capas juntas y lo que he hecho en este momento es en realidad lo contrario de lo que hicimos la última lección, y eso es vincular la forma de fondo a los textos para repin en opción. Esto significa que cada vez que voy a cambiar el texto, también cambiará el tamaño de la forma de fondo. Déjenme mostrarles eso. En verdad dice Señor de los Anillos, pero cambiemos el texto por otra cosa. Simplemente dices texto y como puedes ver aquí, el fondo también cambia de tamaño. Eso es algo perfecto para plantillas. Como siempre quieres asegurarte de que siempre que vayas a cambiar el texto desde dentro tu diseño también cambie con tus textos. Quiero decir reiniciarle eso a Señor de los Anillos porque eso es bastante guay. Lo que podemos hacer en realidad es guardar esto como plantillas que podemos usar que en otros proyectos también y las plantillas se pueden encontrar aquí atrás bajo la pestaña de navegación en la parte superior y por defecto, ya verás un montón de plantillas aquí. Siempre que vamos a instalar Premier Pro, esto viene con la instalación por defecto. No son las mejores plantillas, pero están ahí. Si no te gustan, también puedes simplemente hacer clic derecho en cualquiera de estos y simplemente decir “Eliminar”. Sí, estoy seguro. Ahora se trata de una carpeta de plantillas locales o alguna carpeta que se almacena en tu computadora. Eso significa que cada vez que voy a importar una plantilla aquí, eso no significa que también aparezca en otro equipo, pero también tenemos una ubicación de plantillas de Adobe Stock. Adobe Stock es esencialmente una suscripción adicional de Adobe o puedes comprar clips Stock, pero también plantillas y lo genial es que puedes navegar a través de Stock desde dentro de Adobe Premier. Puedes buscar algo específico o también puedes seleccionar solo mostrar las plantillas gratuitas o solo mostrar la plantilla premium. A pesar de que personalmente no tengo una suscripción a Adobe Stock y eso es porque hay una docena de otras bibliotecas de acciones por ahí, por ejemplo, usamos Storyblocks para esas cosas pero podemos hacer uso de la plantilla gratuita. Solo echemos un vistazo a lo que es eso. Tomemos el primero aquí, por ejemplo, solo arrastro eso a nuestra composición así y desde aquí me metí, tenemos una plantilla aquí mismo y es bastante pesada en CU y eso es porque vemos un montón de efectos en ella. Mi PC está en problemas reproduciendo esto. De todos modos, pero déjame seleccionar esa capa. Entonces podemos ir al paso de edición aquí arriba, y a partir de ahí tenemos un montón de controles para cambiar la plantilla. Por supuesto, tenemos algunos controles de texto desde los que podemos cambiar el texto en su. Señor de los Anillos, ahí vamos. Es así de fácil, y así es como puedes importar plantillas y empezar a usarlas. Déjenme borrar esto de nuevo porque bastante pesado. Ahorremos a Premier también porque no queremos que esto se estrelle. ¿ Dónde está mi botón Guardar? Aquí está. Ahí vamos. No se guarda Premier. Volvamos a mi plantilla aquí mismo. Guardemos esto también porque lo que realmente podemos hacer es importar esta plantilla que acabo de crear dentro de la biblioteca aquí también, por supuesto, en la biblioteca Mis Plantillas no en Adobe Stock. Para ello, basta con hacer clic derecho en su capa e ir a exportar como plantilla de gráficos en movimiento. Dale a eso un nombre, texto pop-up amarillo, lo que sea y luego podremos elegir dónde nos gustaría guardar esto, por ejemplo, en la carpeta de plantillas locales, y eso lo importará automáticamente a los gráficos esenciales aquí mismo. Pero también podemos optar por almacenar esto en el disco local. Hagamos eso. Voy a golpear browse para asegurarme de que sea seguro para mi escritorio, diga Seleccionar carpeta y presione “Okay”. Lo bueno de exportarlo a tu unidad local es que ahora también podemos compartir esa plantilla con tus amigos o compañeros de trabajo que pueden usar el mismo diseño. Echemos un vistazo. Ahora minimiza premier el textmogrt pop-up amarillo. Eso es correcto. ¿Cómo podemos empezar a usar eso? Ahora volvamos a Premier Pro hasta que en la parte inferior de los gráficos esenciales cuando estés dentro de la pestaña de navegación, encontrarás un botón que dice instalar plantilla de gráficos en movimiento. Basta con hacer click en eso y localicemos la plantilla de texto pop-up amarilla que acabo de entrenarla en mi escritorio y pulse “Abrir”. Siempre que vas a enviar ese archivo a un amigo o algo así, ellos pueden hacer exactamente los mismos pasos para importarlo también a su carpeta de plantillas y déjame solo mirar, debería estar en algún lugar de aquí. lo general está en la parte inferior. Ahí vamos, aquí está, Señor de los Anillos. Ahora puedo simplemente seguir adelante y eliminar esto aquí. Ahí vamos, porque está en mi carpeta de plantillas desde la que siempre puedo arrastrarlo de a mi edición y simplemente lo cargará. Mira lo genial que es eso y desde ahí ahora puedo ir adelante y cambiar a la pintura de texto y lo genial la carpeta de plantillas es que siempre que vayas a iniciar un nuevo proyecto dentro de Premiere, cada vez que veas tu plantillas aquí. No es necesario instalarlos cada vez más. Es básicamente como una colección de activos de video que puedes usar toda tu carrera de edición de video. Mira eso. Eso fue todo por las plantillas, ahora puedes crear las tuyas propias, cómo usar las plantillas de otra persona. Eso es más o menos. Muchas gracias por ver y espero que hayas aprendido algo nuevo. 17. Pista de transiciones Matte: Track Matte Transitions, algo muy importante porque la técnica Track Matte es algo que se utiliza muy a menudo con ediciones más avanzadas mientras realizan transiciones en la composición de efectos visuales y así sucesivamente. Ya verás que estarás trabajando más con Track Matte en el futuro. Entonces por eso quiero darles una demo sobre cómo usar o cómo trabajar con el efecto Track Matte, y vamos a crear una transición. Lo que tenemos aquí mismo es esto [inaudible] trabajando en sus pequeñas figuras como miniaturas. Cortamos a un cierre de él. Para demostrar exactamente lo que está pasando, primero voy a crear un rectángulo. Añadamos una animación rápida a eso con la propiedad de posición. Esta es la posición final, y sólo la voy a empujar hacia el lado izquierdo o hacia el lado derecho. Ahí vamos. Siempre la facilidad en siempre se ve mejor. Lo que tenemos en este momento es simplemente un rectángulo que entra por el lado derecho. Déjame ponerme un poco más lento así. Esto se ve bien. Ahora con un efecto Track Matte, en realidad podemos usar este gráfico aquí como mate para revelar un video dentro del área blanca. Anteriormente, cuando estábamos trabajando con texto, también hemos visto que un poco donde usamos el texto para mostrar video verdadero, Esto funciona igual. Hagámoslo. Voy a ir a mi biblioteca de Efectos y buscar la tecla Track Matte. Ahí vamos y solo arrastramos eso al video que quieres usar dentro del Track Matte. A partir de las opciones de ese efecto, podemos encontrar que tenemos que definir en dónde se encuentra nuestro mate. En este caso, eso está en la pista de video número dos. Selecciona eso de este menú desplegable y eso es todo. Reproduciendo esto de nuevo, ahora verás que el video se borrará usando ese gráfico. Usemos eso ahora como una transición. Como sabemos que el video aquí mismo se limpia desde este punto, sabemos que podemos colocar esto encima del clip número 23 aquí. Vamos a mover estos dos una pista más arriba y llevarlos por encima del clip. Ahora sí tenemos que volver a entrar en los Controles de efectos aquí y ahora seleccionar que el mate esté en la pista de video dos porque lo movimos una pista más arriba. Ahora verás que primero solo vemos el clip debajo. Pero debido a que ese gráfico Track Matte siendo animado, el otro clip será transitado hacia adentro. Ahora por supuesto, esto no es nada de fantasía. Podríamos haber creado también esta transición con un simple efecto de recorte, pero sí te da una idea de cómo funciona esa tecla Track Matte. Déjenme mostrarles una técnica un poco más avanzada y voy a eliminar aquí mi gráfica. Voy a volver al panel de mi proyecto porque en mi carpeta de activos, he creado una transición de pintura. Ahora esto es sólo algo que he hecho dentro de Adobe After Effects y es un sencillo spot de pintura que viene abierto así y como podemos ver, tenemos múltiples gradaciones de blancos. Es más transparente y también podemos usar eso dentro de nuestra tecla Track Matte. Vamos a comprobarlo. Voy a arrastrar este clip arriba número nueve y nada está pasando todavía y eso es porque tenemos que volver a la configuración aquí del clip número nueve. Para mí, clave Track Matte, esta vez vamos a poner el compuesto a Luma. Ahora el alfa mate solo funciona con clips que tengan un fondo transparente. Pero debido a que hemos rendido esa transición de pintura a un MP4, tenemos ese área negra aquí mismo cebo en ese video. Por eso en esta ocasión vamos a tener que elegir entre tus opciones Track Matte aquí, Matte Luma. Porque esta transición lleva un poco de tiempo, voy a mover estos clips hacia adelante también. Ahora cuando echemos un vistazo a esta transición, verás que el clip número nueve entra bellamente a través del Track Matte conoció ese punto de pintura. Así es esencialmente como funciona la tecla Track Matte. En realidad no puedes encontrar muchos de estos efectos de transición en internet donde solo tienes un fondo negro y una animación blanca para pasar a un siguiente clip. Muchísimas gracias por ver. Casi hemos pasado por el capítulo de animación y gráficos. En la siguiente lección, la última de este capítulo, vamos a echar un vistazo a cómo animar usando la herramienta de transformación, que nos va a dar algunas opciones hermosas. 18. Efecto de transformación y desenfoque de movimiento: Hola. No te vi ahí. Yo sólo estaba tratando de animar este clip para que entrara por estos lados, y éste parece ser Amdur, Señor de Hojas. Está ahí mismo en mi línea de tiempo. Vamos a comprobarlo. Voy a arrastrar este clip arriba Clip número 23. Seleccionaría este cabezal para ser “Controles de efectos”, y desde ahí bajo la propiedad “Motion”, voy a crear un fotograma clave para la posición. Esta es la última posición de este clip. Lo que haremos en realidad es mover este fotograma clave un poco a la derecha. Ahora, voy a establecer la primera posición cambiando ese valor. Llevémoslo todo el camino a los lados correctos, así. Vamos a reproducir el clip hacia atrás y ver cómo se ve eso. Amdur, Señor de Hojas está entrando por ahí desde la derecha. Nos hicimos una animación. Se ve bien, pero le falta algo. Le falta algo muy natural y eso es el desenfoque de movimiento. Durante esta animación aquí, los bordes de ese clip y de un clip en sí siguen siendo bastante afilados. Siempre que veas cierto movimiento, como si estuviera agitando mi mano aquí mismo, mi mano no está afilada. Es muy poco filoso. Está pasando el desenfoque de movimiento. Vamos a tener que introducir eso de alguna manera. Se rumorea que Adobe va a introducir eso dentro de la propiedad de movimiento normal, pero hasta ahora todavía no está ahí. Por lo tanto, tenemos que utilizar otro efecto llamado los efectos de transformación. Permítanme borrar toda esa animación aquí mismo. Sí, “Eliminar los fotogramas clave y restablece la propiedad de movimiento”. Voy a ir a mi biblioteca de “Efectos” y buscar los efectos de transformación, arrastre que está aquí para recortar el número 12 a Amdur, Señor de Hojas. Déjame simplemente desplazarme hacia abajo. Como puede ver, este efecto en realidad sólo tiene exactamente las mismas propiedades que las propiedades de movimiento. No obstante, sí tenemos una opción extra aquí en la parte inferior, y eso es deshabilitar usar el ángulo de obturación de composición y establecer uno de los nuestros. Pero antes de hacer eso, primero creemos una animación. Empecemos aquí con la última posición de esa animación. Crear un fotograma clave para la posición. Retrocede en el tiempo, y vamos a dividir clip de nuevo fuera del marco. Al reproducir esto de nuevo, obtenemos exactamente la misma animación, y en medio ese clip también es demasiado afilado. Exploremos aquí la opción en la parte inferior ahora. Voy a desactivar esta opción aquí mismo. Establece un ángulo de obturación propio, un ángulo de obturación natural es de 180 grados. Mira eso, tenemos algo de desenfoque de movimiento pasando, y esto se ve una tonelada mejor. Definitivamente, lo que vamos a suavizar estos fotogramas clave aquí también, “Facilidad de entrada”, mira qué suave se ve esa animación. Ahora estamos hablando aquí en la parte inferior de un ángulo de obturación. Por lo general, cuando vas a llenarlos con tu cámara, se establece a velocidades de obturación. Por ejemplo, estás filmando a 30 fotogramas por segundo, luego tu cámara está ajustada a 1/60 de velocidades de obturación, y eso es exactamente lo mismo de tener un ángulo de obturación de 180 grados. Al ajustar tu ángulo de obturación a 360 grados, eso será lo mismo que tener tus velocidades de obturación se a 1/30 de segundo cuando estás disparando a 30 fotogramas por segundo. También podemos ajustar esto aquí a 90 grados y en realidad introducir menos desenfoque de movimiento. Eso sería lo mismo que ajustar tus velocidades de obturación a 1/120 de segundo, cuando estás disparando a 30 fotogramas por segundo. Todos sabemos que al aumentar esas velocidades de obturación, introducirás menos desenfoque de movimiento. El ángulo del obturador en realidad proviene de viejas cámaras de película donde tenías un disco real girando frente a tu lente. En la actualidad ya no es así. No obstante, sigue siendo un valor usado mucho porque cada vez que digo que los ángulos de obturación deben fijarse en 180 grados, no importa cuál sea la velocidad de fotogramas. Si mi velocidad de fotogramas es de 25 fotogramas por segundo, entonces mi velocidad de obturación será automáticamente 1/50 de segundos porque he escogido 180 grados. Automáticamente va a ajustar su velocidad de obturación de acuerdo a la velocidad de fotogramas. En la mayoría de los casos vamos a dejar eso a 180 grados. Déjame crear algo de texto aquí así. Este va a ser “Amdur, Señor de Espadas”. Mira eso es, tal vez agrandar eso unos pedacitos. Lo que también quiero hacer es agregarle este fondo rectángulo. De mi Herramienta Pluma, Herramienta Rectángulo. Ahí vamos. Abramos los gráficos esenciales. Ya has visto esto antes. De esa manera en realidad soy capaz de mover esta forma aquí debajo de mi texto y tal vez darle a eso un color diferente también. En realidad me gusta amarillear mucho o esa cosa naranja, amarillenta. Ahora lo que tenemos aquí en las propiedades del clip está bajo el movimiento vectorial o el movimiento normal. También, los controles de posición y una escala y todo. Pero no tenemos ninguna opción para habilitar el desenfoque de movimiento. Lo que voy a hacer aquí otra vez, también hay agrega el efecto transformador en mis gráficos esenciales y ponerlo aquí arriba. Ahora mismo, en realidad puedo usar el efecto de transformación para animar también esto más bajo que aquí mismo. Permítanme simplemente poner eso en posición donde yo quería que estuviera. Por ejemplo, aquí mismo, crear fotograma clave para posicionar, esta es la última posición. Vamos a mover este fotograma clave a la derecha y ahora llevemos todo este clip aquí fuera del fotograma. Nuevamente, haga clic derecho y diga: “Facilidad de entrada”. Se ve bien, se ve bien, tal vez un poco más rápido, ahí vamos. Lo último que necesita es también el desenfoque de movimiento. Deshabilita esta opción aquí mismo y establece una de las tuyas, por ejemplo, 180 grados. Mira eso, tenemos un hermoso desenfoque de movimiento pasando. Ahora si no quieres que el efecto de transformación se aplique a todo en tu gráfico, lo que sea que estés creando, asegúrate de seleccionar todas las capas y luego crear un grupo para eso. Este de aquí es mi tercio inferior. Ahora puedo seguir adelante y crear un nuevo grupo si así me gusta con un texto ahí dentro. Dejemos que rápidamente les muestre que a ustedes chicos, nueva capa de textos sigue ahí dentro. Como verás aquí, sólo Amdur, Señor de Hojas será animado y no este texto. Tiene que ser dentro del grupo, obviamente. Incluso si pongo a este grupo aquí todo el camino en la parte inferior, seguirás viendo que no va a ser animado. Eso se debe a que teníamos el efecto de transformación establecido dentro de una carpeta de grupo. Déjame borrar esto aquí atrás, porque se ve genial y ahora tenemos una mejor comprensión del efecto de transformación, que siempre debemos usar al crear animaciones sobre la posición, la escala, la rotación, lo que sea, para que podamos habilitar ese desenfoque de movimiento natural. Muchísimas gracias por ver. 19. Estabilizar material grabado/metraje: Oye, cuidado. Wow. ¿Qué pasa con este clip de aquí? Encontremos la manera de estabilizar ese clip. Esto no es bueno, esto es peligroso. Echemos un vistazo aquí en Premier. Lo que tengo aquí mismo es un tiro en movimiento. Está temblando mucho. Fue disparado mano-sostenido obviamente, pero necesitamos estabilizarlo porque los disparos en movimiento son peligrosos. Lo que quiero hacer es dirigirme a mi Biblioteca de Efectos, y buscar el efecto llamado Estabilizador de Warp, ahí mismo. Arrastra eso a tu clip, y lo primero que va a hacer es analizar tu disparo. Si no hace eso automáticamente, entonces desde las Opciones de Efecto, tenemos un botón llamado Analizar. Ahora esto podría llevar algún tiempo. Vas a tener que esperarlo y luego puedes ver la estabilización. Pero mientras tanto, permítanme explicar cuáles son estas opciones aquí en la parte inferior. Para empezar, podemos elegir si nuestros disparos aún necesitan tener algo de movimiento en él pero más suave, o no hay movimiento en absoluto como se disparó desde un trípode. Pero normalmente no hay movimiento en absoluto, va a ser muy complicado porque si te estás moviendo con tu cámara, realmente no puedes tener ningún movimiento porque tendrás un cambio de perspectiva en tus tomas. Esto suele ser bueno cuando estás disparando desde un trípode, pero tal vez el viento o algo está sacudiendo tu cámara, entonces puedes elegir la opción sin movimiento. Entonces la suavidad es solo la cantidad de estabilización, y vamos a sumergirnos un poco más en eso cuando se haga la centralización, y luego los métodos. Tenemos un par de métodos diferentes aquí desde este botón desplegable, y para visualizarlo mejor, lo tengo de nuevo, mira aquí, Amdur Señor de Hojas. La primera opción es la posición, y eso significa que la estabilización sólo va a reposicionar tu clip para que parezca estabilizado. Entonces tenemos posición, escala y rotación, lo que significa que va a rotar, reposicionar, y escalar tu clip para asegurarnos de que el clip esté estabilizado. Entonces tenemos perspectiva, que también va a dar la vuelta a tu clip así y estirarlo y todo. Por último, conseguimos warp subespacial, que es una técnica que utilizaremos con mayor frecuencia porque se va a trabajar en áreas específicas de tu clip, estirar y warp que hacia fuera con el fin de estabilizar tu tiro. Pero definitivamente ve con las opciones de Trudy si crees que la estabilización no salió como estaba planeado. Mientras tanto, el clip se ha estabilizado, así que vamos a echarle un vistazo, y solo se ve realmente bastante bien. Está más estabilizado. Pero como puedes ver, sí hace estas extrañas distorsiones. Bueno, eso es porque me estaba moviendo bastante, así que realmente no podemos sacar toda la moción de ella. Lo que quiero hacer en realidad en este caso, es bajar un poco mi suavidad tal vez al 20 por ciento, solo para que no funcione demasiado. Creo que esto se ve un poco mejor. Ahora tenemos algunas opciones más aquí en la parte inferior. Desde las fronteras, tenemos encuadre. Básicamente, al enviar estos solo a Estabilizar, verás el borde real o realmente qué está haciendo Premiere aquí con tu clip. Esta es la Warp Subespacial haciendo lo suyo. Por supuesto que no queremos esa frontera, así que normalmente vas a recoger estabilizar y también recortar, así que es quita el borde tembloroso de ella, pero todavía vemos esa frontera. También tenemos la siguiente opción que es también para autoescalar, y esto va a funcionar con más. No obstante, también hay una opción para sintetizar los bordes. Eso básicamente significa que va a volver a pintar los bordes hacia atrás para que no necesite escalar tu clip. No obstante, eso es bastante pesado para tu computadora, así que no sugeriría hacer eso a menos que realmente quieras. Puedes probar esa opción. De todos modos aquí se puede ver en la parte inferior cuánto tenía que escalar el clip. Es apenas un 106 por ciento, que no es mucho. No verás mucha pérdida de calidad ahí dentro. Entonces en la parte inferior, esta es la última opción que quiero mostrarles chicos aquí bajo avanzado, esa es una opción llamada análisis detallado. Básicamente, si crees que tu análisis no salió como lo planeado, puedes marcar esa casilla para un análisis detallado. Tomará un poco más de tiempo, pero podría terminar con mejores resultados. Eso es más o menos sobre el efecto Estabilizador de Warp y cómo puedes usarlo. Ahora, hay un último truco que me gustaría mostrarles ahora mismo. Hemos estado quitando el movimiento de una toma, pero también podemos traer de vuelta el movimiento de mano en una toma estática. Hagamos eso. partir de aquí voy a eliminar el Estabilizador de Warp, y lo que quiero hacer es usar la mano al movimiento de esta toma, y llevar eso a una toma normal o más estética. Hagamos clic derecho en ese clip y digamos a continuación, llamemos a ese Movimiento Handheld, donde sea, golpeemos bien. Ahora vamos a aplicar los efectos Estabilizador de Warp a esa Secuencia Anidada. Lo que va a hacer en este momento es hacer un análisis basado en este clip aquí mismo que se sienta dentro de la Secuencia Anidada. Simplemente vamos a dejar que haga lo suyo, que analice el movimiento de ese disparo. El vamos. Se estabiliza, y ya está hecho. Este tiro debería estar estabilizado ahora mismo. ve bien. Bueno, lo que quiero hacer es hacer doble clic para entrar en la secuencia anidada, voy a ir a mi carpeta B-roll, y tomar una toma estática. Este de aquí. Tiene un poco de movimiento en ella, pero es bastante estático. Desplazar eso en la pista número dos. Echemos un vistazo. Parece ser bastante estático. Volvamos a mi secuencia principal para estabilizar tiro. Mostrará el clip en la parte superior, pero tiene un efecto de estabilización sobre él que se analizó utilizando el clip anterior. Echemos un vistazo a lo que eso le hace a este tiro. Como puedes ver, introdujo un hermoso movimiento de mano en ese disparo. A pesar de que fue bastante estable, sí parece que ahora tenemos movimiento de mano. Asegúrate de no tocar más este efecto. Déjame simplemente colapsar eso. Es cuidar el movimiento de mano, y eso es exactamente lo que queríamos. Ahí vas. Un pequeño truco. Gracias por mirar, y nos vemos en la siguiente lección. 20. Reasignación avanzada del tiempo: Oh, hola chicos. Yo iba súper rápido y no sabía que en la puerta no estaba abierta, así que me topé con la puerta. Estaba jugando por ahí con la velocidad y el remapeo de tiempo, me conozco tonta. De todos modos veamos aquí dentro de Premiere cómo podemos hacer que eso acelere o ralentice los clips. Ahí un par de formas de hacer eso. En primer lugar, siempre podemos hacer clic derecho sobre un clip cabeza a velocidad/duración y simplemente cambiar su porcentaje de velocidad a partir de ahí. También podemos optar por revertir la velocidad pero esta no es una opción tan buena, hay mejores maneras de hacerlo. Ahora echemos un vistazo a la caja de herramientas. Aquí mismo deberíamos encontrar en algún lugar la herramienta Rate Stretch, está ahí mismo o simplemente presiona la R en tu teclado. Esto permite estirar el clip más corto, lo que acelerará el clip como podemos ver aquí, o también podemos simplemente arrastrar eso más tiempo. Sí necesito ponerlo una pista más arriba para poder hacer eso y de esta manera el clip vamos a jugar más despacio. Podemos ver el porcentaje aquí así como dentro del nombre del clip que actualmente se establece en casi 55 por ciento. Pero hay una tercera vía que es una tonelada mejor, y eso es haciendo un remapeo de tiempo en tu clip. remapeo de tiempo también llamado ramping de tiempo es una técnica en que vas a avanzar rápidamente o ralentizar los clips. Eso significa que vamos a cambiar la velocidad. Para ello, voy a cambiar la vista de mi clip. Aquí mismo podemos encontrar un botón fx, y actualmente está configurado en opacidad. Podemos ver esta línea justo aquí, y tirándola hacia abajo, en realidad podemos disminuir la opacidad de ese clip. Pero no nos interesa la opacidad en este momento, nos interesa una función de remapeo de tiempo. Haga clic derecho en ahí, y a partir de aquí elija velocidad de reasignación de tiempo. Esta es una opción por defecto como podemos ver aquí en los controles de efectos, remapeo de tiempo, está justo ahí. También podríamos cambiar el valor o la propiedad aquí dentro, pero me parece que trabajar en el clip es mucho más fácil. Lo que podemos hacer ahora es encontrar el punto en el que nos gustaría empezar a acelerar este clip, digamos aquí al final. Simplemente puedo sacar la herramienta de lápiz de la caja de herramientas o simplemente presionar el botón p de mi teclado y luego colocar un fotograma clave en ese punto. Ahora bien, este es un fotograma clave muy especial, es un remapeo de tiempo clave-fotograma, por lo que funciona la diferencia. En realidad va a dividir tu clip en dos partes, parte izquierda y la parte derecha. Lo que puedo hacer ahora es con la parte correcta, por ejemplo, tirando de esta línea hacia arriba, que acelerará el clip, y podemos ver el valor porcentual por ahí. Adelante rápido que todo el camino hasta 300 por ciento, que es tres veces más rápido, ahí vamos. Estoy reproduciendo este clip ahora mismo, ya verás que la última parte se reenvía rápidamente. Ahora aquí hay algo bastante cool, en realidad puedo abrir el fotograma clave aquí mismo. Déjenme acercar un poco. Al abrir eso, podemos ver que poco a poco podemos cambiar su velocidad. En cambio comprar instantáneamente yendo desde la velocidad normal hasta el 300 por ciento, vamos poco a poco de 100-300. Incluso podemos agarrar la palanca aquí en el medio y cambiar el comportamiento del ramping, hacerla más como una curva s, y ahora echemos un vistazo. El clip se acelerará gradualmente, y también se ve una tonelada más natural. Ahora algo que también podemos hacer es, por supuesto, ralentizar nuestros clips. No obstante, es necesario prestar atención a la velocidad de fotogramas de sus clips fuente. Al echar un vistazo a la carpeta b roll, verás que aquí tenemos unos clips, ese número 23 y 25, que se disparan a 60 fotogramas por segundo, los demás están a 30 fotogramas por segundo. Déjame añadir rápidamente una etiqueta para esos dos clip. Voy a seleccionar 25 y 23, hacer clic derecho y cambiar el color de la etiqueta a, sólo tomemos mango, bastante cool. Para estos dos, en realidad puedo ir por debajo de 100, tal vez hacer eso. Voy a arrastrar por el lado izquierdo. Podemos ir hasta el 50 por ciento porque estamos trabajando en una línea de tiempo de 30 fotogramas por segundo, y 60 encaja exactamente dos veces ahí dentro. Debido a que mi brecha no era lo suficientemente larga, mi clip aquí se recortó, así que déjame solo usar la herramienta de selección de pistas, mover todo a la derecha y recortar este clip abierto. Primero ahora puedes ver que vamos a cámara lenta y luego aquí se acelera, y va rápido hacia adelante al siguiente clip, vamos a traer ese siguiente clip aquí. En realidad podemos usar esa función de remapeo de tiempo como una buena transición. A medida que aceleramos aquí en esta parte del clip o el primer clip, ahora vamos a una velocidad aparte del clip número 12, déjame solo hacer esto un poco más corto aquí, así. Voy a crear un nuevo fotograma clave en algún lugar justo aquí, en el medio, y mover la parte izquierda hacia arriba, acelerar eso, así. También rampa eso, hazlo siempre, y veamos ahora. Aceleramos y cortamos al siguiente disparo, que también es un poco acelerado, pero creo que podemos ir aún más rápido. Déjenme empujar esto aquí mismo, y echemos un vistazo ahora, ahí vamos. A lo mejor el primer clip también podría ser un poco más rápido, eso es algo con el remapeo del tiempo. Constantemente estás haciendo ajustes solo para ver que tu remapeo de tiempo va sin problemas o tus transiciones van sin problemas. Míralo, qué bonito es eso. Con el remapeo de tiempo siempre quieres asegurarte de que no estés reenviando clips rápidos, siempre quieres asegurarte de que estás haciendo una reasignación de tiempo con una razón. Al igual que por ejemplo, aquí, hemos creado esta transición entre estos dos clips. medida que el primero se acelera al final, y el segundo se acelera al principio, obtenemos esta hermosa transición entre estos dos, definitivamente por el movimiento también. Podemos hacer eso básicamente otra vez aquí. Al final de este clip, nuevamente vamos a colocar un fotograma clave y el mover las partes correctas hacia arriba, acelerando eso. Nuevamente, abre ese marco clave y al final, y coloquemos el clip número 23 junto a él. También aquí vamos a seleccionar una velocidad de remapeo de tiempo, crear un fotograma clave, porque de nuevo estamos teniendo ese bonito movimiento ahí dentro, hasta aquí, acelerar la primera parte, hacer eso suave, y echemos un vistazo. Creo que mi segundo clip aquí puede ir un poco más rápido. De nuevo, hay que jugar atrás y adelante y ver cómo se ve. Es justo aquí tenemos un problema, lo que estaba hablando, repente está pintando súper rápido y eso es simplemente adelantarlo rápido, no se ve bien. Lo que voy a tener que hacer aquí es hacer que mi ramping sea mucho más corto. Vamos a tener que trabajar con un remapeo de tiempo muy corto, tal vez hacer que la primera parte sea aún más rápida pero simplemente corta, no puede sólo tomar tanto tiempo, veamos ahora. Ahí vamos, esto se ve mucho mejor. Sus manos se mueven aquí en un principio no toma tanto tiempo, así que no nos llama la atención, y tu remapeo de tiempo se ve mucho más suave. Nuevamente, si nos gusta, podemos ir incluso por debajo de los 100 porque se trata de un disparo de clip a 60 fotogramas por segundo. No siempre tienes que ir al 50, también puedes ir a algo así como al 60 por ciento. Tienes suficiente espacio, puedes subir hasta el 50 por ciento. Mira eso, pintando en cámara lenta. Sólo agilicemos una última parte aquí de este clip. Nuevamente, un fotograma clave mueve esta parte hacia arriba. Conocemos el taladro ahora mismo, extiende el fotograma clave, acerque este disparo al otro, veamos cómo se ve esto. Asegúrate de que el Genic no parezca que está siendo reenviado rápido, casi se ve bien, déjame recortar un poco más este clip, así. Esto en realidad se ve bastante bien. También para este remapeo de una sola vez, acelerar clave-fotograma en el medio, acelerar la primera parte, estirar el fotograma clave y reproducirlo de nuevo. Esto puede ir mucho más rápido ahora, tenemos el mismo problema que con el clip anterior donde Genic parece ser reenviado rápido en su acción de pintura. A lo mejor un poco más corto también. Ahí vamos, luciendo mucho mejor ahora. Esto no es metraje con el que es tan fácil trabajar. Por supuesto, cuando estás filmando como bicicletas o autos o algo así, eso tiene como un movimiento fijo y siempre es más fácil avanzar rápido. Hay una última cosa que me gustaría mostrarles aquí chicos con este clip, que es el tiro número 10 aquí a 30 cuadros por segundo. Digamos que nos gustaría agregarle una cámara lenta. Por esta vez ahora, voy a hacer clic derecho y decir velocidad/duración, y voy a ajustar mi velocidad al 50 por ciento, presiona Ok. En realidad sólo tenemos ahora 15 cuadros por segundo disponibles. Se puede ver esta nitidez definitivamente aquí en su lápiz. Una opción que tenemos de ustedes volver a ese mismo menú aquí, velocidad/duración está aquí en la parte inferior llamada Interpolación de Tiempo. Si ponemos eso a flujo óptico, lo que el espejo va a hacer es realmente crear nuevos fotogramas en el medio, va a calcular esos, así que presiona Ok. Lo que siempre tienes que hacer ahora es renderizar tus clips. Voy a establecer un punto de entrada y un punto de salida alrededor de ese clip, ir a nuestro menú y secuencia superior y decir Render Into Out. Es alguna una espalda que siempre necesitas renderizarla antes de que puedas ver que es. No es que la reproducción no sea suave, es solo para mí o no muestra el flujo óptico cuando no has renderizado tus efectos. Ahí vamos. Ahora este metraje se ve una tonelada más suave, y eso se debe a que Premier ha añadido estos fotogramas extra en el medio. Definitivamente podemos ver que regresando muy bien aquí en sus movimientos. Con cada fotograma del que voy hacia adelante, podemos ver un movimiento en su cabeza, lo que eso significa que tenemos 30 cuadros disponibles cambiando esto de nuevo al muestreo de fotogramas, tenemos 50 fotogramas. Cuando vuelvo ahora, cada fotograma verás que sólo Genic se mueve cada dos fotogramas. Ahí vas, más sabes. Eso es todo sobre el remapeo de tiempo, cómo puedes acelerar, disminuir la velocidad y rampar tu clip. Muchas gracias por ver y nos vemos en la siguiente lección. 21. Técnicas de enmascarar: No me puedes ver. Está bien, magia. Ahora estoy justo aquí chicos. Oigan chicos. Ya lo sé, solo estaba engañando contigo. Yo sólo me enmascaré y de esa manera no podías verme. Entonces déjame mostrarte perspicacia Premier, cómo hice eso. Lo que tengo aquí mismo es el clip número 23, que está especialmente hecho para crear una máscara con. Sólo voy a arrastrar eso a mi línea de tiempo para mostrarles lo que vamos a hacer. Entonces, en primer lugar, quiero mostrarles dónde está la máscara, cómo podemos manipular eso, y luego vamos a crear algo genial. Por lo que al seleccionar tu clip, podemos subir a los controles de efectos aquí arriba y desde la opacidad de la propiedad, podemos ver que tenemos algunas opciones aquí en la parte inferior para crear una máscara. Podemos elegir cualquiera de estos dos preajustes, un círculo o un cuadrado o también podemos crear nuestra propia forma de máscara con la herramienta de lápiz. Por cierto chicos, esta no es la misma herramienta de pluma que ésta. Tengan eso en mente. Siempre se quiere sacar la herramienta de lápiz de la herramienta de máscara, que está justo aquí debajo de la propiedad. Por lo que de todos modos haga clic en eso, se ha creado una nueva máscara y eso me permite crear puntos y crear una máscara en mi clip. Ahí vamos y como pueden ver, ahora se ha cortado. Hemos cortado una parte de nuestro disparo, eso es enmascarar. Después de haber creado nuestra máscara, por supuesto, podemos agarrar estos puntos y moverlos a cualquier otra posición si nos gusta, pero también podemos, por ejemplo, crear una mejor esquina manteniendo presionada la tecla Alt en tu teclado, que te permite para crear este más bézier y obtener este borde redondeado. También podemos mantener presionada Alt y simplemente hacer clic de nuevo en ese punto clave para quitar ese bézier también podemos agregar nuevos puntos ahí dentro, si queremos agregar una nueva esquina, o mantenga presionada la tecla Control del teclado o comando para que los usuarios de Mac quitar uno de esos puntos. Entonces aquí en la parte superior podemos ver esta cosa rara. Al jalar de este pequeño círculo, podemos apaciguar más nuestra máscara. Aquí esta pequeña forma de diamante vamos a expandir realmente la máscara. Entonces tal vez has creado una máscara que no es lo suficientemente grande, bueno, haciendo esto puedes expandirla o tal vez desexpandirla si quieres. Eso también es posible. Ahora, estos ajustes que estoy cambiando aquí mismo, también se pueden encontrar de nuevo dentro de las propiedades de la máscara, está ahí mismo, pluma o expansión. También puedes inversionar tu máscara si quieres. Entonces de esa manera estás creando un corte insight de tus tomas. Entonces eso es en pocas palabras, cómo crear y gestionar estas máscaras. Nada demasiado elegante, tal vez ya te enteraste de esto antes. De todos modos, tomemos esto en una práctica ahora y creemos algo genial usando máscaras. Entonces solo voy a eliminar esto aquí, enmascarar número uno y echemos un vistazo a lo que es realmente el clip 22. Entonces como puedes ver, Jennick solo está pintando ahí y estamos moviendo esta pequeña miniatura. Ahí está mi mano, estamos moviendo eso un poco cada vez para decidir así. Lo que quiero hacer en realidad es simplemente copiar o clonar esta miniatura un par de veces cada vez que la estoy moviendo, lo cual puedo hacer usando una máscara. Entonces, para empezar, permítanme simplemente quitar este clip aquí en mi línea de tiempo. Encontremos la palabra que inicia este clip, y estamos justo aquí, ponlo en puntos, vamos un poco más allá en el tiempo, y digamos que esto es suficiente y arrastra esto a mi línea de tiempo. Digamos que se mantenga la configuración existente. Por lo que Jennick se ve bien. Se puede mover en este tiro, pero para la parte delantera, desde luego no podemos ver mis manos. Sólo estamos entrando de vez en cuando como aquí. Lo que voy a hacer es seleccionar este clip aquí mismo, mantener presionada la tecla Alt en mi teclado y arrastrar eso a la pista de video número dos. Para el de arriba, voy a empezar por el inicio de este clip y hacer clic derecho en ese clip y elegir en retención de fotogramas. Al hacer eso, este marco se congela o ese clip entero se congela en el primer fotograma. Al seleccionar ese clip, ir a controles de efectos, y crear una máscara a partir de la propiedad de opacidad, en realidad podemos decir que solo retenga o que solo mantenga congelada esta parte frontal, así, tal vez aleje un poco más. De esta forma puedo crear una máscara fuera del marco, y cerrarla ahí mismo. Vamos a encajar eso atrás. Voy a apaciguar un poco esta máscara, que también puedo hacer desde aquí, y luego voy a retocar este clip ahora mismo, ya verás que Jennick se está moviendo, pero la parte delantera no lo es. Esta parte de aquí está congelada. Por lo que ahí ya tenemos un gran uso de una máscara. Ahora, sigamos. Voy a volver a mantener presionada mi tecla alt, arrastrar el clip número 22 en la duplicación una pista más alta, y poner la de arriba, selecciónela, voy a quitar esa máscara porque vamos a crear una nueva. También vamos a crear un nuevo in point. Quiero tener un nuevo in point donde esta miniatura aquí se sienta más en el lado izquierdo. Entonces voy a tomar la herramienta de deslizamiento, la Y en el teclado, que me permite cambiar los puntos de entrada y salida de este clip. Entonces solo voy a dar clic en mi clip y arrastrar eso hacia la derecha, y sólo voy a buscar ese punto donde moví la miniatura hacia la derecha, y mi mano está fuera. Deja ir, y si todo salió bien, este clip todavía está fraseado porque hemos puesto todo ese marco en el punto de entrada, pero acabamos de cambiar el punto de entrada con la herramienta de deslizamiento. Entonces esto se ve bien. Tenemos una nueva miniatura aquí. Entonces voy a ir a mi propiedad de opacidad, tomar la herramienta de pluma y sólo dibujar una diminuta máscara aquí alrededor de esa miniatura. Sabes que notarás perspicacia Premiere que no siempre es tan fácil crear una máscara si estás demasiado cerca de un punto interior, solo tienes que ir si comienzas a girar así. Entonces lo que tal vez quieras hacer es acercar un poco. Vamos a poner esto aquí en 200 por ciento, y de esa manera podemos ver mejor lo que estamos haciendo. Entonces tal vez mover esta máscara un poquito más hasta el lado izquierdo, y también plumas eso para que la sombra no va a ser tan notable. Ahí vamos, luciendo bien. Está bien. Ponga esto de nuevo en forma, y ahora podemos ver que tenemos dos títeres ahí dentro. Está bien, sólo sigamos. Voy a sostener Alt, mover esto, un marco hacia arriba. partir de aquí voy a borrar la máscara, tomar mi herramienta de deslizamiento y buscar la tercera posición. Ahí está mi mano, muévete otra vez hasta ahí. Vamos, seleccione eso, tome la herramienta Pluma, acerque y cree otra máscara. Pluma que un poquito, o también podemos usar una herramienta de aquí. Ahí vamos, y sólo sigamos haciendo esto por todas las miniaturas que teníamos aquí. Aquí vamos, mira eso. Todo un ejército de miniaturas ahí en el frente, y acabamos de fingir eso porque Jennick no tenía tantas miniaturas de ese tipo. Ahora vamos a divertirnos un poco con esto y digamos que cada miniatura tiene que reventar cada vez. Lo que puedo hacer aquí es simplemente seleccionar todas las capas en miniatura, mantener presionada mi tecla alt, y empujar hacia el lado derecho usando mis teclas de flecha. Entonces digamos 1,2,3,4,5 fotogramas hacia adelante. Todo el resto encima de eso, también, 1,2,3,4,5 y yo solo sigo haciendo esto. Aquí vamos. Ahora, cada clip aquí inicia cinco fotogramas después. Entonces echemos un vistazo. Mira eso, qué genial es eso. Ahora las pequeñas miniaturas apenas están apareciendo en la pantalla, lo cual es un pequeño efecto muy divertido que puedes crear usando nada más que máscaras. Entonces sigamos explorando máscaras también en la siguiente lección, y veamos cosas como el seguimiento de máscaras, el uso de máscaras en efectos, va a ser realmente genial. Gracias por mirar y nos vemos en la siguiente lección. 22. Seguimiento máscara: Oye. Bastante cool. Esta máscara apenas está siguiendo mis manos, no importa a dónde vaya y eso se hace a través de algún rastreo de máscara. Vamos a comprobarlo. Lo que tengo aquí mismo es Jenick, y Jenick está un poco subexpuesto en su cara. Lo que quiero hacer en realidad es sólo hacer sólo su cara un poco más brillante. Para ello voy a corregir un poco esto de color. Podemos hacer eso desde el menú de arriba, selecciona Ventana y desde ahí, elige Lumetri y es justo aquí, Lumetri Color. Haga clic en eso y aquí, tenemos el Panel de Corrección de Color, que profundizaremos un poco más en las próximas lecciones. Pero, por ahora, sólo voy a hacer algo muy básico, como aumentar la exposición. Ahora, como se puede ver, toda la imagen se expone más, pero sólo queremos que se aplique al rostro de Jenick. Lo que voy a hacer es, dirígete a mis Effects Controlsends justo aquí. Podemos encontrar a Lumetri Color. A partir de ahí, también podemos encontrar los Controles de Máscara igual que teníamos dentro de la Opacidad. Ahora, desde dentro de ese efecto, voy a tomar el círculo o la herramienta de máscara de elipse y justo en la parte posterior, ahora puedes ver que Efecto Lumetri sólo se aplica dentro de esa máscara. Voy a colocar esto aquí sobre la cara de Jenick. Bueno, hagámoslo aquí al inicio del clip también. Ahí vamos. Solo coloquemos eso en algún lugar sobre su cara así y, por supuesto, lo que siempre quieres hacer es enredar esa máscara. Nunca se quiere ver el borde de la máscara. Tiene que ser sutil. La gente no puede notar tu máscara y cuando eso se sienta en su lugar, lo que ahora quería hacer es seguir la cara de Jenick. Podemos hacer eso aquí desde las opciones del Camino Máscara. En el lado izquierdo, podemos ver que podemos crear una animación para el Camino de Máscara. Entonces o bien podemos decir para crear un marco clave para ello, entonces podemos avanzar en el tiempo. Basta con agarrar esa máscara y reposicionarla. En medio esa máscara ahora está animada también. No obstante, con tales movimientos, no queremos hacer eso manualmente. Queríamos hacerlo automáticamente. Voy a usar uno de estos botones aquí, que automáticamente rastreará la máscara con el movimiento del rostro de Jenick. Entonces antes, voy a presionar aquí en pista hacia adelante, primero me voy a bucear aquí y a la opción Métodos de seguimiento. A partir de aquí, podemos elegir la máscara sólo sigue la posición del rostro de Jenick, o la posición y la rotación, o la posición, la escala, y la rotación. Vamos sólo por ese último. Eso está bien. Además, asegúrese de que la Vista previa aquí esté habilitada. Cuando eso está habilitado, también podríamos ver en tiempo real lo que está haciendo la máscara. Apetemos a “Play” y veamos cómo evoluciona la máscara. Como puedes ver, ahora se está animando automáticamente aquí en el Panel de Control de Efectos y la máscara debe estar siguiendo el rostro de Jenick. Podría haber un punto en el que la máscara podría no seguir más tan bien. Siempre se puede detener el seguimiento, ajustar donde sea necesario y luego seguir rastreando. Eso va bastante bien hasta ahora. Aquí, me gustaría ajustarme de nuevo. Simplemente dale a “Stop” y simplemente mueve esa máscara un poco más sobre la cara de Jenick. Con el rastreo, siempre es el caso que quieres dirigir un poco ya que estás rastreando podría volverse loco. También, aquí, voy a parar de nuevo, sólo un poquito, vuelve a golpear “Play”. Los rostros tienen ojos y una boca. Esa es textura clara para que la máscara siga y se haga el seguimiento. Echemos un vistazo y vayamos a agustar mi máscara porque no queremos ver los Caminos de Máscara , claro, y sólo juguemos eso. Como puedes ver, no notamos nada sobre la máscara que hemos creado y la exposición extra en el rostro de Jenick. Pero si vamos a echar un vistazo al antes y al después simplemente deshabilitando el efecto declamatorio por un momento, se puede ver que hicimos una enorme mejora al tiro. También podríamos ir más allá con efecto declamatorio y, por ejemplo, ir a la pestaña creativa aquí y añadir un poco de nitidez. Apenas ahora solo nos están aplicando a la cara de Jenick. Quizás, en algún contraste más aquí, esto depende completamente de ti lo que quieras hacer con tus talentos. Pero esto se ve bien y como puedes ver, el Sendero Máscara está siguiendo perfectamente la cara de Jenick. Ahí vamos. Esta técnica de crear una máscara sobre la cara de alguien y ajustar el brillo, a veces también la temperatura se está utilizando mucho en la industria cinematográfica. Ahí tienes, aprendes algo nuevo sobre crear máscaras y seguirlas, que son temas. Muchísimas gracias por ver. A las siguientes lecciones, seguiremos con Panel Telemétrico y aprenderemos algo más sobre Corrección de Color. 23. Combinar clips con corrección de color: Buenas tardes estudiantes. Empecemos. Ahí vamos. Olvidé los colores. Este color me corrigió a mí mismo y a todo aquí. De todos modos, echemos un vistazo dentro de estreno ahora cómo podemos hacer una simple corrección de color. Lo que tengo aquí mismo en mi línea de tiempo es esa entrevista de gigantesco, y tenemos tres cámaras, .A, B, y C, como podemos ver aquí, los colores realmente no coinciden. Hay una diferencia de color. Eso es lo que vamos a hacer ahora mismo, igualar estos colores realizar una corrección de color. Para hacer eso, primero me gusta comparar estos dos tiros uno al lado del otro para que pueda ver mejor qué acciones tengo que hacer. Dentro del monitor de programa aquí podemos encontrar un botón en la parte inferior que dice vista de comparación. Si no encuentras este botón, puedes dar click aquí en el Icono Plus para localizar todos los botones disponibles para el monitoreo del programa. Puedes arrastrar cuando salgas de aquí a tu barra de herramientas o también puedes arrastrar cuando salgas de ahí si no lo usas y luego solo tienes que pulsar Ok. Permítanme hacer click aquí en la vista de comparación. Conseguimos dos tomas una al lado de la otra y solo estoy ampliando ese monitor de programa para que podamos ver mejor lo que estamos haciendo. En el lado izquierdo está nuestra referencia por lo que podemos simplemente fregar a través nuestra línea de tiempo y seleccionar una imagen de referencia como esta. Aquí del lado derecho está sólo nuestra línea de tiempo que podemos jugar. Añadamos una corrección de color a la cámara B. Con esa cabeza seleccionada sobre ti panel de color de telemetría, si no puedes verlo, ve a Ventana en la parte superior y a partir de ahí, selecciona color de telemetría. Ahora tenemos un montón de controles aquí empezando por las correcciones básicas en la parte superior, o podemos cambiar cosas como la temperatura, tender contraste de exposición, y así sucesivamente, también tenemos algunos controles más creativos de los que también podemos agregar más nitidez a nuestros tiros, tenemos los controles de curva, tenemos las ruedas de color y partido, llegamos a las segundas HSL, y finalmente las herramientas de viñeteado. Ahora, sí tengo toda una clase dedicada a la corrección de color y tendencia sola, porque esto va bastante lejos y es bastante avanzado. Te voy a ahorrar eso en este curso o no vamos a sumergirnos en los controles profundos y todo. Lo que quiero mostrarles es un ejemplo muy práctico de emparejar dos tomas entre sí sin usar cosas como los alcances, las formas de onda, las secundarias HSL, curvas, lo que sea. Ahora lo que quiero mostrarles chicos es el color de las ruedas y el partido porque este es el único control que necesitamos para emparejar estos dos tiros, o al menos para acercarlos lo más posible el uno del otro. De nuevo, podemos ir mucho más allá con esto, pero estoy asumiendo que no tienes tiempo para pasar 15 minutos cada color corrigiendo cada disparo. Si lo haces y definitivamente echa un vistazo a mi clase de telemetría, estás en cuota de habilidad. Lo que me encanta de los colores y los partidos es que podemos empujar un color específico en cada nivel de los tiros. Tenemos las sombras que están aquí al fondo, después tenemos los tonos medios, que en su mayoría es eugenesia, y sus tonos de piel, que son importantes, y luego tenemos los reflejos, que está aquí para resaltar la eugenesia cara, pero también aquí hace poco reflejos en la parte posterior de su oreja. Lo primero que noto es que esta toma es un poco más magenta que esta. Lo que podríamos hacer es ir a nuestra pestaña de corrección básica y simplemente empujar un poco de verde ahí para compensar eso. Pero esto hace que todo el tiro sea verde. Por eso me gusta trabajar más en las ruedas de color. Porque desde aquí también puedo empujar más verde desde los tonos medios y solo realmente tratar de igualar mejor esos tonos de piel con el disparo de la izquierda. Al mismo tiempo, también notarás que le conseguimos más tono verde aquí del lado derecho, qué artista sombras, pero puedo arreglar eso ahora compensando con el control de sombras. Desde aquí realmente empujo hacia atrás un poco más magenta o tal vez azul ahí dentro. Echemos un vistazo al antes y al después de ahora con el botón de arreglar aquí arriba, podemos desactivar el color telemétrico y habilitar eso atrás, podemos ver que ya hemos igualado eso una tonelada mejor, pero podemos hacerlo mejor. A continuación, echemos un vistazo al contraste, por lo que los negros son mucho más profundos aquí en esta toma, también bajemos la exposición de las sombras con este control, y los reflejos también son un poco más brillantes. Empujemos arriba los aspectos más destacados con este control por aquí. También podemos usar los subrayados si notas que en los reflejos, deberíamos ponernos más verdes también, podemos hacerlo también, y siempre hay que ir un poco atrás y adelante mientras que el color corrige unas tomas a medida que empujas un color en los tonos medios, que también altera un poco las sombras y los reflejos, por lo que conjuras eso nuevamente con las otras ruedas de color, pero esto definitivamente está empezando a lucir una tonelada mejor. Echémosle un vistazo antes, y el después. Miren a esos chicos. Hemos sacado el magenta y hemos traído de vuelta un poco más amarillo a su tono de piel para que eso coincida más con el ángulo de cámara número 8. No tengan en cuenta chicos que estas son dos cámaras diferentes, por lo que siempre tendrán dos colores diferentes y es muy complicado combinarlos exactamente. Definitivamente, si solo vas a usar las ruedas de color y match, si quieres afinar aún más esto, vamos a tener que trabajar más con los colores, o que es HSL secundario. Acerquémonos esto porque lo que realmente he hecho aquí es aumentar la escala, que me ayuda a igualar mejor los tonos de piel de gigantesco, va a restablecer esos efectos y mira eso. Se ve una tonelada mejor ahora, estos dos coinciden más juntos. Por supuesto algo que también puedes hacer cuando tienes problemas para emparejar un disparo con otro es alterar tu tiro de referencia así como unos pedacitos. A lo mejor lo que tengo que hacer aquí es poner un poco más de azul en las sombras así, hacer eso un poco más oscuro también, y tal vez poner un poquito un verde, no demasiado en los tonos medios solo para igualar un poco más sus camisas. Pero mira eso. Estos dos de aquí coinciden mejor con una tonelada. Déjame agrandar esto aquí por un momento, haga doble clic sobre él para ver estas dos tomas junto a él obturador. Hemos hecho una correcta corrección de color usando sólo una herramienta, las ruedas de color. Ahora podemos seguir adelante y copiar los efectos de telemetría desde el ángulo de la cámara B a las cámaras C. Porque estos dos fueron filmados del mismo tipo de cámara, si tengo razón. Sí noto que es un poco más verde que la cámara B, así que lo que puedo hacer ahora es este cambio aquí, los tonos medios a bits diminutos para que, eso coincida mejor de nuevo con nuestras tomas de referencia. Pero esto se ve bastante bien. Jugando esto de vuelta, también podemos ver ahora que estos colores están coincidiendo mucho más de lo que solían ser. El único que hay que recordar es que durante una entrevista, te darás cuenta de que tienes múltiples clips de la misma cámara. Eso significa que vamos a tener que copiar el efecto de telemetría a cada clip. Por supuesto, eso es mucho trabajo, y si decides cambiar algo al color de un clip, entonces eso significa que vas a tener que copiar y pegar los cambios de dosis de vuelta a todo tu eclipse y la línea de tiempo. Una mejor manera de hacerlo es en realidad copiando los efectos limitadores de tu clip aquí mismo, y ahora ahora sentado aquí en la cámara B, voy a eliminar esos efectos de telemetría, a continuación, voy a ir aquí en la parte superior y dar click en Maestro, y voy a pegar el efecto telemétrico ahí dentro. Lo que he hecho ahora es aplicar este efecto de color de telemetría al clip maestro en el nivel fuente. Eso significa que automáticamente la cámara B también se verá afectada por ese efecto o esa gradación de color. Siempre que quiera hacer un cambio, solo puedo seleccionar cualquier clip que quiera desde ese mismo ángulo de cámara, ir a mis controles de efectos, luego dar click en el tap maestro y desde aquí, hacer mis cambios de la manera que quiero. Vamos a empujar hacia atrás un poco de magenta sólo para ver los cambios aquí y el otro clip también. Es así como puedes hacer una corrección de color o emparejar dos tomas mejor con cada letra con tan solo unos clics usando las ruedas de color dentro de la telemetría. Si quieres aprender más sobre corrección de color y calificación, recomiendo encarecidamente consultar nuestra clase de gradación de color en telemetría, cual también se puede encontrar aquí en share de habilidades. Muchas gracias por mirar, y nos vemos en la siguiente lección. 24. Crea un aspecto con la gradación del color: Una actualización que falta para Premiere es un peluquero adecuado. Mi cabello se está alargando. Es lo que obtienes si vives 15 años en el programa. Está bien, sigamos porque probablemente estés aquí para aprender más cosas. Lo que tengo aquí es génico, obviamente, hemos estado trabajando con él para toda la clase hasta ahora, y vamos a crear un look específico de calificación de color en ellos. Ahora algo muy popular es el famoso look azulado y naranja. Eso es lo que vamos a hacer ahora mismo, y te voy a enseñar a hacerlo correctamente, porque hay muchas maneras de hacerlo mal también. Con tu clip seleccionado se asegura de que el color lumetri esté abierto y vamos a ir por encima de las ruedas de color y emparejar. Nuevamente, todas estas cosas sucederán en esta zona. El medio tono suele ser tu sujeto en este caso, es gigantesco. Lo que voy a hacer aquí es agregar un poco de naranja a este medio tonos y no tengas miedo de exagerar mucho. Realmente puede hacer que su tiro sea bastante cálido, así. Esto también alterará las sombras y un poco de los reflejos. Vamos a hacer lo contrario con eso. Empecemos con las sombras, solo tira ese color en el azulado, algo así. Si quieres que tus sombras sean más profundas y no tan lavadas, podemos bajar la exposición de las sombras así, y si te gusta que tu sujeto sea más prominente, también podemos aumentar los medios tonos así. De esa manera también estamos creando más contraste. Si encuentras que algunas áreas en tu tiro, déjame solo acercar aquí, se están poniendo un poco demasiado expuestos como sus manos aquí. Podrías bajar un poco los reflejos, pero ten cuidado de que no se vaya a lavar otra vez, y finalmente, me gustaría quedarme con los blancos. Voy a empujar un poco de azul en los aspectos más destacados también, y estoy poniendo atención a esos dolores botellas aquí en el frente, luciendo bien. Está bien, voy a alejar el zoom, y de nuevo chicos, esto es lo mismo que qué corrección de color, pero la clasificación de color también quieres ir un poco atrás y adelante ya que estás agregando un color a los tonos medios, quieres volver a dirigir con tus sombras. Mientras diriges con tus sombras, quizá quieras ajustar nuevamente los tonos medios, pero trata de encontrar un buen equilibrio donde tus sujetos salgan muy bien con el naranja tú y el azul se sientan en las sombras de los fondos. Ahora, ¿por qué ese aspecto azulado y naranja es tan popular? Bueno, déjame conseguir mi revelación asesinada por eso. Ahí vamos. Como podemos ver, tenemos el blues justo aquí, las áreas azules y cuando pensamos en el azul, pensamos en su sombra, la noche, algo frío que aquí se sienta, pero luego en el lado opuesto del azul, nosotros puede encontrar los colores cálidos, el sol, algo positivo, algo que nos atrae el día, las luces. Podemos suponer que estos aquí son los colores positivos, que se sienta en el lado opuesto de los colores negativos. Si quieres llamar la atención sobre tu tema, asegúrate de que esa persona de aquí se sienta dentro este sitio de los colores de tonalidad y que los fondos, se sienta dentro de los tonos azules, y de esa manera nuestro sujeto simplemente saldrá mucho más, porque hemos creado un contraste de color. Ahí vas. Ahora bien, esto no es tan difícil de hacer dentro de Premiere, como puedes ver, hemos hecho un trabajo adecuado aquí con la rueda de color. Esto se ve bastante bien, pero se ve un poco aficionado. Hay algunos problemas que ocurren al tratar un aspecto típico azulado y naranja, y para empezar, sois negros deben ser negros y no es azul. Ahora para arreglar eso, vamos a trabajar en la secundaria HSL. Vamos a ir a ese grifo aquí mismo, y lo que podemos hacer con el secundario es hacer una selección de un área específica y una toma y alterar los colores o las exposiciones de esa área específica. Para empezar, aquí en la parte inferior podemos, por ejemplo, decir, qué ligereza queremos seleccionar, todo el camino desde los oscuros, hacer los reflejos aquí, y actualmente estoy seleccionando todo en esa zona. Entonces la saturación, qué tan saturada debería estar esa zona, y sólo voy a seleccionar todo el espectro. Por último, tenemos el matiz o el color, y ahora se puede ver aquí que en realidad estamos haciendo una selección. Por ejemplo, escojamos aquí los colores cálidos, los colores anaranjados. Como puedes ver, génico aquí se está seleccionando y para ponerte permanentemente en tu vista para la máscara marcando esta casilla aquí mismo. Ahora también podemos decir que no queremos tocar lo más destacado. Lo que podemos hacer aquí se cambia a selección de la ligereza y sólo seleccionar las zonas más oscuras dentro del tiro, para que sean más las sombras aquí debajo del brazo de génico o sea cara aquí mismo, pero no los reflejos en sus manos. De acuerdo, déjame simplemente restablecer todos los valores aquí haciendo doble clic en ellos, y voy a anular la selección aquí para ver mi máscara en todo momento también. Lo que quiero hacer ahora es seleccionar todos los colores, todo el espectro de color. Yo quiero seleccionar todos los valores de saturación, y sólo voy a seleccionar las áreas más oscuras en mis tomas así. Con un triángulo en la parte superior, podemos cambiar nuestra selección, y con un triángulo en la parte inferior, podemos federar esa selección. Siempre asegúrate de hacer eso. Ahí tienes, luciendo bien. Incluso después de tu selección, podemos desdibujar aún más esa máscara, y de esa forma estamos seguros de que no veremos los cambios reales que estamos haciendo. Siempre queremos asegurarnos de que siempre que estés cambiando de color, definitivamente es drástico a la hora de seleccionar áreas que tipo de como grilletes a otras áreas. Una vez que hayamos hecho eso, podemos entonces cambiar lo que tiene que pasar con esa zona aquí abajo. Podemos, por ejemplo decir como hacer ese super verde, claro, eso no es lo que queríamos, pero podríamos hacer eso. En este caso, el azul es demasiado prominente. No queremos tener el azul y los negros absolutos. Voy a añadir un poco de naranja, lo opuesto al azul, de vuelta a esos negros absolutos. Algo como esto haría, y si nos desplazamos hacia arriba, bueno lo hizo en la categoría secundaria HSL, realidad podemos desactivar y habilitar eso por unos segundos, acostumbrados a ver el antes y el después, y como pueden ver, sí retenemos ese aspecto naranja tilde mientras que tiene negros naturales. Muy bien, hagamos una cosa más. Lo que creo es que la saturación de la naranja de génico aquí y su cara es un poco demasiado, así que quiero hacer una segunda selección secundaria. Desafortunadamente, solo hay uno dentro de los efectos de color lumetri. Entonces lo que voy a tener que hacer aquí es arriba, donde dice lumetri color, click en el desplegable y elegir agregar efectos de color lumetri. Vamos a sumar una segunda. Para el segundo, solo para estar un poco más organizado, vuelve a dar click en un desplegable y decir renombrar, y voy a llamar a este arreglo naranja, porque voy a arreglar el color naranja en los tiros. Asegúrate aquí y tus efectos controlan eso, ese color lumetri se sienta en la parte inferior. Muy bien, entonces con este aquí seleccionado, su cabeza de vuelta a la secundaria HSL, y en esta ocasión voy a decir seleccionar todo el espectro de iluminación, pero sólo las partes más saturadas, el verano justo aquí. Por supuesto, entonces para terminar mi selección, voy a decir que seleccione los colores naranja, la grieta de tono naranja que otra vez, y esto se ve bastante bien. También trabó aquí la selección de saturación, un poquito. Esto se ve bien. Está bien, y finalmente, el desenfoque, sólo para desdibujar más esa máscara para que no veamos los bordes de nuestra máscara. Desplazémonos hacia abajo y cambiemos ahora a saturación de esas dos partes saturadas, un poco abajo a, no sé, como el 90 por ciento, y creo que esto se ve bastante bien. Es un cambio sutil, pero ese cambio sutil sí hace toda una diferencia como podemos ver aquí. Definitivamente lo veo aquí en sus brazos y en su cara también. Esto en realidad se ve mucho mejor con ese arreglo naranja. Ahora para ver todos los cambios que hemos hecho, realidad hay un botón aquí, en un monstruo de programa llamado el mudo de Ética Global. Ahora por defecto, ese botón no está ahí. Puedes encontrarlo de nuevo con cualquier editor de botones y está en algún lugar justo aquí. Encontrarás ese botón [inaudible], que solo puedes arrastrar a tus diseños de botones. Esto es cancelar esto y habilitar D ética mudo. Ambos colores lumetri ahora están apagados, por lo que podemos ver todo el antes aquí mismo, y ahora echemos un vistazo al después. Ahí vamos, así es como se ve después de la clasificación del color, y de nuevo, chicos, si les gustaría aprender más sobre el panel de color Lumetri, entonces echa un vistazo a nuestro curso separado para eso. Ahora hemos tocado algunas de las características más avanzadas dentro del Lumetri, y esto definitivamente te ayudará a crear ciertos looks y a corregir el color una toma, pero de nuevo, la herramienta más importante son, esas, ¿dónde están? El color ruedas y partido. Esta es la parte donde harás la mayor parte del trabajo. Eso se pone de nuevo, muchas gracias por mirar, y adiós. 25. Enlace dinámico con After Effects y Audition: Hola, buenos días chicos. Yo sólo estaba haciendo algunos trabajos de efectos visuales en Adobe After Effects. Va bastante rápido por el Dynamic Link que Adobe me ha proporcionado, esa manera puede cambiar fácilmente entre los diferentes programas de adobe, y sí, eso es lo que me gustaría mostrarles en esta lección. Lo que tenemos aquí mismo es solo una simple edición en nuestra línea de tiempo. Tenemos unos clips normales ahí dentro. Lo que quiero hacer es, por ejemplo, en este clip específico, hacer algún tipo de efectos visuales como un seguimiento de movimiento aquí en esta botella de pintura. Esa es la funcionalidad que no tiene Adobe Premiere Pro. Lo que tenemos que hacer es enviar este clip aquí mismo a Adobe After Effects. Simplemente podemos hacer eso haciendo clic derecho en aquí y luego dirigiéndonos a reemplazar con la composición de Adobe After Effects. Ahora, antes de que vaya a hacer eso, un buen flujo de trabajo es asegurarse siempre de duplicar primero tu clip, porque una vez que vamos a dar click en esto, va a reemplazar este clip aquí mismo en tu línea de tiempo con ese Adobe After Effects proyecto. Presione la tecla Alt y arrastre este clip para rastrear el número tres. De esta manera tenemos una duplicación de la misma y verás al final de esta lección por qué eso es tan importante. Haga clic con el botón derecho en este clip ahora y diríjase a reemplazarlo con la composición de Adobe After Se va a almorzar Adobe After Effects y lo primero que me va a pedir es guardar el archivo del proyecto de Adobe After Effects. Vamos a darle un nombre a esto, por ejemplo, Motion Tracking, hit save, y el proyecto se ha guardado. Tenemos nuestro clip ahora, justo aquí dentro en Adobe After Effects. Déjame cerrar un panel justo aquí para que sea un poco mejor para que lo veas, ahí vamos. Aquí te dejamos ese clip que anteriormente teníamos en nuestra línea de tiempo en Adobe Premiere Pro. Ahora, si volvemos a Premiere, también notarás que nuestro clip aquí ha sido reemplazado por una comp Dynamic Link que hace referencia a ese archivo de proyecto After Effects. El único que hay que recordar es que nunca importarás realmente un archivo de proyecto de Adobe After Effects. De hecho importarás una composición que es la misma que una secuencia dentro de After Effects. Eso significa, en realidad puedo ir aquí en After Effects y crear una nueva comp, y solo voy a nombrar a esta Comp 2, golpear bien, y solo tal vez, dibujar rápidamente un rectángulo aquí, y lo que puedo hacer ahora es arrastrar Comp 2 a Adobe Premiere Pro, así. Ahora, soy capaz de usar esta comp justo aquí esa secuencia en mi archivo de proyecto de Premiere, y se puede ver aquí ese rectángulo que he creado. Lo que queremos hacer, por ejemplo, es el seguimiento de movimiento. Voy a volver a Adobe After Effects. Voy a eliminar Comp número dos porque ya no necesitamos eso, y vamos aquí a la comp uno de Dynamic Link. Ahora porque este es un curso de Premiere, no quiero profundizarme demasiado en lo que estoy haciendo aquí mismo. Pero esta es una de las razones por las que deberías ir a Adobe After Effects para hacer un seguimiento de movimiento , por ejemplo, eso es lo que estoy haciendo aquí mismo. Ahora sí tenemos una clase de Adobe After Effects. Si te interesa aprender ese programa también, tal vez ya conozcas lo básico, eso es genial. En esta lección, sólo estoy tratando de mostrarles el Vínculo Dinámico entre los dos programas. Ahí vamos. Esto es lo que he creado, la pintura roja se establece por encima de la botella de pintura roja y está siguiendo eso bellamente, que sólo puedo hacer dentro de Adobe After Effects. Voy a golpear Control S para salvar este proyecto, volver a Premiere, y al instante verán aquí que también tenemos ese texto aquí dentro de Premiere. Ahora el único problema que se va a presentar aquí es que, siempre que vaya a hacer algo así como una corrección de color usando Lumetri, voy a aplicar eso a todo. Hagamos este tiro un poco más cálido. Ahora también notarás que el texto en sí también se vuelve más amarillo, lo cual no quiero. Yo quería conservar su color blanco. Lo que me gustaría ahora es que mi texto aquí estaría en la calma After Effects, y que puede clip seguiría siendo mi clip como lo tendría antes en Premiere, y que puedo hacer porque he duplicado mi clip en la línea de tiempo. Si vuelvo a After Effects, solo puedo desactivar el clip número 14, pero retener mis textos, que va a retener ese seguimiento de movimiento también, guarde eso, volver a Premiere. Ahora puedo simplemente seguir adelante y eliminar el efecto Lumetri de aquí, y hacer mi gradación de color Lumetri en el propio clip, hacerlo más cálido, sin tocar el texto, porque eso aquí se sienta en una capa diferente como puedes ver, y sigue siendo siguiendo ese camino. Una última cosa del Adobe After Effects Dynamic Link es que, siempre podrías hacer clic derecho en cualquier comp que tengas dentro de tu secuencia, y luego solo decir, Editar Original, que abrirá automáticamente Adobe After Effects de nuevo y te llevaré a esa comp. Definitivamente útil cuando tienes múltiples composiciones que están vinculadas a Adobe After Effects en tu línea de tiempo de Premiere. Está bien, voy a cerrar Adobe After Effects porque la siguiente y última función de Enlace dinámico que me gustaría mostrarles chicos es con Audition. Digamos que me gustaría realzar el audio de la entrevista de Gen X dentro de Adobe Audition, que es un programa dedicado para audio. Bueno, lo que entonces puedo hacer es simplemente seleccionar un sonido. Ahora automáticamente, también va a seleccionar los clips de video, pero si mantienes presionada la tecla Alt en tu teclado mientras estás seleccionando, realidad puedes seleccionar solo los clips de audio, luego simplemente haz clic derecho en él, igual que antes, y esta vez verás aquí una opción que dice Editar Clip en Adobe Audition. Se va a renderizar y reemplazar eso, abre Audition, y ahí tienes, ahora tenemos estos tres clips de audio dentro de Audition, y aquí podemos hacerle cambios. Por ejemplo, podemos hacer que todo sea un poco más fuerte, así. Hagamos eso por cada clip, y luego voy a guardar todo con sólo presionar Control S, y lo voy a hacer por cada clip por separado. Cuando voy a volver a Premiere, te darás cuenta aquí que también eso se actualizará y que mi audio se ha ganado. Junto a los archivos de video originales que se encuentran aquí en la carpeta de entrevistas, notarás que Audition ha extraído e importado el audio de esos archivos. Donde Adobe After Effects va a crear un After Effects Project, Audition en realidad solo va a crear archivos WAV a partir de tu audio, que puede utilizar dentro de Audition. No es necesario guardar un archivo de proyecto de Audition para eso porque solo va a funcionar en el audio raw, que es la extensión a.wav en este caso. Es decir, en pocas palabras, cómo funciona el Adobe Dynamic Link, que también funciona exactamente igual para Illustrator, Photoshop o la mayoría de sus aplicaciones, también. Muchas gracias por ver y nos vemos en la siguiente lección. 26. Corrección de problemas de audio: Pongámonos los auriculares. ¿ Saben qué significa eso? Significa que vamos a arreglar algo de audio. Aquí mismo tenemos a Yannick hablando otra vez de sus miniaturas y vamos a tener un escucharlo. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más a los pastores porque hay algo malo en ellos. Eso es bastante silencioso, vamos a ganar el volumen. Hay dos maneras de hacerlo. En primer lugar tenemos esta línea aquí mismo, que representa el volumen del clip. Podemos o aumentar eso o podemos bajar eso, haciéndolo más silencioso o también podemos hacer clic derecho en tu clip e ir a Audio Gain. El atajo para eso es G de ganancia y eso nos va a dar algo más de información. En la parte inferior podemos ver que nuestro Peak Amplitude se sienta como menos 14.2 decibelios y ese pico es el volumen más alto del habla de Yannick, que es probablemente este punto de aquí. Lo que podríamos hacer es seleccionar la opción Normalizado el Pico Máximo a cero decibelios. Automáticamente va a ganar todo el clip por 14.2 decibelios. Vamos a golpear OK, y como se puede ver aquí, la forma de onda ha aumentado de tamaño. Vamos a reproducirlo una vez más y notarás que el volumen es mejor ahora. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más a los pastores porque hay algo malo en ellos. Mucho mejor. Pero ahora estamos escuchando algunos otros efectos de acto, como el ruido y alguna cosa rara de reverberación. Arreglemos eso. Vamos al menú en la parte superior, selecciona Ventana y a partir de ahí Sonidos Esenciales, ese es un panel completamente dedicado a los sonidos, fijación, y el realce y todo. Exploremos esto, vamos a hacer un poco más de espacio para ese panel como este. Lo primero que va a preguntar es : “¿Qué tipo de audio es éste?” Yannick está hablando así que esto es diálogo. Entonces tenemos un par de pestañas, tenemos Reparación aquí arriba, tenemos Claridad, y Creativo. En la parte superior tenemos una función de ganancia automática, acabamos de establecer la ganancia a través del menú de ganancia de audio, pero también podríamos haberlo hecho por aquí solo haciendo clic en Auto Match. Automáticamente va a colocar el volumen de tu clip a donde debe estar el diálogo. Pero claro que eso es algo discutible como : “¿Cuál debería ser el máximo volumen para el diálogo?” Si estás trabajando para la televisión entonces tienen estándares específicos. Pero si estás haciendo un video para YouTube, no son realmente estándares ahí. Todo depende, pero vamos a hablar de la mezcla de audio en una lección posterior. Por ahora echemos un vistazo a cómo podemos arreglar los temas en el año. Vayamos a la pestaña Reparación. El primero que vemos es la función Reducir ruido. Ahora realmente no tenemos muchas opciones aquí, sólo podemos habilitar eso y simplemente aumentar o disminuir la función Reducir ruido y con poco ruido esto definitivamente funciona. Realmente nunca sugeriría bombear hasta tan alto, si realmente estás en ese tanto ruido, o intenta volver a grabarlo, o no lo reduzca tanto y simplemente deja un poco de ruido. Bajemos esto a alrededor de las dos, eso es más que suficiente, y volvamos a reproducirlo. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más Definitivamente mucho mejor, en realidad la función automática funciona bastante bien. Como viste sí tuvimos un poco de ruido, y al ponerlo en dos, ya es suficiente. A continuación se presenta una característica para Reducir Rumble, que son más las frecuencias más bajas. Piensa en que estás golpeando la mesa o algún sonido bajo de un refrigerador en el fondo está encendido, entonces puedes escoger eso aquí o estás teniendo problemas de frecuencias más altas, luego saca el DeHum, que básicamente va a eliminar cosas como una frecuencia de una luz LED en algún lugar, o alguna otra interferencia. Entonces tenemos el DeESs. Algunas personas tienen una S realmente dura, casi empiezan a silbar un poco. Si eso es demasiado duro, puedes habilitarlo aquí también. Pero de nuevo, asegúrate de que eso no esté bombeado demasiado alto. Nunca hagas eso. Siempre asegúrate de sentarte alrededor del valor de dos, y eso debería estar bien, vamos a escuchar. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora lo estoy. Bastante bien. A continuación se reduce reverberación o eco. Ahora básicamente no se puede quitar realmente el eco o la reverberación, porque cada vez que tu voz va a rebotar de una pared, vas a terminar con frecuencias similares, por lo que es muy difícil filtrar eso. Si sí tienes reverberación que te gustaría sacar de ella, como tenemos en nuestro ejemplo, podrías habilitar esa característica, pero nunca bombear eso. Vamos a bombear por un momento sólo para ver qué pasa. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora lo estoy. Como se puede oír, la voz de Yannick acaba de ser quitada por eso. Podríamos habilitar eso, pero sólo por un poquito, no demasiado. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más a los pastores porque. Como ya podemos escuchar ahora, que su voz empieza a escuchar más robótica por todas estas correcciones que estamos haciendo. Estamos quitando frecuencias para arreglar los problemas, pero eso también va a alterar la voz real de Yannick. En el siguiente paso con Claridad, vamos a tener que arreglarlo de nuevo. Se inicia con la función de Dynamics la cual va a reventar mucho más la voz. Definitivamente funciona bien, nuevo nunca bombearía esto bastante alto. Pero sólo poner esto en torno a las tres es bastante bueno. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora estoy cambiando más a. Ahora la dinámica es una característica que funciona en los clips individuales. Si tu resultado no es tan grande, lo que podrías hacer es dar click en Reanalizar para analizar el clip para que pueda hacer un mejor trabajo en eso. Podrías probar ir un poco más alto si quieres, así que solo retírelo, pero asegúrate de que estás exagerando otra cosa. A mí me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más a los pasatiempos porque. Ya ves que está consiguiendo esa voz sobre podcasts sintonizados ahora. Lo que quiero hacer es simplemente traer esto de vuelta un poquito más así. Lo siguiente que tenemos es el ecualizador, y eso básicamente va a aumentar el volumen de ciertas frecuencias o bajar eso. Lo que podríamos hacer es, por ejemplo, subir las frecuencias más bajas, subir más los tonos cálidos. En realidad hay un par de presets aquí, por ejemplo Presencia vocal. La voz se sienta más alrededor de 1000 kilohercios, por lo que también la va a bombear por ahí. Se puede ver un gráfico en la parte inferior justo aquí. Estos presets en realidad funcionan bastante bien. Si quieres afinarlos más, podrías entrar en tus Controles de Efectos porque cada opción que estamos habilitando derechos aquí en el panel Sonido Esencial, es en realidad solo un efecto que se está aplicando a tu clip, como puedes ver aquí. Aquí está ese ecualizador gráfico que se ha aplicado a mi clip desde aquí. Podemos pasar a Editar y en realidad cambiar la ecualización a tu costumbre. Si quisiéramos traer esos tonos más bajos dentro de la voz, podríamos hacer eso desde aquí, tal vez aumentar a 500 un poquito y sólo hay que escuchar cómo va eso. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más a los pastores porque hay algo malo en ellos. Esto está bastante bien. Ahora para quitarle el filo a esa voz robótica, lo que normalmente me gusta hacer aquí es entrar en la pestaña Creativa y en la parte inferior encontrarás Reverb. Sé que acabamos de llevarnos Reverb, pero lo que podemos hacer por aquí, en realidad es seleccionar una reverberación diferente. Tenemos la opción aquí en la parte inferior llamada Warm Voice, y eso va a añadir más de una reverberación cálida a tus sonidos. Por lo general no quieres tener eso demasiado. Nuevamente, un poco alrededor de los dos podría ser suficiente, escuchemos. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más a los pastores porque hay algo malo en ellos. Esto se ve bastante bien. Ahora esto está oyendo Bastante bien. Definitivamente si sabemos de qué venimos, escuchemos lo que teníamos antes. Voy a seleccionar la pista de audio aquí y duplicar eso a una pista más baja y desde aquí voy a hacer clic derecho, cabeza a la parte superior aquí, Remove Attributes y solo di que quite todos estos efectos de sonido aquí mismo, pulsa OK. Desafortunadamente, no podemos silenciar los efectos aplicados a esto, que solo funciona para efectos de video por eso tenemos que hacerlo así si quieres escuchar el antes y el después. Del lado izquierdo aquí de nuestras pistas de audio, tenemos la opción de dar click en la S de pista en solitario. Ahora sólo se escuchará esta pista de aquí mismo. Tengamos una escucha. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más a los pastores porque hay algo malo en ellos. Tenemos algo de reverberación, tenemos algo de ruido, no lo que queremos tener. Hagamos ahora una escucha a lo que tenemos ahora mismo. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más a los pastores porque hay algo malo en ellos. Todavía es un poco robótico y eso tiene puramente por la eliminación de ruido, siempre vas a tener eso cuando tienes ruido pesado. Esto es bastante bueno y por supuesto, lo último que me gustaría mencionar, déjame simplemente eliminar aquí la otra pista de audio, es que siempre que tengas que arreglar tanto tu audio, es que también puedes cubrirlo un poco por simplemente agregando algo de música debajo. Simplemente toma cualquiera de estos, arrástrelos a la pista de abajo, disminuyó el volumen de eso a alrededor de 26 y vamos a escuchar ahora. Al principio empecé con el elfo alto porque me gustan mucho los elfos, pero ahora me estoy desplazando más a los pastores porque hay algo malo en ellos.. Mira eso por casi olvidar lo robótico que suena Yannick. Eso es en pocas palabras, las herramientas esenciales de audio. En las próximas lecciones, vamos a echar un vistazo más sobre cómo hacer una mezcla de audio con efectos de sonido, música, diálogo, y todo eso. Gracias por ver. 27. Mezcla de audio, música y diálogo: Sé lo que están pensando chicos, debería cortarme el pelo, lo sé. Definitivamente quiero pero sigo esperando esa actualización. Si Adobe sale con una actualización de corte de pelo, definitivamente lo haré. Solo echemos un vistazo al elenco de la pantalla. Lo que tenemos aquí mismo es una sencilla edición de la afición de Yannic. Está hablando de sus miniaturas y ahora las pinta. Tenemos alguna entrevista y lo que voy a hacer ahora es colocar una canción debajo de eso, algo de música. Hay algunas pistas musicales dentro de los archivos del proyecto para que podamos seguir adelante y marcarlas, también podemos usarlas porque estas son libres de regalías. Sólo voy a escoger uno y arrastrarlos a la pista de audio número 2 que he llamado Música. Voy a recortar este audio o este clip musical hasta aquí, borrar las partes correctas y voy a desvanecerlo en los extremos golpeando Shift D. Ahí tienes. Ahora lo que quieres hacer es crear una mezcla de audio adecuada. Aquí en mi ojo. Lo que quieres hacer es hacer una mezcla de audio adecuada. Básicamente, eso significa que toda la música para dialogar a efectos de sonido tienen cierto volumen entre sí para que estén en armonía juntos para que sean agradables de escuchar pero también que tengan sentido. Este ejemplo muy sencillo de que la música debe bajarse en volumen desde el momento en que Yannic empieza a hablar aquí. Para ello, podemos seleccionar el clip musical y aquí dirigirnos a los paneles Essential Sound y luego seleccionar tipo de audio que en este caso en música y aquí encontrarás una opción llamada Ducking. Audio Ducking es lo que se llama esta técnica. Podríamos hacer esto manualmente simplemente agarrando la herramienta Pluma de nuestra caja de herramientas o presionando la tecla P en nuestras palabras clave. Entonces solo crea fotogramas clave así, solo tira del volumen aquí abajo. Esta línea siempre representa el volumen por valores predeterminados y tire de eso aquí arriba. Estamos eludiendo el audio aquí mismo mientras Yannic empieza a hablar, vamos a escuchar eso. Mi afición es Señor de los Anillos juego de batalla de estrategia y es un juego de mesa donde tienes miniaturas de los personajes de Señor de los Anillos y puedes recrear las batallas de la película y el libro por supuesto. Pero también necesitas pintarlas. Ahí vamos, algún bonito audio pateando. Ahora voy a deshacer todas mis acciones aquí mismo porque esto se puede hacer automáticamente con esa función de auto ducking. Ahora, antes de que podamos empezar a usar la función aquí mismo, primero vamos a tener que decir a que queremos agacharnos esto contra. Ya está configurado por defecto para agacharse esto contra clips de diálogo. Pero para poder contar desde aquí cuáles son los clips de diálogo, primero hay que asignarlos. Lo que voy a hacer a continuación aquí es seleccionar todos mis clips de diálogo así y para el tipo de audio aquí y el sonido esencial voy a guardar esto aquí como diálogo. Ahora solo puedo volver a mi pista musical y lo que voy a seleccionar para generar los fotogramas clave aquí en la parte inferior lo hará automáticamente como podemos ver aquí en la línea de tiempo. Si piensas que la transición aquí mismo debería tardar más, puedes cambiar estos valores aquí dentro, que es el destino en este ejemplo. Vuelve a generar fotogramas clave y verás que el destino aquí lleva más tiempo ahora. También puedes agachar la cantidad más o menos si así te gusta y de nuevo generará sus marcos clave para eso. Esta es otra forma de mezclar tu audio, que es más automático en este caso. Te voy a mostrar un ejemplo más porque hay tres formas en las que realmente podemos mezclar nuestro audio y todos tienen su preferencia. Por eso les estoy mostrando los tres ejemplos. Deshagamos las acciones aquí mismo. Para nuestra última técnica en realidad no necesitamos los paneles de Sonidos Esenciales, por lo que podemos simplemente seguir adelante y cerrar eso. Lo que voy a hacer ahora es dirigirme al menú en tops como la ventana y desde su búsqueda del Mezclador de pistas de audio. Aquí mismo podemos ver que cada controlador representa una pista dentro de nuestra línea de tiempo. Entonces tenemos la entrevista de audio que es la primera pista, tenemos música, en la que tengo mi clip musical, audio 3, 4 y así sucesivamente. Todo controlador tiene un control de volumen que podamos bajar el volumen para toda esa pista. No importa, no es necesario seleccionar ningún clip para eso, estamos trabajando en el nivel de pista aquí mismo. Verás en solo un momento por qué eso es tan interesante. Algo que podemos hacer con esto aquí es hacer una grabación en vivo de nuestra mezcla. Para ello, solo tenemos que seleccionar aquí del menú desplegable en la parte superior. En lugar de leer de esto vamos a escribirle. Una vez que eso se haya establecido, en realidad ahora puedo ir al principio de mi línea de tiempo y empezar a reproducir mis ediciones y en tiempo real ajustar el volumen. Entonces hagámoslo. Mi afición es Señor de los Anillos juego de batalla de estrategia y es un juego de mesa donde tienes miniaturas del personaje de Lord of the Anillos y puedes recrear las batallas de la película y del libro por supuesto. Pero también necesitas pintarlas. Detente, ahí vamos. Ahora podemos volver a ponerlo de nuevo para que se lea si así te gusta. Si vamos a jugar esto de nuevo en realidad te darás cuenta de que este deslizador de aquí mismo será animado. Mi afición es El Señor de los Anillos juego de batalla de estrategia. Mira eso, esas acciones se han registrado. Ahora bien, ¿dónde están los marcos clave de esos? Bueno, si vamos a echar un vistazo aquí atrás en nuestra línea de tiempo, encontrarás aquí en el lado izquierdo un menú Mostrar fotogramas clave. Actualmente se establece en Mostrar los fotogramas clave del clip. Pero dije antes que estamos trabajando a nivel de pista así que lo que vamos a hacer aquí es mostrar los fotogramas clave de pista del volumen. Al seleccionar eso, ahora podemos ver los fotogramas clave que se generaron automáticamente mientras estábamos tirando de este deslizador hacia arriba y hacia abajo. Ahora cuál es la parte interesante de esto es porque estamos trabajando a nivel de pista. Eso significa que si eliges escoger una canción diferente, de la forma en que podemos hacerlo, podemos volver aquí a los fotogramas clave del clip, podemos seleccionar nuestro clip hacia atrás, eliminar esa canción. Toma por ejemplo algo más como Inspirational luego vuelve a ese menú y cámbialo de nuevo a Track Keyframes Volume. Ya verás que retendrá esos fotogramas clave porque de nuevo, estamos trabajando a nivel de pista y no en el clip. Entonces podemos cambiar todo lo que tenemos aquí mientras va a retener sus fotogramas clave, lo cual es bastante genial. Como probablemente puedas decir, prefiero usar más del mezclador de pistas de audio por esa razón exacta en la que solo puedes intercambiar tus clips entre medias. Está bien, el pelo está de vuelta. Eso es genial. Entonces preparémonos para la siguiente lección. Gracias por ver. 28. Consejos y trucos de diseño de sonido: Efectos de sonido, empecemos con eso. De nuevo, ponte los audífonos y vamos a escuchar. Lo que tenemos aquí mismo es una sencilla edición de hacer Génico. Esta cosa otra vez, tenemos algunos lindos remapeos finos pasando ahí dentro, y algunas acciones bonitas también, donde podemos colocar algunos sonidos. Dentro de tus descargas, también encontrarás una carpeta de sonido dentro de un montón de efectos de sonido. Cada clip tiene un nombre, por lo que solo puedes ver la acción que quieres reproducir el efecto de sonido. A mí me gusta, por ejemplo, aquí está escogiendo botellas de pintura, y eso es justo aquí, recogiendo botellas de pintura. Ahí hay múltiples sonidos, por lo que solo puedes tener un escucharlo. Comienza en punto final, punto de salida, solo escoge una determinada pieza de ella y colócala debajo de tus ediciones. Importante es que por supuesto, vas a sincronizar las acciones. Si algo sucede fuera de pantalla, no es tan importante que no esté sincronizado. No obstante, siempre que vaya a recoger cierta botella, va a ser importante esa es la acción está cantando, claro. Entonces podemos ver claramente aquí que está recogiendo una botella o al menos tocándola, así que ahí mismo podemos colocar uno de esos sonidos aquí. Se puede ver un pico dentro del audio para sincronizarlo en ese punto. Tengo un montón de estos clips de sonido debajo de ese videoclip, vamos a escuchar ahora. Eso definitivamente está sincronizado. No obstante, todavía hay algo malo con la mezcla. Siempre que vayas a agregar unos efectos de sonido específicos a una acción, también mira lo fuerte que debe ser esa acción. Por ejemplo, aquí mismo, Gen está recogiendo una botella de pintura o simplemente tocando una suavemente. Pero el sonido es bastante fuerte en comparación con los otros sonidos. Tengamos una escucha. Lo que voy a hacer aquí, es con esta moto, voy a mezclar eso hacia abajo, así. Esto ya lo hemos visto anteriormente, cómo funciona esto. Esto podría ser un poco mejor ahora. También algo para recordar es que la acción que Genic está haciendo aquí mismo está mucho más lejos de la cámara ya que está recogiendo las botellas de pintura aquí mismo. Aquí estamos más enfocados en su acción, por lo que esto puede ser un poco más fuerte que el resto. Se ve bien. Entre aquí, tenemos estas partes reenviadas rápidas, y también podemos agregar un efecto de sonido específico a eso. Eso se llama interruptor, algo muy popular utilizado dentro del diseño de sonido. Tenemos un par de interruptores aquí mismo, por ejemplo, este swish corto, escuchemos. Suena un simple swoosh. Añadamos eso aquí en el medio. De nuevo, escuchemos. Tiene sentido, pero no suena tan bien. Es un swoosh bastante robótico. No suena bien. Aquí tienes un consejo muy rápido que te puedo dar. Si encuentras efectos de sonido de baja calidad que no están bien inclinados, no suena exactamente bien, lo que podrías hacer, realidad es simplemente usar tu herramienta de estiramiento de velocidad desde una barra de herramientas y estiras eso unos pedacitos. Eso cambiará el tono de ese clip y también lo hará un poco más largo. Hagamos una escucha ahora. A lo mejor eso suena bien. Es un poco más profundo. A lo mejor lo estiras un poco más. Bastante bien. Hagamos también esto sutil. No es un gran movimiento, así que hagámoslo sutil. Apenas terminó el parece ser como un poquito de vientos que llegan a través de los movimientos de la cámara. Más que suficiente. Mira eso. Un buen swoosh. Ahora, lo genial de usar la herramienta rates stretch también es que, una vez que vas a usar el mismo efecto de sonido varias veces a lo largo de tu edición, puedes hacerlos parecer diferentes, para que no sienta que estás usando exactamente el mismo sonido efecto cada vez más. Este, me voy a estirar no tanto como el anterior, y de esa forma consigo un sonido de swoosh completamente nuevo. Si el sonido diseñó una pequeña parte de esta edición, el resto depende de ti. Vamos a escuchar cómo va esto, y qué más que podamos mejorar al respecto. Ahora, una cosa a la que prestar atención, es que lo que vas a sonar diseño es edición específica sin usar música, significa que terminarás con espacios de deuda como aquí en el medio. Aquí mismo, no tenemos absolutamente ningún sonido. Eso no debería ser, siempre debe haber algún sonido. Lo que hay que hacer aquí, es agregar un ambiente global, o también llamado tono de habitación, que básicamente es solo una grabación de la sala silenciosa. Cada habitación tiene cierto tono, cierta voz que escuchamos. También está presente en las grabaciones sonoras aquí mismo, pero se detienen una vez que cortamos un clip. Para una habitación interior, va a ser algo muy sutil, cuando estás afuera, puedes por supuesto jugar mucho más con eso, como las aves de fondo, los vientos, las hojas de un árbol. Si tu perspicacia efecto tres, podríamos usar sonidos de máquinas corriendo en un fondo lejano. Podemos jugar mucho más con eso. Si estás dentro de una habitación que realmente no tiene una característica específica, como estamos en. Bueno, lo que tengo aquí mismo es sólo un clip de tono de habitación silenciosa. Básicamente lo que estamos escuchando aquí, es sólo un ruido. Al igual que un fan o algo que está pasando en fondos. Ahí vamos. Tono de habitación. Entonces esto es algo que podemos poner globalmente debajo de todo el resto, así. Ahora, claro, esto va a ser bastante ruidoso. Voy a disminuir el volumen de eso. No lo sé, quizá menos 24 o algo así, y sólo hayamos escuchado. Ahí vamos, podría ser aún un poco demasiado. Puede ser súper sutil. Es solo para romper esas partes súper silenciosas. Ahí vamos. No estoy seguro si ustedes pueden oírlo a través de mi grabación, pero está ahí. Se pueden abrir los archivos del proyecto. Por lo que sabemos que un efecto de sonido debe tener un volumen específico. Si una acción ocurre muy lejos, entonces ese volumen debería ser menor que una acción que sucede más cerca de la cámara. Ahora qué pasa con reverberación. Porque estos efectos de sonido son grabados bastante cerca de la acción. Como aquí donde Genic está sacudiendo sus pinturas. Esa es una acción que está más alejada de la cámara. También es mucho más fuerte, por lo que debería tener un poco más de reverberación. Bueno para hacer eso, simplemente selecciona tu clip de efectos de sonido y desde el panel de sonidos esenciales, vamos a hacer clic en efecto de sonido como el tipo de audio esta vez. En pestaña radiativa impredecida, encontrarás una opción de reverberación. Puedes elegir entre pesado, ligero afuera, o reverberación de habitación. Por lo general la reverberación de las luces va a ir bien. Tengamos una escucha. A lo mejor eso aún era demasiado. Bajémoslo aún más. A lo mejor eso funciona. Da algunas características más a la habitación que es Genic. También puedes probar algunos otros tipos de reverberación como reverberación de habitación si así te gusta. Ahora, una cosa que me ha molestado es que al final de este clip, se ha cortado este sonido, lo cual es correcto, porque estamos cortando a un clip nuevo, pero a través de reverberación también lo es, y eso simplemente no suena tan bien. Lo que vamos a hacer aquí es asegurarnos de que hayan cortado los sonidos de ese temblor de la pintura, pero no la reverberación. Ahora para hacer eso, primero vamos a recortar ese es clip más largo, así, y luego vamos a tomar la herramienta de lápiz para dibujar un punto de fotograma clave en el volumen de ese clip de audio, y vamos a bajar el audio aquí todo el camino a menos infinito justo después de ese primer fotograma clave. Esto sería lo mismo que cortar el clip. Pero te darás cuenta, que el tirón de reverberación continuó cierto. Tengamos una escucha. Justo como ejemplo, voy a poner esto reverberación pesada y simplemente bombear eso para que podamos escucharlo mejor. Esa bonita bonita.Esa reverberación simplemente sigue adelante. Volvamos a poner esto de nuevo a algo más natural. Creo que en la reverberación de luz fue en realidad mejor. Vamos a añadir un poco de eso. No demasiado. Ahí vamos. También podemos hacer eso con otros sonidos también. Al igual que por ejemplo, aquí estamos Gen recoge como estos para pintar botellas. Si quieres añadir alguna reverberación que eso definitivamente es posible. Da algunas características más a la habitación. Ten cuidado aunque no añadir demasiada reverberación. Porque después de todo, la reverberación también se ve como un error en el audio. Ten cuidado al hacer eso. Pero por supuesto, algunas luces reverberan, no demasiado, nunca pueden doler, le da algunas profundidades más. Ahí vamos. Hablando de dar más característico a un efecto de sonido, también puedes hacerlo con tu tono de raíz o tu ambiente. Al seleccionar ese clip aquí en la parte inferior, puedes ver que tenemos algún sonido esencial, también un tipo de audio para ese ambiente aquí en la parte inferior, y verás aquí que también tenemos de nuevo esa opción de reverberación, y se añadirá un reverberación específica para ambientes como exteriores, habitación grande o ambiente de habitación. Saquemos el ambiente de la habitación grande y verás cómo suena eso. Eso definitivamente le dan un poco más de cuerpo a ese tono de habitación. A lo mejor quiero bajar esto un poco más. Lo que Adobe nos está sugiriendo en realidad aquí, si vamos a hacer clic en auto match, es que vamos a mezclar esto a menos 30 decibelios. Por supuesto, eso va a depender del proyecto o del video en el que estés trabajando. Siempre comprueba que es cómo está tu ambiente. Pero esto se está juntando bastante bien. Ahora por supuesto, lo que sí decides dos agrega música a un video de diseños de sonidos, con lo que tienes que prestar atención, es la mezcla otra vez. Yo sólo estoy aquí inspiración como el clip musical en general. Ya que no hay diálogo, podríamos suponer que podemos mantener al máximo el volumen de la música, pero entonces ya no escucharemos nuestros efectos de sonido. Entonces en este caso, sugeriría bajar esto un poco más a menos 15 o algo así. Tengamos una escucha. Te darás cuenta de que una vez vamos a añadir música que algunos efectos de sonido están cayendo, como los sonidos swoosh aquí mismo. Podemos aumentar esos volúmenes. Ahora, vamos a mezclarlos contra la música esta vez. Ahí vamos, ya están regresando. Simplemente manténgalos sutiles. ve bien. Quiero decir, escuchar bien. Eso es todo sobre cómo trabajar con efectos de sonido. Básicamente solo asegúrate de que siempre están sincronizando con las acciones que mezclas el volumen correctamente con acciones que suceden lejos o más cerca de la cámara. También, eso son cosas como los swooshes son lentos, extremos que puedes jugar con esta herramienta de estiramiento o con la reverberación para agregar algunas características más a los sonidos. Muchas gracias por volver a ver, y nos vemos en la siguiente lección. 29. Sincronizar audio y video: ¿ Sabes lo que odio? Cuando tu audio no está sincronizado con tu video. Echemos un vistazo en Premier cómo hacer eso. Dentro de la carpeta Entrevista encontrarás dos clips, uno es video de entrevista y el otro es audio de entrevista. Esta es una parte separada que hemos rodado donde audio de Jannick está conectado a una grabadora externa, algo que sucede muy a menudo. A través de este clip de aquí, podemos escuchar el audio de Jannick es a través de la cámara, no es bueno, no queremos eso. Queremos utilizar el audio de este clip aquí mismo. Hay un par de formas de hacerlo, sincronizar el audio con el video. Hemos visto en la lección multicámara cómo hacer eso. Porque en cierto punto aquí Jannick aplaude en sus manos, ese es un punto claro que podemos usar para sincronizar estos dos clips. Se puede ver aquí en el video también, allá vamos. Pero si tienes cientos de clips con los que empezar a editar, va a tardar mucho tiempo en buscar ese punto donde tu talento aplaude su mano, establece un endpoint, luego haz eso exactamente mismo con tu audio también, trae esos dos en la línea de tiempo así, y luego esperar lo mejor que tu audio esté sincronizado. Con Premier Pro, también contamos una función automática para sincronizar automáticamente estos dos. Siempre y cuando no tengas demasiado ruido circundante, funciona bastante bien. Echemos un vistazo a cómo podemos hacer eso. Voy a borrar estos dos. Simplemente selecciona los dos clips que te gustaría sincronizar juntos, haz clic con el botón derecho y pasa a “Fusionar clips”. A partir de aquí, puedes darle a eso un nuevo nombre si así lo deseas o simplemente mantenerlo con fusionar detrás de él. Asegúrate de que vas a sincronizar esto por audio. No digas Punto de entrada o Punto de salida, ni nada por el estilo, Elige Audio. En la parte inferior, lo que me gustaría hacer aquí es también asegurarme de que he comprobado Remove Audio From AV Clip. Eso significa que vamos a quitar el audio del video clip, que es sólo el sonido de la cámara interna, que no necesitamos, por eso voy a elegir eso. Eso es más o menos. Simplemente presiona “OK” y aquí se creará un nuevo archivo, el clip fusionado. Básicamente, podrías seguir adelante y borrar estos dos aquí mismo, o lo que me gustaría hacer también, es esconderlos. Haga clic derecho, y a partir de ahí elija “Ocultar”. Por defecto, no tiene una clave corta pero puedes ponerte una para ti si quieres, por ejemplo, Control H, eso depende de ti. Eso mantiene limpio tu panel de proyecto y siempre que quieras volver a tus archivos fuente, siempre puedes volver a hacer clic derecho y decir “Ver oculto”, lo que los volverá a revelar. Para volver a ocultarlos, haga clic con el botón derecho en un espacio vacío y desmarque Ver Oculto. Ahora mismo, simplemente podemos seguir adelante y arrastrar ese clip a la línea de tiempo, y verás que sólo tenemos ahora el audio de ese archivo de audio y debe sincronizarse. Realmente depende de los perfiles para los personajes. Cada personaje tiene su propio perfil, tú tienes la fuerza, tienes la defensa, tienes- Mira eso. Eso ya era. Una lección muy corta, pero sí espero que hayas aprendido algo nuevo para sincronizar a través del audio. Muchísimas gracias por ver. 30. Vista previa del procesamiento: Hola. Buenos días. Yo sólo estaba despertando. Eso es lo que pasa con vivir dentro de Premiere. Nunca se sabe cuándo regresa el editor. Sigamos. Echemos un vistazo a la vista previa. Lo que tengo aquí mismo, en lado Premier es un simple clip de ganic, y le he aplicado un efecto. Se puede ver aquí que mi computadora tiene algunos problemas para reproducirla, sí se reproduce, pero es bastante Sharpie y eso es por ese efecto aquí. Le he aplicado algo llamado efectos de iluminación, que amplifica esa luz aquí. Aquí mismo, acabo de conseguir un clip normal, y en la parte superior se puede ver esta línea de color con uno su rojo y con el editor es amarillo. Rojo significa que mi computadora no puede reproducirla en tiempo real por ese efecto que se le aplicó. El Clip Amarillo sí significa que premier es capaz de reproducirse en tiempo real, pero aún no se ha renderizado. Todavía no hemos creado una vista previa a partir de ella. Para empezar a renderizar, todos sabemos qué hacer, basta con presionar retorno y Premiere comenzará a renderizar. Básicamente solo va a exportar este material en nuestra línea de tiempo en segundo plano a un videoclip real, y cuando termine, notarás que este clip aquí ahora tiene una línea verde en la parte superior, lo que representa que este clip ha sido renders. El clip número siete aquí no está renderizado, y eso es porque cuando estoy golpeando retorno en mi teclado, y podemos ver que aquí atrás en el menú también Secuencia, el retorno está mapeado para renderizar efectos dentro y fuera. Cuando elegimos renderizarlo y salir, simplemente renderizará todo independientemente de si tiene efectos aplicados a él. Entonces al hacer eso, etiquetará todos los clips con esa línea verde. Entonces hay algo muy importante que decir sobre estos archivos render o previsualizaciones que se crean. En el inicio de esta clase, hemos visto con la configuración de nuestra secuencia, f harías clic derecho en ella e irías a ajustes de secuencia que podemos encontrar aquí en la parte inferior estas previsualizaciones de video y hemos estado hablando de eso, y hay algo a destacar aquí es que podemos cambiar el códec de estas exportaciones. ¿ Por qué es importante esto? Bueno, por dos razones. En primer lugar es para una reproducción suave, porque podemos ajustar esto a un códec pesado, una resolución grande, y que aún introducirá la reproducción entrecortada después del render, y eso es lo primero. El segundo es que una vez vamos a exportar nuestros videos, así que dirígete a File Export Media. En realidad tenemos una opción aquí en la parte inferior que dice usar previsualizaciones, y que en realidad usará esos renders dentro de sus exportaciones finales, lo que podría acelerar drásticamente el tiempo de renderizado, y eso está todo bien y bien. Pero si hemos estado renderizando a un códec de mala calidad a una baja resolución, es mejor no usar esos como previsualizaciones para las exportaciones finales. Volvamos a la configuración de nuestra secuencia aquí. Echemos un vistazo a las previsualizaciones de video. Ahora básicamente, tenemos dos tipos de códecs. Tenemos los códecs con pérdida y tenemos los códecs sin pérdida. Códecs Lossy significa que vamos a tirar a la basura algo de calidad de nuestro video fuente. Estamos degradando la calidad, haciendo tamaños de archivo más pequeños, lo cual es bueno para vistas bonitas y todo, pero no para usar esas vistas previas para las breves exportaciones finales. Para eso querrás usar códecs sin pérdida. Estos son códecs los cuales también van a comprimir tu video, pero sin tirar calidad. Normalmente, cuando quieres usar las vistas previas para tus exportaciones finales, quieres asegurarte de usar esos códecs sin pérdida. Veamos cuáles son esos. Estamos editando trimly dentro de los presets DNXHR, por lo que eso significa que también tenemos sólo los disponibles aquí como los formatos de archivo de vista previa. No obstante, podemos cambiar eso aquí arriba a algo como la costumbre, lo que nos da todas las opciones aquí. Básicamente, aquí sólo hay dos formatos con los que vas a trabajar. El primero es el iframe solo mpeg y el segundo va a ser QuickTime. Bajo la opción iframe, no tenemos otros códecs para elegir. Es sólo mpeg. Bajo los formatos QuickTime, sí tenemos algunos códecs entre los que podemos elegir, y típicamente vas a ir por Apple Prores o DNXHR, DNX HD, que es similar a los prores, pero luego para los anuncios, en realidad, se don en realidad no hace mucha diferencia. Pero ahora, ¿qué formato debemos elegir? Bueno, eso todo depende de tu propósito. En primer lugar, y en segundo lugar, con qué cámara has estado usando para disparar tus archivos fuente. Si has estado filmando con tu teléfono, bueno entonces no sirve de nada actualizar eso a algo así como un códec de prores lo que significa que no puedes hacer algo mejor en calidad. Una vez disparado y comprimido, eso es con lo que tienes que trabajar. Pero si has estado filmando con una cámara de cine de gama alta, como una cámara roja, bueno, definitivamente no quieres comprimir eso en un códec mpeg porque vas a tirar la calidad. Ahora si no estás seguro como regla de oro, típicamente siempre voy por el QuickTime y luego simplemente elijo el códec, DNXHR. No pierdes ninguna calidad con este códec, y si tu exportación final va a ser compartir eso en línea, como en YouTube o con tus amigos a un cliente o a un colega, que ese códec te va a salir genial. Nunca podrás aumentar la calidad de tu video. Sólo se puede disminuir eso. Sólo ten eso en cuenta. Ahora, todo lo que he estado diciendo aquí solo aplica si estás usando las vistas previas en tu exportación final. Si decides no usar eso, realmente no importa qué tipo de códec escojas entre, voy a restablecer la resolución de las vistas previas para devolverlo a la misma resolución que mi configuración de secuencia. Pero si tu sistema tiene problemas para reproducir una resolución de cuatro K, entonces no sirve de nada configurar tus previsualizaciones de video en eso. Lo que haría entonces es establecer una resolución más baja. Yo sólo voy a escoger algo drástico aquí, como por ejemplo 250, golpear OK y como estoy cambiando mi configuración de vista previa, va a decir que va a eliminar las anteriores. Entonces sí, estoy de acuerdo con eso, y verás que este clip aquí necesita ser re-renderizado ahora, pero vamos a ver qué pasa. Voy a renderizar de nuevo, y ahora va a renderizar este video con esa resolución muy baja, que tiene el lado positivo de mí poder reproducir ese clip súper rápido porque es súper pequeño y súper bajo en calidad. Pero claro, esto es algo que no podemos usar en las exportaciones finales. Por lo que esto es genial cuando estás editando, todo irá rápido en tu sistema. Pero cuando voy a volver a File Export Media, definitivamente no puedo comprobar para usar anterior ahora. Entonces eso es en pocas palabras, cómo funcionan las vistas previas. Tengan en cuenta, chicos, ¿cómo van a usar sus previsualizaciones? ¿ Vas a usar eso para una reproducción más rápida en tu línea de tiempo? ¿ O en realidad vas a usar las vistas previas para tu exportación final? Es muy importante en la decisión de qué códec usas y resolución, claro, muchas gracias por ver, y te veré en la siguiente lección. 31. Trabajar con proxies: Una de las mayores frustraciones del editor de video que puede tener es la reproducción lenta. A pesar de que las actualizaciones de una computadora podrían parecer una buena idea, no siempre es la mejor idea. Hay algunas soluciones para eso y Premiere incluso ha pensado en algo, y eso se llama edición de proxy. Básicamente lo que tengo aquí en mi carpeta de proyectos son cinco clips del B-roll y dicen que estos son bastante pesados. Estos son archivos de resolución 5K. Por lo que tengo problemas para volver a jugar eso en mi computadora. Lo que puedo hacer es en realidad ahora solo tienes que hacer clic con el botón derecho en esa carpeta entera, pasar al proxy y a partir de ahí, elegir “Crear proxies”. Aparece una ventana y vamos a tener que volver a elegir unos formatos. Entonces básicamente lo que Premiere va a hacer es crear copias de tus clips fuente, pero luego en un tamaño de archivo mucho más pequeño y de menor resolución. Nuestros dos formatos que podemos elegir entre el H.264 o el QuickTime. Si bien H.264, que es un códec muy común, es ideal para compartir en web como en YouTube o para enviarlo a un cliente o algo así. No es un códec ideal para editar con, acabarás sino un pequeño tamaño de archivo que seguro. Pero Premiere tiene problemas para descodificar eso y administrarlo dentro de Premiere. Entonces lo que sugeriría es ir por un QuickTime y luego elegir los preajustes de proxy de progreso de baja resolución. Terminarás con un tamaño de archivo más grande, pero Premiere es capaz de manejar esos archivos mucho más fácil. Selecciona esa, y luego vamos a tener que elegir dónde nos gustaría guardar esas copias. Lo que suelo recoger es guardar eso junto a los medios originales en una carpeta proxy. Entonces con eso seleccionado, solo presiona “" Ok”. Media Encoder el programa que chips junto con la instalación de Premiere arrancará y automáticamente va a importar esos clips y comienza con las exportaciones de esos proxies. Realmente no hay nada de tu lado que se tenga que hacer. Todo está sucediendo de forma automática y solo tienes que esperar hasta que esté hecho. Media Encoder se hace con su procesamiento, así que simplemente podemos seguir adelante y cerrar ese programa en carpeta Senior Project que nada cambió mucho, y eso es lo genial de estos proxies. Ya podemos seguir adelante y empiezas a añadir clips a tu línea de tiempo, así. Sólo voy a añadir unos cuantos aquí así, y sigo trabajando en los archivos originales y puedo decir porque la reproducción, no va a ser tan suave probablemente o lo sea. Agradable, tengo una buena computadora eso es seguro. De todos modos, veamos cómo podemos cambiar ahora a los proxies. Si hacemos click aquí en el editor de botones desde el monitor de programa, encontrarás un botón ahí dentro llamado Toggle Proxies y debería verse así. Solo tienes que arrastrar eso a tu diseño también, pulsa “Ok”. Siempre que vamos a habilitar eso ahora haciendo clic en un botón, desde aquí ahora vamos a apuntar en realidad todos nuestros clips en una línea de tiempo a esos proxies o a las copias de sus archivos fuente originales. Tu reproducción debería ir mucho más suave ahora mismo. La calidad será un poco menos, pero no tan notable, lo que sigue siendo genial para hacer cosas como las correcciones de color. solo puedas seguir haciendo tu edición de esta manera en los proxies, y siempre que sientas que quieres mirar hacia atrás a los originales, siempre puedes descomprobar ese botón y mirar los originales. Se puede ver que ahora que la reproducción va mucho más rígida. Ya no va tan suave porque aquí estoy trabajando en los archivos originales. Entonces ahí lo tienes, una forma de acelerar tu flujo de trabajo, y por cierto si volvemos a nuestro explorador ahora, en la carpeta B-roll, verás que la carpeta proxies se ha creado aquí con esos proxies dentro. Muchísimas gracias por ver y te veré de nuevo en la siguiente lección. Mira lo rápido que va esto. 32. Opciones de exportación: Aquí está chicos, la edición final de mi video, cómo pintar como un profesional, presentando a Genic. Ahora es el momento de exportar este video para que podamos mostrarlo a los clientes. En lugar de que puedas empezar a hablar basura sobre ello y enviar un montón de puntero. Veamos cómo podemos exportar este video aquí. Ya hemos visto que antes, podemos dirigirnos a “Archivo”, “Exportar” y luego golpear a “Medios”. En la parte superior derecha, podemos elegir un tipo “Formato”, y básicamente hay dos tipos de formatos, no voy a pasar por todo aquí creo que eso es simplemente ridículo. Les voy a mostrar los dos tipos de formatos a los que suelo exportar y el primero va a ser el H 264. Este es el formato más utilizado a nivel mundial, y eso es porque es compatible con la mayoría de dispositivos por ejemplo, colocas tu video en una memoria USB y luego puedes conectarlo a tu televisor, probablemente sea capaz de leer que H 264 formatos o subes tu video a YouTube o a Vimeo, o simplemente lo vas a enviar a un amigo, a un colega, o a tus clientes. Se trata de un tamaño de archivo pequeño, que es genial sin embargo aún conserva una alta calidad y por eso es tan popular. Ahora desde dentro de Premiere Pro, en realidad tenemos un montón de presets entre los que podemos elegir, y honestamente estos presets son bastante buenos, y el que yo normalmente solo escojo aquí es el preajuste “Match Source - High bitrate”. Básicamente todos estos presets aquí son exactamente los mismos solo que la resolución cambia a menudo y la tasa de bits por ejemplo, si voy a escoger un 720 P, “Exportaciones de Alta Calidad”, bueno entonces mi resolución es a veces más pequeña. A veces quieres eso, entonces puedes sacar ese preset de aquí. Otras veces no lo haces y solo quieres exportar la resolución de tu secuencia inicial, por lo que en ese caso, solo puedes escoger el Match - Source High bitrates. Como puedes ver aquí con el toque de video aquí en la configuración de video, la resolución también coincide con mi fuente así para la velocidad de fotogramas y todo lo demás. Si no estás seguro de eso, también puedes hacer clic en el botón “Match Source” y automáticamente configurará eso a tu configuración de fuente, pero luego desplazarte un poco más allá aquí hay algo interesante. Tenemos un ajuste de rendimiento y para eso creo que necesitas una tarjeta gráfica NVIDIA, lo tenemos para poder seleccionar la codificación de hardware desde aquí, lo que en realidad acelerará un montón la exportación. Si no tienes esa opción, solo tener codificación de software y eso es lo que tienes que ir para exportar será un poco más lento. Cualquier forma de seguir adelante, también tenemos aquí en la parte inferior deberíamos encontrar los ajustes de velocidad de bits, por lo que estos son muy importantes. Ahora desde el ajuste Match Source High bitrate, encuentro que 10 megabits por segundo para que un clip de resolución 4K sea demasiado menor. Lo que suelo elegir aquí es alrededor 50 megabits por segundo para un archivo de video con resolución 4K. Si eliges ir por una resolución más baja como déjame solo desmarcar esto aquí, la resolución Full HD con tan solo 1920 por 1080 P, entonces en realidad puedes elegir por algo así como 30, pero seguiría yendo por 40 megabits por segundo. En la parte inferior, también ves un tamaño estimado de archivo si crees que el archivo podría ser más grande en tu opinión, entonces puedes establecer esto más alto. Por supuesto, cuanto mayor sea la tasa de bits, mejor será la calidad de tu video final. Ahora lo suficientemente interesante si vas a escoger el preset de YouTube, el preset 4K ultra HD para YouTube, en realidad se ajustará automáticamente a 40 megabits por segundo. Todavía tendería a ir por ese 50 por un clip 4K pero eso obviamente depende de ti. También puedes probar ajustes megabit de diferencia y ver la calidad por ti mismo pero esos son solo mis dos centavos y mi preferencia personal. Ahora y si estás exportando tus ediciones finales no para entrega final, s sino para un colega tal vez, que quiera hacer algo más de gradación de color sobre tus ediciones, o tal vez vas a hacer algunos efectos visuales más adentro después de efectos, pero tú decide exportar primero tu video fuera de premier. Bueno entonces tenemos que elegir un códec intermedio, y ya hemos hablado de eso anteriormente en esta clase. Un códec intermedio es un códec de mayor calidad que normalmente te va a dar un tamaño de archivo más grande, pero conservarás toda su calidad y para eso, recomiendo encarecidamente elegir el formato “QuickTime”, que está todo el camino la parte inferior justo aquí y luego para el preset en la parte superior derecha aquí, elegiría uno de los “códec de progreso de Apple”. A pesar de que tenemos un par de diferentes aquí dentro, tenemos los 422 y luego los 4444 DNS y eso significa el muestreo en el que no voy a sumergirme porque esa es una clase completamente diferente para público entero también. Lo que quieres saber es solo que el muestreo 422 es de menor calidad que el 444, pero no se nota a los ojos. Por lo que en realidad podrías ir 40 apple progress 422 HQ, que significa High Quality, que es un códec perfecto y simplemente no hay razón para elegir por ese 444, acaba de terminar en un archivo más grande para el cual no tienes un uso adecuado a menos que, déjame volver a ese menú desplegable aquí mismo. Aquí sí tenemos una opción llamada “4444 con alfa”. Ahora alfa significa que dondequiera que vayas a hacer una animación de texto por ejemplo, pero no tienes nada en el fondo que sea en realidad una capa transparente y déjame mostrárselo a ustedes chicos. Aquí mismo se puede ver que he creado una animación del Hobby de Yannick y al colocar eso en un espacio vacío aquí mismo, veremos el hobby de Yannick, consigue que en animación pasando aquí y el fondo es negro, porque no hay nada abajo aquí, pero en realidad es en realidad transparente. Ahora lo que he hecho aquí es exportar esta animación a dos versiones. Eso lo he explorado a ProRes 422 y también lo he exportado al ProRes 444 alpha. Sigamos adelante e importemos estos dos aquí a Premier Pro. Aquí el arte, lo que voy a arrastrar el 422 a mi línea de tiempo encima de un eclipse, verás que el fondo también es negro porque no hemos elegido exportar esa capa alfa extra que es mucha más información extra que también necesitamos hornear en ese video, vemos un fondo negro, pero déjame simplemente borrar esto ahora e importar el 444 con capa alfa. Tú sí sabes justo ahora que tenemos nuestro texto y que podemos ver el video real en nuestra línea de tiempo detrás de él. De lo que estamos mirando es esa capa transparente. Entonces si necesitas exportar algo con la transparencia con ello, sabes que puedes elegir por ese ProRes 4444 más alpha y eso es en pocas palabras, nuevamente a qué debes prestar atención al exportar tu video. Entonces puedes seguir adelante y darle un nombre a eso, lo que quieras y a dónde te gustaría exportarlo y luego puedes golpear “Exportar” o también puedes golpear “Q”, que lo traerá a Media Encoder y la parte interesante sobre trayendo esto a tu Media Encoder es que puedes o dejarlo descansar aquí, editar más, traer otras ediciones tal vez al Media Encoder y para el final del día, solo vas a golpear “Play” en la parte superior así que esa es la exportación comenzará o puedes también traerlo aquí, pulsa “Play” para que empiece a exportar y luego solo puedes volver a Premier y seguir editando si así te gusta. Ya sabes que tu computadora podría ser un poco más lenta porque algo está pasando en segundo plano por supuesto. 33. Versiones de Premiere Pro y proyectos de descenso: Sí, lo sabía. Estreno se estrelló de nuevo. Mira mi edición. ¡ Mierda! Todo está perdido. Chicos, ten cuidado al actualizar Premiere Pro. Nunca se sabe lo que pasa. Ya sabes, dentro de Premiere, podemos ir arriba aquí y seleccionar Ayuda. Después ve a Acerca de Premiere y desde ahí podrás ver qué versión o qué compilación tienes de Adobe Premiere Pro. Es de vez en cuando salen nuevas actualizaciones para Premiere y siempre ten cuidado haciendo esas actualizaciones porque a veces, sí, obtienes algunas nuevas características bonitas, pero también el programa podría empezar a actuar realmente divertido. Ahora una buena solución para eso es cuando voy a ir a mi aplicación de Creative Cloud Desktop donde puedo instalar la diferencia aplicaciones de Adobe y también actualizarlas, es para instalarlas realmente por separado. puedes ver que actualmente tengo una nueva actualización esperándome por Adobe Premiere Pro. Yo puedo hacer eso. Puedo golpear Update y en cuanto lo haga, realidad tenemos la posibilidad de deschequear para eliminar la versión antigua de Adobe Premiere Pro. Una vez que hago eso, retengo la versión antigua para que siempre que algo suceda en la nueva versión, aún puedo volver a la anterior. También puedes aquí dar click en los tres puntos para la actualización y luego ir a otras versiones y a partir de ahí también verás que tienes la posibilidad de instalar versiones anteriores. Se puede ver aquí que todavía tengo el número de compilación 13.15 instalado en mi computadora y eso es para este tipo de emergencias de Premiere. Esto se estrella por completo. Ten eso en cuenta chicos y al revisar aquí los archivos del proyecto, siempre que vaya a hacer clic derecho en alguno de estos proyectos, dirígete a Abrir con, puedo desde ahí seleccionar la versión 2020 o la versión 2019. Ahora hemos estado editando todas nuestras cosas ahora dentro de la versión 2020 a lo largo de esta clase, digamos que la nueva versión no nos está funcionando, eso significa que tenemos que rebajar de alguna manera estos archivos del proyecto porque si voy a abrir cualquiera de estos en la versión 2019, obtendremos el siguiente error, “Este proyecto se guardó en una versión más reciente de Adobe Premiere Pro y no se puede abrir en esta versión”. Ese es el problema pero por suerte, hay una herramienta para rebajar nuestros archivos de proyecto. Yo sólo voy a golpear OK y a partir de ahí voy a ir a una página web de Premiere Pro Downgrader. Esta es una herramienta de joshcluderay.com. Aquí lo puedes ver, el nombre de dominio. Voy a compartir ese enlace también aquí en las notas de clase. En algún lugar aquí abajo del reproductor de video, verás una nota o mi cara con un poco pop up con ese enlace ahí dentro. Esta herramienta es gratis así que gracias, Josh tanto por eso. Lo único que tienes que hacer es solo decir Elegir archivo, dirígete a tu archivo de proyecto que te gustaría rebajar, este de aquí, se abre y luego decir Convertir. El sitio web descargará entonces un nuevo archivo para ti, que voy a arrastrar a mi carpeta de proyectos, y abramos este ahora mismo con la versión 2019. Esto ha sido rebajado a, no sé, versión 2015 o algo así. No tengo ni idea en realidad. Una vez que vas a abrir este proyecto degradado a 2019 o algo así, va a decir que el archivo del proyecto es viejo y tiene que ser convertido y actualizado de nuevo para 2019. Simplemente puedes seguir adelante y hacer eso. Hit OK. Se va a crear una nueva versión de eso pero ahora puedes abrirla dentro de 2019 y seguir haciendo tus ediciones dentro de aquí. Ahí tienes, un pequeño consejo sobre las diferentes versiones de Adobe Premiere Pro que puedes instalarlas por separado y que podrías degradar tus archivos de proyecto también con la útil herramienta de Josh. Muchas gracias, Josh por eso. Este es el fin de toda la clase. Hemos pasado por todas las funciones avanzadas de Adobe Premiere Pro, justo a tiempo porque mi Premiere se estrelló, en realidad tengo que renunciar aquí mismo. Tengo una última lección para ustedes, que es una lección de conclusión así que definitivamente quédate por eso. Muchísimas gracias por ver. Te veré en la siguiente lección de conclusión. 34. Conclusión: Bienvenido a este último video de la clase. Enhorabuena te has sentado a través de ella curso bastante largo. En fin, espero que hayas aprendido algunos trucos nuevos dentro de Premiere Pro. Básicamente, has visto casi todo lo que Premiere Pro tiene para ofrecer. ¿ Qué más hay para ti ahora? Simplemente sal y crea cosas, filma cosas, edita cosas, y solo sigue creando y sigue usando las diferentes herramientas dentro de Premiere y te convertirás en un mejor editor. Pero en lo que respecta a la explicación técnica, no hay nada más. Hay algunas cosas por supuesto, pero ya no hay ninguna característica importante que deba cubrirse. En fin, he estado hablando de [inaudible] esta clase ya que [inaudible] esas cosas son más específicas. Contamos con unos deslizamientos dedicados sobre la gradación de color, dentro de Premiere Pro, por lo que no tenía sentido ir a cada herramienta ni a cada detalle. Lo mismo va con el audio, todavía hay mucho que se puede cubrir ahí, su mayoría información práctica y aún mucha información técnica, definitivamente cosas en Adobe Audition, pero eso de nuevo, podría ser una clase completamente diferente. Así que definitivamente asegúrate de seguirme aquí en habilisshare, te quedas actualizado para que vengan esas clases más. En fin, puedes descargar todos los archivos del proyecto, todos los medios, todo con lo que hemos estado trabajando a lo largo de esta clase, usar eso para crear unos anchos de edición impresionantes. Utilizar la entrevista de genic use un B-roll over eso para crear algunas transiciones agradables y animaciones 2D agradables y luego publicar ese video aquí en los proyectos en habilisshare para que pueda echarle un vistazo y darles algunos comentarios chicos. De todos modos, hay más información ahí en esa página de proyectos en habilisshare. Muchas gracias por ver. Fue un verdadero placer mostrarles los alrededores en Adobe Premiere Pro y les deseo la mejor de las suertes con sus futuras ediciones. Muchas gracias otra vez. Como siempre, mantente creativo.