Transcripciones
1. Introducción: Dibujar con luz y sombra es una clase sobre ilustrar en monocromo, centrándose en herramientas, como bolígrafos de pincel y tintas. Voy a enseñar un estilo de ilustración que combina dibujo a tinta y pintura a tinta. Si te gustaría aprender la técnica de crear ilustraciones atractivas en escala de grises, te gustaría pulir tus habilidades tradicionales, o simplemente prepárate un poco para el próximo reto de Inktober, esta es una clase para ti. Por supuesto, siempre tienes la oportunidad de aplicar este conocimiento en tu medio favorito pudiendo ser tradicional o digital. Los principios que voy a compartir son los mismos. Hola. Me llamo Barbara Bernat, soy ilustradora y diseñadora gráfica de Budapest, Hungría. Mis amigos universitarios y yo fundamos un estudio de diseño gráfico llamado Halisten, donde trabajamos como grupo de freelancers. En cuanto a proyectos individuales, he trabajado con varias editoriales en libros
infantiles y diseños de portada para recién llegados. Me gusta probar diferentes técnicas cada vez que inicio un nuevo libro o una serie de libros, para que pueda mantener mi trabajo fresco y explorativo. Es así como encontré y perfeccioné el estilo que voy a explicar durante estas clases. Juntos vamos a mirar a través de los pasos de crear una nueva pieza desde cero, empezando por las herramientas más utilizadas, cómo esbozar la composición, y cómo diseñar la iluminación de una ilustración. El progreso de la obra final desde el boceto hasta los detalles de
pulido se cubrirá en lecciones separadas. Al final, vas a tener una maravillosa pieza de arte propia. Encontrarás la lista de los ítems que he usado en la descripción. Bienvenidos a esta clase. Espero que lo disfruten.
2. Inspiración: Pero, ¿de dónde viene todo esto de la ilustración en escala de grises? Voy a hablar un poco de mis influencias en el arte blanco y negro. He ido a clase de arte desde la primaria. Por lo que el arte gráfico tradicional, como el dibujo a lápiz, dibujo a
tinta, el carbón, el knockout de línea, y el grabado siempre estuvieron cerca de mí. Estas técnicas se basan más en la línea o el tono que en el color. Tienes que examinar lo que ves desde una perspectiva diferente. Tienes que transcribir los elementos en formas incoloras. Los estudios de tu entorno pueden tener mucho en entender cómo la luz y la sombra dan forma a nuestro mundo, y este conocimiento académico se puede construir en tu lenguaje visual personal. Tener arte clásico desde este punto de vista es muy útil también. El segundo gran impacto puede ser el momento en que me metí a leer manga y cómics. Me metí a este mundo a una edad muy receptiva cuando tenía 13-14 años. Era algo nuevo, muy diferente de las otras formas de entretenimiento que conocía entonces. Por supuesto, el género en sí era realmente emocionante, y además de eso, contenía fascinantes soluciones visuales para dibujos en escala de grises. manga es tradicionalmente blanco y negro porque es más barato producirlos, y las publicaciones semanales están tan
programadas de prácticas que el artista no podía seguir el ritmo si tuvieran que trabajar con color. Esta limitación técnica resultó, creo, en nuevas formas creativas para que los creadores se expresaran solo usando luz y sombra. En conclusión, estudiar obras tradicionales y consumir muchos cómics fueron las dos cosas que más moldearon mi estilo en obras monocromáticas. Se podría decir que la tinta negra es una limitación, pero la forma en que la veo, es más como un reto emocionante.
3. Análisis de obras: Voy a mostrar algunas ilustraciones en blanco y negro que me
inspiran y explican lo que encuentro atractivo en ellas. Creo que es muy importante tener tu propia fuente de inspiración por lo que te animo a buscar algunas obras de
arte monocromas que te gusten y traten de examinarlas de una manera diferente
a la anterior. ¿ Qué te llama la atención? ¿ Cuál es la profundidad del pensamiento? ¿ Es rico? ¿Fiable? ¿Hay más o menos contraste? La primera inspiración que me gustaría mostrarles es este aquatinta del pintor español Francisco Goya, cuyo trabajo en grabado también es notable. Se puede ver que su enfoque es más como el de un pintor. Depende mucho de la luz y la sombra para expresarse. Linework es la base, en capas con unos tonos coherentes. Este oscuro para el fondo, y otro más claro para los elementos de primer plano. lo único que se destaca es esta figura y el búho en el frente, que de inmediato llama nuestra atención sobre el personaje principal. A pesar del reducido número de tonos que utiliza, puede crear una dimensión cautivadora en su obra de arte. Aquí una obra mía me gustaría mostrar como paralela a esta imagen. Se puede ver que no hay mucho en común entre estos dos, excepto la iluminación de la imagen. Todo está silenciado con un tono gris oscuro o claro, excepción de la figura central. El único elemento que se destaca con el blanco. Es un truco sencillo para hacer que tu figura salga del fondo. El siguiente trabajo favorito mío es This One Summer, una novela gráfica realmente cautivadora. Su narrativa se basa en gran medida en la ilustración. Por ello, tiene la tarea de encarnar el ambiente de las noches de verano que todos recordamos. Cada panel podría funcionar como una pintura independiente. Poner la luz es esencial en este cómic. Todos los antecedentes son expresivos. Mis favoritos son los pequeños parches de luz a través de los árboles. Este es un buen ejemplo de iluminar una habitación con un carácter en ella. La fuente de luz, en este caso, es una ventana que ilumina la pared opuesta y el costado de la figura. No hay que tener miedo de usar grandes sombras coherentes. Como se puede ver aquí, este pequeño resalte es completamente suficiente para
separar al personaje de su oscuro entorno. Sombra oscura en su lado izquierdo crea un hermoso interruptor de iluminación con la pared blanca detrás de ella. El tercer ejemplo es un manga favorito mío, Fullmetal Alchemist. Esta página en particular realmente pegada en mi mente porque muestra muy bien cómo jugar mínimo con luces puede realzar la monumentalidad de un entorno. El haz de luz implica cierta fuerza mayor, enfatizando la parte superior de este antiguo monumento. El cuadro es pequeño en contraste y el entorno está en un desierto por lo que todo es gris claro o blanco, haciendo que toda la atmósfera sea etérea. El personaje en sí también es blanco, excepción de la parte inferior, que es negro puro. Esto ancla nuestra visión señalándolo, pero tampoco arruinando toda la mirada blanca de esta imagen. El otro panel que quería mostrar desde este manga es una escena nocturna, donde el protagonista escucho una conversación. Esta es mi ilustración donde estos dos personajes se esconden. Utiliza una iluminación similar. Las figuras son oscuras, ocultas por las sombras. El origen de la luz es el lugar donde ocurre la acción real. De esta fuente se iluminan ligeramente los personajes, mostrando su conexión con los eventos, lo que implica que están tomando parte pasivamente en ellos. Este es un ejemplo de cómo la iluminación puede ser parte de la narrativa. Ahora siéntete libre de buscar algunas obras tú mismo y analizar un poco la iluminación. Estas observaciones te ayudarán a determinar lo que encuentres agradable en una imagen y a aprender formas de lograr un efecto similar en tu trabajo. Sin embargo, siempre es clave inspirarse para más de una fuente, por lo que puedes evitar copiar el estilo distintivo de alguien. Si estás listo, podemos pasar de la inspiración a configurar nuestras herramientas de acción.
4. Herramientas: En esta lección, vamos a caminar por todas las herramientas que necesites para el dibujo a tinta y la pintura. Voy a hablar de diferentes herramientas de entintado como bolígrafos de dibujo, plumas de
inmersión, y bolígrafos de pincel. También te mostraré mis tintas y papel preferidos para ilustrar. Esta técnica no requiere herramientas muy especiales ni caras. Por supuesto que todos tienen sus preferencias. Te animo a probar diferentes marcas y usar la que es la más adecuada para tu propio estilo único. Todas las tintas y bolígrafos que estoy usando aquí son a base de agua y resistentes al agua después del secado. Prefiero usarlos porque de esta manera el line art no se manchará. Es más fácil capas de tinta si es necesario y al final, el resultado es más permanente. Si prefieres tintas a base de agua y no impermeables, puedes trabajar con ellas por supuesto ya que pueden producir resultados similares. Empecemos con el periódico. El papel para la pintura a tinta debe ser más grueso. Necesita poder absorber la humedad sin volverse demasiado ondulado. Para eso, el grosor que necesitarás debe ser de al menos 200 gramos. Utilizo papel Fabriano Accademia. Se trata de un papel fino diseñado para dibujar pero es adecuado para el dibujo a tinta y pintura a tinta también. Tiene una textura natural ligera pero en general, es un papel liso. Si te gusta agregar algo de textura a tu ilustración, hay muchas opciones de papel con una superficie más gruesa para experimentar. La mayoría de los papeles de acuarela son perfectamente adecuados para este propósito. Para el trabajo en línea, tienes muchas opciones diferentes. En primer lugar, voy a hablar de dibujar bolígrafos. Estos son bolígrafos realmente precisos, resistentes al
agua que vienen en muchos grosores diferentes. Me gustan mucho los bolígrafos Sakura Micron porque son ricos en pigmento incluso después de borrarlos un poco. Puedes crear un trabajo de línea realmente preciso y detallado con estos, pero probablemente necesitarás más de un tamaño. El entintado con plumas de inmersión usando diferentes nombres es el más antiguo de las técnicas. También podría ser el más complejo. No sólo tienes que usar la cantidad correcta de tinta o la cantidad correcta de presión y el ángulo recto. No es tan difícil como suena pero seguro requiere más práctica que las otras técnicas. Lo que me gusta de entintar con un plumín es la naturaleza más rústica del trabajo de línea. Tiene ligeras imperfecciones pero las líneas pueden ser muy dinámicas al mismo tiempo. Mi preferencia por las puntas es la llamada punta de pluma de cuervo. Es realmente flexible, perfecto para dibujar en estilo cómico. Puede producir tanto líneas gruesas como delgadas. El instrumento que he hecho para mí con este plumín es en realidad un pincel. Lo aplicé al extremo del mango, así que solo tengo que darle la vuelta si quiero cambiar rápidamente de tinta a pintura. actualidad, las herramientas más cómodas para mí son los bolígrafos de pincel. Son fáciles de manejar, la línea se vuelve variable con sólo ajustar la presión. No manchan y no tienes que esperar a que se seque el trabajo de línea. Mi marca favorita es Tombow Fudenosuke pincel bolígrafo. Viene en un conjunto de dos con puntas duras y suaves. Utilizo la punta suave para la mayor parte del trabajo y la dura para los detalles más finos. En cuanto a la tinta, voy a mostrar la técnica para la tinta india. Forma una capa impermeable en tu papel después del secado y no se puede mezclar después. He probado muchas tintas diferentes a lo largo de los años, mi favorito actual es deleter tinta negra Número 4. Es impermeable como mencioné y negro extra oscuro. Es fácil crear dimensión con sus espinas de inmersión. De lo que también vamos a necesitar para la parte de pintura son algunos pinceles de diferentes formas y espesores. Prefiero pinceles naturales más suaves para esta técnica pero si tienes gusto diferente, puedes usar cualquier pincel con el que estés cómodo. Recuerda, las tintas impermeables se pueden secar en tu cepillo, así que usa una que no uses para nada más o lávate rápidamente después de cada fase. Para hacer bocetos, voy a utilizar un simple lápiz mecánico con 2B made. Esto depende totalmente de ti también. El único consejo para esta parte que puedo dar es que es mejor usar
un lápiz más suave para que el boceto se pueda
quitar fácilmente y no deje una marca permanente en el papel. O si usas una presión más ligera con tu lápiz, eso también está bien. El borrado puede ser complicado. Necesitas una goma de borrar que no manche ni manche las partes limpias del papel cuando se usa. Para mí, lo que mejor funciona es el borrador de goma de plasticidad franca. No deja migas de goma cuando lo usas, ocupa el grafito, tienes que limpiarlo un poco después de usarlo para que se vuelva homogéneo y no manche tu papel. Las únicas otras cosas que se necesitan son las siguientes; un gran vaso de agua para lavar y hacer tu tono más claro, un pañuelo o una alfombra para limpiar los pinceles y las puntas de bolígrafo, una bandeja de plástico o metal para diferentes mezclas toniales de tu tinta, y una hoja de papel para probar antes de entrar. cinta de enmascaramiento y una tabla de madera también pueden
ser útiles pero no son étnicamente necesarios. Ahora tenemos todo lo que necesitamos para este viaje. Probemos las herramientas.
5. Prueba de las herramientas: Ahora, voy a demostrar cómo funcionan
realmente las herramientas en uso probándolas por separado, y también estoy dibujando un pequeño dibujo de prueba. Se trata de un bolígrafo de dibujo de 0.2 puntas o bolígrafo de punta de alfiler. puede ver que deja una marca muy fina. 0.3 y 4 puntas son un poco más pesadas, pero no demasiado. Estas son las más cómodas para mí. Como puedes ver, el trabajo de la línea está realmente bien, incluso, y no cambia mucho en la presión. El plumín de pluma de cuervo es mi favorito absoluto. Puede contener mucha tinta y es muy flexible, por lo tanto, juguetón con el grosor. Dependiendo del ángulo que lo utilices, puede producir diferentes texturas. Las líneas más ligeras son casi tan finas como el bolígrafo de dibujo de la izquierda. El otro plumín que utilicé aquí se llama punta taquigráfica. Bastante similar en resultado, pero entonces es mucho más rígido. Es mejor para las líneas finas. El dibujo de línea con el bolígrafo de pincel Tombow se parece bastante a las plumas profundas. Casi puede replicar el efecto. El tinte nunca puede ser tan grueso negro como la marca de pluma profunda, pero la textura y la naturaleza de las líneas es bastante similar. A lo mejor un poco más suave, pero también mucho más fácil de manejar si solo comienzas a entintar. El extremo duro también tiene una agradable flexibilidad a ella. Me gusta tanto que también lo uso para escribir en mi vida cotidiana. Pintar con tinta nos dará el aspecto final de la obra. El tono puede derivar del negro más rico al más claro de tonos, dependiendo de cuánto lo diluya. Con este toque rápido, te
mostraré las herramientas que he elegido para mi obra final. Puedes elegir cualquier otra cosa que sea cómoda para ti. Voy a usar un pincel para el line art. A mí me gusta usarlo de manera suelta sin cerrar todos los huecos en las líneas. Los tonos serán pintados con tinta. Me gusta mezclar mis tonos en un pedazo de papel. Es fácil agregar agua a un tono previamente mezclado o simplemente sumergirse en un poco más de tinta si necesitas algo más oscuro. Puedes probarlo directamente antes de entrar en tu dibujo. Para el cabello, elegí un tono gris medio. Las sombras faciales van a ser un poco más claras para un efecto más suave. Al final, agregué unas rayas más oscuras para crear un poco de contraste. Adelante y prueba tus herramientas. A ver cómo trabajan juntos. Se puede hacer cualquier tipo de boceto pequeño. El punto es ver cómo se comportarán los materiales en tu papel.
6. Ideas de miniaturas: Ahora estamos técnicamente preparados para comenzar nuestra ilustración. Pero, ¿cómo empezar? Si tienes una idea específica en mente sobre lo que quieres dibujar durante esta clase, eso es realmente genial. Se puede ir totalmente con ello. Si no estás seguro, voy a dar algunas ideas. Te sugiero que elijas un tema con al menos un personaje y el ambiente mínimo. Colocar a tu personaje en contexto ayuda mucho con el diseño de la iluminación. Si es demasiado por primera vez, puedes dibujar una sola figura o un objeto para probar esta técnica y pasar a una pieza más grande más adelante. Aquí te dejamos algunas ideas. Caminar en el bosque con un perro, escuchar música en una estación de autobuses por la noche, plantar tulipanes en el jardín, dibujar en tu escritorio, un gato montando en bicicleta. Voy a recoger dibujo en tu escritorio. Es un tema fácil y aquí tienes por qué. No tienes que estresar demasiado en el entorno ni en el personaje, puedes trabajar con material con el que estés familiarizado. Tu espacio de trabajo está lleno de objetos aleatorios y elementos de fondo, por lo que no necesitas hacer investigaciones adicionales. Si basas un personaje en ti mismo o un personaje que dibujas regularmente, eso también puede ser una facilitación. De esta forma, puedes concentrar la mayor parte de tu energía en los tecnicismos. Esta es mi primera composición en una miniatura. miniaturas son buenas porque puedes dibujar formas ásperas. No necesitas perderte en los detalles. Cambia tu enfoque hacia las ideas mismas en lugar de hacerlas lucir bonitas. En mi experiencia, instintivamente dibujo mejores proporciones en este pequeño tamaño, tal vez porque veo el arte por completo. También me gusta acostarme para que el negro aparecerá en mi dibujo en este punto. Empecemos uno nuevo desde un punto de vista diferente esta vez. En este espacio, solo deja caer todo lo que está en tu mente. No tengas miedo de dibujar un nuevo boceto y otra vez hasta que sientas que lo tienes bien. No borres nada. Si no te gusta algo, solo repasa con tu lápiz o empieza uno nuevo. Creo que voy a incluir la lámpara y el haz de luz. Por lo que lo marco en mi boceto. A mí me gusta mucho más este punto de vista. Hay algunos objetos en los que estoy pensando incluir, así que rápidamente los dibujé junto a mi miniatura. He decidido seguir con esta composición pero quiero cambiar las proporciones de la misma. Yo quiero hacer más pequeño al personaje, así que hay un espacio más grande por encima de su cabeza para el medio ambiente. Se está aclarando la idea la segunda vez. Ahora ya me he dado cuenta de mi pieza final. A modo de nota o recordatorio para mí mismo, esbozé algunos elementos de fondo más que quiero usar con un poco más de detalle esta vez. Incluiré mi lámpara seguro, algunas plantas, y cuadros en mi pared. Esto es justo para que empiece. Si estás listo, puedes pasar a esbozar tu idea uno a uno en tu papel elegido en la siguiente lección.
7. Bocetado: Aquí está mi papel preparado para la ilustración. He marcado los bordes del dibujo en un marco, pero no tienes que hacer lo mismo si prefieres dibujar libremente. Voy a copiar mi miniatura en la pantalla, mirándola de vez en cuando. Si aún no tienes confianza, o simplemente te gusta recrear tu miniatura con la mayor precisión posible,
puedes escanearla, agrandar e imprimirla para trazar con una caja de luz o en el cristal de tu ventana. Es importante mencionar en este punto que voy a
repasar este boceto en particular con mi entintado final más adelante. Empiezo con las partes más distintivas de mi composición, que en este caso es la línea horizontal del escritorio. Colocar la figura es el siguiente. Entonces, el haz de luz de la lámpara, creando un triángulo que define la tensión de la imagen. Después de que tus elementos principales estén en su lugar, puedes pasar a bosquejar más detalles. Prefiero empezar con mi personaje y su entorno más cercano. Se puede ver que estoy usando más líneas para buscar mi forma final. Me gustaría ver mis mejores opciones antes de finalizar el trabajo de línea. Es mejor usar líneas suaves para que no se queden ribeteadas en tu papel más tarde. No estaba contento con cómo resultó esta silla, así que la borré por completo y dibujé una nueva. Yo solo borro manchas que quiero redibujar. Siempre trabajo en mis temas principales al principio, para ver si tengo confianza con mi boceto o debo empezar de nuevo. Estoy contento con cómo resultó esto, así que voy a pasar al segundo plano. El café es muy importante, claro. Algunos elementos de fondo más grandes deberían colocarse ahora. El estante, el monitor, y el marco en la pared. Podrás entrar en más detalles tanto como te apetezca. A mí me gusta pegarme más el boceto en bruto, porque técnicamente reconstruiré mi line art a partir de él. El arte de línea puede ser más suelto y libre si las líneas provienen de la memoria muscular, no directamente de trazar una marca predibujada. Tienes que confiar en tus manos en este. Si has encontrado la curva perfecta en tu boceto, también la
encontrarás con tu bolígrafo. Edicito algunos detalles finales a mi boceto. Es hora de pasar al line art.
8. Arte lineal: Tengo mi boceto aquí mismo listo para ser entintado. Lo que voy a hacer a continuación puede parecer bastante extremo, pero me funciona muy bien. Voy a tomar mi goma de plasticidad y borrar la mayor parte de mi boceto para que en el papel solo se vea un marcado ligero. Llevo mucho tiempo trabajando así. Este método me ayuda a mantener fresco mi line art. Si esto parece demasiado y quieres conservar tu boceto, puedes tomar otro papel para entintar usando una caja de luz para trazar. Empecé a borrar con mucha ligereza y cuidado. Las marcas de lápiz no deben desaparecer por completo porque serán tu ayuda para el line art. Este tipo de caucho es el mejor para un borrado tan suave. Es fácilmente limpiable y absorbente, y no deja residuos atrás. Ahora, este boceto realmente ligero se desvaneció está preparado para ser entintado. Empiezo con mi bolígrafo de pincel más suave porque tiene un trazo más audaz. Yo uso más presión en las líneas, que sé que estará en un área sombreada como el fondo de la mesa o la silla. Con un toque más ligero, también
puedo producir líneas más finas. Para la cara, he cambiado a la otra punta para un resultado más preciso. Ya he mencionado antes que me gusta trabajar primero en mis personajes. Es cierto aquí en la fase de entintado también. A mí me gusta hacer las partes más importantes desde
el principio para sacar rápidamente la presión. Si mi personaje se ve bien, puedo pasar a los alrededores, y seguir usando el bolígrafo más grueso para las líneas principales. En ocasiones agrego unas pequeñas sombras al fondo de los objetos para que mi line art sea más interesante. Cuando se hacen todos los elementos esenciales, estoy cambiando de nuevo a un bolígrafo más fino para poder agregar detalles a mi trabajo de línea. Lo uso para cosas en las que quiero menos énfasis como el cuadro de marco en la pared o algunos mechones más en el cabello. Cuando estás trabajando en el entintado y usas un trazo de luz variable, al igual que yo, es importante pensar en las fuentes de luz desde el principio mismo del proceso. Las partes donde los objetos proyectados sombra pueden ser más gruesas y las partes iluminadas pueden ser más ligeras, o en algunos casos, cuando se quiere expresar lo fuerte que es su luz, el line art puede desaparecer por completo. Eso es lo que estoy haciendo aquí con las rayas de su jersey ya que sé que quiero que mi lámpara sea la principal fuente de luz de esta imagen. No conectaré las líneas con el borde de la figura, solo déjalas abiertas para las partes de luz. Algunos toques finales de pulido y está listo. Pero antes de pintar con tinta, lo
vamos a probar primero.
9. Prueba de tono: Qué hacer si no estás seguro sobre la iluminación de tu dibujo. Aquí tienes un truco útil. Puedes escanear tu arte de línea de meta e imprimir más versiones pequeñas una al lado de la otra. Ahora, tienes algunas páginas de libros para colorear que puedes llenar, sin tener demasiado miedo a las consecuencias. Tengo una idea bastante clara de cómo quiero encender esta escena, pero voy a mostrar algunos más para demostrar diferente que puede ser el resultado dependiendo del estado de ánimo que apuntes. El primero va a tener una iluminación más suave, tal vez algo así como una tarde lluviosa. El ligero es suave y difusa. No hay enormes sombras de reparto. Estoy destacando mi figura oscureciendo su entorno, igual que el ejemplo que mostré en la Lección 3. El segundo va a reflejar mi idea original. Yo quería iluminación nocturna para esto. Todo está oscuro, y la fuente de luz es el rayo que viene de la lámpara. El frente del personaje está, por lo tanto, iluminado, pero su espalda también está oscura porque la luz no puede llegar detrás de ella. Las partes más oscuras van a ser las sombras debajo de la mesa y el estante. Voy a oscurecer estas plantas de la izquierda también para equilibrar las pesadas sombras en la parte inferior. Si bien en realidad nuestro monitor es negro, voy a añadir sólo un tono claro a la parte iluminada para enfatizar el brillo que viene de la lámpara. Para la tercera, estoy tratando de iluminar su luz matutina. La fuente de luz, en este caso, es una ventana a la izquierda. Todo tiene una sombra de fundición más oscura y más característica a la derecha. Pero en conjunto, la habitación es luminosa. Nada es demasiado oscuro, sólo las partes donde la luz no puede llegar. Ahora, estoy listo con los tres. Compare las pruebas un poco. Mira las diferencias y las cosas que tienen en común. Se puede ver cómo diferentes efectos puede tener una imagen con unos ligeros cambios en. Todos son caminos posibles a tomar, pero me voy a quedar con éste en el medio. Me gusta el contraste y las posibilidades que tiene. También es mejor para demostrar múltiples técnicas de sombreado, así que sigamos con esa. Puedes utilizar esta hoja como referencia mientras trabajas en la pieza final. Confía en mí, va a ayudar mucho en nuestros próximos pasos.
10. Negro: Para este paso, necesitarás tu botella de tinta y unos pinceles. Vamos a pintar primero las partes negras puras del tono, para ver el equilibrio de la imagen. Piensa en estos parches negros como la extensión de tu arte de línea. Ahora, según mi prueba de tono, las partes negras para mí van a ser el fondo de la mesa,
la sombra debajo del estante, y las hojas de la planta a la izquierda. A ver. He empezado en la esquina inferior derecha, que no fue la mejor opción. Puedes manchar la tinta húmeda con la mano si pintas en las esquinas superiores después de esto. Te sugiero que empieces a trabajar en la esquina superior izquierda si eres diestro, y el opuesto si eres zurdo. Para evitar manchas, ahora no puedo tocar el papel con mi mano de pintura, que es muy dura. También agregué algunas sombras negras cabello y
a los lados de los marcos, siempre teniendo en cuenta mi fuente de luz. Puedes pintar sombras más pequeñas donde quiera que se sienta bien. Pintar con tinta nos dará el aspecto final de la obra.
11. Pintura con tinta: Hemos llegado a la etapa final y más emocionante de nuestra ilustración. Ahora vamos a pintar tonos oscuros. Voy a tomar mis miniaturas de prueba de tono y ponerlas en algún lugar dentro para poder revisar mi plan cuando sea necesario. He preparado algunas diluciones diferentes de tinta en mi paleta. A menudo se les conoce como lavados. Todos contienen cada vez menos cantidades de menos negro. Es mejor probarlos en un trozo de papel antes de comenzar porque la tinta será más ligera después del secado, por lo que solo se puede ver el resultado después de que esté completamente seco. mí me gusta usar una hoja de papel como paleta, así que voy a usar este pequeño testes para mezclar. Antes de empezar, puedes asegurar tu papel en una pizarra con cinta adhesiva si quieres que el resultado sea más recto. Estoy bien con un poco de ondulación, así que sólo voy a pintar así. El principio más importante a tener en cuenta mientras pintas, luz y la sombra es primero, el color es secundario. Para el fondo, voy a recoger un pincel más grueso que ocupa más tinta. Voy a tomar mi tono medio gris y entrar con este pincel. Esto es mojado sobre método seco donde el papel está seco y mi tinta está mojada. De esta forma, los bordes de tus trazos de pincel permanecen crujientes. Pinto toda la superficie con mi tono elegido rápidamente antes de que se sequen los bordes de mi parche. Una vez que tu tinta se haya secado, no
puedes crear una superficie lisa ni mezclarla pasando por encima de ella. Incluso si utilizas exactamente el mismo tono, la tinta previamente seca creará un pequeño borde duro. Después de pintar toda la superficie, estoy oscureciendo el fondo de mi imagen mediante una técnica de lavado graduado. vez es un método húmedo sobre húmedo. Estoy recogiendo algo de tinta más oscura con mi pincel y entrando en el área aún húmeda prepintada. La tinta oscura gradualmente se desvanecerá en el tono más claro. El valor de tu gradiente dependerá de la profundidad de tono que elijas usar. Añado un poco más oscuro a unos cuantos lugares. El siguiente es mi personaje. Voy a elegir un tono similar al de fondo y pintar toda la figura excepto los bordes resaltados. No tengas miedo de sombrear la cara, también
es parte del cuerpo. Nos veremos mucho más naturales si solo
lo piensas como un objeto que obtiene luz desde una dirección específica. Voy a añadir algo de tinta oscura en la parte inferior igual que antes. Si miras el cuadro ahora, puedes ver que está más o menos hecho, pero necesita un poco más de pulido. Ahora, vamos a entrar en los detalles más pequeños con un pincel más delgado. Hasta este punto, la regla principal era pintar con sombra. Ahora, podemos empezar a prestar atención a los colores en sombras y reflejos de fundición más pequeños. El planta es de color verde oscuro, así que estoy pintando las hojas sombreadas oscuras, y las de la viga un poco más claras. Yo estoy haciendo lo mismo con el monitor. Técnicamente debe ser negro, pero las partes iluminadas serán grises. Este cuadro en la pared, que también es bastante oscuro, pero como es un elemento de fondo, voy a mantener bajo el contraste. Parte interesante es pintar las rayas del jersey. Yo quiero agregar rayas más oscuras, pero sólo lo llenaré hasta que llegue al borde de nuestra sombra principal. Al hacer esto, me di cuenta de que quiero agregar algunas sombras más en la pierna y la mesa, así que uso este tono de mi pincel en estas áreas. Ahora, quiero continuar mis rayas oscuras en lo más destacado, así que escogí un tono muy claro para ello. Si resulta demasiado, igual que para mí ahora, puedes recuperar algo de tinta con un pañuelo brillante o cepillo de gride hasta que tu cepillo esté mojado. Esto es justo suficiente. Terminé las rayas ligeras en todas partes en consecuencia. Toda mi obra está casi seca. Todavía puedo ver algunas partes que no son lo suficientemente oscuras, así que voy a usar un poco más de tinta ahí. Ahora que las rayas se han secado, me di cuenta de que quiero más contraste ahí, así que voy a pintar sobre ellas otra vez. Mucho mejor. Puedes pintar sobre tu lavado de gride si quieres. Tendrás bordes duros si la base está completamente seca y más suave si aún está húmeda. Esto depende de tu gusto y del efecto que quieras alcanzar. Algunos toques finales y está terminado. No tengas miedo si tu trabajo se ve diferente. La tinta es un medio tan versátil que cada uno tiene su propia forma única de usarla. Simplemente toma tiempo y práctica llegar a la tuya y ser asombroso en ello. Espera a que tu obra se seque por completo y está lista para ser digitalizada y compartida.
12. Reflexiones finales: Muchas gracias por tomar mi clase. Espero que lo hayan disfrutado y lo hayan encontrado útil. Si tienes algún pensamiento o pregunta, me encantaría discutirlos contigo, así que por favor siéntete libre de compartir. Estoy muy orgullosa de ti por caminar a través de los escalones conmigo. Recuerda, puedes empezar pequeño. No tienes que hacer nada enorme por primera vez. Si sigues practicando, mejorarás cada vez y estoy seguro que crearás increíbles obras de arte. No puedo esperar a ver qué se te ocurre. Asegúrate de compartirlo y subirlo a la galería. Muchas gracias por unirte. Espero verte la próxima vez.
Barbara Bernat, Illustrator
