Composición fotográfica de vanguardia

1. Introducción a la composición de borde: hola por ahí. Mi nombre es David Miller. Me refiero a alimentaciones, artista multimedia de Arizona, fotógrafo y educador. Te quiero dar la bienvenida a este curso de composición fotográfica de vanguardia. Ahora hay muchas clases de video sobre composición fotográfica, y mi conjetura es que la mayoría de ellas dicen lo mismo. Hablan de la regla de los tercios. Hablan de colocar tu línea de horizonte ya sea en el tercio superior o en el tercio inferior. Hablan de sways para contar una historia colocando objetos en ciertas posiciones a lo largo tu marco rectangular. En todo ese consejo es bueno. Es útil. Hay más en la vida, sin embargo, que componer una foto. , hay formas de ser creativos para sus composiciones Sin embargo, hay formas de ser creativos para sus composiciones, y hay formas de ser mucho más audaces que simplemente operar dentro de esas mismas técnicas de composición probadas y verdaderas. Forma que vamos a ser experimentales. Vamos a probar cosas que están fuera de la caja, y te voy a mostrar muchos fotógrafos de clase mundial que son experimentales con sus composiciones, Y una de las cosas que realmente trato de empujar en todas mis clases es el trabajo que aguanta la prueba del tiempo, la obra que la gente celebra en museos y galerías en libros de historia. Siempre es el trabajo que empuja los límites y crea algo nuevo. Entonces si sientes que estás repitiendo las mismas composiciones en tus tomas una y otra vez, esta clase es absolutamente para ti. Si sientes que estás listo para un reto y quieres ser un artista innovador, entonces ojalá te sientas como estas clases para ti. Voy a estar usando una variedad de cámaras para esta clase. Todo lo que necesitas es uno. Podría ser una simple añadir la cámara de tu teléfono o tan elaborada como una DSLR. También voy a estar usando algunas cámaras de cine instantáneo porque hago mucho de mi trabajo con eso. Y creo que hay alguna composición única que podrías hacer con el film instantáneo. Entonces te voy a estar mostrando algo de ese trabajo también. Voy a estar destacando muchos fotógrafos bien conocidos. Estoy desglosando lo que es que hacen en sus cuadros que es tan vanguardista composición sabia. Voy a estar usando Adobe Light Room Teoh hacer algo de mi post producción así Si tienes algún tipo de cámara y tienes acceso a Adobe Light Room, vas a poder estar al día con la clase de seguir lo largo sin ningún problema. Empecemos. 2. Rellena en el espacio: la mayoría de las composiciones fotográficas están en formato rectangular. Si estás usando una cámara de formato medio o algo así como Instagram, es un formato cuadrado. Pero esencialmente estás lidiando con una caja y lo que hay dentro de la caja y sin la caja. Es muy importante entender la composición fotográfica. La composición tradicional podría significar regla de tercios, donde divides la imagen en tres segmentos, tanto vertical como horizontalmente. La idea es, pones cosas interesantes en estas intersecciones porque de esa manera estás creando movimiento para el ojo del espectador. La composición fotográfica es a la vez una forma esencial de contar una historia, y también de mantener a tu espectador comprometido haciéndoles mirar alrededor de tu foto, no mirar directamente al centro y ver lo único importante que está en una fotografía. Esta estrategia de composición en particular es cuando llamo a llenar los espacios en blanco, lo que significa que intencionalmente estás dejando cosas fuera del marco que hacen que el espectador interese en lo que está pasando. Y de hecho, estás involucrando la mente del espectador para llenar lo que no está sucediendo dentro de esta caja rectangular . Una estrategia es tener a un espectador gays fuera del marco, mirar hacia un lado, reaccionar ante algo que no vemos. Este es un truco que muchas veces la gente hace en eventos deportivos u otro tipo de fotografía de eventos , donde se dan la vuelta y fotografian al público en lugar de lo que está en el escenario o en el campo. Otra forma en que Teoh haga que el espectador llene los espacios en blanco es simplemente ser muy despiadado con donde cortamos el marco. Por lo que cortamos el marco hacia abajo una porción de una persona. Ahora bien, si tomas una clase de composición tradicional, muchas veces te aconsejaron no cortar a la gente unas articulaciones en las manos a los pies en las rodillas porque sí se ve un poco extraño. Y plantea la pregunta. ¿ Por qué no simplemente mover la cámara en un muy pequeño, uh, cuarto de pulgada para que puedas incorporar cosas como manos y pies? Y si bien en principio, generalmente estoy de acuerdo con esto, realmente depende del tipo de historia o de tratar de contar. No todas las fotografías necesitan contar con la cara de alguien y la expresión facial de alguien para que yo capte la emoción. De hecho, las cosas que se cortan que se dejan un poco más anónimas o misteriosas tienden a involucrar al mawr público más amplio, porque no sólo estamos llenando los espacios en blanco con nuestra propia mente, sino que somos capaces de poner nosotros mismos en los zapatos de lo que está sucediendo en la pantalla son dominicano es un fotógrafo autorretrato, y ha hecho toda una carrera de fotografiarse en circunstancias misteriosas entre rasgos del paisaje. Entonces verás porciones de sus brazos, sus piernas. Mucho de él está cortado en estas imágenes, y hey se mezcla increíblemente bien con cualquier ambiente que se encuentre ahí dentro. Muy misterioso. No sólo piden la pregunta, ¿dónde está el resto de este tipo, sino también cómo lo hizo? Ah, muchas de estas circunstancias parecen bastante peligrosas, o parecen imposibles. Al hacer que el espectador llene los espacios en blanco. Arno está atrayendo a su público y mantenerlos mirando sus fotografías mucho más tiempo que el tipo de imágenes que lo presentan todo al espectador. Otro de mis fotógrafos favoritos que utiliza mucho esta técnica es Ren hang y Wren fue un fotógrafo chino que hizo estas imágenes en color muy brillantes usaron flash muy fuerte que noqueó la mayoría de las sombras, y en cierto sentido, no hay misterio, sino porque los escenarios que presenta son tan extraños y donde coloca el marco tiende a ser muy extraño. Eso es algo que tiene justo esta increíble rareza y artificialidad. No obstante, se siente muy orgánico al mismo tiempo, porque en su mayoría Ren presenta a personas en circunstancias llanas. Él los presenta desnudos. En ocasiones cuenta con plantas o animales. Muy raramente tiene algo que no esté en sustancia orgánica frente a su cámara. Me encanta la casi aleatoriedad en su colocación del marco. En estas imágenes, sin embargo, las cosas no se cortan de manera incómoda, como si hubiera acción sucediendo no solo frente a la cámara sino al otro lado de la cámara. Y por acción, quiero decir, el propio fotógrafo se está cayendo o corriendo y persiguiendo cosas, tratando de captar momentos sin apuntar deliberadamente su cámara. Y es una estrategia. Yo mismo he usado mucho. Utilizo muchas cámaras de cine instantáneas donde no necesariamente puedo componer de la manera que pude con una cámara DSLR o una cámara Marylise, donde en realidad podría ver 100% a lo que estoy apuntando, y encuentro que las imágenes que tienen esta inusual fuera equilibrio a ellos que tienen el marco cortar algunas características importantes. Estas son las imágenes que más mantienen mi interés. En mi opinión, lo que sea que puedas hacer para activar la mente de cualquiera de tu audiencia, cualquier espectador consigue que intenten resolver el rompecabezas que estás presentando que sólo puede ser algo bueno. 3. Escena en capas: en esta sección. Yo quiero hablar de la escena estratificada. A menudo, cuando las personas abordan la composición, piensan en todo como elementos bidimensionales. Y ciertamente si estás haciendo algún tipo de sesión de retrato en un estudio donde tienes tu sujeto de retrato y tienes un fondo plano, es difícil alejarte de la idea de que esto es solo una escena simple, bidimensional. Pero si pensamos tres dimensionalmente y estamos outs en un ambiente que tiene espacio, tienes sujetos que están cerca. Tienes materia que está lejos, y tienes materia que está muy lejos. Y entonces tienes contrastando elementos naturales como nubes, estrellas, cielo, sol, árboles, montañas y demás. Ansel Adams hizo composiciones muy capas en sus obras, y son composiciones muy tradicionales. Para estar seguro, Ansel Adams enfatizó un gran chapuzón el campo en sus composiciones. Entonces todo está afilado cuando se tiene una capa vista, sin embargo, se pueden crear algunas composiciones realmente interesantes mediante la utilización de pequeñas profundidades de campo, lo que significa que sólo un pequeño porcentaje de su fotografía está en foco y realmente se puede lograr esto si escoges algo que está en el medio terreno. Entonces no algo que esté súper cerca de ti y no de las cosas que están muy lejos, sino algo en medio. Por lo que los objetos que están cerca están fuera de foco, y los objetos que están lejos están fuera de foco. afamado fotógrafo de banda Anton Cor Bean es un maestro de utilizar esta técnica, y si bien algunas de las fotografías que te mostraré tienen los objetos en primer plano y enfoque muy frontal , una de las técnicas más comunes es desenfocar esas objetos y tener esta relación entre cerca de lejos, muy lejos. Crea un ambiente muy rico, increíble para la fotografía en general. Uno de los beneficios agregados del enfoque fotográfico en capas es el sentido que le das a tus espectadores de estar realmente ahí. Es un acercamiento muy cinematográfico a la fotografía. Si piensas en películas cada vez que cambian de un escenario a otro, tienen que usar una toma de establecimiento para mostrar dónde estás. Entonces tú, el espectador, puedes reajustar tu mentalidad de lo que está pasando. Esto generalmente se hace a través de un tiro ancho, tal vez una grúa Sean, algo que está arriba y te da la disposición de tierra. Podría ser a través de un disparo de rastreo o un disparo de dolly donde la cámara se mueve en un ángulo determinado hasta que lleguemos a nuestros sujetos. Pero cuando alguien como Corbyn hace este enfoque en capas, tengo la sensación de que podría mover una dirección u otra en la fotografía. En realidad podría interactuar con esta cosa. En cierto modo, estos disparos son un poco más difíciles de componer en persona porque estás involucrando una parte en movimiento que está cerca, parte en movimiento que está lejos y algunos elementos que están completamente fuera de tu control. Pero cuando le sacas este tipo de tiro con muchas capas, es altamente gratificante. 4. Secuencias: Una de las grandes cosas de la fotografía como medio es que es muy rápido conseguir múltiples imágenes. Si alguien muestra para crear una secuencia de pinturas, va a tomar un largo periodo de tiempo. Y va a ser difícil para el pintor Teoh. Consigue estos micro momentos que uno podría ser capaz de conseguir en la fotografía, donde puedes tomar una imagen y un segundo después, tomar otra imagen y segundo después, tomar otra imagen y tener esos suman para ser algo mayor que cada individuo en sí misma. Vamos a ver un par de enfoques diferentes para crear secuencias de imágenes. Uno de los clásicos del mundo de la fotografía artística es Twain Michaels, quien crea pequeñas historias o tableaus con sus imágenes. Este en particular son simplemente tres alambiques de Andy Warhol en diversos estados de movimiento. Otras imágenes de Duane Michals incorporan la escritura de la manera en que un libro de cuentos para niños o un cocinero común podría incorporar la escritura dentro de sus panelados. Este conjunto de imágenes cuenta la historia de una anciana que lleva a un niño a un parque y posteriormente desaparece por el marco final. Esta secuencia cuenta la historia de un espíritu, dejando el cuerpo de un moribundo. Crear secuencias no es nada nuevo en el arte. Ah, mucha obra de arte religiosa se representa como garrapatas de viaje o ICS sumergido. Individualmente. Podría ser difícil determinar cuál de estas tres imágenes es la más fuerte, y ciertamente hay fotógrafos que las presentarían cada uno individualmente. Pero mi secuenciarlos juntos como un viaje tomarlo no sólo te da la sensación de que se trata de una unidad familiar, sino que además resalta la individualidad de la pose de cada niña. This imágenes son ICS sumergido involuntariamente. Fueron tomados de delincuentes australianos durante su proceso de disparo de lodo. Y como mencioné en una lección anterior, historia puede voltear cualquier cosa del dedo del pie del arte. Si ha pasado el tiempo suficiente, los de definitivamente se han elevado a ser arte. No sólo exhiben las personalidades de sus sujetos, sino que lo hacen en un ambiente realmente grato. Cada una tiene un cierre hacia arriba y un tiro de cuerpo completo y tiene un pequeño elemento gráfico de escritura para atarlo todo de forma individual. Estas imágenes son geniales juntas. Son extraordinariamente poderosos. En las secuencias de las que se exhibían la fotografía de paisaje de una manera completamente nueva. Los elementos que están cerca de la parte inferior del marco están mucho más cerca. El fotógrafo optó por usar fotos de cerca en la parte inferior del marco, y al llegar a la parte superior de su marco con collage, utilizó elementos que están más lejos en el fondo. Crea esta sensación de que estás ahí. Es una forma de resaltar detalles particulares, como si dijera, Preste atención a esta flor. Presta atención a esta roca. Y también es una forma de presentar un paisaje en una nueva moda realmente única del siglo XXI que se siente más emocionante, vibrante y fresca que si solo fuera una sola imagen de toda la escena. Cada vez que me moví de un cuadro a otro, mi mente tiene que conectar los dos. Y como dije en una de las otras lecciones, cualquier cosa que puedas hacer para que tu espectador interactúe con la fotografía a nivel mental sólo puede ser algo bueno. 5. Escala y espacio: si alguna vez has tomado clase de arte, has oído hablar de los elementos del arte, y probablemente has oído hablar de la escala y del uso del espacio negativo positivo en tus composiciones de dibujo o pintura. Se aplica lo mismo y la fotografía. Y muchas veces cuando la gente está hablando de composición fotográfica, están hablando específicamente de cómo llenar todo el marco de cosas, cómo contar una historia a través de tener cosas. Y todas estas coyunturas críticas que implican la regla de los tercios. Tener líneas de liderazgo apuntan de esta manera y de esa manera. Y una cosa que se queda fuera en esa conversación es el hecho de que no tengas que tener nada en esos espacios. De hecho, puedes expresar emoción en virtud de tener anti nous alrededor de tus sujetos. Por lo que la fotografía a escala no significa necesariamente que tus sujetos sean pequeños en comparación con este vasto vacío a su alrededor. Ciertamente, podrías usar la escala al tener algo muy grande, muy cerca de ti. Se puede disparar macro. Se puede tener un tema que es grande junto a un tema que es pequeño y utilizar escala de esa manera. Pero para los propósitos de nuestras composiciones de vanguardia, vamos a ver imágenes que tienen una figura muy pequeña y mucho espacio negativo a su alrededor. Estas cifras no necesariamente tienen que colocarse junto a cualquiera de las intersecciones en la regla de los tercios implicaría que tendrías que colocar objetos en. Es sólo cuestión de tener un equilibrio entre alguna figura pequeña y algún vasto mar de color blanco de nada. No importa dónde esté tu figura en este espacio negativo, estás retratando la relación entre una cosa y otra, y eso aún es válida. Composicionalmente. Uno de mis fotógrafos favoritos de todos los tiempos chico Bardeen, utiliza mucho esto en sus composiciones relacionadas con la moda y la belleza. En el caso de esta imagen están teniendo una pared grande con un pequeño agujero en su modelo se reduce esencialmente al tamaño del ratón, a pesar de que no hay nada más que sea particularmente grande y de escala. Es solo la idea de que una persona disparada desde muy lejos desapareciera en un todo, ese conjunto coincidiendo con un campo grande que se asemeja a una pared se tiene a modelos interactuando otro lado de la calle. No estoy seguro si es un baile o si es una pelea, pero son muy pequeñas en escala en relación al gran edificio industrial que les rodea , y ese edificio industrial de ninguna manera es el tema de esta escena. Pero evoca la emoción que obtienes cuando presencias que algo pasa al otro lado de la calle, y no estás muy seguro de qué es si la gente está de fiesta, si se está bromeando entre sí. Esto es algo que me ha pasado algunas veces en mi vida. Y cuando me encontré con este tipo de imagen de abordaje, reconocí absolutamente que era la vibra que iba a buscar. Entonces tenemos esta imagen de Charles Hard, pero y esta imagen en particular es una persona pequeña en un rincón ahí, rodeada de textura de papel tapiz. Y es esencialmente un patrón grande que tiene a tu sujeto rompiendo el patrón. Entonces a pesar de que el sujeto no se coloca correctamente si fuéramos a ir por regla de tercios, definitivamente te dibujan el ojo porque están rompiendo un patrón establecido al tener a la persona pequeña y en la esquina. De verdad te da la sensación de casi como una enfermedad mental o una tristeza o depresión, lo he oído decir que si quieres dibujar a un hombre triste, todo lo que necesitas hacer es tomar un trozo de papel regular y hacer una diminuta figura sentada abajo y tener todo este abrumador espacio negativo a su alrededor es una gran forma gráfica de representar la alienación y la soledad. Conocido en todos estos ejemplos, cuando tengo un tema tan pequeño en escala, es contra algún fondo de ing contrastante que me permite ver el tema. Entonces esta es una de las quejas que mucha gente tiene en la fotografía de vida silvestre de que los animales que están tratando de fotografiar están demasiado lejos. Y se mezclan con el fondo porque tradicionalmente, los animales viven en ambientes que se mezclan en su apenas un mecanismo de supervivencia. Todos desarrollaron algún tipo de camuflaje animales marrones viven en ambientes boscosos y así sucesivamente y así sucesivamente. Pero sí quiero mostrarles algunas fotografías de vida silvestre que exhiben animales muy pequeños y a escala en relación con sus ambientes. Y como están disparados contra el contraste y los colores, salen tanto como si los cierras de cerca y algo de mi propio trabajo. Definitivamente he colocado sujeto muy pequeño y a escala en relación al espacio que está alrededor con persona. menudo, Amenudo, cuando soy capaz de disparar desde la distancia miro las imágenes en la computadora y me doy cuenta que en realidad no tan lejos como me gustaría estar, o que la imagen sería más llamativa si hubiera aún más espacio a su alrededor. Entonces en un caso como esta imagen, le disparé al modelo desde arriba. Ella estaba en un ciclorama, que es un campo blanco grande y curvo que se encuentra en estudios fotográficos profesionales. Y luego en la tienda de fotos, amplié este campo blanco a su alrededor. Entonces realmente enfatizó la posición fetal embrionaria donde está ella que quería hacerla parecer más como alguien que está a la deriva por el cosmos a través del espacio vacío. Esta imagen es muy similar, fue rodada en el mismo estudio, pero lo particular planteó la modelo realmente había sentido como si estuviera cayendo. Y creo que está perfectamente bien entrar en cualquier programa de edición o técnica de cuarto oscuro que tengas en hacer lo mejor que puedas hacer. Cuenta la historia que quiere contar. Entonces esta es otra imagen donde construí el espacio en blanco alrededor de la modelo para enfatizar realmente esa sensación de caer a través de un vacío grande vacío. Y si no construyera este espacio alrededor de la modelo de lo que acabarías de ver a una persona en una pose. Pero al construir el espacio y encogerse, el sujeto en escala definitivamente cuenta la historia de la manera que quise contarla pero no pude contarla porque no tenía una escalera que se extendiera 100 pies en el aire en el momento de la tiroteo. 6. Realidad al aleatorizado: en esta lección, quiero hablar del concepto de realidad aleatorizada. Esencialmente, estamos hablando del desorden del mundo real, generalmente presentado como una estética de broche instantáneo o escogiendo sus temas que tienen aleatoriedad horneada en ellos y presentando eso lo más directo posible. Entonces hablaremos de la estética de la instantánea. En primer lugar, esto se vincula a tener las cosas cortadas en el marco que una revista hablando de composición perfecta te diría que no cortes en el marco. Pero la estética instantánea no es sólo el ámbito de los aficionados es en realidad bastante popular y muy común en revistas de fotografía de alta falutin en revistas de moda. Y siento que la razón por la que es tan popular y tan prevalente es porque la mayoría de la fotografía del mundo es de la estética instantánea. Es del momento, y lo que hemos llegado a darnos cuenta como sociedad es que el tiempo hará cualquier cosa en el arte de grúa. Por lo que la idea de que hay que tener imágenes perfectamente compuestas que airen súper limpias, disparadas contra fondos perfectos con historia de iluminación perfecta no hace que nada más o menos arte que tener cosas que tienen personalidad que tienen al azar es que escaparate de la vida rial. Definitivamente creo que está bien acercarse a las composiciones con una estética instantánea, lo que significa que no buscas la perfección. No buscas una colocación adecuada de cada elemento de la fotografía, y abrazas cosas que realmente están sucediendo ese aire. No te preocupes por cosas como autos de fondo, transeúntes y demás y así sucesivamente. Mi proceso de pensamiento es si eres una persona creativa y te acercas a las cosas de tu vida natural con una mente artística, vas a terminar con retrato muy artístico. Se trata de paisajes muy artísticos o paisajes urbanos o fotografía callejera, aunque estés abrazando la estética instantánea. Muchos de los fotógrafos callejeros de los 19 sesenta trabajaron dentro de esta estética instantánea porque alguien como Garry Winogrand generalmente no le dijo a sus sujetos que los estaba fotografiando. Lo hizo un poco más de una especie de espía, y en última instancia, si sacaba una mirada de una persona que le gustaba, si otros elementos cayeran en su lugar que lo hicieran feliz, no importaba si había elementos aleatorios alrededor. Ahora bien, abrazar la materia que tiene elementos aleatorizados a ella es un poco difícil describir con palabras, así que les voy a mostrar el trabajo de algunos artistas locales de Arizona. Julian On es alguien que es profesor en un tema. Cuando fui allí y ella tenía un proyecto donde demarcaría un área y encontrara toda la chatarra en ella. Por lo que estos aire como zonas de lotes abiertos fuera en el desierto. Recogía toda esta basura en particular, y la disparaba contra un fondo blanco y luego se presentaba en este tipo de formato agachado. Esto es lo que fue donde ella waas y te podrías decir a ti misma, ¿Qué significa eso en realidad? Bueno, en cierto sentido, es explorar el misterio de lo que realmente hay en el desierto. ¿ Qué hay realmente en estos lotes abiertos? Y en otro sentido, está mostrando cuán basura podría ser la humanidad y cuán inconscientes ambientalmente somos interacciones. Otra persona que conocí a través de un S u pa Howman simplemente fotografiaría los cajones de las personas que conocía. Y lo que esto hizo fue crear un retrato de una persona a través de lo que tenían en su cajón sin mostrar realmente a la persona. Y se podría hacer este enfoque con casi cualquier tipo de objeto, como fotografiar camas de personas alrededor del mundo. Este es un producto que he visto y sentí que fue realmente desgarrador porque viste que Niños todo el mundo viven vidas muy diferentes, algunos limítrofes sin hogar, durmiendo y forzando a otros viviendo esta increíble vida de lujo. Y cuando mirabas como un Siri completo, sin embargo, sin embargo, la realidad configuró estos entornos. Eso fue lo que fue fotografiado. No hubo cambios. No hubo ningún reordenamiento al estilo Mathew Brady de los objetos ni de la gente. Teoh crea una mejor composición. Era una cruda realidad, y cada foto contaba efectivamente su historia. 7. Collage y encuadre alternativo: una de las formas más liberadoras de crear nuevos tipos de composiciones es darse cuenta de que tu marco no tiene que conformarse a un formato rectángulo o cuadrado. Y hay muchos artistas por ahí mismo incluidos, que incorporan muchos elementos de collage en sus fotografías. Esto podría tomar la forma de múltiples imágenes collages juntas o mediante el uso de otras cosas como texturas de papel y objetos físicos. El artista David Hockney es bien conocido por sus collages Polaroid, donde utiliza múltiples Polaroids físicos y podrían conformarse a un rectángulo o forma cuadrada en particular . Pero generalmente es uno que no cabría en el tipo específico de marco que obtendrías cuando entras en la tienda de arte. Por lo que estos artistas del aire que han creado perímetros inusuales de sus marcos en el mundo real definitivamente hay formas de claudicar digitalmente tu trabajo y crear marcos inusuales. Dentro de ese contexto, un método que me gusta es utilizar adobe photoshops, photo merge. Las fusiones fotográficas se crean esencialmente disparando fotogramas superpuestos e importándolos al software y pidiendo al software que los junte. Típicamente, esto te deja con frontera muy inusual. Cuando eso no se ajusta a un rectángulo normal, y típicamente la gente recortará estos hacia abajo para que sí se ajusten al rectángulo. Pero por razones quizá de interés visual, o por mantener juntos todos los datos dentro de las imágenes, o posiblemente solo la estética general de tener un orden caótico, no hay que recortar esto hacia abajo. Utilizo varios APS que crean pie emerge con estos inusuales bordes glitchy. Para ellos, Photosynth es una aplicación que simplemente requiere fotografiar dentro de su y ves imágenes fantasmas de tus tomas anteriores. Se pueden solapar, y se puede caminar hacia adelante y hacia atrás. Photosynth creará un entorno virtual, y está obligado a tener muchos errores en él. Se puede utilizar para paisajes. Podrías usarlo para personas Portrait's. No es necesariamente la forma de hacer tu fotografía más alta resolución, pero es una forma de crear composiciones inusuales que realmente no podrían haberse creado con ninguno de los métodos tradicionales del pasado. Como artista fotográfico yo mismo, siento que es útil para nosotros explorar cualquier cosa que las nuevas tecnologías puedan crear nuevos tipos de imágenes. Podría funcionar para nuestro estilo. Puede que no funcione, pero siento que todos los artistas tienen una responsabilidad consigo mismos. Teoh. Prueba cosas nuevas, explora cosas nuevas y trabaja con algunos del lenguaje y herramientas que son únicas del aire en el que vivimos. Es así como creamos obras de arte que son relevantes para nuestro tiempo. Existen muchas alternativas para mostrar tu trabajo. Además de ponerlas en un tradicional marco rectángulo cuadrado, puedes tenerlas impresas profesionalmente en cualquier tamaño y escala y luego tener la impresora cortada alrededor de los bordes de la misma y montarla en tablero del museo. Para cosas como mis collages de película instantánea, podría utilizar un sistema de alambre y clip. Teoh, sosténgalos en una pared. He visto galerías de trabajo colgadas con un sencillo sistema magnético. No dejes que un perímetro inusual te impida explorar nuevas formas de crear o exhibir tu fotografía. 8. Fotografía de glitch: similar a la noción del exterior glitchy es el interior glitchy. Aquí es donde la tecnología introduce defectos aleatorios a tu creación de imágenes. En realidad me gusta bastante la fotografía de glitch, porque como alguien que hace fotografía por un largo periodo de tiempo, yo como artista quiero que me sorprenda. Entonces una forma analógica de introducir glitchy nous en la fotografía mi involucra el uso de cámaras estilo Lamo . Lemon fue una empresa que fomenta la fotografía de cine de baja fi a través del uso de cámaras de plástico a través de antiguas cámaras del siglo XX que tienen muchos defectos en ellas. Y por defectos, me refiero a las fugas de luz los síntomas. El film está rayado, sus marcos superpuestos el tipo de cámaras que bajas celdas de siega incluyen a la Diana, el titular y muchas importaciones rusas de los 19 años sesenta y 19 setenta. Cuando experimentas con Glitch LaMotte, fotografía estilo graffiti no espera obtener resultados maravillosos cada vez. Pero, ¿esperas sorprenderte y tener composiciones que habrían sido parte para llegar si realmente te hubieras tomado el tiempo para planearlas? En este caso particular, número de tema en la parte posterior de la película de formato medio impresa en la fotografía con la joven que estaba filmando en ese momento debido a que la luz se filtró por la pequeña ventana que mostraba el número de secuencia de la película. Lo quemó directamente sobre la película y quedó arraigado dentro de la imagen. He utilizado aplicaciones que introducen un elemento deliberadamente glitchy. Teoh las imágenes. Podría ser una fotografía. Podría ser un video. Una de mis aplicaciones favoritas que hace Este es el glitch A, y es un poco más creativo que aplicar un filtro simple. Tiene métodos de reinterpretación de una imagen en cuando juegas con estos. Ojalá encuentres algo que te guste. Muchos de estos en realidad he sacado del video. Una de las grandes cosas de la tecnología de la era moderna en la que vivimos es que podemos filmar video y una resolución lo suficientemente alta donde podemos capturar toda una franja de movimiento y seleccionar lo que queremos usar como la fotográfica aún mucho tiempo después del hecho. Entonces eso es lo que he hecho aquí. Elegí momentos particulares en el tiempo de esta sesión de modelo, y utilicé el glitch, una app para crear este tipo de efecto paisajístico casi tridimensional en mi modelo. Ya sea analógico o digital significa que me siento como glitch. Obra de arte es 100% boleta. No es más, ni menos aleatorizados que los fotógrafos callejeros de los 19 sesenta que saldrían todo el día y fotografiarían lo que encontraron, lo que se les presentó, sin expectativa alguna de una persona en particular o cosa o eventos que suceden frente a la cámara. También siento personalmente que la obra de arte blitzed habla fuertemente para ser una especie de vidas medio orgánicas, mitad digitales que nos encontramos viviendo en la América moderna. 9. Diseño de fotografía: Por último, quiero hablar de agregar elementos de diseño gráfico a tu fotografía, y lo que lo diferencia de la lección anterior sobre collage y fotografía estilo glitch es gráfico. El diseño es poco más deliberado con su comunicación, y típicamente se vincula con algún uso utilitario pasado del diseño gráfico. Por ejemplo, artistas que bloquean un elemento de su imagen realmente se refiere al uso de whiteout, fluido correccional o reducción negra en documentos de gobierno para que podamos tener diseño gráfico por adición de elementos, ser ellos elementos físicos o cosas como costura, que es algo que he visto en mucha fotografía de moda moderna. Se puede tener diseño gráfico por omisión, que es donde se cortan las cosas de una fotografía, en este caso, realidad cortando el medio de una fotografía. El artista John Hartfield utiliza estos enfoques de diseño gráfico y debido a que gran parte del trabajo sobreviviente de Hartfield fue en forma de revista, publicaciones o carteles en la era moderna, cuando vemos estos en un museo, ellos tienen los elementos gráficos adicionales de estar dentro de una página impresa, compels Frank. El tercero es una celebridad moderna y y fotógrafo que utiliza este enfoque. Ah, mucho trabajo que hace para programas de televisión como Breaking Bad y Madman se encuentra como una especie de feria publicitaria estándar que se ajusta a la estética de esos programas en particular. Pero Frank también crea su propio trabajo diario personal, donde la fotografía es realmente solo punto de partida. Y estos elementos de diseño gráfico que Frank incluye realmente no tienen limitación. Podrían implicar corte. Podrían involucrar a Inc Pero la presentación de la página final del diario es la página completa , y la fotografía es sólo una sola parte de ella. En mi propio trabajo personal, he hecho mucho con el diseño gráfico de mis fotografías, y muchas veces es una buena manera de acercarme a una fotografía que en realidad es bastante genérica en su estado embrionario. Encendido cuando le dispare a thes. A lo mejor eso es intencional. A lo mejor había planeado hacer alguna alteración en una fecha posterior, o tal vez solo era cuestión de que pasara por mis archivos y encontrara fotos donde me gustara algo. Pero en general carecía de atractivo visual. Esta imagen en particular tenía elementos de diseño gráfico que fueron filmados intencionalmente, y lo he hecho algunas veces donde tengo un soporte de modelo en un solo lugar y la cámara está bloqueada en un trípode. Tengo que cambien su posición o posiblemente cambien su ropa y encajen de nuevo en la pose anterior. Y una vez que tengo las imágenes digitales originales, se imprimen por ahí, vuelven a montar y luego se vuelven a armar para crear la nueva imagen gestalt. Sé que hay gente por ahí que tiene un poco de miedo en manipular o destruir sus imágenes. Pero si te sirve de consuelo, lo general estamos partiendo de imágenes digitales, lo que significa que podemos hacer múltiples impresiones. Si cometes un error en uno, simplemente haz otra impresión e inténtalo de nuevo. 10. Enrutar la composición de la borde: chicos, quiero agradecerles tanto por apegarse a esta clase sobre composición fotográfica de vanguardia . Nunca se te debe hacer sentir como porque estás operando fuera de los libros de reglas que no va a haber interés en tu trabajo. Como dije al principio, esa clase casi toda la gente que celebramos como los grandes artistas, grandes innovadores donde la gente que aprendió las reglas y luego pasó esas reglas a través del libro de reglas fuera. Y si simplemente estás apeando cosas que has escuchado en clases, es poco probable que tus composiciones vayan a sobresalir cuando se coloquen junto a las miles de otras fotos que vemos en nuestra vida cotidiana. Sé ellos en sitios web como 500 PX. Cosas como Instagram. Tienes que ser audaz para destacar y realmente captar la atención de la gente en la era moderna. Por casualidad vivo en Arizona, y estoy muy cerca de muchos parques nacionales en California, Utah, Nuevo México y, por supuesto, Arizona. Y siempre he sentido si vas a estos lugares, necesitas traer algo de ti mismo contigo, y necesitas hacer algunas composiciones fotográficas desafiantes porque ¿de qué sirve no hacer eso? También podrías comprar las postales que tienen disponibles a menos que estés dispuesto a probar algo diferente. Crear imágenes. Eso no es lo mismo que las postales. Y lo mismo vale para el trabajo que creo, ya sea retrato, cosas familiares, cosas moda, trabajar con objetos o mascotas. Siempre hay una manera de empujar los límites de una composición y mantener el interés de tus espectadores y mantener tu interés por la fotografía también. Una vez más, espero que haya sacado mucho de esta clase. Siéntase libre de revisar el resto de mis cursos en mi canal de enseñanza. Hay mucho sobre fotografía y otras formas de arte multimedia y software de adobe también . Doctor, Usted la próxima vez por