Dibuja patrones sin fisuras en Procreate y recibe consejos para el diseño profesional de superficies

1. Introducción: Hey todos, mi nombre es Cat Coquillette y estoy de vuelta para mi 15ª clase de Skillshare. Esta clase se trata de cómo crear patrones de repetición sin fisuras utilizando la aplicación de dibujo Procreate. Este ha sido uno de mis temas más solicitados últimamente, así que estoy encantado de traerles esta clase. Los patrones sin costuras son el tipo de diseño de superficie más versátil que hay por ahí. Lo que los hace tan mágicos es que los bloques se alinearán perfectamente, lo que significa que estos patrones se escalarán infinitamente. Esta es la clave para crear diseños que funcionen en papel tapiz, telas, ropa de cama, lo que sea. Si te interesa el diseño de superficies, los patrones sin costuras son una necesidad. Bono. Esto abre la puerta para que subas tu obra de arte para imprimir sitios bajo demanda como Spoonflower, donde podrás empezar a ganar un ingreso con tu obra de arte. Te estaré caminando paso a paso creando un patrón de azulejos, sin fisuras de principio a fin. Empezaremos por ilustrar nuestra biblioteca de activos, lo que aprenderás todos mis mejores consejos para dibujar en Procreate. Como bono extra, me he unido con la ilustradora Lisa Glanz para brindarte cuatro de sus mejores pinceles Procreate. Gracias, Lisa. Conseguirás estos de forma gratuita con solo unirte a esta clase. Después de dibujar nuestros elementos, te mostraré exactamente cómo los organizo juntos como un rompecabezas para crear un patrón fluido, sin fisuras. Procreate tiene algunas grandes herramientas nuevas para ayudar a estas fichas en su lugar y hacerlo aún más fácil para ti. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir arriba. Esto significa que conseguirás una cabeza arriba cuando lanzo una nueva clase, o tener consejos para compartir con mis alumnos. Sigamos adelante y saltemos para que puedas crear tu propio patrón sin fisuras. 2. Tu proyecto: Esta clase se trata de crear un patrón sin fisuras usando Procreate en tu iPad. Te voy a caminar paso a paso para mostrarte cómo ilustro patrones sin fisuras. Si sigues mi trabajo en Instagram, probablemente sepas que me encanta ilustrar florales bonitos. Las flores hacen grandes patrones, además siempre estarán en tendencia, lo que significa que son vendedores fuertes. mi parte, te estaré mostrando cómo crear un patrón sin costuras usando las flores como ejemplo. Pero, y quiero poner esto por ahí, puedes seguir usando el motivo que quieras. Confía en mí, van a ser exactamente los mismos principios, ya sea que estés ilustrando mariposas o plátanos, o caballos carrusel, o botellas de champán. El elemento principal de cómo creamos estos patrones es tener algunos elementos de gran héroe y varios diminutos elementos de detalle que podemos utilizar para llenar los huecos. Si quieres crear tu patrón a partir de tu propia obra de arte existente y saltarte los pasos de ilustración floral, por favor siéntete libre. Al caminar por esto, estaré teniendo en cuenta que tal vez no estés siguiendo exactamente con mis ilustraciones florales, y estaré complaciente para ti también. Esto significa que vamos a tener una galería de proyectos increíblemente versátil con toneladas de diferentes estilos y opciones de motivos. No puedo esperar a ver lo que ustedes crean. Absolutamente, no olvides subir tu obra final a la galería de proyectos para que todos podamos ver lo que todos hicieron. Si estás bien compartiendo en redes sociales, no olvides etiquetarme @catcoq, así puedo comentar y me gusta en Instagram también. Como artistas, llegamos a apoyarnos unos a otros y elevarnos unos a otros. Las interacciones en redes sociales son una especie de mi mermelada. Piensa en qué motivo quieres ilustrar o seguir junto con los florales, y sólo zambullémonos directamente. 3. Biblioteca de recursos: Es hora de sacar tus iPads y abrirte, Procrea. Algunas de las herramientas que usaremos son nuevas en Procreate, así que asegúrate de que tu app esté actualizada. Estos freebies son totalmente opcionales en esta clase. Piensa en ellos como una ventaja extra. Te invitamos a descargar estos activos gratuitos para usar hoy, o puedes hacer un seguimiento y completar tu proyecto de clase usando tus propios pinceles y paletas de colores favoritos de Procreate. Depende completamente de ti. De cualquier manera, vas a terminar con un magnífico proyecto de clase. Primer paso, para descargar tus activos de clase. Vaya a catcoq.com/pattern. Una vez que estés ahí, puedes enviar tu correo electrónico para desbloquear la carpeta de Dropbox que contiene todos los pinceles y paletas de colores que necesitaremos para la clase de hoy. Quiero darle otro grito a Lisa Glens por proporcionar estos cepillos gratis, que normalmente están a la venta en su tienda. Si quieres ver el resto de su colección de brochas, que he comprado la mayor parte, te estoy proporcionando un enlace a su tienda en la descripción de la clase a continuación. Manos arriba. Al enviar tu correo electrónico, también desbloquea el acceso a mi newsletter así como a Lisa's. Puedes darte de baja en cualquier momento. Es hora de abrir Procreate, y comencemos. Sigamos adelante y empecemos a crear nuestra biblioteca de arte. He abierto Procreate, y lo primero que quiero hacer es agregar un nuevo Canvas. Voy a hacer clic en eso más registrarse arriba y esa pequeña carpeta negra de archivos con un plus, y voy a cambiar esto a pulgadas, y que sea de 12 pulgadas por 12 pulgadas a 300 DPI, lo que nos da un máximo de 37 capas. Bastante buenas capas sabias. Adelante y presiona “Crear”. Tenemos nuestro Canvas listo para funcionar. Si aún no lo has hecho, sigue adelante e importa esos pinceles y muestras a procrear. Los pinceles deben aparecer arriba abajo en la parte inferior bajo Importado, y Lisa ha sido súper generosa dándonos cuatro pinceles para usar en la clase de hoy. Los dos que voy a usar para crear este patrón, son Messy Monoline y Build UP-Splatter. Pero he decidido incluir dos más, Deliciously Inky y Build UP-Spray. Si ustedes quieren crear algo un poco diferente a lo que estoy haciendo en pantalla. También por favor siga adelante e importe sus muestras. Si los lanzas desde el aire a tu iPad, todos deberían aparecer por aquí. Ahora seguí adelante y creé seis muestras para ustedes hoy, así que no dude usar la paleta que más resuene con ustedes o elija sus propios colores. Para este ejemplo, estaré usando la Paleta Moderna de Otoño. He seguido adelante y toqué “Defaults” para establecer eso como mis valores predeterminados. Genial, sigamos adelante y empecemos a ilustrar. Quiero comenzar con ese color rosa muy fuerte. Lo tocaré una vez, asegurarme de que cambie aquí arriba en mi indicador de color superior derecho. Ve a mis pinceles. Voy a empezar con este Messy Monoline. La primera parte de mi ilustración que voy a crear son estas grandes flores. No voy a usar una foto de referencia, solo voy a entrar y entregar esto libre, para sentirme como una flor de hibisco tropical grande y jugosa. Perfecto. Es bastante descuidado. No es perfecto, pero de nuevo, todo esto es solo práctica. Déjame acercar y mostrarte esta textura realmente agradable en este pincel Messy Monoline. No es un trazo perfecto en absoluto. Se obtiene esta textura muy agradable que viene a través, y por eso decidí usar el pincel en esta clase. En lugar de sentirnos perfectamente pulidos, obtenemos estos bonitos bordes ásperos que ayudan a que se sienta un poco más hecho a mano. Para llenar mi flor, voy a tocar ese color, traerlo y soltarlo. Se ve bastante bien. Una cosa que quiero hacer es deshacer estas flores un poco más para que llenen un poco mejor este espacio. Solo voy a buscar oportunidades para tal vez suavizar algunas áreas, o llenarlo un poco más para que tengamos menos espacios en blanco llegando a través. Eso podría hacerlo por mí. Déjame seguir adelante y rellenar estos. Ese lo suficientemente pequeño, solo lo haré a mano. Fresco. Eso se ve bastante bien. Si quieres afinarlo por favor siéntete libre de atravesar y suavizar algunas de estas áreas. Pero para mí, me gusta tener esta textura áspera y volteada, desordenada. Voy a dejarlo como está. Voy a crear dos flores más, una por aquí y otra por aquí. Ahora que lo miro, esto está ocupando mucho espacio. Voy a encogerlo un poquito, así que tengo espacio para mis otros dos. Haré clic en “Mi flecha”, solo la bajaré un poco y luego haré clic en esa flecha para establecer la transformación. Voy a volver a mis paletas de colores y elegir la segunda hacia abajo. Es este melocotón meñique. Asegúrate de que cambie aquí arriba en la parte superior derecha, y crea algunos pétalos. Quiero que estos se sientan mucho más icónicos cuando se trata de florales. Voy a mantenerlo bastante sencillo. Entonces adelante y llena a estos chicos malos. Simplemente haciendo clic en “Mi color”, arrastrándolo y soltándolo en los rellenos. Puedo fregar por aquí para llenar algo de esa zona central. Perfecto. Hagamos una floración más por aquí a la derecha, para que tengamos estos tres iconos principales que usaremos para nuestro patrón. Voy a volver a mis paletas, cambiarlo a este durazno. Me gusta mucho la sencillez de este floral. Voy a continuar con esa de aquí. Impresionante. Voy a hacer clic y arrastrar para rellenar estos. Acercar y garabatear un poco en el medio para rellenar algunos de esos espacios en blanco. Fresco. Como se puede decir, la forma en que ilustro y procreo es muy floja. Ahora que tenemos nuestras grandes flores rellenadas, sigamos adelante y hagamos la parte central de la flor. Antes de comenzar a ilustrar eso, quiero ir a mis capas y hacer clic en este signo “Plus” para agregar una nueva capa encima de esta capa de floración. Esto va a ser útil más adelante cuando empecemos a agregar un poco de textura en. Todavía tengo ese melocotón claro en mis paletas. Entonces haz la parte central de esta flor de extrema izquierda. Como se puede ver, sigue súper suelto. Esa es la manera que me gusta ilustrar. Voy a volver a mis paletas, elegir este rosa claro, y hacer lo mismo por mi hibisco, y esta flor de aquí a la derecha. Después haciendo clic y arrastrando para rellenar. Bastante simple. Sigamos adelante y agreguemos esos pequeños como disparar cosas callejeras. Creo que se llaman pistolas tal vez, que salen de las flores. Voy a ir a mis capas, haga clic en el signo “Más” para agregar una nueva capa. Ve a mis paletas, y empezaré con un rosa brillante. Mira qué tan grandes son estos pinceles. Bastante bien. Recuerda que dos dedos siempre pueden deshacer un movimiento y luego tres lo reharemos. También puedes hacerlo por aquí en la parte inferior izquierda, pero soy una persona de comando de teclas y en Procreate eso se traduce en usar mis comandos de dedo. Esas cosas fibrosas que creo se llaman pistones, pero no estoy del todo segura. [Risas] Voy a empezar a llenarlos ahora también. Yo haré el rosa fuerte por aquí. Para el medio, voy a usar ese durazno muy ligero. A lo mejor cuatro para esta ya que es una flor más grande. De nuevo, estoy manteniendo esta súper suelta. Sigamos adelante y usemos ese marrón claro para el de arriba a la izquierda. La última capa que quiero agregar a estas flores, son algunas hojas que se asoman por debajo de los pétalos. Voy a ir por aquí a mis capas, haga clic en el signo “Más” para agregar una nueva capa. Quiero que estas hojas estén detrás de los pétalos. Voy a hacer clic en esta capa cuatro, arrastrarla todo el camino hacia abajo para que quede justo debajo de esa capa de pétalos y dejarla ahí mismo. Empecemos a dibujar en nuestras hojas. Una cosa a tener en cuenta aquí. Recuerda cuando usamos esta función donde rellenas estas formas que dibujamos, eso solo funciona si una forma está perfectamente contenida. Te voy a mostrar dos ejemplos aquí mismo. Por aquí se ve que se llena perfectamente. Pero por aquí llena todo ese tablero de arte. Déjame deshacer esto porque no estaba conectado del todo el camino. La razón por la que te estoy mostrando eso ahora es porque esta capa de hoja está en su capa completamente propia. Podría parecer que todo está conectado si dibujas algo así pero si ocultas esa capa primaria, puedes ver que no se conecta del todo el camino. Solo tenlo en cuenta. Volvamos a encender esa capa. Mi alternativa para eso, en lugar de ocultar y exhibir la capa, es solo para asegurarme de que cuando dibuje estos, me estoy conectando todo el camino detrás de esa forma. Eso es sólo un pequeño truco para ahorrarle algo de tiempo. Ahora voy a cambiar mi color a esta sienna más oscura, quemada, marrón más oscura, y aquí voy a hacer lo mismo. Dibujo una hoja, la relleno, asegurándome de que estoy conectando esa forma todo el camino detrás de los pétalos de las flores. Hagamos uno aquí y tal vez uno aquí mismo. Quiero agregar una hoja más detrás de este gran hibisco. De hecho voy a elegir ese color melocotón, muy beige claro y hacer esto superpuesto. Va a llegar hasta aquí abajo, siempre y cuando conecte todos juntos y lo llene. Supongo que voy a rellenar este manualmente. Genial, Eso se ve bastante bien. Tenemos nuestras floraciones básicas dibujadas. Sigamos adelante y agreguemos algunos detalles y texturas. 4. Detalles y texturas: En primer lugar, algunos detalles. Yo quiero agregar algunas veinetas a estas hojas. Voy a volver a mis Capas. Asegúrese de que la Capa 4 esté seleccionada con esas hojas. Lo tocaré una vez, y seleccionaré Alpha Lock. Ya sabes que el bloqueo Alpha está activado, si ves este fondo a cuadros en la miniatura de la capa detrás de los elementos de ilustración. Si antes no has usado Alpha lock, lo que hace ahora es con Alpha lock en esta capa, lo que sea que dibuje en mi tablero de arte sólo va a aparecer en esa capa real. Como puedes ver aquí, estas líneas que estoy dibujando solo están apareciendo en las hojas. No están apareciendo en ningún lado del fondo, y eso es porque tengo el bloqueo Alpha encendido. Voy a deshacer eso, eso fue sólo un ejemplo para mostrarte. Voy a usar esa estrategia para crear el veteado de estas hojas. Yo sólo voy a dibujar en lo que creo que podrían verse las venas de esas flores, y no te preocupes si sube por los bordes porque la cerradura Alpha me está protegiendo ahí. Lo mismo aquí, y ahora creo que voy a cambiar los colores hacia arriba. Probemos este café de tono medio. Usaré esa de aquí. De nuevo, no tiene por qué ser perfecto. Mismo tono medio encima en esta zona, y ahora voy a cambiar los colores a ese rosa realmente claro, y terminar el veteado en las dos últimas hojas. Impresionante, eso se ve bastante bien. Adelante, y rellena algo de textura. Para mi pincel de textura, voy a usar esa salpicadura de acumula. Pero si quieres algo un poco más sutil, siéntete libre de usar el spray. Es una textura mucho más ligera que la salpicadura. Pero quiero algo que de verdad salta. Entonces voy a ir con la salpicadura, y luego voy a ir a mis capas, y voy a empezar la textura en estas grandes capas de floración. Voy a seleccionar esa capa, y luego hacer ese mismo truco de bloqueo Alpha. Toca esa capa una vez, activa el bloqueo alfa, asegúrate de que esté indicado viendo esa ligera cuadrícula de marca de verificación detrás de la ilustración principal en la miniatura, y mi color sigue siendo ese rosa claro. Creo que lo mantendré así, y ahora solo diviértete con él. Simplemente toca alrededor con un poco de textura ligera. Se puede ver muy bien aquí, y me encanta esta textura. Cambiemos los colores hacia arriba. Voy a ir a ese rosa caliente, y añadir un poco de rosa caliente sobre este tipo, otra vez este también, y no quiero exagerar. Creo que lo voy a dejar ahí. Algunos tienen solo un color de textura, mientras que este de la extrema derecha tiene ese rosa claro, y eso es realmente brillante, rosa caliente también. Me encanta cómo se ve eso, está bastante suelto. Adelante, y hagamos lo mismo a esas otras capas. Voy a tocar Capa 2, activar Bloqueo Alfa. Recuerda que la capa 2 son las partes centrales de esas flores, y luego solo haz algunos golpecitos alrededor. Entonces quiero agregar algunos de esos marrones oscuros, puedes seleccionar ese marrón oscuro, y luego algo del marrón oscuro en esas partes medias. Agradable, y volver a mis capas. Lo mismo con las pistolas/como se les llame. Toca esa capa, activa el bloqueo Alpha, y luego solo haz algunos toques. Se puede ver que es realmente sutil, pero está llenando esas pistolas. Pocos grifos, espera, no me gusta ese marrón, creo que se choque con el marrón que ya está detrás de ahí. Para este, voy a hacerlo de color rosa claro. Enfriar, y por aquí, todavía tienen ese rosa claro, unos grifos, que se ven bastante bien. La única capa a la que aún no hemos agregado textura es esa capa de hojas. Voy a tocar esa capa. Si lo tocas, puedes ver que hay una marca de verificación junto al bloqueo Alpha, y eso significa que ya está encendido. Entonces ya estamos bien para ir. Voy a cambiar a esa página de luz, y hacer lo mismo. Toca un poco, sin exagerar, simplemente agregando un poco de interés visual. Genial, y voy a cambiar a ese color más oscuro por eso últimamente. Ahora que tenemos nuestras florales primarias terminadas, sigamos adelante y sumamos unos pequeños elementos de detalle abajo. Recuerda, esos elementos de detalle van a ser bastante importantes a la hora de llenar los huecos de nuestro patrón. Primero lo primero, voy a abrir mis capas, y luego a la derecha deslizar todos mis elementos florales, y seleccionar Grupo. Voy a renombrar a este grupo y llamarlo Flores, y esto sólo me ayuda a mantenerme organizado. Voy a tocar ese carets para condensar la carpeta y golpear este plus regístrese arriba para iniciar una nueva capa. Se llama Capa 6. Ahora agreguemos algunos detalles. Vamos a ir a mis pinceles, seleccione Messy Monoline. Ahora mismo mi paleta es ese tipo de siena quemada oscura. Simplemente seguiré adelante y lo mantendré ahí, y dibujaré una hojita, la llenaré. A lo mejor cambiarlo a ese marrón más claro, haz lo mismo, dibuja una hoja, llénala, quizá se arregle un poco ese borde. Pero recuerda, estos no tienen por qué ser perfectos en absoluto. Adelante y hagamos un tallo tal vez con unas hojas saliendo de ella, y llenemos también a ese chico malo. Recuerda, y no puedo decir esto lo suficiente, se ve bastante sucio, pero así es como me gusta. Voy a cambiar a ese rosa claro, y hacer lo mismo, no un poquito de tallo frondoso pasando aquí, y llenar eso, añadir un poco de flor en ciernes ahí. Creo que te haré uno de esos con cada uno de mis tres colores rosados. Como puedes ver, es súper gestual, y no tiene por qué ser perfecto en absoluto. último pero no por ello menos importante, voy a hacer un capullo rosa caliente, y seguir adelante y llenarlo, impresionante. Ahora tenemos nuestras tres ilustraciones primarias, y luego tenemos algunas opciones aquí abajo de algún trabajo de detalle que podemos hacer. este momento, los detalles son súper planos porque no hay textura, y nuestras principales ilustraciones tienen mucha textura. Simplemente voy a ir en muy rápido, y añadir un poco de textura agradable a estos detalles. Con la Capa 6 seleccionada, voy a tocar una vez. Golpea Alpha Lock para encender eso. Asegúrate de que haya esta cuadrícula gris detrás de esas ilustraciones primarias para saber que está encendida. Ve a mis pinceles, selecciona Construir Up- Splatter, y ya tengo ese salto seleccionado. Yo sólo voy a hacer un par de grifos por aquí en los capullos. A lo mejor en esa hoja meñky. Cambiémoslo a este giro de luz, hagamos alguna vuelta por aquí, tal vez por allá, y por último pero no menos importante, voy a usar este marrón realmente oscuro, y solo le daré un toque por aquí. Enfriar. De nuevo, no estoy exagerando. Solo quiero asegurarme de que la textura que estoy usando en mis elementos de detalle, esté coincidiendo con la textura que estoy usando para mi ilustración primaria. Eso fueron muchos pasos. Pero hemos ido adelante, y hemos creado nuestra biblioteca de arte. Adelante, aplaudanse. Ya hemos hecho la mayor parte del trabajo. Después de esto, solo está encajando las cosas como un rompecabezas. Estos van a ser todos los activos que utilizamos para reorganizar y piezas juntas en el patrón sin costuras. Se acabó el trabajo arduo, que también fue la parte divertida porque es ilustración, y ahora podemos seguir adelante y empezar a diseñar nuestro bloque. Sigamos adelante y sumérjase en eso. 5. Preparar el bloque: Ahora es el momento de hacer nuestro bloque o azulejo cuadrado. Tenemos nuestra ilustración terminada por aquí. Adelante y toca galería en la parte superior izquierda, y vamos a renombrar este archivo tocando donde dice obra de arte sin título. Vamos a llamar a esto Activos del Arte: Trabajando. Trabajar es sólo un término de la industria que significa que este es un archivo editable. Este archivo tiene todas las capas intactas, por lo que si necesitas hacer algún retoque, trabajar indica que ese es el archivo al que acudes para realizar cualquier ajuste. Seguiremos adelante y presionaremos “Hecho”. Ahora voy a duplicar este archivo pulsando “Seleccionar”, haciendo clic en nuestro archivo y pulsando “Duplicar”. Enfriar. Presiona la X aquí arriba en la parte superior derecha, haz clic en el nombre del título, se va a llamar Bloque Working. Ahora mismo parecen exactamente el mismo archivo, pero lo que vamos a estar haciendo es ajustar mucho en este archivo de trabajo de bloque. Pero no quiero perder todas esas capas que tengo aquí en ese archivo que acabamos de hacer. Al duplicarlo, puedo conservar ese original en caso de que necesiten regresar en cualquier momento. Pero ahora como tengo ese original aquí guardado como archivo de trabajo, puedo seguir adelante y hacer algunos ajustes al bloque sin preocuparme por perder todo lo que acabo de crear. Adelante y abre ese archivo duplicado, el que se llama Block Working. Lo primero que vamos a hacer es abrir nuestras capas y aplanar todo en una sola capa. Puedes hacer eso usando dos dedos y pellizcando esas capas juntas. Ahora todo lo que creamos que anteriormente estaba en un montón de capas, ahora solo está en una capa aplanada. Ahora puedes ver por qué es importante duplicar ese archivo, acabamos de aplanar todo. Si quería pasar y tal vez quitar esta hoja detrás de la flor, ya no va a ser tan fácil porque ahora todo está en una sola capa. Pero en este punto estoy asumiendo que mis texturas, mis ilustraciones, todo está prácticamente listo para salir. Ahora lo que voy a hacer es seleccionar cada elemento individualmente y ponerlo en su propia capa. El motivo por el que estoy haciendo esto es para que sea bastante fácil cuando voy a estar moviendo las cosas y ajustando el bloque. Para ello, voy a ir por aquí a esta pequeña cinta S, que es mi selección. Voy a seleccionar selección a mano alzada. Ahora con mi Apple Pencil, puedo dibujar alrededor de cada forma. Se pone apretado ahí dentro, y selecciona una pieza a la vez y la pone en su propia capa. Lo he seleccionado con mi lápiz, usaré tres dedos, arrastraré hacia abajo y elijo esto aquí mismo, cortaré y pegaré. Enfriar. Realmente no parece que haya pasado nada, pero déjame saltar aquí a las capas y te mostraré que esta flor está ahora en su propia capa. Yo voy a hacer eso por el resto de las piezas de esta ilustración. Cuando hagas ese corte y pegue, automáticamente va a seleccionar esa nueva capa. Es un poco tedioso, pero cada vez solo necesitamos asegurarnos de que vayas a tus capas y seleccionas esa Capa 4 original, así que estamos cortando esa capa original. Lo mismo, haga clic en la “Herramienta de selección”, dibuje todo el camino. Desliza tres dedos hacia abajo, corta y pega. Vayamos aquí a nuestras capas, y veremos que este hibisco ahora también está en su propia capa. Ahora quiero volver atrás, seleccionar mi capa original, enjuagar y repetir. Yo sólo voy a seguir adelante y hacer eso por todos los activos dentro de esta ilustración. Si alguna vez no estás seguro de lo que ya has seleccionado y puesto tu capa y lo que no hiciste, solo puedes echar un vistazo a esta miniatura de capa por aquí, y puedo ver que tengo cuatro elementos más para ir. Selecciona, agarra esa hoja, desliza tres dedos, corta y pega. Ese es el último. Enfriar. Ahora si miras por aquí nuestras capas, cada uno de estos elementos está en su propia capa individual, lo cual es perfecto. Ahora quiero pellizcar un poco y mover todas estas ilustraciones a esta esquina inferior derecha. Para ello, solo voy a empezar con esa primera capa, usar mi herramienta de selección, moverla a la esquina, y simplemente ir uno por uno hasta que todos estos elementos se superpongan en esta esquina inferior derecha. Es este proceso, así que selecciono la capa, selecciono mi herramienta de selección, la traigo y repito. Enfriar. No tiene que ser perfecto, solo solapar está totalmente bien. Recuerda, podemos mover estas capas y como todas están en su propia capa individual, aún podemos agarrarlas y moverlas más tarde. Ahora te voy a mostrar por qué acabo de hacer que muevas todos tus elementos a la esquina inferior derecha. El motivo es porque vamos a cambiar el tamaño de nuestro lienzo. Ahora mismo, hemos estado trabajando en este lienzo de 12 por 12 pulgadas, pero ahora vamos a hacerlo un poco más pequeño. Voy a ir por aquí a mis Acciones, toque Lienzo, recortar y cambiar el tamaño, y subir aquí a mi configuración y cambiar esto de 12 por 12 a 10 pulgadas por 10 pulgadas. Adelante y pulsa “Hecho”. Ahora es por eso que lo moví todo a la esquina inferior derecha. Cuando el lienzo se recorta en Procreate, siempre recortan desde la esquina superior y bajan hacia abajo. Porque en Procreate, si mueves algo de tu tablero de arte, se va a eliminar permanentemente. Déjame mostrarte lo que quiero decir, no tienes que seguir adelante para esto. Pero si yo fuera a mover esto a mitad de camino mi tablero de arte y luego tratar de moverlo hacia atrás, todo ese borde izquierdo ha sido borrado permanentemente. Déjame deshacer con mis dos grifos. Tengo mucho cuidado de asegurarme de que nada esté saliendo ese tablero de arte a menos que tenga la intención de que se borre. Por eso cuando estoy redimensionando mi lienzo, quiero mover todo lo más lejos de ese rincón que cultiva lo más posible, razón por la que lo pongo en la parte inferior derecha. Si te estás preguntando la razón por la que hice este tablero de arte dos pulgadas más pequeño de un 12 por 12 a un 10 por 10, es para que nuestros elementos de ilustración sean un poco más grandes y llenarán más el espacio a medida que estamos creando nuestro patrón. Ahora sigamos adelante y empecemos a llenar el espacio. 6. Dividir los elementos: Ahora sigamos adelante, y vamos a empezar a llenar nuestro bloque de patrones. Voy a abrir mis capas. Simplemente voy a dar clic a esta casilla de verificación junto a todas las capas, para seguir adelante y esconder todo, excepto nuestra capa más grande primero, que es este hibisco. Voy a seleccionar mi hibisco, deslizar a la izquierda, duplicarlo, y luego ocultar esa versión duplicada. El motivo por el que hice eso es, medida que muevo este hibisco y lo corté, todavía tendré el original aquí abajo, esta capa oculta para hacer referencia si quiero usarlo más adelante, que probablemente lo haremos. Todas estas técnicas y procreate se basan en técnicas de edición no destructivas, lo que significa que nunca quiero eliminar algo permanentemente, siempre quiero tener una copia de seguridad de ello más adelante. Trabajo exactamente igual en Photoshop. Ahora mismo, todas nuestras capas están ocultas, excepción de este hibisco duplicado. Recuerda que tenemos nuestro hibisco de respaldo escondido debajo de él. Adelante, y selecciona el hibisco que está encendido con esa marca de verificación, y vamos a empezar a llenar nuestro bloque de patrones. Con mi capa de hibisco seleccionada, lo primero que quiero hacer es ir aquí a mi flecha de selección, y traerla aquí a la parte superior izquierda de la pantalla. Voy a tenerlo por aquí. Tengo un poco de espacio entre arriba y abajo, pero no mucho a la izquierda y a la derecha. Lo que quiero que haga este hibisco, es que salga del borde por aquí en el borde izquierdo, luego volver a emerger sobre ese borde derecho. Esa es la clave para un patrón sin fisuras, y eso significa que cuando duplicamos esto y apilamos, apilamos, apilamos, esos bordes siempre se alinearán perfectamente. Aquí es donde llegamos a algún divertido resolver problemas. Tengo mi nuevo hibisco seleccionado. He hecho un duplicado justo debajo de él y he seguido adelante y lo he escondido. Ahora mismo es la única capa que se selecciona en mis palés enteros. Ahora lo que voy a hacer es hacer clic en este signo más para hacer una nueva capa, ir a mis paletas, y elegir cualquier color oscuro. En realidad en esta moderna paleta otoñal, está este azul marino. Eso es bastante oscuro. Voy a seguir adelante y seleccionarlo, asegurarme de que cambie aquí arriba arriba en la parte superior derecha. Haga clic, arrastre, suelte. Toda nuestra tabla se vuelve azul marino. Voy a volver a mis capas, haga clic en esta N siguiente capa 12. Recuerda N significa normal, que es un modo de mezcla normal. Voy a tomar esta opacidad y moverla hacia abajo para que sea alrededor del 30 por ciento. Mientras podamos ver el azul y ver la flor, estamos bien. Toca de nuevo tus capas para cerrar eso. De lo que va a ser este fondo azul para nosotros es una guía, y vas a aprender por qué en unos 30 segundos. Adelante con ese fondo marino seleccionado. También desliza hacia la derecha en esa capa de hibisco visible y selecciona Agrupar. Ahora puedes encender y apagar ese grupo, y puedes ver que el grupo solo consiste en ese hibisco visible y este fondo azul. Lo que voy a hacer es deslizar a la izquierda en Grupo, duplicarlo. Podemos seguir adelante y ocultar ese grupo original haciendo clic en esa marca de verificación, y ahora con el nuevo grupo seleccionado, queremos sacar este hibisco de la página. Recuerda, con el patrón sin costuras, se va a azulejar perfectamente, por lo que esto se puede repetir por aquí y por aquí. Lo que quiero pasar es que este hibisco salga de la página de la izquierda, y luego donde sea que vaya fuera de la página, que aparezca en este lado de la página. Esta es la magia de los patrones sin costuras. Asegúrate de que tu grupo esté seleccionado, no una capa individual dentro de ese grupo. Asegúrate de que la selección esté en nuevo grupo, esa manera sea lo que nos movamos, todo en ese grupo también se moverá. Tenemos nuestro nuevo grupo seleccionado, es esa capa visible, todo lo demás está apagado. Vamos a ir a nuestra flecha, y aquí es donde vamos a ver una nueva característica realmente genial procreate, y se llama snapping. Está aquí abajo en la parte inferior izquierda. Ahora lo que hace el chasquido, es que lo hace para que cualquier cosa que te muevas, se va a acoplar a una rejilla o a un eje. Asegúrese de que los magneticos y el chasquido estén activados. Mi distancia está a mitad de camino, está a 22, y mi velocidad está a máx. Ahora puedes ver que cuando hago clic y arrastro esto por ahí, tenemos estos indicadores de línea azul o amarilla que te muestran dónde está en esa página, y a qué cuadrícula se está alineando. Cuando muevo esto, son estos movimientos realmente cecinosos, y eso es porque se está alineando con estas rejillas. Te voy a mostrar un ejemplo de cómo se ve el chasquido apagado. No te preocupes por seguir por esta parte, es sólo un ejemplo. Si apago el chasquido y los magneticos, entonces cuando lo muevo, es mucho más fluido. Realmente no es chasquear a ninguna cuadrícula en particular, va exactamente a donde mi Apple Pencil le está diciendo que vaya. Bueno y malo si quieres tener mucho control con tus movimientos y poner las cosas en un lugar perfecto, entonces no quieres chasquear o magneticos encendidos. No obstante, si quieres que se alinee perfectamente con un eje vertical u horizontal, quieres seguir encajando para que se quede en esa cuadrícula. Eso es realmente importante para estos patrones sin fisuras, porque como dije, fui la mitad de este hibisco para salir al borde aquí, y volver a pop de este lado, y ahí es donde el chasquido y los magneticos son muy útiles. Sin más preámbulos, sigamos adelante y movamos un poco a este tipo a la izquierda, sobre yay lejos, para que solo se estén cortando las puntas de estas flores. Es por ello que aquí teníamos ese fondo marino. Es para asegurarnos de que no nos estamos moviendo arriba y abajo, sólo vamos a izquierda y derecha. Si encuentras el tuyo para estar aquí arriba, no debería parecer así. Debe estar perfectamente en la página. Tenemos esas flores que se cortan por ese lado izquierdo. Voy a volver a mis capas, que marcará la transformación, y recuerda, déjame solo mostrarte muy rápido, ahora síguelo. Si muevo esto de nuevo ahora, hemos perdido todos esos datos, razón por la cual tenemos ese otro grupo que hicimos. Recuerda, quieres asegurarte de que no se seleccione una pieza de ese grupo, sino todo lo que dice grupo nuevo. Has activado esa marca de verificación para encender la capa. Vamos a ir a nuestra flecha de herramienta de transformación, y llevarla todo el camino a los derechos. Porque teníamos chasqueando, se puede ver realmente simplemente encerrado en su lugar aquí, lo cual es perfecto. Adelante y toca de nuevo esa flecha para configurar la transformación. Ahora se puede ver que las áreas con el pedal se cortaron por aquí, se habían repetido por encima del lado derecho. Eso es perfecto. Eso es exactamente lo que queremos. Esos fondos que hicimos, eso era sólo para crear una guía para que pudiéramos ver exactamente dónde debía encajar en su lugar por aquí. Recuerda, tenías esta caja detrás de ahí, y al tener ese fondo azul, nos mostró dónde debería romperse también. Pero ya no necesitamos ese fondo azul, era solo una guía para nosotros, así que sigamos adelante y eliminarlo. En primer lugar, voy a deslizar a la izquierda en esos fondos de la marina, y golpear “Eliminar”. Ahora voy a agarrar ambos grupos nuevos y fusionarlos en una sola ilustración. Simplemente agarrar esos, pellizcarlos juntos, y ahora esta capa es ese hibisco entero. Para traer este círculo completo, por eso hicimos este hibisco de respaldo aquí abajo, porque nuestro primero se cortó a la mitad. Si queremos estar poniendo este nuevo hibisco en cualquier parte del patrón, lo tenemos totalmente conservado y listo para salir. Cuando hago estos patrones repetitivos, tenemos muchos tamaños diferentes de elementos, y prefiero trabajar desde el elemento más grande hasta los elementos más pequeños. El motivo por el que hacemos eso es para que podamos usar estas pequeñitas piezas de detalle aquí abajo como relleno para esas áreas de espacios en blanco. lo primero que queremos asegurarnos es que tenemos espacio para nuestras tres grandes flores. A continuación, creo que esta harina de durazno veamos cuál es más grande. Ah, este tipo. Es esa flor rosa claro, es nuestra próxima flor más grande, y esta es la que voy a hacer exactamente lo mismo, excepto que va a estar en la parte superior, y en la inferior. Con hibisco, lo dividimos a izquierda y derecha, y para esta flor rosa, vamos a dividir arriba y abajo. Si estás gimiendo porque tenemos que volver a hacerlo todo, esta es en realidad la última vez que lo vamos a dividir así. Una vez que tengamos cada lado que tenga unos elementos de sangría completa, estaríamos totalmente terminados, y eso nos va a ayudar más adelante a la hora de alinear el patrón. Quiero asegurarme de que mi izquierda y derecha tengan algo que vaya sangría completa como nuestro hibisco dividido, y la parte superior e inferior, también tenemos algo que va sangría completa. Este es el último que te prometo. Va a ser exactamente lo mismo. Voy a deslizar a la izquierda, duplicarlo, ocultar ese original porque vamos a guardar eso para más adelante, y luego hacer una nueva capa golpeando este signo más. Arrastrando nuestro azul para crear un fondo, volviendo a nuestras capas. Vamos a hacer que ese azul sea mucho más transparente para que podamos ver todo este material de fondo. Recuerda, este azul es sólo una guía para nosotros. Voy a ir a mi flor visible, la que tiene la marca de verificación puesta. Ve a mi herramienta de flecha. Se está poniendo un poco emotivo ahora mismo, así que voy a apagar el chasquido mientras encuentro un buen posicionamiento en ese eje vertical. Creo que me gusta justo aquí, y lo voy a tener realmente apareciendo en la parte superior. Seguiré adelante y tocaré esa flecha otra vez para establecer la transformación. Ahora con mi flor seleccionada, también voy a deslizar a la derecha en ese azul, agruparlos juntos, deslizar a la izquierda en el grupo, duplicados. Podemos seguir adelante y esconder ese grupo inferior. Ahora con mi nuevo grupo seleccionado, voy a ir a mi herramienta de flecha, ir a Snapping, y volverlo a encender. Ahora simplemente lo voy a mover por la página, hasta que en su mayoría se corta. Eso en realidad es sentirse bastante bien. Volveré a mis capas, seleccionaré ese grupo que está debajo. Adelante y marca la casilla para que sea visible. Vayamos a nuestra herramienta de flechas. Tráelo todo el camino hacia abajo, y se romperá justo en su lugar aquí, lo cual es perfecto. No vamos a ir a la izquierda ni a la derecha, recuerda, sólo queremos quedarnos perfectamente en ese eje vertical hasta que se entrelaze. Eso se ve perfecto. Parte dura se acabó chicos. Adelante y desliza a la izquierda en esas capas de la marina para eliminarlas. Esos eran sólo nuestros guías y ya no los necesitamos. Vamos a consolidar esas dos flores divididas en una sola capa. Impresionante. 7. Arreglar el bloque: Ahora sólo va a ser la parte divertida que está reorganizando el resto de esta composición. Por todo lo demás que reorganizamos a medida que encendemos estas capas, queremos asegurarnos de que nada más vaya por encima de ningún borde. Sólo tenemos a estos tipos yendo por los bordes, y ahí es exactamente donde quiero guardarlo para que sea sencillo. Como mencioné, quiero trabajar de más grande a más pequeño, así que es hora de encontrar eso, ahí está, esa harina de durazno y encontrar un pequeño lugar para ello. He ido adelante y he hecho clic en esa marca de verificación para que sea visible. Seleccionaré la capa, iré a mi herramienta de flecha, y en este punto voy a apagar el snapping y no la necesito por un tiempo. Porque ahora quiero poder mover las cosas de manera muy fluida y meticulosa. No quiero nada chasqueando y saltando a colocar, quiero tener control total. El chasquido y la magnetica están apagados casi de aquí en adelante. Ahora es el momento de encajar todo en su lugar y hacer que se vea bien. Puedes rotar estas capas alrededor encontrando esa pequeña guía verde y tirando de ella a izquierda y derecha. También puedes cambiar el tamaño agarrando una esquina y arrastrándola hacia arriba y hacia abajo. Cuando estás redimensionando, siempre ve más pequeño, nunca vas más grande que tu ilustración original, y la razón de eso es porque si esto fuera impreso y lo hice artificialmente más grande así, se pondría realmente pixelado cuando intentas imprimirlo, así que déjame deshacer. Ahora sólo voy a volver a trabajar de más grande a más pequeño y empezar a reorganizar todas mis formas. Con esa capa seleccionada, iré a mi herramienta de flecha y solo buscaré algo de espacio para todo. No quiero que nada sienta que está perfectamente arriba y abajo o derecha e izquierda, así que quiero asegurarme de que estoy tambaleando un poco estas cosas. Creo que iré a buscar ese duplicado en mi hibisco, enciéndalo. Encuentra esa herramienta de flecha y métela en esta esquina aquí abajo, o gírala un poco para que se vea diferente. Enfriar. Tengo dos áreas más para las que quiero llenar los vacíos. En primer lugar, voy a seguir adelante y hacer una copia de ésta, usa mi flecha, ahora girarla alrededor, que se sienta diferente y encontrar un lugar agradable y cómodo para ello en la parte inferior. En realidad, creo que quiero bajarlo, necesito alejarme para poder ver. Yo quiero bajarlo, así que casi está tocando esos bordes, pero definitivamente no se superponen. Enfriar. Ahora es el momento de llenar estas áreas de espacio en blanco con nuestros elementos de detalle. Déjame alejarme un poco para poder ver qué está pasando. Nuevamente, trabajando de grande a pequeño, voy a empezar con estos tallos de hoja. Empezaré con el rosa, encontraré un buen lugar para ello, que se sienta bien, y haré lo mismo con ese tallo marrón. Enfriar, y tener las cosas superpuestas realmente ayuda a que toda esta composición se sienta más integrada. Voy a hacer una copia de esa marrón, así que desliza hacia la izquierda y golpea duplicado, y úsalo para rellenar más áreas en otras partes de esa composición. Incluso puedo hacerlo un poco más pequeño si quiero. Perfecto, y yo haré lo mismo con el rosa. Desliza hacia la izquierda, duplica flecha, y encuentra un bonito hogar para ello, es bonito por ahí. Ahora voy a pasar a algunos de mis elementos más pequeños. Empecemos con esta hoja marrón claro, haremos un poco más pequeña. Yo quiero ir casi hasta el borde, pero no golpear ese borde, así que ahora pongamos mi hoja marrón oscuro y busquemos un punto para ella también. Es realmente bonito, de nuevo, super cerca de ese filo que definitivamente no quiero solapar. Enfriar. En realidad voy a duplicar esa hoja marrón y para equilibrar el color, creo que necesito un poco de marrón oscuro por aquí de este lado. En esta situación, necesito mover un poco el tablero de arte para ver realmente lo que estoy haciendo. Yo lo estoy llevando sólo a esa esquina, y ten en cuenta que todo en la parte superior aquí arriba, porque esto es azulejos, se va a repetir aquí abajo en la parte inferior. Lo mismo, todo de este lado izquierdo se va a repetir de este lado. Entonces si tengo algo acercándose realmente a la esquina aquí abajo, eso va a golpear justo por aquí. Sé que eso es complicado de visualizar sin verlo realmente, pero es sólo algo a tener en cuenta ya que estamos llenando este espacio. Consigamos esas pequeñas ilustraciones de floración. Voy a necesitar algo de ese magenta brillante encima en esta zona, perfecto. Ahora ese rosa claro, ¿a dónde iría eso? Probablemente, tal vez como justo aquí. Bonito, y luego ese melocotón, no tenemos mucho melocotón pasando, de este lado. Entonces lo voy a poner justo ahí. Perfecto. Creo que voy a añadir una hoja más aquí mismo porque se siente un poco escaso. Voy a duplicar ese marrón claro, usar mi herramienta de flecha y encajarlo, ceñido, lo voy a hacer un poco más pequeño aquí mismo, perfecto. Ahora que hemos llenado este espacio, rellenado estos vacíos, tenemos nuestro bloque ilustrado. Es hora de probar esto y ver cómo se ve en un patrón repetitivo, y ese es el siguiente video. 8. Patrón: En este punto es el momento de tomar nuestro bloque y probarlo como patrón repetitivo. Vamos adelante y volvamos a la galería, toca Seleccionar, toma nuestro bloque, duplicarlo, presiona esa X. Vamos a nombrar a esta nueva capa, Patrón. Esta será la pieza final para pasar de nuestras ilustraciones iniciales a crear nuestro bloque para ver cómo se ve, carneado como patrón. Recuerda, estamos duplicando estos e yendo un paso a la vez para que si alguna vez estropeamos algo, siempre podamos volver al paso anterior y revisar. Nuevamente, esta técnica se llama edición no destructiva. Lo uso todo el tiempo y me ha salvado en múltiples ocasiones. Adelante y abramos nuestro nuevo tablero de arte llamado patrón. El primer paso es abrir nuestras capas y solo agarrar grandes trozos a la vez y empezar a fusionar todo para que toda la selección esté en una sola capa. Esta es otra razón, es realmente importante duplicar esos tableros de arte anteriores en la galería, porque una vez que aplanas las cosas, ya no puedes hacer pequeños ajustes y mover las cosas desde atrás, es todo aplanado en una capa. Ahora que tenemos todo aplanado bajo una capa, es hora de probar nuestro patrón. El modo en que vamos a hacer eso es haciendo que nuestro lienzo sea mucho más grande. Así que ve aquí a tu configuración, que es la llave inglesa, toca Recortar y Redimensionar, y debajo de ajustes, lo vamos a cambiar, antes de que fuera 10 por 10, ahora vamos a hacer de 20 por 20 y mantener esos 300 dpi. Asegúrate de que tanto el lienzo Resample como Snapping estén activados. No quieres esos encendidos. Prensa Hecho. Enfriar. Al igual que antes, cuando encogimos nuestro lienzo hacia abajo, todo pasa desde esa esquina superior izquierda. Cuando se expandió hacia afuera, empezó desde la esquina superior izquierda y se apagó. Tenemos nuestro trabajo aquí abajo en el fondo, realmente apretado en ese rincón. Vamos a nuestras capas, desliza a la izquierda, hacemos un duplicado de esa capa, luego vamos a nuestra herramienta de flecha. Ahora queremos volver a encender el snapping. Selecciona Snapping, activa Magnetics y Snapping. Ahora es simplemente cuestión de sacarlo y dejarlo encajar justo en su lugar. Eso se ve perfecto. Volvamos a nuestras capas. Voy a fusionar esos dos juntos pellizcándolos, luego deslizaré a la izquierda, duplicaré, voy a mi herramienta de flecha, y luego haré exactamente lo mismo. Perfecto. Voy a golpear la herramienta de flecha una vez más para establecer la transformación. Ahora puedes ver que esta es la gloria de ese patrón repetido. Todo se ha alineado absolutamente perfectamente. Lo apagas y lo enciendes. Se puede ver, se puede desplazar muy apretado, apagar eso, y se puede ver cómo se alinea absolutamente perfectamente con esos bordes. Este es un patrón absolutamente perfecto, sin costuras en cuanto a alinearse realmente bien. Si así es como se ve en tu pantalla, buen trabajo, lo hicieron ustedes. Esta es la forma más complicada de elaboración de patrones y si llegaste tan lejos, entonces eso es un pie grande. Enhorabuena. Antes de que lo llamemos un día, no quiero adelantarme demasiado, lo que quiero hacer es solo agregar algunos detalles más a algunas de estas áreas de espacios en blanco para que se sienta un poco más integrado y así no es tan entrecortado. Vamos a seguir adelante y hacer eso en el siguiente video. 9. Afinaciones: Aquí es donde lo dejamos. Es hora de agregar algunos pequeños detalles para que se sienta un poco más integrado. Entonces lo primero es lo primero, solo eché un vistazo a las capas. Adelante y aplaudimos los juntos para hacerlos una sola capa. Ahora voy a tocar ese signo más para añadir una nueva capa. Vamos a hacer exactamente lo que hicimos antes. Simplemente vamos a dibujar algunas pistas y cosas para llenar algunas de estas áreas. Voy a ir a mi pincel, asegurarme de que esté en la monoline desordenada. Ve a mis colores. Yo quiero usar este marrón oscuro. Entonces voy a seleccionar esa. Ahora solo es cuestión de acercar y buscar áreas que podamos rellenar con algunos elementos de ilustración adicionales. Entonces una cosa importante es que sólo estamos llenando la parte principal de la ilustración. No vayas por encima de ningún borde como este porque entonces ya no podrán repetirse sin problemas. Por lo que cualquiera de estos ajustes que hacemos, queremos mantener en la parte principal de la ilustración, no ir por encima de ningún borde. No está tan mal de un trabajo. No hay demasiadas áreas en las que necesitamos llenar estos detalles. Pero un poco sí ayuda. En este punto solo lo estoy mirando, buscando áreas de espacios en blanco que se sientan un poco escasas, o incómodas y llenando las de elementos adicionales. Creo que en algunas áreas, me voy a acercar realmente al borde, pero no tocar el borde. Eso lo va a ayudar de sentir que hay demasiados espacios en blanco cuando esto comienza a azulejar de nuevo. Yo voy a hacer lo mismo aquí arriba. Realmente cerca, pero no del todo conmovedor. Ni siquiera recuerdo de qué manera se levantaba. Probablemente no importa porque esto está destinado a tela. Sólo mirándolo. Se ve bastante bien. No olvides que teníamos toda esta bonita textura jugosa en estas otras áreas. Quiero repetir eso sobre estos elementos que acabo de añadir. Adelante y toca esa capa, enciende el bloqueo alfa. Voy a ir a este bronceado claro como color, y mi pincel solía salpicar antes, así que lo usaré de nuevo. En realidad quiero ver lo que estoy haciendo. Entonces voy a apagar esa capa principal de ilustración. Entonces me aseguro de que le pegue a todos estos tipos con un poco de textura. Perfecto. Pongamos esa capa de nuevo y sigamos adelante y pellizquemos a ambos juntos. Enfriar. Ese fue nuestro método de agregar detalles. Ahora, nuestro patrón de repetición está listo para salir. Si queremos probarlo una vez más, te mostraré como solo para asegurarte de que todo vaya a alinearse bien con esos detalles. Voy a deslizar a la izquierda en esa capa, duplicarla, ocultar el original. Porque recuerda que esto es sólo una prueba. Voy a volver a ese original cuando todo esté dicho y hecho con esta rápida prueba de 30 segundos. Voy a tener seleccionada esta nueva capa, vaya a mi herramienta de transformación. Hazlo mucho más pequeño. Vuelve a mis capas. Desliza el dedo hacia la izquierda, duplicar. Asegúrate de que el ajuste esté activado. Entonces sólo voy a moverlo. Fusionar ambos juntos, duplicar de nuevo, y simplemente probar y ver cómo se ve esto. En realidad se ve bastante bonito. Se siente realmente integrado. Puedo ver que esto va muy bien en el fondo de pantalla. Por lo que agregar esos detalles en, lo ayuda mucho. Sigamos adelante y eliminemos esas dos capas. Enciende nuestro original de nuevo, prueba completada. Hicimos un buen trabajo. Hemos hecho tanto trabajo para llegar a este nivel. Ha sido súper divertido, pero también ha sido mucho esfuerzo. Queremos asegurarnos de que cuando estamos creando patrones como este, estamos optimizando lo mejor que podemos. Para mí, eso usualmente significan ventas. Ya que hice todo este trabajo y esfuerzos, son sólo unos pasos extra para crear algunas paletas de color adicionales. Entonces para mí, eso tiene mucho sentido porque tal vez a alguien no le gustan estos colores juntos, rosa y marrón, pero podrían comprarlo, digamos que eran azul o verde o amarillo. Entonces porque es tan fácil para mí hacer paletas de colores adicionales, voy a seguir adelante y hacer eso para que sea más probable que la gente compre este patrón si hay tal vez cuatro opciones de color en lugar de solo una. Esto es sólo ser un poco estratégico con diseño de superficie y asegurarme de que estoy recibiendo la mayor cantidad de bang por mi buck. Entonces en este siguiente video, te mostraré cómo jugar realmente de manera eficiente, rápida y sencilla con algunas paletas de colores adicionales para que al final de esta clase, no solo tengas un patrón, tienes toda una gama de paletas de colores. Adelante y empecemos. 10. Color: Vamos a seguir adelante y jugar con alguna variación de color. Primero lo primero, voy a entrar en mis capas. Aquí es donde vale la pena estar muy organizado. Vamos a tener un montón de capas aquí arriba. Cuanto más simple sea, mejor. Voy a tocar la capa 4, selecciona Cambiar nombre, y voy a llamar a este Otoño Moderno. Ese es el mismo nombre que la paleta de la que saqué los colores. Ese es nuestro original. Vamos a mantener eso aquí y construir algunas paletas de colores encima de esto. El primero que hay que hacer, que es lo más fácil, es ver cómo se ve esto con un nuevo color de fondo. Voy a añadir una capa, golpearla, traerla debajo de Modern Autumn, ir a mis paletas y es ese azul marino el que está integrado en esa paleta. Lo tocaré para establecer, agarrar ese círculo, soltar y bam, que se ve completamente diferente y fue sólo un simple paso de cambiar el fondo. puede ver cómo se ve sin ese fondo y con él. A mí me gustan las dos. Entonces solo lo voy a mantener ahí, pero tenerlo apagado por ahora. Te mostraré más tarde cuando estemos exportando, cómo exportar ambas versiones, la versión blanca y la versión de fondo navy. Pero por ahora, sólo voy a seguir adelante y apagar eso. Ve a Modern Autumn, desliza hacia la izquierda y toca Duplicar. Simplemente voy a apagar esa de abajo que estemos trabajando con esta nueva capa. Como mencioné, el azul es un vendedor bastante fuerte. Entonces quiero ver cómo se ven estas con el tono azul. Tan solo para volver a comprobar, abramos nuestras capas y asegurémonos de que estamos trabajando en una copia de esa capa para que no estemos reescribiendo nada. Esta nueva está seleccionada, voy a subir a mis ajustes e ir a esta primera opción, Tono, Saturación y Brillo, y elegir Capa. Ahora, puedo hacer clic en este fregador aquí abajo en hue y llevarlo todo el camino a la derecha del espectro, así como todo el camino a la izquierda. Estamos viendo muchas opciones aquí, lo cual es bastante guay. Mencioné que quería azul. Entonces voy a encontrar algo por aquí. Ese es un balance realmente bonito en realidad con este índigo azul y morado. También puedes ajustar la saturación, hacerla muy saturada o muy desaturada. Pero quiero dejar saturación sobre dónde está, alrededor del 50 por ciento. Por aquí a la derecha, está el brillo. Puedes hacerlo casi blanco, o todo el camino a la oscuridad. Lo mismo, quiero dejar brillo exactamente donde está, 50 por ciento. Realmente me gusta cómo se ve esto. Adelante y golpea tus capas para establecer esa transformación. Ahora tenemos este azul realmente bonito. Déjame mostrarte cómo se ve antes y después. Todo lo que hicimos fue ajustar el tono para conseguir este bonito tono azul. Por capricho, quiero ver cómo se ve con ese fondo marino también. Entonces volveremos a encender eso. Ah, sí, eso es súper genial. Ya veo cuatro versiones de paleta de colores que estaré guardando después de esto. Estaré guardando el original con los fondos azules, el azul y el azul con fondo marino. Ya estoy en cuatro paletas de colores, sí tiendo a volverme bastante loca con paletas de colores y tengo un montón de opciones, pero quiero simplificar esto para ustedes chicos así que sólo les voy a mostrar una forma más de ajustar el color. Lo he escondido todo excepto ese original Otoño Moderno. Oh espera, muy rápido, vamos a tocar dos veces esa capa azul y renombrarla azul, solo para mantenernos extra organizados. Está bien, genial. Con Modern Autumn seleccionado, deslicemos hacia la izquierda y duplicémoslo una vez más. Para esto, retro, nostalgia, vintage, todas esas cosas están realmente en tendencia en este momento. Quiero probar una paleta retro vintage para mi paleta final y última. Con mi nuevo Otoño Moderno seleccionado, voy a renombrarlo Retro, y subir aquí a mis ajustes y volver a Tonalidad, Saturación y Brillo, toca Capa. En primer lugar, voy a encontrar algo que le tenga un poco más de tonos anaranjados. Simplemente voy a tomar este fregador de tonalidad ligeramente a la derecha en alrededor del 57 por ciento, llamarlo un día ahí, y luego volver a mis ajustes y esta vez pegue Balance de color, Capa. Ahora con el balance de color activado, puedes hacer detalles de ajuste mucho más finos. No va a ser tan loco como todo ese espectro con el matiz y la saturación, sino más bien, solo haces cambios mucho más sutiles aquí. Tienes mucho más control. Creo que lo que quiero hacer es traer eso entre cian y rojo, traerlo todo el camino al rojo. Veamos la diferencia entre todo el camino verde y todo el camino magenta. A mí me gusta este sesgando un poco más en verde y probemos el amarillo. Todo el camino a la izquierda, todo el camino a la derecha cambia drásticamente las cosas. Esa es una paleta realmente bonita y podría usarla más tarde. Pero por ahora, quiero ese toque retro vintage, así que voy a mantenerlo en el medio aquí también. Si quieres afinarte aún más con los ajustes de color, adelante y haz clic en este poco sol, y acabamos de ajustar sombras. En la mía, puede que haya comenzado en los medios tonos. Si el tuyo no se parecía bastante al mío, lo hice con esos ajustes, por eso. Se pueden ajustar estas diferentes áreas dentro de los colores. Evidentemente, yo estaba en las sombras. También hay medios tonos y también hay destacados. Probemos el medio tono real rápido solo para ver si eso hace alguna diferencia drástica. Todo el camino al azul, y todo el camino al amarillo, bueno, eso es divertido. Pero ¿sabes qué? Creo que me gusta este tono neutro aquí. Si voy a amarillo, pierdo ese agradable neutro, y no se siente menos sofisticado. Cuando emparejas colores brillantes con neutros, siempre hace que tu ilustración sea un poco más sofisticada. A mí me gusta usar neutrales siempre que puedo. No parece que vaya a ajustar tanto magenta. Probemos cian y rojo. Oh, genial. Si traemos cian todo el camino a la izquierda, todos esos greens se vuelven muy verdes. Ahora son marrones. Pero como mencioné, me gusta mantener las cosas neutrales. Entonces creo que lo voy a mantener ahí como está. Adelante y volvamos a nuestras capas. Esta fue nuestra original y esta es nuestra capa retro. Definitivamente se siente retro. Tiene esas paletas de colores '60, '70 con esas naranjas y tonos olivos y marrones. De verdad me encanta. Yo sí quiero ver aunque cómo se ve con un amarillo tal vez como un fondo bronceado. Entonces voy a golpear ese signo más, arrastrar una capa debajo de retro, ir a mis paletas de colores, y voy a bajar aquí a mi opción clásica, y voy a recoger a mano mi fondo amarillo. Yo sólo voy a arrastrar por el espectro, encontrar algo que se sienta bien y no demasiado intenso, tal vez algo por aquí. Se puede ver el cambio de color en la parte superior derecha ser un poco más claro. Ahora voy a arrastrar ese color, suelta. Sí, eso es interesante. Déjame ver cómo se ve, con el fondo blanco y con éste. Creo que necesito hacer algunos ajustes realmente sutiles a ese fondo, y en lugar de volver a nuestro recolector de color cada vez, si quieres ver cómo se ven los ajustes en tiempo real, te mostraré cómo. Con esa capa de fondo seleccionada, subamos a nuestros ajustes. Quiero elegir Hue, Saturación y Brillo para capa, igual que hicimos la última vez. Ahora puedes ver en tiempo real cómo se ve cuando ajustamos el valor, la saturación y el matiz. Wow, me gusta mucho ese azul de repente. No estaba planeando ponerme azul, pero ahora estoy pensando que solo podría. Yo sólo quiero hacerlo desaturado, un poco más oscuro. Encuentra algo que golpee ese aspecto de aciano, azul, menta, quizá traiga esa saturación. Ah, sí, eso me encanta totalmente. Bueno, ese es el beneficio de explorar en tiempo real, ves algunos colores que inicialmente no pensaste que ibas a usar. Pero empecé esto, pensé que iba a usar este fondo bronceado, pero me encanta ese azul desaturado. Ese es el ganador. Sí, se ve bastante bien. Muy rápido, voy a agrupar el retro y el fondo juntos. He seleccionado ambos, voy a golpear grupo. Voy a llamar a este grupo Retro. Impresionante. Bueno, aplausos a los accidentes felices chicos, porque me encanta ese fondo azul. Creo que eso se va a quedar realmente genial en la tela. Ahora que tenemos algunas paletas de colores diversas, hemos hecho muchas exploraciones y pruebas, hemos terminado con algunos accidentes felices. Adelante y te mostraré cómo guardar y exportar esto dependiendo de tu salida deseada. Si quieres estar subiendo estos patrones a Spoonflower, te mostraré cómo exportar para optimizar para eso. Lo mismo con Society6 o Etsy. De manera que un poco diferente salida para cada uno, y nos sumergimos en eso en la siguiente lección. 11. Guardar: Ahora que hemos puesto en el duro trabajo para crear esta hermosa ilustración de patrón sin costuras, es hora de aprender a guardarla y exportarla de la manera más optimizada dependiendo de cuáles sean tus intenciones. Voy a pasar por los tres escenarios más comunes. Escenario 1, solo quieres guardar este archivo maestro que tiene todas estas capas intactas, tiene todas las diferentes paletas de colores. Para ello, voy a volver a la galería, y queremos guardar todos estos. Voy a seleccionar a todos y todos van a Compartir. Para esto, lo voy a compartir de dos maneras. Voy a compartir la versión procreate, y voy a guardarla en mi iPad y probablemente la exportaré a mi MacBook, para poder guardarla en la nube. Procreate es la primera versión para guardarlo como, y la segunda es como PSD. PSD significa archivo Photoshop. Eso significa que si abres esto en Adobe Photoshop, todas esas capas se van a conservar en cada una. De nuevo, suelo aerearlo directamente a mi Mac. PSD importa si usas Adobe Photoshop, pero si no usas Photoshop, probablemente puedas saltarte ese. Pero definitivamente lo guardaría como procreate y lo guardaría en una segunda ubicación. Este es en realidad mi tercer iPad Pro. Utilizo un iPad Pro de 12.9 pulgadas. Otros dos me han fallado totalmente. Bueno, no, uno sí me cayó, pero el otro, no sé por qué pasó eso. Perdí todo mi trabajo de procreación, que fue un enorme embate. Ahora cada vez que termino ilustraciones finales como esta, siempre las exporto a mi MacBook para que pueda guardarlo en la unidad desde mi computadora. Si has sido diseñador o ilustrador por un tiempo y tienes copias digitales de cosas, probablemente sepas que los discos duros fallan todo el tiempo y siempre es bueno tener más de una copia de seguridad. De todos modos, conferencia sobre, respalda tus cosas porque es un enorme desolador cuando pierdes archivos. Vayamos al escenario 2. Este probablemente va a ser el escenario más común para la mayoría de ustedes viendo mi clase. Estás creando patrones sin fisuras porque quieres subirlos a un sitio de impresión bajo demanda como Spoonflower. Spoonflower es un sitio de impresión bajo demanda que convierte tus patrones sin costuras en telas, principalmente, que venden en su sitio web. Es una plataforma bastante enorme. Conozco a muchos artistas por ahí, este es su pan y mantequilla por ingresos, es Spoonflower. Puedes tener tus ilustraciones impresas en patrones sin fisuras con un montón de productos a través de sus sitios web. Papel pintado, manteles, servilletas de cena, corredores de mesa, paños de cocina, fundas de edredón, cortinas, mantas, telas. Literalmente, lo nombras si se trata de una tela o papel tapiz Spoonflower definitivamente ofrece eso. Este paso aquí es específicamente para cuando quieras tener este patrón seguir repitiendo como en los productos de Spoonflower. Para ello, voy a exportar cada paleta de colores individualmente. Empezaré con el original otoñal moderno. Subiré a mi llave inglesa. Voy a golpear Share, y voy a exportar esto como un JPEG. Iré a AirDrop, normalmente lo enviaré a mi MacBook y lo subiré a Spoonflower desde ahí. También puedes guardarlo directamente en tu iPad y luego subirlo a Spoonflower desde tu iPad, lo que prefieras. JPEG son importantes porque aplana todo y lo comprime al tamaño de archivo más pequeño, cual es importante para cargarlo a estos sitios web impresos bajo demanda. Literalmente pasaría, tengo una versión con los fondos blancos, encenderé el fondo. Ve mi llave, JPEG, y enjuaga y repite y envíala de nuevo a mi MacBook, y haz eso por cada paleta de colores individual. Pasaría por encender retro y luego encenderme azul y luego encenderme azul con blanco. Cada uno de estos exportaría como JPEG individuales para que estén todos listos para ir siendo subidos a Spoonflower. Porque recuerden, esto en sí es un bloque para hacer un patrón de repetición. Todo esto, ya lo probamos antes, se repetirá sin problemas. Es perfecto para eso. último pero no menos importante, escenario 3, quieres usar este patrón e imprimirlo en estampas de arte para vender en tu tienda de Etsy o incluso subirlo a otro sitio web de impresión bajo demanda como Society6. A diferencia de Spoonflower, Society6 realmente no requiere patrones de repetición para la mayoría de sus productos. supuesto, hay un puñado como su fondo de pantalla, donde necesitarás subir un patrón de repetición. Pero para la mayoría de sus productos, lo que haces es subir un JPEG plano como éste. No sólo puedes subir esta obra de arte como una impresión artística para vender en sus sitios web, sino que también podrías venderla como fundas de teléfono, fundas de edredón, leggings, fundas de MacBook, lo que quieras. La gran mayoría de los productos que subas a Society6, solo van a ser las ilustraciones aplanadas. No se va a repetir automáticamente como lo hace con Spoonflower. Hay dos formas en que podrías hacer esto. Podrías guardar este archivo y usar los JPEG que habíamos subido a Spoonflower y simplemente subir esos, o puedes hacerlo un poco más grande y maximizar las dimensiones que están disponibles en Procreate, que es 27 pulgadas por 27 pulgadas. Al máximo las dimensiones, te va a abrir para más tipos de producto. Ese es el gran pro ahí. Si quieres usar esta obra de arte existente para vender en Society6 u otra impresión bajo demanda que no hagan esa cosa de patrón repetido, lo primero que quieres hacer siempre es agregar tu firma. Voy a empezar una nueva capa, elegir un color oscuro, probablemente ir a uno de mis pinceles de bocetos predeterminados. Me encanta la menta, la uso todo el tiempo, luego encontrar un lugar dentro de este patrón. Oh Dios, está bastante lleno, ¿no? Aquí vamos. Señal de dos. De esa manera, cuando subas esto como impresiones de arte, almohadas, lo que sea, tu firma estará en su lugar. Desde una perspectiva personal de branding, es tan importante asegurarse de que siempre tiene su firma en la obra que está cargando, especialmente las impresiones de arte. Ahora obviamente, no vamos a hacer la firma si la estás vendiendo como tela a través de Spoonflower porque tu firma sólo va a repetir, repetir, lo cual es raro, pero sí mantengo mi firma en su lugar, especialmente para grabados artísticos. The Society6 version, la voy a subir con mi firma en su lugar. Lo mismo que antes, toca esa llave inglesa, comparte JPEG y yo usualmente AirDrop it to my MacBook and upload from ahi. Volvería a hacer lo mismo por todas y cada una de las paletas de colores. Algo que notarás es que si enciendes este azul marino, pierdes tu firma. Una forma rápida de evitar eso es solo duplicar tu firma. Apague ese original, suba a sus ajustes, matiz, saturación y brillo, y levante ese brillo todo el camino hacia arriba. Entonces puedes verlo aparecer. Por lo general, cuando hago esto, tengo dos capas de firma. Tengo mi firma en la oscuridad, así, y luego también tengo una firma que se mostrará sobre fondos claros. Una advertencia más quiero poner en marcha para Society6. momento, este tablero de arte mide 20 pulgadas por 20 pulgadas. Si quieres maximizar absolutamente el tablero de arte que podrías hacer en Procreate, realidad es un poco más grande para este tipo de iPad que tengo, que es un iPad Pro de 12.9 pulgadas. El tamaño de lona más grande al que puedo llegar es de 27 pulgadas por 27 pulgadas. Si realmente quisiera que esto fuera aplicable para todos los productos de Society6, haría un nuevo tablero de arte a 27 pulgadas, volcaría estas capas de una a la vez y luego guardaría ese archivo más alto. Pero el único problema con esas tablas de arte más grandes es que te limita a cuatro capas. Es bastante complicado. Lo que haré sin embargo, es que te mostraré un ejemplo para uno, si te interesa ver cómo se ve al tamaño más grande posible para que puedas hacer click en tantos productos como sea posible con Society6. Voy a volver a la galería, seleccionar esto, lo adivinaste, duplicarlo. Da click a esa X. Voy a renombrar esta, 27 X 27. Eso es para recordarme cuál es el tamaño de este tablero de arte. Entonces lo que voy a tener que hacer es seleccionar esto, duplicarlo de nuevo. Sé que ustedes probablemente están súper hartos de duplicar, pero les voy a mostrar por qué hice eso. Voy a entrar en esa original o cualquiera que sea. Ahora tengo que cortarlo a cuatro capas para que pueda expandir el tablero de arte. Yo sólo voy a hacer esto con el original para que puedas ver. Tengo mis cuatro capas intactas. Eliminé a los demás, pero por eso lo duplicé antes para que no se pierda para siempre. Voy a ir a mi llave inglesa, Lienzo, Recortar y redimensionar, Ajustes, es 27 por 27, hecho. Ahora recuerden, nunca, nunca querrán reventar así, porque eso va a hacer que la resolución sea bastante mala. Pero en cambio, debido a que este es nuestro patrón mágico sin costuras, podemos simplemente duplicar esto para llenar el resto del espacio. Pero para duplicarlo, voy a tener que perder una capa porque sólo estoy limitado, ver esto, máximo de cuatro capas alcanzadas, lo que significa que no podemos agregar otra capa. Voy a perder estos fondos, puedo añadirlo de nuevo más tarde, duplicado. Usa mi herramienta Transformar, subirla, consolidarla, y haz exactamente lo mismo. Sé que este es un tedioso paso extra, pero un día espero que Procreate permita tablas de arte más grandes. Enfriar. Consolidar. Ahora puedo añadir esa capa de fondo de nuevo en. Objetivo debajo. Enfriar. Asegúrate mi firma, ahí está. Enfriar. Entonces yo haría lo mismo aquí. Golpearía Share, JPEG, lo exportaría, o lo guardaría en mi iPad y lo subiría desde mi iPad a un sitio de impresión bajo demanda o lo enviaría a mi MacBook, que es lo que suelo hacer. Haría lo mismo para ambas opciones de color. Entonces cuando esté listo para hacer las otras paletas de colores, tendría que volver a mi galería, duplicar esto y hacer lo mismo. Es un poco tedioso, pero así es como puedes obtener el tamaño máximo de archivo absoluto para subir una impresión bajo demanda donde eso sí importa. Antes de terminar hoy la clase, quiero hablarles muy rápido sobre construir un portafolio y cómo optimizo mi cartera de patrones para las ventas para que pueda ganar ingresos adicionales. Para este siguiente video, ya no tienes que hacer nada en tu iPad excepto para tal vez tomar notas. Simplemente puedes sentarte y escuchar algunos de mis mejores consejos para crear patrones de alto valor, comercializables y vendibles. Empecemos. 12. Consejos profesionales: Por lo que lo has hecho casi hasta el final. Estoy tan emocionado de ver lo que creaste hoy. Por favor siéntete libre de compartir a la galería de proyectos abajo. Si decides compartir en Instagram, por favor etiquetame @catcoq, así me puedo gustar y comentarios para ayudar a impulsar tus compromisos. Después de todo, nosotros los artistas tenemos que mantenernos unidos y ayudarnos mutuamente outs. Bono, si compartes tu proyecto o algo relacionado con mis clases en tus historias de Instagram y me etiquetas, puedo volver a compartir tu historia para que todos mis seguidores vean lo que publicaste también y obtendrás aún más ojos en tu página. Antes de terminar, tengo algunos consejos finales para ayudarte a llevar tu obra de arte al siguiente nivel. Quiero derramar algunos consejos internos de la industria del diseño de superficies para ayudarte a crear diseños que van a destacar comercialmente, además de aumentar tus posibilidades de tener éxito en esta industria competitiva. El diseño de superficies es una industria masiva y para los artistas, es una gran oportunidad para cobrar dinero y hacerse notar. Si no estás familiarizado con el término diseño de superficie y definitivamente no lo estaba cuando estaba empezando, diseño de superficie es simplemente cualquier tipo de obra de arte o diseño que se aplique a un producto. Mira a tu alrededor y verás diseños de superficies por todas partes; ahí en tapices, cojines de tiro, papel tapiz, accesorios de moda, literalmente cualquier cosa en la que puedas imprimir diseños y siempre hay un artista detrás de la obra. Como mencioné, cuando empezaba por primera vez como artista comercial, realidad no tenía idea de qué era el diseño de superficies, pero tuve suerte en la industria al empezar subir mis ilustraciones a sitios de Print on Demand como Society6. Como artista principiante con un trabajo de tiempo completo, sitios web de Print on Demand fueron mi acceso para hacer un ingreso secundario y conseguir mi nombre por ahí. Ahora, sigo vendiendo en sitios Print on Demand, pero también licencio mis diseños a tiendas como Targets, Urban Outfitters, HomeGoods, Moncler, Nordstrom, y más. Estas grandes marcas venden mis diseños en papel tapiz, un riesgo, o son estampados, artículos de decoración para el hogar, y más y les gusto porque mi diseño se vende bien, así que ambos ganamos dinero con estas asociaciones. Te voy a dar un paseo con estas grandes marcas están buscando cuando quieren nuevos patrones de diseño de superficie para licenciar. Incluso si aún no estás vendiendo en Targets, se encuentran entre el líder de la industria para la concesión de licencias de diseños. Entonces dictan lo que quiere el resto de la industria. Primero arriba, color. Marcas un color que están en tendencia y los clientes compran lo que es relevancia. Cuando se me ocurre paletas de colores para mis diseños de superficies, echo un vistazo a las tendencias de color. Considero los pantalones de este año en color del año, así como las proyecciones de color de la Semana de la Moda de Nueva York para la temporada o año que estoy diseñando, y dato divertido, las paletas que armé para ti para esta clase, en realidad se inspiran en las paletas de otoño invierno de la Semana de la Moda de Nueva York. Por lo que estos son colores que se están notando en la industria del diseño de superficies en este momento. Ya estás un paso por delante de la curva. También obtengo inspiración de color al mirar a las mejores marcas de moda. La moda siempre está por delante de la curva cuando se trata de nuevas tendencias. Esa es la industria a la que recurro primero cuando quiero saber en qué hay. Pro tip. Iré a sitios web como anthropology.com, ordenaré por nuevo, y buscaré elementos comunes en color que aparecen y otra vez a través de sus nuevos productos. Si veo un color realmente popular, intentaré incorporarlo a mi nueva obra de arte, y si quieres aprender más sobre cómo seguimiento las tendencias e incorporarlas directamente a mis diseños, echa un vistazo a mi clase, cómo descubrir tendencias de diseño rentables antes que nadie y crear obras de arte con atractivo masivo. El siguiente paso, una gran clave para crear diseños de superficie que atraigan a nivel comercial es armar colecciones. A lo que me refiero con esto es agrupar piezas de tu obra de arte en base a similitudes. Muchos diseñadores de superficies alcanzan su éxito no vendiendo solo diseño sino ofreciendo un grupo de sus diseños juntos como paquete. Esto es especialmente importante cuando se trata de tela. En sitios como Spoonflower, donde cualquiera puede subir tus propios diseños para vender en sus productos, los artistas más vendidos crean colecciones de obras de arte y esto significa que tienen múltiples diseños que se sienten cohesionados en un grupo. Por lo que los clientes terminan comprando varios rollos de tela con ilustraciones diferentes pero complementarias. A mayor escala, cuando estoy lanzando tela o papel tapiz a grandes empresas, nunca les enviaré un diseño independiente. Simplemente no les interesa eso. En cambio, les muestro agrupaciones. Voy a armar una página de contacto que muestra diversos diseños que podrían funcionar bien juntos como colección. De esta manera, si tengo suerte y obtengo una colección elegida, ese licenciante termina eligiendo un grupo de tal vez 5-10 diseños todo de una sola vez, no sólo una sola pieza solitaria. Esto es bueno para ellos porque ahora pueden ofrecer una colección cohesiva a sus clientes y es realmente bueno para mí porque acabo de conseguir un puñado grande de mis diseños licenciados outs. Cuando estás pensando en crear tu grupo o colección, aquí te presentamos algunos factores a considerar. Incluir una variedad de elementos pequeños y grandes. Esto significa que algunos de tus diseños en tu colección deberían tener detalles pequeñitos o motivos reducidos. Otros deben ser de rango medio y por último, debes tener uno o dos patrones grandes que muestren una gran variedad, parece más atractivo, y es más funcional. Ciertos productos simplemente se ven mejor con patrones más grandes y algunos funcionan mejor con pequeñas ilustraciones detalladas. Por lo que es importante que demuestres que puedes proporcionar ambos. Otra cosa a considerar cuando estás diseñando una colección es asegurarte de que los colores se coordinen mientras se muestra variedad al mismo tiempo. A lo que me refiero con eso es que la paleta de colores general debería funcionar bien en conjunto, pero eso no significa que todos y cada uno de los patrones tengan que ser exactamente los mismos colores. Es bueno tener unos colores que se encuentran en cada patrón para atar todo junto. Pero en general, no debe ser monocromático. Busca un equilibrio en el palé para que funcione en conjunto, pero cada diseño también tiene éxito como pieza independiente y como regla general, tarimas de color limitadas lo hacen mucho mejor. Entonces cuando tenga dudas, pare hacia abajo esos colores. Aquí te dejamos un poco de hoja que te ahorra tiempo. Para muchos de mis patrones, en realidad uso piezas existentes de ilustraciones independientes como estos campistas retro, por ejemplo, y las rehago en un patrón y al hacer esto, estoy abriendo tantas avenidas más para conseguir que se venda esta obra de arte en los productos. Echa un vistazo a esto. Esta ilustración es bastante linda en estampados artísticos, pero esa composición realmente no va a funcionar en superficies horizontales extremas como credenzas y bancos. Pero lo que se verá genial en estos productos sería un patrón fuera de ese mismo motivo camper y eso es exactamente lo que he hecho. Empecé con una ilustración independiente, pero creé una versión patrón de la misma para hacerlo aún más versátil, que significa más ventas para mí. Si me has visto publicar imágenes de producto reales de mi obra de arte en Instagram, solo hay alrededor del 50 por ciento de probabilidad de que esa sea una foto real. La otra mitad son imágenes simuladas digitalmente que hacen que mi obra parezca que realmente está en la taza o fondo de pantalla. Estos se llaman maquetas de producto. maquetas son grandes herramientas para promover tu trabajo y mostrar a los clientes y clientes potenciales cómo pueden ser tus diseños en una aplicación del mundo real. Cuando subas tu ilustración a sitios POD como Society6, ese sitio generará automáticamente una simulación de cómo se ve tu ilustración en sus productos. Llevo maquetas al siguiente nivel mediante el uso de archivos de calidad profesional. Comparte, siempre puedes compartir tu maqueta de Society6 pero ahí hay limitaciones. Se trata de una imagen plana por lo que no puedes cambiar el color de fondo ni hacer pequeños retoques a la colocación de la obra sin volver a subir todo el diseño. Entonces mi solución es usar maquetas personalizables hechas por profesionales. Estos son archivos de Photoshop. Utilizan objetos inteligentes con tu ilustración, lo que significa que todo lo que necesitas hacer es soltar tu ilustración y se aplica automáticamente a esa maqueta. Debido a que es un objeto inteligente, Photoshop doblará tu obra si está en una taza, agregará sombras, reflejos, texturas leves, todo lo necesario para que se vea lo más realista posible. A los clientes y a los clientes potenciales les encanta la obra de arte senior en aplicaciones del mundo real. Les ayuda a ver el producto incluso antes de que exista. Además hace que tu portafolio luzca profesional y comercial y lo adivinaste. Tengo una clase que te enseña todo, aunque nunca antes hayas usado Photoshop y porque me encanta asociarme con marcas para regalar a mis alumnos cosas gratis, para esa clase, me he unido con el líder de la industria maqueta [ inaudible] para darles 10 archivos maquetas gratis solo por unirse a la clase. Puedes seguir junto con los mismos archivos exactos que estoy usando paso a paso. Ve a comprobarlo. Esta clase se llama maquetas de producto más vendido de diseño con tus artes. Eso envuelve mis consejos profesionales para ti. Sólo tengo unas cuantas cosas más que compartir en el último video. 13. Reflexiones finales: Chicos, muchas gracias por tomar mi clase y aprender a mi lado hoy. Si disfrutaste de esta clase, por favor deja una reseña. Estas críticas significan el mundo para mí y leo todas y cada una de ellas. Si tienes alguna pregunta o comentario sobre la clase, por favor siéntete libre de publicar en la discusión de la clase abajo. Considera esa discusión de clase, el chat comunitario para todo lo relacionado con esta clase. último, pero no menos importante, por favor sígueme en Skillshare haciendo clic en el botón “Seguir” arriba. Esto significa que en cuanto lanzo mi próxima clase o quiera compartir algo contigo, serás el primero en saberlo. También puedes seguirme en Instagram en catcoq para ver todos mis últimos trabajos en curso. Lee mis consejos para artistas y diseñadores por ahí y ve unas instantáneas de dónde en el mundo estoy viviendo en el momento. Gracias a las licencias de Arte y a mi estilo de vida portátil, viajé por el mundo 24-7 y creé obras de arte a medida que voy. Es una experiencia aventurera y satisfactoria y es la razón por la que me encanta ilustrar en mi iPad. Puedo crear obras de arte desde cualquier lugar. Gracias de nuevo por tomarse el tiempo de aprender conmigo hoy y nos vemos para mi próxima clase.