Consejos de ilustración: diviértete con el arte digital

1. Introducción: ¿ Quieres aprender habilidades de arte digital que te ayuden a sentirte cómodo con el dibujo y la pintura digitales? En esta clase, aprenderás consejos y trucos de arte digital los cuales se aplican a la mayoría de las herramientas y software digitales, por lo que te pondrás súper cómodo con el dibujo y la pintura en una pantalla digital. Hola, soy Iva Mikles y soy ilustradora y diseñadora con sede en Europa. Bienvenidos a mi próxima clase. Durante mi carrera, tuve la suerte de crear arte digital para muchas empresas locales e internacionales, como Lego, la compañía de juguetes, y Procter y Gamble, marcas como Ariel y Villa en un arte de palabra y concepto, guión en color, ilustraciones de personajes, animaciones, packaging, y conceptos publicitarios. Ya sea que apenas comiences con el arte digital o eres un artista con más experiencia que quiere recoger nuevos consejos y trucos, esta clase es para ti. Si eres un artista tradicional, ven también, puedes conseguir un nuevo pasatiempo y ampliar tus horizontes aprendiendo una nueva tecnología. Aprender arte digital puede parecer abrumador porque hay tantas preguntas. ¿ Por dónde empiezas? ¿ Qué herramientas y software debemos obtener? ¿ Cuáles son los mejores stylers y el mejor lápiz digital? ¿ Qué cepillos usar? ¿ Cómo realmente pintas y dibujas digitalmente? Esto es en lo que quiero ayudarte en esta clase. Al crear una divertida y colorida escena submarina, te mostraré paso a paso técnicas de arte digital, consejos, y trucos que te ayudarán a dibujar y pintar digitalmente mejor y más rápido. Al final de la clase, tendrás una ilustración que podrás utilizar como fondo de pantalla para tu computadora, tablet y smartphone, o una imprimirla solo para tu hogar, o incluso darla como regalo a tu familia y amigos. Estaré usando Procreate, que es una aplicación de dibujo digital basada en pixeles para iPad. Si ya conoces los conceptos básicos de muchos otros software de dibujo digital como Photoshop, Fresco, Krita, Gime, u otros, siéntete libre de seguir adelante. Aunque los menús y las convenciones de nomenclatura puedan ser diferentes, los conceptos se mantienen muy similares. Antes de empezar, no te olvides de seguirme aquí en Skillshare para que me notifiquen cuando libere nuevas clases y hace anuncios especiales sobre los sorteos. También te invito a seguirme en Instagram donde podrás ver mis obras de arte más recientes, y seguir las historias de mi vida como artista. Ahora, empecemos, nos vemos en la clase. 2. Tablets para dibujar: Te imaginas cuando empezaba con el arte digital, algunas personas realmente estaban dibujando con un ratón. Tengo mucha admiración por esos artistas porque debió haber costado bastante paciencia y sobre todo fuerte voluntad. Bueno, muchos de ellos estaban usando un programa basado en vectores donde se obtiene una ayuda de la herramienta pluma, así que creo que el uso del ratón no es tan malo, pero aún así, wow, qué habilidad tener para poder dibujar solo con el ratón. De todas formas, tuve la suerte de poder probar y experimentar creando gráficos en mi escuela multimedia con la pluma y la tableta. Al ver que el arte digital tiene un potencial portador profesional, y parece bastante interesante aprender, me vendieron sobre la idea de hacer arte digital. Pensé, lo que necesito hacer ahora es aprender el software paso a paso y ponerme cómodo con él. Tuve la suerte de que poco después pudiera iniciar una pasantía de diseño donde aprendí y practicaba el arte digital todos los días un paso a la vez. Todo necesita tiempo y práctica para acostumbrarse, así que aunque aprendas una cosa pequeña todos los días o a la hora, es un gran paso para ti como persona creativa. Volviendo a las herramientas, hoy en día, los artistas digitales tenemos tanta opción. Están las tabletas de lápiz gráfico, las independientes, y también las tabletas de dibujo portátiles, almohadillas de notas digitales, Estilos digitales, lápices de Apple, y así sucesivamente. ¿ Cuál debe elegir? Antes de caer presa del antiguo cazador, instintos recolectores de conseguir el nuevo juguete brillante, te recomendaría que antes pienses en un par de cosas importantes. Por ejemplo, ¿quieres que el arte digital sea una extensión de tu creatividad como afición? ¿ O quieres crear profesionalmente y convertirla en una carrera? ¿ O necesitas una tableta para ejecutar cualquier software de dibujo digital o el software profesionalmente reconocido en la industria artística? Además, ¿quieres trabajar desde casa o desde un estudio la mayor parte del tiempo? ¿ O quieres una tableta con la que sea fácil viajar? ¿ Tienes suficiente espacio en casa o en estudio para una tableta más grande? ¿ Cuál es tu presupuesto? ¿ Será la tableta un gasto o una inversión en tu nuevo negocio del arte? Por regla general, yo diría que debes dejar que las herramientas crezcan contigo y tus habilidades. Puedes comenzar con una opción más barata, aprender el programa y obtener mejores herramientas en el camino. Por ejemplo, cuando empezaba, solía dibujar mucho con la tableta de interés de vacío y me encantó durante muchos años. Si nunca lo has usado, está conectado a tu computadora con un cable, y funciona casi como un ratón, solo que mejor porque usas los estilizadores de plumas reales. Toma algún tiempo acostumbrarme, y creo que fue una semana para mí de usarlo todos los días porque estás mirando la pantalla de la computadora mientras dibujas en la tableta. Una vez que lo agarré, se hizo muy bien el trabajo, y yo estaba creando personal fácilmente, como lo imaginaba. También usé [inaudible] durante mucho tiempo, sobre todo en el trabajo así como en casa, y la mayoría de las veces para una ilustración de arte conceptual a gran escala con muchos detalles. El gran pantalla es genial si creas obras de arte muy elaboradas con muchos detalles, y realmente la disfruté para el arte conceptual. Un inconveniente es que sí toma mucho espacio, toda una mesa en realidad, por lo que debes contar con eso si lo consigues para tu hogar o para la oficina. Posteriormente, como sabrán por mis otras clases, obtuve mi favorito actual la tableta de dibujo portátil independiente, el iPad Pro. Sé que hay otras empresas enfocadas artistas que producen tabletas de dibujo independientes, como Wacom, Huion, X-pen. No obstante, elegí el iPad Pro por su versatilidad, y se puede usar como un ordenador normal también, es muy ligero, hermoso, el diseño es muy bonito y para ser honesto, Apple Pencil está justo fuera de este mundo, se siente muy natural de usar. También elegí el tamaño de pantalla más pequeño de un iPad porque lo puedo llevar a todas partes conmigo. Normalmente incluso lo llevo en mi mochila también en caminatas pero no te preocupes, tengo dos fundas suaves en ella, y tengo mucho cuidado con la mochila cuando la llevo. Podría ser más caro que los demás, pero obtienes muchos en una cosa de tableta. A menudo digo que mi proceso, ya que descubrir procreate y conseguir un iPad Pro con el Apple Pencil es 10 veces más rápido que antes. Yo puedo hacer mucho más, tanto mejor, con tanto menos esfuerzo. También estoy más motivado para dibujar porque lo llevo conmigo a todas partes. Pero para enfatizar, realmente te recomendaría probar diferentes tabletas hasta que encuentres tu favorita. Por regla general, piense en su caso de uso, preferencias, presupuesto, y luego mire las características y los beneficios que esas tabletas pueden brindarle. En realidad, si quieres hacer más investigaciones sobre la tableta de dibujo, creo un montón de artículos y reseñas comparando los diversos tipos porque como te puedes imaginar, disfruto dibujando digitalmente, y también me gusta probar diferentes herramientas, que pueda encontrar la mejor para mí y mejorar mi proceso y hacer el dibujo más fácil. Puedes encontrar un enlace a la página web en el perfil de mi profesor si quieres leer más. Ahora cuando sepamos un poco más sobre la tableta de dibujo, echemos un vistazo a algunos del software digital y las apps disponibles en el mercado. Nos vemos en el siguiente video. 3. Software: Hay bastante software de dibujo digital para elegir. En lugar de aburrirte con todos los tecnicismos, te llevaré a través de mi experiencia práctica con algunos de ellos. Como ya sabéis, mi actual software de dibujo digital go-to es el Procreate en mi iPad Pro. Puedes conseguirlo por compra de una sola vez de unos $10 y puedes usarlo para siempre sin cuotas mensuales. En la nota al margen, procreate es desarrollado por chicos del hermoso Hobart en Tasmania, que es conocido por los lindos demonios de Tasmania. ¿ No son lindos? Tenía que mostrarte esto. Volviendo a nuestro tema, Procreate ha recorrido un largo camino desde sus inicios y proporcionan una cantidad correcta de funcionalidad, herramientas de dibujo para que muchos artistas la industria lo utilicen como parte integral de su proceso creativo. Lo uso para bocetos, trabajos en curso, y dependiendo de la complejidad y requerimientos de renderizado, termino las obras de arte para clientes en mi iPad y Procreate también. Después pasando al otro software, está Adobe Photoshop e Illustrator, que son ambos reconocidos como software profesional en la industria artística, probablemente porque proporcionan toneladas de funcionalidad y herramientas de dibujo, pero tardan bastante tiempo acostumbrarse. Como se pueden imaginar, cuando estaba empleado como ilustrador, usaba Photoshop y Adobe Illustrator a diario. Como freelancer, mi programa diario es Procreate, con el que puedo moverme, pero sigo usando Photoshop para tareas de edición más complejas e Illustrator para proyectos vectoriales o creación de patrones. Es posible que ya sepas que realmente puedes hacer patrones en Photoshop o Procreate también. Pero creo que es más conveniente hacerlo en Illustrator, y también se considera un estándar en una industria de diseño de patrones de superficie para el trabajo diario, como se puede imaginar, si es más conveniente hacer patrones ahí, por lo menos, yo lo creo. Hay mucho de eso se puede hacer en Procreate, pero en Photoshop e Illustrator, tienes más opciones de edición. Además, como mencioné, ya estoy bastante acostumbrado a ellos de todos modos. Pero de nuevo, un paso a la vez, definitivamente no necesitas conocer todos los programas de inmediato. Al empezar, diría que no necesitas conocer todos los programas de Adobe, pero si quieres trabajar en la industria del diseño, del entretenimiento, del juego y de la creatividad en general, es útil conocer Photoshop e Illustrator a largo plazo. Tanto Adobe Photoshop como Illustrator forman parte de Adobe Creative Cloud, que ahora es plan de suscripción mensual. Va a cualquier lugar entre $10 y $50 al mes dependiendo del plan que obtendrás, y eso depende de qué programas elegirás si solo obtienes uno o todo el paquete. Esto puede, por supuesto cambiar, así que por favor revise siempre su página web, cuál es la última oferta. En mi opinión, brindan la mejor experiencia si estás en la computadora, sin embargo, también tienen versiones disponibles para las tabletas, aunque, generalmente con menos funcionalidad. Pero todo se está desarrollando con bastante rapidez y puede ser que el nuevo mejor lanzamiento para la tableta esté justo detrás de la esquina. Por cierto, si no conocías Adobe Photoshop, como Procreate es un software basado en pixeles, y Adobe Illustrator es un software basado en vectores. Por regla general, si necesitas escalar tus gráficos sin pérdida de calidad, los creas en vector. Por ejemplo, logotipos, fuentes, iconos, patrones y ciertos otros diseños. Como se puede imaginar, hay muchos otros programas y aplicaciones de dibujo digital por ahí. Mencionaré a pocos de los que probé, o me enteré de mis compañeros artistas. Ahí está Adobe Fresco, Krita, Autodesk SketchBook, Clip Studio Paint, PaintTool SAI, GIMP y otros. Algunos de ellos son gratuitos, código abierto y otros son más asequibles que el resto. Por ejemplo, Krita es de forma gratuita y también reconocida en la industria creativa para la ilustración y el arte conceptual. El GIMP es genial para la edición de fotos y el diseño gráfico. Por último, quiero mencionar que si quieres usar la funcionalidad completa de Adobe Photoshop e Illustrator, no solo una app mientras usas tu iPad Pro, también existe la app Astropad, que te permite enlazar tu iPad Pro tu computadora Mac y utilízala como tableta gráfica. Los creadores lanzaron recientemente una versión Beta compatible con Windows 2. Ahora, cuando tengas una visión general de qué herramientas y software puedes usar para crear arte digital, pasemos a aprender sobre técnicas, consejos y trucos del arte digital mientras creamos un divertido y colorido tema submarino. Nos vemos en el siguiente video. 4. Lienzo: Cuando se trata de lienzo y capas, siempre considera cuál es el producto final de tu arte o ilustración. ¿ Es sólo un boceto? ¿ Planeas publicarlo en redes sociales? ¿ Harás un póster impreso, tal vez en un tamaño más grande? ¿ Acaso es el patrón que se va a usar en tela? ¿ O tal vez es un ambiente para un juego o animación? Antes de discutir las capas y el lienzo, veamos los diferentes tamaños de lienzo que puedes usar. Dos de mis, “Los consejos número uno cuando se trata de tamaño de lienzo son:” número 1, comprueba siempre tus necesidades de productos finales, por lo que tienes píxeles y resolución correctos y número 2, intenta crear tamaños de lienzo predefinidos que usas a menudo, para que no tengas que comprobar siempre cuáles son las medidas exactas. Por ejemplo, para A4 o A2. Tan solo Google una vez y crea y guarda los tamaños de lienzo que más utilices. En mi app Procreate, puedes ver que he guardado muchos tamaños de lienzo que uso a menudo. Por ejemplo, para las publicaciones de Instagram, que creo a menudo, utilizo alrededor de 3,000 por 3,000 píxeles como puedes ver aquí. En Procreate, haciendo clic en la lista de lienzos a la derecha, y luego en el signo más en la parte superior, puedes crear un nuevo lienzo. Al crear un nuevo lienzo, primero establezca las dimensiones, el tamaño, y luego la resolución. 300 DPI es bueno para impresión, 600 sería aún mejor, pero no necesario en mi opinión a menos que sea tamaño de cartelera. 72 DPI o 150 DPI suele ser suficiente para pantallas como obras de arte para previsualizaciones en miniatura y similares. Al definir estos ajustes en Procreate, también puedes notar la cantidad de capas que tienes disponibles. Por lo general, para compartir en redes sociales, no publico la resolución más alta, y en tales casos, siempre guardo la obra como copia y la redimensiono más adelante. Hablando de ajustes aquí, después de definir tu DPI, también puedes cambiar las dimensiones de tu arte. Entonces también se puede definir el perfil de color; CMYK sería para impresión, y RGB sería para pantalla digital. Entonces en Procreate, también hay una opción para el video time-lapse, que es bastante cool. Si desea registrar su proceso, compruebe si está encendido, y seleccione la calidad que prefiera. Ahora, después de crear un lienzo y estás en una obra de arte existente, puedes ir a la información del lienzo y recortar y cambiar el tamaño para acceder a la configuración de tu Canvas. En la configuración, puedes ajustar tus parámetros. Te sugeriría encarecidamente que no aumentes el número porque hará que tu arte sea borroso y pixelado. Trata de pensar siempre cuál es la resolución de tamaño más grande que necesitarías antes de empezar a crear. Selecciona la opción de remuestrear lienzo y la opción de ajuste al mismo tiempo, y esto te ayudará a cambiar el tamaño de tu obra sin cortar partes de ella. Nuevamente, recomiendo cambiar el tamaño solo a un tamaño más pequeño no más grande para evitar que tus ilustraciones se vuelvan borrosas y pixeladas. Una vez que haces esto, se convierte en un archivo mucho más pequeño, por lo que de repente obtienes más capas disponibles como puedes notar en la parte superior de la pantalla aquí. Entonces puedes presionar hacia abajo si quieres guardar o cancelar si no estás seguro, y no quieres guardar, o no hiciste antes una copia de la obra. Ahora, aquí tienes un consejo rápido sobre la preparación de las publicaciones para Instagram. Para ahorrar tiempo, no tienes que crear un lienzo nuevo cada vez si necesitas un tamaño más pequeño. Simplemente toma una captura de pantalla de tu ilustración ampliada y corta los bordes en la app. Me parece que esta resolución suele ser lo suficientemente buena para publicar. Ahora, hablemos brevemente de capas. Si no estás seguro de cuál es la mejor manera de usar capas, imagina la capa como una hoja de papel transparente en la que puedes dibujar. Puedes activar y desactivar capas con el icono del ojo, como quitar y dejar a un lado estas hojas transparentes de papel. Por lo que yo sé, la animación solía hacerse así en el pasado de una manera tradicional, utilizando muchas hojas de papel. Al deslizar hacia la izquierda sobre la capa, puedes duplicarla o eliminarla. En Procreate, tendrás capas limitadas basadas en el tamaño del lienzo, como ya notaste antes en la configuración. De esta manera, Photoshop es mejor porque es un software robusto en tu computadora sin limitación de capas. Pero por el precio y funcionalidad, todavía disfruto realmente de Procreate a pesar de estas limitaciones. En Procreate, si haces click en la capa, verías las diversas opciones que veremos más adelante en la clase usando ejemplos más concretos. Pero quería mostrárselos aquí para que sepas que existen. Si no estás usando Procreate o Photoshop, intenta explorar qué opciones de capa hay en el software de dibujo que usas. En la siguiente lección, discutiremos los pinceles e ideas sobre cómo usarlos. Nos vemos en el siguiente video. 5. Pinceles para bocetos: Ahora hablemos de pinceles porque hablar de pinceles es uno de los temas favoritos para muchos artistas. Puede ser bastante emocionante, probar las nuevas, descubrir sus propiedades, y crear arte impresionante en el camino. En cualquier caso, toma tiempo y mucha práctica acostumbrarse a diversos pinceles y cómo funciona la sensibilidad a la presión con tu dibujo, bocetos o pintura. A modo de nota al margen, por ejemplo, si no estás acostumbrado a dibujar contornos y bocetos bonitos, muy limpios mientras dibujas tradicionalmente, siempre puedes empezar a simplemente bloquear los colores y remodelar el concepto y añadir textura más adelante sin usar el line art en capa diferente como te mostraré también. Si estás acostumbrado a dibujar tradicionalmente ya intenta usar los medios digitales la misma manera y trabaja con las capas como si construyeras los colores mientras pintas tradicionalmente. Construye sobre el conjunto de habilidades que ya tienes y te será mucho más fácil. Como habrás notado, dividí el tema del pincel en dos lecciones. En la primera parte, te mostraré los conceptos básicos junto con mis pinceles de bocetos favoritos y en la segunda parte, siguiente lección, te mostraré mis pinceles de mezcla de colores favoritos actuales. Por regla general, creo que deberías experimentar con tantos pinceles y texturas como puedas para encontrar a tus pocos favoritos. Estas son las cosas a considerar: ¿qué tan opaco es el pincel? ¿ No tiene textura? ¿ Qué bordes se crea al dibujar? ¿ Cómo se comporta con diferentes presiones de pluma? Temprano, me atrapé con el uso demasiados pinceles porque quería usar todas las texturas geniales, pero estas pueden ser menos efectivas de lo que se podría pensar. Pensé al empezar que esos increíbles artistas admiraba tienen estos pinceles magníficos los cuales no sé cómo funcionan, y este es el mayor contribuyente a su arte. No obstante, como aprendí en el camino muchas veces, solo un simple pincel puede crear arte increíble. Hablando de lo básico, tomemos uno de los pinceles opacos básicos. En Procreate, mi favorito es el pincel de guión, puedes cambiar el tamaño, la presión y la opacidad. Con estas opciones de configuración ya, puedes crear mucho con un solo pincel. ¿ Por qué un pincel? Si te imaginas pintar con herramientas tradicionales, ¿cuántos pinceles usarías? No creo que muchos, al menos trato de limitar a uno o apenas a pocos tamaños diferentes de pinceles y técnicas de textura. Demasiadas texturas diferentes en una obra de arte pueden incluso adelantar a toda la idea. El enfoque estará solo en la textura y tal vez no en tu composición, colores, o la narración de tu ilustración. Como sabes, hay muchos pinceles diferentes que hacen que tu arte sea más divertido, por ejemplo, pincel para nubes o pincel para textura de roca. No obstante, por lo general solo ayudan con el look final y no hacen el núcleo de la obra. A menos que hagas arte abstracto y la textura sea muy importante para el look final general. Cuando encuentres tus pinceles favoritos, ponlos en una carpeta para que puedas encontrarlos fácilmente en el futuro. Esto te ahorrará mucho tiempo a la hora de crear arte nuevo para que puedas enfocarte en el arte no qué pincel era yo quería usar. En Procreate, puedes arrastrar y soltar los pinceles a una carpeta. Déjame mostrarte un pincel de la carpeta de bocetos. Me gusta mucho este pincel porque es más opaco cuando presionas más fuerte y menos visible cuando presionas más suave con el lápiz. Básicamente casi como un lápiz real en el papel y como puedes ver, también se comporta bien bajo diferentes ángulos cuando inclinas el lápiz mientras dibujas. Como puedes ver, me gusta usar el pincel de textura para hacer bocetos, generalmente pincel de aspecto tiza o pincel de aspecto lápiz para obviamente imitar el look de lápiz para los bocetos. Déjame mostrarte un pincel más de la carpeta de bocetos que se ve y se comporta de manera bastante similar. Como puedes ver, este es un poco más texturizado, así que depende de ti intentar ver cuál te gusta más. Como mencioné, tiendo a probar muchos pinceles. No obstante, lo que actualmente funciona para mí es usar menos pinceles en una obra de arte para no perderse en la búsqueda de pinceles mientras pinta. En la siguiente lección, seguiremos hablando de pinceles y técnicas, especialmente de mezcla de texturas y el recolector de color. Nos vemos en el siguiente video. 6. Pinceles para mezclas: Ahora, veamos los pinceles de textura, que puedes usar para mezclar los colores junto con la ayuda de un recolector de color. Nuevamente, dependiendo del look que te guste, piensa en las texturas. Por ejemplo, me gusta algo de textura en mi arte digital, y definitivamente puedes encontrar la manera de usar cualquier estilo que desarrolles para los diversos proyectos. En cuanto a las texturas y uso de texturas en el arte digital, lo que he visto alrededor, al menos en mi opinión, lo que he notado, siento que los artistas usan mucho más texturas en la ilustración del libro infantil. En comparación con el arte del juego y el arte conceptual del cine, la tendencia es no usar demasiada textura y casi sombrear todo con solo un cepillo suave. Trata de mirar a tus artistas favoritos y su proyecto y tal vez el área de la industria del arte en la que se encuentran, e intenta notar cuánta textura y textura pinceles usan en su arte. Definitivamente, mira más de un solo artista. Simplemente trata de notar más artistas para que tengas mejor visión general. Nuevamente, hay variedad de estilos cool por todas partes, así que trata de notar algunas similitudes en el sombreado, cantidad de detalles, paletas de colores y texturas al mirar diferentes formas de arte en diversos artistas. Ahora, veamos algunos pinceles geniales que vienen con Procreate. Como pueden ver, ya guardamos a estos dos en nuestra carpeta en la lección anterior. Ahora, averigüemos algunos más para agregar a esta carpeta. Como puedes ver, hay muchas carpetas con pinceles cool que viene con la app, así como algunas de las carpetas que agregué más adelante. Como te puedes imaginar y probablemente hayas escuchado puedes descargar varios conjuntos de pinceles y probar esos. Pero creo que hay suficiente aquí en los conjuntos de pinceles predefinidos. Echemos un vistazo a algunos de mis favoritos aquí, y hablemos de algunas cintas mientras las probamos. Por el momento, estoy disfrutando de éste. Ahora, usemos el recolector de color para mezclar. ¿ Qué es el recolector de color? El recolector de color toma muestras del color del lienzo que ya está ahí. Cómo acceder al seleccionador de color se define en tu configuración de Procreate. En Procreate, al tocar la pantalla con un dedo y mantenerla ahí un poco más de tiempo, es un atajo predefinido cómo acceder al vaso de precipitación de columna. Lo tengo configurado dando click en el botón de la izquierda. Como mencioné, el recolector de color es muy útil si quieres probar un color que ya está en el lienzo o puedes muestrear cualquier color de la referencia importada, que puede ser ya sea fotografía o una obra de arte que previamente pintaste tradicionalmente , lo escaneó e importó al software de dibujo. Como puedes ver, este pincel tiene una textura de tiza cuando dibujas con él, y es bastante opaco cuando presionas más fuerte también. Me gusta mucho esta combinación. Cuando dibujas más suave, ves más textura, y cuando presionas más fuerte con el lápiz, el pincel es más opaco. Hay bastante variedad cuando dibujas con este pincel. En esta lección, estoy seleccionando varios pinceles como ejemplos. Algunos tienen borde suave y otros tienen borde más duro al dibujar. Como mencioné antes, es bueno seleccionar solo unos pinceles para ahorrar tiempo al dibujar y simplemente no buscar los pinceles todo el tiempo. Además de esto, muchos artistas dicen que en realidad es suficiente para practicar con solo dos pinceles, un cepillo de borde suave y un cepillo de borde duro cuando recién estás empezando, lo que puedes acostumbrarte a cómo controlar el presión al dibujar con pinceles para obtener los resultados que desee. También es un enfoque bastante fácil porque el cepillo de sombreado suave y cepillo de borde duro suelen estar disponibles en cada software de dibujo, y te llevarán a través de la mayoría de las necesidades de sombreado y mezcla. Con el pincel de borde duro, obtienes pinceladas de gradiente más desiguales y duras si estás tratando de mezclar colores, y querrás deshacerte de esos recogiendo color y pintando con menos presión sobre estas transiciones. Por otro lado, si utilizas pincel con bordes suaves, la mezcla de los colores sería más fácil y se mezclarán más suavemente. Mezclar los colores con cepillo de borde duro requiere poco más práctica y más control de la presión de la pluma. Se trata sólo de la práctica otra vez. Cuanto más intentes, practicas y experimentas, más cómodo te vuelves. Desde los pinceles de borde duro, me gustan los que tienen una forma rectangular como base del pincel sobre los que tienen forma de base redonda del pincel. Simplemente me gusta la forma rectangular porque hace que la obra de arte y las pinceladas sean más atrevidas. Además de esto, mayoría de los pinceles que realmente me gustan tienen algún tipo de textura para ellos. La mejor opción o la preferencia para mí es cuando presionas suavemente, habría algo de textura en las pinceladas y cuando presionas más fuerte, el pincel se volvería más opaco. Esta es solo mi preferencia, así que tienes que probar diferentes pinceles para ver lo que te gusta para dibujar. Ahora, déjame mostrarte otro pincel el cual es bastante interesante para colorear y mezclar porque tiene este look de textura acuarela, que me gusta bastante. En primer lugar, tomaré un color como base, y luego añadiría otro y los mezclaría junto con el recolector de color. Muestreo del color del lienzo. Como segundo color para este ejemplo, para mezclar, estoy tomando uno de los colores cálidos más oscuros por lo que terminaríamos con tonos rosados más oscuros y claros. ¿ Cómo hacer esto? Simplemente agregarías el rosa oscuro encima del rosa claro en un lado y dibujarás suavemente usando la ligera presión en el lienzo para que la mezcla de los colores sea menos prominente o puedes pintar duro con más presión para agregar color más sólido y transiciones más visibles en este tono de color. Entonces como mencioné antes, puedes usar el selector de color en la parte cuando estos dos colores se superpongan y crear un nuevo tono interesante. Entonces de nuevo, pintarías con estos nuevos tonos para mezclarlos sin problemas. Lo interesante de este pincel es que cuando pintas en la obra de arte más grande, realidad toma más colores que ya están en el lienzo y automáticamente crea interesantes combinaciones de colores con tonalidad adicional. Te mostraré más de estos pincel en las lecciones posteriores, también. Como mencioné, el recolector de color es una de las principales herramientas digitales go-to que utilizo. Te ayuda a mantenerte consistente con tu paleta de colores. El Selector de colores es útil porque permite usar solo la mezcla de colores que ya tienes en el lienzo y en la ilustración al mezclar, sobre todo si quieres lograr un look consistente en una sola ilustración. Ahora a otro ejemplo de rama, permaneciendo en la misma carpeta de pinceles, la carpeta artística. Echemos un vistazo a otro pincel que estoy disfrutando mucho ahora. Este pincel tiene una textura agradable y dependiendo de la presión que elijas, notarás diferentes cantidades de textura en tu lienzo. Cuando usas pequeña cantidad de presión y pintas suavemente, tiene un aspecto de acuarela encantador. Se puede ver el ejemplo de estos pinceles en esta obra de arte de manta raya que hice anteriormente. Ahora, volviendo a la carpeta de pintura, este pincel de aspecto óleo te da un bonito aspecto de pintura casi al óleo al mezclar colores. Ahora, eliminemos esta capa con este ejemplo de pincel y veamos otra. Además de usar este pincel de óleo para pintar, lo uso a veces como herramienta de manchas también. Si notas el icono junto a la herramienta de pincel en la parte superior, esa también es una herramienta de manchas que puedes usar para empujar los colores alrededor del lienzo. Como dije, lo uso solo a veces pero cuando lo hago, lo uso con este pincel. Puedes probarlo si te gusta esta herramienta, también. Ahora, cuando vamos a una carpeta de dibujo en el conjunto de pinceles. Actualmente, me gusta mucho este pincel también, que viene con muy agradable textura suave con diferentes presiones de pluma. Se puede practicar el prensado más suave y usar una presión muy baja con este pincel y también con más presión sobre el lienzo para ver cómo se ve este pincel y si te gusta. Ahora bien, si prefieres pinceles más sólidos con textura rugosa, también te recomiendo este pincel. Usar baja presión con el lápiz o el lápiz te conseguirá esta bonita textura rugosa, casi como un look de lápiz. Usar más presión te conseguirá este bonito look opaco, y también puedes intentar inclinar tu lápiz y ver cómo se comporta el pincel bajo diferentes ángulos. En la carpeta de pintura, me gusta mucho este pincel de aspecto acrílico, que tiene una textura suave y es muy bonito para formas grandes y crear gradientes con alguna textura. Aquí hay otro que me gusta para el look de gradiente suave con algo de textura. Este pincel es similar si utilizaras gouaches en la vida real. Ahora, eliminemos esta capa con este ejemplo de pincel. Aquí un ejemplo. Utilicé mucho este pincel cuando estaba creando este campo de ilustraciones de flores para la clase de composición. Lo combiné con este pincel de aspecto entintado con algo de textura de la carpeta de entintado, como te puedes imaginar. Cuando se trata de pinceles con diferentes texturas, trata de no dejarte llevar con diferentes pinceles de textura dentro una obra porque puede volverse muy ocupado muy rápidamente, y podrías pasar más tiempo probando diferentes pinceles que creando nuevas obras de arte. Dependiendo del look que te guste para tus obras de arte, prueba diferentes pinceles pero trata de apegarte a una cantidad limitada de estos pinceles de textura en una obra de arte para que tu idea no sea dominada por las texturas. Una vez que te vuelves más avanzado y te sientes más cómodo combinando diferentes pinceles y texturas dentro de la obra, también puedes pasar a crear tus propios pinceles para texturas como nubes, pecas o rocas, que yo encuentran bastante útil. Hay tantos tipos que son tan geniales. Pero volvamos a los pinceles que tenemos aquí. Aquí hay otro ejemplo de ilustraciones de otra clase, la clase de proceso de ilustración freelance, donde también uso estos pinceles. Como puedes ver, tienes muchas opciones, y me encantaría escuchar cuáles son tus favoritas después de que pruebes algunas de ellas. Cuando encuentres tu favorito, no olvides añadirlos a la carpeta. Puedes nombrar a la carpeta pinceles favoritos o más usados o el nombre que quieras. Como te puedes imaginar, cada software viene con un montón de pinceles, por lo que es una buena idea probar al menos algunos de ellos cómo se comportan y experimentan mientras usas diferentes presiones de lápiz y lápiz para ponerse cómodo con estos pinceles. En la siguiente lección, te mostraré lo valiosos que pueden ser los atajos sin importar el software de dibujo que utilices. Nos vemos en el siguiente video. 7. Métodos simplificados: Hablemos de atajos, porque sentirte cómodo con los atajos disponibles en tu software de dibujo, te ayudará mucho cuando se trata de tu flujo de trabajo y el proceso de dibujo. Puede que haya algunas de ellas de las que quizá ni siquiera hayas conocido. Los atajos que más uso, y probablemente lo harás, son los siguientes. Al pintar, normalmente estoy alternando rápidamente entre pincel, deshacer, borrar, rotar, escalar, y el seleccionador de color. En algunos atajos y gestos útiles adicionales que uso, son acercar y alejar, y el gesto rápido para hacer el pincel más grande o más pequeño. Para hacer el pincel más grande o más pequeño, usa la escala de la izquierda, y luego solo puedes bosquejar con un pincel. Para deshacer lo que acabas de esbozar, puedes borrar o usar el botón de deshacer, o el acceso directo para eso. Para borrar en Procreate, es este botón en la parte superior, y para deshacer o en otras palabras, volviendo atrás en Procreate, solo puedes tocar con dos dedos en la pantalla. Se puede ver que los botones de deshacer y rehacer están aquí a la izquierda. No uso tanto el botón de deshacer, porque el atajo es mucho más rápido. Como ya saben, el recolector de color es algo que uso muy a menudo también. En Procreate, hay algunas formas en que puedes configurar este atajo. Intenté trabajar de diferentes maneras y me asenté en mi configuración actual, que es hacer clic en el botón aquí de la aplicación con mi brazo izquierdo, en lugar de sostener el dedo o simplemente lápiz sobre el área. Para personalizar el atajo, basta con hacer clic en el icono de rango aquí en la parte superior. Vaya a Herramientas, seleccione Preferencias y acceda al menú. Noté que algunos artistas realmente prefieren activar el selector de color con la misma mano, ya que están sosteniendo y dibujando con un lápiz. Mientras dibujan, sostienen el lápiz y usan uno de los dedos de esa mano para tocar el lienzo para probar el color. Pero como mencioné, lo que me funciona mejor es dibujar con una mano, y probar los colores con el seleccionador de color con la otra mano. Si estás trabajando en software diferente, solo Google qué opciones tienes para este atajo. En Procreate, también tienes un QuickMenu el cual puedes configurar en las Preferencias, y puedes ver mis ajustes preferidos aquí. Yo uso el Alpha Lock aquí más, para bloquear la transparencia de la capa. Te contaré más sobre el Alpha Lock en lecciones posteriores. Para acercar y alejar el zoom en Procreate, usa dos dedos para agarrar y luego escala el lienzo. Otro atajo divertido que puedes usar, es pellizcar rápido con dos dedos. Con estos movimientos puedes volver a ajustar el lienzo a tamaño completo, llenando la pantalla. Cuando quiero rotar el lienzo en Procreate, solo puedo usar dos dedos para agarrar y luego girar el lienzo. Girar el lienzo es bastante útil si estás acostumbrado a dibujar con un solo movimiento con la mano o el brazo, y girar el lienzo y dibujar en el cierto ángulo pueden ayudarte a crear trazos más seguros y sueltos. Un atajo más o una herramienta con los gestos rápidos que uso con bastante frecuencia es conseguir líneas rectas. En Procreate, solo puedes sostener el bolígrafo en el Lienzo un poco más después de dibujar una línea y se pondrá recta. Puedes usar estos trucos también con líneas curvas y círculos. Toca y sostén con tu otra mano para tener un círculo perfecto. Si todo esto es abrumador, no te preocupes si aún no lo recuerdas todo. La práctica ayuda y progresa. Prueba las cosas y diviértete. Pero los atajos de aprendizaje definitivamente te ayudarán a largo plazo. En la siguiente lección, hablaremos sobre cómo utilizar referencias e inspiración mientras dibujamos digitalmente. Nos vemos en el siguiente video. 8. Referencias: Cuando tengas una idea para tu ilustración pero no hayas practicado mucho dibujar ese tema especial o una escena, no tengas miedo de usar referencias. Ellos pueden ayudarte con tu proceso y al mismo tiempo, generar nuevas ideas para ti. Al crear nuevas obras de arte, como regla general, intenta usar más referencias en lugar de simplemente copiar el trabajo de otra persona. Por ejemplo, mirando una fotografía. De esta manera, puedes inspirarte en diferentes cosas, como la composición de objetos y elementos en una referencia y luego la luz y los colores en la otra, y al final, terminarás con ilustraciones propias muy interesantes. Al dibujar digitalmente, utilizo referencias de dos maneras diferentes. Ya sea en una ventana separada o una pantalla de monitor cuando no quiero usar los colores exactos, o importando imágenes de referencia directamente a la aplicación de dibujo. Echemos un vistazo a la primera opción, en la que puedes ir a Canvas y Referencia y seleccionar una imagen de la galería para luego inspirarte en esta referencia. Si estoy dibujando en Photoshop en la computadora, normalmente tengo el tablero de humor con múltiples imágenes de referencia como otra ventana o incluso en una pantalla separada. Si no tienes una pantalla separada, también puedes usar tu teléfono como pantalla extra para tus referencias. Al hacer bocetos, intenta inspirarte en las diferentes formas de coral y trata de simplificar al mirarlas. Como mencioné, suelo preparar tableros de humor con múltiples referencias fotográficas, y preparé algunas fotos de referencia en vivo de mar en un tablero de humor para ti también para que puedas obtener inspiración para algunos de los elementos, detalles del elemento, ánimo, y paletas de colores. Puedes encontrar las instrucciones sobre cómo descargarlas en la sección de recursos. Ahora, para la segunda opción, si quieres usar algunos de los colores de las referencias directamente, importaría las imágenes directamente en el lienzo. Entonces puedo usar el recolector de colores para probar los colores. Cuando tengas la imagen de referencia importada en el lienzo en una capa separada, prueba a probar diferentes colores de esta imagen. Para esta práctica de boceto de corales, estoy tratando de limitar la cantidad de colores para crear un look consistente. Entonces trato de dibujar un pez basado en la referencia con los colores similares como usé en los corales para que todos estos dibujos parecieran que pertenecen juntos. Importar las imágenes directamente en el lienzo también es genial si aún no tienes confianza con el dibujo simplemente mirando el objeto. Porque se puede dibujar en la capa separada, en la parte superior de la capa con la referencia, y luego se puede trazar sobre su referencia. Posteriormente, cuando estés contento con tu resultado, solo puedes ocultar la capa donde tuviste la referencia. Cuando necesites solo una parte de la referencia de la foto, puedes eliminar el resto de la foto y mantener el resto de la misma justo en el lateral del lienzo como referencia en caso de que lo necesites más adelante. Por ejemplo, si quiero usar este pez como referencia más adelante tal vez para los colores o para los detalles al dibujar otros peces en la composición y bocetos. En la siguiente lección, hablaremos de diferentes enfoques para esbozar y renderizar. Nos vemos en el siguiente video. 9. Bocetos sueltos: Este consejo en realidad se aplica tanto al arte tradicional como al digital. Pero mencionemos este ejercicio como un buen recordatorio porque es muy divertido. Para calentarse, dibuja algunas formas aleatorias como remolinos, prueba cosas y límpias las cosas. Al dibujar, intenta usar tu codo como punto de pivote para que utilizaras todo el antebrazo, no solo la muñeca y los dedos. Obtendrás líneas más sueltas de esta manera, mucho más fácil. Aquí tengo pocas ideas de ejercicio para que te pongas cómodo al hacer bosquejos digitalmente. El primer ejercicio es dibujar líneas rectas. Sí, sólo líneas rectas. Usaré el pincel de menta de la carpeta de bocetos para este ejercicio, pero por favor siéntete libre de probar diferentes si quieres. En primer lugar, intenta dibujar estas líneas simples solo con el movimiento de tu muñeca de izquierda a derecha, y luego intenta de derecha a izquierda. Repite pocas veces. Después prueba dibujando estas líneas con todo tu antebrazo sin mover la muñeca. ¿ Te das cuenta de la diferencia? Siento que practicar con todo el antebrazo puede ayudarte mucho con líneas más seguras. Repitiendo esta práctica, dibujar líneas más cortas así como líneas más largas. Después intenta igualar las líneas que ya dibujas dibujando encima de ellas lo más cerca posible con movimientos mucho más rápidos. Creo que suele ser más fácil emparejarlos y tener líneas más seguras con movimiento más rápido que los movimientos lentos. Yo creo de esta manera, tú también tendrías más confianza en el dibujo. Intenta practicar con movimientos más lentos y luego con movimientos rápidos otra vez. Trata de saber si ves la diferencia en tu confianza y dibujando estas líneas. Además de las líneas rectas, prueba a practicar líneas curvas, remolinos, e incluyendo curvas pequeñas y grandes también. Estos pueden convertirse en corales más adelante para nuestro tema en esta clase. Al igual que antes, primero, dibuja una forma y luego intenta igualarla de nuevo con un movimiento más rápido. Otro gran ejercicio es dibujar círculos, especialmente dibujar círculos usando una línea sin levantar la pluma o lápiz. Esta práctica te ayudará a sentirte cómodo con todo tipo de formas más adelante mientras dibujas. En nuestro caso, podemos practicar estos círculos que se convierten en erizos de mar cuando añadimos pocos detalles más adelante. Ahora, practiquemos bocetos sueltos en algunos objetos reales porque obviamente, eso es más divertido que solo líneas rectas y círculos llanos. Porque nuestro tema es Vida marina, dibujemos algunos corales. Esta práctica también te ayudará a dibujar obras de arte finales. Escenas submarinas son perfectas para bosquejos sueltos porque realmente puedes probar varias formas y no se verían así porque el agua distorsiona un poco los obsticks y también hay formas muy interesantes de los corales en el mar. Con curvas sueltas, también puedes dibujar hojas simples y añadirlas a una línea curva para crear algunas algas submarinas. Practicemos también aplicando presión; lo duro o lo suave que dibujas. Cuando empezaba con bocetos, o hacía trazos demasiado suaves o líneas cortas demasiado duras porque tenía miedo de que mis líneas fueran demasiado tambaleantes y no como las imagino. Con el tiempo mis bocetos se volvieron más sueltos y más confiados. Cuanto más dibujes, más fácil y natural se sentirá para ti. Si quieres dibujar animales como ballenas o manta raya y no puedes sacarlos de la memoria todavía, no te preocupes, y usa algunas referencias para dibujarlos. Trata de enfocarte en usar las líneas sueltas para capturar la silueta o el movimiento antes de comprometerte a añadir anatomía y detalles más creíbles. De esta manera, podrías descubrir algunas formas que realmente te gustan, así como animales submarinos más grandes. Diferentes tipos de peces pueden ser geniales para bosquejar para el calentamiento ya que pueden tener diversas formas. También podemos usar líneas sueltas para dibujar medusas o pulpo porque tienen formas muy frescas y lindas líneas curvas cuando miramos sus siluetas. Déjame mostrarte otro ejemplo de un animal que puedes dibujar para este tema. Primero rastreo y luego boceto más flojo. Como mencioné antes, puedes importar la imagen de referencia como esta tortuga y luego trazar encima de ella usando más líneas sueltas como segundo paso. Después de trazar en la parte superior de la imagen, obtendrás la primera idea de cómo se pueden curvar las líneas. Al crear un boceto más suelto, escribe bien te ayudará a recrear esas formas mucho más fácil que si solo comienzas con un boceto más suelto. Aquí, sigo usando el mismo pincel para bosquejar el contorno, así como para sombreado, sólo sosteniendo el lápiz para el sombreado. Trata de desafiarte y primero, si quieres rastrear al animal, practica así, y luego trata de redibujar el animal o cualquier forma sin trazar encima de la imagen. Cuanto más practiques y más dibujas, más suelto y más seguro te vuelves al dibujar diferentes formas de jags y animales. Después de bosquejar regularmente, normalmente me siento más segura y feliz por los nuevos bocetos e ideas. Por supuesto, como se puede ver, las proporciones no son las mismas. El boceto aparecerá más suelto y más estilizado. Prueba tanto el trazado en la parte superior de la imagen como el bosquejo suelto como práctica. Por supuesto, si practicas dibujar un tipo de animal más veces en diferentes ángulos, más seguro estarás al dibujar ese tipo de animal y tal vez para los otros, seguirías necesitando la referencia, pero eso está todo bien. Practica lo más posible y compara tus bocetos para ver tu progreso a lo largo del tiempo. En la siguiente lección, discutiremos cómo detectar y solucionar rápidamente tus errores. Nos vemos en el siguiente video. 10. Cómo invertir el lienzo: Esta herramienta o hábito es un gran consejo sobre cómo detectar y arreglar rápidamente tus errores. En esta lección, juntaremos nuestras ideas de boceto en una composición y veremos cómo podemos ajustar rápidamente partes de la misma. Para esta primera parte, estaré usando este pincel, que es bastante bonito para bosquejar. Importa los bocetos que hiciste antes para ayudarte con la inspiración para los elementos en la composición. Al crear composición como esta, puedes importar los dibujos de práctica que hicimos antes, así como otras referencias, tal vez para animales, personas u otros elementos para agregar sentido de vida a tu entorno. Para éste, estaré usando sólo animales. Si quieres agregar gente, tal vez puedas encontrar referencias de personas buceando o snorkel. Si no estás seguro de cómo armar una composición y quieres aprender sobre algunos consejos interesantes y solo más práctica, te recomiendo que veas mi clase sobre composiciones. Uno de los grandes beneficios de los medios digitales es que podemos usar muchas capas. Imagínate al dibujar sobre papel, normalmente tienes solo un papel o tal vez tienes más pero entonces tienes que combinarlo de alguna manera. Muchos artistas, si dibujas en un papel, primero dibujarían muy suave primero boceto para establecer el diseño, y luego definirían el dibujo con líneas o colores más visibles como siguiente paso. Esto es lo que estamos haciendo aquí. Estaré usando más capas para lograr este efecto. Por supuesto, las capas hacen mi proceso más fácil, como te puedes imaginar. Como primer paso, crearía boceto en bruto el cual pasa a esta capa única. Posteriormente, reduciré la opacidad de esta capa para tener el look de lápiz suave, y luego redefiniré el dibujo con líneas más seguras y trazos más visibles en la siguiente capa. Puedes usar tantas capas para este proceso como quieras o como las apps te lo permitan aquí. Normalmente hago dos o tres capas como esta [inaudible] o más si la obra es muy detallada. Después crea una nueva capa para redefinir el primer boceto con formas más concretas. Entonces yo también entonces para rotar el lienzo por el camino, como tú rotarías el papel porque me ayuda con el movimiento de la mano y creando más líneas sueltas al hacer bosquejos. Ahora veamos la herramienta de transformar y licuar, que también son bastante útiles en este proceso. La herramienta de transformación te ayuda a redimensionar, escalar, deformar y cambiar la perspectiva de tu ilustración o elementos en las capas. Ambas herramientas son bastante útiles cuando se quiere ajustar rápidamente sus composiciones. Tiendo a usar estas herramientas solo en el nivel de boceto porque bajan la calidad de píxel del área que estás ajustando, se vuelve más borrosa. En primer lugar, ¿cómo utilizaría la herramienta de transformación aquí para escalar y redimensionar el objeto? A lo mejor solo selecciono uno de los peces y me gustaría moverlos o hacerlos más pequeños para que se ajusten mejor a la composición. Para una variedad mientras hace bocetos, prueba a dibujar diferentes espesores de línea usando la presión de la pluma frontal. También mientras crea la ilustración de la vida marina, intenta hacer al menos tres tipos diferentes de formas de coral para crear variedad en la imagen. Aquí te damos un consejo de cómo detectar tus errores y tal vez arreglarlos, detalles de composición o proporciones. Cuando haya terminado con la idea de diseño inicial del boceto, intente voltear el lienzo, vaya a Canvas y voltee horizontalmente. Esta es una prueba muy útil si tu obra funciona bien, porque te da una nueva perspectiva, como que casi alguien nuevo está mirando la obra y te puede dar consejos. También puede dar miedo porque de repente puedes ver muchos errores, pero te ayuda a detectar cosas que podrían parecer extrañas a primera vista. Te ayudará a corregirlos ahora en el nivel de boceto, por lo que pasarás menos tiempo arreglándolos más tarde o nunca notándolos. Esta función está disponible en la mayoría de los softwares de dibujo, y generalmente la puedes encontrar en las herramientas de Canvas. Ahora veamos cómo usar la herramienta licuar. Para usarlo, asegúrate de estar en la última capa de boceto o en la capa que quieres ajustar. Básicamente, cuando tienes todo lo que quieres cambiar o ajustar en una capa porque de lo contrario algunos de los otros elementos no se licuarán. Elige el cepillo redondo Suave, luego ve a Ajustes y selecciona Liquificar. Yo lo venderé la función Push, que es la primera aquí en la parte inferior. Ayuda a remodelar y formar tu idea. Es bastante la característica divertida también. La herramienta Liquify permite empujar, tirar, rotar, reflejar, pucker, y desenfocar cualquier área de la imagen. Estas herramientas bastante útiles cuando se quiere ajustar rápidamente sus composiciones. Tiendo a usar esta herramienta solo en el nivel de boceto porque si bajaste una calidad de píxel del área que estás ajustando, se vuelve más borrosa. En la siguiente lección, comenzaremos a pasar del boceto al color. Nos vemos en el siguiente video. 11. Del boceto al color: Si no has tomado una decisión antes durante la clase, cuando pasas de la idea del horario a color, es momento de decidirte ahora. ¿ Irás por un estilo más pictórico con solo bloquear las formas de color? ¿ O quieres bordes nítidos y mantener el arte de la línea como un contorno? En esta y la siguiente lección, les mostraré los dos enfoques de colorear y dibujar el mismo tema, los coloridos corales. Como puedes ver, agregué más detalles a mi composición de boceto en una capa separada. Como mencioné en el último video, dependiendo del nivel de detalles o cantidad de detalles que desee tener en su ilustración, puede redefinir el boceto más veces. Si aún no te sientes cómodo creando una composición completa con muchos detalles por ti mismo, también preparé una composición con página para colorear line art simplificada para que puedas practicar junto a las lecciones. Por favor tenga en cuenta que este recurso es sólo para los fines educativos relacionados con la clase. Encontrarás las instrucciones para descargarlo en la sección de recursos. Te animo a divertirte y experimentar para que crees tu propia obra de arte única en tus propias ideas de composición. Cuando esté contento con la composición del boceto, guardaré e importaré el boceto al nuevo lienzo cuando lo estaré redimensionando para dibujar. También puedo copiar la capa al nuevo lienzo arrastrando la capa. En Photoshop, haría clic con el botón derecho en la capa para duplicarla, si desea copiarla a un nuevo lienzo. Estoy seleccionando lienzo más grande porque decidí que me gustaría hacer una impresión para mi sala de estar, así que seleccioné el tamaño de lienzo A2, que es el tamaño europeo y voy a importar el line art a este tamaño del lienzo. Ahora, te mostraré dos enfoques diferentes para la obra final con bordes sólidos, más definidos inspirados en el look y el estilo del cómic. Para ambos ejemplos, estaré usando el boceto como guía y esta vez estaré dibujando encima de él. Mantendré el boceto en la parte inferior y reduciré la opacidad de la capa. Para el arte de líneas limpias, asegúrate de crear la capa separada para que puedas ajustarla fácilmente más adelante. Prefiero dibujar en la capa superior en este caso para poder ver más claramente el arte de línea. Para este primer acercamiento, me imaginaré el arte de línea negra como en los cómics. Seleccionaré el cepillo de borde duro de mi favorito aquí. Originalmente puedes encontrar este pincel en esta carpeta. Como recordatorio amistoso, comprueba siempre el tamaño necesario para tu producto final para evitar problemas con la resolución más adelante. Si trabajas en un software diferente, puedes buscar pinceles de caligrafía para lograr el mismo look nítido. Si luchas con las líneas tambaleantes, puedes ajustar el pincel a una racionalización más alta. Entonces trazo encima de mi boceto para crear arte de línea limpia, casi como un tatuaje o como se mencionó un par de veces, al estilo de cómic. hora de crear line art en blanco y negro, me gustan bastante los huecos en el line art, pero si quisiera agregarle un color, no sería capaz de simplemente rellenar las formas con color y necesitaría la capa extra debajo de todo el arte de línea para todos los colores. Ahora, permítanme mostrarles un enfoque similar con el mismo pincel, pero con cerrar los huecos en las formas en el nuevo arte de línea y simplemente rellenar las formas con bastante rapidez. Con el mismo pincel sólido, dibuja sobre otro coral. Pero esta vez, asegúrate de que no haya huecos en tus líneas. Ahora, cuando tengas la línea, puedes arrastrar y soltar el color a este contorno para cambiar su color. Cuando cierres la forma, solo puedes arrastrar y soltar el color en la forma. Ya está hecho. ¿No es súper rápido? Esto también lo puedes hacer en Photoshop. En Photoshop, puedes usar la Herramienta Cubo para rellenar las formas. Por cierto, si te gusta el estilo de line art nítido para las ilustraciones como en los cómics, puedes considerar usar Clip Studio Paint, que fue construido para dibujar cómics y tiene grandes características para dibujar líneas muy nítidas. En la siguiente lección, te mostraré cómo usar los pinceles extra para agregar detalles y aún así mantener los bordes sólidos en el objeto. Nos vemos en el siguiente video. 12. Selección de lazo: Ahora exploremos la práctica del dibujo con la herramienta Lasso. Es bastante útil cuando se quiere crear bordes nítidos y limpios. Pruébalo y veamos cómo se siente por ti. En la lección sobre ejercicios de bocetos sueltos, practicamos dibujar corales con un pincel. Sigamos con el mismo tema y practiquemos dibujando corales con la herramienta Lasso. Es así como se llama a la herramienta en Photoshop pero en Procreate en realidad está en las herramientas de selección llamadas herramienta a mano alzada. A lo mejor viejos hábitos, ¿qué puedo decir? Llamándolo herramienta Lasso. En fin, para este ejercicio, elige aquí la opción Mano alzada. En primer lugar, intenta practicar la creación de formas apuntando al lienzo con el lápiz o el lápiz y solo apunta y haz clic. Apunte y haga clic y luego haga clic en el círculo para cerrar la selección. Esto creará una colección de líneas rectas de selección y forma de silueta general más angular. En primer lugar, intente crear líneas de selección más largas y luego intente líneas de selección más cortas también. Porque es más divertido, intenta crear una forma de coral como esta ya que tenemos aquí el tema del mar, luego cierra la selección haciendo clic en el círculo gris. Como puedes ver, incluso con estas líneas rectas, podrías crear una forma de coral bastante bonita haciendo líneas de selección más cortas. Ahora hemos dado forma a la selección y si pintamos sobre la selección con el color, el color aparecerá sólo dentro de nuestra selección. Te puedes imaginar que es como usar cinta adhesiva mientras pintas tradicionalmente. Ahora seleccionemos el pincel con una textura agradable y un color que te guste y rellenemos la forma simplemente con una suave presión sobre el pincel. Estoy usando presión suave con el lápiz aquí porque quiero que más textura sea visible. Si presionas más fuerte, este pincel se vuelve más opaco como hablamos en las lecciones anteriores. Como puedes ver, este proceso crea bonitos bordes nítidos con color dentro de la forma. Para anular la selección en Procreate basta con dar click en otra herramienta. También puedes guardar la selección en el panel inferior en Procreate para colorear dentro de la misma forma nuevamente. También puedes hacer clic en la herramienta de flecha aquí en la parte superior izquierda para tomar el coral seleccionado y moverlo a un lado después de la coloración y redimensionarlo para tener más espacio en el lienzo de nuevo. Lo que es bueno de la herramienta de selección es que también puedes volver a cargar la selección haciendo clic de nuevo y manteniendo presionado el icono de la herramienta de selección. Cuando tienes más objetos en una capa y quieres moverlos, tienes que seleccionarlos rodeándolos con la herramienta de selección y luego puedes moverlos o redimensionarlos. Ahora veamos otra forma de usar la selección o la herramienta Lasso, que en realidad es mi manera preferida. Se siente más orgánico. En primer lugar, apuntarás y harás clic pero en lugar de levantar el lápiz, simplemente dibuja como lo harías normalmente y crea formas más redondeadas. Lo uso más o menos de la misma manera que dibujar con el pincel. Ahora dibujemos más formas de coral para la práctica. Dibuja una forma con la herramienta de selección, colorela, selecciónela alrededor y muévala hacia un lado. Si ves un borde en la silueta que no te gusta o sientes que la forma que creaste no es exactamente como la querías, también puedes quitarla de la selección. Con la herramienta de selección todavía activa, elige la opción de quitar en la parte inferior de la herramienta de selección a mano alzada. Como puedes ver, también puedes cortar partes después de colorear. Selecciona el borde del coral que no te guste y simplemente elimínalo con la herramienta de borrador. Estarás borrando sólo la parte dentro de esta selección. Cuando estés contento con todos los corales, puedes agregar otra capa para agregar algunos detalles como puntos o líneas encima de tus formas en diferentes colores para que la obra sea más interesante. En la siguiente lección, discutiremos los modos de fusión, que te ayudarán a mezclar capas juntas para crear efectos interesantes. Nos vemos en la siguiente lección. 13. Modos de fusión: Ahora hablemos de los modos de fusión. Influyen y controlan cómo los píxeles de la imagen se ven afectados por la pintura. Te ayudan a mezclar capas juntas para crear efecto. Utilizo especialmente modos de fusión para la capa de boceto y la textura final , así como, por ejemplo, si quiero crear efectos especiales como la luz brillante. Hay muchos modos de fusión disponibles y cada uno puede ser utilizado para un propósito diferente. En esta lección, te mostraré algunas de mis favoritas y mencionaré ideas sobre cómo puedes usarlas. En las siguientes lecciones, medida que sigamos creando nuestra escena submarina, te mostraré cómo aplicar algunas de ellas de manera práctica. Empecemos por mencionar el modo de mezcla de multiplicación. Normalmente uso este modo de mezcla de capas para dibujos en blanco y negro los cuales tienen fondo blanco porque hace que el blanco sea transparente. Por ejemplo, cuando dibujas en papel y luego escaneas este dibujo, como aquí, también puede ser una imagen que dibujaste digitalmente, pero tiene algún fondo. Entonces tenemos un modo de fusión de pantalla, que también uso con bastante frecuencia en este opuesto para multiplicar el modo de mezcla, lo que significa que el color de esta capa siempre es más claro que el anterior. Es especialmente útil si quieres crear efecto de resplandor. También puedes usar el modo de fusión para los reflejos. En este caso, dibujaría todos los reflejos en una capa separada y establecería esta capa en modo de fusión de pantalla. Si quiero agregar textura encima de mis obras de arte, al final del proceso, usualmente uso ya sea el modo de mezcla de superposición o de color dodge. Entonces tenemos el modo de mezcla de colores, que quiero mencionar aquí. Puedes usar estas capas en nuestro tema. Por ejemplo, para un pez, si quieres probar cómo se vería el pez en diferentes colores en la capa separada con bastante facilidad. Lograrás los mejores resultados si ya tienes unos valores en blanco y negro pintados debajo de esta capa donde usarás el modo de mezcla de colores. Este fue un rápido resumen de mis modos de mezcla más favoritos. En la siguiente lección, aprenderás a usar las miniaturas de color para definir la paleta de colores para tus obras de arte. Nos vemos en el siguiente video. 14. miniaturas: Este consejo no es tanto un consejo de arte digital porque se aplica también al arte tradicional. No obstante, quiero mencionarlo aquí de todos modos porque lo uso para casi todas las ilustraciones, y es especialmente beneficioso para el arte digital por la rueda de color que tiene tantas opciones. Pero puede ser bastante abrumador a la hora de elegir la paleta de colores adecuada para tus obras de arte. En esta lección, voy a compartir con ustedes cómo suelo acercarme a probar la paleta de colores. Para obtener aún más inspiración sobre cómo crear paletas de colores después de ver esta lección, asegúrate de revisar mi clase sobre paletas de colores donde entro aún más detalles. En primer lugar, arrastraré y soltaré la capa con un boceto que creamos en las lecciones anteriores, un boceto que creamos en las lecciones anteriores, luego redimensiono los bocetos para que encajen más de ellos en el lienzo. Vamos a probar seis miniaturas como puedes ver aquí con una paleta de colores diferente porque quería mostrarte más ejemplos de combinación de colores. Te sugeriría que pruebes algunas combinaciones de colores y algunas paletas de colores en las miniaturas cada vez que comiences una nueva ilustración, yo diría que al menos tres o más es agradable. Después de probar colores como este, puedes mantener como referencia tu concepto de miniaturas favorito o en realidad escalarlo más tarde y redefinir tu ilustración a partir de ahí. Después, reduzco la opacidad de la capa line art, y mantengo esta capa en el modo de mezcla normal. No hace falta el modo de mezcla multiplicar porque importé el line art sin el fondo del otro lienzo. Aquí puedes ver las paletas de colores que quiero probar para la ilustración ver vida. La vida marina es un gran tema para el arte porque puedes salirte con la tuya con casi cualquier combinación de paleta de colores y podría simplemente funcionar muy bien. Preparé una serie de paletas de colores bajo el agua para que puedas probar los mismos colores que estoy usando aquí. Son bastantes de ellos como pueden ver, y simplemente no pude decidir qué paletas son mis favoritas para tener una selección más pequeña, pero considero que las pruebas de color son divertidas así que creo que estamos bien aquí. De esa manera también estamos probando seis miniaturas, no sólo tres. ¿ Ya tienes un favorito al mirarlos? Me encantaría escuchar cuál es tu favorita o tal vez la nueva paleta de colores que crearías para tu ilustración, avísame. En los Recursos puedes conseguir que procreen muestras de color o utilizarlas como imágenes JPEG para importar en el software y muestrear los colores para agregarlos a tus paletas de colores. En Procreate, puedes encontrar todas las paletas de colores debajo de la sección de colores aquí en la parte superior derecha. Si no quieres siempre hacer clic en el icono de color para acceder a las paletas de colores, también puedes arrastrar hacia fuera la paleta de colores predeterminada de esta lista de previsualización de paletas, como en algunos de los otros softwares. Sería una pequeña ventana flotante, pero como puedes ver reorganiza el orden de colores aquí un poco, así que en realidad me gusta la vista previa de la paleta a color completo y volveré a eso. Como puedes ver en mi lista, también puedes nombrar las paletas de colores. Empecemos con la puesta de sol y la paleta verde del mar y empecemos a añadir los colores a nuestra capa llamada color. Yo sugeriría usar un pincel para este ejercicio. Aquí, voy a ir por este pincel que ya probamos y este es un pincel de la carpeta Artística si no lo encuentras. Aceleraré este proceso para que el video no sea ultra largo. Como puedes ver, para este ejercicio de miniaturas estamos usando el line art como guía para la distribución de color principal. Pero no me estoy centrando en crear formas concretas muy definidas, solo para probar y ver cómo funcionarían estos colores juntos en nuestra composición. Ahora, probemos la combinación azul. Como pueden ver, estoy usando una combinación de colores más inusual aquí ya que no se ve muy a menudo el agua rosa. Como ya mencioné, las escenas submarinas son perfectas porque en mi opinión puedes usar casi cualquier color para el agua o para los peces o los corales, y puedes salirte con la tuya. También puedes intentar crear tu propia paleta de colores a partir de las imágenes de referencia que he compartido contigo. Ahora, veamos la paleta de colores del jardín submarino, la que está aquí en la parte superior. Probé dos versiones diferentes con un poco de uso diferente, así que usaré esta de aquí. Esta paleta de colores tiene más colores en toda la sección como puedes ver. En las dos miniaturas anteriores, estaba limitando la cantidad de colores. ¿ Por qué querrías limitar la paleta de colores? Bueno, porque este enfoque ayuda a simplificar las cosas sobre todo si encuentras toda la rueda de color abrumadora y no estás seguro de cómo combinar muchos colores juntos todavía. Siempre como inicio, intenta elegir tres colores principales y llévalo a partir de ahí. Esto también ayuda a que toda la ilustración se vea más coherente. En nuestro concepto, un color para el fondo, uno para la base de los corales o en otras palabras el medio suelo, y uno para los corales más pequeños en primer plano o los objetos que desea destacar en la ilustración, como peces tal vez coloridos. Cuando te sientas más cómodo experimentando con agregar más colores a la paleta de colores, intenta expandir y usar paletas de colores con muchos colores. Tienes las dos opciones aquí, probando la paleta de colores limitada y también paleta de colores donde tienes más opciones para elegir. Ahora voy a colorear el resto de estas miniaturas, y espero que te diviertas coloreando tus miniaturas también. Intenta explorar nuevos colores que quizás no hayas considerado antes. Como mencioné, si quieres aprender más sobre las paletas de colores, mira mi clase de paleta de colores si aún no lo has hecho. Entonces para entender cómo la luz influye en los colores, lo cual hace mucho, ver mi color y vivir masterclass donde explico el concepto usando los ejemplos de la vida real. Cualquiera que sea el estilo que te guste, estilo de cómic con contornos limpios o estilo pictórico bloqueando las formas de color para tu ilustración final, aún te animaría a crear pocas miniaturas para las ideas de color. Debido a que son pequeñas, también puedes crear algo desordenado como idea y luego pensar en los detalles más adelante. Estas miniaturas también son muy rápidas de crear, por lo que no pasas demasiado tiempo. Este ejercicio también te ayuda a practicar mezclar y probar tus pinceles favoritos para tu concepto. Entiendes el punto, me gusta mucho hacer miniaturas. En la siguiente lección, comenzaremos a hacer los renders finales de nuestra obra de arte y veremos cómo utilizar algunas de las herramientas para hacer nuestro proceso más eficiente. Nos vemos en el siguiente video. 15. Fondo: Hablamos de diferentes enfoques para colorear desde la pintura hasta el estilo de bordes más nítidos usando la herramienta de lasso y ahora quiero mostrarte algunos consejos más mientras utilizas las herramientas de selección. Estas herramientas no son un must ya que puedes dibujar cosas similares con el cepillo redondo suave. Pero me enteré al usar las herramientas de selección, acelera considerablemente mi proceso. Aquí seleccionaremos el modo de mezcla de multiplicación de la lista de la capa con el boceto. ¿ Por qué necesitamos eso aquí otra vez? Bueno, la imagen con el boceto tiene un fondo blanco y ponerla en la multiplicación cambiará la parte blanca del boceto de la imagen con este fondo por el transparente o en otras palabras, transparente. Podemos ver sólo el line art y podemos ver todos los colores en las capas de abajo. Este modo de mezcla en realidad se comporta como una cámara de exposición múltiple porque multiplicar cualquier color con blanco deja el color sin cambios. Después de ajustar mi boceto al modo de capas multiplicadas, voy a ver solo el boceto oscuro y el fondo blanco de estas capas se volverá invisible, lo cual es muy útil en este caso, porque puedes usar estas mezclas también cuando dibujas o pintas tradicionalmente en el papel blanco, simplemente escanea tu obra de arte e importarla al software digital y te ayudará a deshacerte de este fondo blanco usando el modo de mezcla de multiplicación. Ahora, pasemos a preparar el fondo. A menudo empiezo con un fondo de base sólida como en un arte tradicional para evitar extraños pueden ser huecos no deseados en mi ilustración. Déjame mostrarte ahora un consejo rápido genial porque puedes crear rápidamente un fondo creíble con la herramienta de selección de rectángulos y la herramienta borrosa, así que hagámoslo. A modo de nota al margen, podrías estar pensando, bueno, pero hay una capa de fondo que sólo puedo poner algo de color a eso, No. Bueno, eso es cierto. No obstante, en la naturaleza, el fondo rara vez es un solo color. A medida que vamos por un estilo un poco más realista para esta obra de arte, estamos apuntando a que sea más creíble. Una vez más, si tienes un estilo de coloración blocky diferente, hacer que tu fondo de solo un color pueda funcionar muy bien para ti. Todo depende del estilo que elijas. Ahora elige la herramienta de selección de rectángulos, y en una capa separada comienza a crear formas rectangulares una por una, y llénalas de color de oscuro a claro. Oscuro en la parte inferior ya que estamos bajo el agua y hay menos luz en estas áreas. Después ve a los ajustes y selecciona la herramienta borrosa, desliza en la pantalla para establecer la cantidad de desenfoque y el fondo está hecho. Qué rápido es eso. Cuando aprendí por primera vez de este truco, estaba como, Wow, esto es tan fresco y rápido. En fin, si te gusta este efecto, intenta usar este tipo de fondos más creíbles con poco más colores que solo uno. Déjame mostrarte un ejemplo más con este proceso porque puedes crear un look de fondo similar con gradiente de aspecto más orgánico conformado a partir de las formas redondeadas. Usando un pincel sólido como lo hicimos en el segundo ejemplo de color verde en la lección sobre line art, utilizarías el mismo pincel para las formas base y después usando la herramienta borrosa de la misma manera que acabamos de hacer con los rectángulos. Como puedes ver, este proceso es bastante flexible y muy rápido. Ahora, veamos otro ejemplo de modos de fusión. Modos de luz suave y pantalla junto con la herramienta de selección. Asegúrate de que estás en una capa separada y ahora vamos a crear los rayos de sol de una luz que viene del cielo sobre el agua. Usa la herramienta de Lazo de la misma manera que estábamos practicando con el método Caro's con punto y click para crear líneas de selección rectas, porque la luz viaja en líneas rectas. La forma de la luz será más estrecha cerca de la superficie de luz en la superficie del agua, y ancha en la parte inferior donde la luz se está dispersando en el entorno. Guardar selecciones puede resultar útil si quieres añadir a la ilustración más adelante en la misma área. Después toma el cepillo redondo de borde suave y pinta con un blanco, con menor presión, principalmente sobre la parte superior de la selección de donde viene la luz. Con sólo un poco de color blanco aquí, ya se ve bonito. Ahora también puedes probar diferentes modos de mezcla para ver cuánto quieres que los rayos de luz se mezclen con el entorno. Normalmente voy por el modo de fusión de pantalla o luz suave en esa capa para reducir la opacidad de esa capa para que la luz se mezclaría bien dentro del entorno. Aquí, si quieres que los rayos de luz se vean más suaves, puedes aplicar una baja cantidad de desenfoque en el ajuste. Porque guardo la selección para los rayos de luz, ahora puedo agregar más luz brillante encima de los rayos de luz sin volver a hacer la selección en la capa separada. Al dibujar escenas submarinas, es agradable tener algunas burbujas en la ilustración.. Aquí hay otra forma genial de utilizar la herramienta de selección. Acude a la herramienta de selección, y esta vez usa la selección de elipse y crea pocas burbujas. Después usa de nuevo la herramienta de desenfoque para crear un borde un poco más suave y luego configura el modo de fusión a pantalla y tenemos burbujas. Entonces solo puedes copiarlos alrededor de la ilustración para ser aún más rápido en el proceso. A mí me gustan bastante todos estos detalles, y ajustes rápidos. En la siguiente lección, te mostraré otra característica útil usando el Alpha Lock para aplicar más luz y texturas. Nos vemos en el siguiente video. 16. Textura: Ahora, veremos agregar texturas de una manera más controlada a un área específica para ser precisos. Te mostraré cómo uso el Bloqueo Alfa y la Máscara de Recorte. Estas dos funciones son bastante similares. Al igual que con la herramienta Selección o Lazo, bloqueo alfa y la máscara de recorte te te ayudarán a dibujar dentro un área específica sin afectar a otras áreas de tu obra de arte. Para este ejemplo, nos quedaremos en el lienzo con el fondo que creamos en la lección anterior, e importaremos la miniatura para la referencia de color y valor. Mantendré el boceto line art como guía y pintaré color en una capa separada. Entonces eliminaré las capas que no necesito porque estamos en Procreate y estamos limitados con las capas en este gran archivo. Voy a redimensionarlo para que quepa el lienzo y el boceto que ya tenemos aquí. Te mostraré la función Alpha Lock en la ballena que tenemos aquí como ejemplo. herramienta Bloqueo alfa te ayuda a dibujar dentro del área elegida en la misma capa encima de los píxeles que ya has creado. Mira todo lo que pintaste en la capa hasta ahora. Si quieres pintar encima de lo que creaste, te quedarás dentro de esas fronteras. Para nosotros, estas fronteras serán la silueta de la ballena. Como ya se pueden imaginar, necesito agregar algo de color para tener un punto de partida con el fin de utilizar el Alpha Lock. Estoy creando una selección y llenándola con el color. Ahora ocultemos la capa con los rayos de luz en la parte superior para ver mejor el color que estás usando en la capa actual sobre la ballena. Después desactivo la selección y voy a Capas para activar el Bloqueo Alfa haciendo clic en el icono de Capa y seleccionando el Bloqueo Alfa de la lista. Cuando tengas activado el Bloqueo Alfa, verás el fondo a cuadros en el icono de Capa ahora. Ahora, toma otro color y un pincel, y puedes dibujar dentro de la silueta de ballena sin volver a definir la selección. ¿Qué tan guay es eso? Ahora si decido recolorear la ballena muchas veces, solo puedo pintar sobre la capa sin preocuparme por cambiar la silueta y los bordes de la ballena. Si recuerdas, tengo el Alpha Lock configurado en los atajos de gestos rápidos ya que lo uso muy a menudo. Normalmente, no lo selecciono a través de la lista Selección de capas, pero acabo de usar los accesos directos de gestos rápidos. Ahora, déjame mostrarte la Máscara de Recorte. Crea una nueva capa por encima de la que acabamos de usar, y selecciona la Máscara de recorte en el Menú. También apagaré el Bloqueo Alfa de la otra capa para que puedas ver el efecto Máscara de recorte. Si dibujas encima de la ballena ahora sin la cerradura, esto sucede. Eliminemos eso y vayamos a la capa de Máscara de recorte de arriba. Ahora, tomando un pincel de textura agradable, pintemos en la capa de Máscara de Recorte. Creo que esto se ve bien. Me gusta mucho esta textura ligera aquí porque casi parece que la luz se está reflejando encima de la ballena. ¿ En qué se diferencia la Máscara de Recorte en comparación con el Bloqueo Alfa? Siempre puedes activar y desactivar esta capa extra de Máscara de recorte. Esto es genial, sobre todo si no estás seguro y puedes cambiar de opinión más tarde por el camino. Este método te da más flexibilidad y puedes dibujar formas o detalles aleatorios encima de las otras capas justo como una prueba y seguir permaneciendo dentro de las formas. Utilizo principalmente esta técnica si quiero probar agregando texturas interesantes a una parte de un objeto y no estoy del todo seguro si quiero conservarlas. Otro beneficio es que también puedes mover o copiar esta capa de Máscara de recorte en otro lugar y recortarla a una capa diferente también. Cuando estés contento con esta textura de capa extra, puedes fusionar las capas. Si no estás seguro, guárdalos por separado o copia toda la obra de arte antes de fusionarte. En la siguiente lección, usaremos la vista previa para comprobar nuestro progreso, notar errores y hacer ajustes finales a nuestro concepto. Nos vemos en el siguiente video. 17. Modos de vista previa: Otra característica genial es la ventana de vista previa, a la que estoy acostumbrado de Photoshop, y ahora está disponible también en Procreate. La ventana de vista previa te ayuda a ver toda la pintura para que no te atasques en los detalles. Imagina pintar tradicionalmente en el lienzo y estás dando un paso atrás para ver toda la obra de arte y comprobando si estás en el camino correcto como inicialmente querías. Miramos brevemente estas características cuando hablamos de referencias, y en esta lección, quiero mostrarte cómo la uso y cómo puedes usarla durante la finalización de la ilustración más grande con más detalles. Hablaremos de cómo puedes usar la ventana de vista previa como vista de imagen de referencia, así como la vista Canvas, y cuáles son los beneficios de cada uno. Por lo que seguiré con mi ilustración y la guardaré como una imagen, como un JPEG, en mi rollo de cámara, luego eliminaré las capas que no necesito porque estamos en Procreate y estamos limitados con las capas en estos archivo grande. Después voy a Canvas y la Vista previa, y luego selecciono la imagen del rollo de cámara que acabo de guardar. También puedes mover y cambiar el tamaño de la ventana de vista previa para que no esté en el camino de nuestro dibujo, normalmente lo guardo en la esquina. Ahora puedo mirar mi concepto en esta ventana de vista previa y empezar a colorear dentro las formas de color basadas en el boceto de concepto que hicimos antes en una capa separada debajo de la capa de boceto de referencia. Este tipo de referencia con un concepto desordenado en la ventana de vista previa me ayuda a dar un paso atrás y comprobar si quiero crear la misma distribución de color en la ilustración final que los colores en la miniatura. Aquí puedes tomar el pincel o trabajar con la herramienta de selección con un color de la paleta de colores en la ilustración final, o puedes combinar ambas técnicas si te gusta el look. Pincel para algunas partes, y la herramienta de selección con un pincel de textura diferente para otras partes. A veces combiné ambas técnicas, pero tratando de mantener la consistencia en el aspecto general de la ilustración. Por ejemplo, usar la técnica del pincel sin la herramienta de selección solo para un tipo de corales, y luego utilizaría la técnica del lasso con un pincel de textura diferente para el resto de la ilustración. Siempre puedes traer la imagen en miniatura, la versión en color, de nuevo en una capa separada. Esto permite también muestrear los colores de la miniatura con la herramienta cuentagotas, lo cual no es posible si lo tienes en una ventana diferente o en la ventana de vista previa. La segunda forma de usar la ventana de vista previa es una vista previa de Canvas, utilizo esta vista previa con más frecuencia. Aquí verías tu Lienzo actual y el progreso de tu coloración en tiempo real, y ahora tenemos ambos. Puedes ver el progreso de la ilustración como una vista previa de Canvas aquí a la izquierda, y también puedes ver la miniatura en la capa separada mientras muestras los colores si quieres. Entonces aquí me pueden ver ordenadamente tratando de pintar la forma coral con un pincel y enfocándome en mantener bordes más limpios y mantenerme dentro de las líneas que definí con el boceto al dibujar con este pincel, luego intenta usar la técnica de selección para lograr bordes limpios nítidos con la herramienta de selección o la herramienta de lazo es que la llamé antes, y tratar de seguir las formas del boceto al crear la selección. Después de cerrar la selección, toma un pincel y pinta encima, y repite este proceso para las otras formas de la ilustración. Estoy alternando usando estos pinceles durante la coloración. Guardo los elementos que se superponen en la ilustración en las capas separadas para poder recolorearlos rápida y fácilmente después si quiero, y luego más adelante, siempre puedes eliminar la capa con la referencia de miniaturas cuando se quedan sin capas. ¿ Cuántas capas debes tener en gran ilustración? Cuando trabajo en archivos grandes, normalmente trabajo con capas separadas para tantos elementos como sea posible, pero sigo estando organizado. Intento mantener las capas juntas para el primer plano, medio suelo y el fondo, si es posible, en grupos de carpetas. Si eres muy limitado con la cantidad de capas, mantendré al menos tres capas: primer plano, medio suelo, y fondo. Además, siempre trataría de mantener capas separadas para los elementos que podría querer mover o quitar más adelante. Por ejemplo, el pez en este concepto estará seguro en la capa separada. Usar la vista previa me ayuda a ver mi progreso y comprobar si la distribución de colores y cantidad de detalles funciona bien. Si bien trabajo así, también estoy considerando el contraste y el equilibrio de composición en la obra de arte. La vista previa también es útil si no estás trabajando con el boceto ya definido con la composición, y quieres ver si funciona el equilibrio de los elementos y la composición. Además de esto, con esta vista previa de Canvas, no tienes que acercar y alejar todo el tiempo, te ahorra mucho tiempo. Además de ver qué colores quiero cambiar o ajustar, la ventana de vista previa me ayuda a evitar agregar demasiados detalles que podrían ni siquiera ser visibles al final. Como puedes ver a lo largo del camino, también puedo cambiar los colores y los corales fácilmente ya que los tengo en las capas separadas, y solo puedo encender el Alpha Lock. A muchos nos puede pasar que estemos jugando con detalles en una parte de la obra, que al final puede crear un efecto diferente que queremos e incluso podría perder todo el concepto que queríamos al principio. Ahora, apártate a colorear feliz con su composición si creaste una, y no olvides volver siempre a revisar tu progreso de ilustración en la ventana de vista previa de Canvas. En la siguiente lección, te mostraré cómo puedes usar la opción de ajuste de color. Nos vemos en el siguiente video. 18. Ajustes: Por último, cuando estoy terminando mis obras de arte digital, siempre compruebo si me gusta la cantidad de contraste y los colores que elegí inicialmente. En esta lección, usaré las miniaturas como ejemplo, y luego te mostraré algunos ajustes en las siguientes lecciones también. En primer lugar, copio la capa en caso de que quiera usar el original más adelante. Después voy a ajustes y puedes ver todas las opciones aquí. Debido a que tenemos todo en una capa, seleccionaré una de las obras de arte en miniatura con la herramienta de selección. De esta manera, también puedes seleccionar solo una parte de una obra de arte más grande que quieras ajustar. Después ve a matiz y saturación, que uso con bastante frecuencia, y elijo la opción de capa. Usando los deslizadores, puedes probar el matiz por ejemplo, si quieres que la obra tenga un espectro de color diferente, o como yo aquí, jugando con la saturación y haciendo más saturada toda la obra. Al reducir la saturación, puedes ver la obra en blanco y negro y ver si te gusta la cantidad de contraste. Otro ajuste que puedes probar aquí es una nueva combinación de colores en ilustraciones existentes con un mapa degradado. Este ajuste aplica una nueva paleta de colores a su obra en función de los valores que ya tiene allí, y también puede agregar colores o reemplazar los colores en este mapa de degradado predefinido. Entonces también puedes cambiar el contraste con algunos ajustes. Para ajustar el contraste, utilizo el ajuste de curvas en procreate para que las áreas más oscuras sean más oscuras y más claras. Si utilizo solo ajuste de brillo desde antes, el brillo de saturación de matiz, no sería capaz de lograr este efecto, y aquí te damos un consejo de cómo trabajar con curvas de manera efectiva para que obtendrás resultados más agradables, al menos yo lo creo. Lo que suelo hacer aquí es crear dos puntos en la línea en el espectro gamma y siempre trato de crear esta forma de S, añadiendo un punto aquí y un segundo punto aquí. Después, por lo general consigo un contraste más agradable de esta manera. ¿ Y si quiero cambiar sólo una parte de mi obra de arte? Por ejemplo, y si quiero hacer sólo algunos de los corales en primer plano más saturados en uno de los conceptos. Podría haberla adivinado. En lugar de utilizar la herramienta de rectángulo, puede seleccionar estas partes con la herramienta de selección de mano libre en lugar de toda la miniatura. Seleccionemos algunos de los rizos e intentemos ajustarlos. Como puedes ver, estoy usando la herramienta de selección de mano libre como lo hicimos antes, pero en este caso, te mostraré otro consejo. No quiero los bordes arrugados de la selección. ¿Entonces qué? Aquí un truco, ve a la pluma y haz que los bordes de la selección se borren. Ahora puedes ir a los ajustes y hacerlos más saturados. Si los haces muy saturados, casi parecen que están brillando porque tenemos estos bordes borrosas en esta selección. Como puedes ver, tenemos variedad de opciones para hacer lo mismo y más. Depende de ti encontrar lo que te sienta más natural y en la siguiente lección, te compartiré más consejos útiles para finalizar tu obra de arte. Nos vemos en el siguiente video. 19. Cómo pintar con pinceles: En esta lección, te mostraré una opción, cómo puedes finalizar tu obra sin la herramienta de lazazo si no te sientes cómodo con ella, o simplemente no te gustan tanto los bordes limpios y ese estilo de la ilustración. Al finalizar tu obra con pinceles, la obra final puede verse más pincelada dependiendo de qué pinceles utilices. Para este ejemplo, tomaré otra de nuestras miniaturas de color. Se puede importar la imagen en miniatura como fondo. Ahora, seleccionaré partes que no necesitaré y luego desliza hacia abajo con tres dedos y recortaré la parte que no quiero usar. Mantendré el boceto de line art como guía y pintaré color en una capa separada, colocaré la imagen y la redimensionaré aproximadamente para que se ajuste al boceto. Esta vez, voy a estar usando sólo una capa ya que quería mostrarles esta herramienta de enfoque. A veces me gusta usar sólo una capa para las ilustraciones personales porque puede ser más rápido que con muchas capas y también puedo jugar con la mezcla de colores más. Además de esto, porque es un ejemplo de ilustración personal, no tendré ninguna solicitud de cambio como si trabajara con un cliente. Si trabajara con clientes, esperaría de ida y vuelta. Usaría más capas para poder mover o cambiar cosas y objetos rápidamente. Antes de empezar a pintar formas y los detalles basados en la miniatura de color, está el pincel que quieres usar en el costado del lienzo para ver cómo se comporta cuando quieres crear un borde más limpio o cómo se ve con el pequeño o alta presión de la pluma. Aquí, elegiré el pincel del que hablamos antes y pintaré dentro de los lineamientos de mi boceto. Como mencioné antes, este pincel es muy bonito para mezclar colores y crear aún más tonalidades. Nuevamente, aceleraré esta parte del proceso de coloración para que el video no sea súper largo. Durante este proceso de coloración con un pincel en una capa, repito el proceso de rellenar las formas con diferentes colores y probar lo que funciona bien para esta composición y esta paleta de colores. Como mencioné antes, para aprender más y practicar cómo la luz influye en los colores, puedes ir a mi clase magistral de color y luz si aún no lo has hecho. En general al dibujar, intenta agregar textura y detalles, ya sea a áreas claras de tus obras de arte o simplemente a áreas oscuras. Así funcionan nuestros ojos. Por lo general se ajustan a los detalles sólo en la luz, lo que ves, o a las áreas de sombra. Creo que puedo llamar a esta ilustración hecha. Como se puede ver, tiene un aspecto más suave y pictórica en comparación con el otro ejemplo. Como puedes ver, puedes mantener el arte de línea junto con el cuadro debajo. Me encantaría saber cuál te gusta más. El estilo pictórica o el look nítido que se asemeja al corte de papel hecho con herramienta de lazazo o tal vez te influencian los colores. A lo mejor te gustan más las combinaciones azules, o tal vez te estás inclinando hacia los tonos cálidos. ¿ Cuál combinación de colores es tu preferida? El azul con tonos más fríos o los tonos más cálidos. Hazme saber en los comentarios. También puedes simplemente mantener parte de la línea art y eliminar el resto de la misma. También puedes cambiar el modo de mezcla del boceto o incluso cambiar su color a tal vez un azul, o rosa para que se ajuste aún más a tu dibujo si decides mantener el arte de línea junto con el cuadro debajo. Aquí, quería mostrarles un ejemplo más de la composición, que es muy similar a nuestro concepto. Pero este tiene formas un poco más grandes y objetos más simplificados si no tienes paciencia para demasiados detalles. Este ejemplo está coloreado con un pincel de tinta seca. En la siguiente lección, les mostraré algunos consejos más sobre cómo finalizar la obra de arte, y volveremos a nuestro ejemplo de paleta de colores cálidos con un lienzo de mayor resolución. Tendremos que ser más creativos con la cantidad de capas nuevamente. Nos vemos en el siguiente video. 20. Ajustes finales: En esta lección, te mostraré algunos consejos los cuales puedes probar como pasos adicionales para finalizar tu obra de arte. Ahora, voy a añadir una capa más para agregar una textura a la ilustración general para reducir este “look digital suave”. Ahora, haga clic en la capa vacía y vamos a añadir efecto de ruido. Antes tenías que llenar la capa de color, pero ahora solo puedes agregar el efecto de ruido a una capa vacía, lo que acelera el proceso. Ahora vas al ajuste, selecciona “Ruido”, y al deslizarte de izquierda a derecha en la pantalla, puedes agregar la intensidad que te guste. Como puedes ver, también puedes elegir diferentes tipos de ajuste de ruido en la parte inferior. Simplemente elige el look que más te guste. Cuando estés contento con la configuración del efecto, ajusta el modo de mezcla de capas. Me gusta ir por el modo de mezcla de superposición para este efecto, y también me gusta reducir la opacidad de esta capa para tener el efecto más sutil. El resultado del modo de mezcla y el look final dependen del tipo de textura que pongas encima de tu arte. Juega y experimenta con colores en capas específicas para probar el modo de mezcla para ver qué funciona mejor. También puedes agregar dos texturas diferentes una encima de la otra. Déjame mostrarte una cosa más. Si quieres que cualquier parte de la imagen o toda la capa sea más nítida, puedes volver a los ajustes e ir a afilar, y deslizar de izquierda a derecha en la pantalla de nuevo. En caso de que quiera guardar este tipo de ilustraciones en diferentes tamaños y diferente proporción más adelante, mantendría los peces en las capas separadas poder seleccionarlos y moverlos a los bordes el diseño de la imagen para las diferentes relaciones y equilibrio de la composición. Una cosa más divertida que quiero mencionar aquí es que se puede exportar el video time-lapse que es divertido de ver y compartir en redes sociales. Simplemente no olvides tener el ajuste activado en procreate antes de empezar a crear. Otro buen consejo que he aprendido en el camino es que debes organizar y hacer copias de seguridad de tus archivos digitales. Intenta hacer copias de seguridad de tus archivos al menos una vez al mes, y lo mejor sería una vez a la semana o incluso todos los días si te acuerdas. Cuando estás contento con todo, solo puedes exportar la imagen. Para guardar archivos de procreate, puedes exportar archivos JPEG así como archivos Photoshop a tu computadora a través de AirDrop si tienes Mac. Para tener una doble seguridad en los archivos, tengo como copia todos los archivos importantes en dos discos portátiles. Si sientes que aún puede ser más vívido y brillante, puedes traerlo de vuelta para procrear y bordea las curvas lo que te ayudará con el contraste también. También puedes jugar de nuevo con diferentes vistas de la obra. Ahora cuando tenemos todo en una sola capa, realidad hay una cosa más divertida que quiero mostrarte. Puedes intentar agregar más profundidad a tu ilustración agregando un desenfoque de perspectiva que te ayudará a crear un efecto de una profundidad de campo como con las cámaras de lente. Yo uso estos efectos a veces, por ejemplo, con un campo de flores, por lo que las flores más cercanas a nosotros en el campo se verían borrosas. Podrían recordar que hice esto por el campo de flores, por la imagen de portada de clase de composición. Creo que podemos decir que estamos hechos con todos los ajustes y los toques finales de la obra. Bien hecho. 21. Reflexiones finales: Enhorabuena, ya terminaste la clase. Muchas gracias por estar aquí y espero que ahora se sientan más confiados dibujando en la pantalla digital. Por cierto, si quieres ampliar tus conocimientos desde esta clase, te invito a ver mis otras clases sobre Procreate composición y uso de colores. Simplemente visita mi perfil de profesor para encontrarlos. No olvides compartir tu proyecto de clase en la sección de proyectos para que pueda ver en qué has estado trabajando. No puedo esperar a ver todas tus impresionantes obras de arte. Cuando compartas tus proyectos y dibujos personalizados también en Instagram, por favor etiquetame en el post y en la descripción o en tus historias para que me notifiquen y te pueda ayudar a ti y a tu arte a ser descubiertos por más gente. Si te gusta la clase, por favor deja una reseña porque en primer lugar, lo agradezco mucho, y en segundo lugar, también ayudarás a otros alumnos a descubrir la clase y podrías contribuir a su viaje artístico también. Por supuesto, si tienes amigos o familiares que les encantaría aprender a dibujar digitalmente, por favor comparte esta clase con ellos. Si tiene alguna pregunta o sugerencia, por favor deje un comentario en la sección de discusión. Me encantaría ayudarte. Muchas gracias otra vez por estar aquí. Nos vemos en la siguiente clase.