Diseños para hacer lettering: jerarquía, composición y sistemas de tipografía | Jon Contino | Skillshare
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Diseños para hacer lettering: jerarquía, composición y sistemas de tipografía

teacher avatar Jon Contino, Creative Director

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Avance

      1:10

    • 2.

      Historia: manuscritos ilustrados, Art Nouveau y periódicos

      8:44

    • 3.

      Historia: el siglo XX

      3:09

    • 4.

      Jerarquía y formas: miniaturas

      9:36

    • 5.

      Jerarquía y formas: miniaturas (continuación) y cómo componer formas

      8:07

    • 6.

      Jerarquía y formas: ejercicio de composición

      10:50

    • 7.

      Sistemas tipográficos: pregunta n.° 1

      7:28

    • 8.

      Sistemas tipográficos: pregunta n.° 2

      7:50

    • 9.

      Sistemas tipográficos: pregunta n.° 3

      6:05

    • 10.

      Sistemas tipográficos: pregunta n.° 3

      7:09

    • 11.

      Sistemas tipográficos: pregunta n.° 4 (continuación)

      4:45

    • 12.

      Integración de tipografía e imagen

      8:31

    • 13.

      Explora más sobre diseño en Skillshare

      0:37

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

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Estudiantes

31

Proyectos

Acerca de esta clase

Al crear lettering para un producto o un resultado específico, debes pensar cuidadosamente en las imágenes, las ilustraciones y el espacio negativo para comunicar una idea en un área definida. Esto significa que el diseño puede ser más importante que la letra misma. No importa si eres un diseñador independiente o si haces lettering como hobby; el proceso de tomar tus formas de palabras e incorporarlas a un diseño práctico es una herramienta increíblemente valiosa para tu arsenal creativo.

He tenido la suerte de trabajar en innumerables proyectos que requieren una gran cantidad de diseños, tanto con otras marcas como por mi cuenta. Desde ropa hasta carteles y equipo deportivo, cada plataforma supone desafíos nuevos, pero los principios básicos de la jerarquía, la composición y la comunicación son los mismos. Me entusiasma poder compartir estas lecciones contigo para tu estilo de lettering pueda prosperar en varias plataformas.

Qué aprenderás

Vamos a repasar formas de aplicar tu lettering a una variedad de productos, usando diseños simples para lograr resultados hermosos. Ten en cuenta que NO aprenderemos a crear lettering. (¡Para eso hay muchas otras clases increíbles de Skillshare!) Incluiremos:

  • La historia de los diseños. Aportes importantes al diseño de afiches, empaques y publicidad de generaciones anteriores y de hoy en día.
  • Jerarquía y diseño espacial. Cómo establecer el orden y el valor al comunicar palabras escritas, y cómo usar bocetos de miniaturas y formas para crear un mapa para la disposición del lettering.
  • Sistemas de tipografía. Descubrir cuáles son los tipos de letras que funcionan bien juntos para fortalecer el lettering y los objetivos de comunicación.  
  • Integración de tipografía e imagen. Cómo usar la jerarquía y el diseño espacial para encontrar un equilibrio entre foto, ilustración y tipografía.

Qué harás

En esta clase, mejorarás tus habilidades de diseño creando marcos de composición para respaldar tu lettering, entre ellos, tipografía e imágenes. Cada paso del proyecto te ayudará a pensar de forma crítica y sistemática en todos los elementos de tu composición de diseño cohesivo. ¡Diviértete!

 

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Jon Contino

Creative Director

Profesor(a)

As a New York native, I have been under the influence of corporate mass marketing and inspirational street art since my first breath. Not surprisingly, I have garnered considerable attention for my unique approach to design utilizing hand-drawn lettering and typographic illustration in conjunction with a modern yet minimalistic sensibility.

I received numerous accolades for my fusion of old and new world aesthetics and continue to influence modern trends in graphic design and apparel design.

I reside in New York with my wife Erin and daughter Fiona where I work as a freelance illustrator, and also as Co-Founder and Creative Director of menswear brand CXXVI Clothing Company.

For a complete list of my features and accolades, check out the information ... Ver perfil completo

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Transcripciones

1. Avance: Mi nombre es Jon Contino y soy diseñador. Estaré impartiendo una clase de diseños para composición jerárquica de letras y sistemas de tipo. De lo que vamos a empezar es la historia del diseño y la composición, es como de donde viene en diseño bastante gráfico. Después saltaremos a una jerarquía y diseño espacial, y básicamente cuál sería la base de cualquier pieza de diseño gráfico solo en general, luego nos pasaremos al tipo en sistemas de letras y familias, y luego nos meteremos en integrar imágenes, e ilustración. Lo que no es esta clase, no es una clase de dibujo, no es una clase de letras a mano, lo que esto es, es una clase para ayudarte a aprender a componer correctamente. Podrás tomar tus experiencias externas de otras clases y de otros proyectos, e integrarlas a esto. Todo se basa en fundamentos, todo se basa en la composición y el espacio y la jerarquía, y eso es lo que vamos a intentar realmente ganar un agarre muy sólido. 2. Historia: manuscritos ilustrados, Art Nouveau y periódicos: Entonces, bienvenido a la clase. Vamos a hacer un poco de una lección de historia, y echar un vistazo a lo que ha existido en el pasado, lo que existía en el pasado no tan reciente, y lo que existe hoy. Cuando estás lidiando con diseños y composición, la forma más sencilla en que podrías descomponerlo es el hecho de que o vas a tener una pequeña cantidad de información que necesitas mostrar, una especie de cantidad media, y luego una enorme cantidad de información para mostrar. No importa a qué periodo de tiempo estés referenciando, no importa de dónde vengan tus referencias, ese siempre ha sido el caso. A veces la gente tiene un poco que decir, a veces la gente tiene mucho que decir. Vamos a ver el diseño en cuanto a dónde se colocan las cosas, vamos a ver los tamaños de cada cosa, qué es más grande, qué más pequeño. Nos vamos a tomar un poco para ver el color, y cómo eso se utiliza para diferenciar. Vamos a echar un vistazo a cómo se envolvieron las piezas finales. ¿ Hay algún pequeño detalle que ayude realmente a juntarlo todo? Se puede tener una página de dos palabras, se puede tener una página de un millón de cosas pero ¿cuál es el factor unificador? Cada una de estas cosas tendrá un factor unificador que las amarró. Entonces, nos aseguraremos de pasar por todas esas cosas y mirar cada pieza de ella. Con la creación de libros y la capacidad de empezar a hacer estas referencias utilizables usando letras e imágenes, definitivamente hemos visto cómo el diseño y la estética fundacional, composicional, realmente comienzan a desarrollarse. Especialmente viendo estas imágenes, se puede ver dónde empiezan a tener sentido las pautas, cómo están definiendo formas, están definiendo áreas de importancia. El concepto de un trazado en sí apenas comenzaba a florecer en este punto. El uso de una cuadrícula en realidad comienza ahora mismo a. Realmente ves donde algo con lo que estamos tan familiarizados hoy tiene sus raíces, estos viejos manuscritos iluminados que recordaron realmente fueron los fundamentos básicos de los diseños creados hoy y la composición básica de hoy elementos fundacionales. Estos manuscritos Iluminados, realmente estaban pateando alrededor de los cientos 12 o así. El siglo XIII es una especie de marca prima para estos. Definitivamente existen un poco antes, un poco después. Pero yo diría que el punto principal de popularidad para estos probablemente alrededor del Siglo XIII, periodo renacentista. Están muy adornados, están hechos maravillosamente. Todos están hechos a mano, esto fue antes de la invención de tipos móviles, así que realmente no tenías otra forma de crear un libro como este. Entonces, son hermosas piezas de trabajo, pero la idea y el concepto de jerarquía y legibilidad no necesariamente se aborda como la abordamos hoy. Se trata más de un enfoque en un determinado drop cap o ilustración particular en lugar de tratar de digerir toda la información de una forma muy legible de vista rápida. Eso es algo que surgió en los tiempos modernos. Entonces, estos son los cimientos, aquí es donde todos comenzamos, este es el inicio de la cadena evolutiva si se quiere. El siguiente movimiento del que realmente quiero hablar es el Art Nouveau. Me gustaría saltar al Art Nouveau porque como nos estamos concentrando un poco en las letras, aquí es donde empezamos a ver los inicios del diseño gráfico tal como lo conocemos hoy, y creo que es muy importante darse cuenta de que sobre todo con algunas de estas imágenes que vemos aquí, particularmente el Empaquetado de cigarrillos Job que es de Alphonse Mucha. Un favorito particular mío. Creo que es importante darse cuenta de cómo el diseño gráfico está tomando forma a través de este periodo. Mucha gente mirará esto y lo considerará finas obras de arte, pero yo personalmente y otras personas también lo considero algunas de las primeras etapas del diseño gráfico. Crearon hermosas ilustraciones en conjunto con bellas letras, y sigue siendo lo suficientemente simple como para que sea legible, llega el punto a través. Muchas de estas cosas tienen que ver con productos, es genial poder entender que están vendiendo producto, estos son anuncios tempranos, y está bellamente hecho y está hecho sin ir por la borda o perturbar la legibilidad o el concepto de todos modos. Es una cosa hermosa pero no tardó mucho en este Mundo. Desafortunadamente, murió bastante temprano en el 1900. Entonces, estas son una especie de las últimas piezas que veremos a partir de este estilo en particular. Entonces, a finales de 1800 y principios de 1900, el Periódico se convirtió en algo que era sumamente importante para el diseño gráfico. Era mucho más fácil de hacer, era más barato de hacer, y en ese momento, con todos estos aspectos jugando en él, empezamos a ver mucho más estilización. Las ilustraciones se volvieron más ornamentadas, se volvió menos ornamentadas. fotorealismo comenzó a jugar en él, se convirtió mucho más en un enfoque en el producto. Se ve más de la mentalidad de Las Vegas Strip Times Square comienzan a desarrollarse, donde las cosas serían llamativas y audaces y grandes y atrayentes, para que te fijaras ahí primero. Esto también es una especie de creo que tal vez somos el capitalismo empieza a asentarse. Entonces, la idea de economía colocó en por qué estas piezas se ven como lo hacen. Si por casualidad miras este Anuncio, lo primero que notas es Coca-Cola. Este sujeto de pie aquí sostiene un vaso y Coca-Cola está justo sobre su cabeza. Entonces, ese tipo de inmediatamente te lleva hacia abajo a donde ves cinco centavos, es como empieza a leer un poco sobre ello y automáticamente estás vendiendo un producto. El uso de esta jerarquía está ayudando a dirigir al espectador tal manera que está creando casi una directiva, donde ni siquiera tienes que estar ahí para decirle a la persona a qué camino debo ir. El diseño real el tamaño de las cosas y la posición hacia ellas en la página las está dirigiendo para ti. Entonces, aquí es donde la composición y el diseño realmente comienza a tomar forma, y lo importante que es tipo de trabajo con varios estilos y mantener un ADN unificado porque estos Anuncios ciertamente funcionan como una sola pieza unificada. Se puede ver por qué es importante que sea como es. Porque incluso hoy, incluso en el siglo XXI, todavía podemos mirar esto y logra exactamente lo que me propuse hacer. Entonces, este es un gran ejemplo de tipo de donde comienzan los diseños y la composición modernos. Estás viendo una variación y estilos de tipo, todos están captando tu atención, como que no sabes dónde buscar primero, pero es algo genial. Se puede ver cómo varios estilos de tipo pueden vivir en una página y aún no parecen completamente estar chocando. Funciona todo el diseño. Entonces, mientras tengas ese ADN consistente como dije , seguirá funcionando. Entonces, si pasas al Fall Foot Wear, puedes ver casi más de un campo Art Nouveau actualizado. Pero en lugar de que el enfoque esté en la ilustración, el enfoque está en el letras, el enfoque está en el mensaje. Entonces, esa es una gran manera de realmente poner en contraste cómo el Art Nouveau cambió hacia lo que se estaba convirtiendo en el diseño gráfico. Se trataba más de vender un producto, se trataba más de vender una marca, y realmente se puede ver aquí. Entonces, si pasas a la siguiente, la afeitadora de seguridad En-Ready, esta es probablemente la más moderna de las cuatro, porque la marca está al frente y al centro, la imagen es realmente como un revés, no es tan necesario, te está mostrando lo que hace, eso es todo lo que importa. Es decir, esta imagen en realidad podría incluso ser más cómoda para el comercial televisivo de hoy porque la copia que está encendida ahí es algo que necesitas leer en tu cabeza y debería tener un tono particular. De la forma en que se presenta, tiene este tono de que te está dando una idea de lo que es la afeitadora de seguridad siempre lista. sólo mirar esto, casi lo puedes imaginar como un comercial televisivo, por lo que este es un gran antecedente a la publicidad moderna en su conjunto en cualquier forma de medios, y luego tiene mucho que ver con la jerarquía y la forma en que el ritmo para las cosas juega así que es genial echar un vistazo a este y ver cómo se convertirá en que conoces nuestra plantilla moderna para lo que es todo tipo de medios publicitarios. 3. Historia: el siglo XX: medida que pasamos de principios del siglo XX a mediados del siglo XX, todo se vuelve súper simplificado. Estás consiguiendo estos diseñadores que están empezando a especializarse en el arte del diseño, en el arte de la maquetación, en el arte de la composición. Se ha vuelto muy claro cómo la jerarquía, y el ritmo, y el tono, y este tipo de ADN compartido son importantes para los anuncios. Hay una variedad de médiums que todos utilizan los mismos ideales, y todo se reduce a donde empezamos con estos manuscritos iluminados iniciales y sus cuadrículas. Es decir, si miras algunos de estos, hay rejillas. Muy presentes, pero están rotas. Se trata de personas que entendieron la naturaleza de la grilla y lo importante que era, y la entendieron tanto que pudieron jugar con ella y manipularla. Si miras algunas de estas piezas, verás muchos usos ingeniosos del espacio positivo y negativo. Verás cómo se utiliza el ritmo para comunicar un mensaje. Si comienzas a leer a través de todas estas imágenes en particular, casi puedes obtener una sensación del ritmo. Se puede obtener una idea de cómo se deben leer. Si miras la parte superior, dice, “Una exposición acuaria en White Lake, Nueva York”, el hecho de que el “in” sea pequeño, sabes que no se supone que se enfatizen tanto como el resto de las otras palabras. Creo que eso es importante darse cuenta. Estas imágenes aquí son un gran punto de salto para empezar realmente a hablar de lo que vamos a estar hablando en esta clase. Hay sistemas tipográficos, hay maquetación, y ahí está la integración de la imagen, que, en este caso, es ilustración. Entonces, realmente puedes empezar a ver cómo viven estos sistemas tipo en un lugar divertido. Por ejemplo, si miras el cartel de “Little Richard”, hay ilustración y hay fotografía. No necesariamente tiene que ser uno de los otros. Mientras una imagen desempeñe un papel en esto, eso es algo así con lo que estamos jugando. Pero si nos fijamos en el tipo, tenemos una fuente grande en negrita en la parte superior, tenemos un letrero guión pictórico, debajo de él, tenemos el propio “Little Richard”. Es muy grande y audaz, pero está saltando. Es que está creando un tono. Debajo de ella, tenemos algún tipo más pequeño que no necesariamente es el más importante, pero sigue comunicando un mensaje. Es comunicar al espectador algo con lo que están familiarizados. En la parte inferior, para limitarlo, tenemos otro script de pincel que, especie de, encaja con el “In Person” en la parte superior. El color, la forma en que están dispuestas las fuentes, el tamaño de las letras. Todas estas cosas funcionan juntas para crear un diseño exitoso, y es algo que es una gran plantilla para avanzar cuando también estás diseñando tu pieza. 4. Jerarquía y formas: miniaturas: Para esta parte del proyecto, lo que siempre me gusta hacer primero, es solo conseguir una vibra general de lo que voy a estar haciendo, sobre todo cuando el cliente te da la copia que necesitas usar, que es la mayoría de los casos. Realmente tienes que averiguar qué cosas son más importantes, qué es vital para que el espectador vea de inmediato y cuáles son las cosas que el cliente, ni siquiera tanto el espectador, o el cliente, quien sea, el cliente siente es lo más importante? Entonces, lo que me gusta hacer, es primero teclear todo en sólo en tablero de arte en blanco en Illustrator. Lo expongo en el sentido de la forma en que lo imagino leyendo de arriba a abajo. Para este ejemplo, por ejemplo, es un libro. Entonces, título del libro, subtítulo, nombre del autor, ilustración, cita de críticos, todas estas cosas tienen que jugar en toda la idea. En eso, me gusta mucho ver dónde se sienta el espacio en la página. Utilizo estos libros de cuadrícula de puntos de Notas de Campo. Son pequeños, son baratos. Sé que la gente siempre tiene curiosidad en diferentes clases, qué utiliza el profesor para dibujar, para dibujar, o lo que sea. Realmente no importa. Es con lo que te sientas más cómodo. Para mí, es esto lo que libros de cuadrícula, porque es una cuadrícula, pero es una cuadrícula menos intrusiva. Puedes usarlo para ser geométrico, puedes ser orgánico con, puedes hacer todas las cosas. Eso es lo que me gusta de esto. Entonces, meterse en ella, la primera etapa obviamente, sería sólo esbozar en qué se va a poner, cuál es el lienzo. En esta instancia, es una portada de libro. Para empezar, realmente me gusta simplemente dibujar un rectángulo, así como el lienzo, así como la portada del libro, es realmente básico. Las proporciones no son súper importantes, por lo que puedes estar un poco fuera. Esto es sólo para darte una pauta. me gusta dejarme mucho espacio, porque sé que voy a estar haciendo un montón de estos. Entonces, básicamente, lo que tenemos aquí es, necesitamos asegurarnos de que el título sea importante, necesitamos asegurarnos de que el ícono esté ahí, el vaso Martini, y necesitamos asegurarnos de que el autor esté ahí. Entonces, esas son las tres cosas que tienen que ser muy claras, muy legibles, porque esto esencialmente se va a convertir en la marca de este libro. Simplemente muy rápido, tienes tu rectángulo básico, tienes tu vaso Martini, que se va a sentar en algún lugar por aquí, ¿ verdad? Entonces, tu título. En este caso, se llama el Botanista Borracho. Entonces, son dos palabras, no palabras cortas. Entonces, tal vez podamos jugar con algo como esto. Un poco de arco, eso es grande. Podemos usar el, estaría arriba en la parte superior. Sólo estoy garabateando cosas solo para conseguir espacio, y luego el nombre del autor. El nombre del autor se encuentra así. Entonces, ahora mismo, ves que los elementos principales están ahí. Tenemos el espacio para el título, tenemos el espacio para el autor, tenemos el espacio para esto, pero también tenemos el subtítulo, y luego unos pedacitos y piezas que necesitan vivir aquí dentro. Entonces, lo que estoy pensando es, estoy viendo esto ahora mismo. El Botanista Borracho. De repente, empecé a bosquejar esto en. Siento que está bien, probablemente voy a tener que cambiar esto, porque encajar el tipo en eso. Apenas en una cosa rápida ya se ve abarrotada, pero jugaré con ella cuando vuelva a ella. Entonces, ahora tenemos el subtítulo, que es Las plantas que crean las grandes bebidas del mundo. En un principio, la forma de la imagen aquí, la forma del icono del vidrio Martini, deja mucho a izquierda y derecha. Entonces, tal vez podamos hacer algo como esto, jugar con ello aquí. Pero de nuevo, también es muy importante recordar los ritmos del título, de lo que lo estás leyendo. Cuando lees algo, si estás viendo la televisión, si estás viendo una película, o escuchando una canción, todo tiene ritmo. Entonces, en este caso, es el Botanista Borracho, Las Plantas que Crean Las Grandes Bebidas del Mundo. Si no hay espacio entre ahí, si no hay periodo, si no hay aliento, es un largo plazo en sentencia y ¿dónde se detiene? Tienes que asegurarte de que ahí tenga esos beats. Esos beats están muy definidos por las formas que se crean. Amy Stewart es la autora, y luego quieren asegurarse de que se denota que también es autora de otro libro que es un Best Seller Times del New York Times, que también es algo que tenemos que incluir ahí. Entonces, es The Drunken Botanist, The Plants That Crean The World's Great Drinks, Amy Stewart, autora de Wicked Plants, un New York Times Best seller. Entonces, es un bocado. Entonces, lo que vamos a hacer aquí es, tenemos el título, tenemos el área para el subtítulo, tenemos el área de autor, pero después tenemos autor de Wicked Plants, puedo designar que con una línea, un New York Times Best Seller. Entonces, ya ves que está empezando a tener un calambre ahí. Entonces, lo que voy a hacer es ir justo al lado y dibujar otra caja, hacer esto otra vez, darle otra oportunidad. Entonces, tenemos vaso Martini justo en medio. Ahora, Botanista borracho, vi que era largo y no encajaba. Entonces, aún quiero mantener esa forma de arco. Entonces, tal vez mantengo esto un poco más apretado y lo hago dos líneas. El Botanista Borracho. Encaja maravillosamente. Agradable y audaz, agradable y legible. Este vaso Martini. Todavía tenemos, nos ocuparemos de estos más tarde. Las Plantas que Crean Las Grandes Bebidas del Mundo. Entonces, ya veremos si eso funciona en un poco. Por Amy Stewart. A lo mejor haremos algo como esto, apretando un poco mejor. Un poco de arco. Amy Stewart. Está bien, eso encaja bien. Autor de Wicked Plants, un Best seller del New York Times. Entonces, ahora, esto es empezar a tener un poco más de sentido. Ahora, sabemos lo que está pasando aquí. Entonces, ahora que tenemos las formas designadas y el espacio designado así como la jerarquía, podemos jugar un poco con ella, y hacer algo un poco más divertido. Con el subtítulo aquí, esto es algo con lo que vamos a jugar a medida que nos adentramos en bocetos más detallados. Habrá algunos cambios en esto. Pero es bueno saber que en términos de contenido sabio, cabrá. Aquí vamos, vaso Martini, y este tipo de aquí mismo, Botanista Borracho. Sabemos que encaja, sabemos que esto encaja. Entonces, ya estamos estilizados aquí. Ahí hay algunos un poco aburridos. Creo que podemos hacerlo mejor con esto. Entonces, lo que voy a hacer es quizá, en lugar de eso, voy a bajar así. Haz que refleje la parte superior, y luego usa un poco de forma de bandera y tie-in autor de Wicked Plants, un New York Times Best Seller juntos, porque creo que deberían estar juntos. Autor de Wicked Plants, un Best Seller del New York Times, eso casi se debe decir de un solo aliento. Entonces, no quiero romperlo por completo con dos líneas separadas, pero aun así quiero mantenerlo fresco. Entonces, voy a hacer algo como esto, que encaja con el tema. Es un poco de forma de bandera. Mantiene los ritmos ahí, Autor de Wicked Plants, Breath, un New York Times Best Seller, pero lo mantiene en una línea. Entonces, visualmente, lo estás mirando directamente a través. Entonces, tiene sentido. Puedes tirar algunos florecitos aquí y aquí. A partir de este punto, ahora, empezamos a destellar un poco. Ahora, empezamos a meternos en el estilo. Este es el punto en el que podemos jugar con las letras. Podemos jugar con la ilustración y podemos usarlo a nuestra ventaja en la composición. Hay una cosa que aprendí como joven diseñadora de muchos de mis profesores, mis profesores no trabajaron en la era digital. Entonces, no tenían muchas de estas cosas. Entonces, cuando estabas colocando comps, todo esto era papel de rastreo y marcadores, y lo harías una y otra vez. Habría líneas rectas y habría cajas por todas partes, y también habría las formas. En esto consistía un layout en los viejos tiempos. En lo que realmente sí consiste hoy en día, quiero decir, incluso si nos fijamos en diseñadores y desarrolladores web, wireframe, así es como se ve. Entonces, se quiere tener esto en cuenta. Formas, líneas, esto es lo que es la composición. Todo se trata de peso, se trata de espacio positivo y negativo. Si miras a través de muchos de estos, no se ve demasiado atascado en ninguna parte, no parece demasiado abarrotado, pero tampoco parece vacante. Estás utilizando tu espacio correctamente, has ponderado. Es justo lo suficiente en la parte superior, justo lo suficiente en la parte inferior. Nada se siente como si estuviera flotando, nada se siente como si no perteneciera, quieres que esto se sienta como una unidad. Una vez, llegamos a este punto y hemos explorado muchas de estas opciones. Llenamos un cuaderno con todas estas cosas, escogemos el que creemos que es el mejor. Nuevamente, si estás haciendo esto por un cliente muchas veces, esta cosa se manda por correo electrónico, dicen: “Nos gusta, esto necesita, cambiar esto”. Es palo, eso solo viene con el territorio. Pero por el bien de este ejercicio, escogemos el estilo que nos gustó y vamos a ir un poco más profundo con él 5. Jerarquía y formas: miniaturas (continuación) y cómo componer formas: Continuando, voy a ir por una miniatura más grande en este punto porque sí quiero meterme un poco más en detalle. Una vez que descubras el espacio, es un paseo libre en ese punto. Todo se trata de las cosas divertidas, de por qué nos metimos en hacer esto en primer lugar. Entonces, una buena manera de hacerlo, solo para empezar, volver a nuestras formas. Aquí está esto, voy a jugar con esto, estos arcos, esta área justo aquí, y luego el título del autor, el nombre del autor, lo siento, aquí, estas formas aquí. Nuevamente, todo es geometría. Esto es algo que un niño pequeño puede hacer. De verdad lo es. Cuando digo que es lo básico, es lo básico absoluto. Es la parte más importante. Te clavas esto, lo clavas todo. Nuevamente, así es como da forma, va a ir a este fin - Botanista borracho. Está bien. Amy Stewart. Sigue siendo la forma de hacerlo. Está acanalado. Es decir, se siente como una portada de libro. Entonces, lo que quiero hacer ahora es conseguir un poco más de detalle, enfocarme un poco más en las letras, empezar a darle un poco más, ponerle unos toques geniales. Es decir, trabajando con letras durante años y años, tienes una idea de cómo van a quedar las cosas, cómo van a jugar entre sí, cuál es la pierna del órgano de la sopa debajo de ti, todo este tipo de cositas frías que podemos hacer con las letras. Una vez hecho esto, usted puede decidir; “¿Debería volver a escalarlo? ¿ Debería ponerme un poco más detallada con él?” Entonces, tiramos el vaso de martini aquí mismo, y entonces aquí es donde puedes empezar a tirar en otros detalles, también. ¿ Va a haber frontera? Pondrán una frontera por aquí. Esto podría parecer genial. No sé, hay frontera, ¿cómo va a interactuar con las letras? Ahora, podemos empezar a jugar con el subtítulo. Las plantas, ahora, bien. Este es un buen punto donde empiezas a analizar lo que estás haciendo, ¿verdad? El Botanista borracho, lo averiguó, Amy Stewart lo descubrió; New York Times lo averiguó. Esto, estábamos esperando porque era bocado y era algo con lo que teníamos que trabajar. Entonces, me voy a sentar aquí, y tú sólo toma un segundo y míralo. “ Las plantas que crean las grandes bebidas del mundo”. Entonces, si lo estás mirando, el vaso martini, donde hemos optado por ponerlo, está creando un separador. Entonces, va a crear beats, te guste o no. Entonces, nuestro trabajo es poner las palabras en donde el separador va a crear los beats adecuados. Entonces, “Las plantas que crean las mejores bebidas del mundo”. Espacialmente, funciona: “Las plantas que crean las mejores bebidas del mundo”. ¿ Está rota demasiado? Entonces, empiezo a sentir que tal vez esté un poco demasiado desarticulado. Entonces, estoy pensando que tal vez podamos incluso tirar de esto y repasar y usar esto para crear un ritmo, y luego esto para crear dos separados, “Las plantas que crean las mejores bebidas del mundo”. Eso tiene un mejor flujo hacia ella. Entonces, ahora, tenemos todo este espacio negativo. Ahora bien, ¿qué queremos hacer con él? A veces lo dejas, a veces lo llenas para esto. Siento que tal vez esta es una oportunidad perfecta para conseguir un poco más orgánica con ella. A lo mejor, podemos poner aquí algunos florecimientos que imitan a las plantas. Podríamos tirar algunas hojas aquí. Estamos desarrollando este mundo, estamos desarrollando esta marca para este libro en particular y este proyecto en particular, y la forma en que hemos hecho eso es ir de formas y averiguar dónde se encuentran las formas a un poco más de estilo a figurar fuera el estilo un poco más delicadamente sin tener que meterse en “¿Esto va a encajar? ¿ Esto va a encajar? Estamos jugando con cómo podemos hacerlo mejor. Lo estamos probando. Estamos asegurándonos de que el peso y la composición se haga bien para que las cosas importantes sean lo suficientemente grandes, no tan importantes las cosas sean lo suficientemente pequeñas. En cuanto a las miniaturas y los bocetos, esto es lo que quieres hacer. Así es como quieres ir al respecto. Quieres asegurarte de que todas estas cosas tengan sentido, quieres asegurarte de que no estás omitiendo nada que sea importante para el cliente o para la pieza misma o para lo que la vista va a ver. Es decir, tu trabajo como diseñador es también asegurarte de que estés comunicando lo mejor de lo que te dan, y a veces eso significa hacer sugerencias. Ahora, nadie me hizo una sugerencia de que tuviera que poner estos florecimientos aquí. Yo sólo pensé que tal vez tendría sentido. Cuando se lo envié a la editorial, me dirán: “Esa es una gran idea”. o “No queremos ir en esa dirección”. En este caso, funcionó y sí fuimos en esa dirección, y tenía sentido. Pero yendo a partir de este punto, tenemos que ponernos un poco más detallados y tenemos que meternos en crear un layout que esté preparado y listo para meternos en la computadora para que podamos empezar a apuntalarlo para nuestro pieza final. Creo que es importante simplemente repasar el hecho de por qué es importante trabajar con formas, solo en general. Podrías pensar que es igual de fácil dibujar palabras, grandes y pequeñas, y obtener la sensación para ello, pero la mejor manera de pensar en ello es casi más como una forma elemental de hacerlo, donde si recortas formas y las alinea en un o sobre una mesa o algo así, vas a sacar una composición de ella. Entonces, podrías escribir una palabra realmente grande, y podrías escribir una palabra realmente pequeña, y puedes conseguir la idea, pero las formas te ayudan a bajar el concepto en primer lugar sin tener que preocuparte por eso. Entonces puedes poner las palabras, puedes hacer el diseño, hacer todas las letras, y todas esas cosas después. Pero lo que quieres hacer es que quieras bajar los aspectos básicos duros de lo que estás haciendo de la manera más fácil que tu cerebro digerir. Podrías mirar algo que tiene un gran título en la parte superior. ¿ Qué aspecto tiene? Es la mejor manera de hacerlo, un gran rectángulo. Podría tener una pequeña línea de texto en la parte superior. Una línea delgada justo al otro lado de la parte superior sería genial para tu miniatura, solo designa esa zona. Podría tener una ilustración apagado a la izquierda que tiene forma ovalada. Entonces, dibuja el óvalo. Podría tener algunos textos que van a su lado que es un poco más grande. Entonces, haremos rectángulos ligeramente más grandes o ligeramente más pequeños pero ligeramente más grandes que una línea recta. Entonces, estás definiendo estas formas, tú definiendo estas áreas en la página, y aquí vamos, alguna copia más pequeña aquí, tal vez otra pequeña imagen aquí, forma como un diamante, círculo, cuadrado. Sean cuales sean estos iconos, cualquiera que sea esta letra, sea lo que sea, va a ocupar X cantidad de espacio. Si piensas incluso en periódicos, ese es un ejemplo perfecto. Un periódico es todo sobre formas y maquetación en geometría. Tienen el cabezal justo en la parte superior, ese suele ser el logo, bla bla bla, los tiempos. Entonces tienen un par de líneas justo aquí. Después tienen columnas. Las columnas son solo rectángulos, y entonces esto puede ser un panorama grande, luego hay algunas columnas más debajo. Entonces, estás viendo lo que es importante aquí, cuáles son las cosas en las que realmente necesitamos enfocarnos. Las formas son la mejor manera de lidiar. Se trata de cuadrículas, todo se trata de usar los ángulos y la geometría básica de los cuadrados, rectángulos y su familia distante y lo que puedes hacer con ellos para crear algo interesante en la página. 6. Jerarquía y formas: ejercicio de composición: Está bien. Entonces, de lo que quiero hablar un poco ahora es básicamente un buen ejercicio para ayudarte a crear la jerarquía, y el espacio, y todas estas cosas divertidas que realmente ayuda a separar tu información y estilizarla. Lo que estamos haciendo aquí en este momento, es tener un pequeño documento de Illustrator abierto, y este es un buen ejercicio con el que jugar. Esto es algo que hago primero con pequeños bocetos rápidos en miniatura. Cuando digo bocetos en miniatura, normalmente no tienen más de una pulgada o dos de alto. Es sólo garabatos, es sólo para conseguir mis ideas en papel primera referencia. Pero el ilustrador es una gran ayuda para esto, porque se pueden hacer las cosas muy rápidamente. Entonces, lo que tenemos aquí es básicamente un tamaño 8.5 por 11, y tengo uno, dos, tres, cuatro, cinco rectángulos dispuestos. Ahora, estos rectángulos pueden representar cualquier cosa. Pueden ser una línea de presentación, un título, un subtítulo, otra pieza de texto, algo, podemos decir que esto podría ser una portada de libro, esto podría ser portadas de una revista, podría ser un cartel, podría ser más o menos nada. Pero para esta instancia, digamos que es una portada de libro, y tendremos aquí nuestro pequeño título de apertura, nuestro título principal aquí, subtítulo, autor, y tal vez una pequeña etiqueta en algo así. Entonces, lo que queremos hacer es crear una capa única a partir de esto, y en este momento no es mucho de nada. Es decir, si vas por un diseño moderno, esto podría ser un ganador ya, pero intentemos hacer algo un poco más interesante con esto, y le daremos un poco más de una sensibilidad vintage solo porque es muy fácil de demostrar cómo puede funcionar la jerarquía si se trabaja más en ese mundo. Entonces, básicamente estamos trabajando hacia atrás para adelante. Entonces, lo que voy a hacer aquí es copiar esto y voy a empezar a mover las cosas. Entonces, ahora la autoría un poco de lema aquí, voy a tirar hacia abajo porque quiero que esto esté cerca del fondo. Voy a tomar estas piezas y las voy a tirar un poco más hacia el medio, y sólo voy a empezar a remodelar. Entonces, aquí mismo la línea de presentación podría ser mucho más delgada, esto no tan importante, tal vez mover esto hacia arriba. A lo mejor el título tiene mucho más sentido, para ser grande quieres que esto sea audaz y golpear a la gente en la cara de inmediato, tal vez el subtítulo sea quizá un poco más estrecho, pero sigue siendo una herramienta. Vamos con el nombre del autor aquí mismo, tal vez saldríamos así, y esto es todo arbitrario ahora mismo, es sólo experimentar. Voy a tomar este pequeño lema aquí, y ahora de repente, has transformado un diseño básico de cinco cajas en algo que se parece a algo. Parece un diseño. Es decir, si estás parado al otro lado de la habitación, puedes mirar esto y parece algo, casi puedes adivinar qué hay en estas cajas. Entonces, es un buen ejercicio sólo hacer esto, y simplemente jugar con esto. Es decir, puedes tomar esta pieza, y puedes cambiarla de nuevo, puedes decir bien, quiero que el nombre del autor sea bastante grande, quiero que este lema sea más largo, y quiero que llegue a una gran parte de esto. Yo quiero que este subtítulo sea tal vez algo que no ocupe tanto espacio, y quiero que esto sea realmente mínimo, y esto tenga un poco más de espacio para respirar. Entonces, esto es, realmente podemos hacer mucho para cambiar por el estilo de diseño, en los cinco por lo que estamos trabajando, y todo se trata de formas. Particularmente rectángulos, porque con rectángulos, como hemos discutido, una es muy fácil delinear hacia dónde va a ir el texto. Leemos de izquierda a derecha, de arriba a abajo. Entonces, se puede ver aquí es donde podrían estar las letras. Las cartas pueden estar aquí mismo. Se puede leer esto primero, después se pasa a esto, y se lee de esta manera, luego se pasa a aquí, y así sucesivamente y así sucesivamente. Se unirá para formar algo que tenga un poco más de sentido. Entonces, ahora este es tu diseño más básico. Esto es algo que puede existir muy fácilmente en el mundo moderno de hoy, pero vamos a saltar un poco atrás en el tiempo y vamos a hacer algo que tenga un poco más de una sensación vintage, y que eso tiene mucho que ver con manipular formas, y lo puedes hacer usando las herramientas de deformación en Illustrator ya que es una gran técnica simplemente jugar con él, y solo ver qué podemos hacer. Entonces, de repente le damos a este título un poco de arco en la parte inferior de la línea base aquí. Podemos tomar esta línea de presentación y tal vez darle a esto un arco en algún lugar hacia la cima. A lo mejor queremos borrar un poco esto. Entonces, son formas básicas. Es decir, solo piensa en ilustrar con formas primero y mientras hagas eso, podrás tener una mejor sensibilidad de cómo quieres que se sienta esta conversación. Todo esto es composición, y si eres capaz de conseguir que esto se mueva, realmente te dará una gran idea de exactamente dónde quieres que esté tu pieza en el gran esquema de las cosas. Al igual que de inmediato, tenemos algo interesante, y es genial poder sentarnos aquí y mirarlo y salir, vale, esto definitivamente es más interesante que el de arriba, y estamos teniendo una gran jugada con las formas, y te podrías imaginar el tipo corriendo por este arco aquí, y el tipo habiendo perdido esta sangría redondeada fresca en el medio donde el tipo tendrá que seguir esta línea de base, ya es más interesante. Entonces tenemos esta bonita forma de banderita aquí abajo. Entonces, esto se puede conseguir tan detallado como querías que llegara, podemos hacer todas las cosas locas con él. Es decir, claro que debería estar dentro de lo razonable y es genial si las piezas pueden entrelazarse de tal manera que todavía se sienta como parte de algún tipo de grilla. Todavía se siente como si este espaciado tuviera sentido. Todavía se siente como si hubiera una unidad ahí. No quieres que sea solo formas aleatorias, como si estamos sacando esto, si a veces no hay rima ni razón para ello, sólo mover las formas alrededor, se puede ver que no necesariamente tiene mucho sentido. Es decir, puedes hacer esto tal vez con algunas formas más básicas, pero una vez que comiences a jugar con las formas de manipularse, verás que empieza a ocurrir un problema, y no quieres eso. Quieres que esto sea legible, quieres que esté limpio, quieres que sea legible. Es muy importante que todas estas cosas se sientan dentro de ese mundo, y por supuesto puedes tomar esto, y puedes hacer todas las cosas con él. No necesariamente tiene que ser un rectángulo, podría ser un diamante. Simplemente empieza a dibujar formas. Es decir, esto es algo básico de ilustrador, y va a hacer tanto para ayudarte con tu flujo de trabajo solo en general. Esto puede ser, la forma puede ser esta, que puede ser algún tipo ahí dentro. Puede haber todo tipo de cosas. Puedes empezar a trabajar aquí. Esto no tiene que ser un rectángulo, esto podría ser una gran elipse, podrías caber el tipo ahí dentro. Básicamente, en cualquier lugar que puedas leer de izquierda a derecha limpiamente sin alterar demasiado las letras, para que aún sea reconocible por el ojo humano, estás en bastante buena forma. Nuevamente, el tipo no tiene que llenar esto por completo, esto podría simplemente ser una forma que el tipo se sienta cruzada derecha en el medio. Podría sentarse así. Realmente no tiene que estar dentro de la forma. Esta es solo una gran manera de ayudar a definir tu composición, definir qué es lo que estás buscando hacer. Entonces, diviértete y experimenta con él y hay una infinita cantidad de diseños que puedes usar utilizando esto. Se puede ver lo que acabamos de hacer seis de ellos aquí muy rápidamente. De nuevo, solo entras aquí, y solo empiezas a jugar con cosas, no tiene que ser nada loco. Es solo una buena manera de empezar a explorar usando formas y usando la composición. Entonces, de nuevo, ponte rudimentario con él, vuelve a lo básico. Esto es una especie de cosas de la infancia, cortar cosas con papel de construcción y colocarlas en una página pegándolas. Es decir, así comenzó el diseño gráfico. Entonces, es genial poder sentarte aquí y hacer esto de tal manera que puedas intentar tocar algo de tono en él, tratar de colocar algunas vibraciones en él para tu pieza general. Si puedes llegar a este concepto con el que estás muy contento, intenta acentuar eso, e intenta usar estas formas dentro de esta pieza para ayudar a acentuar eso. Si haces eso, realmente puedes lograr algo grandioso. Por lo tanto, asegúrate de mantener un ojo en eso, y asegúrate de no ir por la borda tampoco. Es muy fácil ir por la borda con estas cosas. Podría seguir tirando formas aquí por días, y puedo seguir llenándolo y no es lo peor, pero no es para cada maquetación. A veces, un diseño como este tiene más sentido. A veces si estás haciendo algo, podría ser tan simple como aquí hay una pieza justo aquí, aquí hay una pieza justo aquí, y aquí hay una pieza justo aquí. Esto es tan efectivo como esto, como esto, como esto, todos tienen su propia personalidad para ello, y todos tienen sentido por una razón particular. Entonces, vigílalo, hay muchas cosas que puedes hacer, y no lo hagas solo porque sientas que quieres hacer ese estilo de letras, hazlo porque es apropiado al tono de la pieza, y asegúrate de tiene sentido, y una vez que logremos esto, entonces podemos trabajar fácilmente en nuestros sistemas tipo y realmente empezar a jugar con él. Pero esta es la base, estas son piezas de la fundación. Incluso si haces un montón de ellos, siempre es genial hacer un montón de ellos, siempre me siento aquí y hago un montón de bocetos en miniatura, todo un montón de prueba de ilustrador porque es rápido y fácil, y puedes realmente tener un sentido de lo que la vibra de la pieza va a ser de esa manera. Entonces, si puedes hacer eso, eso sería genial, y puedes tomarlo y usarlo como trampolín para meterte en las cosas más detalladas y empezar realmente a hacer que esto parezca algo. 7. Sistemas tipográficos: pregunta n.° 1: Está bien. Entonces, una vez que hayas terminado de averiguar tu diseño básico usando tus formas y tus métodos de composición de los que hablamos, queremos realmente conseguir una vibra para lo que va a ser el sistema. Lo que vamos a definir es el sistema, el sistema de tipos, el sistema de letras. Hay algunas cosas que quieres preguntarte mientras trabajas con sistemas de tipo mientras tratas de desarrollarlos y cuando intentas escoger un estilo. Lo primero que siempre me gusta preguntarme es básicamente, ¿cuál es el tema general? ¿ Cuál es la vibra de la pieza? ¿ Qué está describiendo? ¿ A quién apela? Básicamente, ¿quién es el público? ¿ Quién es el público y cuál es el producto? Lo siguiente, ¿hay un estilo de letra o letra que de inmediato salte hacia mí? ¿ Se ajusta al tema particular de la obra que he identificado? ¿ Se ajusta dentro de la vibra de la pieza? En base a eso, ¿es algo bueno igualarlo o es mejor contrastarlo? Es mejor hacer algo un poco diferente y cambiarlo? Después de eso, siempre es bueno pensar en tus letras y tus fuentes. ¿ Van a variar? ¿Van a seguir siendo similares? ¿ Vamos a ir por diferentes tamaños, estilos diferentes, colores diferentes? ¿ Vamos a hacer todo esto o nos vamos a quedar un poco más minimalista? Entonces, por último, ¿cómo apoyarán estas opciones de estilo de letra la jerarquía? Hicimos las formas, descubrimos el espaciado. ¿ Qué estilo de letra va a encajar mejor en estas formas? qué va a enfatizar realmente estos diseños lo mejor? Esa es básicamente la lista de comprobación que me gusta correr cada vez que inicio un nuevo diseño, y funciona cada vez. Todas estas preguntas son universales, funcionan para cada pieza de diseño que vas a hacer y es importante. Ten esto en cuenta, esta es una de esas cosas de nota pegajosa que puedes dejar en la parte frontal de tu computadora para que no te olvides, cuando nos aseguremos de que haga esto, esto, esto, y esto porque te ayudará. Entonces, entrémonos en esa primera pregunta. Básicamente, ¿cuál es el tema general y la vibra de tu pieza? ¿ Cuál es la vibra general? ¿ A quién le atrae y a qué está describiendo? Entonces, la mejor manera para que yo pase por esto para ti es pasar por un proyecto en el que trabajé. Esta fue una reciente en la que trabajé para Lincoln Motor Company. Fue un comercial para ayudar a distinguir la historia de la marca de automóviles y simplemente correr a través de una línea de tiempo. El primero que recibí fue un breve de la agencia con la que estamos trabajando. Básicamente, lo que decían es me dieron algunas tarjetas de título en las que iba a estar trabajando, algunas tarjetas de título que estarían dentro del comercial que estaría ilustrando con algunas notas. Ahí hay algunas notas con voz en off, saltamos a una llamada telefónica y lo hablamos. Básicamente, lo que estamos viendo aquí es que tuve que diseñar para el año 1918 y el año 1922 y alguna copia de apoyo. Entonces, básicamente, lo que tenemos aquí es, para el año 1918, están buscando algo distintivo 1918 y lo mismo con 1922. Cuatro años no deberían realmente hacer tanta diferencia. Pero cuando estás hablando de diseño, una cantidad muy pequeña de tiempo hace una gran diferencia. Podemos mirar por lo que hemos pasado en los últimos cinco años y ver cuánto ha cambiado el diseño. Entonces, sólo se puede imaginar. Es decir, las cosas realmente cambian y es importante hacer tu investigación. Al diseñar para 1918, saqué un montón de imágenes de referencia y eventualmente bajé a algunos de mis favoritos, y este es un ejemplo de algunas de ellas. De lo que noté fue que todavía era bastante decorativo, pero fue mucho más simplista de lo que esperaba. Los estilos de letras eran muy geométricos. Se ven muchos círculos, ven muchos cuadrados y triángulos sintiendo realmente como si fueran parte de las formas de letra. Las x-alturas son bastante únicas. Nada está realmente dividido justo por el medio. Es una especie de las x-alturas son un poco más altas o son un poco más bajas. Incluso en los casos en que se dividen en el medio como en el ejemplo de Escuelas Católicas Romanas, todavía no tiene esa vibra exacta. Es decir, si miras la R y la M, no son lo que pensarías particularmente como tu R básica o tu M. básico Hay algo de sentimiento en eso. Se puede ver que hay un tema general corriendo por aquí. Los O's son grandes y anchos. El S tiene bolas gigantes en la parte inferior. El B es el mismo, la parte inferior es mucho más grande que la parte superior. Hay muchos de estos activos únicos que se han trabajado en estas cartas que ayudaron a definir este periodo de tiempo y ayudaron a definir este sentimiento. Ahora, saltando a las piezas de 1922, parece que casi se vuelve mucho más sofisticado. Nos estamos alejando de unas formas geométricas y nos estamos metiendo más en realzar las letras para ser más estilizadas. No se trata solo de círculos y triángulos y cuadrados que hagan estas letras. Es un poco menos Art Deco y es un poco más moderno básicamente. Esta es una diferencia de cuatro años, y ya estamos viendo algo que se siente mucho más moderno. Realmente se puede ver esta evolución de tipo y esta evolución de las imágenes. Entonces, otra cosa que es algo que noté por mudarme a 1922. Además, se puede ver por dónde se mueven realmente la línea base y solo la parte superior de las letras. Eso fue algo que sentí que era realmente importante para notar a diferencia de los ejemplos de 1918, donde puedes sentir que tal vez podrías empezar a hacer algunas cosas interesantes. Especialmente, si nos fijamos en la minúscula en el ejemplo de 1918 donde dice: “Mientras viva”, el tipo G cuelga realmente de manera interesante. Entonces, también es en las escuelas católicas romanas, el “de” la minúscula. El f minúscula es muy interesante en la forma en que está diseñado. En un ejemplo de 1922, no hay tanto de eso. Ahora bien, si miras mis letras para 1918 y las letras para 1922 e incluso sólo los diseños en general, puedes ver que realmente referí muy de cerca a las piezas de referencia. Para la de 1918, realmente quería ir geométrica. Los O's son grandes y anchos. El x-alturas tiene ese tipo de mentalidad alto-bajo a ella. Incluso los pequeños subtítulos en los títulos de apertura donde dice “Lincoln Motor Company”, le tiene ese sentimiento muy básico. No es demasiado adornado y está utilizando la geometría de una manera realmente interesante. Tampoco me voy a ir por la borda con ninguna de estas cosas, esto es casi como una tipográfica básica pero acaba de hacer con esa llamarada de 1918 que encontré en mi investigación. Ahora, mirando el 1922, empieza a ver por dónde viene mucha más decoración y hay algunos florecimientos saliendo de las letras. Estamos jugando con las líneas base, estamos jugando con las alturas de las cosas, pero todo se hace de una manera mucho más elegante. Si nos fijamos en estos dos de lado a lado, casi se puede ver cómo la versión de 1922 es mucho más evolucionada que la versión de 1918. Se puede ver donde hay más de un 1918 simplista y más de un elegante sofisticado 1922. Eso es algo que creo que fue realmente importante en base estos diversos recursos que saqué. Se puede ver cómo eso es importante y es importante honrar eso. 8. Sistemas tipográficos: pregunta n.° 2: Ahora, vamos a meternos en la siguiente pregunta que nos estamos haciendo. ¿ Existe un estilo de letra o letra que coincida con el tema en el que estamos trabajando? Hemos identificado el tema, ahora tenemos que identificar si hay un estilo de letras en particular que coincida. También, ¿cómo vamos a acercarnos a esto? Entonces, ¿lo vamos a hacer de la manera en que estamos casi esperamos que lo hagamos, o vamos a intentar romper un poco las reglas? Echemos un vistazo a algunos ejemplos. Estas son algunas cosas que todo el mundo sabe. Está bien, si hablamos de estos estilos particulares de diseño, ya sabemos qué estilos de letras van junto con él. El primero con el que voy a ir es mi favorito, uniformes de beisbol. Siempre me han encantado los uniformes de béisbol. Son una gran fuente de inspiración, sobre todo porque son extremadamente tradicionales. Viene de un lugar donde el diseño y el branding, y todas estas cosas no eran importantes para el deporte. El deporte era mucho más rugoso, era cosa muy hobby. Entonces, en cualquier momento que veías letras para los equipos de beisbol, por lo general venían de los mismos tipos que hacían anuncios en periódicos a finales de 1800, o donde los chicos que hacían letreros en edificios. Había un tema consistente. Si miras el ejemplo de los Dodgers, ese guión con el Swoosh que va debajo de él. Eso pensamos en eso como logotipo de béisbol ahora, pero eso no era un logotipo de béisbol, eso era sólo un logotipo general de la empresa que era muy popular. Que los estilos son populares a finales de 1800, principios de 1900. Entonces todas estas cosas provienen de esa zona. Cuando miramos esto en términos de lo que se convirtieron, el rotulado tenía que ser audaz, tenía que ser simple. Porque necesitabas distinguir equipo de equipo cuando estabas en el campo de béisbol. Quieres poder decir quién está en tu equipo. También está el hecho de que muchos de estos logotipos, o estas piezas con letras se extendieron por el pecho, y muchas veces se extendieron a través de un arco, o de alguna manera diagonal, para que a medida que el cuerpo humano gira, se sienta de una manera muy natural. Entonces, puedes leerlo, puedes jugar, es utilitario en algún sentido. Definitivamente hay de variación y estilos ahí está la versión más blocky, ahí está la versión más guión, y hay más toscana casi todo el tiempo la sensación occidental. Todos ellos son muy tradicionales al béisbol porque eran muy tradicionales a la impresión en aquella época en que se inventaron estas cosas. A diferencia de otros deportes, el béisbol se ha mantenido bastante tradicional a eso de finales del 1800, estética de principios del 1900, definitivamente ha habido actualizaciones. Pero en su mayor parte, queda, y la cantidad de decoración que suele añadirse nunca es realmente mucho más que un simple contorno, o sombra de gota aquí y allá. Otro buen ejemplo son los militares, los militares de Estados Unidos, o casi cualquier militar para ese asunto. Cuando piensas en cosas militares, piensas fuertes, audaces, plantillas, y siempre se siente como si se tratara de las plantillas. El motivo que sucede es porque, esto es cosa utilitaria, y aún más que el béisbol. Estos tipos tienen un trabajo que hacer. No hay tiempo para solo fabricar estos diseños en estas prendas, en estas en estos productos y bolsas, y lo que sea que estén usando. Las plantillas son rápidas y fáciles. Están ahí mismo, pintas sobre ellos muy rápido, mandas al tipo en camino, y eso es lo que es tan interesante de este militar. Si alguien te dice ejército, inmediatamente piensas en particular estilo de fuente de plantilla, y eso es lo hermoso de determinar tu vibra y tu tono para una pieza en particular, porque si tienes eso asociación ya, te hace la vida diez veces más fácil, y tienes un gran punto de partida. Entonces, basta con pasar por lo que realmente tiene que ofrecer los militares en cuanto a las letras. Es decir, estás mirando la simplicidad, estás viendo muy poco uso de la decoración. No es una organización de lujo. El ejército no es nada elegante. El militar no es de fantasía, se basa en la utilidad y la eficacia. En cualquier momento que estés diseñando algo, siempre es genial poder al menos tener algún guiño a lo que es la utilidad de lo que estás diseñando, lo que sea que sea soda, computadora, autos, cualquier ropa. Siempre y cuando tengas un poco de guiño a ello, ya sea que vayas contrastando, o simplemente como tonalmente, es bueno poder referirlos de alguna manera. Esto crea una estética que la gente copiará para artículos de novedad y lo que sea pero hay propósito para esto, y hay utilidad en esto, y eso es lo que hace que parezca como lo hace. Aquí es donde tomas tus conocimientos como diseñador gráfico y la historia que estudias, y lo aplicas a algo, y de ahí viene la estética. La estética proviene de cómo la historia ha definido ciertas utilidades. En esto en este ejemplo en particular, sabemos exactamente de dónde vino. Sabemos por qué existe, y esto es a lo que asociamos. Es decir, cada vez que veas una plantilla de esto es una de las primeras cosas en las que pensarás. Después moviéndonos hacia el extremo opuesto del espectro, aquí estamos pensando en el lujo. Lujo, siempre que pienses que el lujo siempre pensando guión, estás pensando en la elegancia, y la decoración, y el estilo tipo suele imitar eso. Siempre parece muy limpio. El layout siempre parece muy limpio. Tiene mucho espacio para respirar, hay mucho aire, hay mucho espacio negativo. Pero eso tampoco quiere decir que sea ilegible. La legibilidad de los guiones, y dependiendo del tipo de guión que estés usando, casi podría volverse completamente ilegible. Pero también está los guiones ayuda a definir una determinada característica. Implica cierta cantidad de madurez y sofisticación, mientras que, en realidad no se necesita poder leerlo de inmediato. Estás asumiendo que la persona que está mirando esto, lo está viniendo desde un punto de vista particular. Un punto de vista particular del refinamiento donde es como si tuvieran el lujo de sentarse aquí, y averiguar qué dice este hermoso guión. Yo lo voy a empapar por su belleza. Con eso, viene el apoyo de letras que suele ser mucho más fácil en los ojos, y no solo es para utilidad segura, sino también para estética. Es decir, si tienes una hermosa pieza de letras de guiones, es casi como una ilustración en sí misma. Entonces, al hacer eso, no querrías elogiar una ilustración con otra. Te gustaría elogiar una ilustración con algo que es un poco más útil. Es el ejemplo perfecto para mostrar cómo el equilibrio también es importante. Entonces, tu material de jerarquía en el que has trabajado realmente entra en juego cuando trabajas con algo como esto porque todo se trata de que los equilibrios, todo se trata de ese peso y la naturaleza de cómo estas decorativas los títulos juegan unos con otros. Entonces, usando estos tres ejemplos, se puede ver cómo la utilidad y la función, y la historia realmente juegan en ello. Al hacerlo, puedes ayudar a identificar dónde encaja cada estilo de letras en su entorno particular. Una vez que puedas identificar eso, entonces puedes hacer la elección, ¿me voy a quedar con eso? ¿ Voy a ir tradicional? ¿ O me voy a enloquecer y hacer algo totalmente diferente donde la gente no lo espera? 9. Sistemas tipográficos: pregunta n.° 3: Ahora, pasando a la tercera pregunta, vamos a tener x cantidad de letras. Vamos a tener copia. Entonces, ¿va a variar mucho o vamos a seguir siendo similares? ¿ Se va a vivir dentro de una misma familia? Entonces, quiero mostrarles dos ejemplos diferentes en los que he trabajado. El de la izquierda es ese estilo de pizarra que has visto popularizado en los últimos dos años, y esto es para la revista Rachael Ray. Básicamente, lo que tenemos aquí es muy ornamentado. Tenemos muchos estilos tipográficos diferentes. Está pasando mucho. Del lado derecho, tenemos el memorándum estándar que es un proyecto de cuaderno que diseñé. Al hacerlo, quería que fuera muy utilitario. Se trata de un diario de libros de registro. Entonces, el diseño de la misma tiene que mantenerse alejado de tu camino para que puedas llenarlo con tus propias cosas. Básicamente, lo que estás teniendo aquí está a la izquierda es que estás teniendo algo muy ornamentado que se supone que se siente personal, pero en esencia, hace mucho más frío ya que está en una revista. Entonces a diferencia de eso del lado derecho, tenemos algo que parece más frío, pero una vez que lo comienzas a usar, se vuelve mucho más personal. Entonces, puedes ver cómo se reproducen los estilos entre sí y cómo los estilos de letras realmente pueden afectar cómo se ve algo. Sólo para meterte un poco, cuando te sientas aquí y comienzas a diseñar algo, te preguntas, ¿quieres que esto sea adornado? ¿ Quieres que sea mínimo? ¿ Cómo quieres comunicar estos sentimientos? ¿Va a ser divertido? ¿ Va a ser serio? ¿ Va a ser utilitario? ¿ Va a ser decorativo? Estas son preguntas muy importantes para empezar a hacerte. ¿ Esto va a encajar en la vibra en la que tanto hemos trabajado a estas alturas? Tiene que todos tengan sentido. Tiene que todos jive juntos. Si decides usar múltiples estilos, tiene que haber algún elemento común para mantenerlos juntos. Es mayormente tener que ver con el estilo tipo. Es necesario ver algunos elementos comunes. En la pieza de Rachel Ray, ves que estoy trabajando con ese tipo de vibra de principios de 1900 con las x alturas son diferentes. No están directamente al otro lado. Hay muchas x alturas que están arriba. Ahí hay mucho que están abajo. Se puede ver cómo hay un lazos comunes en muchos de estos estilos, un ADN común, pero luego también se compensa con algunos guiones y algunos florecimientos y algunas pequeñas piezas aquí y allá que ayudan a juntarlo todo en una sola unificada pieza. Entonces, lo que estás viendo, de nuevo, es casi como una ilustración. Nuevamente, es más de esa vibra de ilustración en contraposición a ese frío estilo de diseño gráfico tipográfico. Si estás haciendo esto sin ninguna rima ni razón, empezará a parecer descuidado. Se verá muy desordenado, y perderás la armonía que has estado desarrollando a través tus formas y tu jerarquía y tus estilos y tu estudio de los recursos y la historia. Cuantos más estilos de letras agregues, más difícil se vuelve para que se vea bien. Entonces, si vas a hacer esto, asegúrate de estar cómodo. Ahora, cuando te metes en algunos diseños más modernos, y los diseños más modernos realmente ven esa historia de mediados del siglo XX hasta hoy, todo se trata de limpieza y espacio y la capacidad de dejar que tu diseño respire y sea legible. Incluso algo que es tan simple como esto puede tener tanto estilo como algo con una tonelada de tipos de letra diferentes. Entonces, lo mejor que puedo ilustrar en el ejemplo de cuaderno de Memorándum Estándar es el hecho de que la jerarquía está claramente definida. Definitivamente puedes ver dónde se usaron nuestras formas en el diseño de esto. Se puede ver cómo era 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13, 14, 15 rectángulos. Simplemente puedes ir desde arriba y simplemente ir directamente a la parte inferior y contarlos y puedes ver exactamente cómo se estiraron y jalaron y se movieron para crear el diseño que tenemos ahí. Sirve exactamente el mismo propósito que sirve la pieza de letras de la izquierda. Los dos diseños son completamente diferentes en cómo se abordan, pero están logrando el mismo objetivo exacto en ser únicos e interesantes y crear una personalidad para la pieza que está representando. Entonces, aquí es donde tus elecciones realmente empiezan a afectar cómo se va a ver tu trabajo. Sólo recuerda, no tienes que usar mil estilos diferentes. No tienes que usar un solo estilo. Puedes usar dos o tres estilos. Todo esto se basa en todas estas cosas por las que estamos trabajando. Todo está basado en la historia. Todo está basado en tus recursos y en tu breve y el tono de la pieza y todo. Solo asegúrate de que cuando estés trabajando en tus diseños de tipo y estés eligiendo qué estilos de tipo vas a usar, solo asegúrate de que sea apropiado. El nombre del juego es apropiado. Tienes que asegurarte de que solo funcione. Puedes meterte en todos estos estilos diferentes, pero si simplemente no está funcionando y no tiene sentido con la razón por la que estás definiendo este mensaje, entonces ¿cuál es el punto? El aspecto básico de esto es que todo se reduce a que esto sirve para un propósito. El diseño, en general, sirve para un propósito y ese propósito es comunicar un mensaje. Entonces, es genial poder decorar el mensaje, pero ante todo, hay que comunicar ese mensaje y hay que comunicarlo con claridad. Entonces, asegúrate de que cuando estés eligiendo tus estilos de tipo, sea de una manera muy clara y luego cuando estés cómodo, puedes empezar a sumar y restar y hacer algunas cosas interesantes con él, pero siempre asegúrate de que estás claro y eres conciso y eres apropiado. 10. Sistemas tipográficos: pregunta n.° 3: Ahora bien, la última pregunta que me gustaría hacerme cuando lleguemos a este punto es, ¿cómo van a apoyar estas elecciones de letras a la jerarquía? Ahora, aquí es donde realmente está bajando hasta el final y realmente estás escogiendo exactamente qué es lo que va a definir el estilo. Para ello, quería correr a través de uno de mis diseños de póster para el nacional. Para simplemente saltar a la derecha en ella, sabía que sólo con un nombre como el Nacional, quería hacer algo tipo de americano presidencial. Es un estilo divertido para trabajar. Realmente tipo de crea una gran visual y tiene una gran historia visual de la que sacar. Al hacer eso, quería hacer un estilo serif presidencial realmente grande y audaz para el lettering. Era realmente prevalente en el siglo XIX y muchos de los carteles del gobierno, era Tío Sam, tiene esa sensación a donde casi se siente un poco primitiva, porque originalmente, tenían esa misma vibra que las fuentes San Serif hacen hoy, porque los Serifs entonces eran mucho más decorativos. Me meteré en eso en un rato, pero de verdad quería eso. Se trata de una gran fuente audaz que tiene el ADN de un San Serif pero aún tiene Serifs y algún trabajo de línea decorativa dentro de ella. Cuando salgo de ahí me pregunto : “¿Cuál es la siguiente parte más importante?” A lo que salté es a la fecha, claro, ya conoces a la banda que quieres ver. La siguiente pregunta es: “¿Cuándo quieres verlos? El día es súper importante y quería hacer eso grande y audaz. Lo que hice fue, tomé el mismo tipo de estilo en el que estaba el Nacional pero me quité las Serifs y me quité la decoración dentro de ella. Entonces, sigue siendo del mismo estilo, pero es un poco tirado hacia abajo, y se mueve un poco alrededor de la página. Cuando miras esto, aunque entrecerres, si puedes retroceder y entrecerrar los ojos, lo primero que verás es lo nacional y lo siguiente que ves es la fecha. Es increíblemente importante asegurarse de que eso sea muy claro. Se quiere poder ingerir esa información rápidamente y hacerlo sin eclipsar el encabezado o el titular principal. Se ven diferentes pero ese ADN está ahí. Si miras las piezas que son iguales, es el camino de la línea y es la altura x. Son muy similares. Si tan solo quitas parte de la decoración en ese Serifs, tienes casi la fuente idéntica. ese momento y allá, esas dos piezas más importantes tienen un vínculo que se crea entre ellas. Realmente ayuda a unificarlo de inmediato del bate. Entonces, especie de minimizarlo un poco y no usar los Serifs en la fecha realmente muestran que está casi subordinado al tratamiento de título principal y te deberían gustar los Nacionales, es lo que merece atención porque tiene más decoración y se pasa a la fecha y sabes que es importante porque sí comparte ese mismo estilo pero le falta parte de la atención al detalle que tiene el Nacional. Entonces, puedes ver justo en hacer esas pequeñas elecciones, cómo eres capaz de desarrollar la jerarquía de tu pieza. Después de eso, lo siguiente importante sería el invitado especial, esa es la siguiente pieza de información más vital. El invitado especial será Owen Pallett. Qué tienes aquí con el estilo de tipografía Owen Pallett y yo uso letras tipográficas indistintamente porque no todo el mundo va a estar usando letras, algunas personas podrían estar manipulando fuentes, podrías estar haciendo algunas muchas maneras. Al mirar a Owen Pallett, estamos viendo un estilo de letras que aún está dentro del mismo periodo estilístico que el resto de estas piezas del rompecabezas hasta ahora. Este periodo de tiempo, esta Americana del siglo XIX ha amasado una gran cantidad de activos estilísticos de los que puedes sacarlo. En la creación de este cartel, quería tratar de utilizar muchos de ellos y tipo de tener como esta sensación global de Nacional. Para equilibrar los estilos de letras que utilicé para el Nacional y el 30 de septiembre, quería hacer algo que sea un poco más marcado en contraste que aún llamará la atención pero que no sea superador. Lo que hice fue, fui por un peso de línea más delgado y fui un poco más innato pero aún mantuve algunas opciones estilísticas similares. Si nos fijamos en el tipo Nacional, tenemos algunas espuelas saliendo de la mitad hacia la altura x. Sucede lo mismo con la cara de Owen Pallett, excepto que es un poco más innata y es un poco más magnificada. Entonces, en realidad estamos viendo que algo más de ese estilo se desarrolló aún más. Esta es una gran manera de jugar con los estilos que estás eligiendo, te vas grueso y pesado y luego delgado y ligero. Es genial poder equilibrar los pesos de las fuentes que estás usando o los estilos de letras que estás usando y usar eso en tu jerarquía y luego una vez que superes ese punto donde tienes tu información que es 100 por ciento necesario, entonces puedes empezar a jugar con las otras cosas. Para esto es un cartel de banda. Este cartel probablemente fue colgado en el recinto al que ibas a ir, que estabas, en el que la banda iba a estar tocando. Entonces, como que ya sabes dónde va a ser así, no es tan necesario. Cuando se puede jugar alrededor de eso especialmente en vivo obviamente, estas son todas pequeñas piezas que ayudan a decorar el cartel. Entonces, decidí que quiero divertirme un poco más con esta parte del proyecto. No era necesario que todo fuera completamente obvio, no tenía que ser súper legible, pero podría ser soportes estilísticos al resto del diseño del cartel. No tiene que ocupar tanta parte del paisaje visual. Esto no, no estoy sugiriendo que arrojes por completo la guía de estilo y simplemente te vuelvas loco con este punto, sigue siendo importante permanecer dentro del tema general en el que estás trabajando pero puedes divertirte un poco con él. Si no va a ocupar esa gran parte del paisaje visual, puedes volverte un poco loco y puedes divertirte un poco con él y hacer algunas cosas interesantes. En este ejemplo, realmente opté por usar varios otros estilos de letras del periodo de tiempo más como elementos decorativos y no tanto como elementos comunicacionales y eso es lo ves con algunas de estas piezas que tienen mucho tipo o un montón de letras. No todo es súper importante así que, puedes divertirte un poco con él y eso es lo que hice con esta pieza. 11. Sistemas tipográficos: pregunta n.° 4 (continuación): Solo quería correr a través de un ejemplo más de cómo las opciones de letras soportan jerarquía y quería usar este proyecto Dockers en el que trabajé. Enseguida del bate, mi calzoncillo incluía el logo, el logo tenía que estar al frente y al centro. En mi particular estilo de letras dibujadas a mano, trabajar con un logotipo vectorial limpio no siempre es lo más fácil de hacer. Es difícil mezclarlos juntos. Entonces, ese fue mi reto ahí mismo, el logo tiene un estilo definido. No obstante, la campaña de la que esto formaba parte era más o menos una campaña muy humana, tenía un sentir más manos en ella. Si recuerdas de nuevo a nuestras lecciones temprano en tono y tema, muchas de estas cosas provienen del breve creativo. Entonces, si alguien dice: “Aquí está el logo pero tiene que ser humano” aquí es donde tu cerebro empieza a batir y el engranaje empieza a ir y tú empiezas a pensar de verdad : “Vale, ¿cómo voy a resolver este problema?” El real de las manos en el campo a él es diferente de lo que el logo sugeriría así, ¿cómo realmente logro este objetivo. ¿ Cómo lo hago para que esto se sienta como una pieza unificada? Entonces, mi decisión fue ir con un enfoque más serif. El propio logotipo de Dockers incluso con el ícono de ilustración que lo acompaña, es sans-serif todo el camino es un peso de una sola línea, básicamente es un trazo grueso en todo. Entonces, yo quería un poco imitar eso. Entonces, con el título de la campaña, Hombres de Estilo, fui con eso en un solo peso de línea, ese solo golpe, excepto que le agregué un poco más de decoración y le agregué algunas serifs. Lo puse en un arco y y le di un poquito de sombra de gota. Entonces, sigue destacando dentro la composición de la pieza pero el propio logotipo de Dockers sigue siendo el foco principal. Entonces, enseguida estás viendo las piezas número uno y las dos de nuestro rompecabezas jerárquico. Cuando miras esta composición en su conjunto, realmente ves el logo sans-serif pop porque está rodeado todos estos estilos de letras serialimentados y este borde dibujado a mano. Es genial poder definir la esencia de una campaña justo dentro de estos poco contrastantes de ida y vuelta. Este sans-serif del logo es realmente audaz cuando lo miras, en comparación con todos los pequeños detalles que salen de serifs en general. Es decir, una vez que estás usando un serif, estás dejando ir una cierta cantidad de control y cierta cantidad de autoridad que las letras están exigiendo, porque ahí hay esos pedacitos de detalles. Entonces, si vas a contrastarlo con un sans-serif, definitivamente vas a ver alguna interacción entre los dos y en este caso, es el propio logo que aparece y estar a la vanguardia del diseño. Es importante señalar sin embargo, que el peso de línea sí se mantiene bastante consistente en todo. O sea, creo que los subencabezados, lo que haría, Vístete como quieres decir, es un poco más variada pero las dos cosas mayores, los Dockers, y, Los hombres de estilo y el icono de los Dockers todos tienen ese peso de línea consistente. Esto es de nuevo, similar al Nacional donde el Nacional y el 30 de septiembre estamos muy cerca pero en ese caso casi estaba invertido, donde pasé de serif o sans-serif. Pero realmente a lo que se reduce es que estamos trabajando desde el mismo tipo de letra letra ADN, todo sigue ahí, eres capaz de atarlo y parece que es parte de ello. A pesar de que está dibujado a mano, todavía hay esa relación ahí que lo hace funcionar. Cuando se usa en contexto, el espectador ni siquiera lo nota, solo se convierte en su propia pieza, es propia marca y eso es lo que realmente querías hacer lograr, esta estética limpia de Dockers mezclada con la naturaleza arenosa de la gente de todos los días. Ahí fue donde se dirigía el calzoncillo y los elementos humanos de la imperfección mezclándose con esa naturaleza perfecta de un par de pantalones fabricados, realmente nos da ese tema y realmente nos trae a la vanguardia y al espectador y al cliente, quien pudiera estar mirando esto, el público, obtendrá esa vibra. 12. Integración de tipografía e imagen: Una de las últimas cosas de las que quiero hablar es integrar tipo y letras con una imagen. Hay muchas veces en las que puedes salirte con la tuya haciendo solo tipo y eso es realmente divertido y realmente genial, pero la mayoría de las veces ese no es el caso. Es decir, sobre todo si tienes clientes, hay productos que quieren vender, imágenes que necesitan poner ahí fuera, hay fotografía que necesita mostrarse. Hay muchas veces en las que la imagen es importante. Entonces, tienes que decidir cómo se va a integrar tu mecanografía y tus letras dentro de esa imagen, si es fotografía, si es video, si es producto, no importa. Tienes que averiguar dónde se va a sentar, y hay muchas maneras diferentes en las que puedes hacerlo. Puede interactuar directamente con la imagen, o puede interactuar indirectamente con la imagen, y esa es una elección que puedes hacer en base al tono y en base al ritmo y en base a la sensación general de que quieres este particular proyecto a tener. Quiero pasar por sólo un par de ejemplos y mostrarte cómo trabajé a través de ellos. Ambos ejemplos son para una campaña que hice con Bing. El primero que me dieron fue una fotografía de bicicletas, y el título era andar en bicicleta. Entonces, enseguida estoy mirando la imagen y son tonos más suaves, colores apagados, es muy sereno, tenue, relajante, todas estas cosas están empezando a pasar por mi cabeza, estoy tomando notas de todas estas cosas. Todo se siente muy orgánico, pero las bicicletas están al frente y al centro. Entonces, es rígido y geométrico al mismo tiempo. Entonces, hay cierta arquitectura para ello. Entonces, es casi como mirar un paisaje urbano, o algo así comparado con la naturaleza. Tienes cierta cantidad de arquitectura humana que se está utilizando dentro de una situación ambiental, orgánica. Entonces, ahí mismo hay contraste. Entonces, de nuevo, estoy pensando sereno, relajante, pero ahora también estoy pensando en contraste. Apenas en general, la foto en sí solo se siente muy ligera y aireada. Entonces, tengo mucho espacio negativo con el que jugar. Entonces, ¿debería usar todo ese espacio negativo o debería dejar que siga siendo ligero y aireado? Ahí es donde empiezan a funcionar las ideas y ahí es donde empiezan a entrar las miniaturas a medida que empezamos a bosquejar e intentar averiguar exactamente dónde debería estar. Entonces, se puede ver aquí mismo, esta es mi idea inicial de lo que quería ir con. Sabía que quería que fuera algo que fuera sensación orgánica y muy fluida porque tienes la playa, tienes las olas, y luego tienes la moto. Una vez que estás en una de estas bicicletas de crucero de playa, es solo, solo te sientas ahí y simplemente fluyes a través de ellas y es muy relajante. Yo quería que el tipo se sintiera muy fluida y muy libre, pero una vez que hice esto simplemente me sentí demasiado pesado. El pedazo es muy ligero, muy aireado. Hay mucho espacio para respirar y el tipo en sí solo se sintió demasiado pesado. Entonces, lo raspé volví al tablero de dibujo y se me ocurrió la siguiente pieza, y esto es lo que terminó siendo la final. Es más una sensación de un solo golpe, se siente más como si imita un cuadro de bicicleta y sin embargo sigue siendo orgánico, y aún trae la ligereza de la naturaleza detrás de ella y el flujo de las olas. Entonces, realmente traté de incorporar ambos a esta pieza y aún no eclipsar la foto en sí. Entonces, el tipo se sienta un poco detrás de la imagen y le da un poco de dimensionalidad. Entonces, es agradable poder mirar esta pieza y no sentirse abrumado por una sola cosa. En cambio, se siente más equilibrado, y se siente más como algo que en realidad puedes mirar e ingerir y decir que está bien, andar en bicicleta, en lugar de solo ser martillado con demasiada información visual. Lo mismo va para el siguiente. Este fue, se puede ver a unas cuantas personas en una balsa ahí dentro, es rafting de aguas bravas ahí dentro. Están ahí mismo con el agua blanca y se ve bastante loco y se ve bastante agitado y tienen chalecos salvavidas puestos, tenían cascos puestos, el agua está muy entrecortada. Se puede ver este elemento de intensidad y casi masculinidad también, sólo la acción escarpada que esta fotografía está captando. Además, una vez que miras con qué espacio negativo tienes que jugar, es un terreno accidentado. Si entrecerras y vuelves a tirar y miras y ves qué tipo de formas te empiezan a aparecer, puedes ver que espacio negativo del agua es cortado por los remos y las cabezas de la gente y los hombros de la gente y la balsa misma . Entonces, estás atascado con un interesante sentido de espacio negativo y qué voy a hacer para meterme en esta vibra. Entonces, en el otro lado de la bicicleta, esta es muy intensa, y no es ligera y aireada. Hay un montón de cosas visuales pasando. Hay textura y hay patrón por todas partes, y es algo que distrae mucho al ojo humano. Entonces, si vas a empezar a tirar letras ahí dentro, sólo se va a distraer más. Entonces, mi primera opción fue jugar fuera la idea de las olas y lo rocoso que era, y terminé yendo con un estilo tipo más ligero para sentarme detrás, misma manera que lo hice con la pieza de ciclismo, pero terminó perdiéndose. Se perdió muy rápidamente. Es una pieza muy ocupada y ese fino detalle simplemente se pierde en todo el detalle del agua y las olas y todo lo que está pasando. Entonces, tuve que volver y tuve que descifrar algo. Entonces, en lo que pensé fue, una buena manera de realmente llevar esto a un buen lugar era hacer el tipo realmente pesado y realmente grueso y ocupar mucho de ese espacio negativo y realmente hacer lo llene así que es casi sentimiento claustrofóbico, porque ayuda a encender ese sentimiento que la fotografía está tratando de desprender, donde es justo, no hay a dónde ir. Estás en esta balsa y es realmente una locura y yo quería que el tipo imitara eso. Entonces, tomé el tipo y empecé a diseñarlo para que ocupara casi todo el espacio negativo que pudiera. Hice un grueso, así que fue audaz y fácil de leer, e hice el estilo un poco más rígido. No es tan libre fluye y no hay muchas pistas rizadas y esto y aquello. Esto no es sólo un día en la playa, esto es algo realmente intenso. Se puede imaginar la sensación de estar en esta balsa y ser arrojado de ida y vuelta. Si estuvieras en una balsa y repasaras estas cartas, tendría una sensación similar porque hay algunos bordes duros y hay algunas esquinas agudas, y eso es algo que terminó haciendo exitosa esta pieza. era volver a evaluar cuál era el tono y realmente tomar en consideración lo que la imagen estaba tratando de retratar. Eso es una gran cosa de poder hacer es, si sí tienes el tiempo y la capacidad de sentarte ahí y decir: “Está bien, qué es esta imagen diciéndome y cómo puedo expresarlo y cómo puedo hacerlo solo en general, mejor para el público, el público espectador?” Es genial poder contar esa historia, utilizando una fotografía que alguien te da como parte del breve y estás respondiendo de vuelta con algo igual de vital e igual de importante. Eso realmente ayuda a crear la composición de una manera significativa. Es algo que tomará práctica y es algo en lo que necesitarás trabajar para hacer lo correcto para tomar las decisiones correctas, y está bien si tomas las decisiones equivocadas porque aprenderás de ellas y eso es lo que esto es todo sobre. Pero sólo echándole un vistazo a estos y viendo cómo funcionan juntos, se puede ver cómo se puede utilizar todas estas cosas de las que hemos hablado y crear algunas piezas de trabajo realmente hermosas. 13. 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