Dibujar cómics: una guía para principiantes

1. Introducción: Me encanta leer cómics. ¿ Sabes qué es aún mejor que leer cómics? Dibujo Comics. Mi nombre es [inaudible] Marks. Siempre que tengo una historia que quiero contar, siempre recurro a mi forma de arte favorita. Por eso he estado dibujando cómics desde que era pequeña. He aprendido mucho en el camino. Ahora, quiero ayudar a otros artistas que tengan curiosidad por hacer sus propios cómics a iniciar su viaje. Ya sea que trabajes en tradicional o digital, he creado una clase repleta de lo esencial que cualquier aspirante a artistas necesita para empezar. Cada capítulo de la clase se centra en parte de lo que hace del arte cómico una forma de arte emocionante y única. Desde organizar personajes, configuraciones y burbujas de voz dentro de un panel, hasta seleccionar las herramientas de dibujo adecuadas para su proyecto, hasta explorar estilo e ilustrar historias, cada lección está repleta de consejos profesionales y consejos de mi parte, así como ejemplos de los increíbles artistas que han inspirado mi trabajo a lo largo de los años. Después de la lección, iniciaremos un proyecto de clase que te ligará paso a paso a través del proceso creativo de planeación, bocetos, un pinking tu propio cómic. Si eres ilustrador de cualquier nivel de habilidad que tenga curiosidad por probar arte cómico, espero que esta clase sea un recurso divertido y útil que te abra los ojos a las posibilidades del arte cómico. Mira, ambos sabemos que leer cómics es genial, pero es hora de dejar de lado los libros y recoger un lápiz. Es hora de empezar a dibujar cómics. 2. Descripción general: Hola, bienvenidos a la clase. Gracias por acompañarme. Ahora, antes de que empecemos, solo quiero contestar algunas preguntas básicas que podrías tener. Te habrías dado cuenta de que esta clase dura dos horas, así que quería hacerte saber en qué te estás metiendo. La primera pregunta es, ¿cuáles son los objetivos de esta clase? Mi objetivo aquí es enseñarte a entender y utilizar eficazmente elementos básicos de las Artes Cómicas para crear historias atractivas. Ahora bien, ¿tienes que ser un increíble ilustrador para participar en esta clase? No. Te voy a enseñar a usar tu estilo de ilustración actual, tal vez desarrollarlo a través de algunas etapas de bocetos y entintado. Pero también te voy a ayudar, lo más importante, a tener confianza en tu capacidad de contar historias. Podrás dibujar en cualquier estilo siempre y cuando tengas confianza en tus historias. A continuación, hablemos de qué herramientas vas a necesitar para participar en esta clase? Al mínimo, puedes participar con un trozo de papel de copia y lápiz. Si quieres ser un poco más fantasioso, puedes sacar tu tableta de dibujo o podrías comprar algunos suministros de bolígrafo y tinta en la tienda de arte. Estos son temas de los que hablaré en la clase. Pero realmente si quieres dibujar cómics, trabajarás con lo que tienes disponible para ti. Podría ser el marcador Sharpie en tu cocina, lo que sea que tengas. Ahora hablemos de la estructura de la clase en su conjunto. Básicamente se desglosa en dos secciones. Tenemos la parte lectiva de la clase, y luego tenemos el proyecto de clase que sigue a la lección. Déjame revisar lo que encontrarás en cada una de estas dos secciones. El lección es la primera serie de capítulos que te van a enseñar cómo funcionan los cómics y los paneles. La lección se descompone en tres secciones. Composición del panel, que es cómo dibujar caracteres y ajustes dentro de un panel. Transiciones de panel, que tiene un vistazo a la variedad de formas en que los paneles trabajan juntos para contar una historia y el panel entintando una mirada técnica a las herramientas, digitales y tradicionales, que los artistas usaban para crear cómics. Después de terminar la sección lectiva de la clase, pasamos al proyecto. Nos he asignado un proyecto sencillo, un cómic de dos paneles esbozado y entintado, inspirado en el tema, la obsesión. En la sección de proyectos me verás trabajar de principio a fin mi propio proyecto cómico. Tendrás la oportunidad de ver exactamente cómo hago el trabajo. Te llevaré por todas mis etapas creativas de planear una narrativa, además de gritar algunas de las habilidades que hemos aprendido en las lecciones anteriores. Esa es la estructura del curso. Como puedes ver, me encanta crear visuales divertidos para mantenerte comprometido y ayudar a que estas ideas se peguen en tu cerebro. Bueno, eso es todo lo que tengo que decir por ahora. Vamos a ir a clase. 3. Lección: comprensión de la viñeta: Empecemos con un pequeño experimento de ciencia. Vamos a diseccionar un panel cómico ordinario. Ahora cuando separas un panel, estás mirando cuatro elementos básicos; el marco, la burbuja del habla, los personajes, y el ajuste. Un artista del cómic puede organizar estos cuatro elementos de todo tipo de formas. Pero al final del día, un panel de cómics es una herramienta narrativa y tu arreglo debe usarse al servicio de una historia. Antes de hablar de los elementos del panel, recordemos el objetivo general del panel de cómics. Es decir, involucrar al lector. Queremos utilizar un panel para invitar al lector a nuestra imaginación, y conectarlos con la experiencia de un personaje. Un panel cómico necesita ser un equilibrio de dos agendas creativas. En primer lugar, desea diseñar su panel de una manera que los haga claros y fáciles de entender por el lector. Pero por otro lado, también quieres representar tu llamarada ilustrada y tu voz autoral. Quieres darles algo de estilo. Por supuesto, se necesita práctica para encontrar ese equilibrio, pero también se necesita una comprensión de los elementos del panel y cómo hacerlos funcionar de manera efectiva. Ahora que tenemos metas para nuestro panel de cómics, desarmémoslo y hablemos de cómo cada uno de estos cuatro elementos puede ser utilizado de manera efectiva. En otras palabras, estamos aquí para mirar los do y no hacer de un buen panel de cómics. Empezaremos con el marco. El marco es la fuerza invisible detrás de todos los cómics. Respeta estas cuatro líneas y serás mucho mejor artista cómico. No pienses en tu marco cómico como una caja en la que puedes apretar un dibujo dentro de. Tu marco no debería sentirse como un espacio bidimensional. El fondo de tu panel no es un piso, y la parte superior no es un techo. Usar un panel de esta manera le roba a tu imaginación la oportunidad creativa, y hará que tus paneles sean poco interesantes. Piensa en tu marco como una lente en el mundo de tu personaje. Tratarlo como una lente aportará profundidad visual a tus ideas y encontrará a tu panel un punto de vista narrativo. Todas estas son cosas muy buenas. Siguiente es la burbuja del habla. Las burbujas del habla toman tanta planeación y dibujo como el otro arte de tu panel. Dales el respeto que merecen. No dibujes primero tu burbuja del habla y luego espero que puedas caber el texto dentro. Nunca funciona. Texto apretado hace que un cómic no sea divertido de leer. No permita que las burbujas del habla interrumpan la línea del ojo de un personaje. Las burbujas del habla nunca deben interrumpir una escena de ninguna manera. Además, no adjunte burbujas del habla a la boca de un personaje. No coloque su texto en el panel antes de dibujar su burbuja de voz. Lo mejor es integrar texto en el tercio superior del marco. Permita que su burbuja de voz sea recortada por el marco si es necesario, especialmente si significa darle más espacio a su texto. No te permitas tiempo con tus letras. Hazlos atrevidos y limpios. A veces ayuda escribir en todas las mayúsculas. Va a ralentizar tu caligrafía. Dado que los paneles cómicos suelen ser pequeños, los mayúsculas ayudarán a que tu trabajo de línea retenga su claridad. Por favor, sí considera dónde están posicionadas tus burbujas de habla. Deberían imaginarse como flotando por encima y justo detrás de la cabeza de un personaje, y frente a elementos de fondo en configuración. A continuación, tenemos a los personajes. Personajes guiarán gran parte de su composición de panel. Al saber quiénes son, qué quieren, qué están haciendo en este preciso momento en el tiempo, te permitirá hacer elecciones compositivas claras e interesantes. Da expresiones a tus personajes y pon sus cuerpos y poses. Si necesitas más información sobre las caras de dibujos animados y el lenguaje corporal, echa un ojo a mi canal de Skillshare para recibir clases sobre ese tema exacto. Al igual que con las burbujas de voz, haz enmarcar cuidadosamente a tus personajes en el panel. Recuerda, tu marco es una lente, así que por favor haz zoom en acción y expresiones faciales, para que tu lector no pierda lo que está pasando en la historia. Por favor, sí capta a tus personajes en momentos atrayentes y emocionantes. No dibujes a tus personajes en poses de madera y simétricas, esto agota a los personajes de la vida. Por favor, sí enséñate a dibujar a tus personajes en poses naturales. No conéctate a las líneas oculares de los personajes para hacer cumplir las interacciones. No sobrecargar un panel con personajes. El lector no tendrá ni idea en qué se supone que se están centrando. Del otro lado de las cosas, no dejes espacios gigantes vacíos. Los lectores asumirán que lo estás haciendo a propósito, e interpretarán tu composición como algo significativo. Por último, pero no menos importante, tenemos el escenario. El ajuste transmite el tiempo y el lugar en que viven tus personajes. Los ajustes son importantes, pero no deben distraer de la acción del personaje. El do nots del ajuste se puede resumir en una frase pequeña; no cree tangentes en su panel. ¿Cuáles son las tangentes? Bueno, las tangentes son intersecciones de una línea que implican una relación que el artista no pretende. Una tangente ocurre cuando dos líneas de objetos completamente diferentes interactúan de manera coincidente. Una línea de fondo crea una esquina distraedora contra un personaje, o la curva de un personaje se tropieza con un elemento de fondo. Es fácil evitar tangentes, si las estás cuidando. Ahora, aquí te dejamos unos dos sencillos para evitar tangentes. Antes de dibujar un personaje, sí establece una línea de horizonte u otros elementos estructurales de la habitación, para que sepas dónde encajan tus personajes en este espacio. Evite las tangentes solapando y dejando espacio distinto entre los objetos. Para mejorar tu configuración, deja que tus personajes interactúen con sus entornos colocándolos dentro del ajuste, no solo delante de él. Ahora, cuando usas los cuatro elementos juntos de una manera bien planificada y significativa, estás creando un panel cómico funcional. Es así de simple realmente. Pero por supuesto, no estamos aquí para paneles funcionales. Queremos hacer impresionantes paneles artísticos, creativos, increíbles. En el siguiente capítulo, te acercaré un paso más a ese objetivo. 4. Lección: planifica las viñetas: escena es como el cómico utiliza los cuatro elementos para planear su panel. escena debe ser clara y legible, agradable a la vista, y en apoyo de la historia que estás tratando de contar. Parte de la puesta en escena es aprender a trabajar con el espacio negativo del panel. Los paneles cómicos tienden a ser pesados de fondo debido a la gravedad y puede ser fácil diseñar un panel con mucho espacio negativo. Para evitar un espacio vacío excesivo, crea miniaturas de tus paneles utilizando siluetas de caracteres en geometría simple. Ahora veamos cómo se usan el ajuste, el carácter y el encuadre en la puesta en escena. hora de ambientación, un artista del cómic es como un diseñador de escenografía. Pueden agregar y quitar elementos de primer plano, medio suelo y fondo para dirigir la atención del espectador. Por ejemplo, agregar elementos de primer plano puede enmarcar la acción dentro de un panel. Eliminar detalles de fondo puede llamar más la atención sobre el comportamiento de un personaje. Cuando se trata de escenificar en el escenario, estas son solo algunas formas de dirigir la atención de su lector. Intenta cambiar tu configuración y diferentes formas de mejorar tu puesta en escena. Ahora, a la hora de poner en escena un personaje, hay que pensar como actor y director al mismo tiempo. Pregúntate, ¿en qué estado emocional he capturado a este personaje y cómo lo represento? Esa respuesta podría no venir en un solo dibujo. En un pedazo de papel aparte, utiliza algunos bocetos simples en miniatura para elaborar ideas sobre el carácter, la puesta en escena y la posación. Pulgar clavar es la mejor manera de responder a estas preguntas antes de dibujar algo dentro de tu panel. Pregúntate: “¿Qué pose refleja el estado emocional del personaje en este momento?” Es útil probar diferentes variaciones en el lenguaje corporal y la expresión facial para descubrir lo que mejor se lee. Te diré esto, en caricaturas y cómics, la exageración siempre es mejor. Practica exagerar una expresión facial de antemano. Después, cuando lo pongas en tu panel, mejoralo aún más agregando unas líneas emotivas. A los lectores les encanta saber cómo responde tu personaje a su situación. Los personajes siempre deben estar respondiendo. Déjalos simplemente parados ahí mirando fijamente al espacio. Es a través del personaje que un lector se involucra con tu narración. El arte de los cómics se remonta mucho a la historia. Siempre ha tenido su propio estilo visual, pero desde la IA moderna está entrenada en narración visual por la estética de la fotografía y el cine. Sólo tiene sentido que la terminología del marco del panel cómico utilice esos medios populares como puntos de referencia. Es por eso que cuando estás hablando de enmarcar un panel, podrías usar términos como tiro largo, tiro medio, y cerca. Ahora, esos tres nombres están haciendo referencia la ubicación de la cámara relativa al actor o personaje. Pero lo más importante a entender es cómo el encuadre afecta tu narrativa. Si eliges encuadrar con un tiro largo, saber que un tiro largo a menudo está estableciendo dónde se lleva a cabo una escena. A menudo sucede que un tiro largo no tenga en ella ninguno de los personajes principales de la historia. De esa forma el lector tiene la oportunidad de aprovechar los detalles del mundo, antes de que comience oficialmente la historia. Un tiro largo requiere puesta en escena de elementos de primer plano, medio suelo y fondo y un poco de sentido de perspectiva. Un tiro medio muestra acción o conversación entre personajes y su ambientación. Es el estilo de encuadre más común que probablemente usarás. Depende de tu estilo y de tu enfoque del panel, pero probablemente puedas salirte con la tuya poniendo en escena tus personajes en medio de elementos medianos. En primer plano se enfatiza el estado de ser de un personaje o su diálogo. A menudo es mejor dejar fuera los detalles de configuración y solo incluir elementos visuales que mejorarán el cierre. En general, la puesta en escena es cómo el artista cómico dirige al lector para que se involucre con la historia. Cuando veas una página de cómic completa, verás cómo el cómic utiliza diferentes tipos de puesta en escena en cada panel para mantener al lector constantemente comprometido. Cuanto más entiendas las técnicas de puesta en escena, mejor podrás hacer tu propia historia. Para tener una mejor comprensión, veamos ejemplos de cómo algunos de mis artistas cómicos favoritos escenifican sus paneles. 5. Lección: ejemplos de buenas viñetas: Veamos tres ejemplos de cómo el encuadre, las burbujas del habla, los personajes y el entorno se pueden usar para alentar a un lector a involucrarse con una historia. Empezaremos con el panel del libro ganador del premio Jason Lutes, Berlín. Su historia está ambientada entre 1928 y 1933 en Berlín, Alemania. Ofrece a un lector una mirada íntima a la vida de los ciudadanos alemanes durante el declive de su antigua república. Este panel se extiende por todo el ancho de una página. Está ocupando espacio que podría haberse utilizado potencialmente para otro uno o dos paneles adicionales. Pero el señor Lutes utiliza un solo panel porque saca tanta información de tan solo este momento. Su encuadre escenifica la escena de una manera voyeurística. Estamos parados frente a una ventana justo fuera de una casa. Se trata de una casa que ha sido vandalizada de más de una manera. Vemos lo que es probable que sea alguna propaganda política o discurso de odio garabateado en el muro exterior. El señor Lutes es inteligente para oscurecer las palabras para que no entendamos lo que están diciendo, y por lo tanto, nuestra atención se aleja de cuál es el foco principal del panel. Ahora miramos hacia el marco de la ventana, que funciona para enmarcar la verdadera historia de este panel. Estamos mostrando las secuelas de un ataque, un anillo de vidrio roto, que crea un círculo apretado alrededor de este escenario doméstico. Un hombre y una mujer se paran en poses rígidas justo detrás de su mesa del comedor, conmocionados por lo sucedido. A la consternación de la mujer se le enfatiza aún más la puesta en escena del marco de la puerta a su alrededor. Observe cómo se silueta contra el negro, mientras que el hombre casi desaparece en la cortina blanca. Nuestro siguiente ejemplo, estamos viendo un panel del libro de Bryan Lee O'Malley, Scott Pilgrim. Se trata de un cómic sobre un 20 sin rumbo algo que se encuentra al héroe de su propia historia mientras intenta ganar el corazón de una chica llamada Ramona Flowers. Esta es una escena de Scott y Ramona como primera vez saliendo juntos. El señor O'Malley enmarca a sus personajes en un tiro largo desde el otro lado de la calle. Es demasiado oscuro para que veamos el fondo, pero hay muchas pistas sobre dónde estamos. Podemos ver que estamos en una fría ciudad nevada, Toronto, para ser precisos, y el suelo está lo suficientemente frío como para que el camino esté cubierto de hielo. La nieve está cayendo y creando un patrón calmante alrededor de los personajes. Notarás cómo el borde del haz de luz de la calle apunta directo a los personajes para llamar nuestra atención sobre ellos. Scott y Ramona no andan del todo caminando uno al lado del otro. Ramona claramente está liderando el camino y aunque el lenguaje corporal de Scott no lo muestra, sus palabras nos hacen saber que está un poco incómodo en la situación. Arrastra su redacción, taoo, y luego sigue eso hasta con la pregunta. Eso lo lleva derecho a otra pregunta sin esperar respuesta. Claramente quiere conocer a esta chica. Este tercer ejemplo, estamos viendo un panel de una de las maestras de los cómics espeluznantes, Emily Carroll. Miss Carroll tiene un enfoque menos convencional para el diseño de paneles que Lutes y O'Malley. En primer lugar, notamos que su panel no tiene el marco de línea negra habitual. Se basa en los bordes ásperos de su color de fondo para enmarcar su contenido narrativo. El escenario se escenifica de una manera que se siente ceremonial, posiblemente una boda. Miss Carroll es una cuentacuentos que sabe mantener tensas sus historias. Esa tensión proviene de diversas técnicas. Una, es el ritmo de su narrativa textual. Observe la forma en que comienza la narración en el lado izquierdo del panel y se resuelve a la derecha, rompiendo el flujo con los personajes, ya que el lector se dibujó naturalmente para leer el enunciado a un ritmo más lento. La puesta en escena de los personajes también proporciona cierta tensión. Si te gusta la ficción de terror, sabes que una de las reglas de la narración de terror es retener las grandes revelaciones, nunca mostrar al monstruo. Ella lo está haciendo aquí, lo que significa que está manteniendo escondidas las caras del personaje para crear un poco más de atención. Este panel nos presenta a los tres personajes sin nombre, y sin rostro. Ahí hay una niña, hay un hombre, y luego está el padre de la niña, que aparece sólo como una brillante cruz roja flotando en medio de la escena. La señorita Carroll también utiliza su caligrafía para marcar el tono de la historia. Sus letras altas y estrechas se sienten serias y fuera de tiempo, un poco anticuada puede ser victoriana. No están usando una fuente caricaturizada como hacen muchos cómics. Su texto flota como espíritus en una habitación, y cambia su voz al cambiar a un guión en minúscula. Quiero que noten que la voz narrativa de estos cómics viene en parte de las historias que los artistas están contando. El cómic de Lutes es una pieza de época y utiliza detalles claros de configuración, y ropa, y artefactos en la habitación para ayudarnos a involucrarnos con lo que de otra manera sería un escenario desconocido. historia de Bryan Lee O'Malley está ambientada en una ciudad contemporánea. No necesita tantos detalles para mantenernos comprometidos con el tiempo y el lugar. Las historias de Emily Carroll son más atemporales, son historias de fantasmas. Al dejar fuera el detalle visual, nos obliga a derivar el tono de las texturas de sus fondos, y de la obra de línea de su arte. La próxima vez que estés leyendo un cómic, tómate un momento para solo enfocarte en un solo panel. Mira la forma en que el artista cómico usa el marco, y las burbujas de habla, y el texto, y cómo escenifican a sus personajes y ambientación, qué cosas agregan y qué cosas también deciden dejar fuera. Se puede aprender mucho sobre un artista cómico por cierto, se involucran con solo un solo panel. Dicho esto, a continuación vamos a pasar derecho a esa magia que sucede cuando pones dos paneles uno al lado del otro. 6. Lección: comprensión de los cómics: Ahora para mí, un cómic se convierte en un cómic cuando comienzas a poner paneles en una secuencia. De hecho, el arte de los cómics se conoce como arte secuencial. El arte secuencial tiene su propio conjunto de teoría y práctica, igual que el cine, la fotografía, pintura, o cualquier otra forma de arte. Este es el libro de texto definitivo para el cómic Student, Understanding Comics de Scott McCloud. Como maestra, he regalado tantas copias de este libro. Es corto y es divertido de leer, y es brillante en la forma en que Scott McCloud reparte estos pesados conceptos de una manera integral y memorable. Resulta que los cómics son una gran herramienta de enseñanza. estilo de enseñanza de Scott McCloud, sus conceptos y filosofía, corre por mis venas realmente. Si te encuentras disfrutando de mis clases, hazte un favor, y súbete a internet y compra este libro, pero por ahora, estoy en una revisión lo que siento es el concepto central de Comprender Comics. El señor McCloud dice que hay cinco arenas distintas de elección a la hora de planear y dibujar una secuencia de paneles cómicos. La calidad y claridad de una narrativa cómica depende de la conciencia de los narradores de estas cinco arenas distintas. Estos no son pasos que se pueden hacer en un orden específico. No es como una rutina de entrenamiento. Es más un estado de ánimo. En realidad son solo pequeños procesos creativos que un narrador puede usar consciente o inconscientemente, para rebotar ideas entre ellos hasta llegar a un producto que se adapte a la historia que están contando. Si no eres ya un artista que dibuja cómics, estas opciones creativas pueden ser un poco complicadas de entender. Entonces vamos a revisarlos usando un personaje y una escena. Yo llamo a esta historia Edith y el gran examen, comenzaremos con el que la gente salta más a menudo, y esa es elección del momento. Antes de poner nuestro lápiz en papel, necesitamos preguntarnos qué momento preciso en el tiempo representará mejor la experiencia de Edith. Ahora, el dibujante inexperto probablemente recorrerá una serie de momentos antes de instalarse en uno. Siempre empiezo por ponerme en la cabeza del personaje, imagino a Edith en el aula sentada rígidamente en su escritorio. Su lápiz se agarró en la mano, el papel de examen mirándola sin pestañear. Ahora por supuesto, Edith había estudiado la noche anterior, o al menos tenía un libro de texto abierto mientras miraba fijamente su teléfono. Ahora que finalmente está en el examen, empieza a dudar si realmente está preparada para ello. Al meterme en la cabeza del personaje, me he familiarizado con un escenario en el que está Edith. Puedo ver una serie de momentos distintos desde los que trabajar en este panel. En ocasiones escribo notas sobre mis ideas o hago pequeños bocetos solo para sacarlos de mi cabeza. Edith se agachó sobre su escritorio, sudando, Edith mirando fijamente el reloj mientras se queda sin tiempo, Edith sentada en stock quieta, sus ojos lanzándose de ida y vuelta para ver si alguien puede salvarla. Para mantener tu historia en movimiento, debes preguntarte, ¿qué hará de este momento icónico y memorable? La siguiente opción de Scott McCloud es la elección del marco. Ahora cuando estás hablando de elección de marco, algo que no discutimos en el capítulo anterior, es que elegir un marco realmente depende la voz narrativa de la historia para relacionarlo con la escritura. Si el cómic está en narrativa en tercera persona, lo más probable es que el momento se enmarque desde una distancia segura de un narrador omnipresente, un observador invisible. Si el cómic es en primera persona, podríamos movernos hacia arriba hacia el espacio de personajes. Podríamos mirar a través de sus ojos incluso. En escenas como esta donde un personaje se encuentra en un estado emocional acentuado, me gusta acercarme para que podamos ver su cuerpo temblando y sudar su frente. A continuación, hablemos de elección de imagen, significa realmente poner el lápiz al papel y dibujar algo. A medida que estas elecciones de momento y marco brillan por nuestros cerebros, decidimos rápidamente cómo queremos que la imagen se ponga en el papel. Considera el propósito del panel como estás dibujando. ¿ Qué propósito sirve este dibujo en la historia de Edith? En este caso, quiero mostrar su sentido de pánico a medida que se acerca el final del tiempo de examen. Considero los elementos que necesito dibujar, el escritorio, Edith, el reloj, otros estudiantes de toma de pruebas y tengo que decidir qué mostrar y qué recortar de este marco. Cuantos más paneles dibujes, más se adaptará tu estilo de ilustración a las restricciones del panel. Los detalles pesados pueden enturbiar la claridad de un panel y la repetición puede llevar mucho tiempo. El arte cómico suele ser más escaso que otras formas ilustrativas. Al elegir tu imagen y ponerla en papel, hay que tener en cuenta la siguiente arena de diseño de paneles, y esa es elección de palabra. Mi regla de oro en la narración visual es solo contar lo que no puedes mostrar. Esa no es una regla dura y rápida, esa es solo mi elección estilística. Si eres una narradora ruidosa, podrías mostrarle a Edith hablando consigo misma. A lo mejor incluyes algún texto o un poco de efecto de sonido. Si eres una narradora silenciosa y sutil, puedes mostrar la agitación interna de Edith a través su lenguaje facial y corporal y emociones caricaturales. Para la última opción, tenemos que alejar un poco y hablar de la elección del flujo. Hasta ahora estamos viendo el primer panel en lo que sería una secuencia de paneles para contar una historia. El modo en que todos tus paneles se relacionan entre sí afecta el flujo narrativo. Ahora que estamos pensando en las elecciones que hace un artista del cómic, vayamos al siguiente capítulo para ver las diferentes formas en que el flujo del panel afecta a la historia de Edith. 7. Lección: tipos de transiciones: Para mí, un cómic realmente se convierte en un cómic cuando pones dos paneles uno al lado del otro. Al hacer esta sencilla tarea, estás pidiendo al lector que cree un cierre entre tus dos momentos distintos. El cierre es lo que hace nuestro cerebro cuando necesita llenar los vacíos en un flujo de información. A veces es fácil para nuestros cerebros crear cierre. Pero cuando se trata de cómics y otras formas de arte visual, cierre requiere un poco más de nuestra imaginación. Por ejemplo, intenta imaginar lo que está pasando entre estos dos paneles. Todos nuestros cerebros van a llegar a algo diferente. No es tarea de los caricaturistas llenar todos los vacíos de una historia. De hecho, son las brechas entre los bits de información las que permiten al lector usar su imaginación y le da al lector la oportunidad de involucrarse con la narración. El artista cómico cuenta su historia a través de cierre creado por la transición de panel a panel. Existen siete tipos distintos de transiciones. Los definimos por el sentido de cierre que ofrecen al lector. Ahora usemos a Edith y su gran examen para ver cómo estos siete tipos de transiciones impactan en la narración. Los tipos más comunes de transiciones cómicas se basan en un concepto realmente familiar, el paso del tiempo. A la primera transición que veremos se le llama transición momento a momento. Una transición de momento a momento, es bastante fácil de reconocer. A menudo tienen estilos de encuadre muy similares y solo ligeras variaciones entre los dos paneles. Digamos que queremos demostrar que Edith está aterrada de marcar la respuesta equivocada en su prueba. Podemos dibujarla en dos paneles con sólo ligeras variaciones en mano y aumentando pequeñas cosas sutiles como el estrés en sus ojos. El reloj puede decirnos cuánto tiempo ha pasado literalmente, pero las imágenes nos muestran cómo se siente el paso del tiempo a Edith. Una transición de acción a acción es probablemente el tipo de transición más común. Se distingue al presentar un comienzo claro y un final a una interacción entre un personaje y otra cosa. Edith se sienta a tomar la prueba en el panel uno, en el panel dos, la vemos agotada al final de la misma. Me gusta pensar en acción a acción es completar un pequeño arco de personaje dentro de una historia mucho más grande. En esta transición, vemos a Edith pasar de la intención todo el camino a agotado. Transición de sujeto a sujeto, es cómo un cómic muestra la interacción de un personaje con otro sujeto de la escena. Es más común cuando vemos a un personaje interactuando o respondiendo a algo. Aquí, Edith, respuesta a la declaración de los maestros de que el tiempo de hecho está arriba. A lo mejor has escuchado a los actores decir que actuar es realmente reaccionar. Personalmente, pienso en mis personajes cómicos como los actores en mi historia y una transición sujeto a tema es una gran oportunidad para enseñar al lector sobre el personaje. Una transición de escena a escena, se conecta a ubicaciones entre sí. Está basado en el tiempo, aunque en la comprensión de la duración del tiempo no es crucial. El estilo de transición se utiliza a menudo para llevarnos de una parte de una historia de personajes a otra. En este caso, le estamos mostrando a Edith reprobando su prueba y luego saltamos a ella de vuelta en casa comiendo la cena. Esta transición nos muestra que la experiencia de la prueba ha hecho perder el apetito a la pobre Edith. También es una buena manera de abrir la historia para nuevas interacciones con otros personajes. Un aspecto a aspecto transición, no representa paso del tiempo como las tres transiciones anteriores que hemos mirado. Si bien estamos viendo múltiples sujetos en estos paneles, no estamos usando esta transición para impulsar la historia hacia adelante, simplemente estamos introduciendo al lector a un espacio y dándoles la sensación de lo que se siente al estar ahí. Las transiciones de aspecto a aspecto suelen ser más efectivas cuando reflejan el punto de vista de un personaje. No me refiero necesariamente a mirar directamente a través de sus ojos. Esta transición se pretende dar al lector una sensación de cómo Edith se siente atrapada por la prueba y los límites de tiempo en ella. transición de aspecto a aspecto puede, sin palabras realmente marcar el tono para la próxima historia. Una transición simbólica es aún más abstracta. Es usar un panel dentro de un mundo de cómics establecer y yuxtaponarlo con una imagen que sugiere un tipo particular de asociación. Básicamente, así es como los cómics hacen metáfora. Por ejemplo, podemos mostrar panel uno de Edith siendo entregado una prueba, y en el siguiente panel vemos explotar su cabeza. No se pretende que la explosión sea literal, es solo una forma sugerente de retransmitirla la experiencia de Edith, y sentirse desde el panel uno. Esta transición básicamente está diciendo: “Mientras Edith miraba las preguntas del examen, su cabeza sentía que explotaría”. Una transición simbólica requiere más participación del lector porque necesitan tomar el momento e interpretar el significado del segundo panel y cómo se relaciona con el primero. Ahora puedes llevar el simbolismo aún más lejos con una transición como esta. El panel uno muestra una imagen de Edith tomando su prueba, panel dos muestra un antílope siendo perseguido por un león. Ahora el objetivo aquí es comparar la experiencia de Edith con la experiencia del antílope. Ahora aquí está la cosa. Sacar al lector del escenario de la historia es una jugada bastante arriesgada. Puede ser realmente atractivo para alguien que aprecia y narrativa poco convencional, pero también alienante para alguien que no tiene mucha experiencia con el arte cómico y la narración de cuentos. Siempre que estés planeando una transición, quieres pensar en cómo afecta el flujo de la historia. Cada estilo de transición tiene sus fortalezas, pero ningún tipo puede contar una historia completa. Es decir, cada artista cómico utiliza su propia mezcla de tipos de transición para construir sus narrativas. En el siguiente capítulo, veremos un par de ejemplos. 8. Lección: ejemplos de transiciones, parte 1: Vamos a ver ejemplos de los tipos de transiciones en el orden que les presenté. Empezamos con un ejemplo de la transición momento a momento. Este es un extracto de Hermosa Oscuridad de Fabien Vehlmann y Karascoet. Es un cuento de hadas oscuro sobre hadas diminutas. Elegí esta página porque tiene dos ejemplos de buenas transiciones momento a momento. Esta primera fila de paneles utiliza una serie de momentos para configurar y pagar mordaza bastante oscura. Vemos un panel tonto de una diminuta persona de hada que vive entre un nido de pájaros. El pájaro mamá va a alimentar a su hijo inusual y sale asquerosamente mal. El tercer panel de la secuencia se duplica como un latido de reacción en la progresión de la mordaza. Pero también es una forma de complacer la grosura de la realidad de este mundo. la siguiente fila de paneles se utilizan transiciones momento a momento de una manera bastante similar, la configuración de una mordaza, la pausa, y el punchline. En ambos ejemplos, notarás que las transiciones de momento a momento no son realmente capaces de progresar la trama de la historia. Se trata más de establecer el tono, crear un momento de levidad o introducir el carácter. A modo de ejemplo de una transición de acción a acción, elegí dos paneles de un número del cómic de los Cuatro Fantásticos de alrededor de la década de 1970. El arte es de Jack Kirby, aunque no estoy seguro de quién es el escritor. Elegí estos dos paneles para mostrar cómo cómics de superhéroes son tan dependientes de las transiciones de acción a acción, algo que mencioné antes. Incluso momentos mundanos como este sirviente chocando con el Dr. Doom son tratados como una escena de pelea. Tenemos la acción, el thuck y el clanco del incidente, y una reacción zoom del Dr. Doom mientras da golpes al pobre sirviente contra el borde del marco. Esta realidad agresiva acentuada es tanto de lo que pensamos cuando pensamos en los cómics de estilo americano. Pero claro, no es para que se tome demasiado en serio. Es muy caricatural y bastante ridículo. El ritmo de las transiciones de acción a acción es casi adictivo al estilo de la narración cómica. Está constantemente montando momentos solo para, sin juego de palabras pretendidas, derribarlos. Por ejemplo, tomémonos un momento y leamos el intercambio en estos dos paneles. “ Mil indultos, señor. Yo sí tropezé contra tu manto”. “ Dolt torpe. Te atreves a poner una mano sobre la persona sacrosanta de tu Señor y Maestro. Clod sin valor, insufrible. ¿ Sabes lo que esto significa?” “ Oh, no, señor. No, no el castigo supremo”. Sí. De todos modos, sí, ¿cómo podrías no querer dar vuelta a la página para saber qué pasa después? Pasando adelante. Estos dos paneles de The Escapists representan una gran transición sujeto a sujeto. El libro está escrito por Brian K. Vaughan y dibujado por Steve Rolston. Es el uso más simple de la transición sujeto a sujeto es realmente dibujar un intercambio entre dos personajes. En este caso, es una transición de momento a momento con un pivote de cámara agregado. Como lector, tenemos que usar nuestro sentido de cierre para asumir que estos personajes están en la misma escena a pesar que no aparecen en los paneles de los demás. Este estilo de transición realmente muestra la influencia del cine en los cómics. Este tipo de yuxtaposición de imagen sería completamente desconcertante si no hubiéramos crecido viendo esta técnica en cine, televisión y animación. No hay nada particularmente artístico en una transición funcional sujeto a sujeto como esta, pero eso es genial. A veces las escenas solo necesitan mover la trama a lo largo. Hablando de escenas, aquí hay una transición de escena a escena de un número de cómics de Donald Duck de Carl Barks. Este libro salió en la década de 1940. Cuando estás haciendo cómics para niños, los niños siendo un público cuyo sentido de cierre sigue en una etapa muy temprana de desarrollo, tú como artista necesitas ser muy particular en los tipos de elementos que elijas en cada panel. Observe cómo es la última línea del panel, “vamos”, y el siguiente panel comienza con una leyenda narrativa que dice, "pronto”, que responde cualquier pregunta que un niño pudiera tener de cuánto tiempo ha pasado. En el caso de una transición de escena a escena, cambio dramático en realidad ayuda a que la transición funcione con mayor claridad. Un cambio completo en el escenario de ciudad a desierto, la inclusión del auto, la puesta en escena de los personajes desde tiro medio en perfil hasta un tiro largo por detrás, todas estas cosas ayudan a un joven lector a entender lo que está pasando en tu historia. Cuando estás haciendo un cómic para un adulto o un lector de cómics más experimentado, puedes estar más asentado con una transición de escena a escena. Mira cómo David Mazzucchelli utiliza escena a escena en esta transición de su libro, Asterios Polyp. Es un libro claramente para un público adulto sobre personajes adultos y está dejando fuera mucha información para configurar y pagar una broma muy seca sobre las relaciones adultas. Para entender mejor el tipo de transición de aspecto a aspecto, ayuda a mirar más que solo dos paneles. Aquí tienes un extracto de página completa de un libro llamado Lucas del cómic italiano, Andrea Bojiolli. Vemos un corte duro del negro a una camioneta que corre por una calle residencial. aparca la camioneta al azar frente a una casa abandonada y un personaje sale. Echamos un vistazo más de cerca a la desesperación del inmueble y a la vacilación de esta persona por entrar. Por último, se nos da un panel que enmarca al personaje que ha entrado en la oscuridad de lo que puede ser un lugar conectado a su pasado. Las transiciones de aspecto a aspecto no están tan estrechamente vinculadas como las otras transiciones que hemos discutido hasta ahora. Cortan al lector suelto de la narrativa de alguna manera y te dan la oportunidad de investigar el mundo construyendo en tus propios términos. Probablemente te estés encontrando saltando de ida y vuelta entre las imágenes en estos paneles y poco a poco comienzas a conectar todos los detalles y darle sentido dónde estamos y lo que este personaje podría estar haciendo aquí. El artista, señor Bojiolli, ha frenado el ritmo de la narrativa para darte tiempo para tomar el estado de las cosas en el mundo de este personaje. El artista está tomando muchas libertades en cómo enmarcan cada uno de estos paneles. El panel de aviso 2 se siente como si fuera desde el punto de vista de un vecino enteroso, y el panel 3 nos da más de una vista de pájaro, panel 4 es un tiro medio centrado, y el panel 5 es un espectacular primer plano en ángulo. Esta es una de las grandes diferencias entre una tira cómica y un cómic o novela gráfica. En una tira cómica corta, no tienes mucho uso para una transición de aspecto a aspecto, pero si estás contando una narrativa de forma más larga, necesitarás transiciones como esta para ayudar a mantener al lector comprometido y haciendo preguntas. 9. Lección: ejemplos de transiciones, parte 2: Las transiciones simbólicas son más reconocibles en ciertos géneros de los cómics. Los narradores que trabajan en los reinos de la ciencia ficción, especialmente aquellos artistas con un astático surrealista obtienen mucho kilometraje de las transiciones simbólicas porque tipos de paneles que son capaces de hablar en visuales temáticos más grandes. este momento estamos mirando una página de Charles Burns es cómico, piel profunda. Una historia sobre un chico todo americano que tiene el corazón literal de un perro. Se llama Dog boy. El primer panel muestra perro niño está teniendo un mal sueño. Los siguientes paneles están destinados a representar los visuales del sueño. Vea cómo los bordes del panel se vuelven todos ondulados. Esa es una señal visual de artistas cómicos de que la historia está saliendo de su propia realidad para expandirse en el desarrollo de personajes usando la memoria, o en este caso, el sueño. Panel dos jugadas con la perspectiva de este personaje médico para mostrar su imponente y malvada naturaleza y otros extraños personajes miran como perro niño se recupera de su reciente cirugía. Después obtenemos la gran revelación de que su torso ha sido injertado en el cuerpo de un perro. El sueño termina y vemos la transición de los marcos del panel a su realidad perpendicular. Todo vuelve a la normalidad o anormal en el mundo del perro chico. Entonces la página concluye con una típica transición de acción a acción de perro niño, preparándose para el trabajo. ¿ Podría haberse contado esta historia sin esta transición de cuatro paneles en carácter y simbolismo? Sí, pero las historias de Charles Burns a menudo se centran en la psicología de los personajes y los paneles simbólicos ofrecen más perspicacia que cualquier otro tipo de transición. En resumen, su uso de estilos de transición lo hace destacar como artista. Ahora para terminar esta conversación, medida que aprendes a analizar los estilos de transición con más escrutinio, te encontrarás tomando automáticamente mejores decisiones en tu propio arte cómico. Ahora que hemos discutido la función y el flujo de los paneles cómicos, hablemos de las líneas que utilizamos para hacerlos. 10. Lección: una mirada a los bolígrafos y pinceles: cómics entraron en popularidad alrededor de la vuelta del siglo XX, ya que los periódicos los usaban para ofrecer un poco de humor escapar de las duras realidades de los acontecimientos actuales. Las limitaciones de la reproducción mecánica en esos primeros días significaban que el arte del cómic, necesitaba ser audaz y limpio, y los plazos apretados de los periódicos significaban que, el estilo del arte necesitaba ser simple y rápido prestados. También, los niveles de alfabetización y los tramos de atención del público en general significaron que los personajes e ideas necesitaban ser exagerados y dramatizados para captar la atención de todo tipo de lectores. A pesar de toda la tecnología del cómic moderno tiene a su disposición, el arte de línea clave de tinta negra y estilo sencillo en negrita caracterización de esos primeros días, sigue siendo la mirada dominante de las Artes Comicas. El arte de la línea negra, como lo hemos venido a llamar, se crea sobre la parte superior, un boceto a lápiz áspero utilizando ya sea un bolígrafo de tinta negra, plumín de caligrafía, o un pequeño pincel sumergido en tinta. Todas estas herramientas tienen su propio carácter único, conjunto de habilidades especiales y nivel de dificultad. Como puedes decir en las diapositivas de mis lecciones, obviamente estoy dibujando en una tableta digital, y en estos días así hago la mayor parte de mi trabajo profesional. Pero sí pasé alrededor de 15 años usando herramientas de dibujo tradicionales. Estaré compartiendo algunas reflexiones sobre las que están en el camino también. Para distinguir cada tipo de bolígrafo y pincel, podemos hablar del aspecto único de su línea, que se puede desglosar en los siguientes aspectos. Ancho forrado, variación de línea, precisión de línea, y carácter de línea. Empecemos con el tipo de herramienta de línea más fácil de usar, el rotulador de punta de fieltro. Estos bolígrafos tienen un mango relleno de tinta ligera y una punta de fieltro firme que no mucho bajo presión o cambio de dirección de la mano. Esto hace que el rotulador sea bastante fácil de controlar. Por ejemplo, puedo tinta un círculo, en un solo movimiento. Los rotuladores son buenos para artistas principiantes y profesionales que tienen manos rápidas y usan muchos detalles y texto. El rotulador como bolígrafo de dibujo técnico, lo que significa que es muy adecuado para el renderizado gráfico, como en, podrías ejecutarlo a lo largo del borde de una regla y obtener una bonita línea limpia. Se trata de una herramienta con línea constante, con baja variación, alta precisión, y carácter mínimo. Si estás en el mercado de un rotulador tradicional, compra un juego con unos tamaños de punta ordenados y tinta impermeable. Eso es importante, sobre todo si vas a pintar encima de tus cómics. Puedes conseguir el kit de dibujo de pigma manga comic pro por alrededor de $15. Es un gran kit de inicio, y lo he usado para muchos proyectos de nivel profesional también. Estos bolígrafos tienen un buen rendimiento general y funcionan sin problemas en todo tipo de tablero de ilustración, tablero de cerdas y vitela. Pero querrás mantenerte bien abastecido en estas patentes porque no quieres que tu última pluma se seque en medio de un proyecto. Sus pozos de tinta no pueden rellenarse. Son bolígrafos desechables. A continuación, miraremos el bolígrafo de punta. Viene en dos partes, primero, el mango. Es ligero y a menudo tiene un agarre de corcho que se reduce en un punto pequeño en el borde lejano de la pluma. El clip de metal en el extremo del mango permite cambiar las puntas del bolígrafo dependiendo de las necesidades del proyecto. Los bolígrafos de punta requieren práctica para controlar debido al metal flexible de la punta misma. Para disfrutar trabajando con un bolígrafo de punta, necesitas trabajar más lento que con un bolígrafo de dibujo técnico. Por ejemplo, cuando pinto círculo, mi peso de línea cambia, por lo que necesito girar la mano y el papel para mantener un carácter consistente en mi línea. Porque la presión de la mano afecta el aspecto del arte de la línea. Tendrás que desarrollar gestos que te den el efecto que estás buscando. Una vez que te sientes cómodo con el bolígrafo de punta, encontrarás que, puede aportar tanta expresión a tu estilo de entintado. El bolígrafo de punta es una herramienta con peso de línea basado en presión, variación media, precisión media, y gran carácter. En lo que a mí respecta. personal, soy un gran fan del personaje de las puntas entintadas. He usado la herramienta tradicional en todo tipo de proyectos, y cuando me mudé a tabletas digitales, encontré bolígrafos que creaban ese tipo similar de carácter de línea. Para las puntas tradicionales, los dos tipos principales son la punta G, una punta más pequeña, más flexible, y la punta de cuchara, que tiene una punta más firme. Soy fan del plumín de cuchara Nikko. Tengo una mano pesada y poca paciencia, por lo que el firme punto metálico del Nikko, y su capacidad para sostener más tinta es un gran ajuste para mi proceso de entintado. Estaré por adelantado y te avisaré, tengo la menor cantidad de experiencia con los pinceles tradicionales. Los que he usado son realmente pinceles de acuarela, que probablemente sea el caso de muchos artistas cómicos. Trabajo con la marca Windsor y Newton, y uso los pinceles pequeños de punta redonda. Como herramienta digital, un bolígrafo de pincel no es realmente diferente a un bolígrafo de punta. La principal diferencia entre un pincel digital y un bolígrafo de punta se reduce a la sensibilidad a la presión. Con un bolígrafo de pincel, la sensibilidad a la presión suele establecerse un poco más alta, y el tamaño del pincel es un poco más grande para permitir más variación en el ancho de línea, obtienes una pincelada más holgada con el bolígrafo de pincel. También verás más variedad y los puntos de inicio y final de tu línea. Algunos pinceles tendrán un inicio y un final contundentes, y algunos te darán más de un punto. Practica el entintado con el lápiz de pincel digital usando variaciones en el tamaño del pincel. Si quieres más expresión en tu línea, escala el pincel hacia arriba, para ver más impacto por la presión de tu mano. El pincel no se adapta a todos los tipos de arte de línea. Es posible que te encuentres usando el lápiz de pincel para algunos aspectos de la composición y luego cambiar tal vez a un bolígrafo de dibujo técnico para lograr ciertos niveles de detalle minúsculo, como los bordes del panel o las letras en una burbuja de voz. El pincel realmente refleja el movimiento completo de la mano del artista. Te encontrarás acomodando arrastrando los pelos del cepillo de diferentes maneras a través de la página para lograr ciertos efectos. Va a ser casi imposible lograr cualquier línea recta con un bolígrafo de pincel. Pero ese no es el punto de usarla. Usar un bolígrafo de pincel se trata de crear caligrafía fluida como las imágenes. Si eres un stickler para la precisión técnica, el pincel probablemente no sea para ti, pero oye, dale una oportunidad. Es posible que encuentres nuevos aspectos de entintado y caricaturas que realmente te atraen. Hablemos rápidamente de los tipos de tinta. Si eres artista digital, bueno, no tienes muchas opciones aquí, tu tinta es el píxel. Pero puedes cambiar los tipos de pinceles en Photoshop o procreate o cualquier herramienta de dibujo que estés usando para obtener diferentes niveles de arenilla en tu estilo de tinta. Juega con tus herramientas de dibujo digital y encuentra una que se adapte a la personalidad de tu trabajo. Pero cuando se trata de entintado tradicional, se trata más de la consistencia de la tinta, y la única manera en que vas a encontrar algo que te gusta es probando cosas. La mayoría de las opciones de entintado se basan realmente en el tipo de herramienta que estás usando. Siempre me ha atraído la marca de tinta Windsor y Newton. Es una tinta gruesa e impermeable, por lo que realmente se aferra a la punta de tinta, y cuando la dejas caer en tu tablero de cerdas o papel de acuarela, deja un rastro globy realmente brillante. Si quieres más información sobre las herramientas de entintado tradicionales, te recomiendo técnicas de dibujo de tinta, punta de pincel y estilo de pluma de Yuko Shimizu. Encontrarás su clase sobre cuota de habilidad, échale un vistazo. Es impresionante. Volver a los cómics aquí. Ahora que estamos familiarizados con nuestro arte de línea negra y conjunto básico de opciones de herramientas. Veamos cómo el entintado puede dar vida a un panel. 11. Lección: técnica de entintado: Para desarrollar una buena técnica de entintado, tienes que enfocarte en las siguientes habilidades, en este orden: postura, movimiento de la mano , sentido de línea, sentido de forma, y sentido de textura. Hablemos de postura, si no pasas mucho tiempo dibujando tu postura predeterminada para poner marcas en papel mientras estás sentado en un escritorio probablemente se desarrolle alrededor de la escritura. Cuando escribimos tendemos a corazonarnos y acercarnos mucho porque el estilo y la escala de nuestra línea funcionan al escribir realmente no importa. Se trata de conseguir información abajo en papel. El entintado es todo sobre el estilo y la escala. Esa postura de escritura que has desarrollado pone límites pesados a tu desarrollo como un entintado más entintado puede tardar mucho tiempo y estar cómodo va a extender tu resistencia para esas sesiones de entintado más largas. Asegúrate de que cuando estés entintando, siéntate derecho y ponte directamente frente a tu papel. Trato de trabajarlo al menos un poco de ángulo. Sé que algunas personas prefieren un escritorio plano, pero si puedes elevar tu imagen entonces eso evita que te inclines demasiado. Siempre trato de dejar unos 15 pulgadas entre mi cara y la página. Esta distancia base mantendrá tu postura más relajada y te ayudará a decir cómoda durante sesiones de entintado más largas. Por supuesto, ciertamente me acerco a veces, pero cuando me estoy centrando en esos detalles, siempre lo veo como la excepción a la posición predeterminada de 15 pulgadas. Con ese buffer de 15 pulgadas entre tu cuerpo y la página, te das espacio para mover la mano y el brazo. Practicemos nuestros movimientos de entintado. Para crear marcas de tinta con movimientos suaves y fáciles, tenemos que trabajar más desde el brazo que desde la muñeca. Agarra tu bolígrafo firmemente en tu mano dominante, cerca de la punta. Mantenga la punta en ángulo con respecto al papel, no recta hacia arriba o hacia abajo. Mantén las manos firmes y deja que tu brazo te guíe sobre tus líneas de boceto. Trata de evitar moverse solo de la muñeca. Relaja tu brazo y mano de dibujo. Demasiada tensión puede dejar tu dibujo terminado luciendo rígido y sin vida. Agarrar el bolígrafo cerca de la punta, cerca del propio papel mantendrá tu mano más estable que sostenerla más arriba. Habrá menos imperfecciones en tu línea con esta técnica. Qué pequeñas imperfecciones tienes serán mucho menos pronunciadas. Si estás trabajando con una pluma o un pincel, mantener un ángulo agudo entre la pluma y el papel va a ayudar a que la tinta fluya mejor y te dará un trabajo de línea más suave y fluido. Practica los movimientos de tus manos creando bocetos rápidos de objetos texturizados simples, una piña, o una flor, o un coche pequeño. Al hacer este ejercicio, piensa primero en los movimientos de tus manos antes de incluso molestarte en considerar las marcas que estás haciendo en el papel. Ahora que sabemos sentarnos y movernos, hablemos del orden del proceso de entintado. Al crear trabajo de línea, desea comenzar con las líneas primarias y trabajar de un lado a otro de la imagen. La mayoría de los artistas logran los mejores resultados al entintar en la dirección de su mano dominante. Si eres diestro inicia por el lado izquierdo de la página y enlaza hacia la derecha y lo contrario si eres artista zurdo. Si estás trabajando con tinta tradicional, este proceso va a evitar que pases el borde de tu mano sobre líneas entintadas frescas y hagas marcas borrosas. Creo que es importante empezar por entintar esas líneas primarias porque eso va a asegurar que estos elementos importantes de tu dibujo estén debidamente enfatizados. Después de haber trabajado en esos, muévete hacia adentro a detalles y elementos más pequeños del fondo. Al desarrollar un sentido de tu trabajo de línea, no lo pienses como un rastreo sobre marcas que ya has hecho. Imagina que simplemente estás dibujando todo otra vez, esta vez con más confianza y sentido de dónde va a terminar la imagen terminada. Notarás que mis líneas de tinta no se sientan directamente encima de mi boceto. Si te resulta difícil conseguir una línea de tinta suave aunque estés trabajando desde tu brazo, puede ayudar a girar el papel en lugar de contorsionar tu brazo para intentar tinta desde una dirección diferente. Siempre trata de tener en cuenta la imagen final cuando estés entintando tu dibujo. Al tener un objetivo claro, en realidad estarás más enfocado y capaz de trabajar más rápido y con más confianza, y la imagen final se sentirá más unificada. Una vez que hayas entintado tus líneas primarias y algunos de tus detalles y antecedentes, es hora de generar un sentido de forma en tu trabajo entintado. Para entrar en forma, comienza por buscar lugares donde podría necesitar retocar tu trabajo de línea. Ahora, no te obsesiones por arreglar una línea, la mitad del tiempo terminas simplemente empeorando. Si tienes algunas líneas clave que necesitan ser engrosadas o suavizadas este es el momento de hacerlo. El concepto de forma en entintado se revela a través de líneas que se dejan delgadas en lugares de un objeto que están frente a la luz y líneas que son más gruesas, y lugares donde un objeto sería proyectado en sombra. personal, restrinjo las reglas de forma a los principales temas de un panel. A menudo dejo mis fondos un poco planos, para que no dibujan demasiado la vista. Se quiere hacer un buen uso del contraste en la sombra mientras se entintaba. Vas a rellenar los bordes alrededor de un objeto para proporcionar contraste. El contraste en tu imagen se revela mientras desarrollas tu sentido de la forma. Es divertido jugar con la forma en que se representa la luz en tu estilo de entintado. Ahora si estás creando sombras oscuras profundas, no olvides dejar una pequeña luz de borde debajo de esas sombras profundas. Es así como evitas que tus objetos se pierdan en lugares oscuros. Una vez que hayas implícito forma con tu línea de tinta, puedes enfocarte en agregar textura. La textura se trata de traer detalles y embellecimientos más pequeños que den alcance a la forma con el objeto y presten un elemento de realismo al medio ambiente. La textura se basa en una técnica llamada eclosión, que en realidad sólo está dibujando una serie de finas líneas paralelas muy juntas. eclosionamiento cruzado es una variación de esa técnica donde usamos líneas de sombreado encima de la otra para crear un patrón similar a la rejilla. Stippling es otra variación del sombreado, pero en lugar de líneas, estás usando puntos estrechamente agrupados. Texture va a dar a tu público pistas sobre cómo se siente el mundo que has creado. Un poco de textura va por el camino, por ejemplo, solo puedes implicar una textura, digamos que estoy creando un desierto, no necesito puntear todo el paisaje. Simplemente puedo extender puntos alrededor de la superficie para implicar la textura de la arena. No quieres enloquecer demasiado agregando elementos texturales a tus escenas. Si exageres, tu entintado se va a ver caótico y peor que eso, va a estar desenfocado y confundir la narrativa visual de tu historia. El sentido del tono es la culminación de todas estas diferentes habilidades trabajando juntas. Es la calidad general de tu entintado. Transmite carácter y actitud y se convierte en uno de los aspectos más notables de tu arte cómico. Pongamos un pin en una discusión de estilo visual, hasta que estemos más familiarizados con el proceso de entintado en el panel real. 12. Lección: entintado de una viñeta: El proceso de tinta en un panel comienza con la evaluación del boceto. Aquí es donde el artista obtiene una idea de lo que su panel necesita lograr. La función principal del entintado es la claridad visual. Tu imagen final debe tener sentido de un vistazo rápido. Si eso parece imposible basado en el boceto, es hora de volver al lápiz. No estás listo para tinta, pero si tienes las creaciones de una composición clara dentro de tu boceto, estás listo para tinta. Ahora las etapas del entintado son mi preferencia personal. Podrías mezclarlos y emparejarlos como quieras, pero este es el orden que prefiero. Siempre tinta mis marcos primero. Si aún tienes que sentirte cómodo con el bolígrafo de punta o el cepillo redondo, vas a querer teñir tus marcos con el bolígrafo de dibujo técnico como un micrón grande. Prefiero la talla 08, y tal vez incluso prueba una regla si no tienes una mano firme. Algunos artistas del cómic no usan regla. El enfoque de mano libre le da un carácter de marco y puede hacer que parezca una parte más integral de la narrativa, pero la mayoría de los artistas cómicos no quieren llamar la atención sobre el marco. Una regla o herramienta de línea diagonal si estás trabajando digitalmente es el camino a seguir. La mayoría de los programas de dibujo tienen un atajo para dibujar una línea recta como mantener el turno. Simplemente google cómo dibujar una línea recta y el software que estás usando y deberías obtener algunas buenas sugerencias. Una vez que tengas tus marcos de panel entintados, quieres establecer los contornos de los principales temas del panel. Esto incluiría a los personajes principales de tu narrativa, posiblemente algunos apoyos con los que se están involucrando, y posiblemente elementos del escenario que los rodean. Al tiempo que establecí los contornos de mis personajes, estoy trabajando con un pincel digital estilo pluma más amplio. Para un punto de comparación, diría que mi ancho de línea está entre 3.5 trimestres el ancho de las líneas de panel. Me parece un reto realmente agradable definir los contornos de mis personajes. Me hace sentir más confiada en mis ideas. La tinta es una gran parte de la personalidad de tus cómics y de tu narración. Por lo que quieres parecer seguro en lo que estás haciendo para que tus lectores se sientan seguros. Trato de no exagerar esta primera etapa de entintado, y siempre me paro cuando me siento como los sujetos del panel pop. A partir de ahí, escala hacia abajo para hacer frente a los detalles. Empiezo abordando todos los detalles en los personajes ropa y cuerpo. Esto podría ser arrugas en las telas, textura en el cabello. Después paso a los apoyos y los elementos que rodean al personaje pueden estar agregando algún estilo al mobiliario y algunos otros elementos que establecen el entorno en el que se encuentra este personaje. Para llevar forma a mi trabajo de línea, pienso en las fuentes de luz y cómo está afectando el ángulo de luz, los sujetos de mi visto. Si has visto mi ilustración de clase por diseño, sabrías que estoy muy influenciado por el arte de líneas ahumadas y serpientes del movimiento art nouveau. Siempre trato de trabajar que miren a las sombras de mis cómics. Es una técnica que uso para tomar la realidad del mundo de mis personajes y hacerlo un poco más surrealista. Como cuentacuentos que trabaja en fantasía en ciencia ficción, utilizo esta técnica para hacer que la realidad de mis mundos de personajes sea un poco surrealista. En estos días no hago mucha eclosión con mis cómics, pero cuando estás creando un panel que es blanco y negro, eclosión realmente puede ayudarte a definir ciertos aspectos de la narración. Establezcamos la restricción para nosotros mismos de que podemos usar cualquier color en este proyecto. eclosión tiene que ayudarnos a evocar cosas en el paisaje, por ejemplo, pasto, o arena, o grano de madera. Como colores tan emotivos, tenemos que usar la eclosión para tratar de evocar ese mismo tipo de emociones. Creando un motivo líneas alrededor de un personaje para mostrar su nivel de energía. Incluso cómo pintamos nuestros ambientes puede ayudar a establecer la sensación emocional de la historia. Podemos usar técnicas de eclosión para crear algún equilibrio estructural y la línea ascendente para dar una sensación fresca de llegada, y podemos hacer lo mismo con materiales de construcción como el revestimiento de una estructura. Cuando se trata de letras en estos días, a menudo estoy trabajando con las fuentes solo para ahorrar tiempo pesar de que muchas veces preferiría hacerlo a mano. Trato de ser muy particular sobre las fuentes que elijo y cómo reflexionan sobre el estilo de entintado de los proyectos. Por ejemplo, en este cómic de ciencia ficción de grado medio, eso tiene un estilo de entintado realmente juguetón, suave, uso la fuente llamada lista secuencial. Pero en un proyecto más antiguo como mis nudos de bruja cómica, que se hizo con una punta de bolígrafo más arenosa, hice mi propia fuente porque realmente no pude encontrar nada que se adecuara al proyecto. Se puede ver que las fuentes le dieron un aspecto de punta de bolígrafo más grittier. Tu acercamiento a la narración cómica te va a ayudar a decidir si usar una fuente o tinta a mano. Idealmente, me gustaría hacer las letras de mi nuevo proyecto a mano, pero es un compromiso masivo sobre todo para alguien que le gusta trabajar y reelaborar su diálogo hasta el último minuto posible. Si vas a mandar letra o un cómic, asegúrate de que tus letras sean tan claras como tu visual. Crea dos lineamientos de una base y altura para que se ajusten a tus letras entre. Algunos artistas prefieren un estilo cómico más cursiva para crear una sensación de movimiento, pero otros prefieren un texto no afectado que se asiente de manera más rígida y clara en la página. Cuando se trata de letras, las opciones que no destacan las que son las más adecuadas para el proyecto. Para terminar esta lección de entintado, sólo voy a decir que el entintado es muy importante. Es una de las cosas que distingue cómo responde el lector a tu narración. El mejor modo de llegar a ser bueno en el entintado es tomarte tiempo enfocándose en cada una de las etapas de tu práctica. Ahora, la segunda mejor manera de llegar a ser bueno en el entintado es mirar cómo lo hacen otros artistas del cómic y tratar de aprender de su éxito. el siguiente capítulo, te compartiré algunos de mis entinkers favoritos. 13. Lección: ejemplos de entintado, parte 1: Para el observador casual, la técnica es casi invisible. Por ejemplo, cuando coges para leer un cómic, no siempre piensas en el estilo de entintado. Es lo mismo para el cineasta casual. Si estás ahí para ser entretenido, no estás considerando la lente que está usando el director en cualquier disparo dado. Por lo que parte de lo que hace ser un artista cómico es aprender a ver los aspectos por lo demás invisibles de un cómic y sus elementos. Podemos hacerlo diseccionando la intención y analizando los efectos de la obra de un artista cómico. Para mí, la forma en que un cómic utiliza sus tintas revela aspectos del realismo, iconografía, y la abstracción en su narración y hay infinitas formas de mezclar y combinar estas estéticas. Para darte una idea de lo que estoy hablando aquí es una ilustración de David Muschalik. Está ligado 16 versiones de una manzana y al ponerlas todas de lado a lado, facilita ver el papel que puede jugar en la narrativa cómica. A nivel técnico básico, el artista está utilizando tinta para transmitir una sensación de luz reflejándose y siendo absorbida por la manzana. Los efectos de iluminación dan un contexto de objeto dentro del mundo y el entorno de la historia, y también se pueden utilizar para transmitir textura en la manzana, lo que puede establecer un tono para la voz de la narrativa. Podría ser simple y encantador, podría ser grosero y abrupto. Podría ser misteriosa y leída tintas, limpias y lisas leídas de manera más clara y sencilla. Son muy adecuados para contar historias más ligeras. Las tintas más ásperas y los efectos de pincel seco recuerdan un enfoque más pictórico y se pueden utilizar en una narración más impresionista o emocional. Echemos un vistazo a estos elementos de estilo de tinta y al trabajo de algunos de mis artistas cómicos favoritos. Empezaremos con Calvin y Hobbes de Bill Watterson. Esta es mi tira cómica favorita de todos los tiempos y si eres fan de los cómics, probablemente esta esté ahí arriba para ti también. Ahora he mirado cada tira cómica de Calvin y Hobbes probablemente un millón de veces. Entonces, naturalmente, las técnicas de entintado Mr. Watterson son son las primeras de las que me volví realmente crítico y no quiero decir que sea crítico de su estilo, significa que solo soy observante de su acercamiento. En los años 90, Watterson trabajaba con un plumín, un bolígrafo de caligrafía y tinta negra de India. Cosas bastante sencillas para tiras cómicas. Sus líneas son limpias y sencillas, pero se puede ver un poco del borde áspero donde la punta corta en la pizarra bristol y sangra la tinta un poco. La textura de la tinta que se engancha con el papel es una gran parte de la técnica de Watterson. Es sólo un poco descuidado. Ahora elegí esta tira cómica dominical completa para mostrarte la forma en que su estilo entintado forma parte de la narrativa. Mira la forma en que la realidad de Calvin es plana y sencilla. El sillón le tiene muy poca textura, al igual que la piel y la ropa de su padre. Incluso la lámpara y el fondo simplemente se ven como un plano trapezoidal contra la pared. El arte de línea simple es una técnica bastante convencional para los artistas del cómic, dado que necesitaban maquillar hasta siete tiras en una semana determinada, simplicidad te ahorra tiempo. Pero una de las razones por las que el trabajo de tinta de Watterson es tan memorable es la forma en que pinta la imaginación de Calvin. A lo largo de esta historia, los elementos en el entorno se vuelven representativos de la imaginación de Calvino. Mira la forma en que la tinta se vuelve más detallada. Las arrugas en el cuerpo del papá alienígena, la pintura en la pared se vuelve muy específica, cabeza extraterrestre taxidermia con todo tipo de arrugas alrededor de sus ojos y boca. En el panel 4, vemos textura de cabello en el monstruo mamá en primer plano y algunas sombras y luego bajamos al fondo de la página y nos abrimos a esta hermosa vista de un paisaje con todas las texturas rocosas, primer plano, medio suelo, y fondo. Se puede ver el cambio de estilo entintado de Watterson es un recordatorio constante a través del cómic de que estamos viendo el punto de vista de Calvin. Estos sutiles cambios en el estilo de entintado de Watterson es sólo un recordatorio sin palabras de que el cómic que estamos leyendo es a través del punto de vista de un joven con una imaginación muy vívida. De hecho, una imaginación, eso es más real que su realidad. Bastante cool. 14. Lección: ejemplos de entintado, parte 2: Una buena manera de averiguar con qué herramientas está trabajando un inker, es mirar los marcos de su cómic. Este es el Pogo de Walt Kelly. Se puede ver las líneas fluidas de estos marcos sugieren que el señor Kelly trabajó con un pincel redondo delgado. Un plumín de caligrafía, al igual que las aguas en usadas, tendría un aspecto ligeramente más rígido y un bolígrafo de dibujo técnico no fluctuaría en el peso de la línea. cómics de Pogo de Walt Kelly se publicaron en periódicos desde 1949 hasta 1975. Ciertamente tuvo un impacto en innumerables artistas de cómic, ilustradores y animadores próximos y no te sorprendería probablemente enterarte de que incluso llegó a empezar a trabajar en los Estudios Walt Disney. A pesar de sus décadas de increíble trabajo cómico en la creación de cientos de personajes adorables, legado más importante de Walt Kelly es la impresión que dejó en un joven dibujante llamado Jeff Smith. Jeff Smith creció para crear el cómic “Bone”. Al igual que Kelly, Jeff Smith dejó la animación para perseguir su narración a través de cómics independientes, y él solo inventó el género de las novelas gráficas de fantasía de grado medio. Si no has leído Bone, ¿a qué esperas? Es básicamente el Señor de los Anillos de las novelas gráficas para niños. Pero oye, crecí con Bone, así que tal vez estoy un poco sesgada. Vuelve a la lección. Es obvio que el ADN del estilo entintado de Walt Kelly recorre el arte de Jeff Smith. Al igual que Waterson, Smith usó entintado para realzar sus narrativas. Los primos óseos de la historia están entintados con pinceladas de estilo de animación limpias y largas. Parece que los personajes salieron de una caricatura hacia el mundo de la historia. Por lo tanto, en contraste, el entorno de la serie de novela gráfica, los personajes humanos, los otros monstruos y los villanos principales se sienten más realistas en sus texturas de tinta. Hay más de una fisicalidad para ellos. El señor Smith utiliza su estilo de entintado para mostrar lo que está en juego la historia. La amenaza de muerte, la emotividad de la narrativa, golpea mucho más a los personajes humanos que a los primos óseos. Ahora las apuestas en hueso no son tan altas como en un cómic como Akira. El manga postapocalíptico de la década de 1980 escrito e ilustrado por Katsuhiro Otomo. estilo entintado de Otomo eleva el realismo a un nivel más maduro. A primera vista puedes decir que esto no es necesariamente un cómic para niños. Podemos ver texturas en la tinta, la mugre del mundo medio destruido. Podemos ver sangre y sudor. El estilo entintado en Akira y mucho manga de género que lo siguió es muy dinámico, que requiere una gama más amplia de herramientas. Tienes el wady, fluidez del pincel en las formas más orgánicas, como los cuerpos de los personajes. Pero al artista del manga realmente le encantó disfrutar del medio ambiente. Se usan muchos bolígrafos de dibujo técnicos, que es una herramienta perfecta para transmitir líneas rectas que aparecen en cosas como esta rejilla montada en el techo. Además, la sensación dinámica del manga se transmite a través de muchas líneas de movimiento realmente densamente empacadas juntas. Los bolígrafos técnicos son perfectos para escenas de acción como esta. Se confía en la tinta para representar todos los materiales y texturas. Saber transmitir textura es una técnica de narración visual crucial para el artista cómico. Piensa en lo que nos está diciendo este dibujo sobre estos dos personajes justo por cierto, las dos manos están siendo entintadas. cómics de Lynda Barry tienen una sensibilidad propia. Ella ha estado publicando colecciones de historias offbeats sobre citas, edad adulta, ser artista y vida en general desde finales de los años 70. Este cómic es de una colección de obra de 1981. Probablemente su trabajo sea mejor descrito como investigaciones periodísticas del comportamiento humano. Sin ninguna consistencia de carácter o historia. Los cómics de Barry reflejan su personalidad y punto de vista a un nivel muy básico, energético. Sus tintas son lúdicas y abstractas y gráficas. Parece que está trabajando con un bolígrafo técnico de tamaño único y simplemente retrocediendo sobre líneas para hacerlas más gruesas. Es intencional que la energía de nuestro entintado se sienta casi apresurada. Al igual que se sentó en un banco del parque y batió este cómic en un par de minutos. Se pretende que sientan que las ideas están fluyendo rápidamente, tan rápido como ella pueda pensar en ellas. Pero si miras más de cerca, ella sigue poniendo una increíble cantidad de tiempo y esfuerzo en establecer distintos aspectos de este mundo. Mira los patrones y texturas en cada superficie y objeto de su panel. El estilo entintado se mueve rápido, pero también puedes quedarte y mirar los detalles de su edificio mundial. Crecí para amar y admirar todo el trabajo de la señora Barry como artista y más aún como profesora. Pero llegué a admitir, cuando me encontré por primera vez con su estilo de entintado, cuando tenía alrededor de 15 años, era un apagado. Recuerda, había estado pasando mi juventud mirando cómics óseos y leerlos obsesivamente, esperando que saliera el siguiente número. En mi mente, esperaba que los cómics se sintieran limpios y profesionales. trabajo de Lynda Barry tenía manchas de tinta por todas partes y sus letras eran tremendamente inconsistentes. Hizo que fuera aún difícil de leer. Deberían preguntarse si ella quería que lo leyeras en primer lugar. Eso no es un juicio sobre su estilo o enfoque. Todo lo que trato de señalar aquí es nuestra reacción a la tinta y la técnica es muy emocional y esperamos ciertas cosas basadas en nuestra experiencia. No hay forma correcta o incorrecta de tinta a un cómic. Pero sí creo que es importante entender a quién apela tu estilo. Nuestra primera reacción al ver un cómic viene de la forma en que se ve. Lo primero que vemos, es la tinta. Las opciones estilísticas afectan tu narración de más maneras de las que piensas. Ahora si quieres aprender más sobre el estilo de entintado, específicamente en la ilustración de libros, tengo toda una clase dedicada al tema. Ve a revisar eso más tarde. Pero por ahora vamos a seguir adelante. En este punto, hemos discutido el flujo de los paneles cómicos y cómo pintarlos. A continuación, hablaremos de las historias que los cómics pueden contar. 15. Lección: comprensión del género, parte 1: Algunas personas consideran un cómic todo un género, pero no lo es. El cómic es un medio para contar historias, igual que escribir o hacer películas. Dentro del medio de los cómics, podemos contar todo tipo de historias en todo tipo de géneros. Si tomamos un panorama realmente amplio del género, puedes poner cómics en dos categorías diferentes. Lectores principiantes y lectores experimentados. cómics principiantes suelen significar amigable con niños. Se trata de los cómics que utilizan elementos del panel para seguir un punto de vista joven o ingenuo protagonistas. Exploran temas familiares de identidad personal, amistad, familia cercana, coraje, aplausos, y dolores crecientes. cómics principiantes utilizan un enfoque basado en la acción para las transiciones de panel, manteniendo a los personajes en conversaciones fáciles de seguir, el paso del tiempo claro en desarrollo lineal y de carácter externo. Los lectores experimentados necesitan más de sus cómics. En este caso, los elementos del panel se utilizan para seguir a protagonistas maduros, a menudo mayores, personajes con mucho más bagaje y sentido de identidades más complejo. Los temas podrían incluir el poder y la corrupción, prejuicio, la dinámica cultural, el romance y la tecnología. Un libro diseñado para un lector experimentado puede utilizar los matices de las transiciones simbólicas y de aspecto a aspecto. Estas cosas se involucran con un lector experimentado a un nivel más profundo y satisfactorio que un cómic principiante. Dentro de distinciones de punto de vista y contenido temático, podríamos dividir el género en un millón de categorías más, pero vamos con siete por ahora. Comic mordaza, cómic manga, adaptación cómica, cómic de memorias, cómic de superhéroes, la pieza de época, y ficción dramática. Escogí estos términos específicos para discutir formas narrativas que han surgido de la obra de los mejores artistas cómicos de la historia. Géneros como el cómic mordaza y los cómics de manga son únicos en la forma artística de los cómics, pero otros términos como las memorias en pieza de época ya han sido bien establecidos a través de tradiciones literarias, pero han sido potenciados por la inclusión de cómics en su género. El cómic mordaza de forma corta es inherente a las artes cómicas. Si creciste en América, probablemente leas algunos cómics de Garfield o Peanuts cuando era niño. Son muy populares y fáciles de seguir. Uno de los legendarios cómics mordazas de la década de 1930, Nancy, creado por Ernie Bushmiller fue tomado recientemente por una joven caricaturista llamada Olivia James. Nancy siempre ha sido una tira cómica formulaica, aunque a menudo brillante sobre ironías tontas y encuentros extraños. La señorita James ha convertido esa eternamente de ocho años Nancy en un reflejo de la existencia moderna. El tira mordaza es la forma más corta de narrativas cómicas, así que vamos a estirar más a la longitud de la novela gráfica. El sector del manga japonés es vasto y variado. Explora todos los rincones y crannies posibles de género. Por el bien de la discusión, vamos a reducir el género a la forma en que se le presenta a mucha gente mientras se forman historias de aventuras de fantasía sobre jóvenes héroes, y uno de los mangas más populares es Dragon Ball, un historia serializada por Akira Toyama. La serie original corrió de 1984 a 1985. Mezcla acción sobrenatural con artes marciales y seguimos a un personaje principal llamado Son Goku. Hijo está en búsqueda de los siete legendarios y deseos otorgando bolas de dragón. La franquicia de Dragon Ball y Dragon ballsy, el seguimiento, es épica y abarca más de 40 volúmenes en este punto, con todo tipo de brotes para traer nuevas generaciones de fans. El sector del manga se enfoca en los lectores jóvenes y les da una primera inmersión profunda en las artes del personaje que son impulsadas por la rica construcción del mundo. Probablemente conozcas a uno o dos de 12 años que eran fanáticos por el manga, y con buena razón, se trata de niños. Niños que viven de forma independiente con impresionantes poderes imparables. El edificio mundial de la bola de arrastre es denso y el peligro es real. Al menos real para un mundo de dibujos animados, y está muy en tu cara, las emociones corren altas y las apuestas a menudo se sienten potencialmente mortales. manga puede parecer caricaturado y tonto a veces, pero cubre tantas narrativas base con las que nos involucramos cuando niños, y a diferencia de algunas formas de entretenimiento infantil, manga no habla a su público. Las historias de superhéroes son bastante grandes en estos días en todas las formas de entretenimiento, y la visión dominante de lo que es una historia de superhéroes, y los personajes que ocupan ese mundo, comenzó con un artista cómico llamado Jack Kirby, quien comenzó a trabajar a mediados de la década de 1930. Su estilo visual es súper distinto. Se puede reconocer por el aspecto limpio y cincelado del rostro del héroe masculino. El diseño simple pero distinguible de trajes de personajes icónicos, y hay un uso increíble de la sombra negra para guiar la mirada alrededor de sus paneles ocupados y enérgicos. estilo narrativo del señor Kirby es vertiginoso. Hace mucha acción a transiciones de acción con personajes que muestran increíbles habilidades de poder y fuerza, no disímiles del manga y tantos aspectos del género superhéroe provienen del trabajo del señor Kirby. Empezó en los años 30, pero a través de los años 60 y 70, sus historias se expandieron más allá de los límites de lugares como la tierra. Sus historias adquirieron épicas en escalas intergalácticas y con esas narrativas, llegó la necesidad de nuevos aspectos del estilo entintado en los cómics. entornos alienígenas y las ráfagas de energía exóticas necesitaban su propio estilo visual distinto. Cómics de superhéroes, muévete rápido. Cubren vastas brechas en el tiempo y el espacio sin parpadear un ojo y ese formato y ritmo es algo que los lectores han llegado a esperar. Sus historias con mucha historia de personajes y no pueden permitirse dejar las cosas ambiguas por miedo a perder a sus lectores. guste o no, obtienes muchas burbujas de pensamiento torpes y exposición que pueden ralentizar la narrativa, pero también dejar las cosas muy claras. Ahora veamos las adaptaciones literarias en los cómics. Cuando se trata de cómics que adaptan una novela clásica, los mejores siempre se hacen por amor al material fuente y ese es definitivamente el caso con esperanza la adaptación de Larson de una arruga en el tiempo a partir de 2012. Personalmente, he sido fanático desde hace mucho tiempo del trabajo de la Srta. Larson. Conozco sus cosas de atrás cuando hizo sus propios cómics cortos independientes. Siempre ha conservado la sensación de tranquilidad en su fluido brushy inquirir, y me encanta su uso de pesados espacios oscuros. Es realmente el ajuste perfecto para el tono y la construcción del mundo de una arruga en el tiempo. Esta es una historia sobre niños que viajan por el tiempo y el espacio para encontrar al padre de su científico. Es una historia de fantasía, pero también es una historia dependiente de algunos temas matemáticos complicados. El estilo gráfico limpio del trabajo de tinta de Miss Larson aporta claridad a algunas de estas ideas alucinantes como los planetas bidimensionales. No me sorprendería que las aulas de secundaria hayan empezado a utilizar la novela gráfica en lugar del texto original. Es más atractivo para los estudiantes de todos los niveles de lectura, lo que trae consigo más discusión y probablemente una búsqueda del material fuente original. Es un ganar-ganar para todos. GoComics. Tomemos el aliento por un segundo antes de saltar al siguiente capítulo. 16. Lección: comprensión del género, parte 2: Pasando al siguiente género. Echemos un vistazo a la Pieza Periodística. Es un término bastante casual, pero realmente me refiero a no ficción o biografía ambientada en cierto tiempo y cierto lugar, y usualmente siguiendo algún tipo de figura histórica de nota en nuestra cultura. El Vincent by Barbara Stok de 2015 se ambienta en el sur de Francia durante finales del 1800. Claramente sigue la historia de Vincent van Gogh, con una agradable sencillez en su estilo entintado. Comparte la lucha de un muy lejano de famoso Vincent, quien sigue explorando las posibilidades del color y la luz a través de su pintura mientras sufre crisis nerviosas y convulsiones y un mundo de personas que no entienden su misión, para convertir lo mundano en algo vibrante. El aspecto ilustrativo del medio cómico es perfectamente adecuado para este tipo de historias. La simplicidad del entintado de Stok, deja que estas historias se muestren en lugar de contar. Este estilo de entintado probablemente recuerda parte del aspecto del cómic mordaza, que en realidad funciona muy bien para la accesibilidad. Porque el estado de ánimo se alivia instantáneamente, sólo por el diseño de entintado y personaje. Los jóvenes pueden involucrarse con esta interesante historia desde un momento de la historia para el que de otra manera no tendrían punto de referencia. A continuación estamos mirando las memorias gráficas. Es un género de breakout muy popular en estos días. Memoir fue alguna vez el dominio del experimentado escritor, pero las memorias gráficas abren ese género a una gama mucho más diversa de narradores. En su núcleo, las memorias gráficas comunican narrativas personales a través de tropos estilísticos del arte cómico. Hay memorias gráficas sobre la edad adulta como el RX de 2018 de Rachel Lindsay. estilo artístico de Miss Lindsay se basa en el delgado arte de línea wiggly de los cómics de los periódicos. De hecho, al momento de esta grabación, hace una tira cómica semanal para su periódico alternativo local en Vermont, Estados Unidos. Esto hace que sus personajes sean accesibles y empáticos justo fuera del bate. Pero RX va más allá de sus habituales tiras cómicas semanales. Es muy personal. Lindsay utiliza su humor caricaturizado, para compartir sus luchas por mantener la estabilidad con la enfermedad bipolar. Todo mientras trabajaba un trabajo corporativo como artista gráfico para una empresa farmacéutica. Hay memorias gráficas sobre ser un niño. Una de las más populares es la Sonrisa de 2010 de Raina Telgemeier. En Sonrisa, Miss Telgemeier comparte su experiencia con trauma de la escuela media luego de que hiere severamente sus dos dientes delanteros. El cómic te lleva en un viaje por la autoconciencia y la vergüenza, ya que la pequeña Raina va de la cirugía a los aparatos ortopédicos a los engranajes de cabeza, e incluso termina con algunos dientes falsos. Las dinámicas sociales que se tratan en el libro son muy relacionables con un niño de secundaria. Veo a muchos niños tan emocionados por hablar de este libro y sus temas. Se sienten conectados con la autora y su historia. El acceso en los cómics y su ligereza y energía estilística permite que los narradores se vuelvan personales y reales sin convertirse en downers. Pueden transmitir instantáneamente con un solo panel lo que era estar en sus zapatos. Para mí, las memorias gráficas son el género más importante que ocurre en los cómics en este momento. Es conectar a lectores de todas las edades con historias de representación, lucha, y lo más importante, esperanza. ficción dramática es probablemente el género de mayor duración que hemos visto en la edición cómica, que encaja bajo sólo el término paraguas de la novela gráfica. Si quieres hablar de novela gráfica, tienes que hablar de Will Eisner, el abuelo de la novela gráfica. De hecho, inventó la frase. Fue su pequeña estrategia para escapar asociación del público de paneles de arte secuenciales, burbujas de habla, ilustración caricaturizada con cómics mordazas de periódicos. Estaba haciendo lo suyo y quería que lo tomaran en serio. No te ofendas a Ernie Bushmiller, pero las tiras cómicas de los periódicos no estaban realmente interesados en empujar temas literarios como lo era Eisner. Fue un gran narrador y entendió más que cualquiera de su tiempo el verdadero potencial del arte cómico. Empezó a hacer cómics a finales de la década de 1930, justo en medio de la Gran Depresión. Su edificio mundial no es diferente al de la Ciudad Gotham de Batman, pero sus personajes son más relables y menos exagerados. Ellos luchan a través de sus pobres tratos internos de la ciudad con temas de dinero, respeto, empleo, economía, justicia y religión. El señor Eisner no estaba por encima de los tropos de superhéroes. De hecho, su personaje de ruptura fue el Spirit, un luchador del crimen enmascarado que operaba en un mundo de crimen al estilo negro, con aspectos de misterio, horror, amor y comedia, otros géneros pulpías de nicho. Debido a que el trabajo de Eisner está tan arraigado en las duras realidades de ese periodo de tiempo, sus historias simplemente no se sienten realmente relevantes hoy en día, lo cual es una lástima porque hay mucho que aprender de su dominio del medio cómico. Por suerte para usted y para mí, señor Eisner publicó una serie de libros instruccionales. Su estilo de enseñar cómics y las cosas de las que habla realmente resuenan conmigo. Creo que sus libros son increíbles. Después de entender los cómics, probablemente sea el texto más bien considerado sobre cómics y narrativa visual. Recógelo si tienes una oportunidad o agárrala de tu biblioteca local. Los géneros son útiles como puntos de acceso para los nuevos lectores. Les ayuda a saber qué tipo de personajes, entornos e historias es probable que se encuentren al recoger el libro. Podría preguntarse, ¿es posible para mí hacer una memoria amigable con niños que tenga elementos de oscuro y sucio drama negro crimen. Por supuesto, siempre y cuando te mantengas fiel a tus personajes, sus creencias y aspiraciones, sus debilidades y fracasos. Si logras enfocarte en esas cosas, vas a encontrar lectores que se conecten con tu trabajo. 17. Lección: explora el estilo: Después de una charla sobre inspiración, creo que es bueno reflexionar sobre el estilo. Estilo de arte y narración de cuentos es una búsqueda continua para el artista. Ningún artista del cómic ha dejado de perseguir el estilo. Tu trabajo se desarrollará a través de la práctica, pero ese potencial no es infinito por sí solo. Está limitado por la experiencia. Eso significa que tómate tiempo para salir de lo que crees saber sobre el arte cómico y la historia. Trabaja más duro para leer más y explora géneros de todo el mundo. Cuanto más sea la variedad de narración que explores, más se abrirán las direcciones hasta donde te lleve tu estilo. Eso es todo lo que tengo que decir por ahora sobre hacer buenos cómics. Vamos a dibujar con el proyecto de clase. 18. Proyecto: encuentra una historia: Para nuestro proyecto de clase, estaremos bosquejando y entintando. Una historia de dos paneles basada en el tema de la obsesión. Cubrí muchos temas en las secciones de clases de esta clase. Para ayudarte a recordar algunos de esos conceptos y técnicas, voy a hacer una lista de las lecciones que necesitas recordar mientras diseñas incluso una tira cómica corta de dos paneles. Esto ayudará a agilizar nuestro proceso creativo a medida que trabajamos a través del proyecto de clase. Tenemos que asegurarnos de pasar mucho tiempo con los elementos del panel, claridad narrativa, puesta en escena del panel, transitando de un panel a otro, trabajando en nuestro estilo de entintado, y como idea extra, considerando el género o el público para el que tu cómic es adecuado. Ahora, puede que estés sentado ahí con tu lápiz en la mano, listo para bosquejar y tinta tu cómic, y listo en 20 minutos. Eso está bien. Tal vez se te ocurra algo increíble. Pero todo el mundo encuentra inspiración creativa a través de diferentes pasos de un proceso. Cuando se trata de cómics, una mezcla de texto narrativo y visual narrativa. A algunas personas les gusta empezar por escribir. Voy a pasar por algunas de las etapas de escritura que uso cuando estoy desarrollando una historia. A mí me gusta empezar cavando un poco más profundo con el tema del proyecto. En este caso, es una obsesión la que me trae a la mente ciertas imágenes, tal vez una definición pero en realidad voy a poner esas cosas en el papel. Siempre siento que es importante sacarte las ideas de la cabeza para hacer espacio para otras nuevas. Cuando busco el término, se me ocurre esta definición, un pensamiento que continuamente preocupa la mente de una persona, como en, ella estaba en las garras de una obsesión. Ella era impotente para resistir. Me gusta el drama de esa frase. Veamos algunos sinónimos de obsesión. Estos podrían impulsar la acción o el estado de ánimo o personalidad de la historia. Sinónimos incluyen pasión, manía, adicción, locura. Al igual que en la idea creció en su mente como una obsesión. No siempre es necesario, pero enfocarse en un tema en este nivel realmente puede ayudarte a entender el potencial de tu tema. No todos los cómics, sobre todo un cómic de dos paneles, requieren esta profundidad de comprensión, pero disfruté el proceso. A lo mejor tú también. Ahora, tomo mi comprensión básica del tema, y lo expando en carácter y ambientación. Voy a reafirmar mi tema, y señalo aquí, y el agarre de una idea de enfoque en una pasión. A lo mejor necesito incluir la oposición de la pasión. Ya veremos. Las historias son mejores cuando hay conflicto involucrado. Veamos si podemos extraer un personaje de este tema. Cuando estás construyendo un personaje, cuanto más específico puedas conseguir, mejor entenderás a tu personaje. Le daré un nombre a este personaje. Vamos con Linda. Eso acaba de estallar en mi cabeza. Era amiga de la familia creciendo. Bueno digamos, Linda es de mediana edad. Tiene tres hijos, así que tiene mucho en su plato. También tiene tres licenciaturas en ingeniería. Al diseñar un personaje a nivel conceptual, ayuda a comprender sus deseos y necesidades. Voy a decir que Linda, madre de tres años de edad, realmente quiere poner sus habilidades en ingeniería a usar. Para ello, necesita encontrar tiempo sola. Tenemos un personaje que es alguien con quien podemos entender, y tal vez incluso relacionarnos. Un concepto bastante fundamentado. Ahora, los elementos acentuados comienzan a revelarse a medida que desarrollamos esta historia. Echemos un vistazo al escenario. Vamos a ponerlo en casa de Linda. A lo mejor tiene un laboratorio en su garaje. Cuando pienso en laboratorios de garaje, siempre pienso en empresas startups en la década de 1980 como Apple, siempre comenzando en el garaje con estantes llenos tecnología vieja y cables corriendo por todo el piso. Eso parece un lugar que Linda podría ser capaz de ir a escapar por un tiempo, y pensar alrededor en un experimento. Ahora, voy a empezar a guiar un poco mi cuento corto. Escojamos un año real. Ya que estamos viendo los 80, digamos, 1987. Estamos en un garaje en los suburbios. Genius inventor, Linda Berry no puede encontrar un momento para sí misma. Las historias funcionan bien cuando se plantea una pregunta al público. ¿ El nuevo invento de Linda la ayudará a tomar un descanso? Ahora, con toda esta plática de tiempo sola y de inventos, no puedo evitar pensar en una máquina del tiempo siendo algo que Linda podría querer crear porque resuelve tanto sus problemas, el querer poner su título de ingeniería a usar, y la necesidad de encontrar algún tiempo a solas. A medida que empiezo a derribar este panel en mi cabeza, no puedo evitar pensar que se inclina más hacia un cómic mordaza que quizá una historia dramática. Mantengamos esta historia ligera y sencilla. 19. Proyecto: miniatura: A continuación voy a tomar mi pequeña narrativa corta y empezar a miniaturas algunos posibles diseños de paneles. Aquí es donde me estoy centrando bastante estrictamente en los cuatro elementos del panel, haciendo malabares con ellos y viendo qué va a funcionar mejor. A mí me gusta miniaturas pequeñas porque si una composición se ve bien, pequeña si está clara, incluso a pequeña escala, probabilidades son que va a funcionar muy bien cuando la vuelas. Para mi primera idea, tengo a Linda encorvada sobre un escritorio, hijos le gritan de fondo y en el siguiente panel vamos a pasar a la finalización del proyecto posiblemente, es una máquina del tiempo. A lo mejor ya ha saltado a través del tiempo. No obstante, lo tratamos, quiero que se sienta aliviada. Hay un buen contraste entre los dos estados emocionales en cada panel. Pasemos a una segunda variación. Hagamos más desde el punto de vista de los niños. Están afuera del garaje gritándole a su mamá que está adentro, y ahora cortamos adentro y podemos decir solo un minuto, lo cual es un buen tipo de línea para trabajar en una historia de viajes en el tiempo. Podría estar a punto de conectar la potencia de su máquina del tiempo, para luego viajar fuera a través del tiempo. Eso es bastante bueno pero para un cómic de dos paneles, no estoy seguro si hay suficiente información para que el lector sepa realmente lo que está pasando. Porque empezamos con establecer tiro, lo que nos da poco detalle fuera de que hay un garaje y un grupo de niños ruidosos y rambundos. En el siguiente hacemos zoom súper cerca, por lo que quizá no estemos entendiendo lo suficiente de lo que es este experimento en el que Linda está trabajando. Tratemos de encontrar un medio feliz en esta tercera idea. Voy a poner a Linda más en primer plano. Vamos a refinar la idea de este dispositivo de viaje en el tiempo. Si recuerdas, la historia de H. G. Wells y la visualización de la máquina del tiempo, básicamente es reclinable de chico perezoso con un montón de tecnología glomada sobre ella. Vamos con esa estética. Linda sentada en su silla a punto de activarse o máquina del tiempo, los niños vienen por detrás gritándole. Ahora cortamos adelante. Pasamos a otro momento, que se encuentra en un punto diferente de la historia. Su casa ya no está ahí, los niños se han ido y ella está encontrando un momento para relajarse. Lo que por casualidad funciona bastante bien porque ya está sentada en una silla relajante. A lo mejor podemos jugar esa idea de la máquina del tiempo H. G. Wells y hacer algo con eso. Tomemos esas miniaturas, que están realmente sueltas y pasemos a algunos bocetos del arte final. 20. Proyecto: bocetos: Aquí nos vamos a centrar en la puesta en escena. Voy a empezar estableciendo la colocación de Linda en la composición del panel. Panel uno, la voy a poner en primer plano para que ambos podamos ver su rostro, su lenguaje corporal, y la silla de viaje en el tiempo en la que está sentada para el panel dos, ya que ya hemos establecido esas cosas, voy a alejarme. Queremos relevar esta sensación de tranquilidad que ha encontrado después del viaje en el tiempo. Voy a dar vuelta a nuestro perfil y ponerla más en el centro del panel, Parece un lugar tranquilo, relajante para ella. Ahora puedo empezar a trabajar en algunos más de esos detalles de la escena. Te hablaré a través de las elecciones que he tomado de izquierda a derecha. En el extremo izquierdo, he metido a los tres hijos de Linda, todos se inclinan con los brazos levantados. Solo son niños de aspecto genérico y sus burbujas del habla se superponen. No es tan importante lo que están diciendo, Sólo el hecho de que estén diciendo muchas cosas muy alto y es muy distrayente. burbuja del habla de Linda que se va a sentar encima de su diálogo, ya que corta el ruido con su declaración apenas un minuto, ya que está a punto de activar su máquina del tiempo. En primer plano y en el fondo, tengo algunos elementos de su plaza de garaje donde está trabajando. Hay un estante al fondo, como un banco de trabajo, hay algunos dispositivos arriba en una estantería, y luego en primer plano, tengo una mesita con un esquema que en realidad ahorra máquina del tiempo en ella. Eso podría ser demasiado en tu cara. Ya veremos si guardo eso, no me gusta poner texto sobre objetos en primer plano, puede ser muy distrayente. Aleja la mirada de los personajes, las expresiones, y el diálogo. Pero ahora está bien para el boceto. En el segundo panel este se está juntando con más claridad. Yo quiero extender el espacio, digamos que Linda's viajó de regreso al periodo cretáceo. Tenemos algunos dinosaurios, triceratops y el primer plano, algún cuello de pulmón herbívoro, dinosaurio en el fondo, y un par de otras plantas tropicales para rodearla. No quiero aglomerar a Linda. Yo quiero darle mucho espacio. Para nuestro primer borrador del diseño del panel, esto funciona bastante bien. Pero como pudo haber encontrado en algunas de mis otras clases. Cuando estoy dibujando, me gusta tener en cuenta este proceso de bosquejo de tres etapas. Eso es sólo una regla general de pulgar. Mi primer boceto por lo general no es el que acabo entintando encima, mi tercer boceto generalmente me lleva a un estado suficientemente claro donde tengo confianza con mi entintado. Pero con este cómic, llegué a un boceto final. En el segundo intento. No necesitamos exagerar este proyecto, antes de llegar al arte aquí, solo saltemos un segundo y veamos solo saltemos un segundo y veamos la energía principal que he establecido en estos dos paneles. Aquí lo estoy dibujando en rojo, así que ya sabes, es importante. Panel uno, la energía emotiva aquí es una sensación de caos. Los personajes se inclinan y su invasor en el espacio de Linda, ella ha empujado hacia abajo hacia la esquina inferior, eso tiene una verdadera energía caótica y abarrotada. El segundo panel es todo sobre la tranquilidad. Su personaje está centrado, Tiene una burbuja del habla que va a subir directamente con algunos elementos suaves circundantes. Si yo sólo presentara esas formas, esperemos que obtuvieras una idea de esos estados emocionales del panel sin ningún detalle ni personajes ni ambientación. Cuando se trata de contar historias, contrastar, así es tan importante tanto visual como narrativamente. Yo sólo quería tomarme un momento para señalarlo antes de pasar a la etapa final de bocetos aquí. Se puede ver que he sacado algunos detalles más de la silla. Aquí está la imagen de referencia desde la que estaba trabajando, es un modelado 3D de la prop de la historia original de máquinas de tiempo de HG Wells. Estoy manteniendo el esquemático en primer plano, y tuve esta pequeña idea inteligente donde cuando viaja hacia atrás en el tiempo, vemos que la silla de la máquina del tiempo también es un Lazy Boy reclinable. Se trata de un cómic mordaza, así que creo que esa revelación extra sólo lo hace un poco más divertido. Ahora trabajemos en algunos de los elementos de configuración y desarrollemos este primer plano y medio terreno. Ahora vamos a hacer un segundo boceto de borrador de algunos de estos otros elementos. Voy a inclinar un poco más a los niños hacia adelante y trabajar la colocación de sus caóticas burbujas del habla sólo un poco más claramente. Panel dos, estamos en el periodo cretáceo. He usado esta imagen de referencia solo para darme una idea de los tipos de vegetación que había en aquel entonces. Sin más sobreplaneación, me voy a meter directamente en el entintado. 21. Proyecto: entintado: Como comenté en la lección, empiezo con los marcos. De esa manera sé que los límites de mi cómic, estoy usando un bolígrafo digital estilo punta. Casi parece que podría trabajar con una punta de fieltro, pero quiero un poco más de sabor en mi line art. A medida que tinta mi diseño, pienso en cuáles son los elementos visuales importantes del diseño. En primer lugar está la expresión en el rostro de Linda. Ella está mirando atrás a los niños. Está en estado de anticipación, y está a punto de saltar por el tiempo por primera vez. Su mano está en la palanca. Pongo un poco de estallido alrededor de eso, solo para que te dibuje la vista. Ella está agarrando la silla con su otra mano. En primer plano he quitado el texto del esquemático. Ahora solo se ve algún papeleo de estilo de ingeniería. He agregado todo un montón de circuitos y elementos electrónicos a la silla, solo para darle un toque más visual. Creo que en este caso, en el diseño más ocupado funciona bastante bien. El fondo, sus hijos son sólo hombre de pan de jengibre de goma. No es realmente importante quiénes son. Simplemente representan la una distracción y una razón para que ella se escapa. A la derecha, tenemos la silla de nuevo en perfil y Linda con una gran sonrisa gorda en su cara. Ya que estoy dibujando son tan pequeños, el perfil funciona muy bien para captar la sonrisa. Empiezo a traer algo más de textura en contraste a los otros elementos de la escena. último pero no menos importante, voy a añadir en el texto para los niños. Son las burbujas del habla de aspecto caótico. Yo voy a hacer las letras en ellos, con sólo un contorno para que no dibujan tanto la mirada. Se supone que sólo son ruido de fondo. ¿ Qué tal un poco de puntos suspensivos al final de su frase para aliviarnos a través de la transición. El segundo panel, tengo mucho espacio para el suspiro en el cielo. Observe que incluso he espaciado las letras un poco más de lo que son un poco más verticales. Mi entintado y ambos paneles está empujando las ideas del caos y la tranquilidad. En el panel 1 mi entintado, la energía es muy explosiva. Hay muchas líneas dentadas y estoy usando algunas de las eclosiones para jalar tu ojo hacia el centro del panel, te diste cuenta de las pequeñas líneas a través de la parte superior y unas pocas por el lado realmente apuntan a la mitad del panel, como en perspectiva de un solo punto. Ese transmitir es una energía explosiva del panel. Panel 2, tiene un tipo de sensación energética muy diferente por su entintado. Es muy horizontal, que es un campo calmante. Por supuesto, tenemos una línea de horizonte, pero voy aún más allá poniendo al personaje cerca del agua. De esa manera puedo usar las ondas desde lo más amplio para avanzar esa idea de tranquilidad. No hay mucho movimiento en este panel. Hasta el triceratops parece que está tomando una siesta. La única energía es un poco de polvo que ha sido arrancado después de que llega la silla, el portal del tiempo o lo que sea. Se podría llamar a esto transición momento a momento, pero los momentos son muy específicos, tenemos el momento justo antes, viajan, y el momento justo después. Yo sólo quiero hacer que mis personajes pop un poco mejor, así que voy a llenar el fondo alrededor de Linda y sus hijos, y añadir un poco más de sombra y contraste al segundo panel. Ahí lo tenemos. Una historia de dos paneles que puede o no, eso es discutible, estar enfocándose en el tema de la obsesión. Con cualquier tipo de asignación como esta, creo que el marco de la asignación es solo un punto de salto para explorar y practicar las habilidades necesarias para crear un cómic. El principal punto de partida aquí es no siempre afirmar cuando un 100 por ciento fiel al marco del tema, sino trabajar a través de las etapas, Piensa en todos tus elementos. Ajuste de caracteres de marco, burbuja de voz. Piensa en la claridad narrativa mientras escenificas tu escena y trabajas a través de tu proceso de thumbnailing. Piensa en los cambios sutiles en la transición o tal vez los cambios amplios en la transición que podrías usar para contar esta historia. Trata de ser único, y original y atractivo. El mundo está lleno de cómics. La gente los había estado haciendo desde hace cientos de años. ¿ Cuál es tu interesante toma del paso del tiempo en una historia? El estilo de entintado puede ser moderado o experimental, siempre y cuando tus historias te sean claras, probablemente vas a poder sacar un estilo de entintado más experimental. Pero si eres más un artista narrativo convencional, es posible que quieras mantenerte refrenado con tu estilo de entintado. Piensa en quién está leyendo tu cómic. ¿ Estás tratando de entretener, iluminar, provocar lo que sea que estés tratando de hacer con tu historia que pueda ayudarte a decidir los momentos, los personajes, el escenario, todos los aspectos del cómic, y cómo el lector se va a involucrar con ellos. En este punto casi hemos llegado al final de la clase. Vamos a envolverlo. 22. Cierre: Muy bien, gracias por quedarse conmigo hasta el final. Espero que aprendan algunas cosas y se inspiren para dibujar sus propios cómics ahora. Me encanta enseñar tanto como me encanta hacer mi propio trabajo. De verdad, de verdad significa mucho que veas mis clases y me des la oportunidad de hacer esto y convertirlo en parte de mi carrera. Ahora, si tienes 60 segundos extra, por favor deja una reseña de la clase que le diga Skillshare y a otros alumnos que te gusta lo que estoy haciendo. Ayuda a impulsar mi canal y dar a otros alumnos la oportunidad de encontrar y descubrir mi trabajo. Ahora cuando termines tu primer cómic, por favor compártelo en la sección de proyectos de clase. A mí me encanta ver el trabajo estudiantil. Realmente me ayuda a entender que mi clase fue verdaderamente atractiva e interesante para ustedes chicos. Reviso los proyectos de los estudiantes regularmente, así que siempre estoy ahí para compartir consejos y comentarios y solo apoyarte en lo que sea que estés haciendo con tu trabajo. otros estudiantes también les encanta. Realmente hace que parezca un espacio divertido, enérgico para aprender. Ahora si quieres aprender más conmigo y elevar tus habilidades como artista del cómic, estoy en una recomiendo checar a clases específicas mías. Ambos se basan en caricaturas. Uno se enfoca en cuerpos y poses, y el otro está enfocado en rostros y expresiones. Ahora si te gustan más los personajes de fantasía y los aspectos de construcción del mundo de hacer cómics, tal vez quieras echar un vistazo a mi clase, mundo del color, que es un enfoque bastante único para diseñar un personaje de dibujos animados y crear sentido paletas de colores en tus diseños. Visita todo mi canal de Skillshare para estas clases y un montón de otros que se enfocan en las artes ilustrativas y narrativas. Si quieres seguir mi trabajo, echa un vistazo a los enlaces de la página de mi canal. Puedes suscribirte a mi newsletter para obtener noticias mensuales. Si realmente aprecias lo que estoy haciendo, puedes apoyarme en patrona por como un dólar al mes. Te darán un vistazo a lo que estoy trabajando. Hago publicaciones de procesos que dan alguna idea de mi propio proceso creativo. Por supuesto, me pueden seguir en todos nuestros superlords de redes sociales. Estoy en Twitter, Instagram y Facebook compartiendo lo que estoy haciendo y actualizaciones sobre nuevas clases que estoy haciendo. Bueno, eso es todo lo que tengo que decir por ahora. De nuevo, gracias por mirar y espero verte la próxima vez.