Colecciones de patrones y portafolios: lo que hay que hacer y mitos | Parte 2

1. INTRODUCCIÓN: Hola. Soy Melissa Lee, una ilustradora profesional, diseñadora de superficies y diseñadora de telas con licencia. Ya en julio de 2022, publiqué la primera parte de colecciones de patrones y carteras, hace lo que no se debe hacer y mitos, y ha sido una de mis clases más populares En esa clase, me enfoqué en los fundamentos de la creación de colecciones de patrones y la construcción un portafolio de diseño de superficies Cosas como el tamaño de la colección, la complejidad, las paletas de colores y cómo presentar tu trabajo profesionalmente Bueno, ya han pasado más de tres años desde que hice esa clase, y he aprendido tanto en ese tiempo. He licenciado más colecciones. He trabajado con más clientes, y he tenido innumerables conversaciones con estudiantes y compañeros artistas sobre lo que funciona, qué no y qué preguntas siguen surgiéndose. Entonces, decidí que ya era hora de crear la segunda parte. En esta clase, cubro todas las cosas a las que no llegué en la primera parte, junto con insights actualizados basados en mi experiencia desde entonces. Hablaremos sobre establecer expectativas realistas de licencias, los diferentes tipos de acuerdos de licencia, si realmente necesita trabajar en vectores, cómo curar su cartera para empresas específicas y mucho más Si no has tomado la Primera Parte, te recomiendo encarecidamente comenzar ahí, ya que estas dos clases realmente trabajan de la mano para darte una imagen completa de la construcción de una exitosa cartera de diseño de superficies. Pero si has venido aquí desde la primera parte , vamos a sumergirnos directamente. 2. Establecer expectativas realistas en cuanto a la concesión de licencias: Quería compartir un par de datos de licencias menos conocidos para que puedas establecer expectativas realistas desde el principio. Una cosa que mucha gente no sabe es que en realidad, solo un pequeño porcentaje de tu arte tendrá licencia. En promedio, alrededor del diez al 40% de su obra de arte será licenciada o vendida. Esto no es un reflejo de tu talento ni de la calidad de tu trabajo. Es simplemente una realidad de la industria. Diferentes clientes tienen diferentes necesidades y lo que no resuena con uno puede ser perfecto para otro Además, siempre puedes vender esos diseños sin licencia a través de impresión bajo demanda o en tus propios productos manufacturados que los diseños que licencies o posible que los diseños que licencies o vendas nunca se usen realmente. Incluso cuando un cliente licencia o compra tu obra de arte, no siempre hay garantía que aparecerá en sus productos. Las empresas suelen recopilar más obras de arte de las que terminan usando porque construyen una colección para elegir a medida que se desarrollan sus líneas de productos. Dicho esto, siempre debes recibir un pago independientemente de que terminen usando tu obra de arte. Este es uno que mucha gente parece desconocer. Por lo que hay dos tipos de licencias de regalías de licencia y licencias de tarifa plana. Las licencias de regalías son lo que más conocemos. Una empresa licencia el uso de tu arte para su producto o productos, y recibirás un porcentaje de ventas. Esos pagos de regalías se le pagan en intervalos regulares, generalmente trimestralmente durante el lapso de la duración del contrato. La licencia de tarifa plana, por otro lado, es cuando una compañía licencia el uso de tu arte por un período de tiempo específico, y te pagan una tarifa plana única por adelantado Cuanta más libertad les des derechos de uso más amplios o un período de tiempo más largo, más deberías cobrar. Mantienes los derechos de autor del arte para que potencialmente puedas licenciarlo en otro lugar. Un profesional de las licencias de tarifa plana es que te pagan mucho más rápido que con una licencia de regalías. Pero las licencias de regalías sí te dan la mejor oportunidad de que te paguen más. Entonces hay pros y contras en ambos, y solo depende. Por último, una compra es cuando vendes tu obra de arte y sus derechos de autor directamente a una empresa, lo que significa que ya no tienes ningún reclamo sobre el arte byots deberían tener el precio más alto porque estás renunciando por completo a tus derechos Recuerda, esta elección de carrera es un deporte de resistencia, no un sprint. Puede resultar muy desalentador lanzar y lanzar y lanzar y sentir que no vas a ninguna parte Sientes que corres para que las cosas sucedan y esperas esta recompensa al final del sprint, pero no siempre la obtienes. De hecho, es mucho más probable que no donde la gente tiende a darse por vencida o perder la carrera, si se quiere, es cuando se acaba su resistencia y no hacen o no pueden continuar la carrera. Cuando corres demasiado fuerte, debes recordar reducir velocidad y darte espacio para sentir tus sentimientos, cuidarte de ti mismo y volver energizar para que puedas continuar el maratón La creadora de Mindfulnice Debby Lightman dijo algo que realmente me pegó En realidad, dijo muchas cosas que me han pegado, pero el ejemplo que quería compartir aquí es que dijo, El descanso también es una acción, y es importante. Avergonzarte por descansar cuando lo necesitas no te sirve de nada y puede estancar Leí una historia sobre Stephen King, donde compartió que básicamente hizo un juego al recibir cartas de rechazo. Entonces, cada mes, tenía objetivo de recolectar una cierta cantidad de nos. Reformularlo así por mí mismo lo ha hecho sentir como un logro más que un fracaso porque sigo tomando medidas Estoy lanzando, estoy haciendo el trabajo, y puedo sentirme orgulloso de mí mismo por alcanzar la meta de cada mes Además, me encanta todo lo que sea un poco descarado. Y para ser claros, cuento la falta de respuesta tanto a mis correos electrónicos iniciales de lanzamiento como a los seguimientos como rechazos Así que también puedo contabilizar los que están en mi no pila. He tenido muchos momentos a lo largo de los años, donde me he sentido abrumado y he estado tan cerca de rendirme Pero hice lo que necesitaba hacer para volver a energizar y mantener el rumbo. Tú también puedes hacerlo. 3. 3 Una nota actualizada sobre impresión bajo demanda (POD): Quería darte una perspectiva actualizada sobre Print On Demand porque he aprendido algunas cosas desde que hice la primera parte de esta serie que creo que son muy valiosas para que los diseñadores de superficies conozcan. Lo que no me di cuenta en ese entonces es que hay servicios de envío directo POD como Printifi, gelato, contrado y Printed Mint y más que se sincronizan directamente con plataformas como Etsy y que se sincronizan directamente con plataformas como Bueno, en verdad, sí sabía que existían, pero tenían una reputación productos de baja calidad durante mucho tiempo. Lo que no sabía era que la calidad ha mejorado muchísimo a lo largo de los años. De todos modos, esto es un cambio de juego para mucha gente porque significa que puedes vender productos en tu propia tienda, y la compañía de envío directo se encarga de todo el cumplimiento por Entonces, cuando un cliente pide un producto con tu diseño en él, no tienes que preocuparte por imprimir, empacar o enviar nada. Todo está manejado para ti. Esto es una gran ventaja porque puedes mantener control sobre tu marca y tus relaciones con los clientes, lo que no obtienes de la misma manera con sitios POD de estilo marketplace. Y si sincronizas con Etsy, puedes aprovechar su audiencia existente y construir en el tráfico Cuando fabricas tus propios productos, tienes un mayor margen de beneficio, pero otra cosa que creo que es realmente útil POD es que puedes probar productos y ver qué se vende y qué no está usando POD significa que no desperdicias mucho dinero comprando inventario en algo que tal vez no se venda muy bien. Luego está el hecho de que algunos artistas obtienen mayor parte de sus ingresos de opciones POD de estilo marketplace como Spoonflower Tanto para el envío directo como para el POD del mercado, tienes que invertir tiempo en marketing y construir tu audiencia, pero son una gran opción si no tienes el espacio o los fondos para el inventario, y puedes continuar licenciando y lanzando trabajo además de eso. 4. Una nota rápida sobre la flexibilidad: Ya veo. Dilo conmigo, amigos. licencia no es la única opción, y creo que es algo muy importante para recordar mientras construyes tu carrera de diseño de superficies. Muchos artistas se obsesionan con las licencias como objetivo final. Y aunque la licencia es excelente, ser flexible sobre cómo trabaja con las empresas puede ayudarlo a cerrar más acuerdos y construir relaciones con los clientes más sólidas. Aquí hay un ejemplo realmente práctico de cómo podría desarrollarse esto. Digamos que le presentas tu trabajo a una empresa y obtienes una respuesta en la línea de, me encanta tu estilo, pero ahora mismo estoy comprando para Halloween, y no veo nada en tu portafolio que se ajuste a lo que necesito. En lugar de simplemente aceptar eso como un callejón sin salida y perder al cliente potencial, podrías ofrecer crear algo personalizado para ellos. Podrías decir algo así como, me encantaría diseñar una colección de Halloween para ti. ¿Estás abierto a la puesta en marcha de trabajos personalizados? Ahora bien, puede que no tengan el presupuesto o que el momento no funcione, pero al ser flexibles y ofrecer esa opción, estás manteniendo la puerta abierta. Si dicen que no esta vez, has demostrado que estás dispuesto a colaborar y que no eres rígido en la forma de trabajar. Lo mismo ocurre con las compras y las licencias de tarifa plana. Si estás abierto a ello, te estás dando más oportunidades para sacar tu trabajo ahí fuera. Ahora bien, las compras son un poco más complejas porque no quieres vender los derechos de tu obra favorita Pero si hay piezas que haces a las que no te sientes súper apegado y a lo mejor eres un artista muy prolífico, recuerda que existe la opción de venderlas directamente. También estando abierto a vender tu trabajo través de POD o al por mayor en Etsy, Shopper v, Spoonflower, etcétera, Ser flexible no significa que tengas que decir sí a todo o comprometer tu valía. Simplemente significa que estás abierto a diferentes formas de trabajar, y esa apertura puede conducir a oportunidades que quizás no hayas considerado de otra manera. 5. ¿Se necesitan vectores?: Buenas noches. Hay un error común en el mundo del diseño de superficies que me preocupa, y es que las empresas solo aceptan archivos vectoriales Permíteme reventar este mito por ti. Esto simplemente no es cierto. No es necesario dominar Adobe Illustrator ni ningún otro programa vectorial para convertirte en un diseñador de superficies profesional. Ahora, es una herramienta increíble para tener en tu caja de herramientas que puede abrir una amplia gama de oportunidades profesionales, y personalmente prefiero crear patrones repetitivos en Illustrator o afinidad sobre Photoshop y Procreate Además, son muy buenos para logotipos y gráficos de mascotas y todo tipo de cosas. Los vectores son increíbles. A mí me encantan los vectores, pero sí tienes opciones. Me gusta mucho cómo la ilustradora profesional Sarah Watts lo puso en su boletín Pattern plus process Substack El objetivo de ser artista es expresar tu visión, y hay muchos programas para elegir que se ajustan mejor a tu visión. He vinculado a la Substack de Sarah en la pestaña Proyectos y Recursos Conozco a muchos artistas profesionales que han compartido que en su experiencia trabajando como ilustradores independientes y diseñadores de superficies, sus clientes estaban contentos de usar el arte Raster creado en programas como Procreate Las empresas suelen comprar arte Raster así como arte vectorial. Por supuesto, hay excepciones a cada regla, y hay empresas por ahí que prefieren el vector. Si eso es algo que quieres explorar, podrías considerar aprender Affinity Designer o Adobe Illustrator, pero no es absolutamente el único camino. Yo personalmente uso tanto Illustrator para el escritorio como Affinity Designer para el iPad, y me encanta trabajar en vectores. Pero es un proceso y medio complicado que es muy diferente al arte raster, I E pixel based art, I E pixel based art, que es lo que la mayoría de las personas nuevas el mundo del arte digital están acostumbradas a usar. Procreate y Photoshop son ambos programas Raster, por ejemplo, ahora, esto no pretende desanimarte de aprender a usar vectores, sino simplemente establecer expectativas más realistas. Me encantan los vectores. Como dije, pueden ser una herramienta increíble en tu cinturón, pero son una bestia completamente diferente, y no tienes que saber cómo trabajar con ellos para ser un diseñador de superficies exitoso. 6. Algunas ideas más sobre el tamaño de la colección: Buenas noches. hablar un poco más sobre el tamaño de la colección. Como mencioné en la primera parte de esta serie, muchos artistas trabajan principalmente en mini colecciones de solo tres a cuatro patrones con un patrón de héroe y dos coordenadas o licuadoras mucho más simples Y aquí hay algo interesante. Algunos artistas solo hacen impresiones de héroe porque las impresiones de héroes son las más propensas a venderse en la más amplia gama de categorías de productos Y esa es absolutamente una estrategia válida. Realmente no tienes que trabajar en colecciones de patrones completos a menos que tengas tu corazón puesto en tela de acolchado y costura Dicho esto, sigo manteniendo lo que dije en la primera parte acerca de que trabajar en colecciones es increíblemente valioso para desarrollar tus habilidades como artista y diseñador. A través del diseño y colección tras colección, esencialmente está construyendo su comprensión del color, la complejidad, la composición y el equilibrio, lo que conduce a un trabajo más cohesivo y pulido en general Intenta hacer una colección más grande, y si disfrutas trabajar de esa manera, entonces ya sabes qué hacer en el futuro. Y si todavía estás luchando con qué hacer, considera a dónde ves tu trabajo y ve de ahí. Trate de estudiar una o dos industrias donde quiera ver su trabajo y luego decida si justifican colecciones completas, mini colecciones o simplemente patrones independientes. Si te sientes inspirado para volver a través del trabajo antiguo y convertir algunos patrones independientes en colecciones, entonces genial. Pero si eso no te emociona o te parece demasiado, no te estreses demasiado porque diseñarlo en colecciones depende de la industria y no es absolutamente necesario Creo que el panorama más amplio para su cartera es realmente acerca de presentar un estilo cohesivo Es el trabajo de un director de arte ver el potencial de tu obra de arte sin importar cuánto hayas creado. Así que incluiría absolutamente piezas independientes en tu portafolio si encajan con tu estilo característico, y te gusta verlas con licencia. 7. ¿Las colecciones de diseño de superficies solo deben incluir patrones repetitivos?: Entonces, ¿deberían las colecciones de diseño de superficies solo incluir patrones repetitivos? Bueno, la verdad es que, menos que estés sometiéndote a una industria que requiera repetir técnicamente patrones como tela, papel tapiz y algunos productos de decoración para el hogar, solo por nombrar algunos, entonces no, tu colección no necesita ser todo patrones. De hecho, en realidad es una muy buena idea incluir también ilustraciones que no se repitan. Y solo un consejo profesional, letras a mano también impulsarán tu cartera. Existe esta idea predominante entre los diseñadores de patrones principiantes de que las colecciones de patrones solo deben incluir patrones. Pero lo cierto es que en realidad, así como muchos productos o superficies no requieren repetir patrones como los que sí lo hacen. En los últimos cinco años, he enseñado o apoyado en bastantes cursos creativos en línea dentro los rincones de diseño de superficies de Internet. Y honestamente es un poco impactante cuántas personas me han preguntado a mí o mis compañeros miembros del equipo de soporte si está bien incluir ilustraciones a lo largo de patrones en sus carteras de diseño de superficies Por supuesto, está bien. Tarjetas de felicitación, camisetas, paños de cocina, pegatinas, rompecabezas. Estas son solo algunas de las cosas que puedo nombrar en la parte superior de mi cabeza que comúnmente utilizan o requieren ilustraciones que no se repitan. Tengo una teoría sobre esto. Entonces, algunas de las voces educativas más conocidas y respetadas de la industria se enfocan y enfatizan en la industria se enfocan Surface Pattern Design, que es esencialmente el subconjunto del diseño de superficies que específicamente se refiere a patrones repetitivos. Para ser claros, no estoy criticando este énfasis en el diseño de patrones por ningún medio Hacer patrones repetitivos es una habilidad técnica compleja que es enormemente beneficiosa para los artistas que quieren vender su trabajo en productos para saber cómo hacerlo Entonces, claro, la gente lo está enseñando. Pero creo que lo que sucede es estos líderes de la industria enseñan lo que han hecho para lograr el éxito, y gran parte del tiempo, lo que han hecho es lanzar colecciones de patrones completos con gran éxito. Y entonces los estudiantes tienen esta tendencia a querer emular a sus mentores. Y luego les preocupa que si no están haciendo exactamente lo que hacen sus mentores , estén haciendo algo mal Ahora, emular a tus mentores no es algo malo. Obviamente no. Por eso los tenemos. necesitamos. Y necesitamos que nos guíen. Pero lo que creo que muchos artistas olvidan es que es orientación, no como un estricto conjunto de reglas que hay que seguir. Yo mismo lo he hecho. Yo hice lo mismo algunos diseñadores de superficies diferentes a los que respetaba admiraban, que era ir a Quilt Market y concertar reuniones con representantes de empresas de telas para poder mostrarles mi cartera con la esperanza de poder asegurar un acuerdo de licencia en ese momento y De hecho, no conseguí un acuerdo durante la convención, pero finalmente me llevó a firmar mi primer acuerdo de licencia. Entonces, literalmente, seguí los pasos de mis mentores, y dio sus frutos Pero también iba tras la tela, lo que las colecciones full pattern son perfectamente adecuadas. Soy tomador de cursos en serie. Colecciono cursos en línea como algunas personas coleccionan Funko pops Entonces sé a ciencia cierta que los educadores de los que hablo siempre lo presentan como estas son algunas de las mejores prácticas. Y también, aquí hay algunos otros ejemplos de otros artistas que hacen las cosas un poco diferente. Pero lo que he aprendido durante los últimos cinco años de estar en la posición única de un rol de equipo de apoyo es que los estudiantes seguirán preocupándose si no están siguiendo estas pautas establecidas por el maestro a una o se sentirán abrumados por todas las opciones, y como tal, elegir la ruta más fácil, que es seguirlos a una como dije, no es necesariamente algo malo. En última instancia me llevó a grandes cosas. Solo quiero que estés consciente de esto para que puedas tomar las mejores decisiones para ti y tu carrera. Ahora, una opción importante que necesitará hacer es cómo organizar su cartera. ¿ Lo organizas por categoría o lo organizas por colecciones completas? Por ejemplo, digamos que tienes una colección floral con un estampado de héroe, algunas coordenadas y algunas licuadoras ¿Mantienes esa colección unida como un solo grupo cohesivo, o sacas todo tu trabajo floral de diferentes colecciones y las agrupa en su lugar No hay una respuesta correcta. Realmente depende de lo que le estés lanzando y a quién. Al lanzar para el desarrollo general de productos o cualquier categoría de producto que no necesariamente requiera colecciones, le recomiendo organizar su portafolio por categoría, como florales, vacaciones, animales abstractos, guardería e ilustraciones editoriales completas Pero si busco licencias de telas o conjuntos estacionarios específicamente, reorganizo todo mediante colecciones completas compuestas por patrones de héroes, coordenadas, licuadoras e incluso paneles Entonces, en conclusión, no dude en incluir ilustraciones que no se repitan en su portafolio si se siente tan inclinado. Incluso las empresas de telas con pernos los usan porque los paneles de tela y las nociones de costura son una cosa 8. ¡Consejo de portafolio! No incluyas esto: Puede ser tentador incluir todo lo que has hecho en tu portafolio por si acaso algo le llama la atención a un director de arte . Pero aquí está la cosa. Si solías diseñar, digamos, invitaciones de boda, y ya no quieres hacer invitaciones de boda, no las pongas en tu portafolio. Simplemente vas a atraer potencialmente a la persona equivocada y al trabajo equivocado que ya no encaja bien para ti. Por ejemplo, solía hacer logos, y bueno, nunca lo disfruté realmente. Tengo bastantes de los que estoy bastante orgulloso, pero no los exhibo en ningún lado porque simplemente ya no me interesa hacer ese tipo de trabajo. Me estresa. Se sacude toda la diversión de hacer este trabajo ¿Y sabes qué? Eso está bien. Tu cartera debe reflejar a dónde quieres ir, no a dónde has estado. Si pones trabajo adelante del que quieres crear más, vas a tener muchas más posibilidades de llegar a hacer más de ese tipo de trabajo. Su cartera es esencialmente decirle a los directores de arte, Esto es lo que me encanta hacer y esto es en lo que soy realmente bueno. Así que sé intencional sobre lo que incluyas. Piense en ello como comisariar su futuro, no solo mostrar su pasado Aquí hay algo que sí quieres incluir. Al final de cada página de tu portafolio, incluye tu sitio web, información de derechos de autor y el mejor correo electrónico para llegar a ti. De esa manera, si un cliente potencial está hojeando tu PDF de varias páginas y ve algo que le encanta, inmediatamente puede notar cómo llegar a ti sin tener que buscarlo No hice esto para mi primera o segunda cartera, y me arrepiento Es tan simple y solo una cosa agradable y fácil de poner ahí para que la gente se lo haga más fácil. 9. Escala y maquetas: Bueno. En la primera parte, hablé brevemente sobre múltiples colores y asegurándome de que la escala y el posicionamiento de cada patrón sean consistentes en los colores de su cartera Pero quiero hablar un poco más de escala. En primer lugar, tus patrones se pueden presentar en tu portafolio a cualquier escala que creas que se ve mejor. Si incluye una colección de patrones, desea mostrarlos a diferentes escalas para mostrar cómo los ve trabajando uno al lado del otro Aunque la escala final termine siendo diferente y por lo general lo hará, aún así querrás presentarlas a diferentes escalas a posibles compradores porque querrás que reflejen cómo se verán en relación entre sí lo más cerca posible. Es por ello que muchos artistas incluirán ya sea una página completa o media página de sus impresiones de héroes dentro sus carteras para que puedan exhibir toda la repetición ya sea a escala o a una escala cercana a cómo la imaginan A veces me gusta incluir un patrón a mayor escala en el cuadrado o rectángulo y una escala menor en una maqueta. Para que de esa manera, se vean los detalles y la repetición completa. El cielo es el límite. Las empresas siempre trabajarán contigo para asegurarse de que la báscula esté funcionando. si estás vendiendo en POD Sin embargo, si estás vendiendo en POD o lo estás produciendo tú mismo, es una buena idea pedir muestras para probar la escala y el color. Y hablando de ello, las maquetas pueden ser una manera muy agradable de mostrar tu trabajo en tu portafolio, especialmente si estás tratando ayudar a posibles colaboradores visualizar cómo podría ser tu arte en sus productos Ver tu patrón en una almohada de tiro, una bolsa tope o un conjunto de pijamas puede tener un impacto mucho mayor que solo ver el patrón repetido por sí Ayuda a los directores de arte a comprender de inmediato el potencial de su trabajo y cómo podría encajar en su línea de productos. Dicho esto, las maquetas no son absolutamente necesarias y no necesitas exagerar con ellas Algunas maquetas bien colocadas lo largo de tu portafolio pueden ser efectivas, pero no quieres que eclipsen los patrones o ilustraciones Los patrones siempre deben ser la estrella. Si usas maquetas, asegúrate de que sean limpias, aspecto profesional y relevantes para las industrias a las que te diriges Hay toneladas de excelentes plantillas de maquetas disponibles en línea, algunas gratuitas, otras pago, así que es bastante fácil crear maquetas pulidas sin tener que ser un experto en Photoshop He vinculado una de mis fuentes favoritas de maquetas bajo la pestaña Proyectos y Recursos 10. ¿RGB o CMYK?: Buenas noches. Adiós. Buenas noches. ¿Su cartera debe estar en RGB o CMYK? Depende de la aplicación. CMYK es ideal para la impresión, mientras que RGB es ideal para pantallas digitales. Si necesitas versiones tanto impresas como digitales, por lo general te sugiero crear tu portafolio en CMYK primero y luego convertir una versión digital a RGB específicamente para cuando exhibas tu portafolio en línea, en sitios web, redes sociales, correo electrónico, etcétera Casi siempre trabajo en CMYK y convierto a RGB cuando es necesario, porque es mucho más fácil convertir CMYK a RGB que al revés, ya que hay un montón más de colores en la gama de colores RGB RGB puede nueve de cada diez veces coincidir con los colores CMYK de manera extremadamente precisa. Yo personalmente no he tenido ningún problema con los cambios de perfil de color haciendo una gran diferencia cuando empiezo en CMYK, pero he experimentado algunos cambios salvajes cuando solía comenzar en RGB. Dicho esto, eso fue hace bastantes años ahora, y la tecnología cambia. Y no he notado una gran diferencia en la salida de color cuando empiezo en RGB en mi iPad en aplicaciones como Procreate o Adobe Fresco También está el hecho de que muchas impresoras en línea, particularmente para Print on Demand, utilizan la impresión digital, que generalmente puede manejar RGB muy bien. Los libros de color Pantom pueden ser muy útiles para igualar CMYK, pero incluso esos no siempre dan la representación más precisa de cuál será el resultado final del color Como ejemplo, la tela de algodón off blancos y cremas varían. Por lo tanto, los colores impresos en ellos también variarán ligeramente. Entonces, independientemente de lo que empieces, siempre quieres pedir impresiones de prueba todos modos para asegurarte de que estás contento con los colores. La mayoría de las aplicaciones de escritorio de arte digital, siempre puedes exportar cosas en diferentes modos de color o convertir tus documentos a diferentes modos de color si esos modos de color específicos son requeridos por una empresa. Dicho todo lo anterior, la regla general es la siguiente. Use RGB al crear un portafolio digital o PDF para su visualización en línea, mostrando su cartera en sitios web en línea, redes sociales, correo electrónico, mostrando trabajo en pantallas, tabletas o teléfonos. Use CMYK cuando su cartera se imprima profesionalmente. Estás mostrando específicamente el diseño de impresión que el destinatario solicita explícitamente archivos listos para imprimir 11. Nota rápida sobre los contratos: Otra pregunta que veo surgir ocasionalmente es si debes incluir un contrato al momento de lanzar tu cartera. No es algo que necesites incluir en tu cartera porque los contratos no son realmente necesarios hasta la siguiente etapa del proceso. Cada empresa es diferente, y la mayoría de las empresas, a menos que sean nuevas y menos establecidas, tendrán sus propios contratos para que los lea, haga preguntas aclaratorias y negocie, si es necesario Es inteligente tener un contrato a mano para las instancias menos comunes de cuando una empresa interesada en trabajar contigo no tiene su propio contrato. E incluso entonces, no incluyas ese contrato con tu envío de cartera. Tenga en cuenta que es posible que también necesite adaptar dichos contratos a la compañía con la que potencialmente se está asociando No sé por dónde empezar con contratos. Aquí hay un par de recomendaciones de contratos, específicamente diseñadas para creativos y diseñadores de superficies He incluido estos enlaces en la pestaña Proyectos y Recursos según el uso. 12. ¡Consejo de portafolio! Selección para la empresa a la que diriges tu discurso de venta: Bueno. ¿Recuerdas mi historia sobre ir a Quilt Market y finalmente asegurar un acuerdo de licencia con una empresa de telas Bueno, en retrospectiva, me he dado cuenta de que parte de la razón por la que tuve éxito es porque mi cartera adaptó específicamente a la industria de telas acolchadas telas Era mi objetivo número uno de licencias. Había soñado con convertirme en diseñadora de telas desde 2015, así que ¿me arrepiento en absoluto de esto? Absolutamente no. Pero lo que he notado en los años transcurridos es que me resulta mucho más difícil asegurar acuerdos de licencia en prácticamente cualquier otra industria. Mi trabajo era muy adecuado para la tela, casi no era adecuado para nada más, o al menos era difícil para directores de arte de otras industrias verlo en sus productos. Lo que me lleva a por qué es tan importante curar tus lanzamientos a las empresas a las que estás lanzando. Quiero compartir algunas ideas realmente valiosas que aprendí de la artista y ex directora de arte Corinne Wells, quien tiene una perspectiva realmente única estar en ambos lados del proceso de pitcheo Como de costumbre, sus datos están vinculados bajo la pestaña Proyectos y Recursos. Cuando trabajaba como directora de arte, uno de los mayores errores que vio cometer a los artistas fue enviar arte genéricas irrelevantes que no encajaban en absoluto con la marca para la que trabajaba La compañía para la que Karin trabajaba como directora de arte tenía un estilo peculiar, impulsado por el carácter, y se enfocaba en pijamas que se venden en tiendas de regalos y similares Era un nicho de mercado, pero casi todos los lanzamientos que recibió fueron repeticiones de patrones de todo propósito bastante genéricas. La mayoría de ellos para los que no tenía uso. Aunque algo pudiera haber funcionado, habría tenido que reelaborarlo para agregarle tipografía y un spot print pegadizo, y habría sido más trabajo del que valía para ella Esto es lo que realmente necesitaba. Una impresión puntual ya hecha, es una ilustración que no se repite o impresión de colocación emparejada con un patrón a juego. Eso es lo que realmente le habría llamado atención y le habría ahorrado tiempo, pero rara vez aparecía en su bandeja de entrada porque los artistas no estaban adaptando sus lanzamientos para adaptarse a las necesidades específicas de la compañía Los directores de arte están ocupados, así que cualquier cosa que puedas hacer para facilitar su trabajo hará que sean más propensos a darte la hora del día. La lección aquí es clara. Haz tu tarea. Haga un escaneo rápido del sitio web de una marca y obtenga una visión del tipo de obra de arte que realmente usan en sus productos. Si no coincide con tu estilo artístico , no te molestes en lanzar. Pero si tu obra de arte realmente pudiera ayudarlos a vender más productos, entonces comienza a trabajar en un terreno de juego que les llame la atención. La relevancia lo es todo. 13. Lanzamiento de tu portafolio: Adiós. Buenas noches. Bien, entonces has hecho tu investigación. Has adaptado tu portafolio a la compañía a la que quieres presentarte. ¿Y ahora qué? ¿Cómo se ve el proceso de pitcheo real Entonces, ¿cómo encuentra lineamientos de presentación de la empresa o información de contacto de directores de arte? Veo que esta pregunta surge todo el tiempo. Esto es complicado. Definitivamente tienes que hacer un poco de investigación. Consulta las páginas sobre las empresas y preguntas frecuentes en su sitio web. Si no está en su página web, me gusta consultar LinkedIn. Primero, buscaré la compañía y luego miraré a los empleados de la compañía. Incluso entonces, sin embargo, el director de arte puede que no esté en Linktn o que tengan un título diferente, como director de Diseño o Director Creativo Y entonces aunque los encuentres, es posible que no incluyan su correo electrónico. Sin embargo, mire su perfil de cerca porque pueden incluir instrucciones de envío. Utiliza LinkedIn solo para encontrar la información de contacto. No utilice el sistema de mensajería interna de Linktn para poner su cartera directamente a los contactos Si todo lo demás falla, solicite pautas de envío. No me gusta usar este método muy a menudo, pero a veces puedes encontrar información de contacto en redes sociales. Busca la compañía a la que te interesa lanzar y luego envíales un mensaje directo y pregúntales si tienen pautas de envío para artistas que potencialmente quieren colaborar en un proyecto para licencias de arte o compras si estás abierto Sin embargo, si necesito pedir pautas de envío, prefiero enviar por correo electrónico el correo electrónico soporte general de la compañía y solicitar cortésmente pautas de envío o información de contacto relevante Me han enviado pautas de envío o información de contacto del director de arte por algunas empresas diferentes a través su correo electrónico de contacto general Y en una de esas instancias, me inscribí como nuevo diseñador. Entonces, hablemos de cómo se ve exactamente un correo electrónico de lanzamiento efectivo. Tu objetivo es que sea lo más fácil posible para un director de arte decirte que sí. Y eso significa que no solo estás lanzando tu arte, te estás lanzando como colaborador, alguien que es profesional, confiable y fácil de trabajar Quiero que seas dueño de tu valía como artista. Sé tu propia animadora más grande. Nadie más va a abogar por ti de la manera en que puedes abogar por ti mismo. Entonces, ¿cómo se escribe realmente un correo electrónico de lanzamiento que obtenga resultados? En primer lugar, recuerda que la persona a la que estás enviando un correo electrónico es solo una persona Tienen mucho que hacer en su vida, y su trabajo es encontrar arte increíble para poner productos. Ellos quieren encontrarte. Quieren descubrir nuevos artistas cuya obra se venderá. Entonces, con eso en mente, aquí están los componentes clave de un correo electrónico de lanzamiento exitoso. Mantenga su línea de asunto clara y profesional. Personaliza tu saludo, usa su nombre, si lo encuentras. Demuestra que has hecho tus deberes. Preséntate brevemente y resalta lo que hace que tu arte sea único. ¿Cuál es tu estilo? ¿Por qué su trabajo sería un buen ajuste para su marca? Comparta enlaces a su cartera o un PDF personalizado en lugar de compartir archivos adjuntos voluminosos, a menos que, por supuesto, hayan solicitado archivos específicamente Cierra cortésmente con un sincero agradecimiento. Manténgalo caliente pero profesional. Si no recibe respuesta, haga un seguimiento en un par de semanas. Si no responden al seguimiento, considere un toque más suave dos o tres semanas después. Entonces a partir de ahí es cuando podrías pasar a llegar de nuevo con nuevos trabajos al final de la línea en, digamos, de dos a seis meses. El seguimiento es una gran parte del éxito de las licencias. Los artistas que realmente triunfan son los que pitan con frecuencia y dan seguimiento varias veces. No toman el silencio como rechazo. Lo toman como señal para volver a intentarlo. Recuerda, recoge esos noes y la consistencia es clave. He incluido un lanzamiento dandy muy útil Plantillas de correo electrónico PDF para que las descargues y las personalices, que puedes encontrar en la sección Descargar recursos bajo la pestaña Proyectos y Recursos 14. ¿Necesitas una marca establecida o muchos seguidores para conseguir un acuerdo de licencias?: Buenas noches. A menudo veo que los estudiantes se preocupan por la necesidad de establecerse o tener un gran número de seguidores. Esta es una pregunta que respondí de un alumno en uno de los cursos en los que he apoyado. Entonces preguntaron, Si quieres crear productos bajo tu marca y eres un novato, son los sitios POD o print on demand realmente tu única opción, asumiendo que el costo de fabricación es demasiado alto ¿Hay empresas de licencias que estén interesadas en co labs slash C Branding, o eso solo está reservado para diseñadores más veteranos? Conseguí un acuerdo de licencia con la empresa de telas Riley Blake Designs, sin una marca establecida y con muy pocos seguidores menores de dos K en Instagram en ese momento, y menos suscriptores de boletines Entonces no, las oportunidades de licencia no están reservadas para diseñadores veteranos. Los directores de arte están interesados en la calidad de tu trabajo mucho más de lo que les interesa tu seguimiento. Puede ser útil tener experiencia con las licencias, ya que eso es una señal automática para los directores de arte de que eres un profesional que sabe lo que están haciendo. Um pero no es la única manera de lograr el éxito en la concesión de licencias. No tener esa experiencia no es una barrera de entrada. Esto está en un ámbito diferente aún dentro de la ilustración, pero no en el diseño de superficies, pero sigo pensando que es relevante. Tengo un libro que sale el próximo año con David y Charles publicando sobre cómo dibujar caricaturas En términos generales, a los editores de libros les gusta si tienes seguidores para comercializar, pero mi seguimiento sigue siendo relativamente pequeño. Tengo alrededor de 2.700 seguidores en Instagram y alrededor de 1,600 suscriptores al boletín Pero mi obra de arte y el hecho de que hubiera dado una clase corta sobre ella aquí en Skillshare fue suficiente para que dieran luz verde al No dejes que la falta de seguimiento o experiencia profesional te impida perseguir tus metas creativas en tu carrera. Otra cosa importante para recordar es que no tienes que incluir todas tus obras de arte en tu portafolio. La calidad de tu trabajo importa mucho más que la cantidad. Sobre todo si recién estás empezando. Lo que incluyas en tu portafolio realmente depende del tipo de trabajos de licencia que quieras obtener, pero quieres incluir lo mejor de lo mejor que tienes para ofrecer actualmente. Cuando actualizo mi portafolio, siempre roto las cosas para que mi trabajo más reciente esté al frente donde los futuros directores de arte lo verán primero. 15. Reflexiones finales: Para tu proyecto de clase, me gustaría que hicieras lo mismo que te pedí en la primera parte. Comparte una captura de pantalla de tu trabajo actual o enlace a tu portafolio de sitios web, Instagram o Contrast, y estaré encantado ofrecerte cualquier comentario que pueda. Y luego dime cuál va a ser tu siguiente paso. Si aún no tienes trabajo para compartir, eso está totalmente bien. Simplemente haga pop en una oración o dos sobre sus próximos pasos. Recuerda, estos pasos pueden ser tan simples como investigar una compañía, enviar un correo electrónico de lanzamiento o hacer bocetos durante 5 minutos Concéntrese en las tareas más pequeñas y fáciles que eventualmente conducirán a sus metas más grandes. También he vinculado recursos adicionales en el cuerpo principal de la pestaña Proyectos y Recursos. Todos los archivos PDF son iguales que los descargables de P one, salvo para el tono Plantillas de correo electrónico PDF, que es totalmente exclusivo de la segunda parte, así que asegúrate de descargarlo Cuando estés listo para compartir tu proyecto, simplemente haz clic en el botón Big Blue Enviar proyecto. Una cosa importante a tener en cuenta es que solo puedes crear un proyecto de clase a través de una computadora de escritorio o laptop. No puedes crear uno a través un dispositivo móvil o la aplicación móvil Skillshare Si te quedas atascado o te encuentras con algún problema, por favor publica tus preguntas en la sección de discusiones de la clase, y haré todo lo posible para responderlas lo más rápido posible. Espero que hayan disfrutado de esta clase y la hayan encontrado valiosa. Pero independientemente, por favor deje una reseña para que pueda ayudarme a mí y a sus compañeros de estudios. Realmente no puedo expresar lo agradecida que estoy con las personas que dejan críticas. Disfruto leyéndolos todos. Si quieres estar al día de lo que estoy hospedando aquí, como si quieres saber cuándo viene mi próxima clase o cuándo publico actualizaciones de clases antiguas o hago sorteos de membresía, no olvides presionar el botón de seguir También puedes seguirme en Melissa Lee Design en Instagram o suscribirte mi boletín educativo mensual, HueSMHS en mi página web, Gracias de nuevo por acompañarme. Espero que haya encontrado esta serie de clases inspiradora y alentadora. Como siempre, te deseo todo lo mejor, y no puedo esperar a ver a dónde te llevan tus carreras. Hola.