Dominar el color: pasos simples para crear arte vívido

1. Introducción: color es una de las herramientas más poderosas que puedes tener como artista, y sabiendo usar el color, puede llevar tu trabajo de bueno a grande. Hola, me llamo Victo Ngai. Soy ilustrador de Hong Kong. Ahora, tengo mi base fuera de Los Ángeles. hoy, estoy aquí para enseñarte sobre los colores. Creo que el color juega un papel enorme en mi trabajo. Realmente me ayuda a provocar la emoción que quiero, realmente me han ayudado a contar una historia, realmente me ayudó a destacar a mis héroes. Hoy estoy muy emocionado por hablar de colores, no porque sea la experta en ello, sino porque solía ser realmente mala en ello. Así que pasé mucho tiempo disecando colores, mirando a otras personas trabajan, y siento como si viniera un largo camino de donde estaba, por eso hoy, espero descomponerlo paso a paso, y tal vez eso pueda darle a la gente el confianza para desarrollar su propia voz en colores. Entonces en la clase de hoy, vamos a empezar realmente básico, este es algunos de los fundamentos de las teorías del color y la comprensión de los términos. Entonces vamos a ver algunas obras maestras, y ver cómo funciona el color para esas obras de arte, como una base para construir para tu propia asignación. No vamos a sumergirnos súper profundamente en la parte nerdy sobre la teoría del color en esta clase, así que no necesitas saber mucho sobre los colores. Todo lo que necesitas realmente son solo tus ojos y tus manos para seguirlo. Entonces si lo sigues por favor, por favor comparte tus proyectos en la galería de proyectos de clase. Me encantaría ver lo que se les ha ocurrido chicos. Espero que salgas de esta clase con la curiosidad y la confianza para probar colores. Me alegra tanto que te hayas unido a esta clase. Empecemos. 2. Lo que cubriremos: Entonces si me dices hace 10 años estaré dando una clase de colores, probablemente me reiré de ti porque a diferencia de las líneas, color es algo que no me viene naturalmente para nada. A través de la escuela de arte, color ha sido mi gran debilidad si le preguntas a alguno de mis profesores pasados, pero trabajo extra duro para superar esa debilidad y ese miedo, y estoy realmente emocionada de compartir contigo lo que hice para llegar a donde estoy en este punto. Entonces empecé a mirar el trabajo de otras personas, a ver cómo usan el color y no solo mirarlo, sino que en realidad tirándolos hacia Photoshop y aislando los colores con gotero de ojos, que es lo que vamos a hacer hoy también. También empecé a buscar muchos libros en patentes y textiles porque suelen tener una combinación de colores realmente interesante que es fácil y simple de agarrar y robar para tu propio uso, y lo vamos a hacer hoy también. Entonces esencialmente, la clase de hoy es como una versión súper condensada de lo que hice por mí mismo en los últimos 10 años para llegar a donde estoy ahora con mis colores. Entonces cómo va a funcionar la clase de hoy es que al principio, vamos a volver a lo básico, a familiarizarnos de nuevo con la teoría del color, al menos la base de la misma, que todos podamos tener un vocabulario común para hablar de la clase con. Entonces, vamos a ver algunas piezas de la vida real; tratando de casar esa teoría del color con la práctica, diseccionar el trabajo del artista, y luego ver cómo están usando el color a su ventaja. Por último, vamos a tratar de tomar una paleta de colores existente, descomponerla, y luego crear muestra que podamos usar para nuestra propia obra de arte. A pesar de que tal vez no sepamos crear color todavía, creo que es bastante innato como humano para sentir el color. Entonces cuando estamos eligiendo la paleta de colores, ya tomamos una decisión de qué tipo de emoción quiero pedir prestado de otras piezas que se pueden aplicar a las nuestras, y a través del proceso de refinar esos colores en nuestra propia paleta, también estamos tomando decisiones sobre los objetivos que queremos lograr con esos colores. Por lo que he creado una pieza sólo para la clase de hoy. El trabajo es un poco más sencillo que mi trabajo habitual hoy en día. Tiene un primer plano, medio plano, y fondo muy claro, y recomiendo que también tengas dibujos de línea y una composición más sencillos con los que trabajar, así no complicará las cosas y realmente podemos enfocarnos en los colores. Entonces solo para darte una expectativa correcta, no vas a conseguir un doctorado de color después de esto. No vamos a entrar en la teoría del color súper integral. No soy un experto en eso. Esto es sólo algo que me funciona y hace que el color sea menos aterrador. Si de verdad quieres ponerte nerdy sobre el color, que es realmente divertido, también he incluido un montón de enlace útil en la sección de recursos de clase. Entonces a medida que sigas a lo largo, podrías notar que los colores son diferentes del metraje cinematográfico de mi pantalla al video real capturado en la pantalla, que simplemente no se puede evitar por la luz, el resplandor, el factor medio ambiente. Entonces si te preguntas cuál es el color más preciso, será la captura de pantalla. Entonces esa sería la que usted hace referencia al color. Entonces hoy lo que necesitas para esta clase es Photoshop o algún tipo de software digital como Procreate si estás usando un iPad. Estaré trabajando hoy en la computadora y en esta hermosa tableta. No necesitas algo tan elegante. Puedes usar lo que uses como iPads o una simple tableta pequeña para dibujar. Debido a que los colores existen en un entorno, me gusta optimizar mi espacio de trabajo y asegurarme de que no estoy recibiendo distracción innecesaria, así que realmente estoy viendo el color en el que debería estar enfocado. Entonces cuando estoy en casa, que no estoy en este momento, mi espacio de trabajo está frente a una pared en blanco. Por lo que me da una distracción mínima. Tengo que asegurarme de que mi pantalla no esté directamente bajo ninguna luz o destellos. Si eres súper particular sobre asegurarte de que los colores de tu pantalla se vean bien, puedes conseguir esos capó de monitor que parece anteojeras que ponen en un caballo. Supongo que eso también mantiene los colores enfocados en la pantalla. La otra cosa que me gusta hacer es poner mi escritorio en un gris medio. También pongo el fondo de mi Photoshop en gris medio, para entonces no me mancharé de colores cuando esté tomando decisiones. Por lo que cuando empiezo a publicar mi obra, noté para mi gran consternación que el color estaba mal en la palabra impresa. Entonces lo miro y descubrí que al parecer, todos los monitores tienen diferentes configuraciones de color, que no conocía antes. Entonces lo que ves, lo que pasas horas tratando de afinar bien en tu monitor puede verse totalmente diferente en el monitor de otras personas y en impresión. Algo que me ha ayudado de verdad, de verdad fue un calibrador de color que es este pequeñito. Son muchas las marcas que hacen esto. Esto es justo lo que uso. Entonces, esencialmente, lo que hace es que el software ejecutará estas muestra de colores en tu pantalla y acabas de poner a este pequeñito, como éste en la pantalla por lo que medirá lo precisas que están viendo esas muestra de color y calibrar tu máquina de esa manera. Entonces ahora mi color en impresión es mucho más preciso, gracias por esta pequeña cosa extra. Algo que tal vez no sepas es también tu monitor es como un organismo de la vida. Entonces el color cambia con el tiempo a medida que envejece la pantalla. Entonces aunque lo calibres, es bueno meterte en el hábito de hacerlo de vez en cuando, como una vez en un mes. Así que siéntete libre de seguir cualquiera de los consejos de configuración o no. No tienes que hacer nada de eso y aún puedes seguir adelante. Ahora, que estamos todos configurados, siguiente paso, vamos a sumergirnos en colores. 3. El poder y las trampas del color: El modo en que debemos acercarnos al color tiene que ser muy atentos. Antes de empezar a agregar color al azar a una pieza, necesitamos preguntarnos cuáles son los objetivos de hacer eso. Tener los objetivos nos ayuda a tomar decisiones el camino en lugar de simplemente probar ciegamente las cosas. Por lo general para mí hay tres objetivos principales cuando uso el color. El primero está tratando de pensar en qué tipo de sentimiento estoy tratando de transmitir. El segundo es ver cómo puedo usar los colores para mover los ojos alrededor para contar la historia de esa manera. El tercero es simplemente realmente traer vivo el mundo del arte con los colores. Entonces hablando de cómo los colores realmente traen vida las cosas, recientemente vi un documental realizado por Peter Jackson. Por lo que usó todas las pisadas en blanco y negro de la Primera Guerra Mundial, pero las dominamos con colores. Primera parte de la película antes de que Gran Bretaña entre en guerra y el soldado aterrizó en el continente y estaban en blanco y negro. Una vez que nos metimos en las trincheras, de repente todo entra a color y ese contraste era bastante poderoso. Siempre vemos al blanco y negro como historia antigua pero de repente ahora otras personas se sienten mucho más reales, y luego se puede ver el destello del color, la prisa en su mejilla y de repente te das cuenta de cómo joven esos soldado eran y de verdad te pegó que más o menos estuvieras mandando a un puñado de niños a la guerra y me sentí como que eso era muy emotivo para mí viendo. Ahora, usemos otro ejemplo de mi propio trabajo. Este era para un libro llamado Kama Sutra, algunos de ustedes podrían estar familiarizados con eso. Eso se trata esencialmente del amor y también del sexo, muy diferente al tema de la Primera Guerra Mundial obviamente. En esta escena, vemos un poco de la delicia de la tarde de una pareja colándose un acurrucarse y un arco. Como puedes ver en la pieza de color la calidez del rojo y el amarillo realmente sacan el momento del tiempo y la temperatura y el romance por eso y ahora lo convertimos en blanco y negro. De repente estamos perdiendo todo ese estado de ánimo y también los diferentes elementos se vuelven un poco más difíciles de leer. Por lo que hay algunas trampas comunes a la hora de usar el color. Por lo general, es sólo ir a extremos como ser demasiado audaz. Por lo que estás usando todos los colores que posiblemente puedas y usándolos todos al extremo cuando se trata de saturación o estarías siendo demasiado tímido, quedándote mucho en el rango medio del valor del matiz, por lo que a todo le falta un claridad o jerarquía. Por lo que siempre me parece realmente interesante cómo trabajan juntos nuestros sentidos y nuestra conexión. Leí este artículo realmente interesante sobre cómo alguien analiza la Odisea de Homero y cómo en todo el libro describen todo tipo de color pero faltaba un color en particular el cual era azul, y la forma en que describían el mar era utilizando el color del vino profundo. Alguien estaba haciendo la suposición de que por eso, realmente no podíamos ver azul por mucho tiempo, al menos para la antigua civilización occidental. Eso me hizo pensar como el lenguaje de alguna manera. Ahora, tenemos todas estas palabras diferentes para diferentes colores. Realmente nos ayuda a ver esos colores por separado y más claramente. Pero también saca el color de su contexto por lo que pensamos en el color como rojo, como amarillo, como verde, como azul y los vemos empacados también tubos indiferentes de pintura como todos separados. Pero si de verdad piensas en ello el color nunca excederá en aislamiento. Si miras a tu alrededor, no hay como el rojo, el rojo sobresaliente, siempre está dentro de sus propios contextos. Entonces el color es más de esta tela cambiante de tonalidades y valores y a veces es fácil olvidarlo y eso se convierte en un reto a la hora de aplicar colores. actualidad, con la herramienta adicional, interrumpe aún más esa relación porque en los viejos tiempos cuando estás mezclando color con pintura, estás combinando físicamente los pigmentos para crear nuevos colores. Entonces si comienzas con cinco tubos o pintas y luego creas 20 colores, todos esos 20 colores tienen los mismos padres de los que fueron creados por lo que tienen una armonía heredada que está incorporada. Pero mientras que ahora solo puedes usar tu recolector de color y escoger cualquier color que quieras de Photoshop y es muy fácil terminar con algo que parece vómito de arco iris. Eso sólo se ve jarring. También está esta idea errónea prevaleciente cuando se trata color y siento que eso también tiene algo que ver con nuestro lenguaje y nuestro vocabulario. Por ejemplo, cuando pensamos en algo que es brillante, pensamos en agregar blanco. Si pensamos en algo oscuro, pensamos en agregar negro, pero eso en realidad crea una paleta de colores muy sin vida porque todo en nuestro entorno en realidad se mezcla con múltiples colores en lugar de simplemente agregar negro o blanco. Lo mismo que la gente pensando : “Si quiero que una imagen se vea realmente brillante, entonces he usado color saturado. Parece tener sentido en nuestra mente, la lógica, pero les voy a mostrar algunas piezas que va a refutar eso. 4. Cómo hablar acerca del color: Entonces el primer paso vamos a hablar de los principios de los colores. Antes de eso, revisemos las terminologías para que todos podamos estar en la misma página cuando estemos teniendo la discusión sobre los colores. Como se puede ver aquí, tenemos matiz, valor y saturación. Algunos de los términos más utilizados cuando discutimos los colores. Entonces matiz esencialmente es solo color. Diferentes tonalidades significan diferente color, como se puede ver aquí, y valor significa los diferentes tonos de color, como más claros u oscuros. Saturación esencialmente sólo significa lo puro que es ese color, lo intenso que es ese color y lo cromático que es ese color. Entonces, ¿qué aspecto tiene matiz la saturación y realmente se ve cuando abrimos el recolector de color y photoshop? Entonces así es como lo lees, esta pequeña barra mientras cambias, estás cambiando diferentes tonalidades. Por lo que estás escogiendo diferente color. Al ir de izquierda a derecha, ese es el aumento de la intensidad o el aumento de la saturación de ese color. A medida que vas de arriba a abajo, estás cambiando el valor de ese color. Por lo que la parte superior es más ligera y la desventaja es más oscura. A veces es posible que escuches a la gente describir los colores como un color frío o un color cálido. Eso más o menos significa dónde se sienta el color en la rueda de color. Por lo que todos los colores cálidos están en el cielo como puedes ver. Cosas que están relacionadas con el sol o el calor son del color cálido. Blues, morados, estos son los colores fríos. Pero si realmente quieres entrar en ello incluso como rojo, podría haber un rojo cálido o un rojo frío. Un rojo fresco solo significa que tiene más azul en él, y un rojo cálido solo significa que tiene más naranja en él. Entonces ahora que tenemos claros en las terminologías, tengo cinco puntos clave que siempre tengo en cuenta a la hora de diseñar mi paleta. Los cinco puntos clave son; número uno, relatividad de color. Número dos, consistencia de color. Número tres, contraste de valor. Número cuatro, colores de acento. Número cinco, ratios en colores de cortesía. La importancia de entender estos puntos clave no es apegarse a ellos, sino entender realmente por qué y qué hacen. De esa manera, puedes usarlos y romperlos para lograr lo que quieres transmitir con éxito también. 5. Principio 1: Relatividad: De alguna manera, el color es muy similar a los alfabetos. Si solo te doy como A o D o una F, realidad no significa nada, pero sólo cuando están juntos y forman una relación, entonces obtienes el significado, y el color es así. Entonces, ¿por qué es tan importante entender que el color funciona en relación? Es porque cuando nuestro cerebro ingresa colores, traduce esos colores en significados, como la temperatura, la hora del día, u objetos. Entonces como artista, lo que queremos hacer es aprovechar el poder del color y recrear todos esos significados a nuestro cerebro con colores. Entonces aquí tengo algunos ejemplos sencillos para mostrar cómo color puede verse drásticamente diferente cuando se pone en diferente color vecino. El primer ejemplo arriba es matiz relativo. Por ejemplo, en este caso, estos dos colores se ven muy similares o algunos pueden decir, son del mismo color. Pero en realidad, si los pones en un fondo neutro, se hace realmente evidente que son de color totalmente diferente, y ahora se ven súper diferentes. Es sólo porque se ponen en diferentes tonalidades, y eso los hace lucir como dos rectángulos grises. Está bien. Ahora, pasemos al valor relativo. En este caso, muchas personas pueden jurar que este rectángulo es mucho más ligero en comparación con éste, pero ahora vamos a quitar el color vecino. En el gris neutro, las revisiones por ahí son en realidad del mismo color exactamente. Entonces ahora, hablemos de temperatura relativa. Temperatura solo significa si un color es más cálido o más frío. En este bloque, el color se ve más cálido que este bloque. Pero si quitamos el color vecino, nos dimos cuenta de que son del mismo color otra vez. El motivo por el que este se ve más cálido es porque está rodeando por un color más fresco. lo que un ejemplo realmente grande de cómo funciona el color en relatividad es este infame vestido azul versus estuche de vestido blanco. Mucha gente probablemente recuerda y participó en este debate. Este ejemplo realmente muestra cómo cuando la gente se está enfocando en el color real del vestido o están tratando de decodificar el color del vestido usando información con un entorno y luz, se puede ver colores totalmente diferentes. De hecho lo hice como azul y negro al principio, pero cuando traté de enfocarme en otros aspectos de la imagen mi cerebro fue capaz de cambiar por un segundo para ver que siendo oro y blanco, y eso fue súper salvaje. Entonces como puedes ver, esta es la foto original que fue tan controvertida. Si la editamos para reforzar ciertos aspectos de esa foto, por ejemplo, hacerla más brillante, ahora se parece mucho más como adornada en oro en un vestido blanco. Pero si lo hacemos más oscuro, ahora se parece mucho más a un vestido azul con ribete negro. 6. Principio 2: Coherencia: Entonces ahora, hablemos de consistencia de color, que solo significan que el color vivirá en el mismo mundo si quieres transmitir un mundo creíble que es. El motivo por el que esto es tan importante sobre todo hoy en día con la herramienta digital es porque los colores existen en el vacío. Simplemente escoges el color que quieras, mientras que en los viejos tiempos, estás mezclando el pigmento, el problema era que el color tiende a ensuciarte. Ahora, ahí está el color simplemente no tienen relación entre sí si no están atentos a construir esa relación. Para transmitir por qué la consistencia del color es importante, he tomado prestada una pieza de Tomer Hanuka. Para que se pueda ver esta hermosa pieza aquí. Ha establecido un sistema de color. Por lo que el área luminosa se representa aquí con el azul y luego la zona más oscura y la parte del agua es la morada. Entonces cuando la luz golpea, se ve el azul y él piensa emerger como el morado. Hice un deslizamiento rápido con la saturación del matiz. Simplemente lo deslizo todo el camino a 180. Lo que hace es desplazar cada color aquí al otro lado del espectro de color. Como se puede decir, debido a que todo el color se desplazó juntos, el sistema de color que ha construido todavía se mantiene unido. Aquí, la luz está en rosa y el agua y la sombra está en este verde oliva. Pero cuando empiezo a divorciarme de cierta parte de esta imagen, pongo aquí una máscara de capa y sólo ahora la parte del cuerpo de la gente está siendo desplazada hacia el otro espectro del color. Se puede ver que la gente está empezando a salir de fondo de verdad, pero no de buena manera. Ya no hay más consistencia con la luz de fondo con este efecto en la gente, y simplemente ya no parecen sumergidos en el agua. Entonces creo que lo que realmente me enseñó mirar su arte es que tu color no tiene que ser real en el sentido de que se parece a lo que vemos todos los días, pero mientras que si estableces estas reglas consistentes de colores en el mundo creas, todavía leerá, porque aquí hemos establecido claramente la luz como el azul y luego el agua como el morado. Entendemos esto instintivamente que la gente no es en realidad gente azul. Es sólo que están sumergidos en el agua. En algún caso sin embargo, romper la consistencia del color en realidad puede ser una buena herramienta también. Un gran ejemplo es Marilyn Monroe de Andy Warhol. Como puedes ver, todos los colores están por todo el lugar y eso es lo que le da una estática realmente pop y plana a la imagen, y eso es lo que iba a buscar el artista. 7. Principio 3: Contraste con valor: A continuación se presenta el contraste, y podemos pensar en el contraste algo así como este gradiente que estamos viendo, con el blanco absoluto siendo cero y el negro más oscuro siendo 10. Por lo que al aprovechar el poder del contraste, puedes dirigir eficazmente los ojos de las personas y a dónde van a mirar a tu imagen. Entonces aquí, tenemos dos ejemplos. El contraste es un poco más claro que en esta foto de aquí, que he sacado de Internet. Este arte es de Eyvind Earle. Ambas imágenes, se puede ver, es una escena arbolada con un camino bastante claro que conduce a algún lugar. Entonces ahora, desechemos los colores, para que realmente podamos ver a través de la estructura de valor. Entonces como puedes ver ahora con ambas imágenes en blanco y negro, el camino que era obvio, y la imagen, y la foto de aquí se vuelven un poco perdidos. Entonces lo que esto nos está diciendo es que el color era el que hacía el levantamiento pesado y dirigía los ojos en este sentido. En tanto que en esta imagen, todavía podemos ver el camino y cómo los ojos leen claramente siguiendo el contraste más alto aquí en primer plano, luego fluir un contraste más bajo aquí en el medio suelo, y luego hacia el cielo, el cual tiene un valor contractual muy cercano con el blanco. Es posible que te preguntes por qué estamos hablando de contraste de valor en blanco y negro, cuando se trata de una clase de color. El contraste de valor es probablemente las herramientas más poderosas para dirigir nuestros ojos. Entonces lo que hace con un valor sólido es que congele o elabore los colores, como siempre y cuando el sistema del valle esté muy configurado. Se puede usar un tipo de color loco y la imagen seguirá leyendo muy bien. Esta imagen tiene una jerarquía de valores realmente bien configurada con el contraste más alto en primer plano, por lo que nuestros ojos siguen eso. Después en el suelo medio con el contraste alrededor como 5-0 y luego al fondo con un contraste en 2-0. Entonces tenemos este árbol en forma de oscuro aquí mismo y con su sombra tipo de llevar nuestros ojos de vuelta al centro y luego todo el círculo se repite. Por lo que nuestros ojos igual que siguen investigando en la escena, lugar de simplemente caer fuera de la imagen. lo que este ejemplo en realidad es realmente bueno mostrar cómo el valor está haciendo el levantamiento pesado en dirigir nuestros ojos. Lo que hice es realmente cambiar los colores en esta imagen, pero siguiendo la misma estructura de valor. Al igual que aquí, los árboles son en realidad azul más oscuro. No tiene un número de valor tan alto como cercano al negro y el original. Pero en relación, sigue las reglas similares y sigue siendo realmente, muy bien. En este caso, se convierte en un granate, como el color burdeos. Pero la estructura de valor sigue siendo la misma que la original y aún así salió muy bien. en este, la paleta de colores se desplazó a morado, pero sigue siendo la misma estructura de valor y aún funciona. Eso es esencialmente lo que quise decir con tener una sólida jerarquía de contraste realmente puede liberar tus paletas de colores. Entonces lo que realmente me gusta hacer cuando trabajo en Photoshop es tener una capa de saturación de tonalidad arriba. Entonces cuando estoy trabajando, muchas veces vuelvo atrás y reviso la capa de saturación de tonalidad con la saturación girada todo el camino hacia abajo solo para ver cómo ve mi estructura de valor de pieza en blanco y negro. Esta también es una muy buena manera de refrescar tus ojos después de apagar esa capa y luego ver los colores de nuevo, y eso a menudo me ayuda a tomar decisiones de color. 8. Principio 4: Acentos de color: Otra gran manera de mover los ojos alrededor de esta época usando el color son los colores de acento. Entonces, ¿qué es el color de acento? Por lo general se colorea como cuenco con alta intensidad, y se usa con moderación en toda la imagen para dirigir la dirección de los ojos. Pero no siempre tiene que ser colores de alta intensidad. Realmente depende de la relatividad global del color en la pieza. Entonces en la pieza que es mayormente por ejemplo, como el naranja brillante, puedes tener un par de puntos de verde mutante, y ese podría ser en realidad el color de acento. Entonces aquí hay otra pieza de nuestro amigo Iván. En este ejemplo, el rojo claramente es el color de acento y la vista del azul frío. Por lo que nuestros ojos solo van ahí de inmediato. Se puede ver también está usando sus trucos de contraste otra vez, donde el baúl aquí es negro, negro más oscuro, con este techo, el blanco es blanco donde está vecino, y aquí es donde nos atraen los ojos. Ahora, podemos mirarlo en blanco y negro. Entonces sin el color de acento. El contraste más alto sigue aquí, pero toma un minuto para que lleguemos aquí, en lugar de solo ahora, fue muy inmediato. Aquí hay otra obra maestra de John Singer Sargent de usar color de acento. Como se puede notar, el rojo se usa bastante y el color acento, porque el rojo es uno de los colores que tiene el mayor impacto emocional para nosotros los humanos, ya que el interior de nuestro cuerpo es rojo. Vemos que la sangre es roja. Por lo general, tiene un efecto de alerta. En este caso, un set up, la parte tres roja del vestido, el rojo rosado de la muñeca, y el rojo del partitioner espacial, forman una clásica composición de triángulo. Eso sólo sigue moviendo nuestros ojos alrededor, y realmente tener esa imagen activada. Ahora, tengo esta capa de ajuste con el desvío rojo. En realidad se ha transformado en azul, y a un matiz similar al resto de la imagen. De repente, se puede notar que el contraste por aquí se vuelve mucho más prominente. Nuestros ojos solo van directamente aquí y luego se caen de la página, porque no tenemos la agencia para traernos de vuelta y continuar el encantador círculo en esta composición. Porque el color de acento es tan efectivo, es realmente importante que lo coloquemos sabiamente. Toma como ejemplo esa pieza de Iván. Si lo recortamos por la mitad, justo al borde, eso realmente lleva nuestros ojos al borde, y luego caemos de la página. Debido a que no hay otro elemento u otros rojos por aquí para traernos de vuelta, la circulación simplemente se detiene. Creo que uno de los objetivos de crear una imagen, es mantener nuestros ojos en la imagen el mayor tiempo posible. Al igual que aquí, tenemos el rojo, y entonces todavía tenemos este pequeño respiro que trae esto aquí abajo, y luego esto es un grado medio de contrastes que nos llevan de vuelta a la casa, y sigue y sigue pasando. 9. Principio 5: Proporción: Cuando hablamos de relación de color, lo que realmente estamos hablando es de decidir y dejar que un color sea el líder, y luego dejar que otros colores jueguen la regla de apoyo. Esto es especialmente cierto cuando se trata de colores complementarios como el verde, y el rojo. Los colores complementarios solo significan el color que está sentado uno frente al otro, frente uno al otro en la rueda de color. Entonces cuando se usan colores complementarios en parte igual, ya sea en tamaño o intensidad, se disminuyen unos a otros en lugar de crear esta hermosa energía cinética, eso podría ser cuando se usan bien. Entonces aquí te dejamos una hermosa pieza de Julia Noni, una de mis fotógrafa trabajadora favorita en este momento. Su composición como puedes decir es increíble, mismo con su comprensión de la estructura de valor, pero lo que más me gusta es su uso de colores complementarios. Aquí tenemos este rojo brillante dominante, luego completar con este verde oliva silenciado, que combinan y se funden sin problemas en esta figura oscura, creando unas hermosas siluetas. Entonces lo saboteo cambiando el verde en la misma intensidad que el rojo. También trayendo más verdes, por lo que ahora la relación del color verde ocupa el espacio es la misma que la cantidad de espacio que el rojo está ocupando. Como puedes decir, se vuelve un poco confuso para sus ojos. Ahora los dos colores están luchando por la atención. En lugar de apoyarse unos a otros, en realidad están haciendo que la pieza sea mucho más débil en comparación con la original. Entonces en este punto de la clase, vamos a ver el trabajo de otro artista a través de las lentes de los puntos clave de los que solo hablamos. Para que sepas que no solo estoy directo y inventando cosas. 10. El color en acción: Obras maestras: Entonces para mí, una de la mejor manera de aprender realmente sobre el color y también de desacreditar a lo largo de la concepción errónea del color es mirando otras piezas de artistas, realmente diseccionándolo, y ver por qué el color se siente o transmite el mensaje como lo hacen en su manera sistemática, no sólo sentir puramente porque sentir puede ser muy engañoso. Creo que cuando vemos una obra maestra, todo viene tan bien juntos que casi la damos por sentado. Hay un dicho de Picasso “Se necesita un poco de esfuerzo para lucir sin esfuerzo”. Entonces cuando vemos algo que es tan fácil, tenemos que recordarnos que cada pincelada en el lienzo fue una decisión activa. Por lo que esta es una pieza llamada Pesca de ostras en Cancale de John Singer Sargent. Es realmente un maestro cuando se trata de color y composición. Podrás notar que hay como todas estas remo de agua en la playa y piensa, bien, seguro, playa, remo de agua, ¿y qué? ¿ Verdad? Pero entonces, si cubres esos remo arriba, como lo que hice en esta versión manipulada, de repente la imagen se vuelve mucho más estancada. Sin el remo de agua, no hay más circulación alrededor de la parte superior de la imagen a la parte inferior y que tus ojos circulen alrededor de las figuras, y aquí está, en el original y aquí en mi versión sabotaje, entonces te das cuenta de lo genial que realmente es poner esos extremos de paleta para que refleje esos colores celeste. De nuevo, si entrecerras los ojos, esa es una buena manera de disminuir el impacto del color y ver el valor, entonces verás que el contraste más alto está por aquí, y ahí es donde se van a enfocar tus ojos. Ahora echemos un vistazo a estas piezas de arte conceptual para Cenicienta de Mary Blair. Podrás pensar que el color más brillante aquí es este rosa y echemos un vistazo. En realidad no está tan saturado, está en el rango medio. Ahora echemos un vistazo a esta parte. Está aún menos saturado, en el rango de un tercio. Entonces echemos un vistazo a la sombra. En realidad es alrededor de la misma saturación que el rosa si no azul pero más hacia el lado derecho, por lo que en realidad está más saturado. Mucha gente realmente no se da cuenta, generalmente el color más saturado está en el color más oscuro y el color de sombra como esta parte. Para ilustrar aún más ese punto, veamos una pieza de Monet. Nuevamente, aquí el rosa aparece muy vibrante, y así que vamos a recogerlo y ver cómo se ve eso. De nuevo, es muy neutral. Esto es como ni siquiera a la mitad de la saturación que entendemos está llevando de izquierda a derecha, y veamos aquí estos hermosos verdes brillantes. Está justo en medio, otra vez no muy brillante. ¿ Y los amarillos de aquí? Otra vez, justo en medio. Ahora echemos un vistazo a la sombra. De repente, hemos saltado al borde. Ahora echemos un vistazo a este ejemplo de Victor Higgins. El estatua es un prácticamente resplandeciente de luz. Echemos un vistazo a la saturación de la misma. Casi no hay color en eso. Incluso las alas, apenas está en el medio, la parte más ligera en realidad se ha vuelto menos saturada. Entonces en esta pieza, lo que realmente contribuye al efecto resplandeciente es el contraste porque incluso en el blanco y negro, realmente se siente que hay mucha luz siendo reflejada por la estatua pero ahora como podemos ver en negro y blanco, la lectura se vuelve mucho más unidimensional. Acercamos la estatua y luego tal vez veamos un poco de los reflejos aquí y luego eso es todo, y luego si volvemos a la versión en color, aquí te dejamos un hermoso uso del color complementario con el verde, SIS en color. Como puedes notar, este es el único verde brillante en toda la imagen y el entorno rojo dominante. Entonces podríamos ver primero el contraste más alto con este real y luego seguiremos este real con nuestros ojos, y nos quedaremos alrededor de esta hembra y nos preguntaremos qué está mirando, y ella está aquí claramente como la heroína de esta imagen siendo establecida por este excelente color. Aquí tienes una hermosa pieza de Arthur Hecker. El color da tanta luminosidad y realmente te hace sentir como si la chica estuviera frente a una chimenea y ese es el poder que tiene el color cuando se usa bien. No vemos en absoluto la fuente de luz pero podemos sentir el calor y la temperatura. Mientras estaba en la universidad, mi maestro; Chrisbis Ali dijo una vez que una pieza de arte realmente buena debería estar llena de adjetivo en lugar de solo sustantivo. Por ejemplo, en esta pieza, los sustantivos son; niña, gato, teteras pero la razón por la que esta pieza es tan grande es por el adjetivo que podemos encontrar en ella como calidez o luminosa. Eso es lo que realmente nos da la sensación que tenemos hacia esta pieza, y ahora echemos un vistazo a este verde fluorescente prácticamente resplandeciente aquí. Es como prácticamente saltar de la página pero tomemos un recolector de color y veamos qué tan saturado está realmente. Casi no es un verde, es como esta luz es de color gris. Echemos un vistazo a la otra parte del verde. De acuerdo, así que esto en leer como un verde pero todavía mucho un verde [inaudible], y la razón por la que estos greens se sienten tan bien o saturados para nosotros es precisamente por la relatividad de color de la que hablamos. Todo lo demás es muy rojo anaranjado y por eso, parecen mucho más verdes de lo que realmente son. Ahora que hemos mirado muchas piezas de maestros, ahora echemos un vistazo al estudiante de los maestros, que soy yo, y veamos cómo aprendo las cosas de mis héroes y las aplico a mi trabajo. 11. El color en acción: Proyecto del cliente: Entonces aquí está la portada del libro para Los niños verdes de Woolpit que he hecho recientemente. Siento que cuando estás trabajando en un proyecto con texto, siempre hay una pista para colorear y su tarea, y este caso es bastante obvio, son los niños verdes. Los niños son verdes y venían de un mundo que es todo verde. Entonces tiene sentido para mí que el color también tenga un tinte verde y así es como primero establezco el tono general de la imagen. Además de ser verdes, que los niños también son espeluznantes. Vinieron de este otro mundo subterráneo. Es un misterio a lo largo de la historia si son buenos o son malos para los humanos. Entonces queremos una sensación de misterio en esa portada. Decidí darle como una situación de poca iluminación para realzar esa sensación de desconocido. Cuando vemos con poca luz, nuestros ojos tienden a ver el blues y los greens mejor de lo que vemos los rojos. Los rojos tienden a volverse más negros y de color oscuro. Entonces hablemos de esta pieza con los cinco puntos clave que cubrimos hasta ahora. El primero es la relatividad, que realmente es entender el color y verlos como un tejido continuo. Entonces eso es más como un telón de fondo continuo para las otras cuatro cosas de las que hablamos. El segundo punto es la consistencia. Esta pieza, por ejemplo, es un ambiente de poca luz con un tinte verde. Entonces todo tiene que vivir en ese mundo para sentir que pertenece. También estoy usando el valor del que hablamos para establecer una especie de movimiento ocular. Nos están dibujando los ojos hacia estos chicos y luego seguimos esta oscura forma de curva subimos y luego vemos a la chica aquí que también es heroína en la historia. La curva de la forma también dirige el ojo, que está más del lado de la composición distinto de lo que hablamos hoy con valor y colores nos traen de vuelta a estos chicos. El cuarto punto es acentos color. En este caso es el rojo aquí. Lo uso con mucha moderación y solo alrededor de área en la que quiero que tus ojos realmente se centren. Un poco arriba por lo que luego para crear esa circulación vemos en la pieza de John Singer Sargent, vimos antes. El último punto es la relación, que está estrechamente ligada al color de acento también. Me imagino si tengo rojo por todas partes y tengo este rojo la misma intensidad que este verde. Podemos echar un vistazo. Este verde está alrededor de la mitad del lado de saturación. Entonces podemos echar un vistazo a este rojo es mucho más silenciado o incluso aquí. Es mucho más silencioso y más oscuro. Por lo que de esa manera, se apoya unos a otros en lugar de competir entre sí. Ahora, cuando estamos trabajando en algo como éste, que es una portada de libro con tipo en él, tenemos que considerar el tipo como parte de la composición y por lo tanto, considerar como impacto de valor también. Entonces aquí un ejemplo de la misma portada sin el tipo. Como puedes ver, el valor, de repente, se siente mucho más silenciado. Con el tipo, la estructura de valor se siente mucho más completada. Entonces ahora que ya he cubierto los puntos clave y te he mostrado cómo disecciono la pieza de otro artista, ¿por qué no ustedes también escogen una pieza que realmente les guste y la traigan a Photoshop, usan la herramienta Cuentagotas para entender realmente el color. A lo mejor convertirlo en blanco y negro también para ver cómo es su estructura de valor. Ahora, que hemos pasado por todo esto, estamos entrando a la parte emocionante de la clase, que es robar la paleta de otras personas y luego convertirnos en la tuya. 12. Prepara tu obra: Entonces, ¿qué vamos a hacer ahora? En primer lugar, nos levantamos recoger una paleta limitada. Entonces, ¿qué significa una paleta limitada? Creo que por este bien de clase, solo significa que un palet consiste en menos de 10 colores incluyendo blanco y negro. Ahora, puedes pensar que eso suena como mucho. Pero si realmente hiciste el ejercicio nos acabamos de poner como selección de colores, otros artistas trabajan, te das cuenta en el trabajo pictórico, hay más de miles y colores y en el trabajo gráfico, por lo general hay más de 10 también. Entonces creo que 10 color es un lugar bastante bueno para empezar a tener una buena selección de interferencia de color, vistas, y valores y saturación. Construiremos sobre eso para tener una segunda generación de colores que se ha generado a partir del primer conjunto de muestras que le quitamos a otras personas. Entonces ahora, hablemos de lo que el arte sería bueno para este ejercicio. Este es el boceto que preparé para esta clase. Creo que es buena idea escoger algo un poco más sencillo. Por lo que realmente podemos enfocarnos en los colores y no confundirnos por la complejidad de la imagen. Entonces en este, tenemos un primer plano claro, un héroe claro que es la niña, y luego tenemos terreno medio. El árbol era un pájaro en él y el fondo que es sólo el cielo, jerarquía bastante simple, y tres elementos principales con los que estábamos trabajando. Antes de entrar realmente en color, solo quiero hablar un poco del modo de color porque eso fue algo realmente confuso para mí y tal vez confuso para ti también. Por lo que el modo de color se puede cambiar aquí. En su mayoría trabajamos con modo de dos colores, uno es RGB y otro es CMYK. RGB es la mezcla de color claro, rojo, verde y azul y así es como los monitores muestran los colores, y el CMYK es una separación de cuatro colores que está siendo utilizada por la impresión industrial. Entonces C es cian que es azul, M es magenta que es rojo, Y es amarillo que es amarillo. K es negro porque en la parte posterior de los días en que el color realmente actuaría en placa, el negro se llama placa de llave. Por eso ahora es caso CMYK. También vamos a echar un vistazo a la configuración de color porque te das cuenta de que dentro de RGB y CMYK, también hay diferentes espacios de trabajo, y esta es probablemente la parte más confusa. Aquí en este momento, estamos en sRGB que es la configuración predeterminada para la mayoría de los monitores, la mayoría las cámaras y la mayoría de los navegadores de Internet. Si vas abajo, abre esto ya ves que hay otra opción, muchas otras opciones. Por lo que otro común es Adobe RGB. Adobe RGB tiene una gama de colores más amplia que es alrededor de 35 por ciento más que sRGB. Podrías pensar que más es mejor. En algún caso, sí. Debido a que tiene más colores, es capaz de ser más preciso de color si imprime una pieza con ajuste Adobe RGB. Pero cuando intentas mostrar tu trabajo en línea, el color tiende a ponerse más opaco y mutter porque los navegadores de Internet no pueden leer todo este color en Adobe RGB. Entonces creo que para este proyecto, si estás pensando mayormente en presumir tu trabajo en nuestra cuota de aula o en Instagram o en línea, entonces sRGB es probablemente el camino a seguir. Pero si estás queriendo imprimirlo por ejemplo con una impresora de dólar de ausencia agradable, entonces Adobe RGB es el camino a seguir. Si vas a producir esto en masa y enviarlo a presionar, entonces CMYK es el camino a seguir. Este es un espacio de trabajo bastante utilizado para CMYK. Ahora, tenemos esto enviado a RGB. Simplemente escogeré el para la web. Aquí, tengo un dibujo de línea terminado que se basó en mi boceto. Como puedes decir está bastante cerca. Siempre digo que es importante pasar más tiempo con tu boceto porque hay una manera rápida de solucionar cualquier problema de composición antes de entrar en el dibujo de línea terminado. Lo último que quieres es que pases horas en el dibujo y luego te das cuenta de que todo el asunto tiene una base de composición muy débil. Entonces aquí estamos y lo que me gusta hacer antes de agregar color y Sue solo crear pisos. Si eso no te está familiarizado, los pisos son esencialmente cómo funcionan los artistas cómicos. Simplemente significa formas un color plano no el color final, igual que marcador de posición para cada elemento mayor. Entonces, el color de ese elemento se puede cambiar fácilmente. Entonces la herramienta de lasso es algo que uso mucho. Yo uso uno magnético también porque en este momento el contraste es bastante alto, por lo que es bastante fácil de seleccionar. Entonces lo que hace el lasso magnético es que es una especie de chasquido a lugares con alto contraste. Entonces como pueden ver aquí, estoy siguiendo vagamente la pauta y se encaja en su lugar. No va a ser un 100 por ciento exacto. Pero siempre podemos volver atrás y arreglarlo después. Es solo una forma rápida de hacer los pisos en lugar de usar la herramienta de lazo regular porque entonces tienes que ser súper estable con la mano. Ahora, haber hecho chasqueado magnético permite que las manos temblorosas. Entonces solo abrimos una nueva capa y llenamos ese color. Ahora, cuando llenas el color, no quieres usar realmente locos como neón, verde o azul o magenta porque eso va a estropear tus juicios de color. Entonces tiendo a quedarme en el neutro, y tal vez si tienes colores que ya sabes quieres usar en esa gama. Siempre me gusta organizar aquí mis capas y carpetas. Entonces cuando obtienes un montón de capas diferentes que no serán súper confusas. Entonces aquí, tenemos esta capa llena, y luego solo vas. Entonces como puedes ver aquí ya hice la selección, ahora solo agregándole color. Entonces puedo leer qué capa es cuál. En este punto, realmente no importa de qué color pongas. Al igual que un árbol gris, no significa que tenga que permanecer gris. Simplemente es fácil para ti distinguir una parte de la imagen de otra parte de la imagen. Entonces aquí, casi terminé con la mayoría de las grandes formas. Se puede ver con la mujer de aquí, lo descomponí en tres partes. El vestido aquí, el cuerpo aquí, y el pelo. Ahora mismo, el árbol está quieto, la licencia es solo una parte con la rama como segunda parte, y luego el ave en la parte superior. Entonces ahora, adelante y escoge una pieza de trabajo de ti mismo que comparta una calidad similar con el ejemplo que acabo de decir, forma más simple, primer plano claro, medio suelo, y fondo, y luego nos sumergimos en los colores. 13. "Roba" una paleta: Por lo que como mencioné antes cuando empecé, color era una de mis mayores debilidades a la hora de hacer fotos. A veces tengo una sensación muy particular de que quiero transmitir con mi arte, pero no estoy exactamente seguro de cómo se ven esos sentimientos en colores, o a veces quiero usar mucho un color en particular pero no estoy seguro de qué otros colores puedo jalar para apoyar ese color héroe, y lo que realmente me ayudó personalmente es navegando una gran cantidad de paleta diferente y luego tirando de ellos, y simplemente directamente robarlos y tratar de hacer que eso funcione con mi propia pieza, y eso es lo que ustedes chicos lo van a hacer hoy también. Bienvenido al Lado Oscuro. A mí me encanta. De acuerdo, así que bueno, nuestro lado oscuro no es realmente tan oscuro. A pesar de que estamos robando, no estamos robando todo. Creo que es muy importante que robes a artistas que funcionan muy diferentes a ti. Por lo que incluso si utilizas exactamente la misma paleta, tu trabajo al final será totalmente diferente. Es más, cuando usamos su color suele ser solo la base. Vamos a construir encima de eso, y luego desarrollar el color más para que se adapte a la pieza en la que estamos trabajando. Entonces, al final, realmente no va a parecerse a la paleta de colores original con la que empiezas. Entonces hablando de robar, también hay técnica para robar. No se puede simplemente robar todo, como, piezas pictóricas son muy difíciles de robar porque el color cambia prácticamente cada trazo de pincel o cada píxel. Entonces es difícil estrechar realmente, como, cuáles son los seis mayores, siete colores que usan. Por lo que al principio, es mucho más fácil robar cuando los colores están claramente separados en una imagen. Por ejemplo, viejo cartel de propaganda, o carteles de nouveau, o un patrón textil, o papel tapiz. Todos estos son ejemplos bastante fáciles de escoger los colores. También hay muchas paletas de colores de diseño útiles que hay alrededor en línea. Simplemente te dan esas muestras directamente arriba. Por lo que ni siquiera necesitas hacer el arduo trabajo del picking de color, que es muy exigente manualmente. Pero personalmente prefiero recolectar los materiales de los que me robe el color. Porque creo que el proceso de comisariar, también construirás tu propia biblioteca visual. También estás curando tus propios gustos y preferencias, y eventualmente eso también se va a convertir en parte de tu propio estilo de arte. Por lo que no siempre he trabajado en digital. Cuando descubrí que el color era mi debilidad, el primer medio al que volví fue en realidad el cribado de seda porque eres capaz de premezclar el color, probarlo, y ver cómo se ven antes de comprometerte con una paleta, y se pueden hacer cosas en capa, que se traducen a cómo trabajo hoy en día en Photoshop. Hay mucha similitud con el sistema de capas. Aquí hay una pieza bastante temprana que hice, y esto es lo que la paleta de colores que le robo. Creo que esta pieza es bastante obvia por qué robo la paleta de colores. Yo quiero una pieza que tenga esa vibra propagandística pasando, e incluso la composición con el sol resplandeciente y todo. Aquí hay otra con más de una composición diferente. Pero realmente me encanta la paleta de colores en este cartel que traté de ver si puedo hacer que funcione en mi trabajo, a pesar de que no comparte nada de similar con la composición. El último es más una pieza reciente, y ésta es quiero volver a visitar el viejo look de simplicidad de la serigrafía y simplemente usando colores planos, sin gradiente y sin textura complicada, y se puede ver en el derecha es la inspiración del color para eso. Entonces ahora que hemos terminado de hacer pisos para todos los elementos principales, pensemos en qué paleta de colores buscamos. Siempre podemos buscar pistas emocionales y tonales de nuestra pieza. Al igual que en el mío, siento que es bastante suave, bastante femenino, y está alrededor de la primavera en este momento, así que estaba pensando en algo rosa, y esa pista me da una dirección de mi investigación cazando por la paleta de colores. Entonces uno de mi lugar favorito para buscar recursos de color es mi estantería. He recogido muchos libros solo por el color. Se trata de una serie de libros. Este es uno de ellos, del Museo de ADN en Inglaterra. Cuenta con colección increíble, solo textil de diferente color en diferente patrón. Por lo que marco las que pensé que podrían funcionar que tiene el rosa suave que busco. Este es uno de ellos, y luego éste es otro. Aquí hay otro libro de la misma serie. Pensé que esta es una paleta bastante cool. Un poco más moderno, tal vez, con el rosa también. Entonces miré a través de unos libros más, y al final, decido que quiero hacer de este mi patrón. Por lo que este libro son en realidad textiles del kimono. Simplemente realmente acerque para mostrarle el patrón en él, y creo que esta es una paleta realmente encantadora. Entonces voy a meter eso en la computadora. Entonces, cuando estás trabajando con recursos analógicos, hay algunas maneras de que puedas meterlo fácilmente en Photoshop para elegir el color. Escanear es uno de ellos, o tomarlo con tu smartphone. Todo el mundo tiene un smartphone ahora. Asegúrate de que el ambiente de color sea bueno, luces blancas, para que no esté tintado con amarillo. Incluso si está apagado, siempre puedes ajustarlo un poco antes de elegir todo el color en Photoshop. Entonces solo tomé esa imagen con mi teléfono y luego la llevé a una computadora, y ahora voy a escoger el color con el cuentagotas y crear muestras que pueda usar más adelante. Entonces lo que voy a hacer primero es haber creado una nueva capa encima de esto, y en esa nueva capa, voy a establecer un fondo de barra gris para poder ver el color que he escogido. Simplemente escogeré un gris medio ahí, y luego seleccionaré, y luego tendré otra capa encima de la capa gris, y ahora puedo empezar a usar la herramienta cuentagotas. Entonces primero, escogeremos el verde aquí, rosa, este amarillo claro, esta parte blanca, esta gris con tinte azul, este rojo, y finalmente, este morado oscuro. Por lo que ahora, tenemos unas muestras de siete colores que podemos traer a nuestro trabajo y usarlo. Entonces agregué la barra de color neutro ahí, solo para que pueda ver el color claramente y no estar distraído por esta capa aquí mismo, y además creo que es un ejercicio interesante para entender el color y ver cómo los puntos clave que somos de hablar, especialmente la relatividad del color está en el trabajo. Por ejemplo, aquí, el verde se ve mucho más vibrante porque es adyacente a un rosa complementario. Pero aquí en el gris neutro, empezó a parecer mucho más aburrido. Entonces como puedes ver ahora, tengo la paleta de colores que acabo de construir y la arrastré a este archivo plano de colores sueltos, y puedo empezar a aplicarlos a las diferentes capas. Teniendo en cuenta fue la jerarquía que quiero que tenga la imagen, y obviamente, en esta, quiero que la atención sea con la señora. Entonces creo que voy a tener el rojo en su pelo porque ese va a ser el color más atencion agarrando. Entonces esta es su capa de pelo. Lo tengo en candado de capa. Lo que eso hace es en realidad bloquear el píxel. Observe si no tengo el candado de capa, y traté de llenar, simplemente lo llenó todo fuera o después realmente apuntar a ella. Pero si tengo el bloqueo de capa, entonces solo puedo usar llave corta para llenar que es Alt-delete para llenar el color de primer plano. Eso acaba de hacer que el proceso sea un poco más rápido para mí. Recordamos que el mayor contraste te da la mayor atención. Entonces pensemos en usar un color más claro para su piel, entonces tenemos el alto contraste con el cabello y su piel. Entonces escojamos este color casi blanco con un tinte de azul aquí, y luego de nuevo, usamos un atajo para llenarlo, o simplemente puedes llenarlo con esta herramienta también. Creo que la forma, quiero que el cuerpo lea como una forma continua, y en este momento esta parte la está rompiendo. Por lo que probablemente voy a convertir el vestido rojo en un valor similar con el color de la piel, y el amarillo parece una buena opción. Ahora, pasemos al fondo, que es otra gran, gran parte, y realmente contribuya al estado de ánimo de la imagen. Yo quiero esa romántica sensación rosada que tenemos. Entonces voy a agarrar a esos bebé rosa, y luego encajar en el fondo. Como puedes ver, de repente esas luces cambiaron realmente en la imagen. Por lo que ahora de repente, se siente mucho más cálido y amistoso que antes. Ahora, cambiemos también el árbol. Entonces, lo que estamos haciendo aquí es en realidad reemplazar todo el color del placeholder por uno del color de estas muestras, y esto sigue siendo dejar ir cosas ásperas, por lo que parte del color podría no funcionar. Mira aquí, yo no lo cerré. Esa fue una buena demostración de lo que no se debe hacer. Simplemente puedes seguir adelante hasta que casi hayas llenado todos los pisos que has creado. En este punto, no te preocupes demasiado que me siento como si me quedara corto de color todavía, vamos a ampliar en eso, este momento solo trato de quedarme con las muestras y utilizarlas todas para todas tus capas de pisos. Puedes seguir adelante y hacer lo que acabo de hacer, crear muestras y luego usar la muestra, aplicar a tus capas de pisos, y al siguiente paso empezaremos a desarrollar esos colores. 14. Personaliza tu paleta: Está bien. Entonces en este punto, ya hemos aplicado todo el color de las muestras a todas nuestras capas planas, y honestamente me gustan bastante las direcciones que va. Algunos de ustedes podrían incluso decir, “Está bien, se ve bastante hecho”, como tal vez ese es el estilo cómico plano que vas por y eso está totalmente bien. Creo que saber cuándo parar siempre es una pregunta difícil, y cambia a medida que se obtiene más experiencia, tiene una mejor comprensión de ella. Pero en este punto, siento que ir con tu tripa es lo probablemente lo mejor, y si sientes que eres RP ya ha logrado los objetivos que tenías en mente, entonces siéntete libre de parar en cualquier momento. Pero para mí, siento que esta pieza tiene el potencial de mejorar aún más, sobre todo teniendo en cuenta el sentimiento cerebral que quiero transmitir. Siento que sigo un poco rígido, así que voy a seguir adelante. Entonces como estoy viendo esta pieza en este momento, creo que lo que destaca para mí el primero es el color de la piel. Siento que es un poco demasiado blanco, y porque el color que había escogido de la muestra tiene este tinte azul claro, y la hace sentir un poco zombi y así ir en contra de esa sensación que tengo. En este punto, que podemos crear color secundario mediante el uso del color de las muestras. Entonces voy a entrar en la capa de mujer y luego encontrar su piel, que es esta capa. Voy a duplicar esta capa presionando Comando-J. Entonces ves esa capa aquí. O puedes usar esto para duplicar esa capa. Simplemente me gusta usar una llave corta porque es mucho más rápido. Entonces ahora, tengo una nueva capa de lo mismo, otra vez, la cerramos. Estaba pensando que tal vez agregar algo del rosa ayudará. Entonces esta capa la voy a convertir en una capa rosa. Vamos a llenarlo, esta es la capa. Entonces ahora, tengo esta capa superior de la piel, ahora la piel es de dos capas siendo rosada. Pero entonces esto fusionando demasiado con el fondo, por lo que siempre puedo ajustar la opacidad. A lo mejor 50 para dejar pasar la capa inferior. Entonces ahora al tener virtualmente dos capas encima una de la otra y luego la capa superior semitransparente, estoy creando un nuevo color. Entonces después de que se haga la piel ahora mis ojos realmente se sintieron atraídos por el pájaro porque el pájaro parece bastante alto contraste también y quiero tonificar eso. Entonces voy a hacer lo mismo, voy a duplicar esta capa de una capa, la capa de bloqueo. Quiero mantener la relación de color medio suelo en los greens. Entonces voy a usar el verde aquí sobre esta capa duplicada. Entonces haz lo mismo, ajusta la opacidad. Entonces ahora, me siento como el pájaro tanto más empuje hacia atrás en el espacio, para entonces nuestra señora puede venir hacia adelante. Todas esas pequeñas hojas voladoras, no hemos cambiado su color por lo que sigue siendo blanco, y realmente está saliendo hacia adelante por un alto contraste. Entonces sigamos adelante y aún le daré algo de color y lo empujaré hacia atrás. A lo mejor darle amarillo ahora mismo. Entonces como lo puedes ver de esta manera podemos crear nuevos colores a partir de los colores originales de las muestras mezclándolas visualmente y cambiando la opacidad. Entonces en este punto, estoy bastante contento con los colores principales que meto con todos los elementos. Definitivamente la imagen se está volviendo más suave y hacia donde quería estar. Pero una cosa realmente salta hacia mí es en realidad la línea ahora, que tenemos que recordar que la línea también es parte de la imagen, y el color de la línea también es parte del sistema de color aquí. La línea negra acaba de empezar a sentirse un poco demasiado dura, de nuevo eso es más una elección estilística. A mí generalmente, me gusta algo un poco más pictórico y el desenlace, en lugar de algo que quizá sea más gráfico. Entonces sigamos adelante. Creo que, por ejemplo, con este, encontremos la capa de cabello. Está bien. Por lo que siempre es bueno volver a comprobar esa es la capa que quieres, incluso solo por otra vez mezclarla con opacidad como suavizarla, tal vez un 40 o 45 por ciento. Ya es si te gusta un mejor hecho solo el bloque negro y luego con el cuerpo forrado. Eso es otra cosa, me gusta porque esta pieza trabajo digitalmente, y sabía que quiero cambiar el color de la línea eventualmente. Entonces trabajo en las líneas en capas separadas, así que es fácil para mí cambiar el color de esa manera. Pero si trabajas de manera tradicional con tus líneas entrando, siempre puedes separar tus líneas como la forma en que separas los pisos. Entonces démosle un color rosa a ese brazo, y ahora siento que estamos perdiendo un poco de sus labios porque se ha convertido en el mismo color de la cavidad dentro de su boca. Entonces voy a recoger este color que acabo de crear bajando la opacidad negra de la línea del cabello. Entonces ahora, hay un nuevo color y lo voy a usar para el contorno de su boca. Entonces puedes seguir haciendo esto por la otra parte de la imagen hasta llegar al punto de que sientes que todo se siente bien y suave en este caso, o lo que sea que estés tratando de lograr con tu pieza. Como pueden ver aquí, he cambiado todos los colores de mi línea en este punto y para mí creo que el color todavía puede usar un poco más de profundidad, y creo que voy a introducir una fuente de luz para realmente ayudar con eso perspectiva atmosférica. Entonces creo que me encanta usar mucho gradiente, olvidé quién mencionó esto, pero están diciendo gradiente esencialmente es el paso del tiempo, que creo que es bastante romántico porque si nos fijamos en nuestra naturaleza del tiempo nosotros ver gradientes, se muestra como el amanecer o el atardecer con un cambio de tiempo muy dramático. Entonces creo que con esta pieza, la fuente de luz va a bajar de aquí arriba, y eso va a ser realmente agradable porque ella está mirando aquí arriba, y esto puede crear como un foco una vez la luz y su dirección de mirar. Por lo general con las luces, pensamos en la luz amarilla, como más del sol y más en el calor, como una luz azulada, más como electrónica, más artificial, o como realmente de la mañana una especie de luz fresca. En este caso, creo que definitivamente es más una situación de luz cálida. Entonces voy a tener una nueva capa, y luego voy a agarrar mi herramienta de gradiente aquí. Creo que voy a usar este amarillo. Entonces en este momento, más o menos sigo usando el color que ya tenemos, siempre podemos ajustar esos colores más adelante a medida que vamos. En el offset, siento que solo le dan tanta profundidad a la pieza, como el aire del centro en la parte superior se siente más ligero, hay una dirección. Habla de consistencia del color, ahora siento que el cabello ya no está reflejando este entorno. Entonces voy a hacer un duplicado de capas que acabamos de hacer. Entonces también introduce este mismo amarillo como, pero ahora, en realidad estoy recogiendo esta nueva luz amarilla la cual fue mezcla del rosa y el amarillo anterior del vestido para éste. Después llénale el cabello y luego agrega una máscara de capa. Me encanta hacer máscara de capa porque de esa manera puedes controlar la capa, cambiar una capa sin alterar realmente nada, por ejemplo, alrededor de medio gradiente, pero luego puedo apagar esta masa de capa y sigue siendo una capa intacta. Entonces no siempre puedes volver atrás si no te gusta lo que hiciste y es no destructivo, lo cual es realmente genial. Un gradiente más ligero, siento que tal vez esto es un poco fuerte así que voy a ajustar la opacidad de la capa para bajar un poco por ahí. Ahora, voy a hacer lo mismo con el árbol, duplicar una capa, y luego aplicar el mismo amarillo, hacer la máscara de capa de los gradientes. Por lo que en máscara de capa, funciona como negros siendo lo negativo, siendo el blanco el positivo. Entonces ahora, estoy teniendo un gradiente de negro arriba, lo que significa que estas partes se están borrando. Entonces mostrando la capa debajo de ella justo aquí. Entonces ahora, estoy mezclando visualmente color de esa manera, y luego también voy a bajar un poco la opacidad, para no perder demasiado ese verde en el fondo. Entonces me gusta la dirección y adónde vamos. Creo que las grandes formas están en buen lugar. Entonces es momento de meterse en la forma secundaria y realmente enriquecer la imagen, y agregarle algo de complejidad e interés. 15. Perfecciona tu paleta: Lo primero que creo que necesitamos crear como opp resplandeciente para esta flor. El renglón ya está insinuando que está brillando, pero aún no tanto. Entonces esta es la capa que agregué con el mismo color que un vestido. Pero obviamente, necesitamos bajar la opacidad para que realmente podamos ver la flor. Ahora, con este encuadre, la flor está recibiendo más atención que antes también. Como puedes ver, también agregué algunos gradientes a las rodillas y las manos donde suele ser un poco más rojo en el cuerpo humano. Por lo que simplemente se siente mucho más llamativo que antes. Ahora, podemos seguir adelante y hacer una nueva capa, después ponerla en un nuevo grupo a partir de esta capa, formas secundarias. Siempre los titulé con el fin de mantener mi archivo organizado, porque de esa manera, cuando hago clic con el botón derecho en algo, aparecía el título entonces sabría qué es. Especialmente cuando tienes como más de 100 capas lo que pasó con mi trabajo. Entonces ahora, realmente podemos acercar y luego más o menos lo mismo que nuestros pisos antes. Todavía podemos usar nuestra herramienta magnética o la Herramienta Lazo para crear banderas secundarias. Esa fue una banderas secundarias. Yo sólo voy a, en este punto, usar también colores de marcador de posición. Permítanme que limpie esta selección. Después simplemente creando forma más secundaria. nos puedas decir un lío, el magnético se alejó por otro filamento de línea. Entonces cuando presionas “Alt”,, la Herramienta Lazo se convierte en una Herramienta de Lazo de resta, para entonces podrás corregir tu selección de esa manera. O puedes presionar “Shift” y el Lazo se convertirá en aditivo Lasso. Por lo que se sumará a tu selección. También voy a hacer la forma secundaria para las hojas también. Entonces de nuevo, nueva capa lo puso en nueva foto, formas secundarias. Otra herramienta que me gusta usar para conseguir selección es solo rápida Varita Mágica. Si haces clic aquí, que ha muestreado todas las capas, toma un todo en consideración, y lo que está haciendo es seleccionar esa área que está siendo rodeada de diferente color. Entonces si no tengo los encendidos como muestreo solamente, hace capa vacía. Entonces, esencialmente, seleccionas todo el asunto. Pero si he muestreado toda capa en, entonces mira la imagen como todo toda la capa juntos y solo selecciona esta parte, y eso es lo que quiero. Entonces voy a hacer un montón de selección secundaria de hoja rápida. Ver aquí hay un pequeño hueco, por eso se pasó. Por lo que esa parte podría no ser tan buena para usar nuestra herramienta mágica, que está bien. Volveremos ahí con nuestro Lasso. Entonces solo puedes seguir haciendo esto hasta que sientas que has cubierto mayor parte de la forma secundaria a la que quieres agregar color diferente. Por lo que en este punto, he seleccionado todos mis elementos secundarios, y cuando selecciono, usualmente tengo una regla general que uso. Con un elemento secundario, lo que quiero hacer es crear volúmenes dentro de una forma más grande. Por ejemplo, en estos cabellos donde creo que sería lo más destacado, meto un color más claro, y donde creo que será en sombra o cóncavo, le pongo una forma más oscura. Lo mismo con las hojas, donde creo que está golpeando la luz, me pongo un tono más claro y donde creo que se está alejando de la luz, pongo un tono más oscuro. Esto es solo áspero y puedes decir que se siente un poco rígido como si tuviera cabello plástico. Entonces vamos a suavizar eso y hacer que realmente se sienta como parte de esta forma más grande. Nuevamente, lo que me encanta hacer es usar gradiente. Por lo que esta fue la zona más destacada. Voy a añadir la masa de capa. Entonces pensemos realmente en cómo se comporta el cabello de una manera tridimensional. Alrededor de la raíz probablemente va a estar entrando y atrapando menos de la luz. Entonces creo que lo más destacado es un poco demasiado fuerte y se puede suavizar aquí. Lo que hago es sólo borrar esa parte de ella con la herramienta de gradiente. Lo mismo con el cabello que está detrás del brazo. Eso es probablemente un poco de sombra de caché pasando. Pero quiero todo lo que sea blando en este punto. Por lo que realmente no voy a poner en un caché todo esto todavía. Por lo que sólo voy a suavizar eso borrando parte de ese punto culminante. Por lo que sigue viendo a través de nuestra capa base, que son estos dos ahí. Aquí, también se ve al oscurecer esta zona, de repente esta parte está saliendo. Entonces hay mucho empuje y tira como esculpir, como si tuvieras que escoger en forma primero y luego te metes en detalles. Lo siento, solo tendido el momento más pequeño hacia fuera y haciendo la pieza más refinada de esa manera. Por lo que ahora, tengo todas mis formas secundarias en su lugar feliz, felizmente mezclando con las formas primarias. Creo que definitivamente es una mejora de donde venimos. Pero en general, siento que todavía le falta algo de esa calidez de la luz. Por lo que ahora, en realidad vamos a cambiar activamente estos colores con esas útiles herramientas de ajuste que están disponibles en Photoshop. Entonces esta es una prueba de que la herramienta digital tiene que la herramienta tradicional no lo hace, como si pintaras algo, no puedes simplemente hacer una diapositiva y convertirla en mayor intensidad o cambiarla a un tono diferente. Pero podemos y esta voluntad. Entonces tenemos que aprovechar eso. Por ejemplo aquí, creo que ojalá hubiera un poco más de calidez con estas hebras aquí en comparación con aquí abajo. Entonces voy a meterme en las capas capilares, ver titulo que detalles del cabello. Voy a entrar en Saturación de Hue. Recuerda que hablamos de eso desde el principio. Por lo que esta es la herramienta que permite manipular la saturación de tonalidad del color que ya tienes. Entonces solo puedes colorearle las piernas tumbadas a ver. Bueno, eso es bastante guay, quiero decir como tener un punto culminante morado. Pero creo que voy por algo un poco más armonioso. Amar el amarillo, pero un poco demasiado intenso. Entonces tal vez no tanto. A lo mejor digamos como un 15 y un poco más alto. Por lo que esto nos permite desplazar el matiz a lo largo de ese deslizador de color. Esto, estoy aumentando un poco la saturación y entonces ese es el brillo. Creo que por el brillo, no podemos simplemente tener que sea igual. Con la vista previa, esto es lo que uso mucho. Encuentro realmente útil es comparar el antes y el después, y eso es tan grande en la toma de decisiones. Creo que es una mejora, así que voy a ir por ella. Creo que en general, el color sí se siente un poco aburrida también. Entonces déjame entrar en segundo plano y subir eso también, dándole un poco más de saturación. Entonces ahora ve, compárelo. Se siente mucho más caliente. Sí. Entonces esta es parte realmente divertida ya que puedes empezar a entrar en formas secundarias y luego empezar a cambiar los colores individuales. Ahora, hacemos clic en “Muestra todas las capas”. Por lo que sólo es tomar muestras de esas capas actuales. Creo que este proceso puede ser más intuitivo, como lo que se siente bien. Es decir de alguna manera, soy como espaciar las cosas para esta imagen. Por lo que parece que no todo el cambio de color de la hoja está en un solo lugar. Está bien. Entonces tal vez estará fresco si algunas de las hojas están un poco más en el lado azul. Porque quiero decir si realmente miras a una planta como su color es tan complejo y es imposible emular por completo esa parte. Aquí hemos cambiado apenas unas hojas, y de repente, estos árboles se siente como si tuviera mucho más color o simplemente riqueza en color porque espacié las diferentes hojas azules. Ahora, voy a seguir con las hojas más ligeras también. Nuevamente, espaciándolo, y luego cambiando. Siento como por qué la herramienta digital a veces es tan grande para las personas que no son sólo para el color, porque realmente se puede ver lo que está cambiando incluso sin conocer realmente la teoría detrás de ella. Pero entonces a través de este proceso, en realidad estás aprendiendo cómo funciona el color. Entonces es casi como si estuvieras aprendiendo mientras lo estás haciendo, lo cual es realmente genial. Entonces puedes seguir adelante con el resto de las pequeñas formas. 16. Toques finales: Entonces en esta etapa, creo que casi hemos terminado. Lo que me gusta hacer normalmente cuando envuelvo unas piezas es realmente empujar aún más el volumen con algunas sombras y reflejos. Esa es realmente la parte divertida, porque simplemente hace que los objetos sean mucho más pronunciados de repente. Entonces lo que voy a hacer primero, es agregar otra capa llamada mujer sombra en la parte superior de la capa de mujeres, y me gusta crear Máscara de recorte. Lo que eso significa es, ver cómo esa flechaita, significa que ahora está adherido a esas carpetas. Entonces lo que sea que dibuje, solo aparece en el área donde está la capa base. Entonces cuál es la capa que se está conteniendo en esta carpeta. Entonces si suelto la Máscara de Recorte, puedes decir igual que dibujarla en todas partes. Entonces significa que los efectos que estoy haciendo lo que sea sólo se está aplicando a esta capa y no hay otros píxeles en el fondo. Por lo que eso viene muy útil a la hora de hacer sombra, porque no necesitas preocuparte realmente por el oriente al contorno realmente limpio. Déjame mostrarte a lo que me refiero. Por ejemplo, quiero un poco de esa sombra de efectivo aquí, ¿no? Entonces con este borde, hay que ser un poco cuidadoso porque al menos en la misma capa, el cabello y el flash es grupo en la misma capa de mujer. Pero una vez que creo la Máscara de Recorte, ver cómo estas piezas acaban de llegar finalmente a la limpieza. Entonces lo que hago es seleccionar Multiplicar y eso da un tono de color más oscuro mezclando el azul que acabo de recoger, y el color de carne de este cuerpo. Por lo general, con una luz más cálida, medio sombras más frías. Entonces en este caso, solo tomo este azul, una especie de azul neutro y luego lo aplico. Entonces cuando usas Multiply, generalmente el color se vuelve más intenso también, así que tiendo a usar un color más neutro para hacer eso. Nuevamente, así es como se ve cuando es normal, y luego cuando se multiplica, se ve así con la capa Clipping Mask. Entonces voy a seguir adelante y en donde creo que debería haber sombra como por ejemplo, debajo de las axilas aquí. También voy a adjuntar estos recursos. Entonces si realmente quieres entender cómo funcionan esas capas de mezcla, como todo esto, todas hacen cosas diferentes y son especialmente útiles a la hora manipular fotos que los recursos van a ser muy útiles pero por lo general, la mezcla más que uso es la multiplicación para la sombra. Por ejemplo, a la sombra, siento que no debería ser así de duro. Cuando llegó a la parte del vestido, entonces de nuevo estamos sacando unas herramientas muy útiles, máscara de capa, y tener esa parte especie de ser borrado, y que siguen la curva mucho más agradable. También podemos agregar algunas sombras a por lo menos para pop las individuales aún mejor para dar a la ilusión de una global más volumensidad. Lo mismo Multiplique, por ejemplo aquí. Entonces, puedes ver tal vez este color se sienta un poco demasiado ligero cuando estamos usando en el árbol. Entonces, siempre podemos volver atrás y luego abordar eso también, bajando el valor como por ahí, y luego haciéndolo normal. puedas recoger eso, ese color simplemente lo creamos, traerlo de vuelta a Multiply para que puedas ver cómo se ve eso cuando se está usando como color de sombra. Podemos seguir adelante con eso. Pero mira cómo se siente esta área de las hojas está saliendo de esta área así que solo estás agregando volumen extra a esa forma. Entonces, también podemos agregar algunos reflejos, más destacados, y por lo general son como los huesos de las mejillas, pueden ponerlo en detalle aunque tenemos aquí. Entonces, con lo más destacado, solo puedes escoger el color como aquí y luego aquí elegimos un valor. Bueno, esto ya está muy cerca del blanco, así que no hay mucho más que podamos ir de ahí. Pero aún se puede ver, para subir la capa porque estaba detrás de la capa de línea. Entonces, eso se siente como un poco demasiado, así que deja bajar la capacidad. blanco siente que no funciona en el labio como los reflejos, eso es demasiado blanco, así que escojamos un color rosa claro, entonces ahí vamos. Si sientes que tal vez la flor te puede algunos puntos, por lo que se parece más a rocío y lindo, nosotros también podemos hacer eso. Pero este lugar es justo como agregar los toques realmente finales porque la parte grande ya está hecha. Ahora, es igual que la cereza encima del pastel. Entonces creo que ya terminé, y creo que la pieza está en un buen lugar. Creo que ustedes también deberían comparar su pieza final con la primera versión cuando tan sólo se aplican las muestras de la paleta de otras personas que acabas de ver y luego las muestras de la paleta de otras personas que acabas de ver y luegover hasta dónde han llegado y cómo han hecho eso por su cuenta. Por lo que el siguiente paso, solo te voy a mostrar cómo has ido a exportar tu pieza para poder compartirla con todos tus amigos y familias y ex novios y ex novias. 17. Exporta tu obra: Ahora hemos hecho nuestro arduo trabajo, por supuesto, tenemos que contarle al mundo al respecto. El Photoshop archivos y la capa como forma de grande para compartir realmente en línea, así que ahora lo vamos a exportar. Lo que vamos a hacer es ir a Archivo, Exportar, Guardar para Web porque estoy asumiendo que quieres compartirlo en línea. Guárdalo como JPEG a menos que estés haciendo cosa como GIF. No lo estamos. Yo quería que fuera JPEG alto, solo significa buena calidad. Aquí puedes buscar 4-Up. Lo que significa es que te muestra las cuatro versiones diferentes de lo que la calidad es como un cierre baja como aquí 15 por ciento. El tamaño del archivo va a disminuir con él. Supongo que solo tienes que encontrar ese punto óptimo que sientes que es un buen tamaño como tal vez no quieras publicar algo que es como 59 megabyte que nadie puede abrir. Pero sigue siendo de buena calidad no darle realmente el crédito a tu trabajo, ¿verdad? Aquí creo que 60 luce bastante bien y siempre puedes cambiar tu calidad que para ver si hace algo diferente, como 80. Entonces otra cosa que realmente ayuda a reducir la calidad y el tamaño es limitando el color. En nuestro caso, el color no es tan complicado. Entonces no ves una muy grande diferente pero si ves como, usa una foto o usa algo con mucha variedad de colores, entonces a medida que la calidad baja, es bastante notable como algunos colores simplemente ya no estarán ahí. Haga clic en Convertir a sRGB si no estaba trabajando en él o simplemente haga clic en para ser guardado porque los navegadores de Internet utilizan sRGB. Ahora mismo mi talla es bastante grande porque siento que podría querer imprimir esto, me gusta esta pieza. Se trabajó a 300 dpi, por lo que esto es realmente grande. Creo que para en línea, como alrededor de 1700 ya es realmente bueno. Es lo suficientemente bueno para como un flash completo en la página de tu sitio web y simplemente revisa todo. Copyright, Contact Info, eso depende si quieres tenerlo, y puedes configurarlo en una parte diferente de Photoshop. Vista previa, Monitor Color, sí, sí y solo guardas. Espera a que se cargue, entonces puedes guardarlo como pieza impresionante en por ejemplo el escritorio. Imagen, JPEG, sí, guardar. Entonces tendremos nuestra pieza impresionante aquí mismo. 18. Reflexiones finales: De verdad espero que hayas disfrutado del proyecto y que te dejes aprender algo nuevo. Creo que la comida para llevar más grande para esta clase es conquistar tu miedo en color. Entonces creo que robar el color de la cultura de otras personas es realmente solo el primer paso. Cuando empecé a tener una mejor comprensión de los colores, paladar definitivamente lo gasto, y siento que por eso, tengo una gama más amplia de vocabulario, visualmente para oponerme a diferentes temas. Entonces espero que ahora encuentres el color un poco menos intimidante y emocionado por explorar más. No puedo esperar a ver lo que has creado. Muchas gracias por tomar esta clase. 19. Explora más clases en Skillshare: