Transcripciones
1. Introducción: Hola a todos. Mi nombre es Natalia y soy diseñadora gráfica e ilustradora con sede en Barcelona. Llevo trabajando los últimos cinco años para desarrollar mi estilo, y creo que estoy en un punto donde mi estilo es único y lo suficientemente reconocible. En esta clase, te voy a enseñar algunos consejos y trucos para desarrollar tu propio estilo. Vamos a trabajar a través de cuatro conceptos, que van a ser materiales, color, lenguaje, y composición. Para esos cuatro conceptos, voy a estar mostrándote cómo diferentes artistas usan estas técnicas para hacer que su estilo sea único, y también cómo lo uso para ayudarme a crear mi estilo. Vamos a trabajar en un proyecto final, que va a ser un paisaje, y vamos a trabajar a través de las cuatro clases. Trabajando en la composición que estoy trabajando, todas esas pequeñas cosas. Creo que o si eres nuevo o eres alguien que lleva un tiempo ilustrando. Va a ser bueno para ti refrescar tu estilo y guiar un poco mejor lo que te gusta. No puedo esperar para empezar. Te veré en la siguiente clase.
2. PROYECTO DE CLASE: Para el proyecto de clase, vamos a estar trabajando en el paisaje, y vamos a trabajar a través de las cuatro clases que
voy a enseñar sobre materiales, lenguaje, color, y composición. Este es un proyecto realmente gratuito, no
tienes que hacerlo en cierto material, con ciertas herramientas o de cierta manera, solo tiene que ser un paisaje. Lo vamos a pasar por la clase, así que no te preocupes. Simplemente consiste en sacar tu estilo por ahí y realmente experimentar. No puedo esperar a ver qué creas, espero que lo subas en la galería cuando termines, así que lleguemos a la clase.
3. Materiales: [ MÚSICA] En esta clase, vamos a hablar de material, y voy a estar explicando un poco cómo se puede trabajar con sus materiales. Voy a poner algunos ejemplos de artistas que creo que realmente funcionan bien con sus materiales y herramientas y los hicieron parte de su estilo. Creo que para iniciar este proyecto es como si comenzaras cualquier proyecto y lo primero que tienes que hacer es recoger materiales. Te recomendaría hacer lo que prefieras. Si te sientes cómodo con las acuarelas, usa acuarelas. Si te sientes cómodo con los lápices, usa lápices. No intentes usar algo que
nunca has usado antes porque puede que no funcione en este momento. Avanzando cuando tu estilo está un poco más desarrollado, puedes usar algo que es más diferente o algo que nunca habías usado antes. En mi experiencia, cuando empecé quería usar todo y quería probar todo y mi mente estaba por todas partes. Lo que realmente me ayudó fue limitarme a una herramienta, que era el iPad. Como vas a ver hacia adelante en la mayor parte de mi estilo y la mayoría de mis cosas van a hacer por iPad. Esto es lo que descubrí que funciona para mí. Espero que puedas encontrar lo que funcione para ti. Te voy a estar mostrando a dos artistas de esta época que creo que tal vez su estilo, no
está hecho por otros materiales y herramientas, pero realmente influye en cómo ves su arte. Entonces el primero es Diez Cientos. Trabaja con acrílico y murales. Sus piezas son realmente vibrantes y te da este estilo de arte callejero que no puedes conseguir usando lápices de colores o lápices. Por lo que es realmente importante que utilice estos materiales. También tengo otra chica ella es arte de frente que vive ahora mismo en Nueva York. Ella usa lavado y lápices y digital pero en este realmente se puede ver cómo cuando usa digital, intenta emular el lápiz y el estilo de lavado. Su arte tiene la misma vibra y la misma sensación que cuando se hace tradicionalmente en un trozo de papel. Creo que esos dos artistas, es importante verlo cuando los comparas uno al lado del otro, como los materiales y realmente les dan una vibra y sensación de que si los cambias alrededor, no funcionaría. Te voy a estar mostrando a dos artistas que son clásicos y son iconos del
arte y probablemente los conozcas pero vas a ver cómo los materiales influyen realmente en su estilo. El primero es Underwall Holly (fonético). Fue un artista que trabaja con serigrafía. Al imprimir serigrafía, tienes las limitaciones de las capas de los colores y realmente hizo esa parte de su estilo y su firma es realmente importante y realmente especial para él. Tienes otro artista que fue un hermoso rival con Underwall Holly (fonético) era de la misma época y es Jackson Pollock. Utilizó técnica de goteo una técnica antigua donde pone la pintura en un cubo y hace un agujero. Por lo que construye la pintura con el todo. En este caso, se puede ver que no son los colores, no
es la composición. Lo importante en su estilo es la técnica de goteo. Es lo que usó, qué materiales usó, y qué herramientas usó. Como se puede ver, eso hizo su estilo. No necesitaba nada más, solo era eso. Al ver a estos artistas, es importante saber qué materiales quieres usar y con qué quieres que te identifiquen. [ MÚSICA] Voy a empezar a trabajar en el proyecto de clase, que va a estar haciendo un paisaje. Vamos a empezar por encontrar el material con el que queremos trabajar. Voy a estar trabajando con el iPad porque es
el material que más uso y me siento más cómodo
pero puedes sentirte libre de usar un cuaderno de bocetos o Canvas o lo que sea que te sientas más cómodo y teclear junto a mí. Voy a estar explicando un poco de este material y cómo lo
hago mío y cómo me pongo cómodo con él. Normalmente lo que hago primero es jugar un poco con los pinceles. Puedes hacer lo mismo en tu casa. Si estás pintando con pintura, puedes probar los diferentes pinceles que hay y darte
una idea de cómo funcionan en el papel, qué tan suaves son, o cómo funciona la pintura con él. Se puede hacer lo mismo con la pintura. Por ejemplo, puedes probar las diferentes pinturas que tienes, ver cuál se siente cómodo en el papel, si prefieres acrílicos o lo que sea el color o el lavado, y solo darte una idea de cómo sería solo garabateo y dibujar un poco de rana por ejemplo. Simplemente siéntete cómodo con él. Conocer el material. Toma lo que sea que te sientas cómodo, y lleguemos a la siguiente clase.
4. Color: Ahora que tenemos materiales, vamos a empezar a elegir nuestros colores. Es realmente importante elegir los colores adecuados, porque le dará una sensación realmente diferente a la pintura. Voy a empezar a explicar un poco de mi experiencia, luego te voy a dar un poco de teoría detrás de colores y combinaciones y todo eso. Cuando empecé a usar el color, el problema que tuve es el mismo con los materiales. Yo era joven y quería experimentar y quería probar todos los colores posibles y todas las combinaciones y todo. Estaba por todo el lugar mis colores no funcionaban. No sé combinarlos, por lo que se ven bien. Lo que hice fue limitar mis colores a tres. Usé Rojo, Azul, y Amarillo, que son los colores primarios. Eso realmente se disparó mi estilo. Eso realmente me ayudó. Decidí que cuando fui a digital, decidí crear una paleta propia, y te voy a estar enseñando a crearla. Me encantaría que publicaras tu paleta y tus pensamientos en tus colores, para que podamos compartir toda la experiencia y nuestras opciones. Para crear tu Palette, lo que
haría, utilizo dos técnicas. El primero fue revisando artistas que me gustan y negocios tan lejos que me encantan y eligiendo los colores de su pintura, para que pudiera tomar algunos de los colores que más me gustaron y luego usé Pinterest y busqué paleta de colores y revisé la paleta de colores que más me gusta. Estos son todos los colores que me gustan y que me inspiran. Yo los guardo. Hago una captura de pantalla si las necesito y las pongo en procreate. En mi caso, junté esas técnicas. Utilizo los colores que me gustan de las pinturas y los que me gustan de Pinterest. Yo hice el mío propio. Eso voy a mostrar aquí. Es realmente gracioso porque para mí esos colores son míos ahora y se sienten bien. Sé cuándo usarlos y con qué usarlos. Se siente realmente mío y bien, y me siento cómodo con ellos, pero eso no quiere decir que los siga actualizando. Puse el morado cuando era color del año. Sigo cambiando de colores a medida que voy y a medida que evoluciona. Sí, de verdad quiero que publiques tu paleta y quiero ver lo que haces. Te voy a mostrar un
poco esa teoría detrás del color , así que tienes una idea de cómo elegir tus colores y cómo funcionan juntos. Vamos a empezar a explicar la rueda de color. El color rueda es una rueda con todo el espectro de color. Este es uno realmente simplificado. Se pueden ver los términos que voy a explicar. Vamos a empezar con combinaciones de colores, que es un poco como se crean los colores. Empezamos con los colores primarios, que son rojo, azul y amarillo. Son colores que no se pueden crear mezclando ningún otro color, habrá como números primos. Son colores que no se pueden crear mezclando otros. Después tienes los colores secundarios, que son los que se hacen mezclando la primaria. Si tienes rojo y azul y los mezclas, harán morado. Ese sería un color secundario. Después tienes los colores terciarios, que son los que se hacen mezclando los otros dos, como puedes ver, creas diferentes colores mezclando diferentes combinaciones de colores. Esto es bastante básico. Esto es lo que aprenderías en la escuela cuando pintas. Pero es realmente bueno tener un poco de teoría detrás de ello. Entonces, iríamos a Esquemas de Color, que es la selección de colores en base a diferentes cosas de la rueda de color. Te voy a explicar dos esquemas de color los cuales son Análogo y de cortesía. Hay mucho más, pero vamos a empezar con los básicos. El Análogo es uno que están al lado del otro en la rueda de color y el de cortesía son los que están en lados opuestos. Te voy a estar mostrando dos pinturas, una hecha con Analogous y otra hecha con Complementaria y puedes ver cómo cambia el estilo y el relleno de la pintura, dependiendo del esquema que utilices. [ MÚSICA] Otra cosa que es importante es el tinte y el tono del color. El tinte es la cantidad de blanco que pones, si pones mucho, será Pasteles. El tono es cuánto negro pones. Será más oscuro y tendría un sentimiento un poco más oscuro. Es bueno conocer estas cuatro luces y sombras. Para este dibujo lo que voy a usar son los colores que más me gustan, va a ser un dibujo monocromo. Se va a hacer de este rosa, éste y éste. Yo quería desafiarme en este dibujo. No quería usar muchos colores y quería mantenerlo sencillo. Se puede ver que a veces limitarse hace que
funcione, hace que se vea mejor que si eliges muchos colores. Solía guardarlo, decidí mantenerlo monocromo con tono rosa, lo cual es raro para el paisaje. Pero es mi estilo me gusta pintar la naturaleza en rosa. Estos van a ser los colores que voy a usar. Puedes usar los colores que te gusten y sí te recomiendo que también
te pongas cómodo con las pinturas que vas a usar, o el lápiz. Si vas a usar pintura, yo haría algunas muestras y y ver cómo se ven una vez que se secan y cómo combinarlas. Si estás usando lápices de colores, también te recomendaría que hagas un poco de muestra y decidas dónde vas a usar lo mismo con lápices, bolígrafos, o donde decidas usar. Es bueno ponerse cómodo con el color y con lo que vas a estar usando en la pintura y cómo van a reaccionar entre sí. Después de esto, creo que estás listo para crear tu propia paleta y podemos ir a la siguiente clase, que va a ser lenguaje.
5. Idioma: Lenguaje. El lenguaje y la ilustración es como el lenguaje cuando hablas, necesitas tener tu propia forma de hacerlo y tu propio vocabulario y pronunciación. Es como comunicas tu ilustración y tus sentimientos al espectador. Es realmente importante y te voy a
enseñar a hacerlo para que no se sienta abrumador. Es mucho más fácil de lo que piensas y es algo que vendrá naturalmente con el tiempo. Voy a empezar explicando un ejemplo de un artista que creo que eso hizo algo realmente especial con lenguaje en la forma en que se comunicaba y luego te voy a dar algunos consejos y vamos a trabajar en los tres objetos que nosotros vamos a poner en nuestro paisaje, que van a ser árboles, montañas, y casa. Para empezar, voy a empezar a explicar Miro. Es pintor catalán y es realmente famoso. Supongo que lo conoces. Si no lo conoces, fue increíble y te voy a estar mostrando un poco de su lenguaje. Él solía usar ciertas cosas. Empezó en realista como la mayoría de los pintores y luego se fue a un estilo surrealista donde utilizó líneas realmente simples, y colores, y formas para poder expresar algo. Por ejemplo, pondría a todas las chicas con los brazos arriba y a todos los chicos con los brazos abajo. Haría estrellas como la imagen que estás viendo, y usaría escalera como símbolo de evasión. Tendría mucho más de símbolos como y cosas, pero éstas eran las más comunes. También hará como vaginas en niñas y pene en niños, pero los temas de los brazos abajo y arriba es algo que realmente se pegó porque es algo curioso. Puede que no lo pienses, pero era su forma de expresarlo. Como puedes ver, es realmente importante tener un lenguaje para poder expresar ciertas cosas. No tiene que ser tan surrealista como Miro, puede
ser un árbol normal, puede ser una hoja, puede ser lo que quieras, y puede ser de la manera que quieras. Pero tiene que ser como una forma para que le hable a un espectador. Te voy a estar enseñando sobre cómo conseguir tu propio idioma y cómo ponerte cómodo creando cosas que tengan tu forma de expresarlas. A veces cuando tengo que dibujar algo que nunca he dibujado, me enteré el otro día que tenía que dibujar un ciervo y nunca he dibujado un ciervo, así que no sabía cómo hacerlo. En primer lugar, voy a Pinterest y busco el animal que busco. Primero busco imágenes normales de ciervos en este caso, luego busco otras personas ilustrando ciervos y salvé las que más me gustaron. Lo que hice fue, puse todas esas pinturas como un tablero de humor y luego dibujé el ciervo como 20 veces hasta que se sintió cómodo cambiando y recogiendo pequeñas cosas que creo que no me sentía como yo mismo, y en al final me dieron un ciervo y me dieron algo que me sentía natural. Nosotros vamos a hacer lo mismo con los tres objetos que vamos a usar, el árbol, la montaña, y la casa. Vamos a empezar con los árboles. Vas a elegir en Pinterest, Instagram, Google, lo que sea, los que te gusten y cómo se siente natural, y luego lo vas a dibujar hasta que se sienta como tú mismo, y vas a hacer lo mismo por la montaña y la casa. De verdad quiero ver lo que haces y quiero que lo publiques para que podamos compartirlo y te pueda dar algunas ideas sobre cómo hacerlo. También te voy a mostrar cómo lo hice. Te voy a mostrar un árbol, una casa, y una montaña a mi estilo, y voy a poner junto a él un estilo que es realmente diferente al mío. Por ejemplo, el estilo de estudio Ghibli, que es realmente palo en un estilo anime. Aquí tienes el árbol, la casa, y las montañas. Ahora que tenemos los colores lo que voy a estar mostrando es un poco cómo voy a hacer mis elementos y cómo los voy a dibujar. Vamos a empezar con el árbol. Para dibujar el árbol, dibujaría una forma, normalmente una forma realmente simple y la colorearé, y luego añadiría ramas con la más oscura. Por qué me gusta hacerlo las ramas no se ven aquí como si estuvieran en ninguna parte, me gusta agregar un arbusto un poco aquí y agregar algunos puntos como que parecen ser plantas. Este es mi árbol, es bastante sencillo, no
me gusta hacerlo súper complicado. La casa, como con las otras cosas, tiendo a hacer un dibujo que es bastante infantil, pero me gusta, guarda un poco de ingenuidad a mis dibujos. Es así como dibujo casa. Nuevamente, esta es una versión sencilla, normalmente añadiría algunas cosas dependiendo de cómo me sienta que se vea en la pintura. Puedo agregar algunas ventanas más o lo puedo hacer un poco más grande, y el techo me gusta mantener en rojo brillante. mí me gusta agregar pequeños puntos en las cosas, entonces le da un poco de textura y vida, creo que si fueran roturas o piedra o algo así. Entonces aquí, también me gustará agregar algunos arbustos. Voy a usar un color que no es el rojo oscuro como uso en los árboles, que
quede más claro. También es algo a tener en cuenta que los colores, dependiendo de dónde estén en el Lienzo, se verán diferentes. Si están más cerca, se verán un poco más oscuros o si están lejos. Esta será mi casa y luego para la montaña, escogeré este color medio, y luego dibujaré así. Mis montañas están realmente inspiradas en Mario y en cómo eran tan simples y tan lindas al mismo tiempo, así que normalmente hago algo largo. Por sí misma, puede que no se vea demasiado de una montaña pero cuando lo pones en el paisaje junto a todo, se ve realmente bien, y mantiene el mismo lenguaje, es realmente sencillo. Mis colores son realmente llanos. No tienen mucha textura y no son complicados, por lo que trabajan juntos muy bien. Esto es realmente importante porque si fuera a hacer un árbol realmente realista, no
funcionaría con el resto de mi pintura. Con eso si tienes más o menos claro, quería trabajar en esto y encontrar tu propia voz y forma de hacerlo. Vamos a ir a la última clase, que va a ser composición.
6. Composición: Ahora tenemos materiales, color y lenguaje. Vamos a trabajar en composición, que es la última parte. es como pones esos elementos en la pieza. Vamos a trabajar en el concepto de enfoque. Es realmente importante saber en qué quieres que se centre el espectador? Si quieres que el espectador mire la casa o las montañas o los árboles, es realmente importante tener eso claro y tomar una decisión clara al respecto. Para poder enfocarte en algo hay que tener en cuenta dos conceptos, que son unidad y botones. unidad es el hecho de que todo tiene que ser cohesivo. Todo lo que dibujas tiene que sentirse como unidad, y en lenguaje de color, todo tiene que construir lo mismo. Hay ciertas excepciones queremos tomar la decisión de
hacer realista la casa mientras que el fondo es un poco más sencillo. Eso se puede hacer, pero tiene que ser consciente. No puede ser como, quería dibujar uno de los árboles de una manera un poco más simplista porque me cansé. Eso no puede ser. Tiene que ser consciente. Es realmente importante porque si no, se sentirá un poco ocupado. No sabes dónde enfocarte y puede ser un poco raro. Entonces tenemos el otro concepto que es el equilibrio. El equilibrio es como tener una escala, es como adquirir elementos. Si producto con él a la izquierda, tal vez el derecho se sienta un poco raro. También es una decisión consciente. Si ponemos todo a la izquierda, la derecha tiene un poco de aire. Por lo que el blanco dependiente puede sentirse bien. Si miro aquí, si hay espacio aquí, eso se siente perfecto porque eso le da un poco de aire y un poco de movimiento a la pieza. Pero si pones todo en la parte superior y no hay espacio en el aire, literalmente en el paisaje entonces se puede sentir un poco asfixiado y un poco raro. Te voy a estar mostrando los ejemplos de bastante magra en diferentes lugares. Entonces izquierda, derecha, arriba y abajo. Para que puedas decir un ritmo cómo se sienten. Realmente depende de lo que quieras expresar. Si quieres expresar un paisaje que está asfixiado está bien, si no le das ese aire. Si quieres sentirte como un paisaje que es realmente tranquilo y realmente relajante, es realmente importante darle ese espacio y ese espacio de respiración para poder respirar y relajarse. En este caso, lo que realmente importa es tener en cuenta la unidad y el equilibrio, todo tiene que sentirse como una cosa. Pero también tiene que ser equilibrado y bien bonito en la pieza. Ahora que tenemos el lenguaje, los colores, y todo decidido, vamos a trabajar en la composición. Lo que quiero hacer, es que te voy a mostrar bocetos realmente rudos. Se puede ver como no puedo hacer una línea recta. Podemos hacer un paisaje donde este es el suelo. ocasiones estos pasos no son necesarios para hacerlos en un papel porque en realidad los haces en tu mente antes de hacer, antes de comenzar la pintura, pero es muy interesante ponerla en un papel y darte cuenta de cómo funcionan las cosas juntas. Podemos hacer estos donde el montañoso aquí. De nuevo, esto está realmente mal. Ahí hay una montaña, aquí es donde también se puede ver cómo funcionarían los colores juntos y cómo funcionarían con la distancia y todo. Esta sería una opción, la vivienda en medio y dos montañas son realmente símbolo. También se puede hacer algo donde lo contrario está siempre en el horizonte es realmente bajo y las montañas son realmente altas. Pero en este caso, se
puede ver cómo funciona el color. Si quisiéramos agregar montaña o en este caso tal vez alguna nube. ¿ Y si la Tierra fuera un color claro? Que es un lápiz con uno a uno o dos grados, para sentir lo que rellena. De esta forma podrás rellenar cómo va a ser la composición y cómo quieres que funcione. Sí, esto es lo que somos realmente buena manera de saber lo que quieres hacer. Voy a elegir esta, aunque hay opciones realmente buenas y puedes jugar y hacerte sentir lo que quieres lograr y cómo quieres que todo se vea en la pintura. Ahora puedes conseguir un poco de tiempo, dibuja esta composición bocetos. No tienes que hacer un detalle. Puede ser como interior como realmente áspero limpio de cómo hacerlo. Con esto, podemos ir
al cuadro final donde podemos pasar un poco más de tiempo y dedicar toda nuestra atención y saber qué vamos a hacer porque ya lo hemos pensado antes. Lo que vas a ver ahora es mi proyecto de clase, mi paisaje. Como vas a ver, sigo agregando detalles y cosas lunares para que te sientas todo unido y único. Espero que te guste. Gracias. Esta es la última parte. Solo tienes que traer tus elementos en tu pieza como quieras y como sientas
que te sienta bien. Realmente no puedo esperar a ver tu última pieza de tu proyecto. Eso es todo, muchas gracias.
7. Conclusión: Bueno, ahora hemos trabajado en todos los conceptos que tienes que saber para poder conseguir tu [inaudible]. Solo tienes una cosa que puedes hacer. Tiene que ser constante. Apenas trabajar todos los días. Practica, solo dale tu 100 por ciento, y vas a llegar a ella. No te preocupes por ello. Creo que eres realmente capaz, y va a ser increíble. Realmente no puedo esperar a ver tus proyectos, así que ponlos, para que podamos hablar de ellos, y podemos compartir nuestros estilos e ilustraciones. Nos vemos.
Natalia Vazquez, Graphic Designer and Illustrator
