Transcripciones
1. Introducción: Hola chicos, mi es Aima Kessy y soy artista de acuarela. Bienvenidos a mi segunda clase de Skillshare. En la última clase, nos enfocamos en aprender algunas técnicas básicas de acuarela, y aplicarlas a formas simples de cactus. En esta clase, lo estaremos subiendo una muesca donde aprendemos a crear más objetos en nuestras pinturas, al uso de valores de color y contraste, esencialmente dando vida a nuestras pinturas. Elegí una suculenta para esta clase, para demostrar cómo combino y aplico estas técnicas para construirnos capas de colores. Me encanta su hermosa forma, y creo que son un gran tema ya que son simples pero lo suficientemente desafiantes para nosotros, para practicar las habilidades que sin duda mejorarán en tus acuarelas. A medida que exploramos el proceso de estratificación en acuarelas, tendrás más confianza en tu propio proceso
de pintura, al saber qué técnicas usar y cuándo aplicarlas. Creo que no hay una sola forma de crear arte. Algunas técnicas y enfoques pueden funcionar mejor para algunos y menos para otros. Pero al combinar las cosas que sí te funcionan,
te extenderás en tu propio proceso creativo, para crear algo que te sienta más. Esperemos que al explorar estos procesos juntos, puedas obtener algunas ideas que te pueden ayudar en tu propio proceso de pintura y viaje creativo.
2. Materiales para la clase: Antes de empezar, vamos a necesitar algunos materiales. En primer lugar, un poco de papel de color agua. Estaré usando mi papel Fabriano Artistico Prensado en frío en 300 gsm de peso. Para la demostración de técnicas básicas, estaré usando el papel Canson Heritage Cold Prensado también en 300 GSM. Este papel es un poco más barato que el bloque Fabriano, pero sigue siendo bastante bueno, así que me gusta
usarlo más para lavados de práctica y pintura ligera. También estaremos necesitando algo de pintura en acuarela. Estaré usando mis acuarelas de tubo Winsor & Newton, que he apretado en esta paleta de viajes de aluminio. Si te has unido a mí en la última clase, sabrás que me gusta apretar mis pigmentos en la parte superior del pozo inclinado. Esto significa que obtengo una mezcla más acuosa de pigmento en el fondo del pozo donde se acumula el agua y solo puedo agarrar directamente del pigmento con mi cepillo húmedo si quería una mezcla más concentrada. Para esta clase, estaré usando esta bandeja de porcelana para mezclar mis colores. En realidad es un plato para servir el cual encontré en una tienda de utensilios de cocina. Me encanta mezclar acuarelas sobre porcelana porque tienden a no batir en la superficie, y se ven tan vibrantes como lo harían en el papel. Además, este cabe muy bien en mi mesa, así que eso es un bono. Por lo general tengo pequeños tazones o platos tirados por si necesito el espacio extra de mezcla, pero para esta clase no estaremos mezclando demasiados colores, así que usa lo que sea que estés cómodo usando. A continuación también necesitaremos unos pinceles. Estaré usando unos pinceles redondos en talla cinco, tres, dos y cero. Siempre y cuando tengas un buen cepillo de tamaño mediano y un pincel pequeño para los detalles, estás bien para ir. Estos son solo algunos de los pinceles que he estado disfrutando usando mucho. Así como saben, los pinceles Raphael aquí son un poco más grandes que el tamaño promedio por lo que la talla cinco aquí es equivalente a una talla seis de otras longitudes de pinceles. Estos son opcionales pero también uso un cepillo plano como
mi cepillo mezclador solo porque es mucho más firme que mis cepillos redondos, puedo agarrar mucho más pigmento con él y no preocuparme por ser demasiado rugoso con el cepillo. A veces uso este cepillo de cincel para suavizar los bordes y recuperar los reflejos. También te mostraré cómo arreglo un pequeño error de pintura con él más adelante en clase. También necesitaremos un poco de agua. Normalmente tengo dos frascos de mezcla, uno para colores fríos y otro para colores cálidos. Esto es para evitar el agua oscura fangosa cuando se mezclan colores de cortesía. Otros materiales que necesitarás son un lápiz HB, una goma de borrar, y alguna toalla de papel, o pañuelos. Estos dos artículos son opcionales, pero me gusta usar un trapo de algodón a veces para pinchar mi cepillo y usar una botella de apretar para activar y diluir el pigmento. Simplemente puedes usar una toalla de papel también en lugar de un trapo de algodón. Por último, si vas a trazar tu suculento dibujo usando la imagen de referencia o dibujo de líneas que he proporcionado, entonces necesitarás un papel de calco, un clip solo para que el papel se mueva al trazar, o tú también puede simplemente usar alguna buena cinta de enmascaramiento vieja. Por último, un bolígrafo sharpie. Recuerda, no tienes que tener las marcas exactas que estoy usando. Tan sólo como estés usando suministros de buena calidad, entonces estás bien para irte.
3. Usa la referencia y transfiere el dibujo: Para esta clase estaré usando una referencia fotográfica de una suculenta que tengo en mi jardín. He proporcionado esta imagen de referencia y en línea dibujo
de lo suculento en la sección “tu proyecto” de la clase. Puedes seguir y pintar conmigo a mi demostración, pero sí te animo a que también intentes tomar algunas de tus propias fotos como referencia, si tienes unas suculentas alrededor de la casa. ¿ Por qué usar referencia? En primer lugar, nos ayuda a entender mejor nuestro tema, sobre todo cuando estamos trabajando en algo con lo que no estamos familiarizados. Nos da información sobre las características de un tema, como detalles, texturas, colores, líneas y demás. También es útil en el estudio de la anatomía y las poses. Especialmente para los casos en los que se necesita una precisión realista, entonces una referencia podría no sólo ser útil sino esencial. Creo que a medida que nos familiarizamos más con nuestros sujetos y basamos en ese conocimiento a través de la observación y la práctica, esencialmente
estamos desarrollando nuestra biblioteca visual mental y memoria muscular. Podremos recordar mejor o aprovechar una colección de datos
brutos para ayudarnos en nuestros dibujos y proceso creativo. También las fotos de referencia pueden ser útiles para momentos en que nuestros temas no están fácilmente disponibles para nosotros. ¿ Cómo podemos usar la referencia? El primer método es reunir elementos de varias fuentes diferentes, luego combinar esas cosas para crear algo nuevo y más propio. Se necesita mucha habilidad y práctica, pero sin duda es una de las mejores y más efectivas formas de usar la referencia especialmente en la práctica de desarrollar nuestro propio estilo. Otros métodos en el uso de referencia es el rastreo y la copia. Ahora estas dos palabras por sí solas pueden causar todo un debate en la comunidad del arte. Pero personalmente creo que es más de cómo nos acercamos estos métodos que nos ayudarán u obstaculizarán en nuestra práctica. Ahí es donde ser reflexivo de nuestro proceso de aprendizaje y practicar deliberadamente forma parte crucial de mejorar nuestras habilidades. Hace poco empecé a trazar la forma de flores y plantas el único propósito de practicar ciertas técnicas de acuarela y estudios de color, que es lo que también estaremos haciendo en esta clase. Bueno, no estoy demasiado enfocado en el lado del dibujo de las cosas, sigo observando cuidadosamente la forma del sujeto mientras trazo. Utilizo ya sea mis propias fotos o imágenes en stock gratis en línea para estas prácticas. Es más del aprendizaje intencional, estás saliendo del método y mientras no estés violando ninguna ley de derechos de autor. ¿ Dónde podemos encontrar referencias? El mejor es usar referencias en vivo o tomar tus propias fotos. Cuando utilice imágenes en línea, intente utilizar imágenes que estén bajo la Licencia Creative Commons, pero también tome nota de los términos de uso de cada imagen bajo esta licencia. Las imágenes libres en stock también son un buen lugar para encontrar referencia, y tal vez imágenes de dominio público. Recuerda, si pretendes vender tu obra o utilizarla con fines comerciales, entonces debes estar al tanto de los derechos de autor. Adquirir las licencias correspondientes u obtener el consentimiento y permiso en su caso. Esto incluye las obras no comerciales que se utilizan con fines de práctica. Está bien. Ahora que hemos sacado eso del camino, empecemos con nuestro suculento dibujo. El foco de esta práctica es aprender a aplicar las técnicas de acuarela para crear la profundidad y forma de nuestra materia. De ahí por qué estaré trazando la forma básica de lo suculento. Empezaré por usar papel de calco para trazar sobre mi foto de referencia usando un lápiz HB. Estoy rastreando desde la parte media de lo suculento solo para poder observar cómo las hojas se superponen entre sí. Ahora voy a seguir adelante y añadir unas hojas extra en. Una vez que estoy contento con el dibujo, lo esbozo con un bolígrafo sharpie para que
sea más visible detrás de un papel de acuarela grueso. Ya que no tengo caja de luz, simplemente
llevo el dibujo de línea y el papel de acuarela hasta una ventana y empiezo a trazar el contorno ligeramente con mi lápiz.
4. Valor y colores: ¿ Qué es un valor? Valor describe los diferentes tonos de gris entre negro y blanco, y se expresa en una escala de grises como esta. En la teoría de colores, el valor se refiere a la ligereza o oscuridad de un color. Dado que la acuarela es un medio transparente, generalmente
aclaramos el valor de un color
diluyéndolo con más agua en lugar de agregar blanco. ¿ Por qué es importante el valor? En primer lugar, nos ayuda a definir la forma y a crear ilusión espacial. Dado que la luz y la oscuridad están en los extremos opuestos uno del otro, crean contraste que ayuda a separar
visualmente los objetos y crear la ilusión del espacio en una pintura. Si tus valores están demasiado cerca el uno del otro, entonces hay menos contraste y puede resultar en una composición menos que impactante. El cambio gradual de valor por otro lado, también sugiere masa y contorno de la superficie de un objeto. En este ejemplo, la gradación de los valores azules sugiere la curva de la forma e indica que tiene masa. Esto se debe a la forma en que la luz está golpeando el objeto. Ahora, hay algunos elementos para iluminar y sombras, y puede ser todo un tema técnico, que no voy a entrar aquí. Pero esencialmente, la combinación de luz y sombras es lo que crea ese rango de valores, que luego crea la ilusión de forma. Al igual que los rangos de valor dentro de un color, podemos usar el valor del color en nuestra pintura para transmitir la fuente de luz y cómo está iluminando nuestro sujeto. Ahora que sabemos más sobre los valores, estaremos preparando nuestros colores y creando una gráfica de valor de color que nos ayudará en nuestra pintura. Por lo suculento estaré pintando hoy, he optado por usar estos colores; aqua green, quinacridona violeta, terahertz, quinacridona rojo y gris de Payne. Siéntete libre de jugar con diferentes colores. Empezaremos a cambiar los valores por aqua green. Vamos a empezar con el color más oscuro, así que estaré agarrando mucho pigmento en mi cepillo con menos agua. Lentamente creo un charco del pigmento, que poco a poco añadiré más agua a medida que aligeré el color. Si siento que he añadido demasiada agua, simplemente
agrego más pigmento y viceversa. Si tengo demasiada humedad en mi pincel, solo lo
pongo un poco en mi trapo de algodón o una toalla de papel. Puedes crear tantos niveles de valor como desees, siempre y cuando tengas un buen rango de valores oscuros a medianos y medianos a claros. Voy a etiquetar los nombres de pigmento sólo para futuras referencias. Voy a seguir creando el resto de los gráficos de valor. Decidí ensayar algo de powerline verde junto con el
gris del Payne solo para ver cómo encajarían en mi esquema de color. Después jugué alrededor mezclando mis dos colores principales solo para ver qué otro uso puedo obtener de ellos. Ahora voy a crear unos tonos más oscuros del verde
aqua mezclándolo con su color complementario, el rojo. Juego con agregar más rojo o verde aguamarina a la mezcla. Noté que la sombra con más verde aqua creó un tono similar al gris del Payne, por lo que lo usaré para las partes más oscuras de las hojas. Usaré el gris de Payne cuando necesite una concentración más gruesa del color, sobre todo cuando use un pincel más pequeño. Eso es todo para nuestra tabla de valores. Entonces podemos usar esto como guía para asegurarnos de que tenemos una buena gama de valores colocando su lado a lado con nuestra pintura. Ahora recuerda, no tenemos que pintar cada nivel de valor para mostrar una transición sin fisuras de la luz a la oscuridad. Se puede desglosar a tres o cuatro niveles para representar un rango claro, medio y oscuro que sin duda puede dar una buena cantidad de contraste para las profundidades visuales. Crear un gráfico de valor de color también sería una buena práctica para
ayudarte a calibrar mejor tu relación agua-color al pintar. Sin duda puedes jugar con esto más, así que diviértete experimentando tus colores.
5. Técnicas de acuarela: En esta lección, estaré pasando por las técnicas de acuarela que estaremos utilizando a lo largo de la clase, las cuales están mojadas sobre mojadas y mojadas sobre secas. Entender estos conceptos básicos no sólo te
ayudará a crear tus propias acuarelas suculentas, sino que ciertamente puedes aplicarlas a tus otras pinturas también. color del agua como su nombre indica, utiliza agua para que los pigmentos fluyan a través y crear toda la magia sobre el papel. Ciertamente tiene una mente propia, y esa es la belleza de la misma. Entender y dominar las técnicas básicas puede ayudarte a trabajar en conjunto con el medio para crear ciertos efectos y ayudarte a expresar mejor tu creatividad. Empecemos con mojado sobre mojado. Al trabajar mojado sobre húmedo, primero
aplicamos un lavado de agua al papel antes de agregar en nuestros pigmentos. Esto es ideal para cuando quieres sangramientos lisos de color, bordes difusos suaves, y cuando quieres que los pigmentos hagan sin problemas en tu papel, a través de mi demostración de pintura. Dejaré caer en mi segundo color mientras el lavado sigue mojado y mezclado un poco con la punta de mi pincel. Al igual que lo que estoy haciendo aquí. Ahora voy a mezclar tres colores en este pétalo de aquí. Si bien el lavado sigue mojado voy a cargar con más pigmento en mi cepillo para aumentar el color en la parte inferior del pétalo. Aquí, voy a pintar sobre la capa seca de pintura para construir el color del pétalo alrededor de los lados. Nuevamente, he mojado toda la forma con agua antes de caer en mis pigmentos. Observe cómo el pigmento fluye a través de la humedad y crea bonitos bordes suaves. Dependiendo de cómo se esté secando el papel, a veces es posible que necesites sacar los bordes para ayudar al pigmento a mezclarse un poco más. Ahora vamos a hacer algo de levantamiento para revelar los aspectos más destacados en nuestro pedal. Repito el mismo proceso de mezcla de color a través de mojado sobre húmedo. Pero esta vez dejaré a algunas personas de ancho en las zonas donde se sentarán los aspectos más destacados. Después limpio y humedecido mi cepillo en mi trapo de algodón antes entrar y levantar más pigmento en el área destacada. Ya que mis cepillos menos humedad que el lavado, actúa como un [inaudible] arriba de la pintura. Ya que he levantado la pintura sobre mi pincel, necesito limpiarla y sacarla de nuevo antes de levantar más pigmento. Conforme estoy levantando, esencialmente estoy esculpiendo la forma
del resaltado y ablandando los bordes a su alrededor mientras barro mi pincel. Dependiendo de qué tan humedezcan sus lavados y cuánto pigmento haya en el lavado. Es posible que tengas que levantar un par de veces. Ahora que este pétalo está seco, vamos a profundizar los colores y crear un rango de valores más gradual. Vuelvo a mojar el glaseado como lo hacía antes y dejo caer los colores en donde quería. Entonces edito tono de color más oscuro aquí mientras los lavados aún húmedos para que los colores se mezclen suavemente con el resto
del lavado. Ahora agreguemos un poco de textura a este pedal. Humedezco el área de la forma y dejo que se asiente un poco en el papel antes de caer en pequeñas manchas de pigmento con la punta de mi pincel. Tenga en cuenta que hay más pigmento y menos humedad en mi cepillo y el lavado no está tan húmedo. De lo contrario, el pigmento simplemente se dispersará en la humedad. Se han empezado a asentarse los colores de este pedal, pero aún hay humedad en el papel. Es en esta etapa donde podemos crear texturas interesantes. Tengo un pincel ligeramente húmedo y estoy usando la punta para humedecer algo de humedad que empuja el pigmento hacia fuera para crear diminutas flores de agua. Repito esto varias veces hasta obtener un defecto múltiple en mi pétalo. Volvamos atrás y construyamos los colores en este pedal. Voy a trabajar en esta esquina, así que solo moje un área más grande que donde quiero la pintura al piso. Apalme los bordes bien antes de trabajar en otra parte del pétalo y trabajar por separado porque quiero poder tener más control sobre los lavados y la brecha entre los dos colores me permite hacerlo. Ahora estoy mojando todo el lado de este pedal y dejando caer el pigmento en la misma zona que hice en el primer lavado. Sigo levantando y ablandando los bordes hasta que el pigmento se haya asentado un poco más. Pasemos a un poco mojado en seco. Trabajar húmedo y seco es cuando aplicamos pintura recta sobre papel o una capa de pintura ya seca. El acristalamiento es una técnica ejecutada para superponer colores húmedos y secos en capas. Podemos lograr algunos resultados a través de esta técnica. El primero es acumular color capa por capa para sacar poco a poco la forma de nuestro sujeto. Esta capa ahora se ha secado. Voy a usar la misma fuerza de color y superponer otro lavado sin agregar más pigmento, la capa misma está acumulando los colores. Ahora estoy empezando a conseguir la separación en valores de color. Dejaré que eso se seque antes de aplicar otra capa. acristalamiento también puede reducir la intensidad de un lavado superponiéndolo con su color complementario. Aquí estoy aplicando un poco de verde a este cuadrado rojo y desaturando un poco el color. También se puede cambiar completamente el tono del lavado acristalándolo con otro color, por
ejemplo, dos colores primarios para obtener un bonito glaseado de color secundario. Trabajar en húmedo y seco también nos da más control sobre nuestras pinceladas, sobre todo al crear detalles o cuando necesitamos pintar bordes duros limpios. Ahora bien, podemos dejar un borde duro, o suavizarlo rápidamente con un cepillo limpio y
húmedo, al igual que lo que estoy haciendo aquí. Otra técnica sobre mojado y secarlo para crear texturas o profundizar el color sobre un área es el cepillado [inaudible]. No voy a estar usando esto en mi demostración, pero es una técnica divertida con la que jugar, y sin duda puedes aplicarla a tu suculenta pintura si así lo eliges. En primer lugar, limpio y saco la mayor parte de la humedad de mi cepillo y luego la aplano para que las cerdas se saquen en secciones diminutas. Después agarro un poco de pigmento y lo pruebo en un trozo de papel de desecho antes barrer suavemente por la zona quiero oscurecerme o añadir textura también. Repite esto unas cuantas veces hasta que estés contento con ello. Pero deja que la pintura se asiente un poco entre unos trazos. Vamos a terminar nuestro cubo con las dos últimas capas para
darle más dimensión antes de terminar esta lección.
6. Primer lavado: Antes de empezar con el primer lavado, solo
voy a mirar hacia atrás a mi referencia y ver si hay algo que quiera agregar o alterar. Mirando de cerca la imagen, hay pequeños pelos finos alrededor de cada hoja, eso le da ese borde blanco. He decidido añadir esas líneas extra a las hojas, pero lo pintaremos como un borde limpio en lugar de pelos finos. Dibujo a la ligera con mi lápiz HB y dibujo apenas unas líneas como guía para recordarme cómo pretendo pintarlo más adelante. A continuación, solo voy a reactivar mis pigmentos y agarrar una mezcla fresca de aqua green. Vamos a empezar con la primera hoja. Al igual que en la lección anterior, su mayoría
voy a estar trabajando mojado-on-wet, así que empezaré por mojar toda la hoja con agua. Me aseguro de cubrir toda la zona y llegar hasta el borde de la forma. Una vez que he pintado sobre toda la forma, reviso mi esmalte de agua y me aseguro de tener un brillo uniforme de agua. Seco mi cepillo sobre unas toallas de papel para que esté lo suficientemente húmedo como para fregar cualquier charco de agua o exceso de humedad que pueda ver en el papel. Al mirar la foto de referencia, tengo en cuenta dónde puede ver luz golpeando la hoja. Yo caigo en mi pigmento apenas corto
del borde y lo dejo sangrar a través de la humedad por sí mismo. Sigo cayendo y barriendo de color a donde quería ir y dejar algo de ese papel blanco para lo más destacado. Ahora agrega el segundo color y haz lo mismo. Después uso un pincel limpio y húmedo y apague suavemente el pigmento con la punta de mi pincel solo para ayudar a que se mezcle un poco. Vuelvo a limpiar mi cepillo y húmedo se seca antes de levantar algo de ese pigmento. Intento esculpir la forma del resaltado que puedo ver en la foto de referencia, ten en cuenta, tal vez tengas que levantar un par de veces. Limpio mi cepillo y lo humedezco en el trapo de algodón cada vez que vuelvo y levanto. Ya que no hay demasiado pigmento en este lavado, a veces
puedo salirme con la suya con solo talar el exceso de humedad y volver a levantar una vez más sin limpiar mi cepillo. De lo que quiero tener cuidado es de eso, no
estoy cepillando pigmento hacia atrás que acabo de levantar. Si bien la lavadora sigue volcando, voy a usar la punta de mi cepillo limpio y húmedo para ordenar los bordes de la forma. Esencialmente solo estoy tirando del pigmento que ya está en el papel hasta el borde de la forma y asegurándome de que esos bordes estén limpios y ordenados. A medida que el lavado empieza a asentarse noto que algunos de los pigmentos comienzan a deslizarse hacia el punto culminante, así que lo levanto un par de veces más. A veces solo necesitas mantener un ojo, sobre todo cuando siguen siendo bastante humedad en el papel. En la siguiente hoja. Estaré repitiendo el mismo proceso que hice con la primera hoja, teniendo en cuenta partes de la hoja que quiero dejar más ligeras. En ocasiones ayuda inclinar tu papel en ángulo para comprobar si tienes un brillo uniforme de agua. Después de frotar un poco de pigmento en mi cepillo, a veces húmedo suavemente sobre una toalla de papel para deshacerme de cualquier exceso de humedad antes de dejarlo caer en mi esmalte de agua. Normalmente hago esto cuando siento que el glaseado de agua está bastante húmedo, y no quiero estar agregando más humedad, sobre todo porque mi pigmento ya está bastante diluido. Estoy ablandando este borde aquí donde estoy dejando un poco de ese resaltado usando un cepillo limpio y húmedo. Entonces volveré a limpiar mi cepillo y empezaré a levantar más de ese pigmento. Decidí añadir un poco de destaque al lado izquierdo de la hoja, así que sólo los voy a levantar. Noto que se forma un poco un borde duro mientras estoy levantando, porque la parte superior del papel ha empezado a secarse un poco. Intento apretar el pigmento suavemente con la punta de mi pincel. Decidí agregar un poco de pigmento con un pincel ligeramente húmedo. Ten cuidado al hacer esto, porque si las arandelas se secan demasiado, entonces agregar una cantidad de humedad podría crear una floración y desplazar los pigmentos en nuestro lavado. A menos que estés intentando crear algo de textura, a veces
es mejor dejar que el lavado se seque completamente antes de intentar arreglarlo. De lo contrario, podríamos terminar con un lío más grande. Voy a seguir pintando el resto de las hojas repitiendo el proceso húmedo sobre húmedo y de elevación. A menudo me remito a la referencia ya que estoy pintando para ayudarme con detalles como iluminación y forma. Al reevaluarlo, decidí que voy a pintar el resto de las hojas. Seguiré pintando las hojas medias como tales, y para las hojas más exteriores, quiero que los colores se vuelvan gradualmente más claros hacia la base. En cuanto a la parte central de lo suculento y para las hojas más pequeñas, o bien usamos una mezcla de terahertz y verde aqua, parecerá tener un cambio gradual de color desde el centro hacia afuera. Estoy cayendo el pigmento y dejando un poco de espacio entre los bordes. Si bien el papel sigue húmedo, entraré con el cepillo limpio y húmedo para suavizarlo y sacarlo hacia el borde de la forma. Hago esto a veces para que los costados de las hojas me den un resaltado muy ligero sugerente de una curva en la forma. Aquí estoy ablandando los bordes y sacando el pigmento con mi cepillo limpio y húmedo. Decidí crear un resaltado más distinto levantando más pigmento. Seguiremos pintando el resto de las hojas según lo planeado. Antes de levantarse en áreas más pequeñas como esta, una alberca, inscribe el cepillo en un punto mientras estoy amortiguando el exceso de humedad. Empiezo a trabajar en las hojas exteriores ahora. He mojado toda la forma aquí. Ahora voy a usar un cepillo limpio y húmedo, que he aplanado un poco y empujar el pigmento hacia arriba porque quiero que la base de la hoja sea más ligera. Estoy dando la vuelta al papel para
meterme en unos ángulos cómodos para que pueda hacer más levantando hacia arriba. Voy a pintar el resto de las hojas externas de la misma manera, excepto aquí, estoy dejando caer el pigmento corto de la base y luego lo
emplumando hacia abajo usando la punta de mi cepillo limpio y húmedo. Se puede trabajar de cualquier manera para crear los mismos resultados. Voy a seguir pintando el resto de las hojas exteriores. Noté que pintaba el violeta un poco fuera del borde. Traté de arreglarlo mapeando el área haría un tejido y leyendo de nuevo el pigmento. Esto aún no funcionó demasiado bien, sin embargo, después de emplumar los bordes y levantar la parte resaltada de la hoja, decidí dejarla antes de ahora y volver a ella después. Ahora vamos a trabajar en las diminutas hojas en la parte central de lo suculento. Estoy usando mi cepillo redondo Rafael extra corto y talla 2 para esta zona. Pinto las hojas mientras dibujo en terahertz. Para esta hoja, voy a dejar un borde blanco a los lados. Pintaré mi esmalte de agua en consecuencia. Estaré haciendo lo mismo por el resto de las hojas, teniendo en cuenta partes de donde quiero mantener un borde blanco. Estoy mezclando un poco de verde aqua aquí con el terahertz. Estoy usando solo un lavado de aqua green para las hojas un poco más grandes. Estoy ablandando los bordes aquí y mezclando en un poco de terahertz a la parte superior de la hoja, eso es todo. Una vez que todo esté seco, estaremos listos para la segunda capa.
7. Segundo lavado: Ahora que tenemos nuestro lavado base, estamos listos para empezar a agregar nuestra segunda capa de color. Asegúrate siempre de que todo esté completamente seco antes de agregar otra capa de color. Esto es para que no moleste ni desalojemos el pigmento que aún no se han asentado en el papel. Ahora, mirando hacia atrás a nuestro gráfico de valores de color, nuestra segunda capa debería estar en algún lugar del rango medio de valores. No tenemos que pintar todos los niveles de valor pero tener un rango claro, medio y oscuro sin duda nos dará una buena cantidad de contraste para una profundidad visual. También empezaremos a usar algunos de estos tonos. Estoy creando una mezcla fresca de ese tono más oscuro de aqua green mezclándolo con un poco de rojo que es su color complementario. Muy bien, empecemos con la primera hoja. Esta vez cuando aplico mi esmalte de agua, dejo un poco de espacio a los lados porque quiero pintar en algunos bordes duros y crear un poco de borde alrededor de la hoja. Al igual que lo que hicimos con las hojas más pequeñas en el centro. Al igual que en el primer lavado, dejo un poco de ese papel blanco para retener la parte más ligera de la hoja. Después con un cepillo limpio y húmedo, empiezo a hacer algo de levantamiento. Tengo un poco más de pigmento en mi pincel esta vez. Usé una punta de mi pincel para ir cuidadosamente alrededor de los bordes de la parte inferior de la hoja. Me caigo en mi segundo color mientras el lavado sigue mojado. Si bien la capa sigue mojada, utilizo mi cepillo limpio y húmedo para sacar suavemente
los bordes y ayudar a que los pigmentos se mezclen un poco. Estoy usando suaves movimientos de tirón y barrido con la punta de mi pincel. Después esculpido en los reflejos para levantar y ablandar el borde del lado derecho de la hoja. Rápidamente ordeno un borde me perdí mientras el papel sigue húmedo. Nuevamente, he aplicado un lavado de agua a donde quiero que fluya el pigmento. Estoy sacando algo de humedad y agarrando un poco más de pigmento en mi cepillo. Entonces lo dejo en donde lo quiero. Te darás cuenta de que soy capaz de pintar un borde duro más cerca de
la punta de la hoja porque esta parte del papel está seca. He mojado el área justo debajo donde quiero el borde duro para que el resto del pigmento siga mezclándose sin problemas. Estoy usando una mezcla un poco más concentrada de aqua green y agregándola mientras el papel sigue mojado. Seguiré levantando y emplumando bordes a medida que voy. Esencialmente estoy pintando y levantando como lo hice en la primera capa, excepto con un poco más de pigmento y unos detalles de tono medio. Decidí agregar un poco más violeta aquí mientras el papel sigue húmedo. Está bien, voy a seguir pintando las próximas hojas en el mismo proceso húmedo sobre húmedo de mezcla de color, profundización y levantamiento. También ablandaré y ordenaré los bordes a medida que vaya. Recuerda, también estoy combinando húmedo y seco cuando pinto un borde limpio, duro y tire del pigmento hacia el glaseado de agua que aplicaría de antemano. Esta capa venía justo bien hasta que una parte del lavado comenzaba a secarse. Y mientras aplicaba un pigmento más oscuro, empezaba a conseguir bordes duros en la parte media superior. Traté de apilar esto con un cepillo húmedo pero todavía había un poco de humedad en el cepillo. Por lo que en cambio estaba creando una floración de agua y empujando hacia fuera el pigmento. Traté de caer en un poco de color y aligerarlo ligeramente antes de que me detenga para empeorarlo. Lo dejaremos secar por ahora y lo guardaremos en la siguiente capa. Decidí simplemente enfocarme en la parte verde aguamarina de la hoja aquí. Voy a profundizar el tono violeta en la siguiente capa. El estrato sigue húmedo aquí y estoy barriendo una línea ligera de verde aguamarina con mi cepillo húmedo. Entonces agarro rápidamente una mezcla más concentrada del verde y creo otro detalle de línea sobre la hoja. Porque la capa está en un bonito nivel de humedad y estoy entrando con más pigmento y menos agua en mi pincel, obtengo esta bonita línea difusa que no se está extendiendo demasiado. Está bien, voy a repetir el mismo proceso para el resto de las hojas. Ahora vamos a empezar a definir las zonas oscuras del centro. Empezaremos por usar una mezcla ligeramente agua hacia abajo del color de la sombra. Accidentalmente pinté sobre esta diminuta hoja de aquí. Por lo que esperé a que la capa se secara antes de usar mi pincel de cincel ligeramente amortiguado para recuperar la esquina de la forma. Fregé el área suavemente y luego la golpeé con un tejido, repitiendo esto unas cuantas veces hasta que se retire el pigmento. Ahora voy a seguir pintando el resto de las hojas. Empiezo aplicando una capa de tono medio de
color verde aqua antes de caer en más pigmento para aumentar el valor del color. Empiezo agregando mezcla más pigmentada de terra verticalmente a las hojas del centro y mezclando en algo verde aqua. También pinto otra capa de terra verticalmente recta sobre papel para las diminutas hojas del centro, teniendo en cuenta dejar un poco de bordes resaltados.
8. Más profundidad de color y adición de detalles: Vamos a seguir aumentando los valores de color en partes de las hojas y sumando en las sombras. Empecemos a oscurecer las sombras dentro de las hojas en el centro. El pigmento es grueso, pero tiene suficiente humedad para que fluya suavemente. Pinto la sombra en húmedo sobre seco para esta hoja y luego ablandar los bordes con un pincel limpio y húmedo. A medida que parte del pigmento tira hacia el área húmeda, trato de desvanecerlo y suavizar cualquier borde duro. Después agrego más pigmento y aumento la forma. Aquí, estoy humedeciendo un poco el área antes aplicar la sombra por lo que consigo bordes ligeramente difusos. No quiero que esté moqueando, así que hay más pigmento y menos agua en mi cepillo. Inicialmente quería trabajar solo en la parte superior de la hoja, así que solo moje la mitad de la forma. Pero decidí oscurecer también el área de sombra que puedo ver en la hoja en mi foto de referencia. Estoy usando una mezcla más pigmentada del color de sombra aquí. Estoy trabajando en oscurecer el violeta por separado en algunas hojas porque realmente
no necesito que se mezcle en la misma capa con los otros colores en esta etapa, si lo hago, entonces mojaré toda la hoja y trabajaré en ella como un todo. De lo contrario, trabajaré en las áreas por separado para conseguir un poco de ese bonito efecto de acristalamiento donde se superponen las diferentes capas de color. Esta parte superior de la hoja que oscurecí antes está ahora seca, así que voy a aplicar otro glaseado de agua a toda la forma. Esto porque voy a aplicar algún color cerca del área violeta, y quiero bordes difusos suaves para donde se junten los colores. Esta es esa hoja que necesitaba un poco de fijación. Empezaré agregando un lavado medio del color sombra a mi glaseado de agua, dejando un área pequeña donde puedo ver el brillo del bajo lavado a través. Entonces agrego rápidamente un pigmento más oscuro al área base y lo meto en la hoja. Limpio y húmedo mi cepillo y uso trazos suaves para ayudar a mezclar el pigmento con el resto de los colores mientras aún está húmedo. Creo que ahora se ve mucho mejor. Voy a seguir oscureciendo partes de las hojas y agregando más sombras. Estoy incrementando los medios aquí y trabajando mojado sobre mojado para conseguir esa suave sangría de color. Humedezco el área donde quiero que el color
se ablande y luego empiezo a aumentar y pintar en las sombras, creando una agradable transición gradual de oscuridad a luz. Empiezo a añadir otra capa de color para profundizar las sombras. Ahora estoy agregando algunos contornos de sombra solo para mostrar un poco de separación entre las hojas. Humedezco ligeramente el área antes de pintar en una línea fina y ablandar los bordes donde necesito. Creo que exageré un poco esta parte, pero está bien. Si no estás muy seguro de qué partes oscurecerse, aquí es donde tu referencia puede ser útil. Está bien. Creo que estoy contento con cómo se ve esta suculenta, así que voy a parar aquí. Pero te mostraré una alternativa de cómo glaseé las hojas exteriores para bajar un poco el nivel de intensidad. He mojado la parte inferior de la hoja aquí usando un ligero lavado del color sombra, pinto la parte superior de la hoja y dejo un pequeño borde alrededor de los lados. Entonces tiro el pigmento hacia el esmalte húmedo para que los bordes se mezclen suavemente. Siéntete libre de experimentar con diferentes elementos y de combinar información de varias referencias para agregar a tu propio toque artístico.
9. Proyecto de la clase: Para tu proyecto de clase, puedes optar por utilizar la imagen de referencia que he proporcionado en la sección Recurso de Clase o puedes elegir pintar tu propia suculenta en base a tus propias imágenes de referencia. Ahora, depende enteramente de ti si quieres trazar la forma o si quieres dibujar con la mano libre, si buscas practicar también en tus habilidades de dibujo. Ahora bien, no tienes que pintar una suculenta pintura terminada antes de subir tu proyecto. Puedes empezar por crear una hoja de prácticas de las técnicas que
aprendimos antes y tal vez practicar también en tus escalas de valor. Piensa en tu proyecto como una progresión gradual y constante. Comparte tu progreso en la sección Proyecto, y puedes seguir sumando a él mientras te construyes hasta el cuadro final. Recuerda, puedes crearlo en cualquier estilo que quieras y no siempre tienes que usar todas las técnicas en una sola pintura. Juega con diferentes colores y valores o pinta diferentes especies de suculentas. Sea lo que sea que elijas hacer, recuerda que este es un proceso de aprendizaje. Experimenta y diviértete descubriendo qué funciona y qué no.
10. Reflexiones finales: Muchas gracias por unirte a mí en esta clase. Espero que seas capaz de encontrar algo útil que puedas incorporar a tu propia práctica. Si tienes alguna pregunta sobre las técnicas, materiales, o si tienes alguna sugerencia sobre futuras clases, por favor siéntete libre de dejarme una línea en la discusión de la clase a continuación, o ven a saludarme en Instagram a mi maneja en daintyrebelde. Además no olvides subir tus proyectos de clase y si quieres compartir tu trabajo en Instagram, por favor siéntete libre de usar el hashtag aquí mismo. No olvides echar un vistazo a tus compañeros de clase también funciona. Sé que el proceso de estratificación sí toma un poco de tiempo y puede ser bastante frustrante a veces, sobre todo cuando llegamos a ese punto de nuestras pinturas donde se siente que no parece nada en absoluto. O sientes que no sabes lo que estás haciendo en absoluto. Confía en mí, he estado ahí muchas veces. En esos momentos, permítete tomar un descanso o descansos. Ve a pasear, toma una taza de té, acaricia a tu perro o [inaudible] y luego vuelve a tu pintura con mentes frescas. Es fácil quedar atrapado en todos los tecnicismos de crear arte y sin duda es importante entender y dominar lo básico. Pero volveré a decir esto. No hay una forma de crear arte. Hace mucho tiempo, empezamos usando sólo nuestras manos para pintar antes incluso de usar herramientas como palos. Antes alguien incluso tenía la brillante idea de tocar pelos hasta los extremos de sus estados. Justo lo que quiero decir, es explorador, experimentar, jugar y encontrar lo que te funcione mejor y lo más importante, no
te olvides de divertirte. Gracias de nuevo, espero verlos la próxima vez. Adiós.
Aima Kessy, Top Teacher | Dainty Rebel
