Transcripciones
1. Introducción: Eres un fotógrafo que quiere meterte en el cine. Como alguien que ha estado ahí, sé lo fácil que es sentirme intimidado por todos los departamentos de engranajes y muchos esquemas de planeación que se ven en los equipos de cine. Bueno, tengo buenas noticias para ti. Como alguien bien versado en tomar imágenes, ya
conoces la mayoría de los elementos esenciales para ir y hacer películas. Solo hay algunas otras cosas que necesitarás aprender para pasar de una imagen a otra y podrás aprender todas estas en menos de una hora. A diferencia de otros cursos de cine, que parten del terreno cero con los conceptos básicos de la cámara, este curso está diseñado para fotógrafos que ya saben componer y usar la exposición manual. Te enseñaré paso a paso todas las cosas que necesitarás en cinematografía,
audio, edición, y planeación de tomas para hacer la transición del fotógrafo al cineasta. Estas lecciones provienen de mis años de trabajo como cineasta profesional en la industria y todas las lecciones están diseñadas para ser aplicables y llegar directo al grano. Al final de este curso, tendrás todos los conocimientos que necesitarás para ir a hacer películas. Créeme, hacer esta transición es mucho más fácil de lo que piensas. Empecemos.
2. Las tres diferencias principales en la cámara: Sumérjase justo en el departamento de cámaras, donde veremos tres áreas principales de diferencia entre la fotografía y la realización de películas. Se trata de exposición, estabilización de imagen y movimiento de la cámara. Para exponer manualmente para una imagen en el cine, los principios son los mismos que en la fotografía. Tienes tres elementos que comprenden el triángulo de exposición: apertura, velocidad de
obturación, e ISO. Con el cine, hay dos diferencias importantes que hay que tener en cuenta. No obstante, la primera diferencia es la velocidad de cuadro. Ahora bien, esto se encuentra en la fotografía, pero es un elemento crucial en la realización de películas, porque una película es básicamente una cadena de fotografías que se reproducen en un corto periodo de tiempo. La velocidad de fotogramas es básicamente cuántos fotogramas o fotos está tomando tu cámara por segundo. Establece la velocidad de fotogramas antes de establecer los otros elementos del triángulo de exposición. Cuanto mayor sea la velocidad de fotogramas, más entrecortada se verá tu película. Algunas películas, como Saving Private Ryan, utilizan
creativamente una mayor velocidad de fotogramas para hacer que la película parezca tartamudeo. No obstante, para las imágenes en movimiento, la velocidad de fotogramas estándar es de 23.97 o 24 fotogramas por segundo. Esto te dará un desenfoque de movimiento orgánico natural que encuentres en el cine.
3. Velocidad de obturación: La siguiente diferencia importante es la velocidad de obturación. En la fabricación de películas, la velocidad de obturación se fija al doble de la velocidad de fotogramas. Si estás disparando 24 fotogramas por segundo, establecerás tu velocidad de obturación en 148 de segundo. Dado que no puedes cambiar tu velocidad de obturación cuando estás filmando, esto hace que los filtros ND sean una herramienta increíblemente útil porque
no puedes aumentar la velocidad de obturación demasiado oscura en tu imagen. Si deseas mantener tu poca profundidad de campo, necesitarías ponerte un filtro ND. Por lo que en la realización de películas, para establecer la exposición, primero
establecerías la velocidad de fotogramas y luego la velocidad de obturación, que permanecería constante, luego establecería la apertura y la ISO en consecuencia, teniendo en cuenta las cámaras de
video suelen tener un ISO nativo u ISO óptimo determinado por el fabricante de la cámara para preservar la cantidad máxima de rango dinámico.
4. Estabilización de imagen: Ahora con la exposición en jaque, hablemos de la segunda diferencia importante entre la fotografía y la realización de películas, que es la estabilización de imagen. Porque estás creando una continuidad de fotogramas haciendo imagen de emoción, mantener tus tomas estables y estables es increíblemente importante, a menos que vayas intencionalmente por el look de mano. Para ello, asegúrate de mantener tu cámara en un trípode y nivelarla. Para tomas que se mueven o siguen a un sujeto, usa un deslizador o gimbal, que compensa electrónicamente cualquier sacudida que esté experimentando tu cámara.
5. Enfocar: El último principal diferencia entre fotografía y cinematografía en el ámbito cinematográfico es el enfoque. Esta es probablemente una de las partes más difíciles
del proceso cinematográfico y es por eso que los héroes anónimos del cine, llamados tiradores de foco, son contratados específicamente para este trabajo. Especialmente, si estás usando lentes con longitudes focales más altas y por lo tanto, los planos
más delgados están enfocados. Mantener a tus sujetos, especialmente mientras se
mueven enfocados puede ser especialmente desafiante. Estos son algunos consejos: Uno, saber en qué dirección gira el anillo para mantener el enfoque más próximo o más lejos. Dos, practica el ajuste de enfoque un par de veces antes de empezar a rodar. En tercer lugar, también existe una función, o la mayoría de las cámaras hoy en día denominadas “focus peaking”, que delinea qué área de tu marco está enfocada. Simplemente enciéndalo y te ayudará a guiarte.
6. Diferencias en la narración visual: Ahora que hemos abordado la exposición, echemos un vistazo a otro área, planeación del
rodaje y las principales diferencias entre la fotografía y el cine. A diferencia de la fotografía, que toma tomas congeladas en el tiempo. En el cine, realmente estás tomando una secuencia de imágenes jugadas a lo largo del tiempo. Tienes que retocar tu mentalidad de narrador visual para tener en cuenta el papel del tiempo. Piensa realmente en cómo vincular tus tomas para crear continuidad para que no veamos tu historia como una secuencia de tomas separadas, sino como una suave y continua. Aquí te presentamos dos trucos a tener en cuenta en tu planeación de tomas que ayudan a crear continuidad. Uno, disparos de primer plano. El mayor error que he visto en cineastas principiantes es rodar todos los disparos como tomas anchas o medias para obtener cobertura, pero no suficientes planos de primer plano. No sólo las tomas de primer plano se ven más cinematográficas y dan detalles clave en tu escena o personaje. También sirven una función crucial en la creación de una sensación de continuidad al cortar entre dos tiros. Llave para llevar. Asegúrate de grabar al menos el 50 por ciento de todos tus disparos como primeros planos. Dos, longitud de disparo. Otro error que veo en cineastas principiantes es presionar el botón de grabación justo cuando está
sucediendo la acción principal y detenerse justo después de que la acción principal se haya detenido. No obstante, esto a menudo hace que las tomas sean demasiado cortas para usarlas para una edición suave. En su lugar, mantén los disparos un mínimo de 10 segundos para editar asas. Al hacer esto, tendrás suficientes tiempos en tu toma para crear transiciones realmente geniales en la edición como se disuelve lenta. Tercero, rodaje para el Edit. Creo que esta mentalidad es realmente lo que diferencia a los cineastas. A pesar de que adquirir esta mentalidad lleva tiempo, puedes empezar a desarrollarla ahora. Disparar para la edición básicamente significa que
tienes en mente cómo se puede usar el disparo al dispararlo. Incluso si no estás seguro de lo que va a pasar, tal vez estás disparando a un pato, al
menos mantén el ojo fuera cuando estés filmando tomas
potenciales que harán que tu edición sea mucho más suave. Piensa críticamente y lo que me gusta llamar, siente
críticamente las tomas que estás recibiendo. Consulta para ver si tienes al menos una buena toma de establecimiento, que le dará a los espectadores una sensación de lugar y hora. Tiro de cierre, tiros de transición y planos de primer plano. Créeme, esta habilidad se vuelve más automática a medida que la practicas. Otra gran forma de desarrollar esta mentalidad es
ver tu película favorita con el sonido apagado. Mira críticamente la secuencia de disparos y la función de cada disparo. A ver cómo sirven a la historia. Hacer esto te ayudará intuitivamente a tener una idea de qué tipos de tomas se necesitan para contar una historia convincente.
7. Introducción al audio: Por lo que la última diferencia importante entre la fotografía y la realización de películas es el audio. En la industria, tenemos un dicho que dice: “El audio es el rey del video”. Esto significa que la calidad percibida de tu película está más influenciada por la calidad de tu audio, luego por la calidad de tus visuales. Entonces primero, te voy a enseñar a usar tus mics para grabar audio de gran sonido. Entonces te enseñaré a realzar tu espacio de grabación de audio y finalmente, te
mostraré dos trucos esenciales que necesitarás para suavizar tu audio en la edición.
8. Grabación de sonido de alta calidad: Usar el micrófono lav, es sencillo. Clifla alrededor del esternón, seis a ocho pulgadas por debajo de la boca, y apunte el micrófono hacia arriba. Ten cuidado de no tener ningún paño, joyería, ni pelo alrededor de ahí micrófono, porque estos pueden chocar contra el micrófono y amortiguar el sonido. Para grabar lo que se está diciendo de tu micrófono lav, necesitarás una grabadora externa. Para usar la grabadora externa, primero asegúrate de tener una tarjeta de memoria en el interior. Después te inserta lav mic, y configura el formato de grabación a WAV 48 kilohertz, 16 bit, que es un archivo de mayor calidad, luego el MP3. A continuación, note su medidor de audio. Esto registra el rango de decibelios o sonoridad de lo que está siendo recogido por tu micrófono. Quieres que tus niveles de audio reboten entre seis negativos y 12 decibelios negativos. Para ajustar tus niveles de audio, haz una prueba con tu sujeto antes de la mano. Diles que vas a revisar los niveles de audio. Pregúntales cómo fue su día, y presiona los botones de nivel de entrada arriba y abajo de un lado de tu grabadora hasta que los niveles de audio reboten entre los negativos 12 y los negativos seis. En caso de duda, es más seguro mantener tu audio en el rango inferior de decibelios, ya que es casi imposible arreglar sonidos demasiado fuertes. Si tus sonidos son demasiado bajos, sin embargo, escucharás estática. Usar un micrófono de escopeta, es sencillo. Simplemente engancha el micrófono a tu cámara y enciéndalo. Si estás disparando afuera en un día ventoso, asegúrate de cubrir el micrófono con un amortiguador de viento, que parece una cola de gato. Puedes ajustar el nivel de audio del sonido y la cámara de tu escopeta. Solo asegúrate de que no está golpeando las marcas rojas en tu medidor de audio dentro de la cámara.
9. Optimizar tu espacio de grabación de sonido: Para su entorno de grabación de audio, lo ideal es elegir un lugar tranquilo. Antes de comenzar tu entrevista, escucha los sonidos que compiten. Se quiere asegurarse de que no haya ruidos que provengan de las ventanas. Se quiere cerrar puertas, apagar electrodomésticos, apagar sus celulares,
apagar la nevera, los
relojes y el AC, lo que sea que deje un sutil zumbido en su audio. Otra cosa a tener cuidado es el eco. El eco proviene del sonido que rebota alrededor en superficies
duras cuando se viaja de su sujeto al micrófono. Suena así: Al principio, creo que es útil tener una visión general de todo el proceso de producción de video. Como puedes ver, riega tu sonido. Por lo que grabar en una habitación alfombrada con superficies suaves es una gran idea. Porque las superficies blandas absorberán el eco. Si eso no es posible, puedes intentar cubrir las superficies duras como mesas y pisos con alfombras, almohadas y tela gruesa.
10. Trucos de audio esenciales para una edición fluida: Ahora aprenderemos dos trucos centrales en grabación de
audio para que tus ediciones sean mucho más suaves por el camino. Número uno, tono de habitación. ¿ Una habitación vacía es completamente silenciosa? Si estás solo, cierra los ojos y escucha. Incluso si la habitación suena tranquila, oirás que todavía hay un sonido distintivo a esa habitación o al espacio de filmación. A pesar de que el sonido es bajo, este sonido, o lo que llamamos tono de habitación, resultará útil cuando quieras suavizar los cortes en la sala de edición. Por ejemplo, cuando se quiere sacar unas palabras en una entrevista, quiere subponer las deleciones con tono de habitación para que suene natural. Llave para llevar, asegúrate de grabar 30 segundos de tono de habitación antes de comenzar
tu entrevista o escena y justo después termine
tu escena porque el tono de la habitación puede cambiar con el tiempo. Número dos, aplaude en el inicio de tu escena. Ya conoces esas icónicas pizarras de Hollywood. Bueno, tal vez sepas que marcan la toma en la escena, lo que ayuda a los editores de cine a hacer un seguimiento de todo. Pero estas pizarras también sirven otra función crucial, creando marca permitida para que los editores puedan sincronizar fácilmente audio con video y post. Llave para llevar, aplaude en el inicio de tu escena para facilitar la sincronización de audio más adelante.
11. Conclusión del curso: Enhorabuena por terminar este curso. Espero que a estas alturas te sientas emocionado de salir por ahí y hacer la transición del fotógrafo a cineasta. Si tiene alguna pregunta restante, por favor envíenlas a mi manera ya que estoy aquí para apoyarlos. Si deseas desarrollar aún más tu fabricación cinematográfica y narración de cuentos, por favor echa un vistazo a mis otros cursos en mi página de perfil de profesor, como mi siempre popular curso de edición de video Power, Adobe Premiere Pro en 45 minutos. cual toma la tradicional clase de tres horas y la condensa hasta sus esenciales dorados para que termines con edición refinada pulida en una fracción del tiempo. Muchas gracias por tomarse el tiempo conmigo y
les deseo todo lo mejor para su viaje cinematográfico.
12. Emocionantes actualizaciones: Hey todos, tengo dos emocionantes actualizaciones. El primero es que he creado un mapa de cursos que enlaza todos mis cursos de cine y edición en secuencia, puedes avanzar con confianza como cineasta. La segunda actualización es que he empezado un boletín de un minuto que muestra inspiración comisariada y insights de alto valor sobre el cine, creatividad y el arte de la vida auténtica. Echa un vistazo a ambos en la página de mi instructor del curso.
Dandan Liu, Filmmaker | Contemplative Creative
