Clase artística magistral de cómics: el gato Crimson | Técnicas de entintado y coloreado para ilustración digital | Clayton Barton | Skillshare
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Clase artística magistral de cómics: el gato Crimson | Técnicas de entintado y coloreado para ilustración digital

teacher avatar Clayton Barton, Harness the Power of Dynamic Drawing

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Avance

      2:19

    • 2.

      Introducción

      0:56

    • 3.

      Hardware

      1:09

    • 4.

      Software

      1:27

    • 5.

      Flujo de trabajo

      4:52

    • 6.

      Entintar el gato de Crimson

      50:51

    • 7.

      Entintar el primer plano

      54:44

    • 8.

      Entintar el fondo

      45:12

    • 9.

      Colorear

      24:56

    • 10.

      Conclusión

      0:50

    • 11.

      PROYECTO

      0:33

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

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1462

Estudiantes

5

Proyectos

Acerca de esta clase

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Bienvenido a la clase maestra de arte cómica: el gato de la criticón

Crear una ilustración completa del cómic cómic es muy difícil, porque se trata de un tema de un conocimiento de tu proceso, que muchos artistas no se desarrollan completamente incluso cuando aprendieron los fundamentos.

Entonces, si quieres crear con consistencia arte cómic impresionantes que se tenga un impresionante arte en cómic que se pueda ejecutar, en esta clase y te mostraré con que se show

Durante los años enseñé a cientos si no miles de estudiantes y miles de estudiantes el mismo flujo de trabajo digital que estás en el trabajo Independiencia en la que estés trabajando, podrás confiar en este proceso y otra vez de nuevo, con independencia de su complejidad. Es simple, fácil de seguir y te dará resultados consistentes en tu trabajo.

Comenzaremos al principio con un boceto básico para profundizar en la página. Desde ahí con tinta en el outline, capta las sombras y capta los materiales y texturas utilizando varias técnicas de trazo y detalles. Por Por último, vamos a añadir el estado de profundidad y el drama a la ilustración con un toques de color, agregando sombras y resaltado para crear un nuevo nivel de profundidad y dimensión a nuestro arte cómic cómico.

Es sin decir que lleva un tiempo, práctica y dedicación para dominar cualquier habilidad, pero tener un proceso habitual en el que puedes depender es la batalla de la batalla.

Entonces, después de tomar esta clase y aprendido el flujo de trabajo que estás a la vez que estás en el trabajo y deberías ver mejoras significativas en tu trabajo y sentirse mucho confianza abordando una ilustración de cómic de cualquier libro de cualquier tamaño y complejidad.



Estos son algunos de los temas que aprenderás sobre esta
clase:: control de línea con la línea y la presura: en la presentación y los detalles de la
relación, con la de la línea del
balanceo: los esquemas de colores y la

Schemes- de

me gustó crear la ilustración que estoy de demostrando en esta clase, y no puedo esperar a llevarte a través de todo el proceso paso a paso.

¡Así como buckle toma tu estilo de estilo y vamos a entrar!

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Clayton Barton

Harness the Power of Dynamic Drawing

Profesor(a)

Often I’m asked how long I’ve been drawing. The truth is I don’t remember a time when I wasn’t. I was like any other crayon wielding kid, the only difference being that I never let go of that yearning for artistic venture.

I still remember the walls being filled top to bottom with the felt tip scrawling’s of an artistically fiery five year old. Maths books filled with cartoons instead of numeracy, English books littered with more pictures then poetry. It went on and on and it never stopped.

My first love was Comic Books, my second was Video Games. Realizing that I wanted to build a career in both I spent most of my late teens immersing myself in constant study, practice and improvement to harness my skills in multiple fields. It was a ... Ver perfil completo

Level: Intermediate

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Transcripciones

1. Avance: Hola ahí. Bienvenido a mi masterclass de arte cómico fuera del Gato Carmesí. Crear una ilustración de cómic completa es extremadamente difícil porque se basa tanto en una comprensión clara fuera de tu proceso, que muchos artistas no se desarrollan completamente incluso después de haber aprendido los fundamentos. Entonces si quieres crear consistentemente arte cómico impresionante que gane el respeto de tus compañeros, end impresiona a tus fans. Voy a compartir mi propio proceso contigo en esta clase y te mostraré exactamente cómo ejecutarlo. Durante años de hacia cientos, si no miles de estudiantes, el mismo flujo de trabajo digital que estás a punto de aprender aquí. No importa en qué ilustración estés trabajando, podrás confiar en este proceso una y otra vez, independientemente de su complejidad. Es sencillo, fácil de seguir, y te daremos resultados consistentes en tu trabajo comenzará desde el principio con un boceto básico en bruto para que nuestra idea baje a la página a partir de ahí, Will Inc en la gota de esquema en las sombras y renderizar los materiales y texturas utilizando diversas eclosiones cruzadas y detalle. Las técnicas ING finalmente agregarán estado de ánimo y drama a la ilustración con un toque de color, agregando sombras y reflejos para crear un nuevo nivel de profundidad y dimensión a un kamikaze. No hace falta decir que se necesita una tonelada de tiempo, práctica y dedicación para dominar cualquier habilidad. Pero tener un ir a proceso en el que puedes depender es la mitad de la batalla. Por lo que después de tomar esta clase y aprender el pie de trabajo estará cubriendo, debes ver mejoras significativas dentro de tu trabajo y sentirte mucho más seguro abordando una ilustración de cómic de cualquier tamaño y complejidad. Disfruté mucho crear la ilustración de demostrarme a lo largo de esta clase, y no puedo esperar para llevarte a través de todo el proceso. Paso a paso, dijo Buckle up, Agarra a tu estilista y pongámonos directamente en ello. 2. Introducción: ¡ Oye, oye! Haciendo su Clayton aquí de Had a draw Comics start Net y bienvenido a mi nueva masterclass de arte cómico . En esta demostración te vas del dedo del pie, aprende un flujo de trabajo digital completo para lápices, entintado y colorear. Cómic. Te voy a llevar por todo el proceso de principio a fin empezará con un borrador muy básico y áspero de la composición general que querrá desarrollarse a lo largo del camino para nuestra ilustración. Y luego una vez que eso esté abajo y listo para salir, vamos a entrar justo por encima de la parte superior y empezamos a pintarlo con un trabajo de alineación liso, aerodinámico, enérgico. Y luego finalmente, vamos a darle un toque de color, construyendo las diferentes formas a lo largo de nuestra ilustración y dándole ese nivel adicional fuera de tres dimensionalidad. Sin más preámbulos, saltemos directamente a él. 3. Hardware: Entonces lo primero que me gustaría cubrir aquí es solo un hardware que uso a la hora de producir una ilustración de cómic digital. Ahora no uso una teca de pecado, y realmente no tengo una tableta de techie nueva muy avanzada que yo uso tampoco. De hecho, la tableta me usa un whack home en nosotros tres. Ahí mismo lo puedes ver. Estos son los estilistas con los que viene muy, muy sencillos y básicos. Tiene alrededor de 10 a 15 años de edad. Realmente no he actualizado desde entonces. Y la razón por la que mencioné esto es porque solo va a mostrar que cualquiera que sea el nivel de hardware que tengas a tu disposición para el arte digital en este punto, probablemente va a hacer las especificaciones de mi PC en todo ese crash hot, ya sea . De hecho, estoy en desesperada necesidad de una actualización. El PC divertido también tiene probablemente alrededor de una década de antigüedad. Entonces, de nuevo, sea cual sea el hardware que estés usando, lo que a tu PC se refiere, probablemente va a estar venciendo a la mía en este punto. Está bien con eso dicho, sigamos adelante 4. Software: todo en este momento, cuando se trata de software, mis aplicaciones preferidas son clips, pintura de estudio, anteriormente conocida como Mangus Studio, y uso esta aplicación para todo mi trabajo de lápices y entintado. Y en cuanto a colorear, prefiero usar tiendas de fotos. Tengo aplicaciones verdaderas ahí que utilizaría típicamente a lo largo de mi ilustración de cómics digitales . Flujo de trabajo. Ahora, independientemente de la aplicación que prefieras usar, ya sea procreate o algo más, realmente no me he metido en muchos de ellos yo mismo. Realmente no importa, porque muchos de los temas que voy a estar cubriendo contigo y las explicaciones te estarán dando muchas veces que van a aplicar en toda la pizarra, independientemente de tu solicitud elegida. Ahora, respecta a algunos de los efectos post van dentro de la porción colorante fuera de esta demostración, sí, algunos de ellos son específicos para seguir comprando, por lo que apropiadlos donde puedas dentro de la aplicación que estás usando. Sé que los precios muy como faras estas aplicaciones se refiere, por lo que depende completamente de ti en este punto clip studio paint. Mucha gente está usando eso. Es una aplicación muy popular y también encima de ella, unas extremadamente asequibles. Por lo que altamente sugiero al menos descargar la demo para esa y comprobarla, a ver si funciona para ti. Está bien, eso es todo. Pasemos a la siguiente escucha. 5. Flujo de trabajo: Entonces ahora lo que me gustaría darles es solo una visión muy rápida de todo el proceso de ilustración de cómics digitales que vamos a estar cubriendo aquí a lo largo de esta clase magistral . Ahora, como pueden ver, un desglosado de la ilustración del gato carmesí en una serie de pasos, y vamos a estar cubriendo seis pasos principales a lo largo de este flujo de trabajo aquí. Entonces es el paso número uno es esbozar las bases de la ilustración Aquí estamos trabajando muy, muy vagamente, muy áspero, y un objetivo principal es experimentar y exp sopló el diseño para que podamos llegar a algo que realmente queremos desarrollar y comprometernos a medida que entramos en la etapa de lápices más refinada fuera del proceso. Y eso nos lleva al Paso Número dos, donde estamos construyendo sobre el esqueleto subyacente del dibujo, estamos construyendo sobre el plano que inicialmente pusimos en el primer paso. Entonces aquí es donde refinamos todo lo que ya hemos hecho, y empezamos a noquear algunos de los detalles dentro del diseño y además no solo hablando del diseño en referencia al personaje sino también del fondo también Bueno, porque eso es importante. Todo esto va a requerir que empecemos a pensar más de una manera analítica en tan solo un cheque cruzado mucho de los principios básicos de dibujo que sirven de base para esta ilustración. Entonces de lo que estoy hablando ahí son cosas como las proporciones del personaje y asegurándonos de que corrijamos esas si efectivamente no están mirando bien y perspectiva. Por lo que la perspectiva del fondo y el propio personaje. Una vez más, queremos asegurarnos de que ambos estén en línea fueron unos con otros y también alineados a la perspectiva que hemos configurado para la escena o sobre rollo. Ahora, una vez que hemos cuidado los lápices refinados, es hora de pasar al paso número tres, donde pintamos sobre la parte superior de nuestro dibujo. Entonces vamos a tomar el boceto base y usarlo como borrador para crear la línea de meta. No en lugar de pulir los lápices, vamos a saltar directamente a las tintas para ahorrarnos algo de tiempo. Se esperará a cada contorno en este punto, la sombra está bloqueada y los detalles renderizados aquí en lo que realmente vas a querer enfocarte principalmente es mantener una mano firme. Esa es la parte más importante, asegurándote de que tengas un excelente uso de un control de mentira mientras vas por encima de los lápices y te pones en lo que en última instancia será el Leinart final sobre tu ilustración. Muy bien, así que pasemos a los colores aquí en el cuarto paso. Ahora lo que vamos a hacer para comenzar esto se establece el esquema de color general con el que vamos a querer ir para la ilustración. Entonces lo que esto va a requerir que hagamos es poner en los tonos de color base. Lo que especialmente estaban considerando aquí son cosas como la teoría del color, asegurando que todos los tonos basados que estaban colocando a través del personaje y el fondo vayan juntos bien de manera gratuita. Y estamos enfocados aquí se queda dentro de las líneas mientras yacemos en esos pisos, definiendo de qué color va a ser su piel y luego el fondo también. A continuación en el paso número cinco, vamos a pintar en el primer pase de sombras y reflejos. Esto se hace de una manera extremadamente áspera y preliminar. nos hemos centrado en Aquínos hemos centrado enformas grandes y grandes, descomponiendo la anatomía del personaje en nada más complicado que cilindros y esferas y también el fondo pensando en ello en cuanto a formaciones de bloques. Y estamos considerando la fuente de luz. Esto es lo más importante a pensar en esta etapa porque al definir el primer pase, renderizado aquí y establecer las condiciones de iluminación sobre la escena, vamos a estar construyendo encima de eso en el Paso seis. paso seis es donde agregamos en las superposiciones y le damos algún color a la iluminación. Y esto va a establecer un esquema de iluminación más realista, que nos permitirá crear a su vez una paleta de colores mucho más enriquecida. A partir de ahí, sólo se trata de construir los aspectos más destacados y las formas para darles más definición . De acuerdo, así que esa es la visión general del flujo de trabajo que vamos a estar cubriendo a lo largo de esta demostración. Saltemos directamente a ello 6. Entintar el gato de Crimson: hey, hey, haciendo su Clayton aqui de tenia un draw comics dot net y bienvenido al video de hoy. En esta demostración, voy a estar trabajando en una ilustración de cómic bastante antigua que creé probablemente hace unos años. Ahora creo que es una de estas ilustraciones que no sólo te ponen a ver cómo voy a poner en las bases de un personaje de fondo, sino también cómo voy a renderizar los diversos materiales que iban a estar viendo a lo largo de esta ilustración. Y para este video en particular, lo que vamos a estar enfocados realmente es sólo establecer las cada bases que me pueden ver poner aquí. Y luego el contorno, el contorno de tinta para el personaje y luego en el siguiente video se tintará completamente para el fondo y en el video. Después de eso, bueno, colorelo, Vamos a meternos en ello. ¿ Qué estoy haciendo aquí? Bueno, como pueden ver, tengo los fundamentos básicos para el personaje establecidos. Eso fue bastante rápido, y por lo general es un proceso bastante rápido, pero es la parte más importante del proceso en general porque, por supuesto, esta es la composición sobre la que se va a construir toda la ilustración . Por lo que los elementos de fondo que se han incorporado, aunque no son tan detallados, sí crean una cierta cantidad de legibilidad visual que ayuda a enmarcar la atención del personaje y cajón hacia ella. Y entonces, por supuesto, el propio personaje al que nos opondríamos se estableció. Tenemos a ella posicionando una colocación y el tamaño en el que se va a dibujar. Todo funcionó en este punto, y con esos elementos descubiertos, lo que entonces fue capaz de hacer es liberar llanta elemental para empezar a sumar en los detalles adicionales que va a entrar encima de eso. Y entonces lo que esencialmente tenemos es que me gusta pensar en ello como americano en un escaparate, por ejemplo. Conoces un maniquí. Es realmente solo una pizarra en blanco que se viste bien para exhibir la ropa que va a estar tratando de vender. Eso es esencialmente lo que estamos estableciendo aquí, algo así como el maniquí del dibujo de una manera con la que vamos a vestir, oh, los detalles que van a consistir dentro del fondo y dentro del personaje y los elementos de diseño que van a venir con eso toda la iluminación, todo se va a construir encima de esta composición básica. Entonces voy a entrar en segundo plano y estoy sumando en algunos detalles finales para eso. Sigue siendo muy rudo y tranquilo, escurridizo . Como pueden ver, no hay nada que haya estado súper bien aquí en absoluto. Pero estos pequeños detalles adicionales me van a ayudar sólo a averiguar,ya sabes, ya sabes, ¿con qué tipo de materiales voy a estar lidiando ahí en segundo plano? Ya sabes cuál es su edificio en el que está sentada hizo off, y muy claramente está hecho de estos ladrillos y, ah, va a ser una especie de ruptura de estilo viejo. Entonces, con lo que estamos tratando, lo que a la arquitectura se refiere, es un edificio de aspecto muy viejo que es una especie de medio que se desmorona. Es tal vez abandonado, algo en ruinas, y así con eso, soy capaz de captar el tipo de vibra en contexto en el que se va a presentar el personaje porque todo esto de fondo es realmente solo un plataforma que está ahí para cumplirla. Si alguna vez has visto a esos súper detallados superhéroes de cómic bastante grandes, estatuas que puedes comprar en lugares como coleccionables de sideshow como ejemplo donde tienen las plataformas gigantes debajo de la estatua y lo que sea que haya dentro de esas plataformas. Por lo general están decorados con todos estos, ya sabes, elementos intrincadamente detallados que tipo de ayuda para fundir al personaje, para fundir la estatua y y dar un sentido de lugar para ayudar a traer a través de la historia del personaje y sólo un realmente aumentar la cantidad de estado de ánimo dentro de su presentación. Bueno, eso es lo que estamos haciendo aquí. Estamos tratando de enfatizar el estado de ánimo con un vívido sentido de sentimiento y carácter a las ilustraciones, que podamos hacer una experiencia más inmersiva llena al público cuando estén mirando nuestra ilustración aquí. Y esto es algo donde los fondos realmente entran en juego de una manera enorme. A menudo están subvalorados, y tratamos de evitarlos porque consisten en solo tantos tipos diferentes de detalles que tardan mucho tiempo en implementarlos. Pero cuando se hace correctamente, antecedentes realmente pueden ayudar a simplemente elogiar a tu personaje y a hacerles realmente justicia una manera de ayudar realmente a enfatizar quiénes son. Esta historia y la voluntad en la que habitan. Y lo que eso hace, a su vez, es dibujar al espectador en más se pone, más invertido ayuda a atraerlos a ese mismo mundo del que el personaje es parte. Por lo que fondos de fantástico. Es una alternativa mucho mejor, a pesar de que lleva un poco más de tiempo que tener un fondo, que está completamente en blanco teniendo un personaje, que es esta flauta en este vacío blanco. Entonces ahora voy por encima de ese boceto de personaje realmente rudo, y estoy usando la herramienta de lápiz G dentro de mega studio A k a clip studio pain to ink en el Leinart final para el personaje. Y este es realmente sólo va a ser el personaje en el que estamos enfocados de nuevo aquí. Vamos a estar algo así de dejar el fondo como está, y Puli solo enfocándose en conseguir que esta alineación sea agradable, lijada y tienda buscando realmente darle a la presentación final del personaje la misma cantidad de energía que vimos en ese borrador inicial. Y esto es algo difícil de hacer porque cuando primero empiezas a bosquejar en el personaje , inevitablemente va a haber una mayor cantidad de energía. Son sólo porque fuera de las características de las líneas con las que estás lidiando, su suelto, que áspero, hay más movimiento en ellas solo por defecto en. Para que conozcas las líneas, encapsulando al personaje y realmente estableciendo los contornos delimitadores van a tener este nivel adicional de vivacidad dentro de ellas. Pero quieren decenas del dedo del pie pasan cuando vamos por encima de ellos y empezamos a pensar que el tapete es la postura del personaje para endurecerse. Y así perdemos algo de esa vivacidad y y la flexibilidad dentro de esas líneas, empiezan a volverse un poco menos animados y más sin vida, y eso realmente puede quitarle al personaje y la forma en que representaban, porque esta es la final yo no. Entonces lo que queremos hacer para evitar que eso suceda con el fin de evitar una mirada plana, sin vida en producto es que queremos tratar de conseguir es mucha energía en implementada en estas líneas en este Final Inc Leinart lo más posible. Y la forma en que me gusta seguir haciendo eso es dibujándolos en rápido y con confianza asegurándome de que la forma en que estoy acariciando en esto los contornos de zinc no sea make sino fuerte y que tengan propósito. Tenían ese sentido o pertenencia dentro de la ilustración, y lo que quiero decir con eso son muchas veces, sobre todo para anclajes inseguros, la declinación que lo remolcas, no del todo seguro, familiarizado con las herramientas todavía ya que tienden a bosquejar en el contorno entintado. Y haré esto también de vez en cuando para captar algunas de las complejidades que quiero incorporar a la línea. Y a veces estas sutiles características que quiero tener dentro de ellos simplemente no van a poder implementar en un solo golpe rápido. Entonces entraré y todo manualmente tipo de. Yo lo llamo esculpir, esculpir bien la línea, y eso es realmente lo que estás haciendo es que la estás esculpiendo ahí dentro. Estás agregando un poco de enfermedad aquí, sacando el borrador, recortándolo allá atrás. Y eso es realmente lo que te permite carr fuera de la línea en una distancia mucho más controlada. Pero a veces eso puede producir ah, sensación algo fabricada a la línea y una estética visual que simplemente no parece genuina o supongo que se podría decir que parece artificial, y se quiere evitar eso también. Por lo que siempre es un equilibrio entre conseguir el tipo de línea que desea dibujarse en la página , asegurándose de que esté esculpida de la manera exacta en la que se necesita esculpir si ese es el caso. Pero de lo contrario lo que quieres intentar hacer siempre que puedas sacarlo es simplemente conseguir que esas líneas se dibujen. Y un golpe rápido, rápido, rápido. Pero lo encontrarás, es que solo hay esta energía inherente sobre ellos. Ahí está esta enfermedad viva que se incorpora a ellos, señor, Eso es realmente algo ahí que se quiere tratar de tener en cuenta tanto como sea posible y algo que se quiera practicar porque, no haga error, eso sin duda toma mucho. Ah, practica para tener confianza con solo poder arrojar una línea hacia abajo una vez por huelga así . Es decir, es que es estrangulamiento de nervios. Si nunca usas el bolígrafo G antes, es raqueo de nervios hacerlo aún más con un bolígrafo tradicional en tinta porque sabes, tradicionalmente no solo es capaz de borrar fácilmente las tintas que has hecho aún la piscina en el ancho hacia fuera y arreglar de esa manera, y eso podría ser algo laborioso en sí mismo. Digitalmente, al menos tenemos la capacidad de un tipo de retroceder y un aumento si lo estropeamos. Entonces ciertamente no hay excusa para que te pongas esto a menudo sólo por nervioso, porque con cualquier cosa para ponerte bien en ello, lo vas a hacer una y otra vez. Vas a ser repetitivo con eso. Vas a enfrentarlo, cabeza y haces lo mismo con lo que no eres competente para ser competente con ello. Y lo brillante de eso es que puedes ponerte bien con solo hacerlo. Y, sí, corto chupará al principio. Y no saldrá del todo de la manera que esperabas, también. Y, oye, eso siempre es desalentador. Pero sólo tienes que saber en el fondo de tu mente que simplemente siendo lo suficientemente valiente como para ponerte ahí fuera para darle una oportunidad, te pondrás mejor. Obtendrás puntos de experiencia y serás recompensado por tu iniciativa de salir por ahí y aprender algo nuevo. Es algo en lo que realmente tienes que hablarte y de lo que tienes que ser apasionado para que te aburras lo suficiente como para intentarlo realmente en primer lugar. Pero si era un apasionado de conseguir el bien y dominar unas habilidades en la ilustración de cerdo fuera de Comey como soy, entonces lo harás y estarás totalmente bien. Al final , estará bien. Simplemente vas a tener esa fe de que vas a mejorar. Es como si alguna vez has visto el y luego ellos el dragón de Siri. Bosie, sé que siempre me refiero a Dragonball Z porque mi gran geek Dragonball Z, pero ya sabes, tienes a estos seres. Y si alguna vez has visto Dragonball Z que estos seres llamaban super dichos y el invitado general del super dicho es que con cada batalla que pierden, se vuelven más fuertes, suben de nivel, encienden. Y me encanta ese concepto, señor, señor, ya sabes, igual que en las balas de dragón, que te gusta un cómic fuera super diciendo, ya sabes, cada batalla que pierdes, te fortalecerás y aprenderás de ello tu mente se enfocará en aquellas áreas en las que se pueden mejorar, pero solo puedes descubrirlas cuando fallas. Solo puedes descubrirlos cuando te encuentras con ellos, y esa es la forma en que funciona. Los errores no son cosas malas en absoluto. Se sienten muy amables porque nos sentimos como fracasos. Sentimos que queríamos hacer lo mejor posible. Y por supuesto que lo hicimos. Sea lo que sea que nos propusimos hacer, queremos hacer lo mejor posible. Vamos a ser los mejores, el epítome de lo que posiblemente podamos ser. Pero a veces acabamos de conseguirlo. Tenemos un poco de caminos por recorrer, y tenemos que encontrarnos con esos obstáculos para superarlos, y eventualmente lo haremos. Eso es sólo cuestión de poder verlos poder reconocer pulgar, porque al principio no reconoces nada Hasta que te encuentras con estos obstáculos. Simplemente no puedes dar cuenta de ellos. No hay forma de que sepas si estás haciendo o no lo correcto hasta que hagas lo incorrecto. Entonces, a través de hacer lo incorrecto, eres capaz de volver a navegar, encontrar una ruta diferente con el fin de llegar al desenlace al que estás tratando de llegar Para que me veas yendo por encima de la ah, el borrador en bruto aquí. Tengo la cabeza hecha. Tengo un poco de la ah que hizo el torso ahí. El brazo está dentro y se puede ver ahora que estoy un poco saltando al vientre aquí donde tiene este curso de desperdicio lo que está envolviendo alrededor de su torso ahí y en general. Pero probablemente te diste cuenta es que esto es encantadora señora de gato de aspecto se parece un poco a la mujer gato . Y en un principio, iba a ser Ella iba a ser una interpretación de mi opinión sobre Catwoman de Batman, claro. Y al final resultó tan diferente que pensé: Oye, Oye, ¿ sabes qué? Este podría ser un personaje original completamente nuevo que han creado, pesar de que estaba algo basada en Catwoman, Um, podría ser completamente diferente. Entonces decidí hacerlo en su lugar, y verán esto por qué, he decidido doblarla con este nombre. He decidido duplicar como las cremas y el gato y como verás en el video coloreado, estaremos coloreando con una paleta de colores carmesí que realmente consigue el nombre a través , ah, manera más literal. Pero pensé que eso sería bastante genial. Ya sabes, cremas en ti que la asociación con sangre ahí. Entonces es un poco ruda, no alguien con quien meterse. Y, ya sabes, realmente quería atravesar algo así como una seductora vibra tipo dominatrix. Con este personaje en particular, se puede ver que ella tiene el con su como Catwoman, Pero también lo es, y este fue el tipo de proceso mental por el que pasé en su diseño Fue eso, Hey, si tiene un látigo y usa un látigo, bueno, tal vez tiene más de un diseño de personaje tipo dominatrix pasando eso tendría sentido que tipo de atar el látigo y el atuendo de dominatrix juntos en un mucho más consolidado manera. Tendría más sentido, por lo que hay algunos materiales con los que estamos tratando en esta ilustración en particular. La mayor parte es de cuero y Lycra. Ah, su mezquita y la manga del brazo que me puedes ver colocando las sombras y alrededor en la eclosión cruzada. Están conformados por un material tipo Lycra, y va a ser coloreado ese color carmesí que mencioné antes. Por lo que es un poco más ligero que el curso lo que va a ser este cuero negro. Entonces son los dos materiales primarios. Y luego, claro, tenemos las áreas expuestas de la piel, que se va a dejar bastante en blanco. No va a haber, ah, ah, sostener un detalle incorporado en ellos, cantidad muy mínima de renderizado. Entonces ya sabes, la piel, alguna manera es y la forma en que estas áreas del cuerpo que están representadas pero tienes las áreas expuestas de la piel. Mucho de lo que los va a hacer cruzar al espectador es de manera precisa, es puramente su forma. Entonces los contornos exteriores no tienes las escotillas cruzadas ahí, y el renderizado y sombreado que podemos ver dentro de las áreas más oscuras fuera de su diseño de personaje para ayudar a describir la forma fuera de esas áreas expuestas de carne. Entonces de lo que necesitamos depender en ese caso en particular es solo el contorno exterior, asegurándonos de que seamos capaces de capturar una forma agradable, fuerte, vívida, y eso va a ser abarcado dentro de la primaria, delineó el principal aliado en y se puede ver alrededor del hombro que como realmente hemos tratado incorporar eso y mucho del tiempo con el fin de que esos contornos exteriores se vean interesantes. Luzca estéticamente agradable. Pero queremos tratar de hacer es incorporar algunas líneas bien policíadas despierta solo para hacer que el león se vea más interesante. Porque sin esa línea espera, lo que terminamos obteniendo es esta enfermedad consistente en todo el contorno que simplemente se ve poco aburrida, como si no hubiera nous dinámico a la zona, y así que como que aplana el imagen y realmente no le da lo mismo una vida metálica que un zit tendría de otra manera. Por lo que con el fin de crear una mayor cantidad de atractivo para tus contornos, siempre trata de incorporar solo un poco de peso de línea, variación y todo Eso es, si no estás familiarizado con la línea Espera. Sé que ya hemos hablado de ellos antes, pero tal vez no sabes de qué diablos estoy hablando aquí. vino espera un realmente solo asegurándose de que tienes ciertas áreas de la línea, las más gruesas que otras áreas y generalmente las áreas en las que vas a encontrar el contorno más enfermo ,más pesado se producen es en la parte del contorno que están alejándose de la luz. , Dónde está en las zonas más ligeras fuera de la forma que el contorno está abarcando, Vas a encontrar que empieza a adelgazar un poco. Se va a convertir en un encendedor, más desmayado, y ahora no va a ser un Sevy. Por supuesto, pesos de línea también se pueden utilizar en otros contextos así para enfatizar que ciertas partes del personaje para nuevamente, como acabamos de decir, transmitir de dónde viene la dirección de la luz. Pero también encima de eso, te ayuda a crear la ilusión fuera de profundidad. Entonces, por ejemplo, aquí estamos dibujando en su otro brazo, y se puede ver que tipo de saltos tenía un poquito ahora que si ese uh um se venía hacia nosotros y nos apuntaba directamente para que tengamos tanto acortamiento más dramático nivel cuatro. Pero lo que veríamos alrededor del frente que el extremo de los brazos de los cuatro en la parte del brazo que estaba más cerca de nosotros es que veríamos un contorno más grueso. Por lo que los pesos de línea serían mucho más pesados alrededor de esa parte en particular de la armadura. A medida que el brazo retrocedió, bancario al hombro como un alejado de nosotros, el contorno se pondría pecador y más delgado. Eso crearía esta ilusión de profundidades. A pesar de que estamos lidiando con un trozo de papel plano aquí, estamos tratando con un personaje que es esencialmente bidimensional en realidad, pesar de que estamos representando la dimensión misteriosa que solo delinean crearía esa sentido de profundidad. Y eso está en Ah, eso definitivamente es una obra de teatro en visual, está ahí. Es una de las herramientas que tenemos a nuestra disposición para crear esa ilusión de muerte y una que como artista de cómics, quieres hacer un buen uso lo más posible donde puedas. Porque la ilustración de cómics se trata de hacer tu salida donde pop tanto como sea posible . Ahora con facilidad, escotillas cruzadas que estoy implementando alrededor de su brazo, ya sabes, colocadas en las sombras de lo primero que hago porque ese tipo de me dijo dónde va a estar la mayor cantidad de eclosión cruzada. Me ayuda a averiguar en qué densidad van a necesitar estar todos estos tonos para que la forma se lea correctamente. Pero una vez que esas sombras se airen, Lo que estoy haciendo es, mientras coloco las escotillas alrededor del brazo es, um, conseguir que sigan la superficie de los brazos forma. Y eso es realmente importante porque más allá de simplemente sombrear la forma, escotillas cruzadas también ayudaron a describir su superficie las dimensiones fuera de su superficie al envolverla alrededor. Por lo que nunca dibuje tus escotillas cruzadas en completamente planas. Siempre deben tener algún nivel fuera de curvatura hacia ellos. Y al hacer eso, volverás a encontrar que eres capaz de implementar ese nivel extra de tres dimensionalidad que da a tu sobrescritura ilustración ese nivel adicional de profundidad en dimensión, algo que es increíblemente importante cuando viene de nuevo. Ilustración de cómics. Por eso es una forma de arte tan impactante y por qué la amo tanto. Esto es lo que me hace tan zumbido. El arte del cómic es, es uno de esos no son médiums que solo captan tu atención y te mete justo dentro. Te detiene en tus pistas, pero cocina buen arte cómico. ¿ Ese mal cómico Wolcott no va a dejar mucha impresión en absoluto si se deja fuera de los pesos de línea. Si eres de eclosión cruzada no describe la forma en absoluto y la ilustración simplemente se ve plana como resultado. Entonces desafortunadamente, en qué va a resultar eso es sólo un nido, ¿eh? Cosquillas agradables, mirando hacia fuera trabajo. No tendrá la misma cantidad de apelación. No tendrá la misma cantidad de impacto. La gente simplemente caminará más allá sin aletear. Y mentí. Por lo que puedes ver aquí que con las sombras que se han incorporado a su diseño, contrastan bastante dramáticamente con las áreas desnudas de la piel a lo largo de su cuerpo y alrededor su pierna. Aquí, los tienen muslos, su cualquier cosa, su fuera del muslo. Veremos una vez más que tenemos esta sección donde se revela su cuerpo, expondrá la carne subyacente. Y, señor, nuevo, vamos a ver ese baile off contract a lo largo de la ilustración. Y es esa danza de contraste que quieres intentar implementar en tus diseños, para hacerlos más interesantes de mirar, porque cuando tienes esa variación del tiempo visual, crea un cierto ritmo de nivel a lo largo de todo el ilustración, sobre todo si has logrado dispersarla y de la manera correcta. Ahora bien, ¿cuál es el camino correcto? ¿ Cómo equilibras ese contraste cuando agrega los tonos más oscuros donde se agrega el encendedor se convierte en lo pactado? ¿ Los agregas? Bueno, para mí? Siempre trato de asegurarme de que la propia cabeza tenga algún nivel de giro oscuro, porque eso va a ser lo que llama la atención del espectador ahora. No es sólo tono oscuro solo, y no es solo como túnel, y es el contraste la relación entre esos tiempos. Entonces en nuestro caso aquí con el gato carmesí, lo que podemos ver es que tiene su máscara, cual tiene esta sombra gruesa y estas líneas de juguete muy dramáticas, cierto, estas thes motas de contraste. Tenemos las sombras alrededor del frente de su cara en el interior de los años, y luego tenemos estos reflejos realmente brillantes y reflectantes que esencialmente ni siquiera se mezclan tanto en las sombras. La muy, muy cruda transición ahí. ¿ Qué es incluso una acción? Una transición, sin embargo, son los agujeros de los ojos y el agujero de la boca es, bueno donde vemos la mezquita y una cáscara hacia atrás para revelar el rostro. Ahora de nuevo, Lo que esto termina permitiéndonos hacer es esencialmente enmarcar las ventanas de los ojos, enmarcar los I hos con estos tiempos súper puntos y luego tenerlos directamente capas de contraste, tonos oscuros al tener esas áreas expuestas fuera de ella cara. Entonces ahora lo que terminamos con esencialmente estos, realmente, realmente hay valores blancos en contra de estos valores súper oscuros. Y por eso, no sólo se llama nuestra atención sobre esa zona específica del personaje justo fuera del bate por ese marcado contraste por la hija blanca en lienzo negro o, en este caso, dos puntos blancos en un lienzo negro. Pero con lo que terminamos es que también somos capaces de tener nuestra atención casi 100% previsiblemente ser atraídos a los ojos del personaje. Y eso es importante. ¿ Por qué? Porque los ojos de los personajes de las ventanas en su alma. Es así como nos relacionamos con el personaje. Ese es el primer punto de entrada. Para poder tratar de entenderlos también. Averiguar. Ya sabes qué tipo de personalidad tienen. Hay mucho que se puede decir dentro de los ojos del personaje. Mucha comunicación no verbal, y podemos decir mucho sobre ellos sobre cómo se sienten acerca de quiénes son. Y eso es algo que sin duda vale la pena llamar la atención, porque eso mantendrá la atención a toda la audiencia por mucho más tiempo, periodo de tiempo fuera. Entonces lo sabes estratégicamente, algo que he hecho aquí. Y creo que es una gran manera de tener un diseño de personajes que de forma inherente llama tu atención sobre todos los lugares correctos a lo largo del personaje, por supuesto, trabajando nuestro camino por el cuerpo. Tenemos los hombros de Expos y la mitad de su pecho ahí, que, ya sabes, me gusta pensar en eso ya que es casi como una cabeza de gato, justo sin las orejas. Y ah, ya sabes, tenemos su talla también. Ahora todas estas áreas una especie de, por supuesto, ya sabes, áreas, todo el cuerpo que un algo se podría decir sexualmente atractivo. Y por supuesto, esto es algo que a la gente en general le gusta ver por una razón u otra. Es una biología, es probable. Pero ya sabes, puede crear un personaje sexy con un sexy carry to design. Eso es, por supuesto, va a llamar la atención en y ah, sabes que todo el mundo va a tener una opinión diferente al respecto. Personalmente creo que llama la atención en un nivel adicional, adicionalmente atractivo en él permite a la gente sentirse atraída por tu obra de arte, no solo para verla, no solo para estar inmersa con un poco, también para sentirse atraídos por ella. Y para mí, esa es una forma mucho más poderosa de que el público se conecte con tu personaje que les va a permitir quedarse con ellos por mucho más tiempo, y se va a quedar con los pies dentro de su mente por un largo periodo de tiempo. Nuevamente, todo el mundo va a tener una opinión diferente al respecto. No queremos que cada personaje sea sobresexualizado dentro de los cómics, claro. Pero al igual que con el contraste alrededor del diseño de personajes aquí mismo, es bueno tener un contraste de diferentes personajes Dentro de tus historias. Vas a querer algunos personajes de aspecto sexy. Vas a querer algunos personajes de aspecto fuerte. Vas a querer algunos personajes audaces. Vas a querer algunos personajes reservados. Algunos hacen algunos personajes tímidos. A lo mejor quieres personajes que parezcan débiles pero en realidad son fuertes lo que quieres lo compensa un poco porque a la gente no le gusta la similitud. A ellos les encanta ser estimulados por la variación y la variación es precisamente lo que buscamos dentro del diseño de un personaje y dentro de las diferencias en las variaciones entre cada uno de los personajes dentro de tu elenco de personajes comparables. Queremos variación dentro del león trabajo en sí que la púa, el personaje que ayudó a definir su ilustración en la forma en que presentaron queremos variación dentro de las diferentes monedas estaban lidiando dentro de la variación de contraste es la clave para crear una experiencia interesante y mucho trabajo tentadora para tu audiencia. Visualmente, así que siempre intenta mantener eso en mi look para las áreas dentro de tu ilustración. Donde puedes tener esta danza de contraste es danza de Variación, y encontrarás que deja mucho más de un impacto que llama más la atención que eso. De nuevo se queda con la gente por mucho tiempo más largo. Les ayudará a recordarlo. También te ayudará a crear una ilustración de cómics más legible. Él puede ver que este personaje es diseño es en realidad algo bastante complejo es algunos elementos diferentes que se han metido aquí en él. Y por eso, si no somos capaces de romperlo con niveles variables de valor, si no somos capaces de enfatizar ciertas áreas con pesos de línea, se vuelve un poco difícil descifrar visualmente no sólo para nosotros, sino también para nuestro público. Debido a que comienza dedo del pie falta de profundidad otra vez, empezamos a perder la cantidad de impacto visual que de otra manera tendría. Entonces eso realmente quiere que esa variación te vaya a ayudar a meterte en tu ilustración , y eso es lo que hace difícil de detectar. A veces ya sabes, no necesariamente estamos hablando sólo de lo que están en la página. Estamos hablando de lo que no hay en la página, lo que a menudo se acaba de dejar fuera los tiempos, y simplemente incorporándolo y agregándolo ahí dentro. Lo que encontrarás es que de repente tu obra se transforma y eres capaz de crear esto. Qué, lo que estás creando antes, más definitivamente. Pero es en todo otro nivel ahora que podría ser la cosa más pequeña, la cosa más pequeña que marca toda la diferencia y realmente lleva tu obra a ese siguiente nivel. Entonces voy por ahí y estoy articulando los contornos sobre los que van a definir las piernas . El personaje puede parecer un poco agregando pesos de línea en el camino supongo que sí. espera un primer paso de línea mientras dibujo la línea hacia fuera y luego volveré por encima de la parte superior y me pueden ver haciendo alguna línea. Espera esculpir ahí mientras saco el borrador y, ya sabes, hago que la línea se centre en algunas áreas, pensándolo en otras. Y realmente trato de asegurarme de que no, soy capaz de definir una tienda agradable, limpia, limpia, clara que mira e interesante, atractiva de contorno, y que eso va a presentar en última instancia el personaje en su forma final, ya sabes, es fácilmente tintas del personaje. Esto es lo que serán estos. De lo que estará definiendo a los personajes Leinart al final. Entonces tenemos que asegurarnos de que los logremos montar, que realmente prestamos atención y y tomarnos el tiempo para captar el tipo de línea correcto que buscamos. Por lo que he delineado esta sombra. ¿ Va a estar presente en ella como polainas Roe? Y ahora estoy llenando a los hombres. Entonces estamos viendo aquí algunas sombras muy, muy gruesas, que van a ser esencialmente contrastan que directamente contra los reflejos que van a estar presentes. Y aquí hay múltiples reflejos y múltiples sombras con las que estamos lidiando. Y no hay sólo una manera de hacerlo. Por cierto, esto muchas veces todo se reduce a la estética. Entonces estás un poco mirando ya sabes, ¿cuánto bienes raíces está ocupando la sombra en comparación con los aspectos más destacados? ¿ Y esa es la cantidad correcta? ¿ Va a estar funcionando? ¿ Está describiendo la forma de la manera correcta? ¿ Es consistente con las luces configuradas? ¿ Describe lo que estamos tratando de mostrar al espectador de manera consistente de una manera que sea consistente con el resto de la ilustración? Porque ya sabes, muchas veces eso puede ser lo único. Si nos equivocamos en ese sentido, eso podría ser con lo único que hace que toda la ilustración se desmorone. Elevar consistencias cuando están presentes dentro de la ilustración sólo puede crear este pequeño nivel de falta de sinceridad dentro de la obra. De repente, realmente no se puede confiar en lo que está viendo porque hay inconsistencias dentro de A. No tiene sentido. Y así quieres asegurarte de que a medida que caigas en las sombras, aunque podrías estar tratando con un material diferente un material sustancialmente diferente , igual que en este caso, todavía quieres asegurarte de que las sombras, ya sea un nivel adicional de sombra y resaltar un alto nivel de contraste que a medida que las incorporas, se mantienen consistentes dentro del contexto fuera del carácter general. Ahora eso no quiere decir que hay que dar las áreas expuestas de carne como en este ejemplo particular del mismo nivel de sombra y detalle ni ningún tipo. Puedes dejar eso completamente en blanco, pero tienes diferentes materiales, y así tienes diferentes niveles de valor y sombra ahí que inevitablemente se van a incorporar dentro de ellos sólo por los distintos niveles de reflectividad, los niveles variables de ah de contraste realmente van a estar presentes dentro de esos materiales. Es decir, estas son realmente las cosas que se marcan de ida y vuelta con el fin de transmitir una variedad de materiales diferentes, pero siempre y cuando estén sombreadas y las sombras y los reflejos que se producen dentro de ellas en sea cual fuere el aspecto que se puedan representar son consistentes con la ilustración general, porque de nuevo eso va a hacer una ilustración de aspecto mucho más convincente. Tendrá sentido para el espectador y el y así estarán más inmersos dentro de él. Ahí, incrementará la incredulidad suspensiva, y así se olvidarán del mundo exterior. Se olvidarán de la realidad, y eso hará que tu personaje sea más creíble y porque es más creíble, serán más inmersivos para el público. Entonces ahora vamos a entrar donde agregando en unas escotillas cruzadas que se van a sacar de las sombras en las que acabo de colocar. Pero debido a que estamos tratando de nuevo material bastante reflexivo aquí, vamos a ver que las transiciones, la mezcla que estas escotillas cruzadas crean un todavía bastante repentino. De acuerdo, entonces no estamos tratando con un material completamente mate. Entonces hay transiciones, esos ingredientes. No queremos que sean súper suaves. Todavía queremos dedo del pie. Transmitir que ese cierto nivel de reflectividad dentro del material a fin de tenerlo todavía se queda buscando como si estuviera hecho de este material tipo Lycra o cuero, que a menudo sí tiene esos reflejos muy crudos que un super reflejaba que apenas aliados de ellos con una cantidad extrema de intensidad. Entonces ahora voy para allá y estoy empezando en los leggings en la otra pierna y ah, solo colocando en los cinturones alrededor de la parte superior Ahí. Por alguna razón, estoy teniendo un poco de problemas con ello. Por suerte tengo a mano mi herramienta de borrador. Todo lo que voy a hacer es simplemente presionar el atajo aquí en mi teclado cuando necesito sacarlo o alternativamente, presionar el botón de deshacer. Si no me gusta la línea que acaban de colocar. Y muchas veces no lo sabes, soy muy quisquilloso cuando se trata del tipo de líneas que dejo dentro de la ilustración porque, ya sabes, realmente quiero asegurarme de que esto vaya a quedar tan bien como pueda posiblemente conseguir que se vea. Te darás cuenta de que de vez en cuando sí vuelvo y empiezo a retocar lo que ya he colocado abajo en la página. Ya sabes, justo como ejemplo, remetí la tos la mitad trasera de la pierna ahí para esta encantadora señora de gato, y lo hice porque simplemente sentí que la forma no se veía muy correcta, sobre todo cuando voltear la imagen. Lo que intentaría hará bastante aquí solo para asegurarme de que todo se verifique porque sin voltear la imagen es muy difícil detectar errores. A veces podría sentir que algo anda mal, pero no sabré exactamente con qué está mal en la ilustración hasta que lo dé la vuelta y de repente se hace muy claro lo que hay que arreglar. Entonces en ese caso era la mitad trasera de esa pierna y simplemente la traje un poco y le di algo más de forma y eso es todo lo que realmente necesitaba, que era Ah, totalmente bien. O sea, creo que mientras no te estreses demasiado por arreglar esos errores, ya sabes, veces puede llegar al punto en que estamos arreglando ciertos errores y nos desanimamos porque hemos hecho un error y de repente está todo arruinado y tenemos que tirar toda la ilustración Bueno, no, no, no, no tienes que hacer eso en absoluto. Está totalmente bien cometer un error. Eso es solo que viene con el territorio de ser artista, sin importar el nivel de habilidad que estés en ello. De hecho, yo argumentaría que es todo parte de la diversión. Entonces, ya sabes, los errores van a pasar. No te desanimes cuando suceden. Simplemente arreglarlos tranquilamente. Entonces avanza. Ah, gran parte del tiempo, lo que te va a hacer un artista exitoso es tener la capacidad de simplemente seguir adelante y seguir adelante. Sigue progresando. Ya sabes, que no dejes que nadie te retenga el error. Esos simplemente siempre van a ser parte del proceso. Y si no te gusta cometer errores, bueno, tal vez estás en el campo equivocado porque, um, como decía, ya sabes, errores y cometerlos de forma regular probablemente más a veces. Y me gustaría hacerlos todo es parte de la diversión para May,ya sabes, ya sabes, me mantiene en mis dedos de los pies. Si nunca cometí errores, me he vuelto complaciente y, no sé, quizá mi creatividad con sufrir. En cambio, ya sabes, a veces no se trata solo de la forma en que se representa el dibujo. A veces mucho de lo que hace que el arte sea bueno son solo las ideas que se te ocurre. Y mucha del tiempo esas ideas van a venir de los errores que cometas. Ya sabes, probarás algo que pensaste que funcionaría bien y no funciona bien y te obliga a encontrar una nueva solución que quizá no hubiera considerado todavía. Y así lo probaste. ¿ Y qué sabes? Terminas con algo mucho mejor de lo que incluso imaginabas inicialmente, y esa es la belleza de nosotros. A veces es una sorpresa. A veces lo que te propones hacer no es exactamente lo mismo que lo que va a ser el resultado final . Y esas son algunas de las mejores ilustraciones que personalmente he creado cuando creo algo que nunca esperaba crear Ahora, idealmente, quieres intentar crear algo mejor que tu objetivo inicial que tu inicial. Lo que inicialmente apuntabas a crear. Pero a veces, ah , ya sabes, tampoco siempre funciona así. Y aprendes de eso, ya sabes, tal vez tomada ilustración hasta el final, y simplemente no hubo salvarlo. Fue sólo que tal vez fue una idea terrible para empezar. A lo mejor en algún lugar de la línea perdiste tu camino y otra vez, eso no es pérdida. Eso no significa que debas rendirte y ya no ser artista. No quiere decir que sepas que no lo sabes Simplemente no nunca vas a tener el don. El cajón, es ah. Simplemente es algo que va a suceder de vez en cuando, sin importar cuántos años llevas haciendo estas cosas por y más allá de solo aprender la habilidad técnica. Para ser un gran artista, necesitas aprender a poder superar esas cosas y seguir adelante rápidamente. Porque el quickie puedes seguir adelante, más rápido podrás progresar en superar ese punto pegajoso que te había retenido previamente. Si te detengas en él y lo dejas el alimento te, es que va a estar ahí por un periodo de tiempo mucho más largo. Y tal vez incluso podría provocar que te vuelvas consciente de sí mismo dentro de tu obra de arte, que definitivamente no es algo que quieras sentir cuando te sientas a dibujar o algo que obtienes placer fuera. No quieres sentirte ansioso, y no quieres sentirte preocupado de que lo vas a estropear. Quieres divertirte con él. Se quiere disfrutar de ese proceso. No importa si te chupas a dibujar siempre y cuando lo disfrutes. Eso es lo principal, porque si lo disfrutas, vas a seguir haciéndolo. Y al hacerlo continuamente, simplemente mejorarás como subproducto. breve voy a entrar en colocar en algunos más de esos actores cruzados. Me encantan las escotillas cruzadas y esta particular técnica de eclosión cruzada que estoy usando para sombrear la pierna aquí aprendió inicialmente de David Finch, como ya habrías adivinado. 7. Entintar el primer plano: lo que vamos a estar centrados principalmente aquí en este video es entintar el resto de los elementos de fondo, el entorno de fondo, esencialmente, que va a fundir al personaje en un mundo de lo muy ganado y fondos me gusta pensar como una extensión de los personajes creíbilidad. Y realmente no sólo hace que no sólo se expanda sobre su historia y también permite que el público se involucre con ellos en ese nivel más profundo, sino que además, el fondo realmente puede mejorar la composición toda la ilustración general ya que rodea y encapsula al personaje y realmente les da algún nivel adicional fuera contexto. Nuevamente, se basa en su narrativa. En lugar de ser un personaje simplemente flotando en un vacío negro wydell, realidad llegamos a ver parte del mundo que habitan, y eso ayuda a construir sobre su historia, expandirla e incendiario de cajón Más allá. Ahora podemos ser parte de esa historia. Podemos ser traídos a ese mundo, y así para mí, al menos, realmente puede simplemente realzar la experiencia visual que el público se va de pie tener todo tu personaje y es por eso que es tan importante no coleccionar fondos cuando se trata ilustración de cómics. Mucho del tiempo lo dejamos fuera. Y una de las razones de por qué dejamos los fondos fuera es porque, por una parte, que justo el Norte es emocionante la mayor parte del tiempo como personaje en esta demostración en particular , vamos a estar renderizando ladrillos ahora. Renderizar en un ladrillo sólo puede ser tan emocionante, y realmente empieza con el dedo por dentro cuando estás renderizando ladrillos para, ya sabes, mitad de nuestras quizás incluso horas como vamos a estar haciendo aquí. Esto está un poco acelerado, así que no te voy a hacer pasar por esa horrible calvario. Pero ya sabes, lleva tiempo. Si realmente quieres hacer justicia a tu ilustración, va a requerir que te sientas ahí y renderices tediosamente las texturas y los materiales que van a estar presentes dentro de los elementos de fondo dentro de tu ilustración. Y así por esa razón, gran parte del tiempo tratamos de evitar fondos, pero también tratamos de evitar fondos porque simplemente ellos toman paso, mucho más tiempo para completar que un personaje. Ya sabes, cuando estás mirando a un personaje, solo hay tanto bienes raíces que van a ocupar en la lona y húmeda de esa inmobiliaria probablemente no se vaya a rendir ni a ese grado superior de detalle de todos modos. Podrás ver con el Gato Carmesí sabes que hay unas áreas de piel posadas a lo largo de su diseño. ¿ En serio? Ah, solo definido por un esquema solo. No hay ningún detalle real que se haya incorporado a esas áreas específicas, y las partes fuera del diseño que sí tienen esas sombras y a través de escotillas incorporadas en ellas para ayudar a describir el aspecto visual de los materiales. Bueno, ya sabes esto otra vez sólo tanto de eso pasando para cuando te hicieras las polainas y tienes el ya sabes, su corsé y luego sus guantes. Bueno, ya sabes, hay realmente que puedes acabar con eso bastante rápido. Ciertamente no toma ningún lugar cerca de una za, siempre y cuando nos vaya a llevar a completar el resto del fondo. Y de hecho, el tiempo general que pasé renderizando en entintar el personaje fue sólo alrededor de 1/3 del tiempo de producción general que tardó en completar toda la ilustración el resto del tiempo que pasé en ese fondo, y verás por qué en un momento mientras empezamos a poner todos esos detalles que nos van a ayudar a describir los ladrillos y a crear un nivel adicional de contraste de interés visual que no sólo hace que el fondo se vea más interesante y visualmente atractivo a la vista, pero hace que el personaje pop justo fuera de la página con profundidad y dimensión adicionales. Porque eso es lo que estamos creando aquí, ya que colocamos en estos edificios de fondo que ponen el escenario para el propio personaje, se están conformando a algún tipo de perspectiva, la perspectiva que les he planteado. Y puedes ver que ya sabes, cuando se trata de perspectiva, por supuesto que quieres probar el dedo del pie, ya sabes, aproximadamente asegúrate de que todas las cosas que están presentes dentro del fondo se ajusten a la perspectiva que has definido para ellos. Pero para mí, trato de no hacer eso a estrictamente traté de Teoh aproximadamente dibujando los edificios, asegurarme de que la composición general se vea genial, y me gusta mantenerla un poco suelta. No necesariamente me gusta conformarme a un conjunto de reglas en las que mi idea tiene que encajar o necesariamente. Y encuentro que cuando sí empiezo a usar cosas como cuadrículas de perspectiva con el fin de asegurarme de que todo esté alineado con precisión, que puedo hacer más adelante correr. Pero ciertamente no al principio. Simplemente encuentro que realmente provoca que la presentación final fuera de la ilustración pierda la vida que de otra manera habría tenido si solo la dibujara orgánicamente y fuera con mi instinto, usé mi instinto, mi ojo para intentar alinear todo de nuevo, por lo menos para empezar. Ahora comprobaré que la perspectiva esté en punto más adelante. Una vez que esos edificios se dibujaron al aire , ya sabes, podría ponerme en una cuadrícula de perspectiva sobre la parte superior de ese proyecto áspero sólo para volver a arreglar cualquier área que evidentemente obvio y, por supuesto, absolutamente quieren tratar de asegurarse de que las cosas sean lo más precisas posible. Pero no dejes que el nivel de precisión dentro de tus ilustraciones disminuya el nivel creatividad que pudiste implementar en ellas. Esa sensación natural, orgánica, un atractivo que tiene tu obra cuando estás justo en el piso y no estás pensando los tecnicismos de todo. Pero realmente te estás dejando hundir en el acto. Creatividad, simplemente alejarse, no juzgarla, no analizarla, sino simplemente dejar que esas ideas salgan a la página. Ahora, con eso dicho, hemos hablado de por qué tratamos de evitar antecedentes. Pero ya sabes, la importancia de tener antecedentes es realmente asegurarte de que seas capaz de expandirte sobre la historia del personaje, para darles un sentido de lugar en contexto y para asegurarte de que el compromiso dentro del ilustración misma que la gente va a experimentar está presente. Porque sin ese fondo, simplemente es un personaje que se presenta en el voile blanco. Como dije antes y así ya. A lo mejor el personaje luce convincente, y tal vez lucen realistas. Pero cuando los estás poniendo en este lienzo blanco en blanco y esa es la presentación final, realmente, pierde tanto de eso. Ya sabes que Tanja bility ya no se siente real. Se siente como si estuvieras mirando una presentación del ático de diagrama. De repente, todo este personaje que ha sido, ya sabes, adornado hasta cierto punto no son parte de un mundo y no puedes convertirte en parte del mundo que podrían tenerlo porque no hay antecedentes ahí para informarle de lo que podría implicar. Y así vale. Vale totalmente la pena el tiempo y esfuerzo adicionales que inevitablemente vas a tomar para colocar en todos esos intrincados detalles de textura de sanches cruzados y renderizado de material fin de realmente traer el mundo que está siendo el personaje presentado en remolque. Vida. Entonces aquí sólo quiero tomarme un momento para explicarte exactamente lo que estoy haciendo ahora. Estoy en el estudio Minga, que ya sabes, y a veces la gente me llama por llamar a la aplicación. Estoy usando Mega studio porque ahora está conociendo como clips studio paint, Por supuesto Menu studio cambió su nombre a clip studio pain. Y así es como un término antiguo, supongo, para la aplicación. Pero aún no me he actualizado, y es sólo porque no me han podido molestar en hacerlo. Para que sepas que soy perezoso para mí. Me gusta saltarme mucho viejo el ya sabes, los aspectos técnicos mucho del tiempo y simplemente llegar directo al dibujo, y realmente no me preocupo demasiado por las herramientas que tengo a mi disposición. Trato de encontrar algo que funcione realmente, muy rápido, y luego me quedaré con él por años que sigo usando con el fin de tinta esta ilustración hasta un 10 años, probablemente mayor de 10 años, ahora en nosotros. Tableta de bienvenida a sus tres. Y ya sabes, si estás totalmente por donde vienen, sabes que hasta, ya sabes, su sexto o séptimo el modelo off tablets. Entonces ya sabes, es bastante viejo ahora está bastante anticuado, pero todavía hace el trabajo como puedes ver, y me gusta la sensación de ello. Ya sabes, me gusta la sensación de los viejos tiempos muchas veces porque simplemente me acostumbro tanto a ello. Y cuando salto a lo nuevo, es un poco extraño. Todo toma tiempo para adaptarse, pero no importa qué sea lo que estés usando, hecho puedes adaptarte a él siempre y cuando hayas practicado consistentemente con él. Por lo que realmente no importa al final del día, qué tours estás usando o qué software es el que has elegido para desarrollar tus ilustraciones o vas a hacer es conseguir el trabajo del dedo del pie, llegar al entintado, llegar al dibujándolo a la coloración e intenta desarrollar un proceso que puedas aprender, dominar y repetir a partir de ese punto en adelante con el fin de ejecutar tus ilustraciones. Porque la cosa es que sólo hay una cantidad limitada de tiempo para el que vas a poder dibujar, ya sabes, sabes, incluso ahora, a la edad de ah, tengo casi 30 años aún no. Y algunos dirían Eso es joven y sí estoy de acuerdo en que sigo siendo un tipo joven. Depende realmente la edad que tengas en cuanto a si ves o no 30 años es ser joven o viejo. Pero incluso ahora en esta edad razonablemente joven, aún así, estoy empezando Teoh. Me canso un poco más rápido en mi muñeca. Si estoy trabajando por un periodo prolongado de tiempo, empiezan a apoderarse, y necesito tomar más descansos. De lo contrario, encuentro que si realmente me extiendo demasiado y dibujo por horas y horas de punta sin, ya sabes, tomarme algún tiempo para mirar hacia arriba y respirar un poquito, um, me parece que acabo no poder dibujar al día siguiente por haber usado mi muñeca en su fatigado. Por lo que realmente vas a manejar incluso cuando eres joven, los frenos y la cantidad de tiempo, la cantidad de descuento si una energía que pones en tu dibujo y asegúrate de que estás descansando cuando necesitas descansar. De lo contrario realmente puede impactar tu capacidad de seguir produciendo al ritmo que estás produciendo, eso siempre es un equilibrio. Fue esto lo que podrías dibujar durante 24 horas seguidas sin levantar la vista? Pero si haces eso, ¿cuánto tiempo va a ser sustentable para ti? Y esto sobre todo aplica al entintado porque, como se puede ver, eso realmente es lo que conlleva ese proceso. Tintado. Estás sentado ahí por horas y horas y horas al final. Ya sabes hacia dónde se dirige la ilustración. Ya sabes cuál es el resultado que no va a ser. Sólo tienes que ir por encima de la parte superior y, ya sabes, noquear las tintas por ello, y luego se hará en algún momento. El perezoso lleva Oh, mejor. Pero aún así tienes que asegurarte de que la cantidad de tiempo que va a tomar esté equilibrada con un número razonable de descansos en el camino, para que puedas mantener tu productividad sustentable. Porque si más te esfuerzas y te desgastas, entonces solo va a entorpecer en última instancia tu progreso a largo plazo. Y eso no es bueno para nadie. Incluso puede causar daños a largo plazo, como el túnel carpiano y ese tipo de cosas. Entonces intenta evitarlo, sobre todo a medida que envejeces de nuevo a mi punto original. Sé que, ya sabes, cuando llego a los 40 por cuando llegué a los 50 no hay manera de que pueda sentarme por un periodo prolongado de tiempo sin pausas y dibujar al mismo nivel de productividad que hago ahora. Entonces ya sabes, 60 70 siempre bromean alrededor de eso para cuando tengo 70 80 y la artritis ha pateado, me voy a convertir en un quiero hacer películas algún día, así que conviértete en director de cine y porque mi mano bien agarrada cuando tenga algún problema sosteniendo una cámara de cine de todos modos? Entonces va a estar todo bien ir. Ya sabes, trato de pensar y prepararme para lo peor y creo que sabes, ¿qué voy a hacer? Una vez que ya no puedo dibujar, siempre hay esa inminente ah, perdición por delante de mayo, que, ya sabes, puede o no ser realista a tener en cuenta, pero aún así me motiva a hacer lo que puedo hacer ahora y a ti realmente tratar de sacar lo mejor la situación y el maravilloso punto en, como Corea como artista y lo que soy capaz de hacer y de hacer eso lo más posible otra vez mientras puedo hacerlo, tienes que ser capaz de, ya sabes, no querer tu limitador. Y ya sabes, tienes que tener en cuenta una idea general realista en cuanto a qué tan lejos puedes empujar estas cosas. Porque si te escapas de la pista y lo das por sentado y no estás al tanto de exactamente sabes cuánto de un impacto estás teniendo en tu salud física e incluso a veces puedes tropezar con fatiga creativa. Estaba hablando de esto con uno de mis otros compañeros creativos hace unas semanas. Es músico, pero aún así la creatividad sigue siendo parte de eso y cómo, si realmente creativos algún día al día siguiente, hay una buena posibilidad de que empieces a quedarte sin ese combustible creativo porque lo necesita tiempo para recuperar tu imaginación, tu mente. Necesita tiempo para procesar todas las ideas que va a surgir a continuación, antes de que realmente puedas sacarlas y ponerlo en la página o en cualquier formato de expresión artística y creativa que hayas elegido para presentar esas ideas. Entonces ya sabes, todo se trata de salida y descanso. Pero como estaba diciendo, Ya sabes, trato de optimizar mi proceso tanto como sea posible y me apego a las cosas que me están funcionando para que pueda hacer mucho dibujo y pasar menos tiempo en lo técnico que realmente no contribuye a ello de una manera enorme otra vez. Puedes usar cerca de la mayoría de cualquier cosa para producir tu cómic en, y la gente prácticamente hace eso Estos días. El arte cómico viene en tiempos antiguos, diferentes de formas. Parte de ella ni siquiera es tinta en estos días, y parte está pintada, ya sabes, ni siquiera está coloreada como un cómic, así que encuentra un proceso que funcione para ti, optimizarlo tanto como sea posible para que puedes producir más trabajo más rápido ahora. Por eso he optado por quedarme con el mega estudio, y tengo esa tableta realmente vieja, y conozco la forma en que trabajo. Conozco mi proceso de vuelta al frente. Espero que a lo largo de estas demostraciones, pueda compartir un poco de ese proceso con ustedes ahora de vuelta a las herramientas reales dentro del estudio de Mangus que me gusta usar cuando se trata de entintado. Para mí, por supuesto, es la pluma G que funciona mejor. Se siente tanto como usar un bolígrafo de pluma de cabeza de cuervo tradicional. Ya sabes que la forma en que se conecta con el lienzo y van tipo de líneas que soy capaz de producir, ya sea solo sentir un poco más legit, algo así como las tintas que solían ir los artistas en lo alto Cow para allá trabajan con . Entonces creo que fue Joe Williams. En realidad, vi su viejo tutorial, Siri está de vuelta en el taller número uno del día, y recuerdo haber pasado por su curso de entintado y verlo en el trabajo y esas tintas meme . El estético dentro de ellos era exactamente lo que quería captar dentro de mi propio trabajo. Entonces ese es un look visual para las tintas que hago que me ordenaron y traté de acercarme lo más posible con el tiempo. Y eso fue solo un asunto fuera de la práctica y control extremo sobre mis estilistas ya que puse las tintas y la cantidad de presión que le estaba aplicando en combinación con el tamaño del pincel que estaba usando. Y eso es realmente a lo que se reduce, las tintas que me ven puestas aquí en el lienzo y el trabajo de línea que se está produciendo . En consecuencia, todo se reduce al tamaño del pincel que estoy usando, el cual se controla sobre la marcha en cualquier momento usando las teclas de soporte de mi teclado, y con frecuencia usaré las teclas de soporte para ajustar el tamaño del pincel como necesario mientras trabajo porque va a haber diferentes áreas a lo largo de esta ilustración que varían en términos de complejidad y detalle que requieren un tamaño de pincel más grande o más pequeño para realmente entrar y cerca de la línea de trabajo dentro de esas áreas. Y entonces, supuesto, por supuesto, eso se compensa con la cantidad de presión que estoy aplicando al estilista en cualquier punto en el tiempo. Por supuesto, cuanto más gruesa quiero esa línea y el doctor quería ser el caliente o presionaré hacia abajo sobre mi tableta mientras pongo estas líneas en el encendedor quiero que sean las más finas y sutiles, menos presión me se aplicará al estilista ya que estoy trabajando, y eso hará que la línea parezca mucho más fina. Entonces así es realmente como capto las líneas que me estás viendo colocar abajo alrededor de la ilustración aquí para articular los elementos de fondo terminan con el propio personaje. Más allá de eso, es solo practicar y realmente tratar de acostumbrarse a la forma en que trabajas de forma natural. Porque, ya sabes, aquí está el pequeño caviar también que hay que considerar es que la presión natural de todos que aplican a sus estilistas ya que trabajan va a ser diferente. Algunas personas van a tener una mano pesada. Algunas personas tienen una mano más ligera, y así que tienes que averiguar ¿qué estabas sentado naturalmente? ¿ Qué pasa con lo suelto esto o la estanqueidad de tu agarre alrededor de ese estilista mientras estás trabajando, eso va a ser para diferente para todos también. ¿ Tu cómo te sientes más cómodo cuando solo estás trabajando lejos y estás entintando? Estás armando la ilustración. Estas son las cosas que también van a impactar tu flujo de trabajo y el proceso por el que pasas cada vez para producir las tintas para tus ilustraciones. Y para que lo sepas, solo hay que equilibrar el tamaño del pincel con la cantidad de presión que estás aplicando. Pero también hay que equilibrar todo eso con la forma en que naturalmente te gusta el dedo del pie trabajar de la manera que se siente bien para ti, trabajar de la manera que se siente bien para ti, porque no tiene sentido imitar o asumir las técnicas de otra persona cuando entonces forma natural de trabajar que se siente cómodo para ellos simplemente no es hacer click para ti porque como artista, parte del disfrute de pasar por el proceso de crear algo de la nada es la ejecución de la misma, y la sensación de que se obtiene cuando estás en ese proceso creativo. Cuando estás en ese periodo de producción y en realidad juntando esa ilustración, obtienes alegría agregó el acto off, creándolo literalmente. Y no es sólo el producto final lo que importa. También es el viaje que emprendes en el camino allá al que piensas y recuerdas. Es lo único que se llega a mantener dentro de la experiencia de crear esa ilustración nadie más consigue dedo del pie tener eso. Seguramente podrían poder disfrutar de los frutos de tu trabajo. Pero en realidad, al final, eres el único que llega a ir en ese viaje de principio a fin cuando estás produciendo tu idea y llevarla a término. Por lo que hay que disfrutar de eso. Te tiene que gustar. De lo contrario, no te vas a obligar ni motivar a hacerlo muy a menudo. Cuanto más disfrutes del acto de creatividad de armar estas ilustraciones, más vas a querer hacerlo. Despertarás todos los días, y no podrás esperar para saltar directamente a él. Ahora contrasta eso con un proceso que sabes que sientes es laborioso. Eso simplemente no se siente bien o bien o agradable para ti. Eso es solo un arrastre todo el camino, entonces no vas a querer coger un bolígrafo o lápiz y, ya sabes, empezar con esa siguiente ilustración, lo vas a evitar a toda costa. A lo mejor ni siquiera a nivel consciente, pero al menos a nivel subconsciente. Synet me puede ver renderizando en las tejas del techo. Él sólo estoy envolviendo esa porción de la ilustración de fondo hacia arriba, y se puede ver que hasta ahora he ido sobre renderizar y detallar una variedad de diferentes materiales con los que estamos tratando aquí. Y quiero que se den cuenta incluso mientras entramos en los ladrillos y empezamos a renderizar esos fuera en un minuto, quiero que veas lo diferentes que pueden aparecer estos materiales y la forma en que los separo . He creado contraste y distinción entre cada una de las texturas y los materiales con los que estamos tratando para que puedas ver las tejas del techo. Ya sabes, se ven como viejos y viejos. Se supone que son, ya sabes, que está sentada en un edificio de ladrillo en ruinas de algún tipo, así que quiero asegurarme de que quiero pensar en cómo es un resultado. Voy a representar estas tejas del techo. Dado el contexto en el que se están presentando, estas no son tejas nuevas, no son brillantes y, ya sabes, solo se están construyendo. Han estado por ahí un tiempo. Podrían haber sufrido, ya sabes, echarían raíces a un solitario. Y así estoy pensando en ellos como ser hechos de ese tipo de material. Y eso dirige la forma en que presenté dentro del Ingle Aina. El tipo de detalles van a incluir dentro de eso la forma en que voy a representar esa decadencia y la textura con madera es auto ya que es comido por quien sabe lo que podría ser . Las termitas podrían volver a ser, apenas desgastadas por las condiciones ambientales que ha pasado a lo largo de los años . Y así esas consideraciones no sólo me permiten representar y colocar en el renderizado, y aunque los sutiles detalles de textura que me van a ayudar a presentarlo como tal, Pero también me ayuda a hacer que la presentación general sea mucho más convincente porque ahora amor de repente es un lugar dentro de algún contexto, y es consistente consigo mismo también. No solo son las tejas de techo las que se han presentado de esta manera sino que también son las tuberías circundantes las que están corriendo por el costado del edificio. Ahí, se puede ver que este no es un metal cromado limpio, nuevo. Esta ha sido una textura oxidada, devorada alrededor de ese metal que realmente se le da que envejeció. Mira, lleva un tiempo ahí. No se ve nuevo, y no se ve bonito, y esa es exactamente la forma en que quería encontrarme. Y así, ya sabes, la tubería parece vieja. Y por supuesto, el techado tiene un aspecto viejo, y también lo hacen los ladrillos. Y más adelante, como colocamos, sin embargo , está en, verás cómo estos ladrillos de caer. Ya sabes, se han derrumbado bajo su propio peso a medida que han envejecido, y el edificio ha empezado a desmoronarse. Y sabes que, por supuesto, en y de por sí produce cierta vibra que rodea al personaje. Y muestra el ambiente en el que ella podría habitar, Ya sabes, esta vieja ruinosa especie de Ah, ya sabes, urbana, supongo que se podría decir ambiente. Creo que cuando conduces eso cuando puedes pensar en esas cosas e implementarlas en la presentación final, todo el personaje y su entorno circundante. Realmente puede simplemente enriquecer sus historias, enriquecer sus antecedentes. Entonces voy a entrar y se puede ver en colocar algunos carteles aquí en el edificio. Simplemente básicamente estoy dibujando Rothley y dónde se van a ubicar los frenos y cómo se van a componer a lo largo de estas estructuras. Sólo que tengo un poco más de información con la que trabajo mientras entramos en las tintas para esos elementos particulares y construyéndolos de nuevo. Esto lleva un poco tiempo, y hay que encontrar la manera de realmente involucrar tu interés lleno esos exponentes prolongados periodos de tiempo porque es solo un juego de espera y una capacidad de sentarse y tener paciencia suficientes pacientes para ser capaz de hacerlo viejo y hacer lo mismo una y otra vez. Esa repetición, porque cuando se trata de pensar, no es tan difícil en sí mismo conseguir el mínimo completo sobre exactamente lo que conlleva. Ya sabes, hemos hablado de cómo conseguir que esas líneas se vean de la manera en que se ven, así que es un tamaño, tu pincel y la cantidad de presión que aplica que controla el look de esa línea y realmente, siempre y cuando pudieras hacer eso, eso es más o menos todo lo que hay para ello. Porque, por supuesto, tienes las otras consideraciones además de la ejecución técnica como la iluminación, debes asegurarte de estar al tanto de las condiciones de iluminación dentro de la escena para asegurarte de que esté encendida de manera consistente. Porque de lo contrario lo que terminarás obteniendo es, ya sabes, esta falta de creíbilidad, este ah sentido suspense de incredulidad que se rompe por esas imprecisiones a lo largo de la ilustración. Nuevamente, si sabes que has encendido todo de una manera, y luego hay elementos dentro de las ilustraciones que elite de una manera completamente diferente eso va a destruir el suspenso de la incredulidad. Por lo que quieres asegurarte de que esas cosas están siendo constantemente consideradas como estás trabajando, ya sabes, además de eso, además de las texturas y los materiales con los que estás lidiando, mucha solo está repitiendo constantemente todas esas cosas hasta que toda la ilustración haya llenado eso. Por lo que obtienes mucha práctica en una ilustración súper detallada en profundidad como esta. Es algo que sabes realmente va a hacer que pruebes tus límites y la cantidad de tiempo que puedes quedarte quieto y que puedes mantener la mano simplemente en movimiento. Biz estando enfocado en la tarea, que es, ya sabes, realmente una forma de arte moribunda en sí misma. Es decir, quien conduce eso en este día y era donde estamos constantemente, ya sabes, afuera en la dopamina está constantemente siendo metido mientras estamos tomando nueva información, nuevas formas de entretenimiento. Es realmente, realmente duro porque entrenamos nuestra mente para saltar, por una cosa a la otra en una sucesión muy rápida. Y así ahora es difícil para la mayoría de nosotros. A mí me incluí simplemente sentarme y y de verdad pasar horas en centrar fin en esa única tarea otra vez . No necesariamente es una buena idea simplemente quedarse quieto y nunca moverse. Nunca tomes tu atención horrible lo que estás haciendo por las mismas razones de las que te hablé antes, ya sabes, quieres asegurarte de que estás dando tu paro de muñeca. vez en cuando, trato de levantarme, caminar, caminar, hacer café y hacerlo de esa manera, pero voy a encontrar que hasta que se haga la ilustración, sólo va a requerir que te sientas ahí y comprometerse con ello. No hay mucho más en ello de lo que es sólo poder practicar el arte fuera. Enfoque y construyendo su enfoque. Músculo arriba. Ya sabes, mucho del tiempo eso es igual de va a ser fatigante como tu creatividad. Y la salida de eso va a ser es fatigante. Conforme construiste físicamente la ilustración y la cola larga enfocada para, más difícil es mantener tu atención en esa cosa. Entonces ya sabes, es algo que tienes que acumular junto con todo lo demás que estás practicando . Es curioso porque cuando hablamos de ilustración de cómics, hacemos muchas veces este enfoque en, ya sabes, las técnicas y los métodos y las consideraciones técnicas que uno debe hacer. Pero realmente no damos cuenta de todas las demás cosas que entran en ella fuera de eso. Por encima de eso, incluso discutiría esto es hola a lágrima cosa que realmente viene a comprarte una vez que has pasado el aprendizaje de esas técnicas, una vez que has pasado los obstáculos iniciales que presentaste como cómic ilustrador que se acerca en el juego. Y cuando llegues a esos niveles más altos, entonces lo que tienes que lidiar es tu capacidad para enfocar tu energía que te queda para poder cumplir realmente estas ilustraciones más adelante abajo de la línea. Porque si no eres capaz de sentarte ahí y realmente hacerlas, incluso con las habilidades y las habilidades para hacerlo, en realidad no te va a hacer mucho bien. Trata de practicar esto sentándote y trata de simplemente trabajar en algo. Sabes que no sé de ti. Pero si el video va por más de cinco minutos, ya sabes que pierdo la atención. Y puede que incluso hayas empezado a perder la atención en este video. Ah, como ejemplo. Pero aquí está la cosa. Si puedes sentarte y practicar el fuera de ver un video incluso todo el camino de principio a fin, eso es solo ejercitar tu músculo de enfoque. Y luego, si puedes tomar eso y sentarte y foto de cajón durante 10 minutos, eso es genial. No lo haces si un 10 minutos construye tu camino arriba, ya sabes, prueba un trabajo hasta media hora, luego trata de hacer ejercicio durante una hora. Intentar realmente entrenarte para enfocarte porque esto se convertirá en una mercancía caliente más adelante, te puedo asegurar, cuando todo el mundo en la sociedad moderna está condicionado esencialmente a no poder prestar atención a otra cosa por más tiempo que literalmente 10 minutos. Y yo he visto esto, te digo, puede que incluso lo hayas visto también. Es más difícil y más difícil para la gente poner atención incluso cuando estás hablando con ellos. Ya sabes, esta soy yo entrando en mis, ya sabes, pequeñas filosofías y el estado de cosas fuera del mundo y cómo creo que es. Pero estoy bastante seguro de que incluso a partir de mis propias observaciones como artista, acostumbraba tener una enorme capacidad para poder sentarse durante largo período de tiempo prolongado en su obra. En una cosa, incluso he empezado a perder mi capacidad para hacer eso. Y apesta a lo grande, ya sabes. Por supuesto que tenía que tomarme descansos. Como dije, Ah, Ah, medida que envejece, simplemente no soy capaz. Teoh, ya sabes, empujarme hasta donde una vez lo hice físicamente, mentalmente. Pero creo que eso ya sabes, todavía hay espacio ahí para que te empujes y practiques el arte del enfoque para que puedas llevar estas ilustraciones hasta su finalización. Mucha del tiempo, tal vez hayas encontrado que sé que este es sin duda el caso para May que iniciaste ilustraciones y luego simplemente nunca llegaste a terminarlas porque te aburriste de ellas o, tú sabes, te detuviste y las pusiste y simplemente no podías volver a entrar en el espacio de cabeza en el que estás cuando inicialmente los iniciaste. Y es por eso que en realidad trato de que mis ilustraciones se hagan lo más rápido posible. Desde el momento en que los empiezo, trato de asegurarme de que no pase más de un par de días en esa idea. Entonces una vez que empecé, trato de hacerlo lo más rápido posible porque pierdo el interés. Vuelvo a perder ese Fergus si a Si no tengo ese éxito de novela que me sale de algo nuevo a la hora de crear y sacar mis ideas a través de las ilustraciones que produzco , entonces yo sólo ya sabes, yo terminan queriendo bajarlo y luego es casi como la tortura, tratando de volver a meterse en ella también, si lo he superado. Entonces ya sabes, ese es mi consejo en los tiempos modernos, donde el lapso de atención está bastante limitado para tratar de hacer las cosas lo más rápido posible . Y por eso es genial poder optimizar tu proceso de esa manera, porque eso te permite lograr justamente eso. Te permite hacer estas cosas. Entonces se puede ver aquí que estoy abordando el ladrillo en todo este edificio, y esta fue probablemente la parte más larga de todo el entintado todo este segmento en particular dentro del fondo. Y fue porque, por supuesto, de todos esos detalles que estás viendo ahí ahora, lo que notarás es un balanceado en la línea espera aquí de una manera que sugiere la caída de luz a través del frente de esta edificio, y lo estoy pensando como un avión como casi un int Grady de luz que se está dispersando por el plano frontal de este edificio en el lado izquierdo del edificio, podemos ver que se pone sutilmente más oscuro. Hay más detalles en el lado izquierdo del edificio el tono general se baja a un nivel bajado, mientras que en el lado derecho, donde podemos ver el tipo de edificio cayendo a pedazos, su y esencialmente colapsándose sobre sí mismo en un montón de escombros, podemos ver que los pesos de línea se vuelven gradualmente más delgados muy, muy repentinamente. Por supuesto, ya sabes que no hay una gran diferencia ahí, pero de repente se vuelven más delgados. Y encima de eso también vemos menos detalle. Y habrá menos detalles en esos ladrillos cerca del final. Y lo que esto también nos permite hacer es empujar la profundidad percibida dentro de la ilustración porque los tiempos más oscuros terminan mirando más cerca de nosotros que los giros más ligeros. Y parte de la razón de eso es porque la mayoría de las veces cuando miramos a un objeto lejano de fondo, esas cosas se ven más claras. Esos elementos parecen tener, este valor más ligero para ellos debido a cosas como la niebla ambiental. Y eso es lo que también crea esta idea de distancia entre un elemento a otro. Y eso es una especie de lo que está pasando aquí, o menos lo que estoy tratando de sugerir en estas tintas es que el final del edificio que está más lejos de nosotros que está retrocediendo en perspectiva es un poco más ligero debido a que no sólo el punto directo en el que la luz está golpeando sobre su superficie, pero también un poco de esa niebla ambiental que también va a ocurrir. Temprano en un nivel sutil, no hay mucho de ello. Habrá más obvio en esos edificios de fondo cuando vayamos 12 en ellos en la próxima escucha, pero por ahora, eso es una especie de lo que está pasando. Entonces algunas cosas fueron una obra de teatro aquí ya que equilibramos el detalle y agregamos en esas espera de línea donde crear profundidad y estamos tratando de que eso se encuentre. Pero al mismo tiempo, también estamos sugiriendo luz también estaban sugiriendo dónde la luz está golpeando la superficie vieja , este objeto en particular a través de las áreas que hemos incorporado, más detalle y las partes de la misma que hemos dejado esos detalles fuera por lo menos un poco más y queremos tratar de equilibrar eso tanto como sea posible. Realmente queremos dejar claras esas sugerencias a través del enfoque estratégico que estamos tomando a la implementación fuera de detalles renderizando terminar esos pesos de línea de nuevo. Mucha del tiempo, esta cosa es fácil en y por sí misma de colocar en la ilustración. No obstante, la forma en que hacemos eso y cómo y dónde esos aire, las partes difíciles del mismo. En realidad la casa es bastante fácil, pero es donde los colocamos en que tenemos que empezar a pensar y a estrategizar exactamente qué efecto y qué impacto va a tener el dedo del pie. Y así trato de ser muy reservado en los lugares en los que juego detalle. Ahora sé que podría no parecer así ya que agrego en el renderizado a estos ladrillos y articulo su texto Oring y se puede ver que hay mucha textura y pasando en estos ladrillos. Ya sabes, se ven muy viejos y en ruinas, y eso ciertamente no es de aspecto nuevo, que es exactamente como quería que se encontraran. Yo quería que tuvieran ese efecto envejecido, desgastado de ellos. Este es un edificio antiguo. Se está colapsando sobre sí mismo. Entonces para que eso tenga sentido para eso en realidad demasiado estragos, presentación sin cuidado consigo misma y espalda y creciendo. Es decir, todo tipo de encaja con lo siguiente de una manera que tiene sentido para que eso suceda que tengo que asegurarme de que los materiales que estoy renderizando sean apropiados al elemento que estoy renderizando. Y en este caso en particular, ese elemento es el edificio en el que está sentado el Gato Carmesí, y ese construir cada elemento, un activo que lo compone. A pesar de que todas las texturas de madera, toda la tubería que se está acabando por el lado de ella toda la albañilería necesita ser renderizada de la misma manera,a la misma manera, pesar de que los materiales con los que estamos lidiando un sustancialmente diferente con las tuberías . Por supuesto que tienes esto, conoces el acero, y luego tienes el techo de madera junto con las tejas de madera, que de nuevo son material completamente diferente. Y al mismo tiempo, pesar de que estamos tratando de hacer una distinción entre esos materiales, lo que casi tienen en común es y variación envejecida todo de cada uno. Muy bien, necesitamos una variación envejecida, toda la madera que estamos tratando de renderizar. Necesitamos una variación de edad fuera de la albañilería. Necesitamos una variación envejecida de la tubería de acero. No puede mirar cerca. De lo contrario no fuera tiene sentido. Y el momento en que algo no tiene sentido dentro de tu ilustración visualmente es el momento en que el público se acaba de sacar de ella. De repente, se dan cuenta, Ah, espera entera un segundo. Estoy mirando una ilustración plana aquí en una página y su inmersión. Está roto. tanto, intenta que todo lo que pueda crecer sea lo más consistente posible con el fin de asegurarse que esa inmersión para el público se mantenga durante el mayor tiempo posible. Esta es solo una sola ilustración también. Y, por supuesto, en una sola ilustración, se quiere tratar de contar toda la historia en un solo fotograma. Pero cuando estás hablando de cómics, secuencial esto se vuelve incluso mawr impactante porque de repente le estás dando al lector esta narrativa. Se lo estás presentando en un medio visual, y esta historia está interpretando a los personajes. Pero también quieres asegurarte de que te estás tomando el dedo del tiempo realmente dan a esos personajes un sentido de lugar para crear un mundo para ellos a través de los fondos que te estás quedando atrás y cuando puedes volver a hacer eso sobre todo en los cómics. Secuencial. Ahí es cuando realmente va a dar sus frutos de una manera enorme porque vas a encontrar que el tiempo que pasas articulando esos antecedentes realmente realza la historia. Es Se remonta exactamente a lo que estábamos diciendo antes de todo lo que el fondo está ofreciendo aquí para el Gato Carmesí. El contexto en el que la está colocando sería el mismo para si estuviera en un cómic real , y la estuviéramos ilustrando desde un penal el siguiente. No se trata sólo de poner a tierra al personaje para doblarse. Otorgar al público es, bueno, realmente atraerlos al mundo, asegurándose de que el vínculo entre dónde están en la historia en la que estás intentando dedo del pie los chupó es como estoy vestido y refuerzo como posibles ellos, o que lo puedas reforzar, cuanto mayor sea la experiencia va a ser para ellos, más tiempo se va a quedar con ellos y estarán absortos en tus historias. Lo volverán a recoger la próxima vez se quedará dentro de su mente. Lo pensaré ya que están tratando de irse a esta cama por la noche, y ahí es cuando de verdad te darás cuenta de que tienes un ganador sobre la narrativa, y no sólo vendrá necesariamente de la escritura. Pero también vendrá de los visuales que están ilustrando esa narrativa. Entonces nuevamente, antece 8. Entintar el fondo: en esta demostración, vamos a seguir con las tintas para el Gato Carmesí, y estamos de vuelta al fondo, llenando el resto de los detalles que conlleva. Y como pueden ver, todavía nos queda un poco justo por hacer. Pero hemos hecho algunos progresos decentes hasta ahora. En el video anterior, trabajamos en los elementos de primer plano ahí sobre los que la propia Gata Carmesí está sentada, y creo que solo crea una plataforma realmente agradable para presentarla. Y realmente llega al punto en que el fondo sirve el propósito primordialmente para complementar al personaje, el tema principal de la paz, sea lo que sea, podría ser un personaje. Podría ser otra cosa de importancia. Pero los antecedentes. A pesar de que realmente no será el centro de atención la mayor parte del tiempo porque sabes que es solo que se empuja hacia atrás. No se nota, al menos no al principio. Sí, sin embargo, realmente ayudó, también,a también, empujar el impacto fuera del tema principal dentro de la pieza. Se lo complementa. Crea un bonito marco decorativo para volver a presentar al personaje, cualquier otro tema de importancia dentro y así los fondos realmente están subvalorados por esa razón porque no se notan mucho. Pero sí traen algo de justicia para el tema principal de la paz, y creo que por eso vale la pena ir esa milla extra poniendo en el tiempo y el detalle. Tengo que decir que lo que en realidad tomó la menor cantidad de tiempo para tinta en esta pieza en particular es el Gato Carmesí, y el fondo fue realmente el gran chupón de tiempo en el que gasté más energía al final. Entonces ya sabes, y es un poco aburrido también, porque, como puedes ver, todo lo que realmente estamos haciendo aquí es detallar las cosas emocionantes que podrías pensar en dibujar como los detalles dentro de la albañilería. ¿ Cómo divertirse es eso? ¿ O el azulejo en el techo? ¿ O el grano de madera sobre los elementos de madera a lo largo de los edificios aquí que en ruinas y cayendo a pedazos? Ya sabes, estos en y por sí mismos no son súper emocionantes trabajo del dedo del pie, y así también tienes no sólo el hecho de que te va a llevar una cantidad de tiempo mucho más larga para que termines las tintas para el fondo, pero también por encima de eso, el tema no es realmente todo tan atractivo. No se va a, ah para realmente sumergirte de la misma manera que un personaje lo harías personajes o interesante. Tienen personalidad, y nos relacionamos con ellos como otras personas a partir de los personajes y cuando se trata de, ya sabes, más bien, elementos de aspecto estático como Lo que vas a encontrar reside dentro de una mayoría de cualquier fondo es, ah es sólo otra vez. Es como ver la pintura seca esencialmente excepto tu pintarla y solo tienes que seguir adelante, poniendo todos y cada pequeño detalle hasta que todo el fondo esté completo. Entonces seguimos aquí. Tenemos los elementos de primer plano hechos. Nos estamos moviendo a los elementos de fondo medio, y luego vamos a retroceder del dedo todo el camino de vuelta a los elementos de fondo lejanos y tinta el resto de eso. Al final, tanto tiempo como pases en tu obra de arte, siempre es satisfactorio poder llamarlo hecho, y cuando sabes que has metido todo en ello y realmente lo has empujado un límite que has hecho lo mejor que podrías haber hecho. Hace que todo valga la pena. Si bien sabes, en ese momento quizás no estés tan emocionado por ello. Puede que no estés tan emocionado de estar trabajando en esta cosa que te ha llevado para siempre hacer porque pierdes esa motivación. Pierdes esa emoción. Pero cuando se hace, no hay nada más bastante parecido. Es muy, muy satisfactorio. De acuerdo, saltemos al material técnico, él y hablemos de cómo estoy ejecutando estas tintas en este punto de vista, que los videos anteriores, probablemente ya sepas cómo voy al respecto. Pero estamos en clips, pintura de estudio, también conocido como mega estudio, y ni siquiera he actualizado a la última versión. Por lo que en realidad estoy todavía en mega estudio, no clips pintar técnicamente, pero funciona prácticamente de la misma manera. Y con el fin de tinta esta ilustración, ahora estoy usando el bolígrafo G. El bolígrafo G es bueno para ir, como lo es para mí. Personalmente, no siento la necesidad de tener que entrar y meterme con los ajustes y ajustar cualquier cosa. Es todo por defecto configurado y listo para salir. Creo que por eso me encanta el mega estudio, Vale, clips, pintura de estudio. Entonces Don mucho es porque viene empaquetado con todos los cepillos que necesitas. No hay razón para meterse y tener que retocar todo, y así es como me gusta. Cualquiera que sea la herramienta que esté usando para mi arte de cómics, cuanto menos tenga que meterme con ella y modificarla y modificarla, mejor. Yo sólo quiero llegar directo al pop de dibujo, y mientras pueda llegar a ese punto lo más rápido posible, entonces voy a seguir usando esa herramienta. Y, ya sabes, yo encuentro lo peor, cuyos son los que tienes que retocar cada vez que quieres ir a usarlos. Creo que eso es una especie de antigua dilación del dedo del pie. Ya sabes, como que estás aguantando ahí afuera, estás estancando tu taburete. Te estás demorando en saltar a la ilustración y estás encontrando estas razones, y normalmente si tienes ahí una aplicación con la que aún no estás muy familiarizado o tiene el potencial de que se le hagan muchas modificaciones. Entonces te aguantarás en hacer realmente lo que importa, que es ejecutar la ilustración y completarla y meterte con esos ajustes, jugar con ellos y realmente sentir que estás siendo productivo sin tener realmente cualquier cosa que mostrar por ello. Entonces, sí, quiero decir, para mí, al final del día, si puedo encontrar una herramienta que no requiera ningún ajuste que venga listo para salir del paquete, estoy todo a favor de eso. Y la pluma G realmente hace eso por mí. Entonces yo solo estoy usando eso y la forma en que estoy tendiendo las líneas, él puede ver que típicamente trato de llegar a tiendas muy finas, muy elegante buscando líneas que no tienen mucho grosor para ellos. A menos que yo quiera eso, por lo general van a ser bastante delgadas, y la forma en que les consigo fuentes, entonces, es simplemente ajustando la cantidad de presión que estoy aplicando en conjunto con este tamaño del pincel que estoy usando. Entonces si quiero enviar una línea, simplemente aplicaré menos presión y usaré un tamaño de pincel más pequeño si quiero una línea oscura bonita, gruesa, negra. Entonces subiré el tamaño del pincel y no Preston Hatta. En realidad es bastante simple. Es como usar un bolígrafo tradicional o un lápiz tradicional. ¿ El cómo presionas la oscuridad de la línea y la más gruesa? Va a ser cuanto más denso aparezca en la página. No obstante, en total contraste con eso, el montón de ustedes presionan y el más pequeño que cepille más fina y más desmayada terminará siendo la línea . Y me gusta el trabajo de línea muy intrincado, detallado. Entonces sí trato de monitorear constantemente exactamente cómo viene la alineación. ¿ Sabes cómo aparece la salida como en la página? A veces conseguiré la línea que bajé enseguida y estaré totalmente contento con ella, y la mantendré. No obstante, mayoría de las veces, ese no es el caso. La mayoría de las veces, me puse en una fila. Échale un vistazo. Probablemente no voy a estar contento con ello. Entonces le daré al viejo botón de deshacer y le daré otra oportunidad. Esa es la belleza de trabajar digitalmente también lo es. Puedes si cometes un error fácilmente dentro de un solo clic de botón. Tengan otro ir en ello, inténtalo y hazlo un poco mejor. Por eso creo que trabajar digitalmente realmente sí te permite cortar todas las excusas y hacer tu mejor trabajo. No tienes que necesariamente tratar de que esos errores funcionen por ti. A la larga, puedes volver a repetirlos por completo, deshacerte de ellos, hacer otro intento que ojalá sea un poco más exitoso. Y así es la forma en que me gusta pensar al respecto. Por qué trabajo digital ahora y no he mirado atrás como faras las formas tradicionales de trabajo que solía emprender. Y solía ser un artista tradicional. Solía usar el viejo A lápiz y papel y un cuaderno de bocetos, y tenía mi línea fina unos bolígrafos, y hago mi obra de arte de esa manera, excepto que simplemente no me pareció tan flexible. No, cuando estás trabajando, tradicionalmente, estás algo confinado a las herramientas que tienes en esas herramientas, tienes limitaciones que a veces no te permiten trabajar en otra, más manera. Y eso es lo que más me gusta de lo digital. ¿ Está tan optimizado? Es tan rápido, puedes conseguir que las cosas se hagan con una cantidad mínima de líos y y si cometes errores , lo alientan un fijo. No hay todo un lío con el que tengas que lidiar. A diferencia de si trabajas tradicionalmente y arruinas a los yanquis, entonces sabes que tienes que sacarte el ancho y luego tienes que ir por encima de las tintas y luego vas a saber, ojalá volver sobre eso el blanco fuera entonces, y hacer una línea mejor cuando pudieras. Si sólo traduces eso a digital, solo tienes que pulsar ese botón de deshacer y y boom. Entonces es una pizarra limpia. Ya estás listo para irte otra vez. Entonces ya sabes, son las preferencias personales de todos a cómo funcionan. Recuerdo cuando empecé a trabajar digitalmente, fue muy incómodo. No me gustó. Estaba realmente acostumbradoa trabajar con bolígrafo y papel. Y así acostumbrarse realmente a poder trabajar digitalmente tomó algún tiempo y cierta familiaridad. Tenía que presentarme a lo digital, conocer cómo funcionaba y ponerme cómodo trabajando dentro de ese medio para construir mi confianza para poder mejorar y poco a poco crear un proceso para mí que funcionara realmente, realmente bien. Eso me permitió lograr lo que intentaba lograr. Y, señor, creo que mucha parte del tiempo de lo que significa ponerse bien en el arte del cómic es solo conocer tus herramientas, conocer lo que tienes a tu disposición y a ti mismo como artista, cómo te gusta abordar las cosas e incluso tu proceso general, cómo te acercas a eso por mí. Si viste alguno de mis videos, te darás cuenta de que tengo un proceso bastante sólido abajo que tienen más completo todas y cada una de las veces. Independientemente de la ilustración en la que esté trabajando. Podría tener dos ilustraciones completamente diferentes y se les abordará exactamente de la misma manera, y esto me permite formar algún nivel de previsibilidad dentro de la forma en que trabajo. Me permite pensar en la idea que quiero manifestar en la página y luego me da un plan de juego que puedo poner directamente en acción con el fin de empezar a darse cuenta de esa idea con el fin de empezar a traerla. Y sé que mientras estén plenamente ese proceso vendrán un punto en el que yo pueda llamar a esa ilustración hecha. Y tiene una buena oportunidad de realmente trabajar de una manera que pretendo que termine . Entonces no hay un montón de conjeturas y de mí, creo que como artista que realmente quiere hacer lo mejor de mí para producir el mejor entrenamiento que pueda y para producir mucho de él, necesito tener esa tranquilidad de que va a funcionar, que si voy a volcar en ella esta enorme inversión de tiempo y energía en producir yo una idea de que va a funcionar, que este proceso que estoy siguiendo va a llevar a cosas buenas, que va a llevar al desenlace que yo estoy buscando. Y así el proceso de todos va a ser diferente. He desarrollado mi propia forma de trabajar y sin duda desarrollarás tu urna. ¿ Cómo vas a hacer eso? Bueno, inicialmente trabajarás de otros artistas, al igual que el video que estás viendo en este momento. Te vas del dedo del pie, aprende algunas cosas de eso le quitarás algo. Ojalá, aunque sea solo más pequeño, podría no ser el proceso completo que quizá no resuene contigo. A lo mejor no te sienta bien, y eso es lo que importa. Tienes que encontrar lo que te sienta bien primero y ante todo. Y una vez que seas capaz de hacer eso, es cuando empezarás a tener no sólo un proceso con el que puedes esforzarte hacia el resultado final fuera de tu idea, sino también encima de ello. Lo optimizarás. Lo modificarás, y lo harás para llegar más rápido, para llegar a ese punto final más rápido en una cantidad mínima de tiempo con una cantidad mínima de energía fin de aumentar la precisión de tu ejecución para que puedas tomar incluso mawr conjeturas y no dejarlo fuera de ella y no dejarlo al azar todo el tiempo, lo cual creo, ya sabes. Si dejas las cosas al azar y no funciona, puede ser realmente, realmente desalentador. Y no hace que quieras seguir persiguiendo lo fuera de la ilustración de cómics, porque cuando pierdes en una inversión de tiempo y energía como esa es lo último que quieres hacer es volver atrás y volver a intentarlo. Nadie quiere hacer eso porque es solo que está derrotando. Y una vez derrotados, se necesita una increíble cantidad de motivación para volver a subir al caballo y seguir adelante a esforzarse hacia adelante y superar tus derrotas y pasar a convertirse en un mejor artista para ello. Eso puede ser realmente difícil de hacer. Pero es parte de la batalla y desafortunadamente, todo demasiado familiar para la mayoría de los artistas por ahí que han, ya sabes, pasado por esas pruebas y tribulaciones y creciendo a partir de ella evolucionó más allá de donde estaban a sólo debido a los errores que cometieron en el camino. Entonces esto es algo a tener en cuenta, sobre todo si apenas estás empezando y aún no has desarrollado un enfoque todavía , probé algunas cosas diferentes. Experimentar, Vea lo que funciona para usted. Ve lo que se siente bien para ti. Podrían ser las cosas que no has probado que no pensaste que te funcionarían las que más te sorprendieron porque terminan haciendo click de una manera que nada más tiene antes y cuando confinó un proceso que realmente lo hace, Siento que eres tú, como se siente bien para ti entonces Ott y crearlo se convierte en esa experiencia mucho más divertida . Derivas placer del propio acto de creación, y cuando puedes llegar a ese espacio, ahí es cuando te conviertes en un artista increíblemente poderoso donde simplemente no puedes parar. Ya sabes el momento en que te sientas a la mesa de dibujo y comienzas a trabajar en el momento que el stylus golpea la tableta o si trabajas tradicionalmente, en el momento en que ese lápiz de panel golpea el papel, las horas simplemente se escapan. El tiempo ya no es algo que estás monitoreando a nivel consciente. Estás completamente y 100% sumergido dentro del acto de creación, y ahí es cuando más productivo. Y también es cuando vas a hacer tu mejor trabajo. Y déjame decirte, es un gran lugar para estar, y es uno que me esfuerzo por lograr todos y cada uno de los días cuando me siento a hacer y trabajar en una ilustración como la que puedes ver juntando justo aquí frente a ti. Como dije, antes cuando estoy pensando en un fondo como este que tiene elementos de aspecto bastante aburrido dentro de él. Ya sabes, yo solo estoy detallando estos ladrillos, uno del otro ladrillo a la vez. Y sí llegan algunos puntos donde eso es todo en lo que estoy pensando. Solo estoy pensando en hacer que el próximo ladrillo se haga. No estoy mirando demasiado adelante a los mil millones de ladrillos más que tengo que hacer. Yo solo estoy a favor de invitarme a hacer ese próximo descanso, y luego voy a hacer ese y no me muevo al siguiente y al siguiente después de eso. Y a veces miraré hacia atrás el progreso que he hecho y ojalá no me vaya a desanimar de eso. Esperemos que en realidad haya hecho un poco de progreso bastante justo, pero no me gusta detenerme en cuanto más trabajo tengo que hacer antes de poder llamar a una ilustración hecha, porque eso puede sentirse muy desesperada en mucho tiempo con el fin de mete la cabeza en el espacio adecuado que tiene que ser y realmente quieres tratar de asegurarte de que estás controlando lo mejor que puedas, la dirección fuera de tus pensamientos con el fin de mantener una buena cantidad de impulso y motivación así que te puedes empujar para conseguirlo. Porque si te quedas atascado en la enorme cantidad de trabajo que aún hay por hacer antes de que puedas llamar completa la ilustración y pasar a lo siguiente, te va a hacer querer rendirte ahí mismo. Y entonces que, por supuesto, lleva a conocer la productividad hace. Realmente no equivale a nada si solo te rindes por lo que quieres probar dedo del pie a través mawr? ¿ Más carbón bajo el fuego lo mantendría ardiendo lo mejor que puedas, aunque sea necesario? Ya sabes, mentirte a ti mismo. Dime a ti mismo que lo estás haciendo muy, muy bien y eso , oye , ya sabes, tal vez hay un poco más por hacer, pero has hecho mucho hasta ahora. Sea lo que sea que tengas que decirte, hazlo y ojalá sigas empujando a Ford. Mantén esa chispa Nice Inlet y lleva tus ilustraciones hasta su finalización, porque muchas veces lo que termina pasando es y artista hará la mitad las cosas, y sé que esto me pasó. Una mirada atrás en el día es que empezaría en ilustración y estaría yendo realmente, muy bien. Y entonces me aburría de ello o simplemente no estaba funcionando de la manera que esperaba que funcionara, y termino sin terminarlo. Y tarde o temprano, me meto en el hábito de no terminar las cosas. Y antes de que me dé cuenta, está toda esta pila de dibujos medio terminados que nunca ha visto la luz del día. Realmente nunca tuvieron la oportunidad de convertirse en el epítome de lo que podrían haber sido. Y así creo que siempre es un valor. Si bien una habilidad para desarrollar junto a tu habilidad para cajar una tinta en color es intentar realmente a Herne la mentalidad de unos artistas poderosos, imparables que termina todo lo que comienzan. Entonces ahora nos estamos moviendo bajo los elementos de fondo lejanos, y aquí se puede ver que se acercan a eso. Estoy tomando ism, delineando la forma general de ese edificio en el telón de fondo ahí, simplemente noqueando las formas principales, y la razón por la que estoy haciendo eso es porque las formas mayores los contornos exteriores son bastante vaga, como es, se puede ver que han usado unas líneas muy sueltas, de aspecto boquiabierto ahí para hacerlas tramoteadas solo para meterlas ahí para ver en general lo que puede implicar la composición. Y después de eso, voy por encima de la parte superior con mi pluma, y estoy delineando las líneas finales que ellos que los representarán que definirán esos elementos de fondo. Y encuentro que si solo puedo delinear las formas mayores primero, y puedo trabajar mi camino en, podría empezar a llenar esos detalles interiores, y como que tengo una buena idea en cuanto al espacio en el que voy a estar confinado como yo llene esos detalles en como los renderizo. Y supongo que, en cierto sentido, sí trato de enfocarme sólo en un área a la vez. Entonces delinea un área y luego dentro de esa área llenará los detalles en lugar de saltar por todo el lugar. A mí me gusta romper una ilustración de esa manera para mantenerla manejable, para asegurarme de que no me vuelvo a abrumar. Mantenerse diciendo en estas vory una larga ilustraciones dibujadas es algo que te va a beneficiar de una manera enorme. Y se puede ver especialmente cómo eso sería cierto si se está trabajando en un cómic completo, por ejemplo, porque un proyecto como ese que continúa durante meses posiblemente quién sabe cuánto tiempo, dependiendo de cuánta pasión tengas para un cómic y tómese un tiempo muy, muy largo. Pero sí quieres tratar de manejarlo y dividirlo en trozos pequeños, y eso puede ir por un cómic completo. También puedes ir por una sola ilustración como la que estoy trabajando aquí, y sí me gusta mantener mi proceso compartimentado de esa manera. Me ayuda a hacer un seguimiento de todo, ya sabes, haciendo el esquema ahora mismo, y en eso estoy enfocado no están enfocados en nada más. No me preocupan los detalles todavía ni el anillo de textura de los materiales. Simplemente me preocupa el contorno mayor, y mi mente no se aleja de eso. No se extiende más allá de ese paso particular dentro del proceso, y así puedo jugar. Entonces mi atención justo en ese singular paso y puedo hacer un buen trabajo de ejecutarlo porque mis intenciones no se dividieron en toda la ilustración y todo lo que voy a tener que incorporar en ella. Soy capaz de simplemente hacer realmente un trabajo fantástico y asegurándome de que, por ejemplo, este esquema se vea realmente, realmente tienda, que esos contornos y bien definidos que el trabajo de línea está limpio, slick y luego una vez hecho eso, puedo pasar al siguiente paso y encuentro que si me mezcla las cosas, si empiezo a pasar a un paso cuando no he terminado el anterior antes, termino simplemente perdiéndome. Me desoriento en mi propia manera de trabajar, y termino sufriendo de una manera grande porque yo solo trabajo. Entonces me desencantan en cierto sentido porque no tengo una idea sólida en cuanto a la dirección en la que voy con ella. Ni siquiera sé dónde estoy dentro del proceso, y así para mí, se siente como una sensación muy similar a estar perdido, y no me gusta perderme. A mí me gusta mantener todo en jaque para que puedas ver. Estoy trabajando en el diseño de esta carátula de reloj que quiero en este edificio, y estoy tratando de llegar a algo bueno. Tengo algunas referencias con las que estoy trabajando para llegar a una cara de reloj realista, convincente, una que va a parecer atractiva cuando va a tener sentido. Y estoy tratando de replicar eso en la ilustración aquí, y espero que sí funcione y que cuando siempre lo dije y lo hice se parezca a lo que se supone que debe verse. Y creo que cuando se trata de ilustración de cómics, eso es todo lo que siempre podemos esperar es que sea lo que sea que estamos tratando de representar dentro nuestro arte, se está encontrando con el espectador en la forma en que lo entendemos porque un mucho de esto es realmente se reduce a la interpretación subjetiva e idealmente porque sabemos que porque sabemos que nuestro arte se va a procesar de esa manera. Queremos tratar de asegurarnos de que todos la interpretación subjetiva sea justa, bueno lo mismo que es lo mismo enorme, un sentido objetivo de que todo el mundo está viendo lo que es estamos mostrando de la misma manera, porque si son todos interpretando en un montón de maneras diferentes, entonces eso puede dejar mucho al azar. Y tal vez nuestra idea no se está encontrando del todo de manera efectiva. Y eso puede, por supuesto, hacer que se pierdan en interpretación y traducción, nuestra capacidad para traducir nuestra idea y para ellos, el público, poder procesarla de una manera en la que se va a ser coherente, que va a ser eficaz, porque ¿por qué más hacemos esto? Bueno, estamos tratando de crear un mensaje. Queremos enviar ese mensaje. Puede ser en un medio visual, Sí, pero quiero decir, al mismo tiempo ese medio visual es como vaso de comunicación, al menos en este contexto particular. Por lo que queremos asegurarnos de que el mensaje sea claro, que esté llegando al público de la manera correcta y de que lo estén consiguiendo. Y si pudieras hacer eso, cuanto mejor estés haciendo eso, más efectivo vas a ser. Como artista de cómics, como ilustrador en general, en cualquier medio en el que estés trabajando, y esto se aplica a las películas. Se aplica a los cómics que reproducen los videojuegos que se aplica a la ilustración en general, sea lo que sea. Sea cual sea el visual que intentes mostrar a tu público, asegúrate de que se presente de una manera que realmente sí consiguen que entiendan a esas personas, las personas, les gusta, eso. A ellos les gusta poder mirar algo y conseguirlo casi al instante. No quieren tener trabajo de dedo para ello. Y si haces que funcionen para ello y hay una buena posibilidad de que se vayan a desconectar , porque para que trabajen en primer lugar, tienen que ser invertidos. Va a haber algún punto de gancho ahí dentro para dibujarlos en primer lugar. Por lo que quieres asegurarte de que tienes un buen imán. Soy imán. Se podría decir que eso es llamar su atención en primer lugar si tienes algo un poco más matizado que estás tratando de transmitir dentro de tus ilustraciones. Entonces voy a entrar y estoy colocando en el albañilería en este edificio de fondo de incendios y lo que notarás, y de verdad quiero señalarte esto porque esto es lo que nos permite crear la ilusión de profundidad dentro de nuestro fondo ilustraciones. Es que los frenos que estoy tendiendo aquí, una realmente sólo delineada no hay nada cerca del nivel de detalle y la complejidad que hemos visto a lo largo del resto de la ilustración. Incorporados a estos ladrillos de fondo de fuego que pueden ver en el medio suelo ahí que tenemos un montón de anillo de textura y, ya sabes, son, um, efectos de daño que hemos aplicado en fin de realmente conseguir que ese material de ruptura se comunique visualmente. No obstante, en el fondo de fuego aquí, hemos tenido que tontear eso un poco. Hemos tenido que sacar mucho ese detalle porque, por supuesto, lo estamos mirando desde lejos aquí y en realidad, todos esos detalles intrincados no serían visibles a simple vista. Y si tratáramos de meterlos en esos descansos todo el camino allá atrás, lo que termina pasando es que sólo sería así de copioso. No soy un nous ocupado percibido ocupado nous visualmente que estaba pasando que simplemente no necesitaba estar ahí, y todo lo que haría es crear una congestión visual, congestión visual que parecía relativamente poco favorecedora y, honestamente, había atenuado demasiado el tono. Cuanto más detalle agregues en algo, más va a bajar su nivel de valor. Se va a mirar del dedo del pie y aparece como un tono más oscuro, mientras que dejas ese detalle atten y atraerá más ligero. Después los cinco antecedentes. Notarás que en general, muchos de los elementos que están presentes dentro de él van de pie. Aclararse por la niebla ambiental y neblina que termina diluyendo mucho los colores y todos los detalles y muchas de las veces que vas a ver. Entonces eso es lo que se encarga de dar esto, permitiéndonos crear esta ilusión fuera de distancia entre un objeto de fondo en comparación con otro. Por lo que los elementos de primer plano ahora se ven como ellos mucho más cerca que estos elementos de fondo por la forma en que hemos equilibrado en estos detalles. Y entonces eso es algo que, si puede usarlo de manera efectiva, va a dar a tus ilustraciones esa mucha más profundidad. Y mencioné que les va a hacer parecer tridimensionales y atraer aún más al público hacia ellos. Esa tres dimensionalidad, cuanto más pueda incorporar eso a su obra de arte, más encontrará que la inmersión comienza a aumentar en su potencia, y el público está absolutamente encapsulado que están absortos dentro su trabajo en un nivel completamente nuevo. Y eso es en última instancia todo lo que siempre intentamos crear cuando se trata de cómics, sobre todo porque se trata de dibujarlos en una historia de narrativa visual. Y así estás tratando de mantenerlos dentro de este mundo que has fabricado. Es fantasía completa, ficción completa. Y así imagina ser tan eficaz en estas cosas que eres capaz de arrojar hipnóticamente a tu público en un trance que los sostiene dentro y hace que algunos se sientan como parte de él. Ese es un súper poder mágico en y por sí mismo. Y es realmente el arte de la ilustración de cómics lo que estamos haciendo y haciendo todo lo posible para lograr todas y cada vez que ponemos lápiz a papel. Eso es realmente lo que el objetivo principal está aquí, y eso es lo que siempre me esforzo constantemente por hacer dentro de mi propio trabajo, y ojalá veas cómo se produce y que pueda impartir parte parte parte de esa información sobre ti. Pero para poder procesar realmente, absorber lo que es, te digo, tienes que probarlo por ti mismo la próxima vez que vayas a ingresos. Una ilustración, sobre todo una que tenga antecedentes, haz lo posible para intentar incorporar un poco de profundidad extra en ella, utilizando los consejos de las técnicas que han compartido contigo en este video. Entonces ahora lo que estoy haciendo es volver sobre el personaje, y estoy aumentando la pesadez, el grosor de los contornos exteriores de su cuerpo para que se destaque de más desde el fondo. Incluso estoy agregando en estas sombras de caída adicionales para hacerla salir adelante de ese triunfo de espalda . Y eso también va a aumentar la cantidad de profundidad percibida dentro de la ilustración. Los pesos de línea son excelentes para esto. Cuanto más puedas aumentar el grosor, el peso fuera de la línea, más va a enfatizar ese elemento en particular que estás delineando. Y cuando se trata del personaje, cualquiera que sea el tema principal que esté dentro de tu ilustración, eso es por supuesto, algo que quieres hacer lo mejor posible para hacer. Está bien, Entonces Pero agregando algunas chimeneas a la parte superior sobre esta chimenea mucho más grande. Algunas pipas aquí que ah, ya sabes, saldrá algún humo tal vez, Pero de nuevo, se puede ver que empiezo con ese esquema básico que va a abarcar esta forma, todo el elemento que estoy entintando. Y luego empiezo a sumar en los detalles, agregando en esas texturas, y que notaste que incluso los pequeños detalles que han agregado ahí que ahora estoy renderizando en tienen pesos de línea aplicados a ellos con el fin de indicar el dirección de iluminación para que se vean sangradas en este material metálico oxidado que estas chimeneas y hicieron fuera . Y se puede ver que el renderizado en combinación con la línea esperó formas que han cubierto en estos dos elementos cilíndricos de chimenea. Uh, lo que me está permitiendo capturar esa nitidez estaba en el material. ¿ Qué me permite transmitirlo en primer lugar? Desde lejos aquí? A medida que salí ahí mismo, toda la ilustración lee muy, muy bien, y parte de la razón de eso es un roto con todos estos diferentes contrastes ing ida y vuelta motas de blanco y negro valor, y ese valor en blanco y negro es lo que me permite crear este bonito, descifrador de hierbas Patton que ayuda a que la ilustración se vuelva mucho más legible. Se puede ver hacia el lado derecho de la pantalla en el Navegador Penhall, donde obtenemos esa linda mirada, zoom hacia fuera a la ilustración en su conjunto. Se puede ver cómo todavía se puede distinguir lo que está pasando. Se puede ver dónde está el personaje. Se puede ver con su fondo los edificios residen, y esa es una buena señal de que has equilibrado esos valores dentro de tu ilustración con una buena cantidad de contraste y que la ilustración, la composición general es realmente, realmente trabajando. Bien dicho, Ahora voy a entrar y estoy trabajando en la luna. Eso va a proporcionar la mayoría de la luz dentro de esta ilustración, cual verás aplicada en la etapa de coloración. Pero por ahora, solo se trata de conseguir que el dedo del pie lunar se ajuste en general, de la forma en que se representa con el resto de este estilo. Podría haber dejado esto bastante simple. Pudo haber sido simplemente en un círculo plano que estaba algo iluminado en iluminado en la etapa de coloración, pero realmente quería agregarle algo de textura. Y no siempre va a estar claro es el dedo del pie cómo debes ir a convertir y traducir algo así como una luna o cualquier otra cosa, para el caso, a un formato estilo de cómic. Y podría ser representado de tantas maneras diferentes. Y en última instancia se reduce a usar al artista y tus propias preferencias a eso, tu propia idea del infierno, algo así como una luna o Otra vez cualquier otra cosa debe ser transmitida dentro de un contexto de inicio de cómic . Pero la forma en que lo descubrí por mí mismo es observar de otros artistas, y miré la obra de Gregor Polar de le dijo a McFarlane, y recuerdo que atrás cuando Gregor Polo y le dijo Trabajamos en el Spawn, Siri está juntos. Algunas de las portadas de cómics donde engendró se presentaba tendrían esta luna en el telón de fondo, y siempre me encanta la forma en que representaban a la luna y la forma en que incorporaban esta bonita cantidad de detalle y textura que ayudaron a mostrar la superficie cráteada toda la luna. Y entonces eso es algo que estoy tratando de incorporar a mi propio hombre, porque me gusta mucho esa mirada, en mucho tiempo. Como dije antes, apenas está por debajo de la preferencia. Entonces si alguna vez estás atascado y te preguntas, ¿cómo debo Seguro qué es lo que estoy tratando de mostrar. Tan solo pregúntate, ¿Cómo te gustaría estar mostrando y luego seguir junto con esa exportación que ver lo se puede llegar? A lo mejor no hay un artista ahí fuera del que puedas trabajar. A lo mejor simplemente no puedes encontrar un gran ejemplo que resuene contigo personalmente que eso va a funcionar para la ilustración que estás creando. Y en ese caso, eso simplemente significa que tienes que experimentar. Tienes que salir de una extremidad y ver con qué se puede llegar a través de nada más que el proceso de exploración. Y sabes que hay accidentes felices donde intenta algo sin ninguna expectativa. No estás seguro si se va a trabajar con el dedo, pero lo haces de todos modos. Y luego te sorprendiste gratamente porque como acaba de suceder, es lo mejor que podrías haber hecho, y funciona perfectamente bien y lo que funcione. Por lo general vas a encontrar que te pegas con él y lo incorporarás a tu proceso en tu enfoque cada vez que haya después. Y eso es lo que creo que te ayuda a desarrollar un estilo al final. Eso es lo que te permite convertirte en los artistas en los que te vas a convertir. Pero hay que ser lo suficientemente valiente como para salir del supuesto a veces y dar el salto. Y realmente confío en eso. Ya sabes, cuando te golpees al suelo, vas a terminar con algo que te va a funcionar bien. Cualquiera, si no lo haces aunque no lo dejes. El más malo experiencia fuera aprender fuera de ponerte ahí fuera o fallar peor viene a peor ¿verdad? ¿ Cuál es lo peor que podría pasar? Podrías fallar, pero sin embargo al mismo tiempo, incluso eso es un regalo porque es tanto que se puede aprender del fracaso. Eso es lo que te mantiene en los dedos de los pies. Eso es lo que brilla una luz sobre las áreas que podrías mejorar con el fin de llevar tu juego de cómic fuera al siguiente nivel y así sólo tiene que seguir adelante y sigues empujando hacia adelante. Eso lo conseguirás. Eso se puede ver. Yo sólo traté de renderizar los cráteres de esa luna, y no funcionó para mí, por alguna razón u otra. Simplemente no me gustó la forma en que iba a terminar. En última instancia decidí eso. Oye, ¿sabes qué? Voy a borrarlo, y voy a probar un enfoque diferente. Y ahora vuelvo a dar la vuelta al contorno y estoy tratando de arreglarlo y sentir que esta Luna es un poco inestable. No es perfectamente circular, y podría haber hecho las cosas fáciles para mí mismo simplemente usando la herramienta eclipse desde el principio. Pero me gusta el reto, la forma en que me acerco a estas cosas constantemente porque siento que cualquier atajos que tomo realmente no me va a ayudar a progresar. No me va a empujar hacia adelante para convertirme en un mejor artista. Ahora que por lo general viene un punto en el que solo me rindo y decido usar la herramienta eclipse todos modos, y yo Pero ya sabes, yo todavía intenté lo mejor que pude. Probé dedo del pie eliminar las debilidades dentro de mi enfoque luchando luchando luchando contra la madera. Entonces ahora vamos a tener otra grieta en esto. Voy a intentar renderizar esos cráteres otra vez. Y esperemos que esta vez un Randall tenga mejor suerte. Pero se puede ver que cometo errores todo el tiempo. Muy, realmente lo es. Es la navegación suave para mí incluso. Y he estado dibujando desde hace mucho, mucho tiempo. Y creo que parte de conseguir mejor parte de ganar experiencia eres realmente tú. Simplemente estar bien con cometer errores es realmente solo cuestión de ponerse cómodo sabiendo que hay una buena posibilidad de que te vayas a estropear. Y eso está bien. Te has molestado que eso esté bien. Eso es, bueno, sólo eso es parte de ello que viene con ser artista de cómics, incluso para un más pobre. Y no digo que sea pro por ningún medio, pero ¿qué es lo que crees que los mantiene en marcha? Son esos momentos fuera de ser humildes, siendo humildes por sus propios errores al intentar algo que pensaban que sabían que podían ejecutar sin problema y luego fallar en ello. Y cuando eso sucede, es un regalo berlian porque te mantiene de compras, Mantiene el ojo en el balón y te recuerda no dar por sentada la distancia que has venido, cual puede pasar tanto. Y dependiendo de dónde estés fuera en lo correcto y de cómo tal vez acabas de empezar, es posible que apenas tengas alguna habilidad y experiencia en absoluto. Puede que tengas muy mínimo y conocimientos en el arte de los cómics, pero y puede que esté sentado ahí yendo, Bueno, ya sabes, está bien. Yo sólo quiero ponerme bien. Si yo sólo pudiera ponerme bien, eso sería genial. Pero ya sabes, cuando te pongas bien, recuerda que seguirás siendo importante encontrar cosas para desafiarte, porque de lo contrario te volverás complaciente y complaciente es el asesino de toda productividad, horrible crecimiento. No quieres llegar a ser complaciente. Nunca quieres quedarte satisfecho con dónde te encuentras. Minuto es realmente genial a ciertos aspectos de mi obra de arte que adoro y amo absolutamente ahora que sólo podría haber soñado alcanzar cuando empecé por primera vez, ya sabes, soy capaz de dibujar casi cualquier cosa que quiera, y eso es todo lo que realmente quise. era poder crear y sacar al mundo mis ideas, no importa qué idea vaya y eventualmente pude hacer eso. Pero ahora hay cosas que han surgido cosas nuevas y me desafían de una manera diferente donde ahora es más de, Ah, Ah, a veces lo de la motivación. A veces realmente tengo que encontrar una manera de simplemente mantenerme motivado. A veces es cuestión de dedicarme realmente y quedarme con ello, realmente empujarme hacia adelante. Él puede ver ahora que he ido adelante aquí y estoy intentandoal falso mi capacidad de dibujar un círculo usando esencialmente una plantilla. Y estoy trazando alrededor del borde exterior para que parezca dibujado a mano. Y sabes que tengo. Pero también estoy haciendo trampa en el camino. Al final, hay que equilibrar los atajos que estás usando con el resultado final y una de las razones de por qué trato de evitar usar el eclipse a él. A veces sólo parece don limpio. Pero de nuevo, lo que estaba diciendo es, 9. Colorear: esta demostración voy a seguir adelante de los videos anteriores en los Siri's de Gato Carmesí , donde entramos, y ahora es el momento de añadir un toque de color a esta ilustración. Ahora, como siempre, el primer paso en este proceso es disipar en los colores base. Esto se conoce de otra manera como el proceso de aplanamiento, porque aquí sólo estamos tratando con torrentes planos Hugh, lo que significa que no cambia en cuanto al nivel de colores de oscuridad o ligereza. Es sólo una mitad del tiempo. A mí me gusta pensar en ello como a media vuelta de todos modos, cuando estoy cayendo en estos colores base porque en última instancia estaremos sobre la parte superior vieja, estos pisos, agregando en un color de sombra base y luego un color de resaltado bajo. Eso, en teoría, significaría que esta primera etapa sería el proceso de colocar en los tonos medios. Y los tonos medios es solo un tono neutro, todo el color que queremos ir con para nuestro personaje y la escena circundante, pues en este caso particular estamos tratando con una ilustración de personajes que tiene un fondo y que realmente es más tarde por la pista, va a agregar un mayor sentido del estado de ánimo ilustre ilustración que también realza la sensación que tenemos cuando estamos viendo esta presentación y el personaje también, porque le está dando algún contexto encima de todo lo demás. Entonces a medida que paso por aquí y coloco en estos colores basados en capas individuales separadas, que se colocan en una capa agarre una base de colores etiquetados, como se puede ver hacia el lado derecho de la pantalla en el panel de capas. Lo que intento hacer es asegurarme de que todos y cada uno de los colores que estoy agregando a esta escena jives bien juntos. Quiero asegurarme de que cada color se sienta al lado de su vecino de manera complementaria. Ahora, para poder hacer eso, querrás tener un poco de conocimiento de fondo en teoría del color. Pero no tiene que ser ALS lo que avanzó, lo creas o no, porque la mayoría de las veces sólo tenemos esta intuición natural en cuanto a qué colores van bien juntos , y qué colores durante, y la razón que vengamos construidos con esa capacidad de poder decir qué colores van a chocar es porque amenazan toda nuestra vida en el mundo que nos rodea. Hemos estado viendo estas combinaciones naturales y complementarias de color ocurren en la naturaleza. Cuando lo piensas solo a través de la observación pasiva, seguramente ya habríamos recogido algo. Y es por eso que sin duda podemos decir cuando se trata de mirar una ilustración que sí contiene colores que realmente alejan a mawr. Entonces están agregando, Por eso somos capaces de decir que simplemente no se ven bien el uno al lado del otro. Deberíamos poder al menos decir qué colores sí van bien juntos. Y así muchas veces quiero saber siempre, inmediatamente como puse abajo el tono medio, el color base plana en la página, si va o no el dedo del pie funciona bien. Pero eso está bien, porque todos estos colores basados se están colocando en dos capas separadas, lo que significa que puedo subir al menú desplegable de imágenes en la parte superior de la pantalla, hacer clic en ajustes y retuitear, el tono, el brillo y cualquier otro aspecto viejo ese color que necesito, para que efectivamente encaje con los demás de una manera complementaria, estéticamente agradable. Todo el propósito de colocar en estos colores basados primero y ante todo es asegurarnos de que tenemos un esquema de color fantástico que va del dedo del pie funciona bien del que podemos construir , ya que más tarde renderizamos las formas del en los diversos elementos de fondo contenidos dentro de la ilustración. Ahora, la otra cosa que quiero mencionar aquí es el tipo de pincel que estoy usando toe lay en estos tonos base porque puede ser dependiendo de tu nivel de habilidad y tus conocimientos en arte digital, puedes ser preguntándose qué es eso ahora. Yo estoy en tienda de fotos aquí. En el pincel que solía poner en estos tonos base hay un pincel plano, borde duro, deborde duro, completamente opaco. En otras palabras, no es ver a través de lo que sea. El color está saliendo sobre el lienzo en la capa que he especificado a toda su potencia. No se le aplica opacidad ahora. En ocasiones encontrarás que hay pinceles como el que estará usando para colocar en las sombras en los reflejos que sí tienen un cierto nivel de opacidad aplicado a ellos. Cierta cantidad de ver a través de nous o caerse. Eso nos permite mezclar las sombras y los reflejos en estos tiempos base un poco más fácil en base a la cantidad de presión que estamos aplicando a nuestro estilista mientras trabajamos. Pero realmente no uso otros pinceles además de tal vez tres o señor a lo largo de todo el proceso de coloración. Tengo un pincel tipo pintor que utilizo para renderizar las formas y un aerógrafo, que utilizaré a la hora de caer en el punto culminante sobre colores de superposición tardíos y sombras . Pero aparte de eso, es solo este cepillo de bordes duros, completamente opaco que estoy usando para colocar en estos colores base. Y entonces es solo cuestión de, en esta etapa mantenerse dentro de las líneas. Esa es realmente la única otra consideración que hay que hacer aquí. Y si creciste con colorear en libros como yo sabías en estos días, estoy seguro que los niños tienen actividades mucho más interesantes y estimulantes para participar, como los videojuegos y las redes sociales de instagram en general. Pero atrás en el día, el día en que todo lo que realmente teníamos que hacer cuando nos aburríamos era completar nuestro color en libros e intentar que se vieran lo más bien que pudiéramos conseguirlos o construir una casa cubby en el patio trasero o algo así. Es así como practicamos, asegurándonos de que nos manteníamos dentro de las líneas. Y ese es realmente el objetivo aquí, asegurándose de que todos estos giros planos de color base permanezcan dentro del área especificada en la que queremos que estén en que no se estén derramando fuera de los límites. Ahora he caído de nuevo hacia abajo para centrarme en el fondo, y se puede ver que estoy cayendo en algunas nubes al cielo para probar dedo del pie. Aumentar el estado de ánimo al transmitir y sugerir las condiciones ambientales, los elementos ambientales que son una obra de teatro ahora en un día soleado, por ejemplo, en la primavera, ¿cómo te despiertas y te sientes bien? A menudo te sentirás muy enérgico, positivo, positivo, feliz por el ambiente exterior soleado, brillante y los rayos de sol que llegan por tu ventana. Es sólo algo con lo que tenemos identificación asociada, felicidad y alegría. Disfruta, sin embargo, en un día nublado o en una noche nublada, Bueno, eso es un poco más espeluznante, y ya hemos visto suficientes películas de terror Ya hemos visto suficientes cómics horribles por ahí que hacen uso de este Troya ambiental. Podría pensarlo así. Permítanos transmitir este DACA sombrío, un asesinado, y eso es realmente lo que cielos nublados 10 sugerir es esta cierta cantidad de sombrío. Y así aquí en esta ilustración, ese es el tipo de vibra que quería presentar. Ahora, lo que puedes verme haciendo con estos pequeños puntos de colores es que estoy haciendo una paleta de colores, y lo que esta paleta de colores me permite hacer es averiguar cuáles son los colores con los que estoy lidiando y si se sientan bien o no juntos. Ya sabes, los tengo todos ordenados por ahí, final accesible. Necesito hacer si quiero seleccionarlos. Es hoedown Oto mi teclado para convertir mi pincel a la herramienta cuentagotas, que me permitirá seleccionar esos colores sobre la marcha. Y eso se convertirá, especialmente importante, Irán cuando empecemos a mezclar los diversos tonos oscuros latinos de los colores con los que estamos tratando aquí en esta composición juntos. Pero lo otro que también he hecho es que he ido adelante y he creado una versión clara y oscura de cada uno de los colores base y la he agregado a esta paleta de colores aquí arriba para que simplemente pueda seleccionarlos sobre la marcha. Y eso realmente es sólo por conveniencia. Hace que todos los tonos y tiempos de los colores, y estoy lidiando con mucho más accesibles. Y cuando se trata de ilustración de cualquier tipo con su convirtiéndose en ilustración de libros ilustración digital , sea lo sea, estés trabajando para un cliente o no, siempre es bueno optimizar y agilizar tu proceso de esa manera, para que sea la navegación lo más rápida y suave posible para que sepas que no estás tropezando por el lugar y teniendo que pasar más tiempo en actividades meniales del que necesitas. Tal como, por ejemplo, tratar de encontrar el color de giro oscuro base que había estado utilizando para un área específica de la ilustración e intentar rastrearlo nuevamente. Ya está ahí en la paleta de colores. Se puede seleccionar que cada vez que lo que estoy haciendo es enfocarme en el fondo primero y ante todo, y que la razón por la que lo he llevado a este nivel de finalización ya es porque va a informar algo cómo termino renderizando el carácter. Ahora podemos ver la luna de fondo siendo la fuente de luz primaria dentro de esta escena , y va a estar proyectando hacia abajo sobre el personaje. Entonces lo que queremos hacer al colocar en los reflejos de la base y las sombras de la base es que vamos a querer pintarlos alrededor. Cada uno de los gatos carmesí se forma de acuerdo a la dirección en que esa luna está proyectando su luz hacia abajo sobre ellos. De. Esto es lo que nos permitirá crear un cierto nivel de consistencia off en cómo se renderizan e iluminan las formas , y esa consistencia nos llevará a un resultado más creíble y realista. Porque cuando terminas con inconsistencias, digamos, por ejemplo, cuando hay una forma del personaje sombreada de manera diferente a otra forma, sugiriendo que hay una fuente de luz diferente, o que esas formas están sentadas bajo diferentes fuentes de vida que no necesariamente parecen existir o tienen sentido dentro de la escena, ahí es cuando de repente se suspenden. La capacidad de increer está rota, y ahora nos damos cuenta de una espera un segundo. Esa inconsistencia ahora está sugiriendo que lo que estamos viendo no es riel y fuera de curso. Sabemos que en realidad no es que entendemos que lo conseguimos, pero siempre queremos tratar de construir nuestras ilustraciones y producirlas de una manera que cuando el público las mira, puedan imaginar un escenario donde lo que son mirando podría ser rial, que pudiera ser posible. Y cuando estas inconsistencias un presente dentro de ella, eso hace que sea mucho, mucho más difícil para ellos hacerlo. Lo que estoy haciendo es que sólo estoy pasando ahora que he pintado más o menos en las sombras de la base y los reflejos de la base y los estoy mezclando juntos. Se puede ver que en este punto del tiempo, las transiciones entre los tonos claros y oscuros simplemente en un liso como podrían estar alrededor esas formas. Entonces eso es lo que estoy haciendo ahora es simplemente que los estoy alisando, y estoy tratando de asegurar que la mezcla entre esos tonos claros y oscuros, el full off de luz a medida que transita hacia las sombras se balancee de acuerdo a la forma y la dureza de la luz dentro de la escena. Y son esas dos cosas las que realmente van a determinar las características fuera de los tonos claros y oscuros y cómo se mezclan juntos porque el full off y su transición se verán afectados por esos dos elementos. Y ahora lo que estoy haciendo es una estera en una superposición de sombras, que he ido adelante y hecho para agregar color o matiz a esa sombra tonos fuera de la ilustración. Y ahora estoy haciendo lo mismo, excepto con los reflejos en el resaltado sobre capa, que se establece en superposición. Y esto también agrega matiz y color a la luz dentro de la escena. Ahora lo importante que quiero mencionar aquí, la razón de por qué voy adelante y cull, surgen la iluminación y las sombras es porque no sólo queremos estar sombreando al personaje de una manera que sugiera un ambiente puesta en marcha de iluminación, lo cual no es oficial, ¿verdad? Está en un entorno al aire libre, lo que significa que la luz natural que viene de la luna tenderá a tener este tono azul proyectándose hacia abajo de ella. Será cull despertado con eso, y porque la luz es de color azul ya que ruv Elise y cobija al personaje y el ambiente debajo de ella. Lo que va a pasar es que superpondrá ese color el color sobre su luz a través esos elementos, y así, con el fin de emular eso y crear un escenario de iluminación más realista. Por eso sigo adelante y creo el resaltado excesivamente y me siento el modo de mezcla viejo esa capa a excesivamente, porque eso es lo que me permite hacer. Y hago lo mismo con la superposición de sombras. Se dice que su capa se multiplica, y hace lo contrario. Agrega color a las sombras, y en este caso, porque tenemos una iluminación fresca proveniente de la luna, lo que queremos hacer, a su vez, es intentar calentar el tono de las sombras. Ahora seguirán siendo un giro de color más frío, pero habrá un enfriador ligeramente más cálido, cansado, cansado, por lo que en lugar de solo azul, le agregará un poco de rojo, haciéndolo morado. Y entonces esos tonos fríos y cálidos dentro del espectro de color más fresco vibrirán muy bien. Juntos se complementarán entre sí y crearán una configuración de iluminación coloreada mucho más deseable y estéticamente agradable. Entonces ahora que hemos enriquecido la paleta de colores, esencialmente añadiendo el color adicional a la iluminación y las sombras al crear un pase de render final justo en la parte superior de todo lo que hemos hecho hasta ahora. Y todo lo que es realmente es sólo el proceso de mi selección de varios tonos. Mucho alcanza a lo largo del personaje con la herramienta cuentagotas y aumentando el brillo, pues el objetivo aquí es dar profundidad a sus formas y también describir los diversos materiales a lo largo de su vestimenta, pero sobre todo para agregar profundidad. Y cuando podemos iluminar los reflejos, el punto alto de la forma que de ser un labio y golpeado por la luz a la mayor intensidad se va dedo del pie los levantan en alto. Se les va a dar más profundidad y volumen, y en contraste con eso, si podemos profundizar las sombras siguiendo esencialmente el mismo proceso en cambio esta vez lo que estamos haciendo a la hora de aumentar la intensidad del sombras es que solo estamos seleccionando las porciones sombreadas de la forma oscureciendo que él que hemos seleccionado y luego agregándolo para hacer más profundo el lado oscuro de la forma para aumentar el contraste claro y oscuro entre esos valores y un yang combinado cuando puedes tener ese nivel más alto apagado luz a oscuridad transición a través de esas formas. Se va a hacer ver Aziz ahí Hay más profundidad que es más redondez a sus piernas, a sus brazos, a su cuerpo. Ahora. Otra cosa, como mencioné de pasada antes de eso, también querrá hacer nuestro mejor esfuerzo para describir otros diversos materiales que cubren esas formas . Y cada uno de esos materiales, dependiendo de lo que sean, reflejará la luz a niveles variables de intensidad y la intensidad apagada que refleja luz muchas veces sugerirá las cualidades de ese material. A modo de ejemplo, el gato carmesí aquí está, su mayor parte llevando una combinación de Lycra y cuero, como usar cuero, materiales muy reflectantes que reflejan, dejan a alta intensidad. Y así para poder transmitir ese material como envuelve alrededor de su cuerpo de una manera convincente pero entonces tendrá que hacer es asegurarnos de que subamos el nivel de intensidad en las secciones iluminadas fuera de la forma que cubrió esos materiales. De hecho, debido a que esos materiales son tan reflectantes, querrá aumentar los reflejos que mucho que estamos agregando altos niveles de espéculo blanco resalta. Y así lo que es un punto culminante del espéculo es que es literalmente la fuente de luz que se refleja en la forma o en el material. En este caso nuevamente, a la hora de asegurarte de que eres capaz de transmitir estos materiales con precisión, puede ser algo que también tome práctica. Es posible que desee estudiar cómo se refleja la luz de diversos materiales y cómo realizar mejor un enfoque, el proceso de renderizado para cada uno de ellos. Pero si puedes hacerlo, aumentará la credibilidad de tus personajes y el fondo, para el caso, porque el fondo que está rodeando a este personaje también está conformado por una multitud de diferentes materiales aquí. Pero es algo que vale la pena considerar y es con que te tomes el tiempo para leer y tal vez incluso para tomarte el tiempo para hacer algunos estudios aquí y allá. Pero las reglas de bastante simples si quieres que algo luzca brillante, dale Ah, alto, intenso, intenso, resaltado puntiagudo a lo largo del costado de la forma con una luz es más intenso. Entonces donde está golpeando directamente esa forma cuando estoy renderizando, siempre trato de pensar en cualquier forma que sea la que estoy tratando de sombrear en esta geometría más simple. Entonces en lugar de considerar los intrincados grupos musculares a lo largo del cuerpo de Crimson Cats, como renderizo realmente solo estoy hundiendo todas esas áreas en un nivel que es comparable a cilindros y esferas. Así de simple y cuánto de tonto abajo lo que es. Estoy renderizando dentro de mi mente para que pueda tener un entendimiento más claro apagado aproximadamente tenía una luz con full off y dispersarme a través de esa forma. Y una vez que pueda entender cómo se dispersará a través de las formas mayores, eso me da una buena indicación de cuál será la jerarquía del tono oscuro latino a medida que empiezo a renderizar en las sub formas dentro de él. Esta dispersión de luz esta caída sí tiene un nivel de jerarquía, como faras aclarado tono de puntos se refiere. Y es importante mantener eso intacto ya que renderizamos los detalles más finos, porque todas las sub formas dentro de las formas mayores que estamos tratando aquí serán sombreadas y renderizadas dentro del contexto off tienen esas formas más grandes ah siendo encendidas. Entonces esto es algo que es importante tener en cuenta. Siempre con eso dicho cuando se dan las etapas finales del proceso de coloración aquí, y aquí es donde pasa mucho tweak ege. Es decir, tomo lo que he hecho hasta ahora, y añadiré en una variedad de diferentes láminas de ajuste, principalmente a las que se accedió desde los ajustes de capa del menú Alaia. Y luego agrego en curvas. Esa es una de las principales que pongo en ajustar el nivel de contraste dentro de la ilustración. También me meto alrededor del balance de color también, para armonizar todos los tonos que un presente a lo largo de la ilustración y para asegurarme de que se vean bien juntos. Y luego finalmente, ajustaré cualquiera de los giros de color base que deban ajustarse con el fin de simplemente conseguir que encajen mejor con la ilustración, porque a veces eso también sucede. Desafortunadamente, sólo hay una cierta cantidad que se puede controlar. Menú Aly y esta es la belleza de la ilustración digital es que puedes volver atrás y puedes hacer ajustes. Podrás modificar diversos aspectos del trabajo que has realizado para que esa presentación final sea mucho mejor. Y ahora es solo cuestión de volver a la escena de fondo e incorporar diversos pequeños detalles. aquí y allá con el fin de que se vea mawr realista agregando en más profundidad. Y luego finalmente, se puede ver. Y esta es otra táctica realmente grandiosa que me gusta sumar dedo del pie a mis ilustraciones. Y creo que es muy evidente dentro de éste en particular. Y es que notarás que tenemos la fuente de luz principal proyectando hacia abajo sobre los personajes una escena desde arriba. Yo sólo la luna esencialmente. Pero también tenemos una fuente de luz secundaria, que hablarás para ver un poco mejor cuando nos alejemos de nuevo aquí en un momento . Y la fuente de luz secundaria es un tiempo mucho más cálido en comparación con el fresco Siam sopló de la luna. eso se trata. Espero que hayas disfrutado de esta demostración y que hayas sacado mucho valor de ella. 10. Conclusión: Está bien, así que eso es todo. Lo hemos hecho con dientes Acaba con esta clase magistral de arte cómico. Ciertamente espero que hayas aprendido mucho en que te alejarás de esta clase con un valor de tonelada. Pasamos por el proceso de lápices, el proceso de entintado y el proceso de coloración así como para la ilustración de cómics digitales, y cubrimos mucha información. Entonces si sientes la necesidad de volver atrás y recapitular algo de ello, entonces por favor hazlo. Esa es la belleza de aprender a través de un video. Former es que puedes rebobinar y volver a través de cualquier información que pudieras estar inseguro sobre Will pudo haberse perdido la primera vez a través de Ok, hasta la próxima vez seguir creando, seguir practicando y te veré en el próximo cómic clase magistral de arte. 11. PROYECTO: Está bien. Por lo que proyectas para esta clase es volver a través de esta recapitulación de demostración, honrar, e intentar hacer circular la mayor cantidad de información posible porque la vas a necesitar. Lo que me gustaría que hicieras es crear tu propia ilustración de cómics digitales utilizando el proceso que hemos cubierto a lo largo de esta clase magistral. Buena suerte con ello. Espero que te vaya bien. Pero lo más importante, espero que te diviertas con él.