Cómo conseguir tu primer trabajo de cine: cineasta Pro

1. Introducción al cineasta Pro: [ MÚSICA] Bienvenido a Filmmaking Pro. Soy Mauricio Celis, y en esta clase, quiero estar enseñándote cómo conseguir tu primer trabajo de filmación rápido para que puedas dejar tu trabajo de 9:00-5:00 que odias e ingresar a la industria del video. Ya sea principiante o intermedio, creo que definitivamente obtendrá mucho valor de esta clase. Estaré discutiendo qué está orientado, cómo usar tu equipo, cómo grabar audio, cómo iluminar tu escena, cómo hacer que tu imagen se vea cinematográfica, narrativa, editando, construyendo un cartera, y llegar a los clientes. Para mi introducción, ya que ustedes están viendo este video, que lo agradezco, les voy a dar algunos consejos gratis. Sí, libre. Empecemos. Cuando empieces por primera vez ahora, antes incluso de empezar a comprar equipo, piensa en qué tipo de videos te encantará rodar. Esto te puede ahorrar mucho dinero y tiempo. Por ejemplo, si querías disparar bienes raíces, necesitas una lente gran angular y un cuerpo de cámara que le vaya bien en condiciones de poca luz. Si queremos disparar deportes, necesitas un teleobjetivo para capturar la acción y rellenar tu marco. Si quieres rodar largometrajes y tu objetivo es que una de tus películas aparezca en Netflix, necesitas una cámara de cine para que puedas obtener la más alta calidad. Primero decide qué género de película quieres rodar antes de comprar el equipo. Pero entonces, probablemente estés pensando, ¿cómo se supone que escoja si nunca he disparado nada antes? Bueno entonces recomiendo comprar un kit de cámara barato como el Canon SO2 con la lente 18-55 milímetros. Puedes probar todos estos géneros de videos, puedes tomar una decisión porque ahora tienes experiencia y puedes elegir cuál es tu favorito. A continuación es cinematográfico. ¿ Cómo puedo hacer que mi imagen sea más cinematográfica? Bueno, en su mayoría se hace por iluminación y composición. Iluminación para dar el aspecto y la emoción de tu película. Como si quieres hacer que tu película se sienta malhumorada y dramática, entonces un azul oscuro podría ser lo mejor para ti. Si quieres que tu película parezca feliz y soñadora, entonces tener más luz será lo mejor. Existen muchos tipos de estilos de iluminación, por lo que no hay respuestas correctas o incorrectas a esto. ¿ Cuál es la mejor parte de esta carrera? Ustedes son los artistas. Estás contando tu historia a tu manera. Si quieres hacerlo así, nadie te puede decir que está mal porque así es como quieres expresarte. Así es como quieres contar tu historia. Claro, tal vez hay mejores maneras, pero tú decides cómo quieres hacerlo. Aparte de la iluminación, la composición es un gran problema en la cinematografía. Cómo coloques tu tema y cómo compones tu imagen es importante para hacer que tu película se vea más cinematográfica. Esas son solo partes de las cosas que aprenderás en esta clase, pero hay mucho más parecido a la configuración de tu cámara, movimiento, drone, audio, diseño de sonido, música, transición, color grano y mucho más. Además, te estaré enseñando qué buscan los clientes en empleos al contratar a un camarógrafo. Me han dicho varias veces otras personas que están impresionados por mi trabajo con solo tener unos pocos años de experiencia. han dicho que mi trabajo está ahí arriba con otros cineastas que tienen 10 años de experiencia. Eso es una locura. Esto demuestra que practicas y lo haces todos los días, puedes conseguir tu primer trabajo en cuestión de tan solo unos meses. Si te interesa hacer dinero filmando videos, asegúrate de comprar la suscripción completa, y los veré entonces. [ MÚSICA] 2. Equipo / qué cámara conseguir: [ RUIDO] ¿Qué pasa chicos? En este video, vamos a estar discutiendo cámaras. Entonces, ¿qué cámara deberías conseguir? Bueno, depende de la marca, tu presupuesto y las especificaciones. Si no tienes dinero para gastar, puedes usar tu smartphone. Los teléfonos en estos días se están volviendo mejores y mejores a lo largo de los años. Si tenías entre 400 y 800 dólares para gastar, te recomiendo conseguir la Canon SL2, la Sony a6400, o la Panasonic Lumix G7. Si tienes alrededor de $2,000 te recomiendo la Canon EOS R, la Sony A7c, o la Panasonic GH5S. Si tienes $5,000 para gastar, recomiendo conseguir la Canon R5, la Sony A7S III, o la Blackmagic 6K. Al comprar tu primera cámara, asegúrate de revisar la fecha de lanzamiento especialmente si estás comprando un usado. No se quiere comprar una cámara que salió hace varios años. Asegúrate de hacer alguna investigación y encontrar una versión actualizada más reciente que salió recientemente. Tengo un video más adelante en esta clase discutiendo resolución. Pero típicamente, lo que esto significa es cuántos píxeles individuales hay en la pantalla. Necesitas una cámara que al menos pueda disparar 1080P porque esa es la resolución estándar. La mayoría de las cámaras en estos días ahora pueden disparar 4K, lo cual es algo bueno y malo. Lo bueno es que vas a tener una calidad mucho mejor pero lo malo es que cuando estés editando, ralentizará tu computadora tardando más tiempo para que termines la edición y además tiene más grande tamaños de archivo, que se necesita más espacio de almacenamiento, que será más caro. A continuación en la lista está la velocidad de fotogramas. Si estás comprando una cámara usada más antigua, asegúrate de que tu cámara pueda disparar al menos 1080P a 60 fotogramas por segundo. Esto significa que puedes disparar en HD y lento mo. Definitivamente necesitas esa opción para rodar bienes raíces, bodas, y deportes de acción. Todas las cámaras más nuevas ahora pueden disparar hasta 60 fotogramas por segundo, lo que no tienes que preocuparte. Algunas de las cámaras más caras pueden disparar 4K a 60 fotogramas por segundo, como mi Sony A7S III, e incluso las cámaras más caras pueden disparar velocidades de fotogramas más altas como hasta 1,000 fotogramas por segundo. Esto es súper lento. A continuación en la lista es el tamaño del sensor. Hay cuatro tamaños de sensores principales que debes conocer, cuadro completo, APS-C, micro cuatro tercios, y menor a la mitad. Por lo que cuanto más grande sea el sensor, mejor será su cámara poca luz porque proporciona ISOS más altos. También obtienes más profundidad de campo o desenfoque de fondo y tu imagen estará menos comprimida, lo que significa que será de una calidad mucho mejor. Por ejemplo, 4K en un fotograma completo será mejor que 4K en un teléfono inteligente. Sí, la resolución es la misma, pero el 4K en el fotograma completo, se verá mucho mejor. Además, dependiendo de la cámara que obtienes, debes asegurarte de obtener la lente adecuada para tu cuerpo. Por ejemplo, si obtienes un Canon SO3, tienes que conseguir una lente que se ajuste a esa cámara, que es la APS-C. Si tienes una lente de fotograma completo y pones en una cámara sensor de recorte, recortará y luego también viceversa. A continuación en la lista es el color. Qué cámara proporciona el mejor color directamente fuera de la cámara. Canon definitivamente tiene el mejor color del mercado. Pero recientemente Sony lo ha ido subiendo, al igual que el Sony A7 III su color probablemente sea tan bueno como los colores Canon. Si no quieres pasar demasiado tiempo corrigiendo el color, te recomiendo ya sea conseguir el Canon o Sony. A continuación en la lista está el enfoque automático. Ya que soy un equipo de un solo hombre y disparo mis tutoriales por mi cuenta, necesito una cámara con gran autofocus. Canon y Sony son los mejores hasta ahora. Ambos tienen grandes características como el rastreo facial, seguimiento ocular, y muchas más. Las cámaras más caras no tienen autofocus porque están construidas para tener otra persona dedicada a tirar del foco. Lo último en la lista es la función. ¿ Tiene la cámara una pantalla flip out para que puedas filmarte tú mismo? ¿ También toma grandes fotos? ¿ Se siente bien en tus manos? ¿ Es demasiado grande, demasiado pequeño, demasiado pesado? ¿ Se ajusta a tu estabilizador? Son los menús fáciles de aprender. Todas esas preguntas que debes hacerte antes de comprar tu primera cámara. Comprar una cámara cara no vale nada si no sabes cómo usarla. Así que asegúrate de aprender y dominar los ajustes y técnicas que te voy a mostrar en esta clase. Una cámara es solo una herramienta para ayudarte a contar tu historia o vender un producto. No te enfoques demasiado en el engranaje. Compra el equipo que necesitas, luego comienza a aprender lo básico. Bueno, eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. [RUIDO] 3. Equipo o / qué lente conseguir: ¿ Qué pasa, chicos? En el video de hoy, te estaré enseñando sobre lentes de cámara. Estaré discutiendo el ajuste del sensor, zoom versus prime, distancia focal y la marca. Esta es definitivamente una de las piezas de engranaje más importantes, está ahí arriba con tener un gran cuerpo de cámara. Si lo piensas. Gastas miles de dólares comprando un gran cuerpo de cámara, pero luego le pones una lente barata. Es como comprar un Lambo sin motor, luego comprar un motor Toyota y lo pones en el Lambo, ¿por qué? Gastaste miles de dólares de tu cuerpo y terminas comprando un motor horrible, eso ni siquiera es un Lambo en mi opinión. De todos modos se obtiene el punto. Asegúrate de invertir en algún vidrio de alta calidad. Lo primero en la lista es el tamaño del sensor. Tienes que asegurarte de obtener la lente adecuada para el cuerpo de tu cámara. Ya hablé de esto en el video anterior, pero típicamente al comprar una lente, asegúrate de que encaje en tu cámara. Cuando compras una lente, en la descripción dice que esta lente es para fotograma completo o un sensor de recorte. Aunque no puedes obtener una lente sensor de cultivo y ponerla en un cuerpo de fotograma completo, pero causará viñeteo en tu imagen. Entonces lo contrario, si obtienes una lente de fotograma completo y lo pones en el sensor de cultivo en tu cuerpo, lo recortará, como por ejemplo, mi Canon 80D es una cámara sensor de recorte, y esta lente SIGMA es una lente sensor de cultivo. Cuando acerco a 50 milímetros, en realidad es de 50 milímetros. Pero si consigo mi lente principal Canon de 50 milímetros que está construida para cuatro fotogramas. Tiene un cultivo de 1.6, lo que lo convierte en un 80 milímetros. No es el fin del mundo porque puedes hacer las matemáticas y encontrar la distancia focal que quieras. siguiente en la lista es zoom versus lentes prime. ¿ Cuáles deberías conseguir? Una de las diferencias entre los dos es que la lente zoom, viene con múltiples longitudes focales. Al igual que por ejemplo, un 24-70 se considerará una lente zoom porque esa lente cubre longitudes focales entre 24-70, por lo que puedes pasar de ancho a zoom, realmente rápido. Esto es genial para cineastas que rodan bodas, eventos en vivo, documentales y videos de viajes. Otro profesional es que puedes ahorrar mucho dinero al no tener que comprar múltiples lentes. Al igual que si acaba de comprar lentes de zoom, todo lo que necesita es un 16-35, 24-70, y un 70-200. Eso cubre desde tan ancho como 16 milímetros hasta 200 milímetros y solo se necesitan tres lentes. Pero algunos de los costos es que hay un límite de cuán baja puede ir tu apertura. Tengo un video separado más adelante en esta clase hablando de apertura, así que no voy a entrar en detalle completo. Pero típicamente lo que hace la abertura, cuanto menor sea la f-stop, más profundidad de campo y la luz obtendrás, porque lo más bajo irá es un 2.8. A menos que tengas la lente RF de Canon, la 28-70 F2.0, pero es súper cara. A continuación se presentan lentes prime. El mayor pro en lentes prime es el f-stop. Estas lentes podrían ir tan bajas como F1.2. Imagina cuánta profundidad de campo y luz obtendrás de esta lente principal. El estafador de esta lente es que solo se obtiene una distancia focal. No puedes acercarte y literalmente tienes que acercarte o cambiar de lentes para conseguir tu disparo. Si acabas de empezar ahora, recomiendo encarecidamente conseguir lentes de zoom entonces más tarde en el futuro podrás obtener lentes prime. Olvidé discutir la distancia focal por eso me corté el pelo y la configuración es diferente. Pero de todos modos, el siguiente en la lista es la distancia focal. Existen tres categorías diferentes: amplia, estándar, y teleobjetivo. Las lentes de gran angular son buenas para paisajes, bienes raíces, o si quieres capturar más de tu escena y marco. El lente de 16 milímetros que mencioné anteriormente, esta es una gran lente porque puedes pasar fácilmente de 16 milímetros a 35 milímetros realmente rápidamente y la lente estándar es la 24-70. Se puede conseguir ancho y se puede acercar todo el camino a 70 milímetros. Se puede usar más o menos esta lente para cualquier video periodista. Último es un teleobjetivo, que es un 70-200. Esta lente es ideal para escenarios en los que no puedes acercarte físicamente, así que tienes que acercar como si estás filmando deportes de acción, conciertos, o vida silvestre y mucho más. Lo último en la lista es la marca. ¿ Qué marca debes conseguir? Bueno, siempre debes conseguir la marca original de la lente. Al igual que si tienes un cuerpo de cámara Sony, te recomiendo conseguir las lentes Sony, pero sé que son súper caras, por lo que estas son las marcas que recomiendo. SIGMA es probablemente la mejor marca de terceros y tal vez incluso mejor. No sólo son de vidrio de alta calidad, sino que son súper sólidos y también el precio. Estas lentes SIGMA son literalmente mitad del precio de la marca original. Algunas otras empresas que recomiendo son Tamron, ZEISS y Rokinon. Otras marcas que no recomiendo, intente pegarse a estas empresas que enumeré. Esas son todas las cosas que necesitas saber al comprar una lente. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. 4. Equipo / Qué micrófono conseguir: Qué pasa, chicos. En este video, voy a estar hablando de micrófonos. Te voy a estar mostrando los diferentes tipos de micrófonos, prueba de audio, y precio. Básicamente hay cuatro tipos diferentes de micrófonos, un micrófono de escopeta, un micrófono boom, un mic lav y un micrófono de estudio. Tener diferentes tipos de micrófonos funciona mejor en diferentes escenarios. El primer micrófono que tengo es el micrófono de escopeta porque es súper versátil. Es genial para correr tiradores de armas. Incluso bajo en efectivo, recomiendo conseguir este mic. El mic que tengo es la Deidad D4 que me costó $90. Hay otras opciones como el Rode VideoMic pro-plus que cuesta alrededor de $200. No solo puedes usar esto como tu micrófono de escopeta, sino que también puedes usarlo como un micrófono boom y un micrófono de estudio. No hace lo mejor en todas estas categorías pero es una gran micro startup. El siguiente mic es un micrófono boom. No tengo un micrófono boom, pero este micrófono se usa en un stand como este, y hay que conectarlo con el cable XLR y la interfaz de audio como esta. El que he visto a otros creadores usar y recomendar es el Rode NTG5 que cuesta en $500. La mejor interfaz de audio que he visto es el Zoom H6. El siguiente mic es un mic lav. Este mic es genial para escenarios donde el talento se va a estar moviendo. Yo uso este micrófono cuando estoy fuera en el campo disparando un tutorial. Entonces no importa donde vaya, el audio se va a quedar limpio. Este mic que estoy usando es el Tascam DR-10L que cuesta en $200. El último mic es un micrófono de estudio. Este micrófono se usa más para hablar tiros a la cabeza como este para podcasts, voces en off, canto, e instrumentos de grabación. El mic que uso es el USB Rode NT que cuesta en $170. Es súper fácil de configurar. Viene con un filtro pop y un cable USB. Todo lo que vas a hacer es conectar tu micrófono, luego traer tu laptop o computadora. Conéctalo, abre la aplicación de notas de voz. Si estás en un Mac, ajusta tus ajustes y comienza a grabar. Como se puede ver, cada uno de estos micrófonos tiene un propósito diferente para diferentes escenarios. Al igual que tener lentes diferentes, todas tienen fortalezas y debilidades. Eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. [MÚSICA] 5. Equipo / que trípode se puede conseguir: [ RUIDO] En el video de hoy, vamos a estar hablando de trípodes, piezas de modelos, deslizadores, y cardanes. Estaré discutiendo para qué están construidos, cómo usarlo y cuándo usarlos. trípodes son probablemente el equipo usado más común en el cine. Cada cineasta posee un trípode porque viene en super práctico. trípodes se construyen para tener un disparo estático, como en entrevista, un disparo parlante en la cabeza, disparando a un sujeto en movimiento para que el espectador se enfoque precisamente en eso, o en un timelapse. Pero solo porque estés en un trípode, no significa que no puedas agregar movimiento o ser creativo. Aquí te presentamos un par de movimientos que puedes hacer desde un trípode. Pero primero, asegúrate de que tu trípode tenga una cabeza fluida con mango, para que puedas hacer estos movimientos. primero es una inclinación, ya sea hacia arriba o hacia abajo. Segundo es una sartén, ya sea una izquierda o derecha. Tercero es hacer zoom en el uso de tu lente. Cuarto es usar fotogramas clave y publicaciones, ya sea un zoom digital, lado a lado, o hacia arriba y hacia abajo. En quinto lugar es un tirón de enfoque. Técnicamente esto no es un movimiento, pero estás usando el foco para agregar movimiento a tu tiro. Puedes hacerte súper creativo con solo un tiro estático. Déjame mostrarte un par de ejemplos. Primero, clónate. Segundo, el enmascaramiento. Tercero, [RUIDO] los desaparecen, y adelante, los saltos. [ RUIDO] Hay tantas otras formas creativas en las que puedes utilizar tu trípode. A continuación en la lista es cómo usarlo. Es bastante fácil. Todo lo que tienes que hacer es colocar tu cámara en el trípode, asegurarte de que sea agradable y apretada, extender las piernas, asegurarte de que esté nivelada, ajustar tu cabeza fluida, y eso es todo. Ya puedes comenzar a disparar. último en la lista es, cuándo usarlos. Ya hablé de esto, pero típicamente quieres usar un trípode si no estás planeando usar muchos movimientos, como una entrevista o una escena donde tenga sentido dependiendo del estilo de tu película. [ RUIDO] A continuación en la lista están los monópodos. Es como un trípode, pero en lugar de tener tres piernas, solo tienes una pierna. Probablemente te estés preguntando, ¿por qué debo conseguir un monopie cuando ya tengo un trípode? Bueno, para empezar, un monopie es mucho más ligero y más fácil de transportar. También al disparar la hiperlapsa, un monopie es mucho más fácil de disparar, porque cuando estás filmando la hiperlapsa, estás tomando cientos de fotos y convirtiéndola en un video, y cuando estás en la ubicación, es mucho más fácil recoger un monopie. Otra cosa es que si compras un monopie con unos pies anchos, puede pararse por sí mismo, para que pueda usarlo como trípode. Lo último que puedes usarlo es como gimbal. Si quieres añadir un poco más de movimiento a tu tiro, puedes recoger tu monopie y obtener esos tiros suaves. Claro, no van a ser tan suaves como un verdadero gimbal, pero hay un par de trucos. Primero, revisa cada cámara o lente tiene estabilización. Si lo hace, enciéndelo. Segundo, haz el paseo ninja. Tercero, camina súper lento, y adelante, agrega estabilizador de urdimbre en postes. Eso es todo, te conseguiste un tiro suave sin usar un gimbal. [ RUIDO] A continuación en la lista están los deslizadores. Definitivamente hay un tiempo y lugar para este equipo específico. Por lo general, los deslizadores tienen movimientos mucho más suaves y lentos. Esto es genial para entrevistas, videos musicales y escenas donde quieres tan poco movimiento. Actualmente no tengo un slider, pero hay dos tipos de deslizadores. Un deslizador manual, lo que físicamente tienes para moverlo tú mismo, y un deslizador motorizado, donde el deslizador hace prácticamente todo el trabajo por ti. Los movimientos lentos no es mi tipo de estilo de tiro. Me gusta tener movimientos intensos en mis tomas, y lo hago ya sea de mano o un gimbal. Porque a veces cuando estoy filmando un comercial, un slider habría sido bueno tener. Lo último en la lista es un gimbal. Esto se utiliza para situaciones en las que se desea agregar movimiento y mantenerlo constante. Se puede utilizar prácticamente un gimbal para cualquier género, como bienes raíces, videos musicales, comerciales, documentales , eventos, y bodas. Cualquier tipo de video, un gimbal será útil. Actualmente soy dueño del DJI Ronin-S, y me encanta este gimbal. Es súper fácil de usar y configurar. Te voy a mostrar rápidamente cómo equilibrar un gimbal. Primero, adjunte todas las piezas correctamente, luego retira la placa de liberación rápida, tu cámara en la placa, coloca la cámara con la placa de vuelta donde estaba. Ahora, vamos a empezar a equilibrar. En primer lugar, comienza con el eje de inclinación, que está en un lado derecho del gimbal. Tu objetivo es tener un equilibrio hasta el punto donde puedas mover tu eje y se quedará puesto. Empieza a meterte con él hasta que encuentres el punto dulce. A continuación, hay un eje de fila que está en la parte posterior del gimbal, al igual que tu eje de inclinación tiene que permanecer puesto cada vez que pongas lo mueves. La única diferencia es ahora lado a lado. Último es tu eje de pan. Inclinar tu gimbal hacia un costado y comienza ajustar la parte inferior del gimbal. Una vez más, tiene que quedarse quieto. Entonces empieza a ajustar el eje hasta que no se mueva. Eso es todo. Has equilibrado eficientemente tu gimbal, y ahora puedes empezar a disparar. Como se puede ver, cada uno de estos equipos se utiliza para diferentes situaciones. No se puede decir que uno es mejor que el otro. Están construidos diferentes. Te das cuenta de lo que vas a estar disparando más, y luego solo tienes que ir de ahí. Bueno, eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. [ RUIDO] 6. Equipo / Qué luces conseguir: ¿ Qué pasa, chicos? En el video de hoy, vamos a estar hablando de iluminación. Voy a estar hablando de los diferentes tipos de luces, precio, cantidad, calidad, y características. Primero es el tipo de luces. Hay muchos tipos diferentes de luces que producen resultados diferentes. Al igual que esta luz Godox que tengo. Lo estoy usando como mi luz clave, y estoy usando una softbox para hacer que la luz se vea más natural y halagadora. También puedes usar esta luz como luz de llanta. Se puede poner esta capucha de cubierta para solo iluminar un cierto punto, que es la parte posterior de mi cabeza porque no quiero que esta luz se derrame sobre mi fondo. La siguiente luz es un panel LED. Esta fue mi primera luz que recibí. Es súper versátil porque puedes usarlo como luz clave. No es la luz más suave. Si quieres hacerlo más suave, puedes conseguir algo blanco como servilletas o un trozo de papel y solo pegarla sobre la luz. Otra forma en que puedes usar esta luz es una luz de fondo. Esta luz viene con paneles aquí, para que puedas tomar [inaudible] y traer algo de color en tu toma. El último es un tubo de luz. Estas están hechas para situaciones en las que estás encendiendo un producto y no quieres que se muestre una enorme reflexión sobre tu producto, por lo que utiliza la luz para que parezca natural. También puedes usar esto como tu luz práctica, lo que significa que puedes usar esta luz en tu toma. Estoy seguro de que has visto esta luz en videos musicales y comerciales. A continuación es el precio. Voy a estar mostrándote las mejores luces de presupuesto. Para tu luz clave, la mejor luz que recomiendo es la Godox SL-60W. La luz más nueva o el panel LED más nuevo. Hay luces más caras como la Aputure 120d, la luz Falcon, o el panel LED GVM. A continuación se presenta la cantidad, lo que significa el brillo de la luz. Normalmente cuando pones tu softbox frente a la luz, no va a ser tan brillante porque todo el propósito de tu softbox es difundir la luz haciéndola más suave. Cuando no tienes softbox, la luz está en una dirección, haciéndola más brillante pero más dura. Cuando compras luces baratas, a veces se obtiene un poco de lata de color, y hay que terminar corrigiendo el color en el post. Pero con las luces más caras, obtienes un verdadero color blanco a tu look. A continuación se presenta la calidad, lo que significa luz dura versus suave. Normalmente cuando estás encendiendo a una persona, quieres usar una luz suave, pero ese no siempre es el caso. A veces la luz dura puede ser algo bueno. Grandes ejemplos de luz dura serían cualquier escena dramática cuando están usando luz ambiental, luz fondo para hacer una silueta de sujeto, o un foco de atención. Estos son solo algunos de los ejemplos, y hay muchas más formas que puedes usar esta técnica de iluminación. Lo último en la lista son las características. Asegúrate de hacer tu investigación sobre la luz antes comprarla porque no toda la luz puede hacer estas características. Te lo voy a decir. Pregúntate estas preguntas. ¿ Quieres que la luz sea regulable, bicolor, RGB, teniendo controlador, quieres tomar baterías, o quieres conectarla a una toma de corriente. No todos van a querer las mismas características. Las cosas que quiero en la luz quizá no necesites. Por ejemplo, quiero una luz que sea brillante, regulable tenga la opción de usar luz suave o dura, y un controlador. En primer lugar, al resolver estas preguntas para que puedas encontrar la luz perfecta para ti, asegúrate de encontrar la luz adecuada porque esto es lo que hace que tu película luzca cinematográfica y profesional. Con solo cambiar la luz puede mejorar la producción de tus videos. Eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. 7. Equipo o ¿Necesitas un dron?: [ RUIDO] ¿Necesitas un dron? De ser así, ¿qué dron debo conseguir? ¿ Qué especificaciones necesito para obtener la mejor calidad? ¿ Necesito licencia para volar? Todas estas preguntas voy a estar respondiendo. Primero, ¿necesitas un dron? Bueno, depende. Si vas a estar filmando en bienes raíces y ese es el único tipo de video que quieres hacer, entonces ese es un gran sí. Definitivamente necesitas un dron. El agente lo va a solicitar con seguridad. En cuanto a otros géneros de video como videos musicales, comerciales, largometrajes, eventos, podrías salirte con la suya pero la mayoría de las veces el cliente va a solicitar un dron y solo para estar seguro, si quieres mantener feliz a tu cliente, entonces te recomiendo invertir en un dron, así que por si acaso lo necesites. Lo siguiente en la lista es el tipo de dron. ¿ Qué dron deberías conseguir? Bueno, DJI definitivamente hace los mejores drones por ahí. Dependiendo de tu presupuesto y de lo que ofrezca el dron, aquí están mis tres drones top que recomiendo. Si estás en el presupuesto y todo lo que quieres es un dron solo para tener uno por si acaso cada vez que los clientes pidieran uno y realmente no te importa la calidad por ahora, entonces te recomiendo que DJI Mini 2, entrando en 450 dólares. Si tienes un poco más de dinero para gastar y estás dispuesto a invertir más de la calidad, entonces te recomiendo que el DJI Mavic Air 2 venga en $800. Si tienes un presupuesto mucho mayor y quieres conseguir la más alta calidad posible, entonces te recomiendo el DJI Mavic 2, llegando en $1,600. Lo siguiente en la lista son las especificaciones. Bueno, típicamente quieres un dron que pueda disparar 1080p a 30 fotogramas por segundo. Pero ahora que la tecnología está mejorando y los clientes esperan mejores especificaciones, recomiendo conseguir un dron que pueda disparar 4K al menos 30 fotogramas por segundo, y 25 minutos de tiempo de vuelo, al menos 25 megapíxeles para seguimiento fotográfico y enfocado lo que significa que el dron tiene presets incorporados para seguirte sin tener que controlarlo tú mismo. Lo último en la lista es una licencia. Si vas a estar volando comercialmente, lo que significa que te están pagando, necesitas una licencia FAA Parte 107. Es un examen que tienes que tomar y tienes que pagar 160 dólares para tomar el examen. Personalmente no tengo licencia porque rara vez vuelo mi dron pero en el futuro cuando empiezo a conseguir más clientes probablemente obtendré mi licencia o solo puedo contratar a alguien que tenga licencia así no tienen que tomar el examen y tal vez tengan un mejor dron como el Inspire y ya tienen el Mavic Air 2 o el Mavic 2 para que así no tenga que pagar el examen y comprar otro dron. Es mucho más fácil, pero eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. 8. Tech// Resolución y tasa de fotogramas: [ RUIDO] En esta sección de la clase, vamos a estar discutiendo el lado tecnológico de la filmación. En este video específico, vamos a estar hablando resolución y fotogramas por segundo. resolución es el detalle y la calidad de una imagen. Un metraje de 720p va a ser más suave y tener un aspecto de menor calidad que un metraje 4K, ¿por qué? Bueno, debido a que 4K tiene más píxeles, el 4K estándar tiene 3,840 píxeles horizontalmente y 2,160 píxeles verticalmente. Mientras que un 720p tiene 1,280 píxeles horizontalmente y 720 píxeles verticalmente. Al conseguir la cámara, se asegura de que pueda disparar al menos 1080p. 720p está desactualizado, 1080p es una resolución estándar a partir de ahora en 2021. Pero sin duda 4K eventualmente será la resolución estándar. Muchos programas de TV, shows, películas, computadoras, televisores ahora están utilizando 4K. Recomiendo conseguir una cámara que pueda disparar 4K también. Pero probablemente estás preguntando ¿vale la pena 4k? ¿ O debería simplemente pegarme con 1080p? Bueno, los pros de elegir 4K es que obtienes una imagen de mejor calidad, puedes acercar digitalmente publicaciones sin perder calidad y tu trabajo puede mantenerse al día con una resolución estándar. Contras, el tamaño del archivo será más grande, ralentizando tu computadora al editar y ocupar más espacio en tu disco duro, lo cual será más caro. Pero creo que 4K es una gran inversión, valdrá la pena a largo plazo. A continuación, vamos a estar discutiendo fotogramas por segundo, es literalmente como suena, se necesita una cierta cantidad de fotogramas por segundo, convirtiéndolo en un video. Cuando eliges una velocidad de fotogramas, ya sea 24, 60 o 120 fotogramas por segundo, literalmente estás eligiendo las fotos de montaña para que aparezcan en tu imagen, haciendo una imagen en movimiento, o lo que llamamos video. Dependiendo de dónde vivas, dependerá del estándar de velocidad de fotogramas. Los dos más populares son NTSC y PAL. Pero desde que vivo en EU, estaré usando NTSC en este video. Si eliges NTSC, tus opciones serán de 24, 30, 60 y 120 cuadros por segundo y si elegimos PAL, tus opciones serán de 25, 50 y 100 cuadros por segundo. Ahora hablemos de cuándo y por qué elegir una cierta velocidad de fotogramas. 24 fotogramas por segundo es lo que llamo velocidad normal, porque no se ralentiza y es lo que normalmente vemos en tiempo real. este momento estoy rodando a 24 fotogramas por segundo porque no estoy planeando frenarlo y se ve cinematográfico. Muchas películas de Hollywood se rodan a 24 fotogramas por segundo por la cantidad de desenfoque de movimiento. 30 fotogramas por segundo da una emisión unos giros suavizando la emoción de tu imagen. Rara vez disparo a 30 fotogramas por segundo, pero si alguna vez disparo a los 30, usaré esa opción si quieren ir por esa mirada de reporte de noticias de difusión. También elegí esta velocidad de fotogramas si quiero ralentizarla un 80 por ciento, que es ligeramente más lenta que 24. 60 fotogramas por segundo es cámara lenta. Elijo esta velocidad de cuadros si estoy planeando ralentizar, que es 40 por ciento más lento. Normalmente elijo esta opción cuando disparo bienes raíces, bodas, entierro o chars donde hay mucho movimiento. A 120 fotogramas por segundo es súper lenta, esto es 20 por ciento más lento. No muchas cámaras tienen esta característica, pero definitivamente una opción única para tener en su cámara. He visto a muchas personas que disparan a 24 fotogramas por segundo, luego lo ralentizan, nunca, nunca hacen eso. Será súper entrecortada y poco profesional, pero qué pasa si no sabes que lo vas a ralentizar más adelante en los postes, entonces te recomiendo disparar todo como 60 fotogramas por segundo. Prefiero disparar todo a 60 fotogramas por segundo, no ralentizar el metraje y tener este aspecto de transmisiones suaves, que disparar todo como 24 fotogramas por segundo, ralentizar eso y tener entrecortado metraje. Ten en cuenta que dependiendo de la velocidad de fotogramas, tu velocidad de obturación será diferente en cada velocidad de fotogramas. Hablé de velocidad de obturación más adelante en la clase, particularmente cuando tu velocidad de obturación sí, afecta tu desenfoque de movimiento y la razón por la que saqué velocidad de obturación es porque al elegir un específico velocidad de fotogramas, su velocidad de obturación tiene que ser el doble de la velocidad de cuadro. Por ejemplo, si eliges 24 fotogramas por segundo, tu velocidad de obturación debe ser superior a 50 de un obturador para obtener el desenfoque de movimiento más natural. Al elegir 60 fotogramas por segundo, hay que elegir uno mayor de 25 de un obturador. Asegúrate de aprender estas técnicas y tener tu razón por la que estás eligiendo un entorno específico. Entonces eso es más o menos. Si tenemos alguna otra pregunta revisada, me golpea. [ MÚSICA] 9. Técnica// Cómo exponer tu material: [ MÚSICA] En este video, vamos a estar hablando de velocidad de obturación, apertura, ISO, perfil de imagen y balance de blancos. Exponer su imagen se utiliza con tres ajustes, su obturador, apertura, e ISO. Velocidad de obturación. La velocidad de obturación afecta tu desenfoque de movimiento. Cuanto menor sea el número, más desenfoque de movimiento tendrá. Cuanto mayor sea el número, menos desenfoque de movimiento tendrá. Piénsalo así, cuando grabar video es básicamente tomar fotogramas quietos y convertirlos en un video. Al igual que en el video anterior, hablamos de fotogramas por segundo. Cada fotograma que toma tu cámara, la velocidad del obturador está tomando una foto con un obturador específico. Cuando tomas una foto con una baja velocidad de obturación, hay mucho desenfoque de movimiento y cuando sacas tu obturador, tu foto está nítida, y congela tu acción. Es exactamente lo mismo con el video, pero ahora estás tomando múltiples fotos y convirtiéndolas en una imagen en movimiento. Pero ten en cuenta cuando bajes tu velocidad de obturación, recibe más luz en tu sensor, haciéndolo más brillante. Cuando traes tu obturador, hace que tu imagen sea más oscura. Hay una regla en el cine sobre la velocidad de obturación. Por lo general, cuando tomas a cierta velocidad de fotogramas, tienes que duplicar esa velocidad de fotogramas a tu velocidad de obturación para tener el desenfoque de movimiento más natural. Los humanos ven naturalmente el desenfoque de movimiento. Si agita la mano hacia adelante y hacia atrás, verá el desenfoque de movimiento. Por ejemplo, si tomas 24 fotogramas por segundo, tu obturador debe estar en 1/50 y al disparar a 60 fotogramas por segundo, tu obturador debe estar en 1/25 de segundo. Sí, se puede disparar a una velocidad de fotogramas mucho mayor, pero no va a parecer tan natural. Cuando estás disparando afuera en un día soleado y tienes los ajustes adecuados a 24 fotogramas por segundo velocidad de obturación a 1/50, tu apertura abierta de par en par que F2.8, y tu ISO lo más bajo posible para evitar ruido, está sobreexpuesta, o es demasiado brillante. Hay tres cosas que puedes hacer en esta situación. Puedes sacar tu velocidad de obturación y tener esa mirada nerviosa, poco realista. Abre tu apertura y todo en foco, o mantén la configuración ISO como es y obtén un filtro ND. No voy a entrar en detalles completos, pero típicamente lo que hacen los filtros ND, hace que tu imagen sea más oscura, puedas mantener los ajustes que quieras tener ese look natural cinematográfico. [ RUIDO] A continuación en la lista está la apertura. Apertura afecta la cantidad de profundidad de campo o desenfoque de fondo en tu imagen. Cuanto menor sea la f-stop, más desenfoque obtendrá, cuanto mayor sea el f-stop, menos desenfoque obtendrá. Además, ten en cuenta al disparar con un f-stop bajo, tu imagen será más brillante porque tu apertura está bien abierta, dejando entrar toneladas de luz en tu sensor. Cuanto mayor sea el f-stop, tu imagen será más oscura porque tu apertura está casi cerrada, no dejar pasar mucha luz a través de tu sensor. Es por eso que las lentes con low f-stop son más caras porque te da una mayor profundidad de campo que a todo el mundo le gusta, y deja entrar mucha luz, haciendo una gran lente para poca luz. Probablemente escuches un término como una lente rápida porque cuando tu f-stop es súper bajo, te ves obligado a subir tu velocidad de obturación a alrededor de 1/2,000 de segundo, para que puedas exponer adecuadamente tu imagen. siguiente en la lista está ISO. ISO básicamente te da luz extra. Para este ajuste, es todo lo contrario. Cuanto menor sea el ISO, oscuro es, cuanto mayor sea el ISO, más brillante es. Cuando estás en esta situación donde no hay mucha luz, y es demasiado oscura, aquí es donde tu ISO es útil. Pero ten cuidado de no traer demasiado tu ISO porque causará ruido y grano en tu imagen. Hay algunas cámaras que van a hacer mejor en condiciones de poca luz. Por ejemplo, una cámara de fotograma completo va a hacerlo mejor en condiciones de poca luz debido al tamaño del sensor más grande. Además, dependiendo de la marca que obtienes. Sony tiende a tener más cámaras que lo hacen mejor en condiciones de poca luz, especialmente las Sony A7s III. Dado que esta cámara solo tiene 12 megapíxeles, lo hará mejor en condiciones de poca luz. Ese fue el objetivo general de Sony para esta cámara, ya que es una cámara de video dedicada. A continuación en la lista está el perfil de imagen. perfil de imagen es el tipo de imagen. Por ejemplo, en mi Sony A7s III, hay múltiples perfiles de imagen, pero puedo decirte los cuatro mejores perfiles de imagen elijo y por qué. El primero es SLOG 2. Elijo este perfil cuando estoy filmando con poca luz. El segundo es SLOG 3. Elijo este perfil para obtener el rango más dinámico. El tercero es CINE 3. Elijo este perfil para sacar los colores más naturales directamente de la cámara. Por último, el número 4 es HLG 3. Elijo este perfil para obtener el mejor rango dinámico, pero menos plano. Está entre un estándar y un perfil de registro. [ MÚSICA] Lo último en la lista es el balance de blancos. balance de blancos es la temperatura de color de tu cámara. Al ajustar tu balance de blancos, tu objetivo es que tus blancos se vean blancos, no demasiado azules o no demasiado anaranjados sino blancos. ¿ Cómo haces eso? Puede preguntar, bueno, depende de la iluminación. Primero, hablemos de tus opciones. Va desde tan bajo como 3,200 Kelvin y tan alto como 6,000 Kelvin. Treinta y doscientos Kelvin te da un look azul y 6,000 Kelvin te da un look naranja. Normalmente, cuando estás en el interior, las luces están usando son de 3,200 Kelvin luz, por lo que tienes que coincidir con eso eligiendo la opción de 3,200 Kelvin en tu cámara. Cuando estás afuera en un día soleado, típicamente estarías usando un 5,600 Kelvin. Cuando sea hora crepuscular, probablemente estarías eligiendo 6,000 Kelvin. Piensa en ello como si estuvieras agregando un filtro. O estás agregando un filtro azul o un filtro naranja. Tu DSLR te da presets incorporados como sombra de luz diurna, tungsteno nublado y fluorescente blanco. Otra opción que puedes elegir es el balance de blancos automático. Esta opción permite a la cámara elegir lo que piensa que es mejor de acuerdo a la luz. Esta es una gran herramienta para usar si apenas estás empezando ahora pero eventualmente, querrás aprender a usarla manualmente. A menos que haya un espectáculo donde vas de adentro a exterior y los colores estén cambiando. Si lo configuramos a manual, tu tiro interior se ajustará correctamente, pero una vez que salgas, será demasiado azul. Otra razón por la que puedes usar auto es si estás vlogging porque realmente no te importa la producción del video, pero quieres contar tu historia, y no quieres pasar demasiado tiempo ajustando tus ajustes. Esas son las únicas dos razones en las que puedo pensar cuando es apropiado utilizar el balance de blancos auto. Aparte de eso, te recomiendo que aprendas a configurar tu balance de blancos manualmente. Eso es más o menos. Esos son los principales ajustes que necesitas aprender cuando estás fuera de disparar. Recomiendo encarecidamente aprender estos ajustes muy bien porque si tu balance de blancos está apagado realmente sería difícil corregirlo en el post. O si tu exposición está apagada, probablemente tengas mucho ruido en tu imagen. Asegúrate de sacarlo bien en la cámara. Bueno, eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. [MÚSICA] 10. Técnica// Cómo dar forma a la iluminación: [ RUIDO] [MÚSICA] En este video, te voy a estar mostrando los diferentes tipos de técnicas de iluminación. Estas son las técnicas de iluminación que uso y he visto en las películas. [ RUIDO] El primero es la iluminación de Rembrandt. Esto originariamente provenía de un patrón llamado Rembrandt. Utiliza técnica de iluminación en la mayoría de sus pinturas. ¿ Qué hace la iluminación? Crea profundidad en la cara del talento, creando sombra en el lado opuesto. También crea esta forma de iluminación triángulo en la mejilla del talento. Muchas películas de Hollywood utilizan este tipo de técnica dándole un aspecto más dramático. Además, dependiendo de la posición en la que coloques tu cámara. Si lo colocas en el lado brillante, se llama la luz ancha. Si lo colocas en el lado oscuro, se llama el lado corto claro u oscuro. Esta es la técnica de iluminación que utilizo en todos mis videos. Simplemente me gusta la forma en que se ve, no es demasiado dramático y no es demasiado plano. Segunda técnica es la luz delantera. Esta es, con mucho, la técnica de iluminación menos cinematográfica de todos, porque como la iluminación está justo frente a ti, no hay sombras en el rostro del talento haciéndolo una imagen plana. Esta técnica se usa más en anuncios de belleza, espectáculos de comedia, porque su objetivo no es que se vea cinematográfico, más bien natural. Tercera técnica en la lista es la iluminación dividida. mitad del rostro del talento es oscuro y la otra mitad está iluminada. Esta técnica se utiliza en películas o escenas dramáticas haciendo que el actor se vea más duro y malo. La técnica Forth en la lista es la luz superior. Lo que hace esta iluminación, le da al sujeto medias sombras en los ojos y lo llaman ojos de mapache. Típicamente, esto se utiliza para escenas con luces artificiales, como un foco de foco de luz, o incluso el sol afuera, haciéndolos más motivados. Este look puede darle un aspecto dramático al actor, y haciéndolo parecer el malo de la película. O si puedes suavizar la luz, pueden tener un aspecto más natural como un día nublado. También puede iluminar un conjunto entero. Quinta técnica en la lista es la luz de fondo. Esta técnica se usa más en las películas de terror, dándoles más una mirada malvada a ella. Esto ilumina el aspecto más poco halagador del rostro del talento, como la barbilla y debajo de la nariz. Pero si vas más de una mirada dura, entonces esta es la iluminación a la que debes ir. Sexta técnica en la lista es luz de fondo. Esto le dará al talento tener aspecto de silueta a ella. Esto es bueno si quieres introducir un personaje pero aún no completamente, y tener más de un aspecto misterioso a él. O si el talento está haciendo algún tipo como bailar, correr y cosas así, esta iluminación es perfecta para eso. Séptima técnica en esta lista es la luz de llanta. Yo uso esta luz para iluminarme detrás de mí para poder separarme del fondo. Estas luces se pueden utilizar para introducir un personaje pero aún no mostrar toda la cara, dando más de un misterio aspecto como la iluminación anterior de la que hablamos. Como se puede ver este tiro, la parte posterior de mi cabeza es lo único iluminado, y le puede dar una mirada cinematográfica misteriosa. Por último, pero no menos importante, la octava técnica de esta lista es la luz de color. Esto puede realzar la mirada sobre tu tema, dando más contraste. Puedes agregar contraste por iluminación, profundidad y color. Puedes hacerte súper creativo con la iluminación de color, y es interminable lo que puedes hacer con esta técnica. Sólo te mostraré ejemplos en pantalla ahora mismo. Dependiendo de la historia de la película y o escena, iluminación definitivamente podría ayudarte a dar el look apropiado para contar tu historia. Todas estas técnicas de iluminación tienen un propósito, y debes tener una buena razón por la que lo estás usando. No solo escojas una cierta posición de iluminación solo porque se ve bien, ten una razón por la que lo estás haciendo. Si aprendiste algo de este video, asegúrate de que te guste, suscríbete. Estoy fuera [MÚSICA]. 11. Técnica// Cómo fotografiar en exteriores: [ MÚSICA] Luz dura versus suave. ¿ Cuál es la diferencia? También vamos a estar hablando de luz natural. Pero primero es dura versus luz suave. La luz dura está usando luz sin difusor ni softbox, haciendo que tu sujeto tenga sombras profundas y reflejos brillantes, mientras que una luz suave es todo lo contrario, le da mucho a tu sujeto aspecto más suave y halagador. Observa cómo las sombras se están mezclando poco a poco, no es un hardcore como la otra técnica de iluminación. Al lograr este look suave, todo lo que vas a hacer es colocar un difusor frente a tu luz o puedes conseguir una softbox y conectarlo a tu luz. Parte del engranaje que utilizo para crear luz dura es un Panel LED Neewer, el Godox SL60W sin softbox, y la Neewer Round Light. El engranaje que utilizo para crear luz suave es también el Godox SL60W, pero ahora usando la softbox. También, usa la Luz Redonda Neewer pero mantengo el brillo al 10 por ciento para evitar la luz dura. Cuándo usar luz dura y suave. Bueno, el 95 por ciento de las veces que estarás usando luz suave en los rostros de las personas. Te da un aspecto más natural y halagador, pero un gran momento para usar luz dura está en una escena dramática. Si usas luz dura directamente sobre ti, creará esta mirada de mal humor, dramático y tenso. Otra forma en que puedes usar la luz dura es recrear un look de silueta. Esta técnica es súper simple. Todo lo que tienes que hacer es apuntar la luz detrás tu sujeto o apuntarlo al fondo. A continuación está la luz natural, hay tres cosas que debes tener cuenta al disparar al aire libre. Número 1, la hora del día, Número 2, la dirección, y Número 3, el clima. Hora del día. Dependiendo de la hora del día que elijas, te dará un look diferente. Por ejemplo para retratos rodando al mediodía es probablemente el peor momento porque no sólo el sol está directamente por encima de nosotros, sino que te dará una luz dura. El rostro del talento no va a parecer halagador y podrás ver cada detalle en la cara del talento. Costará sombras innecesarias en la cara del talento, o lo que llamamos ojos de mapache. Evita disparar al mediodía, pero ¿y si te ves obligado a disparar al mediodía? ¿ Qué puedo hacer para tener la mejor iluminación? Bueno, hay tres opciones que puedes hacer. primera opción es encontrar un área sombreada para tener iluminación uniforme. La segunda opción es traer un difusor, y la tercera opción es utilizar un reflector. Esto llenará las partes de sombra de tus sujetos para que sea más parejo. rodaje al mediodía no es todo malo, es genial para los paisajes por la dura iluminación que crea contraste y la ley de saturación en tu imagen. También es genial para las bengalas solares, los tiros de drones, y la hora dorada, lo que me lleva a la mejor hora del día para disparar, que es la hora dorada. La hora dorada ocurre antes de la puesta del sol y después del amanecer. Este es de lejos el momento más bonito para disparar porque crea esta luz amarilla dorada en tu imagen. Echa un vistazo a estos dos disparos. Uno fue tomado en un día nublado y otro a la hora dorada. Como se puede ver, el que se toma a hora dorada es mucho más hermoso. Siempre trato de disparar en este momento al disparar paisajes. siguiente en la lista es el crepúsculo. También se refiere a la hora azul. Esto sucede antes del amanecer, que se llama amanecer, y eso sucede después de la puesta del sol, que se llama anochecer. Este es el mejor momento para disparar bienes raíces, para mostrar las luces en la casa sin dejar de tener algo de luz ambiental. Este también es un gran momento para disparar siluetas de tu sujeto. Por último es la noche. Antes de meterme en los disparos, puedes conseguir asegurarte de que tienes el equipo correcto. Primero, asegúrate de tener las lentes correctas. Ya hablé de lentes en un video anterior, pero ¿qué es esto? Se trata de una lente de longitud focal que tiene una abertura más baja, lo que deja entrar más luz. Otra gran cosa a mirar es el cuerpo de la cámara. Las cámaras de fotograma completo van a hacer mejor en condiciones de poca luz debido al tamaño del sensor más grande. Ahora hablemos de los disparos. rodaje por la noche te da un todo otro sentimiento y vibra como depresión, soledad, flashbacks, y una escena trágica. Pero puedes darle la vuelta a eso y cambiarlo por completo como conexión de libertad, un final feliz y divertido. Disparar por la noche puede ser difícil debido a los problemas con poca luz. Lo que puedes hacer es falsificar el look nocturno, así que más o menos puedes filmar durante el día, te recomiendo un día nublado. En tu cámara, podrías cambiar el balance de blancos para tener un aspecto un poco más azul como 4,000 Kelvin, y subexponer un poco tu imagen. Entonces en postproducción, puedes colorear calificador un metraje para tener este look nocturno. Esto es mucho más fácil y mucho menos trabajo porque tendrías que lidiar con iluminar el inicio de tu escena. [ RUIDO] A continuación hablemos de clima. Vamos a estar discutiendo soleado, nublado, y lluvia ya que estos son los principales tipos de clima que tengo en mi Estado. Un día soleado es lo que llamo normal, sobre todo aquí en California, casi todos los días es un día soleado, por lo que no hay nada especial al respecto. En cuanto a un día nublado, supongo súper emocionado. Un día nublado puede ser una gran oportunidad para disparar time-lapse porque no se puede crear movimiento. Un día nublado es el mejor momento para rodar retratos. El elenco crea una gran difusión en el cielo. Recuerda antes cuando hablé de iluminar los rostros de las personas, necesitas poner una difusión frente a una luz para crear un look mucho halagador. Bueno, eso es exactamente lo que hacen las nubes para crear una gran difusión en el cielo. Por último es un día lluvioso. Todavía tengo que rodar una película en un día lluvioso, pero he rodado un par de fotos. Un día lluvioso es una gran oportunidad para rodar reflexiones. Disparé un par de fotos en el centro usando portales como reflejos para mi sujeto y definitivamente realza la foto o puede mejorar tu video. También puedes aprovechar esta oportunidad para crear textura sobre tu tema por los goteos de agua como un automóvil, un banco, edificios, y muchos más. Como puedes ver, hay muchas iluminaciones diferentes que puedes elegir para tus videos. Pero ten en cuenta, no solo escojas una cierta iluminación solo porque se ve genial. Ten una razón por la que estás eligiendo esa luz específica para contar tu historia o para tener cierta sensación de ello. Bueno, eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. [ RUIDO] 12. Técnica// Cómo configurar los ajustes de audio: [ RUIDO] Te mostré qué micrófonos conseguir, pero ahora te voy a mostrar cómo usarlo y cómo conseguir los ajustes adecuados para obtener la mejor calidad. El primer mic es Deidad D4, que es un micrófono de escopeta. Ya no uso este micrófono porque me actualicé a uno mucho mejor, que hablaremos en un segundo. Pero este micrófono es súper simple de configurar y no necesita muchos ajustes. Todo lo que tienes que hacer es poner el cable de audio en la toma de salida en tu micrófono y conectar el otro extremo a la toma de audio de tu cámara. Enciende tu cámara y estás todo listo. Lo mejor de este micrófono es que se enciende cada vez que enciendes tu cámara, por lo que nunca tienes que recordar encender tu micrófono, sobre todo cuando estás ejecutando tirador de armas. Para obtener la mejor calidad, literalmente solo hay dos pasos. En tu micrófono, hay un interruptor, para mí se ve un corazón de forma vieja. Pero lo que hace esto, te permite obtener audio desde el frente y la parte posterior de tu micrófono. Si nota, la parte trasera también tiene otro mic. Al cambiarlo a dual, podrás obtener audio de ambos lados. En este momento estoy usando eso la Deidad D4 con el lado frontal solamente. Si lo doy la vuelta, va a sonar amortiguado porque el audio sólo viene de este lado. Ahora voy a cambiarlo al doble. Ahora bien, esto es que casa suena como cuando tienen el doble interruptor encendido. Como se puede ver, podría llegar desde el fondo y cuando lo cambio, también podría conseguir la parte trasera porque tengo el audio o el micrófono de la parte trasera encendido, por lo que va a capturar audio desde el frente y la parte trasera. Honestamente, no creo que alguna vez haya usado esta característica. Acabo de dejar que el micrófono venga de la parte delantera porque suena mucho más crujiente. También cuando estás disparando afuera, vas a capturar mucho ruido de fondo, así que solo lo mantengo en la parte delantera para capturar solo mi voz hablante. En cuanto a la configuración de mi cámara tengo Sony A7S III, y tengo mi nivel de audio en nueve. Me parece un lugar perfecto porque no es demasiado ruidoso o no es demasiado tranquilo. Quieres que tus niveles de audio se sientan entre 18 dB negativos y negativos seis dB. Si es demasiado alto, vas a golpear esa marca roja y una vez que hagas clic en eso, no podrás arreglar ese audio. Está demasiado distorsionado y no utilizable. Pero si es demasiado tranquilo, te verás obligado a traer tu audio y pausar y causará ruido. Al igual que cuando tu metraje está subexpuesto y tienes que traer la exposición en pausa, obtienes material ruidoso, lo mismo ocurre con tu audio, pero en cambio, obtendrás ruido de fondo. Ahora, obviamente quieres conseguir el audio justo en la cámara, pero ¿cómo elegir entre tener el audio silencioso o ruidoso? Yo elegiría la pista tranquila porque podrías subir ese audio y agregar un filtro base para reducir el ruido de fondo, y publicar. No es la mejor calidad, pero al menos es utilizable y no tienes que arriesgarte a perderla por completo. Una vez que tengas la configuración correctamente, ahora es como la colocas. Para un micrófono de escopeta quieres tener el micrófono entre 6-14 pulgadas de tu boca. Encontré que esa es la mejor distancia para conseguir la mejor calidad. Si estás demasiado cerca, entonces va a sonar distorsionado y si estás demasiado lejos, recibirías mucho ruido de fondo y algo de eco. A continuación en la lista está el micrófono más nuevo, que es el Rode NTG. Esto en realidad se construye como un micrófono de escopeta, pero en realidad actualmente lo estoy usando como un micrófono boom. Este micrófono sí tiene más interruptor de botón, pero aún muy sencillo de usar. En tu micrófono podías ver tres botones. El primero es el filtro bajo y alto. Lo que esto hace es que se deshace del ruido de baja frecuencia, como el tráfico exterior, todo el ruido retumbado en tu micrófono. Esta característica se beneficiará más si estás disparando un tiro en la cabeza parlante como este. Tengo ese set como 75. El siguiente botón, en realidad tiene dos características. El primero es que reduce 20 decibelios negativos, básicamente simplemente haciéndolo un poco más tranquilo. Esto será genial si estás filmando un concierto en voz alta. El siguiente, te permite tener dos pistas: una pista normal y la otra, una pista mucho más silenciosa sobre 20 decibelios negativos más bajos. Este es un buen respaldo en caso de que tu pista normal haga pico. Puedes reemplazarlo por la vía inferior. Puedes tener esta característica encendida solo para estar seguro, pero por lo general la tengo apagado. El siguiente botón es tu botón de encendido. Pero al igual que el micrófono anterior que te mostré, este micrófono se enciende cuando enciendes tu cámara. Último es esto ahora. Este es el nivel de ganancia. La mayoría de las veces lo guardo alrededor nueve o 10 dependiendo de la situación. Para la configuración de las cámaras, es lo mismo. Lo mantengo en nueve con los niveles entre 18 dB negativos y negativos seis dB. Para la colocación, más o menos es lo mismo que el micrófono anterior, 6-4 pulgadas de la boca, y no lo apunto directamente hacia mi boca, sino hacia abajo en mi pecho. Yo hago eso para que no capte esos ruidos raros de boca como este. [ RUIDO] Lo señalo unas pocas pulgadas por debajo de mi boca. A continuación, hablemos del TASCAM, que es el lav mic. En primer lugar, hablemos sobre los ajustes. Sólo te voy a mostrar los ajustes más importantes que necesitas conocer. El primero es la ganancia de micrófono. Tengo ese set en medio para el corte bajo que se deshace de los ruidos de bajo ruido. Tengo eso en limitador. También tengo eso encendido. Básicamente impide que tu audio recoja. Nivel auto, tengo eso apagado y verás por qué más adelante. Muestra FS, lo tengo configurado a 48 kilohercios, porque la mayoría de las cámaras se graban con ese ajuste exacto, por lo que será mucho más fácil sincronizar en longitud de bit post. Configura eso hasta 24 porque básicamente te dará la mejor calidad. Tipo de archivo, establece eso sobre mono. Esto te permitirá tener un audio tanto a través de canales izquierdo como derecho. Doble registro, tengo ese conjunto en negativo 12 dB. Esto te dará dos pistas, una pista normal y una pista más tranquila. Por eso me puse mi nivel automático porque voy a tener dos pistas y a veces cuando lo tengo configurado para auto, el audio se pone un poco ruidoso en medio del clip y me sale un poco de ruido. Es por eso que tengo la función auto off y por eso recomiendo tener dos pistas para copia de seguridad. Pista inc. Tengo eso encendido. Lo que esto hace es cuando estés grabando audio por más de 15 minutos, hará una pista separada. Lo último en la lista es ahorro de energía. Tengo eso encendido porque a veces olvido encender el micrófono, así que cuando dejo de grabar y por alguna razón olvido apagarlo, automáticamente lo apagará después de las 10 minutos sin usarlo. Puedo ahorrar batería. Estos son los ajustes más importantes que debes conocer. Hay otras características ahí, pero solo las dejaré como está. siguiente en la lista está el Rode NT USB, que es mi mic de estudio. Yo uso este mic, cuando hago voice-overs o a veces cuando hago tutoriales. Es súper fácil de configurar. Tengo este micrófono en el stand, está sujeto a mi escritorio así que siempre que necesito grabar un video o audio, puedo agarrarlo fácilmente y comenzar a grabar. A continuación, necesitas un cable con una impresora a un cable USB. Viene en una caja, pero es demasiado larga, así que conseguí una más corta que mide seis pies de largo. Después de tener el cable conectado al lugar correcto, ajusto la configuración en el micrófono. El inferior es para la ganancia de volumen para monitorear los niveles de audio y asegurarse de que suene crujiente limpio. El de arriba es para los niveles de audio. Lo puse bastante bajo entre el Nivel 0 y el Nivel 1. Por último los abro Notas de Voz. Si estás en el Mac, es absolutamente gratis. Hago algunas pruebas, compruebo si todo está funcionando, y luego finalmente empiezo a grabar. Para este micrófono, está construido para que te acerques al micrófono. Tiene un filtro pop para cuando usas palabras como [RUIDO], no lo distorsionará. Invertir en diferentes micrófonos es súper beneficioso porque están construidos para diferentes situaciones. Si estás en el presupuesto y solo podrías elegir un micrófono de todos estos, honestamente elegiría el micrófono de escopeta porque no solo lo puedes usar como micrófono de escopeta donde lo pones parte superior de tu cámara, también podría usarse como micrófono de estudio como este, o como un micrófono boom como cómo estoy usando eso en este momento. No hace lo mejor en todos ellos, pero definitivamente es una gran herramienta para empezar. Después de eso, iré con el mic lav y luego con el micrófono de estudio, y luego con un micrófono boom fiar. Puedes tener los micrófonos más grandes del mundo, pero si tus ajustes están apagados y no tienes los conocimientos básicos entonces también podría simplemente no conseguir un micrófono. Usa el micrófono incorporado en tu cámara y simplemente configura todo a auto. Esa es sólo mi opinión. Pero eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. 13. Shooting// La importancia de la narración: En este video, vamos a estar hablando de contar historias. Contar la historia a través una imagen visual es muy importante. No voy a estar hablando de guionista como un largometraje porque esa es una carrera completamente separada y no tengo ningún plan sumergirse profundamente en guion o la escritura de guiones en ningún largometraje. En este video, estaremos hablando los fundamentos de la narración de cuentos. Tu objetivo número uno debe ser crear emoción. No importa cuán grande sea tu equipo, lo caro que sean, los hermosos tiros no son tan importantes como contar una gran historia que la gente puede sentir. Al crear una historia, averigua lo que quieres que sientan tus espectadores. Por ejemplo, un video de viaje que quieres que se sientan inspirados, motivados, aventureros y entretenidos. Un video realista, quieres que se sientan cálidos, acogedores, tranquilos y cómodos. Para un comercial, quieres que se sientan como comprar emocionados, convencer e impresionados. Dependiendo de tu estilo de película o historia que quieras contar será diferente para cada género de video,. Pero estos son los principales sentimientos que cada uno de estos videos hará sentir a tus espectadores. número dos es como puedes contar tu historia? Bueno, hay dos cosas principales que debes saber y eso es el flujo y el tiro. El flujo es cómo editas tu video. Por ejemplo, un estilo de edición de ritmo rápido tendrá un campo intenso, rápido y agresivo y el ritmo lento tendrá más de un campo tranquilo, pacífico, y generalmente hermoso al video. Otra forma de contar tu historia es por el tipo de disparo que elijas. Por ejemplo, si quieres que un sujeto se sienta fuerte y dominante elegiré un tiro de ángulo bajo y lo contrario completo de eso es un tiro de ángulo alto haciendo un sujeto se vea débil y asustado. Dedica tiempo a elegir el ángulo correcto para contar tu historia y no confundas a la audiencia. El número tres es elección musical. La música puede hacer que tu película sea diez veces mejor. Asegúrate de pasar tiempo en elegir la música adecuada. Tiene sentido pasar tanto tiempo encontrando la canción o incluso más tiempo que disparar y editar el video real porque pasas horas o incluso días planeando y filmando tu video y para simplemente terminar con una canción promedio es sólo una pérdida de tiempo. Podrías haber encontrado una gran canción y convertir tu video de un video bien a un video increíble. Además, las canciones naturalmente tienen escenarios como una introducción, acción ascendente, clímax, acción caída, y outro. El ritmo de la música a tu video será un poco más fácil. El número tres es color. Dependiendo de la historia que estés contando, dependería del grado de color que elijas. Por ejemplo, un tono cálido encajará mejor para una vista feliz, pacífica, hermosa y caliente. Un algodón se ajustará mejor para un campo dramático, intenso, cinematográfico y de acción. Estas son solo mis opiniones pero definitivamente puedes elegir cualquier grado de color y tener tu propio significado siempre y cuando tengas una buena razón para respaldarlo. Algunos otros grados de color, puedes elegir son desaturados azulado y naranja saturados y un look de ensueño. El número cuatro es etapas. Hay cinco etapas a la hora de contar una historia. El fondo o introducción, la acción ascendente, el clímax, la acción de caída, y la resolución u outro. El fondo se utiliza para mostrar dónde va a tener lugar la escena, como un tiro gran angular o un tiro de dron. Esta es una gran manera de introducir tu ubicación o hora del día. Bueno, puedes rascar eso por completo y tener una misteriosa introducción al tener tomas de detalle o una técnica de iluminación oscura para ahora presentar completamente a tu personaje. No hace que el público se sienta curioso sobre quién es este personaje y por qué misteriosamente están introduciendo a este personaje de esta manera. La segunda etapa es la acción ascendente. Aquí es donde empiezan a suceder estas escenas y también pueden introducir al personaje dependiendo de cómo iniciaste tu intro. También puede ser una escena donde algo importante va a pasar y quieres que tu espectador se pregunte qué pasará más adelante en la película. La tercera etapa es el clímax. Aquí es donde la escena que todos estaban esperando, ya sea un hermoso tiro mostrando el producto que se está utilizando o si es una película, este es un buen momento para comenzar a resolver el problema de la película. La cuarta etapa es la acción de caída. Necesitas preguntarte esto, ¿qué puedo poner ahí que pueda mantener a los espectadores comprometidos? Si estás rodando un cortometraje, esto suele ser cuando los personajes de la película están resolviendo el problema. Por último, la etapa número cinco es la resolución. ¿ Cómo quieres terminar tu video? Bueno, depende. Un video de boda, quieres que lo termine con una pareja siendo amada y feliz. Un video realista, quieres un tiro de dron que muestre toda la propiedad, preferiblemente al atardecer mostrando los espectadores que el video está casi terminado. Cualquier video de producto está mostrando el producto con el logotipo y una llamada a la acción. Cada video es diferente, pero estas etapas pueden funcionar con cualquier tipo de género. Como se puede ver, tener una gran historia es muy importante a la hora de rodar video para clientes porque tener una gran historia equivale a emoción, emoción es igual a clientes felices. Clientes felices iguala dinero en tu bolsillo. El dinero en tu bolsillo equivale a más clientes. Ten en cuenta al grabar el video para un cliente, tu principal objetivo es hacerles más dinero o documentar su día que están dispuestos a pagarte. Bueno, eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. [ MÚSICA] 14. Shooting// Cómo planificar tus tomas de antelación: [ MÚSICA] En este video vamos a estar hablando de preproducción. Te voy a estar mostrando cómo planeo mis videos. Hay otras formas en que puedes hacerlo, pero así es como lo hago yo. Tal vez al ver cómo planeo mis videos, puedes hacerte una idea de lo que te funciona mejor. El número 1 es el concepto de idea. Ya sea que estés haciendo un video para un cliente o un proyecto de pasión, brainstorming idea y averigua a dónde irás para este video en particular. Ya sea que quieras decir producto, un servicio, o contar una historia, anota tus pensamientos para que así tengas opciones para elegir y puedas escoger la mejor idea para ese video. El número 2 es inspiración. Cuando ya tuve mi idea, empecé a encontrar inspiración de otros cineastas. Veo un par de videos y anoto las tomas que me gustan. Por ejemplo, este chispeante comercial de hielo que recientemente rodé, este clip en particular me dieron la idea de Austen Paul en YouTube. Hay otro comercial de bebidas que fueron dos clips en particular. El primero fue la apertura de la lata y la otra era más del estilo. Agregué textos de los sabores de las bebidas, y me dieron la idea de un YouTuber llamado Daniel Schiffer. No hay nada de malo en obtener algo de inspiración de otros creadores siempre y cuando no los copies exactamente cómo lo hacen. El número 3 es la lista preselectiva. Cuando estoy viendo a otros cineastas, escribo mis tomas favoritas. También escribo otros pensamientos que tengo en mente o lo que he visto en otros géneros de video. Intento hacer una lista más larga de la que necesito para poder tener más opciones en la sala de edición. Además, a veces tienes un show en mente y una vez que estás empezando terminas por no poder hacer ese disparo particularmente porque tal vez la ubicación es demasiado pequeña y no hay suficiente espacio, olvidaste traer apoyos o un equipo específico, o el talento puede hacer un cierto movimiento y eso suele suceder cuando estás filmando un comercial de fitness. Tengo múltiples tomas en tu lista en caso de que no puedas hacer ciertos disparos por alguna razón. El número 4 es elección musical. Para este punto, ya tengo el tipo de música que quiero y el humor de este comercial. Por ejemplo, para este espumoso comercial de hielo, quería una canción feliz con una intro lenta y chill con un ritmo fuerte en medio de la canción. El lugar donde consigo mi música es Epidemic Sound. Me encanta esta plataforma musical. Tienen algunas de las mejores músicas para comerciales, y también puedes descargar efectos de sonido como pinceles, impactos, elevadores, y muchos más. Al encontrar la canción perfecta, lo que hago es encontrar una lista de reproducción de Epidemic Sound, y solo repaso todas y cada una de las canciones. A veces incluso paso por el género y el estado de ánimo de la canción. Después descargo 2-3 canciones y la escucho varias veces. Me imagino las tomas que enumeré con la canción como si estoy editando el video en mi cabeza, es lo que llamo shoot para editar. Estoy organizando e imaginando el flujo de la música con el video que estoy planeando rodar. Cuando disparas para editar y te lo hace mucho más fácil cuando estás fuera de disparar porque ya sabes qué tiros quieres conseguir. También hace que sea más fácil cuando estás editando porque ya conoces el flujo. Lo tienes todo organizado, y todo lo que tienes que hacer es colocar esos ciertos clips en el orden correcto. Todo lo que tienes que hacer es ahora agregar efectos de sonido, rampas de velocidad, texto si es necesario, y simplemente cortar por el ritmo. Estos son los pasos que doy cuando planeo un nuevo comercial o un proyecto de pasión. Ojalá puedas hacerte una idea o aprender algo de mi proceso. Bueno, eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. [ RUIDO] 15. Rodaje// Composición y ángulos: [ RUIDO] En este video voy a estar discutiendo composición y ángulos. Cada composición y ángulo tiene un propósito y significado para ella, así que asegúrate de prestar mucha atención y tener una razón por la que eligió ese tiro en particular. Antes de sumergirme en los diferentes tipos de composiciones, quiero hablar de rellenar el marco. Tantos principiantes descuidan esta regla de rellenar el marco. Cuando ignoras esta regla, tus videos se vuelven aficionados y aburridos. Aquí hay un ejemplo de un clip que no rellena el marco y luego disparo del sujeto casi llenando todo el marco. Esto lo hace un poco más atractivo, interesante, y más profesional porque captura todos los detalles del tema. cuanto al primer clip, el sujeto está demasiado lejos. Hay demasiadas distracciones y hay cosas innecesarias en tu tiro. Intenta siempre rellenar tu marco a menos que lo estés haciendo a propósito y quieras mostrar el paisaje. Idealmente, quieres usar esta toma cuando está mostrando una ubicación hermosa y quieres mostrar a los espectadores lo inteligente es la persona en comparación con el paisaje. Cuando sea posible, intenta acercarte o acercarte. Pero además no está solo dentro de tu marco, también es lo que no está en tu marco. Para un ejemplo de esta toma de mí en mi oficina, hay tantas cosas en el fondo que distraen al espectador. Puedes deshacerte de las cosas en el fondo o bajar tu apertura para tener más desenfoque de fondo o también puedes hacer ambas cosas. Pregúntate, esto, ¿ mi trasfondo ayuda a contar mi historia, o es una distracción? Si se trata de deshacerse de él de inmediato. A continuación en la categoría está la composición. La composición es la forma en que los elementos de la escena están dispuestos en el marco de la cámara. Básicamente cómo colocas tu tema en el marco para que se vea tan hermoso y agradable de mirar. Voy a estar discutiendo las cinco composiciones principales , regla de tercios, simetría, líneas de liderazgo, patrones y líneas rectas. primero de la lista es regla de tercios. Básicamente al componer tu tema, quieres colocarlo en estos cuatro cuadrantes. Cuando estás disparando a alguien mirando lejos de la cámara, quieres colocar el sujeto ya sea en el lado derecho o izquierdo, dependiendo de dónde estén buscando, quieres hacer espacio en frente a ellos, dándoles dejar espacio, no detrás de él sino frente a ellos. Idealmente, quieres usar su composición cuando alguien está mirando algo o hablando con alguien, digamos que estás disparando a dos personas hablando entre sí. Llamemos a este tipo Talento 1 y a este tipo Talento 2. Para Talento 1, lo estaré enmarcando por el lado derecho y Talento 2 será marco en el lado izquierdo. Cómo los cineógrafos traen este tipo de escenas está rodando por encima del hombro, aún aplicando estos mismos principios, pero ahora estás agregando el otro hombro Talents para sumar profundidad y para rellenar más del marco. Otra forma en que puedes usar esta composición es cuando estás filmando un paisaje, donde coloques tu horizonte dependería de cuánto quieras mostrar. Por ejemplo en este tiro, puse el horizonte en el tercio superior para mostrar más de los autos que pasan. Para este tiro, puse mi horizonte en el tercio inferior para mostrar más de las nubes. Asegúrate de elegir el encuadre adecuado para contar tu historia y en qué quieres que los espectadores se centren. También estar al tanto de espacio libre. No quieres darles demasiado espacio ni cortarles la frente. Por lo general, quieres colocar sus ojos en el tercio superior para enmarcar adecuadamente a tu sujeto. Para tomas más ajustadas, quieres colocar los ojos en el tercio superior y sus bocas en los tercios inferiores. cuanto a enmarcar, preferiría cortarles la frente en lugar de su boca, sobre todo cuando están hablando, aunque no estén hablando, todavía prefiero mostrar sus bocas en el marco porque definitivamente se ve mucho mejor que si mostrara sus frentes. número 2 de la lista es la simetría. simetría se refiere al material organiza de tal manera que transmite un sentido de unidad a través la repetición de uno o más elementos. Básicamente una forma más fácil de ponerlo es tener igual tamaño desde el lado derecho e izquierdo del marco. Al igual que por ejemplo, esta charla en tiro a la cabeza es muy simétrica porque tenemos los estantes flotantes y las bombillas en ambos lados. Sería raro si me colocaran en el lado derecho y teniendo más sala principal. Por eso me puse en el centro. En ocasiones tiene sentido tener el horizonte en el centro como por ejemplo, este tiro del muelle. Coloco mi sujeto y mis horizontes en el centro porque es muy simétrico. No siempre tienes que poner tu tema en uno de los tercios. Hay algunas situaciones en las que he colocado las cosas en el centro porque se ve mucho mejor. El número 3 de la lista es la profundidad. Hay tantas formas en que puedes usar la profundidad. Te muestro otras formas en otros videos de esta clase, pero en esta sección estaré discutiendo dos vías. Una forma en que puedes usar la profundidad es bajar tu apertura. Al bajar tu apertura, creará profundidad en el fondo, o lo que llamaríamos es profundidad de campo. Siempre uso una abertura baja porque me gusta tener ese desenfoque de fondo. Si elevo mi apertura a, digamos F22, todo está desenfocado y no va a crear profundidad. Otra forma de crear profundidad es tener algo en primer plano solo para hacer que tu tiro sea más tridimensional e interesante de mirar. Otra razón por la que quieres usar esta técnica, especialmente cuando estás en una amplia distancia focal, crea movimiento. Echa un vistazo a estos dos tiros, a la izquierda, no estoy usando ninguna profundidad y parece que no me estoy moviendo en absoluto. En cuanto al clip de la derecha, hice algo en primer plano y es obvio que estoy panqueando lado a lado. También solo lo hace 10 veces mejor cuando agrego algo en primer plano. número 4 de la lista es líneas de liderazgo. Al disparar en el paisaje, siempre trato de encontrar líneas de liderazgo. Esto hace que sea agradable a la vista y esas líneas naturales siempre conducen al sujeto. Como director de fotografía, siempre trato de encontrar puentes, caminos, senderos y vallas. También al disparar a personas, se puede colocar el talento cerca de un lugar con líneas de liderazgo. Esas líneas pueden llevar a los ojos del espectador y al sujeto principal. Por último, el número 5 de la lista es patrones y repeticiones. Al usar patrones en edificios, paredes, o incluso el paisaje, es súper agradable para el ojo humano. También uso formas para enmarcar mi tema. Simplemente hace que sea más interesante y más satisfactorio mirar. Ahora que hemos hablado de la composición, pasemos a los ángulos. Voy a estar hablando de 10 ángulos principales que usan los cineastas, cineastas. Un disparo de dron, un tiro ancho, tiro de vaquero, disparo medio , tiro de cerca, tiro de cerca extremo , ángulo bajo, ángulo alto, corte, y PDV. Cuando se trata de contar tu historia, tener múltiples ángulos puede ayudar o quitarle tu historia. Por lo general, cuando estás filmando una película cinematográfica, necesitas tener múltiples ángulos para contar tu historia y que tu película mantenga la atención del espectador y simplemente hacerla menos aburrida. Por ejemplo, aquí hay un cortometraje usando todos estos ángulos. Échale un vistazo. [ MÚSICA] [RUIDO] Como se puede ver, esa película contó la historia muy clara. Sí, uso una cámara que puede disparar 4K con gradación de color, diseño de sonido, barras negras, música y transiciones. Pero fue principalmente de los ángulos que utilicé. Pero a veces usar muchos ángulos puede quitarte tu historia y hacerla más confusa. Por ejemplo, si vas a por un ritmo más lento, solitario y triste, y triste uso de múltiples ángulos probablemente no sea la mejor opción. Déjame mostrarte un ejemplo, compruébalo. [ MÚSICA] Como se puede ver, fue un poco confuso. Vamos por una película lenta y triste donde el ritmo y el flujo del video realmente no coincide con la emoción y lo que sienten los espectadores. Ahora hagamos eso de nuevo por este tiempo solo usando un disparo, compruébalo. [ MÚSICA] Ahora eso es mucho mejor. El uso de un tiro de gran angular define que este personaje se siente solo por su sujeto masivo en un entorno grande. Ahora hablemos de los ángulos que usé en esta película. El primero es el disparo del dron. Me encanta usar un tiro de dron para establecer el lugar o para obtener una perspectiva diferente. El segundo es el gran angular. Este ángulo también podría utilizarse para establecer una ubicación, pero principalmente los cineastas utilizan este ángulo para mostrar más del paisaje. Tres es el tiro de vaquero. El tiro de vaquero obtiene su nombre por su uso popular en las películas occidentales. Se usó para mostrar el arma de los vaqueros en su cintura mientras seguía mostrando el cuerpo completo. Está en medio en un tiro ancho y medio. Hablando de un tiro medio, que es el cuarto ángulo de esta lista, se usa un tiro medio para hacer que el espectador se sienta como si estuviera cerca del sujeto. Esto también es un gran uso para las entrevistas ya que este es el ángulo que normalmente vemos cuando estamos hablando con alguien. El número 5 es el tiro de cerca. Close up shot se utiliza para obtener tiros ajustados de los sujetos que se enfrentan para obtener la expresión y la emoción. También se utiliza para obtener algunas de las tomas de detalle de un sujeto, pero aún así poder ver el entorno del mismo. Si quieres lograr ese look, tienes que sacar tu apertura para que puedas ver más del fondo y no sea tan borrosa. Seis es el tiro de cerca extremo. Este tiro se utiliza para obtener un detalle muy específico de un sujeto. Siempre que uso este tiro, realmente quería que el espectador prestara mucha atención a su punto específico. Ya que por lo general estoy zoom en todo el camino a 70 milímetros, crea una profundidad de campo poco profunda, haciendo que los sujetos se destaquen del fondo. Este tiro se produce al tener una distancia focal ajustada, como un 50-100 milímetros. Los números 7 es un ángulo bajo. Este ángulo es hacer que el sujeto se vea más grande, dominante y más poderoso. También se utiliza para mostrar al sujeto vagar por la hermosa ubicación, mostrando el tema y la ubicación al fondo. El número 8 es el ángulo alto. Es literalmente lo opuesto completo al ángulo anterior. Hace que un sujeto parezca mucho más pequeño, más débil y vulnerable. número 9 es el tiro cortado. Un corte básicamente interrumpe una escena continuamente agregando algo completamente diferente, aún agregando a tu historia, un corte puede ayudar a la transición de una escena a otra sin problemas, y también puede mostrar un ángulo completamente diferente desde otra perspectiva. Por último, el número 10 es el tiro de PDV o punto de vista. Un tiro de PDV crea un ángulo de lo que el personaje está mirando. Este es un ángulo muy interesante para mostrar, sobre todo cuando se trata de una película donde hay mucha acción. A veces hay como efectos locos y trippy involucrados en este ángulo. Como por ejemplo, puedes hacer el personaje se sienta borracho, alto, mareado, y muchos más. Definitivamente podrías hacerte creativo con este ángulo. Esto también se utiliza en escenas deportivas y de acción para llevar a los espectadores a un todo otra perspectiva. Este ángulo generalmente se dispara en una lente más ancha para mostrar más del entorno. Esos son los ángulos superiores que verás en las películas y comúnmente utilizarás. Como se puede ver, involucra todos estos ingredientes para crear una película cinematográfica. No ignores estas profundidades porque tus películas probablemente no se verán profesionales y no obtendrás ningún cliente pagado. Asegúrate de que realmente dominaste estos dos principios y practica todos esos tiros que acabo de enseñarte. No solo mires este video y olvídate de él, escribe notas en tu diario y sal y empieza a aplicarlo a tu próxima sesión. Bueno, eso es más o menos. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de pegarme. 16. Edición// Cómo empezar un proyecto: [ MÚSICA] Qué pasa, chicos, en el video de hoy, y en los próximos cuatro o cinco videos, vamos a estar hablando posproducción, del lado de la edición. En este video específico, quiero estar hablando de organizar tus metraje, crear carpetas, cómo iniciar un proyecto, todas las funciones que necesitas conocer en Premiere Pro, y atajos de teclado. Esta primera lección del lado de la postproducción es imprescindible porque esto mejorará drásticamente tus habilidades, y podrías comenzar a editar rápidamente, sobre todo si memorizas esos atajos de teclado, y personaliza tus teclados que te funcionen mejor. Todos son diferentes, te voy a mostrar mis atajos de teclado personalizados, y por qué elegí esos atajos específicos, y te diré qué hace cada característica, y todo, y por qué lo elegí, para que así, pudieras implementar eso en tus atajos de teclado para que pudiéramos terminar de editar todos tus videos mucho más rápido, empecemos. Disparé un comercial de auriculares, sólo por diversión, sólo para mostrarte cómo planeo estos comerciales, estas películas, estos videos, y luego te voy a correr abajo de elegir el tema, pre- planeando, creando una lista de tomas, un storyboard, y luego después de eso, te podría decir por qué elegí esa toma cuando estamos editando, y luego la elección musical, el flujo del video, cómo quiero que jugar hacia fuera. Ahora mismo, vamos a nuestra carpeta, y aquí mismo ya tengo el comercial, que es el comercial de auriculares, y tengo un metraje de carpeta, estas son las metraje que grabé, y la música. Ahora mismo abramos Premiere Pro [MÚSICA]. Cuando abras Premiere Pro vas a conseguir una página que se vea así, y todo lo que vas a hacer es ir a New Project a la izquierda, y luego podrías titularlo, yo podría titularlo esto, yo no sé, comercial de auriculares, y luego navega, y luego elige dónde quieres guardar estos archivos premier. Ya sé dónde voy a guardarlo, voy a guardarlo en mi carpeta Premiere Pro. Voy a ir a guardar los archivos premier, comercial, y parece que no creé una carpeta, así que voy a hacer eso ahora mismo. Voy a ir por aquí, y crear Premiere. Podemos hacerlo de nuevo, y encontrar la carpeta. Este video va a ser una secuencia de 1080p, grabé en 4K, pero voy a ponerlo en una secuencia de 1080p, esa manera tengo espacio para recortar, y solo la calidad sale mejor en general. Lo que voy a hacer es sólo conseguir los activos o el metraje, voy a conseguir el metraje, y la música, sólo arrastrar, y soltar. Lo que me gustaría hacer es, me gusta etiquetarlas por color, por metraje, siempre las etiqueto en azul, y luego música, siempre las etiqueto como amarillas. Puedes etiquetarlas donde quieras, y para hacer eso incluso podrías crear tus propios colores personalizados, y para hacer eso, podrías ir a Premiere, presentar , preferencias y etiquetas, y puedes solo personaliza tu propio color como quieras. Hablaré de esto en los atajos de teclado en cada número de mi teclado es de un color diferente, cada vez que creo una nueva carpeta para Premiere Pro, etiqueto en cada color. Entonces para comenzar un proyecto, para tener una secuencia, ya que mencioné que va a ser un 1080p, y este metraje se filma en 4K, voy a tener que crear mi propia secuencia, cada vez que hagamos un secuencia, creo otra carpeta aquí mismo, nueva curva, y acabo de etiquetar esta secuencia, y lo puse en verde. Lo que hago es subir aquí a archivar, nuevo, secuencia, subo aquí en SLR digital, 1080p, y 24. Eso crea una secuencia de 1080p con 24 fotogramas por segundo. Lo que hago es simplemente arrastrar el metraje, arrastrar todo el metraje, y ahí está tu primer paso. Como se puede ver, es recortar porque estamos obteniendo un metraje 4K, y dopándolo en una secuencia de 1080p, se va a acercar, eso está bien, sólo podemos alejar al 50 por ciento, y podríamos simplemente copiar toda la secuencia de cada metraje, así como esto, y podríamos conseguir el resto de éstos, y simplemente copiar exactamente la misma secuencia. Ahora, que tenemos todo el metraje, quiero hablarles con ustedes acerca de algunas de las principales características que sabían que ahora están aquí. Lo que tenemos aquí es la línea de tiempo, es donde vas a pasar la mayor parte de tu tiempo al editar, este es el lugar donde vas a poner todas tus metraje, todo tu sonido efectos, música, activos, títulos, transiciones, todo se hace aquí, y si vamos a la derecha, estos son tus niveles de audio. Asegúrate de que cuando estés haciendo un tiro parlante en la cabeza, en este caso, no vamos a estar haciendo un tiro parlante en la cabeza, pero como por ejemplo, un tiro parlante como este, quieres hacer seguro que tus niveles de audio están alrededor de 12 a seis, eso es como los puntos dulces, por lo que puedes tener ese audio cristalino limpio. su izquierda es igual que otras características, normalmente no uso estas, tengo atajos que les voy a contar más tarde chicos. Justo aquí en la izquierda está tu pin de proyecto, es donde vas a poner todos tus activos de metraje, y simplemente organizarlo como, oh, lo tengo aquí, tengo la secuencia, tengo el metraje, música, eventualmente tendré efectos de sonido, y podríamos etiquetar eso y colorearlo, poner un rojo. Entonces podríamos tener títulos, podríamos etiquetar eso como verde, o tal vez azul, y luego podemos tener otro para activos, podríamos etiquetarlo como verde. También en esta carpeta o esta bin, tienes el panel de efectos, tienes presets, tienes efectos de audio, tienes transiciones de audio, efectos de video, transiciones de video, y todas estas cosas. Cuando compras un preset o una transición en un sitio web como bloques de juguete de movimiento o carrera, típicamente, aquí es donde se va a colocar. En la parte superior está tu control de efectos, aquí es donde controlas los efectos de tu metraje, por ejemplo, vamos a hacer click en este metraje, podrías escalarlo, acercarte o alejarte, se podría ajustar la posición de izquierda a derecha, arriba, abajo, la rotación, y todas estas cosas. También cuando coloreas correctamente, también tienes este panel aparecer aquí, y luego tienes estos otros como mezclador de clip de audio, tus alcances Lumetri, es donde tu color se corrige. Hablando de color correcto, hay otro panel justo aquí donde es color, no sé por qué desapareció. Si no tienes este alcance de color Lumetri, podrías subir hasta aquí a Windows, y solo da click en los ámbitos de Lumetri, y eso aparecerá, no sé por qué aparece así, podrías subir hasta aquí a Windows, y solo da click en los ámbitos de Lumetri, y eso aparecerá,no sé por qué aparece así, normalmente aparece más grande. Estos son tus alcances Lumetri, aquí donde vas a estar mirando cuando colores correctamente, y hablaremos de ello más tarde, pero aquí es donde miro cuando me aseguro que mis tonos de piel son precisos, es que demasiado saturado, demasiado desaturarlo, hay suficiente contraste no está demasiado sobreexpuesto, subexpuesto, los colores son justo, aquí es donde monitoreo, y me aseguro que mi corrección de color está en punto. Entonces tenemos el panel Efectos, aquí es donde agregas ácidos Leno o gráficos en movimiento, audio, es bastante autoexplicativo, es donde ajustas el audio, asegúrate de que esté sonando limpio crujiente, subtítulos, ahí está el panel o sección de subtítulos. He estado usando esto últimamente para redes sociales, no voy a estar hablando de esto en este video porque no lo vamos a usar. Bueno, si queremos crear esos subtítulos, subtítulos que te han visto en TikTok o Instagram, ahí está el lugar para ir. Esas son las secciones que debes conocer. Ahora, para los atajos de teclado, te mostraré cómo personalizo mis atajos, y por qué. Queremos personalizar los atajos o saber cómo lo hice, tú vas a Premiere, y atajos de teclado. Si quieres, podrías hacer una captura de pantalla esto o tomarte una foto de esto, y tal vez copiar exactamente cómo lo hice, pero la razón por la que lo hice así es, me lo hace más fácil, hace que mi edición de flujo ir mucho más suave, mucho más rápido de esa manera no tengo seguir yendo a archivar, y encontrarlo, solo hago clic. Los que te recomiendo que pongas tus atajos de teclado están aquí mismo. P, tengo el recorte de ondulación, básicamente lo que hace es, el metraje que quiero iniciar o la parte donde quiero empezar está aquí mismo. Lo que Q hace o creo que es ondulación, corta lo que hay antes, y comienza desde este punto. Si empecé desde aquí mismo, si presiono Q, borra todo antes de eso, y empieza desde ahí mismo, y si eres principiante, normalmente solo vas a ir a C para cortar, cortar esa parte, eliminar esto, y suprimirlo. Eso es como tres pasos justo ahí, en lugar de hacer eso, todo lo que tengo que hacer es solo presionar un botón , así como eso. Para el otro, que es W es exactamente lo contrario, una vez antes, se corta justo después. Vamos aquí mismo, queremos recortar esta parte, todo lo que tienes que hacer es presionar W, y si quieres eliminar lo que hay en el medio, por ejemplo, si no quiero este video o este clip por completo, solo podría presione R, y que borre todo el clip, y fusiona el clip antes, y el clip después juntos. Esto es lo que quiero decir, si presiono R, hace todo por mí en lugar de tener que borrar esto, y juntar esos clips. Los que mencioné, W es ribete ondulación a continuación para jugar adelante, y R es ripple delete, asegúrate de poner esos atajos de teclado, y a tu teclado. Recuerda, mencioné que en mis números, tengo todos los colores, bueno, aquí están todos los colores que tengo, uno que tiene un azul real, dos rojos, tres amarillos, cuatro verdes, y así sucesivamente. Se pueden ver todos los colores que tengo, y trato de mezclar los colores para que de esa manera no se vean similares, traté de tener de oscuro a saturado a luz, de esa manera, todos se ven diferentes, y no me confundo en cuál es. Apenas otras aleatorias como la herramienta de tipo, la marca en, marca fuera, el enlace de la herramienta pluma. Enlace es cuando enlazas dos clips juntos, y luego otros, al igual que la herramienta de mano, las ganancias de audio, el marco del partido, el redo, el corte, la herramienta de afeitar, todos estos te recomiendo poniendo en tus atajos de teclado para que así estés editando, postproducción va sin problemas, y terminas tu edición mucho más rápido. Eso es más o menos para esta sección, esas son todas las cosas que necesitas saber. En el siguiente video, estaré hablando de tamizar el metraje, cómo escoger el metraje correcto, por qué elegí ese metraje, razones por las que eliminé clips específicos, y simplemente corriendo a través del proceso de tamizado. También te voy a estar mostrando el plan tengo para este video, por qué elegí ese plan, y justo cómo voy a ejecutar este video, esa manera tiene sentido. Es bueno para el marketing, es bueno para los negocios, y lo que necesitas esperar cuando estés editando estos proyectos para otras empresas, si tienes alguna otra pregunta de películas, por favor háganme saber [MÚSICA]. 17. Edición// Cómo hacer un Sift de tu material: Qué pasa, chicos. Bienvenido a la Parte 2 del lado editor del cine. En este video, realmente estoy hablando de cómo tamizo a través de mi línea de tiempo, qué clips elegir, por qué escogí ese clip en particular. Al igual que crear el flujo del video, la historia, y solo la pre-planificación de crear un comercial. Este video o este comercial va a ser sencillo. Va a ser un comercial de auriculares. El motivo principal o el propósito principal de este video es, por lo que un video creadores o incluso profesionales en el lugar de trabajo, tendemos a distraernos por todo este sonido y ruido en este entorno. El punto de este video es crear un comercial. Usar audífonos podría ayudarte a concentrarte en tu trabajo. Se deshace de todas las distracciones. Es cancelación de ruido. Quiero crear un comercial que se deshace de eso y te ayude a mantenerte más enfocado en la tarea. Voy a estar desplazándome por elegir el mejor de los mejores metraje. Para este primer clip, creo que este clip fue como una prueba. Esta es una prueba. Podríamos deshacernos de eso. Este es el primer clip. Para la intro, empecé conmigo abriendo la laptop. Veamos. Creo que lo hago varias veces. Por lo general, el último intento es el uno. Volvamos, justo aquí. El motivo por el que quiero así es que quiero que se sienta como si estuviera a punto de sentarme. Podríamos empezar desde aquí mismo, y aquí es donde los atajos de teclado son útiles. Ahora mismo quiero presionar Q porque quiero borrar todo lo que hay detrás de mí aquí mismo, eso está detrás de este clip. Si presiono Q, mira lo que hace. Se deshace de todo lo que no quiero. A lo mejor podría volver nuevo justo cuando estoy a punto de sentarme. Así, abro la laptop. Como pueden ver, mi cara se está volviendo loca, no puedo concentrarme, tengo mucho trabajo que hacer y no puedo enfocarme en mi trabajo por todo sobre las distracciones. Sólo me desplazo. Todo esto es utilizable. Justo aquí es cuando empiezo a hacer esa parte donde me estoy volviendo loco y estoy a punto de alcanzar mis audífonos. A lo mejor podemos conservar esta parte. A lo mejor acaba de cortar esta parte, hacerla más corta, y conseguir la parte donde empiezo a estresarme. Veamos, hago múltiples tomas cuando empiezo a hacer las expresiones faciales. Aquí mismo. Se puede ver mi cara es como si tuviera ansiedad, estresando, frustrada porque no puedo concentrarme. Es por eso que recojo los audífonos. Espera, tengo otra. Me gusta mejor el que tiene la camisa. Este es el mejor clip. Llego a los audífonos. Entonces es entonces cuando empiezo asintiendo con la cabeza, yendo al ritmo, a enfocarme, yendo con el flujo. Ese es un clip. Entonces decidí hacerme un tiro medio. Probablemente no me necesite de abrir la laptop en este ángulo, pero es bueno tenerla solo para estar seguro porque principalmente uso este tiro para mis expresiones faciales. Podemos simplemente cortar esta parte y simplemente hacerla más corta para que así no tengamos un montón de metraje innecesario aquí mismo. Puedes empezar mi cara entrando en ella. Esta es una toma de primer plano, yo abriendo la laptop, sólo para que pueda tener diferentes ángulos. Veamos. Podemos empezar desde aquí mismo. Juega eso. Esto sólo se va a utilizar por un segundo. Eso es más o menos. una toma de apertura Premiere. Porque este comercial va a ser bastante corto, tal vez como 15, 20 segundos, en algún lugar por ahí, no quiero ningún clip innecesario. Eso es todo. Eso es todo lo que necesitamos. Este próximo clip va a ser un clip de mí. Voy a enmascarar un clip en este rectángulo negro, la secuencia, y voy a acercar a un video que grabé en el pasado, yendo con la música, un video de ritmo rápido y solo representando que cuando tienes unos buenos auriculares con cancelación de ruido, te metes en la zona y en realidad te enfocas y podrías ponerte creativo. Eliminas todas las distracciones, y eso es lo que quiero hacer. Quiero hacerte sentir como si estuvieras vibando con la música, estás vibing con el video, estás vibing con el editor en este video, y de eso se trata este clip. Quiero conseguir un clip. Este clip me moví un poco a donde voy con el ritmo de la música. Lo estoy disfrutando, pero tampoco quiero que mi camisa vaya más allá de este rectángulo porque voy a estar enmascarándola y me va a llevar mucho más tiempo fotografíe todos y cada movimiento. Algo así como justo ahí. Ese es el tiro. En este clip de abrir el Premiere, voy a acercar porque no quiero todas estas distracciones. Podemos ir todo el camino a 100. Eso es bueno de disparar en 4K y abrir una secuencia 1080P, es que tienen la flexibilidad para acercar y no perderás esa calidad. Técnicamente, este tiro es 1080P porque estoy acercando, y 4K OB si me acerqué al 50 por ciento. Pero quiero que los espectadores se centren en Premiere Pro, así que voy a acercar. Lo bueno de ello es que puedes escalar y posicionarlo como lo quieres así. Podría acercarme un poco a éste, pero ya veremos. Para este clip, me dieron una oportunidad moviendo los pies al ritmo. Hice múltiples formas de levantarme el pie al ritmo. Podría obtener sólo uno genérico de simplemente ir así. O tendré dos opciones, pero ya veremos. Eso es todo lo que necesito. Sólo necesito tres segundos. Podríamos cortar eso. Podríamos encontrar el otro de ritmo más rápido, éste. Podríamos cortar esa parte y luego tenemos la otra. Creo que quiero quedarme con los tres sólo para tener la flexibilidad. En este tiro, sí quise conseguir un disparo con mi perro moviendo la cabeza por ahí, pero no me dieron ese disparo, así que vamos a tener que eliminar este tiro por completo desafortunadamente. Este tiro, quería conseguir un primer plano de los auriculares, sobre todo en el logo de ahí mismo. Quería que me tomaran un tiro moviendo la cabeza y asintiendo con la cabeza al ritmo. Podríamos ir aquí mismo. Además, estoy prestando atención a mis ojos porque si miro hacia abajo, estoy mirando literalmente aquí abajo, pero quiero mirar mi laptop, que está aquí mismo. Necesito prestar atención a eso también. Aquí mismo, aquí es donde empieza. Sólo necesito unos segundos. Este tiro es una toma de mí encendiendo los auriculares, entonces podría poner algunos títulos de esto es Bluetooth y esto es cancelación de ruido. Creo que el último disparo fue justo ahí. Podemos empezar desde ahí mismo. Eso es más o menos. Tengo dos minutos de metraje, y eso es todo lo que necesito. Después de tener los clips que quiero, tamizo a través de él. Por lo general, es más largo. Normalmente tengo que pasar por una hora, dos horas, cuatro horas, ocho horas de metraje, y siempre lo condenso. Por ejemplo, si tengo ocho horas de metraje, lo condensé a, digamos, cuatro horas. Después tomo esas cuatro horas, lo condenso ahora a una hora, y luego lo condenso hasta media hora. Cuanto menos clips tenga, mejor, para que así no tenga que pasar por cada clip, ni los clips temblorosos, el metraje donde está mirando hacia abajo, el autofocus, innecesario clips quizá porque el tiro no era bueno, estaba fuera de foco o se sobreexpuso, sea lo que sea. Siempre obtengo lo mejor de las mejores metraje y me aseguro de tener el metraje adecuado para contar mi historia, o para contar la historia de mis clientes. Quiero mostrarte la elección musical que elegí y por qué la elegí. Tengo dos tipos de música, uno, una canción de ritmo rápido, y uno, una canción lenta. He aquí el porqué. Déjame mostrarte los sonidos primero. Creo que éste es el rápido. Esta canción es la rápida, y esta va a reproducirse casi a lo largo de todo el video. Entonces tuve que frenar la canción, que está justo aquí. El motivo por que tengo esta canción es porque cuando estamos editando y nos metemos en la zona, tenemos esta música ruidosa, intensa, de ritmo rápido y pensamos que somos tan cool, editando grandes metraje desde la puesta de sol o en la playa o en el centro LA con los edificios y se ven tan hermosos. Pero la realidad por fuera, solo somos un tipo en una laptop. Por eso elegí esta canción de ritmo lento. Quería hacer una broma al respecto. Cuando tienes auriculares, estás en la zona sin distracciones, nadie lo arrastra a menos que te quiten los audífonos. Eso es sólo todo el propósito de este video, y por qué elegí estas dos canciones. momento, estaría eligiendo los efectos de sonido porque este comercial sí requiere de muchos efectos de sonido, sobre todo para el inicio. Las distracciones que voy a poner tráfico, quiero poner otro sonido de TV, la radio, ajuste automático. Otras cosas en las que podría pensar están bien, eso es una distracción en el lugar de trabajo o en tu casa, o tal vez alguien cortando el césped o los platillos o simplemente cosas así, algo que escuchas en una base regular que está distrayendo y volveré enseguida. Ahora que has encontrado tus efectos de sonido, es hora de pegar este video juntos. Para mi intro, probablemente no voy a estar hablando mucho en esta sección del video. Pero, te voy a estar mostrando literalmente paso a paso sobre cómo lo edito. Trataré de explicar mis pensamientos y mi proceso y lo que estoy haciendo de la mejor manera posible, pero sobre todo sólo va a ser enorme como verme editar. Lo que me gustaría hacer aquí es, vamos a ver, déjame resolver esto. Para la música, por suerte que la música de ritmo rápido tenga una lenta intro. Por ejemplo, esto, no esa parte sino por aquí. Pero como dije, voy a empezar con la música fuerte o el ambiente más fuerte, las distracciones. Voy a conseguir muchos efectos de sonido y colocarlos aquí mismo para que así suene natural. Esto es lo que quiero decir. Si ves aquí abajo, esto es todo lo que tengo, solo tengo dos secciones de la porción de audio, pero quiero hacer más. Cuando hago eso es hacer clic en “A” para agregar pistas. Si vas al audio, voy a añadir tal vez cinco más, porque voy a añadir mucho más efectos de sonido. Entonces aquí mismo, veamos. Vamos a traer esos por aquí. Voy a usar los planos de primer plano , pero ya veremos. No creo que eso sea necesario, el primer plano, porque es rápido. Entonces córtala. Derecha fue a abrirla. Justo ahí. Vamos a sacar esto. Entonces estoy capturando el de donde me pongo estrés aquí mismo. En parte para conseguir el tiro de primer plano. Cuanto más pienso ello este primer plano muestra necesario. Siempre que no estoy seguro de la ducha, por lo general sólo lo habilito y agrego el atajo como profundo. Básicamente, no ocultar el eclipse, eliminando el clip. De esa manera no lo elimino por completo. Si quisiera volver a ella o tengo segundas reflexiones o cambié de opinión absoluto aquí mismo. Entonces tal vez en este choque tengamos el blanco. Ahora ocurre sin problemas, no hay cortes de salto. Veamos. Justo ahí. Que iremos por aquí. Entonces necesito conseguir la ducha, enciendo. A veces estos clips de audio es que no voy a usar el audio incorporado desde la cámara, solo puedo borrarlo. Puedes presionar “L” para desvincular, y luego simplemente eliminar el audio porque quiero estar agregando mi propia pieza de audio a ella, lo mismo ocurre con ésta. Eso es todo. Ahora, estamos abajo para lidiar con eso, y pueden arruinar nuestra línea de tiempo. Entonces sólo podría cortar la parte buena. Ya son 18 segundos, así que necesitamos hacerlo un poco más corto. Definitivamente quiero condensar esto, tal vez por aquí. Esto y luego agarro los audífonos, lo encendí, y agarro el choque medio luego los puse así. Empiezo asintiendo con la cabeza, y luego voy a la otra ducha donde abro el estreno. ¿Dónde está? Abrir el estreno? Creo que es éste, desvincula. Entonces obtenemos ese metraje. Podrían estos más así así. El comercial, tal vez 30 segundos, un poco más largo de lo que quería pero está bien. Éste, se recoge lentamente. En realidad, siento que realmente no necesito mostrar premier abierto. Probablemente podamos eliminar eso, o podríamos simplemente esconderlo como lo hice en un pequeño clip. Sólo ve así. Entonces aquí es donde el clip es bueno para acercar. Tendrá un pequeño montaje durante dos segundos. Quería borrar algunas de estas tomas innecesarias, tal vez copiar este clip, encontrar esa parte, y luego encontrar esta parte porque realmente quería conseguir mi shock así. Ponlo aquí, saca esto así así. Entonces justo aquí es donde saldrían los montajes, y luego me iré con el ritmo. Veamos. A lo mejor mi lejano y luego ese. Podría empezar a poner la canción. Entonces aquí es donde encuentro mis pies moviéndose al ritmo. Déjame encontrar uno. Veamos. Qué bueno guardé las tres muestras. Entonces ese. Quizás el primero encaja. Veamos. Éste, este va a ser el video muestra como el Montage. Veamos. Lo quiero por seis segundos, a 23, a 28, algo así. Tal vez menos. Hasta 28 por ahora. Después golpeó al ritmo. Entonces tomaremos los audífonos. Entonces cogeremos otro. Primer plano. Podría acercarme. Eso es lo bueno de disparar 4K que podrías acercar. Tal vez justo aquí. Entonces aquí es donde cambiamos canciones y cambiamos el estado de ánimo. Aún del mismo humor, el personaje sigue en el mismo estado de ánimo y el mismo sentimiento, pero los espectadores lo están viendo de manera diferente. Esto es lo que quiero decir. Entonces lo que voy a hacer es tal vez encontrar unos efectos de sonido, donde es como el ruido ruidoso donde comete un error. Déjame mostrarte en su lugar. Ese sonido, como ese rasguño de grabación que se ve en los dibujos animados. Vamos a cortar esa canción abrupta. Vamos a sumar la otra canción que es más bien una canción lenta. A lo mejor ponerlo un poco más tranquilo como 10. O tal vez lo podríamos hacer es deshacernos de esa canción por completo y usar la misma canción, pero bajarla para que solo escuchemos un poco de los auriculares, digamos 20 por ciento. Tal vez más. Levantemos 10 para que podamos tocar con el bajo. Voy a estar jugando con el bajo. Creo que voy a sacarlo. Vamos a subir aquí al panel Efectos e ir a Audio Track Mixer, ve a esta pequeña flecha que dice “Mostrar/Ocultar Efectos y Envía”, da click en eso. Ya que no quiero meterme con el audio anterior, vamos a poner esto en la segunda pista. Obviamente, no tengo ni idea de lo que estoy haciendo, pero voy a encontrar un filtro que haga que ese audio le quite el bajo. Ya sabes dónde sacas tu música o te disparas el volumen de tus auriculares y luego desde el exterior, aún podías escucharlo. Quiero ese sonido o ese sentimiento. Creo que lo que hay que hacer es sacar el bajo. Volveré y les mostraré chicos. Estoy de vuelta. Yo sí encontré el filtro exacto. Es un bajo y band-pass y así es como suena antes. Entonces encontré el filtro perfecto. Esto es exactamente lo que buscaba. Entonces a continuación lo que vamos a hacer es poner en los efectos de sonido. Entonces, a partir del principio, vamos a poner los efectos de sonido. Veamos. Empecemos desde el bebé. Quiero poner un desvanecimiento en todos estos. No me dejes terminar. Hagamos esto más grande y apaguemos el sonido del bebé. Todo esto va a estar tranquilo. Entonces, justo aquí, ahí es cuando sube. Entonces voy a bajar esto muy bajo. Necesito agregar otro como éste. Va a ser extremadamente bajo. Quiero que esa parte sea súper tranquila. Más tranquilo. Quiero que sea tranquilo a super ruidoso. Ahí vas. Perfecto. Tal vez un poco más fuerte. Por lo que todos los efectos sonoros van a terminar en este punto. Voy a añadir un whoosh o un elevador para bombar los audífonos como, cuando te pones estos audífonos, te estás metiendo en la zona. No hay distracciones, te vas a enfocar en el trabajo que necesitas para hacer, y lo vas a hacer bien. Entonces el siguiente es tal vez el tráfico de la ciudad. Podemos llegar como cualquier punto de ella. Entonces podríamos sumar más pistas y tal vez traer algo de intensidad. Así que tal vez podríamos pasar de aquí mismo a más tranquilo. Entonces podríamos añadir ese, ese sonido de timbre. Tal vez lo empiezo ahí mismo. Lo que podríamos hacer es cortar todo esto y hacer como si estuviera en mis propios pensamientos o estoy como pensar. Lo que podríamos hacer es conseguir todos estos. Haz que estos sean un poco más tranquilos como el 20 por ciento. Quiero hacerme eco de esto y luego podríamos hacer un pequeño whoosh. Sí, eso fue perfecto. A lo mejor éste puede ser uno bueno. Voy a estar jugando con el diseño de sonido y cómo quiero que se vea y suene. En el siguiente video, estaré discutiendo sobre lo que hice con el diseño sonoro y por qué lo hice, así como la gradación de color, los títulos, las transiciones, cualquier cosa creativa que pudiera se añadan a este video. Si tiene alguna otra pregunta más, por favor hágamelo saber. 18. Edición// Añadir transiciones, gradación del color, títulos y música: ¿ Qué pasa chicos? Esta es la Parte 3 de la sección de edición y en el video anterior hablamos un poco sobre diseño de sonido pero realmente no te mostré el proceso ni el resultado final. Ahora que casi estoy terminado, siento que aún podría agregar un poco más. Voy a estar mostrándote lo que hice con el diseño sonoro. No sólo eso, sino que te voy a estar mostrando las cosas divertidas; la corrección del color, gradación del color, las animaciones, las transiciones, los títulos, el outro, cosas así. Te voy a estar mostrando lo que tengo hasta ahora con el diseño sonoro. Como se puede oír, tengo todo el ruido ambiental como las distracciones automáticas. Eso es como el tráfico, bebés llorando, la TV se encendió todo el camino, la cortadora de césped, sólo cosas así, y ahí mismo hay un whoosh que entra en la cabeza del talento como yo necesito concentrarme o necesito enfocarme y no puedo porque si todas estas distracciones en su cabeza, en su mente. Está frustrado, está estresado, y está tratando de encontrar una solución, pero va a encontrar una justo ahora mismo. Entonces se puede escuchar ese latido del corazón y luego volver a la realidad. Ya oíste eso, Bluetooth. Entonces estamos en acción. Como se puede ver, transiciones de la luz. Este personaje o este editor estar en la zona con su proyecto o lo que está editando pero en realidad es sólo una persona en una laptop, eso es todo. Como cineastas, editores, creadores de contenido, nos metemos en la zona donde estábamos editando el video, vamos con la vibra, con la música, o la emoción de lo que estamos produciendo, que es un video. Tratamos de meternos en la zona pero en realidad, así es como nos vemos. Estamos vibando en la música, pero nos vemos ridículos y graciosos. Ese fue todo el propósito de este video es que estos audífonos están destinados a cortar distracciones y para meterse en la zona y son de súper alta calidad. Por eso creé esta pequeña historia corta y, sí, también agregué algunas otras cosas como esta. Con este clip lo que hice es agarrar otro comercial corto que hice hace unas semanas y básicamente lo agregué a mi laptop. Este es el clip original y esto es lo que le hice y es bastante simple. Todo lo que hice es que entré en los efectos. Busqué el bolígrafo de esquina y lo que hace esto, te permite ajustar el clip para que de esa manera encaja perfectamente en esta secuencia desde una laptop, y luego después de eso, agregué una transición de zoom para que así sea se siente como que vamos al comercial o al anuncio y luego hacia el final, eso es todo y luego voy a añadir un efecto de sonido en el zoom así que vamos a buscar uno. Veamos, Efectos de sonido. Entonces podríamos agarrar cualquiera de estos. Tal vez esta parte sea demasiado ruidosa. Bájalo a cinco. Lo mismo con éste. Ahí vas. Me di cuenta en esta segunda fila en el archivo de audio, me llevé la base para este clip. Por eso suena así pero lo puse en la tercera fila y suena perfecto. Ahora vamos a ajustarlo . Entonces hacia el final, quiero agregar otro whoosh u otro efecto de subida. Veamos. Algo como esto. Probablemente deberíamos hacerlo un poco más tranquilo. Número 10. Ya casi estamos ahí. Tal vez dos paradas. Ahí vas. Aquí es donde quiero añadir el logo, para que podamos hacer eso ahora mismo. Ir a Activos o Misc. Todavía no lo he dicho. Agarro el logo que está en algún lugar por aquí. Aquí mismo. Agradablemente, tienen un archivo PNG. Aquí está. Veré si quiero que lo revisemos para tener como un eslogan o algo así que fui a la página web para conseguir ese logotipo. Sí, sí tienen un eslogan, por lo que es mejorar tu vida y dejarte vivir más inteligente. Eso es lo que hace Boltune. Vamos a hacer una secuencia de título. Hice otra carpeta como lo mencionamos. El título es azul y todas estas otras carpetas tenían sus propios colores. Vamos a ir a Títulos, Nuevo, y luego Legacy Title y podemos simplemente nombrarlo, no sé Slogan. Entonces podríamos sumar el título justo ahí mismo. Pega el otro, o pega el eslogan. Para las fuentes, quiero decir, elegiré una fuente simple. Que sea más pequeño. Veamos, haz tu vida mejor y te dejamos vivir más inteligente. Así. Arrastra eso por aquí. Podrías cortar al logo. Tal vez sea demasiado tarde. Realmente genial. Están tratando de conseguir el B, y simplemente lo desvanecemos. Tal vez un poco más suave. Entonces lo que podríamos hacer es ir a los efectos y luego ir a transiciones de audio, crossfade y fade exponencial. Este desvanecimiento, más rápido y simplemente mucho más suave. Ahí vas. Ahora que tenemos los efectos de sonido, el diseño de sonido, la música correcta, es hora de calificar el color, o en realidad el color correcto. Corregir el color es súper fácil. Como se puede ver, este clip es plano. El motivo por el que lo hice, me disparé así es para conseguir un rango más dinámico. Le disparé con 4k y 10 bits, por lo que será bastante fácil. Lo primero que hago es solo añadir contraste y luego iré a las curvas. Añado un poco de reflejos, y agrego algunas sombras. Entonces levanto esta parte en el medio para sumar un poco más de contraste. Eso es más o menos. Pero mi cara está demasiado sobreexpuesta. Voy a derribar los aspectos más destacados. No demasiado. Tal vez como justo ahí. Tal vez agregue un poco más sombras. Eso se ve bastante bien. Eso es lo que hace la gradación de color. Básicamente simplemente gira tu imagen plana solo agregando más contraste. Acabo de añadir el LUT que ya está aquí. He estado usando muchos de estos LUT que es el SL Big Minus Blue. Hace que ese verde azulado y naranja. Lo calmo a otro 20 por ciento y eso es todo. Entonces quizá corrijo mis tonos de piel, voy a la secundaria HSL. Agarro mis tonos de piel para asegurarme de que se vea naranja y no demasiado magenta, no demasiado verde. Acabo de agarrar mi tono de piel porque los tonos de piel se complican un poco. Sólo estoy agarrando cada parte de mi piel, la luz, la oscuridad, los tonos medios. Entonces lo desenfoque. Bajo a mi corrección y mi tono de piel se levanta en los tonos medios. Acabo de levantar eso un poco más amarillo y se ve bastante bien. No quieres que tu tono de piel caiga demasiado amarillo, así, o demasiado rojo o magenta. Quieres ser como justo en el medio y se ve bastante bien, pero creo que voy a añadir un poco más amarillo. Eso se ve bien. No quieres que se vea demasiado amarillo así, o demasiado magenta como este. Justo en el medio y cuanto a la gradación de color que dice al respecto, corrección de color y gradación de color. Después de eso, lo que hago es ir a mis Controles de Efectos y solo copio el estilo de degradado de color y solo aplico a todos los clips como este. Entonces solo voy a asegurarme de que todas estén seleccionadas. Eso es todo. Eso es bueno. Voy con color. Entonces solo revisa dos veces si ninguno está sobreexpuesto o subexpuesto o es demasiado contraste aquí, o demasiado saturado. A lo mejor éste está un poco demasiado subexpuesto. Entonces lo que podemos hacer es solo sacarlo un poco. Va a causar un poco más de ruido, pero realmente no me importa. Entonces éste, veo que ahí está mi frente está sobreexpuesta, pero eso está bien porque estaba exponiendo para los audífonos. Podrías intentarlo pero lo dudo. Eso está bien y eso es bastante bueno para la calificación de color. Para las transiciones, la única transición que tengo es solo esta [inaudible]. Siento que eso es todo lo que realmente necesito. Títulos. A lo mejor este podríamos añadirlo como Bluetooth o algo así. A lo mejor añadir en la esquina, quiero hacerlo obviamente blooper. Quiero añadir el logo. Ver edición y luego tratar de encontrarlo. Es por eso que necesitas organizar todos tus archivos para que sea más fácil encontrar. De esa manera no vas a pasar media hora encontrando un clip y un activo, un efecto de sonido. Asegúrate de estar organizado y etiquetar tus archivos, tus metraje, tus activos, solo para que sea más fácil para ti. Entonces los activos están aquí y Bluetooth, ahí vas, fácil. Entonces escalaremos esto mucho más pequeño y eso se ve bastante bien. Entonces podemos hacer que la parte azul sea un poco más brillante para que podamos destacar. El modo de hacerlo es ir a los Efectos. Ir a Curvas RGB. Agarra ese efecto y ponlo en el clip y luego simplemente hazlo más brillante. Ve al maestro y al blanco y solo los haces más brillantes. Bastante [inaudible] simple. Vamos a añadir poca transición al logotipo de Bluetooth. Podrías ir a efectos y agregar algunos plugins. Si lo desea, podría dejar sus comentarios abajo. Si quieres estos plugins o LUT o alguno de los efectos que estoy usando, por favor deja tus comentarios abajo de ti. Me gusta que esto [inaudible] te los dé de forma gratuita, sin cargo. Sólo porque ustedes están viendo este video y su me están apoyando y apoyando a esta clase. Estaré haciendo más cursos online si quieres que puedas dejar los comentarios abajo. Tal vez algo involucrado con la creación de contenidos como las redes sociales. Si te interesa eso, por favor avísame. Vamos a agarrar los presets. Tengo un preset go-to que tengo en el Zoom. Veamos cómo se ve eso. Para éste, es necesario hacer un [inaudible] y tener dos o 10 fotogramas clave. Lo que quiero decir con eso es, mantenga turno y haga clic a su derecha. Eso te dará cinco marcos, uno, dos. Te conectas y arrastras tu transición. Eso le da esa transición justo ahí mismo. Podrías jugar con todos estos. Simplemente ocupa todo el espacio. Yo lo acelero. Primero anidé, por lo que de esa manera es todo un clip separado. Entonces lo acelero, tal vez como 140. Tal vez un poco más rápido, 160. Eso es bastante bueno. Aquí mismo, quiero agregar algo así como te pongas en la zona o algo así. A ver si podría averiguar algo, pero luego también meterme en la zona. Eso suena como el lema de AutoZone, entrar en la zona, AutoZone. No uses esa. Zone en. Sí, podría hacer eso. Vas a zona en. He notado que esta parte, después de ponerme los audífonos, quiero tener algo así como boom, pero no sé qué. A lo mejor podría hacer la transición a una amplia y luego tal vez podamos agregar algunas superposiciones. Podríamos añadir algunas fugas de luz para que esto saque el negro. Todo lo que tienes que hacer es hacer clic en el clip, ir a la Opacidad, Modo de Mezcla y cambiar de lo normal a la pantalla. Eso hace que el negro sea transparente. Ya que en realidad no soy un gran fan de esta parte en el lado izquierdo, como usar la puerta, la mochila, voy a dar la vuelta a esta superposición que así esté la fuga de luz de este lado y podría un poco de las mochilas y la puerta. Cómo hacer eso es ir a los Efectos. Si quieres ver los efectos aquí mismo, podrías hacer click sobre esta flecha derecha, pinchar sobre ella, y luego hacer clic en los “Efectos” o podrías escribirlo. Podrías hacer clic en “Horizontal Flip”, arrastrar eso al clip y luego voltea automáticamente tu clip. Ahí vas. Podría atenuar un poco la opacidad, así que ahora no es demasiado fuerte. Esto es más como un comercial de storyboard, realmente no muestro el producto en sí. No es como esos anuncios que has estado viendo en Instagram donde tienen una transición genial, estos chulos cool, estos chulos de truco llegaron ahí, esas cosas. Es más un storyboard, algo que probablemente verás en la televisión. Sé que la configuración en el sentido no es la mejor, pero si me pagaron para hacer este comercial, definitivamente contrataré a un actor. Voy a conseguir una mejor ubicación. Prestaré atención al audio, haciéndolo limpio y crujiente. La elección de la música, el storyboard, contar una historia, tener emoción. Voy a pasar más tiempo en eso, pero esto es sólo para mostrarles cómo edito, cómo se me ocurren ideas, cómo lo ejecuto, presten mucha atención al diseño sonoro. Como se puede ver, diseño de sonido, hay 12 filas de sonido. Como se puede ver, el audio es la mitad de la experiencia [inaudible]. Quiero que pases mucho tiempo en la visualización, pero también en la experiencia de audio. Entonces para exportar, es bastante simple. Lo primero, cada vez que edito algo, siempre lo guardo manualmente por si acaso. Premiere ofrece esta característica que guarda automáticamente su archivo o su proyecto cada 5-10 minutos, para que pueda personalizar. Puedo mostrarte ahora mismo. Podríamos ir a Preferencias Premier Pro y Auto Save. No he dicho que ahorre cada cinco minutos porque Premier Pro es conocido por estrellarse. Se bloquea, especialmente cuando estás involucrado con metraje 4K, 10 bits, RAW, ProRes, lo que sea. O si agregas muchos efectos, puede estrellarse Premier Pro. Asegúrate de tener este conjunto cada cinco minutos y máximo, podrías establecer como quieras. Sólo lo tengo, se ahorra por 25 veces y luego también me gusta guardar esto manualmente. En realidad, voy a File, Save As, y luego acabo de poner este es el tercero. Después para exportarlo, es un comando M para el atajo. Dejaré todo como H264 Match. Entonces solo titulo, tal vez Auriculares Comercial - Final. Siempre me gusta guardarlo en el escritorio para que sea más fácil de encontrar. Entonces siempre voy aquí donde dice Basic Video Settings Match Source. Doy clic en eso y luego me desplazo hacia abajo donde dice ajustes [inaudible], subo eso hasta 15 y luego me aseguro de que esta parte inferior izquierda donde dice Usar Calidad Máxima de Render, asegúrate de que sea clicó y eso es todo. Realmente no me enfoco tanto en explorar. Si quieres que tu video salga de alta calidad, todo está en la cámara y la iluminación. Porque si estás filmando en 720 P, no va a salir tan crujiente y tan nítido y limpio que si disparas a 4K, 10 bits, ProRes, RAW y todas esas cosas. Se trata de lo que haces en la cámara y también de cómo iluminas tu set. Después de eso, es una exportación y eso es más o menos. Así es como rodaje un comercial desde la pre-planificación hasta el rodaje, hasta la preproducción y hasta la exportación. Eso bastante resume mi proceso y cómo edito estos videos. En la siguiente sección, probablemente sea la más importante. Puedes tener todas estas habilidades. Se puede saber mucho sobre la cámara y estas cosas tecnológicas y edición, pero si no tienes la vista del negocio, entonces todo esto es completamente inútil. En los negocios, gana la gente que es genial en marketing. Podrías estar vendiendo el producto más horrible pero si tu marketing es bueno, entonces vas a ganar. Si tienes ambos, si tienes un gran producto o servicio y tu marketing está en punto, entonces definitivamente eres imparable. Nadie podría detenerte porque tienes el lado del marketing, que en este día y edad, es muy importante. Hay recursos de marketing gratuitos en las redes sociales. Pero en la siguiente sesión voy a estar hablando del lado empresarial, cómo golpear a los clientes, cómo encontrar empresas para contratarte, qué buscan estos otros negocios al contratar un camarógrafo o cineasta, cómo captar su atención, cómo conseguir los primeros brotes. Si no tienes experiencia en disparar, te voy a estar enseñando cómo conseguir tu primer trabajo, conseguir tu primer rodaje, todas esas cosas. De esa manera no eres un artista en dificultades, no eres un artista hambriento. De esa manera, podrías hacer esto a tiempo completo y poder hacer lo que te gusta, que es rodar y editar. Eso es más o menos. Los veré en el lado de los negocios. 19. Negocio// Cómo conseguir tu primer cliente: [ RUIDO] Ahora que aprendiste sobre el lado cinematográfico, es hora de aprender sobre el lado empresarial de las cosas. Mira, entiendo que no te en el cine para aprender sobre negocios, marketing, y operar la empresa, pero estas habilidades son muy valiosas para aprender. No tienes que ser emprendedor y poseer tu propio negocio, pero podrías ser un en-trepreneur y ayudar al fundador a escalar y operar su negocio. Un en-trepreneur se refiere a un empresario que encuentra un empresario que es dueño un negocio y ayudándoles a escalarlo. Esencialmente convirtiéndose en socios comerciales, pero realmente no estás apegado a la empresa tanto como el propietario. Si la empresa va a la quiebra, se podría más o menos simplemente rebotar y no tener que preocuparse por ello. Obviamente, eso está en mal estado, solo dejar a tu socio comercial con todas estas cosas desordenadas que se involucra al ir a la bancarrota, pero si estás cansado de trabajar para esa empresa, es mucho más fácil a renunciar sin preocuparse de todas las inversiones y sacrificios. No tanto sacrificio como el dueño porque tuvo que construir una empresa y poner en inversiones para esa empresa en primer lugar. Consejo Número 1 es dominar tu oficio. No significa literalmente ser un maestro en ello y ser el mejor del mundo. Significa dominarlo lo suficientemente bueno como para que la gente esté dispuesta a pagar por ello. Esto significa tener que poner en las repeticiones a diario y durante horas al día. No solo saque tu cámara durante 20 minutos, edita durante dos horas y llámala al día. No, te va a llevar mucho más tiempo dominar verdaderamente las habilidades. He tenido gente que me diga, ¿cómo llegó al bien o cómo logró ese look cinematográfico, o cómo puedo conseguir clientes? Entonces les pregunté, ¿cuánto hace que lo llevas haciendo? Dicen alrededor de un mes, pensando que es mucho tiempo. Bueno, un mes de trabajo no es mucho tiempo. ¿ Cómo esperas que la gente te pague con su dinero duramente ganado a un cineasta que sólo pone en un mes de trabajo? Esto lleva mucho tiempo dominar. No recibí mi primer trabajo pagado después de un año de tener claridad y decidir si quería hacer esto a tiempo completo. Esto es solo reservar un trabajo pagado, todavía necesito encontrar más clientes para poder ir a tiempo completo, y todavía había mucho trabajo para mí hacer. No te desanimes y sigue practicando lo que predica. Hablando de practicar lo que predicas, cuando estés viendo estos tutoriales, saca un cuaderno y empieza a escribir algunas notas, o si estás viendo un video hablando de los ajustes en una cámara, tener su cámara fuera y seguir adelante. No solo mires estos videos con un propósito entretenido y no aplicar lo que acabas de aprender. Mucha gente consume contenido en lugar de crear realmente el contenido. ¿ Sabes por qué el 90 por ciento de la gente en este mundo está consumiendo en lugar de crear? Porque en realidad requiere trabajo y no mucha gente está dispuesta a poner en el trabajo y el tiempo para hacer esto. Si quieres ser como el resto de este mundo y solo ver este video y no hacer nada, entonces hazlo, [RUIDO] pero si quieres vencer al otro 10 por ciento, entonces necesitas dominar realmente las habilidades y poner en los representantes porque la práctica hace mejora, no perfección, sino mejora. Consejo Número 2 es crear una cartera. Una vez que sientas que has dominado algunos conceptos básicos y has creado videos demo aquí y allá, es hora de crear realmente contenido que se necesita para el marketing. Como cineasta, tienes que pensar a ti mismo, ¿qué tipo de videos disfrutaría haciendo, y qué industria realmente necesita video? Necesitas probar varios videos para que sepas qué industria disfrutarías más para que podamos evitar el agotamiento y averiguar qué industria necesita video para que puedas ganarte la vida de esto. Por ejemplo, los videos inmobiliarios y de bodas son siempre una gran demanda porque siempre se están construyendo casas para vender en el mercado, y las parejas constantemente se van a casar. Estas dos industrias son con mucho los conciertos más consistentes que puedes obtener porque siempre necesitan video. Por otro lado, hay otras industrias en las que puedes involucrarte, como comerciales, eventos, corporativos, videos musicales, y contenidos en redes sociales. Sí, algunos de estos son mucho más difíciles de involucrarse, pero se puede hacer la mayor cantidad de dinero si se mantiene enfocado y consistente. Una vez que sepas qué industria quieres perseguir, es hora de crear algunos videos. Por ejemplo, si quieres involucrarte en videos de productos, puedes comenzar a hacer comerciales desde la comodidad de tu propia casa. Puedes conseguir cualquier línea de productos alrededor de tu hogar. Obviamente, no puede ser ningún producto. Tiene que ser un producto donde haya demanda de video o lo que la gente realmente quiere comprar. Puede ser café, una bebida energética, batido de proteínas, un reloj, zapatos, ropa, productos que no sólo se ven muy bien en video sino un gran producto para marca y crear contenido a su alrededor. No solo creas cinco comerciales y pon estos cinco videos en tu portafolio porque tus primeros videos van a ser tus peores. Recomiendo crear 15-20 videos y escoger cinco de los mejores de esos 20. No pongas todos los videos en tu portafolio, solo pon tu mejor trabajo. La punta número 3 es comercializarte tú mismo. En el día y la edad de hoy, es tan fácil ser visto y escuchado. Podrías hacerlo subiendo contenido en redes sociales. Con el éxito de TikTok, estas otras plataformas masivas están replicando el algoritmo de TikTok. Estamos hablando de Instagram, YouTube, y posiblemente Facebook podría lanzar algún contenido de forma corta como lo que están haciendo estas otras plataformas. Lo que hace que TikTok sea diferente del resto es cómo te notan. Puedes subir tu primer video de la historia y tener más posibilidades de volverse viral que estas otras plataformas. Está diseñado para empujar tu contenido a una nueva audiencia cada vez que subas un nuevo video. Es más o menos que usar las redes sociales para comercializarte. Ahora, no está garantizado que bloquees a un cliente de manera consistente, pero recomiendo utilizar las redes sociales como una estrategia de marketing extra. Además, averiguar otras formas de llevar constantemente a las pistas. Hablando de conseguir pistas, ese es uno de los mayores problemas de cada cineasta. Sí, hay que conseguir las habilidades, conocimientos, y construir un portafolio para mostrar a los clientes que eres capaz de hacer este trabajo, pero hay que saber sobre marketing, ventas, negociación, y traer valor. Ahí es donde el lado empresarial de esta clase es útil. Hablaré más sobre eso en el siguiente video, así que asegúrate de seguir viendo. Consejo Número 4 es el método gratuito de pago. Cuando empieces por primera vez, tienes que ofrecer tus servicios de forma gratuita. Es una necesidad porque nadie te conoce, nadie nunca ha oído hablar de ti, y no has mostrado nada para tu portafolio. Es tu trabajo mostrar tus habilidades y demostrar a estos clientes potenciales que has dominado tu oficio. Esto me lleva de vuelta a mi primer punto de dominar tu oficio. Asegúrate de saber lo que estás haciendo cuando llegues a empezar y saber exactamente cómo exponer tu tiro. Tienes el audio encerrado, sabes cómo iluminar adecuadamente tu sujeto, conoces el propósito de todos y cada uno de los proyectos en los que te metes. Reservar el primer trabajo siempre es lo más difícil. Piénsalo, estás llegando a alguien en Internet, convenciéndolo de que se reúna para rodar un comercial para su negocio. En su perspectiva, lo que suele ir en su mente es el miedo, ansiedad, el escepticismo, la falta de confianza, y algo de actitud despreciable. Para conseguir su intención y reservar el trabajo, hay que hacerles saber que estás dispuesto a hacer un video gratis solo para que puedas obtener la experiencia, tener un video para tu portafolio y potencialmente trabajar con ellos en el futuro. Si haces un buen trabajo, entonces has dominado el primer paso. Sí, hay que sacrificar sólo una pequeña parte de su tiempo, pero a cambio, si se hace bien, puede comenzar su viaje cinematográfico. Como puedes ver, tener algún conocimiento empresarial es una necesidad si quieres convertirte en un freelancer exitoso, iniciar tu propia productora, o incluso trabajar para otro negocio. Estos aspectos son extremadamente valiosos y no te duele conocerlo. Bueno, eso es más o menos. Si tiene alguna otra pregunta más, por favor hágamelo saber. [ MÚSICA] 20. Negocio// Qué sigue después de reservar un trabajo pagado: [ MÚSICA] En este video, voy a estar discutiendo las cosas que debes tener en cuenta una vez que encerraste en tu primer concierto. Ya sea un concierto pagado o no, esto se aplicará a cualquier situación en la que te encuentres. Consejo Número 1 es aclaración. Cuando estés en una llamada con un cliente, hazles preguntas sobre el proyecto para que puedas establecer expectativas. Estas son las preguntas que siempre hago a mis clientes: ¿Qué estaré filmando? ¿ Quién es tu público objetivo? ¿ Tienes una muestra de video para inspirarte? ¿ Dónde se distribuirá esto? ¿ Cuánto tiempo quieres que sea el video? ¿ Cuántos videos quieres? ¿ Cuántas horas/días de rodaje será? ¿ Este proyecto requerirá la contratación de más personas? ¿ Cuándo es el día del tiroteo? ¿ Cuándo es el plazo y cualquier otra petición especial? Al hacer estas preguntas, esto te dará una idea de cómo quieren que salga el resultado final. Esto también puede ayudar a tus clientes a tener claro lo que quieren y realmente necesitan en este proyecto. Entonces es un ganar-ganar para ambas partes. Cuando estés discutiendo el proyecto con tu cliente, menciona esto desde el principio. Pídele que se ponga cristalino y lo que quieren que incluyas en el video. Porque cuando entrego cortes rudos para su aprobación y quieren que haga cualquier cambio grande, hay una tarifa por revisiones. Personalmente cobro revisiones después de la segunda ronda. Ofrezco dos revisiones gratuitas. Todo se trata de comunicación. Si hay algo en sus mentes con respecto al proyecto, hágales saber que siempre estás abierto y dispuesto a escuchar sus ideas, pensamientos y opiniones. A los clientes les gusta cuando se les escucha y se les permite agregar su concepto en el proyecto. Consejo Número 2 es preparación. Una vez que hayas hecho todas estas preguntas, esto me dará una idea sobre qué equipo traer. Asegúrate de llevar la cámara, el audio, la iluminación, la lente y más apropiados . Ya sabes si estás filmando un video inmobiliario, necesitas traer un gimbal y un dron. Es sólo una necesidad. Si estás grabando un video de producto, sabes que necesitas traer una cámara de cámara de cámara de lento, mucha iluminación, algunos stands, y tal vez un slider dependiendo de cómo trabajes. Además, si estás rentando equipo, asegúrate de aprender a usarlo y probarlo días antes de la sesión real. No quieres aparecer en el rodaje y no sabes usar el equipo que alquilaste y terminas teniendo una mala experiencia con un equipo específico solo porque no gastaste dos horas aprendiendo a utilizarlo. Una vez que tengas el engranaje manejado, asegúrate de conocer el horario del rodaje. Al igual que por ejemplo, si se trata de un evento, conocer el horario del evento es una necesidad. Pídeles que te envíen el horario para que estés preparado y listo para capturar el día y no te pierdas algunos de los momentos importantes. Esto no sólo te da preparado para tener listo el equipo adecuado sino que también te prepara mentalmente. He estado en situaciones en las que los planes han cambiado drásticamente y no estaba preparado mentalmente. Cuando estás mentalmente preparado, tienes la lista de disparos en mente, la historia. Si es una entrevista, estás listo para dirigir el talento y tener tiempo para averiguar dónde estarás parado para conseguir los mejores ángulos. Así que por favor prepárate y también te queda bien que conozcas el horario del rodaje para que puedas estar algo en control del rodaje real. Consejo Número 3 es contentamiento. Este es, con mucho, el aspecto más importante cuando se trata de negocios y en general, y eso es ser un placer trabajar con. La gente hace negocios contigo cuando te conocen, les gusta, y confían en ti. No seas esta persona negativa, egoísta, con el ego. Eso te impedirá hacer negocios con gente y nadie va a querer referirte a nadie. Una de las formas más poderosas en las que puedes conseguir clientes es de boca a boca. Cuando alguien te remite a uno de sus clientes, socios , amigos, familiares, o compañeros, puedo garantizar que al menos te darán una oportunidad y te permitirán presentar su paquete de precios o su negocio. Pero no puedo garantizar que usted encerrará en el trato. A lo mejor eso llega a presupuestación, disponibilidad, o encontraron a alguien más que cumpla con su estilo. No tiene nada que ver con que no seas genial en eso. Algunos clientes simplemente prefieren un estilo de video específico y eso está totalmente bien. Pero solo sé fácil trabajar, ser amable, servicial, atento, atento por los demás. Puedes tomar críticas y realidad eres bueno en lo que haces. Algunos clientes están dispuestos a hacer cualquier cosa para que filmes su evento o su video y aquí está el porqué. Permítanme contarles un ejemplo de lo que me ha estado pasando últimamente. El año pasado en 2021, me puse en contacto con un empresario llamado Nick Long. Le pregunté si puedo rodar el evento que estaban organizando de forma gratuita. Estaba haciendo el método de cuota gratuita como hablábamos en el video anterior. Entonces finalmente me dio una oportunidad. Conocí al equipo y una vez que estuve allí en el evento, estaba siendo amable y fácil de trabajar con. No les estaba dando un mal rato o no les estaba haciendo aún más difícil que me contrataran otra vez. Después del evento, decidí entregar en exceso, que es uno de los consejos. Sólo pidieron un video recapitulativo de todo el evento, pero debido a que quería destacarme y realmente conseguir este trabajo, entregué un resumen de dos minutos, tres tarjetas de cotización, y dos sonoros para redes sociales. Fueron impresionados por los resultados. Fueron impresionados que me invitaron para el segundo evento un mes después. Después del evento, me pagaron $300 y luego después de una semana de discutir, estuve oficialmente en su equipo. Pero eso no se detiene ahí. Estuve trabajando con él durante unos meses y empecé a conseguir su confianza. Desafortunadamente, tuvieron que dejarme ir debido a presupuesto sabio, pero unos meses después en febrero de 2022, estaban organizando su primer evento del año y me pidieron filmar para ese evento. Yo ofrecí mis precios pero no pude seguir adelante porque estaban ajustados al presupuesto. Después de unos días, estaba pensando que debería estar agradecido por la oportunidad que me dieron el año pasado al darme un trabajo en primer lugar, presentándome a nuevos amigos. Ya que ustedes me dieron un trabajo para empezar, eso pagó las facturas, me permitió ganarme la vida en algo que me gusta hacer. Estaba rodeado de mentores, conocí a algunas de las personas más bonitas. Ustedes me dieron oportunidades de viaje. Me permitieron hablar con alguien cuando estaba en mi lugar más oscuro de mi vida. Estaba dispuesta a ayudarlos sin cargo alguno. No me importaba que me pagaran. Simplemente realmente quería ayudarlos desde el corazón porque todo hace esto llamado la ley de la reciprocidad. Cuando estás dispuesto a ayudar a alguien porque eres una gran persona y tienes un gran corazón, la otra persona también está dispuesta a ayudar cuando lo necesitas, y eso es lo que hice. Después de ese evento, Nick quería ayudarme dándome más trabajo. Me conectó con este tipo y está organizando un evento en St. Louis, Missouri. Me están pagando $3,000 por ese evento para rodar un video resumen y 10 testimonios de redes sociales y todos los gastos de viaje se pagan. Ese es el poder de la satisfacción o de ser un placer trabajar con y también simplemente ser un gran ser humano. Muchos de estos clientes están dispuestos a volar fuera solo porque conocen, como, y confían en ti. ¿ Ves lo poderoso que puede ser? Por último, Tip Número 4 es de entregar en exceso, de lo que acabo de hablar. Ya hablé de esto, pero esencialmente cuando estás entregando un proyecto, piensa en cómo puedes impresionarlos. ¿ Cómo puedo hacer que quieran contratarme? Si no me contratan, es su pérdida por perder a alguien que pueda agregarle valor y potencialmente escalar el negocio. Siempre entrego demasiado a clientes con los que realmente quiero trabajar. A lo mejor ese es el negocio que tienen y lo que significa, sus metas y planes, son impactantes o hemos construido esa conexión y realmente me gustan como amigo y quiero ayudar ellos se conozcan. Sea lo que sea, siempre exagerar. Esto les impresionará y querrá trabajar con ustedes. El cine se está volviendo extremadamente competitivo y hay que hacer algo que te haga destacar. Cuando la reserva es rodaje gig, asegúrate de aplicar estos en tu carrera y te prometo si realmente implementas esto, conseguirás clientes y abrirás tantas oportunidades. Ya sea en proyectos de gran presupuesto, gigs de viajes pagados, ir a tiempo completo en esta carrera, y otras ocasiones. No sólo es importante dominar antes de reservar el concierto, sino también dominar las secuelas. En el siguiente video, voy a estar discutiendo la importancia de construir relaciones y networking. Pero eso será todo para este video. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de avisarme. 21. Relaciones FP Final 2: [ RUIDO] Construir relaciones es el factor clave para el éxito. No me importa quién eres o dónde estás en tu carrera, networking es algo poderoso y potencialmente puedes conocer nuevos amigos, asociaciones, clientes, empleados, colaboraciones e inversores. Hay una frase en los negocios sobre las relaciones. Si quieres tener éxito, no es solo lo que sabes, también es a quien conoces. Tu patrimonio neto es un reflejo de tu red. Puede que seas un cineasta muy hábil con equipo caro y años de experiencia, pero si nadie te conoce y no estás en red, te falta el aspecto más grande a la hora de construir un negocios exitosos, y esa es la gente que te conoce. Muchos cineastas pierden esta parte de ella porque solo se enfocan en el lado creativo y no mejoran en el lado de las redes. Es por eso que los intelectuales son extremadamente poderosos y son súper caros para unirse. Algunos intelectuales que realmente necesitan para calificar. Necesitas estar haciendo una cierta cantidad de ingresos anuales, tener x cantidad de empleados, y en realidad ser un CEO exitoso generando ganancias en tu negocio, pero una vez que finalmente estés en ese nivel que calificas para mente maestra, sabes por un hecho que cada persona con la que interactúas es un gran logro y potencialmente te puede dar consejos, ideas, puedes asociarte, o construir algo increíble. Con el poder de dos mentes chocando, se podría construir algo extraordinario. También cuando hables con alguien, no saltes directamente al negocio. Conócense unos a otros antes de discutir ideas y proyectos que puedan hacer juntos. Averigua si en realidad os gustan las personalidades del otro y son una gran opción para la colaboración. Sobre todo, construye esa amistad, construye esa conexión y conviértete en algo más que simples socios comerciales, pero en realidad conviértete en amigos. Si te estás iniciando en los negocios en 2022, somos tan afortunados que contamos con redes sociales, Internet, y tecnología que no estaba disponible hace 20 años. Tenemos tantos recursos gratuitos y valiosos en el día y la edad de hoy, y deberíamos estar aprovechándolo como unirnos a grupos de Facebook. En realidad he conseguido algunos conciertos pagados de grupos de Facebook. No subestimes grupos en Facebook. En realidad es lo mismo que los mentes intelectuales, pero estás conociendo gente en línea. Quizás no todos los que te encuentres en estos grupos de Facebook tengan un negocio exitoso, pero puedes conocer a alguien que tenga algo de una empresa decente. Construir relaciones en línea es mucho más difícil ya que no les estás hablando cara a cara o ustedes no están en persona. Estás justo detrás de la pantalla. Es mucho más difícil confiar en un extraño en Internet. Lo que debes hacer es tener una conversación genuina y construir esa relación. Una vez que hayas estado charlando de ida y vuelta, tal vez puedas subir a una llamada Zoom para conocernos virtualmente, y eventualmente una vez que construyas esa confianza un poco, entonces podrías conocerte en persona y finalmente trabajar juntos, y ese es el poder de la creación de redes. El motivo por el que las personas renuncian o terminan por no moverse al siguiente nivel es paciencia y consistencia. No solo toma tiempo dominar esas habilidades, sino que en realidad sacar provecho de tu negocio, puede llevar años hacer eso. Estamos en el negocio de tener que aprender la cámara, la creatividad, la narración y el marketing, y eso es imposible dominar esas habilidades en seis meses. Simplemente no puedes hacerlo. Tal vez puedas cortar tu curva de aprendizaje y llegar mucho más rapido si eres inteligente al respecto e invertir en educación como cursos en línea y tal vez un programa de coaching, pero aún toma tiempo dominar las habilidades que necesitas para construir un negocio exitoso. Otra razón por la que la gente fracasa es no ser consistente. No le disparan todos los días y aprenden todos los días. Ellos ven muchos tutoriales de YouTube, reseñas de equipos, montajes, y mucho Netflix. Seguro que somos seres humanos y necesitamos nuestro descanso de vez en cuando, pero si estás consumiendo contenido durante horas y no aprendes, fracasarás. Es chicos absolutamente simples. Se trata de poner en los representantes y ser disciplinados. No vas a llegar allí sin sacrificio, trabajo duro, estar cómodo, y no networking. Cuanto más trabajes, afortunado obtendrá. Si quieres conseguir nuevos clientes, no vas a llamar a cinco personas y encerrar a esas cinco personas. Tendrás que llamar al menos a 50 personas al día para que puedas bloquear potencialmente a esas 4-5 personas de las 50. Consistencia y disciplina es lo que debes hacer. [ RUIDO] Bueno, ahí lo tienes. Espero que tengas algo de valor de este video. En el siguiente video, voy a estar hablando de qué cobrar, cómo crear un paquete, qué incluir, y cómo destacarse de sus competidores. Si tienes alguna otra pregunta, siéntete libre de avisarme. [ MÚSICA] 22. FP ¿Qué cobrar FInal 2 de FInal?: Esta es la pregunta que muchos cineastas hacen, ¿cuánto debo cobrar? Bueno, eso depende. Realmente no puedo decirte cuánto debes cobrar. Porque no sé dónde estás en tu carrera, cuál es tu nivel de habilidad, cuántos clientes genera cada mes, y qué incluyes en tu paquete si sí ofreces más de un servicio. Pero típicamente, debes valorarlo por hora. ¿ Cuánto crees que valen por hora? Cuando eres principiante, tal vez empiece entre $10 a $20 por hora. Si eres intermedio, puedes calificar entre $20 a $40 la hora. Si estás en un nivel profesional avanzado, puedes cobrar desde $60 hasta $100 por hora. Pero probablemente te estés preguntando ¿cómo sé en qué categoría me encuentro? Bueno, esa es una buena pregunta. Realmente no llega a experimentar, aunque eso puede ayudar, pero se reduce a los resultados que puedes ofrecer a tus clientes. No les importa tu experiencia, el equipo que usas, cómo editas sus proyectos, dónde editas sus proyectos, qué software usas, pero el resultado final y el valor que ofreces. Si dominas el marketing y anuncios pagados al principio de tu carrera cinematográfica, o te das cuenta de lo importante que es esto que contratas a alguien con más experiencia para ayudarte, puedes estar fácilmente en la categoría profesional avanzada en tus primeros dos años en negocios. Podrías estar cobrando $60, $70, 80 dólares, incluso $100 por hora en el inicio de tu carrera. Averigua cómo puedes ayudar a tus clientes a sacar provecho de esta inversión, y eso determinará cuánto debes cobrar. Pero si estás rodando bodas, bienes raíces, acción, deportes, o contenido de reuniones sociales, es difícil darles resultados porque para bodas, no estás creando la película para resultados cuando estás documentando su día especial para crear sus recuerdos. En este caso, hay que pensar, ¿ estoy generando clientes consistentes al mes, que estoy sobrecargado, y no puedo llevar más clientes? Bueno, eso significa que tienes que aumentar tu precio y asumir menos trabajo, o apenas estás consiguiendo trabajo y no sabes cuándo es tu próximo trabajo? Entonces deberías estar cobrando mucho más barato. Quizás cualquier cosa con el cliente ofrezca porque no tienes una cartera fuerte, necesitas más marketing y experiencia. Entonces empieza a bajar y una vez que tengas la pelota rodando y empezaste a conseguir clientes, sin tener que enviarles un correo electrónico en frío, poco puedes empezar a subir tus precios. A continuación en la lista está creando un paquete. La mayoría de los cineastas ofrecen preproducción, el rodaje y la edición, y eso es todo. Posteriormente, los clientes descifran el aspecto de mercadotecnia. Pero creo que deberías estar agregando marketing a tu paquete. He aquí el porqué. Muchos clientes no saben qué hacer con ese video. Piensan con solo agregar ese video a las redes sociales, las plataformas van a hacer el trabajo por ellos y generar leads, tráfico, y ventas, que eso puede suceder, pero es altamente improbable . Te recomiendo aprender sobre anuncios pagados o al menos contratar un experto para ayudar a tus clientes a obtener los resultados que quieren. Por lo que en última instancia podemos cobrar más por sus paquetes. ¿ Recuerdas lo que dije al principio? Si podemos ofrecerles una ganancia y ayudarles a generar más dinero de lo que pagaron por tu paquete o por esta inversión, te van a volver a contratar. Definitivamente lo garantizo. Déjame mostrarte cómo precio mis paquetes y qué incluyo. Por lo que ofrezco tres paquetes, un paquete de bronce, plata y oro. El Bronce, ofrezco una campaña de Facebook. Una campaña de Facebook es un anuncio pagado, utilizando un sistema que hace extremadamente fácil para el cliente reservar en un automóvil y potencialmente trabajar con el cliente. Eso viene a un precio total de $1,450. El paquete Silver, ofrezco la misma campaña de Facebook tanto ancho 16 carretes, disparos, y editarlo. Puedes reutilizar esto en Instagram, TikTok y YouTube cortos, totalizando el precio en $2,450. Por último es mi paquete de oro. Ofrezco la misma campaña de Facebook. Esta vez ofrezco 28 carretes y cuatro videos de YouTube, totalizando el precio en $4,450. Para la mayoría de las personas que parecen súper caras. Pero si lo miran en un punto de vista de inversión y ofrecen un gran producto o un servicio, entonces los precios tienen sentido por el valor que van a estar recibiendo. A continuación en la lista es el flujo de trabajo. Esto indica las reglas, límites que separas a los clientes, por lo que las cosas pasan sin problemas. No trabajas demasiado y estableces expectativas cuando los clientes trabajan contigo. Creé un PDF que establece todas las reglas sobre depósitos, revisiones, metraje bruto, cancelación de emisión, y más. Te recomiendo hacer esto no sólo para lucir más profesional, sino que le hagas saber al cliente sobre cómo operas. Si quieres este PDF para referencia, que así lo puedas utilizar para tu negocio, asegúrate de dejar tus comentarios abajo con tu email y te enviaré por correo electrónico el PDF exacto que envío a mi clientes. Lo último en la lista es sobresalir de tus competidores. ¿ Qué te hace diferente de todos los demás? Es como trabajas, cómo valoras tus paquetes, cómo entregas, o cómo representas a tus clientes. Hay muchos cineastas en el mundo, pero sólo unos pocos construyen un negocio sustentable. Un negocio rentable y valioso. Pero al mismo tiempo, nunca ha habido un momento perfecto para convertirse en cineasta. Tantos negocios y empresarios necesitan un video para la comercialización. El marketing siempre va a estar cerca y depende de ti si estás dispuesto a adaptarte. Siempre vienen cosas nuevas como TikTok, entidades, y lo inverso. Sigo pensando que TikTok es relativamente nuevo. Mucha gente no se da cuenta de lo poderoso que es su algoritmo. Comencemos ahora a hablar de entidades y el metaverso. Esos son extremadamente nuevos. El punto es que si quieres tener un negocio de video exitoso, tu trabajo o bien tiene que ser la mayor gente que haya visto, tienes conexiones, o estás haciendo algo completamente nuevo. Aprender sobre los negocios y saber lo que está pasando en el mundo cuando se trata de economía es muy importante para triunfar. En el siguiente video, quiero estar compartiendo mis pensamientos y comentarios finales. Si tienes alguna otra pregunta más, siéntete libre de avisarme. [ MÚSICA] 23. Conclusión de FP Final 2: [ MÚSICA] Este es el video final de la clase Filmmaker Pro. En este video, solo quiero hablar de mi tarea final, mi conclusión, cualquier comentario, último consejo que les puedo dar chicos. Algunas de las cosas de las que quiero hablar es la implementación. En realidad aplica estos a tu carrera, si ese es el negocio del que acabamos de hablar, las habilidades que estamos en la cámara, la velocidad de obturación, apertura, ISO, etcétera. Porque podrías estar viendo toda esta clase, pero después de que termines de verla, no vas a saber nada al respecto. No tomaste ninguna nota, no volviste a ver un video, ver el video como dos o tres veces para que así puedas marcar la información que acabas de empapar. Es súper difícil de recordar en realidad. Acabamos de aprender si no escribes al respecto, si no lo vuelves a ver, si en realidad no lo sigues como los ajustes que te di cómo exponer adecuadamente tu cámara o cómo tener los ajustes perfectos. Asegúrate de tener tu cámara fuera y de hecho seguirlo. Entonces también si hablo de una técnica, un movimiento de cámara o de una edición, atajo de teclado, o algo donde sea que pueda estar. Asegúrate de que realmente lo haces justo después de ver el video. Míralo dos tres veces, y luego después de eso, sal y empieza a disparar. Si hablaba de vamos a ver, cómo conseguir la configuración adecuada, en realidad salgo afuera y empiezo a jugar con la cámara. También juega por dentro porque es diferente. Obviamente en el interior es mucho más oscuro, por lo que necesitas más luz, necesitas tal vez una lente mejor, más rápida, necesitas aumentar tu ISO. Si estás afuera, definitivamente necesitas disminuir tu ISO, aumentar tu velocidad de obturación, tal vez agregar un filtro ND, cosas así. Asegúrate de aprender los conceptos básicos y realmente practicas. Se necesita tiempo chicos. Como yo explicando cómo exponer tu imagen manualmente a un novato, un principiante, se van a confundir. No saben qué es f-stop, tengo que enseñarles como qué es f-stop, qué vi esto. Para que sepan exponer su imagen. Asegúrate de aprender lo básico y lo dominas. También la práctica no hace perfecta. Nunca vamos a ser perfectos. Es imposible para nosotros ser perfectos. Yo estando en esta industria por cuatro años, sigo aprendiendo, sigo mejorando. Todavía podría mejorar. La práctica no hace perfecta, hace mejoras. Simplemente ten la mentalidad que siempre voy a mejorar, siempre voy a producir mejores videos de mayor calidad. Quiero ser mejor que cuando estuve ayer, hace un mes, el año pasado. Miro los videos que compartí el año pasado, no son horribles, pero definitivamente podría hacerlo mejor. Al igual que los comerciales, quiero meterme en comerciales de productos o videos de productos. Cada año hago como tres o cuatro videos de súper alta calidad. Siempre reemplace a mis viejos de mi portafolio y agrego otros nuevos. Sólo quiero agregar lo mejor de lo mejor de mi trabajo a mi página web o cartera. Siempre ten la mentalidad que nunca vas a ser perfecto, nunca vas a ser el mejor, o nunca vas a dejar de aprender o no vas a tener esta mentalidad de como, oh, aprendí todo sobre cine así que voy a parar. Siempre hay nueva tecnología y nuevos equipos para aprender, nuevas técnicas, estrategias, y solo hay que estar dispuesto a adaptarse, por eso nos metimos en esta industria. Están saliendo nuevas cámaras, nuevos softwares que nos hacen la vida mucho más fácil, mucho más rápido. Solo necesitamos aprender todas esas cosas o podríamos contratar a alguien. Ojalá llegues al punto en el que podrías contratar a alguien, y no tienes que aprender todo porque se pone abrumador. Apenas aprende las cosas que te gusta hacer, y que en realidad eres bueno, para que de esa manera no te quemes y en realidad llegues a hacer esto durante mucho tiempo. No puedo creer que realmente esté diciendo esto, pero hay que tomar medidas. Si quieres ser cineasta, en realidad tienes que crear películas como un cliente no va a como mágicamente como tocar a tu puerta y ofrecerte $1,000 para rodar su comercial. Eso simplemente no va a pasar. Tienes que trabajar para ello. En realidad hay que poner en las horas, y hay que simplemente tomar medidas y tienes que estar incómodo porque es incómodo aprender todas estas habilidades, y se pone abrumador y tú en realidad tienen que hacerlo. Tienes que ponerte las costillas, poner en tu tiempo, y dominar las habilidades que necesitas para que así los clientes puedan realmente pagar por tu trabajo. En este negocio, es un rechazo horrible. Al principio los clientes te van a rechazar porque no lo sé, tal vez ya tienen un camarógrafo, ya tienen un equipo de producción con el que están trabajando, y tú eres como este nuevo tipo de video que ni siquiera tiene un portafolio, y está filmando su primer video de la historia y sólo tiene unos meses de experiencia. Obviamente, no te van a contratar. Sólo tienes que tener esas habilidades. Vas a crear y producir video de alta calidad que gente realmente quiere y la gente está dispuesta a pagar. Probablemente te vas a conseguir como 10 noes, si te gusta la gente de llamadas frías, vas a ser rechazada como tantas veces. También solo construye, solo te hace más fuerte, te hace más difícil. De esa manera en el futuro podrás manejar el rechazo. Eso es más o menos para esta clase. Ojalá hayas sacado tanto valor de esto. Te prometo si aplicas estos aspectos, o estos tips, o estas estrategias que acabo de darte, te puedo garantizar que conseguirás tu primer trabajo de cineasta o tu primer trabajo pagado. Mi primer concierto fue de $100 y eso me llevó casi un año conseguir, y fue un video inmobiliario, y yo estaba ofreciendo mis servicios de forma gratuita. Estuve haciendo un método bastante libre desde hace mucho tiempo y sigo haciendo ese método. No pienses solo porque tienes diez años de experiencia que deberías dejar de hacer este método bastante gratuito. Esto nunca va a parar. Siempre se van a construir nuevas empresas, nuevas oportunidades, y no siempre vas a tener esa experiencia. Siempre necesitas ofrecer tus servicios de forma gratuita, para que así puedas conseguir esas oportunidades y construir tu portafolio. Bueno, eso es más o menos cómo. Espero que ustedes hayan tenido tanto valor fuera de esta clase, y les garantizo que pueden conseguir su primer concierto cinematográfico si aplican esto a su carrera. Ojalá os vea la próxima vez. [ MÚSICA]