Transcripciones
1. Introducción: Los humanos han contado unas grandes historias muy valoradas desde el principio de los tiempos. Desde el inicio del video, se ha considerado consistentemente la forma más impactante de contar uno. Mi nombre es Dan Mace y soy director telefónico y YouTuber, actualmente viviendo en Los Ángeles y te voy a
enseñar a contar una historia efectiva y convincente a través del video. Los videos siempre han sido mi manera de comunicar mi experiencia personal y mi perspectiva sobre el mundo que le rodea. En la década o así que he estado haciendo esto profesionalmente, he dirigido cortos de TV Ads, documentales y videos musicales, ganando múltiples premios en festivales como Cannes, además de ser calificado como uno de los 6 mejores directores telefónicos jóvenes del mundo por Shots Magazine. Bueno, cada gran pieza, por lo general la combinación de muchos diferentes elementos bien ejecutados. El cuento es donde empieza. Si es una gran historia y la cuentas bien, tus límites de gravitación. Mi consejo a cualquiera es, la historia es donde comienzas, cuando terminaste todas las lecciones que proyecto de
clase es crear un video de tres a ocho minutos contando tu historia elegida usando la metodología que detallo en este clase. El aprendizaje clave en esta clase para quitar son los siete tipos de historias que contamos. Cómo encontrar tu historia, cada vez. Cómo elaborar tu historia para video, y cómo organizar una edición basada en narrativa para que sea interesante y solo revelar la respuesta de la manera correcta y en el lugar correcto. Todo lo que necesitas para esta clase además de una buena historia es una comprensión básica del equipo de cámara. También puedes hacer uso de tu teléfono, y una comprensión básica de software de edición como Premiere Pro. Espero verlos en la siguiente clase.
2. El proyecto de clase: El proyecto a completar en esta clase es crear un video de 3-8 minutos contando tu historia elegida, utilizando la metodología que detallo en estas lecciones. El cuento puede ser sobre ti, algo personal para ti, tal vez te gusto y realmente amas a tu perro salchicha, ve que está en mi sombrero, o podría ser sobre algo en tu barrio, pero lo que es altamente importante es que está cerca de casa. De cualquier manera cerca de casa es esencial, tú eres el narrador, tú eres el narrador. Cuando termines, lo subirás al espacio de trabajo
del proyecto Skillshare así como a YouTube con el #HOWTOTELLYOURSTORY, #SKILLSHARE.” Te voy a decir por qué estoy tan emocionado con este proyecto y por qué este proyecto es tan importante. Cuentacuentos para mí fue mi manera en la que pude expresar la forma en
que veo el mundo, fue la primera introducción que tuve para realmente poder comunicar una idea y narrativa creando algo que es todo abarcador. Es tan hermoso cómo eres capaz de realmente mover
una emoción a través de la utilización de efectos de sonido, diálogo, y música aunada a edición aritmética, personalmente
me cuesta comunicar mi historia en cualquier otro formato que no sea videos, esa es mi razón para enamorarme de verdad de este formato. Las historias verdaderamente tienen la capacidad de ser capaces de afectar el cambio masivo, cambiar la forma en que la gente ve el mundo y de entender una idea simple. y otra vez, hemos visto o sentido la forma en que las películas nos hacen sentir, ahora piensa en algo en tu entorno, en tu barrio, o algo personal para ti, elegir contar una historia sobre ti o tu barrio es una gran restricción ya que te obliga a trabajar con algo con lo que estás familiarizado. Por último, tu video será ligero a tiempo y menos costoso. Tres consejos rápidos es no pensarlo demasiado, asegura de contar una historia, no dos historias, enfocarse en la simplicidad, y tres, cosas que no están relacionadas con este video, dejarlo fuera, usarlo en el siguiente video. Antes de seguir adelante, asegúrate de revisar dos videos en la carpeta de recursos de este proyecto. El primero se llama GETING TO 368, que es mi historia de mi transición de ser director de cine, mudarme a Nueva York y comenzar a trabajar con Casey, bonitos datos 368 y luego convertirme en YouTuber. El segundo relato se llama Escapar de una prisión indonesia, que es una historia verdadera que cuento sobre el momento en que escapé de la cárcel en Indonesia. Mira estos videos para referencia antes de lanzarse a la siguiente lección. Córtala.
3. Los 7 arquetipos de una historia: Hablemos de dónde vienen las historias y cómo encontrarlas. El cool de las historias es que todas empiezan con tu perspectiva. Hemos visto la misma historia contada una y otra vez, romance, tragedia, drama, horror que son todos similares en la base pero lo que los diferencia es el cuentacuentos detrás de ellos y en la esfera tradicional cinematográfica, tienes un director y escritor de guiones y en este caso, eres tú. Ahora quiero que te tomes el tiempo para pensar, bolígrafo y mano, mantente fuera de Internet obviamente aparte de en el sitio de Skillshare pero mantente alejado de cualquier otra influencia. Simplemente consigue un libro, tu pluma y escribe un montón de temas que te vienen a la mente cuando piensas en el término, historia. Pausa este video hasta que hagas eso. No importa cuánto tiempo lleve esto. Estaré aquí cuando regreses [inaudible]. Ojalá hubiera sido una mosca en la pared viendo todas tus grandes ideas. Estoy muy emocionado por seguir adelante. Ahora que tienes algunas ideas de rotonda, te
voy a contar lo que implica toda gran historia. En primer lugar es una simple estructura de tres actos conocida como un arco, el principio, medio y un fin. Esto suena muy sencillo pero en realidad es la parte más complicada, apegándose a la sencillez de la narrativa. Ahora esta siguiente parte debería ayudarte a acostarte en tu idea. Existen siete tramas arquetípicas humanas diferentes que
conforman el 99 por ciento de todas las historias contadas alguna vez. Uno, superando al monstruo. Dos, trapos a las riquezas. Tres, la búsqueda. Cuatro, viaje y regreso. Cinco, comedia. Seis, tragedia y siete, renacimiento. Ahora, pregúntate, ¿en cuál cae tu historia? Apenas algunos ejemplos de arriba en mi cabeza, si miras luchar contra el monstruo, esto podría ser superando el miedo a hablar en público por primera vez. Podría estar pagando una deuda. Podría estar logrando grandes burlas en un examen que realmente te asustó escribir o golpeando y enfermedad y si miras la comedia, podrías contar la historia de la única vez que te has encerrado fuera de
tu casa y luego terminaste teniendo que dormir en la calle, con eso. Eso también podría ser un thriller, depende, es a través de tus ojos o algo más inspirador. Renacimiento, una vez que te caíste y te construyes y aquí estás, fuerte como siempre. Enfriar. Antes de seguir adelante, asegúrate de escribir tu idea, luego redacta un principio básico, medio y final y, por último, identifica en cuál de las siete tramas arquetípicas humanas encaja tu historia.
4. ¿A quién le importa?: ¿ A quién le importa tu idea? ¿ A quién le importa tu historia? Vamos a contestar el porqué. ¿ Por qué la gente debería preocuparse por lo que tienes que decir? De un espectador a 10 millones, es muy importante saber para quién estás haciendo tus videos. Sólo voy a darte una rápida demostración con las dos películas de referencia que ya has visto. Si comienzas con llegar a 368, lo que utilicé aquí fueron tres partes simples. Yo quiero que sea actual, relacionable y atrayente. Lo que era importante para mí ahí fue que acababa de empezar a trabajar con Casey, y dije que es un YouTuber súper grande. Yo estaba en su vlog diario que creó mucha relevancia en torno a la historia
de Don May en su momento. El mejor cuento para contar fue mi historia, mi viaje, cómo llegué allí. Lo que hice ahí es que pasé por la sección de comentarios de una gran cantidad de los 368 vlogs, y encontré todas las preguntas que se publicaron para mí, sobre mí, y me aseguré de que entrelazara muchas de esas onzas dentro del guión para que lo mantuviera comprometiéndome, mantuve al corriente y lo más importante, mantuve la historia sencilla, le di al público lo que querían. Contesté las preguntas que el público estaba haciendo directamente. En segundo lugar, que es una historia un poco diferente porque la
conté 10 años después de que hubiera sucedido. El cuento sobre mí escapando de la cárcel en Indonesia. Lo que era muy importante aquí fue no pisar ningún dedo de los pies, no ser unilateral ni sesgo sobre mi opinión de lo sucedido. Pero más bien entregar la historia y dejar que el público llegue a su propia conclusión. Interpretar en qué lado del código binario, equivocado versus correcto, se ven a sí mismos. Tenía que conocer mi lugar a la hora de contar esta película. Yo no soy indonesio. No entiendo al 100 por ciento la cultura. Yo sólo podía contar la historia por lo que pasó a través de mis ojos. Este es un gran consejo para aferrarse a avanzar. Conoce tu lugar. Nadie espera que como cineasta lo sepas absolutamente todo. Tan solo cuenta la historia que conoces. Por eso no creé ninguna conclusión como Indonesia es esto o es aquello. Yo sólo pude comentar mi experiencia que ahí sucedió. En esta época, un gran recurso que tenemos son compañeros creativos. Están por todas partes. Observa las que están contando
con mucho éxito el tipo de historias que quieres contar. Siempre digo esto. Son los hacedores, los chicos que están ahí fuera en el ring que son las personas que quieres seguir. ¿ Cómo se frases cosa? ¿ Cuándo hicieron uso de un descargo de responsabilidad? ¿ Qué partes de la historia se dejan para la interpretación del público? Entonces puedes pasar a un detalle más fino como cómo
utilizan la música y el sonido para alterar una emoción. Pero nos meteremos en eso más tarde. Recuerda el gran por qué. ¿ Para quién haces este video? ¿ Qué buscan? ¿ En qué les interesa? Recuerda conocer tu lugar como cineasta dentro de la historia. Nunca pises los dedos de los pies equivocados. Por último, busque otros ejemplos de cómo se cuentan historias similares.
5. Creación de tu historia: Saltemos a elaborar tu historia. Contexto, no demasiado poco, no demasiado, es importante darle al espectador la imagen completa. El contexto es esencialmente sentar el escenario para tu historia. Es configurar al espectador, describirles por qué esto es importante, por qué se trata de un incidente único y cómo podría suceder algo así. En la historia de Getting To 368, tuve que describir lo que significaba el cine para mí, lo importante que realmente era para mí, porque armó el arca con el cine esencialmente me ayudó a trascender a través las cargas de mi mente consciente y entrar en un espacio realmente genial cuando me mudé a Nueva York. En el video Getting To 368, tuve que explicar mi amor personal y mi ascenso, que es de donde vengo para contextualizar hacia dónde iba. En el caso de Indonesia, tuve que investigar y comunicar los vastos peligros de viajar por las partes remotas de Indonesia sin guía. Para concluir eso, haz tu investigación, construye tu contexto para darle el escenario al público. Cuando se trata de escribir tu historia y una simple estructura de tres actos, así es como va. Acto 1, la configuración, la exposición, e incitación al incidente. Acto 2, confrontación, la acción ascendente, el punto medio. Acto 3, que es la resolución, el preclímax y luego el clímax. En el ejemplo más sencillo de los tres extractos me gusta mucho este porque es muy visual. Acto 1, un hombre en el fondo de una montaña con la visión de subir a la cima. Acto 2, sería la subida superando la lucha. Acto 3, sería o llegara a la cima o rodó por la montaña o conoció a la niña de sus sueños en la cima de la montaña. Ahí lo tienes antes de seguir adelante, solo asegúrate de tener tus tres actos escritos exactamente lo que sucede al principio, al medio y al final. Es así de sencillo.
6. Traspasar tu historia a video: Bienvenido a la preproducción. Aquí es donde tomas lo que has ideado y comienzas desarrollar una hoja de ruta para navegar tu camino por el proceso de producción. Usa este tiempo sabiamente. Sé lo emocionante que sería tener una idea y solo querer quedarme sin tirarla, pero este proceso es muy importante. Empieza con la elección de tus médiums para la comunicación. Por ejemplo, hago uso de B-roll con voz en off, así
como animación stop motion y luego estilo vlog, hablando con las tomas de cámara para la sensación orgánica y auténtica. Asegúrate de no complicar en exceso tus médiums. Deberían utilizarse únicamente como vehículo para impulsar tu narrativa hacia adelante. Si se ve llamativo y genial, pero no sirve un propósito a la historia, vas a tener que cortarla. El modo en que hago esto es grabar mi voz, simplemente leer el guión, ponerme auriculares, cerrar los ojos, e intentar visualizar con qué medio debe caber. Este es un consejo realmente esperanzador que aprendí de
un compañero director hace unos años y realmente me está ayudando durante esta fase de preproducción. Una vez que hayas hecho eso, pasamos a la lista de disparos. Lo que es importante señalar aquí es ser realista con tus expectativas. Cosas como ubicación, estilo de tiro, y tu horario de tiempo, muy importante. configuraciones de cámaras grandes son caras y llevan mucho tiempo, por lo que quieres asegurarte de que eres lo más ligero y ágil posible. Esto es lo que realmente necesitas pensar fuera de la caja. Una vez que tengas tu lista de tomas, es hora de pasar al scouting de localizaciones. Ahora bien, aunque hayas estado en este lugar 100 veces antes, aunque el es tu recámara y lo sabes como el dorso de tu mano, es muy importante volver de nuevo a este lugar, con una lista de tomas en mente. Busca cosas como un sendero de sol, donde salga el sol y donde se ponga. También empieza a escuchar ruido, piensa en qué hora del día vas a estar disparando, y asegúrate de ir y buscar esta ubicación a esa hora exacta. En su mayor parte, trate de pedir permiso. A pesar de que el disparo de estilo más grande puede ser divertido, puedes terminar en una situación muy pegajosa que retrocederá en tu tiempo de rodaje, esencialmente haciendo que el rodaje sea mucho más estresante. Para concluir, desarrolla tu hoja de ruta para fomentar un rodaje sin fisuras. Eso es conocer los médiums que vas a usar de antemano, construir una lista de tomas realista y preparar tu propiedad de ubicaciones. Sé que en teoría, la preproducción puede parecer aburrida, pero no socaven su importancia. Planear lo es todo.
7. Equiparte: Esta es la segunda parte de la preproducción. Así es, hay más. Tradicionalmente, esto se conocería como una comprobación de engranajes o reiki técnico. Simplemente es seleccionar el equipo que vas a usar en tu sesión y hacer un completo run-through para asegurarte de que todo funcione. comprobar tus baterías que todas estén cargadas, que tus tarjetas estén formateadas, que tengas el equipo adecuado para lo que estás planeando hacer. Eres smartphone también se considera como una cámara más que lo suficientemente buena. lo único que hay que preocuparnos aquí es el sonido. Entonces, te insto, si vas a estar usando tu smartphone para hacer alguna investigación adicional para saber cómo optimizar el micrófono interno de un smartphone o plug-ins
adicionales de piezas de engranajes para asegurarte de que estás todo bien. Esto por supuesto, es sólo si eres script contiene sonido de cámara que necesitas capturar. Mi configuración, aunque en más de un smartphone generalmente es bastante simple. Contiene un simple trípode, una cámara DSLR, tres lentes, una amplia, mediana y larga y un micrófono de escopeta, junto con tres baterías adicionales, un cargador, y dos tarjetas de memoria de 128 gig todas empaquetadas bien en un pequeño bolsa de cámara. Para concluir, la historia siempre viene primero. No necesitas un gran engranaje para impulsar esa historia hacia adelante. Estar restringido a una pieza de equipo como un smartphone te
anima a ser más creativo con tus ángulos de disparo y la narración. Entonces, no esperes a que arranque un mejor engranaje.
8. Producción: Esta es la parte más emocionante, la fase de producción. Es donde tomas lo que has ideado y lo conviertes en situaciones reales que captas en tu cámara. Es realmente donde empiezas a sentir que tu idea cobra vida. No hay prisa, como
por fin conseguir ese disparo por el que has estado
obsesionando y soñando durante la fase de preproducción. En esta sección, voy a ofrecer consejos sobre en qué enfocarme y qué no hacer. Porque la fase de producción se basa en tu lista de preselección, en lo que planeaste durante la fase de preproducción, y esto es único para todos y cada uno de los cineastas diferentes. Lo que hago en todo momento es solo tener la línea de registro de scripts, que es el esquema básico del script en una línea, escrito en algún lugar donde sea accesible, generalmente en la parte superior de la lista corta. Esto es para cuando me encontré con problemas, que es todo el tiempo, siempre
regresé a la línea de registro para asegurarme de que lo que estoy haciendo sirva mejor a la historia. Si estás confundido en cuanto a lo que es una línea de registro, aquí tienes un ejemplo de la matriz. Un hacker informático aprende de misteriosos rebeldes sobre la verdadera naturaleza de su realidad y su papel en la guerra contra sus controladores. Corto, sencillo, al grano y a la base misma de la historia. Mira, van a haber problemas. Si te disparan, tu ubicación, son causados por conducir más allá del costo. Quieres que tu mamá corriera por las estancias para hacer algo que simplemente no está funcionando. Te estás frustrando tanto. No te atasques en esto. No digas, este es el fin. Sé por mí mismo como artista, realmente
me gusta estar obsesionada con una cosa, pero esto es muy importante notar que debes seguir adelante, respirar profundamente, regresar a tu linea de troncos, luego hacer un plan si sientes que la historia lo necesita, y luego seguir adelante. No llegues a la enfermedad de localización. La enfermedad de localización es cuando algo nuevo, inesperado llega al set o a tu vista, y tú como cineasta dices, “Wow, eso es impresionante. De repente voy a incluir esto en mi guión”. Tomas una decisión impulsiva para cambiar de repente las cosas, confía en mí, esto no funcionará, y cuando estés editando más tarde, vas a ser tan oblicuo que tomaste esta decisión de no volver a tu línea de registro y se dio cuenta de que esto no sirvió para el propósito. Lo bastante gracioso, esto sucede mucho más que no. Entonces no dudes de tu idea inicial. Mis ideas siempre son muy ambiciosas. Cuando le pregunto a la gente y ellos dicen: “No sé si vas a poder sacar eso”. Siempre me aseguro de intentarlo antes de darme por vencido. Siempre inténtalo. Por último, es la continuidad. En una producción a pequeña escala como lo estás haciendo aquí, vas a tener que hacer esto tú mismo, lo
cual es duro, pero es muy frustrante cuando estás sentado con una edición y tus tomas no coinciden. Esto significa asegurarse de que las ubicaciones coincidan desde cuando llamas a corte, hasta cuando rotas en tu siguiente tiro, se
asegura de que no haya creep de sombras. Que no hay nuevas bolsas de plástico adicionales que podrían haber volado su camino en tu tiro. Asegúrate de que las acciones de tu personaje coincidan cada vez. Sé con cortar movimiento de personajes, pero le estoy hablando a la cámara, si estoy balbuceando sobre una palabra, puedo hacer una pausa aquí, mirar rápidamente mi guión, volver atrás, y luego continuar y eso va a cortar sin problemas, y así sucesivamente. Recuerda que el público es altamente sensible a las pistas visuales. Por lo tanto, permaneced atentos a la hora de la continuidad, porque todo significa algo. Para concluir, mantén tu línea de registro accesible en todo momento, cree en tu idea, no te atasques en lo que no funciona, y mantente alerta cuando se trata de continuidad.
9. Edición: La parte más frustrante y que consume mucho tiempo de cualquier producción, la posproducción. Esta es tu edición y el tema de esta lección. Editar puede hacer o romper tu video y lo más probable es que tengas que
solucionar problemas ya que muchas de tus imágenes no van a salir de la forma que podrías haber deseado. En ocasiones esto realmente puede funcionar a
tu favor y solo sabrás realmente cuándo estás en el proceso, y si ingeniosamente editado, realidad
puedes terminar con un producto que es mejor de lo que imaginaste en primer lugar. YouTube y Short-Forms son similares excepto por una parte, que es el gancho. También llamo a esto un clip chisporroteado. Este es el momento que realmente va a enganchar al público para que vea más. Se llama el pre-clímax, sin regalar demasiado, realmente
quieres invitarlos a la acción o
al momento que es el más suspensivo dentro de tu narrativa. Colocarás esto de frente en tu edición, pero solo lo harás bien al final una vez hayas visto todo el formulario, y puedes seleccionar ese momento dentro del formulario para
asegurarte de que ese sea en realidad el más impactante gancho para poner justo al frente. Por lo que el clip chisporroteado se coloca justo por delante antes del inicio de tu historia. Todo el mundo usa un estilo diferente de edición, pero te voy a llevar a través de mi proceso. Empiezo con el diálogo, la historia básica, cualquier cosa por voz. Entonces hablando cabezas, voz sobre, conversaciones, y lo pongo en orden cronológico desde el principio, medio y el final, el pasillo sube hasta la conclusión de la forma. Hago esto primero para que pueda sentarme a escucharlo y asegurarme de que la historia tenga sentido, que el diálogo siga una narrativa congruente singular. Enseguida entro directo a la selección musical. Ahora con música, se asegura de que la música y la narrativa trabajen de la mano. Lo importante es no sobrecompensar con tu música porque realmente quieres que todo vaya hacia el clímax, el momento en que quieres utilizar la música para casi darle al público lo que quiere. Sigues tirando hacia atrás, sigues tirando hacia atrás, sigue el arco y un boom, con el clímax, realmente
sacas toda esa hermosa música y ritmo dentro de tu edición. Realmente ayuda a dar esas piel de gallina o el suspenso o la liberación, lo que quieras traer hacia adelante en tu clímax. Aquí una nota importante es usar tu música para que coincida con tu arco, principio, medio y final. qué estado de ánimo y tono quieres en cada etapa, y en qué viaje quieres llevar al público a través. Es importante atenerse también a un género muy similar. No cortes y cambies a través de diferentes ritmos por minuto. Entonces estoy hablando, mezclando entre techno y hip hop, esto generalmente no funciona. Después de haber puesto la música, selecciono carpetas en función de qué tomas van con ella. Entonces trabajo los clips sistemáticamente de principio a fin. Ahora, lo que pasa la mayor parte del tiempo es que no tienes suficiente metraje para cumplir con todo tu video, lo que significa que aquí hay un montón de opciones diferentes, peor empeora es ir y volver a disparar. Por lo que realmente queremos tratar de mantenernos alejados de eso. Entonces lo que hago generalmente es alargar los medios que no puedo controlar, como la animación stop motion o hacer uso de bibliotecas de stock donde hay montones de realmente grandes por ahí. Una vez que todo esto esté editado, asegúrate de que tu sonido sea todo audible, exórtalo y envíalo a un moderador de confianza. Mi primera fue mi mamá. Después toma esta retroalimentación, critica y colócala junto a tu log-line y toma la decisión sobre lo que necesitas cambiar. Una vez hecho esto, puedes hacer algo de nivelación de color simple dentro de Premiere Pro y luego estás listo para exportar. Por lo que para concluir, establecer todo diálogo. Esta es tu narrativa. Eres historia congruente. Después agrega la música a lo largo de tu arco planeado, luego coloca tus visuales sección por sección. Después elige tu clip chisporroteado en lugares justo al frente. No debería ser más de 15 a 20 segundos. Por último, obtener retroalimentación siempre, y luego ir por ello.
10. Conclusión: Hagámoslo. Eso es todo. Enhorabuena por hacerlo todo el camino a través de esta clase. Espero que eso haya sido perspicaz. Los humanos son narradores. Si tienes historias que quieres contar, así es como contarlas a través de video con máximo impacto. Cubrimos todo, desde encontrar tu historia, hasta consejos alrededor de rodarla, hasta mi proceso de edición que prioriza la historia como el núcleo mismo de cada proyecto. Si hay algo que quitarle a la clase, es esto, crea en tu historia original, la idea de que te sentaste, y escribiste justo al principio. Es tan importante aferrarse a esto todo el camino a través de cada proceso de producción. Incluso en una producción a pequeña escala como lo estás haciendo ahora, vas a tener múltiples influencias diferentes en todo el camino por el que pasas, y podrías terminar con algo que está lejos de lo que pretendías que fuera porque simplemente no creías en el núcleo de tu historia en primer lugar. Por lo tanto, les digo que crean. Por lo tanto, apégate a tu historia, y asegúrate de que cada cosa que hagas a lo largo del proceso sirva mejor a la historia. No puedo esperar a ver tus proyectos. Una vez que tengas tu video de tres a ocho minutos encerado, subirlo a la pestaña de proyectos y recursos la
página del curso así como YouTube para que pueda echar un vistazo. El mejor gana un año gratis de la prima de Skillshare así como una sesión de comentarios uno a uno de 30 minutos conmigo mismo. No olvides los hashtags: HOWTOTELLASTORY, SKILLSHARE. Gracias de nuevo por ver. Esta fue mi segunda clase. Disfruto a fondo haciendo estos. Espero que hayas disfrutado de esta clase. Nos vemos la próxima vez.
