Clase magistral de acuarela en Procreate: aprende a pintar con acuarela digital en tu iPad

1. 1. Introducción: Mi nombre es Nathan Brown. He sido artista profesional hace poco más de dos décadas. Pero he estado creando arte desde que era niño. Es un amor y pasión de toda la vida para mí, y es un tema que me encanta enseñar. Pinto con medios tradicionales y digitales y trato de incorporarlos tanto como sea posible. Soy el autor de la caja de herramientas Ultimate Bush y los juegos de pinceles de acuarela Master, los cuales fueron creados pensando en el amor por la pintura tradicional y el realismo. He creado este curso para cualquiera que quiera aprender acuarela digital utilizando técnicas tradicionales en el iPad y Procreate Empezaremos desde cero y cubriremos los conceptos básicos hasta los temas más avanzados. Entonces, ya sea que seas nuevo pintura digital o tengas alguna experiencia con el medio, este curso tiene algo para ti. Estaré compartiendo mis pensamientos y técnicas para encontrar la mentalidad artística adecuada, cómo bosquejar para acuarela, cómo planificar y componer, cómo elegir el pincel adecuado, y todos los trucos y técnicas que utilizo para lograr el realismo en acuarela Al final de este curso, tendrás confianza y habrás aprendido cada paso de una pintura en acuarela desde el inicio hasta la impresión final. El curso está estructurado para incluir tanto la teoría como ejemplos prácticos para que pueda seguir adelante o puede saltar directamente con las asignaciones de proyectos a medida que avanza. También he incluido un juego de pinceles personalizados para Procreate hechos específicamente para este curso Así que tendrás todo lo que necesitas para seguir. También hay obras de arte en capas y ejemplos para que puedas estudiar y revisar mientras trabajamos. Estoy muy emocionada de que tomes este curso, así que toma tu iPad y prepárate para explorar acuarela con una perspectiva completamente nueva. 2. 2. Mentalidad artística: A lo largo de los años que he dedicado a crear arte, me he dado cuenta de que hay varios conceptos clave que tengo que tener en cuenta para mantener lo que llamo una mentalidad artística Estas son cosas que necesito recordar para poder crear y ser creativo. Quería incluirlos en este video porque creo que tu estado de ánimo y cómo ves tu propio arte son elementos clave en el proceso creativo y necesitas estar en el lugar correcto antes de incluso poner lápiz al papel. Puede que aún no te des cuenta, pero creas mejor bajo ciertos tipos de condiciones. Y creo que estas condiciones tienen que cumplirse para que tu yo creativo despierte y tome el relevo. Empecé a darme cuenta de esto hace apenas unos años. Empecé a notar que estaba pensando y dibujando y pintando mejor cuando se cumplían ciertas condiciones en mi entorno. Creo que estas condiciones son únicas para cada artista. Entonces, por ejemplo, alguien podría trabajar mejor en su cafetería favorita con auriculares en los oídos y una taza de café recién hecho. Pero para otro artista, esto puede ser inductor de estrés porque temen que alguien pueda estar mirando por encima del hombro. Tengo la suerte de tener un espacio de estudio en mi casa, al que llamo laboratorio. Está lleno de cosas que disfruto y de las que me inspiro, como libros, juguetes, cómics y arte. Simplemente entrar por la puerta dispara tanto mi creatividad que realmente no quiero dibujar ni pintar en ningún otro lugar. Ahora bien, está bien si no sabes lo que necesitas en tu entorno para presentar creatividad. solo hecho de ser consciente de que podrías requerir ciertas condiciones es un paso en la dirección correcta. Entonces te sugiero que comiences con un espacio dedicado al arte, un lugar que esté separado de todo lo demás que pueda distraerte Entonces, por ejemplo, es posible que no quieras pintar en el mismo escritorio que usas para pagar las facturas. Tu cerebro ya asocia este espacio con una actividad que puede estar distrayendo Si solo tienes un escritorio para trabajar, intenta cambiar la iluminación o la música para establecer un tono diferente para el espacio. A medida que pases más tiempo con tu arte, asegúrate de prestar atención a lo que alimenta tu creatividad. Sea intencional sobre la creación del tipo adecuado de entorno que sea único para usted y su yo creativo. Alguna vez has pasado tiempo admirando a otros artistas en redes sociales y tal vez pensando, ¿Por qué mi arte no está en ese nivel Mi consejo es dejar de hacer eso. No me refiero a dejar de mirar el arte. Quiero decir, deja de compararlo con el tuyo. Hay que darse cuenta y contentarse con el hecho de que el arte es un viaje. No siempre se sabe cuál ha sido la experiencia de otro artista o lo que tuvo que sacrificar para llegar al nivel en el que se encuentran. A lo mejor son años de práctica y estudio los que involucraron cientos o tal vez miles de pinturas. En lugar de comparar tu arte, intenta mirar tu siguiente pieza con contentamiento y la comprensión de que estás donde estás en tu viaje artístico y estás mejorando continuamente Cada vez que dibujas o pintas es un paso más para mejorar. Mantener este estado de ánimo te mantendrá emocionado y siempre hambriento de crear esa próxima pintura y continuar por el camino artístico. A medida que sigo platicando con nuevos artistas que apenas empiezan, me he dado cuenta de que el estrés es una gran lucha para la mayoría. Me refiero a un artista que podría sentarse a trabajar en una pieza y se estresa por tomar las decisiones correctas. Creo que este estrés viene directamente de la falta de experiencia que viene de experimentar. La única manera de confiar en tu arte es hacer muchos y muchos pequeños éxitos y fracasos a través de la experimentación. Más adelante en este curso, me verás haciendo esto colocando elementos en una pintura y luego retirándolos de inmediato. Estoy experimentando con la colocación, y luego mi confianza y experiencia previa me dice si me gusta esa colocación o no Encontré a lo largo de los años que me encantan muchas salpicaduras y elementos abstractos en mi arte La única manera que descubrí eso fue a través de la experimentación. Cometí muchos errores horribles durante este tiempo, pero finalmente aterricé en resultados y técnicas en las que confío en mi trabajo. Si hubiera tenido miedo de experimentar de esta manera, nunca habría hecho estos descubrimientos. ¿Alguna vez compraste un nuevo juego de brochas y sentiste que no estabas seguro de cómo usarlo? Como resultado, sentiste que los estabas usando indebidamente La próxima vez que cargues algunos pinceles nuevos, prueba esto. Experimenta con cada pincel, mira qué tipo de marcas hacen, y luego pregúntate, ¿cómo puedo incorporar esto al arte que me gusta crear? ¿O cómo me funciona este cepillo? solo hecho de cambiar tu mentalidad de la incertidumbre a la certeza te dará confianza, y esa confianza te llevará a pasos audaces y a una mejora en tu arte La cuestión del estilo y cómo lograrlo es una pregunta milenaria y una que he visto preguntar hasta artistas experimentados. Siempre he creído que es una pregunta que ni siquiera merece la pena la preocupación de un artista porque creo que estilo es lo que naturalmente ocurre para cada artista a través de la combinación de experiencia y confianza. El estilo es lo que empiezas a hacer naturalmente cuanto más progresas en tu arte. A medida que adquieras experiencia artística, descubrirás que cada vez hay más cosas que haces que se sienten naturales y se ven directamente a tu vista. Estas cosas no son lo mismo para todos los artistas. Puedes renderizar sombras y reflejos de cierta manera o puedes dibujar ángulos duros en tus formas porque te gustan. Este tipo de opciones vienen a través de la experiencia que has obtenido y sabiendo lo que te gusta y lo que no. Por ejemplo, mencioné antes que me gustan las salpicaduras y los efectos abstractos en mi arte Llegué a esta conclusión a través de montones y montones de pinturas, no porque hubiera un estilo específico que quisiera emular Entonces cuando se trata de estilo, recomiendo que no te preocupes por ello y empieces por pintar lo que te gusta una manera que se sienta bien a tu vista. Cuanto más pintes, más sabrás qué es eso. Siempre he preferido las historias que son abiertas, las que te dejan con una frase como, y la aventura continúa. Captura mi imaginación, sabiendo que hay más por experimentar. Y ese es en realidad mi aspecto favorito del arte es saber que nunca lo sabré en absoluto. Siempre hay algo nuevo, ya sea un nuevo medio, un nuevo tema, o un nuevo concepto. Cada vez que te sientas a crear, es una experiencia de aprendizaje, aunque la hayas hecho mil veces antes. Así que siempre esté dispuesto a tener esto en mente y contentarse con el hecho de que siempre estará en este viaje artístico. No creo que haya un final en ese camino, y me parece increíblemente emocionante y humillado Como tarea, me gustaría que escribieras estas cinco claves una mentalidad artística y la exhibieras en algún lugar de tu espacio artístico para que no las olvides. Asegúrate de compartir una foto de ella en las redes sociales y dime cómo estas claves han ayudado a desbloquear tu mentalidad creativa y cómo eso ha afectado tu arte Bien, ahora vamos a sacar algo de pintura y hacer un lío. 3. 3. Características de la acuarela real: Bien, chicos, antes de que nos rompamos con la acuarela digital, quiero pasar unos minutos echando un vistazo a acuarela tradicional para que estemos familiarizados con la pintura sobre papel, sabremos cuáles son las características, y sabremos qué buscar al trabajar en el iPad. La primera técnica que quiero mostrarles es referida como pintura húmeda en húmeda. Comienza por recubrir el papel con agua limpia. El pincel también está húmedo y lleno de pintura. Esto crea un trazo de borde muy suave. En esta pintura de trucha, puedes ver ejemplos de suaves trazos de borde en la línea de la mandíbula aquí y alrededor del ojo. Los bordes más suaves como estos pueden sugerir redondez y transiciones sutiles Estaremos recreando este tipo de look con pinceles de borde suave y procrear En este ejemplo, estoy usando pinceles de lavado de bordes suaves para crear una transición sutil entre las sombras y el pelaje de este zorro. Los bordes suaves aparecen un poco más empotrados y no son tan inmediatamente perceptibles a la vista del espectador. La siguiente técnica se llama húmedo a seco. Esta vez, el papel está seco, pero el pincel sigue húmedo y lleno de pintura. Esto crea un trazo de borde duro. En la misma pintura de trucha, se pueden ver algunos ejemplos de trazos de bordes duros en la mandíbula superior aquí en el ojo y esta línea que forma la branquial Estaremos recreando este tipo de trazos con pinceles de borde duro y procrearemos En este ejemplo, estoy usando pinceles de borde duro para detalles en la cara del zorro como el ojo y la nariz. Los bordes duros son especialmente útiles para crear un enfoque nítido en estas áreas. Hablaremos aún más de bordes en un video posterior. Otro aspecto realmente importante de la acuarela es la transparencia. No es opaco como el óleo o el acrílico. Entonces, cuando pintas sobre una capa existente, lo que hay debajo siempre se mostrará a través. Y típicamente, como resultado se crea un nuevo color. La mayoría de los pinceles que usaremos en Procreate fueron hechos con este tipo de transparencia en mente A medida que pintas, los trazos de pincel aparecerán uno encima otro recreando el aspecto estratificado de la acuarela real La transparencia también se ve directamente afectada por la cantidad de agua versus pintura en el pincel. Este trazo es principalmente agua, y como puedes ver, es muy transparente. Este trazo tiene más pintura que agua y parece mucho más oscuro como resultado, pero sigue siendo transparente. Esto es lo mismo que ajustar el deslizador de opacidad en tu pincel para controlar la transparencia y procrear También es importante tener en cuenta que los colores se mezclarán húmedo con húmedo, lo que significa que cuando el papel aún está húmedo, los colores sangrarán juntos Recrearemos este tipo de efecto y procrearemos usando pinceles para difuminar y la Estos dos colores se pueden mezclar fácilmente como si estuviéramos pintando en un área húmeda de papel. Este es un gran aspecto de la pintura digital porque nuestro papel nunca se seca realmente. Por lo tanto, los colores se pueden mezclar en cualquier momento durante el proceso de pintura. Hay algunos buenos ejemplos de colores mezclados en esta pintura de chía. Por ejemplo, este rojo y amarillo han corrido juntos, creando un borde perdido y un matiz anaranjado. El cepillo de la licuadora también se utilizó para crear estas corridas como si el agua estuviera corriendo por el papel. La acuarela es a menudo abstracta. Está un poco suelto y, por lo general, hay muchas texturas y salpicaduras como resultado Los accidentes felices pueden ocurrir cuando tienes estas cosas en mente y permites que la acuarela se pinte esencialmente. Estoy muy emocionada de mostrarles cómo recrear tipo de efectos y procrear medida que avanzamos por este curso Entonces ahora que estamos familiarizados con pintura tradicional sobre papel y algunas de las formas en que se comporta, lavémonos las manos y vayamos a romper el iPad 4. 4. Dibuja para acuarela: Un aspecto de la pintura que a menudo se pasa por alto es el dibujo Parte de nosotros siempre quiere saltarse a la parte divertida de colocar pintura, pero aprender los fundamentos del dibujo te enseña a ver como un artista y a entender realmente tu tema Pasar el tiempo para aprender a dibujar te convierte en un mejor pintor. Te recomiendo encarecidamente que pases tanto tiempo dibujando y dibujando como puedas Echemos un vistazo a los bocetos en lo que respecta a Cuando estoy trabajando en un boceto inicial para una pintura, trato de visualizar las formas tanto como sea posible. Hago esto porque es más fácil envolver tu cabeza alrededor de formas simples que formas complejas. Incluso algo tan simple como un pájaro puede ser difícil de dibujar sin visualizar primero las formas como formas Trato de pensar en las formas de dos maneras. El primero es la estructura básica de la forma, o dividiendo un sujeto en las formas más simples posibles a medida que comienzas a dibujar. Echemos un vistazo a esta foto de referencia de un pollito y veamos si podemos encontrar algunas formas básicas Cuando se trata de aves, me gusta usar mayormente círculos. Entonces crearé un círculo para la cabeza y uno más grande para el cuerpo. Voy a añadir uno más aquí donde se juntan la cola y el ala. Ahora voy a añadir algunas pautas, una para la cola, para las patas, y para la rama en la que se sienta el pájaro. Creo que agregaré uno más para representar la dirección del pico, y esta línea también me ayudará con la colocación de los ojos Bien, entonces ahora tenemos nuestro pájaro reducido a formas simples. Ahora, es mucho más fácil entender las proporciones de esta ave partir de estos tres círculos. Ahora intentemos bosquejar este chickadee junto con las formas básicas que acabamos de encontrar en Pero antes de empezar, repasemos un par de conceptos básicos. Para todos mis bocetos y pinturas, normalmente trabajo en un lienzo ajustado a 5,000 por 4,000 píxeles a 300 DPI Esta es una escala realmente grande a unos 16 por 13”. Desde luego no tienes que trabajar en este tamaño. Incluso la mitad de este tamaño es suficiente. Hago esto porque me gusta escalar mi trabajo a un tamaño menor al original, pero hablaremos más de eso en un video posterior. También estoy usando el pincel de lápiz del juego de pinceles del curso para todos mis bocetos en este curso Al dibujar, sostengo mi lápiz un par de maneras diferentes Puedes o no querer hacer esto, pero encuentro que me ayuda a hacer diferentes tipos de líneas, lo que agrega cierta variedad a mis bocetos Para las formas iniciales, sostengo mi lápiz con este tipo de agarre porque en su mayoría estoy dibujando trazos amplios con mi brazo al comienzo de un boceto. Para formas más pequeñas, tiendo a sostener el lápiz desde el extremo porque encuentro que me ayuda a estar más suelto. Entonces finalmente, para más detalles, sostengo el lápiz más cerca de la punta. Este tipo de agarre me ayuda a ser más preciso con mis líneas. Bien, comencemos. Igual que antes, voy a dibujar una serie de círculos empezando por la cabeza. Entonces voy a agregar ese círculo más grande para el cuerpo. Entonces agregaré esa forma más pequeña para el ala y la cola que se unen, y pondré una pauta para la cola. Ahora voy a construir la forma del ave agregando algunas líneas al usar los círculos como guía. no voy a cambiar el agarre de mi lápiz porque todavía quiero mantenerme suelto en esta etapa. Voy a seguir adelante y poner una línea aquí para la colocación del pico y los ojos Ahora voy a cambiar mi agarre porque quiero empezar a cero en un poquito en estas líneas. Básicamente, estoy tomando decisiones más finalizadas sobre mi colocación de línea. A medida que voy poniendo líneas abajo, siempre estoy usando mis marcas anteriores como guía, por lo que hace que cada paso sucesivo sea más fácil. Bien. Bien, así que ahora voy a seguir adelante y agregar algunos detalles para el pico, y estoy echando un vistazo a la referencia para ayudarme con el tamaño y proporción correctos a Tiendo a usar líneas rectas incluso alrededor de curvas. Ahora bien, esto es solo una elección de estilo. Es una estética que me gusta en mis bocetos. Para mí, solo tiende a hacer las curvas un poco más interesantes. Así que pongamos una forma para la cola, pero voy a seguir adelante y escalar un poco mi boceto. Creo que estoy dibujando un poco demasiado grande para el tamaño del lienzo. Entonces ahora que tengo más espacio para la cola, estoy mirando la referencia para obtener la longitud de la misma en relación con el cuerpo. Quiero que el cuerpo llegue a más de un punto aquí solo porque siento que la forma lo necesita. Bien, entonces estoy agregando algunas líneas para las piernas aquí. Y voy a poner una rama para que se pare el pájaro. Creo que solo voy a agregar algunas marcas para representar los pies que se envuelven alrededor de la rama. Para envolverlo, voy a caer en un pequeño círculo aquí para el ojo también. Bien, así que ahora aquí está nuestro boceto inicial usando formas básicas como guía La segunda forma en que visualizo formas es a través del diseño de formas, construyendo los detalles del sujeto usando formas lo más interesantes posible. Esto se puede aplicar a la luz y las sombras e incluso al pelaje y al cabello. Esta vez estamos buscando formas en los grupos de plumas de ave y ala. Estoy trazando las formas que veo para que puedas hacerte una idea de lo que estamos buscando. Nuestro objetivo es reconocer estas formas y tal vez añadirles algo de interés exagerando el diseño de las curvas y ángulos Ahora terminemos nuestro boceto usando el diseño de forma que acabamos de encontrar en la referencia. Voy a estar trabajando en una capa separada por encima de nuestro boceto aproximado. Bien, comencemos echando un vistazo más de cerca al pico Ahora bien, de nuevo, suelo añadir más líneas rectas que curvas, pero eso es algo que hago por elección sólo porque me gusta. No sientas que tienes que hacer lo mismo. Solo queremos enfocarnos en formas bien diseñadas en esta etapa. Queremos dibujar buenas porque estas formas eventualmente actuarán como guía para la pintura. Entonces me gustaría acercar un poco poder hacer trazos más grandes con la pluma. Eso me parece más fácil, y hace que mis líneas sean un poco más limpias, también. También tiendo a rotar mucho el lienzo porque me gusta tirar líneas hacia mí versus alejarlas, y eso es solo porque me resulta más cómodo en la forma en que dibujo. Entonces el ojo de un pájaro no suele ser redondo debido a la piel que lo solapa. Entonces estoy definiendo aquí una forma diferente que no sea un círculo para reflejar eso. Creo que voy a quitar algunas de estas líneas y volver a dibujarlas para que se encuentren un poco mejor Bien, mirando estos grupos de plumas para el ala ahora, parece que aquí hay una agrupación más pequeña. Entonces el ala se vuelve hacia arriba y se envuelve sobre el cuerpo en este lugar. Bien, vamos a ver. Qué más se necesita. Voy a seguir adelante y definir las piernas un poco más, y realmente solo necesitamos una línea para representarlas. Pero voy a seguir adelante y definir mejores formas para los pies aquí. Y también necesito un poco más de definición para la sucursal. Así que sigamos adelante y hagamos eso también. A segunda mirada, creo que la cola debería ser un poco más larga en relación con el cuerpo. Y seguiré adelante y volveré a escalar el dibujo porque creo que todavía es un poco grande para el tamaño del lienzo. Oh, sigamos adelante y apaguemos la capa de boceto rugoso. Ahora podemos reducirlo a escala. Y parece que me perdí un par de líneas aquí alrededor del pico ahora que apagamos esa capa. Bien, ahora hemos completado nuestro boceto basado en una estructura de buena forma y lo terminamos con un buen diseño de forma. Ahora echemos un vistazo a cómo podría ser una pintura terminada basada en un boceto como este. A pesar de que algunas de las formas tienen bordes suaves en la pintura, todavía se puede ver que el diseño de la forma del boceto todavía está presente y aparece en la pieza final. Adiós. Bien, hablemos de bocetos sueltos versus ajustados y dónde aplicar los detalles Como artistas, es nuestro trabajo guiar el ojo del espectador en nuestras pinturas para crear esencialmente un punto focal. Una excelente manera de lograr esto es a través de la colocación de detalles. En este boceto de zorro, quiero que el espectador se centre principalmente en los ojos y en el centro de la cara. Todo lo demás es menos importante y requiere menos detalle como resultado. He colocado algunas líneas onduladas para donde el pelaje se detiene o cambia de color, pero los detalles del pelaje alrededor de la cabeza son menos importantes como los detalles alrededor del ojo y la nariz Se puede ver esto llegar a través en la pintura final. Los ojos y la nariz son los más agudos y detallados. Echemos un vistazo a otro ejemplo. Este boceto de gorrión está completamente renderizado a lápiz. No hay nada malo en esto, pero sí tiene muchos detalles. Demasiados detalles en todas las áreas no permiten que el ojo del espectador descanse. Como resultado se puede ver cómo se ve la pintura. Básicamente tonificé el lápiz marrón claro y agregué algunos lavados de acuarela al Hay más renderizado a lápiz que pintura. Nuevamente, no hay nada malo en este resultado, pero quiero que entiendas cuánto afecta un boceto a una pintura, y como resultado, ojalá seas consciente y un poco más estratégico con tus bocetos Ahora echemos un vistazo a este mismo boceto de gorrión con mucho menos renderizado Este boceto básicamente servirá de guía para la pintura con más detalles hacia la cabeza y algunas líneas para sugerir dónde deben estar las plumas, alas y colas. Al mirar la pintura final, se puede ver cuán diferente es esta versión y cuánto puede afectar el dibujo subyacente en el resultado final. Aquí hay más foco en el ojo y el pico de pájaro debido al contraste de bordes afilados y detalles en comparación con el resto de la pintura Eso es intencional porque quiero que la cabeza del ave sea el principal punto focal. Como tarea, intenta bosquejar algo sencillo como un pájaro o tal vez un trozo de fruta Recuerda buscar formas básicas en la estructura y el diseño de tu dibujo. Siéntete libre de compartir tus bocetos conmigo en las redes sociales. Me encantaría saber si las formas básicas han impactado en cómo dibujas. Bien, ahora que tenemos una buena comprensión de los bocetos para acuarela, sigamos adelante Te veré en el siguiente video. 5. 5. Trabaja desde referencias: Antes de hablar de usar referencia, quiero disipar ciertos pensamientos o ideas que puedas tener sobre la necesidad de referencia hecho de que necesites ayuda visual para producir un dibujo o una pintura no te hace menos artista. De hecho, te hace uno mejor. poner un ejemplo, si estás pintando un animal, hay absolutamente ninguna manera de que tu memoria contenga la información que necesita para retratar con precisión la anatomía y las características de ese animal a menos que lo hayas pintado una docena, dos docenas o tal vez incluso 100 veces antes Sin embargo muchas veces te lleva conservar la información necesaria sobre el tema. Y aún así, es posible que necesites referencia para diferentes ángulos o poses. Los artistas maestros a lo largo de la historia han confiado en la referencia para producir su arte Así que no sientas que la referencia es hacer trampa. En realidad es una herramienta esencial en la caja de herramientas de cualquier artista. Entonces ahora que sabemos que la referencia es algo bueno, hablemos de diferentes tipos de usos como referencia. Esta es probablemente la forma en que más uso la referencia. Consiste en recopilar imágenes del sujeto en diferentes ángulos y diferente iluminación. Me gusta tener este tipo de referencia abierta mientras estoy dibujando y pintando. Tener múltiples imágenes me ayuda a entender las formas del sujeto. Utilizo una app llamada Vizaf para mantener múltiples imágenes abiertas a la vez También me permite guardar múltiples colecciones de fotos de referencia para su uso posterior. Cuando estoy trabajando desde referencia como esta, estoy produciendo un dibujo que es similar a lo que veo pero no una coincidencia exacta. Esto permite un poco de libertad creativa en el posicionamiento y proporciones para el sujeto. Pero sigo haciendo una medición visual ya que estoy trabajando. Normalmente lo hago encontrando un hito en mi dibujo y comparando ese hito con el mismo en la foto de referencia. Entonces mido visualmente porciones del sujeto usando ese hito. Por ejemplo, este ojo de ave tiene una longitud de ojo desde su pico y aproximadamente tres longitudes de ojo desde la parte posterior de su cabeza Normalmente hago esto en mi cabeza ya que estoy buscando una medición de rotonda Encuentro que suelo estar bastante cerca ya que estoy tan acostumbrada a medir de esta manera. Se ve que los artistas tradicionales hacen esto levantando el pulgar o el pincel y cerrando un ojo mientras miran al sujeto. Están usando el tamaño de su pulgar para obtener la altura de la cabeza de un sujeto, por ejemplo, y luego usando esa medida para determinar la longitud de otras partes del cuerpo. referencia también puede informar las decisiones que tomas mientras pintas también. Por un ejemplo, mi boceto está más cerca de esta foto, pero me gusta mucho más la iluminación en esta foto. Entonces a medida que empiece a poner pintura, usaré esta foto para informar a mi sombra aligerada Entonces a medida que empiece a oscurecer las sombras, usaré esta foto como referencia para colocarla alrededor del pico y los referencia también se puede utilizar como tema para su pintura. En otras palabras, estás haciendo una copia exacta o pintando lo que ves ya sea de una foto o aún vivo. Para este tipo de pintura, recomendaría medir con precisión, sobre todo si estás pintando un retrato. Si buscas capturar una semejanza y los ojos de tu sujeto o incluso apagarse un poco, te prometo que se notará Para medir con precisión, usaremos el mismo método de hito que antes, pero esta vez, en lugar de mirarlo, en realidad haremos nuestra medición y la copiaremos y pegaremos alrededor de la cara Usaré el ojo de Luke como punto de referencia. Oh, no. Copia tres dedos deslizar para copiar y pegar. Y parece que entre sus ojos son aproximadamente una longitud de ojo. Y también veremos que la longitud de su nariz desde el puente de su nariz hasta la punta también es aproximadamente una longitud de ojo. Entonces, en su mejilla es aproximadamente una longitud de ojo más un cuarto. Al otro lado de su cara es aproximadamente dos longitudes de ojo y un cuarto. Puede continuar haciendo esta medición alrededor la cara para obtener una colocación precisa de cada característica. Todos los artistas profesionales se toman el tiempo para medir. Es algo a lo que te acostumbrarás a hacer, y cuanto más lo hagas, más rápido y más competente te volverás en Tómese el tiempo para medir con precisión y ver qué tan bien mejora su trabajo. Cuando se trata de arte, a menudo hay más de una forma de hacer las cosas. Un método realmente útil para copiar una referencia que podría resultarle un poco más fácil es el sistema de cuadrícula. Para este método, colocas una cuadrícula en tu referencia y colocas la misma cuadrícula en tu lienzo. Ahora tienes una medición constante desde la que trabajar. Simplemente dibuja lo que ves en cada uno de los cuadrados de la cuadrícula. Esto te ayuda a producir tu sujeto a escala exacta. Yo configuré esta cuadrícula abriendo mi foto fuente y Procreate primero Toca el icono de la herramienta y activa la guía de dibujo. A continuación, puntee Editar guía de dibujo. Desde aquí, se puede ajustar el tamaño de la cuadrícula y cambiar el color. A continuación, tomo una captura de pantalla y la recorte dentro y alrededor de la foto. Después lo copio al portapapeles y lo pego en Vizraf. A partir de aquí, puedo borrar la foto y procrear e iniciar mi dibujo También quiero mencionar el rastreo. Por supuesto, es posible rastrear tu tema, pero te aviso sobre este método. A menos que entiendas las formas que estás trazando y puedas agregar un poco de sabor y personalidad a la traza a medida que avanzas, el resultado puede quedar algo sin vida Si eliges rastrear tu tema, te recomiendo buscar áreas que puedas exagerar o encontrar formas a las que puedas agregar un poco más de diseño En otras palabras, usa el rastro para obtener proporciones básicas, luego rellena los espacios en blanco con tu propio estilo personal y gustos de diseño. importante que sea la referencia, no quiero que se sienta constreñida por ella. Como mencioné antes, úsalo para ayudarte a entender tu tema, pero siempre busca áreas para agregar diseño, forma y forma a tus dibujos. Esto te ayudará a infundir tu propio toque personal en tu obra, y eso definitivamente se verá a través de tus pinturas Como tarea, me gustaría que escogieras tres temas que te gusten pintar y reunieras una colección de cinco a diez buenas fotos de referencia para tener a mano para usar esta referencia para futuros trabajos. Guárdalos en una galería de fotos, en tu iPad, en Dropbox o en una aplicación como Vsref En tus bocetos, practica la medición visual y luego las mediciones reales para ver qué tan cerca te acercas Asegúrate de publicar la comparación con las redes sociales. Me encantaría saber cómo la medición ha impactado en tu arte. 6. 6. Composición: Cada vez que comienzas un boceto o una pintura, estás componiendo. Estás colocando elementos en el lienzo una manera que sientes que es estéticamente agradable Creo que a menudo se piensa en la composición en relación con paisajes donde se colocan elementos como horizonte, árboles y nubes. Ahora eso ciertamente es composición, pero en realidad se aplica a todo tipo de pintura sin importar cuál sea el tema. Incluso con temas individuales porque también estás componiendo con valores, posando el tema, e incluso la colocación en el lienzo es un factor También quiero señalar que composición y el diseño van de la mano. Entonces, cuando estás componiendo tu arte, lo que realmente estás haciendo es diseñar, y el buen diseño y el arte pueden superar todas las demás trampas Yo iría tan lejos como para decir que el diseño es el elemento número uno más importante en tu arte. Si tu pintura está bien diseñada, entonces casi todo lo demás cae en su lugar, y las elecciones restantes que tienes tienen mucha menos importancia y se vuelven más fáciles de hacer. Simplemente planear una composición va un camino increíblemente largo en la producción de una pintura exitosa. No empezarías a construir una casa clavando algunas tablas juntas y viendo lo que sacude Lo mismo va para una pintura. La mejor manera de planificar una composición es mediante bocetos en miniatura Nunca empiezo una pintura sin una miniatura para darme una idea de lo que estoy creando Te recomiendo que hagas de tres a cinco bocetos rápidos en miniatura para todas las pinturas que hagas porque te da la oportunidad de explorar y experimentar con poco o ningún compromiso Puedes probar la colocación de valor y el diseño de varias maneras diferentes, y a menudo encontrarás que terminas yendo con algo completamente diferente a lo que inicialmente tenías en mente para la pieza. Hay un montón de teorías cuando se trata de diseño y composición, tanto es así que puede ser un poco desalentador envolverte la cabeza Pero los he reducido a cinco trucos simples que considero los más comunes cuando estoy trabajando en una acuarela Y la buena noticia es que no hay muchas conjeturas involucradas Estas son reglas e ideas bastante establecidas que puedes aplicar directamente a lo que sea que estés pintando. Al comenzar una composición, me gusta reducirla a las formas de nivel base o la forma general de la silueta del sujeto. Ayuda a ver la pieza de esta manera para que puedas componer sin la distracción de los detalles Es mucho más fácil tomar decisiones de diseño al ver las formas simples lugar de intentar tomar esas decisiones una vez que ya estás en marcha en una pintura. Por ejemplo, en este diseño floral, estoy usando formas simples para determinar el arreglo antes de dibujar o pintar cualquier detalle. Pero no solo estoy arreglando formas simples aquí, también estoy usando una forma simple para guiar mi colocación. También puedes dejar que formas simples informen tu decisión sobre los ángulos y la colocación de tu tema en el lienzo. En esta pintura de pez ángel, la silueta del pez es bastante fuerte y bien definida con bordes nítidos alrededor del pez , diferenciándolo del lavado de fondo. Este cuadro de zorro, por otro lado, tiene muchos bordes perdidos que se mezclan con lavados, pero la silueta del zorro sigue siendo visible en todas las áreas importantes En ambas pinturas, una silueta bien diseñada ayuda a definir el tema. Incluso visto en un tamaño más pequeño, todavía se puede ver claramente cuál es el tema. La regla de los tercios consiste en dividir tu lienzo en tres secciones vertical y horizontalmente. La cuadrícula resultante le da una guía general para la colocación. Por ejemplo, puede ser un poco más interesante visualmente colocar tu tema un poco fuera del centro versus directamente en el medio de tu lienzo. En esta ilustración de ejemplo, se puede ver que la cuadrícula de regla de tercios se está utilizando para ayudar a guiar la colocación de múltiples sujetos una manera que sea agradable a la vista. Y también notar que se está utilizando una forma de triángulo para colocar a los personajes también. I para crear una regla de tercios de cuadrícula y procrear, activar la guía de dibujo y tocar editar guía de dibujo Divida la altura de los píxeles por tres y establezca el tamaño de la cuadrícula en ese número. Mi Canvas tiene 4,000 pixeles de alto, así que estoy usando 13 33. Después arrastra el punto azul a la esquina superior y toca listo. Ahora toca una miniatura de capa y ayuda para dibujar zapatos. Dibuja dos líneas horizontales para dividir el lienzo. Sigue exactamente el mismo paso para las líneas verticales, pero esta vez divide el ancho por tres. Mi Canvas tiene 5,000 pixeles de ancho, así que estoy usando 16 67. La misma capa dibuja las líneas verticales. Ahora puedes apagar la guía de dibujo y te queda una cuadrícula que divide tu lienzo en tercios Siempre debes tomar en consideración la cantidad de elementos que coloques en una composición. El cerebro humano, por cualquier razón, parece encontrar un equilibrio con números impares. El más fácil de componer siendo el número tres. Si quieres incluir más de tres elementos, recomendaría 5/4, no decir que no puedas tener un número par, pero un número par de elementos en una escena tienden a competir un poco por el espacio Echemos un vistazo rápido a este cuadro de NC Wyeth. Podrías pensar que esta es una pintura de un solo tema, y no te equivocarías, pero aquí se están utilizando números impares con puntos focales. También estamos viendo de nuevo esa familiar forma de triángulo. Creo que parte de por qué el cerebro humano encuentra equilibrio en el número tres se relaciona directamente con el triángulo. Volviendo a nuestro diseño floral, estoy usando tres en esta composición para crear un equilibrio con números impares. Varían en tamaño, poniendo el foco en la flor más grande. Hemos tocado este un poco en videos anteriores. movimiento se refiere a cómo el ojo del espectador interactúa y se mueve a través de la pieza Se puede lograr a través de líneas iniciales o formas que apunten directamente al sujeto, colocación de detalles o incluso algo más sutil como valores contrastantes, que cubrirán más en el siguiente video. Es importante considerar cómo el espectador verá e interactuará con tu trabajo, y si puedes tener un propósito sobre esa interacción, puede hacer que tu arte sea más interesante En la pintura de garbanzos de antes, el ojo del espectador está siendo atraído hacia la cabeza del pájaro por valor contrastante o la parte más oscura de Pero podríamos reforzar aún más el punto focal enmarcándolo con hojas, por ejemplo Observe que las hojas también están sirviendo como líneas principales que apuntan directamente y conducen al ojo hacia el punto focal. espacio positivo se refiere a áreas de la pintura que incluyen el tema o áreas de importancia. Mientras que el espacio negativo es justo lo contrario con áreas de menor enfoque que rodean al sujeto. A menudo, la acuarela ha expuesto papel blanco como elemento en la pintura Esta área se considera típicamente como espacio negativo. Por lo que es importante considerar cómo lidiamos con este espacio negativo. A menudo utilizo lavados para llenar estas áreas alrededor mi tema ya que es un aspecto de la acuarela que A menudo el espacio negativo se ve más afectado en la forma en que recortamos nuestra pintura La forma en que se recorta la pintura realmente puede cambiar la dinámica de la pieza terminada A modo de ejemplo, estoy colocando este pájaro fuera del centro y recortando el lienzo, tomando en consideración la cantidad de espacio negativo en la porción superior Usar la regla de los tercios también me ayuda con la colocación. Observe cómo el cambio de posición afecta a la pieza. Estar demasiado cerca del borde nos da una sensación de desequilibrio. Siempre se puede pensar en el espacio negativo como darle al sujeto algo de espacio para respirar. Otro buen ejemplo es este pez anhelando. El original no se recorta necesariamente con un buen balance de espacio positivo y negativo Así que creé una nueva versión y utilicé la regla de la grilla de los tercios para crear un cultivo más ajustado El punto focal de la pieza es la cara del pez, que guardé en el tercio inferior inferior. También hay un buen equilibrio de espacio negativo en todos los sentidos. Yo quería que el pez apareciera que se estaba dando la vuelta y nadando muy rápido. Ese movimiento es sugerido por las aletas y las salpicaduras que se mueven hacia la parte superior derecha Usando la regla de los tercios, manteniendo en mente el movimiento y un buen equilibrio del espacio negativo, creo que esta es una representación mucho mejor para esta pieza. Ahora que hemos explorado algunas ideas detrás de la composición, espero que ahora se sienta equipado con cierta confianza recién descubierta a la hora de planificar sus pinturas Creo que encontrarás que con estos sencillos trucos en mente, las reglas de composición se pueden agregar fácilmente a tu caja de herramientas artística. Como tarea, me gustaría que escogieras un tema y hicieras de tres a cinco bocetos en miniatura, teniendo en cuenta la silueta, la regla de los tercios, los números impares, movimiento y el espacio positivo versus negativo Cada miniatura no tiene que contener todos estos elementos, pero si puedes incluir uno o dos, entonces estás en camino hacia una composición fantástica Asegúrate de publicar tus resultados en las redes sociales y etiquetarme. Me encantaría saber cómo planeaste tu pintura. Bien, nos estamos moviendo justo a lo largo, y te veré en el siguiente video 7. 7. Comprende el contraste de valor: contraste en el arte puede referirse a muchas cosas como textura versus trazos suaves o formas pequeñas versus grandes o líneas rectas versus dentadas Pero cuando se trata de acuarela, creo que el contraste más importante está en los valores. Necesitas buenos valores contrastantes en tus pinturas para crear un nivel de realismo y profundidad. Si alguna vez pintaste algo y te preguntaste por qué parece plano o no explota, el probable culpable es la falta de contraste de valor Entonces, en este video, profundizaremos en el valor, y después, verás tu trabajo con nuevos ojos. Vas a saber qué buscar mientras estás pintando y cómo revisar tu obra por un buen rango de valor. Y te garantizo que estas habilidades por sí solas marcarán una diferencia increíble en cómo ves tu. El valor se refiere a qué tan claro o oscuro es un color. Por ejemplo, mirando esta escala, vemos un rango de grises desde el negro puro o 100% hasta el blanco o el valor del 0% Su pintura siempre debe incluir valores a través de esta escala, lo que significa que su tono más claro debe encontrarse aquí, sus tonos medios aquí y sus tonos más oscuros en algún lugar Si tu pintura solo incluye tonos medios, entonces terminas con un aspecto plano, lo que dificulta que el ojo pueda discernir diferentes formas Observe en esta pintura de gato vista en blanco y negro cómo todos los tonos utilizados se encuentran en el rango medio de nuestra escala. El resultado es plano y definitivamente es más difícil para nuestros ojos elegir cualquier profundidad real en sombras o reflejos. Creo que muchos artistas principiantes pintan en valores de rango medio porque se siente más seguro. Hacer cambios de contraste extremos puede parecer intimidante al principio, como si estuvieras yendo demasiado lejos. También es posible que tus ojos simplemente no estén acostumbrados a buscar rango de valor de esta manera. Cuando vemos la pintura original en blanco y negro, podemos ver que el rango completo en la escala de valor está presente. Es muy claro dónde están las sombras más oscuras y dónde están los reflejos más brillantes El resultado es más profundidad que más realismo. La profundidad en una pintura se crea por la separación de estos valores. El cuadro se ve más real porque este es el rango de valores que vemos en el mundo real todo el tiempo. También tenga en cuenta que el valor es relativo a sus valores circundantes, lo que significa que un valor aparecerá más oscuro rodeado por un valor más claro y más claro cuando esté rodeado por uno más oscuro. Esto tiene más sentido cuando lo vemos en la escala de valores. Se puede ver que el mismo tono medio aparece más claro en un extremo y más oscuro en el otro, pesar de que es el mismo tono gris en todo el camino. Veamos un ejemplo de esto. Este es un cuadro para un diseño de camiseta que hice para un cliente hace unos años. Cuando lo vemos en blanco y negro, ¿ puedes escoger el valor más ligero Parece que los peces pequeños son los lite, pero puedes encontrar el mismo valor en la trucha moteada debajo del ojo Los peces pequeños en realidad aparecen más brillantes porque el valor circundante es mucho más oscuro. Esto crea más separación, profundidad y contraste alrededor de estos pequeños peces, convirtiéndolos en un punto focal como resultado. También se ve la misma escala de valores en colores. Agregar más blanco a un color lo mueve hacia arriba la escala creando un tinte del color base, mientras que agregar negro lo mueve hacia abajo la escala creando un tono del color base. Algunos colores tienen un valor base más claro mientras que otros son más oscuros. El color es lo que más tendemos a notar en una pintura, pero realmente valorar es lo que está haciendo todo el trabajo. De hecho, creo que el color que eliges es menos importante que su valor. Te voy a mostrar a lo que me refiero. Hablamos antes de que el punto focal de esta pintura de zorro sea el centro de su cara porque ahí se coloca el mayor detalle. Pero también llama la atención del espectador porque tiene la mayor separación de valor del resto de la pintura también. Aunque cambiemos el color de la pintura, sigue funcionando porque las separaciones de valores siguen ahí A menudo, estás componiendo con una gama de valores en Una pintura puede ser oscura, clara o dominante de valor medio. En este ejemplo, podemos ver que el punto focal se crea con un objeto de valor oscuro y una composición dominante de valor medio, o puede ser lo contrario con un valor de luz y una escena dominante de valor oscuro. Es importante pensar en la colocación de valor en tu composición porque los puntos focales suelen ser creados por este contraste. Darle otra mirada a esta pintura de pez ángel, esta vez en blanco y negro, nos da aproximadamente tres valores El blanco del papel es nuestro más ligero con el valor medio que compone el lavado de fondo El punto focal se crea contrastando valores de luz y oscuridad en la cabeza, sin mencionar un poco de ayuda de algunas líneas principales. En este punto, te he mostrado varios cuadros en blanco y negro. Esa es en realidad la manera perfecta revisar tu trabajo mientras pintas. Simplemente desliza tres dedos y procrea y selecciona copiar todo y deslizar tres dedos nuevamente para pegar tu pintura en una capa por encima de todo lo demás Y luego bajar la saturación. Mire su rango de valor actual y vea dónde necesita ajuste. Compárela con una escala de valores para ver dónde necesita más de cierto valor. Haz esto varias veces si es necesario mientras trabajas en una pieza. Muy pronto entrenarás tus ojos para ver los colores como valores, y verás dónde se necesita un buen contraste de valor mientras trabajas. A partir de este punto, me gustaría que pensaras en los valores de tus pinturas, que los conozcas y cómo se utilizan para crear contraste, composición, profundidad y realismo en tu obra. Como tarea, me gustaría que crearas una escala de valor. Usa nueve cuadrados para crear el rango del negro al blanco. Compárelo con su último trabajo y vea si puede encontrar un buen rango de valor de luz, medio y oscuridad. Esto probablemente te dará una idea de dónde te encuentras actualmente cuando se trata de pintar con buen contraste de valor. Ahora que tenemos una buena teoría de la pintura en nuestro haber de los últimos videos, vamos a echar un vistazo a algunos pinceles. 8. 8. Selección de pinceles: Tomemos unos minutos para hablar de pinceles. Los pinceles son esenciales para crear el efecto acuarela que busco en mis pinturas digitales. Mi experiencia es en el arte tradicional, por lo que tiendo a buscar ciertos elementos en mis pinceles que son importantes para mí, como texturas, bordes suaves y duros, y ciertos tipos de salpicaduras y efectos de lavado He incluido un juego básico de 14 pinceles junto con este curso. Usaremos este set para pintar en todos los próximos videos. Echemos un vistazo a los pinceles este set para que puedas familiarizarte con ellos y sabrás qué tipo de pincel usar para diferentes áreas de una pintura. El primer pincel de este set es un lápiz. Este es probablemente bastante obvio ya que está destinado a ser utilizado para tus bocetos. El pincel crea una línea delgada cuando se mantiene normalmente o crea una línea de sombreado más gruesa cuando se inclina hacia un lado Me gusta usar un color gris oscuro mayor parte del tiempo con este pincel, a menos que lo esté usando como lápiz de color, creando un boceto de tono. A continuación está el detallista de acuarela. Esta brocha está pensada para trabajos de menor detalle. Estaría cerca de una pequeña ronda en comparación con un cepillo tradicional. El pincel es transparente y crea un borde duro. Aunque el pincel está diseñado para trabajos de detalle, ciertamente puedes escalarlo y pintar áreas más grandes con él si lo deseas. El pincel de agua es otro pincel redondo de borde duro, pero este es más transparente como si contenga más agua que pintura. Es sensible a la presión, por lo que cuanto más ligero presionas, más agua entra en el cepillo. El pincel también tiene una textura agradable que se vuelve más visible con la presión. El pincel opaco es equivalente a un pincel tradicional lleno de pintura y sin agua. Sé que mencioné antes que la acuarela siempre es transparente. Pero cuanto más pintura capas, más opaca comienza a aparecer. Puedes hacer lo mismo con un pincel transparente como los que acabamos de ver, pero este pincel actuará como un ahorro de tiempo, permitiéndote colocar áreas más opacas rápidamente. Este se convertirá en un habitual en tu selección de pinceles ya que lo usarás para crear contraste de valor más rápido que la estratificación. El cepillo plano imita un cepillo tradicional que tiene una punta más blanca. Utilizarás este para sombrear áreas más grandes o para crear variaciones en tus trazos ya que los trazos no siempre son visibles con pinceles redondos. Los pinceles de lavado suave y lavado más suave crean trazos de borde suaves, similares a lo que creamos en la mirada al video tradicional de acuarela. Estos son excelentes para pintar lavados o agregar bordes sutiles en tus pinturas Los pinceles de efecto alcohol y sal son para crear ciertos tipos de efectos especiales que cubrirán más en un video posterior. La batidora de agua está pensada específicamente para la herramienta licuadora, pero entiende que sin duda puedes pintar con ella igual que también podrías usar otros pinceles en este set con la herramienta licuadora. Este pincel está lleno de agua y mezclará cualquier trazo como si estuvieras pintando mojado en húmedo. Los dos pinceles de sello de lavado son para crear lavados grandes rápidamente, pero también tienen varios otros usos, que cubrirán más en un video posterior Los cepillos de goteo y salpicaduras están entre mis favoritos. Casi siempre remato todas mis pinturas con algunas salpicaduras El cepillo de goteo agregará algunos puntos individuales mientras que el cepillo de salpicaduras se volverá loco escabulliendo pintura por toda Pintemos una pluma rápida para darte una idea de lo que pueden hacer estos pinceles y siéntete libre de pintar conmigo si quieres. Voy a bosquejar esta pluma de memoria porque quiero que sea una rápida demostración de pincel, y creo que la forma es lo suficientemente simple como para poder hacerlo sin referencia. Mientras trabajo voy a tratar de tener en cuenta una silueta fuerte y evitar que se repitan patrones en la pluma. También voy a mantener el boceto bastante suelto porque sé que en unos minutos voy a apretarlo en el siguiente paso. Bien, estoy tocando la herramienta de transformación, y voy a escalarla un poco, y luego la voy a inclinar ligeramente. Entonces ahora estoy creando una nueva capa y moviéndola por debajo de la capa de boceto. Estoy usando el pincel opaco en un color azul oscuro para delinear la silueta de la pluma, usando el boceto como guía. Realmente no estoy siguiendo las líneas del boceto exactamente aquí ya que quiero seguir agregando variación e interés visual mientras trabajo. Eso es algo de lo que realmente trato de mantenerme continuamente consciente, especialmente al principio de la pintura. La forma que estoy creando aquí servirá de base para nuestra selección de plumas con la que pintaremos en otras capas. En realidad no va a ser parte de la pintura final. Ahora estoy llenando el contorno y voy a crear algunas piezas de plumas más tenues con trazos simples, y lo estoy haciendo puramente para agregar poco más de interés visual a la forma Entonces estoy usando el mismo pincel opaco, pero esta vez con la herramienta borrador para noquear algunas zonas de la silueta de la pluma En una pintura tradicional, estas áreas se crean a partir de espacios entre pinceladas que no se mojaron. Porque la acuarela no fluirá hacia estas pequeñas áreas secas a menos que la empujes allí con un pincel. Entonces, al borrar estos espacios, es como si estuviera imitando ese aspecto de Ahora que tenemos forma de pluma, voy a renombrar esta base de capa. Haré una selección a partir de esta capa y apagaré la visibilidad. Entonces voy a crear una nueva capa y llenarla un trazo grande desde el cepillo de lavado suave. Y ahora tenemos esta bonita base de textura para trabajar. Ahora voy a elegir un color morado para pintar en alguna variación de color Después usando el mismo cepillo de lavado suave con el blurtl, mezclaré el azul y el morado juntos Yo voy a seguir adelante y crear otra nueva capa y voy a probar un color púrpura de la pluma y hacerla un poco más oscura. Usando ese mismo cepillo de lavado suave nuevamente, pintaré fuera de la selección, permitiendo que solo el borde del pincel se desangrara sobre la forma de la pluma Esto oscurecerá el borde de nuestra pluma, que volverá a imitar el comportamiento de la acuarela tradicional ya que la pintura tiende a correr hacia el borde de una forma a medida que se seca Voy a usar el blentol de nuevo para difuminar algunas áreas alrededor de los bordes también Y en la misma capa, estoy eligiendo un cepillo de lavado y estamparemos un poco de púrpura más oscuro a la base de la pluma. Y debido a nuestra selección, el sello se limita a nuestra forma de pluma. Ahora en otra capa usando el pincel de agua esta vez, vamos a detallar nuevamente los bordes. En realidad, usemos en su lugar el pincel para detalles de acuarela Voy a pintar una fina línea de detalle alrededor de la pluma, reforzando ese efecto de borde oscurecido de antes Mientras trabajo alrededor de la pluma, oscureceré algunos bordes y dejaré algunos fuera ya que quiero que el efecto sea un poco variado Ahora estoy creando una nueva capa y moviéndola por debajo de nuestra capa de borde detallada. Vuelvo a seleccionar un cepillo de lavado húmedo y esta vez usando un color azul y estampando la otra porción de la pluma solo para agregar un poco más de textura. En otra nueva capa, voy a seguir adelante y agregar algo más de variación seleccionando un azul claro y pintando algo de textura usar el pincel de efecto alcohol. Para rematar esta pieza, agregaré algunas salpicaduras dentro la selección de plumas usando de nuevo un color azul claro Ahora voy a deshacer la selección y añadir algunas salpicaduras más alrededor la pluma usando un azul oscuro Bien, como ajuste final, voy a combinar todas las capas y aumentar la saturación y variar ligeramente el tono. Y creo que eso casi lo hará por este. La pregunta que más recibo sobre mis juegos de pinceles es, ¿cómo sé qué brocha usar? La respuesta a esa pregunta es, ¿qué estás pintando? Si estás creando un borde duro, entonces agarra una de las rondas. Si necesitas un borde suave o algo con más textura, toma un cepillo de lavado suave. Si estás detallando un área pequeña, entonces usa el detallista o incluso el pincel de lápiz Realmente creo que la selección de pinceles se reduce a la experiencia porque con la experiencia viene la confianza y saber lo que estás haciendo y saber lo que buscas, y estás pintando. Si sientes que aún no estás ahí, está bien. Tenemos mucho más que cubrir en este curso, y estarás ahí antes de que te des cuenta. 9. 9. Crea variedad en el borde: Hemos tocado un poco el concepto de variedad edge, pero quería crear un video específicamente sobre el tema porque creo que es una parte esencial de una pintura. Para mí es importante que tengas una sólida comprensión de este tema y sepas aplicarlo en tu propio arte. Creo que hay tres tipos de bordes en una pintura, duros o afilados, bordes suaves y bordes perdidos. Estos tres tipos de bordes juegan un papel en la jerarquía visual. Esto significa que tendemos a ver ciertos bordes en orden de importancia o claridad visual. Los bordes duros son los más altos en este ranking. Ya que tienen la mayor claridad, es lo que nuestros ojos tienden a notar primero. Los puntos focales en las áreas de detalle tienden a tener los bordes más duros en una acuarela. Los bordes blandos suelen ser secundarios y tienen cierta importancia, pero menos que los bordes duros. El pelaje es un buen ejemplo de bordes suaves. A veces voy a pintar pieles muy suavemente con poco o ningún detalle Tu ojo ve que está ahí y lo registra como pelaje, pero no necesariamente habita o descansa en estas áreas de la pintura. Los bordes perdidos son una especie de espacio mágico donde estamos insinuando que hay algo ahí sin mostrarlo realmente Es como si tu cerebro se llenara en el espacio sin realmente ver. Esa es en realidad una muy buena comida para llevar y algo a tener en cuenta. En una pintura, no siempre tenemos que mostrarlo todo. Al hacerlo, en realidad creamos más interés porque tu cerebro disfruta del misterio de llenar los espacios en blanco con imaginación. Los bordes perdidos también se pueden usar para agregar un poco de calidad abstracta a una pintura. Y eso es algo que personalmente me parece muy atractivo de estas áreas al decidir dónde deben estar. Et's echa un vistazo a cómo se utilizaron los pinceles para crear variedad de borde en esta pintura floral para darle un buen equilibrio y jerarquía visual. La forma general de la silueta de la flor se pintó con un pincel de bordes duros como el detallista de acuarela o el pincel opaco Después se pintaron los colores interiores en el interior de los pétalos usando el pincel plano. Y luego los bordes se ablandaron usando el cepillo plano nuevamente con la herramienta para difuminar Elegí perder algunos de los bordes de la forma de la flor como si la pintura se escapara de la silueta. Lo hice hacia el dorso de la flor para establecer un poco de profundidad y combinar un poco la forma con el fondo. También hice esto un poco al frente solo para sugerir un poco de profundidad de campo. profundidad de campo se refiere a la distancia entre los elementos más cercanos y más lejanos en una foto o pintura en este caso, que aparecen nítidos y enfocados Entonces, al mirar esta pintura, podemos ver claramente los tres bordes en el trabajo. Los bordes duros dan enfoque y prioridad visual a la silueta de la flor. También se utilizan en los detalles que se encuentran en el centro de la flor. Los bordes suaves se utilizan para pintar el color dentro de los pétalos de las flores, y los bordes perdidos se están utilizando para establecer un poco de profundidad e interés el fondo y un poco en primer plano Una pregunta que recibo muchas veces es, ¿cómo evito difuminar mi pintura? La causa más probable es que no tienes suficiente variedad de bordes, específicamente bordes duros. Necesita la nitidez de los bordes duros y sus puntos focales para que su ojo sea guiado allí y cuidado con el uso excesivo de la herramienta de manchas Si tu pintura parece demasiado borrosa, es probable que solo te falte esa nitidez Por lo que te recomiendo que seas intencional sobre los bordes y te asegures de que tu pintura tenga un equilibrio de tipos de bordes para evitar ese aspecto borroso Como tarea, me gustaría que pruebes una simple pintura de una fruta, algo fácil como una rodaja de naranja, una manzana, o una fresa como lo estoy haciendo aquí. Quiero que tengas en mente la variedad edge. Sea estratégico sobre dónde coloca estos tres tipos de bordes. Si la pintura comienza a verse borrosa, entonces empieza a buscar esos bordes duros para volverla a enfocar En mi pintura de fresa, estoy usando bordes más suaves en la iluminación de la fresa para sugerir redondez. Los bordes de la fresa y las semillas pequeñas tienen bordes más duros para darle enfoque y nitidez Incluso tengo un borde ligeramente perdido en la base donde comienza la sombra porque ahí no aterriza ninguna luz. Prueba esto y asegúrate de compartirme y etiquetarme en las redes sociales y hazme saber cómo usaste los bordes para darle más dimensión y enfoque en tu pintura. 10. 10. ¿Qué es un lavado en acuarela?: El término lavado se refiere a una técnica en la que se pinta una capa muy delgada de acuarela en una gran área de agua. Esto da como resultado que la pintura se mueva alrededor del charco de agua, creando remolinos y floraciones y todo tipo de Una vez más, esta es una técnica que permite que la acuarela se pinte sola, ya que estás renunciando al control en cierto sentido y dejando que la pintura se haga cargo. Una vez que la pintura se seca, te quedan áreas de la pintura que realmente tienen una vida propia. Las texturas resultantes dejadas por la mezcla de agua y pintura dan vida a la pintura. Personalmente me encanta este aspecto de la acuarela, y lo uso todo el tiempo tanto en el trabajo tradicional como en el digital. Hay dos formas en las que me gusta crear lavados y procrear, y muchas veces uso estos dos métodos juntos para poder tener total flexibilidad y control sobre cómo El primer método es pintarlos usando pinceles de lavado suave. Aquí estoy usando los cepillos lavados suaves del juego de cepillos gruesos. Pintar lavados como este permite un nivel de libertad en la forma y áreas de luz y oscuridad porque lo estás pintando desde cero A menudo utilizaré la herramienta de manchas con el mismo cepillo seleccionado para extender el lavado o descolorido a lo largo de los bordes La otra técnica que utilizo para crear lavados es usar pinceles estampados Aquí estoy usando los dos pinceles de estampación del juego de pinceles del curso. Estos pinceles fueron creados usando fotos de alto riesgo o escaneos de lavados reales creados con pintura tradicional sobre papel Entonces el resultado es lo más realista que puedas conseguir. Estos pinceles son rápidos y fáciles y a menudo crean aleatoriedad y accidentes felices, lo que me parece muy divertido Los lavados se pueden usar para construir y mezclar formas, y también se pueden usar para crear fondos abstractos Intentemos pintar una forma primero, y siéntete libre de pintar a lo largo si quieres. Empezaremos dibujando una hoja con el pincel de boceto a lápiz. A continuación, vamos a querer crear un área de confinamiento para la pintura En una acuarela tradicional, esto equivaldrá a una zona húmeda del papel. pintura permanecerá dentro de los límites del espacio húmedo y no correrá ni se moverá sobre papel seco En Procreate, crearemos la misma área confinada con una selección Así que sigamos adelante y delineemos nuestra forma de hoja con la herramienta de selección. Esto nos da el equivalente a un área húmeda de papel. Entonces podemos estampar o pintar un par de lavados para darnos nuestra forma pintada Esto es muy fácil de hacer, y puede ser el paso inicial en tantas pinturas. Me encanta la aleatoriedad de construir formas de esta manera versus pintar en áreas sólidas de color Las pinturas en acuarela no suelen tener un área sólida de color opaco, como las pinturas il podrían. Por lo general, hay cierto grado de textura. Por lo que estas humedades de lavado también son perfectas para romper esas áreas de color sólido con un poco de aleatoriedad Bien, probemos con otro. Esta vez vamos a usar los cepillos de lavado suave. La acción ya está hecha, y voy a pintar alrededor del borde de la hoja sin levantar la punta de mi lápiz hasta que esté listo para comenzar una nueva capa de lavado. También estoy pintando alrededor del borde, el exterior de la hoja para oscurecer los bordes Vamos a agarrar el cepillo de lavado más suave y escalarlo un poco. Pintemos en otra capa de lavado. Estoy usando presión muy ligera aquí también. Por lo que oscurecer los bordes así ayudará a crear el aspecto de pintura real porque tiende a moverse hacia el borde a medida que comienza a secarse Bien. Ahí lo tenemos. Ahí está nuestra segunda hoja esta vez pintada con pinceles de lavado. Cuando se usan lavados como fondos, pienso en ello como áreas de mezcla que agregan o mejoran la composición Con ese concepto en mente, no querrás estampar cualquier lavado en ningún lado. Te voy a mostrar lo que quiero decir en este ejemplo. Terminemos los antecedentes de este zorro. He incluido esta pintura en los recursos del curso por si quieres seguir adelante, pero no te sientas obligado a colocar lavados en las mismas áreas que yo Siéntete libre de experimentar y ver qué puedes crear. Bien, vamos a estar usando los cepillos de lavado húmedo del juego de brochas gruesas. Voy a empezar con lavar húmedo dos. Nuestro archivo está en capas, y queremos colocar una nueva capa debajo de todas las demás. Ahí es donde vamos a poner nuestros lavados iniciales. Voy a probar un color de la parte posterior de la cabeza del zorro, y creo que voy a colocar mi primer lavado en esta zona. Dé un poco el tamaño del pincel. Bien, eso se ve bastante bien. Deja otro aquí. Bien, ya me gusta esto. Voy a probar un naranja más oscuro, colocar uno más abajo. Bien, eso me gusta bastante bien. Voy a lavar uno húmedo. Voy a dejar caer otro en el medio. Eso funciona bastante bien. Me gusta el flujo natural que esto tiene. Yo ya se está agregando a la forma del zorro, y se siente como una extensión natural de la pintura. Si tuviera que tirar otro aquí arriba, ¿ ves como que lo arroja un poco de balance? No se siente tan natural. Voy a ir con un azul frío ahora o un gris frío. Me voy a lavar húmedo dos otra vez, y voy a empezar un fondo para la cara del zorro. ¿Bien? Nuevamente, estoy buscando una extensión natural de la pintura. Al colocar estos lavados, mi ojo está en busca de una composición equilibrada Bien, eso es un poco bajo. Voy a conseguir la herramienta de desenfoque. Voy a difuminar algunos de estos elementos repetitivos. Las herramientas de desenfoque ya establecidas en la licuadora de agua. Tengo solo algunas de estas salpicaduras repetitivas de las que solo quiero deshacerme El lavado húmedo gira cada vez que lo colocas, pero ocasionalmente, todavía obtienes algunos de estos elementos repetitivos. Es rápido y fácil simplemente borrarlos o mezclarlos. Bien, ¿esta vez vamos a crear una nueva capa por encima de todas las demás? Esto va a ser para algunos momentos destacados. Quiero romper algunas de estas áreas de color que estoy viendo Medir el pincel más pequeño esta vez, quiero romper esta área aquí mismo Hagámoslo un poco más grande. Bien. Tengo otra zona aquí que quiero romper. Eso es bastante bueno. También tengo esta línea dura que estoy viendo en la cara, y quiero romper esa zona, también. Está bastante bien, pero a lo mejor es un poco demasiado. Intentemos con otro. Eso es un poco más sutil. Eso me gusta más. Ahora usemos los cepillos de lavado suave para mejorar los lavados que ya hemos colocado. Voy a crear una nueva capa debajo de la capa de reflejos, y voy a elegir el cepillo de lavado suave. Entonces estoy buscando estas áreas en los lavados donde parece que la pintura pudo haber fluido en el agua antes de que se Y quiero algo así realzar u oscurecer estas áreas. Cada vez que cojo y pongo la punta del lápiz con este pincel, oscurecerá el trazo, pero está bien porque los mezclaré en un poquito Entonces veo otra área aquí que quiero agregar un poco de flujo también. Y otro aquí arriba también. Ahora voy a usar la herramienta licuadora con el mismo cepillo de lavado suave seleccionado, y solo voy a difuminar algunos de estos bordes más duros. Pero no quiero mezclarlos todos porque todavía quiero tener algo de esa variedad de borde en el lavado. Básicamente solo estoy tratando de imaginar dónde habría fluido la pintura y dónde se habría extendido. Es muy fácil exagerar la herramienta de desenfoque con algo como esto Pero los bordes de nuestros sellos de lavado en otra capa están ayudando a evitar que las cosas se vean demasiado borrosas Bien, creo que se ve bastante bien. Pareja más retoques. Bien, echemos un vistazo a lo que hemos hecho encendiendo y apagando la capa. Lo que hicimos fue bastante sutil, pero creó algunas zonas oscuras agradables en los lavados y agregó alguna variación al pelaje Creo que estoy bastante contento con este zorro por ahora. ¿Ves lo fácil que puede ser pintar con lavados? Pasamos de esto a esto en unos 5 minutos. Eso es bastante genial. Espero que el concepto de usar lavados en las formas que he descrito haya abierto algunas ideas nuevas para tus pinturas y te haya inspirado a pintar elementos más abstractos en tu arte Y ahora que hemos mirado algunos lavados de acuarela, pasemos a algunos efectos más especiales Oh 11. 11. Efectos especiales en acuarela: Un aspecto realmente genial de la acuarela es cómo interactúa con cosas como el agua, alcohol y la sal cuando se introducen justo cuando la pintura comienza a secarse Además, el tipo de papel utilizado y la superficie de ese papel juegan un papel en el resultado final. Estos efectos pueden dar a una acuarela una textura muy única. También podemos aplicar estos efectos especiales a nuestras pinturas digitales para crear más profundidad y realismo. Echemos un vistazo más de cerca a estos efectos y cómo se crean. agua es definitivamente el influencer número uno en cómo se une una acuarela Se necesita agua para activar el pigmento con el fin de iniciar una pintura, pero también se puede utilizar para crear efectos especiales una vez que la pintura está en el papel. Por ejemplo, una brocha húmeda se puede usar para extender o mover la pintura o mezclarla completamente. Podemos usar el cepillo mezclador de agua para hacer lo mismo y procrear Aquí tengo la herramienta de manchas con el cepillo mezclador de agua seleccionado Estoy iniciando el cepillo fuera del lavado y moviendo el trazo dentro de él. Esto es como mover agua clara dentro de la pintura, mientras que iniciar el trazo en el lavado y moverlo hacia afuera es lo contrario, como mover la pintura al agua Otro efecto de agua puede ocurrir cuando se introduce agua a la pintura ya que comienza a secarse sobre el papel. El agua hace que la pintura se extienda sobre sí misma, y el resultado se conoce como una floración. Creo que las floraciones son un efecto agradable para romper áreas sólidas de color en una pintura digital Podemos crear flores usando los pinceles de lavado húmedo con la herramienta de borrador o pintándolos manualmente usando un cepillo de lavado y la herramienta de borrador La sal y el alcohol son dos métodos para crear texturas realmente únicas en una pintura. Cuando se introduce sal o alcohol a la pintura antes de que se seque, crea una resistencia en la pintura. Los resultados crean una textura rugosa y aleatoria. En una pintura tradicional, puedes rociar alcohol para crear una especie de efecto de salpicadura inversa en una gran área de Podemos hacer lo mismo en Procreate usando el pincel de efecto alcohol con la herramienta borrador También puedes usarlo con la herramienta de brocha para extender un lavado dándole un borde texturizado más rugoso Cuando se usa sal en una pintura tradicional, generalmente se rocía en pintura húmeda y luego se deja secar antes de quitarla Esto da como resultado una textura fina y arenosa. Podemos crear este look y procrear usando el pincel de efecto sal y una pintura de color más claro que la que estamos pintando Esta es una excelente manera de agregar textura a un área más suave de una pintura. Las salpicaduras son una de mis favoritas personales. Hay un aspecto en ellos en una pintura tradicional que requiere que renuncies al control que tienes sobre lo que está sucediendo. Se pueden hacer algunas cosas para apuntar la dirección de las salpicaduras, pero no mucho En nuestras pinturas digitales, tenemos un poco más de control sobre dónde aterrizan nuestras salpicaduras. He incluido dos cepillos de salpicaduras en el juego de brochas gruesas. El pintor de goteo aplicará una salpicadura a la vez, y el cepillo de salpicaduras aplicará muchas salpicaduras a la vez con la presión de la pluma controlando el tamaño Me encanta aplicar salpicaduras para renderizar aún más la pintura de alguna manera porque las salpicaduras tienen un Puede enfocar áreas de la pintura, lo que significa que nuestro ojo las verá primero frente a un área más suave de la pieza. También me encantan como elemento compositivo porque también pueden proporcionar una forma o dirección sutiles forma o dirección Los tipos de papel tienen un gran impacto en las acuarelas tradicionales. Básicamente hay tres tipos de papel independientemente de la calidad o marca. Los tres tipos son prensa en frío, prensa en frío áspera y prensa en caliente. La Prensa Fría es probablemente la más común con una textura semi rugosa. Aplicar textura de papel y procrear es bastante fácil, pero tiene un gran impacto en la pintura He incluido una textura básica de papel de prensa en frío en los recursos del curso. La forma más sencilla de aplicar esta textura de papel es colocarla sobre una capa por encima de todas las demás y establecer el modo de fusión de esa capa para que se multiplique. La textura resultante le dará una pintura digital y un aspecto mucho más realista. Ahora, tomemos todos estos efectos especiales y usémoslos para terminar nuestra pintura de zorro del video anterior. Una vez más, no sientas que necesitas tocar salpicaduras y efectos en todos los mismos lugares que yo El objetivo es familiarizarse con cómo funcionan estos pinceles y cómo se pueden usar estos efectos para completar una pintura. Voy a comenzar con una nueva capa por encima de todas las demás, y tengo lavado húmedo dos seleccionados como mi cepillo. Voy a probar este color de piel claro, y quiero crear un poco de floración aquí en esta zona y tal vez que fluya hacia abajo solo un poco. Entonces estoy golpeando la flor con el lavado húmedo, y voy a usar el pincel de lavado más suave para pintar un poco más como si la flor se extendiera. Bien, creo que se ve bastante bien. Ahora voy a agarrar el lavado húmedo dos brocha otra vez, y quiero agregar otra pequeña flor donde este blanco pasa a oscuro debajo de la nariz aquí. Bien, ahora volvamos a crear una nueva capa, y esta vez quiero usar el pincel de efecto sal Vamos a usar este pincel para romper algunas áreas de color más suaves como la que está debajo del ojo. Estoy probando este tipo de color siena quemada, y voy a hacerlo más claro Eso va a necesitar una presión más ligera. Bien, voy a hacer lo mismo aquí, así que voy a probar este naranja oscuro, pero voy a hacerlo un poco más ligero Bien, solo voy a mirar alrededor y voy a colocar algunos más donde solo pienso que hay que romper un poco de color. Usa un poco aquí abajo en la zona gris. Bien, eso es bastante sutil. Creo que el color tiene que ser más claro. Bien, eso es mejor. Voy a mirar alrededor. Se siente bastante equilibrado hasta ahora. Creo que voy a seguir adelante y agregar una nueva capa, y probemos algunas más oscuras. Entonces voy a hacer lo contrario. Voy a probar este color de piel oscuro, pero voy a hacer que el color sea más oscuro. Bien, eso es demasiado. Voy a hacer el pincel más grande, y voy a intentar solo unos toques en lugar de pinceladas, toques del alfiler. Bien, eso es bueno. Me gusta como eso rompe ese blanco. Voy a añadir un poco en la cabeza con una presión ligera real, sólo un poquito. Bien, se ve bien. Me gusta cómo es esta textura de sal , está rompiendo la pintura, y es una textura muy buena para esta pintura. Es demasiado. Bien, eso me gusta. Un poco más. Esto se siente bastante bien. Voy a probar de nuevo el blanco solo para ver si puedo añadir un poco más de variación en algunos puntos. Volviendo a ese color claro. Entonces estoy usando el pincel opaco con la herramienta de borrador para deshacerme de algunas de esas pequeñas manchas Bien, entonces ahora este es el modo experimento completo, solo viendo si algunas de estas salpicaduras de sal blanca funcionarán en Bien, mirando a su alrededor, creo que eso lo hará por el efecto sal Entonces agreguemos otra capa nueva para algunas salpicaduras. Normalmente empiezo primero con salpicaduras más oscuras, así que seleccionaré nuevamente el color de pelaje más oscuro y lo haré aún Entonces voy a usar el cepillo de salpicaduras. Ya está configurado en un tamaño bastante grande. Vamos a dejar caer unos pocos y ver qué pasa. Y sólo estoy tocando el alfiler para colocarlas. Quiero tener en cuenta este tipo de flujo direccional en el pelaje y como que quiera mantener eso con las salpicaduras si puedo Podría probar algunos alrededor de la cabeza. Voy a ir un poco más pequeño en el tamaño del pincel. Recuerda que el cepillo es sensible a la presión, por lo que los grifos ligeros harán pequeñas salpicaduras y los grifos duros harán otros más grandes Voy a probar algunos oscuros, algunos grises oscuros aquí abajo. Y tal vez unos cuantos arriba, también. Bien, así que sigamos adelante y probemos algunas salpicaduras ligeras en una nueva capa y veamos qué tan bien Estoy usando el cepillo de salpicaduras nuevo para estas salpicaduras más ligeras Bien, el mismo proceso que antes. Voy a probar colores claros esta vez y solo tocaré las salpicaduras. Bien, así que muy ligero y pequeño para algunos de estos, es posible que ni siquiera los puedas ver en el video. Bien, ahora estoy echando un vistazo, y las cosas se sienten bastante bien y equilibradas. Creo que eso es realmente algo que tienes que decidir por ti mismo. Si todo te mira bien a los ojos, definitivamente lo sabrás. Quieres que estos efectos se sientan como una parte natural de la pintura, potenciando lo que hay ahí y no distraigan de él Como último paso, agreguemos una textura de papel rápida. Voy a salir a la galería y tomar textura del papel de los recursos del curso. Voy a deslizar tres dedos para copiarlo y volveré a la pintura. Ahora, voy a deslizar de nuevo para pegarlo y establecer el modo de mezcla de capas para multiplicarse. Bien, creo que esto completa nuestro cuadro de zorro. Espero que este video te ayude a ver lo fácil y divertido que es agregar efectos especiales y cómo se pueden usar para renderizar y mejorar aún más tus pinturas. 12. 12. Introducción a la teoría del color: Oh. El color puede ser intimidante al principio, pero con cierta comprensión básica y la ayuda de una rueda de colores, es muy fácil manejar los conceptos básicos de la teoría del color Hay algunos esquemas de color que más uso. El primero siendo el más sencillo. Un esquema de color monocromático es solo un color. Este esquema es una gran práctica para entender valor porque cuando estás pintando con un solo color, te ves obligado a usar varios tintes y tonos de ese color para obtener todos los valores que necesitas en tu pintura Los esquemas de color complementarios son una manera fácil de comenzar a planificar el color para una pintura. La idea es usar un color junto con su opuesto en la rueda de colores. Estos dos colores siempre tendrán un buen contraste de color. Por ejemplo, podrías comenzar con colores cálidos como tus luces y los colores fríos complementarios como tus sombras. Ahora vamos a dar un paso más allá con otro tipo de esquema de color llamado triático Se usa un triángulo en la rueda de colores para localizar dos colores complementarios del primer color elegido. A menudo trabajo con una variación de este esquema triático. Elijo un color y encuentro su color complementario más su esquema triático y considero que todos los colores dentro de la parte inferior del triángulo son utilizables Pero entienda que los colores en una pintura digital pueden ser fluidos. La idea de un esquema de color como este es un comienzo sólido, pero una vez que se pone en marcha una pintura, se puede experimentar con un esquema de color y posiblemente cambiarlo en el camino Echemos un vistazo a un ejemplo rematando nuestro boceto de chickadee de antes Coge tu boceto y siéntete libre de pintar si quieres. Bien, entonces quiero que este sea un cuadro colorido. Pero esta ave en particular no tiene mucho color. Entonces hablemos de un plan para elegir los colores para representar los valores de esta ave. Entonces voy a seleccionar esto de isra soy como la imagen superior, y voy a moverla por encima vamos a echarle un vistazo Echémosle un vistazo en blanco y negro. Bien, para que puedas ver los diferentes valores. Los oscuros están aquí, las luces están aquí, y luego hay algunos grises de tono medio Entonces tenemos que elegir colores para representar estos diferentes valores. ¿Bien? Entonces, deshagámonos de eso. Hablemos de un plan para el color. Sé que quiero los oscuros para que el pájaro en la cabeza y en las plumas caiga en algún lugar aquí en esta gama azul púrpura Entonces el complementario estaría aquí en esta gama naranja amarilla. Pero usando ese esquema triático del que acabamos de hablar, sé que todos estos colores son juego limpio para este esquema en particular Entonces, para representar algunos de mis tonos medios, puede que me ponga naranja o verde, y mis luces probablemente serán amarillas o amarillas blanquecinas. Todo bien. Entonces comencemos. Lo primero que voy a hacer es cambiar la opacidad, derribar la opacidad de mi pájaro Voy a crear una nueva capa encima del boceto. Quiero empezar a pintar en algunos de esos valores de tono medio. Entonces sabemos por nuestro ejemplo de rueda de colores, eso probablemente va a caer en algún lugar de esta gama amarilla naranja aquí. Voy a usar el pincel de agua, y voy a empezar a pintar en algunos de esos valores que veo por mi referencia. Ahora, en una acuarela tradicional, estás pintando de claro a oscuro. Estamos haciendo lo mismo aquí, pero como esto es digital, probablemente iremos a revisar las luces más ligeras en un paso posterior Además, estoy pintando este color claro bajo algunas de estas zonas oscuras donde sé que el púrpura azulado irá después, pero lo estoy haciendo porque quiero crear ese look en capas ya que mayoría de estos pinceles son transparentes Bien, voy a ir con un poco de naranja más oscuro ahora. Y voy a usar el detallista de acuarela solo porque este pincel es un poco más opaco que el pincel de agua Nosotros, vamos a ir un poco más grandes. H ahora voy a usar el cepillo de agua con la herramienta de manchas, y solo voy a difuminar algunos de estos bordes más duros Bien, ahora, esta zona de sombra debajo, se pone un poco, siento se vuelve un poco más oscura de lo que tengo, así que voy a ir aún más naranja para esta área solo porque hay una bonita sombra debajo de ahí. Muchas veces las sombras pueden ser muchas veces las sombras pueden ser colores fríos, pero para esta pintura en particular, creo que quiero probarla con solo un naranja más oscuro, ver cómo funciona. Siempre podemos cambiar. Bien, voy a difuminar los bordes en eso también, solo un poquito, en el interior del pájaro. También voy a hacer esa pierna un poco más delgada. Voy a usar el cepillo de agua para simplemente extenderlo un poco más porque este pincel también se desdibujará un poco. Creo que eso se ve bastante bien hasta ahora. Bien, refiriéndose de nuevo a nuestra rueda de colores, sabemos que queremos usar un púrpura azulado para los oscuros Así que voy a probar algo así, tal vez ir un poco más azul, algo ahí dentro. Y voy a usar voy a usar nuevo el detallista de acuarela porque ese es un pincel bastante opaco Voy a estar usando exactamente el mismo proceso que hice con el tono más claro, así que voy a acelerar el tiempo un poco. Creo que quiero probar un poco de color rosa para cerrar la brecha entre este tono oscuro y claro. Ahora, se está desviando un poco de nuestras opciones de rueda de colores. Eso está bien. Es sólo por el bien de la experimentación. Y si no nos gusta, siempre podemos quitarlo. Entonces voy a seguir adelante y agregar una nueva capa para probarme esto. Y voy a ir con una especie de rosa púrpura. Algo tal vez ahí dentro. Y creo que voy a probar un cepillo de lavado suave para esto. También tengo el juego de pinceles a aproximadamente la mitad de la opacidad. Bien, eso me gusta bastante bien, y creo que voy a seguir adelante y fusionar esas capas. Oh. Tomemos algunos lavados. Me gusta usar lavados y salpicaduras y pinturas de aves porque las aves tienen mucho movimiento y energía, y saltan y vuelan Y creo que agregar lavados al fondo realmente representa ese movimiento y energía Bien, así que voy a usar el lavado húmedo dos cepillo. Lo tengo puesto bastante alto. Voy opacidad total. Y recuerda que recuerda nuestra rueda de colores. Ejemplo, teníamos un poco de verde amarillo por encima de este lado, así que quiero comenzar con ese color verde amarillo, a ver cómo funciona eso. Hazlo bastante ligero. Y quiero agregar una nueva capa debajo de nuestra pintura. Bien, de nuevo, esto es experimentación, así que voy a hacer click y quitar hasta que me guste el look hasta que piense que el lavado se suma a la forma y a la pintura. Bien, creo que también quiero ir con una naranja, pero quiero empujarla un poco más roja, un poco más saturada. Vamos a probar eso. Bien, eso es genial. Voy a bajar un poco la opacidad y tal vez probar una por aquí Bien, eso se ve muy bien. Voy a intentarlo voy a probar un morado alrededor de la cabeza, que la cabeza ya es morada, voy a dejar caer un poco más la opacidad y ver cómo funciona eso Se ve bastante bien. Creo que voy a conseguir uno con un poco más de opacidad Oh, creo que voy a reducir eso un poco. Prueba eso. Mm. Agreguemos uno más. Voy a ir otra vez con ese rojo anaranjado, aquí mismo. Ahí vamos. Bien, mientras estemos aquí, sigamos adelante y solo echemos un poco de alcohol a este lavado. Eso lo vamos a hacer con la herramienta de goma de borrar y el pincel de efecto alcohol, y lo tengo en una opacidad un poco bajada Tenemos el conjunto de tallas bastante alto. Y solo quiero solo con ligera presión, solo voy a traerlo a través y solo como que traer de vuelta ese resalte un poquito en el pájaro borrando algo de ese lavado en el fondo Bien, también sigamos adelante y agreguemos una capa encima de nuestra capa de pintura inicial, y echemos algunos lavados encima. ¿Bien? Quiero ver si puedo conseguir este color púrpura claro. Y volvamos a lavar dos húmedos. Y veamos que quiero hacerlo un poco más pequeño. Justo ahí. Eso es bastante bueno. Ahora, veamos. A lo mejor cambiar el morado solo un poquito. Voy a ir un poco más azul con él. Bien, ahí mismo. Bajar un poco la opacidad Voy a volver a mi green. Bien, sigamos adelante y traemos de vuelta algunos de nuestros aspectos más destacados. Vamos a crear una nueva capa. Quiero elegir un color que sea un poco amarillo, casi blanco, no del todo blanco, sino solo con un toque de amarillo. Quiero usar el Oh, probablemente usemos probemos de nuevo el detallista de acuarela La idea aquí es traer de vuelta algunos de estos aspectos destacados, y queremos que algunos de ellos se mezclen como si estuviéramos usando guash en una pintura tradicional y usando mucha agua para que la guash se extienda y se mezclara con el color subyacente Bien. También voy a echar un poco de sal usando el mismo color amarillo claro. Voy a hacer esto en una nueva capa, y solo quiero agregar un poco de textura sobre nuestra pintura existente. Usando una presión muy ligera aquí, es posible que no puedas ver lo que está pasando. Es solo arrojar un poco de textura. Ahora solo es cuestión de agregar algunos detalles. Voy a empezar añadiendo algunos detalles oscuros alrededor de la cabeza y el ala. Voy a estar usando el pincel opaco para hacer esto. Lo tengo ajustado a un tamaño bastante pequeño. Estaré difuminando algunos de los detalles con la herramienta de desenfoque usando el pincel de agua Voy a seleccionar un morado oscuro y voy a estar trabajando en una nueva capa. Estoy agregando estos oscuros más oscuros para agregar más contraste de valor en la pintura Entonces estoy buscando a los negros más profundos en la foto de referencia Estoy difuminando algunos de los bordes más duros para que parezca que la pintura corrió junta. Y esto también creará un poco de variedad de borde. Ahora voy a hacer lo mismo otra vez por los detalles ligeros. Esta vez, voy a estar usando blanco puro. Y voy a estar pintando sobre otra capa nueva. Como mencioné antes, usaríamos la calabaza en una acuarela tradicional para pintar de blanco sobre otros colores. Guash es acuarela, pero simplemente opaca. Al ser acuarela, estoy difuminando los bordes de los detalles blancos para que parezca que la pintura se extendió en otros colores. Ahora quiero terminar el cuadro con un poco de salpicaduras Y voy a seguir adelante y cerrar mi referencia para esto. Bien, mi filosofía con agregar salpicaduras es simplemente agregar algo de dirección hacia afuera a la pieza y darle un poco más de movimiento y energía Y creo que quiero seguir adelante y apagar el boceto ahora, también. Y voy a agregar estas salpicaduras en una nueva capa por encima de todo lo demás Y voy a coger el cepillo de salpicaduras. Y voy a empezar por agregar algunas de las naranjas de aquí. Ahora bien, este cepillo es sensible a la presión, así que cuanto más duro toque, más grandes son las salpicaduras, y los grifos ligeros harán pequeños Tim para conseguir algo de este verde, pero voy a hacerlo un poco más oscuro solo para que podamos ver las salpicaduras Bien. Creo que voy a agregar algunas naranjas aquí abajo. Solo estoy probando colores alrededor del pájaro cerca de donde estoy poniendo las salpicaduras Trae algunos morados por aquí y quizás algunos realmente oscuros aquí arriba. Algunos pequeños reales. Bien, también quiero agregar algunas blancas. Bien, eso me gusta. Eso me gusta. Se siente realmente equilibrado. ver sobre tal vez solo Sí, ahí vamos. Bien. Sí, simplemente se siente muy equilibrado y se siente como que es solo una parte natural de la pintura. Nada distrae de verdad. Ya sabes, no quieres que ninguna salpicadura caiga sobre el ojo o el pico, solo porque esas son rasgos realmente prominentes, solo porque esas son rasgos realmente prominentes, y una salpicadura sobre esa área distraería en el punto focal Quiero probar algo más muy rápido. Quiero aplanar todo hasta una capa, a excepción de las salpicaduras Descubrí esta técnica hace apenas unos días por accidente. Pero si utilizo la herramienta de mancha y el efecto sal, entonces básicamente estoy manchando con el efecto sal Puedo agregar algunas salpicaduras realmente aleatorias y cosas que simplemente parecen que sucedieron en la pintura, solo algunos efectos aleatorios reales, y crea una especie de híbrido de salpicaduras de textura muy ordenada especie de híbrido de salpicaduras de textura Se trata de efectos aleatorios reales, y creo que es un poco ordenado solo tocar unos pocos. Es muy sutil en algunos lugares, pero crea un efecto realmente limpio. Ahora quiero pegar en nuestra textura de papel de los recursos del curso, y voy a seguir adelante y deshacerme de nuestra rueda de colores y establecer la capa de papel, el modo de fusión voy a configurarlo multiplicarlo para agregar en la textura del papel. Ahora, recuerden que dije que color puede ser algo fluido. hecho de que tengas un esquema de color inicial que uses como base no significa necesariamente que tengas que seguir con eso. Y te voy a mostrar a lo que me refiero. Normalmente hago un par de pequeños ajustes de color para terminar una pintura. Y para ello, voy a deslizar tres dedos y seleccionar copiar todo y tenemos que estar en la capa superior, y deslizar tres dedos para pegar. Entonces ahora tenemos todo el cuadro aplanado en la capa superior Y suelo hacer un ajuste de curvas. Y pongo múltiples puntos en la línea curva. Y solo voy a moverlos, y realmente crea un ajuste de color aleatorio muy agradable. Y también generalmente crea un poco más contraste más contraste de valor, también. Y solo hago ajustes muy leves en estas curvas. Bien, eso es bastante agradable. Y otro ajuste que me gusta hacer es un balance de color. Normalmente empiezo con los tonos medios, y creo que quiero intentar empujar los tonos medios tal vez un poco hacia el rojo. Amarillo. Y luego quiero empujar las sombras un poco hacia el azul. puede hacer mucha experimentación con el ajuste de color, pero estoy bastante contento con esto, y creo que eso completa nuestra pintura. Espero que al pintar este pájaro juntos, hayas descubierto lo fácil que es construir un plan para el color en tus pinturas y también lo divertido que puede ser mantener ese plan flexible y experimentar con color mientras trabajas. 13. 13. Pintura de proyectos, parte 1: Como pintura final para un proyecto de clase, pensé que sería divertido hacer una tortuga marina. Nunca antes había pintado una tortuga marina, y pensé que sería una gran oportunidad para alguna variación. Hemos mirado pelaje y plumas y algunos temas anteriores, y este es un bonito contraste con superficies más duras. Además, pensé que sería divertido hacer una escena submarina para pintar con lavados y diversos efectos Estas son las fotos de referencia que reuní, y son todas hermosas. Creo que la iluminación es espectacular en todas ellas. Especialmente me gusta este porque me gusta la mirada pretenciosa de la nariz en el aire y él nos está mirando una especie de abajo Además, los efectos de iluminación de la superficie del agua rompiendo la luz del sol es realmente genial y será divertido de pintar. Además, la variación de color en esta, me pareció fantástica. Tiene algunos púrpuras y algo de verde amarillo claro y algunos azules contra el agua Es genial, tiene un gran contraste de color. Las poses en todas estas son geniales, también, porque en algunas de ellas, parece que está volando, y eso me gusta mucho porque sus aletas me recordaban a las alas, y creo que eso es solo una toma interesante, sobre todo esta en la que está girando y tiene como que tiene esa misma mirada pretenciosa en su rostro, que de verdad me encanta Incluyendo enlaces a fotos de referencia similares en los recursos del curso, pero siéntase libre de recopilar sus propias fotos si lo desea. Ahora echemos un vistazo a algunos bocetos en miniatura que hice basados en estas fotos de referencia Traté de tener en cuenta la composición tanto como sea posible al esbozar estas, y también usé una regla de cuadrícula de Tercios para ayudar a guiar mi diseño Y en mi primera miniatura, quería intentar recrear estas dos poses Ahora, me gusta la forma en que la aleta se extiende hacia adelante en estos, pero en esta, se corta. Así que quería asegurarme de que en mi boceto, se pudiera ver toda la aleta. También creo que hay un buen balance de espacio negativo por encima y por debajo de la tortuga. Todo se siente muy equilibrado. También al agregar la superficie del agua y el fondo del océano, más las aletas, da una especie de línea de liderazgo agradable de regreso a nuestro punto focal, que es la cabeza. Entonces siento que esta es una fuerte posibilidad para la pintura. Ahora, en mi segunda miniatura, quería recrear esta pose Me gusta como se puede ver a toda la tortuga. También siento que hay un buen equilibrio en esta composición también. Y otra vez, tenemos esas lindas líneas principales. Mi tercera miniatura, quería volver a crear una de estas poses voladoras donde la tortuga viene hacia nosotros. En general, creo que esta pose es un poco incómoda solo porque no puedo ver tanto de la tortuga. En base a eso, siento que estos dos son probablemente mis contendientes más fuertes para la pintura Ahora en esta etapa, te recomiendo que hagas una serie de miniaturas también De esa manera, estarás sentando las bases y haciendo un plan sólido para tu pintura A continuación, comencé algunos bocetos a tamaño completo basados en mis miniaturas Y estoy trabajando en un Canvas de 5,000 por 4,000 píxeles a 300 DPI. Ahora bien, esta es una escala realmente grande, y desde luego no tienes que trabajar así de grande. 3,000 por 2000 píxeles estaría bien. Trabajo así de grande porque me gusta reducir mi pieza final porque hace una imagen más nítida Pero hablaremos un poco más de eso en nuestros pasos finales para esta pintura en sólo un poco. El primer boceto que hice estaba basado en la miniatura dos, e hice este porque estaba muy atraído por la foto de referencia inicial de esta pose Creo que este boceto tiene muchas buenas oportunidades para el contraste de valor, y creo que está muy bien equilibrado en la lona. Pero una vez que lo vi en este tamaño, sentí que había una falta de interés visual, y creo que eso se debe principalmente a la forma de las aletas y la cabeza. Si solo miramos las formas básicas, podemos ver que son muy similares en forma y tamaño, y creo que competirán un poco por la atención de los espectadores. Entonces decidí hacer un boceto basado en mi primera miniatura. Al mirar este, también tiene buen equilibrio, pero hay más variación en las formas. Al mirar esta como formas básicas, puedes ver que hay más variación de tamaño y forma. También pienso que la disposición de estas formas es simplemente más interesante visualmente. También decidí voltear la tortuga horizontalmente. Esta es la dirección que está mirando en la foto de referencia, y creo que se siente un poco mejor porque leemos de izquierda a derecha. Entonces poniendo el punto focal a la izquierda, mi ojo lo ve primero y luego naturalmente se mueve hacia la derecha. Te recomiendo que hagas un boceto a tamaño completo como este basado en uno de tus dibujos en miniatura Te permitirá tomar algunas decisiones de diseño más grandes como lo hice antes de empezar a pintar. Y cuanta más planeación hagas así , mejor será tu pintura. Antes de saltar a la pintura, hagamos un poco de plan para una combinación de colores. Ahora, estoy viendo algunos de estos colores dorados, una especie de amarillo anaranjado en la tortuga, así que sé que quiero que ese sea mi color base para mi tortuga. Entonces ese color probablemente caiga justo aquí en alguna parte. Entonces el color complementario o el contrario en la rueda de colores estará aquí en este tipo de azul púrpura, que ya estoy viendo algo de ese púrpura en la tortuga, también. Ahora, con base en nuestro esquema triático, sabemos que estos colores serán de juego limpio Así mismo que lo hice antes en el video anterior, consideraré que estos colores también son un juego limpio. Ahora bien, podría empujar este azul un poco hacia el verde porque estoy viendo algo así como este color aguamarina, este verde aguamarina en el fondo, el color del agua. Entonces, al mirar este plan, creo que podría empezar a referirme a esto como el esquema de veleros Bien, entonces ahora que tenemos un buen diseño y un buen boceto para trabajar y una idea de qué colores queremos, comencemos con la pintura. Tengo mi referencia abierta aquí a la izquierda en Isref y tengo mi boceto aquí en Procreate Voy a reducir la opacidad de este boceto en torno al 30%, y voy a crear una nueva capa debajo de la capa de boceto Ahora, quiero comenzar por agregar algunos lavados azules en el fondo para comenzar con el agua Y quiero elegir un azul que esté en algún lugar entre el azul y el verde, un bonito color azul aguamarina. Y voy a usar el pincel de lavado más suave para pintar estos en. Y quiero variar la presión solo un poco, y también coger la punta de mi pin para crear algunas zonas más oscuras. Ahora, sé que mi fuente de luz vendrá de aquí arriba y viene en diagonal, similar a las fotos de referencia. Quiero mantener esta zona de aquí arriba un poco más ligera por ahora. Bien, esto ya me está empezando a parecer agua. ¿Bien? Ahora, vamos a crear una nueva capa y voy a elegir el blanco para el color. Y quiero usar el pincel opaco. Lo que voy a hacer es crear una máscara para la tortuga. La razón por la que estoy haciendo esto es porque en una acuarela tradicional, habríamos evitado pintar en forma de tortuga porque si lo hiciéramos, nuestra tortuga estaría tonificada de azul porque la acuarela es transparente, por lo que ese azul estaría apareciendo debajo Bien, sigamos adelante y agreguemos algo de ese tono base de oro amarillo que encontramos en la foto de referencia, y esa fue la base de nuestro esquema de color. Entonces voy a elegir un amarillo, pero me voy. Voy a empujarlo un poco más hacia el naranja. Es un naranja muy claro. Voy a crear una nueva capa encima de la capa de máscara blanca. Voy a usar el cepillo de lavado suave, sigamos adelante y seleccionemos hacer una selección de nuestra máscara blanca. De esa manera solo podemos pintarlo muy rápido. Y voy a usar el cepillo de agua, creo, para simplemente oscurecer en algunas de las zonas que están en sombra Es sólo un poquito, hazlo un poco más oscuro anaranjado. Entonces hay un poco agregando un poco de tono. Podemos pintar en algunos de los tonos más oscuros que vemos. Y para hacer eso, vamos a elegir un color púrpura, y no queremos ir realmente saturados, algo así como en algún lugar en el medio, un poco más oscuro y un poco más hacia el rojo que el azul. Y vamos a pintar sobre una nueva capa. Voy a usar el detallista de acuarela en un tamaño un poco más grande Ahora, voy a acelerar el tiempo mientras pinto esto. Pero cuando estés pintando, tómate tu tiempo en este paso y asegúrate de notar todas estas áreas en las fotos de referencia que tienen este morado más oscuro. Y también tenga en cuenta, mientras pinto áreas como esta, tiendo a tratar de mantener la forma en mente. Entonces voy a pintar mis trazos en la misma dirección que la forma o la forma, más bien. Y trato de incorporar la forma, la forma de la forma en mis trazos. Ahora voy a usar la herramienta de desenfoque, junto con la licuadora de agua para simplemente mezclar algunos de estos bordes más duros, pero no todos, solo unos pocos. Ahora, tomemos la herramienta borrador con el pincel opaco seleccionado, y vamos a borrar parte del patrón que vemos en la aleta Y ten en cuenta que aquí hay forma. Entonces queremos que estas líneas representen esa forma y vuelquen y vuelvan a representar la forma de la aleta. Bien, voy a tomar la herramienta de desenfoque, y solo voy a difuminar un par de estas líneas o solo en algunas áreas solo porque es acuarela y las líneas no siempre son tan nítidas Así que sólo voy a difuminar algunos, pero no, no quiero exagerar. Sólo para que las líneas no sean tan afiladas como lo son ahora. Mirando nuestra referencia, vemos este poco de color óxido, veamos si podemos agregar un poco de eso usando el cepillo de lavado suave. Hagamos esto en una nueva capa. Seleccionemos un color naranja. Tal vez esté un poco más saturado y un poco más rojo. Ahí está más. Ahora, vamos a agregarlo en algunas áreas que veamos. Lo estoy viendo un poco en la cara. Entonces voy a agregar algunos ahí. Lo veo por aquí en la aleta y tal vez un poquito ahí en el cuello en el caparazón. Y a lo largo de la aleta ahí. Adelante y agrega un poco más debajo del cuello. Bien, esto es muy sutil, así que no queremos exagerar. Creo que eso va a funcionar. Vamos a crear otra capa nueva y esta vez vamos a estar agregando algunos de estos reflejos realmente ligeros. Podemos verlas, sobre todo aquí en esta tortuga en su cara, alrededor de su ojo, y la parte posterior de su caparazón aquí. Busquemos estos reflejos realmente ligeros. Ahora, quiero usar un amarillo, pero quiero que sea casi blanco pero no del todo completamente blanco. Voy a usar el pincel opaco para esto. Bien, de nuevo, este es un paso en el que quieres tomarte tu tiempo y realmente buscar estas áreas de luz y simplemente ser lento y tomarte tu tiempo como lo haces. Bien, ahora voy a tomar la herramienta de desenfoque y con la batidora de agua seleccionada, y solo voy a mezclar algunos de estos bordes. Bien, porque queremos mucho contraste de buen valor en nuestra tortuga, agreguemos otra capa nueva. Pero esta vez, vamos a volver a los oscuros, y queremos agregar estos oscuros más oscuros que veas, como aquí mismo en esta zona debajo de la tortuga en el ojo y en la cara Y algunos aquí en el borde de la aleta, estos simplemente oscuros muy oscuros. Ahora, parece que es negro, pero no queremos usar negro porque negro puede ser un poco demasiado duro. Entonces queremos que este color se fusione. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a volver a nuestro morado. De hecho, sólo voy a probar nuestro morado de la pintura. Y vamos a hacerlo un poco más oscuro y un poco más saturado. Pero aquí no me voy a quedar completamente negro. ¿Bien? Tenemos nuestra nueva capa, y voy a volver a usar el pincel opaco . Y igual que antes. Voy a pintar en los detalles, y luego voy a difuminar un poco los bordes solo para que todo se funda muy bien. Ahora, de nuevo, tómate tu tiempo. A Sigamos adelante y apaguemos nuestra capa de boceto porque creo que tenemos suficiente en su lugar para poder ver lo que estamos haciendo sin la ayuda del boceto. Entonces me estoy dando cuenta de que hay un par de lugares en los que mi tono es demasiado ligero, y solo quiero ajustarlo un poco También quiero difuminar esta línea aquí mismo, esta línea púrpura. Es solo que un poco demasiado fuerte, así que voy a mezclarlo un poco sobre la forma del caparazón, solo para que no haya una línea tan dura. Y creo que quiero voy a probar de nuevo un poquito de esta naranja. Voy a ir a mi capa naranja, y creo que usamos el cepillo de lavado suave. Yo solo quiero que un poco de esa naranja venga por la cabeza aquí solo para reforzar un poco esa forma, un poco solo un poco, y voy a mezclarlo solo para que tengamos un poco más de tono en la cabeza. A lo mejor voy a añadir sólo un poco más en el caparazón también y mezclarlo. Bien, creo que este sería un buen lugar para parar y tomar un descanso y tal vez ir a tomar una taza de café. Continuaremos con la pintura en el siguiente video, y te veré ahí. 14. 14. Pintura de proyectos, parte 2: Bien, a continuación, quiero traer de vuelta algo de esta textura ligera que es creada por estos bultos en la piel de la tortuga. Y quiero hacer eso en una nueva capa. Y quiero seleccionar un color amarillo amarillento dorado, no tan ligero como nuestro punto culminante era algo intermedio Probablemente ahí dentro. Ahora, notarás que estamos alternando entre la luz y la oscuridad. Estamos haciendo una capa de luz, una capa de oscuridad, una capa de luz, una capa de oscuridad. Y lo estamos haciendo para simplemente construir ese contraste de valor. Lo estamos dando paso a paso para que sea más fácil para nosotros procesarlo. No estamos tratando de hacerlo todo en una sola capa, vamos de un lado a otro. Y vamos a probar nuestro contraste de valor en solo un poco para asegurarnos de que estamos en el rango correcto. Bien, entonces estamos viendo estas texturas resaltadas esta textura resaltada protuberancias que se encuentran en la piel de la tortuga. Oh, también, quiero que notes que la luz va a estar entrando desde esta dirección, y va a golpear el fondo del océano y va a rebotar hacia la tortuga. Por lo que nuestros aspectos más destacados van a estar aquí arriba encima de la cabeza de la tortuga y su cuello y el caparazón. Pero estos resaltes debajo, tiene que ser, tiene que ser no tan ligeros como estos reflejos. Entonces ahora mismo, este punto culminante es casi lo mismo que aquí arriba. Entonces queremos bajar eso también a ese color dorado más amarillento que habíamos seleccionado Así que vamos a recuperar eso. Y estamos en una nueva capa. Y queremos usar volvamos a usar el pincel opaco y desenfocaremos algunos de los bordes si es necesario. Bueno, eso parece un poco demasiado dorado. Bien, eso es mejor. Se mezcla un poco mejor. Ya sabes, usemos usemos el detallista de acuarela porque no es tan opaco Bien, eso es mejor. Una cosa que me gusta hacer en esta etapa es crear una nueva capa y establecer esa capa para que se superponga. Esto es solo para experimentación y para agregar un poco de variación en nuestra iluminación. Voy a seleccionar un amarillo más claro, y quiero probemos el cepillo de lavado suave. Yo solo quiero pintar solo en algunas áreas en esa superposición y crea alguna variación. Es realmente sutil, crea alguna variación en la iluminación. Mira, hice esta zona un poco más caliente la cabeza y en el caparazón aquí y un poco en la aleta Mientras estamos en ello, probemos con otra capa, y volvamos a hacer ese color dorado, solo retrocediendo el blanco de esto, solo el tinte aquí. Y probemos intentemos agregar un poco de efecto sal, solo para crear un poco de textura porque esta tortuga tiene mucha textura. No quiero perder ninguna oportunidad para agregar algunas. Agrega algunas variaciones y texturas frescas. Bien, eso va a ser una presión muy sutil. Sí, creo que voy a probar un color más oscuro quizá morado. Es un verdadero morado silenciado, y voy a hacer lo mismo solo con una presión ligera real Y voy a hacer zoom para que lo veas aquí. Esto es simplemente súper sutil. Si puedes ver eso, es solo agregarle esta textura muy sutil. Pero esta tortuga tiene tanto, se puede ver aquí. Hay tanta textura pasando. Es una gran oportunidad para agregar algo de esta variación genial. Bien, antes de comenzar con nuestros antecedentes, revisemos nuestra tortuga para obtener un buen contraste de valor. Voy a pegar en la escala que creamos a partir de un video anterior, y quiero deslizar con tres dedos y copiar todo y luego pegar. Ahora, bajemos la saturación. Creo que este es un buen rango de contraste de valor para nuestra tortuga. Estoy viendo toda la escala. Estoy viendo los oscuros más oscuros y las luces más ligeras. Estoy viendo algunos buenos grises de tono medio. Creo que tenemos cubierto el contraste de valor para nuestra tortuga. Ahora pasemos al fondo. Bien, para comenzar nuestro fondo, bajemos al fondo y creemos una nueva capa. Y vamos a probar algo de este color azul aguamarina y hacerlo un poco más oscuro. Bien, entonces lo que queremos hacer es que vamos a usar esta foto de referencia principalmente porque es la única con el reflejo del agua y el fondo del océano visible Entonces lo que queremos hacer es crear este tipo de línea de horizonte en la parte posterior donde el agua cambia de color a medida que va más allá en la distancia. También queremos incluir el fondo oceánico aquí y la superficie del agua en la parte superior y cómo va todo tipo de hacia un punto, hacia el horizonte. Bien, entonces para hacer eso, probemos el cepillo de lavado suave, y vamos a pintar en algo de esa agua distante más oscura. Y voy a comenzar una especie de dirección general para el fondo oceánico y el agua reflectante en la parte superior o la superficie del agua. Voy a hacer mi color un poco más claro. Bien, ahora en una nueva capa, voy a probar algo de este oro amarillo de la tortuga. Y voy a usar el detallista de acuarela, y quiero pintar en empezar a pintar en alguna de esta zona reflectante donde está su caparazón hay un reflejo en la superficie del agua Ahora bien, no hay que ser súper preciso con esto porque esto es solo un reflejo y está en el agua y es muy ondulado. Sólo queremos algo que nos inicie. Y creo que voy a usar la herramienta de desenfoque con el pincel de agua para simplemente difuminar algunos de los bordes solo un poco. Ahora, tenemos que tener puedes ver aquí, hay algunos bordes afilados en esta reflexión, así que no queremos difuminar todo. Queremos quedarnos con algo de eso. Bien. También podemos ver que hay alguna variación. Mira cómo hay un azul de tono medio, hay un azul claro, y ahí hay un azul oscuro. Así que queremos conseguir eso también. Voy a usar de nuevo detallista de acuarela. Esta vez queremos probar este azul, y vamos a conseguir este azul más oscuro. Voy a inclinar la mía hacia un lado porque es más fácil para mí dibujar algunas de estas líneas desde ese ángulo. Bien, queremos mantenerlo en perspectiva donde las cosas se van desvaneciendo en la distancia Bien, voy a agarrar una especie de azul más claro. Y vamos a conseguir una luz, también, una celeste. Todo bien. Voy a difuminar algunos de esos bordes también. Bien, queremos hacer lo mismo en el área dorada. También hay un poco de amarillo más claro. En realidad, voy a agarrar lo voy a probar de la tortuga. Y seguimos trabajando en la misma capa, el mismo pincel. Bueno, vamos a hacerlo un poco más ligero. Déjame difuminar un poco ese borde. Bien, y vamos a agarrar algo así de este color púrpura porque puedes verlo reflejando un poco aquí arriba. Vamos a ponernos un muy oscuro para algún detalle porque si miras muy de cerca, también puedes verlo. Hay algunas zonas realmente oscuras en esta reflexión. Bien, vamos a agarrar este azul otra vez. Y agreguemos, veamos. Hagámoslo un poco más oscuro. Vamos a probar desde aquí abajo. Veamos si podemos agregar un poco de esta superficie, estas líneas que se están moviendo desde abajo. Haz que el cepillo sea un poco más grande. Y creo que voy a agarrar el cepillo de lavado suave. Hay un área por aquí que tal vez sea un poco demasiado liviana. Voy a ir a la capa inferior o a la capa de abajo, y solo voy a añadir un poco más de lavado allá atrás aquí. Bien, también vemos en nuestra referencia que hay esta pequeña especie de resaltado azul amarillento o verde amarillento en el fondo del océano y un poco en el agua Entonces veamos si podemos probar un amarillo de nuestra tortuga y tal vez empujarlo un poco más hacia el verde, creo, tal vez un poco más ligero. Bien, probemos el cepillo de lavado suave o tal vez el cepillo de lavado más suave y solo pintemos en un poco de ese resaltado. Y hagamos esto en una nueva capa también. Lo vamos a hacer por encima de todas nuestras capas de agua. Uy. Hagámoslo un poco más pequeño. Hazlo un poco más pequeño aún. Bien, eso realmente está trayendo algo de buena luz. Bien, eso se ve bastante bien. Bien, ahora quiero una especie de mezclar todo junto con algunos lavados, y voy a hacer eso creando una nueva capa por encima de las otras capas de agua Y aquí voy a probar un azul, pero creo que voy a hacerlo un poco más azul y un poco más ligero, un poco más alejado del verde. Bien. Y vamos a usar vamos a usar el sello de lavado para cepillar, y empujar la opacidad hacia arriba. Lo tengo puesto muy grande. Voy a bajar eso un poco. Y vamos a ver si podemos mezclarnos. Solo estoy estampando en algunas áreas solo para ver si puedo mezclar algo de esto un poco. Voy a probar este azul. Y solo estoy dando vueltas por algunas áreas solo para mezclar cosas. Bien, eso es bastante bueno. Creo que porque quiero que todo sea más claro en el medio, voy a probar veo este color de resaltado muy claro. Y voy a probar esto en una nueva capa, solo así por si acaso quiero deshacerla. Sólo voy a intentar agregar algo de resaltado al medio con este lavado más ligero. ¿Puedo hacerlo un poco más grande? Hay fuentes de luz que vienen de arriba en esta dirección. Mira, creo que se ve bastante bien. Voy a bajar la opacidad . Bien. Eso me gusta. Quiero volver a agregar algo de ese morado a la reflexión. Empiezo a perder un poco de eso. Entonces voy a probar de nuevo este morado, y vamos a volver a volver al detallista de acuarela y a ver si realmente podemos, ¿sabes qué? Vamos a probarlo con un lavado. Veamos qué hace eso. Vamos a subir la opacidad. Bien, eso puede funcionar. Sí, creo que eso me gusta bastante bien. De hecho voy a difuminar algunos de estos pedacitos, así que se mezclan un poco mejor. Bien, ahora vamos a crear una nueva capa por encima de todas las demás. Y agreguemos algunas salpicaduras. Y creo que estas salpicaduras van a aparecer como burbujas porque esta es una escena submarina, y las salpicaduras van a parecer naturalmente como si fueran Entonces comencemos con algunos azules. Acabo de muestrear un azul de nuestro fondo, y voy a usar el cepillo de salpicaduras Y veamos, estamos establecidos en un tamaño bastante grande, y solo voy a tocar unos pocos para ver cómo se ve, ir un poco más grande. Bien, eso se ve bastante genial. Bien, ahora, tengo uno que aterrizó justo sobre el ojo y la nariz. Eso definitivamente distrae. Así que voy a quitar esa. Bien, ahora vamos a probar uno de estos colores morados más oscuros bajando un poco el tamaño Bien. También voy a conseguir un color amarillo. Muy bien, esto se ve bastante bien, y creo que estamos muy cerca de envolverlo. Pero antes de hacerlo, tomemos la herramienta de borrador y usemos el cepillo de lavado más suave Y vayamos a nuestra capa de máscara original. Y vamos a borrar un poco de eso para mezclar un poco más nuestra tortuga en el fondo. Simplemente va a deshacerse de algo de ese borde duro que está siendo creado por esa máscara blanca. Yo sólo quiero hacer esto en un par de lugares. Es solo para ayudar a que nuestra tortuga se mezcla un poco. Ya me han preguntado antes, ¿cómo sabes cuándo has terminado con una pintura? Creo que la mejor respuesta a eso es cuando los cambios que estás haciendo tienen poco o ningún efecto. Entonces, por ejemplo, podríamos entrar y podríamos agregar algunas salpicaduras más, o podríamos agregar algo más de detalle o algunos aspectos más Pero en este punto, realmente no está haciendo nada. No está teniendo un efecto mayor en la pintura. Entonces, cuando empiezas a hacer estos pequeños ajustes de afinación que no están teniendo mucho impacto general en la pieza, creo que esa es tu mejor respuesta. Ese es tu mejor indicador de cuándo se completa la pintura. Bien. Hagamos un par de cosas para terminar esta. Una cosa que siempre me gusta hacer son algunos ajustes finales de color. Para ello, deslizo tres dedos y selecciono copiar todo. Entonces me aseguro de que estoy en la capa más alta, deslizo tres dedos otra vez para pegar Me gustaría hacer algunos ajustes de color a través de curvas y balance de color. Primero echemos un vistazo a las curvas. Lo primero que hago es crear muchos pequeños puntos en la línea curva. Y luego solo afino esos. Yo sólo hago pequeños ajustes leves. Y cuando hago esto, tiende a agregar mucho contraste de valor. Simplemente realmente puñetea los valores. Estoy bastante contento con eso. Ahora echemos un vistazo a un balance de color. Comienza con medios tonos. Y quiero empujar los tonos medios tal vez un poco más cálidos. Entonces voy a empujar hacia el rojo y el amarillo. Oh, en realidad, creo que voy a ir voy a ir hacia el azul. Creo que eso me gusta un poco más. Y tratemos de llevar las sombras un poco hacia el azul. No, me gustan más las sombras hacia el amarillo. Creo que voy a mantener el verde Magenta donde está. Echemos un vistazo a los aspectos más destacados. Tiendo a mantener los aspectos más destacados donde están porque lanzará un elenco sobre todo el asunto. Tal vez empujar hacia el rojo solo un poquito. Bien, creo que eso da un bonito ajuste. Bien, una cosa que también estoy notando es que en mi cuadro, comparado con mi referencia, su cabeza es un poco más alta, y se puede ver en estos dos, especialmente Su cabeza es mi cabeza está un poco aplastada, así que voy a hacer un ajuste en eso Para hacer eso, voy a licuar. Veamos cómo se establece. Eso es lo suficientemente grande, creo. El tamaño del cepillo es lo suficientemente grande. Yo sólo le voy a estirar la cabeza para ser un poco más alto. Esta es la belleza de la pintura digital. Bien, creo que se ve mejor. También voy a pegar en la textura del papel de los recursos del curso. Y quiero que esa textura de papel se multiplique. Ahora, muchas veces en una acuarela tradicional, cuando tienes una pintura que ocupa todo el papel, a menudo tienes un borde blanco que se crea a partir de donde se pegó el papel a Así que recreemos ese look agregando un borde blanco alrededor de toda la pieza Voy a crear una nueva capa. Y voy a crear una selección rectangular. Y quiero empezar cerca del borde, pero no todo el camino. Voy a dejar un poco de espacio aquí alrededor de todo el asunto. Y voy a invertir la selección, y después voy a seleccionar blanco y llenarlo. Ahora, queremos asegurarnos de que esté por debajo de nuestra textura de papel. Bien, para nuestro último paso, todo lo que queda por hacer es firmarlo. Bien, chicos, espero que se hayan divertido tanto pintando esta tortuga como yo Esta fue mi primera tortuga marina. Estoy muy contento con el resultado. Creo que es muy divertido. Tenemos una selección de colores realmente genial y algunas texturas agradables, y estoy muy contento con cómo resultó esta. Asegúrate de compartir tu pintura conmigo en la comunidad de cortes de diseño y siéntete libre de hacer cualquier pregunta que puedas tener. Siempre estoy cerca, y siempre estoy feliz de ayudar. 15. 15. Prepárate para la impresión: Quería tomarme unos minutos para recorrer algunos preparativos para la impresión. He mencionado un par de veces que normalmente trabajo en un lienzo grande de 5,000 por 4,000 píxeles. Esto es para que pueda escalar a un tamaño más pequeño para imprimir. escala es una práctica de impresión más antigua, y la idea es que la imagen aparecerá más nítida cuando se reduce y la idea es que la imagen aparecerá . También funciona para una presentación en pantalla. Imagina que estás compartiendo una imagen que es de 2000 por 2000 píxeles. Si pintaste el original a 4,000 por 4,000, entonces dejaría más espacio para se creara mayor detalle en ese tamaño más grande. Otro elemento a considerar es DPI o puntos por pulgada. La mayoría de las veces, pinto a 300 DPI. Esa es la más aceptada entre las imprentas y lo ha sido desde hace años. También trabajo en modo de color RGB sobre CMYK. Hago esto porque RGB es el medio con el que estamos pintando ya que depende de la luz para producir color en pantalla. La mayor parte de la impresión que trataremos será impresión digital y no offset, por lo que el modo de color RGB funcionará bien. Cuando esté preparando una pintura para ser impresa, voy a quitar cualquier textura de papel que se haya agregado porque la textura será creada por el papel físico en el que se imprimirá la pintura. Después aplanaré las capas y haré un afilado final de la pieza tocando ajustes y Hago esto para simplemente agregar un poco más de claridad y nitidez a la pintura final antes Como paso final, voy a exportar el archivo en formato TIF. Este formato utiliza menos compresión de archivos que un archivo JPEG. El resultado será un archivo de tamaño mucho mayor, pero la calidad será mayor. Al imprimir una pintura, también es bueno estar familiarizado con el término arcilla Z. La impresión en arcilla Z se refiere a tintas basadas en pigmentos versus las tintas habituales a base de tinte. El resultado son detalles más nítidos en un espectro de color mucho mayor Y si se imprime en papel de archivo, la impresión puede durar décadas, tal vez incluso cientos de años sin desvanecerse Puede encontrar fácilmente servicios asequibles de impresión en arcilla Z o bellas artes en línea. Con un poco de conocimiento y preparación, lograr increíbles resultados de impresión es fácil. También es increíblemente satisfactorio sostener una pintura impresa final en tus manos. 16. 16. Unas palabras finales: No puedo agradecerte lo suficiente por tomar este curso conmigo. Hemos cubierto muchos temas desde la acuarela tradicional, los conceptos básicos del boceto, la teoría del diseño y la composición, hasta crear e imprimir una pintura final Espero que salgas de este curso con tantos nuevos conocimientos y confianza que no puedes esperar para abordar tu siguiente pieza. Voy a terminar este curso con unas palabras de uno de mis artistas favoritos. Drew Strzen dijo que el arte es necesario. Es por la verdad, es por amabilidad, es por bondad, es por amor. Mantiene al mundo feliz, bueno y saludable, es lo que necesitamos. No puedo esperar a ver sus pinturas y cómo ha incorporado las ideas de este curso a su trabajo. Si estás interesado en hacer un seguimiento, curso más avanzado, ponte en contacto conmigo y hazme saber tus pensamientos contactándome en la comunidad de cortes de diseño. También recuerda compartir tu arte conmigo allí y siéntete libre de hacer cualquier duda que puedas tener. Estoy deseando que llegue, y nos vemos ahí. 17. Estrategia de pincel EXTRA: Este curso incluye un conjunto de pinceles de acuarela que utilizo a lo largo de las lecciones, pero sin duda puedes usar cualquier otro juego de pinceles de acuarela que tengas. En este video, te guiaré a través mi estrategia de pincel para que veas cómo categorizo y manejo mis pinceles y los beneficios de hacerlo Este método se puede aplicar a cualquier conjunto de pinceles, pero estaré usando mis propios conjuntos en los siguientes ejemplos. Un hilo común en mis juegos de pinceles es que normalmente contienen una gran cantidad de pinceles, pero hay una buena razón para eso. La estrategia de pincel digital que he desarrollado para mi propio trabajo se basa en tener una variedad de pinceles de ciertos tipos de brochas. Por ejemplo, el conjunto maestro de acuarela incluye cinco pinceles de detalle en lugar de solo uno. Todos estos pinceles sirven para el mismo propósito, pero proporcionan una buena variedad en la selección de pinceles para ese propósito. Eso no quiere decir que use tantos pinceles en una sola pintura. Normalmente uso alrededor de seis a diez pinceles de diferentes tipos, pero los cambio ocasionalmente entre pinturas para crear una variedad en marcas y texturas. Te voy a mostrar a lo que me refiero. En una pintura tradicional, puedo usar solo estos pinceles, pero cada uno tiene su propio propósito. No hay necesidad de cambiarlos realmente porque cada pincel es capaz de hacer una variedad de marcas o trazos. Los pinceles digitales, por otro lado, suelen tener una textura establecida o tipo de marca que hacen. Entonces, si miramos nuestro juego de pinceles de curso como nuestros tipos de brochas centrales, tenemos uno o dos pinceles para todas las marcas tenemos uno o dos pinceles para todas las marcas que podamos necesitar para hacer detalles, un pincel opaco, un cepillo plano, algunos lavados y varios efectos Encontrarás los mismos tipos de pinceles más algunos más en mis otros juegos también. En el último juego de acuarela de pinceles, verás pinceles organizados desde pequeños detalles hasta pinceles de lavado más grandes, efectos especiales y pinceles de manchas a medida que te desplazas hacia abajo en la lista Para el conjunto maestro de acuarela, los encontrarás divididos en categorías separadas por estas líneas de trazos, pinceles detallados, rondas texturizadas, pinceles planos, etcétera Para usar un juego de pinceles más grande con el curso o cualquier pintura futura, solo necesitarás tener en cuenta estos tipos o categorías de pinceles en comparación con los pinceles individuales. De esa manera no te sentirás abrumado con todas las opciones Por ejemplo, si tienes el conjunto maestro, solo usa uno de los pinceles de cada categoría mientras trabajas en el curso. Mantener mis pinceles organizados en categorías de tipos de pinceles y apegarse a uno o dos pinceles de esas categorías para cada pintura ayuda a mantener las cosas simples, pero permite una increíble cantidad de variedad de marcas entre pinturas. Este tipo de estrategia mantiene mi trabajo fresco en el proceso de pintar divertido y emocionante. Similar a lo que experimentaría con una pintura tradicional. Y hablando de la pintura tradicional, ¿ recuerdas cómo mencioné que no hay necesidad real de cambiar los pinceles? Bueno, eso no me detiene. A veces los pinceles nuevos te empujarán a hacer cosas nuevas. A veces solo te da ese poco de confianza extra para ese pequeño empujón hacia la experimentación. También puede pasar lo mismo con el trabajo digital, y eso siempre es algo bueno.