De cineasta principiante a intermedio: 5 cosas que debes saber | Dandan Liu | Skillshare
Menú
Buscar

Playback Speed


  • 0.5x
  • 1x (Normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

De cineasta principiante a intermedio: 5 cosas que debes saber

teacher avatar Dandan Liu, Filmmaker | Contemplative Creative

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Lecciones en esta clase

    • 1.

      Course Intro

      0:56

    • 2.

      Picture Profiles

      2:17

    • 3.

      Focal lengths

      3:14

    • 4.

      Shooting for the Edit

      1:52

    • 5.

      Fluid Camera Movement

      1:23

    • 6.

      Lighting

      12:05

    • 7.

      Bonus: LUTS

      1:29

    • 8.

      Thank you!

      0:36

    • 9.

      Newsletter Sneak Peak

      0:41

  • --
  • Beginner level
  • Intermediate level
  • Advanced level
  • All levels

Community Generated

The level is determined by a majority opinion of students who have reviewed this class. The teacher's recommendation is shown until at least 5 student responses are collected.

4,816

Students

2

Projects

Acerca de esta clase

¿Te sientes como si hubieras dominado los conceptos básicos de la filmación pero quieres pasar al siguiente nivel?

Este curso guía a cineastas principiantes que han hecho al menos 1 proyecto de película al nivel intermedio. Te proporciona los temas esenciales que necesitas aprender y practicar para hacer esta transición, con mini asignaciones creativas para ayudarte a llegar allí.

Todas estas técnicas vienen de trabajar en el campo en la industria del cine.

Lo que aprenderás:  

  • Cómo aprovechar el rango dinámico de tu cámara para obtener una imagen más cinematográfica
  • Cómo afectan las longitudes focales a otros factores clave como la profundidad de campo, la compresión a distancia y la estabilización de imagen.
  • Cómo disparar para la edición
  • Cómo crear movimiento fluido para tu cámara
  • Cómo iluminar una escena
  • Cómo usar LUTS para mejorar la clasificación de color

CURSO ENTREGABLE

Al final de este curso, tendrás un plan de acción concreto con 6 técnicas aplicables que puedes usar en tu próxima película, para llevar tu filmación al siguiente nivel.

Meet Your Teacher

Teacher Profile Image

Dandan Liu

Filmmaker | Contemplative Creative

Top Teacher

Hi there! I’m Dandan, an Emmy award-winning filmmaker and contemplative creative living in Italy. 

As a self-taught filmmaker, I love foraging for unique stories around the world that illuminate the interconnections among us. I started making films while on a 4 year journey living in monasteries around the world. One film led to the next, and after persevering for many years, I found myself working full time on film crews and streaming my films on Roku, Apple TV, museums, trains, and airplanes. 

My highest work is helping others craft an authentic, creative, and mindful life- your unique work of art. I believe that knowing who you truly are is the foundation for flourishing in every area of life. So, I founded Unravel, a playful journ... See full profile

Level: Beginner

Valoración de la clase

¿Se cumplieron las expectativas?
    ¡Superadas!
  • 0%
  • 0%
  • Un poco
  • 0%
  • No realmente
  • 0%

¿Por qué unirse a Skillshare?

Mira las galardonadas Skillshare Originals

Cada clase tiene lecciones cortas y proyectos prácticos

Tu membresía apoya a los profesores de Skillshare

Aprende desde cualquier lugar

Ve clases sobre la marcha con la aplicación de Skillshare. Progresa en línea o descarga las clases para verlas en el avión, el metro o donde sea que aprendas mejor.

Transcripciones

1. Introducción del curso: Lo bueno de aprender cine online es que tienes la libertad de diseñar tu propio camino de aprendizaje. No obstante, como personalmente he experimentado tomando este camino yo mismo, a veces es más desafiante si no estás inscrito en una escuela de cine, debes saber qué pasos tomar a un lado para avanzar a otro nivel. Entonces si te consideras un cineasta principiante y sientes que has dominado los fundamentos del cine, he diseñado este curso para ayudarte a llegar al nivel intermedio. Voy a compartir cinco cosas que considero centrales para hacer la transición del cine principiante a intermedio. Se incluyen mini asignaciones para cada tema para ayudarte a hacer la transición. Empecemos. 2. Perfiles de imagen: Número 1, perfiles de imagen. Probablemente ya conozcas el rango dinámico de tu cámara, que es la máxima cantidad de tonos entre el blanco más ancho y el más oscuro que tu cámara pueda capturar. Es por ello que las cámaras como el Arri Alexa son tan caras y buscadas. Estas cámaras tienen un alto rango dinámico, lo que significa que sus sensores son capaces de capturar diferencias más sutiles en la luz, lo que lleva a una imagen más cinematográfica. Aunque no tengas una cámara de cine digital roja, o una Arri Alexa sin embargo, aún puedes aprovechar el rango dinámico máximo de tu cámara, al disparar con lo que se llama un perfil de imagen plana. Ten en cuenta aunque que haces esto, tendrás que hacer algo de gradación de color después. Para ello, encuentra tus perfiles de imagen, o también conocida como pestaña Estilos de imagen en el menú de tu cámara y revisa cada uno de ellos. Se nombrarán cosas diferentes dependiendo de la cámara que estés usando. Los perfiles de imagen comunes incluyen S log, CineStyle, y V log. Consulta el gráfico de perfiles de imagen PDF en la pestaña de proyectos, que hace coincidir los perfiles de imagen con la marca de la cámara. Cuando elijas un perfil de imagen plana, verás que la imagen se ve aburrida. Esto es para que la cámara pueda retener la mayor cantidad de información en su imagen para que realmente pueda encontrar cosas de cine al grado de color. Si no tienes tiempo para hacer gradación de color, me gusta tomar la regla media, que es encontrar el perfil de imagen natural y bajar un poco la nitidez, saturación, contraste y reducción de ruido. Encuentro que esto también puede quitarle el video que buscamos y hacer que sus metrajes se vean más orgánicos, como el cine. Tu tarea es ir a través de tu cámara y encontrar el perfil de imagen plana. Si hay más de uno, haz algunos experimentos, dispara algunas imágenes de ellas, revisas y encuentra el que mejor te funcione. 3. Longitudes focales: Dos, entendiendo las diferencias entre las longitudes focales. Probablemente ya sepas que las diferentes longitudes focales de tus lentes te dan diferentes campos de visión. No obstante, las longitudes focales también pueden afectar otros factores críticos, como la profundidad de campo, la compresión y la estabilización de la imagen. Hablemos de estos tres. En primer lugar, con profundidad de campo. Cuanto más larga sea la lente, más superficial será tu profundidad de campo. Es decir, mantener constante tu parada F y distancia al sujeto, con una lente más larga, tendrás un fondo más borroso. Esto también significa que con una lente más larga es más fácil que algo salga de foco. La próxima vez que elijas lentes, usa este conocimiento comparte poder creativo. Si estás deseando una profundidad de campo menor, intenta usar la lente más larga si encuadra bien la escena. A continuación, veamos cómo afecta la distancia focal a la compresión de una imagen. Con una lente más ancha verás que las distancias entre el objeto de primer plano y el fondo se agrandan en comparación con la distancia percibida al disparar con una lente más larga. Si disparas con una lente ancha, puedes distorsionar la cara donde sale la nariz y el primer plano y las orejas se tiran hacia atrás. Esto se utilizó para crear un efecto cómico en una famosa película Amelie, donde su rostro fue rodado con una lente de 35 milímetros. Una lente de 85 milímetros en contraste, es conocida como lente de belleza porque se ve en la industria como una de las lentes más favorecedoras para los rostros. La próxima vez, ten en cuenta esta compresión de distancia a la hora de elegir lentes. Por ejemplo, en este rodaje, quería que el actor se sintiera más cerca del espejo, así que elegí una lente más larga. Usa la elección de lentes como hicieron un Amelie para servir tu historia. Por último, hablemos de cómo la distancia focal afecta la estabilización de la imagen. Porque sabes ahora que cuanto más largas sean las lentes, más superficial es la profundidad de campo, más fácil es que algo salga de foco. Si estás haciendo el disparo en movimiento de mano, te recomiendo hacerlo con una lente ancha. Creo que la mejor manera de entender la distancia focal de manera holística y realmente ponerla debajo tu piel es disparar con un lente primo hasta que realmente la entiendas. Tu tarea es tomar los primos que tengas, tal vez incluso tomarlos prestados a algunos amigos y disparar una cara desde la misma distancia con todos ellos. Después compara y contrasta la forma en la cara se ve nítida a partir de estas diferentes longitudes focales. Publica tus fotos en la página de proyectos para que tus compañeros también puedan ver la diferencia. 4. Rodaje para la edición: Tercero, rodaje para la edición. A pesar de que esta mentalidad puede tardar tiempo en desarrollarse, puedes empezar a adquirirla ahora. Disparar para la edición significa tener una idea de cómo se desarrollará la historia en la edición cuando estabas filmando. Aunque no sepas lo que va a pasar, tal vez estés filmando un documental, al menos ten en cuenta y ten pendiente de posibles tomas de establecimiento, tomas cierre, transiciones, y otras tomas que ayudarán a que tu edición sea más suave. No adivinen y disparen a todo. Piensa críticamente y lo que me gusta llamar críticamente sentir y decidir las tomas que estás recibiendo. El mejor modo que conozco [inaudible] esta mentalidad es establecer límites. Tienes dos opciones para esta asignación, la primera es rodar un cortometraje con solo una tarjeta de memoria de 16 gigabytes. La segunda opción es si tienes una cámara Polaroid y rodar un storyboard completo con solo un pack de Polaroid's. Después publica tu película o tu storyboard en la página de proyectos para que tus compañeros puedan aprender de tu proyecto e inspirarse. Otra gran forma de desarrollar esta mentalidad es ver tu película favorita con el sonido apagado. Mirar críticamente la secuencia de tomas y la función de cada disparo, ver cómo sirven a la historia. Hacer esto te ayudará intuitivamente a tener una idea de qué tipos de tomas se necesitan para contar una historia convincente. 5. Movimiento fluido de la cámara: Cuarto movimiento de cámara. En esta etapa probablemente, puedas armar un trípode con los ojos cerrados. El siguiente paso es aprender a crear movimientos fluidos de tus tomas con un gimbal. Si no tienes un gimbal, no es momento de ser ingenioso y llamar a amigos de amigos o llamar a una casa de alquiler y que te enseñen. El gimbal clásico es un ronin pero me parece que son muy pesados para uso DSLR y muchas veces requieren otra persona para ayudar a enfocarse. En cambio, si estás disparando con una alarma regular de Geoff, te recomiendo, el Pilotfly H2, que es más ligero y me permite correr y tirar de foco al mismo tiempo. Sea cual sea el gimbal que uses, los principios son los mismos. Vas a tener que aprender a equilibrar tu cámara sobre ella y aprender a controlarla. Créeme, conocer la habilidad realmente te diferenciará del cineasta principiante e incrementará el valor de producción de tu película. Tan solo asegúrate de que estás usando el gimbal con propósito y no solo porque los disparos se vean geniales. 6. Iluminación: Quinto, iluminación. Este fue el aspecto más intimidante de hacer cine para mí. Pero es realmente esencial aprender a controlar como cineasta intermedio. Ahí arriba hay miles de tutoriales sobre iluminación. Pero si tenía que diseñar primero el plan de estudios de iluminación, aprendí sobre tipos de luces LED, luego aprendí sobre modelar la luz y finalmente, aprendí sobre jugar con la temperatura de color. El único modo de aprender verdaderamente sin embargo, es jugar tú mismo con estas luces. No obstante, para que empieces, los siguientes videos te darán una buena visión general de todas estas tres áreas. En primer lugar, echemos un vistazo a un video de mis amigos en aperture, quienes dieron una gran visión general sobre las categorías de luces LED. De la misma manera que utilizarías lentes anchas y teleobjetivo para diferentes tipos de brotes, también quieres usar diferentes tipos de accesorios de iluminación para diferentes usos. Con eso dicho, pasemos por los seis tipos de accesorios de iluminación más comunes y cuándo utilizarías cada uno de ellos. Número 1, luces de fuente única. Las luces de fuente única se llaman fuente única porque, bueno, provienen de una fuente, solo hay una luz en el accesorio. Ejemplos de luces de fuente única incluyen el aputure 300d, o el [inaudible]. Cuando no se difunden, las luces de una sola fuente son duras y son bordes claros y nítidos. En términos generales, se desea utilizar luces de fuente única cuando se desea una sombra fuertemente definida, una luz más dura o una luz más direccional. Ahora, puedes difundir una sola fuente de luz para un efecto más suave y convertirla en una vida de área que también suavizará las sombras, y la calidad de la luz. Esto es muy común en las entrevistas corporativas y en la fotografía de retrato. Número 2, luces multifuente. Las luces multifuente tienen múltiples fuentes de luz, algunos paneles multifuente como el LS1 pueden tener hasta 1,536 fuentes en ellas. Estos tipos de luces generalmente tienen salidas más fuertes que las categorías de una sola fuente. No es una correlación directa, pero en general, cuanto más fuentes de luz divididas por P. Ahora, algunos cineastas en realidad no prefieren luces multifuente porque el efecto multi sombra que viene con tener demasiadas fuentes de luz. Para contrarrestar este efecto la mayoría de cineastas y fotógrafos difundirán luces multifuente a través de una hoja de seda o hilo dental para eliminar las sombras y hacer que aparezca como una sola fuente. luz rebotante y multifuente es otra forma efectiva de hacerlo. Aún así, la luz multifuente tiene muchas aplicaciones útiles en la fabricación de películas y fotografía ya que son algunas de las luces más poderosas de la industria. Número 3, luces de volumen. las luces de volumen les pueden gustar caníbales y espacio-similar a prestamos luminosos suaves a tu escena general, volumen podría tener una envoltura muy suave alrededor tu sujeto y puedes editar montones de configuración general de filtros. Ahora, debido a que la luz de volumen tiene tan unidireccional, tienen una enorme variedad de usos, muchos fotógrafos y cineastas, usarán luces espaciales para encender sus pantallas verdes ya que puede proporcionar extremadamente limpias e incluso iluminación a un fondo. También puedes intentar usar una matriz de luces de volumen sobre psique blanco o para una sesión de fotos para que quieras iluminación de auto belleza. El array de ácaros de volumen imitará el efecto de una fuente suave súper grande desde arriba, asegurando que tu luz esté limpia y sin sombras. Número 4, luces de área. Una luz de área es lo opuesto a una sola fuente. Las luces de área se logran ya sea rebotando o difundiendo una luz de fuente única o múltiple y agregando a su sitio. Una luz de área generalmente tiene un ángulo de haz más amplio e ilumina toda una habitación o entorno. Las cajas blandas, las sedas y las tablas de rebote de núcleo de forma son formas comunes en las que puedes afinar tu luz dura en una luz de área. Las luces de área son suaves y tienen sombras que son mucho menos duras que una sola fuente de luz. Bueno, es fácil hacer un foco duro en luz de área con unas pocas herramientas, no es tan fácil hacer una luz de área a una luz dura, estoy asumiendo que la luz realmente lejos, gire simulando una sola fuente pero entonces eso te hace tamaño relativo mucho más pequeño y casi nunca harías esto. Número 5, luz de tubo. Las luces de tubo son luz de área similar, son una matriz de LEDs o un solo fluorescente, pero generalmente se alojan en un tubo de plástico esmerilado que proporciona diversos tipos de luz. Muchos fotógrafos y DPS en realidad tomarán dos o tres de estos tubos y los moldearán en cuadrados o triángulos para la iluminación de diva. Ahora, debido a que las luces de tubo son más pequeñas, tienden a tener menos salida que sus homólogos más grandes o de una sola fuente. Pero debido a que hay más móviles y fácilmente ocultos, tienen muchos usos prácticos. Además, muchos tubos de luz hoy en día son RGB haciéndolos extremadamente versátiles como luces de efecto tanto en pantalla como apagadas, lo que te permite hacer barras de luces en clubes, escenas o videos musicales, permitiendo que algunos realmente divertidos y así Iven prácticas. Hablando de prácticas, el número 6 es luces prácticas, las luces prácticas son las luces que son visibles en tu escena y forman parte de la narrativa del proyecto. Luz práctica, puede ser tan simple como una cara abierta tanques y bombilla, lámparas, la pantalla de un televisor, velas, un árbol de Navidad, una araña, la lista continúa. Si bien iluminar bien tu escena es muy importante, lo práctico puede agregar interés visual y agrega la diversidad de tu película. Muchos GPS eligen prácticas de inicio reemplazadas con luz de película, como usar un simulador de luz de tubo fluorescente o tener una luz de día de una sola fuente grande luces equilibradas para estimular la película. Sea cual sea el caso, las luces prácticas son las luces que forman parte de la pantalla y la narrativa de su película y ayudan a agregar profundidad de sus sonidos de iluminación. A continuación, necesitarás aprender a dar forma a esta luz. Aquí es donde entra la difusión, el rebote y los rellenos negativos, que las películas [inaudibles] muestran eficazmente. Echaremos un vistazo a nuestro primer espectáculo aquí, que es luz dura, que es básicamente la luz está brillando directamente sobre Ashley justo aquí. Desde el inicio, podemos ver que la luz está lanzando una sombra de su nariz y es una sombras duras. Tenemos básicamente estos bordes incluso rectos justo aquí, lo puedes ver justo aquí y también lo haremos, echamos un vistazo al punto culminante aquí mismo. Podemos ver que están en un círculo que está completamente afilado, y también otra cosa que quería mirar es más del punto caliente en su cara, ves que algunos elementos espectaculares son simplemente más brillantes que las áreas que lo rodean y eso es típicamente lo que se puede conseguir con una luz dura, es un poco más reflexiva y sufre mucho más duro. Antes de saltar a la siguiente, toma nota de la bocca aquí atrás, que realmente es un factor de luz dura, es sólo porque tendríamos un dimmer en él y donde resplandeciendo fuente muy brillante a su sujeto. Otra luz es una luz suave, y eso lo hicimos poniendo un difusor justo delante de la luz. Enseguida del inicio, hablaré de la bocca, y podemos ver que la bocca es definitivamente más grande que nosotros, porque habíamos abierto en el extremo de la lente, eso es sólo porque cuando difusas la luz, vas a bajó un poco la luz. Habíamos abierto la lente y nuestra boca es más grande por aquí, pero eso no es realmente lo que quiero mirar para la luz suave. Por qué no miramos aquí algunas de las diferencias para poder ver que la sombra de su nariz es mucho más suave y no hay borde realmente definido. Ahí está esto como un bonito gradiente y obviamente la luz se está envolviendo muy bien a lo largo de su cara de cifrado aquí. Podemos echar un vistazo al punto culminante aquí mismo, y lo vemos como un poco más grande y no tiene los bordes duros como hablamos en el último. Los aspectos destacados espectaculares son definitivamente mucho más grandes y es mucho más parejo a través de su cara aquí, así que eso es realmente agradable usando una luz suave. Usar una luz suave sobre luz dura puede ser genial para entrevistas o cuando realmente haces que la gente se vea bien. Por supuesto, la luz dura va a ser genial en muchas otras situaciones así que no siempre descubras, tendrás luz dura para ciertos proyectos. Echa un vistazo al relleno negativo y esencialmente eran relleno negativo hace, es en cualquier momento se agrega un objeto oscuro como la pizarra o lo que estoy usando en este momento es un cortador esponjoso. Básicamente absorberá la luz. En los espectáculos anteriores, la luz estaba rebotando por las paredes y llenando aquí su lado derecho de su cara, lo que llamaré el lado de relleno. Al agregar un cortador de disquete o una tarjeta de arte negro DIY, que puedes sacar una como Walmart o vuelo de la tienda de arte local $3. Esencialmente cuando lo pones junto a tu sujeto, su lado de relleno se va a poner un poco más oscuro, y como ves en las tomas anteriores que, la luz está mucho más contrastada en su lado derecho de su cara y solo añade un poco más de profundidad a tu tiro. En el disparo, lo que estamos haciendo es que estamos tomando la luz y disparándola al difusor. Básicamente el difusor es la fuente de luz primaria, y lo que está pasando aquí es que, obtenemos sombras aún más suaves en comparación con la luz suave, e incluso está envolviendo el rostro un poco más. Definitivamente tenemos elementos mucho menos espectaculares en su cara aquí, y es realmente lo que usaría este formulario. Si de verdad quiero una luz nueva y extrema sobre nuestro espacio temático como, si ha habido muchos ejemplos donde tal vez alguien ha sido un día caluroso, cara de alguien ha estado sudorosa. No tenemos una persona de maquillaje y solo quiero asegurarme de que no tengamos a ninguno de esos en puntos calientes golpeándose la cara. Para el disparo seguimos rebotando la luz, pero en lugar de usar el difusor como fuente de luz, estamos usando una pizarra blanca que puedes escoger sobre Walmart como $2-3, o puedes usar como bonito ver rebote blanco. Pero básicamente este es mi look favorito en general. Esencialmente lo que está pasando aquí es que todavía estás recibiendo una luz suave agradable aquí. Pero definitivamente convirtiendo la luz en nuestra fuente más grande porque la tarjeta es definitivamente más grande que la luz. Esencialmente lo que está pasando aquí, todavía obtenemos estas bonitas sombras suaves aún envolviendo alrededor de la cara y echamos un vistazo aquí. Podemos ver lo más destacado ahora está en rectángulo porque estamos usando una pequeña tarjeta de arte y definitivamente vemos que la luz es agradable y uniformemente repartida a lo largo de su rostro y se ve realmente bonita. Por ejemplo, sólo quiero mostrarles a ustedes chicos sólo otro uso de rebote de luz con diferentes materiales. Para el último disparo, estamos rebotando la luz fuera del techo, y el techo es la fuente de luz, y esto es algo más que quiero agregar en el video. Simplemente viniendo hacia ustedes chicos pensando en cómo más se puede usar aparte de tener, reflectores o difusores o algo por el estilo, se puede usar el techo como fuente de luz. Ahora a mí, justo arriba para una configuración de entrevista como estamos ahora mismo, nunca voy a hacer esto. Pero tal vez para una narrativa o lo que sea, incluso sugeriría sobre agregar un bonito reflector aquí abajo y rebotarlo debajo de su barbilla y todo eso. Pero le echamos un vistazo a la parte superior de su cabeza rellenando un poco más caliente, y sólo porque el techo está más cerca de la parte superior de su cabeza y obviamente aquí abajo. Pero definitivamente estamos consiguiendo una configuración de iluminación más dramática, y sigue siendo una luz suave porque no estamos recibiendo esos bordes duros que obtendrías de una luz dura aunque no sea necesariamente una luz suave primaria, pero aún aquí están difundiendo un poco la luz. Por último, necesitarás entender cómo juega la temperatura del color con la iluminación. Como probablemente sabrás, toda la luz viene con la temperatura de color asociada a ella, cual es medida por Kelvin. Los dos con los que trabajamos en película son la luz del día y el tungsteno, y se quiere memorizar las temperaturas de color respectivas. Siempre compro mis luces luz del día equilibradas. Una vez que elijas tu luz principal, puedes convertirla a diferentes temperaturas de color mediante el uso de geles de colores. Se trata de piezas transparentes de película de color fino que pones frente a tus luces para lograr una temperatura de color deseada. Los dos más comunes son CTO, que convierte la luz de rebote de luz diurna en luces de tungsteno, y CTB, que hace lo contrario, convirtiendo luces de tungsteno en luces equilibradas de luz diurna. Si quieres una visión general de los equipos de iluminación, especialmente para aquellos con presupuesto, checkout, mi equipo de iluminación PDF. El mejor modo que conozco para afinar y afinar la habilidad es iluminar una escena basada en un cuadro. Por ejemplo, aquí elegí una de las pinturas de Vermeer, las mujeres sosteniendo un equilibrio y jugaban y ajustaban mi iluminación hasta que estaba feliz con el parecido. Escogí cuatro pinturas con diferentes estados de ánimo y cualidades de luces que siento que es factible para una configuración unipersonal. Tu tarea es recrear la escena usando cualquier iluminación que tengas, difusión. Incluso podemos usar una cortina de ducha para este relleno negativo, puedes usar cualquier paño negro e intentar recrear el estado de ánimo y la calidad de la luz que se encuentra en el cuadro. Siéntase libre de reemplazar los apoyos. sólo me interesa la calidad y el estado de ánimo de tu iluminación. Después publica una foto de tu escena de luz en la página de la clase para su revisión. 7. Extra: LUTS: Bono propina, LUTS. Aquí te dejamos un truco genial, si estás usando un perfil de imagen plana, LUTS, que significa Look Up Tables. Estos se utilizan en sets de cine para que los directores puedan tener una referencia de cómo se verá el metraje con colores más saturados. En lugar de ver sólo una imagen desaturada plana que proviene del perfil de imagen, que enloquece a muchos directores y productores. En esencia, los LUTS son básicamente fórmulas de gradación de color. Puedes usar LUTS para crear un punto de partida para tu gradación de color, ahorrándote tiempo, o utilizarlos para crear un look estilizado. Hay miles de LUTS gratis por ahí. Haz un poco de investigación divertida y encuentra algunos estilos que te gusten. Para aplicar un LUT añade el efecto de color Lumetri a tu clip en Premier. Después desplázate hacia abajo por el menú LUT, que ya viene con Adobe Premiere Pro LUTS incorporado y aplica. Si descargaste tu propio LUT, asegúrate de pulsar “Browse” y haz clic en tu descarga de LUT para instalarlo. 8. ¡Gracias!: Espero que a estas alturas, sientas como si tuvieras un plan de acción concreto, para hacer la siguiente transición de un cineasta principiante a intermedio. Si te quedan preguntas, siéntete libre de enviarlas a mi manera ya que estoy aquí para apoyarte. Mientras tanto, te envío todo lo mejor para tu viaje cinematográfico, y te veo la próxima vez. En realidad, te veo del otro lado. Cuídate. Adiós. 9. Boletín Sneak Peak: [MÚSICA] Si disfrutaste de esta clase, te invito a dejar una reseña y suscribirte a mi newsletter. Este no es su boletín ordinario, sino una casa de té virtual de maravillas donde comparto inspiración curada, detrás de escena, actualizaciones y más recursos de alto valor sobre el arte de la auténtica vida creativa. Es mi espacio más íntimo para consentir a mis lectores con deleite. Regístrate para recibir en mi página de instructor del curso. [MÚSICA]