Creación de Storyboard para motion graphics: una introducción a los títulos principales

1. Introducción: Bienvenido al storyboarding para motion graphics, una introducción a los títulos principales. Estaremos abordando la fundación a cualquier animación que sea el diseño. Si eres un diseñador de corazón que siempre ha amado el cine y televisión y ha querido saber cómo puedes diseñar títulos principales, promos, trailers, esta clase es para ti. Bueno, tenían que transmitir mejor estilo y tono, través de manipular la fotografía y la tipografía, y también inyectar movimiento en imágenes fijas. También aprenderemos a organizar todos nuestros marcos de estilo en una secuencia de títulos completa para hacer nuestro libro de cuentos. Te estaré enseñando muchos trucos divertidos, muchos atajos de teclado en Photoshop. Se recomienda que vengas a esta clase con algún tipo de conocimiento básico de Photoshop. Tan solo para que tengas un conocimiento general de todas las herramientas básicas porque estaremos buceando justo en. Un poco sobre mí, soy Maggie Seelig y he trabajado en la industria del motion graphics desde hace más de diez años. He trabajado en muchas agencias y empresas de posproducción. Tengo una larga lista de clientes que probablemente reconocerás. Fui a Parsons por diseño gráfico y en realidad no me especializé en motion graphics. Me especializé en la impresión y de alguna manera caí en los gráficos en movimiento y realmente me encantó. Si solo has diseñado en impresión y digital y quieres aventurarte en los gráficos en movimiento, puedes hacerlo. En esta clase, diseñaremos una secuencia de títulos principal para la película de 2014, David Fincher, Gone Girl. Nos inspiraremos en los carteles originales de la película y en la secuencia de título original, para llegar a un concepto para nuestro diseño. Palabra de precaución, en realidad no vamos a animar nada en esta clase. Nos estaremos centrando en el lado conceptual y la porción de diseño de los gráficos en movimiento, que si estuvieras trabajando para una empresa y quisieras lanzar para crear títulos principales, esto es lo que le mostrarías al cliente. Vamos a meternos en ello. 2. El contenido: Cada diseño comienza como un concepto y cada gran concepto es la mejor manera de presentar su contenido. En nuestro caso esa es la película de David Fincher 2014, 'Gone Girl'. Gone Girl es la adaptación cinematográfica del 2012 de Gillian Flynn, la novela más vendida. En última instancia si has visto esta película, sabes que es una historia donde la relación personal de Nick y Amy Dunne se hace pública a través de los medios de comunicación. El frenesí mediático enciende la sospecha de que Nick es responsable de la desaparición de su esposa. Fincher es un maestro de thrillers y ritmo y esta película entrega en ambos y mucho más. colaborador de Fincher Neil Kellerhouse destila este sentimiento en el primero de sus carteles de película. Un misterioso soplo de humo dentro una vista cruda del lago y sin título de película ni visión de créditos. Sólo las imágenes y la línea de etiquetas aluden al título de la película. El cartel principal de la película que sigue es donde tanto el título como los personajes principales hacen su debut. Estaremos usando este cartel como inspiración para nuestro título principal. Kellerhouse tiene patrones de muaré mixtos, que son estas partes que tienen la textura del tono de la pantalla en la fotografía de Ben Affleck y el entorno del lago. Hay un efecto de glitch de la nueva pegatina que rodea y afecta a Affleck y más de la textura de la pantalla en los lucios ojos ocultos por encima del título. El título está integrado con el soplo de humo como si estuviera entrando o saliendo de él. Estaremos utilizando estos mismos dispositivos de diseño en nuestra secuencia de título. 3. ¿Qué son los títulos principales?: Es posible que hayas escuchado títulos principales, secuencia de títulos, créditos de apertura, de paso, y te preguntaste si todos se están refiriendo a lo mismo o a algo diferente. Todavía hay alguna disputa entre industrias. Pero en nuestra industria, todos están nombrando lo mismo. Estos son los nombres técnicos de la porción en cualquier película o serie de televisión que enumera todos los contribuyentes más importantes a un proyecto. Por lo general se desglosa en estas tres secciones. Una, las principales productoras involucradas. Esto generalmente incluirá grandes nombres de empresas que reconocerás, como los regalos de Universal Pictures o una producción de 20th Century Fox. Esta porción también incluye el crédito cineasta, que es donde se vería una película de David Fincher, por ejemplo. Dos, facturación superior. Aquí es donde enlistamos a los actores principales o actrices. Estos son también los nombres que normalmente ves en los carteles de la película. Tres, contribuyentes. Por último, enumeramos todos los contribuyentes significativos al proyecto, partiendo de lo menos importante pasando a lo más importante. Es por ello que normalmente leerás director de casting o productores asociados antes de leer productores ejecutivos y director. Tan solo recuerda, como con todas las cosas, cuando se trata de los detalles más finos de la llamada de rollo de crédito, difiere entre proyectos y suele diferir más entre géneros. Ahora que sabemos qué necesitan leer los créditos, ¿cómo decidimos qué aspecto tiene y qué mostraremos visualmente? Cada diseño de título es diferente porque tanto su contenido como formato son diferentes. Contenido significado, ¿de qué se trata? ¿ De qué género? ¿Es una comedia o un thriller? Y formato que significa, ¿es un largometraje, un documental, o tal vez una serie de televisión? Es importante señalar que las películas y las series de televisión pueden acercarse al diseño de títulos de manera muy diferente. Eso se debe a que, en una versión, estarás viendo que toda la historia se desarrolla dentro de, probablemente, alrededor de dos horas mientras que en la otra, estarás viendo en varios incrementos de media hora o hora, conocidos como episodios, durante toda una temporada. En una secuencia de título de película, quieres burlarte de la historia al espectador. Quieres usar detalles sutiles en tu elección de imágenes y animación para sentar el estado de ánimo e introducir temas sin regalar ningún giro de trama significativo. En la secuencia de título de Gone Girl, la burla del thriller es el inicio de sus créditos de apertura. Empieza de negro con nuestro primer crédito desvaneciéndose dentro y fuera. Ya esta animación habla de la historia del personaje de Rosemund Pike, de Amy Dunne, desaparición. El personaje de Ben Affleck, Nick Dunne, narra sus problemas maritales puntuados por un pensamiento oscuro sobre un disparo de Amy mientras gira la cabeza hacia arriba y mira más allá de la cámara, presumiblemente a Nick. El título de la película anima sobre una escena de río o lago muy similar a la utilizada en los carteles de la película. El resto de la secuencia es muy tranquilo y nosotros optamos por dejar que el metraje haga la plática. Está introduciendo al espectador al escenario al tocar varios tiros sin pretensiones en la parte superior. Es amanecer. Nos movemos de lo oscuro a la ciudad y más hacia el barrio a medida que sale el sol y es un inicio de un nuevo día. Nadie se levanta, y la primera persona que vemos es Nick suspirando. Ya hemos aprendido mucho sobre el personaje de Nick desde su monólogo de apertura y ahora su lenguaje corporal. El único otro movimiento en la secuencia del túnel es la animación del tipo. Utilizando el mismo fundido de entrada y salida desde el inicio de la secuencia, este movimiento refuerza la sensación de que algo desaparece y reaparece, lo cual es un sutil guiño a un giro de trama, que ocurre más adelante en la película. 4. Concepto y herramientas: Habiendo visto tanto el póster original de la película como la secuencia del título, vamos a tomar piezas de ambos para inspirar a nuestros clientes. Estaremos tomando el efecto colorante y glitch de los carteles de la película, y usaremos la línea de tiempo del amanecer para nuestros títulos. En lugar de usar tomas del pueblo, vamos a usar un movimiento de cámara que se mueve desde arriba de las nubes hacia abajo hacia la escena del horizonte del río. A medida que se mueve hacia abajo, agregaremos fallamientos a nuestro cuadro para mostrar tanto el movimiento como la destrucción de medios. Línea a la idea de que no todo es tan agradable como parece. Nuestros textos también se sentarán en lados opuestos del marco, jugando a la dualidad de Amy y los próximos personajes, y sus personalidades. Para poner nuestro concepto en una sola frase, sería: “A medida que caemos por el cielo del amanecer , las interrupciones interrumpen tanto la imaginería serena el tipo opuesto jugando al tema de que hay dos lados en cada historia”. Para crear nuestros mosaicos principales, necesitaremos dos cosas: La primera es una membresía de Adobe Photoshop Cloud. Esto se debe a que estaré usando Adobe Photoshop Cloud en nuestro tutorial de clase y estaremos usando pinceles de Photoshop, que solo están disponibles a través de una membresía de Photoshop Cloud. El elemento dos es una tableta. personal, utilicé la marca Wacom y utilizo su versión mediana Intuos. Esta es, con mucho, la mejor herramienta que encontré al diseñar. Para mí, proporciona una precisión inmejorable cuando se compara con un ratón y sobre todo cuando estoy profundamente en mis efectos de Photoshop, y estoy haciendo mucho dibujo y usando pinceles, lo cual estaremos haciendo en esta clase. No obstante, podrías notar que no estoy usando la familia de tabletas Intuos Pro, ni mi tablet es el tamaño más grande que ofrecen. Eso se debe a que como con todos los creativos, está realmente basado en tu preferencia personal. Es posible que encuentres que la tableta de tamaño más pequeño funciona bien, o que en última instancia estás más cómodo con el ratón. No hay bien ni mal, sólo lo que funciona para ti. 5. Configuración del archivo: A lo largo del proceso de diseño, me escucharás referirme a dos términos con bastante frecuencia, y eso es styleframe y storyboard. El styleframe es realmente el verdadero comienzo de cualquier diseño de movimiento. Eso se debe a que nos ayuda a averiguar la manera de transmitir estilo y tono dentro de una sola imagen fija. Si es un buen styleframe, podrás expandirte de esa imagen a un conjunto completo de marcos, y eso se convierte en nuestro storyboard. El storyboard es realmente nuestros styleframes dispuestos en un orden específico para mostrar el tipo completo de secuencia. Ahora, cuando las productoras lanzan para ganar la oportunidad de crear un título principal, por lo general presentarán en cualquier lugar de 3-6 conceptos únicos. Dentro de cada uno de estos conceptos, pueden mostrar en cualquier lugar tan bajo como seis cuadros por concepto hasta el triple de esa cantidad. Ya que esta es una introducción al diseño de movimiento, nos vamos a apegar al extremo inferior de ese espectro. En primer lugar, abramos Photoshop. Una vez que haya abierto Photoshop, desea crear un nuevo archivo. En la parte superior de esta nueva ventana de documento, se puede ver que existen diferentes categorías de tipos de archivos. Vamos a ir bajo el cine y el video. Esta fila superior básicamente tiene los estándares de la industria para tipos de archivos que normalmente usaríamos. Nuestro más usado es este top left one llamado HDTV 1080P. Eso es básicamente un marco de 1920 por 1080 píxeles a 72 PPI, que significa píxeles por pulgada. Si te desplazas hacia la derecha, puedes ver los detalles preestablecidos. Aquí, puedes notar que de nuevo, el ancho es de 1920, la altura es de 1080, y está en paisaje, la resolución es de 72 píxeles por pulgada, modo de color es de color RGB porque estamos diseñando algo para un pantalla versus algo para impresión que estaría en modo CMYK. Entonces a la derecha de la misma, se puede ver que actualmente está en ocho bits. Ahora, si haces clic en la flecha desplegable, notarás que también tenemos selecciones para 16 y 32 bits. La diferencia entre cada uno de estos se refiere a los valores tonales que obtendrás dentro de un color. En lugar de meterme en las matemáticas, sólo voy a mostrarles la diferencia. A la izquierda, tenemos una imagen de ocho bits, y a la derecha tenemos un 16-bit. Se puede ver que con sólo hacer un gradiente rojo, que los pasos entre los valores de color para el ocho bit es mucho más picado que el de 16 bit, que es mucho más suave. Esto es una exageración. Es solo para ayudarte a ver visualmente la diferencia entre los dos. Ahora bien, si bien puede parecer que 16 bits es la respuesta obvia, en la mayoría de las circunstancias, si no estás manipulando tanto una imagen, realmente no necesitas ir más allá de los ocho bits predeterminados. Como marco de referencia, cualquier imagen que descargues de internet es de ocho bits. Dieciséis bits es si sabes que vas a estar manipulando mucho tu imagen. Estarás agregando muchas capas de ajuste, cambiando colores y si sabes que estarás agregando muchos desajustes y gradientes, ahí es donde los 16 bits te pueden ayudar porque ayudará a que tu imagen se vea mucho más suave, y tener mejores una precisión más clara. Sabiendo lo que estaremos haciendo, vamos a ir con una imagen de 16 bits. Ahora, más abajo puedes ver los contenidos de fondo, y actualmente está en blanco. Si haces clic en el menú desplegable, hay muchas otras opciones como negro, color de fondo, transparente personalizado. Esto solo se refiere a cuál será el color de capa base de Photoshop. Es realmente una preferencia personal. Si sabes que tu diseño va a tender a inclinarse hacia algo que sea más brillante en colores y estado de ánimo, entonces el blanco es una manera más fácil de ir solo porque te da esa capa blanca base para romper. Pero si sabes que tu diseño se va a inclinar en algún lugar hacia el lado más oscuro donde estarás usando colores más oscuros, humor más oscuro, entonces el negro es un buen punto de salto. Entonces vamos a cambiar el nuestro a negro. Ahora, vamos a golpear “Crear”. este momento, tengo mi Photoshop dispuestas usando el espacio de trabajo esencial, aunque me he movido alrededor los diferentes paneles solo con el propósito de impartir esta clase. A la izquierda tenemos nuestra barra de herramientas, arriba arriba, tenemos un menú condensado, a la derecha actualmente lo tengo configurado para que tengamos nuestras capas, canales, y caminos arriba, y nuestras propiedades y ajustes a continuación. También tengo un menú colapsado más pequeño de nuestras ventanas de carácter y párrafo. También para fines de esta clase, he configurado mi ventana de buscador como un espacio mac. Espacios de Mac básicamente está teniendo múltiples áreas de escritorio. Puedo abrir una nueva ventana del buscador y podemos entrar a nuestra carpeta fuente. Todo lo que tendré que hacer es hacer clic en este botón expandir verde y eso ampliará las ventanas del buscador para que lo ponga en un espacio mac separado. Todo lo que tienes que hacer es pulsar “Control, la tecla de flecha izquierda o derecha”, para barajar entre Photoshop y la ventana del buscador. Simplemente lo tengo configurado de esta manera para que sea más fácil para ustedes ver de dónde estoy sacando nuestra fotografía y fuentes, y de todo. También puedes configurar una ventana de buscador más pequeña junto a tu ventana de Photoshop si lo prefieres. 6. Cuadro de estilo: composición: [ MÚSICA] En primer lugar, vamos a guardar nuestro archivo. Voy a ir a Archivo, Guardar como. Simplemente lo voy a guardar en nuestra carpeta de archivos de proyecto. Voy a llamarlo styleframe. Ahora queremos entrar en nuestra carpeta fuente de archivos de proyecto, entrando en fotografía. Vamos a rastrear esta foto en nuestro archivo de photoshop. Por lo que incluso arrastrando a nuestro marco H-D, que es 1920 por 1080, se puede ver aquí arriba que no estamos a plena capacidad de imagen, actualmente la imagen está en 27 por ciento. Voy a hacer que ese 20 por ciento más grande, al 47 por ciento. Ahora queremos colorear calificar la imagen. Tenga en cuenta que no dije color correcto, dije grado de color y eso es porque hay una diferencia entre los dos. Color correcto se refiere a realzar los colores que ya están en una imagen. Eso podría significar, bajar la saturación del cian o subir la intensidad de los rojos en esta entrada. Grado de color por otro lado, significa cambiar los colores por completo para crear un nuevo sentido del estilo en. Así es como me acercaré. En primer lugar, voy a añadir una capa de ajuste. Aquí si hace clic en este icono, podemos agregar un blanco y negro, justo en la capa y se puede ver que se ha vuelto nuestra imagen en blanco y negro. Voy a volver a nuestra carpeta del archivo del proyecto, nuevo a la carpeta fuente, y voy a abrir nuestro cartel de GoneGirl_Movie en preferencia de photoshop. Voy a seleccionar primero un tono claro. Voy a ir a algún lugar de este hojaldre de humo y recoger sólo un valor, entonces voy a golpear “X” en nuestro teclado, y se puede ver eso, eso cambió nuestras muestras de primer plano y fondo, y ahora nuestra muestra de fondo está en frente de primer plano. Voy a escoger un tono más oscuro del mismo póster, probablemente en la escoria más zona gris azul oscuro. Ahora volviendo a nuestro estilo para PSD, voy a volver a nuestros ajustes y voy a añadir una capa de ajuste de mapa de gradiente. Al agregar la capa de mapa de gradiente, se puede ver que básicamente se agrega un lavado de color de los dos tonos que recogimos de la postura de la película sobre nuestra imagen. Aunque se ve un poco plano. Eso se debe a que hemos perdido parte de esa definición entre las nubes en el cielo, y así, para volver a poner eso, en realidad vamos a cambiar el modo de mezcla del mapa de gradiente de color normal a más oscuro. Se puede ver con sólo hacer eso ahora tenemos esa definición entre las nubes en el cielo otra vez. También vamos a cambiar la opacidad del 100 al 50 por ciento. Ahora vamos a volver al cartel de Gonegirl_movie, usando la herramienta cuentagotas. Vamos a seleccionar un verde azul oscuro. Vuelve a nuestro marco de estilo, PSD, vuelve a nuestros ajustes y agrega aquí un ajuste de color sólido. Solo tienes que hacer clic en “Ok” y cambiaremos este modo de mezcla de normal a color. Puedo ver que lo empuja profundamente a ese territorio azul-gris. Bueno, esto se ve mucho más cerca de cómo se ve el póster de la película. En realidad quiero que esta imagen sea mucho más oscura. Lo que vamos a hacer es, vamos a añadir una capa de ajuste de niveles. sólo jugar alrededor con estos deslizadores, tenemos el valor negro a la izquierda, gris está en el medio y el blanco a la derecha. Al deslizarlos hacia arriba, se puede ver que ya está cambiando nuestra imagen para que se sienta mucho más oscura. También voy a ir aquí a nuestros niveles de salida en blanco y negro, y voy a mover nuestros blancos. Hagamos 175. Se puede ver que ya cambió lo que parece día de vuelta a algo que puede parecer que es antes del amanecer. Vamos a añadir una capa de ajuste de exposición y oscurecerla aún más subiendo nuestra corrección de cámara. Al hacer eso ahora, nuestra imagen parece que es más de noche entrar al amanecer. Voy a seleccionar todas nuestras capas de ajuste y voy a agruparlas en una carpeta y renombrarlo grado. Al hacer esto, solo estás asegurándote de que mantengas tus capas de photoshop organizadas, sobre todo cuando estamos manipulando imágenes como esta, puedes encontrarte agregando muchas capas diferentes, muchos ajustes diferentes, y pueden salir un poco fuera de control y luego difícil recordar cuáles funcionarían. Esto es especialmente genial si estás trabajando en un equipo, y necesitas pasar tu archivo a un diseñador o animador diferente. De esta forma, saben exactamente qué capas se encuentran dónde y debido a esto, pueden cambiar y alterar la imagen rápidamente. Ahora pasemos a la topografía. 7. Cuadro de estilo: tipografía: Pasando a la tipografía. En primer lugar, queremos asegurarnos de que nuestras fuentes estén instaladas. Entonces solo voy a golpear Control, flecha derecha para entrar en nuestra ventana del buscador. Entraremos en fuentes. Y si antes no has instalado fuentes, es realmente sencillo. Todo lo que tienes que hacer es hacer doble clic en el archivo de fuentes. Y saldrá en libro de fuentes. Y dirá, aquí se puede ver, “No instalado”. Y todo lo que tienes que hacer es presionar instalar fuente. Y entonces estarás bien para irte. Simplemente quieres asegurarte de que tienes eso hecho tanto para Acherus Grotesque como para IBM Plex Sans. Simplemente vamos a empezar con el tipo blanco por ahora. Entonces voy a golpear “X” para cambiar nuestros colores de primer plano y fondo para que tengamos blanco seleccionado, y voy a usar nuestra Herramienta de Texto. Y yo sólo voy a escribir, “Una película de David Fincher”. Y usaremos esto como nuestra línea de crédito. entrar en nuestro panel Carácter, puedes decir que estamos usando Acherus Grotesque en regular, lo estamos usando a un tamaño de fuente de 40 puntos. El líder en este momento es automático y el kerning está actualmente en métricas con un seguimiento de 0. Ahora sólo mirando las mayúsculas y minúsculas, podemos decir que es un poco diferente. Entonces lo que queremos hacer es que queremos seleccionar nuestra capa tipo y queremos hacerla todo gorras golpeando este ícono. También definitivamente es demasiado pequeño en 40 puntos, así que vamos a cambiarlo a 60 puntos. También vamos a usar el truco del póster de la película de cómo crean el logotipo rastreando a los personajes. Por lo que seleccionándolo una vez más, bajo seguimiento. En lugar de 0, vamos a hacerlo 500. Entonces, con sólo hacer esas pocas cosas, se puede decir que ya se ve mucho más cinematográfico que antes. Pero queremos sumar un poco más de interés visual a nuestro tipo. Entonces voy a hacer esto en tres líneas en lugar de la línea actual. Lo voy a mover hacia atrás centro de marco. Bueno, definitivamente necesitamos cambiar la longitud ya que ahora todo es un poco demasiado apretado en el espaciado de líneas. Entonces lo voy a cambiar a 150 para realmente espaciarlo. También voy a cambiar eso de alineado de izquierda a derecha. Y asegurándose de eliminar cualquier espacio para que se alineen juntos. Esto ya se ve mucho más interesante que donde empezamos. Pero lo voy a dar un paso más allá agregando una fuente secundaria. Por lo que agregar en una fuente secundaria es una buena manera de diferenciar entre el nombre en la línea de crédito y el papel en la línea de crédito. Entonces vamos a cambiar ambas palabras, “A” y “Film”, por nuestra fuente secundaria, que será IBM Plex Sans Condensed. Sé que este nombre es muy largo. Y vamos a usar el peso, ligero regular. Haz lo mismo por Film. También vamos a hacer que sea aproximadamente la mitad del tamaño de lo que tenemos ajuste de David Fincher. Por lo que esto actualmente son los 60 puntos en este momento. Pero vamos a cambiar A y Film a 35 puntos. Ahora puedes ver que definitivamente hay más de una jerarquía en nuestro tipo. Ahora que el tipo se ve bien, queremos posicionarlo en nuestro marco. Y actualmente sólo lo tenemos centrado en marco. Pero en realidad quiero alinearlo con la seguridad del derecho de título. ¿ Qué es la seguridad del título? Usted pregunta. Si golpeas el punto y coma de comando. Atraerá estas guías en nuestro marco. Y este área interior se refiere a la seguridad del título. Y eso simplemente significa básicamente que cualquier tipo que esté dentro esta área está a salvo de ser cortado durante cualquier emisión. El área justo fuera de eso es lo que nos referimos como seguridad de acción. Y acción La seguridad es todo lo que está sucediendo dentro tus metrajes que también estarán seguros y asegurados para no ser cortados durante la transmisión. Entonces voy a seleccionar nuestra capa de tipo, y sólo voy a moverla a la derecha hasta que la alinemos a la derecha seguridad del título y golpeemos el punto y coma de comando nuevamente para recortar guías fuera. Simplemente voy a volver a seleccionar nuestra capa de tipo, asegurarme de que esté centrada verticalmente. Una vez que lo hayamos hecho, voy a rastrearlo en carpeta otra vez y quiero decir escriba solo para asegurarme de que todas nuestras capas sigan siendo nombradas correctamente y organizadas. Hit save. Ahora pasemos a algunos efectos visuales. 8. Cuadro de estilo: efectos visuales: Lo primero que queremos hacer es inyectar un poco de movimiento en esto. El modo en que lo haremos, es haciendo una imagen fija en el fondo de nuestro cielo y nubes, parece que hay un movimiento de cámara sobre él. Donde se moverá verticalmente de arriba a abajo. Para ello, vamos a seleccionar nuestra capa de imagen, subirá arriba a “Filtro”, “Desenfoque Galería”. Vamos a elegir “desenfoque de ruta”. Ahora, notarás que en nuestro marco aparece una flecha azul. Esto sólo hace referencia a la dirección en la que se moverá la moción. Este punto aquí mismo, se refiere a nuestro punto de partida, y luego a donde apunta la punta de flecha se refiere a nuestro punto final. Lo que voy a hacer es mover nuestro punto de inicio a más o menos aquí, y nuestro punto final justo aquí. Nuestra velocidad actual es de apenas 30 por ciento, solo podemos dejar esto por ahora. Pero lo que vamos a hacer es cambiar nuestra velocidad de punto final, digamos 25 por ciento. Golpea “Return” y puedes ver que estamos consiguiendo algo de profundidad de movimiento agradable sucediendo dentro de nuestra imagen. Si haces clic en nuestro filtro “Blur Gallery”, puedes ver que le hemos inyectado un bonito poco de movimiento. Se siente como si el fondo se estuviera moviendo a pesar de que sigue siendo una imagen. Ya se puede ver que hay un poco de un tema de banding. Es decir, ver los diferentes pasos entre todos los tonos azules en nuestro marco. Ahora, te voy a mostrar cómo se ve realmente en mi pantalla, frente a esta grabación de pantalla QuickTime para esta clase. Se puede ver que si bien no se ve así en mi pantalla, grabar la pantalla, sin embargo, sí la lleva a ese territorio donde se ve más de 8 bits, pesar de que estamos trabajando en 16 bits. Si estás siguiendo en tu Photoshop, también notarás que se ve suave en tu marco. Pero por el bien de esta clase, un buen cheque para futura referencia de cómo deshacerse de esa banda, es crear una capa de ruido. Lo que vamos a hacer, es que vamos a entrar en “Ajustes”, “Color sólido” y lo vamos a cambiar a negro, RGB000, hit “OK”. Ahora vamos a ir bajo “Filtro”, “Ruido”, y vamos a seleccionar “Añadir ruido”. Ahora habrá una caja que aparece, diciéndote que lo conviertas a Objeto Inteligente o rasterizar. Podemos convertirlo en un Objeto Inteligente. Ahora trae hasta arriba el panel “Añadir ruido”. Se puede ver que en este momento es multicolor, hay diferentes opciones que puedes elegir. Podemos elegir la versión uniforme, que es todos estos diferentes puntos de ruido sintiendo como si fueran efectivamente uniformes. gaussiano es el que se siente un poco más aleatorizado. Entonces por supuesto podemos cambiarlo de ruido multicolor, a monocromático, que es sólo escala de grises. Lo vamos a mantener en color, y vamos a elegir “Uniforme”. Ahora mismo lo tengo establecido en 195, y eso está perfectamente bien. Golpearemos a “OK”. Ahora lo que queremos hacer es cambiar nuestro modo de bandas de capas. Si bajas, vamos a elegir “Overlay”, y vamos a cambiar la opacidad de un 100 a, hagamos 15. Ahora puedes ver cómo eso ha quitado esa banda que estaba sucediendo dentro de nuestros tonos azules, y vuelve a verse lisa. También voy a asegurarme de hacer doble clic en mi capa original de “Color Fill”, y la voy a cambiar a “Noise”, así que sabemos que esa es nuestra capa de ruido. También lo voy a mover a la cima, ahí. Ver. Ahora queremos agregar un efecto [inaudible]. Vamos a volver a nuestra ventana del buscador, a nuestra carpeta fuente, y vamos a entrar en nuestra carpeta “Texturas”. Ahora puedes ver que tengo un “moire.psd” y un “screentone.psd”. Vamos a trabajar primero con el screentone. Vamos a arrastrar dentro de nuestra capa de Photoshop, acabamos de golpear “Return”. También voy a arrastrar esto a una carpeta y llamarlo fx, solo para que lo sepamos por [inaudible]. También voy a mover nuestra capa de ruido original a esa carpeta. A la capa superior otra vez. Ahora con nuestro screentone, se puede ver que es el 1920 completo por 1080, y lo que vamos a hacer es, vamos a enmascararlo a sólo una astilla. Voy a ir aquí bajo la herramienta Lasso, y vamos a usar la “Herramienta de Lazo poligonal”. Esto sólo hace que cada borde de la selección sea lineal. Voy a dibujar más o menos una caja, no hace falta que sea exactamente recta. Se va a bajar por aquí, y saliendo de un marco y voy a pasar por el nombre de David Fincher [inaudible] Sólo voy a cerrar. Entonces voy a ir a nuestro panel Capas, asegurarme de que estamos en la capa screentone, y voy a añadir una máscara de capa. Puedo ver que básicamente acabamos de dibujar una astilla de esa textura screentone, enmascarándola de nuestra capa original de Texturas. También voy a cambiar el modo de mezcla de capas de “Normal” a “Color Dodge”. Se puede ver que la ha convertido de la capa screentone original, en blanco y negro a algo que se siente más en esa gama azul, del resto de nuestro marco. Al golpear “Command” y seleccionar nuestra máscara de capa, voy a entrar en nuestra capa tipo y enmascarar nuestra línea de crédito de David Fincher con esa misma máscara. Obviamente está escondido tanto las palabras A como la película y la parte inferior del nombre de David Fincher. Vamos a duplicar esta capa, y vamos a invertir la máscara. Simplemente seleccionamos la máscara de capa y golpeamos “Comando I”, y ahora se puede ver que el resto del crédito ha vuelto a estallar. Ahora una forma fácil de obtener el efecto de glitch, es simplemente compensar ligeramente el tipo para que parezca que lo está afectando. Si bien para aquí, vamos a renombrar esto a “fondo”. Sabemos que es la parte inferior del crédito, y renombrar esto a “top”. Ahora seleccionando la capa inferior, sólo vamos a usar la herramienta Mover, y vamos a moverla ligeramente hacia la izquierda. puede ver con solo hacer eso, se siente como que el glitch realmente ha afectado al tipo, porque está cortado y ahora está ligeramente compensado. También quiero agregar un poco más de nuestra textura screentone en, así que también voy a duplicar esta capa. Voy a eliminar la máscara de capa simplemente arrastrándola hasta la papelera. Vamos a dibujar otro de Art Glitch Silvers, así que esta vez voy a empezar y de nuevo, voy a ir por encima de la A, voy a bajar y por encima de nuestro anterior glitch. Ciérrelo, luego agrega esta capa, y me gusta esta nueva capa de azul, así que lo que vamos a hacer es asegurarnos de que esa capa esté seleccionada. Yo sólo voy a moverlo más abajo donde golpea justo en medio de la A. Sólo voy a hacer doble clic en esto y como es nombre este screentone, top. Ya que lo estamos superponiendo encima de nuestra pantalla anterior y guardar periódicamente. Ahora lo que quiero hacer es traer otra imagen a nuestra zona de glitch. Sólo para que entonces realmente se sienta como si estuviera afectando el marco no solo al chocar por la cinta, sino que además el metraje cambie a algo completamente diferente. Vamos a volver a nuestra carpeta fuente, a la fotografía, y vamos a elegir esta foto y arrastrarla a nuestro photoshop. Solo voy a deshacer esto en un 20 por ciento para asegurarme de que va más allá del fotograma, hit return, y voy a arrastrar esta capa por debajo de nuestra capa original de material de archivo. Ya que ya no estamos usando este fondo negro, sólo voy a eliminarlo pulsando delete. Lo que quiero hacer ahora es seleccionar ambas de nuestras máscaras de capa screentone, así que voy a golpear comando shift para seleccionarlas a ambas. Voy a ir a nuestra capa original de material de archivo, y hacer la Máscara de Capa. Hemos enmascarado sólo la porción que es nuestra screentone, pero en realidad queremos invertir eso. Vamos a volver atrás y asegurarnos de que la Máscara de Capa esté seleccionada y presione Comando I. Ahora puedes ver que tenemos nuestro fondo original como está, pero hemos inyectado una nueva imagen en nuestra zona de glitch. Por cómo lo colocamos, obtenemos las alas del pájaro que estaba en la imagen original, y queremos deshacernos de ellas. Lo que vamos a hacer es seleccionar nuestra nueva capa de imagen. Vamos a hacer clic derecho y rasterizar capa. Ahora viniendo a nuestra barra de herramientas, vamos a usar esta herramienta Pincel de sanación de puntos, si sostengo el ratón hacia abajo. Pero hay varias opciones diferentes, pero solo vamos a usar la herramienta Pincel de curación puntual por ahora. Vamos a dibujar sobre el pájaro. Una vez que lo has dibujado y lo sueltas, puedes ver que el pájaro está cubierto. Esa es solo una forma fácil de eliminar cualquier objeto, persona que tal vez no quieras en tu imagen original. Volviendo a volver a seleccionar nuestra herramienta de movimiento, hit save. Ahora puedes ver con esa imagen de letra dentro nuestra zona de glitch que esta zona ahora se ve un poco demasiado brillante. Lo que vamos a hacer es cambiar la opacidad de ambas capas screentone, de una 100 a 50. Eso definitivamente bajó un poco el brillo. Pero queremos oscurecerlo aún más, así que lo que vamos a hacer es, vamos a hacer clic en nuestra máscara de imagen desde nuestra capa original de material de archivo, y vamos a usar la herramienta de pincel. Yo sólo voy a cambiar eso para que eso sea un poco más grande. Una forma fácil de hacer esto en lugar de hacer clic derecho para cambiar el tamaño de tu pincel es golpear tanto el control como la opción, a medida que arrastras el ratón de izquierda a derecha. Eso cambiará el tamaño fácilmente. Quiero asegurarme de que nuestro color de pincel sea blanco, y asegurarme de que nuestra Máscara de Capa esté seleccionada, y voy a bajar el flujo de nuestro pincel al 70 por ciento y cambiar la opacidad a, digamos 8 por ciento. De esta forma puedo cepillar sobre nuestra Máscara de Capa sin sacar demasiado del glitch efectivo o la intercepción que estamos tratando de oscurecer. Nuestro tipo es realmente brillante porque actualmente es blanco, así que vamos a cambiar eso por un azul de algún tipo. Solo estoy seleccionando ambas capas, y entrando en nuestra herramienta de personajes, haremos clic en la pestaña de swash de clase, y solo voy a cambiarla a un lado claro. Golpea bien. Ahora se siente como si estuviera más integrado dentro nuestro marco porque está tomando los colores dentro de la imagen. Ya que estamos recibiendo diferentes capas de nuestro glitch. Aquí, también quiero desplazar la imagen dentro del glitch, así que vamos a seleccionar nuestra máscara de capa screentone original, y voy a arrastrar nuestra imagen secundaria a una nueva capa, y añadirle esta máscara de capa. Entonces lo que voy a hacer es desvincularlo porque quiero mover la imagen dentro de la máscara de capa, y no tanto la imagen como la máscara al mismo tiempo. Voy a desvincularlo haciendo clic en el eslabón de cadena, quiero dar click en la capa de imagen. Voy a usar sólo la Herramienta Mover y simplemente suavizarla hasta que se vea muy obviamente diferente a la astilla superior del glitch, así que eso estuvo bien. También voy a mover nuestra capa superior screentone usando la Herramienta Mover, y solo la voy a mover a lo largo del marco hasta que sienta que agrega otra capa de interés. solo ver este ligero borde en nuestra capa superior screentone, es una buena forma de diferenciarlo de las capas inferiores. Ahora solo quiero arrastrar en nuestra imagen solo adjuntar. Bajando a nuestra carpeta de calificaciones, y nuestra capa de exposición original, voy a bajar la exposición que acaba de adjuntar. Ahora estamos volviendo a ese territorio modular. Voy a volver a nuestra capa screentone, la original. Ahora mismo está en 50 por ciento, pero quiero volver a subirlo en brillo de la misma ya que bajamos la exposición de nuestra imagen de fondo general. Voy a traerlo de vuelta a un 100, y eso es todo. Simplemente colapsaremos todas las capas por ahora. Ahora también es un buen momento para que seleccionemos nuestras capas de imagen de fondo, y las agruparemos en una carpeta, y vamos a nombrar este fondo. Hit save, y ahora hemos hecho nuestra primera capa off. 9. Cuadro de estilo 2: Ahora, que hemos diseñado nuestro primer marco de estilo, empecemos por otro. Por lo que volviendo a Photoshop, crearemos otro nuevo archivo. Iremos a “Film & Video”, HDTV, y escogeremos la misma configuración que hicimos para nuestra anterior. Por lo que cambiarlo de 8 bits a 16 bits, blanco a negro, y “Crear”. Lo que me gusta hacer en realidad es poner mis ventanas de lado a lado, para que pueda empezar a asegurarme de que el siguiente marco de estilo en el que trabajo se encuentre en el primero que creé. Yo quiero guardar este nuevo. Trabaja en mentiras por ahora. Ya que nuestro marco de estilo en realidad es más hacia el inicio de nuestra secuencia donde es antes del amanecer y todavía se siente como de noche, ahora quiero traerlo a la porción de luz del día y sabiendo que en nuestro primer marco de estilo que coloreamos graduados para ser de noche y que originalmente podría pasar de día. En realidad vamos a tomar capas de nuestro marco de estilo anterior y ponerlo en nuestro nuevo. Volviendo a nuestro marco de estilo original, voy a hacer clic en nuestra capa de fondo y solo vamos a usar la misma imagen original por ahora. Voy a seleccionar esta capa y mantener presionada mi tecla de turno y arrastrarla a nuestro nuevo fotograma. Eso solo asegura que el posicionamiento de la imagen sea el mismo incluso arrastrándola entre diferentes archivos PSD. Voy a eliminar nuestra máscara de capa y sólo voy a encuadrar [inaudible] y lo vamos a guardar. Ahora, vamos a colorearlo más en el color del amanecer. Voy a eliminar nuestra capa de fondo y sólo voy a agrupar esto en una carpeta de fondo y también crear una nueva actualización de carpetas. Ahora, voy a entrar en nuestras capas de ajuste y seleccionar una capa de ajuste de color vendida y vamos a elegir un azul solo para desplazar los signos originales en la imagen más hacia el color azul que nos gusta y voy a cambiar el modo de mezcla de normal a color pero hemos perdido algo de esa naranja original que es agradable para ayudar a que se sienta más como amanecer y que el sol está saliendo, por lo que seleccionaremos nuestra máscara de capa y usaremos nuestra herramienta de pincel. Ahora, actualmente solo estoy usando los pinceles generales en Photoshop y estoy usando la capacidad de presión redonda suave y esto es solo porque usar la tableta con mi lápiz, es más fácil ganar más control, por lo que todavía lo haremos tener nuestro flujo en 70 por ciento y nuestra opacidad como 80 y simplemente lo mantendremos de esta manera. Asegúrate de que tu muestra de primer plano sea negra y que tu máscara de capa esté seleccionada y simplemente dibujaremos ligeramente sobre la máscara para traer de vuelta algunos de esos tonos naranja. Puedes jugar alrededor de eso puedes hacer más o menos y ahora voy a añadir una capa de ajuste de balance de color. Ese equilibrio de color es una manera realmente genial de cambiar ligeramente los tonos en tus tonos medios, luces altas y sombras en tu imagen, solo para comparar mejor el tono o el estado de ánimo particular que vas a buscar. Ya que, estamos para el amanecer, solo quiero cambiar ligeramente el color un poco para que podamos retener los tonos originales pero también sumar de nuevo en algunos cyans y algunos amarillos. Nuestros tonos medios, solo vamos a jugar un poco con estos deslizadores hasta que llegue al efecto que nos gusta. Ya se puede ver la diferencia, cómo ahora todavía conserva ese azul pero hemos añadido de nuevo en algunos de ese cian y algunos de ese amarillo dentro de la naranja. Ahora, voy a añadir una capa de exposición sólo para oscurecer todo, por lo que no es tan brillante ir a nuestro offset, solo subiremos un poco el offset, bajaremos la exposición, y la gamma un poco. Vamos a ahorrar y ahora queremos agregar nuestro tipo. Crearemos otra carpeta y agregaremos un tipo y solo mantendremos nuestra capa de tipo desde nuestro marco de estilo anterior. Entra a la carpeta de tipos, tocando de nuevo “Shift” para que el posicionamiento sea el mismo y eliminaremos esta máscara de capa. También cambiaremos la línea de crédito de, A David Fincher Film a Dirigida por David Fincher. También renombraremos el nombre de la capa para reflejar lo mismo. Ahora, queremos agregar nuestro efecto glitter, así que voy a crear otra carpeta y nombrarla efectos y lazos en la primera que hice. Ahora, quiero guardar esta nueva y solo lo llamaremos marco de estilo solo asegurando que la imagen sea la misma como estás arrastrando en la cambiaremos a verde oscuro. También me voy a asegurar que golpee el comando C para copiar nuestro color de texto de muestra de color. Ahora desactivaremos la visibilidad de esa capa para que podamos seleccionar la capa debajo de ella y hacer lo mismo. Aquí podemos hacer clic en el comando V para pegar, por lo que tenemos el mismo.valor de color. Haga clic en “Aceptar” y luego vuelva atrás la visibilidad de capa para la capa anterior. Vamos a renombrar esto a arriba y abajo también. Se puede ver incluso tomando la imagen original de nuestro primer marco de estilo y simplemente ajustando un poco con los colores y las texturas, hemos creado un segundo marco de estilo fuera de eso. Ahora pasemos a nuestro tercer marco de estilo y quizás nuestro más importante, que son nuestros marcos de título de película. 10. Cuadro de títulos: Pasando a quizás el marco más importante que es donde presentaremos nuestro título de película, hagamos un nuevo archivo de Photoshop. Entraremos en Archivo, Nuevo, Cine y Video, otra vez, vamos a crear un archivo más grande para ello. En lugar de la habitual HDTV 1920 por 1080 que hemos estado usando, si vamos bajo vista todos los presets, verás en la segunda fila que hay otro llamado UHDTV 4K, y este es básicamente el predeterminado para cuando quieres diseñar un marco estilo 4K, por lo que haremos clic en eso. Ya verás que el ancho es de 3840 por altura de 2160. Todavía podemos mantenerlo en 72 píxeles por pulgada y también lo cambiaremos de 8 bits a 16 bits. Sabiendo que esta imagen será más hacia el lado derecho, solo mantendremos el contenido de fondo como blanco; la razón por la que estamos usando el formato de archivo 4K es porque sabemos que este es nuestro marco más importante, queremos se presente a pantalla completa y lucir alta resonancia. Apetaremos a Crear y nombraremos a este marco de estilo tres. También voy a reorganizar un poco nuestros marcos en Photoshop moviendo nuestro marco de estilo dos al panel izquierdo y manteniendo nuestro nuevo marco de estilo tres a la derecha. Eso es porque sé que nuestro nuevo marco de título de película aparecerá después de nuestra, Dirigida por David Fincher línea de crédito. Al volver a nuestra carpeta fuente, arrastraremos esta imagen a nuestro archivo de Photoshop. También lo haremos subir un 30 por ciento para asegurarnos de que llene todo el marco. Vamos a arrastrar esto y lo ponemos en una carpeta de fondo y podemos simplemente eliminar nuestro fondo blanco. Lo primero que queremos hacer es volver a calificar el color. Crearemos otra carpeta de calificaciones. Lo primero que queremos hacer es crear una capa de ajuste de equilibrio de color. Para nuestros medios, queremos traerlo más al cian y al amarillo. Sombras empujarán al rojo un poco y al azul y lo más destacado, vamos a moverlo hacia el amarillo. Ahora la imagen más o menos cambia más hacia la coloración de nuestro póster de película, pero está un poco demasiado saturada, así que vamos a añadir una capa de ajuste de tonalidad y saturación y bajaremos un poco la saturación. Hagamos menos 40. Ahora puedes ver definitivamente lo hemos empujado más hacia el área gris. También voy a utilizar nuestra herramienta de gradiente, y utilizaremos un gradiente radial y acabo de presionar X para refrescar nuestra muestra de color. Yo sólo voy a empezar desde el centro, mantener presionada Shift y arrastrar hacia fuera para pasar fotograma, y quiero invertir esto también para que el borde exterior de nuestro marco esté más saturado y luego una vez que lleguemos hacia el centro, está más desaturado. También añadiremos una capa de ajuste de exposición y simplemente oscureceremos un [inaudible]. Ahora queremos agregar en nuestro logo de película. Al volver a nuestra carpeta fuente, vamos a ir bajo logo. Ahora solo abriremos este PSD, así que solo haremos doble clic, y el logotipo ya está colocado donde debería estar para nuestro marco de estilo así que todo lo que tenemos que hacer es hacer clic en la capa, presionar Shift, y arrastrarlo a nuestro fotograma actual. Podemos cerrar este PSD y arrastrémoslo a una carpeta de logotipos. Ahora quiero agregar algunos efectos. Crearemos una carpeta de efectos, y lo que queremos hacer es básicamente replicar el póster de la película donde tienen esa hojaldre de humo y vamos a añadir un soplo de humo similar a nuestra escena. Al volver a nuestra carpeta de fotografía, vamos a usar esta imagen. Lo arrastraremos a nuestro archivo de Photoshop y solo lo vamos a mantener a este tamaño original de aproximadamente 75 por ciento. Lo arrastraremos a nuestra carpeta de efectos. En primer lugar queremos colorear ligeramente esta imagen. Vamos a crear una capa de ajuste en blanco y negro, y vamos a mantener presionada la tecla de opción y verás que esta flecha aparece entre nuestras capas y eso solo significa que nuestro ajuste en nuestras capas y eso solo significa que blanco y negro sólo afectará a esta imagen. También vamos a sumar un ajuste de niveles, hacer lo mismo, mantener nuestra opción. Ahora vamos a sacar el negro [inaudible] en esta imagen, para que haya más contraste; y ahora cambiaremos el modo de mezcla de nuestra capa de imagen original a pantalla. Debido a que convertimos nuestra imagen en blanco y negro y ajustamos un poco los niveles, ha ayudado ya a mezclar mucho en nuestra imagen en nuestra escena. Tenemos lo mismo pasando aquí también con el pájaro en nuestra imagen, así que vamos a hacer lo mismo que hicimos antes, que es rasterizar la capa, usar nuestro pincel de sanación puntual y simplemente dibujar por todo el pájaro. Ahora vamos a cambiarlo de nuevo en un objeto inteligente. Haremos clic con el botón derecho y haga clic en Convertir a objeto inteligente. Ahora vamos a añadir un poco de desenfoque alrededor de nuestro hojaldre de humo. Volveremos a Filter, Blur Gallery, y en esta ocasión escogeremos Iris Blur. Se puede ver que básicamente se creó una forma ovalada en nuestro marco y esto solo se refiere al área de desenfoque. Pero nos extenderemos ligeramente y cambiaremos el desenfoque de 15 píxeles a hagamos 35, y ahora se pueden ver los bordes alrededor de este óvalo y fuera de él se han vuelto borrosas, y luego hacia el centro, sigue siendo bastante crujiente. Ahora estos puntos internos se refieren a cuando comienza el desenfoque aproximadamente. Si queremos que empiece antes, podemos arrastrarlo más cerca; pero si queremos que sea más hacia el borde exterior, podemos mantenerlo como estaba, y acabaremos de golpear Ok. Ahora lo que queremos hacer es básicamente cepillar la parte donde se detiene la imagen para que se vea sin fisuras en nuestra escena. Agregaremos una máscara de capa y nos aseguraremos de que nuestra muestra sea negra, y vamos a empezar a dibujar los bordes. Ahora quiero que el soplo de humo se refleje sobre el lago, versus estar directamente frente a la cámara. Entonces en realidad vamos a cepillarlo mucho, la porción del lago. Y de nuevo, voy muy a la ligera con mi pincel, para que no lo perdamos todo. Ahora se puede ver que se parece más a un reflejo. A ver. También voy a mover el alter sobre nuestra primera carpeta. Yo sólo quiero ajustar un poco el gris porque es sí se siente demasiado brillante y saturado, sobre todo con el soplo de humo. Voy a entrar en balance de color, lugar de 100 por ciento, voy a hacer 50 para traerlo más hacia el área azul gris. También voy a añadir un poco más de profundidad en nuestro fondo añadiendo un filtro de desenfoque en nuestra imagen original. Por lo que yendo bajo filtro, galería de desenfoque, vamos a usar el cambio de inclinación. Esta línea se refiere a la parte inferior del cambio de inclinación y esta es la parte superior, así que sé que no quiero afectar mucho la parte superior, así que la voy a arrastrar hasta la parte superior de nuestra imagen, y también vamos a arrastrar esta más hacia abajo, alineándolo con nuestra línea de horizonte. También vamos a subir el desenfoque de 15 a hagamos 50. Se puede ver ahora que se suaviza o la escena del lago mucho. También vamos a añadir otro desenfoque para ayudar a los bordes de la misma, que nos enfoquemos más en nuestro título de película. Volveremos a Filter, Blur Gallery y volveremos a elegir nuestro Iris Blur. Y ya puedes ver eso, eso enfoca la nitidez de la imagen hacia el centro donde está nuestro logo, pero esto es un poco demasiado, así que solo vamos a ensanchar nuestra máscara de Blur y de nuevo, pasaremos del 15 al 35. Golpe Return. Ahora quieres entrar en la parte divertida, que es como va a estar afectando el logo; para eso voy a ir a pantalla completa, solo para que podamos ver mejor. entrar en nuestra carpeta Logo, todo lo que vamos a hacer es básicamente hacer que parezca que el logotipo se está desintegrando. Para ello, vamos a usar un divertido pincel de Photoshop llamado salpicaduras. Si no has instalado pinceles Photoshop, también es bastante fácil. Volveremos a nuestra carpeta Fuente, y a nuestra carpeta Pinceles de Photoshop. Se puede ver que hay un archivo de pinceles de guión bajo salpicaduras. Todo lo que tienes que hacer es hacer doble clic sobre él mientras estás en Photoshop y se instala el pincel. En primer lugar, vamos a añadir una Máscara de Capa. Voy a seleccionar mi herramienta de pincel. Voy a hacer clic derecho en, para conseguir nuestro panel de pincel. Se puede ver en este momento todavía estoy en nuestro cepillo suave de opacidad de presión redonda, pero mirando hacia abajo, también tengo muchos otros cepillos instalados. El que acabas de instalar se llama los pinceles Spatter. Vamos a abrir ese menú y vamos a desplazarnos hacia abajo y vamos a usar los cepillos de salpicadura de Kyle, control de presión dos. Ahora puedes ver que ha cambiado nuestro cursor a esto como forma de salpicadura, así que asegurándonos de que todavía estamos en nuestra Máscara de Capa. Voy a acercar un poco más para que ustedes puedan ver. Ahora lo que vamos a hacer es solo usar nuestro pincel para dibujar en las texturas salpicadas en nuestro logo. También te darás cuenta de que cada vez que haces clic encendido y apagado, cambia automáticamente la posición de las salpicadas, lo que en realidad nos ayuda mucho. También me gusta asegurarme de que nuestra salpicadura no se vea demasiado uniforme, y así me gusta cambiar entre el tamaño del pincel mientras lo estoy usando, así que voy a mantener pulsado el control y la opción. Se puede ver que mi pincel de salpicaduras es mucho más pequeño. Ahora solo me voy a divertir con él y voy en diferentes porciones del logo y asegurándome de que también ajuste mi talla a medida que vamos. Ahora lo que vamos a hacer es asegurarnos de que todas las salpicadas que acabamos de dibujar, parezcan como partículas físicas que podemos volver a poner en escena. Voy a crear una nueva capa. Utilizando nuestra herramienta cuentagotas, voy a seleccionar el color de nuestro logo. Después volviendo a la herramienta Pincel, voy a dibujar sobre esta capa como si estas partículas se hubieran separado del logotipo. Ahora se siente más como las partículas fuera que somos parte del logo ahora están volando hacia afuera. Hace falta un poco de paciencia, porque a veces te dan demasiadas salpicaduras, a veces no lo suficiente. Quiero asegurarme de que renombramos esta capa, a salpicaduras. Ahora querrás llevarte el truco del póster de la película donde las letras están entrando y saliendo de la hojaldre de humo. En realidad vamos a añadir una máscara de capa a nuestra capa de logotipo. Acude a nuestro cepillo y solo asegúrate de que estamos de vuelta en opacidad de presión redonda suave vs nuestro cepillo Spatter y básicamente vamos a sacar ciertas porciones del logo para que parezca que está entrando y saliendo de la bocanada de humo. También usando el mismo truco de ajustar el tamaño de nuestro pincel a medida que vamos. Ahora hemos creado nuestro marco de título principal. 11. Storyboard: secuencia: Se puede ver con estos tres marcos de estilo que ya tenemos nuestro storyboard en marcha. Con el primer fotograma, está más hacia el comienzo de nuestra secuencia de título, podría estar en cualquier lugar de mediados a fin de nuestra secuencia, y nuestro marco de estilo de mosaico principal obviamente está hacia el final. Entonces ahora que tenemos tres fotogramas y realmente solo estamos haciendo seis, ya tenemos la mitad de nuestro storyboard hecho. Entonces ahora es el momento de encontrar dónde tenemos agujeros en nuestra secuencia de títulos, y cómo encarnarlo. Entonces una buena manera de asegurarnos de que estamos llenando todo lo que necesitamos en nuestra secuencia de título es crear básicamente marcador de posición. Entonces iremos a Archivo, Nuevo, crearé un nuevo marco HD, 16 bits, y haremos negro por ahora, sabiendo que estaré hacia el inicio de nuestra secuencia. Me gusta utilizar el espacio de trabajo de Photoshop donde puedo bloquear diferentes PSD uno al lado del otro. Pero también hay otras formas de hacerlo. Puedes optar por ir debajo de Ventana, Organizar, y flotar todo en Windows, por lo que todos estarán en su propia ventana separada. Entonces puedes simplemente reorganizarlo simplemente arrastrándolo en tu espacio de trabajo de Photoshop. Por lo que nuestro cuadro principal de título obviamente está hacia el final, y están dirigidos por el crédito también está en algún lugar ya sea rango medio o justo antes de nuestro tiempo medio. Sabemos con nuestro primer marco de estilo que es hacia el principio porque lo clasificamos en color para que pareciera antes del amanecer. Entonces ahora solo voy a arrastrar nuestra capa de tipo desde nuestro marco de estilo original. Eliminaremos la máscara de capa, y solo cambiaré este tipo de color a blanco por ahora, y también cambiaré la línea de crédito a 20th Century Fox Presents. También cambie el nombre de nuestro jugador de tipo, y ahora añadiremos otro marcador de posición. Pero esta vez usaremos el blanco sabiendo que está en el rango medio de nuestra secuencia. Voy a rastrear este azulejo en nuestro nuevo archivo de Photoshop, y cambiaremos el color a negro.Hagamos un crédito de reparto. Entonces aquí usaremos a Ben Affleck, y renombraremos nuestra capa. Después un fotograma HD más. Simplemente podemos mantenerlo también tomó la misma configuración que la anterior. Ahora arrastraré esto al nuevo cuadro, y teclearemos Rosamund Pike. También actualizaremos el nombre de la capa. Ahora se puede ver con solo colocarlo de esta manera, hemos llenado los vacíos de nuestra secuencia de título con marcador de posición, por lo que sabemos lo que aún nos falta. Ahora vamos a guardar nuestros archivos. Voy a crear una nueva carpeta llamada storyboard. Vamos a cambiar el nombre de esto a, “MainTitle_1”, y también vamos a guardar nuestro marco de estilo original en storyboard como, “MainTitle_2”. Guarda este como tres, éste como cuatro. Cambiaremos el nombre de éste a “MainTitle_5”, y nuestro último a “MainTitle_6”. Voy a reorganizar estas ventanas para que estén bloqueadas en su lugar. Entonces voy a ir debajo de Ventana, Organizar, y sólo voy a usar la sexta opción ya que tenemos seis cuadros. Por lo que los ha reorganizado en un orden un poco extraño y eso sucede a veces, pero sólo lo reorganizaré arrastrando y soltando. Ahora los tenemos en el orden correcto, yendo de izquierda a derecha, de arriba a abajo. 12. Storyboard: diseño: Llenemos el primer fotograma de nuestra secuencia de título. Por lo que realmente vamos a cambiar nuestra línea de crédito para asegurarnos de que coincida con lo que realmente se utilizó en la secuencia de títulos. Por lo que lo cambiaremos de 20th Century Fox Presents usando herramienta tipo arte, agregaremos Regency Enterprises y regalos comerciales para presentar. Más también copiar y pegar antenas presentes [inaudibles], y cambiar esto para agregar para asegurarnos de que estamos usando son tipografía secundaria para las diferentes líneas y nuestra línea de crédito. Hará también lo que le hicimos a una película de David Fincher que es para asegurarse de que cada crédito, papel y nombre esté en su propia línea separada, también dejará alinear el tipo versus [inaudible]. De nuevo, queremos asegurarnos de que nos dirigimos a la izquierda del título de seguridad para este marco. Entonces vamos a golpear Command, punto y coma y lo moveremos hasta que esté alineado a la izquierda. Ahora verás que cuando suban los chicos, pesar de que nuestra línea central vertical está arriba, parece que en realidad está sentado un poco por debajo de eso. Cuando nos fijamos en el 20th Century Fox y la parte superior del espacio de marco frente al espacio presente y al fondo de marcos. Una buena manera de asegurarse de que esté centrado verticalmente es colocar la capa tipo arte en una carpeta. Lo nombraremos tipo como lo hacemos y para asegurarnos de que cuando lo estemos realineando, que se seleccione la carpeta de tipos, y ahora verás que cuando la arrastramos hacia arriba con nuestra guía, el espaciado es correcto. Si bien estamos aquí, cambiemos nuestro título de capa de texto a 20th Century Fox presente y nos quitaremos las tripas, ya que este es el primer fotograma de nuestra secuencia de títulos, es importante tener en cuenta cómo progresará nuestra secuencia de títulos en cuanto a las tres partes diferentes que ya hemos cubierto, que es la composición, la topografía, y los efectos visuales. Dentro de todos estos, es importante tener en cuenta cómo progresa inmóvil. Entonces como este es el primer fotograma, queremos mantener todo bastante mínimo y sutil porque queremos facilitar en nuestro movimiento versus solo golpearlo con todo lo que tenemos [inaudible] los primeros vamos a trabajar con nuestros antecedentes, arrastrará esta capa a una carpeta y renombrará esto a fondo. Lo que quiero hacer con este marco es mantenerlo en el modo nocturno, tendrá un poco de color mirándolo a través para que sugiera algún tipo de movimiento y cambio en el fondo, y nos llevará a nuestro segundo fotograma. Entonces lo que voy a hacer es usar nuestra herramienta cuentagotas de ojos, y voy a entrar en nuestro segundo marco aquí y elegir un color azul oscuro. Usando nuestra herramienta de gradiente, estoy volviendo a nuestro primer fotograma agregar una capa, y primero quiero asegurarme de que estamos en una capacidad del 100 por ciento, y que nuestro gradiente esté usando la cola que acabamos de seleccionar. Gradiente lineal, solo voy a dibujar nuestro gradiente desde la parte inferior del cuadro, tirando hacia abajo turno y detenerme justo donde golpean las empresas de regencia. Ahora puedes ver que hemos añadido ese tipo de color recogiendo a través. Parece que algo está sucediendo en el fondo versus simplemente negro. Vamos a renombrar este dos color, y podemos desbloquear esta capa. Ahora en el curso de clase, puedes ver que nos estamos topando con ese tema de bandas otra vez, si estás siguiendo en tu marco, notarás que tu gradiente se verá suave ya que estamos en 16 bits. Pero como estoy grabando esto en QuickTime, y tiene esa cosa rara con la banding vamos a volver a nuestro cuadro principal de título dos. Voy a ir bajo efectos y volver a copiar sobre mi capa de ruido, manteniendo pulsado el turno y asegurarme de que el posicionamiento se mantenga igual de cuadro a cuadro. Ir a subir esto, volver a colocarlo dentro de su propia carpeta, nombrarlo efectos, y ahora puedes ver que hemos resuelto el problema de bandas. Ahora lo que queremos hacer es agregar el efecto [inaudible] al tipo de arte. Ya que esto es, nuevamente al inicio de nuestra secuencia de títulos, quiero mantenerla relativamente sutil. Por lo que no usaremos nuestra textura de tono de pantalla. Simplemente haremos el grupo offset glitch. Entonces otra vez, usando la herramienta de marquesina rectangular, quiero asegurarme de que estoy seleccionando capa tipo arte y voy a simplemente dibujar un rectángulo golpeando justo por encima del primer tercio del 20th Century Fox, se añadirá la máscara de capa. Haz lo mismo que hicimos antes, donde duplicamos la capa e invertimos la máscara. Vamos a renombrar a estos dos abajo y a estos dos arriba. Seleccionando nuestra capa superior, vamos a utilizar nuestra herramienta de movimiento y apenas desplazamos ligeramente el tipo. Se puede ver que apenas lo he movido sólo para mantener todo sutil. Nosotros vamos a hacer lo mismo con el presente. Entonces tomando mi herramienta de marquesina rectangular, voy a dibujar sobre la parte inferior del presente, y voy a duplicar esta capa superior, eliminar la máscara de capa, y aplicar una nueva con nuestra selección actual. Ahora si hacemos zoom, puedes ver en este momento que está desplazado, pero también conserva el posicionamiento original, y eso es porque tenemos eso que sigue ocurriendo en nuestra capa inferior desde antes. Voy a renombrar esta capa dos presentes, y voy a seleccionar esta máscara de capa. Después pasa a nuestra capa de texto inferior 20th Century Fox y selecciona esa máscara. Lo que voy a hacer es golpear turno, borrar, y se puede ver que trae hacia arriba una ventana de relleno, que es otra forma rápida de rellenar en cualquier área de selección con nuestro primer plano, fondo o color específico. Simplemente elegirá primer plano para el análisis, es negro, golpea bien y se puede ver que se quita esa doble capa de presente. Vamos a alejar el zoom. También voy a volver a elegir presente y moverlo a la izquierda apenas un poco para que no haya demasiado de un [inaudible] Ahora, nuestro efecto glaciar se ve muy bien con tipos de arte. Sigue siendo sutil, pero quiero colorear el tipo sutil para que se funde más en nuestro fondo. Voy a seleccionar el color que estábamos usando antes, y voy a agregar una capa de ajuste de color sólido usando el color que tomamos de antes, hit ok. Ahora voy a mover esta capa por encima del tipo arte para asegurarme que eso no esté en la carpeta de efectos. Yo quiero hacer lo mismo donde golpeamos opción y asegurarnos de que solo afecte a la capa de tipo. Por lo que puedes ver que se agrega el lavado de color solo al tipo de arte. Ahora quiero dar click en la Máscara de Capa y sólo voy a dibujar un gradiente lineal. Asegúrate de elegir eso como el gradiente blanco y negro. Voy a empezar arriba justo fuera de nuestro marco manteniendo pulsado Shift. Y lo voy a llevar justo donde empiece las empresas de regencia. Let Go, y se puede ver que se agrega ese gradiente al tipo de arte para que se sienta más integrado con nuestro fondo. También voy a renombrar esta capa para escribir color así que lo sabemos. Ahora acabamos de completar el primer fotograma de nuestra secuencia de título. Ahora, moviéndonos a la derecha en nuestro tercer fotograma de la secuencia de título, queremos abordar el primer crédito de elenco que ha sido como app. En primer lugar, trabajemos en nuestras imágenes de fondo. Por lo que volviendo a nuestra carpeta fuente, fotografía, vamos a usar esta imagen y arrastrarla a nuestro archivo de Photoshop. Bueno, hasta 10% más al 37% aproximadamente. Tan solo para que llene nuestro marco. Golpear retorno. Podemos eliminar esta capa por ahora. Pongamos esto en carpeta de fondo y esto en nuestro término de tipo. De nuevo, queremos colorear el fondo de grado. Vamos a crear una nueva carpeta llamada grado. Puedes cerrar esta carpeta por ahora. Primero vamos a cambiar esto a blanco y negro sólo para darnos un sueño limpio. Ahora agregando en nuestra capa en blanco y negro, queremos cambiar la opacidad de un 100 a 70. Por lo que no es completamente blanco y negro. Entonces vamos a volver a nuestra carpeta marco a grado, y vamos a usar ese mismo mapa de gradiente que se utilizan para ello. Sólo voy a seleccionar al asesino, mantener pulsado el turno, arrastrar, y en lugar de usar un color más oscuro para el modo de mezcla, lo vamos a cambiar para multiplicar. También cambiaremos la opacidad de 50 a 100. Ahora vamos a añadir una capa de ajuste de exposición. [ inaudible] su bajando la exposición solo para tabular y subir nuestra gamma. Ahora quiero agregar una capa de ajuste de balance de color. Para nuestros tonos medios lo vamos a arrastrar a nuestro cian, añadir un poco de nuestro azul. Nosotros vamos a hacer lo mismo por nuestras sombras. Entonces para los momentos más destacados, lo vamos a mover un poco al rojo. A mí me gusta cómo se ven los colores, pero aún así quiero que sea un poco más oscuro, así que voy a volver a entrar en exposición. Simplemente voy a bajar la exposición de bit para que en general las imágenes todavía bastante oscuras. Primera colección escribo de negro a blanco, y también la voy a alinear a la izquierda del título seguridad. Ahora queremos agregar en algún movimiento a nuestra imagen de fondo. Vamos a volver a la galería Filtro, Desenfoque, y vamos a elegir el cambio de inclinación. Definitivamente queremos que nuestras nubes hacia la parte superior del marco se borren, y lo mismo con la parte inferior, pero al fondo lo arrastraremos un poco por debajo. También cambiaremos nuestra bengala de 15 a 30. Ahora ya podemos ver que hay un poco más de profundidad en nuestro marco, lo cual es genial. Quiero profundizar esa profundidad agregando también en un desenfoque de ruta. Filtrar, desenfocar la ruta de la galería, y vamos a mover nuestro punto de partida del centro a cerca de dos tercios hacia abajo y mover nuestro punto final, el fotograma pasado hacia abajo. También cambiaremos la velocidad de 50 a 30, y también añadiremos 30 a nuestro cónico. Ahora tenemos tanto el efecto de profundidad en nuestro marco como el movimiento hacia arriba o hacia abajo. Después de trabajar en nuestra moción, estamos recibiendo un poco de ese efecto de bandas otra vez. Entonces voy a añadir una carpeta f x, y volviendo a nuestro segundo fotograma, voy a arrastrar nuestra capa de ruido para ayudar con el banding. Ahora es [inaudible] También voy a arrastrar por encima de nuestra tonificación de pantalla, recordando mantener pulsado Shift. Eliminar esta masa de capa. Voy a volver a posicionarlo por debajo de nuestra capa de ruido, podemos colapsar estos por ahora. Ahora queremos hacer lo mismo con nuestro tono de pantalla ahí como lo hicimos con el marco dos y cinco. Vamos a utilizar la herramienta de marquesina rectangular. Voy a dibujar una caja cerca de dos tercios abajo a través del crédito atletismo, y vamos a añadir la máscara de capa. También duplica esta capa y la voy a rastrear hacia arriba. Entonces lo voy a desvincular, seleccionar nuestra máscara de capa, y voy a este formulario. Ahora solo lo voy a girar ligeramente hacia arriba solo para darle una patada. Gire, y voy a subirlo. Se puede cambiar el modo de mezcla para dividir, pero ahora es demasiado duro así que vamos a cambiar la opacidad de un 100 a 30. También voy a volver a nuestra carpeta de calificaciones, y voy a jugar con el balance de color más para traer más de esos tonos azules para que coincida con nuestro segundo cuadro. A las sombras, lo voy a retocar ligeramente y lo mismo con nuestros reflejos. Cambiaremos el nombre de esta capa a la parte superior. Voy a volver a seleccionar la máscara de capa y utilizar nuestra herramienta de pincel. Yo sólo voy a dibujar de esta capa de tono de pantalla superior para que se combine más con nuestra imagen de fondo. Entonces nos quedamos con más de una astilla. También quiero volver a nuestra carpeta de calificaciones y queremos asegurarnos de lo que recortó cualquier máscara de capa y vamos a tomar nuestro azul oscuro original que seleccionamos para nuestro primer fotograma. Podemos golpear X para calificar en primer plano, y vamos a agregar una capa de ajuste de color sólido. También vamos a cambiar el modo de fusión de normal a lineal dodge add. Ahora seleccionando la Máscara de Capa, vamos a utilizar la herramienta de gradiente. Vamos a mantenerlo pero el gradiente lineal. Vamos a dibujar gradiente apenas desde cerca de un tercio en nuestro marco hasta la parte inferior de nuestro marco. También queremos recordar afectar capa tipo arte con el glitch. Así que selecciona nuestra capa de tipo, también vamos a golpear comando y seleccionar nuestra máscara de capa de tono de cribado original, agréguela a nuestro tipo. Duplicar, invertir nuestra máscara, y con nuestro teclado flecha derecha sólo unos toques para hacerla offset. Cambie el nombre de esto a otoño. También deseas seleccionar ambas capas de nuestro tipo. Entra en nuestro panel de personajes aquí, selecciona color, y muévelo a ese territorio azul cian plateado. Añadamos también o más un patrón solo para darle otro nivel de dimensión. Entraremos en nuestro quinto fotograma bajo efectos, y arrastraremos en esta capa moray y haremos lo mismo con el turno de mantenga pulsado. Asegúrate de que se coloca por encima de nuestro tono de pantalla, pero por debajo de nuestro ruido. Podemos eliminar esta masa de capa y añadir una nueva. Esta vez estoy pensando en cambiar nuestro modo de préstamo de luz normal a luz vívida, y luego con nuestra herramienta de pincel queremos hacerlo menos parejo, así que solo sacaremos un poco. Se ven geniales los efectos, pero queremos ajustar ligeramente el color y la exposición un poco. Volveremos a nuestra carpeta de calificaciones, exposición, y sólo voy a mover ligeramente nuestras compensaciones a la izquierda. Entonces solo sube un poco nuestra gamma. entrar en equilibrio de color, se quiere ir a las sombras, y yo quiero traerlo más al territorio cian. Lo mismo con nuestros medios. Ahora parece que salta de nuestro segundo cuadro a nuestro tercer cuadro. Juega seguro. Ahora pasaremos al cuarto fotograma de nuestra secuencia general. 13. Storyboard: cuadro final: Con sólo un fotograma por delante, se puede ver que el resto de nuestros marcos se agrupan muy bien, porque están en una historia de color similar. Se puede notar a partir del metraje y el color, la progresión de la secuencia de título desde la noche hasta el amanecer y la introducción del efecto glitch y cómo cada marco se acerca de manera diferente. Cuando nuestro guión gráfico se limita a tan pocos fotogramas, siempre es bueno mostrar un fotograma donde tenga un gran impacto y esa puede ser la forma en que se califica de color, la forma en que funciona el movimiento usando una Textura de Capa Exterior, o todo lo anterior, por lo que con nuestro cuarto cuadro, vamos a mover drásticamente nuestra gradación de color en este marco en particular. Primero hagamos una carpeta de fondo y arrastremos esto a nuestra carpeta de tipo y seleccionando nuestra carpeta de fondo. Volvamos a nuestra carpeta de fotografía y vamos a arrastrar en esta imagen. Lo escalaremos un 40 por ciento, presionaremos “Return”, y nos aseguraremos de mover esto a la capa de fondo. Vamos a mantener este marco relativamente cálido en el color actual en el que está, pero aún así le haremos un poco de calificación. Pero primero., vamos a alterar ligeramente la imagen superponiendo una imagen separada en la parte superior, así que volviendo a nuestra carpeta de fotografía, vamos a arrastrar en esta imagen ahora. Vamos a escalar esto en un 30 por ciento, pulsa “Return” y vamos a cambiar el modo de mezcla de normal a luz suave. Ahora se puede ver que hemos integrado los dos juntos. Y voy a volver a posicionar esto un poco manteniendo pulsado “Shift” y arrastrándolo un poco hacia abajo para que podamos conseguir más de estos rayos solares. También voy a añadir una máscara de capa. Utiliza nuestra herramienta de gradiente, spline lineal, voy a dibujar nuestra línea de gradiente de justo fuera a la derecha de nuestro marco a centro del marco. Ahora, tenemos ambas imágenes y vamos a hacer un color estético correcto. Empezaremos haciendo una carpeta correcta, agregaremos una capa de ajuste de tonalidad y saturación, y solo vamos a bajar un poco la saturación. También vamos a mantener nuestro tipo relativamente en el extremo oscuro, ya que nuestro fondo es claro. Pero también lo vamos a alinear con el derecho de seguridad del título. También vamos a ir a nuestro Character Panel, Color Swatch, y voy a traer a un morado profundo, solo para jugar los colores actualmente en nuestro marco. “ Está bien”. “Guardar”. Ahora, vamos a sumar en nuestros efectos. Podemos eliminar esta capa de fondo y siempre asegurarnos de que estamos seleccionando nuestra capa de imagen base. Ve a “Filtrar” “Blur Gallery” y luego también haremos un desenfoque de ruta en este. Moveremos nuestro punto de partida a la parte superior del cuadro, nuestro punto final a la parte inferior y lo cambiaremos de 50 a 70 por ciento. Se puede ver que se ha añadido algún bonito desenfoque de movimiento a las nubes de nuestro lado derecho aquí, y solo un poco a nuestra izquierda. También vamos a añadir en nuestra capa de tono de pantalla ahora. Voy a añadir una capa de efectos por encima de nuestra capa actual. Simplemente pasaremos a nuestro quinto fotograma, entraremos a la carpeta FX, y arrastraremos en nuestro tono de pantalla. Voy a hacer clic derecho y eliminar esta máscara de capa y vamos a utilizar de nuevo la herramienta lazo poligonal para dibujar un nuevo área de glitch. No lo quiero exactamente nivelado, así que lo voy a inclinar ligeramente hacia abajo y luego a través del nombre de Rosamund Pike. Lo cerramos y aplicaremos la Máscara de Capa. Seleccionaremos esta Máscara de capa y la aplicaremos a nuestra capa de tipo. Haz lo mismo donde duplicamos y luego invertimos la máscara, llevando esto al fondo y esto a la parte superior. Seleccionando la capa inferior, usa tu herramienta de movimiento y nuestra flecha izquierda del teclado, vamos a moverla un poco hacia la izquierda. También quiero diferenciar a los dos más simplemente bajando la opacidad de la capa superior de un 100 a hacer, 70. Golpea “Guardar”. Ahora, también vamos a duplicar nuestra capa de tono de pantalla. Vamos a eliminar esta máscara de capa y vamos a redibujar usando nuestra herramienta de marquesina rectangular otra área de selección de glitch. Agregaremos la máscara de capa y cambiaremos el modo de fusión de color dodge a color burn. Usemos también nuestra herramienta de pincel para dibujar ligeramente nuestro un poco de nuestra máscara de capa. Ahora, quiero tomar nuestra imagen de fondo y en realidad insertar eso en esta asolada de nuestro glitch, entonces lo que vamos a hacer es, voy a colapsar todas las capas, y voy a desactivar la visibilidad para nuestro tipo para ahora, y para nuestros FX y vamos a seleccionar la carpeta correcta. Entonces voy a golpear “Shift”, “Opción”, “Comando E”. Esto básicamente ha fusionado tanto nuestras capas correctas como de fondo en una sola capa de photoshop. Es un truco ingenioso cuando solo quieres tener una capa de toda tu imagen de fondo. Vamos a renombrar esto a Fondo. Voy a dar vuelta a nuestros FX y tipos de capas. Voy a abrir nuestra carpeta FX, y voy a mover esta capa de fondo a encima de nuestra capa inferior de tono de pantalla y vamos a seleccionar la máscara de capa inferior de tono de pantalla, aplicarla a nuestra capa de fondo, y cambiar el modo de fusión de esta capa de quemado normal a lineal. También lo vamos a desvincular y asegurarnos de que tenemos seleccionada la capa de imagen y vamos a mover esto hacia abajo, que tengamos un poco más del rellink de definición de nube. Al hacer clic en la máscara de capa vamos a utilizar nuestra herramienta de pincel para volver a cepillar la mayoría de esto para que no sea tan duro. También voy a volver a nuestra capa superior de tono de pantalla y quiero ajustar la forma de esto también, así que voy a volver con nuestra herramienta de pincel, solo quiero cepillar la mayor parte de esto en el lado izquierdo solo para que no sea tan parejo. último, pero no menos importante, vamos a añadir en la textura del muaré, así que vamos a volver a nuestro quinto fotograma, seleccionar la capa de muaré, y la vamos a arrastrar a nuestro cuarto fotograma. Eliminaremos esta máscara de capa, aplicaremos una nueva, y solo haremos lo mismo con las otras, o simplemente sacamos un poco de lo que queremos, así que no está sobre todo el marco y voy a mantener el textura más hacia la parte superior para este marco. Cerraremos esto de nuevo y guardaremos todos los archivos. Ahora, hemos llenado todo nuestro guión gráfico de secuencia de títulos. Si bien trabajamos en nuestros tres primeros marcos de estilo independientemente el uno del otro, donde realmente nos enfocamos en cada marco de estilo y cómo queríamos que pareciera, lo mejor es que una vez que estés trabajando en el guión gráfico completo, para presentarlo de esta manera, donde puedes ver todo a la vez, porque así es como puedes determinar que todo está dentro del rango de color correcto en el que quieres que esté, y que aún hay una progresión que estás viendo dentro de la secuencia de título de movimiento, de cómo funciona el tipo, y cómo estás afectando a tu metraje. De un vistazo, nuestros tableros se ven bastante bien. Definitivamente vemos la progresión de la noche al día y también tenemos una bonita progresión de nuestro efecto glitch con nuestro tipo, para que cada fotograma no sea exactamente igual. Pero en este punto de vista, donde tenemos los seis cuadros arriba, se puede ver ese marco cuatro y cinco, el efecto de fallo en realidad es relativamente similar. Aquí puedes ver que nuestra capa de glitch superior, es casi del mismo tamaño que el marco cinco, y luego la inferior también. También puedes decir que el color entre el marco dos y el marco tres sigue un poco apagado, porque éste está más en la gama azul-verde versus éste definitivamente es más azul, con un poco de cian hacia la parte superior aquí. También se puede decir que entre el marco cinco y el marco seis, el color está ligeramente apagado. Este es mucho más cálido y más azul frente a éste está menos saturado. Ahora que hemos detectado estas diferencias dentro de nuestro guión gráfico, podemos actualizarlas para perfeccionar la secuencia de títulos. 14. Storyboard: ajustes finales: En primer lugar trabajemos en el Fran cinco. La primera actualización que vamos a hacer es el color. Voy a volver a nuestra carpeta de calificaciones y voy a añadir una capa de ajuste de tonalidad y saturación. Yo sólo voy a bajar la saturación de la misma. Hagamos menos 20. Voy a mover nuestro matiz un poco hacia la izquierda para que estemos más hacia el cian. Se puede ver con sólo hacer esos dos pasos, se siente mucho más dentro del mundo de nuestro marco final. También quiero entrar en nuestra capa FX y seleccionar nuestra máscara de capa screentone. Usa la herramienta de pincel y simplemente dibuja ligeramente el extremo izquierdo de éste y el derecho, solo para que el efecto se sienta menos duro. Ahora, pasemos al marco 4, ya que las formas del efecto glitch tanto para cuatro como para cinco son tan similares. Vamos a llegar a estas máscaras. Entrando en FX, screentone, la versión top, y solo voy a eliminar esta máscara de capa. Quiero utilizar la herramienta Lazo poligonal. Vamos a dibujar en el fondo de esta vez. Voy a empezar de nuevo nuestro marco. De nuevo, no quiero nada demasiado nivelado. Voy a hacer que este fondo sea más grande también. Tipo de cosas. Aplicaremos nuestra máscara de capa. También voy a desvincular seleccionar nuestra máscara de capa inferior y utilizar nuestra herramienta de movimiento, solo muévala un poco hacia arriba para que llegue a nuestro rasguño superior hasta allí. Vuelve a enlazar y quiero cambiar la capacidad de 50 a 20. También voy a actualizar la capacidad de la capa de fondo, de 100 a 60. Sólo para que no sea tan duro. A salvo aquí. Ahora, pasando a nuestra actualización final, vamos a ajustar la gradación de color en el cuadro 3. Vamos a cambiar el modo de mezcla de Dodge Lineal a Color Dodge. Entonces, vamos a entrar en nuestra capa de exposición y traer un poco nuestra corrección Gamma. También vamos a añadir un poco más de brillo hacia la parte inferior de nuestro cuadro, para que aunque nuestro cuadro 4 sea un atípico, todavía podemos ver que hay una progresión en cuanto a la noche a la jornada. Voy a alejar un poco de nuestro marco, asegurarme de que estamos en la máscara de capa de nuestra capa de exposición. Vamos a utilizar nuestra herramienta de gradiente. Asegúrate de que sea un gradiente radial. Simplemente vamos a dibujar un gradiente desde el marco exterior y luego dibujarlo de vuelta aquí. Dado que esta es la parte inferior izquierda de nuestro marco, sí coincide con la parte superior izquierda de nuestro marco 4 donde están los resúmenes. Apetaremos a Save. Completamos completamente nuestro storyboard. 15. ¡Gracias!: Muchas gracias por tomar esta clase. Espero que hayas aprendido algo fresco y nuevo en Photoshop, espero que hayas disfrutado de tu primera experiencia diseñando títulos principales y tu primer storyboard. Te animo a probar cosas diferentes. No tienes que hacerlo como yo lo hice. Se pueden cambiar los colores, cambiar la fuente, cambiar las imágenes por completo. Juega con él, sobre todo, espero que te divirtieras. Si tienes alguna pregunta, por favor siéntete libre de contactar. Gracias otra vez.