Dibujo de páginas web: desde la planificación hasta la publicación

1. Introducción: Hola, soy clumeable, un artista de anime autodidacta y creador de contenido. Si bien originalmente comencé como ilustradora, decidí perseguir mis sueños y cambiar mi camino hacia la creación de cómics, específicamente dibujando tonos de trabajo. Siempre me he inspirado en el Anime y el Manga ahí la razón por la que me enamoré crear mis propias historias y personajes. Sin embargo, por mucho tiempo, no sabía cuál sería el mejor formato para mí para contar mis historias es a través, hasta que me topé con leptones, encontré que el formato de referencia era el más inspirador para me encanta hacer coloridas obras de arte digitales y las posibilidades creativas son realmente infinitas con este medio. A primera vista, dibujado web a lo que podría parecer una tarea desalentadora en la que no sabes por dónde empezar. Pero quiero decirte que no es en realidad es un proceso sencillo. Una vez que lo aprendas en mi clase, desglosaré el proceso de dibujar y crear capítulos completos desde la planificación hasta la etapa editorial. Quiero mostrarte cómo puedes hacer storyboard tus capítulos, preparar, organizar tus archivos de trabajo, utilizar técnicas para escalar tu proceso de dibujo y coloración, y cómo usar activos y 3D para crear un fondo anestésico rápido mientras haces ajustes rápidos de color para darte esa hermosa mirada de acabado a través de mi clase. Aprenderás a crear tus propios capítulos completos y ojalá estés listo para publicar tu propio tono web en las plataformas adecuadas. Tengo muchas esperanzas de que salgas de mi clase bien equipado con los conocimientos sobre cómo dibujar con melodías para que estés listo para comenzar tu propio viaje de hacer realidad la historia de tus sueños. 2. Cómo configurar la pintura de Clip Studio: CLIP STUDIO PAINT se ha convertido en el software y app favorito entre la mayoría de los artistas hoy en día, especialmente si los creadores de cómics, ya que está repleto de herramientas y características que de manera realmente más fácil y ahorran tiempo produciendo obras de arte de alta calidad Clip Studio Paint está disponible tanto para computadoras como para dispositivos inteligentes. Viene en dos versiones, Pro y eax. Son muy similares en casi todo excepto que e x viene con más características, principalmente para manejar proyectos con múltiples páginas como cómics, exportar líneas a partir de imágenes y modelos 3D, y fotogramas ilimitados para la animación. Podría haber otras diferencias, pero estas son las principales. Como estamos a la altura de un artista, está perfectamente bien trabajar con él. Si eliges hacerlo, puedes obtener prácticamente los mismos resultados y puedes actualizar a eax en cualquier momento más tarde si cambias de opinión. Personalmente, tengo la versión EX y es la que voy a estar usando en esta clase. Pero a lo largo de las lecciones, te haré saber dónde necesitas hacer las cosas de manera diferente. Si eres un usuario profesional, claro, eso será a lo mejor que yo sepa, ya que nunca lo usé antes. Así que perdóname si me pierdo algo y házmelo saber ahora si es tu primera vez usando Clip Studio Paint o no, no te voy a dar una introducción a las herramientas y características de la software porque entiendo que es mucha información para absorber a la vez. En cambio, te voy a explicar las herramientas que necesitas a medida que avanzamos. Así podrás probarlos instantáneamente y retenerlos en tu memoria y poco a poco adquirir experiencia con el software a medida que lo usas. Entonces, por ahora, hablemos de configurar tu CLIP STUDIO Paint y personalizarlo a tu preferencia. Lo primero es lo primero, después de conectar tu tablet y ejecutar Clip Studio Paint, abre un nuevo archivo desde File new. Está bien elegir cualquiera de las opciones. Ahora, sólo voy a ir por ilustración. Ahora con este paso, vamos a establecer los ajustes de presión del lápiz para que sean los más adecuados para su propio uso. Para ello, ve a Archivo, luego ajustes de presión, y luego toma tu pluma y haz múltiples trazos en la pantalla. Haz golpes con la presión con la que te sientas cómodo. Yo aconsejaría no presionar apenas en tu pluma porque eso puede lastimarte la mano a la larga. Así que mantén tu mano ligera y podrás ver que la gráfica está cambiando sobre la entrada que le estoy dando. Una vez que hayas terminado, haz clic en verificar, ajusta la configuración, y ahora puedes probarlo en la pantalla. Si te sientes cómodo con la configuración en esta etapa, haz clic en Listo. Si no, simplemente haz clic, vuelve a la pantalla anterior y vuelve a hacer la cosa. Y eso es todo. Haga clic en Listo para cerrar esta ventana. Entonces eso fue lo primero. Lo segundo es la interfaz de usuario. Como puedes ver, todo en Clip Studio Paint está conformado por Windows. Entonces, por ejemplo, si hago clic y mantengo esto, sacaré la ventana. Y si hago clic y mantengo de nuevo, puedo traerlo de vuelta a donde estaba y redimensionarlo y así sucesivamente. Todo por aquí tiene una ventana y puedes arrastrar y cambiar las cosas como quieras. Entonces para este paso, conocerás cuál es tu interfaz de usuario más cómoda a medida que avanzas, porque estarás cambiando y continuamente en base a tus necesidades. Pero por ahora quería que supieras que ya que todo está conformado Windows y puedes arrastrarlos y verlos aparecer así. Y a lo mejor haces clic en cerrar por error. No te preocupes cuando eso suceda, puedes restaurar cualquier cosa que hayas cerrado yendo a Ventana. Y por ahora, voy a elegir Navigator ya que ese es el que cerré hace un momento. Y aquí está. Ya está de vuelta. Así que simplemente la arrastraré y la pondré de nuevo a donde estaba. Personalmente, casi he mantenido la interfaz de usuario Default Clip Studio Paint, pero pongo las capas aquí en el lateral como una ventana larga porque como trabajo en la melodía web, uso muchas capas. Entonces para mí me pareció que de esta manera es más fácil navegar entre ellos. Y también por aquí pongo la paleta de colores para facilitar el acceso, que hablaré con más detalle medida que iniciemos la fase de coloración. Y también el resumen del navegador muestra una vista previa de tu lienzo. Entonces a veces me resulta útil simplemente agrandar esto para poder saltar entre los paneles más fácilmente y ver mi archivo de trabajo de un vistazo. Por último, pongo el tamaño del pincel por aquí. Por lo general supongo que se encuentra aquí y la interfaz de usuario predeterminada. Pero lo puse aquí en el costado para que ocupe menos espacio y para que pueda escoger el tamaño del pincel con más facilidad. Ahora hablemos de esta cosa en la parte superior aquí se llama la barra de comandos. Y como puedes ver aquí, hay tantos atajos. Algunos de ellos vienen con una interfaz de usuario predeterminada, y algunos de ellos me agregué yo mismo. Me parece muy útil esta barra de comandos. Realmente te ayuda a ahorrar algo de tiempo y usar algunas herramientas rápidamente. Entonces para ajustar los iconos aquí vas a Configuración de la barra de comandos de Archivo. Desde aquí se pueden ver diferentes cosas. Hay comandos de menú, pellets emergentes, opciones, herramientas. Para ser honesto, no lo he usado todo, pero quiero mostrarte lo que he puesto. Además, además de la interfaz de usuario predeterminada, que son el acercamiento y alejamiento y ajuste a la pantalla y rotar el lienzo hacia la izquierda y derecha y restablecer la rotación o inversión. También puse este botón abatible horizontal para que sea fácil y rápido para mí voltear el lienzo y ver si mis proporciones de obras de arte están bien. Por cierto, estos botones ya existen aquí, pero como se puede ver ahí en el lateral de la ventana. Entonces descubrí que ponerlos encima por aquí lo hace más rápido para mí. Puede establecer esos ajustes desde la barra de comandos, ajustes bajo los comandos del menú van a Ver. Y luego este es el Zoom y arrastras y sueltas aquí. Este es el zoom out. Y como se puede ver, se ha puesto un separador entre las dos herramientas. Si quiero deshacerme de eso, simplemente hago clic derecho y elimino separador. Entonces ahora están todos en un solo lugar. Y luego también está el botón Ajustar a la pantalla. Bajo rotar o voltear. Ahí está el giro a la izquierda. Gire a la derecha. Voy a simplemente arrastrarlos y el separador desaparecerá automáticamente. Y esta es la inversión de rotación de investigación. Por último, el flip horizontal. Si quieres eliminar alguno de los iconos, haz clic derecho en él y elimínalo, y así es como puedes limpiarlo. Voy a quitar los que puse hace un momento ya que ya los tengo. Los otros dos iconos que he agregado son la transformación libre, la transformación de malla. Hablaremos más sobre estas herramientas cuando estemos en la fase de boceto. Pero quiero mostrarte de dónde puedes obtenerlos para ponerlos en la barra de comandos, ir a editar, transformar. Y luego por aquí se pueden ver todas las opciones de transformación. Para mí, arrastre la transformada libre y la transformada de malla, y también voy a poner la escala rotar porque también es una herramienta rápida útil. Así que eso es para la configuración de la barra de comandos. Por último, quiero hablar de algo muy importante, que son los atajos de teclado. Establecer atajos de teclado tus herramientas favoritas realmente, realmente te ahorrará mucho tiempo a largo plazo. Entonces, cualquiera que sea la herramienta que note que usa con frecuencia, asegúrese de configurar el método abreviado de teclado para ella, o un atajo de barra de comandos para ella. Pero de todos modos, haz que sea fácil y rápido para que te ahorres mucho tiempo a la larga. Entonces, por ejemplo, I. Tener la tecla N establecida mi herramienta de pluma y la tecla E para mi borrador. V2 para mi pincel, la herramienta de mar, para mi herramienta de mezcla de agua, y ser clave para mi herramienta de desenfoque y así sucesivamente. Entonces quiero que tomes nota de eso para establecer accesos directos, ve a Configuración de accesos directos a archivos. Y a partir de aquí, como en la configuración de la barra de comandos, puedes elegir dónde está la cosa para la que quieres establecer el atajo. La mayoría de mis atajos están bajo la categoría de herramientas. Entonces, por ejemplo, como te dije antes, el atajo n está configurado para mi herramienta pluma. El lápiz es f, cepillos de aire a, y así sucesivamente. También puedes ir dentro de las propias herramientas y esos atajos para subherramientas, por ejemplo, tanto el pincel como la acuarela que acabo mostrar estás debajo de la herramienta pincel, que es esta de aquí. Entonces estas son las dos herramientas, pero configuré un atajo para cada una de ellas por separado, como pueden ver aquí. Así que eso me facilita navegar entre ellos. Así concluye mi introducción a la configuración de Clip Studio Paint. Por supuesto, fue una introducción muy breve. Y como les dije, hablaremos más sobre las herramientas que tenemos a medida que las necesitamos a lo largo de nuestro progreso. En la siguiente lección, hablaremos sobre la planificación de su capítulo a través guiones gráficos para que podamos iniciar nuestro viaje de producción de capítulos. 4. 1-2 Configurar archivos de trabajo: Ahora que hemos terminado con el storyboard, es momento de llevarlo a la siguiente etapa y ponerlo y dibujar lienzo para configurar nuestros archivos de trabajo. Pero antes de entrar en eso, primero quiero explicar la guía de tallas del lienzo. Y en base a lo que elegí, las dimensiones de las que te voy a contar. Cuando se trata de la guía Tamaño de lienzo, los tonos web son cómics largos y de desplazamiento vertical, y constan de varias páginas. Digamos que las dimensiones de una de esas páginas dependen realmente de la plataforma en la que la vas a poner. Pero en este curso, me voy a centrar principalmente en la plataforma principal de publicación para creadores indie, que es la Web dos en Canvas. Para trabajado en Canvas, las dimensiones requeridas para una página o una imagen son 800 píxeles de ancho por una altura máxima de 1280 píxeles. Esta es la altura máxima de tu imagen puede ser menor, pero no puede ser más grande. Entonces, en base a este requisito de página, suelo configurar mi lienzo de dibujo para que tenga siete páginas de esta página. Eso significa que sería de 800 píxeles de ancho por 1280 píxeles por siete páginas. Que es este número, 8,960 pixeles. Pero entonces otra vez, este número es sólo para el tamaño de pantalla. Y como estás poniendo mucho trabajo en tu melodía web, podrías considerar imprimirla más tarde y convertirla en un formato de libro. Por eso es muy recomendable que no solo dibujes de este lado específicamente, sino que vayas un poco más alto y dimensione tu lienzo. Para mí, dibujo en un lienzo que es tres veces el tamaño de este lienzo de siete páginas. Entonces eso significa 800 píxeles por D3 y ancho, que es de 2,400 píxeles. Y este número multiplicado por un tres, lo que nos da este número 26.800 pixeles. Entonces, en resumen, el tamaño del archivo que voy a ir es este, este número por este número. Entonces vamos a hacer uso de estos números ya. Vamos a crear nuestros archivos de trabajo son lienzo de dibujo. Iremos a Archivo Nuevo y luego elegiremos qué hacer aquí. Personalmente, lo nombro por el nombre del capítulo. En lo que va de ahora estoy trabajando en el Capítulo 14 y el alcohol. Sólo eso. Al hacer clic en este botón, eliges el directorio donde quieres que se guarden tus archivos. Y por aquí, bajo el lienzo, aquí es donde vamos a hacer uso de estos números que aquí mencioné. El ancho del lienzo será de 2,400 píxeles por una altura de 26,880 píxeles. Asegúrese de que el color básico de la expresión esté configurado en color. El color del papel normalmente lo dejo ya que es en blanco. Ahora para esta configuración de página por aquí, esta función solo está disponible para la versión X de Clip Studio Paint. Lo puse en un número de seis páginas. Y cuando haga clic en Bien, me va a crear seis páginas largas de las dimensiones que he establecido. Entonces es como si se hubiera creado un archivo de administración de páginas. Eso significa que si hago clic con el botón derecho en alguna de estas páginas, puedo ver opciones de abrir la página, eliminar, agregar, duplicar, y así sucesivamente. Y para mostrarte cómo se ve en el formato de archivo, se crea un archivo para mí aquí llamado Capítulo 14, que es el archivo de gestión de páginas de Clip Studio Paint. Y luego creó otras seis páginas. Entonces, si cierro esto ahora y abro el Capítulo 14, voy a obtener este archivo de administración de páginas. Y como pueden ver, ha creado seis archivos para las seis páginas que especificé. Entonces, si eres usuario de X, entonces puedes seguir esto y obtener el mismo resultado. Pero si eres un usuario profesional, puedes hacer exactamente lo mismo yendo a File new web tune, luego creando estos archivos por separado. Entonces básicamente los vas a crear sin tener una carpeta para combinarlos. Por eso no va a hacer mucha diferencia cuando se trata de los propios archivos de trabajo. La versión x solo te facilita la gestión de tus páginas. Ahora voy a abrir la primera página de mi capítulo y volveré al archivo del guión gráfico y lo arrastraré aquí. Y luego voy a mantener mis páginas en el lado izquierdo por aquí para que pueda ver lo que está pasando. Entonces como mencioné en el storyboard, dibujé cada columna del mismo en una capa separada. Voy a ir a la primera capa y haces clic en Controlar a para seleccionar todo y luego controlar C para copiar. O también puedes ir a Seleccionar, Seleccionar todo y luego Editar y Copiar. Volveré a mi página y haré clic en Control V en mi teclado, o Editar y Pegar es lo mismo. Y ahora voy a hacer clic en Control T para abrir la caja de transformación. Como pueden ver, tengo asas que me permiten redimensionar mi storyboard. Si no tienes teclado y quieres sacar a colación la transformación, ahí está este botón que configuramos antes y la barra de comandos. Al hacer clic en él, también aparecerá el cuadro de transformación. O también puedes ir a editar, transformar , rotar escala, y también mostrará lo mismo. Ahora alejaré un poco y sostendré la barra espaciadora para desplazar mi lienzo. Y voy a arrastrar esta caja en la esquina para redimensionarla. Ahora, para redimensionarlo con proporción, que asegurarse de que por aquí Keep Aspect Ratio esté marcado. Si no está marcado, entonces tienes que presionar Mayús en tu teclado y cambiar el tamaño. Entonces voy a traerlo de vuelta. Redimensiono mis guiones gráficos para que se ajuste al tamaño de mi lienzo. Y luego haz clic en Bien para aplicar la transformación. Una cosa realmente genial que podemos habilitar es ir a Ver y luego seleccionar la melodía web del área en pantalla. Con esto habilitado, podemos ver cómo se ve la vista en la página de una esposa Joan. Entonces eso significa que podemos ajustar la distancia entre nuestros paneles y comprobar cómo se vería en el teléfono. Entonces básicamente este rectángulo es la vista del teléfono. Por cierto, puedes ajustar la configuración de esta vista en pantalla yendo a Ver área en pantalla, configurando el tono barrido y luego ajustando la relación desde aquí. Pero normalmente lo guardo como está. Así que sólo voy a hacer clic en Cancelar. Ahora voy a alejar el zoom para poder tener una mejor vista. Y yo iré por la Herramienta de Marquesina por aquí. Y usando la selección rectangular, seleccionaré a partir de este Canvas y luego iré a la herramienta Mover por aquí y moveré esto hacia abajo mientras mantengo presionada Mayús para que solo mueva los paneles hacia abajo y el lado vertical y no en el lado horizontal. Una vez que haya terminado, haga clic en este botón para anular la selección. Y voy a seguir adelante de nuevo y seleccionar los siguientes paneles. Si quieres seleccionar otras cosas, entonces puedes hacer uso de la Herramienta Lazo aquí. Y asegúrate de tener este botón en la selección que agregues a la selección que tienes actualmente. Y si eliges este botón de aquí, entonces puedes restar de la selección. Estos ajustes están disponibles para todas las opciones de selección, así que tenlos en cuenta para hacer un buen uso de ellos. Volveré de nuevo a la herramienta de movimiento y mantendré presionada Shift y la moveré hacia abajo. Usaré la herramienta menor esta vez y volveré a bajar y luego hacer clic en esta. O también puedes hacer clic en Control más D en tu teclado para deseleccionar. Y finalmente, este último panel, sostendré a Shift y lo derribaré. En cuanto al primer panel de este capítulo, estaré reutilizando el último panel de mi capítulo anterior. Así que voy a seguir adelante y copiarlo de aquí y pegarlo por aquí. Entonces iré a Editar, Pegar para mostrar en posición para que quede pegada en la posición correcta. Lo voy a mover un poco para ajustarlo. Con las flechas en mi teclado, puedo acercar el zoom y comprobar que todo se ve bien. Entonces ahora cuando me alejo, puedo ver que este panel está tomando casi la mayor parte de la página uno. Me desplazaré hacia abajo con la herramienta pluma para comprobar cómo se está uniendo el capítulo. Sentí que este panel estaba demasiado cerca. Entonces voy a cambiar la distancia entre ellos y bajarla un poco más. El distanciamiento entre paneles es muy importante porque también contribuye al ritmo de tu narración. Entonces, cuanto mayores espacios dejes entre los paneles, más descansos entre las escenas. Entonces, por ejemplo, por aquí, quiero introducir algún tipo de emoción temerosa. Entonces quiero darle más espacio a este personaje para mostrar su temerosa emoción. Por eso voy a dejar mayor espacio entre los paneles antes y después de él. Me desplazaré hacia abajo. Y voy a tener los paneles aquí más cerca uno del otro porque quiero que parezcan más rápidos. Y revisaré el ritmo otra vez desplazándose. Voy a acercar un poco este último panel al panel anterior para que el ritmo se sienta un poco más rápido. Ya que quiero que ese tipo rápidamente tome su espada y se transforme. Y ahora como terminé de transferir la primera columna, voy a hacer lo mismo por la segunda columna. Entonces elegiré Capa dos, y como todo sigue seleccionado, también volveré a Controlar C para copiar. Y voy a ir Editar, Pegar a la posición de Sean para que pueda verla. Porque si solo lo pego así, no voy a ver dónde está. No lo sé. Se ha perdido. Entonces utilizo pegar a la posición de Sean en su lugar. Pero de todos modos, si pierdes alguna de tus capas sin encontrar rastro, solo para dar clic en Control T. Y luego aparecerá el cuadro de transformación. Y luego puedes arrastrar tu capa. Ya sabes, encuéntralo de nuevo. Editar, Pegar para mostrar en la posición. Y también voy a transformar esto y redimensionarlo. Como pueden ver, me estoy acercando al final de la página. Entonces parece que voy a descartar los siguientes paneles y dejarlos para la segunda página. Nuevamente, reviso el ritmo desplazándome y ajustando en consecuencia. Por lo que decidí quedarme con este panel solamente. Así que voy a seleccionar el siguiente y hacer clic en este botón de aquí para eliminar o hacer clic en el botón Eliminar en mi teclado. O ve a editar, eliminar y luego Control D para deseleccionar y llevar este panel un poco hacia abajo. Ahora bien, si quiero eliminar este exceso de espacio y recortar este lienzo, puedo hacerlo simplemente usando la herramienta de selección rectangular y seleccionando mi lienzo hasta donde quiero cortar. Después ve a Editar recorte. De esta manera. Esta primera página termina aquí. Y si quiero cambiar las dimensiones de la página y hacerla más larga de lo que puedo ir a editar, cambiar el tamaño del lienzo. A partir de aquí puedo cambiar mis dimensiones. Por ejemplo pongamos 28,000 pixeles. Pero como puedes ver, al hacer esto, tamaño extra del lienzo viene tanto en la parte superior como en la parte inferior del lienzo. Eso se debe a que el punto de referencia se establece en el centro en este caso. Entonces no quiero eso. Quiero que la extensión esté solo en la parte inferior. Entonces voy a hacer clic en Restablecer y elegir el punto de referencia para ser el top por aquí. Y ahora puedo escribir de nuevo la altura que quiero. Y como pueden ver, la extensión viene al fondo, pero voy a cancelar y voy a mantenerla como está. Ahora. Ya que terminé con esta primera página, fusionaré esas capas del haciendo clic en la capa del guión gráfico y manteniendo presionada la tecla Mayús y haciendo clic en todas las capas del guión gráfico que tengo. Y luego haga clic derecho y fusione las capas seleccionadas. Entonces ahora todo mi storyboard está en una capa. Voy a cambiar el nombre de esta capa a storyboard. Ese paso extra que también hago es hacer clic en este botón de aquí para cambiar el color de la capa a azul para que sea más fácil para mí después cuando estoy dibujando. Si no ves este botón, por cierto, tu ventana de Capas podría ser demasiado pequeña solo para arrastrarla un poco y debería aparecer. Y si aún no ves, puedes obtener el mismo efecto también debajo de las propiedades de la capa haciendo clic en este botón color de capa. Por lo que al hacer clic en él se habilitaría y haciendo clic nuevamente con deshabilitado Y puedes jugar con el color que quieras desde aquí, cualquier color que quieras. Pero por lo general lo mantengo al valor por defecto al azul. Para el resto del storyboard, hago lo mismo para transferir todos mis borradores en bruto a sus archivos de trabajo. Y luego una vez que termine, es el momento de crear marcos para mis paneles. Y podemos hacerlo fácilmente yendo a la herramienta de borde de marco de aquí. Y luego elegir marco rectangular. Puedes elegir el color que quieras para el borde de tu panel. Normalmente voy por dibloque sólido. Ahora haz clic y mantén presionado para dibujar el panel sobre tu borrador aproximado. Una vez que hayas liberado, verás por aquí que se ha creado una capa de marco. Viene con una capa en blanco ráster y un fondo de marco. Así que deshabilité el fondo del marco para poder ver el guión gráfico debajo de él. Ahora que se ha creado este marco, si hago clic en alguna capa dentro de él y dibujo, cualquier cosa que dibuje estará dentro del marco. Pero si arrastro la capa fuera del marco, entonces puedo sacarla afuera y ya no está ligada por el área del marco. Para editar los ajustes de casi cualquier cosa incluye Studio Paint. Usted hace uso de la herramienta objeto en funcionamiento. Entonces, al usar la herramienta objeto y hacer clic en el panel, puedes ver inmediatamente los ajustes por aquí. Puedes o quedarte con el borde o si no tomas esto, se quitará el pedido. Puedes cambiar el color del borde de aquí al color que quieras. También puedes cambiar el tamaño del borde. Normalmente voy por la talla ocho. Encuentro un adecuado para mis dimensiones. Ahora el borde del marco es básicamente un vector. A las propiedades de una capa vectorial se aplican a ella. Hablaremos más sobre las capas vectoriales más adelante cuando estemos en la fase de arte lineal. Pero por ahora quiero mostrarte cómo puedes editar muchos de los ajustes del borde tratándolo como una capa vectorial. En primer lugar, haga clic en el botón de línea correcta aquí y elija la herramienta de puntos de control hacia arriba. Por aquí, tienes múltiples configuraciones. El borde del panel está conformado por puntos de control. Entonces, si hago clic en Mover puntos de control, puedo moverlos. Y por lo tanto, yo solo la forma del panel. Si hago clic en Agregar punto de control, puedo agregar otro punto de control. Y ahora si muevo este nuevo punto de control. Entonces puedo obtener una nueva forma. Si hago clic en Eliminar punto de control, entonces ese punto de control será eliminado. Y si hago clic en la esquina del interruptor, entonces va a convertirla en una esquina lisa en lugar de una afilada. Si hago clic en ajustar línea con un clic en un punto de control y arrastre hacia arriba, entonces voy a ver que el grosor del borde va en aumento. Entonces como pueden ver, tengo una variedad de espesores creados. Y si hago clic y arrastre hacia abajo, entonces el ancho de línea se hace más pequeño y casi inexistente. Las dos últimas opciones no parecen funcionar con bordes de marco y de todos modos no las necesitamos realmente. Entonces por ahora quiero ajustar la forma de este panel mientras solo puedo mover este punto de control por aquí, como pueden ver, la línea no es perfectamente horizontal y quiero mantenerla horizontal. No quiero estropearlo. Entonces lo que voy a hacer es agregar un punto de control por aquí donde termina la línea inclinada. Y luego voy a borrar el punto de control por aquí. Y como se puede ver, se creó una línea inclinada manteniendo rectas las líneas horizontales. Pero voy a cambiarlo un poco porque estaba demasiado inclinado. Y lo voy a poner aquí y borrar. Ahora suelo hacer un paso extra para mi storyboard con un bolígrafo. Voy por ahí y numero mis paneles porque así es como hago un seguimiento de ellos para poder cambiar el nombre mis marcos también a los números de paneles. Y también es la forma en que hago un seguimiento de mis avances en un documento que les presentaré más adelante. Entonces ahora como numeré mis paneles, seguiré adelante y renombraré el primer fotograma. Lo agrego y lo llamo uno. Para que cada álgebra de fotogramas a partir de ahora tengamos un número. También puede utilizar la herramienta objeto para mover rápidamente los puntos de control. En este caso, no tengo ninguna línea horizontal de qué preocuparme, así que solo las arrastro y ajusté esta tierra. Voy a seguir añadiendo marcos para el resto de los paneles de esta página para mostrarte el proceso. Descubrí que el uso de líneas inclinadas para algunas escenas las hace lucir más dinámicas. Especialmente si tienes adolescentes phi en tu cómic. Encuentro que realmente los hace más animados. Por eso decidí ir por mirada inclinada por aquí. Y tal vez los haga aún más inclinados. Para este panel, decidí ir por una vista completa para que diferente llene la pantalla. Voy a tenerlo como un panel grande y seguir dibujando el personaje más tarde. Probablemente dibuje más del cuerpo del personaje para que este último panel número seis venga encima de él. También para mover tus paneles alrededor, bueno, podrías usar la herramienta objeto para moverlo. Si tenías contenido dentro del panel, moverlo con la herramienta objeto no mueve el contenido dentro de él. Es por eso que cuando quieras mover un panel, asegúrate de usar la Herramienta Mover en su lugar para que puedas mover todo junto. Entonces eso es todo acerca de cómo agregar marcos o paneles. Repetiré el mismo proceso para todas las demás páginas hasta que tenga todo el storyboard transferido a mis archivos de trabajo. En la siguiente lección, pasaremos a agregar burbujas de discurso para que finalmente podamos ver a nuestros personajes hablando. 5. 1-3 Lettering: Bien, ahora es el momento de agregar burbujas de discurso a nuestros paneles. Pero antes de entrar en eso, hablemos de los diferentes tipos de burbujas de habla. Las burbujas de discurso vienen en muchas formas y variedades, y realmente ayudaron a entregar las emociones del personaje. Ayúdanos a entender mejor el tono de su discurso. Aquí les presento seis de los principales tipos de burbujas de discurso. El primero es el más difícil se puede decir que es sólo un círculo normal indica el habla normal. Entonces se puede decir que se usa la mayor parte del tiempo. Pero para una burbuja de discurso que parece una nube, H representa los pensamientos internos del personaje. En la burbuja de discurso rectangular se puede utilizar para la integración de la historia o para un monólogo del personaje. Una burbuja de discurso puntiaguda indica gritos, gritos o una voz fuerte en general, ya que la línea de recorte a la burbuja del habla con líneas que van hacia el centro presenta una especie de tensión para el personaje. Y por lo general se usa para monólogo, no para diálogo. Y finalmente, la barra de nubes va un poco sin fronteras, no tienen límites. La burbuja del habla representa una especie de pensamientos oscuros o desesperación o un estado de ánimo bajo. Por supuesto, estos no son los únicos tipos. Puede haber innumerables tipos de burbujas de habla. Cuanto más lees cómics la mañana te expondrás a cosas más interesantes. Pero yo diría que estos son buenos para un paquete de inicio. Ahora que ya hemos cubierto los tipos, comencemos y agreguemos discurso al capítulo al que tenemos que asistir. Normalmente pongo todos los textos y letras en una carpeta para mantener las cosas organizadas. Crearé una nueva carpeta encima de todas las capas. Y yo lo llamaré texto. Y del lado izquierdo aquí, bajaré a esta herramienta de botón. Y una vez que haga clic en él, diré múltiples opciones. Para cada subherramienta de estos, hay ajustes bajo la propiedad de la herramienta. Puedes cambiar la forma de la burbuja de voz, el tamaño del pincel, los colores predeterminados y qué tan pixelado o suave quieres que se vea el borde. E incluso puedes cambiar la forma del pincel desde aquí. Hay tantas variedades interesantes. Lo que suelo hacer para mis diálogos, utilizo la última subherramienta, que es un botón redondeado. Elijo una figura rectangular y hago que la redondez de las esquinas sea del 100 por ciento. Y configuré mi color de línea para que sea siempre negro, el color de relleno para ser siempre blanco. A menos que quisiera cambiarlos, entonces lo haría manualmente. Entonces con este seleccionado, voy a seguir adelante y dibujar la burbuja del habla. Y una vez que lo dibujé, todavía puedo volver a editar los ajustes usando la herramienta objeto. Entonces desde aquí puedo editar el tamaño del borde y la opacidad de relleno. Normalmente pongo mi opacidad total en el 90 por ciento para que no esté cubriendo completamente la obra de arte. Para que podamos ver un poquito debajo de ella. Y una vez que se agrega la burbuja del habla, puedes agregar una cola de globo. Y otra vez, juega con los ajustes de aquí. Por ejemplo, yo. Tener el mío en línea recta con el ancho de las colas establecido en 100. Pero también puedo usar una caída en línea. Y así es como puedes crear una cola más larga para la burbuja del habla. O también puedo usar una spline, que es como crear esas colas curvilíneas para las burbujas del habla. También está la cola del tercer dormitorio por aquí, que puedes pedirle burbujas de pensamiento a tu burbuja del habla. O puedes usar el bolígrafo para dibujar tu propia burbuja de globo por sí misma. ejemplo, en esta escena, no quiero que sea un círculo perfecto porque quiero incluir alguna sensación de miedo. Entonces va a ser un móvil nebuloso. Para mi bolígrafo, uso la configuración predeterminada excepto que solo cambié dos configuraciones para que coincidan mejor con mi uso. Te voy a mostrar estos ajustes ahora mismo. Pero por cierto, puedes cambiar cualquier configuración de subherramienta haciendo clic en el icono de llave de aquí. Una vez que hagas clic en él, verás este menú. Hay todo tipo de ajustes y estos vienen para cada herramienta en Clip Studio Paint. Así que trata de familiarizarte con él. Entonces lo que cambié es debajo del tamaño del pincel, hago clic en esta flecha por aquí e hice el valor mínimo de la presión de la pluma sea 20 o 20, 1%, para que obtenga este efecto de presión de pluma cuando dibujo. La segunda cosa está en corrección. Dije que la estabilización sea 50 por ciento porque cuando esto es bajo, va a aparecer el temblor de la cabeza . Así que no siempre estoy deseando esta mirada muy temblorosa. Por eso fijé el mío en el 50 por ciento. Al hacer clic en el I por aquí. Lo habilité en el acceso rápido por aquí para que pueda cambiarlo rápidamente cuando quiera. Y puedes hacer esto también para cualquier configuración. Puedes activar o desactivar cualquiera de los ajustes que quieras tener en el cuadro de aquí. Cambié de opinión y lo dibujaré con un estabilizador inferior para hacerlo más tembloroso. Ahora bien, si nos fijamos en el panel de capas. Verás que tenemos un globo creado y está fuera de todas las carpetas. Sólo voy a arrastrarlo y ponerlo dentro la carpeta de texto para que tenga mi burbuja de discurso adentro y bien organizada. Ahora como dibujé mi burbuja del habla, quiero ajustarla apenas un poco como pueden ver. Hay algunas cosas adicionales por aquí. Entonces iré de nuevo a la herramienta de línea correcta y eliminaré los puntos extra. Los bordes de burbuja de voz también son vectores y se les aplica la misma operación. Para que pueda jugar con nuestra burbuja del habla y ajustarla a cómo nos gusta eliminar cualquier exceso de puntos de control que no nos gusten. Voy a cambiar la opacidad al 90 por ciento para que pueda ver lo que hay debajo de ella. Ahora, después de agregar la burbuja de voz para escribir nuestro diálogo, vamos a la herramienta de texto de aquí y damos clic en la burbuja de voz y comenzamos a escribir nuestro diálogo. Observe cómo presenté las nuevas mentiras detrás cada palabra para que coincidan con la forma de mi burbuja del habla. Voy a usar la herramienta objeto para arrastrarlo y centrarlo en la burbuja del habla. Pero quiero introducir una nota importante sobre el texto. Cuando escribas tu texto dentro de tu burbuja de discurso, asegúrate de que siga la forma de la burbuja del habla, por ejemplo , ahora, si veo los bordes de mis textos, están dando una forma circular. Así que siempre trata de ir por la forma circular. Nuestra forma de diamante, algo que comienza pequeño en la parte superior y luego se hace más grande, luego se hace más pequeño, y luego eso hace que tu discurso burbujee más agradable a la vista. Ahora el texto que agregué se unió de inmediato con la capa de burbuja de discurso. Eso quiere decir que ahora cuando los muevo, están en la misma capa. Y eso hace que sea muy fácil cambiar la ubicación de tu burbuja del habla. Ahora para la herramienta de texto, puedes guardar tus ajustes y diferentes subherramientas para que no tengas que cambiar tu tipo y tamaño de teléfono cada vez y simplemente apliques la configuración de inmediato. ejemplo aquí tengo un monólogo, así que solo voy a seleccionar todo y hacer clic en la subherramienta de monólogo que he creado por aquí. Y una vez que hago clic en él, se han aplicado los efectos de textos monólogos. Sólo voy a reducir un poco el tamaño para que coincida con mi burbuja del habla. Y también lo haré cursiva para que sea más impactante y también para indicar doble que esto es monólogo, no es discurso. Ahora, ¿cómo se guarda la configuración? Básicamente simplemente haz clic derecho en cualquier herramienta de texto que tengas y duplicarla y nombrarla como quieras, llamémoslo diálogo. Y después de establecer sus ajustes de tamaño de fuente y otras cosas, haga clic en el icono de llave inglesa de aquí y haga clic en Guardar todos los ajustes por defecto. Te preguntará en un mensaje como ¿está bien reemplazar la configuración actual? Sólo para hacer click, ¿bien? Y ahí lo tienes. Tienes muy fácilmente para crearlo los ajustes predeterminados de tu herramienta. Para mí, tengo uno para el diálogo, uno para un monólogo y otro para la negación. Y podría agregar más después si viera una necesidad, y eso es lo que le aconsejaría que usted también hiciera. Otro consejo útil es que puedes crear una lista para tus fuentes cómicas para que no tengas que desplazarte por toda la lista de fuentes disponibles en tu PC, por ejemplo, estas son todas las fuentes que tengo en mi PC. Creé esta lista de cómics que solo tiene un puñado de las fuentes que personalmente seleccioné que uso en mi cómic. Y la forma de hacerlo es haciendo clic en este ícono de engranaje. En el lado izquierdo debajo de la lista de fuentes, haga clic en este icono para crear una nueva lista de fuentes. Nómbralo como quieras. Después al hacer clic en la lista, puedes desplazarte por tu lista de fuentes y tomar las que quieras incluir en tu lista. Una vez que hayas terminado, haz clic en Bien. Y cuando hagas clic en el menú desplegable junto a la fuente, verás que se agrega aquí para que puedas acceder rápidamente a tus fuentes. cuanto a las fuentes que uso en mi cómic, utilizo principalmente fuentes cómicas, que son fuentes libres de derechos que se pueden usar tanto para proyectos gratuitos como comerciales. Que estoy en el lado seguro y no hay preocupación de ninguna responsabilidad legal al usar la fuente. Vienen en muchas variedades y las encuentro muy prácticas y expresivas en los cómics. Pero si aún quieres que busquen las otras fuentes, puedes buscar en esta página web, uno-a-uno fonts.com. Y la forma de buscar teléfonos que puedan ser utilizados con fines comerciales es haciendo clic en este botón de aquí para que todos los resultados que se muestren estaremos bien para usar en proyectos comerciales. Ahora, ¿por qué estoy mencionando proyectos comerciales? Porque este es un gran proyecto que estás haciendo y podrías considerar monetizar tu trabajo para que obtengas algo de venganza por tus esfuerzos. Es muy importante estar en el lado seguro cuando se trata de derechos de autor y cosas así. Pero también hay un sitio web que se llama Lambert, el cual hacen fuentes exclusivamente para creadores de cómics. Como puedes ver, tienen tantas fuentes interesantes y son las predeterminadas que es, creo, generalmente utilizadas en la industria del cómic cuando se trata de las fuentes de la tierra, pero apoyar a creadores independientes. Es por eso que sus teléfonos son gratuitos para creadores de la India o creadores personales que no pertenecen a empresas o no trabajan con editores convencionales. Entonces debería estar bien usar sus teléfonos. Si estás trabajando por tu cuenta, tienes su licencia otorgada para ti. Bien, volvamos a nuestro expediente. Digamos que tenías otra burbuja de discurso por aquí, y quieres conectar las dos burbujas de discurso para que haya continuación y discurso. Puedes hacerlo simplemente usando la cola del globo. Puedes usarlo como línea recta o como polilínea, como mostramos anteriormente, o incluso como spline. Este tipo de conexión sería especialmente genial si tus discursos a través del cómic mientras te desplazas hacia abajo para que brindes continuidad en el discurso. El discurso se siente conectado a medida que te desplazas hacia abajo. Entonces mi capítulo actual, no tengo ese tipo de conversaciones, así que las eliminé. Hablemos de personalizar la burbuja de voz a través de la herramienta objeto, puede cambiar el color de la línea, por ejemplo, para leer el color de relleno, por ejemplo a negro. Para cambiar el color del texto. Puedes cambiarlo seleccionando el texto y cambiando el color. Así que puedes hacer mucha personalización. Incluso puedes crear una nueva capa y recortarla y tal vez agregar un degradado. Las posibilidades son realmente infinitas. Entonces, cuantas más herramientas aprendas y Clip Studio Paint, más combinaciones creativas se te ocurran. Ahora en esta página tengo otras dos burbujas de discurso por aquí. Entonces, cualquier burbuja de discurso que voy a agregar puede estar en la misma capa de mi burbuja de discurso anterior o en una capa separada. Por lo general, mantengo todo en la misma capa. Y eso se hace asegurándose de que bajo la configuración de la subherramienta de aquí, bajo cómo agregar, asegúrese de que tenga que seleccionar una capa seleccionada para que vengan en la misma capa. De lo contrario, si quieres que todas las burbujas de voz que crees estén en una capa separada, entonces elige Crear una nueva capa. Lo voy a mantener en la capa seleccionada. Y voy a añadir más burbujas de discurso aquí y ajustarlas. Para este personaje. Decidí revertir el color de la burbuja del habla para que sea relleno negro y contorno blanco porque esto es un antagonista, n es un personaje oscuro, así que eso le da una sensación más aterradora al personaje. Lo mismo para la fuente. Yo uso la fuente de aspecto espeluznante para dar esa vibra aterradora. Otra cosa importante a tener en cuenta es que te asegura que rompas tus burbujas de discurso en múltiples burbujas para que no lo conviertas en una gran cantidad de textos. Eso no sería tan agradable de leer para el lector. Cuanto más cortas sean las burbujas de los textos, más fácil será para tu lector seguirlo. Y también le da más dinámica a tu capítulo. Por último, hablemos de los otros tipos de burbujas de discurso que discutimos anteriormente. Hasta ahora solo hemos tratado con formas básicas, pero a veces queremos usar otros tipos de burbujas de habla, como el panel que tengo aquí, por ejemplo, el personaje está levantando la voz, así que necesito una burbuja de discurso puntiaguda. Bueno, sin duda podría dibujarla con mano a través del bolígrafo. No siempre necesito hacer eso porque Clip Studio Paint viene con muchos materiales para la creación de cómics, y viene con una buena variedad de formas de burbujas de habla. Podemos acceder a ellos yendo a cualquiera de esas ventanas de aquí y haciendo clic en ella, verás que aparecerá la ventana de materiales. Aquí hay todo tipo de materiales, ya sean pinceles, poses, materiales de imagen. Hablaremos más de los demás más adelante, pero por ahora vamos directo hacia las burbujas de discurso. Así que ve al material manga y haz clic en la flecha junto a él, y luego haz clic en globo. Y luego por aquí verás diferentes tipos. Hay diálogo, hay sentimiento, hay narración. Normalmente utilizo los de diálogo. Entonces, por ejemplo, por aquí, simplemente puedo arrastrar esta curva dentada por aquí. Y una vez que lo arrastre, no sé por qué va directo dentro del panel, pero para mí, como mencioné, guardo mis burbujas de discurso en una carpeta por encima de todo. Simplemente lo arrastro y lo pongo por aquí debajo de la carpeta de texto. Y voy a redimensionarlo, rotarlo un poco y escribiré el discurso de la misma manera que hicimos antes. Voy a cambiar un poco el tamaño del pincel. Y vi que hacer el texto de esta manera es mejor. Está bien poner los signos de interrogación en una nueva línea. Se ve bien y sigue transmitiendo el mismo significado. Ahora digamos que quiero jugar un poco con el grosor del borde. Bueno, eso lo puedo hacer a través los puntos de control que te mostré antes. También existe esta herramienta llamada ancho de línea correcto. Por aquí tenemos múltiples configuraciones. O bien puedes engrosar tus líneas. Entonces, al elegir el tamaño de pincel apropiado, puedo cepillar sobre el borde y ver cómo va aumentando el grosor. Entonces puedo hacer eso o puedo elegir el estrecho. Y también puedo jugar con la proporción de lo mucho que quería reducirla o espesarla. Voy a elegir el estrecho y voy a jugar un poco con el grosor en el medio para darle a ese campo de presión de pluma. Entonces, como pueden ver, hicimos este discurso, pero nos veremos más interesantes que solo tener un grosor de borde uniforme. Entonces Clip Studio Paint viene con esas formas, pero a veces puede que no sean suficientes. Lo bueno es que puedes descargar tantas cosas los activos de Clip Studio Paint, por ejemplo I. Descargué estas opciones adicionales de burbuja de voz y te mostraré cómo las conseguí. Entonces, cuando estés en la ventana de tu clip Studio, ve aquí y haz clic en los activos de Clip Studio. Y puedes buscar aquí cualquier cosa que quieras, discurso, burbuja, por ejemplo y ahora puedes ver tantas opciones surgiendo. O simplemente puede hacer clic en el botón de detalle aquí y hacer clic en globo. Entonces verás muchas más opciones porque estás viendo toda la categoría de los globos. Y es muy interesante cuanto más miras las cosas, más quieres descargar más cosas. Por aquí, puedes consultar los recién agregados o puedes consultar los populares, que suelen ser los más descargados una vez. Entonces, debajo de los populares, encontrarás este juego de descarga de burbujas de habla suave, que es la colección que acabo de mostrarte. Y realmente estos también son interesantes de usar. Bueno, hay tantos activos que son gratuitos en los activos de Clip Studio. No todos lo son, algunos de ellos son pagados. Entonces, si quieres ver solo los resultados gratuitos, nuevamente, clic en detalle y haces clic en gratis bajo precio. De esta manera no tienes que verificar si cada artículo es gratis o no. Todos los artículos que estamos viendo en este momento son gratuitos. Así que haz tu búsqueda y ve qué cosas interesantes puedes descargar en función de tus necesidades. Y todo lo que descargue de los activos de Clip Studio aparecerá bajo descarga aquí. Puedes arrastrar fácilmente estas cosas y soltarlas en tu lienzo para agregarlas. Entonces eso es todo para esta lección. Y en la siguiente lección, hablaremos sobre agregar efectos de sonido a tus paneles. 6. 1-4 SFX (efectos de sonido): Hablemos ahora de agregar efectos de sonido a nuestros paneles. Los efectos de sonido son considerados el audio del cómic, ya que el cómic es solo imágenes, los efectos de sonido ayudan a entregar el mundo del cómic al lector y conseguir que emerjan en lo que está sucediendo, sintiendo el ambiente que rodea a tus personajes. Podemos decir que en los cómics, hay dos tipos de efectos de sonido que se pueden agregar a los paneles. El primer tipo son los que expresan el sonido del suceso sucediendo. El segundo tipo son los que expresan la acción que está ocurriendo. En ambos casos. Pueden ser realmente beneficiosos para agregar y también ayudar a tu lector a entender mejor lo que está pasando en los paneles. Entonces hablemos de cómo agregarlos. Para mantener las cosas organizadas, mantengo mis efectos de sonido en una carpeta separada. Crearé una nueva carpeta y la llamaré s f x, que es la abreviatura de efectos de sonido. Trabajemos en este panel como ejemplo. Y este panel tengo el efecto de sonido thumps, que básicamente es un latido fuerte. Puedes escribir el efecto de sonido o escribirlo a mano. Te voy a mostrar los dos casos. Entonces para este panel, voy a escribir el efecto de sonido. Entonces agarraré la herramienta de texto y la escribiré. La capa de textos se puso dentro del propio panel. Entonces voy a arrastrarlo y ponerlo en la carpeta de efectos de sonido. Y ahora voy a cambiar la fuente. Normalmente uso tapas de pantalla Comic-Con para mis efectos de sonido. Voy a aumentar el tamaño de la misma. Y lo rotaré un poco. Y también lo haré cursiva para que se vea más efectivo. Y le voy a dar un color rojo ya que el latido del corazón suele estar afiliado al color rojo. Y crearé una nueva capa y la recortaré usando este botón. Ahora selecciona esta área para que pueda agregar un degradado. Puedo añadir un degradado de un color que coincida con el rojo. Voy a intentar ir por el amarillo claro. A lo mejor algo un poco más oscuro y más anaranjado. Elegir colores que estén más cerca en la rueda de colores hace que los efectos de sonido se vean más interesantes. Hablaremos más de colores. Cuando hablamos de teoría del color. Cambiaré temporalmente el fondo a negro para que veas lo que está pasando. Voy a reducir la opacidad del storyboard. Entonces como puedes ver, ya se ve genial. Pero también quiero darle un bosquejo. Mantendré la tecla shift y seleccionaré ambas capas y las arrastraré hacia el icono de la carpeta para ponerlas dentro de una carpeta. O también puedo hacer eso desde capa, crear carpeta e insertar capa. Entonces ahora todo esto está dentro de una carpeta. Para agregar un contorno a este efecto debajo de la propiedad de capa, haga clic en este botón llamado efecto de borde. Por aquí se puede ajustar el grosor del borde. A partir de aquí, se puede cambiar el color del borde. Si haces clic en este botón, utilizará el color que ya hayas seleccionado. Pero creo que voy a ir por un poco más de color amarillento y ver cómo se ve. Tal vez algo más claro o tal vez algo aún más oscuro. Vamos a probarlo y ver cómo se ve. Sí, esto parece más efectivo. Ahora para que este efecto se vea más dramático, podemos hacer ciertas transformaciones. Quiero mostrarles lo que podemos hacer con el texto tal como es. Seleccione el texto y vaya a este botón de llave de aquí para ver los ajustes, y vaya a la configuración de transformación. Por aquí, están estos dos efectos interesantes, que es el SKU. Éste es cuz el texto en el lado horizontal. Y éste es cuz que en el lado vertical. También podemos hacer esto pasando por los manejadores haciendo clic en este menú desplegable junto al modo y eligiendo el SKU. Entonces ahora con las asas, puedes jugar con él con más libertad. Lo que también puedes hacer con esto es jugar con el tamaño de la fuente, por ejemplo, vamos a hacer que empiece grande N va pequeño. Entonces voy a aumentar el tamaño de estas siguientes letras solo un poco por cada letra. Y voy a aumentar el tamaño de los libros de texto para que pueda ver lo que está pasando. Incrementar esto a. Y por último, el té. A lo mejor te vendría bien este un poco. Vamos a mover todo el asunto hacia arriba para que aún podamos ver nuestro gradiente. Entonces esto ya se ve genial. A mí me gusta cómo resultó hasta ahora. Pero voy a escribirlo de nuevo y mostrarte otro ejemplo de lo que puedes hacer. Digamos que teníamos esta capa de texto. No podemos usar muchas de las herramientas de transformación en este momento. Estamos muy limitados por las herramientas que tenemos. Entonces lo que podemos hacer es que podemos rasterizar esto haciendo clic derecho sobre la capa. Después haciendo clic en Rasterizar, luego podemos usar estas geniales opciones de transformación. Si recuerdas, los colocamos en la configuración de la barra de comandos en la lección introductoria. Entonces e.g. I. Puede usar la herramienta de transformación libre haciendo clic en ella o yendo a Editar transformar, transformar libre. Y puedo arrastrar los mangos y puedo hacer efectos mucho más fríos con estas opciones de transformación. También puedo cambiar el modo desde aquí. Entonces tengo la transformación libre que acabo de mostrarte. Tengo la opción de distorsionar, que tal vez pueda proporcionar funciones un poco diferentes. Ahí está la opción SKU, que es similar a lo que hicimos antes, ya está disponible en las propiedades de texto. Y luego está la perspectiva, lo cual es genial para agregar profundidad a tu efecto de sonido. Sin embargo, rasterizar la capa significa que ya no puedes editar el texto porque ahora es una imagen. Así que solo da este paso después de haber finalizado el look de tu efecto de sonido. Lo que también puedes hacer para hacer un efecto de sonido interesante es que puedas escribir cada letra en una capa separada. Entonces por ejemplo voy a escribir el mismo efecto de sonido. Tener cada letra en una capa separada. Escribiré la primera letra y luego duplicaré la capa haciendo clic derecho sobre ella y haciendo clic en Duplicar ahí. Y lo voy a arrastrar aquí. Y voy a leer la siguiente carta. Y voy a duplicar otra vez. Y escribiré la siguiente carta. Duplicar nuevamente. Y la última letra. Ahora puedo jugar fácilmente con la colocación de las letras y ajustarse a lo que quiera. Voy a reducir el tamaño del libro de texto para que pueda controlarlos más fácilmente. Entonces al ponerle un litro arriba a defraudarla, le estoy dando esta sensación de temblor. Y puedo poner todas las letras dentro de la carpeta. Y nuevamente, agrégueles un borde. Y nuevamente, puedo agregar unos gradientes como lo hice con el anterior. También puedo jugar con el tamaño de cada letra y el ángulo de la misma, y la rotación de la misma. Entonces realmente las posibilidades son infinitas. Simplemente realmente haz muchos experimentos y mira qué puedes hacer con él. Como mencioné anteriormente, también puedes escribir a mano tus efectos de sonido. Así que voy a hacer eso creando una nueva capa vectorial. Una capa vectorial es básicamente una capa que no pierde su calidad, que usaremos mucho en las artes lineales. Pero también es efectivo usarlo en efectos de sonido. Entonces, por ejemplo I. Puedo escribir a mano este efecto de sonido con mi propia letra simplemente usando un pincel muy básico. Y está totalmente bien. No tiene por qué verse perfecto. Todavía se ve genial y coincide con la escena que quiero dibujar. Y todavía puedo jugar con él tanto como quiera. También puedes descargar algunos efectos de sonido listos para usar de los activos de Clip Studio. Algunas personas han subido interesantes efectos de sonido para que puedas hacer uso de ellos en lugar de hacerlos sola. Pero en lo personal, disfruto hacerlas, así que no me importa hacerlas cada vez. Bueno, hemos añadido los efectos de sonido en esta etapa. También podemos dejarlo para más tarde, después de que hayamos terminado de dibujar el panel para que podamos personalizar los looks y los colores del efecto de sonido para que coincida mejor con el panel para que pueda ser más efectiva. Entonces, ya sea que quieras agregarlos ahora o agregarlos después, Depende totalmente de ti, pero espero que esta lección te dé una buena idea de cómo jugar con los efectos de sonido y hacer que se vean interesantes. En cuanto a conocer y tener el conocimiento sobre qué efecto de sonido usar exactamente en su panel, diría que viene con experiencia. Y cuanto más leas cómics, más podrás captar efectos de sonido de aquí y allá. Y comenzarás a usarlos sin darte cuenta porque ya te será obvio, si has seguido todos los pasos de los que hemos hablado, deberías tener un borrador completo que esté listo para leer y se siente como un capítulo completo. Y todo lo que queda es dibujar esos paneles y colorearlos para que podamos ver que la melodía web cobra vida, razón por la cual en la siguiente lección, finalmente comenzaremos con la fase de dibujo. Repasaremos las herramientas y técnicas que pueden ayudarte a escalar tu velocidad de boceto. 7. 2-1 Técnicas de bocetado: Bien, finalmente ha llegado el momento de empezar a bosquejar lo que suelo hacer cuando estoy en este paso, escuché las carpetas de efectos de sonido y textos para que pueda ver mi boceto con claridad. Y también bajé la opacidad de la capa del storyboard. Cualquier cosa que me haga ver con claridad. Voy a empezar a bosquejar sobre esta capa que ya está disponible. Normalmente bosquejo con un pincel hecho a medida un pincel que hice para mí mismo, que básicamente es un bolígrafo G modificado. Puedes descargarla desde los activos de Clip Studio. Lo he puesto ahí arriba. Entonces, para controlar el tamaño del pincel, utilizo las teclas de soporte en el teclado. El soporte del escritor es para aumentar el tamaño y el corchete izquierdo es para disminuirlo. No tengo un tamaño de pincel específico con el que bosquejo. Yo solo elijo cualquier cosa que se vea bien con mi panel. A medida que bosquejo, mis manos están continuamente en el Control Z mi teclado para que pueda deshacer rápidamente mis líneas si no se ven bien. O también puedes presionar este botón por aquí para deshacer. O puedes ir a Editar Deshacer. Y si deshaces un paso, puedes rehacerlo con este botón o a través de Editar rehacer, o Control Y en el teclado. Ahora bien, en este paso, se puede ver por qué no he oído hablar del draft realmente ayuda en el bosquejo. Porque esto ya está dispuesto ahí en el panel. Y no necesito pensar en qué dibujar, pero solo vengo y bosquejo inmediatamente encima de él. Así que eso también ahorra mucho tiempo de esfuerzo. A medida que bosquejo arreglo los errores que veo en el borrador bruto para que se me ocurra un boceto más ordenado. Hago clic en la E para que aparezca la herramienta de borrador. Entonces mientras bosquejo, mi mano siempre está en los botones de Control Z y E. A veces ayuda a crear una nueva capa y bosquejar ciertas áreas en ella. ejemplo aquí estoy dibujando los ojos en una nueva capa para que pueda posicionarlos fácilmente si su ubicación no se ve bien. Es muy esencial voltear tu lienzo mientras estás dibujando para ver si las cosas están en el lugar correcto. Puedes voltear el lienzo ya sea desde este botón en la ventana del navegador o desde este botón de aquí arriba que configuramos en la barra de comandos. Por lo que suelo optar por este botón en la parte superior. Ahora al voltear mi lienzo, puedo ver que este ojo está fuera de lugar. Lo que voy a hacer es habilitar el fondo del marco aquí para que pueda simplemente ver mi boceto actual sin el guión gráfico. Y ahora puedo seleccionar el ojo con la herramienta Lazo y moverlo con la herramienta mover y deseleccionar. Entonces mientras bosquejo, hago mucho uso de las herramientas de selección. Por ejemplo, tengo la herramienta de lazo que acabo de mostrarte que me ayudó a seleccionar cierta porción y moverla con la herramienta de movimiento. También hago uso de las herramientas de selección de pluma de selección y borrador. Son muy útiles para seleccionar rápidamente partes de tu obra de arte. Por ejemplo, quiero ajustar la mejilla así que la voy a seleccionar con la pluma de selección, que por cierto, he puesto la tecla S como atajo para ello en mi palabra clave. Y luego puedo mover un poco la mejilla con la herramienta de movimiento. Pero lo que quiero hacer ahora es que quiero transformar esto. Así que hay múltiples herramientas de transformación que encuentro muy útiles cuando estoy dibujando. Quiero presentárselos uno por uno. La primera es la herramienta Transformación Libre, que puedes sacar a colación haciendo clic en este botón del que hablamos anteriormente, o haciendo clic en Control T en tu teclado. Y luego manteniendo pulsado el botón Control en tu teclado para activarlo rápidamente. O cambiando el modo de aquí a la transformación libre. Esta es la primera herramienta que voy a seguir dibujando de vez en cuando introduciré la segunda herramienta. Conviértase en voltear continuamente su lienzo y detectar sus errores y corregirlos. Es absolutamente normal tener errores a medida que dibujas, así que no te preocupes por ello. No hay nada malo en eso. Hablemos ahora de la segunda herramienta. Siento que proporciones más altas son un poco de. Entonces en tal caso, utilicé dos herramientas de transformación muy útiles. El primero es la transformación de malla, que es la que ponemos un botón para ello aquí arriba en la barra de comandos. O también puede acceder a él desde editar, transformar, transformación de malla. Entonces, cuando actives esta herramienta, lo que tengas en tu selección se dividirá en rectángulos iguales. Al arrastrar estos puntos de control, puedes transformar fácilmente tu capa. Pero voy a deshacer eso. Fusionaré ambas capas y luego volveré a activar la transformación de malla. Puedes aumentar el número de divisiones cambiando los números aquí. La dura cambia el número de divisiones horizontales y la inferior cambia el número de divisiones verticales. Pero en mi caso, voy a guardarlos como ellos donde. Voy a usarlo para editar rápidamente mi boceto y hacer que se vea un poco mejor. La fijación de errores rápidamente. También sigo volteando la lona para asegurarme de que las cosas se vean bien. Voy a cambiar la posición de su boca para que se vea más interesante. La transformación de la malla también es muy útil y ajustar las formas de los ojos. Personalmente, no siempre dibujo unos círculos perfectos tantas veces ajusto los ojos con la Herramienta de Transformación de Malla es mucho más fácil. Las herramientas de transformación también son útiles para ajustar la boca también. Especialmente nuevamente, la transformación de malla es muy útil. La última herramienta de transformación muy útil que quiero introducir es la herramienta Licuar. Puede encontrar la herramienta Licuar debajo de la herramienta de desenfoque o fusión. Y lo puedes encontrar en la parte superior por aquí llamado Licuar. Esta herramienta es como un cepillo. Viene con múltiples configuraciones. Puede usarlo para ajustar rápidamente su boceto, por ejemplo, los pinceles ahora establecidos en el primer ajuste, que es empujar. Al cepillarme por aquí, puedo empujar los píxeles fácilmente y por lo tanto ajustar muy fácilmente mi boceto. Se puede jugar con la fuerza y la dureza. Personalmente, lo guardo en la configuración predeterminada. A veces también uso el expandir, que agranda tu boceto. Y a veces también utilizo el de pellizco, que es lo opuesto a la herramienta de mano. Así que juega con la herramienta Licuar y mira cómo puedes ajustar tu boceto con ella. Ahora, cambiemos a este panel y hablemos de otra herramienta muy cómoda de usar, que es la simetría Ruder. La regla de simetría es ideal para dibujar frente a tus caras porque son simétricas en ambos lados. Para que pueda agarrar este gobernante desde aquí. Este icono de regla debajo de esas herramientas blandas, haga clic aquí en la regla simétrica para dibujar la cara. Ahora, mantén el número de líneas a dos y ven a tu obra de arte y arrastra para configurar tu regla. Si quieres girarlo un poco y ajustar esta posición, entonces puedes hacerlo con la herramienta objeto. Al hacer clic en él. Puedo rotarlo desde aquí y ajustar esta posición. Creo que esto es lo suficientemente bueno. Normalmente lo pongo para cruzar los nodos de mi personaje porque ese es el punto de simetría. Ahora puedo dibujar fácilmente el rostro de mi personaje sin tener que hacer el esfuerzo dos veces. Normalmente esbozo solo los ojos, la cara y los oídos mientras se activan las reglas de simetría. Y a veces también esbozo el cuello, pero en este caso no necesito el cuello porque el cuello no es simétrico. Así que una vez que termine de dibujar la parte simétrica, hago clic con el botón derecho en el icono de la regla aquí en la parte superior de la capa y luego desmarque seguro, regla para que pueda seguir dibujando sin el efecto de la regla. Y luego sigo haciendo el mismo proceso que hice antes, haciendo transformaciones y seleccionando cosas y moviéndolas en función de mis necesidades. Y también asegurándome de voltear el Lienzo para que pueda ver si mi obra de arte está saliendo bien. A veces siento que dibujé la cabeza demasiado grande o demasiado ancha. Entonces solo seleccioné por sí mismo y uso la herramienta de transformación normal para escalarla hasta que la encuentre buscando. Bien. Entonces terminamos otro panel. También puedes hacer uso de la regla de simetría para otros usos. Por ejemplo, cambiemos el número de líneas a cuatro o cinco y dibujemos una línea. Ahora se puede ver que tenemos cinco líneas de simetría. Esto es muy útil para dibujar rápidamente. Los patrones son, por ejemplo encajes y cosas así. Puedes hacer tantas cosas interesantes en esto, así que sin esfuerzo. Así que hacer bocetos puede ser una experiencia muy divertida. Y con todas esas herramientas que te he presentado, hacen que esta fase sea mucho, mucho más fácil como has visto. Pero a veces aún te puede resultar difícil obtener tu boceto correcto. Especialmente cuando tienes poses de corazón que no estás acostumbrado a dibujar o te cuesta imaginar cómo se ven. En tales casos, no debes preocuparte demasiado. Solo busca algunas referencias fotográficas y dibuja tu pose mientras las miras. Y si la foto es tuya, hay absolutamente ningún problema en rastrearla porque eso te puede ahorrar mucho tiempo a la larga. Es decir, dibujar cómics no es una tarea fácil. Es una tarea que consume mucho tiempo y energía, especialmente si eres un creador de publicaciones y quieres seguir trayendo actualizaciones de manera oportuna, entonces absolutamente necesitas tomar atajos en este proceso. Personalmente, desde que empecé a trabajar en mi melodía web, hice mi lema para ser el trabajo más inteligente, no más duro. Así que donde quiera que pueda cortar esquinas, no dudaría en hacerlo. Pero lo que más te debe preocupar es traer tu cómic de una manera clara que también sea divertida de hacer y no estresarte por encima. Así que donde y cuando puedas hacer uso de esas increíbles herramientas que la tecnología ha proporcionado y hacer del dibujo una experiencia mucho más fácil que nunca. Y no te preocupes por tus habilidades. Tus habilidades de dibujo mejorarán naturalmente con el tiempo de todos modos, ya que estás dibujando tu cómic. Ya que por cada capítulo estás dibujando al menos 30 obras de arte. Entonces encontrarás que con el tiempo, estás dibujando habilidades y tus habilidades generales de dibujo mejorarán mucho. Pero claro que también es muy importante hacer sesiones de práctica de vez en cuando del dibujo de gestos. Dibujar mientras se miran referencias fotográficas. Puede ayudar a enriquecer tu memoria y presentarte un nuevo catálogo de poses que se pueden almacenar en tu mente. Entonces encontrarás que dibujar ciertas poses será más fácil con el tiempo. Cuanto más practiques. Hablando de fotos y de todo, quiero darte un consejo rápido muy útil. Cuando has tenido pausas que son realmente difíciles de dibujar o quieres ahorrar tiempo, en lugar de tener que adivinarlas. Solo toma una foto para tu mano, cópialo y pega el panel Ontario y cambia tamaño de acuerdo a la composición de tus paneles. Baja la opacidad y simplemente dibuja sobre ella y ahórrate mucho tiempo en lugar de tener que adivinar, quiero que sepas que hacer esto está totalmente bien y bien, porque es tuyo foto y eso está perfectamente bien. Pero hay que tener cuidado, claro, es que usas tus propias fotos o usas fotos sin derechos de autor para esto. Con el fin de evitar problemas. Si la foto es tuya, hay absolutamente ningún problema con esto. Ahora deshabilitaré mi foto de mano y jugaré un poco con ella para que se parezca a mi borrador rudo. También estoy jugando con el grosor porque voy a usar esto como mi arte lineal de inmediato ya que es un boceto limpio. También ajustaré poco la dosis con la herramienta de transformación de imágenes. No siempre trazo las fotos de las manos tal como son. Les hago algunos ajustes para que se asemejen a mi mantequilla estilo art. Así que dale una oportunidad a esto. Si tienes un tiro de mano en tu capítulo, toma una foto de tu mano y hazlo más fácil ti mismo. Y ahí lo tienes. Terminé este panel tan rápido. Entonces eso es todo por esta lección. Y en la siguiente lección hablaremos sobre la figura 3D de Clip Studio Paint, y cómo podemos aprovecharla para dibujar poses duras. 8. 2-2 con figuras 3D: Hablemos ahora del uso de la figura 3D y Clip Studio Paint para insertar la figura 3D en tu Canvas, abre la ventana de materiales. Hacer clic a cualquiera está bien, solo tiene que ir a todos los materiales. Y luego bajo 3D, vaya al tipo de cuerpo. Y a partir de aquí, puedes escoger el tipo de cuerpo, ya sea que quieras un modelo masculino o femenino. Estas cuatro figuras vienen con Clip Studio Paint por defecto y el resto las descargué o las hice yo mismo. Voy a agarrar una figura masculina y dejarla caer en la lona. Cuando lo sueltes en el Lienzo, vas a ver esta barra de herramientas. A partir de estos controles, podemos ajustar rápidamente la posición y el ángulo de cámara de la figura. El primer botón de la derecha sabe a la cámara. El segundo jadea la cámara, y el tercero la lleva más lejos o la acerca a la cámara. Si ahí tienes varias figuras en tu modelo 3D, entonces estos tres primeros botones controlan todos los objetos 3D de la capa. Sin embargo, los últimos cinco iconos controlan los objetos individualmente. Por ejemplo, si hago clic en esto, puedo ajustar la posición de la figura y el entorno. Éste gira la figura en todas las direcciones. Éste lo gira a derecha e izquierda. Y éste lo gira alrededor sí mismo o alrededor del eje z. Y éste controla la posición de la misma y la distancia. Para eliminar cualquier modelo en tu Canvas, simplemente haz clic en él con la herramienta objeto y luego presiona el botón Eliminar en tu teclado. Por cierto, también puedes controlar los ajustes de la cámara más fácil y precisa a través de los ajustes. Los tienes por aquí debajo de la propiedad de la herramienta. O también puedes hacer clic en el botón de la llave inglesa e ir a cámara y jugar con el posicionamiento desde los deslizadores de aquí. También se puede jugar con la posición de la figura desde la asignación. Así podrás mover fácilmente el personaje en la dirección x, y y z. Y por cierto, si quieres que la figura sea menos rezagada, ve a preferencias y cambia configuración de visualización para editarla demasiado rápido. Va a ser un poco menos afortunado. Ahora. También puedes jugar con la ubicación de la figura haciendo doble clic sobre ella y luego controlando estos controles deslizantes por aquí para moverla en las direcciones x, y y z. Si tu personaje es un flotante, siempre puedes presionar este botón de aquí para ponerlo a tierra para que vuelva al nivel del suelo. También puedes jugar con la dirección de la luz en la figura yendo a la fuente de luz. Después jugando con la iluminación de este cuenco. Ahora para cambiar la pose de la figura, hay dos opciones. Cuando estás en esta vista, puedes moverte por estos puntos de control para que puedas ajustar fácilmente la posición de la pose como la tenías. Simplemente gira la cámara para que veas cómo se ve desde diferentes ángulos. El control sobre aquí cambia la dirección donde está mirando tu personaje. Entonces es como un objeto que miran los personajes. Esta es la manera fácil. Pero también puedes ir por el camino más sofisticado. Se hace clic en cada parte del cuerpo por separado para ajustarlas. La manera de ajustar esta cifra no es tan sencilla. Necesitarías algo de comprensión de los músculos del cuerpo porque la forma en que se mueve depende básicamente de cómo se mueven los músculos. Por ejemplo, para levantar el brazo, es necesario levantar el hombro. Y bajando el hombro también baja por el brazo. Entonces no es muy sencillo. Y a veces puede llegar a ser muy frustrante conseguir la postura correcta. Es por eso que te aconsejo encarecidamente usar poses que ya se han hecho, que puedes encontrar los materiales predeterminados de los estudios de clip o descargar más de los activos de Clip Studio, por ejemplo, volvamos a la ventana de materiales que habíamos abierto antes. Bajo 3D. Si te desplazas un poco hacia abajo, verás pose. Y bajo pose hay pausas para todo el cuerpo y hay pausas para las manos. Entonces, por ejemplo, para todo el cuerpo, existen todas esas pausas que vienen por defecto con el Clip Studio Paint para aplicarlas solo para arrastrar y soltar en tu modelo. Y también puedes cambiar la pose de la mano arrastrando y soltando. Si solo arrastras y sueltas ambas manos, se cambiarán las poses. Pero si quieres cambiar una mano solo específicamente entonces selecciona la mano y luego arrastra y suelta la pose. Ahora tengo diferentes poses para las manos. Ahora, apliquemos esto en uno de mis paneles. Tengo este panel de mi personaje corriendo. Así que busqué los activos de Clip Studio y descargué este modelo que me pareció adecuado. Entonces voy a ir a descargas en los materiales y arrastrar la pose dentro de mi panel. Ahora no fui por nuestro tipo de cuerpo esta vez porque oh, pose es por defecto se hará en un tipo de cuerpo masculino. Así que no necesitaba cambiar eso. Pero si quiero un tipo de cuerpo femenino negado, asegúrate de arrastrar primero el tipo de cuerpo femenino y luego aplicar la pose. Voy a ajustar el ángulo y posición de este modelo 3D para que coincida con el de mi escena. Voy a jugar un poco con él para darle forma a la pose más intensa que estoy buscando. Como puedes ver, es mucho más fácil ajustar tu post si tienes una pose confeccionada. Ahorra mucho tiempo y esfuerzo. Ahora bajo los escenarios, hay algo que se llama perspectiva manga. Si lo habilitas, va a agrandar los objetos que están cerca de la cámara. Por un poco de perspectiva exagerada, aunque el efecto no siempre es obvio. Entonces, para exagerar la perspectiva, podemos ir a cámara y luego bajo perspectiva, traer este deslizador por aquí y agrandarlo. Ahora tengo una pose de aspecto más dramático. Ahora bien, esta cifra es como es demasiado alta para las proporciones de mi personaje. Entonces voy a ir a dibujo 3D figura, reducir la altura de la figura a algún lugar alrededor de 162, que es la cercana a la altura de mi personaje. Y voy a disminuir la relación cabeza-cuerpo porque suelo dibujar cabezas más grandes. Ahora como casi todo está listo, quiero reducir la opacidad de esta figura 3D para poder dibujar encima de ella. Pero si lo reduzco como está, la opacidad no va a cambiar. Y la razón es que debido a que establecemos bajo preferencias, establecemos los ajustes de pantalla para que sean rápidos. Solo cambia esto de nuevo a la normalidad. Y como pueden ver, es transparente. Ahora. Puedo jugar con la opacidad tanto como quiera. Ahora como bosquejo encima de figuras 3D, no siempre sigo exactamente la figura 3D tal como es, sino que usan una combinación de mi borrador y la figura también para corregir mi pose porque no quiero para perder ese impacto y emoción originales que puse en el borrador para que mi sketch no se vea rígido. Como pueden ver, estoy siguiendo el borrador aproximado a la vez que tomo notas de la figura 3D que tengo. Deshabilité tanto de vez en cuando para comprobar cómo se está uniendo la obra de arte. Y yo también por supuesto, para voltear el Lienzo para que pueda ver si mi obra de arte se ve bien. Y luego cualquier cosa que se vea mal. Voy a llevar el cuerpo un poco a la derecha para tener una carrera exagerada que tenga más impacto. No siempre sigo exactamente la figura 3D como es porque tengo un estilo artístico propio. Y me parece que a veces siguiendo la figura 3D tal cual, algo así quita mi estilo artístico del camino. Lo uso solo como referencia base. A veces repasándolo igual que lo estoy haciendo ahora. Y otras veces solo poniéndola a un lado y sólo para referirme a ella por los ojos como hago mi boceto. Ya que este boceto ya casi está hecho, deshabilité o ambos. Y voy a trabajar en corregir las cosas los ojos y hacer uso de las herramientas de transformación y selección de las que hablamos en la lección anterior. A veces usar una figura 3D no sería suficiente. Entonces en tales casos, también es una buena idea referirse a fotos de la vida real u otros cómics o piezas de artistas que tengan esta pose específica que estás buscando. Voy a agrandar más esta mano para darle una mirada exagerada. Me encanta hacer ángulos de cámara dramáticos y es muy divertido jugar con ellos. Puedo habilitar la figura 3D de vez para usarla como referencia. A medida que ajusto mi boceto por última vez. Pero es en algún lugar donde lo pueda ver. Vuelva a usar la herramienta de licuado para hacer soluciones rápidas. Y creo que este boceto ya está bien para ir. Sólo voy a revisar las burbujas de discurso para posicionar todo en la composición que coincida con el boceto. Decidí voltear estos dos y levantar un poco el boceto. Sí, este panel ahora se considera hecho. En la siguiente lección, hablaremos sobre cómo puedes personalizar la figura 3D y luego solo como proporciones para que coincidan con tus personajes y estilos artísticos proporciones, y guardarla como material para que te pongas no tienes que ajustar tus ajustes cada vez que uses figuras 3D. 9. 2-3 Creación de figura 3D con proporciones de OC.: Hablemos ahora de cómo puedes crear una figura 3D y establecer sus proporciones de una manera que realmente coincida con tu estilo artístico para que la guardes y la registres como material de tal manera que no tengas que hacerlo material de tal manera que no tengas que recrear esas proporciones cada vez. Entonces por ejemplo aquí creé una figura 3D que coincide con las proporciones de mi hembra, Saqqara. Y aquí guardé su tipo de cuerpo como material. que cada vez que quiera dibujar una pose para ella, solo arrastre y suelte y luego ajuste la pose. Entonces hagamos la personalización de la figura desde cero para hacer este paso, realmente ayudaría si tienes un dibujo con una vista frontal de tu personaje. Mi caso ahora, quiero hacer una figura 3D que tenga las proporciones de mi protagonista masculino, Hideki. Te hice un boceto rápido de él usando la regla de simetría de la que te hablé antes. Y se me ocurrió este boceto muy rápido y rudo. No importa si es desordenado. Todo lo que importa en esta parte es que plasmes sus proporciones que definen la esencia de tu estilo artístico. Entonces lo que voy a hacer es elegir un color que sea fácil de ver. Por ejemplo, Procrearé el color. Y voy a ir a esta herramienta de aquí, que es la herramienta de figura. Voy a usar la herramienta Elipse y la configuraré para crear línea desde aquí para que pueda dibujar un círculo. Sostendré a Shift y dibujaré un círculo que encapsula su cabeza porque las proporciones del cuerpo suelen medirse con el tamaño de la cabeza. Ajustaré ligeramente este círculo para que toda la cabeza quede correctamente encapsulada. Y voy a acercar para verificar dos veces. Bien, se ve bien. Ahora lo que voy a hacer es duplicar este círculo y arrastrarlo hacia abajo. Porque quiero medir su relación cabeza-cuerpo. O en otras palabras, ¿en cuántas cabezas consiste su altura? Seguiré duplicando el círculo hasta cubrir todo el cuerpo. Ahora fusionaré esas capas de círculo manteniendo presionada la tecla Mayús y luego haga clic derecho y fusionaré las capas seleccionadas. Y voy a hacer una nueva capa, y voy a elegir otro color, por ejemplo bucle. Y volveré a la misma herramienta, pero usaré la herramienta de línea recta. Y ahora sostendré a Shift y dibujaré una línea por aquí que separe los círculos. Voy a mover la línea un poco hacia arriba para que quede completamente entre los círculos. Y ahora voy a duplicar esta línea y tener líneas separando todos los círculos que he dibujado. La última línea será hasta el final de sus pies, que es menos de un círculo completo. Ahora voy a fusionar las capas de líneas también. Vamos a cambiarles el nombre solo para mantener todo organizado. Líneas y círculos. Y la capa original es boceto. el bien de consistencia, se me olvidó agregar otra línea encima de su cabeza. Voy a copiar y pegar esto y moverlo hacia arriba aquí, y haga clic en este botón para fusionarlo con la capa de líneas. Ahora voy a hacer una nueva capa sólo para garabatear sobre ella. Así que voy a elegir otro color. Entonces ahora sólo voy a contar el número de cabezas. Entonces de esta distancia a esta hay una cabeza, y luego hasta aquí sube dos cabezas y una cola aquí es una 345. Y por último, podemos decir que se trata de un total de seis cabezas. Entonces ahora que conocemos esta información, abramos la ventana de materiales y vayamos al tipo de cuerpo bajo 3D. Y luego vamos a arrastrar una figura masculina en 3D, ya que el personaje es un macho aquí. Ahora lo primero que voy a hacer es ir a la configuración y voy a ir a figura de dibujo 3D. Y estableceré la relación cabeza-cuerpo a B6. Y voy a cambiar la altura para que coincida con mi personaje. Sólo la posición. Ahora comencemos a ajustar cada parte del cuerpo para que coincida con la de nuestro estilo artístico. Entonces hagámoslo a cada parte del cuerpo por separado. Empecemos primero con la cabeza. Así que da click en la cabeza por aquí. Y tenemos esta señal más de que podemos movernos. Si lo mueve hacia este lado, la relación horizontal aumenta. Y si lo mueves hacia este lado entonces la relación vertical aumenta. O también puedes jugar con él desde estos mangos de aquí. Voy a cambiar la cabeza para que coincida con el tamaño de mi estilo artístico. Normalmente dibujo la cabeza más grande de lo que vienen con las cifras. Podemos disminuir la opacidad de la figura 3D para que podamos ver el boceto debajo de ella. Lo voy a arrastrar un poco. Hazlo encima de la cara de mi personaje. Y vamos a acercarnos un poco. Me estoy enfocando en hacer coincidir el mentón y la parte superior de la cabeza. Y disminuyo la relación horizontal. Creo que se ve bien hasta ahora. Ahora vamos a ajustar el cuello. Disminuiré la relación horizontal. Ya que mi personaje tiene el cuello. Podemos aumentar la opacidad de vez cuando para checar venir juntos. Volveré a disminuir la relación horizontal de la cabeza y volveré a cambiar el cuello una vez más. ¿Bien? Ahora los hombros harán lo mismo. Voy a disminuir el ancho de los hombros que coincide con el hombro de mi personaje. Y el torso. Lo mismo. Pero creo que ya se ve bien. Yo sólo la reduje en dos puntos. Lo mismo para los brazos. Voy a reducir un poco su grosor, aunque no están uno encima del otro, pero puedo comparar el grosor. Creo que este grosor se ve bien. Eso es por la longitud de los brazos hacia fuera. Guárdalos como están porque creo que no los entendí bien en mi sketch. Ahora en cuanto a las piernas, creo que también se ve bien excepto tal vez reducir un poco su longitud y volver a arrastrarla arriba. Y finalmente, los pies, voy a aumentar un poco su tamaño horizontal. Ya casi está hecho. Sólo voy a hacer algunas comprobaciones otra vez. Creo que la longitud del cuello realmente necesita ajustarse un poco, solo un poco más. Entonces voy a poner esta cifra por aquí y puedo considerarla hecha. Puede que no parezca perfectamente que tenga sentido, pero está bien porque solo lo vas a usar como referencia y no lo vas a usar tal cual, como viste en la lección anterior, simplemente usa esta figura 3D como un medio para hacer el dibujo mucho más fácil y rápido. Pero yo diría que las cifras aún no son muy personalizables en este software. Entonces por eso podemos obtener las medidas exactas de nuestro personaje. Pero tener esto como base debería ser suficiente y hacer que nuestra experiencia de bosquejo sea más suave. Vamos a guardar esto como un material. Ir a la herramienta objeto. Y luego la barra de herramientas por aquí. Haga clic en este botón. Guardar la forma del cuerpo como material. Una vez que hagas clic en él, podrás ponerle el nombre que quieras. Lo llamaré Hideki. Y puedes establecer una foto para esto. Si hace clic en este botón para seleccionar un archivo y tener una imagen de vista previa para él. Pero voy a saltarme ese paso. Y por aquí puedes elegir dónde guardar este material. Entonces haz clic en esta flecha. Lo guardaré bajo tipo de cuerpo 3D para que todo esté en un solo lugar. Así que una vez que hago clic en Bien, ahora cuando voy a mis materiales amigo, puedo ver que tengo una nueva figura Hideki 3D. Así que solo puedo arrastrarlo y aplicar cualquier pose que quiera para ello. Y entonces solo puedo bajar la opacidad, crear una nueva capa y comenzar a dibujar encima sobre ella. Haré un boceto muy rápido solo para mostrarte lo útil que es. Porque necesito hacer menos modificaciones ahora ya que todas las proporciones ya coinciden con mi estilo artístico. Ahora mira lo rápido que pude bosquejar en mi estilo artístico. Y solo necesito hacer unas modificaciones rápidas para que todo quede bien y convincente. En la siguiente lección hablaremos otra técnica que realmente ayuda a acelerar tus bocetos cómicos, que es crear hojas de activos para tus personajes. 10. 2-4 hojas de activos: Ahora, cuantos más paneles dibujes de tu historia, más te darás cuenta de que ciertos ángulos de fase de tus personajes se repiten una y otra vez. Entonces, en lugar de tener que dibujarlos cada vez desde cero, en realidad puede hacer una hoja de activos donde guardes esos ángulos repetidos son tomas repetidas en un solo lugar. Para que cuando te encuentres con un ángulo similar al que estás dibujando tu cómic, entonces puedes simplemente copiarlo, pegarlo y usarlo tal cual o hacer pequeños cambios nuestro boceto por completo. Pero también te ahorraría tiempo porque ya tienes una base. Su proceso de boceto llevará menos tiempo. Por ejemplo aquí, he guardado las tres tomas de mi daño OC, que usé más de una vez en el cómic. La forma de hacer las hojas de activos es que no tienes que abrir un archivo y dibujar todo, sino que lo haces a medida que avanzas con el cómic. Yo sólo compilo esas tomas después de sentir la necesidad de volver a utilizarlas en uno de mis capítulos. Entonces eso significa que cuando siento que necesito un tiro, solo lo copio, lo pego y lo pongo aquí. Y para mí, no copio pegar este boceto, sino que copio-pego el arte lineal. Como pueden ver por aquí, las líneas están muy limpias porque acabo de regresar a mis capítulos anteriores y copiar el arte lineal y pegarlo. Entonces haré otra hoja como esta para mi personaje Hideki. Sólo voy a crear un nuevo archivo. Yo lo llamaré Hideki. Normalmente voy por tamaño A4 con una resolución de 350 dpi. Y luego haz clic en Bien. Ahora voy a ir a algunos de mis capítulos ya terminados y voy a copiar algunas tomas de Hideki, por ejemplo, esta vista es muy común. Voy a ir al archivo de arte lineal y copiarlo, pegarlo y simplemente ponerlo por aquí. También puedo redimensionarlo porque es demasiado grande. Y como esta es una capa vectorial, mi redimensionamiento no afectará la calidad del arte lineal. También voy a copiar este panel porque siento que este ángulo también sería útil en otra toma. Pero no voy a reducir este ya que es una capa ráster. Hablaremos más sobre esos tipos de capas en la siguiente lección. Por último, voy a agarrar este panel también y copiarlo y pegarlo en mi hoja de activos. Ya que tengo una toma similar que quiero dibujar en mi capítulo actual. Entonces voy a ir a ese tiro y voy a pegar esto. Iré a Editar y Pegar a la posición de Sean. Muévelo un poco y bájelo hacia abajo. Y simplemente jugar con él y transformarlo un poco para que coincida con mi escena. Estoy usando la herramienta de transformación libre. Modifique un poco el ángulo de la cabeza mostrando el mentón. Y voy a quitar esta parte. Quiero usar la herramienta Licuar, pero no puedo usarla en la capa como está ya que es una capa vectorial. Entonces rasterizaré la capa haciendo clic derecho y luego rasterizaré. Y ahora puedo pellizcar un poco el ojo y empujarlo un poco. Voy a volver a dibujar esto. Y ahora cambia la posición del ojo y del fluido. Modificar las cejas. Y ahí lo tienes. Terminé el panel tan rápido sin tener que rehacerlo desde cero. Entonces por eso estoy haciendo ss sheets es realmente útil y ahorra mucho tiempo a la larga. Y por cierto, ELLA no tiene que ser solo bocetos. También pueden ser láminas de acetato coloreadas. Por ejemplo, mis personajes tienen sales y esos tipos tienen muchos detalles. Entonces, en vez de tener que dibujarlos cada vez desde cero, solo los dibujé y los coloree para que pueda simplemente copiarlos y pegarlos sin tener que dibujarlos cada vez desde cero. E incluso puedo usar porciones de ellas y transformarlas en base a mis necesidades. Y eso no solo es aplicable para clases o armas, sino que también puedes hacerlo a cualquier tipo de artículo que seamos tus personajes, que tenga detalles y podría tomar algún tiempo para dibujar y colorear en cada panel único. Para que puedas dibujar eso también por separado y colorearlo. Y luego solo puedes usarlo fácilmente para repetitivamente en tus paneles. O también puedes usar pinceles. Para mostrarte un ejemplo, mi personaje Sacramento tiene un collar de perlas. El collar de perlas es parte del diseño del personaje del cabello. Y si quiero dibujar este collar de perlas y cada panel, eso realmente me vuelve loco a la larga. Entonces lo que hice fue que acabo crear un pincel que puedo usar fácilmente. Entonces eso significa que puedo darle a mi personaje tantas capas paralelas sin tener que preocuparme por ello. Hay tantas maneras de hacer tus pinceles. Lo que quiero mostrarte cómo hice este específico, fue muy fácil y sencillo de hacer. Lo que hice fue dibujar un paralelo sobre un Lienzo separado y lo coloreé y luego fusioné esas capas para que la perla quede en una capa. Y luego fui a editar material de registro y luego imagen. Y lo llamé collar de perlas. Y luego me aseguro por aquí para asumir el uso para la forma de la punta del pincel y elegir un lugar para guardar esta imagen. Así que lo guardaré en Material de imagen y pincel y luego haga clic. Bien. Ahora voy a ir a la herramienta de declaración, luego voy a la línea reglada. Ves por aquí hay tantos pinceles que puedes usar para la decoración. Lo que hice fue ir al pincel de línea punteada y hago clic derecho y duplico esto hasta, llamémoslo collar de perlas. Y luego hago clic en el botón de la llave inglesa. Después voy a la punta del pincel y elijo material, y hago clic en este botón de aquí. Ahora buscaré al aparente Nicholas. Con sólo escribir paralelo. Ya puedo ver todas las perlas que tengo. Entonces selecciono este que acabamos de guardar y haga clic en él y luego haga clic en Bien. Y ahí lo tengo. El paso extra que hice fue configurar el tamaño del pincel para que se vea afectado por la presión de la pluma. Por lo que el valor mínimo es 49 o 50. Y ahora mi cepillo está listo para usar. Era tan simple y fácil de hacer. Por supuesto, hacer pinceles es un mundo grande por sí solo, y está fuera del alcance de este curso. Pero claro, siempre puedes explorar y probar diferentes cosas. Y si no tienes tiempo para explorar que solo un navegador a través de los activos de Clip Studio Paint. Y encontrarás montones y montones de cosas interesantes para descargar de ahí. Hacer láminas de ácidos, y hacer uso de activos, ya sean blancos y negros o coloreados. Seguramente, seguramente lo apreciarás mucho a la larga. Ahora ya terminamos de hablar de técnicas para escalar la velocidad de boceto. Entonces, a partir del siguiente capítulo, alinearemos nuestros bocetos y los colorearemos. Entonces, en la siguiente lección, hablaremos sobre cómo hacer arte lineal para tus paneles. 11. 3-1 Lineart: Ahora que hemos terminado con la fase de boceto, es el momento de alinear nuestros paneles. Pero antes de comenzar con eso, quiero explicar la diferencia entre las capas vectoriales y las capas ráster, que he mencionado varias veces en las lecciones anteriores. Debajo de la ventana Capas, tenemos que crear nuevos botones de capa. Uno dice una nueva capa ráster y el otro dice nueva capa vectorial. Déjame mostrarte la diferencia entre los dos en un ejemplo. Digamos que tengo dos obras de arte. El de la izquierda se dibuja en la capa ráster, y el de la derecha se dibuja con una capa vectorial. Ahora ambas obras de línea se ven bien en este nivel. Parece que tienen una buena calidad y no hay problema. Pero el problema viene cuando redimensionas estos dos hacia arriba. Entonces, por ejemplo , si califico ambas líneas funcionan. El de la derecha va a conservar su igualdad porque es de una capa vectorial. Pero el de la izquierda, como puedes ver, realmente ha perdido su calidad y se ha pixelado. Eso se debe a que una capa ráster funciona sobre la base de píxeles, mientras que una capa vectorial funciona sobre una base vectorial son algo así como bases matemáticas. Entonces es por eso que generalmente diría que es mejor trabajar en la capa vectorial cuando se trata de artes lineales. La capa vectorial también viene Clip Studio Paint con otras características increíbles que hacen que sea muy sencillo hacer artes lineales, que vamos a hablar en un poco a medida que alineemos nuestro panel. Entonces ahora que entendemos la diferencia entre las capas, empecemos a entintar este panel. Cambiaré el color de la capa de boceto haciendo clic en este botón y luego reduciré su opacidad similar a lo que hice en la fase de boceto. Y voy a crear una nueva capa vectorial. Y elegiré mi color line art para mantener el estilo uniforme. He estado usando el mismo color para el arte lineal a lo largo mi historia y solo cambiarlo a uno realmente necesario. Pero como color base, uso un color violeta oscuro para mis artes lineales. En cuanto al cepillo, tengo dos pinceles que uso. A veces uso este crujiente trabajado en pluma, que es el mismo que utilicé en la fase de boceto. A veces utilizo este bolígrafo de tono web liso, que también es un pincel que creé. Depende de mis necesidades y de lo visto. Últimamente he estado usando principalmente el lápiz de afinación web suave. Y mantengo el bolígrafo de tono de trabajo nítido para escenas de acción o escenas que requieren algo de dureza y las líneas. Puedes encontrar ambos pinceles disponibles para descargar en los recursos de CLIP STUDIO PAINT. Si solo buscas mi nombre cluvious, los he puesto a disposición ahí. Entonces para esta escena, decidí usar la web lisa no pen. En cuanto al tamaño del pincel, no tengo un tamaño de pincel específico. Simplemente lo cambio para que coincida con el de mi boceto y lo pruebo hasta que sienta que he seleccionado un tamaño de pincel adecuado. Voltear el lienzo realmente ayuda a la hora de hacer el arte lineal y también rotar el lienzo. Puedes rotar el lienzo a la izquierda y a la derecha a través estos botones que agregamos en la barra de comandos. O también puedes usar los botones y la ventana del navegador. Pero como te dije, puse esto aquí arriba en la barra de comandos porque me facilita rotar mi lienzo mientras conducía. Y también la inversión de rotación de investigación es un botón útil para restablecer rápidamente tu vista a la original. Mientras dibujas tu arte lineal, no presiones demasiado con fuerza tu pincel. Esto acabará contigo viniendo con líneas rígidas británicas. En cambio, mantén tu mano liviana. Haz el arte lineal y múltiples trazos rápidos y ligeros. También ayuda no estar demasiado acercado a tus líneas porque realmente puedes perderte en los más mínimos detalles que realmente no importan. Así que siempre funciona alejada. Si necesitas hacer zoom y solo acercar un poco para que te sea más fácil dibujar ciertas cosas, por ejemplo, I. Acercar al dibujar los rasgos faciales. Ahora para el tamaño del pincel, no varío el tamaño del pincel, pero juego con él a través de la presión del lápiz porque ajustes de mi pincel están establecidos para tener una presión mínima de lápiz de cero. Entonces eso significa que cuanto más ligero presiono, más delgada es la línea, más fuerte presiono, más gruesa es la línea. Un consejo realmente importante a la hora de hacer el arte lineal es tener siempre el contorno o la circunferencia del objeto y la línea gruesa. Pero cualquier detalle que pongas dentro, dibuja en un tamaño de pincel más pequeño. Por ejemplo, yo. Reduzco el tamaño de mi cepillo para dibujar los dientes y la lengua y el tamaño de cepillo más pequeño. Esto agrega una buena variedad a tu arte lineal y hace que se vea más interesante y dinámico. Oculto la capa de boceto de vez en cuando para comprobar cómo mis artistas de línea se unen y alejan también. Una característica realmente interesante de las capas vectoriales es la facilidad de deshacerse de cualquier línea adicional mediante el uso de algo llamado borrador vectorial. Si uso el borrador vectorial y borro sobre esas partes, inmediatamente se van a borrar porque mi borrador vectorial está configurado para deshacerse de las líneas que se cruzan. Hay un tema vectorial que ya viene con el Clip Studio Paint. Puedes jugar con los ajustes. Configuré mis ajustes para estar por aquí como débil, y luego hago clic en este botón y solo paso presión. Y luego asegúrate de que esto esté seleccionado. Borrar hasta la intersección. Ahora solo ven y borra cualquier pieza que se cruce. Pero ten cuidado a veces podrías perder algunos detalles importantes de tu arte lineal al usar el borrador vectorial. Entonces, por ejemplo cuando eliminé esta pequeña línea, ahora tengo un grosor diferente debido a las líneas. Así que sólo voy a deshacer eso. Y si quiero deshacerme de esto, entonces solo usaré una goma de borrar normal y la borraré. Pero de todos modos, esto es extremo. No suelo hacer eso para mi Web dos en arte lineal, solo trabajé alejada y solo borro las líneas que parecen obvias incluso cuando se alejan. También podrías hacer un sombreado simple mientras haces tus líneas. Eso es una buena variedad a tu arte lineal. Algunas zonas de sombra, extremadamente sombreadas como los forenses y lugares con sombras extremas debajo del cabello, se puede ver cómo agrega algo de profundidad. Otro consejo útil para el arte lineal es recordar siempre donde tus fuentes de luz. Entonces, por ejemplo, mi fuente de luz va a estar en algún lugar de este lado en la parte superior. Así que estoy teniendo esto en mente. Si tengo una escena con una iluminación fuerte, entonces puedo jugar con mi arte lineal estableciendo las líneas que están hacia la dirección de la luz para que sean delgadas y las líneas que son opuestas a la luz dirección para ser el botón más grueso esta escena, no voy a ir a este extremo. Solo estoy teniendo las áreas a la sombra un poco más gruesas que las que están en las direcciones de la luz. Observe cómo dibujo los detalles del cabello y un tamaño de pincel más pequeño. A veces dibujo los ojos sobre una capa separada por si acaso quería cambiar su posición más tarde o hacerles alguna transformación. Y por supuesto también puedo seleccionar cualquier parte que quiera y transformarla fácilmente. Sin preocuparse por esta igualdad porque es una capa vectorial. Eso lo hago a veces a los ojos. Pero lo que también puedo hacer es aumentar la estabilización desde aquí para que mi mano se vea menos afectada por el temblor y pueda dibujar unas curvas más limpias. Si no ves la opción de estabilización disponible aquí, luego ve a la configuración y bajo corrección, haz clic en el icono junto a estabilización para que lo veas. Voy a reducir la estabilización de nuevo a 11 y, o el cielo y la manera temblorosa. Y ajustado un poco con algunos otros trazos. Así que sigo repitiendo esos mismos pasos una y otra vez hasta alinear mi obra de arte completa. También dibujo las cejas en la misma capa separada con los ojos para poder editarlas como quiera fácilmente después. Como puedes ver, es mucho más fácil editarlos de esta manera que si fueran el mismo día o en toda la línea de arte. Entonces mientras dibujo el arte lineal, mi mano está constantemente en los botones de Control Z, así como en el botón EE para que aparezca rápidamente el borrador. Para tales casos, si no puedes borrar la línea de intersección, entonces simplemente haz otra línea más pequeña y ahora puedes borrarlos ambos fácilmente. También puedes compartir algunas partes bajo el cuello porque están extremadamente sombreadas. Y cualquier detalle muscular del cuerpo los hace crecer y líneas más delgadas. Hablemos un poco ahora sobre las características de las capas vectoriales. Si vamos a la herramienta objeto en una capa vectorial, podemos seleccionar cada trazo que hayamos realizado en nuestro arte lineal por separado. Y al hacer clic en él, podemos arrastrarlo o cambiarlo de tamaño, o rotarlo, o aplicarle ajustes de transformación. Hay tantas opciones. También podemos cambiar el tamaño del pincel para cada uno de estos y cambiar también el color. Si tenemos cada uno seleccionado individualmente y si no tenemos nada seleccionado pero seguimos en la herramienta objeto, y cambiamos el color. Entonces cambia el color de todo el asunto. Los ojos no cambiaron porque los tengo en una capa vectorial separada. También puedes cambiar el tamaño del pincel para todo sin seleccionar nada. Esto es útil a veces por ejemplo hiciste las líneas demasiado gruesas y quieres hacerlas más delgadas. O por lo contrario, quieres ir un poco más grueso. Y también en la herramienta objeto, verás puntos de control para cada línea, como hicimos antes y las burbujas de discurso y paneles. Para que puedas editar todas las líneas, puntos de control. Es útil para corregir a veces ciertos trazos, por ejemplo, quiero cerrar esta curva por aquí. Puedo hacer otro trazo para cerrarlo o seleccionar este trazo y jugar con los puntos de control para que pueda simplemente cerrarlo fácilmente. Ahora, esas son las opciones bajo la herramienta objeto. Pero recuerda que tenemos otras opciones bajo las herramientas de línea correctas. Tenemos la opción de punto de control, que también hablamos anteriormente, para agregar puntos de control o eliminarlos o moverlos. Quiero presentarles esas otras herramientas vectoriales interesantes, por ejemplo, tenemos la línea vectorial de pellizco. Si tienes esto seleccionado, puede funcionar un poco similar a la herramienta Licuar. Se pueden pellizcar ciertos vectores con él, aunque no es fácil de controlar, diría yo. Pero a veces ayuda a corregir ciertas curvas. Puedes reducir el alcance efectivo para que puedas jugar con las áreas más pequeñas. También se puede disminuir el nivel de pellizco. Pero normalmente lo tengo puesto en lo más alto y juego con el rango de efectos. Entonces e.g . I. Puede ajustar la curva de su cabello fácilmente con esta herramienta. Existe la herramienta de línea vectorial simplificada, que ayuda a simplificar su línea. Voy a hacer una línea rápida y temblorosa. Si verificamos el número de puntos de control, ahora hay mucho. Pero si usamos la línea vectorial simplificada, entonces puedes ver cómo realmente ha reducido el número de líneas vectoriales. Esto a veces es útil para corregir ciertas líneas temblorosas. Ahí está la línea vectorial Connect. Y creo que este ayuda a conectar líneas vectoriales separadas, por ejemplo, si lo uso en estos mechones de cabello, entonces está conectado los mechones de cabello. Y después de conectarlos, solo puedo ajustar los puntos de control a la herramienta objeto. También está el ancho de línea correcto, lo cual es muy útil. Hablamos de ello antes en las burbujas de discurso. Entonces, si uso la engrosada, y así la proporción de lo gruesas que quiero que sean mis líneas, entonces puedo jugar fácilmente con el grosor de las líneas. Y el estrecho reduciría el grosor de las líneas. El ancho de escalado aumentará el ancho del pincel. El ancho de la escala disminuiría el ancho del pincel. Y el ancho fijo, creo que puedes establecer cualquier ancho que quieras y luego cepillar tus trazos y luego los cambia a ese ancho determinado. También está la línea vectorial de redibujar. Si utilizas esta herramienta, puedes volver a dibujar tu línea vectorial y corregirla como quieras. Aunque honestamente, esta herramienta no me ha sido muy fácil de usar, pero es bueno saberlo, pero también está el ancho de línea vectorial de redibujar, que puedes usar para cambiar fácilmente el ancho de tus líneas. Entonces es bueno para agregar sombreado, como hablamos cuando hay condiciones de iluminación extremas. Estas herramientas son bastante útiles a veces y pueden salvarte de un pellizco en lugar de tener que volver a dibujar todas tus líneas. Pero honestamente hablando, la mayor parte del tiempo mientras dibujo mi melodía web, no uso todas esas herramientas porque solo necesito alinear, línea, línea a la izquierda o panel. No hay tiempo suficiente para dedicarle tanto a esos detalles, pero es bueno conocer esas herramientas y tenerlas en cuenta de todos modos. Otro consejo importante que quiero dar es el que hace las líneas. Él puede agregar esta sensación de profundidad jugando con el grosor, por ejemplo por aquí, esta mano por aquí, ¿está más cerca de la cámara? Entonces, para cualquier cosa que esté más cerca de la cámara, dibuje con un tamaño de pincel más grande para que realmente sienta que en realidad está estallando y se siente cerca de la cámara. Entonces, si me alejo y desactivo el boceto, puedes ver cómo esta variedad está haciendo que el line art se vea más interesante. Y luego reduce el grosor medida que vas más lejos de la cámara. Lo contrario es aplicable aquí. Este brazo va más lejos de la cámara. Entonces voy a reducir el tamaño de mi pincel a medida que lo alineo para darle esa sensación de profundidad. Además, cuanto más cerca están las cosas de la cámara, más gruesas se ven y más detalles tienen. Y cuanto más lejos están, más delgados y menos detalles. Para darle un ejemplo de profundidad, este es uno de los paneles que hice anteriormente. Entonces, como puedes ver, el personaje que más tiende tiene las líneas más delgadas. Las líneas aumentan de grosor medida que el personaje se acerca a la pantalla. Por lo que este personaje tiene las líneas más gruesas y la mayor cantidad de detalles en su cabello porque es la más cercana a la cámara. Entonces, aunque este panel no esté coloreado, todavía se puede sentir la sensación de profundidad solo por las propias líneas. Ahora, sólo queda un poquito antes de que termine esta línea de arte. Así que lo aceleraré un poco. En cuanto a collar, tengo un pincel que descargué de los activos de Clip Studio vendo inmediatamente úsalo ahora mismo para dibujar el collar y eliminar cualquier pieza extra. Y eso es para el tipo, solo voy a copiar, pegarlo de mi ficha de activos y transformarlo en consecuencia para que coincida con mi escena. De esta manera, no necesitaba dibujarlo desde cero. Las líneas para este panel están hechas. A veces, si mi boceto se ve generalmente limpio como este, entonces me salté por completo una fase de arte lineal y simplemente lo limpié un poco con la herramienta de borrador para ahorrar tiempo. Y también el aspecto dinámico de los bocetos a veces hace que los paneles se vean más interesantes. Entonces está absolutamente bien saltar escalones y ahorrarse algo de tiempo. Al limpiar, vuelvo a dibujar las líneas que siento que necesitan ser retiradas. Y ahí lo tienes. Terminé el line art tan rápido porque el boceto estaba limpio. Y ahora puedo saltar de inmediato a colorear esta línea de arte. Y no te preocupes por la calidad está totalmente bien. La mayoría de las veces, no podrás distinguir entre un arte lineal en paz y una pieza bosquejada, por ejemplo, este panel que tengo por aquí, se ve muy limpio cuando se aleja. Este fue en realidad un boceto que limpié y coloreé de inmediato. Solo vas a ver estas líneas incompletas si me acerco y te muestro los detalles de cerca. Pero la mayoría de la gente no va a ver eso de todos modos. Tonos web que leo en pantallas pequeñas en general. Y la mayoría de esos detalles realmente van a no ser visibles a simple vista. Así tanto como sea posible para ahorrarse tiempo. Si encuentras que dibujaste bocetos limpios, entonces simplemente límpialos un poco y conviértalos también en arte lineal. Antes de comenzar a rellenar los colores. Y la siguiente lección, primero hablaremos sobre conceptos básicos de colores y armonía de colores. 12. 3-2 colores y armonía del color: Ahora que terminamos con las partes de boceto y forro, estamos a punto de profundizar en los colores. Pero antes de hacer eso, me gustaría hablar primero de los colores en general y presentarte conceptos básicos importantes que te ayudan a entender mejor los colores y la armonía del color. Entonces comencemos con la rueda de colores por aquí. Se puede ver cómo se distribuyen los colores en la rueda de colores de manera organizada. Generalmente, podemos dividir esta rueda de colores en dos mitades. Podemos llamar a los colores de este lado como colores cálidos, y los colores de este lado como colores fríos. Mezclar y combinar colores cálidos y fríos en tu ilustración realmente le da un bonito contraste y hace que los colores se vean más interesantes y atractivos a la vista. Hablaremos más de esto más adelante. Pero generalmente, al sombrear tu obra de arte, es bueno ir hacia los colores fríos. Entonces por ejemplo, si tu color base es amarillo, Esa es una gran idea saltar dos pasos y sombrear en naranja en lugar de simplemente usar un color más oscuro. Para ilustrar, déjame mostrarte los colores de aquí. Entonces digamos que este es el amarillo. Normalmente uno elegiría un color más oscuro de amarillo para sombrearlo. Como puedes ver, eso no parece tan interesante. Pero si elegimos el mismo amarillo, sombrearlo con el naranja en su lugar, entonces eso hace que los colores sean más atractivos. Y esto se aplica a todos los diferentes colores, por ejemplo sombra rojo o naranja con morado, tono amarillo, verde con verde puro, verde sombreado, verde puro con azul. Pero tendríamos que hacerlo un poco más oscuro. Entonces ya ves así es como podemos llegar a combinaciones interesantes. De todos modos, hablaremos más sobre estos conceptos adelante a medida que sombreamos a nuestros personajes y hacemos fondos, y hacemos los ajustes de iluminación y color para nuestras escenas. Pero hablemos de estos tres conceptos importantes para entender los colores. El primer concepto es el matiz, y básicamente son solo los diferentes colores. ejemplo, el rojo es un matiz, el amarillo es un matiz, el verde es un matiz, y así sucesivamente. Entonces básicamente cambiando el tono, cambias el color. El segundo concepto es la saturación. Y para poner esto en lo más simple, peor posible, es básicamente cómo es el color de las canas. Por ejemplo, por aquí, este es el color saturado más alto porque es el color más brillante. Pero el color de aquí es el gris puro y tiene la saturación más baja. Por lo general, elegir colores que estén un poco menos saturados hace que su pieza se vea más natural para que permita que el espacio agregue cosas más brillantes en su obra de arte mediante el uso de los saturados más altos colores. Por último, el valor, que a veces se llama brillo o ligereza. Básicamente es lo claro y oscuro que es tu color. Entonces, por ejemplo, por aquí, el color más claro es el blanco. Y luego entra en rosa para llegar al color rojo, que es el color base. Y luego entra en negro, que es el color más oscuro. Por lo que esto es aplicable para cualquier color. Cuanto mayor sea el valor, más brillante es el color, menor es el valor, más oscuro es el color. Debajo de la ventana de colores por aquí. Si vas a esta ventana, déjame arrastrarla aquí y agrandarla para que podamos verla más claramente. Entonces estos son los tres conceptos de los que acabo de hablar. Si elegimos el color rojo, podemos cambiar el tono desde aquí, el deslizador superior. Podemos cambiar la L, que es la ligereza o el valor de aquí. Arrastrar a la derecha es el valor más alto y me da blanco. Arrastrar hacia la izquierda es el valor más bajo y me da negro. Llevándolo de vuelta al medio, lo restaura al color que originalmente tenía. El último deslizador es el deslizador de saturación. A medida que arrastre hacia la izquierda, el color se vuelve más gris hasta que alcanza el gris puro al final. Si lo arrastre hacia atrás, entonces mi color se vuelve a saturar y vuelve a brillar. Es bueno jugar y cambiar tus colores rápidamente desde estos deslizadores de aquí. O también puedes jugar con los colores de la rueda de colores misma. Entonces desplazando el control deslizante por aquí, cambiando el tono pasando por estas dos direcciones aquí, jugando con el valor. Entonces este es el más ligero, que es blanco y luego entra en color azul. Y entonces si lo arrastro en esta dirección, entonces va al negro, que es el valor más bajo. Y la saturación se puede jugar con horizontalmente. Entonces por ejemplo este es el azul más brillante, pero si lo arrastro hacia la izquierda la saturación está cambiando. Y como puedes ver, el color va hacia el gris hasta que se vuelve gris puro. Por cierto, puse mi rueda de colores para que fuera triangular porque me pareció más útil de esta manera. Pero el software suele venir con la vista cuadrada, que no es tan diferente. Aquí se cambia el valor pasando por estas direcciones. Y luego cambias la saturación verticalmente en su lugar. Y entonces todo esto es el mismo negro. Supongo. Hay una ligera diferencia en la saturación, como puedes ver aquí. Pero supongo que el color en sí no cambia. Sigue siendo negro puro. Pero de todos modos, cambio a esta vista porque la encontré más adecuada para mis necesidades. Eres libre de usar el que prefieras. También puedes jugar con los colores y editarlos rápidamente yendo a Editar Corrección Tonal, Matiz, Saturación, Luminosidad. Entonces nuevamente, estos deslizadores son como los que acabamos de explicar. Al cambiar el control deslizante de matiz, se cambia el tono del color. Arrastrar el deslizador de saturación hacia la izquierda hace que el color sea más grisáceo. Y arrastrándolo hacia la derecha lo hace más brillante o menos grisáceo. Y finalmente la luminosidad, que es el valor o brillo o ligereza. Ese es otro nombre para ello. Entonces, si lo arrastras hacia la izquierda, el color se volverá más oscuro hasta que pase al negro puro. Y si lo arrastras hacia la derecha entonces el color se vuelve más claro hasta que pasa a blanco puro a la derecha. Por lo que es una herramienta muy útil para que aparezca si quieres ajustar rápidamente tus colores mientras ves una vista previa, también puedes abrir este menú al pulsar Control y U en tu teclado. Por último, agreguemos el negro a la rueda de colores para hablar de ciertas combinaciones de colores. Para que tu obra de arte o diseño de personajes sea interesante. Hay ciertas cosas que puedes hacer para que los colores se vean armoniosos. Lo primero es usar colores del mismo tono en sí. Entonces, por ejemplo puedes hacer que tu pieza se vea armoniosa en términos de colores usando solo tonos amarillos. Así podemos escoger diferentes colores de este amarillo. Todavía se verían bien juntos. Si se trata de una pieza monocromática, ya sabes, estas combinaciones se llaman monocromáticas y puedes hacer perfectamente una obra de arte homogénea, de aspecto monocromático. Bueno, solo escogiendo tonos a partir de un matiz. Pero para que tu pieza se vea más interesante es bueno elegir colores que sean adyacentes entre sí, que se llaman análogos. Para que podamos escoger tonos de estos tres y aún así quedarían bien. Y lo mismo es aplicable para cualquiera de tres colores análogos. Es fácil hacer una pieza de aspecto interesante centrándose en colores que están cerca uno del otro. Esto me parece especialmente útil en el diseño de personajes. Por ejemplo, I. siguió este concepto. Por qué diseñar mi personaje es Saqqara. Entonces le di el pelo castaño, que cae bajo los colores naranja y rojo, ya que el marrón es básicamente un naranja oscuro. Y le di una dirección rosa, que sigue siendo análoga a estos colores. Y cae en algún lugar entre el rojo y el morado. Y lo mismo para mi personaje, él Dickey. Aquí le di un violeta azul, que cae bajo este color. Y le di una camisa verde, que cae bajo este color. Y le di unos pantalones azules más oscuros los cuales caen bajo este color. Son armoniosos. Y al moverse por el color ligeramente amarillo todavía se ve bien con el verde. Entonces la elegí para su camiseta interior. Así es como los colores son armoniosos. Pero hay otras combinaciones de colores interesantes, por ejemplo , los colores complementarios, que son los colores que son opuestos entre sí en la rueda de colores, por ejemplo, esto suele ser agradable y sombreado e iluminación. Entonces, si quiero agregar iluminación, hago que se vea amarillento. Y para las tonalidades, las hago violetas. Pero esto también puede ser aplicable para otros colores y también podría ayudar realmente en el diseño de personajes, por ejemplo, desde la rueda de colores, puedo ver que el naranja es lo opuesto al azul. Así puedo hacer un interesante diseño de personajes basado en estos dos colores. También, el naranja rojizo trabaja con el verde, y el púrpura funciona con el amarillo, el verde. Por supuesto, puedes jugar con los colores, valores y saturación para que se vean más en armonía. Y también está la combinación de tríada, que son las que forman tal combinación en la rueda de colores. Entonces, por ejemplo, el amarillo va muy bien con el rojo y el azul, que son básicamente los colores primarios. Pero también el naranja quedaría bien con violeta y verde. Esas no son mi combinación favorita, pero sigue funcionando. Por ejemplo, el morado funciona con verde y funciona con amarillo. Entonces este es otro método para recoger colores armoniosos. Por supuesto, hay otras combinaciones que puedes dibujar de la rueda de colores. Pero creo que los que hemos cubierto son realmente los más importantes y los más probables de usar y también los más fáciles de controlar. Honestamente, el mundo de los colores es increíble. Y de vez en cuando con la experimentación y la práctica, encontrarías tantas cosas interesantes que puedes hacer con ellas. Y ojalá en este curso repasemos algunas de estas cosas interesantes que puedes hacer. La siguiente lección, comenzaremos llenando los colores base o planos de nuestros personajes. 13. 3-3 colores planos: Bien, ahora estamos listos para llenar los colores base para nuestro panel. Lo que voy a hacer en primer lugar, es seleccionar todas las capas de arte lineal y arrastrarlas hacia el icono de la carpeta para ponerlas dentro de una carpeta. O también puedo ir a Capa, Crear carpeta e iniciar capa. O también puedo hacerlo haciendo clic derecho y seleccionando, Crear carpeta e insertar capa. De esta manera, todo mi arte lineal está dentro de un grupo. Así que para rellenar rápidamente los colores base, voy a presionar este botón de aquí, establecer como capa de referencia para todo el grupo. Yo capa de referencia es básicamente la capa que mis herramientas se referirán cuando las use. Ahora, voy a crear una nueva capa e ir a la herramienta de relleno. Ahí está esta increíble herramienta que descargué de los activos de Clip Studio, que puedes encontrar aquí. Te pondré el enlace en las notas de clase. Así que una vez que descargues esta herramienta, elige el color que quieras. Normalmente voy por el color gris. Y lo que voy a hacer es rodear al personaje para llenar su silueta. Una vez que hice esto, todo mi personaje se llena. Me pareció que este método era el más fácil para separar personajes y saber cuánto espacio están ocupando exactamente, sobre todo cuando tienes un fondo. Llenar la silueta del personaje realmente te permite rellenar los colores planos con facilidad. A diferencia de si los llena uno por uno a través de la herramienta de cucharón normal. Una vez que hayas rellenado la silueta de tu personaje, notarás que hay algunas partes que que rellenar y algunas partes que hay que borrar. Entonces comencemos borrando las partes adicionales. Iré por la herramienta de selección automática o una herramienta mágica. Y encontrarás tres sub herramientas por aquí. Pero necesitamos usar esta, referir otras capas a seleccionar para que podamos hacer nuestra selección sin dejar de estar en la propia capa de silueta. Entonces esta herramienta, la mantuve en su configuración predeterminada excepto el escalado de área. Lo puse a ocho. Entonces voy a seleccionar esta parte extra que quiero eliminar. Al hacer clic en él. Lo seleccioné, y puedo hacer clic en este botón para eliminar o presionar el botón Eliminar del teclado, o ir a Editar Eliminar. Una vez que termine, presionaré este botón para deseleccionar. También puedo usar el borrador para borrar ciertas partes que no quiero. Ahora esta parte no fue seleccionada con la silueta. Y la razón es que porque hay una apertura. Por lo tanto, puede cerrar el arte lineal en sí o puedes cerrarlo con una herramienta de pincel. Voy a usar la misma crujiente Web dos en pluma de la que te hablé antes. Y cerré la brecha. Y ahora puedo volver a mi herramienta de relleno y seleccionarla una vez más. Y ahora está lleno. Una vez acercando, podría encontrar algunas áreas que no se ven bien. Entonces voy a borrar esas partes y arreglar lo que pueda. Nuevamente, no te preocupes demasiado por esos pequeños detalles porque la mayoría de la gente no va a poder verlos de todos modos. Entonces con esto, hemos llenado fácilmente la silueta del personaje. Ahora voy a crear una nueva capa y recortarla a la capa de silueta. Una capa está recortada. Básicamente, cualquier cosa en esa capa estará dentro de nuestra capa base, por ejemplo esta capa está recortada para que no esté cruzando el área definida por mi capa de silueta. Pero si me quito el recorte, entonces puedo ver la capa completa. Es por eso que recortar la capa realmente ayuda a colorear dentro de los límites. Ahora voy a empezar a rellenar los colores. Yo ante todo lleno y la piel porque viene debajo de todo. Cumpliendo con la piel, solo uso el trabajo de CRISPR, no escribir para rellenarlos. Ahora voy a crear una nueva capa de clip y esta vez quiero teñir el cabello. Volveré a la misma herramienta de relleno y elegiré el color del cabello. Entonces ahora, vuelve a usar la herramienta completa mientras seleccionas solo el cabello para recogerlo. Ahora bien, si nos acercamos, hizo un gran trabajo, excepto que necesitamos arreglar algunas partes. Voy a colorear esta parte con el bolígrafo de tono Chris Webb. Y usaré la herramienta magic one para seleccionar cualquier área que no deba colorearse para borrarlas. Y ahora presiono eliminar. Si elimino el arte lineal, puedes ver que la herramienta también coloreó el ojo. Así que solo voy a habilitar de nuevo el line art y borrar lo que sea que pueda ser visible porque no me importa el resto. Y también borrar esas esquinas que se cortaron. La herramienta y arreglar cualquier cosa extra que haya sido borrada. La mayor parte del tiempo mantiene el cabello como la capa superior de todas las capas planas de color. Por eso voy a crear una nueva capa debajo de ella. Y sobre esta capa, colorearé los ojos y la boca. coloreo a ambos en la misma capa para que sea fácil para mí saber dónde está todo, porque es como un sistema que sigo para todos los personajes. Por lo general, cuando hago ilustraciones, cambiaría el nombre de cada capa, por ejemplo I. Llamaría a esta capa como pelo, y luego a esta capa como cara, y a esta capa como piel. Pero desde que empecé a dibujar con melodías, porque hay tantas capas involucradas en cada panel. Simplemente dejé de nombrarlos por completo y comencé a seguir este sistema para poder reconocer rápidamente cuáles son mis capas. Ahora volvamos a la capa facial. Quiero colorear los dientes y la parte posterior de la boca. Voy a volver de nuevo a la capa de relleno, pero voy a elegir otra herramienta de capas, que viene por defecto con la pintura de CLIP STUDIO. Y voy a elegir el color por ejemplo para la parte posterior de la boca y voy a rellenar para colorearlo. Ahora antes de seguir hablando, solo quería hablar un poco sobre la herramienta de llenado. También dejé todos los ajustes ya que están en su defecto, excepto el escalado de área, las áreas matando para la herramienta de relleno, puse hasta el 20 por ciento, que es el valor máximo. Y lo puse hasta el pixel más oscuro. No recuerdo cuál era el predeterminado, pero estos son mis ajustes. Y quiero mostrarte la diferencia. Si apago la escala del área y vuelvo a llenar esta área, entonces puedes ver cuando acercamos que el color de relleno realmente no coloreó debajo de nuestro arte lineal. Y es por eso que hay algunos píxeles transparentes pueden no parecer tan evidentes, pero a veces realmente puede arruinar la calidad de tu obra de arte al alejarla o reducir el tamaño. Es por eso que habilitando áreas, Kelvin para mí es realmente importante en las herramientas de campo e hizo que mi experiencia general de colorear y Clip Studio Paint fuera mucho mejor. Entonces voy a llenar la boca. Y ahora se puede ver que no tengo pixeles blancos son pixeles incoloros. Ahora solo usaré mi bolígrafo para colorear esa parte extra. Y yo también colorearé los dientes. De la misma manera llenando y fijando con la pluma en caso de que algo necesite ser arreglado. Ahora voy a crear una nueva capa debajo de la cara. Y usando un color blanco. Los blancos de los ojos son la parte blanca del ojo. En primer lugar, sólo dibujo una circunferencia. Una vez que se decida eso. Después vuelvo a la misma herramienta de relleno y la selecciono y relleno. Seleccione y rellene y borre cualquier pieza adicional que haya sido coloreada. A continuación, voy a darle color a su camisa. Entonces voy a crear una nueva capa. Y también colorea la camisa de la misma manera. Colorea las partes faltantes y borra los extras. Voy a crear otra capa debajo de su camisa porque tiene otra camisa debajo con un color amarillo. Entonces voy a sentir eso en otra capa. Volveré a la capa de camisa verde y usaré la herramienta de cubo referir otras capas y llenar esta parte de su camisa. Pero dependiente de la espada viene en el camino y no me está permitiendo colorear esto correctamente. Entonces volveré a mi carpeta de referencia, y deshabilitaré la espada y deshabilitaré el collar. Y lo voy a colorear otra vez. Así que ahora podría colorearlo fácilmente. Pero como pueden ver, hay algunas partes verdes aquí debajo del collar porque también estaba en la capa de referencia cuando coloreo la camisa. Así que sólo puedo borrarlos aunque no sean realmente visibles. Pero a veces es bueno limpiarlo todo. Olvidé esta otra parte de la camisa amarilla. Ahora arregla esta playera desde aquí. Por último, voy a crear una nueva capa debajo de todo pero por encima de la piel. Y color. Depende. También en la misma capa. Voy a colorear el reloj. Ahora se han llenado todos los colores planos del personaje. Pero quiero contarte sobre esta parte. Así que fue muy rápido para mí rellenar los colores base del personaje porque tengo todos los colores guardados aquí en mi paleta o en mi conjunto de colores. También te aconsejo encarecidamente que hagas esa lista para tus personajes porque te va a ahorrar mucho tiempo y no tienes que volver a tu hoja de personajes u otros paneles para referirte a los colores. La forma de hacerlo suele ser conjuntos de colores vienen con esta vista previa, el conjunto de colores estándar y nuestro conjunto aquí con todas las ventanas de otros colores. Encuentra esta ventana de conjunto de colores y arrástrala por mí. Lo arrastré y lo puse debajo del navegador este lado aquí para facilitar el acceso. Y si no lo encuentras en ningún lado, entonces ve a Conjunto de colores de ventana. De todas formas. Entonces, para crear un nuevo conjunto de colores para usted, haga clic en el icono de llave inglesa y luego haga clic en Crear un nuevo conjunto. Y llámalo como quieras. Lo llamaré tono web solo por el bien de esta lección. Luego haz clic en Bien. Entonces verás que ahora tienes un nuevo conjunto de colores con tu Dropbox. Entonces tu conjunto de colores vendrá por defecto con colores transparentes. Entonces todos esos son colores transparentes. Y por cierto, los colores transparentes son básicamente como una goma de borrar, que también está por aquí. Si ves tengo el color de primer plano y el color de fondo, y tengo estos colores transparentes seleccionados. Entonces si tengo esto seleccionado y lo uso en el cabello, por ejemplo, funcionó exactamente como una goma de borrar. Por lo que este color transparente es muy conveniente ya que convierte cualquier pincel en una goma de borrar. Pero de todos modos, así que entonces tu set vendrá con colores transparentes. Y para agregar tus colores solo haz clic derecho. Y puedes o bien agregar color, lo que agregará un nuevo color y empujará todo hacia adelante. Puede hacer clic con el botón derecho en el color para eliminarlo. O en lugar de agregar color, también puedes hacer clic derecho y reemplazar color para que no se presione nada. La forma en que construí mi conjunto de colores es que agregué para cada personaje el color de la piel, el color del sombreado de la piel que el color del cabello y los colores de sombreado del cabello. El cabello resalta colores que los colores de los ojos, los colores de la boca, los colores de su camisa, y así sucesivamente. Y pongo un separador de un color transparente entre cada personaje solo para que sea más fácil distinguir entre los colores. O también puedo seleccionar el color transparente y agregar más colores. De esta manera puedo separar mis personajes por líneas. Entonces estos colores son para un personaje y estos colores son para otro. Y agrega más colores transparentes para separar a los otros personajes, y así sucesivamente. Depende totalmente de ti organizar los colores como veas posible. Por cierto, también hay una cosa de la que quiero hablar. Digamos que mi personaje tenía la camisa a rayas. Y quiero dibujar las rayas en su camisa sin cruzar los límites. La manera fácil y sencilla de hacerlo es yendo a la capa de camisa, que es esta, y haciendo clic en este botón, bloquear los píxeles transparentes. Ahora la capa está bloqueada. Así que cualquier cosa que dibuje encima de ella se quedará dentro de sus límites. Es muy similar a cómo funcionan las Capas de Clip, excepto que se puede dibujar en la propia capa sin cruzar el límite. Esta es la forma rápida de agregar detalles a tu personaje es un cierre. Por último, quiero platicar sobre los paneles grupales. Si tienes varios personajes en un panel, entonces puedes separar sus siluetas, cada una por su cuenta. Pero para ser honestos, descubrí que eso lleva más tiempo llenar los colores planos. Entonces lo que empecé a hacer es llenar todos los personajes, siluetas en una capa y luego colorear sus pieles en una capa y colorear todos los demás detalles tanto como sea posible en una capa. Encontré que este método es mucho más tiempo a la hora de agrupar paneles. Entonces es una buena cosa a tener en cuenta. Ahora que ya terminamos de vincular los colores base, la siguiente lección, hablaremos sobre colorear el cabello y los ojos y cómo preparar todo lo demás para sombrear al personaje. 14. 3-4 Pelo y ojos para colorear: Hablemos ahora de la parte divertida, colorear los ojos y el cabello. Entonces, para colorear los ojos, hay innumerables formas de colorearlos, y cada artista tiene su propio estilo. Entonces depende totalmente de ti cómo quieres colorearlos. Pero yo diría trata de mantenerlo lo más simple posible y tener pasos predeterminados para colorearlos. Te voy a mostrar la forma en que coloreé los ojos y mi cómic. Y tal vez quieras aplicar lo mismo, o podrías tomarlo como una inspiración para crear tu propio estilo. Entonces elegí este panel I para te lo explique de manera clara. Lo que primero haré es bloquear la capa a través del bloqueo píxeles transparentes. Y elegiré un color más oscuro que el color base. Y voy a colorear la parte superior del ojo y una forma curvilínea para indicar la redondez del ojo. Por cierto, para este paso, sigo usando la nítida Web dos en lápiz en qué tonos para ahorrar tiempo, puedes dejar los ojos tal cual y solo finalizarlo creando una nueva capa encima de la capa line art y con un color blanco. Sólo para agregar el reflejo de la luz en el ojo, podrías tener uno o dos. Normalmente voy por uno grande 1.1 tipo de uno ovalado. Para mí, me gusta darle un poco más de profundidad a los ojos de mi personaje. Yo sólo otro color más oscuro. Ocultaré un poco los reflejos de luz para mostrártelo. El color más oscuro. Sombreo la parte superior del ojo, y luego dibujo una pupila. Después con un pequeño tamaño de pincel, solo hago este tipo de rasguños para definir la parte sombreada del ojo con la parte sin sombra del ojo. Y tomo el mismo color que usé en la primera parte. Con un cepillo más fino. Agrego esos trazos para darle más detalles al ojo. Y por último, elijo un color más claro. Con un pincel grande. Añado reflejos en la parte inferior del ojo. Entonces estos son mis pasos para colorear el color base del ojo. También puedes ir un poco más allá y agregar reflejos de luz, por ejemplo, usando un color rosa con el cepillo de aire. Iré a la herramienta de aerógrafo y elegiré el aerógrafo suave. Entonces sólo puedo cepillar un poco en la parte superior con un color rosa o azul. Pero ese es un paso adicional si quieres hacer que los ojos sean más brillantes. En fin, volveré a habilitar la capa de reflexión de luz. Ahora voy a colorear un poco el line art para que el ojo se vea más interesante. Entonces iré a la capa line art y la bloquearé. Y lo que voy a hacer es elegir el color de esta base Eichler. Rápidamente elijo colores pulsando el botón alt y luego haciendo clic en el color que lo elegí. Nuevamente con un aerógrafo suave, un aerógrafo ligeramente este lado inferior del ojo. Para que se vea más suave. El lado superior también. Voy a elegir el color oscuro y aerografía para hacer todo Londres. También utilizo una especie de vibrante color rojo rosado. Y con el cepillo de aire, aerógrafo del tamaño de los ojos. Encuentro que esto los hace parecer más interesantes. Por último, bajo el ojo, voy a crear una capa para las claras de los ojos, que hicimos en la última lección. Pero volvamos a hacerlo para este panel. El último paso que voy a hacer para los ojos es un bloqueo de esta capa, y elegir un color azul grisáceo. Y luego con la herramienta de línea nítida, solo sombrearé el ojo desde arriba. Así que lo hice con una nítida Web dos en pluma, pero a veces también lo hago con aerógrafo. Pero modifico un poco los ajustes del aerógrafo. Entonces dije la dureza a algún lugar por aquí o por aquí para hacerlo más difícil. Y luego aerógrafo para darle al ojo un aspecto más suave. Eso es todo para colorear los ojos. Pero en este panel específicamente, y la mayoría de los paneles y mi capítulo actual, los personajes están teniendo fuertes reacciones emocionales. Entonces cuando tengan una reacción tan fuerte, no coloren los ojos como yo aquí. Pero más bien solo dejo los ojos con la pupila solamente. Y tal vez un ligero degradado en los colores base del ojo que le da a los personajes un aspecto impactante y hace que la escena se sienta más intensa. Es por ello que en mi panel de aquí, los ojos también son pequeños porque el personaje está conmocionado. Entonces lo que voy a hacer por sus ojos es que le voy a añadir una pupila. Era el color más oscuro de mis capas de hielo. Y también puedo usar el tono más claro. Y con un aerógrafo los ajustes de timbre vuelven a ser suaves, solo ligeramente aerógrafo en la parte superior de los ojos para darle un aspecto más suave. También voy a dar forma a los ojos con el mismo color gris azulado. Ahora pasemos al cabello. En este paso, realmente no sombreo la mayoría de las características de mis personajes porque lo haré en el siguiente paso, que te mostraré en la siguiente lección. Pero en este paso, solo para preparar todos esos colores base para que se vean más interesantes cuando les agrego las formas después. Lo que quiero decir con Preparado es aerografía ligeramente al personaje para que los colores planos se vean menos planos y agregarles algún tipo de degradado. Entonces lo que haré es seleccionar la herramienta de aerógrafo y ponerla a la dureza más suave y aumentar su tamaño. Y voy a elegir el color de la forma del pelo de mi personaje. Y mientras miraba la capa probablemente aerógrafo los lados inferiores del pelo de mi personaje. Para darle un aspecto degradado. En la parte superior, voy a elegir el color de reflejos , y ligeramente aerógrafo. Entonces como puedes ver, el cabello ahora tiene más dimensión. Para carácter de pelo oscuro. Voy un paso más y elijo un color anaranjado o rosado, un color claro que es un poco más oscuro que la piel. Y el aire cepilla el pelo que está encima de la cara. Esto le da al cabello un aspecto como si se estuviera desvaneciendo y está mostrando la piel debajo de él. Puedo hacer un paso extra y también usar el color de sombreado del cabello y simplemente colorear el cabello que está en la parte posterior para empujarlo hacia atrás y darle más profundidad. Entonces ahora con este simple paso, este cabello más oscuro se siente como si estuviera en la parte posterior. Y este más brillante se siente como si estuviera en el frente. Y ahora también voy a ir por la piel y bloquear la capa y elegir el color de sombreado de la piel. Y también con el cepillo de aire. Aerografía ligeramente los bordes de la cara. Para evitar este tipo de aerografía, como cuando se superpone a través de los bordes. Solo puedo usar la herramienta de selección automática o varita mágica y seleccionar la porción que quiero mientras me aseguro de que mi capa de arte lineal esté establecida como capa de referencia. Y ahora puedo ventilar cepillo sin meterse con la cara. También aerógrafo un poco alrededor de la nariz y un poco alrededor de las mejillas, a veces. Un aerógrafo, el resto de la piel. También puedo promediar todas las demás prendas de vestir. A veces hago eso y a veces me lo salto. Pero hagámoslo por la escena. Para ambas playeras. Aerógrafo, para los pantalones también. Voy a aerógrafo a Nike. Entonces eso es todo por este paso. Aún no hemos agregado ninguna sombra importante, porque en la siguiente lección, haremos sombreado a todos los personajes en un solo paso. 15. 3-5 Sombreado rápido: Ahora podemos seguir adelante y empezar a agregar sombras a nuestros personajes. Para este paso, lo primero que hago es seleccionar todas las capas que tengo hasta ahora desde el arte lineal del personaje hasta la silueta. Seleccione todo y póngalos en una carpeta. Y luego crearé una nueva capa y la recortaré a la carpeta. Y voy a cambiar el modo de capa para multiplicar. Y escogeré generalmente un color pálido, púrpura claro. Y con el Chris Webb don't pen, puedo sombrear fácilmente a todo mi personaje a la vez en una sola capa. Ahora para este panel, habilitaré el fondo que ya tengo preparado para ello solo para verificar el equilibrio general de los colores y recordarme la dirección de la fuente de luz. Hasta ahora mi panel, la fuente de luz está en la parte superior. Entonces todas las formas vendrán en la parte inferior del personaje. Ahora al sombrear, descubrí que antes que nada, bloquear las áreas principales que están sombreadas solo aproximadamente para ver el equilibrio general de los tonos es realmente útil y te ayuda a colocar tus tonos mejor antes quedar atrapado con los pequeños detalles y las grandes hojas ásperas. Y luego voy a ajustar cada una de ellas. Como el collar está saltando, entonces habría un poco de distancia entre el objeto y la forma. Ahora que he encerrado las sombras principales y ajusto cada parte por separado y limpio los tonos y agrego más detalles y refinarlos. Entonces para esto, lo que voy a hacer es abrir el grupo que contiene todas mis capas. Y luego presionaré la tecla Control en mi teclado. Mientras sostengo la tecla Control, haré clic en la capa de pelo. Entonces, al hacer eso, he seleccionado solo la capa de pelo y puedo sombrear y borrar todo lo que quiera sin afectar nada que esté fuera del límite del cabello. También puede crear una selección a partir de la capa haciendo clic con el botón derecho en la miniatura de la capa e yendo a la selección de la capa crear selección. Acercaré el zoom y empezaré a ajustar esas hojas. Para este paso, utilizo el rotulador de tono web nítido y el borrador para fijar las hojas. Si quieres trabajar mientras estás acercado. Pero también quiero ver cómo los panelistas unen sin acercar y alejar continuamente. Entonces simplemente agrega otra vista. Puedes hacerlo yendo a Ventana, Lienzo, Ventana nueva. Y ahora puedes arrastrar esta nueva ventana de vista, que básicamente es un duplicado de esta. Pero puedes tener diferentes puntos de vista. Entonces a medida que lo arrastras, solo puedes ajustar la vista para que puedas ver la imagen completa medida que ajustas tus tonos. También puedes rotar el lienzo para ajustar fácilmente la forma, especialmente para áreas con curvas como el cabello. También voltear el lienzo ayuda a colorear con más facilidad. Generalmente me apago a los tonos corazón o al sombreado celular en paneles blancos. Pero a veces me gusta difuminar un poco las cosas o mezclarlas. Y la herramienta que utilizo para eso es esta herramienta acuarela que descargué de los activos de Clip Studio. Así que uso esta herramienta a veces solo mezcla ligeramente algunos de los bordes de mis tonos y hago que las cosas se vean un poco más suaves. También utilizo esta herramienta Pincel lateral que también descargué de los ácidos de Clip Studio para agregar esos garabatos que siguen a lo largo de la redondez de la cabeza. Solo como una forma para mí de agregar más detalles al cabello y hacer que se vea más interesante. Ahora que el pelo está hecho, quiero empezar a colorear a este parentesco. Pero si solo selecciono el color de la piel de su capa, entonces veré que la selección no es adecuada para la piel, solo porque coloreo la piel a mano con una herramienta de pincel para que fluya por debajo de todo . Entonces para seleccionar solo la piel, lo que hago es simplemente volver a la selección de cabello y hacer clic en este botón para invertir el área seleccionada. Ahora la selección se invierte y se selecciona todo excepto el cabello. Así puedo ajustar fácilmente las formas de la piel sin preocuparme de que arruine las formas que ya hice para el cabello. Y también desenfoque nuestra mezcla la sombra de la nariz. Puedo hacerlo con la herramienta de agua que acabo de mostrarte o también puedo usar la herramienta de desenfoque, que puedes encontrar aquí debajo de las herramientas Blend. Y elige esta herramienta de desenfoque y simplemente cepilla ligeramente sobre esto para difuminar tus tonos. También desenfoque la sombra que existe por la cabeza, porque la cabeza está un poco lejos del cuerpo. Entonces, cuanto más lejos está el objeto, más borrosa es la sombra. También compartí un poco el borde de la barbilla para darle más dimensión al rostro. Y también puedo difuminar ligeramente esto para que se vea más suave. También puede hacer uso de la herramienta de relleno de lazo yendo a esta herramienta de figura y luego seleccionando relleno de lazo. Con el relleno de lazo. Puedes seleccionar fácilmente cualquier área que quieras y llenarla. De esta manera podrás añadir unos tonos rápidos y precisos. Pero claro que necesita algo de precisión para que puedas dominarlo. No lo uso todo el tiempo, pero a veces me resulta útil de usar. Yo sólo voy a arreglar los collares un poco aquí porque estaba incompleto para las tonalidades del collar. Entonces esto es saltar. Entonces también puedo indicar que al hacer tonos tan suaves en lugar de duros, puedo usar el cepillo de aire para eso. En lugar de usar el suave, sin embargo, usaré el duro con el pequeño tamaño de pagar las sombras. Y también la forma para la espada. Si quiero arreglar los bordes, entonces solo puedo seleccionar el color transparente para cambiar mi herramienta a una goma de borrar y borrar esas partes para que esta forma se parezca a la espada. Dije el atajo de teclado J para cambiar rápidamente entre color transparente y color de primer plano. También voy a difuminar un poco las sábanas. También tengo la tecla V como atajo para el desenfoque. Ya que voy a seguir repitiendo los mismos pasos por ahora, aceleraré un poco el proceso. Bueno, podría seleccionar cada parte por su cuenta como lo hice con el pelo. Encuentro que no siempre es necesario hacer eso. El cabello es como la parte más sensible y necesita la mayor atención para los detalles para mí al menos. Entonces por eso seleccioné por su cuenta. Pero encuentro que puedo lograr sombrear el cierre por completo con la piel sin la necesidad de seleccionar cada una de ellas individualmente. Cuando hayas terminado de disparar, haz clic en este botón para deseleccionar. Haz clic en Control D en tu teclado. Ahora puedes mantener tu panel como está con esas formas, o puedes dar un paso extra y agregar una nueva capa y recortarla nuevamente y establecer su modo para que se multiplique nuevamente y agregue otra capa de sombreado para darle más profundidad a su panel. Pero para mí, dejé de hacer eso la mayor parte del tiempo porque lleva más tiempo y esfuerzo y quiero reducir la cantidad de pasos que hago para cada panel. Yo hago ese paso sólo para escenas de gran importancia. Pero digamos que no estaba convencido de cómo se ven los colores. Y quiero jugar con el color del sombreado. Puedo presionar Control U para que resalte la luminosidad de saturación de tonalidad y arrastrar el matiz. Para jugar con los colores de sombreado, e.g . I. Encontrado ahora que este color se ve mejor para mi personaje aquí, generalmente para hacer que tu personaje mezcla mejor con el fondo, es mejor elegir un color que se ajuste a tu fondo. Entonces si cambio el modo de capa de mi sombreado allá de nuevo a la normalidad para ver el nuevo color, entonces puedo ver que el nuevo color es un color rosa grisáceo en lugar del que elegí. Y se ve mejor en mi personaje. Y en general, me gusta mucho cómo se ve, excepto por el pelo y también los pantalones. No me gusta cómo se ve como un color cálido. Entonces quiero cambiar eso. La forma más rápida de cambiar eso es seleccionando la capa de cabello y luego golpeando Control U y jugando con el tono. También puedo disminuir el valor y hacer que se vea más oscuro y jugar con la saturación. Esta es una manera muy agradable de ajustar rápidamente tus colores y hacer que se vean más interesantes. Si deshago, puedo ver la diferencia, el color, se ve más vibrante. Ahora, voy a hacer lo mismo por los pantalones. Simplemente arrástralo un poco hacia los colores azulados. También puedes hacer tu sombreado allí y lucir más interesante mirando la capa de sombreado y eligiendo un aerógrafo y optando por algún color claro, por ejemplo, como naranja claro. Entonces, ¿el suave cepillo de aire, aerógrafo ligeramente los bordes de tus formas? Si los traigo a todos de vuelta a la normalidad, entonces puedes ver que creé un degradado. Entonces voy a agregar eso a los bordes de las formas para darles un aspecto más suave y darles un aspecto iluminado por el sol ya que el sol brilla desde arriba. Y de manera similar, también puedo usar un color más fresco, por ejemplo este azul pálido. Y también puedo aerógrafo ciertas partes de los tonos, especialmente en las zonas sombreadas, para que se vea más oscuro. Y más interesante. Si echamos un vistazo a nuestro sombreado ahí, se ve así ahora mismo. Pero como puedes ver, sombreamos el personaje completo de una manera interesante mientras usábamos solo uno allí. Por cierto, mencioné antes que si presiono Control y selecciono la capa de piel, entonces va a seleccionar todo. Y solo puedo tener la piel por sí misma. Pero sin embargo, puedo jugar con esta selección. Puedo agregar selecciones, detectar simplemente usando las teclas Mayús y Alt. Entonces, por ejemplo si mantengo la tecla Control mientras mantengo presionada la tecla Mayús y hago clic en la capa de cabello, entonces el manejador se selecciona con mi selección. Sin embargo, si quiero eliminarlo de mi selección, entonces mantén presionado el botón Control y mantén presionada también la tecla Alt, y haz clic en la capa de pelo. Ahora puedes ver que me deshice de la selección de capas de pelo. Y puedo hacer lo mismo para deshacerme también de las camisas ya que están llegando encima de la piel. Y ahora puedes ver que mi capa de piel seleccionó por sí sola. Por ejemplo, yo. Puedo volver a mis formas y jugar con su color si quiero que se vea diferente. Pero creo que voy a mantener el color tal como está. Ahora para finalizar este panel, lo único que queda es agregar reflejos al cabello. Para ello, voy a crear una nueva capa recortada por encima tanto del grupo como del sombreado ahí. Y voy a cambiar este modo de capa para agregar un resplandor. Y eso es porque el color del cabello. Y puedo usar el pincel para agregar los reflejos yo mismo. De nuevo con rasguños mientras seguía la forma de la cabeza como lo hice con esos tonos antes. Pero para ahorrar tiempo, existe este paquete de pinceles para mechones de cabello realmente conveniente que puedes usar de inmediato para agregar reflejos a tus personajes. Aquí. Lo obtuve de los activos de Clip Studio y te dejaré el enlace también. El que prefiero usar no son los pinceles en sí, sino que también viene con algunas Curve Tools. Y me gusta usar esta para mostrarte cómo funciona la herramienta de curvas como si simplemente haga clic en algún lugar de aquí y luego arrastre mientras sigo sosteniendo mi pluma. Y luego suelta y ajusta la curvatura de la curva. El tamaño del pincel se ve grande, así que lo voy a reducir un poco. Así que de nuevo, sostendré y luego soltaré para ajustar mi curvatura. Si bien podrías hacer esto de una sola vez. No me gusta cómo se ve esto porque quiero seguir la redondez de la cabeza. Lo hago en dos pasos. Lo hago primero en el lado derecho, y luego lo hago por el lado izquierdo. Así que de esta manera puedo controlar mejor las formas de ellos. Y si quiero ajustarlos más, por ejemplo, todavía quiero que sigan la curvatura de la cabeza. Este lado de aquí, se ve bien, pero este lado no coincide con la curvatura que tengo. Lo seleccionaré con la herramienta de Lazo y utilizaré la herramienta de transformación de malla para ajustarla fácil y rápidamente y hacer que coincida con la curvatura de mis personajes mejor. El color se ve demasiado vívido estilo solo reduce la opacidad. Por ejemplo, yo. Encontró que 33 eran lo suficientemente buenos. También puedo bloquear los píxeles transparentes y usar un aerógrafo y tal vez probablemente aerógrafo con otro color para que se vea más interesante y agregar un degradado en los colores. También puedes volverte loco con los colores y diferentes cosas. Pero lo voy a mantener como está. Esto se ve bastante bien. Así que finalmente terminamos de sombrear nuestro panel. En el siguiente capítulo, por fin empezaremos a hablar de antecedentes. Entonces, en la siguiente lección, primero empezaremos a hablar los principios de la perspectiva. 16. 4-1 principios de perspectiva: Ya que vamos a empezar a hablar antecedentes en este capítulo, hay muy importante hablar primero los principios y fundamentos de la perspectiva. Hay dos conceptos importantes que conocer a la hora de la perspectiva. La primera es la línea del horizonte, o también llamada el nivel de los ojos. Y el segundo es el punto de fuga. Básicamente, con nuestros ojos humanos, cuando miramos objetos en el espacio, no parecen ser del mismo tamaño. Pero podemos ver con nuestros ojos que los objetos reducen de tamaño con la distancia. Por eso todo el concepto de perspectiva es relevante para nuestros ojos. La línea del nivel de los ojos es básicamente la altura real de los ojos del espectador. Estamos mirando un objeto, o también se le llama línea del horizonte porque se puede utilizar para referirse a un límite físico o visual que separa a este tipo de la tierra o del mar. Y el punto de fuga es básicamente el punto donde todas las líneas van hacia para que todo se desvanezca hacia esta dirección. Permítanme mostrar un ejemplo para simplificar las cosas. Digamos que tenemos un cuadrado que quiero dibujar como un cubo. Entonces como dibujé este cuadrado con sus cuatro esquinas, para dibujarlo en perspectiva, voy a dibujar líneas desde cada una de sus esquinas para ir hacia el punto de fuga. Entonces esta es la primera línea. Este es el segundo, y este es el tercero. Y también, permítanme dibujar esto en una nueva capa. Esta es la cuarta línea. Voy a reducir la opacidad ya que esta línea está detrás del objeto. Entonces ahora si quiero darle algo de grosor a mi cubo, solo puedo dibujar una línea recta aquí y otra línea recta aquí y borrar el resto de las líneas. Y ahora tengo un cubo que está en el espacio. Y porque está por encima del nivel de los ojos, entonces puedo ver la parte inferior de esta caja. Borro esta cuarta línea porque si este cubo es opaco, entonces no voy a ver esa cuarta línea. Pero si se trataba de un cubo transparente, entonces sólo puedo dibujar la línea otra vez y luego dibujar una línea recta desde esta parte inferior hasta esta línea diagonal y luego continuar esta línea de aquí hasta aquí. Y ahora puedo ver que tengo un cubo transparente. Sólo puedo borrar el resto de las líneas. Puedo hacer otro ejemplo debajo de la línea del horizonte. Si dibujo el objeto más grande de lo que va a estar más cerca de la cámara, permítame dibujar líneas hacia el punto de fuga. Y luego cortarlo para obtener una caja y luego borrar esas líneas extra. Ahora tengo una caja más grande que está más cerca de la cámara porque su tamaño es más grande. Y puedo ver la superficie superior del cubo porque está por debajo de la línea del horizonte o por debajo del nivel de mis ojos. Si un objeto se dibuja en la propia línea del horizonte, entonces no vamos a ver ninguna de las superficies superior o inferior. Porque como puedes ver, como los dibujamos, van a chocar uno encima del otro. Y si cortamos esta caja y son esas líneas extra, entonces podemos ver ya sea en la superficie superior o inferior de la caja porque está a la altura de nuestros ojos. Ahora como solo hay un punto de fuga en este caso, a esto se le llama perspectiva de un punto. Si agregamos otro punto de fuga, entonces esto se convierte en perspectiva de dos puntos. Y para dibujar un ejemplo, nuevamente con el cubo, voy a dibujar una línea recta aquí debajo del horizonte. Y voy a conectar este sitio con ambos puntos de fuga. Y luego lo cortaré. Y porque lo corté aquí, entonces voy a dibujar líneas de las esquinas nuevamente y conectarlas con el punto de fuga para completar mi cubo. Y voy a borrar las líneas extra para terminar mi cubo. Por cierto, dibujar las cosas en perspectiva se vuelve mucho, mucho más fácil cuando usas capas vectoriales porque puedes borrar las líneas extra tan rápida y fácilmente como acabo de hacer. Pero como puedes ver, el cubo se ve un poco sesgado aquí. Y eso es porque los puntos de fuga están cerca uno del otro. Entonces, para que los objetos se vean más naturales, solo necesitamos separar los puntos de fuga y tener más distancia entre ellos. Dibujaré una nueva caja ahora por encima del nivel del horizonte después de ajustar mis puntos de fuga. Y como pueden ver, el cubo se ve más natural ahora que he distanciado los puntos de fuga. Si agregamos otro punto de fuga, digamos en la parte superior aquí. Entonces esto se convierte en perspectiva de tres puntos. Si volvemos a dibujar nuestros cubos, comenzaré dibujando una línea recta desde el punto de fuga. Luego conecta los lados con los puntos de fuga horizontales. Ahora para definir las dimensiones de mi cubo, no voy a dibujar líneas verticales como lo hice con perspectiva de dos puntos, sino que esas líneas verticales se volverán inclinadas en su lugar. Los conectaré con este punto de fuga de aquí. Y luego volveré a conectar esos coronarios extra con los puntos de fuga horizontales y borraré las líneas extra. Y como pueden ver, dibujé un cubo, pero parece tan sesgado porque está muy cerca de este tercer punto de fuga. Así que permítanme dibujar otro cubo otra vez. Pero voy a arrastrar el nivel de los ojos por debajo para tener más distancia entre los tres puntos de fuga. Entonces volvamos a hacer eso. Empezaré con una línea recta. Después dibuja líneas que conecten con los puntos de fuga horizontales. Y ahora voy a conectar con este tercer punto de fuga. Conecte las otras esquinas o las esquinas inferiores con puntos de fuga horizontales. Como se puede ver, este enfriamiento es mucho menor ahora porque hay una mayor distancia entre los puntos de fuga. Entonces estos son los conceptos básicos de perspectiva más importantes que debes conocer. En esta clase. Realmente no vamos a ahondar en dibujar fondos desde cero porque eso lleva mucho tiempo y es una forma de arte por sí sola. Y como lloraban los artistas, queremos que nuestro proceso sea lo más rápido posible. Por eso voy a mantener la explicación hasta este punto. Pero si te interesa saber más de lo que definitivamente te insto a que leas más al respecto para que aprendas más. Y tal vez también puedas practicar bosquejo con perspectiva en tu tiempo libre para que tengas una mejor comprensión de cómo funcionan los fondos. Pero una última cosa que quiero mencionar en esta lección es que Clip Studio Paint viene con una regla de perspectiva, para que no tengas que dibujar líneas manualmente como hicimos en esta lección. Quiero mostrarte cómo sacar a colación este gobernante de perspectiva. Simplemente vaya al marco de regla de capa y luego seleccione Crear regla de perspectiva. Desde aquí se puede seleccionar fácilmente un punto o dos puntos o tres puntos de perspectiva. Y como ya estamos hablando de perspectiva de tres puntos ahora, ahora voy a seleccionar tres puntos de perspectiva. Puedes elegir si queremos crear la regla en una nueva capa o hacer que se cree en tu capa actual. Yo sólo lo mantendré en la capa actual. Entonces ahora tengo este ícono de regla por aquí, que es igual que lo que teníamos con la regla de simetría. Si no quiero que la regla esté en esta capa, entonces simplemente puedo hacer clic y arrastrarla a otra capa. Y de esta manera podrás transferir fácilmente tu regla. Pero de todos modos, la regla de perspectiva , si alejas el zoom, puedes ver que tenemos tres puntos de fuga. Este es el primer punto de fuga, y este es el segundo, y este es el tercero. Y estas líneas son como pautas hacia el punto de fuga. Para que los puedas cambiar como quieras. Ahora puedes ajustar la regla de perspectiva a través de dos métodos diferentes, ya sea cambiando la ubicación de los puntos de fuga. Por ejemplo, quiero arrastrar este punto de fuga para estar encima de este. Pero si lo arrastro como es ahora realmente no puedo moverlo. La razón de ello es que esta opción está marcada a nivel IP fijo. Así como fijar el nivel de los ojos, por eso todo está cerrado. Pero si quieres ajustar la regla de perspectiva para que coincida con tu escena o obra de arte, desmarca esta. Y ahora como hago clic en el punto de fuga, puedo cambiar fácilmente su posición. Entonces lo voy a poner encima de este punto de fuga. Y voy a arrastrar este punto de fuga para venir encima de éste. Y por último, tengo este último punto de fuga. arrastraré hacia aquí. Y puedo cambiar el ángulo de esos lineamientos haciendo clic en el círculo en el medio. Entonces esta es una manera. Pero otra forma es, digamos que solo tenía el dibujo del objeto y quiero saber dónde existen los puntos de fuga para este objeto. Para ello, puedo jugar con esos mangos, son esos lineamientos a través de estos puntos azules. Y jugando con el ángulo y el posicionamiento de estos puntos azules, como se puede ver, la colocación del punto de fuga está cambiando. Al jugar con esas pautas, fácilmente puedo hacer que mi regla de perspectiva coincida con mi objeto. Podría llevar algún tiempo ajustarlo todo y puede llegar a ser bastante complicado a veces, pero es muy útil determinar la perspectiva de tu imagen si no la conoces. Entonces ahora que he ajustado la regla de perspectiva, simplemente puedo dibujar cualquier objeto o cualquier línea, y seguirán seguirán esas líneas de perspectiva y puntos de fuga que he ajustado. Y de esta manera se vuelve menos tedioso dibujar con perspectiva sin tener que comprobar con líneas rectas y puntos de fuga cada vez. Lo último de lo que quiero hablar es que la línea del horizonte no siempre tiene que ser horizontal. Siempre se puede rotar la línea del horizonte y dibujar objetos y conectarlos con puntos de fuga. Pero tus objetos también serán girados con la rotación de la línea del horizonte. Girar la línea del horizonte ayuda a que esto sea aún más dramático. Por lo que es un concepto interesante a tener en cuenta a medida que dibujas tus escenas. ejemplo, rotar la línea del horizonte en este panel mío hizo la escena pareciera más interesante que si solo fuera horizontal. Por lo que es bueno tener en cuenta en este paso de storyboard tus paneles antes incluso de empezar a bosquejar para que construyas toda tu escena basada en ella. En la siguiente lección, hablaremos sobre técnicas para agregar profundidad a tus paneles sin usar realmente la perspectiva, sino simplemente jugando con las formas de los objetos de tu escena. 17. 4-2 técnicas para agregar profundidad: A medida que crecemos, estamos tratando de predecir el espacio tridimensional en el lienzo bidimensional. Por lo tanto, a veces puede ser complicado introducir una sensación real de profundidad en su obra de arte. Sin embargo, hay una serie de técnicas que pueden ayudar fácilmente a dar una sensación de profundidad y hacer que sus paneles o obras de arte se vean más interesantes. En esta lección voy a hablar de seis de esos métodos. Entonces vamos a abordarlos uno por uno mientras mostramos ejemplos para cada uno. La primera técnica es variar el tamaño del objeto. Entonces digamos que estas tres paredes son del mismo tamaño. La pelota más cercana a la cámara son las mayores percepciones. La bola más alejada de la cámara tiene el tamaño más pequeño. Para darte un ejemplo, echa un vistazo a este panel. Los personajes van abajo. Así que el personaje más cercano a la cámara tiene el tamaño más grande, y el personaje más alejado de la cámara tiene el tamaño más pequeño ya que ella está en la parte superior. La segunda técnica es muy en el peso de línea, que ya hablamos durante la fase de arte lineal. Entonces, si hacemos que las líneas del objeto que está más cerca de la cámara más gruesas y hacemos las líneas de los objetos que son más delgadas, entonces inmediatamente podremos sentir una sensación de profundidad. Y para darle un ejemplo, eche un vistazo a este panel. El personaje más cercano a la cámara tiene las líneas más gruesas. Bueno, cuanto más nos alejamos de la cámara, el peso de la línea va más delgado. La tercera técnica consiste en variar los detalles del objeto. Así que el objeto más cercano a la cámara tendría más detalles que los objetos más lejanos. Ej. Eche un vistazo a este panel. El personaje más cercano a la cámara tiene líneas gruesas y más detalles de cabello, luego los personajes más lejanos. Entonces, si echamos un vistazo, estos dos personajes están de alguna manera en el término medio. Entonces tienen de alguna manera más detalles que este personaje que está más atrás. Apenas tiene ningún detalle de dron a excepción de aquellos de diseño de carácter permanente de oficina. La cuarta técnica es a través la variación de la profundidad de campo. Entonces en este ejemplo, podemos dividir esto en tres componentes. El objeto más cercano está en primer plano, que son las hojas en este ejemplo. El objeto en el medio es el personaje y se coloca en el término medio. Y a los objetos más lejanos se les llama fondo. Entonces, al introducir una profundidad de campo, podemos enfocarnos en nuestro personaje, que es el término medio. Podemos hacerlo difuminando el objeto más cercano a la cámara. Entonces, al difuminar esas hojas, podemos tener la sensación de que esas hojas están tan cerca de la cámara que están desenfocadas. Y nuestro enfoque estaría en el carácter de término medio. Algo similar se puede hacer de manera opositora. Por ejemplo aquí, quiero que mi enfoque esté en el primer plano mismo. El primer plano es el más fácil crujiente, pero el término medio es un poco borroso. El fondo es la borrosidad de todos. Cuando miro esta escena, mi foco va directamente hacia las hojas. Especialmente me gusta usar la técnica de profundidad de campo al dibujar series de bosque con mucho follaje. Me gusta mucho difuminar lo más cercano a las plantas y a veces hacerlas en color más oscuro que el resto de la escena. Para dar la sensación de que estos objetos están cerca la cámara y la iluminación es un poco más oscura aquí, de manera que el foco de los ojos va hacia el término medio. La quinta técnica es a través de jugar con un brillo. Así podemos hacer que nuestra escena se vea interesante haciendo que los objetos que están más alejados de la cámara sean los más oscuros y los objetos que están más cerca de la cámara sean más brillantes. Me gusta usar esta técnica. También cuando hago escenas forestales, por ejemplo este panel de aquí, tengo dos árboles que están más cerca de la cámara, y son más brillantes que todo lo que hay en el fondo. Los árboles y el follaje se oscurecen. Introducir esta sensación de profundidad, que esta fuerza es oscura y profunda, y esto es sólo el lado frontal y cercano de la misma. La última técnica es jugar con la temperatura de color, que también se puede llamar como perspectiva atmosférica, que es un efecto que podemos ver con nuestros propios ojos a diario. Cuando sales a la calle, puedes notar cómo cuanto más cerca están los objetos de tus ojos, más cálido es el color que hay. Pero cuanto más lejos están, más fresco es su color. Y naturalmente debido al efecto de la atmósfera, los objetos tienden a ir hacia el color azulado cuanto más lejos están. Entonces en este ejemplo rápido que hice aquí, echa un vistazo a la rueda de colores mientras elijo los colores. El color de las hojas VC más cercanas son un amarillo cálido, verde. Pero la hierba de aquí es verde más fresca y el color se vuelve fresco cuanto más lejos están hasta que se convierten en Lewis. Y esto introduce una sensación de profundidad. Me gusta mucho usar esta técnica cada vez que tengo un fondo o el cielo mostrando por ejemplo esta escena en mi panel aquí, mientras se ve lo suficientemente bien como está aquí, si aerógrafo con un color azulado, entonces inmediatamente puedo sentir la sensación de la atmósfera. Y lo mismo para los edificios aquí en la parte de atrás. Los hice azulados para dar la sensación de la atmósfera. Esta técnica también es útil cuando tienes escenarios, especialmente por ejemplo cuando tienes montañas que están muy lejos de tu escena, por ejemplo, las montañas aquí en la parte de atrás. Si bien las montañas son naturales y no azules, tienen un color marrón cálido o tal vez un color verde. Ya que están tan lejos, hacerlos Lew da esta sensación de profundidad y podemos entender que están tan lejos de nuestros ojos. Así que mantén esas técnicas en tu mente mientras haces fondos para tus escenas. Pueden hacer totalmente que tus patrones se vean más interesantes. Como puedes ver, no necesitan mucho esfuerzo, pero realmente pueden transformar tu escena y hacer que se vea más interesante en un instante. En la siguiente lección, hablaremos sobre pintar fondos desde escala de grises para enfocarnos en sus valores y cómo transformarlos del blanco y negro a una versión colorida. 18. 4-3 pintura de Greyscale: Antes de comenzar a usar assets y modelos 3D para crear nuestros fondos, me gustaría presentarte una técnica básica pero importante para practicar primero, que es pintar en escala de grises por enfocándose únicamente en valores. Yo diría que esta técnica sirve a dos resultados importantes. La primera es que te ayuda a entender los valores y contrastar mejor. Ya que solo te estás enfocando en blanco y negro y no tienes que colorear al principio, practicar esta técnica te ayuda a dominar tu comprensión de cómo hacer mejor los fondos. Como se puede hacer fácilmente fondos de aspecto interesante con gran iluminación y contraste, lo que me lleva a hablar sobre el segundo resultado. Como verás en las próximas lecciones, usaremos imágenes, pinceles y modelos 3D para crear nuestros fondos. Pero a veces es posible que no puedas encontrar solo los activos adecuados que necesitas para tu escena específica. Especialmente cuando se trata de una toma de establecimiento donde quieres llevar el foco de tus lectores al entorno mismo. Practicar este método de pintura te ayudaría cuando estás en un aprieto así. Entonces esta lección, tengo una escena que me tiene en apuros para, te voy a mostrar cómo voy a salir de ella. La escena que quiero dibujar como una cueva subterránea con un eslabón en la parte inferior y la luz del sol que viene por la parte superior. Lo había bosquejado aproximadamente en mi fase de guión gráfico. Entonces tengo una idea sobre la composición que quiero seguir en esta toma, pero también busqué algunas fotos de referencia en unsplash.com. Busqué cueva subterránea. Y después de revisar las siguientes fotos, recogí las siguientes cuatro fotos. Seré arreglado las imágenes para que pueda verlas las cuatro. Como trabajo. Voy a alejar un poco cada uno para que pueda ver la vista completa. Decidí llevar a estos dos de este lado para que tuviera mi trabajo en Lienzo y el centro. Ahora lo que voy a hacer es para cada una de estas imágenes, alternar en modo escala de grises. Para ello, vaya a la propia imagen y debajo de Propiedades de capa, bajo color de expresión, haga clic en este menú desplegable y elija gris. Ahora la imagen se ha convertido en modo escala de grises. Haré lo mismo por las otras tres imágenes. Bien, entonces ahora tengo todo en escala de grises y tengo mi boceto rudo. Voy a ajustarlo sólo un poquito. Baje esto. Ya que quiero que el lector se desplace por él mientras leen y no vean la imagen completa a la vez. Ahora que estoy satisfecho con esta composición, iré a mi panel. Ahora voy a empezar a pintar mi escena en escala de grises. Básicamente mirando la rueda de colores, solo voy a elegir colores de este lado de aquí, exclusivamente blanco y negro, sin colores en absoluto. O también puedes ir a los deslizadores y controlar los colores desde para elegir tu gracia más fácilmente, lo que funcione para ti. Escogeré un color gris oscuro. Seleccionaré y llenaré mis antecedentes. Desde Editar, Rellenar. Sólo voy a reducir un poco la opacidad para que pueda ver el boceto aquí usando un color gris muy claro. Voy a marcar el lugar del lago. También marcaré el lugar para lo que sean estas cosas, bloques de rocas. Y usando otro gris más claro, me enfocaré aquí en la abertura en la superficie. Ahora, volveré a traer la opacidad al 100 por ciento otra vez. Y a partir de este punto, voy a echar un vistazo a las imágenes que tengo. Entonces puedo ver por esta imagen de aquí que el contraste es muy alto y el color de aquí es nuestro gris. Entonces escogeré gris oscuro y volveré a mi escena y cambiaré el fondo al mismo color oscuro de editar, convertir a dibujar y colorear. Y también puedo ver que la parte superior está pintada de blanco. Entonces volveré a esto y lo pintaré blanco en lugar de mantener el color gris más claro. Pero me quedaré un poquito solo para que no tenga un borde nítido. Fusionaré las dos capas y trabajaré en una capa a partir de ahora. Lo más importante que hay que hacer en este paso es simplemente mirar en los colores principales y luego podemos empezar a entrar y agregar más detalles. Me di cuenta que como tengo un lago a mi imagen, me falta una foto de referencia con el lago. Entonces busqué otra foto de referencia con un lago. También lo pondré en escala de grises. Y la voy a tener por aquí en vez de esa foto, ya que se veía muy similar a esta, voy a referirme a esta imagen por el valor del lago. Y lo pintaré por aquí. Para esta escena. No voy a seguir ninguna perspectiva gobernantes ni nada de la pierna. Yo sólo pintaré cosas y las haré parecer convincentes. Entonces es una cosa de prueba y error. Seguiré ajustando hasta llegar a un resultado con el que estoy satisfecho. Continuar agarrando colores. Estamos viendo referencias y armando mi escena. Para controlar mejor los colores, también puedes agregarlos en una nueva capa y luego reducir la opacidad. Por ejemplo, yo quería un gris más claro, pero no sabía exactamente cómo sacarlo de aquí. Así que también jugar con capas ayuda mucho a obtener efectos de degradado. Haga clic en el botón de transferencia a la capa inferior y vuelva a hacer lo mismo para este color. Voy a hacer que la parte superior se vea más rocosa. Vamos a agregar algo de iluminación ahora en una nueva capa, voy a hacer clic en el cepillo de aire suave con un tamaño muy grande, un aerógrafo ligeramente por aquí. Ya que de ahí viene la luz. Puedo reducir un poco la opacidad. Pero ahora estamos empezando a tener alguna forma de gradiente. Y lo mismo voy a hacer por el lago, pero primero voy a aerógrafo con un gradiente de datos de capas múltiples al lago. Y luego volveré y volveré a agregar blanco. Ya que el lago está iluminado por la luz del sol que viene de la cima. Esconderé un poco esas capas y seguiré pintando. Ahora voy a empezar a tratar de definir mejor la escena. Como se puede ver, la escena empieza a verse más interesante a pesar de que se trata básicamente de garabatos. Pero se puede decir lo que está pasando. Estoy tratando de definir las rocas ahora. Nuevamente, nada tiene que ser perfecto mientras lo intentemos, eso es todo lo que importa. Y si nos interesa alguna técnica específica, entonces podemos por supuesto, estudiarla con más detalles y llegar a aprenderla más con el tiempo. Simplemente pondré un marcador de posición para mis personajes aquí para la comparación de tamaños. Porque este lugar es muy grande y son súper pequeños. Así que quiero recordar que estoy haciendo todo esto hasta el momento solo con el cepillo redondo básico. Por supuesto, puedes usar cualquier tipo de pinceles que te gusten. Sólo estoy tratando de mirar hacia fuera las formas principales para darle el aspecto. Estoy deseando. Para ser honesto, no he hecho estudios de pintura antes. Sólo estoy pintando desde la observación y lo que he visto a través del tiempo. Pero claro puedes dedicar una buena cantidad de tiempo a estudiar esta técnica si quieres aprender a pintar fondos adecuados. Pero claro, como lloraban los artistas, quiero decir, tenemos mucho que dibujar de todos modos en cada capítulo. Así que es casi imposible pintar tus fondos en cada capítulo si quieres mantener un horario de subida. Por eso, como mencioné antes, practicar esta técnica es bueno para tu comprensión general. Y es útil para cuando no sabes qué hacer con tu escena. Y por supuesto, después de presentar cómo usar los activos y las siguientes lecciones, entonces puedes combinar ambas técnicas juntas. Así podemos pintar con una escala de grises y luego poner imágenes encima de ella, y luego, ya sabes, mezclar y combinar hasta que el fondo se vea lo suficientemente bueno. Volveré a habilitar mis ingredientes y veré cómo se ve hasta ahora. Ya que la luz viene de arriba, voy a necesitar agregar más destacados aquí en la parte superior. Entonces volveré a desactivar los gradientes y trabajaré en construir aspectos destacados alrededor de esta área. Los reflejos deben estar en la parte superior y el sombreado debe estar en la parte inferior. Y creo que quiero que esto parezca que es una cueva más profunda entrando. Entonces agregué esta mancha gigante y corro y le doy más oscuridad para indicar profundidad. Volviendo a lo más destacado. Sigo yendo y viniendo. Pero espero que puedan ver cómo se está uniendo. Ahora en una nueva capa con una opacidad reducida, usaré el mismo color que usé para los reflejos, pero para introducir un color más claro aquí. Y voy a elegir este color ahora del lago y en una nueva capa, reducir la opacidad y sólo pintarlo un poco. Observe cómo todo esto se hizo solo con el pincel redondo predeterminado. Voy a cambiar ahora a la herramienta de cepillo y a la herramienta de agua y comenzar a hacer algunas mezclas solo para que las cosas se vean mejor. Escogeré colores a medida que vaya y pintaré para mezclar todo más. Puedes, por supuesto, dejarlo en esta etapa, pero puedes refinarlo aún más. Es una preferencia totalmente personal. Voy a refinarlo un poco más antes saltar a la fase de coloración. Te puedo mostrar cómo tomar esta pintura a partir de escala de grises de dos colores de la manera más fácil y rápida posible. Hola habilitado la capa de multiplicar del lago y voy a borrar con un borrador suave esas partes aquí que están fuera del lago mismo. Y lo voy a fusionar. Entonces ahora puedo definir el borde de estas rocas. Yo defino esos bordes con un valor más oscuro y los definiré con un valor un poco más ligero. Eso es para la iluminación ahí. Yo no lo hice blanco. Voy a intentar jugar con los modos de fusión. Por ejemplo, intentaré agregar el modo de fusión de brillo y miraré cómo podría obtener más iluminación esta manera o más contraste. Esto hace que el lago sea mejor. También la parte superior de la cueva. Así que sólo voy a borrar suavemente esta parte. Y también agregaré una nueva capa con agregar el resplandor y agregaré algunas líneas de agua al lago mismo para que parezca una superficie de agua. También tengo este cepillo de superficie de agua. voy a usar por aquí, pero como pueden ver, el tamaño es grande. Así que voy a ir por aquí y reducir el tamaño de partícula y pintar de nuevo. Voy a hacer esto en una nueva capa para que pueda controlar su opacidad. Nuevamente, esta nueva capa se establece en el modo resplandor. Podemos mezclarlo un poco con la herramienta de agua. Para que sea menos vívida. Voy a añadir un poco más de brillo en una nueva capa. Voy a añadir un poco más de pegamento en el centro para darle a null o más de un campo iluminado por el sol. También voy a volver a la cima aquí. Y voy a usar este pincel de una colección de la que hablaré en la siguiente lección cuando estemos hablando de cómo hacer escenarios de la naturaleza y usar los pinceles apropiados. Los usaré para agregar algunas plantas a la sonata, ya que eso es algo que he visto ocurre naturalmente con la sintasa y las encontré. Dame un toque muy agradable. Entonces voy a bloquear la capa y promediaré esos blancos con algunos grises y voy a soportar cepillar los grises con algunos blancos y así sucesivamente. En una nueva capa, agregaré las oscuras. Para darle un poco más de profundidad a la escena como se puede ver. Tal vez podríamos difuminarlos un poco también. Sólo un poquito. Podría hacer más refinación para esta escena, pero ahora hablemos de cómo llevar esto adelante de la escala de grises a la coloración. Ellos realmente el método más fácil y rápido de hacer es agregar un mapa de degradado. Él puede hacer eso agregando una corrección ahí desde su nueva conexión ahí, mapa de gradiente. Doy clic en uno al azar de estos. Pero básicamente si no estás familiarizado con los mapas de degradado, lo que hace es proyectar los colores que tengas aquí en el degradado. Los proyecta en base a los valores que has establecido en tu escena. Voy a buscar uno que se vea bien para mi escena. Estaba pensando en darle a la escena un ambiente azulado. Puedes hacer tus propios mapas de degradado o también puedes descargarlos desde los activos de Clip Studio. Personalmente, me resulta mucho más fácil descargar y usar las ya preparadas que crear las suyas propias. Digamos que voy a ir por esta. Todavía puedo hacer más ajustes ajustando cada color. Entonces e.g. Quiero que el color más oscuro se vea aún más oscuro. Voy a hacer que sea más oscuro y se vea. Esto es demasiado oscuro. Sólo para jugar un poco con él. Sí, creo que esto se ve mejor. Jugaré un poco con los colores y veré. Sí, esto coincide con la imagen que tengo en mente. Mantequilla. Quiero que los reflejos se vean amarillentos. La parte superior. Voy a poner el color más claro al blanco para ese contraste extra. Y voy a añadir otro color aquí y ponerlo en muy claro, amarillo. A lo mejor esto es demasiado ligero. Algo como esto. ¿Bien? Bien, entonces ahora como tenemos el mapa de degradado, esta fue una forma muy rápida de colorear, pero también podemos hacer otras cosas, por ejemplo, ya que el mapa de degradado se agregó como capa de corrección. Entonces si lo desactivo, todavía puedo ver mi versión en blanco y negro. Así puedo desactivarlo y volver a habilitarlo tanto como quiera. Voy a intentar jugar con diferentes modos de fusión para ver qué funciona mejor. Puede hacerlo haciendo clic y arrastrando todos y cada uno de los modos de fusión por su cuenta. O simplemente puedes poner tu mouse encima y simplemente pasar el cursor con tu rueda del mouse. Y rápidamente comprueba cómo se ve sin tener que abrirlo una y otra vez. Entonces estas son algunas miradas muy diferentes. Creo que este me gusta más. Cuando estableces la capa del mapa de degradado en modo de color, conservará tus valores y solo agregará el color sobre ellos. Entonces ese es un método. Todavía podemos jugar un poco más con nuestra escena. Por ejemplo, agregaré una nueva capa y escogeré un color amarillo claro con un pincel de aire. Ligeramente aerógrafo en la parte superior para darle sensación de luz solar. Y puedo cambiar el modo de fusión. Otro truco es, como puedes ver, la imagen completa está ahora en tono azulado. Pero, ¿y si quieres tener cierta parte coloreada con un conjunto diferente de colores, por ejemplo, quiero cambiar un poco los colores de las piernas? Así puedo ir a la capa Mapa de Degradado y hacer clic en la máscara. Y con un área está ahí, puedo borrar el efecto del mapa de degradado para esto, estoy usando un borrador suave para que los bordes no sean fácilmente visibles. Lo que quiero hacer para esta parte es que quiero introducir otro mapa de degradado, por ejemplo, digamos que quiero este mapa de gradiente específico. Lo elegiré y haré clic en Bien. Y sobre la máscara de esta nueva capa de mapa de degradado, voy a hacer clic en ella y dar clic el botón Eliminar o editar eliminar. Y ahora con un cepillo de aire, sólo pintaré por aquí. Y como puedes ver, habilitando el mapa de gradiente solo en el propio lago. Y ahora puedo volver a este mapa de gradiente en particular y probar otros mapas de gradiente hasta que esté satisfecho con los resultados. Si el mapa de degradado no se ve bien, puedes voltearlo desde abajo por aquí. Creo que este me gusta más. Y eso no es todo lo que puedes hacer. Aún puedes agregar nuevas capas y jugar con el modo de fusión. Hablaremos más sobre los ajustes de color en el Capítulo seis. Entonces hablaremos de todos estos ajustes de color con más profundidad. Puedo decir que mi panel está casi terminado. Solo necesita un poco de limpieza y luego puedo considerarlo hecho. Te sugiero encarecidamente que pruebes este método, agarres cualquier escena natural que te interese y la conviertas a escala de grises. Y al principio tratar de recrearlo de la misma manera que en realidad parece solo practicar valores y conseguir la caída de este método. Y luego después, puedes proceder a intentar crear tu propio fondo a partir de diferentes imágenes de referencia como lo hice aquí. En la siguiente lección hablaremos sobre escenas naturales en particular, y cómo usar pinceles e imágenes para crear una escena natural de aspecto convincente. Y la menor cantidad posible de esfuerzos. 19. 4-4 escenarios naturales: Bien, ahora ha llegado la parte emocionante, que es hacer fondos de alta calidad de aspecto profesional fondos de alta calidad de aspecto combinando imágenes y pinceles, lo que llamaremos como activos para que esos sean geniales fondos con el menor tiempo y esfuerzo posibles. Cuando digo combinar activos es porque cada parte de estos antecedentes es básicamente algo que me agregué y combiné para hacer la sinceridad plena. Entonces, cuando se trata de activos, hay pinceles e imágenes y hay activos gratuitos y se pagan. Comenzaré mostrándote primero los activos gratuitos recomendados que puedes obtener de inmediato De los activos de Clip Studio Paint. Los primeros son estos árboles o arbustos, pinceles. Son excelentes para agregar fácilmente follaje a tu escena. El segundo es este color confeccionado empuja un pincel. Puedes usar esto para agregar fácilmente follaje rápidamente a tu escena sin preocuparte por los colores ya que están listos para usar. La tercera es esta sombras verdaderas, un pincel que puedes agregar en una nueva capa con un modo de multiplicar e inmediatamente obtener el efecto de sombreado. O también puedes usarlo con un color transparente y borrar con él algunas partes para que puedas obtener este aspecto de luz proveniente de entre las hojas de los árboles. El cuarto es este cepillo de pasto. Es muy conveniente para agregar hierba rápidamente mientras cambia el color usted mismo. Y el quinto son estos pinceles para sellos de árboles, que puedes usar fácilmente para crear un tallo de árbol sin preocuparte por agregar la textura tú mismo. Por último, estos pinceles de nubes listos para usar, son muy útiles para agregar nubes rápidamente a tu escena sin tener que dibujarlas por tu cuenta. Por supuesto, hay muchos más activos, pero estos que te he enseñado, nuestro mayor pack de inicio para poder hacer un escenario completo de follaje. Hasta el momento, estos son solo de la tienda de activos de Clip Studio. También puedes descargar cosas de fuentes de terceros. Por ejemplo, me encanta este conjunto de pinceles de follaje y agresivo que está hecho por los artistas Devin L. Kurtz. Puedes descargar estos pinceles de forma gratuita ingresando cero aquí y luego haciendo clic en Quiero esto. O si también quieres apoyar a los artistas, entonces puedes nombrar un precio aquí. Entonces estas agresiones son increíbles. Constantemente los uso especialmente para pasto. Puedes pintar fácilmente dos gráficas y follaje que se ve increíble y al instante llena tu escena y hace que se vea mejor sin gastar mucho esfuerzo. Los pinceles que utilicé en la lección anterior son del mismo paquete. Por cierto, los puedes encontrar bajo pinceles de hoja perenne. También viene con flores y cosas así. Recomiendo encarecidamente estas opresiones. Son realmente increíbles. Ahora eso se trataba de los activos libres. Pero para mí a veces realmente no siempre encuentro lo que necesito exactamente en pre activos. Miro otras fuentes y a veces por mis activos, uno de los activos que compré y me gusta mucho es este pequeño cepillo de árbol. Puedes usar fácilmente este pincel para crear un bosque rápido. Ahora normalmente no lo uso como es. Sigo haciendo mis ediciones. También me encantan las disciplinas del juego de pinceles. Viene con múltiples pinceles para plantas, ya sean cuatro tres, algunos detalles de tierra con algo de pasto y cosas así. Este es uno de mis packs favoritos que utilizo mucho cada vez que quiero agregar más plantas a mi escena. Y también me encantan esos dos paquetes de activos de imagen que también compré. El primero es para árboles y árboles con rocas, básicamente árboles de aspecto ordinario. Y el segundo tiene rocas y rocas con la hierba. Estos dos conjuntos realmente me ayudaron a hacer esos antecedentes de aspecto profesional mientras mantenía el proceso como uno muy rápido. Entonces esto es solo macerar imágenes juntas. Por último, también compré una colección de imágenes del cielo, vienen en cuatro tipos. Uno para día soleado, uno para nuestro cielo nocturno, uno cuatro cielos al atardecer y el último para cielos nublados. Ahora bien, si no puedes comprar activos al inicio, entonces no te preocupes, Clip Studio Paint viene con algunos activos de imagen gratuitos que puedes obtener yendo a la ventana de materiales. En Material de imagen, ve a ilustración y luego verás que hay algunos activos de construcción, algunas herramientas, algunas flores y plantas, y la luna, ya sea luna llena o creciente e incluso un arcoíris. Y también algunos efectos. Y puedes encontrar otros adicionales bajo patrón de color y luego ir a fondo. Entonces la naturaleza. Puedes encontrar diferentes disfrazados aquí. Ya sea un cielo lluvioso, un atardecer, cielo nublado o un cielo diurno y nocturno. Y también hay artificial. Aquí hay antecedentes confeccionados que puedes usar de inmediato como están. Y por supuesto, hay muchos, muchos más activos que puedes descargar de un activo de Clip Studio. Así que de nuevo, definitivamente compruébalo y navega por él y ojalá encuentres muchas cosas gratis que puedas hacer con S4, los sitios web para comprar activos. He dedicado una lección completa en este capítulo para hablar de todos los diferentes lugares que obtengo mis activos. Así podrás encontrar tu respuesta en esa lección. Bien, quiero mostrarte cómo crear una escena a partir de activos. Quiero crear una escena forestal aquí. E hice un boceto rápido del bosque solo para tener una idea de la perspectiva y la composición que estoy buscando, aunque es muy pobre, pero es un recordatorio para la imagen esa no era mi cabeza. Entonces en esta composición, estoy buscando tener algún tipo de perspectiva solo un poquito. Entonces quiero tener algunas guías, pero no quiero que mi guía sea una regla de perspectiva porque esto es algo orgánico y una regla prospectiva te ayuda a dibujar líneas rectas. Entonces lo que puedo hacer es usar esta herramienta que descargué de los activos de Clip Studio llamada punto de fuga. Al hacer clic en cualquier lugar, puedo generar de inmediato un punto de fuga que viene inmediatamente con las pautas. Esto es útil para cuando quieres unas pautas rápidas para que no tengas que dibujar las líneas tú mismo. Voy a mover esto hacia arriba hasta que sienta que coincide con mis líneas aquí en la escena. La línea ahora choca con esta línea roja. Y eso significa que estoy bien para ir con esta colocación. Lo que nuestro centro un poco y ajustar esta posición con la herramienta de movimiento mientras la controla desde las teclas de flecha en mi teclado. Se ve bien. Ahora, voy a borrar esas líneas rojas. Y ahora podemos comenzar a configurar la escena o crear una nueva capa. Y quiero usar el árbol en este pincel que tengo, pero no quiero usarlo y es una forma de pincel. Usaré su forma de imagen en su lugar. Y voy a copiar y pegar esos árboles en mi escena para que tenga un mejor control sobre su ubicación. Seleccionaré ambos y los redimensionaré un poco. Con la transformación de rotación de escala. Pondré uno de este lado y otro de este lado. Pero lo voy a arrastrar hacia abajo para que ambos estén en el mismo terreno. Y ahora voy a transformarme de nuevo. Pero voy a cambiar el modo de Transformación Libre a perspectiva. Y voy a hacer que siga las guías de perspectiva que tengo. Lo mismo para este árbol del lado izquierdo. Se cortó de alguna manera resolver, pegarlo de nuevo y redimensionarlo. Y volveré a hacer la transformación de perspectiva. Estoy tratando de hacer que el tronco del árbol siga las líneas de perspectiva, pero no tienen que ser perfectas porque la naturaleza es aleatoria y puedes salirte tanto con la aleatoriedad y irregularidades. Para ser honesto, la mayoría de las escenas que creo suelen estar sin el punto de fuga, pero quería introducirla en esta lección. Entonces eso es, es bueno saber y tener en cuenta en caso de que quieras seguir mejor la perspectiva. Ahora voy a ocultar mi boceto. Ya que tengo las guías y el árbol está emparejando ahora, voy a ajustar un poco sus posiciones. Ahora en una nueva capa, usaré el formato de pincel para agregar rápidamente algunos pinceles a la escena detrás de ellos. Y también me ajustaré con la herramienta de transformación de perspectiva. También puedo usar este término pinceles que te presenté anteriormente para agregar más árboles mientras sigo esas líneas de perspectiva. Ahora, antes de continuar, quiero establecer el suelo desde el cielo. Así que primero voy a crear una nueva capa, y voy a elegir un color de esta gráfica de aquí. Y yo sólo pintaré para determinar mi área de suelo. Voy a agarrar una imagen del cielo y pegarla detrás de todo. Colócala en la parte superior. Dice que la imagen del cielo no es suficiente. Quiero colorear el fondo, así que haré doble clic en el papel de aquí. Y escogeré el color más claro de este tipo. Y da click Bien, ahora si quito los árboles, puede ver que hay un cielo y luego hay un cambio de adverbio en los colores, pero este cambio no va a ser visible ya que mis árboles lo están cubriendo. Por si quiero alargar este cuello y solo aerógrafo escogiendo colores de la escena misma. Y luego continuar esas clases faltantes con los pinceles de los que te hablé antes. En esta etapa, voy a hacer unos ajustes de color rápidos para ver el look que quiero ir a la larga. Entonces lo primero que voy a hacer es que este tipo se ve demasiado oscuro para mí. Quiero que sea más ligero, así que iré a editar, corrección tonal y luego Saturación de tono, Luminosidad. Y luego voy a aligerar esto y aumentar un poco la saturación. Y tal vez convertido más hacia el lado cian. Esto se ve mejor. Este cambio de colores fue permanente. Cambia completamente mi imagen. Pero si no quiero eso, si no estoy seguro de querer un cambio de color permanente, entonces puedo hacerlo usando una corrección ahí, que usamos en la última lección. Ve a la nueva corrección de capa ahí, y luego encontrarás todas las opciones de ajustes de color por aquí. Voy a elegir una Luminosidad de Saturación de Tonalidad otra vez. Y voy a hacer el mismo ajuste de color que acabo de hacer. Y haz clic en Bien, ahora todos los ajustes están en la nueva capa. No necesito preocuparme cambiar permanentemente los colores de mi foto. Voy a llegar a la hierba ahora. Escogeré colores de esta hierba que viene con los propios árboles. Usando esos pinceles agresivos de los que te hablé, voy a bloquear en un poco de pasto y quiero que la hierba se vea más oscura en la parte posterior que en la parte delantera. Usaré este color oscuro para la espalda y usaré una transición color que pueda elegir entre aquí, gracias a la transparencia de las herramientas, y luego pintaré gracias a la transparencia de las herramientas, un poco más. Pero una cosa importante a la hora de pintar pasto es dar una sensación de profundidad. Siempre tenga la hierba más lejana con menos detalles. Y cuanto más se acerca a la cámara, más detalles agregarás. Por ejemplo, yo. Tener este pincel sólido y agresivo, que se vería bien demasiado cerca de la pantalla. Pero si lo uso aquí en la parte de atrás, eso me está dando demasiada información. Y como hablamos en la primera conferencia sobre profundidad, más lejos estén las cosas, menos información tienen y menos detalles tienen. Entonces por eso siempre guardo los pinceles detallados a las partes cercanas y las menos detalladas para las más lejanas. En cuanto a nuestros colores, los estoy haciendo ir más fríos hacia el fondo y más cálidos hacia el primer plano. Si quiero que esta zona sea más brillante, e.g . I. Se puede pintar con este amarillo o verde más claro. Pero ese no es el aspecto que voy a buscar en esta escena. Todavía quiero mezclar y combinar y rastrear colores y ver cómo se ven. Si quieres elegir un color pero estás confundido, entonces siempre haz una nueva capa y agrega este color y luego reduce la opacidad del mismo y mira cómo se ve. Y también puedes cambiar el modo de capa y ver si encuentras algo que te guste. Por ejemplo, a mí me gustó este verde más cálido y más oscuro, así que voy a usarlo en la escena aquí. Voy a crear una nueva capa por encima todo y agregar esta agresión que está más cerca de la pantalla para que cubra todo lo que está en la parte de atrás. Reduciré un poco el tamaño del pincel mientras pinto el resto de la hierba para hacer la transición hacia la distancia. También puedo arrastrar esto hacia arriba porque creo que con nuestra perspectiva, esto se vería mejor, pero voy a necesitar cepillarlo de nuevo ya que ahora está recortado. Entonces voy a borrar esto. Vuelve a cepillarlo. Pero en la parte superior. Puedo variar también la forma del pincel para que se vea más interesante. Voy a cambiar un poco el color. Está demasiado saturado. Me siento. Ahora voy a volver a esos dos árboles que agregué inicialmente. Se supone que este árbol está frente a este árbol, pero como puedes ver, realmente no podemos distinguir la diferencia entre ellos. Entonces lo que voy a hacer es crear una nueva capa encima del árbol de la derecha y sujetarla a ella. Y luego usaré un cepillo de aire y escogeré un color fresco en algún lugar de aquí, como un color azul grisáceo. Y voy a configurar el modo capa para multiplicarse. Y aerógrafo ligeramente. ¿Ya ves la diferencia? Pero el color es demasiado claro, así que creo que voy a añadir el color más oscuro. Sólo un poquito. Borraré la parte superior con una goma de borrar suave. Pero también quiero separar los árboles en la parte de atrás. Entonces voy a volver a crear una nueva capa. Y así el modo de capa para multiplicar y luego air brush con este color más oscuro. Ahora lo que tengo en mente es que quiero que el bosque se oscurezca hacia la profundidad. Pero si buscas luz roja para una escena, entonces puedes crear una nueva capa por encima de esos árboles. Y dijo el modo capa a tal vez, intentemos agregar el resplandor y elegir tal vez un color verde más claro. Y aerógrafo. Aerógrafo, todo. Como pueden ver, esto nos está dando esa escena forestal. Si escondemos a este tipo y hacemos de nuevo este fondo en blanco, eso va a parecer aún más interesante, como si nos acercamos, entonces esto ya se ve como una bonita escena. Y también podemos jugar con los colores y hacer que los colores vayan más frescos a medida que van hacia el final. Pero esta no es la mirada a la que voy por ahora mismo. Voy por un bosque que se oscurece hacia la profundidad. Entonces voy a agregar una nueva capa y elegir un color de uno de esos pinceles de árboles oscuros. Sólo para cepillar con un pincel duro y borrar esas partes. Y ahora voy a añadir una nueva capa por encima de los troncos de los árboles. Y usaré el follaje de pinceles que te mostré antes. Este paquete de Hojas. Escogeré colores de estos árboles en la parte de atrás, y rellenaré esas áreas faltantes. Escogeré un color más oscuro y agregaré algunas tonalidades. Escogeré más colores oscuros del fondo mismo, pero lo cambiaré hacia los colores fríos y lo oscureceré un poco. Podemos ir a tan oscuro como un color muy cercano al negro. Si queremos introducir profundidades pesadas. Estoy poniendo esas capas detrás de todo. Noté que este color negro al final era un poco cálido, así que voy a cambiar eso por algo que se vea más genial. Algo como esto. Ahora también voy a agregar follaje, pero en el suelo para eso voy a usar la distancia a un pincel de sombra y ahora reducir el tamaño de partícula y pincel. Lo voy a poner detrás de todo por ahora. Entonces haré que el color sea un poco más cálido y cepillaré el follaje más cercano. Esta herramienta tiene la marca de configuración de color aleatoria. Si hace clic en el icono de llave inglesa debajo de la fluctuación de color, puede ver que el trazo de pincel aleatorio está activado. Entonces es por eso que estamos obteniendo diferentes colores basados en obras de arte. Si quieres apagar esto, entonces solo desmarca esto. Y ahora colorearemos con el mismo color que has escogido. A veces uso ambos. Realmente depende del efecto que voy por. Siéntete libre de experimentar, pero ahora estoy haciendo los colores manualmente, así que los estoy probando a medida que avanzo. Entonces los colores se han vuelto más verdes y ahora van a volverse más cálidos. En primer plano. Usa un color más claro. Para el follaje más cercano. Volveré al pincel de detalle de hoja e iré por un color Walmart, algo así. Porque quiero agregar algunos reflejos al follaje aquí. Pero este color es demasiado fuerte. Entonces voy a crear una nueva capa y reducir la opacidad y ver qué color se me puede llegar a. Voy a jugar con el color y hacerlo más cálido, más amarillento. Y lo mismo que quiero hacer para el sombreado. Voy a transferir lo que tengo en esta capa de follaje hacia abajo y volveré a pintar con un color más oscuro para ver cómo se ve. Entonces fusiona todo. Ahora bien, si quiero refinar aún más esto, entonces puedo elegir colores del propio resaltado y cepillar un poco más sobre estas partes para dar la sensación que las hojas resaltadas están encima de los sombreados. Puedo agregar algo más de oscuridad en algunas partes para más variación. Y los colores. Es muy divertido jugar con el follaje. También puedo agregar algunos detalles adicionales a los que están en la parte de atrás simplemente creando una nueva capa y configurándola en modo multiplicar. Y voy a elegir un poco de verde grisáceo muy claro y cepillar esos pinceles. Ya se puede ver la diferencia. Ya casi terminamos excepto que no estoy satisfecho con esos árboles del frente. Quiero hacerlos más distintos, sobre todo este frontal. Voy a intentar agregar una nueva corrección ahí. Probablemente voy a ir por el balance de color esta vez. Voy a ir a capa, nueva capa de corrección, y luego Balance de Color. Haré clic en Bien, y luego, y luego, haré clic en la capa de balance de color de este árbol. Y luego lo volveré a abrir. Desde el menú de balance de color, puedo jugar con los colores de los medios tonos, las sombras y los reflejos. Entonces por ejemplo quiero jugar con los aspectos más destacados ahora. Quiero hacerlos más amarillentos. Entonces voy a arrastrar esta flecha hacia el lado amarillo. Como pueden ver, el árbol está reventando un poco ahora. Voy a probar también el lado rojo. Sólo para ver cómo es. Lo mismo para semitonos. Voy a tratar de ir por poco magenta, pero no se ve bien. A lo mejor algunos rojos. Y las sombras. Arrastraré hacia el verde. Entonces este árbol está reventando ahora mejor de lo que era antes. Puedo copiar esta capa de balance de color haciendo clic derecho y luego duplicarla y arrastrarla hacia este otro árbol. Y puedo jugar con la opacidad, por ejemplo reducirla un poco. También puedo jugar con su posicionamiento. Una última cosa que quiero hacer es crear una nueva capa encima de todo. Y voy a elegir este color de cielo. Y usaré un aerógrafo y aumentaré el tamaño de este aerógrafo a algo como esto. Y probablemente aerógrafo los bordes de los árboles. Y también tal vez las áreas entre ellos. Y luego cambiar el modo de capa a pantalla. O a veces utilizo Hard Light, lo que se adapte mejor a tus necesidades. Creo que la pantalla se ve lo suficientemente buena para el pecado. Entonces esto ha dado un efecto atmosférico. También puedes aerógrafo detrás de esos para dar frente a los árboles, por ejemplo, vamos por un aerógrafo gris, azul y tal vez ligeramente azul y tal vez ligeramente aquí para darnos una especie de bruma Look. También podemos usar color gris más claro y ver cómo se ve. Esto nos da una bruma a todo lo que hay detrás de esos árboles delanteros. Entonces podemos decir que este escenario en este panel se puede considerar hecho. Por supuesto, puedes agregar más activos, refinarlo mejor, pero espero que esta sea una buena visión general de cómo puedes crear un fondo rápido con estas increíbles herramientas que tenemos mientras aplicamos los conceptos hemos aprendido a hacer un trasfondo de aspecto convincente. La siguiente lección, haremos uso de activos y modelos 3D para hacer escenas artificiales de estructuras hechas por el hombre. 20. 4-5 fondos artificiales: Hablemos ahora de fondos artificiales. Hay tres cosas que hago cuando tengo un fondo artificial que crear. O utilizo un modelo 3D y el software SketchUp y hago mis ediciones y Clip Studio Paint. O usa un modelo 3D directamente en Clip Studio Paint. Y también hago mis ediciones. O usa una combinación de ambos. Obtén una imagen de un modelo 3D de SketchUp y agrega modelos 3D y Clip Studio Paint para completar lo que falta en el fondo. Esta lección, quiero explicarte cómo hago esos métodos y te da consejos importantes sobre cómo puedes editar tus fondos para que se vean lo más 2D posible. Entonces hablemos primero de SketchUp. Sketch off como un software de modelado 3D. Y es muy popular entre grep two y creadores porque puedes crear y usar modelos 3D que parezcan obras de arte 2D, lo que las hace bien ajustadas para los estilos de arte de drones. El software que estoy usando aquí es SketchUp Pro, que es la versión de escritorio, pero también viene con una versión web que puedes intentar usar también. Aunque no estoy seguro si puede manejar archivos pesados. La forma de navegar por tu modelo 3D y SketchUp es la siguiente. Usa la rueda del ratón para acercar tu escena y alejar también. Y mantén presionada y haz clic en la rueda del ratón para girar tu escena. Mientras mantienes el turno en tu teclado y sostienes la rueda del mouse. Puedes recorrer tu escena. También puedes encontrar esas herramientas de visualización y navegación aquí en la barra de herramientas. Pero me parece que usar atajos de teclado son una alternativa mucho más rápida. Entonces, cuando decidas la toma que te gusta para tu escena, para exportar la imagen con alta calidad, ve a Archivo. Exportar gráfico 2D. Luego elige tu carpeta de destino y nombra tu archivo, y elige el formato de imagen que quieras. Generalmente voy por PNG porque es el formato de imagen de la más alta calidad. Para jugar con la resolución de tu imagen exportada. Ve a opciones y elige el ancho y alto que quieras de aquí. Normalmente voy por una talla grande para garantizar buena calidad. Cuanto más grande sea la imagen, mejor será la calidad que tendrá. Porque mi lienzo de dibujo ya es lo suficientemente grande, si recuerdas, tiene 2,400 píxeles de ancho. Así que suelo ir por alrededor del doble de esa cantidad si acaso para garantizar una mayor calidad. Pero claro, cuanto mayor sea el tamaño de la imagen, más tiempo tardará en exportarse. Así que asegúrate de elegir nuestro tamaño que tu computadora pueda manejar y asegúrate tener esta punta de fondo transparente para cuando estés exportando un modelo 3D por sí solo sin un fondo para que puedas ingresar fácilmente en Clip Studio Paint. Por ejemplo, si tengo un modelo 3D independiente como este, y quiero exportar la casa solo por su cuenta sin ningún fondo de ningún tipo. En primer lugar, tengo que asegurarme de que todo sea transparente detrás de él. Entonces iré a Editar y luego desmarcaré cielo y al suelo también si estaba disponible. De esta manera, cuando exporto mi imagen después de elegir mi cambio de nombre de destino, me aseguro de tener un fondo transparente encendido y hago clic en Aceptar y luego exportar. Y ahora cuando abrí mi imagen y Clip Studio Paint, entonces es perfectamente transparente y puedo hacer uso de ella fácilmente e incluirla en mis escenas. Ahora si tienes un panel con caracteres y fondo, lo que debería hacer comenzar primero con los caracteres o el fondo. Personalmente, la mayoría de las veces preferiría exportar primero la toma de fondo y luego esbozar los personajes para que sus tamaños y ángulos coincidan con la escena. Digamos que quieres hacer lo contrario. Primero dibujaste a tus personajes, y ahora quieres tomar una foto de fondo. Ciertamente puedes intentar ajustar manualmente el ángulo y mirar hacia adelante y hacia atrás y ver si el ángulo se ve correcto para tu escena. Pero podría ser bastante problemático seguir yendo y viniendo. Y podría llegar a ser frustrante porque necesitas hacer múltiples tomas para hacerlo bien. Por suerte, para los usuarios de Windows, hay un pequeño software muy agradable que puedes instalar pies fríos, ¿verdad? Una vez que lo tengas instalado, puedes usarlo para que las ventanas de tu software sean transparentes. Entonces déjame mostrarte cómo voy a hacer uso de ella. Iré a Clip Studio Paint, acercaré mi panel e intentaré centrarlo. Y luego abriré la ventana de SketchUp encima de ella. Y como tengo instalado el software de reintentos, sostendré Control y Shift y haré clic en cualquier número 1-9 para ajustar la transparencia de la ventana de SketchUp. Entonces cuando lo tengo en nueve es lo menos transparente. Y cuando lo tengo en uno es el más transparente. Normalmente voy por cinco, ya que es 50 por ciento de transparencia. Y de esta manera puedo ver claramente tanto el modelo 3D como el boceto. Así que ahora con la ventana de SketchUp siendo transparente, puedo ajustar fácilmente el modelo 3D para que coincida con la escena que tengo y los bocetos que hice. Una vez que termine, lo devolveré a una opacidad más alta. No sé por qué, pero no puedo devolver la opacidad de la ventana al 100 por ciento. Así que suelo volver al 90 por ciento y supongo que todavía prácticamente trabajo con el software fácilmente porque todo es visible. Pero si quieres restaurar el 100% de opacidad, entonces puedes guardar tu archivo en esta toma y cerrar SketchUp, y luego abrirlo nuevamente para que almacenes la opacidad del 100%. Pero de todos modos, lo mantendré al 90%. Y como hablamos de exportar imágenes, quiero hablar de otra cosa. Ahora, digamos que quiero explorar el arte lineal de esta toma en lugar de la versión completamente coloreada, simplemente puedo hacerlo yendo al estilo Ver caras y luego elegir línea oculta. Ahora puedo ver las líneas sólo de la casa. Así puedo exportar esta versión line art por su cuenta. Y si quiero explorar la versión de colores sin las líneas, entonces puedo hacer lo siguiente. Ir a ver caras Estilo, Sombreado con texturas. Y luego otra vez volver al estilo Ver bordes y quitar bordes. Y también vuelve a Ver perfiles quitados estilo vanguardista para que sea más rápido obtener esos ajustes. Puedes guardar este estilo yendo a la ventana de estilo de aquí. Yo lo llamaré colores, y escribiré una breve descripción del mismo. Y luego hago clic en este botón para crear un nuevo estilo y guardarlo. Lo mismo para las líneas de visión, que voy a volver. Lo nombraré como líneas y le daré una descripción y luego la guardaré. Ahora, puedo cambiar fácilmente entre los dos sin tener que hacer esos pasos cada vez. Si quieres ajustar el grosor de tus líneas, entonces ve a Editar. Y bajo esta configuración de borde, puedes jugar con esos números, perfiles, por ejemplo, hacerlos tres o convertirlos en uno. Juega con esos números hasta obtener el grosor que deseas. Copio pegó esas tomas en la escena aquí como colores y como arte lineal. Pero mi arte lineal se ve demasiado delgado en esta toma, así que simplemente puedo duplicarlo haciendo clic derecho y duplicando la capa y luego fusionarla en este botón. Y si no es lo suficientemente gruesa como para poder usar este botón de aquí, el botón de efecto borde, este botón agrega un borde a cualquier cosa en tu capa. Voy a reducir esto a uno, y voy a elegir mi color de arte lineal y colorearlo. Así que de esta manera ajusté rápidamente el peso de las líneas que normalmente no prefiero este método porque las líneas parecen demasiado gruesas ahora lo voy a quitar. No siempre exporto las líneas por separado de los colores. Yo solo lo hago cuando lo necesito, cuando las líneas del modelo 3D son a negro y siento que están arruinando el aspecto suave que voy por. Entonces nuevamente, es un paso opcional. Por último, lo último de lo que quiero hablar en SketchUp es ajustar el ángulo de la cámara. Si bien ciertamente podemos hacerlo manualmente con nuestras manos. Si quieres, por ejemplo obtener un tiro frontal puede que no sea tan fácil hacerlo bien manualmente. Hasta el momento que tienes algunos ángulos predeterminados que se guardan en SketchUp. Él puede ajustarlos yendo a la cámara. Después vistas estándar. Ahí está la parte superior, está la parte delantera y la trasera izquierda, derecha e ISO y así sucesivamente. Digamos que quieres tomar un tiro que sea de perspectiva de dos puntos. Recuerda que en perspectiva de dos puntos, las líneas verticales son rectas. Pero para esta toma, puedo ver que las líneas verticales están inclinadas. Entonces, para ajustar esta escena a una perspectiva de dos puntos, vaya a la cámara y luego a la perspectiva de dos puntos. Y ahora obtienes la perspectiva de dos puntos. Quiero mostrarte cómo hacer ediciones para esta casa. Haz de ello un fondo de aspecto interesante. Entonces voy a elegir un cierto ángulo, por ejemplo este ángulo, pero lo voy a establecer como perspectiva de dos puntos. También puedo habilitar las sombras del sol yendo a Ver sombras. Y debajo de la ventana Sombras, puedo ajustar la hora del día. Y con eso también, las sombras se ajustarán según el ángulo solar. También puedo cambiar el día del año, ya que el ángulo del sol es diferente a lo largo de los días del año. También puedo ajustar la intensidad de lo oscuras son las sombras y cuán baja es la luz solar. Por último, antes de exportar mi tiro, solo quiero cambiar la transparencia de estas ventanas. Son transparentes y puedo ver las percepciones de la casa. Pero eso no va a facilitarme editarlos. Entonces iré a Estilos y luego iré a Editar y luego iré a ajustes de cara. Y debajo de la configuración de la cara en la transparencia del material tick Y ahora el viento no se ha vuelto opaco. Así que finalmente mi tiro está listo. exportaré a una imagen, y lo importaré a Clip Studio Paint y lo copiaré, pégalo a mi Canvas y lo colocaré donde me guste. Ahora quiero completar esta escena. Voy a usar esto solo para mostrarte cómo usar los modelos 3D y cómo hacerlo para la escena general. Primero comenzaré importando una imagen del cielo detrás de la casa. También puedo hacer uso del que viene con el propio Clip Studio Paint y redimensionarlo. Así que ve por el que quieras. Pero tengo ganas de usar este. A continuación, quiero agregar el árbol. Así que voy a arrastrar este árbol por defecto de Clip Studio Paint, y colocarlo por aquí. Este es el árbol cubre este lado de la casa. Ahora quiero agregar paredes que rodean la casa. Entonces tengo un modelo 3D que descargué de los activos de Clip Studio. Voy a arrastrarlo a mi escena. Ahora puedo ajustar el ángulo de la pared manualmente y colocarlo con la casa. Hay una manera más precisa de hacerlo, razón por la cual jugar con el gobernante Perspectiva. Para ello, haga clic con el botón derecho en la regla que está junto a la capa 3D y haga clic en Mostrar reglas. Y ahora se puede ver que tenemos el gobernante Perspectiva de este objeto apareciendo. Lo rotaré un poco para que podamos ver mejor las líneas. Ahora quiero ajustar la regla de perspectiva, pero también hay una cuadrícula y quiero ocultarla para poder ver mis líneas apropiadamente. Entonces voy a hacer clic en el icono de la regla aquí. Y debajo de la herramienta objeto, retire el plano x z aquí, y también desmarque el nivel fijo del ojo para que pueda cambiar la posición de nuestros puntos de fuga. Ahora puedes ver que a medida que jugamos con esas líneas, el ángulo de los objetos también está cambiando. Ahora voy a ajustar mis puntos de fuga a través del método de lineamientos que te mostré en la lección de perspectiva. Y voy a usar la casa como referencia para mi ángulo. Bajaré la opacidad de la pared y quitaré el árbol para que pueda ver mejor. Este proceso puede ser frustrante a veces no siempre lo hago para ser honesto, pero lo estoy haciendo para mostrarte este método para que puedas llegar a aplicarlo cuando tengas escenas que necesiten perspectiva perfecta. Para comprobar si tu perspectiva se está uniendo, ¿verdad? Muévete por esas pautas y deben alinearse con todas las líneas en el mismo ángulo. Y hasta ahora creo que se ve bien. Voy a revisar las mentiras de este lado también. Este lado necesita algún ajuste. Esto se ve lo suficientemente bien. Ahora comenzaré la opacidad del muro y haré doble clic sobre él y habilitaré de nuevo el árbol. Y aunque me moveré dentro de la escena. Como pueden ver cuando lo muevo, ahora hay una sombra debajo de ella que indica que está flotando. Así que simplemente voy a hacer clic en este botón de aquí para conectarlo a tierra. Y en lugar de meterme en este icono, puedo simplemente cambiar su posición usando esas flechas. De esta manera. Puedo ajustarlo fácilmente mientras lo mantengo a tierra. Ahora por esto, voy a ajustar un poco la ubicación de los árboles porque quiero disminuir la distancia entre la pared y la casa. Desde que ajusté la regla de perspectiva, simplemente puedo arrastrar fácilmente otra pared y jugar con esta ubicación y continuar la lana para sentarme alrededor de la casa. También puse una pared por aquí. Algo se siente mal con la pared. Realmente no coincide con mi regla de perspectiva. Y este es un problema que aún no me he dado cuenta, pero voy a ajustar el ángulo manualmente para que sea más apropiado a la escena. Puedo jugar con la rotación de la pared desde los ajustes bajo asignar. Voy a jugar con el gran angular. Este es un problema que no me he imaginado. Disolución, extranjera Clip Studio Paint. A veces el chasquido entre el modelo 3D y la regla de perspectiva se rompe. Entonces ahora aunque ajuste la regla de perspectiva, el modelo 3D no está cambiando. Para resolver este problema, solo puedo agregar un punto de fuga usando la herramienta de punto de fuga que te mostré en la lección anterior. Entonces voy a poner uno y arrastrarlo para que esté aquí. Y duplicarlo, y arrástrelo para estar en la cima de este otro punto de fuga. Y ahora casi tengo las mismas líneas de cuadrícula en perspectiva. Ahora agregaré la última pared detrás de la casa y la arrastraré hacia arriba y la rotaré. Para este, lo voy a hacer de forma manual. Desde que viste puede llevar mucho tiempo. Así que voy a desactivar la regla en los muros anteriores y Zoom y en los ajustes bajo asignar de nuevo, voy a jugar un poco con esta rotación para que coincida con mi perspectiva lineamientos. Entonces esto se ve lo suficientemente bien. Quiero agregar un portón a esta casa. Arrastraré el modelo 3D de la puerta, que también descargué de los activos de Clip Studio y su ángulo de cámara un poco para que coincida con el de la pared. Habilitaré la regla de perspectiva y eliminaré el nivel de ojo fijo y movemos la cuadrícula del plano x, z. Apenas la regla de perspectiva para que coincida con la de la pared a través de la asignación otra posición de Justicia para empujarla a estar frente a la casa. Y también lo rotaré un poco manualmente para que coincida con mi cuadrícula de perspectiva. Nuevamente, no tienes que ir a este detallado. Solo estamos haciendo esto por el bien de hacer un fondo de aspecto perfecto. Pero la mayoría de las veces simplemente me salté esos pasos y hago la escena por los ojos. Terminamos con la parte 3D, aldehído, los puntos de fuga. Duplicaré esta capa aquí y ocultaré la copia original. Y voy a hacer clic derecho y rasterizar ahí estos muros para convertirlos en una imagen. Porque quiero eliminar esta parte extra usando este color de esta pared de aquí. Crearé una nueva capa detrás de la casa y llenaré manualmente este espacio detrás de la casa. Ahora agregaré algo de hierba a la escena creando una nueva capa que está debajo de todas las paredes y también debajo de la casa. Noté que la pared de aquí tiene una sombra que se proyecta en la parte superior porque está por debajo del nivel del suelo. Si lo coloco en el nivel del suelo, los niveles del suelo aquí, pero solo quiero hacer las cosas rápidamente ahora a través la herramienta objeto bajo aplicar fuente de luz solo para eliminar las sombras proyectadas del suelo, para quitar esa sombra en la parte superior. Ahora voy a crear una nueva capa debajo mi cielo usando la herramienta de degradado de aquí. Voy a elegir el gradiente de primer plano a fondo. Y voy a elegir mi color del primer plano para que sea éste. Y voy a elegir mi color y el fondo para que sea un azul muy claro o bebé. Y ahora voy a dibujar un degradado para completar los espacios vacíos. Y voy a crear una nueva capa sobre los cielos. Y usando la Nube o los pinceles, escogeré colores de esas nubes. Y sólo para agregar rápidamente algunas nubes más. Ahora puedo crear una nueva capa sobre la casa y los árboles y usando el color del cielo. Haré lo mismo que hice en la última lección. Voy a aerógrafo en la parte superior de ambos y dijo este modo a la pantalla o luz dura. La luz dura se ve mejor. En este caso, quiero ajustar los colores de la casa ya que son grisáceos y quiero que se vean más azulados. Entonces voy a ir a capa nueva corrección ahí y luego balance de color. Con el balance de color. Ajustaré las sombras y las convertiré en LU, solo el semitono y lo convertiré en quizá cian o tal vez un poquito de magenta y un poquito del azul. Y lo más destacado. A lo mejor pueda ponerlos un poco amarillentos. Pero quiero aplicar esto solo a la casa, así que voy a recortar esta capa. Entonces ahora solo la casa ha cambiado. Yo haré lo mismo por las paredes. Voy a hacer una nueva corrección ahí. Balance de colores. Haré clic en Bien y lo recortaré y luego ajustaré los colores. Destellos amarillos, sombra, azulado, semitono, también azulado. Entonces duplicaré esto y lo colocaré encima de esta otra capa de paredes también. Ahora voy a agregar textura a la hierba a través los pinceles agresivos que te mostré en la última lección. Tomaré el cambio de color de la punta del pincel para tener una variedad en los colores a medida que pinto. Ahora quiero reemplazar un poco las ventanas para hacerlas más interesantes. Iré a la capa de la casa e iré a Seleccionar, luego seleccionaré la gama de colores, y luego haga clic en este botón y haga clic en el color azul de las ventanas. Para que con esta herramienta selecciones todo lo que esté coloreado con este azul. Y también quiero añadir el otro azul. Entonces usaré este icono de aquí para agregarlo a la selección y también me gustará de nuevo este color. Ahora, la mayoría de mis ventanas están seleccionadas. Y si quiero ser muy específico, entonces realmente puedo acercar y seleccionar este último color. Entonces ahora la mayoría de mis ventanas están seleccionadas y dan clic. Bien. Ahora puedo ver que algunas de las partes superiores de la casa se seleccionan dos, pero en su mayoría no vamos a rozarlas. Así que no van a aparecer. Voy a crear una nueva capa ahora encima de la casa. Y usando un aerógrafo, escogeré un color que sea una especie de verdoso, azul claro. Y voy a configurar esta nueva capa es modo de multiplicar. Y usando el aerógrafo como probable aerógrafo. Algunas partes de las ventanas. Estoy cepillando la parte superior porque es la parte sombreada. Si desselecciono, puedes ver el antes y el después de que las ventanas se vean más interesantes ahora, pero volveré a la selección y crearé una nueva capa y usaré un color azul muy claro. O tal vez pueda escoger el color del cielo desde aquí. Puedo aerógrafo más partes de las ventanas para que se vean más interesantes. Entonces mira el antes y después de esto, un gradiente realmente hace que las ventanas de tus edificios sean más interesantes. Yo solo voy a ajustar los colores, por ejemplo para esta capa de multiplicar, quiero que sea menos vívida, reducir la saturación y aumentar el brillo. Y tal vez pueda arrastrarlo para estar encima de la capa de balance de color. Y lo mismo para la capa de resaltado. Puedo arrastrarlo hasta aquí. Y tal vez también pueda cambiar este modo de capa para agregar el resplandor o la luz suave. Luz dura. Se puede experimentar y ver cuál funciona mejor. Creo que la superposición se ve bien. Parece un poco palidez en comparación con la casa. Entonces voy a crear una nueva capa encima del árbol y recortarla y cambiar su modo para multiplicarse. Y luego voy a elegir también un azul menos saturado, más claro. Y aerógrafo algunas partes del árbol. Voy a elegir también un color más oscuro y aerógrafo más. Y el lado de los botones. Y con una goma de borrar suave, voy a borrar cualquier parte que sienta que sombreé demasiado. Entonces este es el antes y el después. Ahora este tipo se ve bastante vacío detrás de mi casa. Así puedo agarrar fácilmente el skyline de los materiales de estudio de eclipse predeterminados y ponerlo detrás de mi casa y reglas y todo menos frente a este tipo. Y voy a alejar un poco y redimensionarlo y moverlo con la herramienta mover y redimensionarlo de nuevo. Y lo traeré frente a las nubes. Por supuesto, estos edificios se verían mucho mejor si tuviera una vista frontal de la casa. Ya que fueron dibujados para nuestro diferente ángulo de cámara de visión frontal que solo los voy a poner aquí para llenar el fondo. Y si también quiero llenar el fondo más de lo que puedo usar un modelo 3D de la colección que viene con el Clip Studio Paint también, yendo a 3D, luego fondo, luego vivienda . Y puedo arrastrar esta zona residencial. Y lo mismo también. También ajusta este ángulo y haz que coincida con el ángulo general del disparo. Pero voy a volver a hacerlo demasiado rápido solo para llenar el fondo. Y puedo duplicar esta capa y moverla por aquí para llenar este espacio por aquí. O puedo dejar esos modelos 3D tal como están o hacerles algunas ediciones. Por ejemplo, I. Se puede quitar la fuente de luz para que se vean menos detalladas. Encuentro que al estar moviendo la fuente de luz a veces hacen que los modelos 3D se vean menos 3D. Por cierto, las casas y los edificios se ven azulados ahora y se están desvaneciendo con la atmósfera porque ya aplicamos y aerografiamos capa con un modo de luz dura. Pero si me quito esta capa de aerógrafo, entonces se puede ver que sus colores son vívidos. Entonces, habilitar esto realmente les ha ayudado a alimentarlos a la atmósfera y eso puede aerografiarlos más creando una capa recortada encima de ambos y configurándola tal vez en una luz o pantalla duras. Otra vez, lo que sea que se vea mejor, y se desvanecen aún más para traer el foco en la casa que tengo por aquí. Por supuesto que puedes hacer otras ediciones, por ejemplo podemos agregar una nueva capa encima de todo y con un color amarillo y tal vez puedas ventilar un poco de luz solar. Y podemos probar diferentes modos de capa, por ejemplo, intentemos con luz intensa, o tal vez luz suave o pantalla superpuesta o agreguemos al brillo. El resplandor es demasiado potente, pero ahí es cuando quieres un día muy soleado. Creo que voy a ir por superposición. A mí me gusta más. Y puedo seguir aerografiando más para dar esta sensación de luz solar. Y también puedo reducir la opacidad si es demasiado vívida. Esta escena está casi terminada. Si lo miramos desde aquí, todavía podemos agregar otras cosas como un pavimento o luces de calle o cosas así. Pero voy a mantenerlo en esta etapa porque realmente hablar en profundidad sobre fondos y editarlos necesitaría un curso por sí solo ya que hay mucho de qué hablar. Pero una última característica de la que quiero hablarles es una característica que solo está disponible en la versión x de Clip Studio Paint, que es extraer líneas de modelos 3D. Por ejemplo, digamos que quería extraer las líneas de las paredes de aquí. Entonces iré a esta capa de muros y debajo de la ventana de propiedades de capa, haga clic en este botón de aquí, que es extraer línea. Al hacer clic en él, verás que obtendrás una vista previa de las líneas de tu capa. Hay tantos ajustes para esta herramienta, pero configuré los míos a los siguientes. Si estás satisfecho con cómo se ve todo, haz clic en Convertir capa dos, líneas y tonos, y luego ingresa esos números si quieres obtener resultados similares al vino. Y luego haz clic en Bien. Una vez que hagas clic en Bien, formará un nuevo grupo. Uno tiene el contorno o las líneas de tu imagen. El segundo tiene las toneladas de pantalla de tu capa. Y el tercero tiene un relleno de todo el asunto. Entonces, cuando extrae líneas, inmediatamente eleva el modelo 3D o la imagen que anteriormente tenías. Entonces lo habilitaré nuevamente y volveré a la capa y eliminaré la opción de línea de extracción para recuperar mi imagen nuevamente. Y habilitaré esta una nueva carpeta. Pero voy a borrar la capa de tono porque no la necesito. Y voy a borrar también la capa de relleno porque no la necesito en este caso, haz esto. Conseguí contornos para mi imagen tan rápida y fácilmente. Si quiero cambiar los colores de este contorno, entonces puedo cambiar el color de expresión de la propiedad layer under layer de gris a color. Y puedo elegir el color que quiera, por ejemplo elegiré el color de mi línea de arte y luego iré a Editar, Convertir para dibujar y colorear. Y ahora mi pared ha sido coloreada con el color que elegí para hacer líneas de guerra terrestre con tu fondo, puedes reducir la opacidad y tal vez cambiar el modo de capa para multiplicar. Y tal vez también ajustar los colores de las capas y ver cómo se ve. Se pueden extraer mentiras no solo de imágenes sino también de modelos 3D. Entonces, si vamos a esas casas en la parte de atrás, también podemos extraer sus líneas de manera similar. Entonces haré clic en Convertir y en Bien, y ocultaré el contorno también, y ocultaré el relleno. Y ahora sólo tengo los contornos de las casas. Esta es una característica muy útil que utilizo mucho, especialmente para fondos de ambientes interiores. ejemplo, esta cama era un modelo 3D que convertí en líneas para que pareciera que la almohada también era 3D. Y esos cajones donde también 3D. Y la tienda también era un modelo 3D. Pero extrayendo las líneas, podría convertirlas fácilmente en una imagen 2D. hice ediciones, y así fue como construí toda esta escena. Por último, y antes de terminar esta lección, solo quería hablar sobre el consejo que puede ser útil cuando quieres agregar personajes a tu fondo respecto a cómo colocarlos correctamente. Ahora por supuesto, puedes usar las figuras 3D de Clip Studio Paint, y ajustar sus ángulos consecuencia para que coincidan con la escena. Pero si quieres rascarlo en mano libre, entonces me pareció muy útil seguir estos pasos, especialmente para personajes sentados. Básicamente, dibuja donde estaría el fondo de tu personaje. Y luego dibujar sus pies en el suelo y luego conectarlos. Y así es como puedes colocar fácilmente tu personaje y tenerlo bien sentado en la silla. El mismo consejo también fue muy útil para el personaje borracho sentado en una bicicleta. Lo hice otra vez dibujando primero la parte inferior del personaje y luego los pies. Y luego conectar los dos. Sólo voy a hacer que el fondo sea más transparente. Se puede ver más claro lo que está pasando. Sí. Coloqué el fondo y los pies. Y también pongo las manos en la bicicleta. Y ahora solo conecta las cosas juntas. Por supuesto, el uso de referencias realmente te ayudará también conseguir el posgrado y a veces es necesario. Pero esto es de nuevo, una buena herramienta para colocar rápida y fácilmente a tus personajes sobre objetos. Espero que te hayan resultado útiles todos esos consejos. Y realmente ahora es el momento para que explores todas esas herramientas que hemos discutido y comiences a crear tus increíbles fondos. En la siguiente lección, te voy a contar sobre sitios web útiles que puedes descargar muchos activos útiles desde donde son modelos 3D o pinceles o materiales de imagen. 21. 4-6 fuentes para obtener activos: Bien, ahora quiero hablarte donde consigo la S es para mi fondo, ya sean imágenes o modelos 3D o pinceles. Cuando busco un activo en particular, tengo varios sitios web y plataformas que reviso y busco en ellos hasta encontrar los activos más adecuados para mis necesidades. Entonces en esta lección, quiero presentarles estos recursos. Las fuentes número uno, la que he mencionado varias veces a lo largo de esta clase, que son los activos de Clip Studio. Como te dije, los activos de Clip Studio vienen con activos tanto gratuitos como de pago. Por lo que siempre puedes verificar los activos gratuitos antes que nada, y si no encuentras lo que buscas, puedes verificar los activos pagados. Por supuesto, los activos que están aquí no son solo para fondos, sino para el verdadero todo, ya sea diseño de personajes, nuestro FX, nuestros mapas de degradado, puedes encontrar tantas cosas increíbles. Tengo la costumbre de comprobarlo de vez en cuando y descargar o marcar las cosas que me interesan. El próximo destino que realmente me encanta y me ha ahorrado mucho específicamente con los fondos de mi melodía web es un con 3D. Acorn 3D es un sitio web activo hecho específicamente para web dos y creadores. Ofrecen un modelo 3D de SketchUp que fueron hechos principalmente para web a noticias. Puedes encontrar tantas cosas interesantes con diferentes temas. No sólo tienen un modelo de SketchUp, sino que también cuentan con modelos 3D y otros formatos. Y también venden pinceles y paquetes de imágenes y efectos de sonido y tantas cosas que vienen muy bien. Este sitio web probablemente tendrá esa cosa en particular que estás buscando. Y por cierto, echo 3D está colaborando conmigo y como dando un pequeño regalo a esta clase. Como participantes, puedes aplicar un código de cupón bajo mi nombre, cluvious, y obtener un descuento de dos dólares en tu pedido para aplicar tu cupón, necesitas tener una cuenta en el sitio web. Una vez que se registre e inicie sesión, vaya a mi página, luego usuario Inicio, luego haga clic en aplicar cupón por aquí. Cuando estás aquí tipo de cluvious, entonces haces clic en aplicar cupón. Y una vez que lo hagas, estarás listo para aplicarlo cuando hagas el check out. El siguiente trabajo realmente útil para un activo es tienda, es este sitio web llamado BG outlet, pero la dirección del sitio web se llama Ginny x.com. Este sitio web está en japonés, pero siempre puedes traducirlo al inglés usando traductor de Google para que puedas orientarlo. Este sitio web también cuenta con una gran cantidad de modelos 3D, ya sea en SketchUp u otros formatos. Y también viene con increíbles activos de imagen de este sitio web. Específicamente, compré los activos de imagen de árboles y rocas y pasto que te mostré en la lección de Escenarios naturales. También venden algunos de sus productos en este sitio web de stand, que también está en japonés, pero siempre puedes traducirlo al inglés y orientarte. Hay otros dos sitios web que venden Web dos en activos. Para ser honesto, personalmente no los he probado, pero aun así quiero mencionarlos por ti porque podrías encontrarlos útiles. El primero es pixel dot sc. También parecen tener un clip Studio assets y SketchUp y pinceles y activos de imagen. Para que puedas echarle un vistazo a lo que tienen. Y el segundo se llama 3D Web two en tienda web, que está en coreano, pero también puedes traducirlo al inglés y orientarte por el sitio web. Parece que venden principalmente modelos 3D específicamente para uso de SketchUp. Otro sitio web que quiero presentar su arma de chicle road rugió es como un mercado digital para que los creadores publiquen sus productos y activos digitales. Así que puedes encontrar un montón de interesantes y pinceles y activos si buscas dibujo y pintura y luego Clip Studio Paint, no he intentado comprar ninguno de estos hasta ahora, pero el paquete de follaje de pinceles Te mostré en la lección de Escenarios naturales mientras estoy en esta página web. Y definitivamente puedes encontrar tantas cosas, no solo para Clip Studio Paint, sino también para otras aplicaciones. Ahora digamos que estás buscando un modelo 3D en particular, pero no pudiste encontrar nada útil en los sitios web anteriores, luego hay otros sitios web en los que te recomendaría buscar. El primero se llama calamar turbo, puedes buscar lo que quieras. Por ejemplo, buscaré animus cool. Entonces puedes elegir el formato de tu modelo 3D, por ejemplo, revisaré los modelos de SketchUp. Y se puede ver que tienen más modelos 3D a la venta, que además se ven muy bien. También hay un Sketchfab. También puedes encontrar modelos 3D aquí y comprarlos y usarlos. Pero supongo que estos modelos 3D más sofisticados necesitan ser abiertos en un software de modelado 3D. Para eso, no recomendaría un software más que Blender. Blender es un software de modelado 3D gratuito y de código abierto. Y puedes abrir tantos formatos de modelos 3D. Honestamente, la licuadora es todo un mundo por sí sola. Y personalmente quiero profundizar en ello porque hay tantas cosas interesantes explorar y hacer eso. Pero digamos que incluso después de esto, todavía no pudiste encontrar el ambiente que deseas, entonces te puedo recomendar una última opción, que es mi último recurso, cuando realmente no encuentro lo que soy buscando en cualquier otro lugar, que usaremos motores de juego como Unreal Engine y unity. Ambos motores de juego tienen sus propios activos, estrellas, y ambos tienen modelos 3D realmente increíbles e interesantes. Muchos de ellos están hechos específicamente para juegos, por lo que son modelos 3D realistas. Pero también puedes encontrar algunos fondos y entornos geniales como este, por ejemplo, en Unity Asset Store. Y este por ejemplo que encontré en la tienda de ácidos Unreal Engine. Ahora usar motores de juego es una historia completamente diferente. Realmente está fuera del alcance de este curso, pero es un camino o una ruta que quería presentarles para que tengan esta opción en mente. Para que siempre mantengas la mente abierta para explorar cosas nuevas y aprender el mundo de los gemelos web es realmente increíble. Y notarás que a medida que trabajas en tu cómic, estarás ampliando tus horizontes a medida que avanzas. Entonces es muy, muy genial ver cuánto aprendes el camino porque estás dibujando, lloré haciendo. Espero que estos recursos les resulten útiles. Ahora que ya terminamos de hablar de antecedentes, en el siguiente capítulo, haremos la parte interesante de poner el ánimo en nuestros paneles. Entonces, en la siguiente lección, hablaremos de ajustes de color. 22. 5-1 ajustes de color: Bien, finalmente comenzaremos a hablar de ajustes de color, ajustar los colores después de que hayas terminado de dibujar y colorear realmente puede mejorar aún más tu escena y hacer que se vea más interesante. En esta lección, quiero hablar más sobre las capas de ajuste de color que hemos repasado ligeramente en las lecciones anteriores. Entonces básicamente si recuerdas, hay ajustes de capa que podemos agregar desde la capa y luego una nueva conexión ahí. Y luego podemos ver todas esas opciones para ajustes de color. O podemos agregar los ajustes de color inmediatamente en la propia capa yendo a Editar Corrección Tonal. Y luego tendremos los mismos ajustes, pero esto se aplicará sobre la propia capa. Por eso generalmente uso la capa de corrección porque es algo que puedo quitar y ajustar y jugar en cualquier momento que quiera. Entonces vamos a explorar la corrección ahí las opciones que tenemos. En primer lugar, tenemos el contraste de brillo. Al usar este, puedes reducir o aumentar el brillo de tu escena. Y también puedes jugar con el contraste de tu escena. Personalmente, casi nunca uso esto en mis paneles de tono de trabajo. El siguiente es la luminosidad de saturación de tonalidad, que ya hablamos. Puedes jugar con el tono y saturación y luminosidad de los colores en tu imagen. Rara vez lo uso para, a menos que fuera para edición. Este tipo es como te mostré en las lecciones anteriores. Entonces tenemos pasteurización, que tipo de estrecha los colores y hace que el degradado se vea más como trozos de colores. En cambio. Yo tampoco uso este, para ser honesto. Después hay invertir el gradiente, que invierte los colores. Este es un efecto realmente genial y se puede utilizar con fines dramáticos, por ejemplo, aumentar la esencia de choque en tu escena. Creo que es realmente interesante. Por supuesto, puedes jugar con la opacidad de la capa de corrección y también jugar con el modo capa. Para mostrarte lo que quiero decir con eso se ve bien para nuestro choque adolescente. Si aplicamos el gradiente inverso aquí, inmediatamente puedes sentir el choque se ha vuelto más intenso. A continuación, tenemos corrección de nivel. Entonces por aquí tenemos tres flechas. Al arrastrar la flecha que está del lado derecho hacia la izquierda va a hacer que las partes ligeras de mi imagen sean más claras. Al arrastrar la izquierda, voy hacia este lado, oscurece las partes oscuras de mi imagen. Y arrastrando el intermedio , por ejemplo, digamos hacia la izquierda, hace que las partes oscuras sean más claras. Y arrastrándolo hacia la derecha hace que las partes claras sean más oscuras. Por aquí tenemos estas dos flechas. Al arrastrar esta flecha va a tomar los colores claros de mi imagen hacia el lado gris. De igual manera, si arrastre el negro hacia el gris, también va a tomar las partes oscuras hacia el gris y las hace más claras. Si traigo esas dos flechas cerca una de la otra , entonces mi imagen la va a transferir a una versión grisácea. Si hago clic en esto por aquí, veré que estaba controlando el RGB. Rojo, verde, azul, lo que significa todos los colores de mi imagen. Pero también puedo controlar los colores por separado, ya que los colores en la pantalla consisten en componentes rojo, verde y azul. Para que pueda editar cada uno individualmente. Por ejemplo, si juego con el canal rojo, puedo introducir más enrojecimiento y restar enrojecimiento. Y puedo llegar a algunos resultados interesantes. Si juego con él. Realmente al ajustar colores, solo juega con los controles deslizantes hasta que las cosas empiecen a verse bien. Pero quiero hablar más sobre canales bajo la curva de tono. La curva de tono es muy similar a los niveles, excepto que se pueden controlar los colores con más precisión o con más detalles. Entonces si echamos un vistazo aquí, tenemos una gráfica que yo lado de esta gráfica representa los colores claros y el lado izquierdo representa los colores oscuros. Y en el medio tenemos los tonos medios. Al arrastrar las cosas hacia arriba, voy a agregarles ligereza. Al arrastrarlos hacia abajo. Voy a agregarles oscuridad o restarles ligereza haciendo clic en Reiniciar por aquí, puedo volver a mi punto de partida. Entonces eso significa que ya que tengo las partes claras aquí y las partes oscuras aquí, puedo jugar muy bien con los colores de las imágenes, por ejemplo, si arrastre la curva hacia el fondo por aquí, hice la oscuridad colores más oscuros porque este es el lado oscuro y arrastrando hacia abajo colores mezclados más oscuros. Si traigo esto hacia arriba, entonces hice los colores claros más claros. Y lo contrario también puede funcionar. Hacer esto hace que el color claro sea más oscuro y los colores oscuros más claros. Así que se están desplazando hacia el gris. Pero podemos usarlo en términos simples sólo para introducir algunos efectos interesantes. Realmente solo necesitas jugar con él y ver qué resultados te gustan. Personalmente, realmente me parece útil la curva de tono para hacer que mi personaje se mezcle con el fondo. Por ejemplo, los colores de mis personajes aquí se ven azulados, pero el fondo es verde y amarillento. Y quiero ajustar sus colores para que se mezcle mejor con el fondo. Entonces voy a hacer clic en Bien, y tengo la capa de curva de tono por aquí. Voy a recortarlo a la carpeta de mis capas de personajes. Y ahora voy a volver a ello haciendo doble clic. Y quiero jugar con los canales en vez de todos los colores a la vez. Entonces también tenemos canales aquí. Tenemos rojo, verde, azul, o podemos controlar todos los colores desde el lado RGB. Pero voy a ir por ejemplo hacia el rojo. Es algo similar. Si arrastro hacia arriba, entonces voy a agregar eso a mi imagen. Si arrastro hacia abajo, entonces voy a restar todavía y restar rojo me da azul. Voy a restablecer esto y te mostraré cómo es para los otros colores. Para el verde, si arrastre hacia arriba y luego agrego el verde, si arrastre hacia abajo, entonces resté el verde, lo que me da colores rojizos, pero diría más de un color magenta. Y por último, para un azul, arrastrando hacia arriba, toma los colores hacia el azul, y arrastrándolos hacia abajo, los lleva hacia un verde. Voy a reiniciar. Y quiero que mis colores se vean verdosos. Entonces les voy a restar el azul. Entonces voy a ajustar mis colores. Bajando la curva poco poco y viendo cómo se ve. Como pueden ver tan rápido, ajusté los colores y ahora hay mantequilla de fondo más interesante y mucho más. Pero creo que agregaré algo de rojo también a los reflejos, principalmente restados de las sombras. Y tal vez añadir más azul a las sombras. Creo que el personaje se ve ahora mucho mejor de lo que era antes. Es una mezcla mejor con el fondo. Pero si quiero hacer más ajustes y refinar esos colores más de lo que uso una capa de ajuste de color más interesante, que es el balance de color. Usamos esto un poco antes, pero ahora voy a repasarlo con más profundidad. Todavía haz clic en Bien y recortarlo a mi personaje porque quiero enfocarme en ajustar los colores de mi personaje primero antes de los colores generales. Entonces haré doble clic para volver al menú. Ahora para el menú de balance de color, los colores se dividen en tres opciones. Puedo editar las sombras, y puedo editar los medios tonos, y puedo editar los reflejos. Siempre está por defecto en el menú de medios tonos, los medios tonos son como los tonos medios o los tonos generales generales de la imagen. No me gusta empezar con esto primero. mí me gustaría empezar primero con las sombras. Y por lo general me gusta llevar mis sombras hacia el azul solo un poquito y ver cómo se ven, y a veces hacia el magenta. Pero para esta escena no se ve tan bien. Creo que necesito llevarlos hacia el verde y tal vez agregar algo de azul. Así que tomando los colores hacia cualquier lado de estos colores, agregaremos más del color. Entonces si arrastro esto, entonces se agregará lectura a mis sombras. Si lo arrastre sobre ti, entonces se va a agregar cian a mis sombras y así sucesivamente. Es un concepto muy sencillo. Creo que ahora se ve bien, pero iré a lo más destacado y agregaré más amarillo. Traté de hacer este contraste entre las sombras y los reflejos. Normalmente me gusta mantener los reflejos con colores cálidos, las sombras en colores fríos. Entonces tomo los reflejos hacia la barra amarilla roja, a veces verde, y luego las sombras. llevo hacia el azul para tener este equilibrio entre colores fríos y cálidos. Y luego finalmente, puedo ajustar los tonos medios y ver cómo se ven. Luego haz clic en Bien. Y puedo ver el antes y el después. Creo que ahora se ve mejor, pero solo puedo reducir la opacidad de la capa de balance de color. Y también puedo agregar una capa de balance de color para toda la imagen por encima de todo en mi panel. En este paso, también arrastre las sombras hacia el azul. A veces tal vez magenta o cian, hacia los colores fríos, básicamente los reflejos hacia el amarillo y tal vez leer. Pero de nuevo, esto se está volviendo demasiado vívido. Simplemente mostrando por el bien de explicar. Es ¿puedes ver el antes y el después? Y siempre puedes jugar con la opacidad y reducirla tanto como quieras. En cuanto al ajuste de color de binarización. Realmente no lo uso para obtener un efecto blanco y negro de tu imagen. Y eso no lo uso particularmente en mi cómic. Y por último, la capa de ajuste de color del mapa degradado, que hablamos ya en la lección donde la convertimos a fondos en escala de grises a su versión coloreada. Todavía me gusta a veces jugar con los mapas de degradado y reducir la opacidad y jugar con modos de fusión para ver qué efectos puedo obtener. Así que se trataba de capas de ajuste de color, pero también podemos hacer uso de gradientes para introducir un bonito efecto en nuestro panel. Y voy a seleccionar mi panel con la herramienta de marquesina para que haga el degradado dentro de esta área solamente. Iré a la herramienta de degradado. Y puedo usar cualquiera de esos gradientes predeterminados que tengo. Y sostendré Shift y crearé un degradado. Puedo jugar con las propiedades de la capa. Como pueden ver, se me ocurren resultados muy interesantes a pesar solo estoy dando vueltas con él. Especialmente me gusta usar luz dura o luz suave o superposición. Inmediatamente puede hacer que su panel se vea más interesante. Ahora tal vez no sea tan obvio para este panel porque es irrelevante. Pero si te muestro este panel por aquí, el personaje se ve bien con el fondo. Pero después de aplicar una superposición de degradado, todo el panel comenzó a verse más interesante. Apliqué una superposición de degradado aquí, que va desde el púrpura hacia el naranja, el amarillo. Y le hice dos copias. Una de ellas la configuré a quemadura de color, y una de ellas la configuré a quemadura lineal. Y claro que se me ocurrió esto después de jugar con los escenarios y ver lo que parece más interesante. Aquí hay otro ejemplo de otro panel que hice más intenso al agregar un degradado de luz suave que va desde el azul más oscuro hacia el rojo para dar esta sensación intensa y hacer que el panel se vea más efectiva. Así que intenta jugar con todas esas opciones de las que hablé, e inmediatamente verás un bonito efecto en tus obras de arte. En la siguiente lección, hablaremos sobre agregar iluminación y sombreado a sus paneles. 23. 5-2 Iluminación y sombreado: En esta lección, quiero mostrarte cómo puedes agregar efectos de iluminación y sombreado tan rápidamente para que de inmediato tu panel se vea más interesante, voy a usar este panel como ejemplo. Quiero introducir el efecto de que este tipo viene de las sombras hacia un lugar iluminado por el sol. Para agregar ese efecto, creé una nueva capa de clip. Y voy a elegir un color que sea un poco violáceo pálido. Y usando un pincel normal, voy a cepillarme por ejemplo digamos la parte superior de su cabeza. Y luego voy a cambiar este modo de capa para multiplicar. Entonces, antes y después, inmediatamente puedo sentir que esta es una parte sombreada y esta es una parte iluminada por el sol. También puedo usar la herramienta de desenfoque yendo por aquí y eligiendo desenfoque. Entonces con esta herramienta, puedo difuminar los bordes de mi sombra porque es una sombra que viene de una chimenea. Por lo que suavizarlo indica que es una fuente de luz lejana. También puedo bloquear esta capa y aerógrafo. Bueno, elegir un color muy cálido de por aquí, por ejemplo, color rojizo claro. Y solo puedo aerógrafo el borde de la sombra para tener una transición entre el color de sombreado y el color de la luz solar. También puedo introducir un color más fresco y las sombras, e.g. I. Puede usar este azul pálido, más oscuro y aerógrafo por aquí. Entonces mi capa de sombreado se ve así ahora, en lugar de ser solo de color púrpura pálido, presenté un toque de un color cálido en el borde aquí, y una visión general de color más oscuro. Y puedo agregar aún más y luego traerlo de vuelta para multiplicarlo. Entonces eso fue lo primero. También podemos hacer que el efecto de iluminación sea más dramático introduciendo una nueva capa encima de todo sin el recorte al personaje y eligiendo un color amarillento, amarillo barra naranja, algo como esto. Con un cepillo de aire. Puedo aerógrafo por aquí. Y para los aspectos más destacados, pruebo los siguientes sus modos, por ejemplo, color, esquivar, resplandor, esquivar, resplandor, luz dura, a veces superponer. Pero para esta escena en particular, creo que voy a usar un color más amarillento que no sea tan ligero y cepillo de aire y establecer su más para agregar el brillo, por ejemplo, se puede ver de inmediato este dramático efecto sucediendo, o luz dura. Estos son mis modos de capa favoritos. Si quiero ir por luz dura, usaré un color ligeramente más claro. Entonces también puedo crear una nueva capa y usar una combinación de ambas. Así que un poco de luz dura y un poco del resplandor. Entonces eso me dio una iluminación intensa. La iluminación generalmente en ajustes de luz diurna, utilizo colores cálidos para las luces, por ejemplo, que van del amarillo al rojo. Y para las sombras, utilizo colores fríos que van del violeta al azul. Entonces elegiré un color azulado, un color azulado pálido, más oscuro como este. Y crearé una nueva capa y estableceré el modo para multiplicarse. Y aerógrafo por aquí en el lado oscuro para hacerlo más oscuro. Entonces ahora con esas simples tres capas, inmediatamente presenté esta interesante iluminación. O en lugar de multiplicar, también puedo usar luz dura y usar un color más oscuro porque modo de capa Hard Light proyecta el color que tienes en tus colores. Por lo que elegir un color oscuro, color saturado puede permitirme introducir este efecto. Si comparo esto con usar multiplicar, multiplicar se siente menos vívido, pero Hard Light tiene esa viveza. También puedo usar Lineal Burn, nuestra quemadura de color. Puedes experimentar mucho con modos de capa y ver qué cosa interesante se te ocurre. Y también siempre juega con opacidades y mira qué efectos obtienes. Por supuesto, puedes ajustar el balance general de tu panel con la herramienta de balance de color, arrastrando reflejos, recorridos, sombras amarillas tal vez hacia el azul, magenta, y ver cómo se ve más interesante . Ahora, otro efecto genial que realmente me gusta hacer uso es hacer una iluminación intensa, que es muy simple de agregar. Entonces crearé una nueva capa de clip en mi personaje y configuraré esto para que se multiplique. Entonces voy a elegir el color que voy por, e.g Quiero ir a por tal vez un look purpúreo con un pincel. Simplemente puedo pasar por encima mi escena y luego borrar los bordes del personaje para indicar que esto es retroiluminación y tener este intenso efecto de iluminación. Después de restar esas partes resaltadas, puedes volver a ajustar con tu pluma como hicimos antes en la parte de sombreado. Si no quieres restar directamente de tu capa de sombra, entonces puedes crear una máscara de capa haciendo clic en tu sombreado ahí y luego haciendo clic en este botón de aquí, Crear Máscara de Capa y luego borrar cosas. Nuestra pintura. Para traerlo de vuelta, independientemente del color que hayas elegido, seguirá pintando. Y también puedes usar una goma de borrar suave para que el entorno sea menos intenso. Lo bueno de las máscaras de capa es que puedes hacer clic derecho en la máscara y desmarcar habilitar máscara. Entonces eso significa que todas las carreras se hicieron en la propia máscara. Por lo tanto, puede editarlo fácilmente en cualquier momento, incluso si, por ejemplo realiza ediciones en la capa de sombreado base, por ejemplo, podemos introducir más rojo y algo de azul. Entonces eso significa mi sombreado ahí. Y ahora mismo se ve así. Pero jugando con las sombras de la propia máscara, puedo editarlas tan fácilmente. Y para que la iluminación sea aún más dramática, puedes crear otra capa y establecer su modo para multiplicarse y tal vez aerógrafo también en la parte media del personaje. Y para hacerlo aún más intenso, puedes crear una nueva capa de clip y cambiar. Es más para agregar el brillo y luego elegir un color para nuestros reflejos, por ejemplo, este color anaranjado. Y luego puedes agregar resaltados. Esto da la sensación de que hay retroiluminación de color amarillo. Y claro, puedes oscurecer tus tonos para aumentar ese contraste. Así que eso hace que tus reflejos se vean más efectivos. Y jugar con la opacidad de la parte más resaltada y así sucesivamente. Es muy, muy divertido jugar con los colores y la iluminación. Esta es realmente mi parte favorita al usar su mayor parte, así fue como pude crear este tipo de iluminación. Utilizo métodos similares, sombreando primero los personajes y luego agregando resaltados en sus bordes luego agregará la capa de brillo o capa de luz dura. En este ejemplo, los reflejos son azules. Entonces agregué un color cian con una luz dura en el borde del personaje. Y luego se agregó una capa de resplandor esquivar, nuevamente con el mismo color. Y luego agregó una capa multiplicar por aquí con un color azul pálido. Y así también hice esos poderes con Louis al introducir una capa de esquivar resplandor encima del poder. Y también hice a este personaje globo agregando una capa de resplandor esquivar encima de él solo para introducir este efecto. Usar capas multiplicadas es también la forma de cambiar la iluminación de tu escena en función de la hora del día. Entonces digamos que quería cambiar la iluminación aquí para que coincida con la del tiempo del atardecer. Entonces habilitaré mi capa de sombreado multiplicado, que ya había hecho anteriormente. Y ahora haz clic en Control U para mostrar la luminosidad de saturación de tono. Y sólo voy a hacer esta capa de multiplicar en color naranja o rojo. Y como pueden ver, inmediatamente obtuve el efecto atardecer. Y si era de noche, entonces puedo cambiar esto a algo así, ese color azulado pálido. Pero también puedo introducir otra capa. Seleccionaré y llenaré toda esta área y elegiré un color azul pálido muy claro, y luego editaré, rellenaré y configuraré el modo de capa para que se multiplique. Y puedo jugar un poco con la iluminación de esta capa. Incluso sin el sombreado ahí, solo aplicar una capa multiplicada, ya cambié el look a un look nocturno. Y al habilitar estos tonos, obtengo una luz de fondo volando. Realmente no es tan necesario. Pero de todos modos, con una sola capa sólo podemos cambiar de inmediato la iluminación de la escena. Y por último, si se trataba de un cielo nublado, entonces puedo habilitar una capa multiplicada con un color grisáceo. Reduzca un poco su opacidad, e introduzca ahí también una nueva corrección. Y reducir la saturación de mi personaje sólo un poquito. Y luego porque esta escena se ve un poco demasiado pálida, entonces voy a introducir una nueva corrección ahí y usar el balance de color y tal vez hacer que las sombras sean un poco más azuladas solo para deshacerme de eso look gris puro, personalmente, me gusta usar unos colores grises que tengan un poco de tinte en ellos. Para que puedas ver el antes y el después. Usando esos mismos consejos, convertí este fondo que hicimos antes de este bosque de un Daylight Time, 02:00, estás buscando escena con solo cambiar este Keita nublado y haciendo los ajustes de color como te mostré. Te insto encarecidamente a que experimentes con todos los consejos que hemos introducido hasta ahora. Definitivamente harás que tus paneles se vean más interesantes agregando iluminación y sombreado y ajustando los colores. La siguiente lección, hablaremos de entregar emociones jugando con las miradas del texto. 24. 5-3 Liberar emociones a través de texto: Ahora quiero hablar cómo puedes entregar mejor las emociones de tus personajes jugando con el texto de sus discursos. Su lenguaje escrito es muy potente y expresivo y jugar con la forma del texto, el tamaño y el peso realmente puede invocar diferentes sentimientos hacia los lectores. Así que voy a repasar algunos consejos útiles mientras te muestro ejemplos para poder entregar mejor la idea. En primer lugar, jugar con la forma de la fuente, el tamaño y el grosor puede ayudar a invocar una voz más fuerte, por ejemplo aquí, el personaje está diciendo: Bueno, me pregunto cómo. Pero porque hice esta palabra vagar y un tamaño de fuente más grande, e hice una gruesa también. Ahora cuando lo lees, se siente como si lo estuviera diciendo en lo siguiente, no lo hagas. Bueno, me pregunto cómo. Así que jugar con el tamaño y el peso de esta palabra ayuda a dar esa sensación. Lo mismo por aquí. Ella está diciendo, sí, sí, bien. Pero hice que la palabra la escribiera estática para que pareciera que ella estaba diciendo sí, sí, justo por aquí. Ella está diciendo, si tan solo me hablas como gente normal, estás obteniendo este tipo de tono normal en vez de normal porque la palabra normal está en metalizado aquí. Entonces ella dice, en lugar de gritarme, que también está en el tamaño de fuente más grande, y también lo hice audaz para indicar que está levantando su tono de voz mientras pelea con él. También jugar un poco con las propiedades de la fuente puede hacer que los gritos se vean más intensos. ejemplo, aquí está diciendo que no, bueno, esto funciona absolutamente. Si hago la nieve en cursiva, entonces puedo sentirme más efectiva. Y puedo hacer que todo se vea aún más efectivo seleccionando mis textos e yendo a las propiedades de la subherramienta. Y luego bajo fuente, puedo jugar con una relación vertical aumentando esto. También aumentando el tamaño del cuadro de texto. Puedo hacer que el no sea más exagerado, aún más si aumento la guerra de relación vertical. Y claro que todavía puedo jugar con el SKU. Entonces ves que esta pequeña manipulación hizo que el texto fuera más impactante. También, podemos jugar con el tipo de fuente para dar diferentes sentimientos basados en el estado de ánimo y el tipo de personaje también. Por ejemplo, para el carácter cursi, podemos usar una fuente cursi y también tal vez con burbujas de discurso de aspecto esponjoso. Esto diferencia a este lindo personajes pH del habla normal. El inmediatamente invoca este sentimiento de diferente carácter. También podemos cambiar la fuente para dar una sensación espeluznante. Por ejemplo, yo elegí esta fuente de aquí, que me gusta mucho llamada salvaje, para invocar una sensación de escalofrío. Como mi personaje aquí estaba hablando normalmente con mi fuente de diálogo habitual. Pero entonces de pronto me cambio a esta fuente para indicar una sensación de escalofrío. Como si estuviera cargando a esta chica con su discurso. Está siendo espeluznante. Por lo que este cambio de fuente ha introducido este cambio en el estado de ánimo. Además, me gusta mucho usar una fuente de gritos fuertes para personajes que están gritando, sobre todo de una manera malvada. Entonces por ejemplo aquí, utilizo esta fuente llamada Sean y punk custom para invocar esta sensación del personaje gritando de una manera aterradora. Y también aumento la relación vertical para hacer que esta crema se vea más impactante y más aterradora. ocasiones también se puede escribir a mano el discurso en lugar de usar una fuente porque esto podría hacer que se vea más efectivo. ejemplo aquí, escribí la frase gritando con mi letra porque sentí que no podía encontrar la fuente adecuada para expresar la emoción que quería transmitir. Y también por aquí en este panel que aún no he terminado, mi personaje está gritando nombre de sacáridos. Y yo quería que eso fuera muy impactante. Entonces lo hice escribiendo a mano las cartas yo mismo. Y siento que son mucho más impactantes que si solo usara una fuente normal. Creo que esto también puede ser muy efectivo para invocar una pelusa espeluznante. Si tuvieras, por ejemplo un personaje malvado riendo, entonces solo puedes escribir a mano ese tipo de risa. Haz que se vea más espeluznante, espeluznante. Para escritura a mano y pinceles. Recomiendo encarecidamente este juego de pinceles que descargué de los activos de Clip Studio. Viene con muchos pinceles interesantes con los que puedes expresar tantos sentimientos diferentes. Así que siéntete libre de probarlo descargándolo. Por supuesto, hay muchas, muchas más posibilidades. El mundo del texto es realmente asombroso. Y les exhorto mucho a leer más cómics. Porque cuanto más leas, más cosas interesantes encontrarás, más cosas interesantes comenzarás a explorar contigo mismo. En la siguiente lección, hablaremos sobre expresar emociones y tus paneles. 25. 5-4 movimiento expresado: Ahora en esta lección quiero hablar sobre cómo expresar movimientos y dar esa sensación de que los personajes se mueven en sus paneles. Hay varias cosas que puedes hacer y las repasaremos una por una. La primera forma n más rápida es mediante el uso de Desenfoque de Movimiento. fusionaré todas las capas de mi personaje Primero fusionaré todas las capas de mi personaje seleccionándolas todas. Después haga clic con el botón derecho y seleccione fusionar capas seleccionadas. Y seleccionaré todos y copiaré esto. Después voy a deshacer para retener mis capas separadas. Y luego pegaré lo que copié encima del personaje. Y ahora seleccionaré el personaje con la herramienta de marquesina y luego iré a Filtro de desenfoque, desenfoque de movimiento. Y de esta manera, como pueden ver, tengo un desenfoque de movimiento que se está aplicando, pero esto es solo una vista previa. Para que pueda jugar con los ajustes. Se puede jugar con el ángulo del desenfoque de movimiento. Quiero que sea hacia esta manera, ya que el personaje va corriendo desde la parte trasera hacia la pantalla. Creo que este tipo de ángulo es bueno. También puedo jugar con la dirección del desenfoque, por ejemplo, ahora está configurado en retroceso, pero también puedo configurarlo para avanzar. Eso también puede configurarlo para que sea en ambas direcciones. Me parece que usar hacia atrás es el más efectivo en este tipo de escenas para indicar que la parte posterior del personaje es borrosa ya que viene adelante. El delantero va a ser más claro que el atrasado. También puedes jugar con el estado de ánimo del desenfoque. Hay caja, que es la que tenemos ahora, y hay una lisa. También prefiero la caja sobre la lisa. Una vez que esté satisfecho, haré clic en Bien. Y luego quiero borrar algunas partes de esta capa borrosa para poder mostrar más de mi personaje debajo de ella. Entonces lo que voy a hacer es anular la selección y luego voy a crear una máscara de capa. Y con una goma de borrar suave, borraré este lado de mi personaje que indico que el desenfoque está ocurriendo solo en la parte trasera y le daré esa sensación de movimiento. ¿Puedes ver el antes y el después? Realmente ha dado esa sensación de movimiento. Y también puedo reducir un poco la opacidad si se sentía demasiado. Otra forma es que podemos usar la herramienta de desenfoque, por ejemplo I. Tener esas dos herramientas borrosas que descargué de los activos de Clip Studio Paint, y te mostraré cómo se ven. Entonces está esta velocidad de desenfoque, y si la uso sobre mi personaje en el lado que quiero, entonces puedo obtener el efecto de movimiento y tenerlo solo en los lugares que yo quiero. Es una herramienta de desenfoque muy interesante. Y de manera similar, el impacto del desenfoque da un tipo diferente de desenfoque. Funciona tanto para choque como para movimiento, diría yo. Entonces, al usar esta herramienta, puedo invocar un poco una sensación de movimiento. Entonces también puedo borrar algunas partes que no quiero. Por supuesto, también puedes usar el shock del desenfoque para invocar una sensación de shock y hacer que la escena luzca más impactante e intensa. Pero volvamos a este panel de aquí. Puedo dar un paso más. Y en una nueva capa con pincel, puedo dibujar líneas de corriente para indicar que el personaje está corriendo. Y otra vez, voy a poner esas líneas de este lado. Pero como se puede ver durante esos toboganes, son la manera de la mano libre no se ve tan ordenada. Entonces, lo que podemos hacer en su lugar, podemos ir a la herramienta de regla y elegir una regla especial, y luego elegir la línea paralela, y luego la regla y la dirección de la línea que queramos. Y ahora vuelve a la pluma y dibuja fácilmente esas líneas aerostáticas de una manera ordenada. Como estamos aplicando esos pasos. me ocurrió este resultado, que es lo que les mostré al inicio de la lección. También puedes ir un paso más allá y aplicar efectos al efecto de sonido de tu panel, por ejemplo aquí hice el efecto de sonido del tablero, pero copié este efecto de sonido en una capa diferente. También hice un desenfoque de movimiento para ello. Y con esto, cuando miro la escena completa, inmediato puedo sentir este movimiento que el personaje está ejecutando. También puede usar líneas de flujo para indicar movimiento. Y para conseguirlo, ve a la herramienta de figuras de aquí. Y verás que hay múltiples opciones. Entonces, al elegir esta herramienta, por ejemplo voy a dibujar líneas de racionalización. Y luego puedo jugar con ellos, rotar su ángulo con la herramienta objeto. Y también puedo jugar con sus ajustes a partir de aquí, por ejemplo, su longitud, ángulo y cómo de grupo están, las brechas entre ellos. Y si juego con los puntos de control que puedo introducir aún más líneas. Y puedo agregar una máscara de capa a esta capa de líneas de flujo dispersas recién agregada. Y con una goma de borrar suave, puedo borrar las partes que no quiero mostrar más a mi personaje. También puedes encontrar algunos streamlines confeccionados en los materiales del manga bajo la línea de efectos. Después eligiendo la línea de velocidad. Verás que tienes algunas cosas interesantes que añadir. Una vez que pides tal imagen, puedes jugar con su color. Hazlo blanco, y también haz lo mismo, borra lo que no quieras y así sucesivamente. También hay otras opciones distintas a las líneas de velocidad. Ahí están las líneas saturadas que van hacia el centro de la imagen. Ahí están las líneas de destello de erizo de mar. Y ahí está el sarpullido de mariposa, que puede ser usado como fondo para tus personajes. Por ejemplo, yo. Usa aquí las líneas saturadas ya que mi personaje corre en el centro. Entonces, para llevar todo el foco hacia él y dar la sensación de que está corriendo hacia la dirección del bosque. Para el fondo. El fondo era originalmente así, pero copié todos los elementos de mi fondo juntos como lo hice con mi personaje antes, y luego hice una selección con la herramienta de marquesina y luego fui a desenfoque de filtro, desenfoque radial. Y jugando con esta x, puedo cambiar el centro del desenfoque. Hacer una selección de tu panel antemano es realmente importante en el caso del desenfoque radial, para que puedas ver esta x y enfocarte en tu punto de nota publicitaria para estar hacia donde lo quieras exactamente. Porque como puedes ver, este tipo de desenfoque es un poco pesado en la computadora y lleva tiempo renderizarse. Entonces, cuanto más se estrecha el área de su selección, mejor y más rápido podrá lograr este efecto. También puedo jugar con capa de efectos de mi hijo y también aplicarle desenfoque radial para que se vea más efectiva y que coincida con el movimiento del personaje. Una última cosa para esta línea saturada, puedes obtenerla no solo de esas imágenes de aquí, sino que hay una herramienta para ello, como las herramientas de racionalización que te mostré antes. Ahí está la herramienta de líneas saturadas por aquí, por ejemplo, usaré una de ellas y dibujaré un círculo en donde quiero que mi efecto se concentre hacia. Y después tengo las líneas saturadas inmediatamente dibujadas. Y también se puede jugar con sus ajustes, quién es la herramienta del objeto, aumentando su cantidad o disminuyendo, y así sucesivamente. Siéntase libre de explorar las otras herramientas también. La siguiente lección, hablaremos de jugar con fondos para invocar diferentes tipos de estados de ánimo basados en el estado emocional de la escena. 26. Fondos de expresión de estado de ánimo de 5-5: Bueno generalmente los paneles de melodías web se dibujan sobre un lienzo blanco o un fondo blanco. Esto no siempre tiene que ser necesariamente así. Siempre podemos jugar con el color de fondo de acuerdo a nuestro gusto. Personalmente, no he experimentado mucho con otros colores. Lo que me enfoqué principalmente en cambiar entre blanco y negro. Entonces mis paneles cómicos son generalmente en blanco cuando es de un estado de ánimo normal y no está pasando nada serio. Pero me cambié a un fondo negro. Lo que quiero indicar una sensación de misterio, por ejemplo por aquí durante la noche, o esencia de misterio, aunque estés de día. Al hacer que el fondo sea negro, está cambiando toda la atmósfera y toda la vibra de esos paneles. Y también uso un fondo negro cuando quiero introducir una historia de fondo triste o un triste flashback. Y también cuando la pelea está por suceder, sobre todo cuando los personajes están expresando emociones profundas e intensas. Estos paneles no serían tan efectivos si se dejaran con un fondo blanco. También, lo uso cuando hay toda una escena de pelea o todo se siente mal. Por ejemplo, en este capítulo mío, se introduce al antagonista y ocurre una pelea entre él y los personajes principales. Entonces por eso me quedé con todo el capítulo y un fondo negro para dar esa sensación de que algo anda mal es diferente y algo aterrador está a punto de suceder o está sucediendo. Pero la cosa es que no cambio abruptamente el fondo de negro a blanco, sino que lo atravieso fácilmente usando un degradado. Entonces por ejemplo aquí, cambié del fondo blanco introduciendo un fondo claro que va hacia el gris y luego va hacia el negro. Entonces a medida que el lector se arrastra, el fondo cambia para ellos. No se siente abrupto. Y en lugar de usar un degradado, también puedes usar algún tipo de pinceles grunge para introducir ese cambio. Por ejemplo aquí uso el pincel grunge, es el personaje está a punto de liberar su ira. Entonces eso significa que no es una transición muy suave. Además, jugar con los fondos de los propios paneles puede ayudar a invocar diferentes sentimientos basados en el estado de ánimo de la escena. Una de esas formas es añadiendo líneas de racionalización. ejemplo, este panel de aquí no sería tan efectivo si elimino esas líneas de racionalización y lo mantuviera como un degradado. Esos streamlines agregaron la sensación de shock o la cámara subiendo hacia la cara del personaje o algo así. De igual manera, usar un flash Beta para el fondo indica algún tipo de sorpresa o asombro. Por ejemplo, por aquí, utilicé una de esas imágenes que vienen por defecto con el Clip Studio Paint y jugué un poco con los colores. Puedes jugar con los colores, si acaso, jugando con el color de la capa debajo de Propiedades de Capa, lo cambié de negro a este color para que coincida mejor con el tono de mi panel. Y luego apliqué una capa múltiple con un aerógrafo y así es como conseguí que se viera de esta manera. También puedes agregar ruido en el fondo o metas o grunge, por ejemplo aquí en este panel, utilizo este pincel que puedes encontrar bajo las herramientas de Declaración bajo eclosión. Puedes encontrar que esto va a la nube y al usarlo, puedes crear este efecto. También están los objetivos del pincel. También está el cepillo de fricción. Todos esos pinceles realmente ayudaron a traer la sensación de tensión en la escena o retratar este tress que el personaje está sintiendo. Para mostrarte cómo construí este fondo, primero agregué un degradado con estos colores. Y luego importé esta imagen de los assets de Clip Studio, que por cierto, puedes encontrar bajo patrones monocromáticos. Y luego puedes encontrar todo tipo de tipos diferentes. Hay conceptos básicos que son solo tonos verdes. Hay un gradiente, hay rayado. Hay patrones que generalmente se usan para ropa y cosas así. Pero hay esto que me gusta mucho el efecto y la sensación. Tienes sentimientos brillantes y tienes sentimientos oscuros. Y también hay una textura que me gusta mucho. De la textura obtuve este doble la Nube y bajé su opacidad. Después agregué este pincel grungy con un color oscuro y un modo de múltiples capas. Entonces agregué más pincel grungy con un color púrpura del fondo. Después agregué una capa superpuesta con un color amarillo en la parte superior del panel usando el mismo pincel. Por último, utilizo el mismo pincel, nuevamente con un color blanco para finalizar el look del panel. Hacer uso de esas texturas realmente puede traernos algunos efectos interesantes, por ejemplo, en este panel de aquí, primero usé esta textura de bosque y cambié estos colores jugando con esos colores aquí desde las Propiedades de Capa. Y luego apliqué esas líneas de ruido mientras reduje un poco su opacidad para introducir algún tipo de tensión en la escena. Y luego también apliqué algunas líneas ásperas encima del propio personaje para darle esta sensación de preocupación y pensar demasiado y una especie de sensación perdida. Y si notas por aquí, no sombreé al personaje para darle la sensación de que el personaje perdió el sentido de su entorno y está realmente simplificado a esos looks básicos sin cualquier sombreado complicado que pudiera hacer que esta sensación de oro se perdiera. Y también agregué un contorno blanco rodeando al personaje para separarlo un poco del fondo. Y si quiero que esto sea aún más efectivo de lo que puedo eliminar los colores por completo y simplificar la escena a una mirada monocromática para indicar una sensación de choque más profunda. Hablando de fondos confeccionados, también puedes encontrar algunos de colores buscando en los materiales bajo el patrón de color, puedes encontrar efecto y sensación, que también tiene un material brillante y oscuro ruidoso cosas, que usé en esta escena, e.g. I. Usa esta de choque para indicar la sensación de que están peleando y las cosas están estallando entre ellas. Por último, mis tipos favoritos de fondos, que es el fondo sin antecedentes. Básicamente manteniendo el fondo blanco y agregando retroiluminación al personaje, puedo darle esta sensación de que el personaje está inmerso en sus propios pensamientos y olvidando todo sobre su entorno. Y también es útil cuando el personaje está teniendo profundo monólogo consigo mismo. Y es cuestionar lo que está pasando y cosas así. Pero también me gusta usarlo para indicar algún tipo de shock. Por ejemplo, mi personaje, fue atacado. Entonces, para indicar que fue atacada y para que se vea más impactante, no agregué antecedentes a este panel y solo agregué multiplicar. Hay por aquí y algo de textura de ruido para dar la sensación de que todo se quedó en silencio cuando fue atacada. El siguiente panel también. El personaje está mirando este bienestar sumamente conmocionado y está teniendo una mirada incrédula en sus ojos y su falta de palabras. Si volvemos a desplazarnos por esos paneles, podemos tener la sensación de que el tiempo se ha detenido o ralentizado cuando ocurrió esta acción. Por lo que no tener antecedentes en esos paneles, en mi opinión, intensifica las emociones que quiero que se entreguen a través de ellos. Entonces sí, por eso es mi tipo de fondos más favoritos. Y también es por supuesto el más fácil de aplicar. Puedes terminar esos paneles tan rápido. Simplemente haz un sombreado rápido para el personaje y luego pon una capa de multiplicar y agrega algo de retroiluminación y eso es todo, ya terminaste. Entonces, al llegar a este punto, si lo seguiste, ojalá hayas llegado a una etapa en casi hayas completado tu capítulo. Y lo único que queda es exportar tus imágenes y finalmente publicarlas en línea. Entonces, en la siguiente lección, hablaremos sobre cómo puedes exportar tu cómic para que sea adecuado para el formato electrón que puedas subirlo con facilidad. 27. 6-1 exportar páginas web: Enhorabuena por terminar tu capítulo. En esta etapa, finalmente estás listo para exportarlo y publicarlo. Entonces, en esta lección, repasaremos cómo puedes exportar tus imágenes de una manera que sea adecuada para el formato web tune, principalmente para la plataforma electron Canvas. Si eres usuario de X, puedes exportar todo tu capítulo en imágenes a la vez yendo a Exportación de archivos con duna. Y luego por aquí, asegúrate de tener todas las páginas usadas o puedes especificar el rango de las páginas que deseas. Yo suelo ir por todas las páginas y tú especificas el ancho desde aquí. Especifico el ancho para que sea 800. Porque si recuerdas del Capítulo uno, hablamos de cómo las pautas de tamaño del lienzo electrónico son 800 por 1,280 píxeles de altura. Entonces estamos aquí solo especificando el ancho. Pero en cuanto a la altura, podemos configurarlo desde estos ajustes en Configuración de exportación de archivos, elegir esta última opción, dividir verticalmente y cambiar este número a 1,280 píxeles. Por lo que esto te mostrará el número de archivos que obtendrás. Por último, desde aquí, puedes elegir tu destino donde quieres que se guarden tus archivos, y luego establecer el nombre para que sea el número de tu capítulo o episodio. Y por último, quiero hablar del formato de archivo. Así que como estamos guardando nuestros archivos como imágenes, tenemos dos formatos, PNG y JPEG. Jpeg es un formato que comprime imágenes. Entonces, al establecer la calidad, puedes establecer cómo comprimir tus imágenes. Si quieres guardar tus imágenes y la mayor calidad posible, entonces configúrala al 100%. O puede bajar esta calidad para reducir el tamaño del archivo. Pero en lo personal, no me gusta mucho guardar en JPEG porque me he dado cuenta de que al subir en la Web dos en Canvas, aunque tuvieras tu imagen JPEG se guarda en la alta calidad, ya que son de Formato JPEG, el tono web tiende a comprimirlos aún más. Entonces tiendes a ver algo de ruido en tus imágenes. Y realmente no me gusta ver eso porque trabajo muy duro en la calidad de mi cómic y quiero mis lectores también disfruten de esa alta calidad. Entonces en lugar de JPEG, voy por el formato PNG. formato png conserva la calidad de tus imágenes, por lo que te brinda la mayor calidad de exportación posible. Iré por un PNG y haces clic en Ok para exportar mi melodía web. Podría llevar algún tiempo exportar todas las páginas a la vez porque está procesando una gran cantidad de archivos. Así que dale algo de tiempo. La velocidad será diferente en función las especificaciones de tu computadora. Una vez finalizada la exportación, verás todas tus imágenes exportadas en el destino de la carpeta que especificaste y sus diapositivas y listas para que las subas. Cada imagen aquí tiene las dimensiones de 800 por 1,280 píxeles, y todas están guardadas en el formato de archivo PNG. Ahora bien, si estás usando la versión Pro de Clip Studio Paint, entonces puedes exportar tu trabajo también en Chapter exactamente de la misma manera, excepto que tendrás que hacer cada página por separado. Entonces por ejemplo digamos que esta es la primera página de tu cómic. Luego vas a File export web tune, y guárdalo desde aquí, pero nombra Capítulo 9.1, por ejemplo, para que tus archivos no se estropeen. Entonces esto es 9.1 y luego lo guardas. Y luego vas a la página dos, y luego la exportas como 9.2 y así sucesivamente. Es exactamente de la misma manera. Ahora volviendo a nuestras imágenes exportadas, efectivamente hemos guardado nuestro cómic y la mayor calidad posible. No obstante, hay una cosa. Si vas a subir tu cómic a F2 on Canvas, tienes un límite de tamaño de imagen de 20 mb por capítulo. Eso significa que todas las imágenes que subas a tu capítulo solo deben tener un máximo total de 20 mb. Hay algunos casos total de sus archivos podría ser mayor que eso. Por ejemplo, mi capítulo aquí tiene un total de 20.8 mb. Eso significa que no voy a poder subir todas las imágenes tal como están. Ahora, por supuesto, si guardas todo tu capítulo en formato JPEG mientras bajas la calidad, entonces lo más probable es que puedas ajustar todas las imágenes por debajo del límite de 20 megabytes. Pero en mi caso, como te dije, valoro la calidad sobre todo. Por eso todavía quiero subir el formato PNG, pero quiero optimizar un poco a mi padre. La forma en que encontré alrededor de esto es bastante simple en realidad. Voy a echar un vistazo a todos los tamaños de mis imágenes individualmente. Entonces haré clic derecho aquí y configuraré mi vista para que sea detalles. Después bajo el tamaño de u, voy a hacer clic en esto para que organice mis imágenes en una carpeta descendente en función de su tamaño. Entonces puedo ver que todas mis imágenes están bien excepto esas cuatro mejores imágenes. Este es casi 2 mb. Y por cierto, hablando de Web dos en Canvas, cada imagen tampoco puede superar los 2 mb. Entonces aunque tu total fuera menor a 20 mb, pero tenías una imagen que es más de 2 mb, entonces aún tienes que reducir su tamaño. Así que de todos modos, estamos haciendo eso ahora. De cualquier manera, revisaré esas cuatro imágenes. Haré doble clic y verificaré. Esta es una imagen que tiene un tamaño grande, por ejemplo y sé por qué tiene un tamaño grande porque hay tantos píxeles diferentes y tantos colores en esta imagen. Por eso tiene un tamaño más grande. Y lo mismo para esas imágenes también. Entonces resolvamos este problema con estos pocos archivos. En primer lugar, si eres un usuario de X, cierra el archivo de administración de páginas y luego arrastra esta página que quieres optimizar hacia Clip Studio Paint para abrirlo, y luego ve a File Export single capa, y luego elegir JPEG sólo para esta imagen la guardará como JPEG. Y luego elige el mismo destino que guardaste tus archivos anteriores. Luego haz clic en Guardar aquí, solo cambia la calidad a 90 en lugar de 100. Y luego haz clic en Bien. Esta es una vista previa de la exportación de imágenes. Voy a hacer clic en Bien. Y ahora cuando reviso mis archivos, tengo una nueva imagen guardada como JPEG con 500 kb de tamaño solo en comparación con 1.8 mb antes de comprimir. Entonces si selecciono mi imagen es ahora sin la imagen problematica, entonces he bajado el total de mis archivos a 19.5 mb. Y eso significa que puedo seguir adelante y subir esas imágenes a E2 y canvas sin ningún problema. Si quieres verificar la calidad de las dos imágenes, entonces podemos ponerlas una al lado de la otra para compararlas. Y realmente al mirarlos como están ahora, es muy difícil saber cuál es el jpeg y cuál es el PNG, a menos que mire el título del archivo por aquí. Entonces éste al parecer es el archivo jpeg. Como lo ahorramos al 90 por ciento de calidad, realmente no podemos notar la diferencia fácilmente entre ellos. Incluso cuando lo subí en la web la melodía no es muy notable para ver la caída de la calidad porque esta imagen está llena de ruido y píxeles. Entonces, aunque Epsilon Canvas ha bajado ligeramente la calidad de la imagen, no es tan visible. Entonces eso significa que de esta manera pude preservar la calidad de mi capítulo subiendo todo en PNG y solo comprimiendo aquellas imágenes que necesitaban reducción. Ahora que todas las imágenes de nuestros capítulos están listas, en la siguiente lección, hablaremos del llanto en las plataformas de publicación y de cómo publicar tus series. 28. 6-2 Webtoons: Por fin estamos aquí. Por fin estamos listos para hacer clic en ese botón y publicar nuestro cómic. Entonces hablemos de las dos principales plataformas de publicación de melodía web. El primero se llora en Canvas con sección de hacer para creadores autoeditoriales. Y el segundo es el status, que también permite el espacio para los creadores publiquen sus cómics. Entonces comencemos con llorón en Lienzo. Por supuesto, antes de todo, necesitas estar registrado en el sitio web para que puedas publicar. Y una vez que hayas terminado de registrarte y hayas iniciado sesión, verás el botón Publicar aquí. Así que haz click en él por aquí porque estoy inédito, ya creado. Me está mostrando mi serie. Pero si recién estás comenzando, haz clic en Crear serie. Y sobre usted puede establecer los detalles de su historia. Te voy a mostrar un ejemplo de mi historia para que tengas una mejor idea para tu lienzo es historia. Puedes comenzar a miniaturas, una en formato cuadrado y otra en formato vertical. Este formato cuadrado debe ser de 1080 por 1080 píxeles y no mayor de 500 kb de tamaño, y solo puede ser de formato JPEG o PNG. De igual manera, para la miniatura vertical, tiene que ser de 1080 píxeles por 1,920 píxeles y no mayor de 700 kb. Ahora para la miniatura de la historia, basada en mi experiencia hasta ahora, te insto encarecidamente a que no hagas como lo que he hecho aquí, donde la miniatura tiene muchos personajes, sino que te enfoques en dibujar uno o dos personajes solo en la miniatura y un máximo de tres, diría yo, y tienen algún tipo de historia o emoción en tu portada porque eso abunda mejor la atención del lector. No sabía que cuando creé la portada de mi historia, solo fui por el estilo animus porque realmente quería crear un póster como cualquiera quiere para mi historia. Pero de todos modos, pronto reharé mi miniatura y haré un primer plano de dos personajes en lugar de esto. Y jugar con la iluminación y el sombreado, porque eso es lo que realmente llama la atención de los lectores. Entonces después de configurar tus miniaturas, los géneros para tu historia. Para mí, elegí mi género principal para ser la fantasía, pero también ayuda a establecer el segundo género, sobre todo que las inscripciones de fantasía y la comedia generalmente están sobresaturadas de historias en la web no Canvas. Entonces eso significa que su competencia es muy alta. Entonces, al elegir un género menos saturado para mi historia, le estoy dando la oportunidad de aparecer más en la parte superior del segundo género porque ahí hay menos competencia, pero se asegura de que el secundario sigue siendo aplicable a tu historia. Y luego por aquí ingresa el título de la historia y el resumen. Trate de mantener su gráfico de resumen de historia y atractivo para que el lector sienta entrada para leer su historia y obtener más información. Y una vez que hayas terminado y guardes esos detalles, entonces puedes ir a tu panel de control. Y debajo del tablero, puedes hacer clic en Agregar episodio. Ingresa el título de tu capítulo por aquí. personal, no necesito mis capítulos. Yo sólo los numeré. Y para la miniatura, el tamaño de la miniatura tiene que ser 160 por 151 y no más de 500 kb y solo JPEG o PNG para la miniatura del capítulo. Siempre asegúrate de elegir una toma interesante de tu panel que tenga algún tipo de emoción o algo que sus lectores estarían intrigados de hacer clic en ese episodio y ver qué está pasando. personal, me gusta ir por unas tomas de primer plano de los rostros de mis personajes, especialmente aquellos que invocan algún tipo de emoción. Entonces, una vez que agregues la miniatura de tu capítulo, todo lo que queda es subir las imágenes de tus capítulos. Y eso se puede hacer muy fácilmente. Simplemente selecciona todo desde aquí y arrastra y suelta. O por supuesto también puedes seleccionar los archivos desde este botón de aquí para subirlos. Pero encuentro este camino mucho más rápido. Una vez que hayas terminado de subir, puedes reorganizar tus imágenes arrastrándolas y soltándolas. Por supuesto, la mayoría de las veces se van a subir en orden, pero a veces se suben fuera de servicio. Así que sólo puedo referirme a los números de imagen y reordenarlos para que todo quede bien. Finalmente, desplazándote hacia abajo, puedes agregar una nota de creador por aquí, una breve nota de tu capítulo. Puedes previsualizar tu capítulo aquí para revisarlo antes de subirlo. Para que pueda probar la vista previa móvil. Me desplazo por aquí y compruebo cómo se ve el ritmo de tu capítulo. Si sientes que algo está mal, entonces siempre puedes volver a tus archivos de trabajo y ajustar el espaciado entre tus paneles y así sucesivamente. Se pueden detectar errores. A veces escuchas que no puedes detectar en el software de dibujo. Entonces es una buena idea revisar tus archivos aquí antes de publicarlos. También puede hacer clic en Vista previa de PC para obtener una vista previa de cómo se ve en las computadoras. Si no quieres publicar tu capítulo inmediatamente, entonces puedes hacer clic en Guardar borrador. O si quieres publicar tu episodio, entonces puedes hacer clic en este botón inmediatamente para publicar inmediatamente el episodio. O puedes programarlo haciendo clic en programado para más tarde y fijando la fecha a tiempo. Y hago clic en Publicar episodio. Una vez que estés listo para revisar tus episodios en el tablero, ve a Editar episodio. Y puedes ver todos tus capítulos por aquí. Y si tienes un borrador que aún no has publicado, entonces aparecerá por aquí también con un estado escrito como borrador. Y siempre puedes volver a editarlo haciendo clic en el botón Editar. Una última nota con respecto a la Web dos en Canvas, dicen que es muy recomendable que subas los tres primeros capítulos de tu cómic por completo a la vez cuando publiques tu cómic. Porque esto da a los lectores la oportunidad de conocer más sobre tu historia. Y una vez que estén en el tercer capítulo de tu historia, entonces la app les indicará que se suscriban a tu cómic si aún no lo han hecho. Entonces eso significa que puedes conseguir más lectores de esa manera. Yo personalmente no lo sabía hasta más tarde en el tiempo. Lo que te aconsejo mucho que sigas ese consejo cuando estés lanzando por primera vez porque te puede ayudar a ganar más lectores en esta etapa temprana. Ahora eso fue para mojado sobre Lienzo. En cuanto a las tapas, también necesitas estar conectado. Y una vez que lo hagas, ve al dashboard y luego da click en nuevas series. Type US tiene tanto cómic como novela, pero queremos elegir la opción cómica. Y luego lo mismo por aquí. Necesitas rellenar los datos de tu serie. Nuevamente, te voy a mostrar los detalles de mi serie como ejemplo, puedes poner el título de tu cómic. Y lo bueno es que puedes establecer una URL única para tu historia para que puedas escribir fácilmente esta URL y redirigir a la gente que lo haga y luego subir la miniatura de tu serie. Sus requisitos son de 300 por 300 píxeles para la miniatura cuadrada. Y luego pon la descripción de tu historia por aquí. Y luego puedes subir la miniatura vertical, que llaman portada de libro por aquí, y el tamaño debe ser de 961,440 píxeles. Tocar con nosotros también te da la opción de agregar un banner de serie que aparece como encabezado en tu página de cómic. Las dimensiones del banner tienen que ser 1280 por 460 píxeles. Y también puedes configurar el enlace del banner para que puedas redirigir a las personas a otro sitio web, tu sitio web personal, por ejemplo I. Establecer el mío para enlazar a mi canal de YouTube. Y lo bueno es que también puedes tener un banner publicitario personalizado. Entonces e.g. Pongo un banner para mi Patreon por aquí y pon el enlace del banner para ir a mi página de Patreon. Y por último, seleccionar el género. Puedes seleccionar hasta tres géneros, pero establecer uno como género principal. Entonces otra vez, puse el mío como fantasía. Y también puedes agregar etiquetas que indiquen más detalles sobre los elementos de tu historia. Entonces e.g. I. Se agregó un thriller de clases de fantasía moderna, poderes elementales, y así sucesivamente. Una vez que hayas terminado de crear tu serie en tu panel de control, haz clic en este botón más aquí para agregar un nuevo episodio para tu serie. Y lo mismo, de nuevo, agrega el título de tu capítulo. Y también puedes arrastrar y soltar tus imágenes para que se suban. Y también puedes reorganizarlos y verificar su pedido. Entonces puedes subir la miniatura de tu capítulo desde aquí. Pero las dimensiones para la miniatura aquí son de 300 por 300 píxeles. En cambio. También está la miniatura del sheriff que puedes ajustar, que toma la primera imagen de tu capítulo y puedes editarla como quieras. Para mí por aquí tengo el logo así que no hay necesidad de editar. Y por último, tienes la descripción y otros ajustes. Y cuando tus archivos hayan terminado de subir, también puedes previsualizarlo yendo a previsualizar y también un móvil o de escritorio. Entonces, si hacemos clic en el móvil, podemos ver la vista previa móvil. Si hacemos clic en el escritorio, entonces podremos ver la vista previa de PC. Por cierto nos toca los siguientes límites son diferentes y más grandes que WEP en Canvas. Tu imagen puede tener un máximo de 10 mb y no hay limitación de altura en la imagen. Realmente no tienes que rebanar tus imágenes. Pero como ya lo hemos hecho, entonces podemos simplemente subir los archivos tal como están. Sin embargo, una cosa a tener en cuenta, los pañales tienen un límite en la cantidad de archivos que subes. Para que puedas subir más de 60 archivos. Entonces, si tu capítulo era muy largo, podrías terminar con un número de archivos de más de 60. Entonces tal vez ahí es cuando necesitarías no cortar realmente tus imágenes y tener una altura mayor para cada una. Entonces eso fue todo en cuanto a publicar tu serie. En la siguiente lección, hablaremos sobre cómo puedes guardar una fila o una versión en blanco de tu capítulo cómico. 29. 6-3 salvando rostros y espacios en blanco: En esta lección, quiero mostrarte cómo puedes guardar una versión en blanco de tu cómic así sin las burbujas de discurso en los efectos de sonido para mantener con tus archivos en caso que quieras exportar tus imágenes sin texto para tu personal y recurso como artista. Y también quiero mostrarte cómo guardar nuestra propia versión de tu cómic con solo unas burbujas de discurso en blanco. Entonces, en caso de que quieras publicar tu cómic en un idioma diferente, cuando quieras enviarlo a traductores, debes proporcionarles este ejemplar. Te voy a mostrar cómo hacer tanto en pasos muy fáciles como rápidos. Primero guardemos nuestra propia versión de nuestro capítulo con un discurso en blanco burbujas porque es muy fácil y rápido hacerlo. Pero antes de continuar, solo quiero señalar que necesitarás desactivar cualquier texto o efecto de sonido que hayas hecho a mano, por ejemplo, en esta página de aquí, tengo este sonido escrito a mano efecto, así que solo lo esconderé. Y también por aquí tengo este pequeño comentario escrito a mano. También lo esconderé. Y sin guardar nada, solo mantén abierto el archivo. Vaya a su carpeta o archivo de administración para X usuarios y vaya a Archivo, exporte varias páginas y luego haga clic en exportar por lotes. Elija su destino de archivo haciendo clic en este botón y elija su formato de archivo. Por lo general vuelvo a optar por un formato PNG para preservar la calidad y luego nombrar tu capítulo. Voy a mantenerlo como Capítulo 13. Y para el rango de páginas, voy a hacer clic en Todos. Después haré clic en Aceptar debajo de estos ajustes. Asegúrate de deshacer clic en el texto para que todas las capas de texto no se guarden en tu imagen final. Eso es, literalmente, todo. El principal paso importante que debes dar. Y luego me quedo con todo lo demás como está excepto el tamaño de salida. Cambio el ancho a 800 porque no quiero que sea un tamaño muy grande. Ya que para otros idiomas, principalmente solo apunto a publicar en línea y realmente no pienso en imprimir en formato de libro más tarde a menos que realmente sepa que podría haber impreso más tarde y ese específico idioma que lo guardo en el tamaño original. Aparte de eso, lo configuré 800 píxeles y luego hago clic en Bien, también va a tomar algún tiempo. Por aquí, hay archivos grandes y necesitarán tiempo para renderizar una exportación. Por lo que es muy fácil de exportar para X usuarios. Pero nuevamente, para nuestros usuarios Pro, puedes seguir exactamente los mismos pasos, pero no tendrás disponible la opción de exportación por lotes. Así que solo sigue los mismos pasos, pero hazlo individualmente, guardando manualmente cada página por su cuenta hasta que tengas la cosa completa guardada. Entonces ahora cuando revise mis archivos, encontraré que tengo la versión en blanco de mis cómics guardada en formato de imagen lista para que los traductores solo entren y tapen esta playa. Y uno haciendo este paso, reviso una última vez que no hay cientos y textos sobrantes y todo está en blanco y listo para ser traducido. Si quiero guardar un formato en blanco sin burbujas de discurso ni textos en absoluto, entonces abriré cada página de mi capítulo por sí sola. Y lo que voy a hacer en cada página. Sólo voy a ocultar la carpeta de texto y la carpeta de efectos de sonido. Si tuviera uno, lo esconderé por cada página para que me quede solo con las imágenes. No voy a guardar esos archivos. guardaré como están, pero volveré a ir a mi archivo de administración de páginas. Y puedo ver el avance por aquí. No hay burbujas de discurso, son globos en absoluto, tampoco hay efectos de sonido. Desde aquí, iré a Archivo, exportaré varias páginas, exportaré por lotes, y elegiré el destino de aquí. Pero para el formato de archivo, cuando digo mis filas, quiero que se guarden en la mayor calidad posible. Así puedo elegir formatos de imagen como PNG. Prefiero no hacer eso porque a veces tengo páginas largas que tienen una altura de más de 30,000 píxeles. Y todo el formato de archivo de imagen no soporta imágenes tanto tiempo. E incluso el formato de archivo de Photoshop, PSD no soporta eso. Encontré que elegir el formato PSB funciona lo mejor se llama Photoshop big document. Yo elijo esto y lo que este formato, puedo guardar imágenes que son mayores a 30,000 pixeles. Así que voy por PSP y hago clic en combinado y exportación de imagen. Nuevamente, especifico el rango de páginas para que sea todo. Y luego haga clic bien, por aquí, ustedes todavía también se aseguran de que no se marque nada. Y en cuanto al tamaño de salida, quiero ahorrarlo en 100 por ciento. Entonces elegiré la relación de escala de los datos originales y la estableceré al 100%. Y luego haz clic en Bien. Nuevamente, esta exportación por lotes siempre llevará tiempo, y sobre todo ahora que estoy renderizando con el tamaño completo. Entonces solo voy a hacer otra cosa cuando estoy haciendo este paso para no sentir que está tardando tanto. Y nuevamente, para un usuario profesional, aún puedes seguir los mismos pasos, pero hacerlo individualmente para cada página por su cuenta. Una vez que termine de exportar, cierre esos archivos y no los guarde porque quiero que mis páginas cómicas se queden como están, nada oculto. Entonces me mezco para no guardar nada. Y como pueden ver, puedo ver el discurso burbujea aquí de nuevo, ya que no sobrescribí mis archivos. Y ahora mis imágenes exportadas se verán como las siguientes. Allí y formato PSP. Y al abrir y revisar cada página individualmente, he guardado mi cómic solo con imágenes, sin texto, sin burbujas de discurso, solo como es para que pueda conservar mis obras de arte para mi registro personal, para compartir también en las redes sociales. Copio, pego estos y los guardo cuando quiera compartir esas imágenes. Con esto concluye este capítulo. A estas alturas, tengo la esperanza de que esté bien equipado con los conocimientos necesarios para encontrar su camino alrededor de esto y también explorar sus propios caminos a lo largo de este viaje. el siguiente capítulo extra, quiero hablar de cosas y tareas no relacionadas con el dibujo, sino que son realmente importantes para su trabajo general en el campo de la melodía web. Entonces, en la siguiente lección, voy a hablar de hacer copias de seguridad de su trabajo y datos. 30. 7-1 Respaldar tu trabajo: Muy bien, hablemos de hacer copias de seguridad de tus archivos. Como trabajaste muy duro en tu cómic, querrías asegurarte de almacenar sus archivos y conservarlos en un lugar seguro mientras puedes hacer copias de tus archivos y guardarlos en un almacenamiento portátil discos, como discos flash, por ejemplo, o discos duros externos. Aprendí una lección muy importante, de la manera difícil. Nunca jamás vistieron dispositivos físicos. Sí, puedes crear copias en ellas, pero no solo contar con ellas. Desde mi experiencia, perdí una gran cantidad de mis archivos dos veces en cinco años porque me interesaron a discos de almacenamiento físico que me fallaron de la nada, así como así, se detuvieron trabajando sin que yo haga nada. Es por eso que después de la segunda vez, tomé la decisión de comenzar a usar los servicios Cloud en su lugar, son la solución y son la opción más segura hoy en día para mantener sus archivos se conservan. Por supuesto, aún puedes almacenar copias de tus archivos en discos de almacenamiento físico, pero realmente te recomiendo que hagas una copia de seguridad de tus archivos en la Nube. Puedes utilizar cualquier servicio de tu agrado. Personalmente, mi favorito es Google Drive. Dije que mis archivos se respaldaran automáticamente para que se hundan inmediatamente después de que los guarde. Hacer esto también me da el beneficio de permitirme trabajar en diferentes computadoras en cualquier momento que quiera, ya que mis archivos están conmigo en cualquier lugar. Por lo que es fácil cambiar entre dispositivos. Y otro beneficio que viene con el respaldo de tus archivos a la nube es que te permite restaurar versiones anteriores de tus archivos. Así que en caso de que hagas cambios no deseados cuando estás trabajando o algo sale mal por error y pierdes algunos datos y el proceso, entonces simplemente puedes ir a tu Cloud Service y descargar una versión anterior de su archivo antes de que las cosas salieran mal. Y esto me ha pasado varias veces y me ha salvado de momentos desagradables. Digamos. Te recomiendo encarecidamente que hagas una copia de seguridad de tus archivos en la Nube. Y a medida que tu cómic crezca y tus archivos vayan a crecer, no está de más invertir en almacenamiento extra porque como dicen, mejor a salvo que a lamentar. Entonces eso es lo que hace una copia de seguridad de tus archivos. En la siguiente lección, hablaremos sobre documentar el progreso de tu trabajo. 31. 7-2 Documentación de progreso: Ahora quiero hablarles sobre cómo hago un seguimiento de mi progreso para cada capítulo para que sepa cuánto trabajo hice por día y ¿cuánto tiempo tardó en terminar el capítulo? Entonces lo hago con la hoja de cálculo que creé para mí. Este dispositivo de hoja de cálculo funciona a lo largo del tiempo. Entonces la fila superior ya tiene la fecha y cada fila representa un panel. Es por eso que te dije numero mis paneles cuando creo a sus amigos en mi archivo de trabajo para que pueda hacer un seguimiento fácil de ellos. Entonces por ejemplo aquí en el Capítulo 11 de mi melodía web, tengo 38 paneles, así que puedo 38 filas, cada fila para cada panel. Y de esta manera puedo seguir mi progreso en el panel con cada día que pasa. Lo hago haciendo clic en esta flecha de aquí y eligiendo el estado en el que mi panel está n ahora mismo. Entonces estas son las fases que documentaría. Entonces documento letras, boceto, arte lineal , colores base, sombreado, fondo y finalización. Entonces como vimos en el avance de esta clase, yo hago las letras primero de todo. Entonces es por eso que la primera columna está llena de letras y por ejemplo cuando bosquejo en el panel, luego hago clic aquí y elijo un boceto para saber que he bosquejado en este día. Si hago mi boceto los martes, por ejemplo, entonces lo mantendría como boceto en esos dos días y luego solo cambiaría esto cuando avance a la siguiente fase. Hacer esto me ayuda a ver mi progreso general en el capítulo por ejemplo I. Terminé trabajando solo en el Capítulo 11.14 días, que es realmente el caso ideal. Y no trabajaba todos los días. Hasta documenté mi fin de semana por aquí. Puedo ver que este capítulo se hizo de manera oportuna. Pero claro que a veces sucede la vida y un capítulo puede tardar mucho más que eso. Entonces realmente es solo una manera de que veas cuánto tiempo tardaste en terminar tu capítulo. He guardado una plantilla en blanco que compartiré contigo en las notas de clase para que puedas intentar usarla por ti mismo. Lo que tendrías que hacer es decidir tu periodo de tiempo. ejemplo, puedes agregar más días copiando columnas con Control C y luego pegarlas con Control V. Y luego por aquí dijeron que ellas, en las que estás empezando. Y luego solo para arrastrar esto para que tengas fechas sobre todas tus columnas y ajustar el número de tus paneles desde aquí, por ejemplo, si tuvieras 40 paneles, entonces solo para hacer clic en la última celda arrástralo hacia abajo para 2Ls y luego copia la URL y pegarla en esos dos nuevos roles. Y entonces puedes empezar a documentar tu progreso. Cuando marco el panel como finalizado, me gustaría copiar una celda en blanco y luego pegarla sobre el resto de las celdas. Este es un paso extra que hago por mí mismo para que pueda ver fácilmente lo que he terminado y lo que queda. También coloreo el fondo de las celdas de los paneles que terminé de una manera que me muestre el lienzo en el que estoy trabajando, por ejemplo el primer lienzo o página de mi capítulo tenía seis paneles. Entonces coloreando todos esos acabados seis paneles con el mismo color. Sé que terminé la primera página de mi capítulo y hago lo mismo para la segunda página, tercera página, cuarta, quinta y así sucesivamente. Nuevamente, este también es un paso extra que me gusta hacer por mí mismo, pero quería mostrarles mi camino sobre cómo hago un seguimiento de mi progreso. Espero que esta hoja de cálculo te resulte útil si también quieres hacer un seguimiento de tu propio progreso. En la siguiente lección, voy a hablar sobre cómo puedes promover tu melodía de trabajo. 32. 7-3 Promover Webtoons: Hablemos ahora de promocionar tu trabajo realizado. Ahora publicar en Web dos en Canvas puede traerte algunos lectores, pero no cuentes con que sea tu fuente principal porque la competencia es muy alta. Así que no es fácil ser notado a menos que tu coma sea presentado por la Web dos y el personal y aparezca y te recomienden estas secciones, entonces lo más probable es que no obtengas ningún número significativo de lectores. No te limites a confiar en él y esperar a ser descubierto. Hacer uso de las redes sociales. Crea tus perfiles en tus redes sociales preferidas y comparte tu trabajo. Darte un cómic, una oportunidad de llegar a más gente. Te recomiendo crear un pequeño sitio web donde puedas juntar todos tus enlaces para que la gente pueda ver fácilmente todo tu negocio en una sola página. Te recomiendo usar tarjeta. Es un sitio web gratuito y puedes crear un sitio web sencillo de aspecto interesante con imágenes y enlaces y botones de aspecto bonito para que puedas compartir todo lo que haces en un solo lugar. O también puedes hacer uso del árbol de enlaces, con el que puedes crear una página de aspecto más simple. Ahora cuando se trata de redes sociales, tengo varios puntos que quiero compartir con ustedes. En primer lugar, crea un hashtag para tu cómic y escríbalo en tu perfil porque es clicable y tanto Instagram, es Twitter para que la gente pueda hacer clic instantáneamente en él y ver tus publicaciones relevantes al respecto. Aconsejo encarecidamente también hacer uso del hashtag Lepton Canvas y la melodía izquierda para que puedas descubrir otros creadores y que otros creadores te descubran. Lo hago tanto para mis publicaciones de Instagram como para Twitter. Así que con cada nuevo post iMac sobre mi historia, me aseguro de usar mi hashtag y el hashtag electrón Canvas también trabajó en las cosas de Canvas son realmente activas en las redes sociales. Crean muchas actividades con las que puedes participar, y comparten obras de creadores y ayudan a promocionarlas. Por lo que es realmente una buena idea seguirlos en sus redes sociales para que te conviertas en parte de la comunidad y estés al día con lo último en uso. También crearon un servidor oficial de discurso para creadores de Canvas. Él puede unirse a este servidor de discurso una vez que haya publicado al menos tres capítulos de su cómic, unirse al servidor es una excelente manera de conocer a otros creadores y vamos a conexiones. Se pueden hacer unas mutuas y el servidor. Y también consigue que los lectores de dentro de los creadores revisen tu cómic también. Y también puedes descubrir tantos creadores y cómics increíbles. Entonces es una situación de ganar-ganar. También puedes obtener consejos útiles de la comunidad y también puedes tener la oportunidad de participar en sus talleres. Son muy activos. Entonces, si quieres ese tipo de comunidades, entonces te lo recomiendo encarecidamente. Por último, quiero hablar sobre el tipo de comentario a compartir en redes sociales. Si bien compartir imágenes es genial, no siempre reciben tanta atención como los videos cortos, que hoy en día están de moda. Por videos cortos, me refiero al estilo TikTok de videos que están hechos para el uso de teléfonos inteligentes. Entonces, por ejemplo puedes hacer uso de TikTok o rails en los cortos de Instagram o YouTube. De hecho, una vez que crees un video corto, entonces no perderás nada al compartirlo en todas tus redes sociales, incluyendo Twitter y Facebook también. Algunos videos pueden tener mejores resultados en ciertas redes sociales más que en otros. Así que en realidad no estás perdiendo nada publicándolo en múltiples lugares. En cuanto a ideas de contenido de video corto que puedo recomendar, hay múltiples cosas de moda. Lo más fácil es grabar tu pantalla y luego recortarla, luego acelerarla y subirla como un lapso de tiempo. Pero también puedes hacer esto antes y después tipo de video. Pon tu boceto encima de la imagen final y borrándola para revelar la imagen final. También puedes llenar meros pasos en tiempo real mientras estás dibujando. Entonces es una especie de tutorial, pero no realmente. Muestra a la gente tus pasos y la forma en que haces las cosas. Y también podrás tener grabar los amores del tiempo y Clip Studio Paint. Por ejemplo, yo grabé uno mientras dibujaba la portada de mi historia y luego la extraí y publiqué. Puedes hacerlo en Clip Studio Paint fácilmente yendo a File time-lapse y luego haciendo clic en Grabar lapso de tiempo. Grabará cada paso que hagas mientras dibujas en tu Lienzo. Una vez que hayas terminado, puedes volver a archivar time-lapse y luego hacer clic en Exportar lapso de tiempo para que puedas exportar un video de tu time-lapse. Y puedes jugar con la configuración desde aquí y luego hacer clic en Aceptar para guardarla. Por supuesto, las redes sociales son complicadas y siguen cambiando con el tiempo. Pero espero que estos consejos puedan ayudarte al menos dentro del tiempo actual. Y te aconsejo encarecidamente que siempre estés a la vista y te mantengas en contacto con las últimas tendencias para que entiendas qué te funcionaría mejor. En la siguiente y última lección, hablaremos sobre cómo monetizar tu melodía web para que puedas obtener algunos ingresos con tu trabajo. 33. 7-4 Webtoons: Hablemos ahora de cómo puedes monetizar tu melodía web y obtener algunos ingresos a través de ella. Bueno, monetizando web dos lunas, ¿sigue siendo tecla de flecha y manera desafiante? No es imposible. Sin embargo, como con todo el trabajo en redes sociales, necesita tiempo y paciencia para construir. Por eso es realmente esencial no empezar a trabajar en tu cómic solo con el propósito de ganar dinero. Debido a que ese tipo de objetivo no es suficiente impulso para mantenerte encaminado y en este largo viaje, es importante trabajar en tu melodía web ante todo por tu pasión por ella y porque amas ello. Confía en mí, eso es lo que te mantendrá marcha a pesar de todos los retos que enfrentas. Pero claro, ayuda mucho conseguir algo de venganza, al menos por todo el esfuerzo que ponemos en nuestro trabajo. No importa lo pequeño que sea. Esta lección, quiero compartir con ustedes algunos consejos e ideas actualmente disponibles para ganar dinero a través de su web no funcionan. La primera opción es monetizar la melodía web en las propias plataformas, tanto WEB du como luego tocarnos tener un programa de ingresos publicitarios que los creadores a menudo pueden, una vez que cumplen con los criterios. Cuando seas aceptado en esos programas y el anuncio aparecerá al final de tus episodios y ganarás dinero con solo hacer que los lectores lean tu cómic. El monto depende totalmente de las vistas que obtengas. Por lo que no sería una cantidad significativa a menos que tenga cientos de miles de visitas. Pero como decíamos, nuestro lema es cualquier cosa mejor que nada. Para entrar en la dirección tu programa en electron Canvas, necesitas 1,000 suscriptores en tu cómic y 40,000 páginas vistas mensuales en tu serie, lo que puede ser bastante desafiante para ser honesto. Necesita a tus pacientes con él. Yo diría que déjalo por un tiempo mientras intentas promocionar tu cómic y dejar que crezca tanto como puedas. Pero una vez que cumpla con esos requisitos, entonces podrá aplicar. Pero tu cómic se someterá a un proceso de revisión que este material se asegura de que cumpla con las pautas de lo que dunas. Como cuatro toque como también puedes ganar dinero a través de los ingresos publicitarios, ellos requisito para esto es solo tener 100 suscriptores en una de tus series. Así que es mucho más fácil meterse en ello al tocarnos. Pero eso también tiene otro buen sistema de monetización. Si tuviste 250 suscriptores en alguno de tus cómics y luego puedes activar el soporte al lector. El botón de Soporte se mostrará en tu cómic. Los lectores pueden hacer clic en este botón y apoyarlo con tinta, que es la moneda moneda que nos toca. Cuando reciba tinta, se convertirá a su cantidad equivalente en dólares. Entonces eso significa que se convierte en dinero que puedes retirar. Este sistema es ideal para obtener apoyo directamente de los fanáticos amables y solidarios. Las segundas formas de monetización en las que puedes crear una página patriarca para tu trabajo y ofrecer recompensas que las personas pueden obtener una vez que se suscribieron a tu Patreon, por ejemplo, puedes compartir contenido exclusivo y acceso anticipado a tus capítulos y tal vez otro tipo de recompensas. Es bueno echar un vistazo a lo que otros creadores están haciendo para obtener ideas e inspiración de ellos. Lo bueno es que puedes conectar electrón patriótico El botón Canvas aparecería en tu página de cómic donde la gente puede hacer clic en él e inmediatamente ser dirigido a tu página de Patreon. El tercer método es vender merch. Puedes crear March de tus personajes de Comics y productos de marca y diseño que puedes vender a personas que estén interesadas en comprarte. A mí me gusta más usar burbuja roja ya que tienen una gran variedad en sus productos. Así podrás diseñar muchos productos interesantes con grandes variedades de tus personajes cómicos. Y por supuesto puedes probar diferentes servicios como printf full o print si por ejemplo solo busco servicios de impresión bajo demanda y verás que aparecerán muchas opciones. Por último, puedes rediseñar y rehacer la maquetación de tu cómic para que esté en formato de libro y publicarlo en servicios como Amazon, k d p, que también es un servicio de impresión bajo demanda, para que no tiene que preocuparse por imprimir copias e inventario y cosas así. Por supuesto, estas no son las únicas formas. Puede haber muchas más formas de ganar dinero creando generalmente contenido en Internet. Quería mantenerlo específico en esta lección con residuos directamente relacionados con tu propio cómic. No obstante, nunca te limites y mantente siempre al tanto de lo último que pueden hacer los artistas para obtener ingresos. Especialmente si quieres convertir esto en un trabajo que haces a tiempo completo. Lo más importante de todo, sin embargo, no olvides divertirte y recuerda disfrutar este emocionante viaje de darle vida a tu historia. 34. Conclusión: Enhorabuena, finalmente has llegado al final de esta clase. Y a estas alturas, tengo muchas esperanzas de que hayas dado ese primer paso para hacer realidad tu sueño. De hecho, desde que empezaste a trabajar en ello, entonces ya no es un sueño. Ahora estás viviendo el sueño, y esto es solo el comienzo del mismo. Este será un viaje increíble que es a la vez desafiante y gratificante. Al mismo tiempo, encontrarás que dibujar tu melodía web te sacará de tu zona de confort y te hará intentar aprender cosas nuevas que nunca pensaste que harías antes. Y por lo tanto, verás que crecerás mucho como artista. En mi experiencia personal, solo ha pasado un año desde que empecé a dibujar mi melodía web. La mejora que han sufrido las muertes de ratones realmente superó mis expectativas. No sólo mejoré en el dibujo en general, sino que mi velocidad de dibujo también ha aumentado mucho. Solía dibujar ilustraciones digitales durante años y H me llevaría un promedio de 5 h o más. Ahora puedo dibujar ilustraciones similares con mejor acabado en nuestras 3 h solo que no estaría recibiendo si te dijera que la mejora que mis habilidades han visto a lo largo este año vale más que lo que yo aprendió en los últimos cinco años en conjunto. Debido a mi melodía web dibujada volvió a ser un hábito para mí después de que solía practicarla solo unas cuantas veces al mes, me hizo desafiarme tanto. Andrew posa y hace fondos. Nunca pensé que alguna vez sería capaz de hacer ¿cuál es el poder de la pasión? Y porque nosotros como web a un artista nos desafían cada capítulo con paneles que no son tan cómodos para nosotros dibujar, pero tenemos que dibujarlos de todos modos, para que la historia se cuente en el manera que lo imaginamos en nuestras cabezas. Y así es como a lo largo de este proceso, nuestros límites son empujados con cada nuevo capítulo y cada nuevo panel. Y sin darnos cuenta, conseguimos mejorar tanto nuestras escuelas, estaría más que feliz si quisieras unirte a mi viaje de mejora y seguir mi historia entrelazada a medida que se pone desplegado con el tiempo, también eres más que bienvenido. Para seguir mi trabajo en mis redes sociales y canal de YouTube, estaría muy feliz de tenerte ahí y espero que encuentres lo que comparto. También son útiles para ti. Tengo muchas ganas de mejorar más y crecer más como artista a medida que avanzo en este viaje. Y estoy realmente servicial que usted también esté emocionado de ir en sus propios viajes personales. Muchas gracias por tomar esta clase y por dejarme ser parte de tu camino creativo.