Dibuja personas y escenas en Procreate: ilustración y composición de personajes

1. Introducción: Dibujar personas y crear escenas con personajes, es muy divertido. Puede agregar mucha personalidad e historias a tus ilustraciones. Si quieres sentirte más cómodo dibujando personas en ambientes y dentro de composiciones interesantes, entonces esta clase es para ti. Hola, me llamo Eva Miklos, y soy ilustradora y diseñadora con sede en Europa Central. Crear ilustraciones de personajes en entornos atrayentes me ayudó a trabajar con éxito en muchos proyectos, grandes y pequeños como LEGO Friends, la serie animada que se emitió en Netflix, ilustraciones para software empresas, revistas, ilustraciones de productos, e ilustraciones explicativas para diversos clientes, para sus sitios web y presentaciones. Después de tomar mis clases sobre diseño de personajes estilizados y gestos y poses de carácter, muchos de ustedes han compartido que les gustaría aprender más sobre dibujar personas dentro de entornos y crear escenas atractivas. En esta clase, te llevaré por el viaje de diseñar personajes estilizados y conceptos de maquetación usando formas simples para que te pongas más cómodos dibujando personajes en el espacio, interactuando entre sí. Para celebrar el verano y realizar bien el dibujo, estaremos colocando a los personajes en el divertido escenario de cuentos de un picnic de verano en el jardín junto al mar en el prado del bosque o lo que quieras. En esta clase, aprenderás sobre ilustración plana y realista, perspectiva, profundidad, volumen, escala, superposición, encuadre, punto de vista, y cómo te ayudan a crear escenas y entornos con personajes y diferentes objetos. También aprenderás los conceptos básicos de un proceso utilizado en la ilustración conceptual. Construyendo encima de mis anteriores clases de diseño de personajes, esta clase te ayudará a ganar una habilidad sólida para desarrollar aún más tu estilo de diseño de personajes. Al final de la clase, tendrás una ilustración que podrías imprimir para tu hogar, regalar a un miembro de la familia, o llevar tu diseño más allá e incluso usarlo en tu portafolio si creas tu propio picnic personalizado ilustración. Estaré usando Procreate, pero siéntete libre de usar cualquier otro software de dibujo o medio que prefieras. Además, también obtendrás un montón de obsequios, que puedes encontrar en la descripción de la clase. último pero no menos importante, antes de que empecemos, no olvides seguirme aquí en Skillshare para que me notifiquen cuando libere nuevas clases y haga anuncios especiales sobre los obsequios. También te invito a seguirme en Instagram donde podrás ver mis obras de arte más nuevas y seguir las historias de mi vida como artista. Empecemos ampliando tus horizontes y dibujando escenas de personajes impresionantes. Nos vemos en la clase. 2. Proyecto: Como proyecto para esta clase, ilustremos un picnic de verano relajado que puedes tener con tu familia, amigos, mascotas en el parque, junto al mar, o en medio del bosque. Pensé en este concepto porque ha pasado bastante tiempo que tuvimos que pasar tiempo en casa debido a diversos cierres y reglas de distanciamiento social. Me gustaría que creáramos un bonito recuerdo de nuestro tiempo con familiares y amigos o simplemente visualicemos un día ideal afuera en forma de una bonita ilustración. Hay muchas opciones sobre cómo acercarse a esta clase, pero lo más importante es que te diviertas y la hagas tuya. Usa tu imaginación o base en tu propia foto de la fiesta del jardín de la familia o amigos. O puedes hacer la misma composición que yo con cuatro personajes alrededor de la mesa y probar diferentes fondos o diferentes colores. Te mostraré seis bocetos conceptuales similares en una de las lecciones. Si no te sientes cómodo dibujando todos los fondos y quieres practicar solo personajes, por favor siéntete libre de enfocarte en ellos y tal vez añadir una manta, un poco de hierba, o simplemente verde debajo la manta en el horizonte para establecer su entorno. Además, si no sientes que quieres dibujar la ropa en los personajes a detalle, por favor practica dibujar la figura del palo y la composición para mantener el personaje sencillo en los pantalones largos y camisas sueltas de manga larga, como yo te mostró en la clase sobre dibujar diseño de personajes estilizados. En la siguiente lección, aprenderás sobre el estilo y el diseño de ilustración plana versus realista. Nos vemos en el siguiente video. 3. Disposición plana vs. realista: En esta lección, hablemos de la diferencia entre relleno plano y 3D o tipo de ilustración más realista con más volumen y forma en los objetos y personajes creando profundidad. Toma uno de los pinceles de bocetos, siempre puedes usar cualquier pincel de la carpeta. Actualmente me gusta este. Entonces seguiré dibujando con gris oscuro para los contornos y gris claro para las sombras. En primer lugar, hablemos un poco del estilo de ilustración plana. ilustración plana se centra en el enfoque minimalista del diseño. Al crear ilustraciones planas, el foco está en las líneas limpias, los bordes nítidos y, a menudo, los colores brillantes, como se puede imaginar, bidimensionales o en otras palabras, las ilustraciones planas. Este estilo de diseño suele tener una nitidez y claridad que puedes lograr al deshacerte de otros efectos y detalles tridimensionales. El diseño plano hace que sea mucho más fácil ajustar a múltiples tamaños de pantalla sin un extra, gráficos innecesarios. Además, este estilo de ilustración proviene principalmente del diseño web y gráfico y ayuda a dar vida e historia a los diseños en la pantalla de la computadora y los medios impresos. Ahora, hablemos del estilo de ilustración más realista. Aquí, sigo pensando en la simplicidad en las formas sin embargo. Se puede ver este tipo de estilo de ilustración con bastante frecuencia en libros infantiles o en las obras de arte de desarrollo visual, en animación y juegos de computadora. Si alguna vez soñaste con trabajar en este campo del arte, este definitivamente es un estilo muy interesante para explorar y valiosa habilidad para tener. ¿ Qué significa esto en términos de ilustración? En este estilo, que es más realista, necesitamos considerar la perspectiva. Como te conoces, estamos acostumbrados a ver objetos, escenas, y personas en perspectiva así como con volumen porque vemos el mundo en 3D. Por lo tanto, me estoy imaginando el horizonte y ajustando todos los elementos a través de esta línea del horizonte. Hablaré un poco más sobre las líneas del horizonte en una de las próximas lecciones. Si quieres saber más, por favor mira mi clase sobre perspectiva si aún no lo has hecho. Aquí, además de ajustar el objeto en función de la perspectiva, también estoy considerando el volumen del objeto. Para mostrar y mostrar el volumen del objeto, estoy usando las sombras. Muy a menudo, usaría sólo sombras y muy pocos reflejos para mostrar el volumen del objeto. Por supuesto, esto depende de ti y de tus preferencias de estilo, pero siento que las sombras ayudan mucho a definir el volumen mientras que el uso de menos reflejos reduce un poco la complejidad de toda la escena. En la siguiente lección, comenzaremos a colocar personajes en el espacio y aprenderás a trabajar con las proporciones de los personajes cuando la perspectiva se vuelva importante. Nos vemos en el siguiente video. 4. Proporciones: Ahora hablemos de proporciones de personajes. Te mostraré cómo me imagino las proporciones del personaje al dibujar a la gente en El espacio donde la perspectiva juega un papel. En un caso que ya has visto y practicado con mis otras clases sobre diseño de personajes, aquí te dejamos un pequeño recapitulación sobre las proporciones de los personajes. En primer lugar, estoy dibujando un rectángulo donde colocaré a mi personaje. Para encontrar el medio del personaje más fácil, dibuja líneas que van a través del rectángulo desde las esquinas superiores hasta las inferiores que cruzan en el medio. Entonces dibujaré caracteres simplificados con el medio aproximado en el centro de este rectángulo. Dibujar círculos simples como articulaciones me ayuda a comprobar las proporciones al dibujar personas. Si te preguntas qué tan alto es el humano promedio, solo podrías usar una fórmula de un ser humano promedio de ocho cabezas de alto, y solo puedes dibujar ocho círculos junto a tu personaje de pie. Un círculo es 1/8 de la altura completa. Ahora vamos a convertir el rectángulo en una caja y colocar el personaje en ella. Al igual que una caja para una muñeca en una tienda. Eso suele ayudar a mi imaginación. Si te cuesta imaginar esto, trata de encontrar una caja similar en casa y mírala con un ligero ángulo, o ve a la tienda y mira los estantes con muñecas. Al imaginar el personaje en la caja estoy usando el mismo principio de las ocho cabezas alto personaje humano promedio y agregando volumen a las formas simples. O puedes conseguir figuras de dibujo [inaudibles] o más sofisticadas llamadas maniquíes como estos. Como te puedes imaginar, puedes plantear estas figuras de la forma que quieras para tu ilustración. Aquí, también titulé ligeramente el hombro y la cabeza para un interés más visual. Entonces puedo agregar las líneas que definen las formas simples del personaje. Después, puedo agregar sombras para crear volumen y ajustar las proporciones a mi gusto. Creo que es un gran ejercicio cuando se puede imaginar la caja bajo diferentes ángulos y practicar dibujar personajes de pie en el espacio. Porque las líneas exteriores de la caja te ayudarán a colocar el personaje correctamente en el entorno con perspectiva. En la siguiente lección, aprenderás qué considerar cuando quieras colocar más personajes juntos en el espacio. Nos vemos en el siguiente video. 5. Más personajes: En esta lección, veremos qué considerar cuando queremos agregar más personajes en el entorno y la escena está en perspectiva. Para continuar desde la última lección, tenemos un personaje en la caja. Todavía imaginando al personaje como la muñeca en el embalaje en el estante de la tienda. ¿ Te acuerdas de la geometría cuando aprendiste sobre los objetos en 3D? Se habló de los ejes x e y, y más tarde el eje z Los ejes x e y eran todos sobre la altura y el ancho del espacio. Donde queríamos agregar profundidad, todo se trataba del eje z, que va a la distancia. Lo que me ayuda a pensar en el espacio al considerar más personajes y objeto es la cuadrícula del entorno. Porque de esa manera se puede ver lo grandes o pequeños que deben ser los personajes y objetos, dependiendo de lo lejos que estén en la distancia relativa entre sí y para nosotros, los espectadores. El cuadrícula en el piso se crea a partir de las líneas que se encuentran en el punto de fuga. En resumen, el punto de fuga es donde las líneas o los bordes del objeto se encuentran en el horizonte. Por supuesto, si quieres entender y practicar conceptos básicos del tema de perspectiva aún más, por favor echa un vistazo a mi clase sobre perspectiva. Como puedes ver aquí, tomamos a cada personaje en una caja y lo alineamos con una cuadrícula de perspectiva aquí. Cuando movemos la caja del personaje justo en el eje x, aún cerca de nosotros, el tamaño de la caja no cambiará desde nuestra vista. Pero si movemos la caja con el personaje en el eje z más lejos de nosotros, empezará a parecer más pequeña. Cuanto más lejos y más cerca del horizonte, movemos la caja, más pequeño y más pequeño se verá el personaje desde nuestra vista. Si quieres imaginar esto en la vida real, una juguetería normal podría no ser lo suficientemente grande. Imagina esas enormes tiendas donde puedes comprar a granel. Cuando te paras en el pasillo de una de estas tiendas y miras a la distancia, verás las cosas más alejadas de ti bastante pequeñas. En la siguiente lección, aprenderás sobre cómo mantener tus escenas con símbolo de personaje para evitar la complejidad y posiblemente como un enfoque en la ilustración. Te veré en el siguiente video. 6. Escena simple o muy activa: En esta lección, veamos cómo podemos mantener nuestra ilustración equilibrada y fácil de decodificar mientras seguimos mostrando mucha vida y actividad en una escena. Imagina que quieres crear un entorno con más personajes y objeto, no solo para personajes básicos de pie que hicimos en la última lección. ¿ Cómo lo abordarías y cómo lo planearías? Más personajes que planeas agregar a la escena, más necesitas pensar en cómo enfatizar y llamar la atención a la parte que quieres que la gente mire primero. Si quieres que sea simple y fácil de decodificar, intenta no complicar demasiado la ilustración con demasiadas cosas sucediendo. En este ejemplo, cuando las cosas se ponen demasiado ocupadas en la ilustración, me estoy imaginando un día en el parque en que la gente hace muchas cosas, o un festival al aire libre más grande como Coachella, cuando tomas una foto al azar y ves gente caminando en diferentes direcciones haciendo todo tipo de cosas, tal vez incluso saltando o colgando de un árbol. Como humanos, normalmente nos atraen a otras personas y queremos ver qué están haciendo. Si hay muchos, muchos personajes en la composición, normalmente quieres ver lo que todo el mundo está haciendo, como los libros Where's Waldo. muchos niños y adultos les encanta descubrir lo que todo el mundo está haciendo en esas escenas, no sólo encontrar a Waldo. Te puedes imaginar, te puedes confundir bastante si la escena no está clara y quieres mirar por todas partes a la vez. Nosotros como ilustradores o artistas podemos decidir sobre la composición, y podemos hacer que la imagen sea más fácil de ver dependiendo del propósito de esa ilustración. Con muchos personajes en la escena, puedes jugar con ajustar la composición pensando en las zonas ajetreadas con muchos detalles y unas zonas más tranquilas, más vacías en tu escena. Se puede jugar con contraste y cómo las personas interactúan entre sí. Aunque quieras diseñar escenas con muchos personajes como en los libros Where's Waldo, puedes hacerlo, pero solo necesitas pensar cómo equilibrarlo bien como lo hacen en esos libros. En esta clase, queremos que nuestro público se concentre en una sola historia y por eso la vamos a mantener simple ilustrando a un grupo de amigos haciendo un picnic o un brunch y no vamos a sumar muchos otros personajes en nuestra escena. En cambio, vamos a jugar con agregar objetos para equilibrar la composición, para traer foco y atención a nuestros personajes. En la siguiente lección, practicaremos aplicando todas las reglas que aprendiste en la lección pasada y entrenaremos a nuestro cerebro para construir una memoria visual del objeto en el espacio. Nos vemos en la siguiente lección. 7. Práctica I: Ahora es el momento de nuestro mini ejercicio. Este ejercicio, es como una práctica para que nuestro cerebro construya una biblioteca visual. Mantendré mis dos objetos de referencia, la caja y la pelota a un lado. Me recordará mantener las cosas simples en solo a las sombras dependiendo de la forma. Al pensar en sombras, estoy considerando las sombras o más como en esta caja y sus sombras justo en los lados, o como en el balón, la sombra curva siguiendo la forma redonda. Abriré una de mis referencias y me llevaré uno de los pinceles de bocetos. Siempre puedes usar cualquier pincel de la carpeta de bocetos. Actualmente me gusta este. Entonces seguiré dibujando con gris oscuro para los contornos, y gris claro para las sombras. En primer lugar, esbozaré una versión simplificada de las luces colgantes como se puede ver en esta referencia. Añadiré las sombras como en el balón en la esquina izquierda. Puedes considerar este ejercicio como una lluvia de ideas para lo que incluyes en tu escena. Como saben por algunas de mis clases anteriores, me gusta hacer este ejercicio algunas veces con sólo escribir las palabras y hacer pocos bocetos. No obstante, esta vez, este ejercicio también es una forma impresionante para que construyas tu memoria visual de objetos en el espacio, que puedas sentirte más cómodo dibujándolos sin mirar las imágenes de referencia más adelante en el proceso. Cuanto más rompes estos ciertos objetos, más fácil es para ti imaginar cómo dibujarlos en el futuro sin referencias. Aquí, estoy practicando dibujar el camino de asientos. En un lado del camino, la sombra es similar a la del balón por su forma curva, pero en la parte inferior del camino, la sombra sigue la línea recta porque está en el suelo y es más recta. El forma está siguiendo el material duro llamado ratán, y me lo imagino no tan suave como el cojín. A continuación practicaré dibujar una vela en la linterna. Aquí, me estoy centrando en mantener alineadas las formas de la elipse para que la linterna no parezca que está cayendo a un lado. Si te enfocas en estas elipses para estar alineadas, tenemos el fondo y la parte superior de la elipse de la linterna y las elipses en la vela forma de nuevo, inferior y superior. Entonces también puedo agregar el reflejo a través de estas forma de vidrio. Posteriormente, estoy tomando un enfoque similar a la hora de dibujar las gafas y también estoy agregando un poco de línea de reflexión en el costado del cristal. Ahora tomemos otra imagen de referencia, la carpa. Me gusta la forma y la textura de esta carpa. Se puede quedar muy bonito en medio de nuestra composición, complementado con otros elementos como las luces y banderas. Siento que la carpa traería una sensación muy agradable y acogedora a toda la ilustración. Al dibujar la carpa para simplificar las sombras, volteo la luz de la referencia e imagino que la tela es más pesada y no hay luz dentro de la carpa, sólo la sombra. Como puedes ver es de la manera opuesta en la referencia. El tejido es ligero y podemos ver los tonos y tonos más claros en la carpa en la imagen de referencia. Entonces practiquemos dibujar algunos tipos diferentes de alimentos en formas simples. Tomemos los que son reconocibles desde la distancia porque probablemente serán bastante pequeños en la ilustración. Por ejemplo, una sandía puede ser bastante reconocible desde la distancia por las formas de corte de triángulo y el color. Después podrás bosquejar más de tu comida favorita en base a las referencias. A lo mejor una tabla de cortar con fresas. Me encantan las fresas y las sandías en realidad porque creo que las fresas son mi fruta favorita. Solíamos tener muchas de ellas en el jardín cuando yo estaba creciendo, y solía comerlas directamente de los arbustos cuando pasamos días en el jardín con mis padres y abuelos. Te imaginas esto probablemente contribuya a que las fresas sean mi fruta favorita además de su sabor. Antes de seguir adelante, practica bosquejar otros objetos a partir de las referencias. Para esta ilustración, por la narración, estoy tratando de elegir objetos que agreguen un acogedor y decoren el campo a toda la escena, como cojines, por ejemplo. Creo que las precauciones siempre agregan la sensación acogedora y casi puedes sentir las piernas reales mirándolas. Después las flores. Creo que son bonitas decoraciones a casi cualquier ilustración. Muchos de estos objetos simplemente practicamos dibujar los frutos, cojines, y las flores son geniales en la escena porque al colorear, me da la oportunidad de traer colores brillantes en la composición. Ahora pasemos a la siguiente lección donde aprenderás más sobre consejos para agregar los objetos en la escena usando superposición, escala o tamaño, y encuadre de la composición. Nos vemos en el siguiente video. 8. Superposición: Después de practicar dibujar diferentes objetos en la lección anterior, hablemos de qué considerar cuando queremos ponerlos en una escena. En este ejemplo, usaré objetos simples, rectángulo, círculo y triángulo. En primer lugar, los dibujaré uno al lado del otro. Para que se vea más divertido, imaginemos estos objetos como jarrones sobre la mesa con flores y el agua en ellos. Estoy usando las ideas sobre cómo dibujar el agua en los rayos y las flores de los ejercicios anteriores. Ahora, cuando miras estas formas, parece que no están realmente en el espacio. Probablemente estén colocados sobre la mesa, pero pueden parecer bastante planas. El agua en los jarrones, y la forma en que la dibujamos nos ayuda a imaginar algún volumen a estos jarrones y algún espacio. Pero ¿qué pasa cuando esconden estas flores y detalles de agua en los jarrones. Al igual que si no hay agua en estos objetos, ¿cómo podemos hacer que este triángulo, rectángulo y el círculo se vean más como si estuvieran en el espacio. Probablemente lo adivinaste por el título. Al solapar estos objetos, podemos sugerir que hay profundidad en nuestra escena. Estoy escondiendo las flores por ahora para que podamos enfocarnos solo en los objetos simples. Dibujemos la superposición para comparar. Estoy dibujando de nuevo el objeto y moviendo un poco el orden porque creo que la mezcla de formas, las líneas rectas en el triángulo se ve más interesante junto al jarrón redondo. Me refiero al círculo. Observe que estoy evitando las tangentes y dibujando los bordes y las esquinas en diferentes puntos, por lo que las formas son más legibles para el espectador. Entonces puedo volver a añadir el agua y las flores, así como la sombra en el suelo para ayudarnos a imaginar que están como puestas sobre la mesa. También, observe que la línea base de cada objeto en el grupo de la derecha está en un nivel diferente o la altura en comparación con el grupo de los objetos de la izquierda. Todos los objetos del grupo izquierdo están en una línea en el entorno, o en otras palabras, en perspectiva. Además de esto, si los objetos del grupo derecho están más en profundidad del espacio, también se verán un poco más pequeños. Al igual que el rectángulo en la espalda, en el grupo de la derecha. Se puede imaginar esto recordando cuando hablamos de las estanterías en las grandes tiendas. Cuanto más lejos mires, los objetos se ven más pequeños. Como ya saben, esto se debe a la perspectiva, y en términos técnicos, se llama escala. Echemos un vistazo a una escala en la siguiente lección. Nos vemos en el siguiente video. 9. Escala: Como ya saben, debido a la perspectiva, el objeto más alejado de nosotros se ve más pequeño. Cuando los dibujamos utilizando diferentes escalas y tamaños, mostramos la profundidad en nuestras ilustraciones. Ahora, veamos más ejemplos. Abriré el dibujo desde antes, y me gustaría que se fijaran en las flores. Si quieres mostrar la profundidad en la escena, ayuda a utilizar objetos similares. Aquí, las flores en primer plano son un poco más grandes y las flores en el fondo son un poco más pequeñas debido a la perspectiva y tamaños que mencionamos antes. Permítanme mostrarles otro ejemplo. Me quedaré dentro del tema de la naturaleza. Usemos los arbustos y los árboles. En primer lugar, dibujaré un arbusto, flores y el árbol en la esquina izquierda, que estará más cerca de nosotros. Entonces árbol de aspecto similar del lado derecho, que estará más lejos de nosotros y por lo tanto, aparecerá más pequeño debido a la perspectiva. uso de objetos similares o el mismo objeto en diferentes escalas en las escenas ayuda al espectador a imaginar la perspectiva y la profundidad del entorno. Debido a las formas orgánicas de los elementos naturales como los árboles, no tenemos que preocuparnos tanto de que las líneas estén alineadas con las líneas en la cuadrícula de perspectiva. Al igual que si estás dibujando objetos más angulares como casas, por ejemplo, donde necesitamos prestar más atención a las líneas en la cuadrícula de perspectiva. Si aún te interesa dibujar casas en perspectiva, utilizo ejemplos de casas en la clase de nuestra perspectiva, para que podamos ver fácilmente cómo están alineadas con la cuadrícula de perspectiva. Si dibujas más formas orgánicas, puedes salirte con la tuya sin estar perfectamente alineado con la cuadrícula de perspectiva, lo cual a veces es útil. De lo único que quiero que prestes atención aquí, este lado de la báscula, por supuesto, es la colocación en el espacio. Si miras a los dos árboles trata de notar donde comienza el tronco del árbol o en otras palabras, el fondo del árbol donde toca el suelo. El árbol de la izquierda, más cerca de nosotros, tiene el fondo del tronco más o menos alineado con el marco del dibujo. El árbol de la derecha, más lejos de nosotros se coloca, y tiene la parte inferior del tronco del árbol más alta en el dibujo, por lo que el árbol se coloca en el tercio de nuestra escena o en el dibujo. Es posible que ya conozcas la razón. Se debe a que el árbol más pequeño del lado derecho, más lejos de nosotros, está más cerca del horizonte en la distancia, y por lo tanto, se ve más pequeño y se coloca más alto en la cuadrícula de perspectiva. Otra cosa que hacemos puedes usar para mostrar profundidad en la escena es el valor o el color de los objetos. Los objetos más cercanos a nosotros suelen aparecer más oscuros, y el objeto más alejado de nosotros suele aparecer un poco más claro en tonos y los valores que se debe a la concentración de diversas partículas en el aire. Si lo deseas, también puedes dibujar más objetos en la escena para mostrar la profundidad y la perspectiva. Por ejemplo, las rocas en el suelo cada vez más pequeñas cuanto más lejos están de nosotros, como el espectador. 10. Encuadre: En esta lección, aprenderás otro consejo sobre cómo mostrar profundidad y crear composiciones interesantes en tus obras de arte. Mantendré el dibujo con los árboles de la izquierda y dibujaré una nueva idea de composición a la derecha para mostrarte otra punta que se llama encuadre. Qué es encuadrar se podría preguntar. Se trata de un concepto de composición donde se pueden utilizar elementos y objetos para enmarcar la imagen con el fin de crear una sensación de profundidad en su espacio. Ayuda a la persona que mira tu dibujo a pasar del primer plano a más detalles en el fondo o en medio de la composición. Volveré a dibujar un árbol de la izquierda para mostrarte un encuadre. Agregar objetos al primer plano y enmarcar tu composición también ayuda a crear un equilibrio visual y liderar la atención hacia el otro objeto de tu composición. Te imaginas mirando el parque a través del árbol en primer plano, que está bloqueando tu vista. Como podrían notar al agregar el árbol, arbusto, y banderas en mi dibujo, estoy ayudando al espectador a llevar el foco a los personajes en medio de mi composición bloqueando otras partes de la imagen con algo en la escena. También puedes usar el encuadre como una parte más grande de tu composición junto a los bordes de tu dibujo, así como más cerca del centro, tomando más espacio de esta composición. Por ejemplo, al mirar tu obra a través de una puerta, o al mirar tu dibujo a través de una pequeña ventana o un ojo de cerradura en la puerta. Te puedes imaginar la gran parte de la puerta como una parte más grande de la composición y la parte más pequeña como el ojo de la cerradura como el foco de tu composición. Puedes ajustar el encuadre para que sea más pequeño o una parte más grande de tu composición. De esta forma ajustarás el enfoque de tu obra de arte. En la siguiente lección, discutiremos la influencia del punto de vista y la colocación del horizonte en su tema. Nos vemos en la siguiente lección. 11. Horizonte y punto de vista: En esta lección, veremos diferentes puntos de vista en nuestras escenas al aplicar el realismo de perspectiva. En primer lugar, hablemos de horizonte y de la línea horizontal a la distancia de tu vista. Podrías pensar, ¿por qué debes prestar atención a dónde está el horizonte, solo lo colocaré en algún lugar. Bueno, cuando quieres transmitir realismo y profundidad en tus escenas y composiciones, necesitamos ayuda desde la perspectiva. La línea horizontal es una de las primeras cosas a las que pongo atención al mirar y practicar composiciones de dibujo y las escenas a partir de referencias. Antes de mirar las pocas referencias, aquí hay un refresco rápido de lo que son el punto de fuga y la línea del horizonte. Dibujaré una rejilla de perspectiva básica y colocaré nuestra mesa de picnic en la composición como referencia. Tenemos algún objeto en este entorno con la cuadrícula de perspectiva. Este ejemplo es perspectiva de un solo punto y tiene líneas que se encuentran en el horizonte, y este punto se llama punto de fuga. Si pensamos en el punto de vista, el primer ejemplo en la parte superior izquierda es una cuadrícula donde el horizonte estaría aproximadamente a nuestro nivel de ojos como espectador. En el segundo tema, el horizonte sería más bajo, y en el tercer tema, el horizonte estaría por encima de nuestra línea de ojos. Aquí, me gusta usar la ayuda de una cámara imaginaria para ayudarte a imaginar de qué hablo al mencionar el punto de vista. Por la colocación de la cámara, se puede imaginar la vista bajo la cual estamos mirando los ejemplos de escena y cómo eso se almacenaría, los objetos y personajes en el espacio. El ángulo de la cámara te ayuda a capturar la vista subjetiva del personaje de la escena. Al crear una escena, piensa en pocas cosas; ¿ estás a la altura de los ojos del sujeto de tu escena? ¿ Estás mirando hacia abajo en el tema? ¿ Estás mirando hacia arriba al tema? ¿ Qué tan cerca estás del tema? El tema de tu escena puede ser un personaje o un jarrón con flores, o algo más sencillo como una manzana o canasta de frutas sobre la mesa. Cuando estás a la altura de los ojos con el sujeto, personalmente peleamos con el sujeto, aunque no sea humano. Con entonces punto de vista a nivel del ojo de la escena, es la forma más fácil de ayudar al espectador a conectarse emocionalmente con el concepto y tu dibujo porque se pueden imaginar que están mirando la escena ellos mismos. Cuando creas una escena, cuando miras hacia arriba desde abajo a un sujeto o a un personaje, puedes hacer que el espectador sienta como si el personaje estuviera en el control de la situación. Estas vistas se usan a menudo en las películas cuando miras hacia arriba al fuerte héroe de acción. El héroe no es el control ni fuera del alcance del espectador. oposición a cuando se mira desde arriba, permite que el espectador se sienta superior al sujeto. Además, el espectador en esta vista puede sentir que pueden mirar la escena sin molestar ya que están lejos. ¿ Cómo influyen estos puntos de vista en las proporciones del personaje? Si el ángulo de la vista es muy agudo o grande al mirar hacia arriba, las patas del personaje se verán alargadas y la cabeza más pequeña. Opuesto a cuando se mira hacia abajo a la cabeza del personaje, se verá más grande y los pies más pequeños. Mucha gente toma estos selfies porque se ven más lindos y más petitas. Seguro que conoces estos [inaudibles] en redes sociales. Al practicar perspectiva y notar líneas de horizonte en las imágenes de referencia, intenta notar también el punto de vista. Perspectiva a nivel de ojos, mirando hacia arriba o mirando hacia abajo. Volviendo atrás, estos ejemplos, estamos usando la perspectiva de un solo punto. También hay perspectiva de dos y tres puntos. Para entender y practicar más, por favor observe mi clase de perspectiva. De lo contrario, esta clase se volvería muy larga. Aquí te presentamos algunos dibujos de ejemplo más donde puedes notar diferencias en el punto de vista. A modo de referencia rápida, aquí hay un ejemplo cuando un punto de fuga está más a la izquierda y el otro está en el extremo derecho fuera de la escena. En la imagen de referencia, puedes notar que esto es lo más en las líneas y la silueta de la tabla. ¿ Cómo se alinea y se coloca en la perspectiva? Permítanme mostrarles más ejemplos. Aquí se pueden ver dos bocetos del concepto de picnic y cómo tomaría vista en perspectiva de un solo punto y composición de boceto con más objetos como la carpa y los cojines en el ejemplo superior derecha, y la perspectiva de dos puntos derecha debajo de ella. Ambos bocetos están en la vista a nivel de ojo, por lo que el espectador puede imaginarse estar ahí. Estaré usando una vista a nivel de ojos para el proyecto final también. El concepto de la narración, será como si estuvieras en el parque como espectador y podrás ver a tus amigos cerca, y estás a punto de unirte a ellos. Ahora, cuando hablamos del punto de vista y la superposición del objeto enmarcado de la escena, vamos a romper este bosquejo de los personajes. Nos vemos en el siguiente video. 12. Práctica II: Ahora usemos todos los consejos que aprendiste en las lecciones anteriores para bosquejar personajes para nuestro proyecto. Te mostraré cómo dibujaría personajes desde referencia ahora. Estoy eligiendo referencias donde el ángulo de la cámara o punto de vista no es demasiado extremo por lo que nuestros personajes no están demasiado distorsionados en perspectiva. Tomémoslo bien y con calma. Creo que este primer ejemplo tiene un ángulo y pose muy bonitos, que incluso puede encajar bien en mi proyecto final. Está en mi clase de personajes estilizados, estoy empezando la pose con la figura de palo. Círculo y la forma de lágrima para la cabeza, y los círculos para las colocaciones articulares. Al hacer bocetos, estoy pensando en formas simples para las partes del cuerpo y todos los demás elementos. Hacer formas al dibujar las manos, triángulos para los pies, y formas de cilindro para las piernas y los brazos. Entonces estoy agregando formas simples para la ropa y el objeto, me parece interesante en la pose. En este caso, me gusta mucho el sombrero de verano y la bebida en la mano del personaje. Recordando la superposición de objetos y formas, se puede notar la superposición de formas también en este personaje. El derecho del personaje está más cerca de nosotros y la pierna izquierda del personaje está más allá. En nuestra opinión, la pierna derecha se superpone a la pierna izquierda en esta escena. Además, como puedes ver, redondeé un poco más la espalda para crear más expresivo y lo real expuesto en comparación con la referencia. El personaje de esta referencia fotográfica está sentado demasiado recto y por lo tanto viene un poco menos relajado, como me gustaría que fuera en este momento en particular al mirar el océano y hacer un picnic. También hice el cabello más estilizado. Como puedes ver, tienen más volumen que en la foto de referencia. Cuando estoy contento con la estructura, puedo volver a dibujar el personaje en una capa separada. O como hago a menudo cuando solo practico y bosquejo, borro partes que ya no necesito. Después para crear un sentido del volumen, estoy agregando sombras como lo hicimos en los objetos antes. En este caso, la foto de referencia me puede ayudar. Se puede ver que hay algo de sombra en su espalda y en la parte posterior de la cabeza veraniega. Puedo dibujarlo similar a lo que veo en la referencia. El sombra en la referencia es menos visible en las piernas debido a la tela oscura en los pantalones. Pero sólo puedo seguir las sombras de las partes antes mencionadas. Todas las sombras del personaje en la referencia están más en el lado izquierdo y más hacia abajo ya que el sol brilla desde arriba a la derecha. Estoy agregando todas las sombras en la parte inferior de las piernas y debajo del personaje en el suelo para ayudar al personaje a estar más establecido o colocado en el entorno. En la siguiente lección, vamos a romper más esto y seguiremos dibujando personajes. Te veré en el siguiente video. 13. Práctica III: Cuanto más practiques, más fácil te resultará dibujar lo que te imaginas. Hagamos otro mini ejercicio, y ahora con dos personajes. Abriré otra imagen de referencia, y esta vez con dos personajes. Para hacerlo un poco más desafiante con la perspectiva de la diapositiva y un poco de distorsión de los personajes en el espacio. La manta de picnic nos ayudará amablemente a ver la perspectiva en el espacio. La parte trasera de la manta más alejada de nosotros es ligeramente más corta o más pequeña que la parte frontal de la manta más cercana a nosotros. También estoy agregando la línea en la cabeza donde quiero colocar ojos. Al hacer esto, también me ayuda a imaginar dónde se colocarán las otras características faciales. Dibujo esta curva de línea hacia abajo mientras los personajes miran hacia abajo. Empezar de nuevo con la figura de palo para los personajes me ayuda a mantenerla sencilla al colocar las articulaciones, el torso, las caderas, los brazos y las piernas. Cuando esté contento con la pose inicial, le añadiré pelo. Nuevamente, son un poco más exagerados ya que los personajes están ligeramente estilizados. Al agregar paños sencillos, intenta notar la silueta de los atuendos en el cuerpo. Por ejemplo, el borde inferior de las camisas de ambos personajes, o la línea de escisión de la camisa, o la parte superior del personaje, ya que éstas te ayudarán a definir y sugerir también la forma del cuerpo del personaje. En el personaje de la derecha, también puedes notar la silueta del corto y sus bordes. El modo en que dibujo aquí los shorts me ayuda a definir las piernas de este personaje también. Similar a nuestra práctica de bosquejar los objetos en las lecciones anteriores, este ejercicio te ayuda a construir una biblioteca visual. Como se mencionó anteriormente, te ayudará a sacar personajes de la memoria en el futuro, y te permitirá dedicar más tiempo a explorar conceptos e ideas para tus escenas y personajes, en lugar de buscar fotos de referencia específicas. Entonces eliminaré partes del boceto que usé como guía y que ya no necesito, y añadiré sombras para agregar volumen a las formas de los personajes. Tenemos el sol brillando en la esquina superior derecha, nuevamente en la referencia, por lo que podemos agregar sombras a la parte inferior izquierda de los personajes. Porque antes practicamos el dibujo de sandías, ahora puedo dibujarlo en la escena, lugar de copiar exactamente lo que hay en la foto de referencia. Siempre es más divertido cuando personalizas y añades tus pequeñas historias y cosas que te gustan a la ilustración. Tus preferencias y gustos te ayudarán a crear tu propio estilo también. Hay una cosa más que me gustaría que se fijaran en esta referencia. Se puede ver que el pie del personaje en la parte superior amarilla, sus pies más cerca de nuestro mirador y los hombros más alejados. Aparecen un poco más pequeños en perspectiva que si el personaje no se distorsiona en perspectiva. Solo quiero que lo notes, pero no tienes que aplicar con demasiada fuerza al esbozar estos dos personajes. Pero lo puedes notar en mi boceto, es que dibujé los pies del personaje a la derecha un poco más grandes que los pies del personaje de la izquierda. Para resumir estos dos ejercicios, estos bocetos son sólo dos ejemplos de cómo abordar el dibujo a partir de referencia. Espero no sonar como un disco roto, pero entre más bocetos hagas, más fácil será para ti crear conceptos sin referencias en el futuro. Para equilibrar los bocetos, mirando el primer boceto, puedo definir más las líneas y formas también. Se ven similares en acabado y estilo con el segundo boceto. Ahora, pasemos a crear conceptos para nuestra escena. Nos vemos en la siguiente lección. 14. Conceptos de escenas: En esta lección, veremos más referencias y práctica simplificando a la hora de agregar más personajes a la escena. Voy a traer fotos de referencia y dibujar escenas de diseño basadas en estas referencias para entrar en el flujo de este concepto. En primer lugar, te mostraré cómo me acercaría usando una referencia y luego creando más ideas de escena a partir de ahí. Por favor siéntete libre de encontrar tus propias fotos de referencia o crear tus propias composiciones a partir de las mismas referencias en esta etapa. Al dibujar este concepto, intenta agregar 2, 3, 4 o más caracteres. Si tienes dos, también puede ser un humano y un perro o un gato escalofriándose en el parque en la manta. Sé tan creativo como quieras. El cielo es el límite. Puedes probar diferentes diseños, paisaje, relación vertical, o incluso una relación cuadrada. Yo me quedaré con el paisaje. Para dibujar el concepto, quiero crear seis cajas similares para ayudarme a mantenerme dentro del diseño. Como puedes ver, a veces la mano se tambalea y no crea las formas exactamente como te imaginabas. Para ayudarme a crear estas cajas, encenderé la cuadrícula guía de dibujo para ver mejor qué tan grandes deben ser estas cajas de diseño Si quiero tener seis de ellas en mi Canvas. Aquí puedes ajustar las proporciones de la cuadrícula y otros ajustes en función de tu gusto. Mantendré el tamaño de la cuadrícula bastante pequeño en este caso y esto debería funcionar muy bien como mi guía. Para acelerar mi proceso, puedo dibujar una caja en una capa separada y crear copias que puedo distribuir uniformemente alrededor de mi Canvas. Cuando esté contento con mi distribución de las cajas para el diseño, volveré a abrir la ventana de referencia. En esta primera escena, como ya discutimos antes, estableceré primero la línea del horizonte para fijar el punto de vista en la escena. Para simplificar, estoy creando sólo dos formas de arbusto en el fondo en lugar de todo el bosque, y luego estoy agregando la tabla como centro de la composición aquí, aproximadamente en el ángulo como veo en la imagen de referencia. Entonces, para simplificar, estoy agregando sólo dos cajas para que los personajes se sientan. Como pueden ver, me estoy centrando en dibujar una superposición para crear el sentido de profundidad. Siento que no necesito una silla al frente para este concepto en comparación con la imagen de referencia. Entonces estoy agregando formas simples para sugerir el primer personaje. Triángulo para el pecho, bastones simples para los brazos, y formas medio ovaladas para las piernas. Como puedes ver, mantuve las piernas similares a la referencia, pero ajusté los brazos a lo que creo que puede ser una bonita postura alegre para este escenario, porque me imagino haciendo el gesto yo mismo. Para el segundo personaje, estoy colocando los pies en el suelo ya que es pose más sencilla que averiguar las piernas cruzadas y la colocación ahí. Para el tercer personaje, solo esbozo el simple torso y un brazo con bebida elevada para interactuar con otros personajes. Para terminar este concepto, estoy agregando encuadre en forma de guirnaldas y sombras para agregar volumen a los objetos. Para la segunda escena, abriré otra referencia. Esta vez, estoy creando una escena más de cerca donde los personajes ocupan más espacio en la composición. Este tipo de composición crea un sentimiento más íntimo. De esta manera, puedes transmitir una amistad más cercana o incluso una relación romántica. Tuvimos el ejemplo similar de los dos amigos en los ejercicios de práctica. Estaban aún más cerca con tocar los hombros, pero la composición se alejaba más y había más espacio negativo a su alrededor en la composición. Trata de notar en las películas cuando muestran amigos cercanos o conversación sincera, muy a menudo se amplía el marco y los personajes ocupan una gran parte del espacio en la composición. Se puede trabajar con ambos. Si quieres usar este tipo de personajes de narración de cuentos de cerca y también ampliar la composición. También porque la comida aquí está más en primer plano, podemos ver mejor en la ilustración. Si estás de humor para hacer la comida, concéntrate en su ilustración junto con sus personajes. El zoom en la composición puede ser una cosa para ti. También puedes tomar los bocetos que hiciste en la lección anterior y ajustar las formas de las placas para que se ajusten a esta composición y perspectiva, porque esta vez estás mirando la comida en el plato y más desde arriba. En los bocetos anteriores, hicimos más vista lateral donde las placas se parecen más a una línea recta en el dibujo. En este punto de vista, será más en forma elite. Forma orgánica de la comida se verá tranquila similar en esta vista. Para llenar la composición, estoy usando el árbol, arbusto, y luces colgantes como encuadre en la parte superior, y luego la comida y el jarrón con flores en el medio para equilibrar el espacio vacío. Como tercera escena, podemos utilizar el primer boceto como referencia y crear detalles de horizonte similares y la tabla en el medio. Puedo colocar la mesa tal como la miramos en el ejemplo de perspectiva de un solo punto. Esta vez, la mesa está más lejos de nosotros como espectador, por lo que es más pequeña y tengo más espacio para agregar personajes. Los bordes de la tabla están alineados con el borde de la imagen y el horizonte. Las poses de carácter son similares a las que practicamos antes, así que siento que ya no necesito una referencia para esto. Puedo agregar pelo a los personajes en el valor oscuro esta vez para darles foco ya que esto crea más contraste. Como sabrías por la clase de composición, el contraste te ayuda a enfocar el tema también en la composición. Antes de pasar a la siguiente lección, añadiré sombras y detalles a este boceto también. En la siguiente lección, te mostraré más ejemplos y hablaré de interacciones de personajes. Nos vemos en el siguiente video. 15. Interacción con los personajes: En esta lección, hablaremos de qué considerar a la hora de mostrar a los personajes que interactúan entre sí. En esta cuarta escena, esbozaré una idea similar a la del tercer concepto, pero añadiré una carpa detrás de la mesa. Esto me ayudará a anclar la composición y hacer que toda la escena se sienta más acogedora. Para esta composición, usaré las luces colgantes y guirnaldas para llevar el ojo del espectador al centro de la composición. Si bien esbozo esto, déjame contarte más sobre las interacciones de los personajes y si estoy pensando a la hora de esbozar las poses y las escenas. Porque agrega tanto a tus ilustraciones cuando tienes más de un solo personaje en la escena. He mencionado este tema también en la clase de caracteres estilizados. Quizás estés pensando que ya es bastante complicado pensar cómo diseñar y colocar un personaje en la escena, y luego el siguiente nivel es pensar en dos o incluso más personajes en la escena. Entonces quiero que también diseñen cómo interactúan entre sí, con dolor de cabeza. No te preocupes te tengo. Lo que queremos lograr con nuestras ilustraciones y grupo de personajes en la escena siempre debe ser lo más claro posible. Tomémoslo paso a paso. Trata de hacerte las siguientes preguntas; ¿por qué están ahí estos personajes? ¿ Se les gusta el uno al otro? ¿ Cuál es la historia ahí? ¿ O tal vez uno o más de ellos no se gusten? Tal vez haya un drama soplando. A lo mejor se están evitando la mirada del otro. A lo mejor hasta uno de ellos está a punto de decir : “¿Cómo pudiste hacerme esto?” A lo mejor puedes inspirarte en una de tus películas favoritas. O tal vez tan simples como eso, están realmente contentos de verse después de mucho tiempo, y realmente están disfrutando de la compañía del otro. Trata de implementar tu historia. Por lo que aquí trataré de mantenerlo sencillo. La idea que quiero transmitir aquí es que los personajes se gusten entre sí, y quieren estar en compañía del otro. Estoy tratando de mostrar esto por lenguaje corporal relajado, y se inclinan unos hacia otros con sus cuerpos. Además de estos, estoy usando los vítores con las bebidas, que en muchas partes del mundo suelen crear recuerdos felices. Para la quinta escena, estoy tomando como ejemplo el primer boceto y creando líneas diagonales para los bordes de la tabla en el medio. Pero esta vez, la forma de la mesa cuadrada puede convertirse en una manta balizante, y los personajes se sentarán en el suelo, como en el tercer concepto. Sentarse en el suelo puede evocar sensación aún más relajada y casual en comparación con sentarse en las sillas en un picnic más elegante y organizado con mesas y cojines reales. A pesar de que ambos conceptos son bastante relajantes. Además, esta escena está enmarcada con un árbol y el arbusto para evocar un ambiente acogedor y seguro de aspecto y para enfatizar el lugar feliz. También me estoy centrando en las líneas principales y espacio negativo en la composición en esta etapa cuando sé qué poses pueden funcionar bien en esta interacción de personajes. En comparación con las otras composiciones, ésta es más alejada y en vista de pájaro, mirando desde arriba. Mirar desde arriba puede sentirse más distante que las otras escenas con un punto de vista a nivel de los ojos. Mirando desde arriba, en otras palabras, la vista de pájaro es más observacional y puede sentir que tienes menos conexión emocional con la escena. Creo que la vista de pájaro siempre es agradable cuando se quiere mostrar el entorno en las películas antes de acercar la conversación del personaje. En esta escena, los personajes también están más alejados uno del otro y el espacio está más vacío en la manta en el medio. Entonces como estos, se puede sentir como, y se puede transmitir que no son amigos tan cercanos como los del segundo concepto. Para terminar la etapa conceptual, en la sexta idea, dibujaré la mesa en el medio y cuatro personajes, pero esta vez llenaré más la composición con montones de linternas y almohadas para que se sienta realmente acogedora. Al hacer esto, tenemos que detenernos en algún momento para que la composición no se sienta demasiado abarrotada y por lo tanto de alguna manera incómoda y confusa de mirar. Intenta siempre distribuir el equilibrio de demasiados elementos y demasiado espacio vacío. En la siguiente lección, escogeremos una escena con la que trabajar más como proyecto, y probaremos algunas paletas de colores. Te veré en el siguiente video. 16. Conceptos de las paletas de colores: Hemos pensado en pocas ideas de diseño diferentes y ahora es el momento de elegir una y rápidamente hay algunas paletas de colores. Seleccionaré el concepto 4 porque me gusta la coziness de la carpa y la interacción de los cuatro personajes animando con las bebidas ya que suele evocar momentos felices con amigos. Mantendré el boceto en una capa separada y lo copiaré cuatro veces. Fusionar esas capas con estos cuatro bocetos. Establece la capa con estos bocetos para multiplicar y dibujar la prueba de color en la capa inferior. Tomaré un pincel huido más grande por lo que me obligará a dibujar los colores en formas más grandes y no a enfocarme en los detalles todavía. Estoy tomando una imagen de referencia para inspirarme para la primera paleta de colores. Una de las primeras cosas que estoy viendo son los greens. Notando de esta referencia que el verde está más claro lejos de nosotros por la luz y más oscuro más cerca de nosotros, probablemente por la sombra del árbol en primer plano. Estos gradiente de color en realidad encaja bien en mi composición. Entonces me gusta la mesa blanca y los cojines y qué bien contrastan con los greens de la escena. Si notas en la referencia, el rosa, amarillo y el azul son bonitos acentos de color. Para que yo también pueda sumar esos a la escena. Puedo usar el amarillo y el rosa para el objeto y tal vez probar el azul en los personajes de mi escena. Ahora mirándolo, no soy tan fan del azul claro. Pero por ahora, lo guardaré y ya veremos. A lo mejor me ajusté más tarde pero es una buena prueba. Aparte del azul, me gusta bastante esta combinación de colores así que puedo copiar esta prueba de color, e intentaré intercambiar el azul claro por otra cosa. Por ejemplo, rosa más oscuro o azul oscuro, me gusta bastante esta combinación. Para ayudar a que destaque la carpa en medio, oscureceré el arbusto de fondo. Ahora para la tercera idea de paleta de colores, tomaré otra imagen de referencia, la que usamos antes, y aplicaré los colores. Porque dibujamos una idea diferente, esta manera no estoy copiando exactamente la referencia pero solo me estoy inspirando en los colores y un agua en el fondo. Lo que puedo agregar a esta paleta de colores es el color de las almohadas de color rosa oscuro que usamos en la segunda versión de color y lo puedo aplicar a estas paleta de colores también. Esto me pasa bastante a menudo. Uno IBS aparca otro, y podrías terminar con un nuevo resultado que realmente amas. Al igual que aquí, combinando bits y piezas que te gustan de diferentes versiones. A pesar de que no disfruté el azul en la segunda versión del atuendo, me gusta bastante aquí como el agua al fondo por lo que le daré al azul otra oportunidad en estos conceptos. Recuerdo que había una manta azul en una de las fotos de referencia, por lo que la abriré y me inspiraré para la paleta de colores desde la referencia. Además, si recuerdas, la carpa también era blanca y azul y podemos usar lo mejor y la inspiración aquí también. Al mirar estas referencias, los greens son luz tranquila en comparación con las sombras y se pueden ver bonitos patrones de sombra en la hierba. Pero en este caso, no voy a añadir estos patrones de sombra en el pasto porque creo que crearía ajetreo en el área de pasto y quiero mantenerlo sencillo en esa zona porque ya está ocupado con los personajes y toda la comida sabrosa en primer plano. Lo que me gusta de esta referencia, tenía edificios de fondo lo que crea un escenario muy interesante, como tener un picnic en el Central Park de la ciudad de Nueva York. Cuál es tu favorito o usaste diferentes referencias, tal vez atardecer o incluso colores nocturnos? A mí me gusta más la segunda versión aquí. El bonito verde y exones amarillos y rosados oscuros con tonos saturados, atrayendo la atención sobre los personajes. Por lo que tomaré esta paleta de colores para mi proyecto. Cada vez que probamos paleta de colores, si te gustan algunas de las combinaciones de colores, no olvides guardarlas para más adelante. Pueden caber en otras ilustraciones en el futuro también. En la siguiente lección, escalaremos y ajustaremos nuestro concepto antes de colorear y renderizar finales. Nos vemos en el siguiente video. 17. Ajustes del boceto: Ahora escalaré el boceto para ver si necesito ajustar los detalles o simplificar la composición cuando miro el concepto a una escala más grande no como una miniatura. Como parte de mi proceso, quiero tener una idea bastante clara de los elementos y detalles antes de hacer la coloración final porque quiero acercarme a ella como solo seguir el trabajo de línea y no el experimentar en el camino. Estaré ajustando y creando un nuevo boceto en una capa separada arriba. De manera rápida porque en este caso no necesito un fondo transparente es tomar una captura de pantalla y llevarlo al nuevo Canvas. Aquí puedes ver los detalles de mi configuración de Canvas. Pero puedes elegir tu propia configuración para el lienzo dependiendo de dónde quieras usar la ilustración final. Entonces escalaré el boceto, el lienzo completo. Estaré ajustando y creando un nuevo boceto en una capa separada arriba y tomaré uno de los pinceles de bocetos de textura. Estoy usando el mismo pincel que para las miniaturas. Ahora mirando el boceto, quiero simplificar así voy a reducir la cantidad de las banderas en la guirnalda. Lo que creo también me ayudará a simplificar la composición y toda la ilustración será la simétrica simetría de las banderas en ambos lados, así que cambiaré eso. Creo que me gusta más ahora con la simetría. A mí me parecen bien las linternas del boceto de miniaturas anterior. Entonces añadiré más hojas y las flores al primer plano ya que los arbustos se veían demasiado planos y vacíos para mi gusto en comparación con las decoraciones colgantes y todos los detalles alrededor de los personajes. También crear más interés visual en primer plano me ayudará a equilibrar la composición. Pero lo que todavía voy a hacer ahora es agregar algunas hojas de pasto para romper la línea recta en la composición en el fondo del campo de pasto. Mantendré el pasto y los arbustos al fondo bastante sencillos para que los espectadores tengan un bonito lugar para descansar los ojos en un espacio más llano y vacío. Siempre podemos agregar algunos detalles sutiles más adelante si nos apetece. Entonces delinearé los personajes basados en el boceto de estructura de la miniatura. Si no estás seguro, por favor usa referencias para ropa y cabello. Marcaré la colocación aproximada para las entidades de la cara también y más tarde planeo definir los personajes más en una capa separada antes de mover el color. Pero por ahora, esto está bien. Como se mencionó, me ayuda a acelerar el proceso cuando tengo un boceto bastante claro al trabajar en este estilo. En cuanto a los atuendos, mantendré la ropa bastante simple, tal vez ajustando aquí un poco y dibujando shorts, pantalones, camisas simples, y playeras sueltas. También ajustaré y definiré los peinados en esta etapa. Ahora, trabajaré más en los detalles del personaje en una capa separada por encima del otro boceto. Voy a reducir el tamaño del pincel y más arriba el aeroplano lo que me ayudará a crear líneas más lisas. Como mencioné antes, la hora de definir los personajes, depende de tu estilo preferido y cuántos detalles quieras agregar, y cómo le peines a los personajes. Ya que hablo mucho en mis otras clases de personajes, me gusta mantener las formas bastante simples y al agregar pocos detalles como líneas en el cabello, pocas hebras sueltas en los peinados, y pocos detalles en la ropa, soy tratando de mantener a los personajes simples, también un poco más reales mientras se trata de mantenerlos estilizados. Por supuesto, siéntete libre y creativo para guardar la ropa. No tenemos ningún pliegues y detalles entonces estoy creando aquí. También con otros detalles, anatomía puede ser bastante difícil. Si luchas con definir las manos, no te preocupes, son difíciles de hacer. A veces necesito algunos intentos para hacerlo bien y tratar de usar referencias. De ser necesario, suelo tomar una foto de mi propia mano frente al espejo sosteniendo un objeto similar que quiero dibujar. También para simplificar al bosquejar la mano, siempre empiezo con la forma de manopla y luego agrego dedos. Como puedes notar, también me inspiran los atuendos en las imágenes de referencia que habíamos mirado antes. Muchos de los personajes en esos escenarios tenían ya sea shorts, camisetas de manga corta, o vestidos. Estoy tratando de crear una variedad así como similitudes. Por ejemplo, dos chicas están en corto, pero una tiene más camisa suelta y la otra tiene camisa más ajustada. Además, dos chicas están en camisas sueltas, pero la una tiene corta y la otra tiene pantalones largos y así sucesivamente. Lo mismo con dibujar el cabello, estoy tratando de crear alguna variedad en los peinados a pesar de que todos tienen el pelo largo. Trata de ser creativo aquí también. Por supuesto puedes crear aún más variedad en los peinados y el atuendo si quieres. Yo estoy bastante contento con esto, espero que estés igual de bien con tu concepto. Ahora pasemos a la siguiente lección donde haremos pruebas de color del concepto final. Nos vemos en el siguiente video. 18. Pruebas de colores: Después de ajustar la composición, haré una prueba de color rugoso más para ver si necesito equilibrar las opciones de color que hice en la miniatura para acercar el foco a ciertas áreas. Establece la capa con estos bocetos para multiplicar y dibujar la prueba de color en la capa inferior. Tomaré un pincel huido más grande por lo que me obligará a dibujar los colores en formas más grandes y no a enfocarme en los detalles todavía. En base a la miniatura de color elegida, rápidamente pongo los colores que primero elegí y luego pienso, si necesito equilibrar más el enfoque en la composición. Mencionamos el encuadre, espacio ocupado y vacío , las líneas principales, y el contraste, ayudarte a enfocar tu tema en la composición. Otra herramienta que puedes usar para acercar el foco a tu sujeto es el color. Si viste mi clase de composición, ya te enteraste de esto. De no ser así, por favor, adelante y echa un vistazo a esa clase también para construir sobre ella. En esta prueba de color, me estoy centrando en el color y el contraste en los valores. Con los colores en mente, estoy usando tonos más cálidos y vibrantes para ayudar a enfocar a mis personajes en la composición. En cuanto al contraste, estoy usando los valores de luz contra valores oscuros, que se pueden ver son arbustos oscuros en el fondo para llevar el foco al centro de la composición en mis personajes. Además, si quieres construir sobre la narración visual y cómo trabajar con enfoque en tu tema en la ilustración, también puedes ver mi masterclass color y luz, donde te muestro aún más ejemplos de cómo hacerlo. Como puedes ver para los personajes, estoy tratando de equilibrar la variedad en la ilustración, y dibujar personajes con diferentes tonos de color de piel y diferentes colores de cabello. Me gusta mucho la variedad en el mundo y lo internacional que puede ser el grupo de amigos. Cada uno tiene su propia historia de vida y diferentes antecedentes, lo que hace que la vida diaria sea más interesante y vibrante. Siempre me encanta escuchar sobre historias de vida de las personas, experiencias de viaje, consejos de comida, etcétera. Cada vez que viajamos, trato de ir a reuniones locales para conocer gente nueva y tal vez probar un nuevo deporte, alimentos, y pasatiempos. ¿ Has probado eso también? De todos modos como descargo de responsabilidad, por favor mantente seguro y si vas solo, asegúrate siempre de decirle a alguien a dónde vas y con quién te estás reuniendo, y cuando vuelvas. Normalmente voy a reuniones deportivas, recorridos a pie por la ciudad, recorridos museos de arte o reuniones de café. Basta de viajar, volvamos a nuestra ilustración. Volviendo a esta ilustración, como pueden ver, estoy usando la mayoría de los colores brillantes alrededor de los personajes para mantener el foco ahí. Por lo tanto, al colorear las linternas y las luces encima de la composición, las estoy manteniendo en tonos más estables, neutros, ya que no quiero demasiada atención en esa parte de la ilustración. Como puedes ver, puedes dibujar aquí los looks de tus amigos o familiares o imaginando una situación futura perfecta. Por ejemplo, puedes ir al encuentro de picnic en Central Park en Nueva York y conoces a un montón de gente nueva y cariñosa o imaginas otro lugar al que quieras ir. Creo que estoy contento con esta prueba de color y creo que está muy bien equilibrado. A continuación, limpiaré la ilustración con bordes lisos y formas limpias. Como se mencionó antes, esto depende tu estilo y siempre puedes tomar un enfoque más pictórico. Si no te gusta el recorte de papel limpio estilo y formas en la ilustración. Ahora vamos a la siguiente lección para poder mostrarte cómo me acercaría a este tipo de coloración. Nos vemos en el siguiente video. 19. Colores básicos: Probamos los colores y las composiciones, y ahora es el momento de finalizar la ilustración. Esto, por supuesto, depende de tus preferencias de estilo. Para esto, copiaré mi lienzo y prepararé nuevas capas. Eliminaré la capa de boceto original, y aún la tengo en el lienzo copiado de antes si necesito volver a ella. Mantendré mi prueba de color en la ventana de referencia en la parte superior izquierda para poder comprobarla y mirarla atrás mientras dibuja. Fusionaré las capas de arte de línea de referencia y la estableceré para que se multiplique, y trabajaré en los colores en las capas de abajo. Para este dial, elegiré un pincel con bordes lisos. Actualmente me gusta este, pero puedes elegir cualquier otro pincel que te guste. Trabajaré con la paleta de colores que probé en las miniaturas y guardé algunos tonos de color en el camino. Por favor siéntase libre de usar otros colores que podría haber probado en el camino. Cada vez que probamos una paleta de colores, si te gustan algunas de las combinaciones de colores, no olvides guardarlas para más adelante. Pueden caber en otras ilustraciones en el futuro también. Aquí, primero crearé formas para los arbustos frontales y la planta. Con el pincel liso, dibujaré un contorno siguiendo mi línea de trabajo desde antes, y luego simplemente arrastraré y soltaré el color en esta forma. En esta etapa, no necesito pensar mucho en los colores ya que tomé la mayoría de estas decisiones en los pasos anteriores. Esto estoy limitado con las capas, dividiré la ilustración en partes de vista. La mayoría de las veces, dividí mis ilustraciones en primer plano, medio suelo, fondo y personajes. Esto me pareció muy útil cuando necesito ajustar partes y tal vez pintar detrás de ciertos elementos o mover los personajes si lo necesito. Para el medio suelo, crearé un gradiente de color de oscuro a claro como mirábamos antes en la referencia. Para este efecto, utilizaré una herramienta de desenfoque gaussiano en la capa o puedes pintar este efecto con un pincel suave. Hay muchas formas de cómo puedes finalizar los colores. En esta clase, te estoy mostrando una combinación de separar algunos elementos en capas y usar un pincel en lugar de una herramienta de lapso. Porque voy a estar usando un lienzo más grande, estaré limitado con capas, como mencioné, y por eso necesitaré combinar unas cuantas capas y partes de las ilustraciones en algunas capas. Otro enfoque, a veces uso con ilustraciones es usar pinceles para pintar los colores de manera más orgánica y escaldado con colores en una capa. Me gusta mucho este enfoque y opción para un proyecto personal. Otro enfoque es utilizar la herramienta de Lazo para definir cada forma en una capa separada. Si tienes cada color o cada objeto en una capa separada, es más fácil usar pinceles de textura. A menudo uso esta forma más organizada para un proyecto de cliente. Por este tamaño de lienzo, y por la RAM de mi iPad, tengo 12 capas disponibles. Obviamente puedo crear más capas. Simplemente son de primer plano, medio suelo, fondo, y personajes, que mencioné antes. Pero esta es mi idea general para las capas, o un contorno, cómo organizar mis capas. Como puedes ver, estoy trabajando a mi paso por las capas ilustrando primero los elementos naturales, para crear el entorno. Si lo deseas, también puedes empezar con los personajes primero también. Separé las capas en las hojas frontales, arbustos, árboles, hierba, y el cielo, y después, hice capas para linternas, banderas, y otros objetos decorativos. Después, estoy creando una capa para la carpa, mesa, y manta juntos en una capa separada. En una capa separada para los detalles sobre la mesa, así puedo moverlos fácilmente a diferentes lugares de la mesa si quiero. Al dibujar comida sobre la mesa, por favor siéntase libre de abrir las referencias. Pero como saben, ya practicamos la sandía, por lo que no abriré una referencia para ésta. Pero por los croissants que amo, pero no puedo comer por la intolerancia al gluten, volveré a abrir una foto de referencia. Para mantenerlo sencillo, estoy dibujando un color para la base y los tonos más claros para establecer sus pliegues en la masa de los croissants. Oh bueno, ahora realmente quiero comer cruasanes. No debería dibujar croissants probablemente en las ilustraciones o debería hornear algunos sin gluten en casa. Bueno, cuando estás contento con la forma de croissant ilustrada, solo puedes copiarla en más placas para acelerar el proceso de ilustración. Entonces puedo pasar a añadir colores base para los personajes. Aquí, solo puedo seguir las formas que definí en el nivel de boceto con los mismos colores que en la prueba de color en la referencia. Porque antes hice todas las decisiones de formas y color, puedo mantener todas las formas de los personajes en una capa fácilmente. Al ilustrar las copas con bebidas, estoy agregando un melón para darle más color a la ilustración. Además, me imagino que están bebiendo jugo u otras bebidas de frutas. Para mostrar sólo el material de vidrio transparente, estoy usando sólo un contorno blanco. Para mostrar el efecto de agua, estoy haciendo que la paja se oscurezca en el agua y un tono de color más claro por encima del agua. Al final de este proceso de color base, estoy agregando color para los árboles, que me olvidé en esta etapa cuando estaba coloreando árboles. Bueno, entonces estoy agregando unas cuantas flores más al primer plano ya que siento que casi nunca son demasiadas flores alrededor. Pero, claro, esto depende de ti. Simplemente me gustan las ilustraciones con muchas flores y plantas en ellas. En la siguiente lección, estaremos agregando sombras para crear una sensación de volumen en la ilustración. Nos vemos en el siguiente video. 20. Sombras: Ahora, cuando tenga todos los colores base, añadiré sombras simples para crear una sensación de volumen en la ilustración. Antes de trabajar en las sombras, copiaré el lienzo en caso de que necesite fusionar algunas capas. Estaré usando la técnica de selección automática y la herramienta para seleccionar las áreas donde quiero agregar la sombra. Porque tengo todas las diferentes partes de los personajes en una capa, esta técnica me ayuda a acelerar el proceso y no preocuparme por ser preciso en algunas áreas. Déjame mostrarte lo que quiero decir en la camiseta de este personaje. Voy a ir a la herramienta de selección automática y dar clic en el área que quiero seleccionar, y sin levantar el lápiz arrastraré hacia la derecha en el Lienzo. En la parte superior de tu pantalla, puedes ver el porcentaje de umbral. Esto indica cuánto del área y los píxeles circundantes se seleccionarán. Para este estilo, elegiré un pincel con bordes lisos, pero puedes elegir cualquier otro pincel que te guste. Cuando tenga lista la selección, puedo dibujar la sombra y no tengo que preocuparme por todos los bordes que estoy dibujando. Puedo estar más suelto, por ejemplo, en el área de la cintura y la parte posterior del personaje donde esta sombra está cerca de los bordes de la silueta playera. Seguiré seleccionando parte utilizando la herramienta de selección automática siempre desde la capa de colores base y luego dibujando las sombras en la capa de sombra, y repetiré, y repetiré. Estoy pensando en el objeto angular como una carpa, mesa, y el picnic donde las sombras serán más rectas siguiendo las formas de esos objetos. Después tenemos las sombras que seguirán las formas orgánicas de las formas más redondeadas como los personajes y la naturaleza, como practicamos en el balón y los bulks en las lecciones anteriores. Al final, también estoy agregando formas sutiles como sombras al fondo sobre los arbustos más oscuros y sobre la hierba para romper las grandes áreas vacías. Como dije antes, no queremos demasiada atención en este rubro porque quiero mantener el foco en los personajes. Pero también es agradable agregar una sutil variedad en color, textura, y detalles en superficies grandes y más vacías como el fondo de hierba y los arbustos en este caso. En la siguiente lección, estaremos agregando destacados que nos ayudarán a unir toda la ilustración. Nos vemos en el siguiente video. 21. resaltado: Podría guardar la ilustración sin los reflejos porque creo que ya funciona bien. Pero lo más destacado puede agregar estos bonitos hables a algunos elementos e incluso juntar toda la ilustración. Se puede ver a lo que me refiero, decidir por ti mismo si quieres reflejos o no. Volveremos a copiar mi ilustración, ya que estaré agregando los reflejos en las capas directamente. Antes de agregar reflejos a la ilustración, en realidad intentaré agregar un poco de amarillo en el cielo. Porque en general, estoy pensando que sería bueno tener unos reflejos más cálidos en la ilustración. Además de los sutiles tonos más cálidos en el fondo, esta luz amarilla en el cielo creará texturas más interesantes en esta zona con el suave gradiente. Estos pequeños ajustes también ayudarán a romper estos grandes espacios vacíos ahí sin llamar demasiada atención a esta zona. Para poder utilizar las formas de los elementos sin volver a dibujar los bordes, estoy usando el look Alpha en cada capa donde estoy dibujando el resaltado. Este proceso me ahorrará tiempo porque no tengo que ser preciso y no tengo que volver a dibujar los bordes de cada objeto por separado. Después de crear esta forma, siento que hay demasiado dominante en la composición y toma demasiada atención, y está alejando la atención de los personajes creando este contraste en formas. Para reducir el contraste, estoy usando un pincel con una textura para suavizar los bordes. Estoy usando un color similar al color base del objeto, y luego decidí probar si me gusta este tono amarillo como punto culminante. Incluso intento un poco de textura en los reflejos, y lo mismo aquí. Después de crear un resaltado brillante en el tronco del árbol, estoy reduciendo la intensidad con el color similar al color base del árbol. Para los resaltados de los personajes, estoy creando una capa separada y usando una máscara de recorte por encima de la capa con caracteres. Esto me permitirá probar y ajustar rápidamente los resaltados porque podría querer probar diferentes versiones de estos resaltados en comparación con formas más simples del objeto en la composición. Los personajes siempre son más complicados, como ya sabrías. Máscara de recorte y dibujo en una capa separada me permite ser más flexible. Si tengo cantidad ilimitada de capas, utilizaría máscara de recorte para todos los elementos de la ilustración. Después de mirar la ilustración en su conjunto, con los aspectos más destacados hoy quise crear, hecho. Decidí simplificar los reflejos en el verdor y usar colores más sutiles sin ninguna textura. Esto me ayudará a equilibrar la composición y el enfoque. En mi versión final, estaré usando tonos más claros como punto culminante de cada color de elementos en cada elemento. También note que estoy usando tono de color más claro de cada color de elemento en lugar de un blanco puro para mantener los reflejos aún coloridos. Creo que esto es suficiente o destacados para esta ilustración para mi gusto, y terminemos la ilustración en la siguiente lección, donde te mostraré algunos de mis detalles y ajustes favoritos. Nos vemos en el siguiente video. 22. Detalles finales: En esta lección, te mostraré algunas cosas que podrías ajustar como detalles finales. Miraremos las cuerdas de linternas y linternas, textura para la carpa, caras, detalles de plano, almohadas, ajustes de contraste, retroiluminación, y algo de textura. Primero la longitud y las cuerdas. Después de mirar la ilustración, noté que sería bueno tener más visibles las cuerdas o líneas para las pequeñas luces en la parte superior de la ilustración. Actualmente parece que solo está colgando en el aire. Estoy probando aquí unos colores y luego aterrizan en el gradiente de claro a oscuro para que se mezclen bien con el medio ambiente. Ahora, por la carpa. Si recuerdas, había una bonita textura en la carpa en nuestras fotos de referencia. Al principio, no estaba seguro si agregar el patrón a la carpa no tomaría demasiada atención por parte de los personajes. Si estás pensando, ¿puedo usar texturas para llamar la atención sobre los objetos? Bueno, sí, se puede. Por ejemplo, si uno de los personajes tiene camisa de rayas en blanco y negro, notaríamos ese personaje aún más en la composición. Si quieres agregar textura a la carpa, tiene que ser muy sutil para no tomar demasiado foco de los personajes. Por lo tanto, estoy usando sólo un tono de color ligeramente más claro que la carpa color beige claro. Ahora para los rostros como siguiente paso, quiero llamar más atención a los rostros de los personajes. Por lo que voy a oscurecer sus rasgos y contrastarán más con la piel. Como puedes ver, estoy usando tonos más oscuros para las cejas, los ojos, y estoy agregando color sutil a los labios. Dependiendo de tus preferencias de estilo, puedes hacer que los labios sean más grandes o más pequeños, o simplemente dibujar una línea sin usar colores de labios más cálidos y saturados. También puedes agregar blanco a los ojos para que los ojos destaquen más en la cara. Todo esto depende de ti. Trata de experimentar y puedes mirar a más artistas que te gusten y seguir cómo se acercan a las características faciales. Ahora bien, si miras las plantas en primer plano, también añadiré algunas líneas en las hojas para definir la forma de estas hojas y aportar más realismo natural a la ilustración estilizada. Además de esto, voy a añadir algunos colores más formas para sugerir las flores en el fondo. Como puedes ver para sugerir estas flores, solo estoy dibujando formas simples. Al agregar más flores a través de la composición, creo que hace que la ilustración se sienta más acogedora y acogedora. Cuando hablamos de ambiente acogedor y relajante, agreguemos algunas almohadas más a la carpa. Si recuerdas, los tenía también en la etapa conceptual, y de alguna manera no los dibujé al definir los tonos de color base. Agregar las almohadas a la banda también me ayudó a traer más color al centro de la ilustración para que el espectador pueda explorar más desde ahí. Cuando pensamos en dirigir la atención del espectador, los ojos de todos los personajes en el medio también actúan como líneas de liderazgo a los personajes desde la carpa. Estamos llevando el ojo del espectador hacia ellos y luego los personajes se miran entre sí, lo que traerá de vuelta al espectador al centro de la composición. Estamos manteniendo el foco ahí. Ahora sobre el ajuste de contraste. Para acercar aún más enfoque a nuestros personajes y centro de la composición, haré más oscuras las sombras debajo de los personajes y la mesa. Recuerde, el contraste en los valores también crea foco en la composición. En esta etapa, también revisaré la ilustración y arreglaré algunos bordes que no me gustan o tal vez me perdí algo. Además de esto, decidí desenfocar el borde de la sombra en la camisa ya que noté que está un poco demasiado definido para mi gusto y creando contraste innecesario en esa zona. Esto es solo una preferencia personal y puedes decidir mantener las sombras como se definen como quieras. Entonces podemos hablar de la luz de fondo y del cielo. Al mirar la ilustración, la silueta del arbusto también está bastante definida para mi gusto en esta ilustración. Voy a reducir el foco en esta silueta definida o en otras palabras, borde del arbusto oscuro en el fondo y voy a añadir suave resplandor desde el cielo. Estoy usando un cepillo suave en una capa separada en el color azul más claro. Después cambiaré la capa al modo de mezcla de pantalla y reduzco la opacidad. Este pequeño cambio también trae más realismo a la ilustración donde imaginamos que el cielo está brillando un poco y hay luz viniendo de ahí. Al ser uno de los últimos pasos, voy a añadir algo de textura. Para imitar una sensación de arte más artesanal o tradicional de la ilustración al final, puedes agregar textura ya sea agregando ruido en la capa separada por encima de la ilustración, como lo estoy haciendo aquí. Lo pondré en modo de mezcla de superposición y estoy reduciendo la opacidad. O puedes escanear un papel de acuarela, que me gusta hacer con bastante frecuencia, o simplemente puedes comprar este papel de textura de acuarela en una plataforma de stock y añadirlo en una capa separada encima de la ilustración, y entonces lo harías simplemente cambia el modo de mezcla. De acuerdo, creo que no voy a hacer más cambios ni ajustes en esta etapa. Llamemos a esta ilustración terminada. 23. Reflexiones finales: ¿ Cómo fue? Espero que te hayas divertido mucho creando tu propia ilustración inspirada en el veraniego, y ahora te sientas más confiado ilustrando personajes en entornos, interactuando entre sí. Para recapitular de la clase, si quieres ampliar el conocimiento que aprendiste en esta clase, puedes ver mis otras clases sobre personajes llamados diseño estilizado de personajes, y gestos de carácter, y poses, y mi popular clases sobre composiciones y perspectiva. Simplemente puedes visitar mi perfil de profesor para encontrarlos. No olvides compartir tus proyectos de clase en la sección de proyectos. No puedo esperar a ver todas tus impresionantes obras de arte, y si quieres que también comparta tus ilustraciones en Instagram, por favor agrega tu manejador de Instagram para que pueda ayudarte a ti y a tu arte a ser descubierto por más gente. Si te gusta la clase, por favor deja una reseña porque, primer lugar, te lo agradezco mucho, y segundo, también ayudarás a otros alumnos a descubrir la clase, y podrías contribuir a su viaje artístico también. Si tienes amigos o familiares que les encantaría aprender a diseñar personajes, por favor comparte esta clase con ellos. Si tiene alguna pregunta o sugerencia, por favor deje un comentario en la sección de discusión, me encantaría ayudar. Muchas gracias otra vez por estar aquí, y nos vemos en la siguiente clase.