Transcripciones
1. ¿De qué se trata esta clase?: ¿Alguna vez has
mirado la
acuarela y te has preguntado cómo un paisaje sencillo
puede sentirse tan lleno de luz, profundidad y atmósfera? A menudo, no se trata de
agregar más detalles. Se trata de entender
cómo simplificar, colocar valores y usar la luz
y la sombra intencionalmente. Cuando estudiamos el trabajo
de maestros pintores, no solo
estamos
copiando la pintura, estamos aprendiendo cómo
simplifican una escena, qué eligen enfatizar y cómo traducen lo
que ven en una pintura. Hola a todos.
Soy Bianca Rayala Soy artista de acuarela, educadora y maestra de
Skillshare. A lo largo de los años, he tenido la
alegría de enseñar a miles de estudiantes de todo el
mundo aquí en Skillshare Mis clases se
tratan de hacer que la acuarela sea accesible, alegre
y significativa. Trabajo con marcas como Schminka silver Brush Limited
y Arc and Mounts Esta clase forma parte de mi
serie de estudios de acuarela Master donde aprendemos acuarela estudiando
las técnicas y decisiones artísticas
de grandes pintores. En mi clase anterior
en esta serie, exploramos cómo Joseph's Bookwch captura la atmósfera y el estado de
ánimo en sus paisajes, especialmente cómo simplificamos las
escenas y creamos esa luz suave y
hermosa así que si aún no
has tomado esa clase, te animo mucho
a que la revises también porque
realmente complementará
lo que vamos a aprender aquí En esta clase,
vamos un paso más profundo. Nos centraremos en cómo
usa la luz y la sombra, cómo simplifica las escenas
en formas de fuerte valor y cómo usa colores cálidos
y fríos para crear esa hermosa
sensación de profundidad y brillo El cuadro que estudiaremos hoy
puede parecer simple al principio. Es un
campo tranquilo con graneros, árboles y vacas en pastoreo. Pero a medida que avanzamos por
el proceso, verás cómo
cada parte del mismo es intencional desde la forma en que se muestra la luz hasta cómo se agrupan
las sombras. Cómo se mezclan los colores. Todo funciona en conjunto
para guiar el ojo del espectador. Te guiaré a través de todo
mi proceso desde observar la pintura, comprender los valores
y la temperatura, mezclar colores y construir
la pintura paso a
paso usando técnicas de
acuarela sueltas y expresivas. Esta clase es perfecta
para artistas principiantes a intermedios o
cualquier persona que quiera pintar con más confianza
y entender cómo crear luz y
atmósfera en su trabajo Espero que esta clase te ayude a construir ritmo de práctica
creativa, redescubrir la alegría de pintar, y tal vez incluso
sorprenderte en el camino Así que prepara tus pinceles reúne tus materiales
y pinta junto conmigo. Me encantaría ver tus creaciones y escuchar tu experiencia. Comparte tus páginas de cuaderno de bocetos
conmigo en Instagram o
en la
sección de proyectos de clase aquí en No puedo esperar a ver cómo le das vida a estas pinturas, así que agarra tus pinceles, y comencemos.
2. Materiales: Antes de comenzar a pintar, permítame compartir rápidamente cuál será
su proyecto de clase. Para esta clase, me encantaría que crearas tu propio estudio maestro inspirado en esta
pintura de paisaje de Joseph Zbukvic Una vez que termines tu pintura, no
olvides subirla a la sección de proyectos para que
todos podamos ver y celebrar tu trabajo. Y como se trata de
un estudio maestro, es muy importante que siempre
reconozcamos al artista original,
Joseph Zbukvic Si compartes tu
trabajo en redes sociales, te animo a darle
crédito y agradecerle y mencionar que tu pintura
está inspirada en su obra. Es una forma sencilla de
mostrar respeto y aprecio al artista del
que estás aprendiendo. Ahora, déjame
guiarte rápidamente a través los materiales que
usaré para la clase. Para mi papel, estoy
usando 100% algodón, papel
acuarela,
300 GSM, prensa fría. Estoy usando papel de grado Bao Hong
Artist. Me encanta cómo este papel
absorbe el agua y la pintura. Me da el tiempo suficiente
para trabajar mojado y mojado sin
dejar de sostener
hermosas texturas. Para mis pinturas, estaré usando
acuarelas SmicaHadu. Estaré trabajando desde
mi paleta habitual, y en realidad puedes
encontrar mi lista completa de colores en la
sección de investigación de esta clase. Pero solo para guiarte, es útil tener una mezcla de
colores cálidos y fríos. Algunos de los colores clave que
usaremos son amarillo limón,
amarillo ocre, azul ultramarino, azul
cobalto, verde oliva, violeta cobalto, chena
quemada, naranja cadmio, azul
hielo o No necesitamos todos los
colores del mundo. Lo importante es tener una versión
tanto cálida como fresca para que
podamos crear ese
hermoso resplandor de luz y profundidad
en la pintura. Para mis pinceles, estaré usando mis pinceles go to de
Silver Brush Limited. Usaré mis pinceles de
sable renacentista en talla diez y ocho para la
mayoría de mis lavados. Mi pincel
ultra redondo de seda plateada 88 para
trazos y detalles más controlados, y un pincel
delineador de terciopelo negro tamaño uno para líneas muy finas
como cercas y acentos También es útil tener un cepillo plano grande para
pre-humedecer superficies como teded. Otros materiales
que también necesitaremos son lápiz y borrador para
dibujar, un rociador de agua, dos tazas de agua, toalla de papel o un trapo, y cinta adhesiva para sujetar tu papel en su lugar y
crear un Y por último, puedes descargar
la foto de referencia de Joseph Zbukvic y mis estudios de
maestría en la
sección de investigación de la clase, para que puedas pintar conmigo Siéntete libre de usar cualquier
material que ya tengas. Lo que más importa es
entender el proceso.
3. Observación de la pintura maestra: Antes de comenzar a pintar, tomemos un momento para
observar realmente juntos la
pintura maestra. En esta clase, estaremos estudiando sombras
vespertinas de
Joseph Zbukvic Compartió que este es uno de sus lugares favoritos
en Australia, los viejos cobertizos de fabricación
cerca de Melbourne, y se pinta a
última hora del día, razón por la
que vemos estas largas hermosas sombras que crean una sensación
de atmósfera
tan fuerte También notarás las
vacas en primer plano. Ayudan a llevar el
ojo del espectador a la pintura. Y curiosamente,
mencionó que a menudo coloca vacas en
sus composiciones, aunque en
realidad no estén presentes porque ayudan a
fortalecer el flujo visual Ahora, a medida que
estudiemos su pintura, veremos las
siguientes áreas para aprender efectivamente
de su obra. Comenzaremos a observar
su composición, cómo usa la luz y la sombra, cómo aplica colores cálidos
y fríos, cómo crea atmósfera
y uso de bordes,
su pincelada, y cómo
conserva la luz
y las formas simplificadas El granero se posiciona
ligeramente descentrado, cerca de donde estaría una regla de la línea de
tercios. Esto lo hace sentir
equilibrado y no estático. Le da a una pintura un arreglo natural
y agradable. También hay una clara
sensación de movimiento desde el oscuro primer plano a través del prado iluminado por el sol
y hacia Las vacas y los postes de la cerca guían
sutilmente el ojo hacia adentro, creando un camino visual que
nos lleva a la escena Cada elemento tiene
espacio para respirar, y juntos crean
una composición que se siente equilibrada, cohesiva
e intencional Al mirar el corazón
de la pintura, que es la luz y la sombra, lo que realmente me destaca es la fuerza con la que se enfatiza la
luz. Si simplificas la escena, podemos ver dos formas dominantes. Primero es una gran
forma de luz brillante a través del prado. Y segundo, es una
fuerte masa de sombra en primer plano y
alrededor de los árboles Joseph no hace que la luz brille al agregar
más brillo. En cambio, lo hace poderoso al oscurecer las sombras
circundantes El primer plano es
intencionalmente profundo y fresco, casi como un escenario, permitiendo que
la luz destaque Las sombras se agrupan en una forma conectada en
lugar de dispersas, y esto crea claridad y fortalece el diseño
general. Las sombras proyectadas
del granero y los árboles están pintadas con trazos orgánicos
sueltos, lo que mantiene la sensación natural y expresiva
en la pintura. Entonces, lo que realmente estamos
tratando de ver aquí es que la luz se enfatiza haciendo más fuertes
las sombras. Ahora, mientras observo los colores, puedo ver como la temperatura
soporta la luz. Cuando decimos temperatura, es el uso de
colores cálidos y fríos para crear ambiente. El prado iluminado por el sol es cálido. Está lleno de amarillos suaves verdes cálidos,
y en contraste, la sombra contrasta las áreas de
shapecialgground,
la palabra blues
fresco Este contraste entre cálido y frío realza
el brillo de la luz. El cálido tira de la
luz hacia adelante, mientras que los tonos más fríos
permiten que las áreas retrocedan Otra cosa que noto
es el uso de bordes. El cielo, las montañas distantes y los árboles de
fondo están pintados
con bordes muy suaves. Casi se disuelven, lo que los
hace sentir lejanos. A medida que nos acercamos
al punto focal, el granero y partes
del primer plano, los bordes se vuelven
ligeramente más Este desplazamiento en los bordes ayuda a guiar el ojo y
refuerza la profundidad Ahora, este cielo está pintado con una simple mezcla de lavados
cálidos y fríos, creando una atmósfera natural Las montañas brumosas en la
distancia apenas están definidas. Se suaviza con sutiles
texturas y salpicaduras. Aquí podemos ver que
José pinta atmósfera en un enfoque muy sencillo pero muy
intencional. Permite que la pintura se
sienta ligera y atmosférica. Ahora, mirando la pincelada, los árboles están pintados con trazos expresivos
sueltos No son detallados, pero sugieren claramente
forma y estructura. Esto me recuerda que no
necesitamos pintar todo. Solo necesitamos pintar lo suficiente
para que el espectador lo entienda. Ahora, mientras miramos
esas luces conservadas, mirando de cerca el granero, especialmente en el lado derecho, noto pequeñas áreas
de papel intacto Estos blancos conservados
representan la luz. Entonces aquí podemos ver que
en lugar de pintar la luz, José la protege
dejándola sin pintar Ahora, pasemos a las vacas. Las vacas son formas simples
con solo unos pocos trazos, pero son inmediatamente
reconocibles No son sólo sujetos. Forman parte de la
composición y ayudan a guiar el
ojo del espectador hacia la escena. Al tomar todo,
puedo ver que cada decisión
en esta pintura es muy intencional desde la colocación y la
composición hasta la luz y la
sombra hasta la temperatura, los bordes y la pincelada,
todo funciona en conjunto para crear una escena
atmosférica unificada Y al comenzar a pintar, esto es lo que queremos
llevar con nosotros. No solo estamos
copiando lo que vemos, estamos aprendiendo a observar, simplificar y tomar decisiones
artísticas reflexivas.
4. Comprensión del valor y la temperatura: Antes de hablar de la temperatura del
color, primero
entendamos
cómo se
utilizan los valores en esta pintura
porque en la acuarela, valor es la base. Crea estructura,
profundidad y claridad. Si simplificamos lo que vemos, esta pintura se puede
agrupar en tres valores principales. Uno es ligero, el
prado iluminado por el sol y partes del granero, dos es de tono medio Se trata de los árboles detrás
del granero, la tierra lejana, y las zonas sombreadas
de las estructuras, y tres, oscuras, el primer plano
y las Incluso sin color,
estos tres valores ya hacen que la pintura funcione. Empecemos por la luz. La luz se muestra muy
intencionalmente a través del prado, formando una forma grande y clara. No está disperso, se
agrupa para crear impacto. Esto se convierte en el principal
punto focal de la pintura. Ahora fíjate como se soporta la
luz. El primer plano es mucho más oscuro, casi como un marco, y este contraste hace que la
luz se sienta Las sombras alrededor de los árboles y cerca del granero también
están conectadas, formando una
forma oscura fuerte y unificada en lugar de
muchas pequeñas. La idea clave que queremos
ver aquí es que la fuerza de
la luz
depende de la fuerza de
los oscuros que la rodean Ahora veamos los tonos medios. Estos se encuentran en los árboles detrás y alrededor del granero y el paisaje distante
y las partes del granero que no son golpeadas
directamente por la luz. Se sientan entre la luz y la oscuridad, ayudando a que todo se sienta
conectado y equilibrado. Las zonas distantes son
más suaves y ligeras, lo que ayuda a empujarlas
más atrás en el espacio. El valor también crea
profundidad en la pintura. Las
áreas más ligeras y suaves están en la distancia,
los valores más oscuros y fuertes están en Este contraste guía
el ojo del espectador y crea una sensación de profundidad. Entonces incluso antes de agregar color, la pintura ya
funciona porque los valores son claros
e intencionales. Cuando tus valores son correctos, tu composición se lee claramente. Tu luz se siente creíble, y tu pintura tiene profundidad Ahora que hemos entendido cómo se colocan los valores
en la pintura, vamos a darle un
paso más allá y hablemos de la temperatura del color. Porque una vez que tus
valores son claros, la temperatura es lo que da vida a
la pintura. Crea esa sensación de
luz, profundidad y atmósfera. La temperatura del color
simplemente significa si un color se siente cálido o frío. Los colores cálidos incluyen amarillo, naranja y verdes cálidos, mientras que los colores fríos incluyen azules, violetas y verdes más fríos En acuarela, no
solo miramos el color. Nos fijamos en lo cálido o fresco que se siente un color en
relación con otro. Si observamos la pintura, el prado iluminado por el sol es cálido con tonos amarillos y verdes
amarillos El techo y la luz que calientan
el granero también se inclinan calientes. Los árboles detrás del granero son más neutros a ligeramente fríos. montañas distantes y el fondo son más
fríos y suaves, y la sombra de primer plano y las sombras
proyectadas son las áreas
más frías y oscuras Entonces aquí, José no sólo está
pintando claro y oscuro. Está usando
contraste cálido y fresco para realzar la luz. Los colores cálidos traen la luz hacia adelante mientras que
los colores fríos empujan las áreas hacia atrás. Observe cómo la luz del sol a través del campo se inclina
hacia tonos cálidos. Se siente brillante y resplandeciente. Entonces mira las sombras en primer plano y
alrededor del En lugar de solo
hacerlas más oscuras, están pintadas
con tonos de color. En lugar de sólo
hacerlas más oscuras, están pintadas
con tonos más fríos, azules y violetas apagadas Este contraste entre la luz
cálida y la sombra
fría es lo que hace que la
luz se sienta aún más fuerte. La temperatura también
ayuda a crear profundidad. El fondo es más
fresco y más suave, por lo que retrocede por el medio suelo, como los árboles y
las estructuras se asientan en el medio, y el primer plano es
más oscuro y ligeramente más frío, lo que Incluso dentro del mismo valor, los colores
más fríos tienden a retroceder mientras que los colores más cálidos se
presentan. Mientras pintas, en vez de
preguntar de qué color es este, intenta preguntar, ¿esta
zona es cálida o fresca? ¿Apoya la luz? Si tu luz se siente débil, enfría tus sombras, y si tu pintura se siente plana, introduce más contraste de
temperatura. Incluso con el contraste,
seguimos queriendo armonía. Puedes lograr esto
usando una paleta limitada, dejando que los colores se mezclen de forma natural y repitiendo colores
en toda la pintura. Así que recuerda, el valor construye la estructura y la temperatura
crea el estado de ánimo. Y cuando trabajan juntos, tu pintura comienza a sentirse
más natural y viva.
5. Estudio del color: O. A medida que comenzamos a mezclar colores,
quiero recordarles que
esta actividad está pensada para ser una guía básica y
fundamental para entender los tonos
cálidos y fríos medida que avanzamos por la pintura, las mezclas exactas pueden
variar ligeramente dependiendo de cómo se relacionen los
colores entre sí. Nuestro objetivo no es
igualar exactamente los colores, sino crear una sensación de
armonía en toda la pintura. Entonces, en lugar de enfocarte en
copiar mis mezclas exactas, trata de entender el proceso para
que puedas mezclar con confianza tus propios colores cálidos o fríos usando cualquier paleta que tengas Empecemos por la
zona más ligera, la pradera iluminada por el sol. Estoy mezclando amarillo limón, un poco de ocre amarillo y un toque de finura ultramarina Esto crea un verde
natural que se siente cálido pero aún equilibrado. Estoy manteniendo esta mezcla
ligera y diluida para que se mantenga transparente y
permita que la luz brille. Ahora, para construir profundidad, tomaré esa mezcla
y un poco de henna quemada Esto suaviza el verde y nos
da un tono medio más terroso Voy a usar esto para las zonas de
transición, lugares que no están
completamente a la luz, pero tampoco en la sombra profunda. Para los árboles, crearé una
mezcla un poco más rica usando amarillo limón, finos
ultramarinos, y un poco de
naranja y un toque
de naranja y un toque
de Esto desplaza el color hacia
una temperatura más fría, lo que ayuda a empujar
el primer plano hacia atrás y hace que la luz en
el prado se sienta Para las sombras, estoy
usando azul ultramarino, enna
quemada y un poco
de violeta cobalto Esto le da un color de sombra rico, fresco y
ligeramente silenciado. Si lo quiero más fresco,
agrego más azul o violeta. Si lo quiero más suave, agrego más enna quemada. Mm. Para el cielo, lo mantengo simple. Estoy mezclando azul cobalto
con violeta cobalto, y en algunas zonas,
mezclaré un poco de ocre amarillo Esto crea una sutil variación de
temperatura para que el cielo no se sienta plano. Mientras mezclo, no estoy
pensando en colores exactos. Me pregunto, ¿es
esto cálido o fresco? ¿Apoya la
luz y la sombra? Y ajusto las mezclas a medida que voy. Recuerda, no es necesario que todos los colores
sean exactamente iguales. Lo que más importa es que
empieces a entender cómo controlar la temperatura y crear
armonía en tu pintura. Pasemos a la siguiente lección donde estaremos haciendo
el boceto a lápiz.
6. Boceto a lápiz: Muy bien. Antes de comenzar
nuestro boceto a lápiz, pegemos todos los lados
del papel en una tabla. Esto ayuda a asegurar
el papel y también evita que
se doble mientras pintamos, especialmente cuando comenzamos a
trabajar con más agua Mientras miro la pintura de
referencia, comenzaré colocando la línea del horizonte en algún lugar por
debajo de la mitad. Esto ayuda a crear una composición más
equilibrada y da espacio para
que la luz realmente destaque. Yo bosquejo ligeramente en
las montañas distantes, solo una indicación suave,
nada demasiado detallado. A continuación, dibujaré el granero
aquí del lado izquierdo. Intentaré mantener mis marcas muy ligeras y sueltas
en esta etapa, solo trazando la ubicación. Entonces agregaré los dos árboles entre
los graneros. En realidad no me estoy
centrando en los detalles aquí, formas
simples para
sugerir su forma. Ahora, coloquemos los otros graneros cerca del centro del papel Al dibujar, presto
atención al ángulo
del techo para que se sientan
naturales y a tierra. También bosquejo en la
línea de árboles detrás de los graneros, nuevamente, manteniendo todo
suelto y mínimo A continuación, dibujaré
algunas pautas para
las sombras proyectadas
a través del prado. Trato de mantener la
dirección consistente para que la luz se sienta
creíble más adelante Vamos a agregar el
tanque de agua aquí a la izquierda. Y a medida que avanzo,
también estoy tomando nota de las zonas donde el papel queda sin pintar
en la referencia Estos son importantes. Estos son importantes
porque representan la luz, y
quiero asegurarme de conservarlos después. Ahora voy a bosquejar en las vacas. En esta etapa, no estoy pensando en dibujar
vacas a la perfección. Solo me estoy enfocando en
sus formas generales. Pueden parecer un poco
abstractos por ahora, pero una vez que pintemos las
luces y los oscurecidos, empezaremos a unirnos B Por último, agregaré el poste de cerco de madera a través del prado y varío su altura y espaciado para
que no se sientan demasiado uniformes. Ahora, mirando todo
el boceto, realmente
puedo ver cómo
se coloca todo intencionalmente. La mayoría de los elementos están
agrupados a la izquierda, pero naturalmente conducen el ojo hacia la
luz en el campo. Y eso es lo que hace que la composición sea tan
hermosa y efectiva. Oh Pasemos
a la siguiente lección
y empecemos a pintar.
7. Proceso de pintura: lavado del fondo: Empezar a pintar. Empiezo por empañar
ligeramente el papel
con mi pulverizador de agua Esto hace que la superficie esté
ligeramente húmeda y ayuda a que los primeros lavados
fluyan más suavemente Ahora voy a mezclar
el color para el cielo. Tomo ocre amarillo y
violeta cobalto con mucha agua, luego agrego azul cobalto Notarás que esto
le da un suave calor neutro. Debido al
violeta, la mezcla se mantiene equilibrada y
no se vuelve verde. Cargo bien mi pincel y empiezo a pintar el cielo usando trazos
horizontales. Agrego un poco de violeta en algunas zonas donde quiero que el
cielo se sienta un poco más fresco. Después un toque de ocre
amarillo cerca del horizonte para traer de
vuelta algo de calidez. Ya, podemos ver
una suave interacción de tonos cálidos y fríos
en el fondo Dejo los árboles y las partes iluminadas de los
graneros sin pintar porque
quiero que estas áreas brillen con el
blanco natural del papel A continuación, tomo
violeta cobot, azul cobot y un poco de
amarillo limón para crear una mezcla fresca y
morada para las montañas distantes Hago esta mezcla un poco más
cremosa que el lavado del cielo, así que se siente un poco
más cerca de nosotros que del Hago esta mezcla un poco más
cremosa que el lavado del cielo, así que se siente un poco
más cerca que el Lo pinto mientras
el cielo aún está húmedo así que el borde se mantiene suave, perfecto para ese efecto
atmosférico que queremos en la montaña lejana. Ahora, mezclemos un hermoso verde para el prado
usando amarillo limón, ocre
amarillo y
azul ultramarino Agrego los colores poco a poco hasta conseguir
la mezcla que quiero. Estoy apuntando a un verde
amarillo brillante que capture la luz del sol fresca
calentando el campo Notarás que el
papel ya se está secando. Entonces, en esta etapa, necesito una
consistencia más fluida para llevar
el lavado uniformemente a través de la forma Y así como mencioné en
nuestra lección de mezcla de colores, siéntete libre de variar la
proporción de tus colores. El objetivo no es crear exactamente
la misma mezcla sino
lograr la temperatura de
color correcta. Siempre y cuando la mezcla
se sienta lo suficientemente cálida, podemos retratar la
luz con éxito Mientras pinto el prado, intencionalmente
dejo sin pintar a las vacas
en las partes más brillantes
del granero Ahora, quiero que le pongas mucha
atención a este siguiente paso. A medida que nos movemos hacia el primer plano, necesitamos cambiarnos a un verde más
fresco y oscuro Entonces mientras veas la
mezcla que estoy haciendo, notarás que agrego más
violeta al verde. Esto me da ese contraste fresco al lado del prado más cálido. Pinto cuidadosamente la parte sombreada
del campo, manteniendo esa forma inclinada para crear movimiento y
flujo en la Recuerda, la luz
brilla más cuando
está rodeada de un
fuerte contraste oscuro Entonces aquí, no me da miedo ir audaz y más oscuro
para enfatizar la luz A veces puede dar un poco miedo agregar oscuros
a una pintura,
pero con la práctica, poco a
poco aprendemos a confiar en ella Aquí estoy frotando algunos puntos más oscuros alrededor las vacas para fortalecer
el contraste Con algunos trazos suaves, también
agrego rayas de
sombra a través del campo Nuevamente, no tengas miedo de los valores
oscuros en las sombras. Mientras la
zona siga mojada, podremos seguir ajustando
y profundizando el tono Pero una vez que la superficie
comienza a secarse, es posible que necesitemos remoistenerla primero
antes de
agregar otra capa Esto nos ayuda a evitar
bordes duros o floraciones no deseadas. Ahora, estoy revisando
la zona montañosa para ver si aún está húmeda. Al mirarlo, me
di cuenta de que el árbol al lado también debería
tener un borde suave, por lo que parece que pertenece
más atrás en la escena. Como el papel se ha secado un poco, humedezco ligeramente el área con un pincel plano para poder crear
ese tropo de borde suave Ahora, mezclo un
verde violáceo fresco para el árbol. Al probar la superficie, estoy contento con el nivel de
humedad. No es demasiado húmedo
ni demasiado seco, solo para crear bordes suaves
pero aún definidos. A medida que hago los trazos, presta mucha atención
a cómo sostengo mi pincel y cómo lo
giro ligeramente mientras pinto. Esto ayuda a crear marcas
dinámicas más fluidas para los árboles. Hacemos el mismo tipo de
pinceladas cerca del horizonte. Pero aquí, intencionalmente
dejo algunos pequeños huecos sin pintar Posteriormente, esto aparecerá como
puntos de luz en el prado, y esta es una hermosa
manera de sugerir tanto sombra proyectada como luz
dispersa, lo que agrega mucho interés
a la pintura final. Ahora, tomo Brncena y violeta
cobalto con un poco de naranja
ultramardan para
el árbol detrás del granero Nuevamente, humedezco ligeramente la
zona con un cepillo húmedo para pueda obtener una combinación de bordes suaves
y duros mientras pinto Pinto cuidadosamente
alrededor del techo, creando un borde más afilado
para definir su forma Asegúrate de que el área
alrededor del techo esté lo suficientemente
seca para que puedas
perfilarla claramente. También profundizo la oscuridad justo encima del techo para
aumentar el contraste Y nuevamente, siempre recuerden, la luz brilla más brillante donde
el contraste es Ahora que esta parte del
prado está ligeramente seca, salpique un poco de agua en primer plano para crear flores
suaves Sigo agregando más árboles para
ayudar a definir la forma
del techo del granero, y esta vez, note que ya no
estoy mojando la zona. Como queremos que este árbol
aparezca un poco más cerca, lo pinto con bordes más
secos, más afilados. Ahora vamos a pintar el
árbol en el extremo izquierdo. Presiono y muevo mi pincel
con diferentes presiones y ángulos para crear esos trazos orgánicos
sueltos Tenga cuidado de no pintar sobre las áreas que queremos mantener la luz, como la parte superior del tanque de agua y algunos lados del techo. U Para rematar los árboles, pintemos esta zona
en la parte superior izquierda. Mezcle una piedra grisácea cálida para esto porque es un árbol
que se siente más cerca de nosotros. También me rasco ligeramente con el dedo para
sugerir ramas. Y por último, tomo un
pincel delineador para pintar las ramitas, junto con algunos puntos
oscuros y toques
de colores para crear más profundidad A medida que continuamos con
este estudio de maestría, es muy importante
seguir preguntándonos qué podría haber estado
pensando
el artista y cómo
ejecutamos cada estrope Así es como empezamos
a entender su proceso de toma de decisiones. Y así es como realmente
aprendemos de un maestro, para que podamos llevar esa visión, estilo y sabiduría a nuestras
propias pinturas en el futuro. No.
8. Incorporación de sombras y contrastes: Sigamos
pintando las sombras proyectadas para construir contraste y
desarrollar aún más la pintura. Empezaremos con
las sombras proyectadas alrededor de los árboles y graneros Primero verifico si el
papel ya está seco. Al pintar sombras,
la superficie necesita estar
seca para que podamos crear trazos
limpios y definidos. Mezcle un verde grisáceo fresco y empiezo con una
sombra debajo del árbol Lo conecto a la base, así se lee como una forma
continua. Hago lo mismo mientras
pinto una sombra proyectada debajo del granero usando un trazo horizontal
suave. También mantengo la
mezcla transparente para que el underpainting aún
pueda mostrarse a través Entonces
profundizo ligeramente las sombras en primer plano para agudizar
el
contraste alrededor de la casa Ahora, vamos a pintar las paredes
ensombrecidas de los graneros. Doy este paso despacio
porque es muy importante. Definimos la estructura
del granero pintando
sus sombras. Un consejo útil es
entrecerrar los ojos de vez en cuando. Esto le permite
ver la sombra como una forma grande en lugar
de formas separadas. No estamos pintando objetos, estamos pintando formas de sombra. Este cambio de pensamiento nos ayuda a entrenarnos para pintar de manera
más efectiva. También dejo unos pequeños huecos sin pintar para preservar la luz Observe que uso la
misma mezcla de colores para todas las sombras en el área focal para que
todo se sienta unificado. A continuación, pintemos los árboles en el medio usando pinceladas
secas. Asegúrate de eliminar
el exceso de agua de tu cepillo para lograr ese defecto de textura
rugosa, y trata de no pasar demasiadas
veces por
la misma zona para que no
pierdas la luz ni los espacios cubiertos sin pintar Sigo construyendo las
sombras y proyectando sombras. Mientras mezclo, me aseguro de que mis grises mantengan en el lado más fresco
agregando más azul El proceso sigue siendo el mismo. La clave es mantener
la consistencia correcta. Queremos que la mezcla
sea fresca y oscura pero aún
transparente y fluida. Esto ayuda a crear
una sensación atmosférica en lugar de algo
pesado o aburrido. Ahora, centrémonos
en el área del techo. Esta parte es muy importante
porque necesitamos un borde nítido y
afilado para definir
la forma y
hacerla destacar sobre
el fondo más suave. A continuación, pinto la
sombra debajo del techo con un solo trazo
horizontal. Mantengo el valor consistente
con las otras sombras. Casi terminamos de
agregar sombras. Agrego algunas sombras más proyectadas en el lado derecho del prado
usando pequeños toques de pintura Esto puede parecer aleatorio, pero se colocan
intencionalmente. Asegúrese de dejar pequeños espacios de luz conservando
manchas de color verde. Ahora, terminemos las
sombras del lado izquierdo. Simplemente estoy repitiendo
el mismo proceso, entrecerrando los ojos y observando
donde se
colocan las sombras y luego traduzco
eso en Al hacer este estudio maestro, es importante notar
cómo José pinta la luz. No pinta
la luz directamente. Pinta las sombras
a su alrededor. Esta es la clave. Enfatizamos la luz
fortaleciendo las
sombras que la rodean. Ahora
ajusto ligeramente el tono
del techo acristalando una capa de pintura muy
ligera. También agrego algunos trazos de burncenna entre los árboles
para separarlos ligeramente. Si bien el aire aún está húmedo, agrego algunas líneas finas en el techo para el detalle
usando burncenna Para terminar esta sección, agrego
acentos menos oscuros donde sea necesario. Entrecerré los ojos y comparo
mi pintura con una referencia para verificar si algún
valor necesita ajuste Por último, agrego las pequeñas
ventanas y sus sombras.
9. Añadir detalles finales: Así que ahora estamos dispuestos a agregar los detalles finales como el techo, las vacas, y realzar el
primer plano con flores Vuelvo a pintar los detalles de línea de la cubierta ya que la capa
inicial se ha desvanecido Suavizo suavemente los trazos con mis dedos para que no se
vean demasiado oscuros ni duros A continuación, oscurezco la
sombra que hay debajo. Estos ajustes
solo se hacen cuando es necesario, por lo que siempre es bueno comparar tu trabajo con la
pintura maestra a medida que avanzas. Ahora, empecemos a
pintar las vacas. Nuevamente, no estamos pintando
objetos, estamos pintando formas. Empiezo colocando
las manchas más oscuras, luego agrego un suave tono
lavanda para sugerir las
partes blancas sombreadas de los cuerpos de las vacas Al hacer esto, estoy
dando forma a la silueta. A pesar de que no los estamos
pintando de manera realista, estas simples marcas son suficientes para crear una impresión de vacas Al observar cómo los pintó
José, puedo ver cuán intencional es
cada marca. La adición de reflejos
blancos opacos realmente da vida a las vacas. Es un enfoque tan simple pero
poderoso. Sigo agregando
pequeños puntos de pintura cerca del horizonte para sugerir
vacas en la distancia, y es increíble cómo
solo unas pocas marcas pueden comunicar
tanto al espectador. Después agrego algunos
toques más de pintura blanca sobre las vacas en primer plano para que destaquen aún más A continuación, agrego pequeños
reflejos en los graneros. Los coloco sin apretar, sobre todo dentro de las áreas de sombra, pero tengo cuidado de
no exagerar Ahora estoy usando una
mezcla espesa de amarillo limón. Añado puntos en primer plano
para pintar las flores silvestres. Los
esparzco de manera natural, evitando la simetría y
varío los tamaños. Es hermoso cómo
los toques simples aportan un sentido de vida
a la pintura. Después pinto un poste de madera
usando una mezcla marrón oscuro. Utilizo una consistencia cremosa para lograr un efecto de pincel ligeramente
seco. H Después de
eso, pinto las sombras de caja del poste usando la misma
mezcla de sombras que usamos anteriormente. También agrego algunos detalles más en la parte iluminada
del prado, asegurándome de
incluir sombras proyectadas para que los elementos no
sientan que están flotando. Oscuzco parte de la pose en primer plano donde sea necesario para fortalecer el Por último, pinto los diminutos tallos de las flores usando
una mezcla de color verde oscuro. Utilizo trazos ligeros, veloces y presión
muy suave
para mantenerlos delicados. Después con un pincel delineador
y una mezcla gris pálido, agrego unos
pajaritos en el cielo. Ten cuidado de no
hacerlos demasiado grandes. Y eso es todo. Nuestra
pintura ya está completa. Espero que hayas aprendido
tanto observando y estudiando la obra del libro de
José que hice yo.
10. Reflexiones finales: Gracias por acompañarme hoy
para esta clase de acuarela. Espero que esta sesión te haya ayudado a reconectarte con tu creatividad y te haya recordado
que pintar puede ser simple, liberadora y divertida Espero que hayas disfrutado
pintando esto conmigo, y espero que te ayude a entender
mejor cómo
trabajar con la luz, sombra y el color en acuarela. Me encantaría ver tus creaciones y escuchar tu experiencia. Comparte tus páginas de cuaderno de bocetos
conmigo en Instagram o
en la
sección de proyectos de clase aquí en Déjame saber qué tema
disfrutas más o cómo esta práctica te ayuda a
estacionar tu flujo creativo. Si disfrutas de la clase, por favor considera
dejar una reseña. Tus comentarios significan mucho para mí. Me ayuda a mejorar
mis clases futuras y realmente me anima a seguir
haciendo más contenido para ti. Si quieres seguir
adelante con tu viaje, te
invito a que revises mis otras clases de
cuaderno de bocetos de acuarela o pruebes mi
clase de viaje en acuarela donde pintamos escenas inspiradas en
lugares y recuerdos reales Son una excelente manera de mantenerse inspirados y mantener ese impulso
creativo. Hasta entonces, sigue
pintando con libertad, sigue tu curiosidad, y te
veré en la siguiente clase.
Bianca Rayala, Top Teacher | Watercolor Artist
