Creación de contraste con acuarela y Procreate

1. Introducción: [ MÚSICA]. ¿ Se puede agregar más contraste a esto? Era algo que escuchaba a menudo de directores de arte con los que trabajé en mis primeros días como ilustrador de alimentos. El contraste agrega profundidad, forma, y ese pop extra en las ilustraciones, lo que ayuda a que los productos se destaquen en el estante. Pero si eres como yo, este fue un concepto y habilidad realmente difíciles de dominar. Hola, soy Amar. Soy artista de ladrillos de boceto y el ilustrador para empaques de alimentos, tarjetas de felicitación, ropa de regalo, y un maestro superior aquí en Skillshare. [ MÚSICA] En los últimos años, he tenido que subir de nivel mi comprensión del contraste de valor, encontrando formas divertidas de realzar el contraste con el fin aplicar los principios clave a proyectos comerciales y de cuaderno de bocetos. A pesar de ser un concepto fundamental importante en el arte, la forma en que me enseñaron a ver y hacer contraste como estudiante de arte simplemente no me excitó y mis conocimientos faltaban hasta hace poco. Esta clase será útil para cualquier persona que quiera mejorar sus conocimientos laborales de contraste en su arte volviendo a lo básico. Estaremos explorando cómo podemos usar el contraste simple, oscuro y claro para crear una representación más creíble del mundo 3D en una superficie 2D usando la acuarela y la aplicación Procreate. En esta primera parte de una serie, aprenderemos a acumular lentamente tu percepción de cómo las diferentes condiciones de iluminación afectan a los objetos, empezando por estudios divertidos, después pasando a una simple naturaleza muerta, combinaremos los resultados expresivos de estilo libre de la acuarela, luego usar algunas herramientas básicas para quitar el fondo, luego construir nuestros estudios monocromáticos en Procreate. No hay necesidad de caballetes de escuela de arte y carbón desordenado. Por favor, únete a mí con una actitud abierta para explorar algunos conceptos clave de una manera divertida. 2. Tu proyecto y por qué usamos dos medios: Tu proyecto es crear una serie de imágenes monocromáticas incorporando acuarela y Procreate para mejorar tu comprensión del contraste de valor. Estamos empezando con huevos básicos en diferentes condiciones de iluminación. Después pasar a los objetos encontrados para crear un simple bodegón. Me encantaría ver tu gráfico de valor de acuarela o gradiente. Uno o más estudios de huevo monocromático utilizando acuarela y Procreate, y un simple estudio monocromático de naturaleza muerta utilizando acuarela o Procreate. Te explicaré en un video posterior por qué nos estamos apegando a simple monocromo. Me gustaría que escanearas o tomaras fotos de tus piezas y las subas a la sección de proyecto de clase, que está bajo esta pestaña. Desde los primeros proyectos de ilustración de alimentos de comisión en 2015 hasta algunos de mis proyectos más recientes, una de las frases más comunes que usaría el director de arte fue, me gustaría ver un poco más de contraste. Para poner esto en el contexto de ilustraciones que he usado para el envasado de alimentos, tienen que destacar en la estantería entre los productos de los demás competidores. Visualmente tienen que pop mientras enfatizan lo naturales o frescos que son los ingredientes. Cuando muchos directores de arte repiten la misma frase en proyectos del mundo real, tuve que escuchar. Siento que he aprendido más sobre contraste de valor en los últimos años que durante toda mi educación formal de la escuela de arte cuando pasé un día a la semana durante casi cuatro años en clases de dibujo de vida. Tengo que admitir que no aprendí tanto como pude tener porque francamente, esas lecciones me parecen muy tediosas y no muy inspiradoras. Seguro que algunos de ustedes jadearían, pero es cierto. En mi curso de fundación de arte en Cambridge, recuerdo estar sentada en un caballete durante horas a punta con decenas de palos de carbón mientras que el tutor explicará sobre proporción, forma, textura, línea, volumen, y espacio negativo así como contraste de valor. Dibujamos con carbón vegetal, mezclando áreas y logrando reflejos levantando el polvo de carbón con cauchos de masilla. A pesar de que sabía que era importante aprender, no me gustaban los estudios tapados, el sonido de ese carbón vegetal, ni el polvo que creaba. Fue tan desordenado y laborioso y fui muy lento para agarrar los esenciales clave probablemente porque voy, bordo. Siempre estaría apuesto por el tren a casa con una enorme pila de bocetos, revoloteando sobre carbón se me pasaba por la cara y la gente en el tren me miraba fijamente y me encorvaría en la esquina, simplemente totalmente agotado. Desde entonces descubrí la forma en que mejor aprendo es cuando me estoy divirtiendo, cuando estoy disfrutando del proceso, y muchas veces me motiva a explorar más avenidas. De ahí que, por qué nunca he apreciado esas lecciones de carbón hasta el día de hoy, todavía tengo aversión a usar ese medio. El modo en que me enseñaron a considerar el contraste hace todos esos años no es la única manera en que podemos acercarnos al contraste de valor. Con la versión que hoy les voy a mostrar después de poner acuarelas y cuando se esté secando, podemos tomar una foto de ese boceto e importarlo a Procreate, donde podemos agregar más detalles a apoyar los reflejos y las sombras. Con la magia del botón “Deshacer”, la inmediatez y los resultados rápidos habrían sido algo que me hubiera encantado ver en nuestra vida universitaria clases de dibujo. No vamos a estar quitando los resultados de aprendizaje usando este método o médiums. Digamos que es un método más actualizado. Solo utilizaremos unas pocas herramientas básicas en Procreate y no necesitarás un amplio conocimiento de ello para lo que estamos tratando de lograr. Sobre todo, vamos a aprender de una manera divertida y rápida. Tenemos algunos principios rectores. A menudo los resultados serán únicos. Como artista trabajador o ilustrador, se quiere lograr un trabajo único. Como he descubierto, contraste de valor es en verdad un tema inmensamente interesante y gratificante porque hará que tu arte cobre vida al agregar esa ilusión de profundidad, al hacer más tu arte dimensional y fresco. 3. Materiales necesarios: [ MÚSICA] Para esta clase necesitarás papel impreso, solo tu personal estándar de Xerox para los calentamientos. Ya que todo lo que vamos a estar haciendo es acostumbrarnos a manejar nuestra pintura cierta manera para ayudarnos a entender dónde agregar pigmento o cuándo dejar el papel blanco. Tendrás menos probabilidades de ser precioso usando papel más barato cuando intentas familiarizarte con esta forma de trabajar. También necesitarás papel de cartucho de peso pesado. Se trata de papel A4 multiusos de Daler Rowney, alrededor de 220 GSM y es bastante liso, o papel básico de acuarela. No es caro. Nuevamente, alrededor de 220-280 GSM. hoy, estoy usando Fabriano, que está prensado en frío. Estaremos necesitando estos para algunos de los calentamientos y también para las piezas de naturaleza muerta y también necesitas cortar parte de tu papel de acuarela en tus pocas tiras que miden aproximadamente 10 por 30 centímetros. También necesitas algunas acuarelas. Puedes elegir un color o cambiarlos a través de los ejercicios de calentamiento, elegir entre negro o ultramarino claro gris o azul oscuro de Payne, o umber quemado o sepia. También necesitarás cepillos. Yo recomendaría un cepillo redondo número 8 o 10. También necesitas un iPad usando Procreate versión 5, no necesariamente necesitas un iPad Pro, pero sí te recomiendo tener un lápiz de Apple. Además, necesitarás huevos para nuestros primeros bocetos ya que es una forma tan básica y puedes usar huevos estándar o blancos, cualquiera que sea tu mercado local que venda. Además, será realmente útil tener una pequeña lámpara de escritorio, preferentemente una con brazo blando o una antorcha pequeña y puedes tirar las cortinas de una habitación para ajustar parte de la luz. Además, un temporizador tal vez en tu teléfono o cosa tipo temporizador de cocina, y también algunos otros artículos pequeños para tu naturaleza muerta. Mira alrededor de tu casa y encuentra 6-8 artículos que sean sencillos en forma, pero ligeramente diferentes. Si es posible, intenta encontrar objetos del mismo color. Estaré eligiendo el blues ya que te dará un pequeño impulso para ayudarte a entender los valores cuando algunos de los artículos se colocan delante o detrás o al lado del otro. 4. La aplicación Procreate es una herramienta útil: aspectos básicos vigentes: En versión temprana de esta clase antes este formato que estás viendo en este momento, pensé que sería una tarea realmente sencilla mostrarte cómo acuarela algo importado a la app Procreate y luego agregar capas de color para hacer una gran ilustración. No obstante, como llevo mucho tiempo desarrollando esta clase, el periodo interviniente me permitió entender algunos de los puntos de dolor y otras frustraciones para los estudiantes a la hora de crear arte e ilustraciones. Por eso el enfoque de esta clase se ha desplazado para entregar un enfoque mucho más redondeado. Saber usar el contraste es una parte tan esencial de crear arte efectivo, que a veces se pasa por alto. Como maestra y trabajando en Illustrator, me sentí incómodo porque algunos de mis seguidores parecían estar bajo la ilusión que Procreate era algún atajo mágico a resultados sorprendentes. Nunca me gustaría dar la impresión que simplemente uso esta app, resolvería muchos de nuestros problemas. Procreate es un arte maravilloso que se ha convertido en una de las herramientas más populares del mundo del arte digital. Es altamente versátil y genial para todos los niveles de artistas, desde principiantes hasta avanzados. Como programador digital, siento que Procreate tiene un tablero intuitivo con acceso rápido a una amplia gama de efectos de pincel, como carbón y líneas entintadas, lo cual es increíble para ayudar a los artistas a recrear medios de arte tradicional digitalmente. Cuando empecé a crear ilustraciones con la mezcla de acuarela en Procreate y luego publicar lapses de tiempo en Instagram, había mucho interés por cómo incorporé Procreate a mi flujo de trabajo. Lo que me sorprendió fue la preocupación por el elemento Procreate. Además, hubo conceptos erróneos de cómo logré que la acuarela se viera tan real. Empecé a incluir la parte de pintura física en estos lapsos de tiempo para demostrar que uso acuarela real. Procreate es ideal para principiantes, pero es aún mejor cuando se usa con bases fuertes. Empecé como un principiante completo, pero lentamente incorporé Procreate dentro mi flujo de trabajo mientras confiaba en mis conocimientos de los fundamentos del arte. Es en esas fundaciones, conociendo y utilizando los principios rectores básicos del arte que podemos esperar seguir creciendo como artistas. El gran arte sigue conceptos clave básicos sobre cómo se ve la realidad. Los principios más comunes son la línea, forma, la perspectiva, la luz y el valor. Más allá de estos cuatro principios fundamentales, existen conceptos más avanzados como la composición y la proporción. Para esta clase, sólo voy a elevar nuestra conciencia de la luz y el valor, más específicamente cómo la luz hace diferentes valores cuando cae sobre cualquier cosa. Vamos a empezar con un ejercicio realmente sencillo, luego una serie de estudios para ayudarnos a interpretar objetos básicos usando acuarela. Después tráelos a Procreate al final para detalles de contraste. En el siguiente video, voy a explicar cómo la pintura monocromática tiene una gama de beneficios para entender el valor y estudiar la luz y las sombras. 5. Detección de contraste: comprender el contraste de valores: Value Contrast es un tema enorme, así que voy a tratar muy duro de dividirlo en algo que sea realmente sencillo de entender. Como seguro hubiera apreciado que alguien hiciera eso por mí cuando empecé con acuarelas. ¿ Qué es el contraste de valor? El color suele ser la cualidad más atractiva de una pintura o ilustración. Pero lo creas o no, el valor es más importante que el color para el diseño y el éxito de una obra de arte. En pocas palabras, trata de la ligereza u oscuridad de un color. Podemos ver las cosas porque la luz se refleja fuera de los objetos y entra en nuestros ojos. Nuestra mente procesa la luz y racionaliza lo que estamos viendo. Entonces para dibujar o pintar de una manera que crea una ilusión de lo que vemos, debemos entender la luz y cómo reacciona en las superficies. valor es la clave de la ilusión de la luz. Una escala de valor es una herramienta utilizada para medir el valor de todos los colores. Aquí están las escalas de valor que creé para los colores rojo, azul y verde. Si fuera a convertir esta imagen a blanco y negro, se puede ver que casi todas se ven iguales. En esta escala, los valores de luz se denominan tintes, mientras que los valores oscuros se denominan tonos. reflejos en las pinturas suelen ser indicados por los tintes de color, mientras que las sombras suelen estar indicadas por los tonos de un color. Déjame darte un ejemplo usando esta taza. Si sacáramos todos los colores, seguiríamos viendo la taza y la reconoceríamos como una taza. En otras palabras, solo estamos mostrando los valores de esta taza. Viene la luz de la izquierda y está golpeando ese lado de la taza, así como algunas secciones izquierdas y el mango. Si llevamos esto un paso más allá y aislamos tres de los valores. Tomé la foto de esta taza y me separé en tono oscuro y medio y un blanco en Photoshop. Podemos ver cómo se puede descomponer en lo esencial. Todo el punto al valor es construir básicamente la ilusión de reflejos y sombras con una fuente de luz. Recuerda sin luz no podemos ver. Aquí están las luces, oscuras, y tonos medios que le dan una dimensión y forma a la pintura. Si tomaste mi clase de Florales Orgánicos y Expresivos, tal vez recuerden que discutí estudios de valor dentro del contexto de pintar flores. No obstante, en esta clase, quiero presentar una información más amplia referente a un aspecto importante del valor, el contraste. Ya empleo mucho contraste en mi trabajo de cuaderno de bocetos de acuarela. Si cambiáramos estos en monitoreo o en blanco y negro, se pueden ver zonas distintas de oscuridad y luz. En esta versión de un pulpo, hay dos ejemplos en esta página que pinté en blues, que funcionó muy bien para este tema. No obstante, si le quitas el color, todavía les tienen mucha profundidad. En este boceto de un buzo, me inspiró una gran foto, que da una verdadera sensación de estar bajo el agua, buceando entre los bosques gigantes de algas. Se puede ver mucho contraste ocurriendo aquí. Otro buen ejemplo es esta pecera. Creé a partir de una pieza de cuaderno de bocetos, que tenía que dividirse en cuatro colores o tres azules y blanco para poder imprimirse sobre diferentes sustratos. Ahí hay suficiente contraste ocurriendo para que esto sea posible. Para entender realmente el concepto de contraste, vamos a hacer escala de valor rápida usando acuarela para ver una gama de blues, todo el camino desde el azul realmente oscuro hasta el blanco. Entonces únete a mí para la siguiente lección en video. 6. Detección de contraste: crear estudios de degradado: En esta videolección, vamos a pintar algunas escalas de gradientes muy informales usando tu pintura de acuarela. Este ejercicio dará lugar a estudios monocromáticos, que son una gran manera de experimentar con tus pinturas a medida que te familiarices con cómo funcionan tus acuarelas sin la complicación añadida de tener que haz las paces con diferentes colores. Necesitas un cepillo redondo número 8 y papel de madera de calidad estándar. Por lo que no hay necesidad de usar cosas 100 por ciento de algodón para esto. hay necesidad de dibujar casitas usando reglas. He cortado mi papel en una tira larga, aproximadamente de 10 por 30 centímetros. Te mostraré el motivo esto en mi próxima lección en video. Ahora, empezamos por elegir un color. Voy a usar azul índigo. Ya sea que estés usando sartenes de acuarela o exprimiéndola de un tubo, comienza con una mezcla realmente gruesa en tu cepillo para que apenas puedas extenderla. Entonces poco a poco agregarás más y más agua. Simplemente vamos a crear una forma de rectángulo largo, aproximadamente cuatro por un centímetros usando nuestras acuarelas. Empezando por la parte superior con el pigmento concentrado, y luego poco a poco trabajando nuestro camino hacia abajo a medida que agregamos más agua. Poco a poco, podemos ver que realmente empieza a volverse más ligero y ligero. Sigamos hasta que sólo se pueda ver el más merecido toque de un azul. Aunque parezca más oscuro de lo esperado cuando lo estás mezclando, probablemente se seque, mucho más ligero, y también depende la marca de acuarela que estés usando y de qué grado sea. Hacer un estudio de gradiente es una práctica realmente buena para controlar y manipular la pintura y aprender cuánta agua usar para lograr un cierto tono. Incluso para mí, es realmente útil volver a visitar, sobre todo si has comprado un nuevo color, solo para familiarizarte con sus capacidades. También es realmente relajante, un poco como la meditación mindfulness, ya que hay que estar realmente presente y prestar atención a la gradual adición del agua. No tiene que estar limpio o espaciado uniformemente. Algunos artistas pueden lograr 20-30 tonos, pero si solo puedes conseguir 10 en, eso está absolutamente bien. No hay forma correcta o incorrecta de hacer esto, siempre y cuando entiendas cómo se comporta tu pintura cuando agregas más agua hasta que apenas quede ningún pigmento en absoluto. Aquí te dejamos algunas otras que probé solo por diversión en verde prusiano y marrón. Por favor, no descartes este video ni saltes este ejercicio ya que será increíblemente útil al final de la línea. Este es uno de los entregables, así que por favor subirlo como parte de tu proyecto de clase. Ahora echemos un vistazo a estos estudios de gradiente. Cuanto más alejados estén los dos valores en la escala, más fuerte será el contraste entre ellos. Por lo que existe mucho contraste entre esto aligerado y aquí en el extremo opuesto, donde hemos usado mucho pigmento. Pero hay menos contraste de valor entre estos azules más oscuros y nuestro primer parche, donde aplicamos la pintura directamente del tubo. Están muy cerca el uno del otro en la escala. No obstante, los valores contrastantes juegan al lado del otro o se acentúan entre sí, por lo que las luces aparecerán más claras, y los oscuros aparecerán más oscuros. Ahora coloca tu huevo encima de una muestra y mira todas las variaciones del valor e intenta combinarlas con el huevo. Prueba a entrecerrar los ojos. En algunas áreas pequeñas donde coinciden los valores, parecerá que se han fusionado. 7. Detección de contraste: observar la luz y las sombras: En esta lección, realmente estamos volviendo a lo básico comenzando con la observación directa. Aquí es donde necesitarás ese gradiente que creaste. Dibujar, pintar, bosquejar desde observación directa es una experiencia completamente diferente al dibujo o la pintura utilizando referencia fotográfica que has impreso todo exhibido en una pantalla. Cuando un artista dibuja o pinta de la vida, en realidad son capaces interactuar con el sujeto de primera mano. Esto nos trae una riqueza de información que potenciará nuestro trabajo de diversas maneras. Observar desde la vida ayuda con la comprensión visual, conciencia espacial, y recordar los detalles de un objeto. Observar y registrar lo que ves mejora tu comprensión de tu tema y cómo podría interpretarse. Esto formará parte de tu memoria muscular que se desarrollará a medida que mueves tus ojos del sujeto al papel mientras controlas tu mano y tu pincel de pintura. Un error común para muchos de nosotros, incluyéndome a mí mismo, es intentar dibujar las cosas de la forma en que crees que deberían verse en lugar de la forma en que realmente se ven. Es hora de sacar tus huevos y usar las lámparas o una linterna para iluminar el objeto desde diversos ángulos. Para poder agregar el resaltado y la sombra correctos a tu obra, necesitas entender los conceptos básicos de cómo reacciona la luz con los objetos a los que golpea. Deberías estar apuntando a observar a tu sujeto al menos el 50 por ciento del trabajo tiempo al intentar pintarlo o dibujarlo. Aquí es donde tomamos nuestras tiras de gradiente y las sostenemos hasta el huevo y vemos todos los diferentes valores que están sucediendo aquí. Preste atención a donde la luz golpea el objeto, donde es más brillante, y donde se difunde más. Aquí tenemos mi configuración realmente simple y básica, pero es exactamente lo que necesitamos porque la fuente de luz viene de mi parte superior derecha y está golpeando este lado del huevo, lo que está causando lo más destacado. Tenemos aquí la sombra de fundición y aquí la sombra de forma porque la mayor parte del huevo está creando la sombra donde la luz no puede llegar a ella. Justo debajo, te voy a decir un gran consejo, es si entrecerras, eres capaz de filtrar la luz mucho mejor, y puedo ver por eso, hay una luz reflejada ahí abajo, por lo que es bastante ligero bajo el borde del huevo. Ahora vamos a traer las tiras que creamos antes, nuestras tiras de gradiente. Si movemos todos estos diferentes gradientes a lo largo del costado del huevo, podremos ver cuánto pigmento vamos a tener que mezclar cuando pintemos partes de este huevo. Aquí abajo, está tan oscuro, es literalmente este extremo de la escala. Pero si miramos lo más destacado, si doy la vuelta a esto, no necesitarás ningún pigmento ahí en absoluto. Cuando vengamos a pintar eso, creo que vamos a dejar el papel blanco, y te voy a mostrar cómo hacer eso en el siguiente bit. Quiero mostrarte solo unos ejemplos más que realmente entiendas cuántas variaciones de luz y sombras se pueden lograr usando solo un huevo. Espero que te inspire a crear tu propia configuración. Aquí tenemos el huevo sobre un fondo oscuro con una luz fuerte desde arriba a la izquierda. Este es el punto culminante, la sombra de forma, la sombra de fundición, y aquí está la luz reflejada. Este es el huevo sobre un fondo blanco usando luz suave de la derecha. Nuevamente, está la sombra, el resaltado, la sombra de fundición, y la luz reflejada. Aprender los conceptos básicos del valor mejorará significativamente tu pintura. Esto es lo que te permite pintar un objeto y darle la ilusión de ser tridimensional en lugar de simplemente ser plano en tu papel. 8. Estudio 1a: huevo en acuarela: En este apartado, vamos a empezar con el estudio de los huevos que vimos antes. Esto puede sonar engañosamente simple, sin embargo nos presentará muchas áreas de aprendizaje, desde la forma y la forma, hasta la comprensión todo importante del contraste de valor. Es una gran idea aprender primero a pintar temas simples antes de pasar a proyectos más difíciles para construir nuestra confianza y conciencia. No sólo vamos a ejercer nuestras habilidades observacionales y de representación a lo largo del proceso, vamos a tener que interpretar visualmente lo que estamos viendo. Nuestros cerebros juegan un papel importante, en por qué vemos las cosas en la vida de la manera en que lo hacemos. Para mantenerlo súper simple, sólo vamos a usar un solo color. En otras palabras, trabajaremos monocromáticamente. Si eres nuevo en trabajar con contraste, entonces el color puede ser una distracción y en realidad obstaculizar tu proceso de pensamiento en las primeras etapas. Crear arte es una mezcla de formas, valores, bordes y color. Quitar el color, significa que tienes una cosa menos de la que preocuparte. La pintura monocromática tiene una gama de beneficios. Hace que tu proceso de pintura sea más sencillo, al eliminar esa incertidumbre sobre el color. También elimina las complicaciones de la mezcla de colores, elegir un esquema de color o pensar en la teoría del color. También te ayudará a familiarizarte con cómo producir diferentes valores. Como se mencionó, aprenderás cuánta agua usar para lograr un valor tonal deseado. bocetos monocromáticos son una gran manera estudiar la luz y las sombras, para diferenciar entre los reflejos, tonos medio y los oscuros, y recrearlos en tu boceto de acuarela en su apropiado ubicaciones. Tenga en cuenta, estaré dando seguimiento a esta clase con otra, donde introduciremos el color, pero simplemente no en esa etapa todavía. Empezaremos con algunos calentamientos cortos en papel de impresora. En primer lugar, vamos a pintar la forma de nuestro huevo, con algunas sombras de forma. Entonces vamos a pintar la forma con sombras de fundición. Después los vamos a pintar en papel de arte pesado o papel de acuarela, antes de llevarlos a Procreate para las modificaciones y mayores detalles. Si viste algunas de mis clases anteriores, sabes que soy un gran fan del papel de impresora porque tendemos a ser menos preciados sobre arruinarlo y hacer un lío. Si no funciona, simplemente lo tiramos a la pila de reciclaje. Recuerda, estas son simplemente ideas realmente rápidas para ayudarnos a familiarizarnos y no están destinadas a ser obras maestras. Tenemos una mente abierta. Vamos a armar los huevos para nuestros estudios. Depende de ti, elegir la dirección de tu luz desde arriba, desde la izquierda o la superior derecha. Depende totalmente de ti. También si quieres tu huevo sobre un fondo oscuro o una superficie clara o un fondo de tono medio y una superficie oscura. Juega por ahí hasta que encuentres uno que te interese. Para este primer calentamiento, solo estamos usando papel de impresora y necesitamos un lavado muy ligero. Entonces lo que sea que estés usando, ya sea acuarela de un tubo o usando una sartén, solo necesitamos crear un lavado medio a luz. Para empezar, sólo vamos a crear la forma de este huevo. No nos vamos a concentrar en ninguna otra característica solo por el momento, solo necesitamos entender cómo se comportará nuestro movimiento de muñeca, o cómo se comportará nuestro pincel, tratando de recrear la forma de ese huevo. Esto es solo un ejercicio para que te familiarices. Ese fue mi primero. El segundo es mejor y sólo tiene forma. Puedes llenarlo si lo deseas. Podría llenar este siguiente en. Es un poco más puntiagudos este fin. Si consigues la forma correcta, entonces todo lo demás encajará en su lugar más adelante. Este es un ejercicio de calentamiento realmente genial, quizá no pienses que está diciendo que todo esto es tan básico. Pero si no lo has pintado antes y no lo he hecho en un rato. Esta es una súper manera de empezar y eso es todo lo que voy a hacer. Voy a pasar a la siguiente parte. Esta siguiente etapa, empezamos de nuevo con el huevo, pero hay que tener presente dónde está ese punto culminante. Consigue tu huevo en forma correcta. Vamos a dejar un espacio para donde está ese punto culminante. De nuevo, esto es realmente rápido y sencillo. Voy a trabajar muy rápido porque te voy a mostrar lo que pasa a continuación. El punto culminante está más o menos aquí. Sólo te voy a mostrar usando estos dos ejemplos. Vuelve a tu acuarela y vamos a empezar a añadir la sombra de forma de este huevo. Mirando la oscuridad como parte de este huevo, está aquí. Nuevamente, nos estamos acostumbrando a agregar pigmento a las áreas oscuras. Va ahí y también si vuelve a entrecerrar los ojos, probablemente viene todo el camino hacia atrás, así. Yo sólo voy a hacer unos cuantos más. Esto es sólo práctica. Forma. Deja el área de resaltado y agrega más pigmento donde la sombra está sobre el huevo real mismo. Todavía no estamos mirando la sombra del auto. Esto es solo para familiarizarse y sentirse cómodo con las siguientes etapas. Estamos construyendo esa experiencia, en lugar de entrar directamente porque probablemente no entenderemos tanto. Vuelve a entrar en ese pigmento oscuro. Simplemente me encanta ver todas estas cosas ocurriendo. Probablemente necesita ser un poco más puntiagudo justo aquí, lo cual está bien. Siguiente etapa, estaremos agregando la sombra de fundición. Vuelve a empezar con la forma de tu huevo. Deja el papel blanco para el resaltado. Tan sólo para demostrar la sombra del auto, otra vez, entrecerrando los ojos, la sombra del auto está muy, muy oscura justo aquí. No importa si el pigmento entra en eso. Recuerda, es solo papel de impresora y solo estamos probando las cosas. En realidad, debería haber empezado un poco más adelante porque la aguda sombra del coche va a extenderse mucho más allá. Ahora, me doy cuenta de que esta sección del huevo es la más oscura en lugar de la sombra debajo, así que eso es todo. Eso es bueno. Esta es buena información para más adelante y la sombra junto a ese huevo es en realidad más ligera. Estos son estudios realmente rápidos y divertidos. Esa capa extra de información me acaba de hacer darme cuenta, esta parte del huevo también es oscura. Probemos otra. Trabajando muy rápido. En la siguiente parte, vamos a poner los temporizadores porque no quiero que trabajen por nada de esto. Se supone que esto es realmente divertido y gratuito. Mirando de nuevo, la sombra del auto comienza a mitad de camino por este huevo. Yo solo estoy creando este movimiento de barrido. Es realmente buena práctica para mí. Si miras realmente de cerca, puede ser sorprendente, pero esta parte del huevo, de nuevo, es más oscura que la sombra real del coche. Algunas personas, podrías estar bajo la impresión de que todas las sombras son las más oscuras, pero si de mirar realmente con cuidado, en realidad es el huevo el que es más oscuro que la sombra, justo debajo de ahí y solo voy a hacer una más aquí sólo para la práctica, sólo por diversión. Voy a dejar mucho espacio para incluir esa sombra de auto. Aquí comienza la sombra de autos. Se puede ver el pigmento que queda que tengo en ese pincel. Esta es absolutamente la sección más oscura de la sombra. Ahora no quiero posar línea así, sólo voy a añadir más agua. Eso es más o menos. Creo que ahora tenemos suficiente práctica e información de hacer estos estudios muy rápidos para pasar a la siguiente etapa donde vamos a sumar mucho más detalle. Vamos a pasar un minuto solo evaluando lo que hemos creado. Recuerda que esto fue rápido, divertido, y suelto. Esta fue la primera que hicimos donde nos concentramos en la forma, y la última que creé es mi favorita. Realmente amó a esa. Esta es la segunda versión donde empezamos a añadir la sombra de forma del huevo en este lado izquierdo. Hermosos efectos sucediendo ahí y lo más destacado ha funcionado tan bien porque el pigmento no se puede extender donde no hay agua así que eso es realmente alentador ver y esta es la tercera versión donde nosotros agregó la sombra del coche y la sombra de forma y hermosos efectos que suceden con la acuarela. Voy a tratar de abrazar eso en la siguiente sección. Recuerda mantener todo suelto y no aprietes y seguir trabajando rápido. En esta etapa, voy a estar usando el papel suave de peso pesado. Es mi preferencia personal. Puedes usar papel de acuarela si quieres. También quiero poner cuatro minutos en mi teléfono porque no quiero empezar obsesionándome con algunos de los detalles, así que queremos mantenerlo divertido y fresco y rápido así que empecemos eso. Va a ser exactamente lo mismo que el proceso que acabamos pasar y tratar de mantenerlo tan espontáneo como las otras piezas que acabamos de completar. Deja espacio para lo más destacado. Nos estamos concentrando primero en la forma del huevo y ahora voy a volver a entrar con la sombra del coche aquí debajo del huevo y se puede ver que ya está tocando. Eso está bien porque lo estamos tomando en retrato, podemos cambiar las cosas y la sombra del auto se extiende mucho más allá del tamaño del huevo, tal vez todo el camino hasta aquí. Ahora voy a volver a entrar y añadir la sombra de forma del huevo que se lleva a cabo de este lado. Volver a entrecerrar los ojos. Creo que la mayor parte está pasando aquí, y contra esa sombra como vi desde la última vez, es mucho más oscuro. Eso ya se ve bien y sólo voy a llenar esa parte. No quiero dejarlos tocar. Creo que eso es suficiente por ahora. Voy a hacer otra porque aún tengo tiempo y siempre es bueno tener varios para elegir, así que empecemos otra por aquí. La forma, lo más destacado está por ahí y creo que esta vez voy a agregar primero la sombra de forma sobre el huevo. Si dejas caer el pigmento, solo puede seguir los lugares donde has aplicado agua antes, por lo que hará este hermoso esparcimiento, que es fabuloso. Exactamente lo que me encanta ver, y eso es lo que hará que tus piezas sean únicas. Ahora vamos a entrar de nuevo por la sombra del auto. Ahora bien, curvas alrededor así, y como dije, si miro con cuidado, esta sombra en particular es más clara. No todas las sombras son iguales. Se barre todo el camino así, tal vez incluso más allá de ahí. En realidad me quedan 57 segundos y así es como voy a gastar en esto. Voy a esperar a que esto seque y una vez que haga eso, podemos fotografiarlo y le daremos otro vistazo una vez que esté seco. verás justo ahora, estaba haciendo mucho este negocio donde estoy mirando el huevo, estoy mirando mi página y eso es para construir una relación y el huevo es tu punto de referencia. Tienes que dedicar al menos el 50 por ciento de tu tiempo observando lo que está sucediendo en el huevo para entender cómo transferir esa información a tu hoja de papel. Puedes repetir esto tantas veces como quieras. Cuanto más lo hagas, mejor te volverás, más seguirás observando y cuando estén secos, puedes hacer una elección cuál quieres tomar para procrear. 9. Estudio 1b: huevo en Procreate: [ MÚSICA] En esta lección estaremos tomando fotos claras de nuestros bocetos, importándolos a Procreate, y usando los pinceles básicos que vienen con la app para acumular aún más nuestro contraste. Te sugiero colocar tus bocetos sobre una superficie plana cerca de una ventana para obtener luz natural. Un día ligeramente nublado es ideal para una luz uniforme. Puedes usar tu iPad o teléfono para tomar fotos de tus bocetos. Debes asegurarte de pasar un poco de tiempo para asegurarte de que estén enfocados de lo contrario tu arte no se verá tan bien. También sugiero encender tu grilla si aún no lo has hecho. Lo mejor es tomar varias fotos y elegir la mejor. Aquí tenemos los cuatro huevos que pinté antes. Ahora que se han secado se pueden ver todos los diferentes efectos que están sucediendo dentro de los diferentes caminos que el núcleo de la sombra y el presagiado y fuera de éstos, creo que mi favorito es éste en el fondo porque hay más contraste ocurriendo en la parte inferior del huevo y esto son resultados realmente dramáticos los cuales aún pueden incorporar cuando lo llevamos a Procreate. La forma más fácil de hacer eso es poner tu cámara en tu iPad. Nos vamos a asegurar que nuestra grilla esté encendida y les diré cómo hacerlo en tan solo un momento. Cuando esos crosshairs justo en el medio, voy a tomar una foto tomar varias y vamos a elegir la mejor versión. Puede haber uno más ahí y ahora podemos llevar esto directamente a Procreate. Si quieres encender la función de cuadrícula en tu iPad vas a ajustes y luego desplázate hacia abajo hasta llegar a la cámara y a la derecha aquí dirá grilla y puedes activar y desactivar eso. Al activarlo verás que cuando tengas la cámara encendida hay una cuadrícula y en el medio está el punto de mira y eso te ayudará a asegurarte de que posicionas tu cámara así que es paralelo a la superficie de la que estás tomando tu fotografía y eso debería ayudarte a tomar fotos mucho más claras y nítidas. Ahora vamos a importar la foto de nuestro huevo a Procreate. Abre Procreate y ve a este signo más en la parte superior derecha. Vamos a crear un nuevo lienzo usando nuevo este ícono en la parte superior derecha de la caja negra. De lo que queremos hacer, digamos 12 por 12 pulgadas. Aquí ya está decidido para mí 300 DPI que es exactamente lo que quería y me dice que puedo tener 37 capas que absolutamente no vamos a necesitar para lo que vamos a crear hoy. Aquí estamos este es nuestro Lienzo y ahora tenemos la llave herramienta de la parte superior izquierda junto a la galería. Queremos insertar la foto de nuestro huevo así que haz click en eso y elijamos cualquiera de estos. Ese se ve bien. Lo colocará justo en el centro del Lienzo presiona la “flecha azul” y si me alejo, verás que es todo un contraste entre el fondo blanco puro y la foto. No voy a ajustar esto podría pero esto en realidad es realmente genial para nosotros poder sumar los reflejos porque cuando añadamos el blanco va a aparecer mucho más en este fondo gris ligeramente basie. Añadamos nuestras capas ahora, suelo hacer clic en varias usando este botón plus en la misma sección que las capas. En primer lugar, quiero añadir los oscuros. Voy a dar click en eso y hacer renombrar. Vamos a teclear oscuros. Mira mi huevo y como dije cuando estaba pintando esto, esta sección justo debajo del huevo es la más oscura. Voy a escoger eso como el color y quiero extenderlo solo un poquito más. Presiona con fuerza con el dedo y eso seleccionará el color y ahora necesitamos seleccionar nuestros pinceles. En realidad solo uso tres o cuatro pinceles máximo pero los uso en diferentes tamaños. Tengo mis propios pinceles llamados favas oma mar y los que más uso son la descomposición oxidada aquí, tinta seca, y Nicole probablemente los tres que más uso. Estos son todos los pinceles que vienen con Procreate No he importado ninguno de estos, no he tenido que pagar extra. Creó la capa para los oscuros la cual será para ambos conjuntos de sombras comenzando con esta sombra de fundición debajo del huevo y puedo ver que en realidad se extiende un poco más estoy usando la decadencia oxidada y creo que necesitaba un poco más pequeño justo donde me empate ahí y lo voy a aumentar de nuevo conforme conformo esta sección aquí. Vamos a alejarnos y se puede ver donde he creado ese pequeño pedacito de reflexión que la luz está golpeando la parte inferior del huevo desde el papel. Mirando el huevo esta sección del huevo la forma sombra otra vez solo voy a disminuir el tamaño de mi pincel aún usando descomposición oxidada y solo voy a extender eso solo para darle un poco más a ese huevo y aumentar de nuevo el tamaño del pincel otra vez ahí vamos. Eso se ve realmente bonito. Hagámoslo otra vez para que se vea más confiado genial. Podría usar otra capa para esta sombra de auto. Si voy a hacer eso elijamos ese color y solo lo voy a extender hasta ese huevo. Disminutamos nuevamente el tamaño de ese pincel. Se puede ver que se está fusionando para abajo aquí sí se vuelve más oscuro. Selecciona un color más oscuro, por lo que esta sombra es mucho más oscura en el huevo que es donde está la sombra más oscura seamos atentos a eso, eso es genial. Simplemente voy a hacer que esa sombra sea muy definida seleccione ese color oscuro otra vez y podría usar el pincel de tinta seca solo para completar esa sección ahí que se ve fabulosa y ahora podemos ir a seleccionar una nueva capa y esta va a ser nuestras luces. Si vamos a este círculo, si golpeas dos veces hacia la parte superior debería voltearse inmediatamente a blanco, y mirando mi huevo otra vez la mayor parte de lo más destacado está aquí y puedes ver ya déjame aumentar ese tamaño de pincel usando descomposición oxidada y ese blanco contra esa foto te mostraré lo bonito que es ese contraste que realmente está apareciendo. Voy a hacer eso un poco más direccional es más de un óvalo aplanado allá vamos y la mayor parte está aquí. El reflejo de la luz otra vez es solo una diminuta tira weeny debajo del huevo y eso es lo vamos a tratar de agregar aquí probablemente los pinceles un poco demasiado gruesos simplemente disminuyen que allá vamos. Eso se ve realmente bonito me encanta y creo que este lado del huevo sólo necesita un poquito más oscuro. Seleccionemos algo probablemente sobre ese color me aseguraré de usar la capa correcta. descomposición oxidada lo hace un poco más pequeño. Creo que eso es todo lo mío pero éste siento que esta línea es un poco demasiado dura, así que solo voy a difundirme un poco usando el mismo color y casi parece que lo estoy mezclando, y honestamente dejar que de alejar eso. Realmente creo que eso es todo lo que necesito hacer para entender dónde estaban esas sombras centrales, dónde estaba la sombra de forma y acabo de usar Procreate para realzar esos elementos especialmente los aspectos más destacados. Si lo haces realmente pequeño te da una mejor idea de dónde podrías necesitar agregar más cosas estoy realmente contento con eso. 10. Estudio monocromático 2a: naturaleza muerta en acuarela: Ahora vamos a pasar al nivel superior usando lo que acabamos de aprender y aplicándolo a una simple vida muerta. Reúne tus artículos y empieza a organizarlos en un pequeño grupo de tres. Sería realmente beneficioso si superpusieras algunos de estos artículos, por lo que hay un objeto delante y uno detrás. Intercambia y cámbialos hasta que tengas un arreglo que te apela. Ahora hay que considerar el aspecto de iluminación. A lo mejor lo quieres directamente o desde la izquierda. De nuevo, juega con él hasta que encuentres algo que es realmente emocionante para ti. A lo mejor es muy dramático o algo un poco más sutil. Por lo que no nos quedamos demasiado atrapados por la complejidad extra, comenzaremos con calentamientos súper rápidos para practicar las formas de tus objetos elegidos en papel de impresora solo para familiarizarte con su estructura y dar un pequeño impulso a tu confianza. Hacer de uno a la vez en cada hoja nueva. Este es el arreglo de vida muerta que voy a pintar ahora y mi fuente de luz viene de la parte superior derecha otra vez lo que significa que la parte superior de esta tetera es muy brillante. Esto es brillante de este lado y nuestras sombras a lo largo de este lado, este borde de la tetera, este borde de la copa, y este borde del jarrón. Otra cosa a tener en cuenta es porque podemos ver la profundidad del jarrón y la copa. Eso es algo de lo que tenemos que tener presente porque se pone oscuro ahí dentro. Pero también hay muchos reflejos realmente brillantes. Apenas puntos de luz reales y vamos a estar sumando esos aspectos en Procreate. No vamos a intentar capturar eso en negrita color. En primer lugar, porque nos presentan objetos que son un poco más complicados que el huevo, vamos a practicar la forma una vez más, estudios muy lejanos. Voy a empezar con mis pequeñas copas de esmalte. Yo sólo voy a quitar el jarrón y la tetera y vamos a empezar con la taza de esmalte, justo donde está. Al igual que lo hicimos antes con los huevos, estamos empezando por maquillar la forma y luego vamos a caer en las zonas de pigmento oscuro. El borde de la copa, puedo ver bastante lejos dentro de ella. Probablemente similar a eso y luego voy a añadir este borde. Es casi blanco pero porque está sobre el fondo muy oscuro de esta mesa, voy a incluir eso aquí. Como mencioné antes, este borde es bastante oscuro. Yo sólo voy a añadir un poquito más pigmento, no mucho más por ahí y también lo de abajo aquí es muy oscuro. Añadamos ese mango. Este mango es más de un tono medio, por lo que no pasa mucho ahí dentro. Esa es mi primera versión. Voy a hacer algunos estudios más realmente, realmente rápidos solo para familiarizarnos y también recordar que la acuarela sólo puede fluir donde haya agua así que ten en cuenta dónde se aplica esa acuarela inicial. Voy a añadir algunos pigmentos oscuros aquí. Creo que este primero le agregué primero la llanta pero voy a sumar la llanta última ahora. Apenas a ver cómo sale y cuando lo lleve a la pieza más detallada recordaré que el mango no está tan oscuro. Debajo de aquí está oscuro donde se encuentra con la mesa. Eso es genial. De verdad estoy tentado a añadir la sombra pero no necesito hacerlo. Estoy muy contento con estas gorras de esmalte y ahora voy a pasar al jarrón. Si le echo un vistazo a esta forma, inicialmente pensé que era bastante esbelta pero en realidad es bastante gorda. Empieza con ese borde y todo el lado izquierdo está realmente oscuro. Pero antes de meterme en eso déjame simplemente ordenar la forma. Se supone que esto es realmente rápido solo para que comprenda la estructura del mismo antes de pasar a una pieza más detallada donde tenemos que empezar a solapar algunos de estos objetos. El jarrón se va un poco sesgado. No, está bien. Está bien. Este borde es realmente oscuro. El interior aquí está oscuro y esto es casi como yo haciendo una nota de donde necesito ser cuidadoso más adelante en este borde y aquí abajo también en realidad. Tiene que ser más oscuro en general, así que voy a añadir sólo más agua aquí sólo para oscurecer el borde. Empecemos otra. Voy a dejar eso. Tengo suficiente información para mí entrando en la siguiente fase. Dejé esta tetera hasta el fin porque es así de mucho más complicado porque tenemos el mango también pero si mantenemos las cosas simples, básicamente es otro cilindro. Se trata de un cilindro en cuclillas, se puede ver la parte superior de la misma con un mango y un caño. Es ese poco más complicado pero no importa. Todavía podemos manejar esto. Vamos a mantenerlo simple. De nuevo, va a ser un cilindro de pensar de tono medio. Piensa, tenemos un cilindro corto sucediendo sin quedar demasiado empantanado. Siempre tenemos un caño. Incluso para mí, no estoy seguro de esto, lo estoy pensando ahora mismo pero puedo hacer esto. Esa es tu forma básica y encima de eso está toda esta sección de luz aquí. Todo lo que necesito hacer realmente es donde va a salir la tapa, esa es la sección más oscura. Es el borde de esa tapa con la perilla en la parte superior. Si entrecerras, eso es realmente lo que estoy viendo y ahora es la boquilla de este lado. En realidad es bastante claro contra esa sección oscura de la tetera lo que me hace la vida más fácil. Sí tiene una pequeña ola en ella así y esa es la boquilla. No importa el interior del caño. Solo estamos tratando de reunir información sobre esto antes de seguir adelante. Ahora pasemos a la manija. Están pasando algunas cosas agitadas pero podemos sumar esas partes en Procreate. No sé si esto es bambú falso o si realmente es bambú el que ha sido doblado en la forma de ese mango. De nuevo, tratando de trabajar lo más rápido que pueda, no quedarme demasiado empantanado. El otro cosa que acabo de notar con mayor observación es el mismo fondo de la tetera. Eso fue suficiente para mí. No voy a empezar a agregar demasiados detalles en acuarela. Ahí es donde entra Procreate y ahí es donde los detalles. Voy a hacer uno más, sólo aún más rápido porque he dejado la mitad de la boquilla. Ahora pasemos a papel de acuarela. Básicamente vamos a hacer lo mismo otra vez, pero ahora tenemos objetos superpuestos. Tenemos que estar atentos a esto. No obstante, recuerda, porque no podemos llevarlo a Procreate, no tiene que ser perfecto en esta etapa. Ahora juntamos la vida después de la muerte, necesitamos echar otra mirada realmente buena y observar todos los diferentes valores y contrastes que suceden. Empezando con la copa de esmalte, es de color blanco con borde azul. No obstante, estoy entrecerrando y he notado que el borde azul es tan oscuro como el lado izquierdo de este modelo. Eso es algo de lo que hay que tener en cuenta. Pero en general, el jarrón no es tan oscuro como el borde azul, así que eso es una cosa. El pico de la tetera solapa con el jarrón y eso es muy brillante. Es más una crema que un blanco, y eso es algo de lo que hay que tener en cuenta. Hay un espacio entre el borde del jarrón y el inicio de la tetera. Nuevamente, esa es una buena manera de calibrar el espaciado y algunos de los arreglos espaciales que tenemos sucediendo aquí. Mencioné sobre el patrón que tenemos en la tetera. No lo voy a agregar en acuarela, no hay necesidad porque podemos agregar algo de ello a Procreate. Otra cosa a señalar son real los deportes de los aspectos más destacados increíbles. Cuando te muestro en Procreate se va a quedar increíble. Ya vamos a hacer la versión acuarela. Voy a empezar con esa taza de esmalte exactamente como practicamos hace apenas unos momentos. Empieza con la forma, y en el lado derecho es muy ligero. Esa es una buena forma para empezar. Voy a añadir esa llanta, que mencioné fue absolutamente una de las zonas más oscuras que tenemos pasando en este bodegón. Eso es bueno. Ocurre una ligera sombra. Creo que debe ser causado por la tetera, así que no voy a incluir eso en esta etapa porque la acuarela es solo ese poco demasiado húmeda, pero agreguemos ese mango muy rápido. Se puede ver lo rápido que estoy trabajando porque realmente quiero incluir algunos de esos magníficos efectos de acuarela. Esa es una de mis pequeñas emocionantes. Esa es la parte inferior de la parte inferior del asa de la taza. Ahora entrando en el jarrón que aparece detrás de esta taza de esmalte. Recuerda dije que esto es más ligero que el borde, así que cargemos nuestro cepillo con un lavado de tono medio y otra vez, solo rellena la forma por ahora. El borde del jarrón comienza por ahí. Si calificas el esmalte , sube solo un poquito más y entonces tenemos el cuello aquí. Pongamos rápidamente esa forma. Esa es la llanta. En el otro lado, podría en realidad actualizarse. Ya he hecho la red bastante tiempo, pero no importa demasiado. Ahora vamos al mismo territorio que la boquilla de la tetera. No importa porque podemos usar Procreate para reconstruir parte de esto, pero sé que he añadido demasiado del jarrón. Ahora estoy agregando el espacio negativo que la boquilla ha dejado atrás. Sé que esto suena muy extraño, pero que estoy pintando ahora es el fondo del jarrón. Esta es la edad del caño. Eso es todo. Esa es la forma del caño ahí. Ahora puedo llenarlo, dejando un poco de lo más destacado aquí, y debajo de ese borde, el borde superior de este jarrón también es muy oscuro, así que voy a añadir eso ahora. Este es el tramo más oscuro y a lo largo este lado izquierdo es muy oscuro. Eso es perfecto. Ahora sigamos con la tetera. Ese pico probablemente se extiende hasta aquí, y la tetera comienza aquí. En relación a la taza, probablemente este sea el borde. Acabo de hacer una pequeña marca para decirme que ese es el borde de la tetera en lugar de rellenar porque podría haber estado equivocada. Eso es que se ve bien. Ese es un buen punto. Ahora tenemos la boquilla. Ahora usamos este borde para calibrar hasta qué punto el borde exterior lejano del borde de la tetera. Llenemos esa forma exactamente como lo hicimos antes. Es más o menos como por qué ese jarrón, así que eso es bueno. Este borde es oscuro, sobre todo aquí abajo es muy oscuro. Ahora recuerda dije la sección más oscura de este top fue donde se sienta la tapa de la tetera. Ahí vamos. El perilla está por ahí, y ahora el mango de bambú. Algo tejido ahí. Creo que eso está demasiado oscuro para el mango. Saquemos algo del pigmento del pincel. Esto es sólo una estimación aproximada de la forma del mango. Podemos sumar y restar cosas en Procreate. Yo sólo voy a definir este borde de la tetera justo aquí. Ahora te mostraré algunas cosas en Procreate solo para enfatizar eso. Pero creo que en general, estamos más o menos ahí. Voy a dejar que eso se seque ahora. Una vez que esté seco, vamos a tomarle una foto y luego importarla a la app Pixelmator para quitar el fondo. 11. Estudio monocromático 2b: eliminación del fondo en la aplicación de Pixelmator: Ahora que tenemos el bodegón y está seco, estaré tomando una serie de fotos de la misma, otra vez usando el crosshairs. Estoy tan contenta con cómo se ha resultado. Hubo tantos efectos dramáticos de acuarela. Para tener en cuenta que en Procreate, no voy a tratar de cubrirlos, sólo voy a realzar lo que ya tenemos ahí y abrazar algunas de esas encantadoras imperfecciones. Ahora, ya he tomado estas fotos, voy a estar llevándolas a la app Pixelmator, donde voy a quitar los fondos. Descargar la aplicación Pixelmator es opcional. Es un costo único de 4.99 dólares, y hace que quitar los fondos o bocetos que fotografias sea realmente fácil. Si no quieres descargarlo, solo toma tu foto y trabaja encima de ella, igual que hicimos con los huevos. Ahora vamos a ir a la app Pixelmator, donde puedo quitar el fondo a nuestra naturaleza muerta. Esta es la app Pixelmator en mi iPad, y queremos presionar el botón más y eso nos ayudará a seleccionar la foto que tomamos poco antes. Presione importar en la parte superior derecha. Ahí vamos, y acaba de comprar la foto como está. No vamos a cambiar el Lienzo ni nada por el momento. Ahí hay un icono de pincel. Parece un goteo de pintura que sale de él y haces clic en eso y vamos a ir a seleccionar, que tiene un ícono cuadrado. Al hacer clic en eso y hay una serie de diferentes herramientas de selección, y la que vamos a utilizar hoy es Selección Rápida. Si me acerco, verás lo que va a pasar. Se puede ver que se va blanco primero y también tenemos que mirar el modo de selección. Estoy creando una nueva selección, pero también quiero seleccionar todo el fondo, así que tenemos que presionar después agregar a selección que significa que podemos agregar esto y esto y luego solo seguiremos agregando todo. No olvides las entrañas y sobre todo las áreas como, el mango de la copa, dentro de ese mango. Tenemos ese fondo seleccionado. Sé que la tapa de esa tetera es un poco sesgada pero te voy a mostrar cómo lidiar con eso en Procreate. Ahora, presionas hecho y volvemos a ese ícono del pincel y ahora, queremos ir a Pintar y Borrar en la parte superior. Ya está configurado en Soft Eraser pero, estos son todos los ajustes del borrador, puedes tener y me gusta mucho usar Soft Eraser para lo que vamos a hacer hoy, pero puedes jugar con todos los ajustes diferentes. Presionar hecho y también este es el tamaño del borrador, así que puedes tenerlo realmente pequeño, pero porque estamos quitando el fondo, lo quiero demasiado grande y esta es la fuerza que supongo es como la opacidad. Diga, prensa hecha, y ahora estás borrando esa selección. Eso es genial, así que presionas hecho. Ahora, queremos importar esto a Procreate. Hay una caja con una flecha apuntando hacia arriba y presionas eso y puedes abrir en otra app y quieres guardarla como PNG, que no haya fondo blanco y saldrá como Elegir la App, por lo que queremos enviarla a Procreate. Dice que está enviando ahora y ya está hecho. 12. Estudio monocromático 2c: naturaleza muerta en Procreate: Todavía vamos a mantener las cosas lo más simples posible. Realmente no tengo un método de fantasía. Lo que te muestro puede parecer bastante básico, pero es la forma en que los usamos. Después de lo que hemos aprendido sobre observación cuidadosa y cómo aplicar el contraste de valor, vamos a llevar las cosas al siguiente nivel. Durante la demo, verás solo uso una pequeña selección de pinceles, la goma de borrar, agrupar mis capas y a veces la herramienta de selección de mano libre. Un consejo muy útil es la máscara de capa, que es con lo que estamos empezando. Esta es la versión que acabo de quitar el fondo también. Ahí vamos, tenemos este contorno irregular en la tetera. Hay una forma realmente sencilla de hacer que algunos de estos bordes sean mucho más ordenados. Utilizo máscara de capa. Entonces esto está en su propia capa y si la presionas hacia abajo, hay varias funciones que suben y la máscara uno es la sexta hacia abajo. Solo puedes usar negro, blanco o gris con esto. Tengo mi pincel en tinta seca y voy a asegurarme de que esté en negro por doble tapping y eso irá al negro. El oscuro es parte de esa paleta. Si te muestro, piensas, ella lo ha borrado, pero yo no lo he borrado. Si apago esa máscara de capa, te mostraré que sigue ahí. A esto se le llama una forma no destructiva de eliminar ciertos contornos. Ahora solo quiero asegurarme de que esto, vamos a reducir el tamaño de ese pincel, sea agradable y suave. Ahí vamos. También algunos de estos bordes podrían hacer por poco de suavizar también. Sé que el cuello de este jarrón, lo vimos comparado con este lado está un poco apagado, así que sólo voy a quitarle esta sección aquí. El fondo de esta taza de esmalte también está muy apagado. Voy a asegurarme de que esto sea mucho más suave, y si quieres deshacer, sólo tienes que darle un toque una vez. Alejemos un poco. Sí tiendo a pintar un poco sesgada, así que no voy a tratar de hacer todo inmaculado. Estoy contento con la forma en que se ve. Ahora voy a añadir más capas. Creo que volveremos a empezar con los oscuros. Seleccionamos la parte más oscura, que probablemente está aquí, o el borde de esa taza de esmalte. Simplemente vamos a ir por ahí agregando las secciones más oscuras. Voy a volver a mi amada decadencia oxidada. Especialmente esta zona central donde se encuentran el borde de la taza y la parte superior de la boquilla de la tetera, es un poco incómodo. Hay dos formas de abordarlo. Puedes hacer esto y luego ir a la herramienta de borrado y trabajar así en ello. Ese es un método que podrías usar. Sólo te estoy mostrando como ejemplo. Vamos a deshacer eso. Otra forma de hacerlo es ir a la herramienta de selección y asegurarse de que esté en la configuración a mano alzada y agregar. Aquí vamos a dibujar alrededor de las secciones. Perdón, acabo de mover el iPad. Te mostraré que cuando regrese a mi configuración de pincel, solo esta sección que he seleccionado será que podamos usar el pincel on. Ese fue el borde de nuestra selección pero eso es demasiado oscuro, así que vamos a elegir un color diferente. Yo quiero un color de tono medio, eso funciona bien. Creo que eso va un poco demasiado oscuro ahí. Se ve bien. Acabo de presionar nuevamente el icono de selección y eso lo ha apagado. Cuando miré el bodegón, el borde de esa taza de esmalte es una de las zonas más oscuras de este bodegón, así que solo necesito extender esto hacia abajo. Se puede utilizar cualquiera de los métodos. Simplemente selecciona tu color. Voy a usar el método de borrado aquí. Tenemos que extender esta sección oscura hacia abajo. Eso es precioso. El interior de esta taza fue también para mostrar que hay algo de profundidad en ella. Eso también estaba oscuro. Se puede emplear cualquiera de los métodos. Usemos la selección y seleccionemos el interior de esa taza. Vuelve a nuestra herramienta de pincel. Yo sólo voy a concentrarme en eso. En el borde creo que ese color era un poco demasiado oscuro. Sólo elijamos la luz. A lo mejor esa funcionaría mejor, eso es mejor. El interior del asa de la taza. En realidad hay un gran punto culminante en eso, así que voy a dejar ese blanco. La luz atrapa el interior de la taza justo ahí. Podría volver a eso otra vez usando blanco. La tetera es muy ligera, pero trabajaré eso más tarde. Es algo de lo que estoy atento porque sólo estoy tratando de agregar las secciones oscuras en este momento. El interior de ese jarrón también estaba oscuro. Selecciona un color oscuro. No, no me gusta ese pincel. Me gusta mi decadencia oxidada. Utilizo tanto descomposición oxidada pero en diferentes tamaños. Sólo voy a usar la herramienta de borrado. Nuevamente, solo decadencia oxidada a una escala bastante pequeña. Ahí vamos. que por el momento no hay mucho contraste, pero cuando sumamos los aspectos más destacados, se va a quedar mucho mejor. Viste que realmente no ajusté esta foto cuando compré porque estoy usando la ligera gristeza del papel como tono medio. Voy a dejar eso como está. Ahora vamos a ir a una nueva capa y añadir los reflejos. Había dos versiones de los aspectos más destacados que vi. Era más sutil, destellos graduados y unos que realmente eran que la luz estaba rebotando fuera de ella. Voy a mantener a esos dos separados. Empezando con las graduales, voy a volver a la decadencia oxidada y apenas golpeando este lado de la taza. Cometí un error, cuando pinté esto, extendí demasiado ese jarrón hacia abajo por lo que ahora puedo agregar ese blanco encima y lo disfrazará. No lo puedes ver ahora. Viene por aquí. El modo en que se agrega la boquilla a la tetera también crea un punto culminante. A lo largo de este lado del jarrón, del lado derecho, hay una serie de reflejos y también reflejos extremos donde la luz la golpea. Aquí abajo está muy oscuro. Solo agreguemos algunos aspectos más destacados en el lado derecho de la tetera y aquí también. Sé que la tetera tiene un patrón, pero no me voy a molestar con eso todavía. Yo sólo voy a conseguir que pasen los principales reflejos y luces bajas. Solo necesito ajustar esto aquí abajo. Ahí hay un poco más. Voy a crear una nueva capa. El pico debajo, hay un poco de sombra, la sombra de forma sucediendo. Yo solo quiero agregar eso porque me va a molestar si no lo hago. Justo ahí. Eso es todo lo que necesitaba. Sólo para crear un poco más de información. Ahora, en otra capa, voy a añadir los reflejos realmente brillantes que estoy viendo donde la luz es tan brillante y ellos apenas pequeñitos weeny patchy. Voy a regresar a mi tinta seca. Los más obvios están en el borde de esta taza de esmalte. Perdón, necesito cambiar esto a blanco. No es como un círculo que está en el borde, es solo golpear al azar. Eso es un poco demasiado alto. Solo está golpeando varias secciones. Eso ha hecho toda la diferencia y de nuevo, en el borde de este, lejos también, en el borde interior y también aquí, y en diversos puntos a lo largo de este color. Alguna razón por la que puedo ver algún punto culminante encantador ahí y también aquí. A lo largo de la tetera, está en este borde en particular. Permítanme sólo sumar esos en. Es más aquí. Encantador. Ahí vamos. Ahora bien, podría dejarlo tal como está, pero creo que el mango solo está flotando. Yo quiero agregar algunos detalles más, pero sólo van a ser los detalles más pequeños. Este no es un estudio detallado. Si planeamos un poco, ya creo que esto se ve genial. necesitamos agregar el fondo, pero cuando digo que necesitamos agregar algunos detalles más al mango, solo voy a seleccionar como un gris medio y añadir este encuadernado. El mango está ligado a aros en la tetera así. Ni siquiera he incluido los aros. Es solo mi impresión de lo que está pasando ahí porque no quiero complicar demasiado las cosas. Ahora tenemos que sumar el resto del fondo. Estas son todas las capas que tenemos en este momento. Necesito una capa más para el fondo y necesito moverla para que ahora esté debajo de nuestro original, la foto importada. Mis objetos estaban sentados sobre una mesa tranquila y oscura. Voy a tratar de incluir eso, y volvemos a la capa de fondo. Acude a selección, y puedes hacer rectángulo, o puedes hacerlo a mano libre. Ahora tenemos esta selección aquí. De nuevo, voy a usar la descomposición oxidada en una oscuridad. Veamos cómo se ve eso. Creo que es del color correcto, pero el pincel necesita ser tan poco más grande. Más grande otra vez. Eso es encantador. Esa es una buena base para trabajar. Vamos a estar agregando un poco de sombra aquí. Ya ha amado estas cosas que suceden aquí y aquí. No necesitamos hacer demasiado, pero creo que la taza de esmalte necesita un poco de ayuda. Analicemos eso. No voy a trabajar en esta capa. Voy a añadir otra porque esta sombra va a estar relacionada con la taza. Selecciona tu color más oscuro o tal vez el más oscuro de esta taza. Creo que los pinceles son demasiado grandes. Vamos a bajarlo un poco. Puedo agregarle más. Pero ese poco de información es realmente útil para que sepas que se curva alrededor. Creo que al viol le va bien por sí mismo. Me preguntaba si esta parte inferior de la boquilla necesita un poco más de información para solo ayudarla. Simplemente se está fusionando demasiado con esa superficie de la mesa. La sombra estaba haciendo esto. Eso es genial. Creo que me perdí algo ahí. Yo soy bueno. Acabo de ver algo. Voy a volver a esa máscara de capa y simplemente deshacerme de eso. Ahí vamos. Veamos cómo se ve en este momento. No me gusta que sea blanco brillante. De nuevo en una nueva capa, voy a añadir sólo un toque de, digamos el muro. Escojamos otro color de tono medio. Necesito aumentar un poco el tamaño del pincel. Creo que necesito hacer eso un poco más oscuro. Aguanta. Escogamos un azul ligeramente más oscuro porque la ventaja de esa tetera se está fusionando demasiado en el fondo, así que solo necesito mostrarte dónde está el borde de esa tapa. Eso es mejor. Míralo desde una pequeña escala. Ver lo que necesita. Dije que el mango de la taza de esmalte tenía reflejos super-duper encendidos. Añadamos eso ahora antes de que me olvide. Cepillo equivocado. Aquí y aquí. Ahí incluso hay unas cuantas luces reflejadas. Eso se ve bien. Creo que he tomado una decisión. Voy a añadir un poco de ese patrón en la tetera, pero no lo voy a cubrir en ese patrón porque no necesita esa información. Solo seleccionemos. Sólo voy a añadir que puede ser en esta sección inferior aquí. Necesitamos una nueva capa para eso. Nuevamente, es una versión muy simplificada, no voy a hacer exactamente lo que está pasando ahí dentro. Eso no me gusta. Los colores a un perro. Esto se ve realmente bonito. Eso es todo lo que voy a incluir. Es sólo suficiente información pasando. Yo sólo quería hacer una versión sencilla de esa naturaleza muerta. Creo que realmente he logrado algo. De verdad estoy contento con mirar esto. De verdad me encanta esta combinación de acuarela y apropiada, porque aún se pueden ver todas esas hermosas creaciones que sucedieron cuando la acuarela se secaba, y no la hemos tapado el. Todo lo que he hecho es mejorarlo con algunos de esos aspectos destacados realmente lo han juntado todo. Puedes hacer tu propia versión. Puedes hacer tantas bodegones diferentes como quieras y publicarlas y simplemente estaré tan emocionada de ver lo que sea que se te ocurra y hazme saber cómo te sientes al producir tu arte de esta manera y lo que tienes aprendido. Incluso para mí, he aprendido mucho en los últimos 10 minutos. Estoy realmente emocionada con esto. 13. Reflexiones finales: Sé que la tecnología realmente ha avanzado desde mis días de escuela de arte, pero los principios rectores siguen siendo los mismos. Había una frase que podría usar tutores de arte, 'el valor hace todo el trabajo, y el color obtiene todo el crédito y realmente no entendía por qué atrás en mis días de universidad, pero ahora he comprendido completamente su importancia. color es la cualidad más atractiva de una pintura, pero si entiendes el valor, en realidad es más importante que el color, entonces tienes bocetos y pinturas más exitosos. Aprender a ver el tono o el valor te ayudará a crear pinturas e ilustraciones que mantengan el interés del espectador. Los estudios monocromáticos que has creado pueden parecer bastante básicos, pero en realidad es una de las bases para entender cómo tus reflejos y sombras dan profundidad y dimensión a tu obra. Llevarlo de una imagen plana, sin vida a un objeto más tridimensional que atrae la mirada del espectador, creando primero esa versión monocromática de un cuadro, aunque sea pequeña, realmente te ayudan a la hora de pintar tus versiones a color planeando tus áreas de luz y oscuridad con anticipación, además de construir buenas habilidades de composición, pagará dividendos a medida que continúes con tu contraste viaje. Honestamente no puedo esperar a ver tus bocetos de huevo incluyendo cualquier calentamiento y por supuesto tus propias versiones de vida muerta. Asegúrate de subirlos a la galería de clases para que te pueda dar los comentarios y consejos adecuados. Si quieres publicar tu arte en Instagram, entonces por favor usa el hashtag, ohnmarskillshare para que pueda volver a publicarlo en mi feed de Instagram. Estoy muy emocionado de ver y escuchar cómo te sientes acerca de este enfoque. Como se mencionó, habrá [RUIDO] una clase de seguimiento donde estaremos pasando a artículos más coloridos, pero usando los mismos métodos. Cuando se trata de color, tenemos que asumir otra capa de aprendizaje y complejidad así que por favor ten cuidado con esa clase.