Cómo hacer música en Logic Pro X: inicio rápido

1. Introducción: Bienvenidos a mi clase, haciendo música en Logic Pro ten, Quickstart. Mi nombre es David y soy productor musical y diseñador de sonido. Y durante la última década, he estado viviendo y trabajando en China. Llevo más de 25 años haciendo música como guitarrista. Y sigo pensando que nada es mejor que tocar frente a una audiencia en vivo. Pero en los últimos años, también he estado produciendo música para televisión y videojuegos como esta trampa que puedes escuchar ahora. Y algunos otros como estos. Lo bueno de esto es que casi cualquiera puede hacerlo y es realmente bastante fácil comenzar. Entonces hice esta clase para mostrarte cómo voy a ayudarte a empezar a hacer música en Logic Pro ten. Rápidamente. Veremos los fundamentos de la lógica. Cómo formar canchas, cómo hacer progresiones de acordes, melodías, líneas de base, drones. Cómo mezclar adecuadamente los diferentes elementos de tu alma, cómo usarla. Eso es plug-ins como reverberación, ecualizador y compresores. Y cómo dominar una canción para obtener un sonido profesional. Lo mejor es que puedes hacer todo esto sin tener ninguna experiencia con Logic Pro o cualquier otro software de producción musical. Y sin conocer ninguna teoría musical ni poder tocar ningún instrumento musical. Este curso es para cualquiera que quiera comenzar a hacer música en contenido lógico. Ya sea porque quieres comenzar una carrera como productor o quieres hacer beats, o quieres hacer música única para tus videos de TikTok y YouTube. O si solo estás buscando un nuevo pasatiempo creativo y gratificante, no necesitas comprar un costoso equipo extra o complementos de terceros o iluminación elegante ni nada por el estilo. Puedes hacer todo esto solo con tu computadora y una copia de Logic Pro Tem. Entonces, si estás listo para comenzar a hacer tu propia música de calidad profesional, te veré en mi clase. 2. Espacio de trabajo: Hola, gracias por unirte a mi curso. Realmente aprecio tenerte aquí. Ahora para las primeras lecciones solo nos vamos a centrar en los conceptos básicos de Logic Pro ten. Porque al principio puede resultar un poco abrumador, un poco intimidante. Entonces en esta lección vamos a estar echando un vistazo al propio espacio de trabajo. Vamos a ver cómo crear pistas. Entramos en audición algunos instrumentos diferentes. Entonces, cuando comienzas un nuevo proyecto en Logic Pro ten, esta es la primera opción que surge. Elija un tipo de pista. Ahora por defecto probablemente estará en audio, lo cual es muy, si estás usando un micrófono externo o estás enchufando un teclado, algo así. Vamos a estar usando los instrumentos que vienen con lógica. Así que adelante y haz clic en instrumentos de software en el lado izquierdo. No te preocupes por estos ajustes por ahora, puedes hacer clic en Crear y ya has hecho tu primera pista. Entonces aquí podemos ver el espacio de trabajo lógico. En el lado derecho, tienes tu lista de pistas aquí. Aquí es donde aparecen tus diferentes instrumentos, tus pistas o tus pistas. Por aquí. Esta es una línea de tiempo. Aquí es donde aparecerán las notas que grabes. En el lado izquierdo. Esta es la biblioteca. Aquí es donde vas a seleccionar una audición de diferentes instrumentos. Y esta sección media es el inspector, que veremos un poco más adelante. Aquí es donde elegirás cosas como plug-ins de efectos para cambiar los sonidos de las cosas más adelante. Ahora estas dos regiones, puedes encenderlas y apagarlas para más espacio. Esta cerrará la biblioteca, ésta cerrará el inspector. Este tercer botón es útil. Este es el botón de Ayuda Rápida. Si lo alternas a donde apuntes el cursor del mouse, este cuadro te va a dar alguna información. Entonces te va a decir lo que hacen los diferentes botones. Eso es muy útil cuando empiezas por primera vez. Entonces tienes tu primera pista y tienes tus primeros instrumentos. Vas a querer escuchar cómo suena para que puedas audicionarlo. Ahora bien, si tienes un teclado midi presionando las teclas te permitirá escucharlo. Pero si no tienes un teclado midi, no te preocupes, puedes presionar Comando más k y sacará a colación lo que se llama Mecanografía Musical. Ahora bien, esto es como una pequeña y diminuta pieza de teclado. Y se puede ver que las teclas aquí, tienen las letras del teclado de su computadora. Entonces, si presiono alguna otra tecla de computadora, se puede escuchar tocar las notas. Y si quieres bajar una octava, puedes usar la tecla Z. Y x se desplazará hacia arriba. La tecla tab va a actuar como el pedal sustain de un piano. Entonces si toco un acorde que se sostiene, pero a lo mejor no es un piano lo que estamos buscando. Podemos ir a la biblioteca, podemos empezar a mirar algunos otros instrumentos. Digamos una base. A lo mejor quiero escribir estudio base ha pasado. Escucha, un poco tono demasiado alto ha vuelto a bajar. O un bajo de Liverpool va a Paul McCartney tipo vibra pasando. Pero probablemente quieras más de un instrumento y tener más de un instrumento, entonces vas a necesitar otra pista. Para crear una nueva pista. Puedes presionar este botón Plus. Aquí. Verás que tenemos la opción de nuevo desde el principio que elegir un tipo de pista. Voy a volver a crear nuevos instrumentos de software. Y va a sacar a colación el parche por defecto, que es este clásico piano eléctrico. Y puedo cambiar entre los diferentes instrumentos, diferentes pistas con solo hacer clic. Pero hay otro instrumento realmente útil que es algo así, está un poco escondido en la lógica y no sé por qué. Se llama el sintetizador de alquimia. Entonces voy a mostrarte una manera diferente de elegir un instrumento y mostrarte el sintetizador de alquimia. Entonces voy a seguir adelante y cerrar la biblioteca. Y voy a crear una nueva pista. Esta vez, en lugar del parche predeterminado, voy a hacer clic en canal vacío y crea. Ahora tenemos una pista vacía, una vacía. No se oye nada cuando presiono las teclas. Y en vez de usar la biblioteca, voy a bajar al inspector y voy a dar click en instrumentos. Y sacará a colación este menú aquí. Ahora bien, si tienes algunos instrumentos de terceros, si empiezas a comprar algunas bibliotecas con diferentes instrumentos muestreados, aparecerán aquí abajo en la parte inferior. Es algo oculto, difícil encontrarlo primero. Sólo vamos a estar enfocándonos en los que vienen con lógica. Entonces en la parte superior aquí verás alchemy click en estéreo. Y aquí está el sintetizador de alquimia. Ahora bien, este es un pequeño sentido realmente poderoso que viene con Logic Pro Tem. Y tiene un montón de diferentes presets. Puedes ver por aquí 3,299, así que suceden muchos sonidos diferentes y eliges entre ellos con este menú en el lado derecho. Entonces, si solo selecciono el primero dentro del instrumento, hay diferentes presets que han marcado. Entonces si hago clic en uno de estos botones de aquí abajo, vamos por tartamudeo, melodía vocal. Entonces ya marcaron en estos diferentes presets para ti, pero aún puedes jugar. Puede meterse con estos ajustes. No se puede romper. Tiene un experimento, mira qué sonidos podrías encontrar. Es un filtro a través de otros instrumentos. Cuentan con estas diferentes secciones de categoría. Entonces, si estaba buscando un pad, voy a hacer clic en pads. Puedo filtrar por subcategoría o género. Vamos por una, una almohadilla ambiental. Algo complejo por encima de las nubes que así no deberían. Y nuevamente, tiene diferentes variaciones sobre él. Vamos a probar esta rica pista. Entonces toda una serie de sonidos diferentes que puedes encontrar dentro de la alquimia. Y digamos que encuentras uno que te guste, pero no es adecuado para la canción en particular en la que estás trabajando. Lo que puedes hacer es asignarle una calificación. Ahora, esto significa que más adelante podrás volver y puedes filtrar a través de los diferentes sonidos que ya has escuchado. Los que te gustaron o que no te gustaron, y podrás encontrarlos rápidamente de nuevo. O puede usar esta función de búsqueda si está buscando un sonido en particular. Entonces ahora deberías sentirte un poco más seguro en el espacio de trabajo de Logic Pro ten. Y sabes cómo crear pistas, y sabes cómo audicionar instrumentos. Entonces, las tres principales tomas de esta lección. Ahora más familiarizado con el espacio de trabajo de Logic Pro Tem, echa un vistazo a tu alrededor. Hay todo tipo de otras características y funciones de las que no hablamos. Quizá te resulten útiles algunos de ellos. Prueba a usar el botón Ayuda rápida para que puedas conocer más sobre las diferentes funciones de Logic Pro. E intenta crear algunas pistas, agrega algunas trachs adicionales a tu proyecto, o agrega algunos instrumentos diferentes. Intenta encontrar algunos sonidos que te gusten usar para hacer una canción. En la siguiente lección, vamos a estar echando un vistazo a cómo puedes establecer el tempo, cómo puedes configurar la contabilidad y cómo puedes comenzar a grabar instrumentos en Logic Pro ten. Te veré ahí. 3. Grabación: Entonces, en nuestra última lección, miraste audicionar diferentes instrumentos y crear pistas. Así que a estas alturas probablemente estés listo para comenzar a grabar algo de música en lógica. Entonces en esta lección, vamos a echar un vistazo a las firmas de tiempo, estableciendo el tempo usando el metrónomo y vamos a empezar a grabar en tus proyectos. También echaremos un vistazo a los ciclos, para que puedas empezar a poner bucles en marcha con tu música para que te sea más fácil construir diferentes capas de instrumentos. Para grabar en lógica, todo lo que necesitas hacer es presionar este botón rojo de grabación en la parte superior, o presionar la tecla R en teclado de tu computadora y comenzará a grabar. Se puede ver que las toneladas de cabezas de reproducción leídas empiezan a fregar a lo largo de la derecha. Y para detener la grabación, solo tienes que pulsar la barra espaciadora o el botón de parada para reproducirla. Tú barra espaciadora otra vez. Ahora cuando estés escribiendo una canción, vas a querer decidir sobre el tempo. Eso es lo rápido o lo lento que es. Y puedes cambiar el tempo con este valor aquí si haces clic y arrastras hacia arriba, para que puedas aumentarlo, hacer clic y arrastrar hacia abajo. Se puede disminuir. Aquí el tempo, hay que encender el metrónomo, y eso se hace con el botón del metrónomo aquí. Entonces ahora si presiono Play, podrás escuchar este tempo. Y puedo aumentarlo o disminuirlo. Si haces doble clic aquí, puedes establecer un valor específico. Ahora por defecto, el proyecto va a ser en 44 tiempo. La mayor parte de la música en estos días está en 44. Pero si quisieras hacer algo diferente, como un vals en 34, puedes cambiar el compás haciendo clic en el panel aquí. Y luego puedes desplazarte hacia arriba aquí hay algunas firmas de tiempo estándar, o podrías ingresar una personalizada si te sientes un poco diferente. Ahora porque no es fácil presionar el botón Grabar y luego tener instantáneamente las manos en el lugar correcto para dejar de jugar. Ahí está lo que se llama la función de conteo. Entonces, si resaltas este botón aquí, ahora cuando presionas Grabar, escucharás 1 barra del tempo antes de que comience a grabar. Y eso te da tiempo para poner tus manos en su lugar para prepararte y también para tener una idea del tempo, como alguien contando para comenzar una canción. Si le pego a grabar ahora, por defecto, te dará un conteo de una barra en. Pero si quisieras más tiempo, podrías hacer clic derecho y podrías elegir tener más contabilidad pasada. Ahora bien, si como yo, no tienes mucha confianza en el teclista. Un truco realmente útil es si estableces este tempo a algo más lento. Entonces, si bajé eso a 100, entonces grabas es un tempo lento. Y luego después de que hayas grabado, puedes volver a aumentar el tempo. Eso significa que no tienes que tocar el teclado tan rápido como quieras En tu acabado. Entonces probemos eso ahora. Intentemos grabar algo que sea un tempo más lento y luego acelerarlo después. Entonces voy a golpear record. Me detengo. Bien, entonces si escuchamos eso atrás este tempo, 120. Y eso fue mucho más fácil tocar porque solo se estaba reproduciendo en la grabación a 100 bpm en lugar de 120. Entonces ahora que tenemos algo de música grabada, lo que podemos hacer es que podemos ciclarla, podemos darle un bucle una y otra vez. Y para ello, podemos usar este botón de ciclo, o podemos dar click en esta región, o bien puedes usar el botón C en tu teclado. Entonces lo que puedes ver es que esta zona está iluminada. Y eso quiere decir que esta parte va a ciclar una y otra vez. Y podemos mover esto o podemos estirar la región. Voy a hacer 8 bar. Ahora cuando presionamos Reproducir, solo va a reproducirse repetidamente a través de este 8 bar. Podríamos agregar otros instrumentos en la parte superior. Entonces voy a agregar el mismo sentido, pero tal vez con un preset diferente. A lo mejor este brillo. Y eso es un disco. Sólo tienes que pulsar el botón de grabación. Ahora notarás que no es del todo a tiempo. No tenía puesto el metrónomo. No presioné la tecla en el momento adecuado. Para que podamos corregir eso. No hace falta que vayamos a grabarlo de nuevo. Podemos corregirlo usando el editor. Puedes acceder a eso ya sea haciendo doble clic en este clip o haciendo clic en este pequeño botón aquí. Entonces ahora podemos ver las notas que toqué. Y se puede ver la línea de tiempo. Se pueden ver las barras en la parte superior. Si quisiera cambiar esto, literalmente puedo moverlos a la posición correcta. Si hubiera golpeado las notas equivocadas. Se está moviendo de nuevo al lugar correcto. Algo más que puedes hacer si quieres hacerlo a tiempo, es si resaltas estas notas. Puedes usar el botón de cuantificación aquí. Ahora lo que eso va a hacer es que va a bloquear esa nota en los ritmos más cercanos o fragmentos de un latido. Entonces en este caso es una decimosexta nota. Entonces si le pego a Q ahora, se puede ver que están todos codazados un poquito para que en el compás. Ahora ten cuidado con la cuantificación porque si lo haces demasiado, si todo está a la perfección en los beats, realmente no suena natural. No suena como un verdadero humano. Por lo que es útil para acercar las cosas al ritmo. Y para ello, se puede reducir la fuerza de la cuantificación. De esa manera al 100% arregló el tiempo de tus notas, pero las arreglará. Digamos que si vamos alrededor 50 por ciento y entonces va a ser más preciso, pero no va a ser demasiado robótico. Entonces, volvamos a escuchar eso y ojalá esto sea más a tiempo ahora. Todavía no creo que esté del todo bien. Entonces lo que voy a hacer es darle un codazo a esto. Vamos a intentarlo de nuevo. Ahora otra función realmente útil de Logic Pro Tem que me gustaría compartir con ustedes es la función de grabación de captura. Ahora está un poco escondido en el menú. Pero si vas a la parte superior y haces clic derecho en esta barra de menú y eliges Personalizar. Aquí tienes grabación de captura. Y si revisas eso, notarás que tendrás un segundo botón de grabación junto al primero. Y lo que eso hace es, digamos que tocaste algo en el teclado, te gustó como sonaba, pero luego pensaste, me lo perdí. Yo no estaba grabando ese botón va a recordar las cosas que acabas de tocar. Entonces, si agrego otro instrumento para demostrarlo, solo vamos por un lead y un sintetizador de los 70. Y digamos que estoy jugando con las llaves. Y a lo mejor me gusta el sonido de eso. Pulso este botón y puedes ver las cosas que acabo de tocar. Déjame silenciar estos camiones. Esos estarán disponibles para entonces puedes editarlos, puedes moverlos, puedes dejarlos caer en tu sonido, característica realmente poderosa. Entonces ahora ya sabes cómo grabar en Logic Pro ten. Y estás más familiarizado con el metrónomo que establece el tempo usando las características de compás. Lo que te animo a que hagas es usar el disco Functions y Logic Pro pone un poco de práctica. Ajusta el metrónomo, establece la compás, usa el conteo si vas a estar tocando en vivo y acostúmbrate a usar la región del ciclo que puedas tener una pieza musical jugando en repetición en un bucle para que puedas comenzar a agregar capas adicionales. Entonces ahora estás más o menos listo para empezar a hacer tu propia canción. Pero podrías estar ahí sentado pensando, bueno, ese es el gran David, pero yo no soy músico. No tengo ninguna teoría musical. No sé cómo hacer esos tribunales. En la siguiente lección, voy a estar mostrándote una manera realmente sencilla de introducir acordes en la lógica que no necesitas ser, no necesitas ser un experto en música. No necesitas ser músico o tocar el teclado. ¿Algo más? 4. Acordes: En esta lección, te voy a mostrar una manera diferente de poner notas en la lógica sin tocar un teclado, ya sea físico o en tu computadora. Te voy a mostrar algo llamado códigos vertidos, que es una forma de que construyas acordes sin conocer ninguna teoría musical. Y luego te voy a mostrar cómo puedes hacer esos acordes suenen un poco más naturales, un poco más humanos, como si realmente hubieran sido interpretados por un músico. Así que vamos a sumergirnos directamente y comencemos a introducir algunas notas. Ya ves que tengo algo de violonchelo que se ha cargado de la biblioteca. Sólo voy a esconder la biblioteca y voy a esconder al inspector. Entonces tenemos un poco más de espacio. Y luego en la línea de tiempo, voy a hacer clic derecho y elegir crear una región midi. Y esto nos va a dar un espacio en blanco para empezar a introducir algunas notas de sólo un byte de longitud, así que voy a hacer clic y arrastrar eso hacia fuera. Entonces ahora tenemos 4 bar. Y luego voy a dar click en el editor para sacar a colación esta sección en la parte inferior llamada el piano roll. Voy a cambiar el tamaño de eso para que podamos ver qué está pasando. Que la izquierda. Se pueden ver las teclas del piano y la nota C se marca a cada octava. Si haces clic en estas notas, puedes oírlas tocar. Para agregar una nota a la línea de tiempo. Voy a presionar y mantener presionado Comando y luego dar clic. Entonces puedes ver que se ha creado una nota aquí. Sólo voy a acortar eso. Entonces notarás aquí que tenemos dos pequeños consejos de herramientas. Ahora, el del lado izquierdo está mostrando lo que va a hacer tu click izquierdo sobre el mouse. El del lado derecho está mostrando lo que va a suceder si mantienes la tecla Comando y luego haces clic. Entonces en este caso, estoy usando la herramienta lápiz que me va a llevar a dibujar las notas en. Aquí si agrego un par de notas más. Y justo a la izquierda de aquí, se puede ver la velocidad. La velocidad es lo duro o lo suave que suena la nota. Si hago clic en la primera nota, ¿puedo cambiar esto y aumentar la velocidad? Se pueden ver los cambios de color para mostrarnos que se ha convertido en una mayor velocidad va a jugar más duro. Éste, voy a reducir la velocidad. Ahora puedes escuchar la diferencia. Entonces intentemos agregar un acorde. Un acorde es solo un grupo de notas juntas. Vamos a comenzar con un acorde en Do mayor. Entonces nuestro nodo raíz va a ser C. Así que voy a seguir adelante y dar click aquí. Y ahora tenemos la C, esos son los nodos raíz. Ahora bien, si miras los códigos de cable que te he proporcionado, verás que un acorde mayor tiene el código 047. Entonces cero son nuestros nodos raíz C en este caso. Y ahora vamos a contar para las líneas arriba a partir de aquí. Entonces esto es cero, aquí está 123.4. Entonces voy a crear una nota aquí. Y luego voy a agregar uno a las siete. Entonces esto es 4567. Y aquí tenemos las notas, el acorde de Do mayor. Entonces hagamos ese código un poco más largo. Sólo voy a sacar estas notas. Ahora intentemos cambiar eso a un acorde menor. Y podemos ver por los códigos de código que un acorde menor es cero, tres séptimos. Así que podría simplemente cambiar esta nota aquí. Tenemos el cero. Esto es un 4.7 porque esto es importante. Cámbielo a menor cambiando esto a tres. Entonces ahora este será un acorde en Do menor. Entonces, usando esos códigos de código, puedes programar en casi cualquiera de los códigos que puedas necesitar para hacer una progresión de acordes en Logic Pro. Así que armemos una progresión de cuatro acordes realmente simple y común, que va en Do mayor, una menor, F mayor, G mayor. Lo primero que voy a hacer es cambiar este acorde en Do menor de nuevo a una mayor. Entonces en vez de 037, vamos a ir al 047. Así que solo voy a hacer clic y arrastrar esto ahora. Ahora necesitamos un, un acorde menor aquí. Entonces voy a mover el matorral aquí. Entonces para encontrar que unas notas para nuestra posición cero, voy a contar desde C. Así que solo contando las teclas blancas, tenemos C, D, E, F, G, a. Entonces sé que esto es a. Y me voy para agregar una nota que sea cero. Es menor de edad. Entonces 037, tenemos 01234567. Y puedo comprobar que eso es menor haciendo clic, arrastrando y resaltando, y luego mirando por aquí a la izquierda, me dirá qué es la cancha. Entonces ahora tengo C mayor, una menor. Voy a añadir un F-mayor. Vamos a desplazarnos para que podamos ver que la clave es más fácil. Entonces tenemos C, D, E, F. Así que aquí está el cero. 1234567. Y entonces g solo va a ser OneNote arriba a partir de ahí. Entonces si esta es F, la siguiente nota blanca es g01 234567. Podemos comprobar Eso es un G-Mayor. Ahora bien, si escuchamos esa secuencia, ahora ten en cuenta que los códigos de código te acabo de dar el acorde básico. Te están dando tres o cuatro notas. Ahora bien, en un acorde, como podría tocarlo un músico, podrían doblarse en algunas de esas notas. Entonces, por ejemplo esta primera C mayor, podríamos tener otra C aquí arriba en la parte superior. Entonces tendríamos cuatro notas en ella. Así que siéntete libre de agregar notas adicionales siempre que estén dentro del cordón o reposicionar estas notas. Entonces tal vez quieras mover esta nota hacia abajo de esta G. Podría estar aquí en su lugar. Y eso nos daría un sonido ligeramente diferente. Así que siéntete libre de tocar con los acordes esa manera para que obtengas diferentes voces. Ahora no hay nada malo con esta secuencia de código, pero no suena particularmente natural en este momento. Y eso es porque todas las notas de la misma longitud y todas las notas de la misma velocidad. Entonces voy a hacer un par de retoques. Lo primero que voy a hacer es que puedo ver que esta nota C se está repitiendo en el segundo y tercer compases. Entonces voy a borrar esos. Y entonces vamos a estirar este FirstNode. Dura más tiempo. Ahora lo siguiente que voy a hacer es seleccionar todas las notas o presionar Comando y a. y luego voy a entrar en funciones. Voy a ir a middy transformar y bajar a humanizar. Eso traerá este menú aquí arriba. Ahora bien, este menú va a aleatizar un par de características diferentes. Entonces, antes que nada, va a aleatizar la posición de cada nodo, va a aleatizar la velocidad de cada nota, lo difícil o lo suave que es. Y va a aleatorizar la longitud. Ahora lo he establecido, así que sólo los va a aleatizar por una pequeña cantidad. Puedes jugar con estos ajustes para hacerlo más o menos drástico. Pero tenemos todas las notas seleccionadas. Entonces, si hago clic en operar solo, notarás que todas las notas han cambiado su velocidad y han cambiado ligeramente su duración y posición. Entonces ahora cuando toquemos esta progresión, sonará más humana. Entonces ahora conoces otra forma de poner música en Logic Pro que no implica usar un instrumento musical. Y ya sabes manipular las notas en las que has tocado o en las que has programado. Ahora las cosas clave que puedes sacar de esta lección, cómo introducir notas en la lógica. Cómo usar códigos de acordes para convertir esas notas en acordes. Y luego cómo manipular esas notas y acordes para que suenen más naturales. En la siguiente lección, vamos a echar un vistazo a algunas progresiones de acordes comunes. Cómo puedes hacer que un acorde fluya hacia el siguiente, hacia el siguiente y hacer que suene como una buena pieza musical. 5. Progresiones de acordes: Entonces, la última vez que miramos los códigos de acordes, cómo puedes armar acordes con solo contar una secuencia de números. En esta lección, vamos a echar un vistazo a las progresiones de acordes. Vamos a dar un pequeño chapuzón en la teoría musical. No se preocupe, no se deje intimidar. Todo va a ser presentado de manera muy sencilla. Puedes usar el folletos que te proporcioné sobre las progresiones de acordes. Y vamos a echar un vistazo a cómo hacer algo realmente musical. Por lo que una pieza musical normalmente se tienen más de un acorde. Y los acordes se pueden agrupar en familias llamadas claves. Entonces en el ejemplo de nuestra última lección con los códigos de código, comenzamos con un acorde de Do mayor. Do mayor es el primer acorde en la clave de Do mayor. Y hay otros seis acordes en esa clave que podemos usar, y podemos juntarlos en diferentes órdenes para hacer una progresión. Ahora al final de esa lección, códigos sin comillas, en realidad hicimos una progresión. Teníamos un acorde en Do mayor seguido de un acorde menor, seguido de F-mayor, seguido de G-Mayor. Ahora otra forma de decir eso es que teníamos el acorde uno seguido del acorde seis, seguido del acorde de cuatro, seguido del acorde cinco. Ahora podrías usar esa misma progresión en una clave diferente. Y lo único que cambiaría serían los acordes que usaste. Esa misma progresión en la clave de D mayor. Nuestro primer código será d. Un segundo acorde sería si menor, o el tercer acorde sería sol mayor. Y nuestro cuarto acorde sería un mayor. Y tendría el mismo tipo de sonido, pero estaría en una clave diferente. Entonces, una cosa a tener en cuenta es que aunque estés en una clave mayor, una clave mayor todavía va a tener algunos acordes menores en ella. Y eso es cierto de las claves menores a las claves menores tendrán quadsim mayor. Y es la relación entre estos diferentes tipos de sonidos que le dan a cada clave un sabor particular. Ahora la otra cosa que podrías notar es que cuando llamamos al acorde uno, al acorde dos y así sucesivamente, estos se escribirán con un número romano. Entonces, si es un acorde mayor, va a ser un número romano en mayúscula. Y si es un acorde menor, va a ser minúscula. También está este peculiar al final del séptimo acorde aquí que es un disminuido. No hace falta que te preocupes por lo que significa disminuir. Se está adentrando más en la teoría musical. Pero solo, solo ten en cuenta que verás este pequeño círculo por encima del seis. Ahora otra cosa a tener en cuenta es que cada clave mayor está relacionada con una clave menor y viceversa. Entonces, si echamos un vistazo a esta clave importante aquí de C, y echamos un vistazo a estos acordes. Y ahora si echamos un vistazo a las claves menores, verás que la primera clave de esta lista es una menor. Ahora ese es el relativo menor de Do mayor. Y notarás que estos siete acordes son en realidad los mismos acordes. Tenemos una menor, B disminuida, C mayor, D menor. Volvamos a echar un vistazo a C. Tenemos los mismos acordes. Es solo que aparecen en un orden diferente. Ahora algo que habrás notado en estas tablas que he reunido es que algunos de los acordes están resaltados en este color púrpura meñique. Ahora, los cordones resaltados son solo los acordes principales de la llave. Entonces estos son los acordes más importantes. Ellos son aquellos en los que probablemente vas a querer comenzar o terminar. Ellos son los que más efecto tienen dentro de la clave. Entonces en la clave mayor, se puede ver que son los 14.5 acordes, claves menores. Son los tres, los seis y los siete acordes. También es bastante común que una clave, una progresión en una clave particular comience en el primer cuarto, termine en el primer acorde. Y hay varios efectos emocionales diferentes al pasar de un acorde de cuatro a un acorde de uno, o de un acorde de cinco a un acorde de uno, por ejemplo, ¿cómo se usan estas tablas? Bueno, lo primero que hay que hacer es decidir una llave mayor o menor. Entonces digamos que quiero una llave menor. Ahora voy a elegir mi acorde raíz, mi acorde único. Entonces solo por simplicidad, voy a decir un menor. Un menor es mi clave. Ahora, voy a echar un vistazo a las diferentes progresiones. Entonces, escojamos una progresión menor que comience en el acorde único. Y tenemos uno aquí abajo en la parte inferior. Tenemos, uh, 154.1. Entonces si lo llevo de vuelta a mi mesa, puedo decir que tengo un 1a5a4 y un uno. Entonces estaría diciendo un menor, mi menor , re menor, otro menor otra vez. Ahora bien, estos no lo son, todas las progresiones de acordes han costado, hay toneladas más. O hay que hacer es hacer una búsqueda de progresiones de acordes comunes. Y obtendrás toneladas de resultados con diferentes progresiones de acordes para canciones famosas. También hay un video bastante divertido un grupo llamado Axis of Awesome. Tienen un video en YouTube sobre una progresión de cuatro acordes o una canción de cuatro acordes. Y básicamente es una interpretación musical donde tocan todo tipo de canciones usando los mismos cuatro acordes, misma progresión de cuatro acordes porque estos son tan comunes en toda la música popular. Otra cosa que te puede resultar útil para hacer tus propias progresiones de acordes es esta tabla, la tabla de progresiones de ruta habituales. Ahora se trata de un análisis de la música y dónde van los acordes después de comenzar en un acorde específico. Entonces tenemos un código de inicio en esta primera columna. Por lo que hay siete acordes diferentes en una clave podría comenzar en. Y luego aquí están los diferentes tipos de probabilidades de qué acorde podría venir después analizando la mayor parte de la música. Entonces, cuando comienzas en el acorde uno, generalmente eso va a ir seguido por el acorde de cuatro o el acorde de cinco. Pero a veces va a ser seguido por el acorde de seis. Y muy raramente le seguirá el segundo o el tercer acorde. Entonces puedes usar esto para comenzar a construir tus propias progresiones de acordes en función de cómo, qué tan accesible, qué tan común quieres que suene tu progresión. ¿Quieres que suene muy amapola, algo que la gente pueda escuchar y que reconozca la progresión? O quieres hacer algo que sea un poco a la izquierda, un poco raro. Podrías usar esta tabla para ver qué acordes son los que más o menos probabilidades de seguir a un acorde en particular. Ahora sé que es mucha información para tomar, de una sola vez. Lo que me gustaría enfatizar es que no necesitas memorizar todas esas cosas. No hace falta que lo sepas todo. Simplemente está ahí como punto de referencia para ti cuando intentas armar algunas progresiones de acordes. Ahora, soy guitarrista así como productor musical. Mi teoría musical, como muchos guitarristas, es probablemente mis puntos más débiles. Y eso está bien. Porque mientras sepas armar algunas canchas que suenen bien juntas, puedes hacer algo musical. Entonces, ¿qué puedes hacer con esta información? Bueno, como dije, no necesitas memorizarlo todo. Solo prueba algunas otras progresiones. Ten una idea de los que más te gustan. Olvídate de los que no te gustan. Simplemente experimente armando diferentes series de acordes. Podrías intentar poner una progresión tras otra progresión para que puedas desarrollar algo que tenga un poco más de variedad. No quieres quedarte atrapado en un ciclo interminable de los mismos cuatro acordes. Y puedes experimentar con tus propias progresiones. Usa la tabla de progresiones de raíz como guía. Escoge un acorde, elige una clave y empieza a juntar algunos códigos en secuencia. Entonces, a continuación, vamos a echar un vistazo a las melodías. Y te voy a mostrar un par de pequeños hacks que puedes usar para que te sea más fácil escribir una melodía encima de la secuencia de acordes. 6. Melodías: Empecemos con un pequeño experimento. Quiero que pienses en una famosa pieza musical. Solo quiero que pienses en una famosa pieza musical y la tengas en mente por un momento. Ahora, voy a apostar que lo que estás pensando es la melodía de esa pieza musical, el gancho o la línea vocal principal o la línea principal del instrumento. Y eso es porque las melodías suelen ser la parte más importante de cualquier canción. En esta lección, te voy a mostrar una manera muy sencilla de hacer una melodía que vaya con tu progresión de acordes y asegurarme de que es en la misma clave que estás tocando las notas correctas. Estoy escribiendo pedacito de música para un juego de rol. Y armé una progresión de acordes. Es en si menor. Y armé una progresión que va 1765. Si pongo eso en un bucle, podemos tener una escucha. Para que veas ya lo humanizé. Dibujé, no toqué esto en. Dibujé esto con las notas. Y he cambiado la longitud de las notas, he cambiado la velocidad, abstracta algunas de ellas a través de los acordes. Suena más natural. Y también he elegido un instrumento para el, para la melodía. He elegido esto ya que suena así. Mucho eco ahí, mucho retraso, mucha reverberación porque quería algo que suene un poco misterioso. Ahora para la melodía, quiero que sea más larga de 4 bar. Voy a hacer una melodía de ocho barras. Entonces lo primero que voy a hacer es que voy a bucle de esta progresión de acordes para que toque dos veces. Entonces, si pongo el ratón aquí, puede ver cuando tenemos este pequeño icono de bucle, puedo hacer clic y arrastrar, eso está fuera. Ahí vamos. Tenemos un bucle completo. Tenemos dos bucles. La progresión dos veces 8 bar. Y lo siguiente que quiero hacer es empezar a intentar escribir una melodía. Pero no voy a tocar las llaves. No voy a tocar esta melodía. Voy a dibujar la melodía con la herramienta lápiz. Y mi teoría musical no es muy buena. Entonces eso puede ser un poco desafiante. Entonces voy a compartir contigo un hack que te ayudará a saber qué notas puedes usar y qué notas no puedes usar. Ahora lo primero que voy a hacer aquí es que voy a duplicar esta pista. Voy a duplicar esto ya que tengo que hacer eso, voy a presionar Comando D, o podría dar click en este botón duplicado. Y verás que he duplicado este sintetizador. Lo que voy a hacer es hacer clic derecho y voy a crear una región midi. Entonces ahora puedes ver que tengo 1 barra sin notas. Aquí dentro. Voy a seleccionar el rango de notas que voy a usar para mi melodía. Entonces digamos de, desde aproximadamente C3 hacia arriba, solo voy a silenciar esta pista también. Verás por qué en un minuto. Entonces voy a lápiz en unas notas. Voy a lápiz en todos los nodos del rango de notas que quiero tocar para mi melodía. Bien, si yo fuera a hacerlo. Ahora, ya ves la razón por la que silencié que son para que no tuvieras que escuchar todas esas notas. Entonces ahora voy a presionar Comando a para seleccionarlos a todos. Y tengo todos esos nodos resaltados. Ahora eso es inútil. Eso va a sonar horrible. Lo que voy a hacer es usar esta escala cuantizar porque conozco la clave, porque la elegí. Elegí una progresión en si menor. Entonces en esta escala cuantizar, voy a seleccionar B. Aquí abajo en la parte inferior. Voy a seleccionar menor natural. Y se puede ver lo que se hace es que ha cambiado las notas, así se ha deshecho de cualquier nota que no pertenezca a esa escala, en esa clave. Entonces ahora tengo las notas de la escala B natural menor, y están todas aquí. Pero eso no es de mucho uso porque eso solo va a ser cada nodo. Va a sonar horrible. Entonces lo que voy a hacer es que voy a arrastrar esta sección media hacia afuera. Voy a darle un bucle. Voy a darle un bucle para que tenga 8 bar de largo, para que tengamos cuatro bucles. Tenemos cinco e ignoramos al primero. Tenemos cuatro repeticiones. Vamos, tenemos ocho repeticiones. Ahora bien, esta pista de arriba con el violonchelo es, sólo voy a dar con eso. Entonces vamos a ignorar este primer bar. Vamos a empezar desde el segundo compás. Entonces ahora voy a seleccionar la pista en la que quiero que esté mi melodía. Y voy a hacer clic derecho para crear una región midi. Y voy a estirar eso para que tenga 8 bar de largo. Se percató del cursor aquí. Esto es para cambiar la longitud de la región midi. Si lo pones en la parte superior, eso es para hacer un bucle. Bien, entonces ahora estoy listo para empezar a escribir algunas notas ahí dentro. Pero quiero ver estas notas que hice a continuación. Lo que voy a hacer es que voy a mantener turno y hacer clic en esta región también. Ahora, si me desplazo hacia arriba, ya verás que puedo ver. Las notas fantasma de esa charla que creé antes de mostrarme todas las notas que están disponibles en esa escala. Entonces esto va a actuar como un guía. Si hago clic en estos, no pasa nada, simplemente aparecen en el fondo. Pero puedo agregar notas y encima, y puedo usarlo como guía de donde podría poner notas. Entonces ahora voy a usar esto como guía y voy a intentar escribir una melodía. Voy a acelerar esta sección porque normalmente pasarías un poco de tiempo poniendo notas, ajustando cuánto tiempo están cambiando las cosas. Entonces voy a acelerar esto para que no tengas que sentarte esperándome. Así que vamos a escuchar lo que tenemos. Bien, entonces esa es una estadísticas decentes. Y ahora puedo deshacerme de estas notas fantasma que estaban ahí en el fondo. Yo sólo voy a eliminar esa región, eliminar esa pista. Voy a destacar ambos y moverlos de nuevo al primer bar. Entonces verás que las notas fantasma son una forma muy útil de escribir rápidamente una melodía que está en la clave correcta, usando la escala correcta para ir con tu progresión de acordes, pero sin tener que hacerlo entender la teoría detrás de ella, muy, muy útil pequeño hack. Ahora en cuanto a escribir una melodía, un par de consejos serían, siempre es bueno tener grandes saltos en tu melodía. Así que he empezado con este gran salto de la primera nota a los segundos nodos. Y luego vuelve a bajar. Y eso es sólo formar el acorde b menor. Pero tener ese gran salto en la melodía siempre hace que las melodías sean más atractivas. Ahora otra característica común de las buenas melodías es tener un patrón de llamada y respuesta. Si escuchas esta melodía en aviso en realidad es lo mismo repetido dos veces. Entonces misma frase o idea repitió dos veces, pero las dos últimas notas, la segunda vez, un poco diferente. Entonces esto es frío, llamada y respuesta se llaman respuesta. También es una buena idea dejar algunos espacios en tu melodía. No quieres tener nota en cada latido. No quieres simplemente estar lanzando notas por todo el lugar. Deja espacios, deja huecos entre tus notas. Tener algunas otras notas más largas que otras, a veces tienen notas largas . Otras veces tienen notas que tocan muy cortas y rápidamente en este tipo de variedad a tus melodías, y las hará mucho más interesantes. Entonces puedes ver que usar notas fantasma es una forma realmente efectiva de hacer rápida y simplemente una melodía que coincida con tu progresión central. Ahora hay algunas cosas que puedo recomendar para escribir una melodía exitosa y memorable. Intente usar la estructura de llamada y respuesta. Entonces, si tienes 8 barras de melodía, tienes la misma melodía de cuatro barras repetir dos veces, pero la segunda vez, tal vez variar el final o variar el bit en el medio. Intenta que sea como una conversación entre dos personas. Por eso se llama llamada y respuesta. No olvides incluir saltos entre notas en tu melodía. Si estás usando la escala como base, la base de tu melodía, no quieres que suene como alguien que acaba de subir y bajar esa escala, será más musical, más melódica. Si tienes grandes saltos entre las notas que elijas. Recuerda dejar espacio entre las notas. No es necesario tener una nota en cada latido o cada medio latidos. Incluye espacio, tener unas notas que son más largas que las otras. Algunas notas que llegan más rápido, algunas notas que vienen más despacio en este tipo de variedad. Y ayudará a que tus melodías sean más interesantes y por lo tanto más memorables. Entonces ahora tienes una progresión de acordes y tienes una melodía que la acompaña. La siguiente pieza del rompecabezas que vamos a agregar es una línea de base, y lo haremos en la siguiente lección. Te veré ahí. 7. Líneas de bajo: Las líneas de base varían según el tipo de música que estés escribiendo. Algunos tipos de música tienen la línea base, casi como una melodía en sí misma. Y en esta lección, vas a liberar a los gatos. En esta lección, te voy a mostrar manera realmente rápida y efectiva de bajar la línea base siguiendo tus progresiones de acordes. Ben, se va a unir a nosotros. Una vez que tienes una progresión de acordes en su lugar, es muy sencillo agregar rápidamente una línea base simple. Es tu canción. Lo primero que vas a querer hacer es crear una nueva pista. Ya elegí la base que quería. Entonces es un sintetizador de alquimia y le di una calificación para poder encontrarlo fácilmente después. Si hago clic en este campo. Base pesada oscura. Aquí vamos. Pensé que este era un sonido bastante interesante. Entonces te voy a mostrar cómo suena. Muy oscuro, muy bajo. Ahora, todo lo que voy a hacer para hacer esta línea de base es que voy a dar click en la progresión de acordes. Voy a sostener la llave de opción. Voy a hacer click y arrastrar hacia abajo hasta mi pista de carreras. Ahora no quiero que la base esté tocando acordes. Entonces todas estas notas aquí, me voy a deshacer de ellas. Sólo voy a dejar los nodos raíz. Entonces, si destaco estos y borro estos dos últimos. Ahora bien, si escuchamos esas notas raíz con el resto de la canción, lo que notarás es que la tercera nota no es realmente, no es realmente morder. No estamos escuchando eso entrar. Y eso es porque en nuestra progresión de acordes la hemos hecho más natural superponiendo estas notas. Y eso funciona para el violonchelo, pero no está funcionando en la base. Entonces voy a destacar esos nodos. Sólo voy a reducirlo. Una vez le dio un poco de espacio al final. Ahora vamos a poder escucharlos con más claridad. Bien, Entonces como una línea de base realmente simple , está bien, pero intentemos hacerlo un poco más interesante. Entonces voy a seleccionar las segundas notas, y luego voy a mantener el turno y seleccionar las cuartas notas. Ahora, voy a ir al menú Editar aquí. Entonces este desplegable, voy a dar click en transponer. Voy a seleccionar más 12 semitonos, así que eso es una octava más alto. Eso significa que habrá las mismas notas es solo que habrá un tono más alto. Entonces ahora vamos a tener la base moviéndose entre estas notas muy bajas en una octava más alta. Y va a sonar un poco diferente, un poco más interesante, así. Entonces ahí lo tienes. Esa es una forma realmente rápida y efectiva de hacer una línea de base a partir de su progresión central. Así que recuerda, copia tu progresión de acordes y ponla en tu pista de instrumento bajo. Puedes eliminar las notas aparte de las notas raíz, mantener las notas raíz ahí, y esa será la base de tu línea base. Y luego agregar alguna variación a esas notas. Se pueden añadir notas entre ellas. Entonces tienes como una línea de bajo caminando, o simplemente podrías cambiar las notas hacia arriba o hacia abajo una octava, como hicimos en el ejemplo. Ahora nuestra canción realmente está empezando a tomar forma. Tienes una progresión de acordes, tienes que melodía, y tienes que basar. La siguiente parte que vamos a agregar es la batería. Te voy a mostrar una manera muy divertida de agregar batería a Logic Pro ten. Te veré en la siguiente lección. 8. Batería: Hay varias opciones para crear una pista de batería en Logic Pro ten. Pero en esta lección les voy a mostrar lo que creo que es la forma más divertida y también subestimada. Y eso es usar la función baterista. Ahora la razón por la que creo que es tan genial es porque simula cómo trabajarías realmente como productor musical en un estudio con un baterista de sesión. Y con eso quiero decir, no estarías ahí sentado diciéndole al baterista exactamente en qué tambor golpear exactamente en qué ritmo. Intenta decirle a cualquier baterista del mundo cómo golpear la batería. No van a estar muy contentos contigo. Entonces en lógica, lo que te da como opciones para platicar con el drama. Es como una conversación. Digamos, quiero que esta sección sea más compleja, o quiero que esta sección tenga un poco menos del hi-hat. Te da las opciones de manipular los tambores y hacerlos sonar como quieras sin tener que programar cada golpe de las drogas. Vamos a saltar y echar un vistazo para crear un drama. Todo lo que tengo que hacer es hacer una nueva pista, seleccionar baterista, golpear Crear, y luego la biblioteca, tengo un conjunto diferente de información. Tengo algunos géneros a la izquierda. la derecha de cada género, tengo algunas fotos policiales de diferentes bateristas, y si pongo el cursor sobre ellos, obtengo una descripción de su estilo. Así que aquí está Gavin, Indie rockero. Y abajo en la parte inferior tengo diferentes kits de batería entre los que podría elegir. Todos vienen con su propia batería predeterminada que coincide con su sonido. Entonces, si hago una vista previa de la brecha aquí, permítanme seleccionarlos. Y en el lado izquierdo y las ediciones, hay diferentes ritmos que, ese drama puede hacer. Entonces si quiero más control sobre eso, puedo usar esta cuadrícula x-y para moverme entre más fuerte y más suave. Y más complejo y más sencillo. Mira cómo eso cambia la forma de onda aquí arriba como yo, ya que ajusto la complejidad y lo fuerte que es. Podría cambiar esta batería mientras él toca. Así podría cambiarme a Manchester, llegar aquí. Puedo seleccionar los diferentes elementos que quiero que jueguen y cuánto quiero que los toque. Volvamos al kit de Brooklyn. En el lado derecho, tengo este estilo aquí. Esta es la cantidad de películas que va a tocar. Entonces, ¿cuántos pequeños rollos de tambor hacen así? Esto es decir es el columpio. Entonces qué jazzy como antes o después de las cuentas me ha llegado a mí. Y puedo seleccionar entre si van a ser notas 16 u octavos. Si hago clic en Detalles debajo hacia arriba, puedo entrar en detalles más finos sobre ese punto. Entonces, si quiero que toquen más notas fantasma o menos, quiero que se sienta más empujón o jala. Y yo puedo elegir cómo está usando los sombreros altos aquí. Bien, entonces una cosa que es bastante útil aquí es que podrías estar jugando y es posible que tengas el sonido o la sonoridad y suavidad y complejidad que te gusta. Pero entonces quieres cambiarte a otro baterista. Cuando cambias a otro baterista, va a restablecer estos ajustes, pero puedes cambiarlo por aquí y batir los presets. Si hago clic en esto, puedo decir mantener la configuración al cambiar dramas o mantener kits de batería al cambiar dramas. Por lo que podría destacar ambos. Ahora si cambio el drama, podría ir por un baterista completamente diferente. Vayamos por las muertes. Ahora sigue tocando el kit de Brooklyn y sigue jugando con esta instrucción que le di al drama anterior. Otra cosa genial que puedo hacer para cambiar el sonido es si voy a la biblioteca y hago clic en los kits o una batería seleccionada aquí en el Inspector. Puedo cambiar las partes del kit. Tengo una opción entre diferentes bombos o tal vez quiero afinar la trampa. Tengo todo este control sobre los kits. Sigamos con este baterista. Me voy a quedar con las muertes. Vamos a cambiar el kit. Voy a ir por un kit de trampa es más adecuado para él. Bien, vamos a previsualizar esto. Bien, Entonces eso es interesante, lo que voy a hacer a continuación es que voy a probarlo en el contexto de esta canción. Entonces voy a cerrar la biblioteca, darnos más espacio. Voy a deshacer solo esto. Voy a tener la batería entrando después de la introducción. Un poquito también. Bien, entonces ahora tengo algo que creo que está bien. Voy a agregar una segunda región. Esta región, fíjese que ésta es separada. Yo puedo, puedo cambiar el ritmo en eso. Así que podría hacer que esto se volviera un poco fuerte y tal vez un poco más complejo. Voy a aumentar los rellenos de manera bastante sustancial. Y se puede ver en la canción esta sección tranquila siguiente. Entonces voy a crear otra región. Voy a reducir esto. Éste. Quiero que sea mucho más sencillo y mucho más suave. Pero me gustaría que tuviera como un gran final. A lo mejor. Voy a poner los rellenos y luego voy a mantener pulsada Opción click y arrastrar esto hasta el final de ese. Ahora vamos a escuchar. De hecho creo que quiero cambiar esta sección por algo más sustancialmente diferente. Entonces voy a pedirle que compre otro tipo de ritmo. Veamos cómo suena éste. Sí. Entonces pueden ver que esta es una manera muy rápida comenzar a armar la batería. Y tienes mucho control sobre el sonido. Puedo decir ese control aún más porque este instrumento aquí verás que tiene un pequeño desplegable. Y esto es lo que se llama una pila de pistas. Entonces, en realidad, esta pista está hecha de muchas partes diferentes. Y cada una de estas partes, puedo editarlas. Puedo cambiar la ganancia, puedo cambiar el saldo. Y por aquí en el Inspector, podría agregar cualquier complemento. Quería cambiar el sonido de cada parte separada de ese instrumento. Entonces es una herramienta realmente poderosa para editar el sonido de tus tambores. Tampoco tenemos que detenernos ahí, porque si estamos contentos con este sonido de batería, lo que puedo hacer es convertirlo a Midea, y luego tengo el control sobre cada nota individual. Entonces para hacer eso, voy a crear otra pista. Y necesito ponerme instrumentos. Va a ser la misma , esta trampilla. Entonces vayamos a la batería de la biblioteca. Abajo a la parte inferior. Ahí vamos. Ahora voy a destacar este audio, y lo voy a arrastrar hacia abajo a la pista de abajo. Ahora verás que ha convertido todas esas notas en midi. Entonces tengo control sobre los sonidos individuales. Entonces, si quisiera que esto tuviera una velocidad más alta, podría simplemente subir esa velocidad. Entonces eso realmente me da máximo control sobre lo que comenzó como un drama de sesión en el que sentí que lo dejé caer y estaba haciendo lo suyo. En realidad, me ha proporcionado un marco para cambiar cada nota, cada sonido dentro de esa batería. Es una herramienta realmente poderosa. Una nota rápida, si estás usando un kit de batería tradicional, es que no viene con una pila de pistas la misma manera que lo hacen las cajas de ritmos. Entonces si miro aquí, no hay ningún desplegable que me permita ajustar las piezas separadas del kit. Puedo tener acceso a eso. Solo necesito ir al final de esta lista aquí. Y selecciono kits de productores. Y encontrarás todos los mismos kits de batería tradicionales, pero donde el plus al final. Y eso va a cargar los kits más extendidos. Y aquí pueden ver esto es una pila de pistas y tengo control sobre cada parte individual del kit. Entonces, si eres muy quisquilloso con tus tambores, realmente quieres un control total sobre todo. Esa es la manera de acceder a él. Así es como puedes usar la función drama para crear el pico de tu canción y luego manipularlo para que sea solo a tu gusto y como puedes convertirlo en midi para que tengas un control extrafino. Si hay algo que quieras cambiar o algo que quieras agregar. Así que cosas clave para quitarle a esto. Encuentra el baterista adecuado para tu canción. Hay diferentes dramas para diferentes géneros. Así que elige la que coincida con el tipo de música que estás haciendo. O si quieres hacer algo un poco inusual, elige uno de otro género, mezcla un poco las cosas. Recuerda crear regiones adicionales y variar los patrones de batería para que suene realista. Un verdadero baterista no toca el mismo ritmo, los mismos ritmos en todo momento a través de una canción. Aunque los cambios sean sutiles, agrega intereses. Hace que tu batería suene más real. Si buscas un control muy fino de tu batería, recuerda convertir tu pista de batería en midi. Una vez que hayas terminado de ajustarlo, entonces puedes usar los kits del productor para que tengas control ultra fino sobre cada elemento de los kits, cómo suena, cualquier efecto que quieras aplicarlo. Entonces ahora tienes todos los fundamentos de cómo hacer una canción. Se puede crear una progresión de acordes, melodías basales en la batería. Lo siguiente es que vamos a cubrir, se trata de cómo unir esos elementos, cómo puedes mezclarlos, usar Efectos, usar la automatización para que suene realmente profesional. Te veré en la siguiente lección. 9. Mezclas: Ahora que tienes un montón de instrumentos diferentes en tu canción, es momento de pensar en mezclar. Ahora bien, la mezcla puede parecer casi como si fuera una de las artes oscuras. Especialmente si has estado buscando consejos de producción musical en consejos de producción musical en Instagram o YouTube o en cualquier otro lugar. Pero lo que vamos a hacer es realmente echar un vistazo a lo esencial de la mezcla. Cómo puedes hacer que tu canción suene bien con los niveles correctos de forma rápida y sencilla. También vamos a echar un vistazo al panning. Entonces posicionando instrumentos dentro de la mezcla. Y te voy a mostrar algunos trucos con automatización para que realmente puedas ser creativo. Mezclar se trata de conseguir que los niveles de tus pistas o instrumentos sean correctos entre sí. Pero vas a necesitar algún tipo de punto de referencia para el nivel general de toda la mezcla. Ahora bien, si miras aquí abajo en el inspector, tienes que medidores de volumen y dos Thetas. Entonces el lado izquierdo, ya verás es el violonchelo es, el lado derecho es la salida estéreo. Ahora en las salidas estéreo, este va a ser el nivel de la mezcla general. Y quiero que sea entre menos tres y menos seis dB para los picos. Ahora, tener ese nivel va a hacer mi paso de masterización sea mucho más fácil. Me va a dar algo de espacio para la cabeza. Entonces lo primero que voy a hacer es ir a efectos de audio aquí. Voy a bajar a la medición. Y voy a poner el medidor de nivel en mi salida estéreo. Y esto me va a mostrar los picos de la general, la canción general. Así que mientras eso esté espiando entre menos seis y menos tres, entonces eso es bueno para cuando esté haciendo mi masterización. Con eso fuera del camino, podemos empezar a mezclar la canción. Lo primero que te recomiendo que hagas es decidir qué instrumentos o qué pista va a ser la parte principal de tu canción. Entonces, ¿qué parte lleva el contenido emocional o el significado? ¿En dónde quieres que se centre el oyente? Y debido a que esta pieza musical es una pista de fondo para un videojuego, voy a usar la progresión de acordes en esta canción, That's the yellows. He seleccionado violonchelo como mi contenido principal, mi principal contenido emocional para la canción y todas las demás pistas. Voy a construir alrededor de eso para que estén relativamente en el nivel correcto. Entonces voy a agregar un medidor de nivel a mi violonchelo también. Entonces eso está en el lado izquierdo del inspector. Voy a dar click debajo de este canal EQ. Y debido a que uso el medidor de nivel justo antes de que esté en mis recientes, voy a agregar un medidor de nivel aquí para mis compañeros. Ahora desde mis instrumentos principales, quiero que esto esté alcanzando un pico en algún lugar entre -18 dB menos tres dB, dependiendo del estilo de música que estés haciendo y cuál sea el instrumento. Entonces voy a tener una escucha a este violonchelo. El violonchelo está por su cuenta y ver dónde están en este medidor. puede ver que están alcanzando un pico en algún lugar alrededor menos nueve dB y eso está bien. Voy a poner las otras pistas para tratar de que coincidan con esto para que suenen bien con relación a los amarillos. Entonces vamos a escuchar. Cuando empiezan a entrar los otros instrumentos. Enseguida. Puedes aquí, ni siquiera necesitas mirar este medidor de nivel. Probablemente te diste cuenta de que está alcanzando un pico por encima de cero. Pero se oye que la base es demasiado ruidosa. Entonces voy a seleccionar la pista de bajo. Y voy a volver a escuchar. Y mientras escucho, voy a vigilar el medidor de volumen de aquí abajo. Y voy a ajustar este fader para ajustar el nivel de la base. Bien, creo que eso es mucho mejor porque ahora estoy sintiendo la base, la base está ahí. Me lo echaría de menos si ya no está. Pero no está tanto en tu cara. La base no es la parte principal de esta canción, así que solo necesito su presencia en la gama baja, pero no quiero abrumarme. Entonces voy a seguir adelante y comenzar ajustar los niveles de los otros instrumentos también, comenzando desde aquí con estas aplicaciones staccato. Entonces probablemente te hayas dado cuenta de que las operaciones eran un poco ruidosas y la línea principal, sentí que estaba un poco tranquila. Entonces los he ajustado consecuencia para que se sientan justo en la mezcla. Ahora bien, si volvemos por aquí y tenemos una escucha y un vistazo a nuestro medidor de nivel general para ver dónde está el pico. Entonces podemos ver que eso nos está dejando algo de margen para cuando estemos dominando más adelante. Creo que también quiero bajar un poco esos tambores. Voy a escuchar y ajustar la pista de batería. Así que fíjate que es una buena práctica estar escuchando toda la canción y también manteniendo los ojos puestos en el medidor de volumen al mismo tiempo. No solo trates de fijarlo solo por los ojos o los oídos, usa ambos sentidos. Y probablemente hayas visto tablas de referencia en línea diciéndote que tu bombo debe ser un cierto número de dB y el vocal debe ser otro número. Y tu lazo es esto y lo que sea. Ahora esos están bien como saltar de puntos, recuerda que diferentes géneros tendrán diferentes sonidos. Tu canción debería sonar como tu canción. Así que identifica el instrumento principal, la pista principal, establece el nivel entre menos tres y -18 db según lo que sientas que suena mejor. Y luego establecer las otras pistas para que coincidan con ella. De esta manera vas a hacer tu pieza musical única en los niveles adecuados. Una vez que tengas tus niveles aproximadamente donde quieres que estén, puedes empezar a jugar con la balanza o el paneo. Eso es lo lejos que suena a la izquierda o a la derecha un instrumento particular. Puedes controlarlo con este estilo aquí. Se puede mover hacia la izquierda y por encima a la derecha. Entonces, si toco esto desde el principio, puedo mover el violonchelo. Si haces clic con el botón derecho en este control, puedes cambiar el tipo de balance a pan estéreo, lo que te va a dar una sensación estéreo más amplia. La versión más divertida, creo que el escenario más divertido para la balanza es si seleccionas panel binomial. Y esto cambia el control a una pequeña pantalla de radar. Si haces doble clic en esto, te hará subir este control. Ahora bien, esto te permite elegir a qué distancia la dirección que va a sonar una pista y qué tan amplia es también. Entonces, si vuelvo a tocar y empiezo a manipular esto, puedes ver que te da una enorme cantidad de control de la direccionalidad, el ancho del sonido para cada pista. Entonces, ¿y si quieres cambiar el volumen a lo largo de la canción? Quieres que el nivel de tu reto suba y baje. O quieres que cambie la direccionalidad, el paneo de una de tus pistas. Puedes hacerlo usando la automatización. Y puedes acceder a la automatización pulsando la tecla a en el teclado de tu computadora. Y va a cambiar tu punto de vista a esto. En la vista de automatización, aquí hay un menú desplegable que le permite seleccionar el parámetro que desea cambiar a medida que se reproduce la canción. Entonces por ejemplo digamos que quiero que esta base cambie. Entonces están en esta sección de la canción donde solo están las apps, el bajo y la batería. Quiero que la base sea más fuerte. Doy click en esta área. Ahora tengo una línea que muestra mi nivel. Puedo hacer click para hacer puntos, pero puedo arrastrarlos hacia arriba y hacia abajo para cambiar el nivel. Ahora una mejor manera de hacer esto, para cambiar toda tu sección es mantener presionada la tecla de comando. Seleccione una región. Y ahora puedo hacer clic y arrastrar esto hacia arriba. Y ahora va a impulsar la base justo en esta sección, así. Y una cosa creativa muy divertida que puedes hacer es combinar la automatización con el binomio panning. Si elijo esta línea de plomo aquí. Y si cambio el patrón balanceado a binaural, hago doble clic sobre esto. Ahora en la automatización en lugar de volumen, voy a ir a principal y voy a elegir ángulo binaural. Ese es el ángulo del que viene el sonido. Lo que puedo hacer es crear puntos aquí para automatizar. Y entonces puedo moverlos y va a cambiar automáticamente el ángulo. El panel. Yo solo muevo esos por ejemplo y ahora vamos a escuchar esa sección. Así que puedes usar la automatización combinada con el paneo y el volumen para obtener algunos efectos geniales realmente creativos en ti mismo. Entonces esos son realmente los elementos centrales para obtener una buena mezcla. Y no puedo enfatizar lo suficiente, lo principal es identificar qué instrumentos o pista es el principal contenido emocional de tu canción, que es la parte en la que quieres estar a la vanguardia. Y luego construir el resto de la canción alrededor de esa pieza. Define los elementos principales de tu canción. Entonces, ¿qué instrumentos o qué pista lleva el principal contenido emocional? Enfócate primero en eso y luego establece los niveles de las otras pistas a su alrededor en consecuencia. Recuerda usar panning para que diferentes instrumentos puedan ocupar diferentes espacios en la mezcla estéreo. Y no olvides usar la automatización para que puedas cambiar los niveles a lo largo de la canción. O incluso se podría cambiar la posición de los diferentes instrumentos dentro la mezcla es muy raro en los círculos de producción musical escuchar hablar de la mezcla. Sin oír hablar de masterización, esas palabras parecen estar siempre juntas. Pero los diferentes pasos del proceso. En las próximas lecciones, vamos a echar un vistazo dominar cómo puedes dominar tus pistas de forma rápida y sencilla para que suenen profesionales. Y también vamos a echar un vistazo a algunos efectos que quizás quieras usar para realmente sobrecargar tus canciones. 10. Reverberación: Antes de pasar al paso de masterización, hay uno o dos plugins o efectos que creo que te serán útiles. Uno de esos es la reverberación. La reverberación está a tu alrededor todo el tiempo. Son los reflejos de los sonidos que se escuchan. Entonces, por ejemplo piensa en cómo suena la voz de una persona en una sala de reuniones en comparación con si estás en una iglesia o en una sala grande, La calidad del sonido es diferente y eso es por la reverberación. Ahora la reverberación le dice a tus oídos o a tu cerebro sobre el espacio. Eso es un sonido como en donde puedes usarlo en lógica para darle a un instrumento su propio espacio para que salga de una mezcla o para hacer algo creativo con él. Aquí puedes ver que tengo una pista de piano simple en un proyecto. Y lo primero que hay que notar está en el inspector aquí, están estos dos autobuses. Eso significa que esta pista está enviando lo que reproduce a dos pistas separadas que cada una tiene efectos en ellas. Si hago clic en este, verás que tiene un Space Designer, que es un tipo de reverberación. Y yo soy jefe por aquí que tiene un cromosoma que ya tiene una reverberación en él. Porque la mayoría de los instrumentos en Lógica tienen su propia reverberación. El sintetizador de alquimia también tiene su propia perilla de reverberación en la interfaz. Entonces lo primero que voy a hacer es que en realidad voy a apagar estos autobuses porque vamos a estar haciendo la reverberación nosotros mismos para que podamos explorar cómo funciona ChromaVerb. Entonces para agregar una reverberación, todo lo que necesito hacer es ir por debajo de estos complementos, hacer clic en el espacio del botón, bajar a reverberar. Voy a elegir ChromaVerb y estéreo. Y aquí está la configuración predeterminada de ChromaVerb. Si presiono Reproducir y activar y desactivar este efecto, escucharás lo que está haciendo. Y puedes acceder a diferentes presets en este menú superior. Este es un menú rápido aquí, pero no va a cambiar la curva de ecualización que veas. Es mejor acceder a ellos a través de este menú. De esa manera podrías ir, puedes decir que quiero sostener, quiero Piano Concert Hall. Y está cambiando este ecualizador así como representar el espacio que se supone que suena como. Entonces, si presiono Reproducir ahora lo oirás sonar como una sala de conciertos. Y aquí abajo hay una representación gráfica. Para que puedas ver cada uno de estos puntitos. Es como una reflexión desde este espacio. Y se puede ver la frecuencia, bueno está reflejando. Entonces, si quiero cortar el extremo inferior, solo puedo darle click. Puedes personalizar aún más los ajustes preestablecidos con los controles aquí abajo en la parte inferior. Entonces el ataque va a ser la rapidez con la que se acumule el volumen o la densidad. El tamaño representa las dimensiones del espacio que estás simulando. La densidad significa cuántos reflejos están regresando. La decadencia es la rapidez o lentitud con la que cae el sonido reflejado. La distancia es lo lejos de la fuente de sonido, en este caso el piano, se supone que están tus oídos. Y en el lado derecho, el seco y el mojado. Estos son los niveles de la señal seca y húmeda. Entonces la señal seca es sin reverberación y la señal húmeda es con la reverberación. Y puedes ajustar las proporciones de esas para obtener un efecto más sutil. Aquí abajo, el pre-delay, esto representa la cantidad de retraso entre el sonido original y las primeras reflexiones que regresan. Si haces clic en este pequeño botón de nota musical, lo que eso va a hacer es sincronizar el pre-delay con el tempo de tu pista. Entonces puedes elegir un valor de longitud de nota, duración en consecuencia. Y luego lo mismo aquí con la decadencia. Si hago clic en este botón, va a sincronizar la decadencia con la velocidad, con el tempo de mi alma. La función de congelación aquí abajo en la parte inferior es bastante interesante. Si pulsas el botón de congelación, lo que sea que se haya notado que se esté reproduciendo o el código que se esté reproduciendo en ese momento, simplemente seremos reflejados Entonces voy a demostrar es lo difícil de explicar. De esa manera puedes mantener ese sonido reverbera, crea un dron debajo de la música. Muy bueno para pistas ambientales. Cuando estés usando reverb para colocar una pista en la mezcla, ten en cuenta que cuanto más reverb tengas en una pista, más atrás en la mezcla va a sonar, va a sonar como si estuviera más lejos. Entonces los instrumentos que quieres que sean más directos como tus líneas principales, probablemente deberían tener una reverberación más sutil, mientras que tus pads y tu acompañamiento, tu sección de cuerdas. Si le agregas más reverberación a eso, puede hacer que suene como si estuviera más lejos en el fondo. Entonces esa es una buena regla general para posicionar los instrumentos en tu mezcla. Trae las cosas adelante teniendo solo una reverberación sutil, una reverberación de habitación muy leve. Y eres más tipo de colores épicos de fondo. Los tienes en el fondo dándoles más reverberación. Cuando solo estás tratando de agregar un poco de reverberación sutil para hacer que un instrumento sea una especie de pop out. Una cosa muy buena que hacer es previsualizar la reverberación y luego retroceder lentamente la señal húmeda hasta que solo puedas notar la reverberación que aquí, esta reverberación. Ahora es una reverberación muy, muy sutil. Va a ayudar a que su piano salga de la mezcla. Si lo apago para escuchar la ligera diferencia. Para que veas que ChromaVerb es algo realmente potente y versátil para usar en tus mezclas. Entonces aquí hay algunas cosas para recordar. Muchos o la mayoría de los instrumentos lógicos ya tienen algún tipo de reverberación aplicada a ellos, generalmente en un autobús y generalmente en forma de diseñador espacial. Es posible que desee ajustar esto antes de agregar otra reverberación o deshabilitarla por completo. reverberación se puede utilizar para ayudar a un instrumento salga de la mezcla. Si lo estás usando de esta manera, ve sutil con él. Menos es definitivamente más, en este caso, la reverberación en frecuencias más bajas puede hacer que tu mezcla sea fangosa. Eso significa que tu canción puede sonar poco clara, como si se estuviera ahogando en todas estas bajas frecuencias reverberantes. Usa el EQ en ChromaVerB para tratar de domar algunos de los bajos. Entonces ahora que conoces tu camino alrededor de ChromaVerb, te animo a ponerlo en una pista, inexplorado los presets, y luego retocar los parámetros a tu gusto. Solo recuerda que esas enormes reverberaciones de vacío espacial son las mejores dejadas para estilos musicales más ambientales. Te veré en la siguiente lección. 11. EQ: Dq, o igualación, es otra de esas cosas que tiende a intimidar a la gente. Pero en realidad no es tan complicado. Todo lo que es es aplicar ganancia a frecuencias particulares. Así que aumentando ciertas frecuencias o cortando ciertas frecuencias para dar forma al sonido general. Se puede aplicar a instrumentos o pistas individuales, o se puede aplicar en toda la mezcla. En esta lección, vamos a saltar directamente a EQ, y te voy a mostrar cómo puedes controlar los diferentes parámetros. Para agregar un EQ para atraer, que necesita hacer es pasar al inspector, a audio FX, bajar a EQ y Channel EQ estéreo. Y va a sacar a colación esta ventana de ecualización aquí. Esta ventana de ecualización le muestra una línea que representa las frecuencias del oído humano. Entonces todo el camino desde 20 hz hacia abajo en el sub bajo hasta 20,000 hz. Ahora, en la vida real, realidad no se pueden escuchar 20,000 hz. Y 20 hz es algo que es más probable que sientas que aquí. Pero todas estas frecuencias están representadas porque son importantes, aunque no las puedas escuchar, interactúan entre sí. Así que teniendo el control sobre ellos como algo útil, el ecualizador de canal se divide en diferentes bandas. Entonces tienes todos estos símbolos diferentes que representan las diferentes áreas, como la subbase, la base, los medios bajos, los medicamentos y luego tus frecuencias más altas. Puedes alternar el control de las diferentes bandas encendido o apagado haciendo clic en estos símbolos en la parte superior y cualquier cosa que toquemos en esta pista ahora lo podremos ver. Nosotros, tenemos que ver las frecuencias en este analizador. Por lo que se puede ver que incluso una sola nota está compuesta por una frecuencia. Es un montón de frecuencias diferentes actuando juntas. Y por eso es importante el EQ, porque los sonidos están compuestos por grupos de frecuencias o armónicos interactuando y como el fin de semana los controla, ya sea potenciándolos o cortándolos, va a dar forma al tono de un sonido. Entonces, para ajustar el ecualizador, cualquiera de estas bandas sobre las que pasas el cursor, se iluminará y podrás ver un rango de frecuencias que se verán afectadas si arrastras hacia arriba o hacia abajo. Entonces, si hago clic y arrastre éste hacia arriba, aquí, se puede ver que estoy potenciando estas frecuencias en algún lugar justo entre aproximadamente 1 khz y poco menos de 6 khz. Pero si quería que las prohibiciones han sido más estrechas. Podría poner dos dedos en el track pad y simplemente arrastrar hacia abajo y va a estrechar esa banda. Y si quiero que sea más ancho, uso dos dedos y arrastre hacia arriba. Como una buena regla general, cuando estás aumentando las frecuencias, aumentarías en un rango más amplio. Y cuando estás cortando frecuencias, como en los medios bajos aquí, es más probable que cortes una banda estrecha de frecuencias. Eso es lo que se llama un EQ quirúrgico. Y encontrarás que la gente suele hacer esto en los medios inferiores para reducir el mod N MIX. tener en cuenta que muchos instrumentos en Logic Pro ten ya cuentan con un EQ. Entonces, si selecciono estas cadenas modernas aquí, puedes ver una miniatura en el inspector. Y eso es mostrarte un aspecto rudo del ecualizador que ya se aplicó. Si cambio esto de cuerdas modernas a otro tipo de cuerdas. Vamos a las cuerdas romanas. Verás que el ecualizador cambia. Tiene un ecualizador diferente ya marcado. Y también puedes acceder a presets para diferentes instrumentos en el menú desplegable preestablecido para batería, teclados, guitarra, y también tienes herramientas de ecualización de masterización en la parte inferior. Uno que me parece bastante útil como guitarrista es en guitarra, tiene un ecualizador de guitarra de limpieza. Entonces, si estoy grabando mi guitarra en lógica, tiene este bit aquí, que está cortando las bajas frecuencias por debajo de alrededor de 60 hz. Entonces eso es deshacerse del zumbido de 60 ciclos que tienen las pastillas de guitarra. Entonces, aquí tienes un ejemplo de cómo podrías comenzar a ecualizar una canción completa. Entonces esta es una canción de una banda llamada The North dimension para la que estoy haciendo un poco de masterización. Realmente te recomiendo que vayas y los revises en Spotify o Apple donde sea que escuches. Esta pista se llama Bloom. Y si toco desde aquí, te darás una idea del tipo de sonido que el género tuvo pecado. Así que tiene este AT realmente genial simplemente va a agregar un ecualizador rápidamente con solo hacer clic en este estéreo de espacio en miniatura. Bien, entonces hay dos etapas por las que podrías pasar en una pista como esta. El primero es la ecualización correctiva. Así que quitando cualquiera de las frecuencias o los sonidos, o reduciendo los sonidos que no te gustan. Y entonces el siguiente paso será un ecualizador endulzante, lo que significa aumentar las frecuencias o las áreas en las que le guste el sonido apagado. Entonces en el caso de esta pista, siento que están pasando muchas cosas en los medios bajos y la base es muy tipo de bajo pesado y suena un poco embarrado. Pero me gustan mucho esas llaves y las campanadas y campanas de sintetizador fantasmales más en el extremo superior. Entonces aplicaría ecualización correctiva, tratando de cortar algunas muescas en el medio cerca de la base. Y entonces, en términos generales, impulsaría ligeramente al de gama alta. Entonces algo como esto. Presionaré play y comenzaré a manipular el ecualizador para que veas lo que podría hacer. Entonces puedes ver que no es una curva muy drástica en ninguna parte de eso, pero es una sutil diferencia que reduce algo del desorden. Y saca a relucir los elementos de la canción que me gustaron. Lo enciendo y apagando para que oigas la diferencia. Cuando estás haciendo un ecualizador como este. Algo muy importante para recordar es que si sientes que falta cierto sonido en una mezcla, digamos que quieres más del extremo superior, quieres que brille más de las frecuencias más altas. A veces no se trata solo de impulsar esa gama alta, sino de quitarse de otras partes del espectro. Entonces es una buena práctica cortar siempre las cosas antes de impulsar. Es mucho más fácil comenzar a eliminar frecuencias. que puedas escuchar lo que queda que solo tratar de impulsar por todos lados. Simplemente impulsar todo es mucho más probable que te dé una mezcla realmente desordenada. Por lo tanto, puede ver que usar EQ es una excelente manera de obtener realmente el control de sus sonidos. Algunos puntos clave para recordarlos. Los instrumentos de lógica a menudo ya tienen un ecualizador y los presets son realmente útiles. Úselos como punto de partida. Como regla general, cuando estás cortando frecuencias, deberías ser más estrecho con la banda en el ecualizador. Y cuando estás potenciando frecuencias, puedes ser un poco más amplio. Y cuando usas EQ, trataste tener un propósito claro en mente, ¿qué es lo que estás tratando de lograr? Entonces estás tratando de hacer una mezcla menos fangosa cuando intentas hacer una caja realmente HIT. Siempre tenga un propósito para usar EQ. No se limite a aplicarlo porque mucha gente está hablando de ello. Si eres un poco nerd de la física como yo, entonces encontrarás que EQ un tema realmente fascinante y algo con lo que es divertido experimentar. Pero puedes usar el folleto que te proporcioné para comenzar. En la siguiente lección, vamos a estar viendo otro de esos temas intimidantes y eso son los compresores. Te veré ahí. 12. compresores: Hay toneladas de compresores diferentes por ahí, todos con diferentes configuraciones aplicables a diferentes géneros de música. Pero en esta lección, voy a mostrarles una configuración general para una de las siete compresas lógicas. Es una forma que puedes usar para pegar, te mezclarás para que suene realmente profesional. Empecemos con una breve explicación de lo que es la compresión. Para desmitificarlo un poco. Todo lo que hace un compresor es tomar los picos de tu forma de onda en tu mezcla, y reduce el juego. En tanto, puede aumentar la ganancia en las partes inferiores de la mezcla. Entonces estos picos en la parte superior de esta forma de onda se tiran hacia abajo. Y estos canales, las partes inferiores se potencian, haciendo que su forma de onda sea menos dinámica o más comprimida. Y esta es una buena manera de hacer que tu mezcla suene más pegada, si quieres. Hace que parezca que todos los instrumentos están tocando juntos. Entonces agreguemos un compresor a la salida estéreo. Voy a ir al inspector a Efectos de Audio. Voy a ir a dinámica, compresor y estéreo. Y aquí veremos que tenemos la ventana del compresor. Ahora notarás que hay siete para elegir en la parte superior. Y eso es porque cada uno de estos es un, es como una simulación de un compresor de hardware real. Porque en el día anterior, puertas como Logic Pro, gente usaba compresores de hardware. Entonces cada uno de estos representa una simulación de un compresor de hardware real. Todos ellos tienen sonidos ligeramente diferentes y algunos de ellos tienen controles ligeramente diferentes. Pero en el que nos vamos a centrar hoy es el Vintage VCA. Y la razón de eso es que este no es un compresor transparente. Agrega cierto sonido, los ciertos calientos, y muchos productores musicales así de un compresor, sienten que le agrega cierta musicalidad a la mezcla. Lo primero que voy a hacer con la configuración del compresor es apagar la ganancia automática y apagar el auto ataque y soltar. Entonces voy a presionar este botón aquí y también este. Lo siguiente que quiero hacer es asegurarme de que la ganancia de entrada aquí a la izquierda y la ganancia de salida a la derecha estén mostrando el mismo nivel. Porque una de las cosas de nuestros oídos es que percibimos sonidos más fuertes sonando más agradables. Y cuando tienes un plugin de efectos la mayor parte del tiempo, lo que sucede es que agrega un poco de ganancia y luego sientes que está mejorando el sonido cuando en realidad todo lo que estás escuchando es que es un poco más fuerte. Entonces, al asegurarnos de que la entrada y salida ganen un nivel de lo que sabemos que cualquier cambio en nuestra percepción de lo bueno que suena es por la compresión y no por el aumento del juego. Voy a golpear play y compararlos para ganar metros. Vamos a ver si es el nivel correcto. Bien, esos están bastante igualados. Así que puedo conseguir son con ajustar los parámetros de este compresor. Entonces echemos un vistazo a estos diales y a lo que hacen. Umbral por aquí es el nivel en el que el compresor va a empezar a actuar. Y ratio es la cantidad de compresión que se aplicará una vez que empiece a actuar. Estos dos diales funcionan juntos. Un umbral bajo y una relación alta resultarían en una compresión muy fuerte. Y eso no es lo que buscamos cuando intentamos pegar la mezcla. Por aquí, a la derecha, verás la esfera de maquillaje. Ahora porque la compresión está bajando la sonoridad general, la ganancia de tu señal apretando esos puntos altos, Lo que va a pasar es que obtienes una reducción en la ganancia. El dial de maquillaje le permite reintroducir ganancia a la señal comprimida. Rodilla abajo aquí en la parte inferior izquierda se refiere a lo suave que va a ser la transición entre comprimido y sin comprimir . Y luego estos dos aquí, atacan y sueltan, realmente importantes para conseguir el sonido correcto de tu compresión. El ataque es la rapidez con la que el compresor va a comenzar a reducir esos picos una vez que se active. Y la liberación es la velocidad a la que va a soltar la señal y permitir que se descomprima. Estos dos también trabajan muy de cerca para marcar en el sonido. Entonces normalmente cuando empiezo a comprimir, lo que voy a hacer es establecer el umbral en 30. Tengo una relación de dos a uno. Voy a dejar el maquillaje a cero por ahora. Voy a tener una ordenada. El ataque voy a reventar a 20 milisegundos. Y el lanzamiento voy a marcar hasta 100. Ahora vamos a escuchar esto y voy a encender y apagar el compresor y ya podemos ver cómo suena. Ahora lo siguiente que quiero hacer es que voy a ajustar esta versión. Y una muy buena manera de hacerlo es si divides 60.000 por el tempo de tus canciones, tendrás una idea aproximada de dónde debería estar tu tiempo de lanzamiento. Entonces 60000/120, que es mi tempo, es 500. Entonces voy a marcar esto hasta justo por encima de 500 para obtener el lanzamiento correcto. Y luego mientras estoy escuchando, voy a ajustar el ataque para intentar cambiar los sonidos y conseguir un equilibrio entre ataque y liberación. Y no voy a seguir ajustando los diferentes parámetros hasta que esté contento con la compresión. Entonces, ¿cómo sabes si tu compresión es la correcta? Bueno, realmente todo esto se debe a gustos y preferencias personales. Pero una buena regla general es que cuando estás aplicando compresión a la mezcla completa, deberías estar sintiendo la compresión más de lo que deberías escucharla. No quieres que tus compresiones estén cambiando radicalmente el sonido de tu mezcla. Solo quieres que esté agregando ese poco de brillo extra a tu resultado final. Así que ese es un gran lugar para comenzar tus ajustes de compresión. Y puedes seguir adelante y ajustar esos parámetros a tu gusto y según el estilo de música que estés haciendo. Entonces aquí hay algunas cosas clave para llevar de esta lección. Una vez más, muchos instrumentos en Logic y muchos instrumentos de terceros ya tienen un compresor incorporado, por lo que podría no ser necesario agregar uno adicional en la pista de instrumentos. Verifique esto antes de comenzar a agregar más compresión. Un gran punto de partida para cualquiera de las lógicas, compresores son una relación de dos a uno, un umbral establecido alrededor de -30, ni de uno, ataque de 20 y liberación de 100. Y no olvides hacer coincidir la ganancia de entrada y salida. Y quizás lo más importante, no superes la prensa de tu música. Si usas demasiada compresión, perderás la dinámica de tu canción. La próxima vez, vamos a echar un vistazo una cadena de masterización realmente simple. Y te voy a mostrar cómo puedes sacar tu canción de la lógica y luego compartirla con el resto del mundo. 13. Masterización: Así que casi lo has logrado. Estás a un paso de tener tu propia canción terminada. Y ese paso es masterizar. Pero antes de sumergirnos justo, hay un par de cosas que vale la pena mencionar. El primero es que mezclar y dominar diferentes disciplinas de la industria musical. Estas dos tareas son realizadas por diferentes tipos de ingenieros. Ahora cuando estés haciendo tu propia música, probablemente vas a terminar haciendo ambas cosas tú mismo. Y cuando ese es el caso, es importante separar esas dos etapas. Así que asegúrate de estar contento con tu mezcla terminada antes de avanzar hacia la masterización. La otra cosa que vale la pena mencionar es que deberías estar tomando un descanso cada 20 a 30 min durante la masterización para escuchar una o dos pistas de referencia. Las pistas de referencia son solo canciones del mismo género que la que estás escribiendo. De esa manera tus oídos se pueden afinar para que cuando estés tomando decisiones creativas sobre el sonido de tu canción, sonido corrija para el género que encaja con esas cosas fuera del camino. Vamos a sumergirnos. Entonces aquí estamos dominando la floración de la pista por la dimensión Norte. Y te darás cuenta en mi autobús Stereo Out, ya tengo que efectuar estilo. Entonces tengo el Channel EQ, que es el EQ cuando estábamos viendo antes. Y aquí tengo un compresor. Entonces tengo el VCA Vintage, que estoy usando para tratar de pegar estos sonidos juntos. Y es importante tener en cuenta que los efectos que pones aquí, los plugins que insertes en el canal van a cambiar el sonido en orden de arriba a abajo. Entonces el orden en el que pongas tus efectos va a marcar la diferencia. Ahora hay mucha discusión entre las personas si quieren que el ecualizador esté antes que el compresor o al revés. A veces la gente usa más de un ecualizador y eso es realmente todo justo al gusto. Pero primero tengo mi ecualizador y luego estoy comprimiendo después. El siguiente componente que voy a agregar a nuestra cadena de masterización es opcional. Pero creo que es una muy útil de conocer es la difusión estéreo. Entonces voy a hacer click debajo del compresor. Voy a ir a imagenología, difusión estéreo y click estéreo. Y eso sacará a colación esta configuración predeterminada. Ahora lo que esto hace es que distribuye bandas, bandas de frecuencia de tu pista a los canales izquierdo y derecho, por lo que mejora tu campo estéreo. Esta configuración predeterminada es demasiado extrema para lo que estamos buscando para dominar esta pista, solo queremos una sutil mejora, pero voy a saltar adelante en esta pista y presionar Reproducir para que puedas escuchar qué este efecto lo está haciendo. Entonces, si voy más allá en la canción y presiono play, notarás cómo realmente mejora el campo estéreo de tu pista. Pero como dije, no quiero que sea así de extremo. Entonces voy a usar los presets. Voy a bajar a difusión de alta frecuencia de luz porque no quiero que la gama baja se extienda demasiado. El extremo bajo va a hacer que todo suene demasiado fangoso. Entonces esto es solo un spread ligero de alta frecuencia y voy a volver a marcarlo un poco más. Entonces voy a golpear play otra vez. Y solo voy a reducir esto y tal vez cambiar un poco las frecuencias. Entonces, al usar cantidades realmente sutiles de los efectos de difusión estéreo, puedes mejorar tu canción y darle ese poco de brillo extra. Así que estamos usando un ecualizador para dar forma a nuestro sonido. Nosotros usando un compresor para pegar cosas juntas. Y nosotros usando el spread estéreo para mejorar el campo estéreo. Entonces ahora vamos a agregar dos componentes a nuestra cadena para asegurarnos de que nuestra canción sea la sonoridad correcta. Primero, vamos a agregar un limitador adaptativo. Así que debajo de spread, voy a ir al limitador adaptativo dinámico, estéreo. Y debajo de esto, voy a agregar un medidor de sonoridad. Y eso es en la medición, medidor de sonoridad. Entonces ahora tengo dos componentes que van a ayudar a asegurarnos de que nuestra canción sea lo suficientemente fuerte, pero no demasiado ruidosa. El limitador va a asegurarse de que nuestra canción no vaya por encima de cierto nivel. Y podemos usar esto para evitar que se introduzca distorsión. Para hacerlo más preciso, voy a activar la detección de picos verdaderos. Entonces está buscando los picos de nosotros mismos. Voy a hacer doble clic en el techo y voy a entrar -0.97. Eso nos va a dar un techo de poco por debajo de cero dB. Y sobre el lado izquierdo, verás que tenemos de nuevo metro aquí, así podemos introducir alguna ganancia para potenciar el nivel nuestra canción, de nuestra canción. Así que asegúrate de que sea el volumen correcto. Pero, ¿cuál es la sonoridad correcta? Bueno, por eso tenemos un medidor de sonoridad por aquí en el lado derecho. Ahora, la sonoridad se mide en una unidad diferente al nivel sonoridad se mide en L UFS. Y lo que esto nos está diciendo es lo fuerte que es nuestra canción a lo largo del tiempo. Entonces no solo los picos, las partes más ruidosas de nuestra canción, sino qué tan fuerte lo sentimos se basa en una acumulación de volumen. Ahora una de las mejores formas de iniciar una discusión en línea sobre sonoridad es preguntar a cuántos L UFS debes dominar, porque muchos productores te dirán que domines a -14. Y la razón por la que te dicen esto es porque plataformas de streaming de música como Spotify y Apple Music rechazarán cualquier cosa que sea más fuerte que -14, nuestro UFS. Pero al ingeniero de masterización profesional te dirá que las cosas deben dominarse dos menos nueve L UFS. Entonces, ¿cuál deberías elegir? Bueno, no te preocupes demasiado por ello. Si dominas a -14 UFS y luego pones tu canción en Spotify o Apple Music va a sonar bien. Si te preocupa que tu canción esté en la radio y sea más silenciosa que la canción que vino antes o viene después de ella, entonces sí, puedes enmascarar los dos menos nueve UFS, pero en cualquier lugar entre esos dos valores, vas a estar bien. Para usar el medidor de sonoridad. Presiona el botón de inicio hacia abajo en la parte inferior. Y luego tocas tu canción de principio a fin. Y te darás cuenta en el lado derecho, este es el valor que te va a dar la sonoridad promedio general de tu canción en EFS. Entonces esto va a ser ojalá para el final de tu pista, el -14 o menos nueve, dependiendo de cuál estés apuntando. Si encuentras que tu pista es demasiado ruidosa, puedes volver a marcar el juego en el limitador. Y si encuentras que tu pista es demasiado tranquila en general, pero puedes impulsar el juego aquí. Probablemente encontrarás que necesitas escuchar la pista y ajustar tu juego algunas veces hasta que estés golpeando el volumen deseado. Una vez que estés contento con el volumen y todo lo demás y estés dominando la cadena, es hora de sacar tu canción de la lógica y en un formato que puedas compartir con la gente. Haz eso que necesites para realizar lo que se llama rebote. Para que aparezca el menú de saldo, presiona Comando y B. Y se te presentarán estas opciones. Recomiendo exportar como un archivo WAV porque eso va a ser de mejor calidad. Pero si marca esta casilla, puede compartirla como MP3. En la configuración de aquí abajo, mantén el modo en tiempo real. Eso significa que va a rebotar tu pista en tiempo real mientras la escuchas. Y eso puede ayudar a evitar que surjan errores midi por problemas informáticos. Y para la normalización, elija solo protección contra sobrecarga o se apague. Porque si enciendes esto, va a introducir algo de compresión a tu canción. Y ya has marcado en compresión tú mismo. Cuando estés satisfecho con estos ajustes, si haces clic en Bien, te pedirá que selecciones el destino al que quieres rebotar estas pistas, entonces están listas para compartirlas con el mundo. Si estás trabajando en un proyecto donde tienes muchas pistas visibles y no solo una mezcla pistas como en la que estoy trabajando aquí. Entonces es útil agregar la pista estéreo a la vista y luego hacer tus límites a partir de ahí. Así que presiona el comando shift y m, y va a agregar la salida estéreo. Y ahora cuando seleccionas esa pista y presionas Comando y B, esa es la pista que vas a rebotar y puedes asegurarte de capturar todo para acortar el proyecto. Si se aleja aquí, hay un controlador en el lado derecho, y luego puede arrastrarlo para seleccionar la cantidad de proyectos que desea rebotar. Si tu canción tiene una larga cola de reverberación, podría valer la pena marcar esta opción aquí incluir cola de audio. De esa manera cuando rebotes, no va a cortar el final. Una forma diferente de hacerlo sería seleccionar tu salida estéreo, presionar una para automatización, hacer clic en volumen. Y entonces aquí puedo elegir un punto y puedo agregar mis propios desvanecimientos manuales en su lugar. Puedes usar esta sencilla cadena de masterización para empezar y hacer que tu canción suene profesional. Y después, podrás experimentar con el uso de más plug-ins. Entonces algunas claves para llevar. Recuerda separar tus pasos de mezcla y masterización. Use referencias para asegurarse de que sus oídos estén sintonizados. Cuando esté usando plug-ins como ecualizadores o compresores, úselos con un propósito en mente. No solo los incluyas porque sientes que tienes dos. Y por último, pero quizás lo más importante, consigue tus niveles correctos. asegura de que tu canción no sea demasiado ruidosa y no sea demasiado silenciosa. Entonces hasta el siguiente es el proyecto. Vas a escribir, el código, mezclar un maestro, tu propia canción. Cuando estés listo. Te veré ahí. 14. PROYECTO: Lo hiciste todo el camino hasta aquí. Muchas gracias por tomar mi clase y felicidades por completarla. Ahora es el momento de poner en práctica lo que has aprendido. Proyecerás tarea es bastante simple. Produce una pieza musical completa usando Logic Pro Tem. Ahora lo más probable es que hayas estado haciendo música ya que has ido de la mano con esta clase. Y está bien que lo uses para tu proyecto o puedes comenzar algo totalmente nuevo. Lo importante es que estés usando alguna o todas las cosas que aprendiste en esta clase para hacer tu propia pieza musical. Y si una canción entera se siente como que es demasiado, está bien. Se puede hacer una simple progresión de acordes. Se puede hacer un bucle de ocho barras. Podrías hacer un latido como totalmente bien. Lo importante es que pases de tener un proyecto vacío a haber creado algo musical. Hay un par de cosas que quiero decir sobre la producción musical en general. Es muy fácil dudar de ti mismo o cuestionarte y empezar a preguntar cosas como, ¿y si no soy lo suficientemente bueno? Y si alguien más está haciendo mejor música que yo, especialmente con todos los creadores de contenido de redes sociales publicando sobre, Oh, hice seis cifras este año en producción musical o tratando de venderte los secretos de irrumpir en la licencia de música sincronizada. Olvídate de todas esas cosas, enfocado en tu propia música. Tu música es tan única como tú. Pero todas esas cosas a un lado, no te dejes intimidar por la gente intenta venderte cosas en redes sociales. Y se comprometieron con otros productores musicales. Hazles preguntas, aprende cosas nuevas de mostrar apoyo a personas apasionadas por las mismas cosas que tú. Haciendo. La música se trata de expresión personal. No se trata de perseguir me gusta y seguidores en línea. Una vez que hayas terminado tu proyecto, no olvides compartirlo en la galería de proyectos. Me encantaría escuchar lo que has hecho y responder cualquier duda que puedas tener. También puedes sugerir cualquier clase futura que te interese tomar en Logic Pro Tem o producción musical. Y por último, por favor no olvides dejar una reseña de este curso. Si encontraras algo de eso útil o agradable, realmente me ayudaría. Eso es por pasar tu tiempo conmigo. Y hacer música feliz.