Cómo usar el movimiento para crear fotos de bellas artes

1. INTRODUCCIÓN: Probablemente se tomaron fotos antes. Fotos nítidas, fotos limpias, fotos perfectamente expuestas. Pero, ¿alguna vez te has tomado una fotografía que se siente viva? Bienvenida. Esta no es una clase de fotografía técnica. Esta es una clase sobre convertir el movimiento en emoción, sobre pintar sin pincel, sobre controlar la luz, la forma en que un pintor controla la pintura, y sobre la creación de imágenes que no solo muestran algo sino que dicen algo. Hola. Mi nombre es Ib Camori Un fotógrafo de moda y viajes de bellas artes. Soy embajadora de Adobe y maestra de Skillshare. He tenido el placer de crear imágenes desde hace unos 11 años, y ha sido un viaje completamente increíble. fotografía de bellas artes no se trata de capturar la realidad. Se trata de doblarlo. En este curso, vamos a crear imágenes usando pintura en movimiento, arrastre de obturador lento, movimiento de luz y caos intencional Construiremos ideas de la nada y diseñaremos sets desde la imaginación. Al final de esta clase, no solo sabrás cómo crear estas imágenes. Ya sabes pensar como un artista detrás de la cámara. Entonces, si estás listo para bajar la velocidad y pintar con luz, comencemos. 2. Orientación de la clase: La mayoría de la gente aprende fotografía haciendo una pregunta. ¿Cómo hago que esto se vea bien? Los fotógrafos de bellas artes hacen una pregunta diferente. ¿Cómo quiero que se sienta esto? Porque en el momento en que las emociones se vuelven más importantes que la perfección, dejas de ser fotógrafo, documentar la realidad y empiezas a convertirte en artista, moldeándola La fotografía de bellas artes comienza con la intención, no con el sujeto. ¿Qué pretendes comunicar con una foto? ¿Es un estado mental o una emoción? Y es por eso que dos personas pueden fotografiar lo mismo, y sólo una crea arte por intención. El arte es interpretación, no precisión. La fotografía captura tradicionalmente lo que existe. La fotografía Fin Art crea lo que aún no existe. La imagen empieza en tu mente mucho antes de que salga la cámara. Y la pregunta que te encuentras haciendo es ¿en qué puede llegar a ser esto? El movimiento representa la emoción, y eso significa que puedes hablar a través de tus imágenes. El dicho de que una imagen contiene mil palabras cobra vida cuando el fotógrafo entiende que las emociones se pueden contar y las palabras incrustadas en una imagen. El movimiento es solo una herramienta para amplificar este mensaje. Aquí hay algo fascinante. La cámara graba el tiempo en lugar de congelarlo porque cada punto del trazo es un segundo diferente al otro. Casi se siente como viajar en el tiempo porque estás mirando diferentes momentos en el tiempo, todo en el mismo marco En este curso, utilizamos la pintura en movimiento, no porque se vea genial, sino porque el movimiento nos permite fotografiar algo invencible, tiempo, energía y memoria Cuando una imagen es perfectamente nítida, el cerebro la entiende instantáneamente. Pero cuando existe movimiento, el espectador hace una pausa. Empiezan a sentir en vez de solo ver, y esa pausa es donde vive el arte. Las cámaras no crean arte. Las decisiones sí. Puedes usar cualquier herramienta para capturar una foto, pero la decisión que tomes es la que determina lo que llamas arte. Los errores a menudo se convierten en estilo. Así que esté abierto a abrazar la diversión de crear, sabiendo que cualquier cosa y todo es aceptable El control y la rendición coexisten. Para que puedas tener el control de ciertas cosas, pero estar dispuesto a dejar que funcione como le va. Notarás algo durante este curso. A veces las mejores imágenes ocurren cuando las cosas salen mal. Una luz se mueve inesperadamente, un sujeto cambia demasiado pronto, un arrastre que dura más de lo planeado. En la fotografía comercial, eso es un error. Pero en la fotografía de bellas artes, ese podría ser el momento. Tu trabajo no es controlarlo todo. Tu trabajo es reconocer el significado cuando aparece. Quiero que tomen nota de estas cosas importantes. Número uno, recuerda que estamos experimentando en cada punto, así que esté abierto a la experimentación Número dos, se necesita paciencia para este tipo de fotografía. Además, no todos los marcos funcionan. Y por último, artista es descubrimiento. Esta clase no se trata de tomar un tiro perfecto. Se trata de exploración. Puedes filmar 50 fotogramas y solo amar a uno. fotografía de bellas artes está más cerca de esculpir que de disparar Se quita, refina y busca hasta que la imagen se revela. Ahora que entendemos lo es realmente la fotografía de bellas artes, la siguiente pregunta es, ¿de dónde vienen las ideas? Porque antes de construir sets antes de luces, antes de velocidades de shuter, necesitamos algo más importante, una razón para crear Hablemos de inspiración. Te veré en la siguiente clase. 3. Cómo obtener ideas y encontrar inspiración: De las mentiras más grandes en el arte es que estoy esperando inspiración. La inspiración casi nunca llega primero. Las ideas no son como los rayos. Son conexiones. Y hoy, voy a mostrarte cómo construir ideas intencionalmente en lugar de esperar que aparezca la creatividad. Las ideas provienen de la emoción, un sentimiento, de una experiencia personal. Antes de pensar en luces o poses, hazte una pregunta. ¿Qué quiero que sienta alguien cuando vea esta imagen? La calma, el caos, la soledad, o incluso la libertad. La fotografía de bellas artes comienza con la emoción. Los visuales vienen más tarde. Cuando comienzas con visuales, copias, cuando comienzas con emoción, creas La inspiración se puede obtener de pintores, películas, moda, música, esculturas y casi cualquier cosa. Y luego combinas estas influencias para crear una pila de inspiración, que ahora lleva a la originalidad. Todo artista toma prestado, pintores, pintores estudio, cineastas estudian cine El fotógrafo debe estudiar todo excepto la fotografía, a veces. Mira pinturas para emociones de color, películas para iluminación, modas para la forma y el movimiento, la originalidad a menudo viene de combinar cosas que nunca se pretendieron cumplir Aquí tienes un método que puedes seguir. Yo lo llamo la directriz ESM. Símbolo de emoción y movimiento. Primero, elige una emoción y luego pregunta qué símbolo representa la emoción, la tela que fluye, el hashlight, el humo, el movimiento Y luego podemos agregar movimiento porque el movimiento transforma el simbolismo en energía Para este proyecto, la pintura en movimiento se convierte en nuestro lenguaje. Las ideas más fuertes suelen provenir de algo personal, un recuerdo, un momento, un sentimiento que no puedes explicar fácilmente. No necesitas una historia dramática. A veces las emociones tranquilas crean las imágenes más fuertes. Aquí hay un ejercicio. Anota una emoción, un color, un tipo de movimiento. Un ejemplo sería la inquietud, Bluetons, caótica. Eso se convierte en la semilla de un concepto. No esperes una idea de obra maestra. Solo necesitas comenzar poco a poco. Una emoción, una dirección visual, un movimiento. Eso es suficiente para comenzar. Ahora que tenemos una idea, el siguiente paso es convertir la imaginación en algo real. En la siguiente clase, aprendemos a investigar, refinar y preparar tu concepto para que tu día de rodaje se vuelva intencional en lugar de accidental. Te veré en la siguiente clase. 4. Investiga y ejecuta tu idea: Una idea fuerte puede fallar no porque la idea fuera mala, sino porque nunca se tradujo en un plan. fotografía de bellas artes parece espontánea, pero detrás de cada imagen poderosa está la preparación intencional. Hoy, te sacamos de la cabeza tu idea y le damos estructura. La investigación no es copiar. La investigación reduce la confusión creativa. La preparación da libertad durante el rodaje. Así que la investigación no limita tu creatividad. Lo protege. Cuando entiendes tu dirección visual de antemano, dejas de adivinar el día del rodaje Ya conoces el estado de ánimo, ya sabes lo que quieres hacer, el movimiento, la energía que estás persiguiendo. Y eso permite que la experimentación se vuelva intencional en lugar de Randolph Recoge texturas, colores, referencias de iluminación, no solo referencias fotográficas, busca sentimientos, un sentimiento que sigue siendo consistente. Moodboard no se trata de encontrar una referencia perfecta. Se trata de construir una atmósfera visual. Podrías coleccionar pinturas con colores similares, emociones, imágenes de moda, mostrando movimientos, imágenes fijas de película con dirección de iluminación, texturas abstractas que coincidan con tu sentimiento No estás copiando imágenes. Estás definiendo un lenguaje visual, así que reúnes todas estas cosas y las pones en tu tabla de estado de ánimo. Toda decisión técnica debe responder a una pregunta. ¿Esto apoya la emoción? Si tu idea se siente tranquila, el movimiento puede ser lento y fluido. Si tu idea se siente caótica, arrastres del obturador pueden ser agresivos y más abstractos e impredecibles La técnica sigue tu concepto, no al revés. Ahora, un hábito profesional muy importante es probar antes del rodaje. Haga que sus pruebas de luz, sus experimentos de movimiento, sus pequeñas fallas guarden el resultado final. Entonces, antes del experimento de disparo real, mueve la luz alrededor, prueba tus velocidades de obturación, prueba configuraciones imperfectas, coloca tus luces Estas pruebas no son como un esfuerzo desperdiciado. En realidad son cosas que te ayudan a saber lo que quieres y a establecer aún más tu idea. Empiezas a aprender cómo quiere existir la imagen. La fotografía final no sólo es visual. Es una dirección emocional. El ambiente que creas afecta el movimiento, la expresión y la energía. A veces la atmósfera en el set se convierte en parte de la obra de arte en sí. Ahora que sabemos lo que queremos crear, es el momento de construir el mundo donde existe. En la siguiente clase, diseñaremos el conjunto, daremos forma a la luz y crearemos un espacio donde el movimiento y la imaginación puedan cobrar vida. Te veré en la siguiente clase. 5. Diseño ambiental: La mayoría de la gente piensa que las grandes fotografías requieren excelentes ubicaciones. La fotografía de finanzas enseña algo diferente. No esperas por el espacio perfecto. Construyes uno. Hoy estamos convirtiendo un espacio vacío en un ambiente emocional diseñado específicamente para nuestra idea. Cuando los pintores trabajan, nada aparece accidental en la lona. Cada color existe para el equilibrio. Cada forma guía el ojo. Tu set funciona de la misma manera. No estamos decorando. Estamos componiendo espacio. Ahora pregúntate constantemente, ¿qué añade esto a la sensación? Si no agrega nada, quítelo. Demasiado detalle mata el movimiento. Los fondos simples permiten que los senderos de luz respiren. Estamos diseñando no solo lo que la cámara ve en un momento, sino para lo que graba a través del tiempo. Pero recuerda este importante papel, no hay reglas. Toma, por ejemplo, esta foto que tomé de Bentley. Es un fondo caótico con un auto de acero. Y lo usé a mi favor y usé movimiento para mostrar el caos donde la quietud está en su neblina Consíguelo ya. Básicamente estás decidiendo cómo se moverá tu pincel antes de que comience la pintura. Toma, por ejemplo, esta foto que tomé mientras acampaba en Nigeria. Jugaba alrededor de mi luz por la noche y solo pintaba con ella. Fue divertido. Ahora, aquí hay cosas que ayudan a esta sesión. Quieres darle a tu sujeto zonas de movimiento, marcar su posición sotadamente porque la seguridad y la comodidad aumentan el rendimiento Tu sujeto necesita libertad pero también dirección. Me gusta crear límites invencibles, áreas donde el movimiento se ve Ahora, abrazar imperfecciones mientras se crea significa que un ligero caos crea autenticidad sobre Los sets finales deben sentirse intencionales pero una vida. Si todo se siente demasiado controlado, la imagen pierde energía. A veces una arruga, una sombra o un reflejo inesperado se convierte en el elemento que hace real el marco. Deja espacio para el descubrimiento. Nunca se sabe lo que podría encontrar. Ahora, el mundo está listo. Se colocan luces. El espacio tiene intención. En la siguiente clase, todo se junta. Esto es un tiroteo. Te veré en la siguiente clase. 6. Día de sesión: Hola ahí. Este es el momento en el que todo cambia. Las ideas dejan de ser teoría, la planeación deja de ser preparación. Y hoy, dejamos de imaginar la imagen y empezamos a descubrirla. Bienvenido a Shoot ting. Antes de que comience el rodaje, quieres establecer la energía y la atmósfera. Lo que suelo hacer es elegir una canción que se relacione con mi sesión y permitir que el modelo se facilite en ella. Antes incluso de levantar la cámara, me concentro en la energía. La fotografía de bellas artes es emocional. Si el espacio se siente tenso, el movimiento se vuelve rígido. Si el ambiente se siente seguro y creativo, el tema comienza a explorar de forma natural. S. G ahora en el set, se quiere dar dirección emocional, no instrucciones mecánicas. Dar palabras como fluir, resistir o liberar. Rara vez digo que mueva el brazo aquí o haga esto o haga eso. En cambio, describo sentimientos. Entonces digo muévete como si estuvieras empujando a través del agua o muévete despacio como el tiempo es pesado y deja que, como, la luz te siga. Cuando el sujeto entiende emoción, el movimiento se vuelve natural. Entonces estás tratando de no forzarlo y dirigir demasiado quieres que ellos lo obtengan de forma natural. Ahora, tenga en cuenta esto. Necesitas revisar tus marcos con frecuencia, ajustar tus movimientos de luz y cambiar las cosas de vez en cuando. Además, cambia tu velocidad de obturación de vez en cuando y prueba otros ajustes. Los artistas sienten cuando aparece la imagen. Mi consejo para ti es dejar de perseguir una vez que lo tengas. Quieres calidad sobre cantidad. Entonces, una vez que consigas esa, eso es todo. Por lo general, hay un momento durante una sesión donde algo hace clic. El movimiento se alinea, la luz se comporta de manera diferente. La emoción se siente real. Lo sientes instantáneamente. Y cuando eso suceda, quieres ir más despacio. Refina en lugar de precipitarse hacia adelante. Ahí suele ser donde vive la imagen final. Hoy hemos creado cientos de momentos, pero la fotografía no termina cuando termina el rodaje. Ahora viene el escenario donde la imagen se convierte verdaderamente en arte. En la siguiente clase, entramos en edición, donde damos forma a nuestra atmósfera, refinamos el movimiento y transformamos imágenes en bruto en la expresión final. Te veré en la siguiente clase. 7.  Edición: Hola ahí. Bienvenidos a la clase que habla de edición. Hoy vamos a estar editando en Adobe ltrm el cual se puede usar en tu PC y en tu teléfono Utilizo este software para editar todas mis imágenes, y me encanta lo simple que es de usar y las herramientas que ofrece a la hora de crear. Vamos a conseguir. En primer lugar, importo todas mis imágenes a tron y paso por la siguiente fase, que es seleccionar cuáles funcionan para nuestro proyecto. Lo hermoso de este software es que puedes seleccionar con solo tocar siguiente y hacer clic en uno a cinco para protagonizar tus imágenes para saber cuál funciona mejor. Entonces solo uso del uno al cinco. Entonces, si no es de cinco estrellas, no me funciona. Sí. Entonces vamos a hacer eso ahora con el proceso de selección, y ya ves cómo selecciono y por qué selecciono algunas imágenes en particular. Entonces esto no estoy seleccionando porque no muestra nada particularmente para mí. Esto no muestra nada para mí. Esto no está tan bien. Esto es bueno, así que voy a poner cinco. Esto es increíble. Voy a poner cinco. No, no. Esta multa. Así que ahora vamos a editar los que me pica. Entonces, antes que nada, sólo voy a comprobar con todos mis presets para ver si tengo un estado de ánimo que me sienta bien Así que los presets básicamente me ayudan a editar más rápido, y me tomo mi tiempo para crear presets Algunos de los presets que he estado fueron creados sobre, como, hace nueve años, y solo sigo ajustándolo y trabajando en ello a lo largo de los años para que se ajuste a mi estilo a medida que He puesto algunos de estos presets disponibles en mis productos, y puedes comprarlos cuando vayas a mi enlace y compruebes mis productos Entonces voy a usar mi preset aquí, y se puede ver lo que hizo. Así que básicamente, esto es un aplastado negros, y, um, sí. Así que solo estoy tratando de hacer que esos sean el pop naranja un poco más, traer de vuelta el blues de fondo, y solo, como, agregar algunos contrastes, pero solo un poquito de bloques ahí Entonces lo siguiente que voy a hacer es, claro, como, simplemente vamos a aumentar la saturación lumina del blues Entonces aparece un poco más. Y luego aquí, sólo vamos a dejarme ver qué hace esto. Entonces sí, recuerda mi papel. Mi papel es aclarar las palabras. Funciona, y luego descubres más en tu estilo. Entonces me gusta esto, y creo que sólo voy a dejar eso ahí. A continuación quiero añadir un poco de verde porque eso es, como, eso es específico para mí y mi estilo. Entonces sólo voy a agregar algo de verde ahí. El siguiente es, sí, solo voy a darle un puñetazo a esto un poco, y hagamos un poco de hlation Entonces, si quieres hacer hation, ve a tus curvas de giro, ve a rojos y luego simplemente, como, arrastra esto hacia abajo. Como si estuvieras aplastando a los blancos. Y vemos lo que hace eso. Yo solo da, como un si salado. Bien. Entonces, lo siguiente que vamos a hacer es que solo voy a ir a mi calibración y reducir mis tonalidades de mis azules a aproximadamente -43, y luego la saturación también Entonces esto solo sí, lo uso para ajustar, como, mi tono de piel de vez en cuando en personas negras, como nuestra piel y todo, así que la hace estallar. Aunque en esta imagen no se muestra particularmente ningún color de piel , pero solo hace que el naranja destaque un poco más, como puedes ver aquí. Impresionante. Ahora, sólo voy a copiar estos stands, y a agregarle calibración aquí. Copia estos cetanos y luego pegamos y nos divertimos con el resto Entonces todo mantiene la misma consistencia. Ahora, por aquí, podemos ver hay algunas luces detrás de su cabeza. Quiero jugar con eso. Yo solo voy a agregar una máscara detrás de su cabeza aquí y luces amplificadoras solo a este qv No quiero no querer cambiarme a rústico. Sólo así lo que en realidad es tanto como a nosotros nos gusta. Eso me gusta. Y luego sólo vamos a ajustar la exposición otra vez. Y juguemos con los ve. Bien, esto es hielo mira lo que hace eso. Bien. Impresionante. Entonces me gusta lo que está haciendo esto. Entonces esta imagen. Bonito. Ahora queremos jugar un poco. Pres arriba los empujones sólo un poquito. Sí, creo que esto es bueno. Éste. Entonces solo va a pegar nuestro aguijón ya se puede ver lo que se hace. Puedes retocar y ver cómo se ve cuando es completamente azul o cuando algo diferente Como lo que hace la bota la imagen de hoy y nos da una terapia de sensaciones diferente, así que la voy a usar para quitar esto tan rápido. Acabo de recibir algo de phi. Sí. Estoy tratando de darle, como, para mantener la composición. Lo siguiente que quiero hacer es tal vez disminuir. Sabes, yo disminuiría, en realidad, nuestros aspectos más destacados porque entonces se deshace de cualquier otra distracción A mí me gusta esto, tal vez. Sí, aumentamos nuestros blancos hace que el solo espere un poco así. Esto está bien. Sí, esto me gusta mucho. Siguiente que quiero hacer es jugar bajo el tinte. Entonces puedes ver que ya estamos obteniendo algunos estados de ánimo realmente geniales de ello. Aunque me gusta así solo me voy a jubilar solo voy a retirarme de nuevo a esto porque me gusta esto. Voy a recubrir afilar ahora solo ajusta algunas cosas solo para probar lo que estamos haciendo y lo que nos gusta aún más y solo me gustan las sombras, consigue algunos buenos ss. Sí, me gusta así. Simplemente jugamos unos pedacitos y vemos lo que nos gusta así. El siguiente es el verde. Creo que para esto, todavía vamos a agregar algo de verde, reducir la rugosidad sólo un poquito Um, estamos bien para irnos. Esta es esta imagen. A mí me encanta esa imagen. Este ahora, este tiene un tono más cálido, razón por la cual cuando lo hacemos rojo, estas cosas siguen apareciendo. Entonces queremos deshacernos de eso. Nosotros solo lo hacemos ama de casa. Esto nos gusta. Esto es bueno. Entonces se nota algo de tono de piel. Y luego solo aumentamos nuestros reflejos y damos algunas sombras. Sólo debería haberlo hecho. Sí, debería haberlo hecho, no hay corrección. Um. Aquí está la saturación. Ahí está la saturación. Ahí está la cera. Crea el contraste. Exposición. ¡Oh! A mí me encanta esto. Entonces aquí es donde también martillo diciendo esto nuevamente sobre experimentación porque ahora solo experimenté y descubrí que la exposición al ser oscura funciona perfectamente bien, esta imagen, hermosa Entonces solo vamos a recortar que se deshagan de los detalles extra y se centren en lo que tenemos aquí. Esto es increíble. Lo que quiero hacer ahora es simplemente mejorar lo que hemos hecho, voy a recoger mi pincel y simplemente cepillar por aquí. El punto culminante del fragmento de tiempo. Yo sólo voy a aumentar en s. así que este es el último tipo. A mí me encanta tanto esta imagen. Um, sol tratando de ver qué funciona. Esto es agradable, o esto también es muy agradable. Solo aclaremos. A ver lo que me sale. Bastante gracioso, hecho me gusta mucho este verde porque nunca antes había jugado con el verde en mis imágenes. Entonces quiero decir, es un poco conflictivo sobre qué hacer. Bien, entonces creo que voy a usar voy a usar verde. Sí. Voy a usar verde. Bonito. Bonito. Sobre nuestras sombras. Baje el blanco porque están haciendo estallar los reflejos y luego reducir los bloques. A continuación, quiero jugar con esto, sólo para ver qué nos da. A mí me gusta esto. Juega con esto también. No me gusta. Sólo voy a regresar. Este me encanta ya lo está haciendo. Así que sólo voy a dejarlo ahí arriba. Bonito. Este este grano un poco verde. Sí. Ahí vamos. Bueno, par en el platillo para ver cualquier cosa. Esto es lindo. A mí me encanta esta imagen. Hermoso. Perfecto. Entonces, ahí vamos. Tenemos todas nuestras imágenes aquí y cómo las hemos editado para que se vean como arte y cosas que realmente podemos colgar en una pared. Así que me encantan tanto estas imágenes. Y como pueden ver, acabo de hacer uno mi fondo, mi fondo de pantalla. Y se ve increíble. No puedo esperar para probar el resto y ver cómo se ven también. Sí, así que ahí tienes. Tienes estas imágenes. Como puedes verlos luciendo hermosos, luciendo artísticos. Así es como lo haces. Así es como consigues que imágenes como esta estén ahí afuera, también. Y así es como creas un portafolio en fotografía de bellas artes a la hora de mover y difuminar tus imágenes Espero que hayas tenido un tiempo realmente encantador editando conmigo, y no puedo esperar a verte probar estas ediciones por tu cuenta Te animo a que publiques tus ediciones en la pestaña del proyecto. Me encantaría ver lo que haces, y también me encantaría darte comentarios positivos sobre lo que estás haciendo y saber hasta dónde has llegado cuando se trata de crear con movimiento. Entonces tu tarea es crear una idea, disparar con movimiento, divertirte con ella también y publicarla como un proyecto. Me encantaría ver lo que creas. Te veré en la siguiente clase. 8. Conclusión: En este punto, sabes cómo crear la imagen, pero crear arte y entender el arte son dos fines diferentes. Porque la verdadera pregunta ya no es , ¿cómo hice esto? Se vuelve, ¿qué dice esto de mí? Quiero que te alejas un paso del pensamiento técnico y veas tu imagen como un mundo extraño. La primera reacción emocional es la que más importa. Cuando mires tus fotos terminadas, trata de olvidar lo difícil que fue crear. El espectador no conoce tu configuración, y no sabe cuántos intentos te llevó. Sólo sienten lo que la imagen les da en los primeros segundos. Las imágenes se sienten más como arte cuando hay un patrón consistente, que es principalmente el resultado de elecciones intencionales que trabajan juntas. También es necesario hacer espacio para la interpretación. Una cosa clave a tener en cuenta al descubrir tu voz es dejar de perseguir amigos. Tu voz artística no es algo que inventes de la noche Aparece muy lentamente. Mira hacia atrás en tu trabajo y observa tus patrones. ¿Te inclinas hacia la suavidad, el caos, el minimalismo, el movimiento, podría ser cualquier cosa Y esas elecciones repetidas no son accidentes. Son pistas. Tu voz ya existe. Tu trabajo es solo notarlo y confiar en él. Ahora, cuando presentas tu trabajo como fotógrafo de bellas artes, necesitas saber que las series importan más que las imágenes individuales, y aquí te explicamos por qué. La razón es que construye, como, colores y estado de ánimo consistentes, que se pueden asociar fácilmente al arte, la razón y los morados. fotografía de bellas artes se vuelve más fuerte cuando las imágenes conviven juntas. Tomemos, por ejemplo, esta selección de cuadrículas de mi página. Hay morados en la gradación, lo que permite a los espectadores relacionarse con ella. Se nota y es evidente a través de cómo se sienten los espectadores cuando los ven a todos juntos. Una colección cuenta una historia más profunda que una sola foto. Ya no solo estás creando fotos , estás creando experiencias. Así que asegúrate de tenerlo siempre en mente. Cuando iniciamos este curso, hablamos de convertir el movimiento en emoción. Aprendiste a construir ideas, dar forma a la luz y pintar con Pero el verdadero objetivo no era la pintura en movimiento. Fue aprender a ver de otra manera. Ser bellas artes la fotografía no se trata de dominar una técnica Se trata de cómo interpretas el mundo. Y una vez que veas eso claramente, cada foto que crees a partir de ahora lleva un pedazo de ti. Si te encanta este curso, asegúrate de revisar mis otros cursos de fotografía. Gracias por crear conmigo.