Aventuras con gouache acrílico: introducción

1. Introducción: Hola, soy Alanna, y soy artista, e ilustradora, y una maestra de alto nivel aquí en Skillshare. Allá en 2017, empecé en una aventura con gouache acrílico. Todos los geniales Illustrators que amo lo estaban usando, así que me eché un chapuzón en unos tubos. Pero había un problema, no tenía ni idea de cómo usarlo. A diferencia de la acuarela, simplemente no había muchos recursos disponibles para ayudarme a aprender sobre el gouache acrílico, y todavía no hay. Empecé a experimentar y no he parado desde entonces. Me enamoré. gouache acrílico es un medio fantástico, amigable para principiantes. Es brillante y divertido. Es cremoso para pintar. Se seca rápido y se estrena como un sueño. A través de ensayo y error, descubrí trucos y técnicas para obtener los efectos que quería del gouache acrílico, y quiero compartirlos contigo. Esta clase será la guía de inicio del gouache acrílico que nunca tuve. Empezaremos explorando los suministros que necesitarás para empezar, después saltaremos a tres lecciones. Cada sección de la clase contará con ejercicios, y un pequeño proyecto por el que trabajaremos juntos paso a paso para aplicar las técnicas que hemos aprendido. Si buscas una inmersión profunda en el hermoso mundo del gouache acrílico, esta clase es la que has estado esperando. No puedo esperar a ver lo que creas. Empecemos. 2. ¡Tus proyectos!: En esta clase, estaremos abriendo camino a través de tres lecciones, cada una con pequeños ejercicios y un proyecto final de pintura muerta para que podamos poner en práctica nuestras nuevas habilidades. ¿ Por qué bodegones se pueden preguntar? La respuesta es, estoy absolutamente obsesionada. Desde el siglo XVII, los artistas han estado utilizando las naturalezas muertas como materia perfecta para aprender, crecer y experimentar. naturalezas muertas ofrecen la oportunidad perfecta para practicar tus habilidades con composición, color, pincelado, y textura mientras pintas desde la vida real en lugar de referencias fotográficas. A diferencia de una pintura paisajística, una naturaleza muerta no depende del clima. Si bien he incluido algunas fotos de referencia para cada proyecto en la guía de recursos, te animo mucho a que encuentres cosas alrededor de tu hogar y pintes de la vida real. Realmente es la mejor manera de entrenar tu ojo, lugar de confiar en una fotografía donde alguien más se ha encargado de la composición por ti. Ahora repasemos rápidamente el proyecto para cada lección. En la lección 1, estaremos cubriendo los fundamentos de trabajar con lavado acrílico. Esto incluirá encontrar la proporción correcta de pintura a agua para llenar áreas y crear líneas consistentes. También estaremos explorando la diferencia entre pinturas opacas, translúcidas y granuladoras. Para la lección 1, nuestro proyecto será una jarra, tarro, botella, o olla. En la lección 2, pasaremos a composiciones más complejas usando capas. También nos centraremos en el control de pinceles y en la fijación de nuestros errores. Para la lección 2, tu proyecto será pintar un arreglo floral de naturaleza muerta. Entonces en la lección 3, cambiaremos nuestro enfoque al color. Cómo mezclarlo usando gráficos de mezcla de colores y jugando en la página. Para esta lección, tu proyecto será un bodegón de fruta. Si no tienes fruta, las verduras también funcionarán. propio Van Gogh pintó papas más de una vez. Al publicar tu proyecto en Skillshare, te animo mucho a incluir tus ejercicios, tu proyecto final, las historias detrás de tu pieza, y lo que aprendiste. Me encanta leer las historias detrás de tu trabajo y ver tu progreso. Si no sabes por dónde empezar, siéntete libre de revisar mi proyecto para obtener inspiración. No puedo esperar a ver las cosas magníficos que creas. 3. Materiales que voy a usar: En los próximos videos, estaremos cubriendo una tonelada de información sobre marcas de gouache acrílico, colores, y otros suministros que necesitarás para trabajar con gouache acrílico. Pero sé que no todos ustedes van a necesitar esa información en profundidad, así que pensé : “Antes de saltar a una discusión detallada de materiales, podría proporcionarles un desglose de todos los suministros que estaré usando en el transcurso de este clase”. También puedes encontrar esta lista en la guía de recursos en la sección de proyectos. Entonces si ya tienes gouache acrílico, no necesitas más información sobre suministros de arte y te sientes listo para saltar justo dentro, ve por ello, solo hazlo. Simplemente súbete al video titulado Lección 1 para empezar. Para el resto de nosotros, preparémonos para aprender sobre los materiales de arte. 4. Una nota sobre el gouache: Antes de empezar, quería aclarar exactamente de qué estamos hablando cuando hablamos de gouache acrílico. Existen dos amplias categorías de gouache, tradicional y acrílico. gouache tradicional se elabora con goma arábiga como la acuarela, y se puede reanimar incluso después de que se seque. Es tiza y se seca en un color mate plano. También se puede llamar gouache de diseñador, gouache artista, gouache de estudio, gouache fino, o inexplicablemente gwosh. No es en lo que nos estamos centrando en esta clase, aunque podrías hacer la mayoría de los ejercicios con gouache tradicional. Estamos en búsqueda de gouache acrílico. También se puede llamar gouache acrílico o gouache acril. No sé por qué. A lo mejor sólo para meterse con nosotros. gouache acrílico es un medio que fue diseñado para parecerse al gouache tradicional, pero tiene una base de pintura acrílica. gouache acrílico se seca, mate, plano, y opaco, a diferencia de la pintura acrílica tradicional, que generalmente tiene cierta traslucidez. Encuentro que el gouache acrílico es mucho más cremoso que el gouache tradicional. Aquí está la parte mágica. A diferencia del gouache tradicional, el gouache acrílico no se puede reactivar con agua. Esto significa que una vez que tu pintura se seca, no hay reutilizarla, pero también significa que puedes pintarla capa tras capa sin que los colores se mezclen. Es ideal para cubrir errores y para crear composiciones detalladas en capas con colores vibrantes. Debido a que el gouache acrílico se basa en pintura acrílica, también puedes usarlo en madera, lienzo, vidrio, y otros materiales, pero ese será el foco de las clases de características. Aquí, nos vamos a centrar en empezar en el papel. Ahora que entendemos qué tipo de pintura buscar, vamos a explorar algunas de las marcas populares de gouache acrílico. 5. Marcas de gouache acrílico: En esta sección, estaremos cubriendo algunas marcas de gouache acrílico para que puedas sentirte seguro de que estás comprando lo que es adecuado para ti. Estaremos mirando a Holbein, y Turner, y Liquitex marcas gouache porque esas son las que vende mi tienda de artes local. Empecemos con el lavado acrílico Holbein, mi favorito personal. Se trata de una pintura de lavado acrílico de calidad profesional cargada con pigmento. Es la más cara de las marcas a partir de alrededor de $0.38 por mililitro aquí en Canadá. Es cremoso y vibrante. También hay muy poco cambio de color entre la pintura húmeda y la seca, por lo que es fácil combinar colores y mezclar pintura. El lavado acrílico Holbein también es muy estable en el tubo. Tengo más de 60 tubos de ella, y ninguno se ha secado o separado a pesar de que me lleva aproximadamente un millón de años rematar un tubo. Hay 107 colores disponibles, incluyendo neones, pasteles, colores ashley, y metalicos. No es una gama exhaustiva de colores, sino más que suficiente para la mayoría de los propósitos. Ahora, veamos el lavado acrílico Turner. Existen dos variedades del lavado acrílico Turner, el lavado acrílico regular y los colores japoneses. Ambos comienzan en alrededor de $0.24 por mililitro. El lavado acrílico regular es brillante y vibrante y viene en muchos colores y acabados; 167, para ser precisos. Hay colores metálicos, colores nacarados, neones, pasteles, tonos grisáceos, y colores Lemay que atraparán la luz y el brillo. No uso una tonelada de lavado acrílico regular Turner, aunque a algunos artistas les encanta. Encuentro que tiende a separarse o secarse en el tubo, lo que realmente me molesta. Cuando la pintura se separa, solo puedo mezclarla, pero cuando empieza a secarse, ese es un problema real porque no se puede renovar, y sólo se convierte en basura, y realmente no me gusta desperdiciar pintura. Los colores japoneses son un poco diferentes. Estas pinturas japonesas tienen una textura ligeramente curada diseñada para imitar las pinturas tradicionales japonesas, que están hechas de pigmentos minerales triturados, conchas, corales y piedras semipreciosas. Las pinturas son maravillosamente cremosas para trabajar pero con una textura seca, ligeramente arenosa que me encanta absolutamente. En realidad hay una posibilidad real de que estas pinturas de color japonesas se conviertan en mis favoritas y golpeen algún día a Holbein. Acabo de conseguir un montón de colores nuevos y no puedo esperar a jugar con ellos. Hay 69 colores japoneses para elegir. Los colores japoneses tienden a ser más suaves y dura en tu cara que otras marcas. Incluyen muchos rojos cálidos, amarillos suaves, y hermosos verdes. Incluso tienen un negro azul, que es lo más cercano que he encontrado al gouache gris y acrílico de Payne. Ahora, finalmente, veamos el gouache acrílico Liquitex. Se trata de un nuevo contendiente en el mundo del gouache acrílico. Compré una botella cuando llegó por primera vez a mi tienda de arte porque me encanta el gouache acrílico y me interesaba. Es la menos costosa de las opciones que hemos discutido, llegando en alrededor de 0.19 dólares por mililitro. Pero me pareció una profunda decepción. No es opaco ni mate, siquiera estoy seguro de que deba considerarse gouache. Se seca en dos tonos, casi, porque el pigmento no parece estar realmente bien incorporado a la pintura. También se seca brillante y translúcida. Yo aconsejo seriamente en contra de comprar esta marca. Ni siquiera es más barato. Considerando que está destinado a ser utilizado sin diluir, por lo que es mucho más acuoso que las otras pinturas. Además cuenta con la gama de colores más limitada. Hay algunas otras marcas de gouache acrílico. La mayoría de ellas no están ampliamente disponibles, lo que significa que no las venden en ninguna de mis tiendas de arte locales, razón por la cual no las he revisado aquí. Dicho esto, recomiendo encarecidamente las pinturas de la marca Holbein o Turner. El punto de precio algo alto puede ser un poco intimidante cuando estás empezando, pero obtendrás resultados mucho más consistentes y solo tendrás un tiempo mucho mejor pintando cuando inviertas en buenos suministros. No necesitas muchos consejos para empezar. Ahora que hemos cubierto las marcas de gouache acrílico, veamos un poco más de cerca los tubos para entender nuestra pintura. 6. Cómo leer los tubos: Advertencia justa. Este video se va a poner un poco técnico. Estamos a punto de profundizar en toda la información que puedes encontrar en cada tubo de Gouache acrílico Turner o Holbein. Esta información puede ayudarte a emparejar colores dentro de una pintura, mezclar colores con confianza, asegurarte de tener suficiente contraste y elegir las pinturas adecuadas para que estés pintando no se desvanezca con el tiempo. Cada tubo de pintura tiene el nombre del color, el número de serie, y el código de color en él. Todos estos son específicos de la marca y no son útiles para mucho en absoluto. El dato que buscamos son los pigmentos, la calificación de firmeza a la luz, y la escala Munsell. En cada tubo de pintura, encontrarás un código de tres o cuatro caracteres o una serie de ellos que indica el pigmento utilizado para crear ese color. Si quieres conseguir nerdy real, puedes buscar a qué se refieren esos códigos en el enlace de las notas a continuación. Pero lo más importante es saber es que las pinturas con menos pigmentos generalmente se consideran mejores para mezclar ya que se comportarán de una manera más consistente y predecible. Encontrar pinturas que estén conformadas por el mismo pigmento también puede ayudarte a encontrar colores que vayan juntos porque tienen los mismos matices o que pueden ayudarte a encontrar sustituciones cuando te quedas sin el color que realmente puedas necesitar. Los pigmentos en un tubo particular de pintura también pueden relacionarse con la firmeza de la luz. En cada tubo, encontrarás una serie de estrellas que indican permanencia o firmeza a la luz. Esto se refiere a si los pigmentos en ese tubo particular de pintura se desvanecerán con el tiempo cuando se exponen a la luz UV. Más estrellas significa que esa pintura en particular es más permanente. Esto realmente no importará para las imágenes que estarás escaneando y manipulando digitalmente, pero si estás usando las pinturas para crear una obra de arte para mostrarla en tus paredes, es probable que quieras elegir pinturas que no se desvanecerán cuando se expongan a la luz. Te darás cuenta aquí que los pigmentos de una estrella o no clasificados ya comenzaron a desvanecerse en mi soleado ventanal después de tan poco como una semana. Por último, en cada tubo, también encontrarás una báscula Munsell, una pequeña guía que te da mucha información. En tubos de pinturas Holbein, la escala de Munsell está claramente dispuesta. Verás matiz, valor, y chroma, todos mostrados en un pequeño gráfico. El matiz es el color. Entonces por ejemplo, mi azul pavo real dice diez BG para azul, verde. El valor es la oscuridad o ligereza del matiz. Por lo que la escala va del 1 al 10, donde los números más bajos son más oscuros. Ese azul pavo real tiene un valor de cuatro, por lo que está ligeramente más cerca del extremo oscuro del espectro. Por último, el croma o saturación se refiere a lo brillante o silenciado que es el tono. Toda esta información puede ayudarte a asegurarte de que tus colores vayan juntos, tengan suficiente contraste y no sean demasiado brillantes. La escala de Munsell también aparece en las pinturas de Turner, pero es un poco más difícil de leer. En la etiqueta de pegatina en la parte posterior del tubo, encontrarás una serie de números como este. El primer número 341 es el número de referencia de Turner para ese color específico. El A es el número de serie. No los necesitas para nada. Entonces, ahí es donde encontrarás la escala de Munsell, 2GY es el tono, 7.5 es el valor, y seis es el croma. Ahora, pasemos a una nota rápida sobre el color. 7. Una nota sobre el color: Hablemos un minuto de comprar colores. Un conjunto de mezcla puede ser una gran manera de empezar con gouache acrílico. Turner, Turner Japanesque, y Holbein tienen conjuntos encantadores. Tendrán colores primarios y un negro y un blanco, por lo que podrás mezclar todo tipo de tonos diferentes. Pero si tienes un presupuesto limitado o esos conjuntos de mezcla te dejan sintiéndote un poco sin inspiración, es absolutamente aceptable solo comprar unos colores que te encantan. Es así como empecé mi colección de gouache acrílico. No tienes que comprar una paleta completa. Simplemente puedes trabajar en rosas o azules o verdes si eso es lo que despierta tu interés y te inspira a pintar. Los colores que te emocionan por pintar son los mejores colores con los que trabajar. No obstante, sí recomiendo un negro, un blanco, y algunos otros tubos de gouache. Si optas por omitir colores primarios o colores que están cerca de los colores primarios, tu ejercicio de mezcla intuitivo en la lección 3 se verá un poco diferente. Pero todo el punto de ese ejercicio es experimentar con la mezcla de colores para construir una comprensión más profunda de tu pintura, así que siéntete libre de sustituir los colores como más te convenga. A continuación, discutiremos las otras herramientas y materiales que necesitarás para trabajar con gouache acrílico. 8. Otros materiales: En esta sección, cubriremos todas las herramientas y materiales que necesitarás para completar los ejercicios y proyectos para esta clase. También cubriremos cómo afectará tu elección de materiales a tus pinturas para que puedas encontrar con confianza los suministros que se adapten a cómo quieres pintar. Empecemos por hablar de papel. El papel se puede describir por peso o por densidad. De cualquier manera, estás buscando algo lo suficientemente fuerte como para absorber la pintura sin deformar demasiado y sin dejar pequeñas manchas de pintura en la superficie de tu pintura. El papel para gouache debe ser entre 90 y 140 libras o entre 150 y 300 GSM. Dado que el gouache acrílico tiene una consistencia más gruesa que la acuarela, se puede utilizar en papel más delgado o menos denso con resultados sorprendentemente buenos. No obstante, en el extremo inferior del espectro, su papel tendrá más probabilidades de deformarse y la pintura puede agruparse un poco más en su página ya que el papel no lo absorberá. En el extremo superior, el papel podrá absorber más agua, lo que le dará áreas de pintura más suaves. Cuando se trata de textura de papel, generalmente tendrás tres opciones: prensa en caliente, prensa frío, y áspera. Las texturas de papel pueden variar ampliamente entre marcas, pero en general, la prensa caliente es un papel muy liso con poca o ninguna textura de papel o diente. Es genial cuando estás trabajando con gouache y no quieres ninguna textura de papel. Hace que sea muy fácil escanear en tus imágenes y limpiarlas. El papel prensado en frío, por otro lado, tiene más textura de papel o diente. Tiene una cantidad media de textura dependiendo de la marca que estés usando. Obtendrás más cepillado seco en este papel y la pintura se quedará puesto un poco más. Después hay un papel áspero con textura al máximo. Este trabajo agregará un interés visual extra a tus pinturas. Personalmente, me encanta mucha textura, pero solo ten en cuenta que digitalizar el papel áspero lleva un poco de tiempo y esfuerzo extra si ese es tu plan. También puede valer la pena señalar que si estás colocando lápices de colores en tu gouache, una textura de papel rugosa evitará que obtengas una capa lisa de pigmento de lápiz de color en la página. El material del que está hecho tu papel también puede impactar tus resultados mientras pintas. El papel de algodón es ampliamente considerado el mejor. Es absorbente de una manera que el papel basado en árboles simplemente no lo es. El papel de algodón suele ser más caro. marcas que utilizan papel de algodón incluyen Stonehenge de Legion, Arches, Fabriano, Artistical, y las almohadillas más sofisticadas del papel Canson. papel hecho de buenos árboles viejos es otra opción fina, aunque quizá encuentres que es menos absorbente y menos texturizado. También puedes encontrar papeles reciclados, papeles bambú y papeles plásticos. No he experimentado con estos. Si apenas estás empezando, sugeriría pegarte con algodón o papel a base de árboles. Siguiente es el color. La mayoría de los papeles vienen en un blanco crujiente, y ese es un gran lugar para empezar. A pesar de que algunos cuadernos de bocetos como los libros de Acuarela Moleskine tienen papel blanco más cálido. Eso significa que tiene un tinte ligeramente amarillento. Si te interesa, Legion sí lleva muchos colores diferentes de papel en su línea Stonehenge, incluyendo negro, blanco cálido, fawn, craft, azul pálido, y tantos más. Una nota rápida antes de pasar del papel. Algunos de los papeles caros pueden ponerse bastante caros, y eso se debe a que están hechos de mejores materiales. Van a absorber tu pintura más fácilmente para darte áreas de color consistentes en lugar de un papel más barato como este, que es una marca de nivel académico de Michael que no absorbe la pintura también. El pintura se sentará en la superficie de tu papel en lugar de absorberlo en él, puede dejar algunas rayas e inconsistencias en color. Siempre sugiero conseguir los mejores suministros de arte que puedas pagar. Pero eso no significa estirar tu presupuesto hasta su límite. Para esta clase, estaré usando las almohadillas de acuarela Cison XL porque son buena calidad y me dan suficiente papel para experimentar sin sentirme demasiado preciado con mi trabajo. Puedo cometer errores y empezar de nuevo sin sentir que tengo que llorar porque gasté tanto en el maldito papel. Ahora, veamos los pinceles. Para gouache acrílico, utilizo pinceles de acuarela. El gouache acrílico no reanima y puede secarse en tu cepillo. Este no es el lugar para alguna obra maestra de pelo de sable de lujo que cuesta más que una cena de lujo. Prefiero pinceles sintéticos de buena calidad, pero no geniales. Ya que se ponen de pie al fregado, hago para sacar el gouache de las cerdas, pero no tengo que ser demasiado preciado con ellas. Mis pinceles favoritos son los cepillos domesticados Escoda. Yo salgo con sólo tres tamaños de pincel redondo, un cero, dos, y un cuatro o seis dependiendo del día. Eso es todo lo que necesito para hacer el 90 por ciento de mi pintura. Pero esto dependerá de lo que te gustaría pintar. Para esta clase, ya que estamos pintando formas mayoritariamente orgánicas, pinceles redondos son probablemente una buena apuesta. Los pinceles planos son mejores para pintar cosas cuadradas como arquitectura o formas geométricas. Utilizo mis pinceles planos para pintar muestras. Tengo pinceles Princeton Neptune para este propósito. Son bastante caros, pero el color verde del mar era demasiado para que yo lo dejara pasar. Un pincel plano más asequible y un tamaño de media pulgada sin duda harían el truco. Después de los pinceles, mi herramienta más usada es mi lápiz. Hago bosquejo todo antes de pintar. Esto me permite enfocarme en la composición y la planeación mientras esbozo que tenga menos decisiones que tomar mientras estoy pintando. Si apenas estás empezando a pintar, recomiendo encarecidamente hacer bocetos primero porque luego cuando pongas pincel al papel, tendrás menos decisiones que tomar. Mis lápices preferidos son los lápices de colores Prismacolor, específicamente un durazno pálido y colores azul no fotográfico, porque los colores que uso son tan ligeros, a menudo ni siquiera borro ninguna línea callejero ya que solo están agregando a una encantadora cualidad gestual en mis cuadros. Pero las líneas también borran bastante bien. El otro beneficio de los lápices de colores es que no se manchan como lo haría un lápiz de grafito. Soy súper pesada cuando estoy dibujando. Entonces si bosquejo con un lápiz de verdad, termino con manchas y manchas por todas partes. Cuando estás pintando, todo ese polvo extra de grafito se puede mezclar con tu pintura y dejar que las cosas se vean un poco grises. En general, el papel de acuarela no tolerará mucho borrado. Perturbará las fibras y podría hacer que tu pintura se comporte un poco raro cuando empieces a pintar. En los casos en que estoy planeando pintar algo complejo, esbozo en mi cuaderno de bocetos o en mi iPad, luego transferir el boceto a papel de acuarela usando mi caja de luz o papel carbón. También uso cinta gouache para crear bordes nítidos alrededor de los bordes de mis páginas. Tengo cinta adhesiva, pero me parece demasiado pegajosa y tiende a rasgar los bordes de mi papel. De cualquier manera, te recomiendo pegar la cinta que estés usando en el dorso de tu mano primero para disminuir un poco la pegajosidad para que tu página sea crujiente y encantadora cuando quites la cinta. Tengo este protip del incomparable Dylan M. Si quieres un borde consistente, también puedes usar un lápiz y una regla para delinear el borde de media pulgada, un cuarto de pulgada, luego usar esas líneas como guías para dónde poner tu cinta. El último importante que necesitarás para trabajar con gouache es el agua ya que para pintar. Necesitarás algún recipiente que retenga agua para agregar a la pintura y lavar tus pinceles. También puedes disfrutar usando una pequeña marioneta o una botella de spray a la cantidad justa de agua a tu gouache. También tengo a mano algún limpiador de brochas maestro para sacar todo ese gouache acrílico de mis cerdas. Un poco va un largo camino cuando estás trabajando con pinceles pequeños. Por último, necesitarás algo para sostener tu pintura. Utilizo ya sea una paleta de cerámica o papel de paleta, ya que ambos son fáciles de limpiar y no terminan manchados. Puedes fregar fácilmente la paleta de cerámica o tirar el papel de palé después de llenarlo. Dado que el gouache acrílico no se reactiva con agua, quieres algo fácil de limpiar o tirar. También uso toalla de papel para secar mi pincel y solo para controlar la cantidad de pintura en mis cerdas. Voy a reutilizar un trozo de toalla de papel de aproximadamente un millón de años, si podemos decir. Eso es todo. Eso es todo lo que podrías necesitar saber. Vamos a saltar a nuestra primera lección sobre tu relación agua a pintura. 9. Lección uno: áreas de color: Hola, y bienvenidos a nuestra primera lección. A lo largo de este video, nos estaremos centrando en conseguir la proporción correcta de pintura a agua, o debería decir, encontrar nuestra relación correcta de pintura a agua, porque en realidad no hay una forma correcta de usar Gouache acrílico. Este primer ejercicio es encontrar la relación adecuada para ti con el fin de rellenar grandes áreas de color. Estaremos pintando una serie de cuadrados o rectángulos en opacidades variables de pintura para tener una idea de cómo funciona nuestra pintura. Todo lo que necesitarás es un lápiz, una goma de borrar, un trozo de papel de acuarela o tu cuaderno de bocetos, cualquiera de ellos va a hacer, y algo de Gouache, y supongo también un pincel y agua y todas esas cosas que necesitas para usar Gouache. Puede que te sientas tentado de sólo verme haciendo este ejercicio por él. Te animo a agarrar tus pinturas y probarlas por ti mismo. Cada tubo de acrílico Gouache tiene una personalidad diferente por los diferentes pigmentos que componen cada tubo de pintura. Por favor, agarra unos tubos de pintura y empecemos. Si bien he incluido plantillas de tamaño carta que puedes imprimir y trazar, estoy dibujando mis pautas con una regla porque me encanta usar una regla aparentemente. Cualquier forma en que quieras esbozar tus guías para estos experimentos es absolutamente perfecta. Estoy dibujando guías para crear una cuadrícula cinco por cinco para que pueda explorar mi relación entre pintura y agua con cinco pinturas diferentes. Si tienes más pinturas, puedes adaptar esto a cualquier tamaño que necesites. Una vez que tenga mis guías en mi papel de acuarela, solo voy a cinta los bordes. Esto me dará una línea crujiente y clara en los bordes de mi pintura y también evitará que mi papel deforme si uso un poco de agua o si estoy usando papel menos costoso. Generalmente, se quiere cinta hasta el borde mismo, pero no estoy demasiado preocupado por este deformación porque es solo un ejercicio. No estoy creando una pintura terminada. Una vez que tengamos nuestro papel pegado, podemos empezar a pintar. Agarra un tubo. Cualquier tubo de Gouache y exprimirlo en tu paleta o papel de paleta. Estoy usando unos colores particulares para que pueda mostrarte algunas de las propiedades del Gouache acrílico. Este primer color es magenta claro, y lo voy a usar casi en su totalidad sin diluir. Yo sólo voy a mojar mi pincel y pintar en mi primer rectángulo. A pesar de que estamos usando la pintura gruesa, no queremos dejarla gruesa en la página. Quiero suavizar mi dolor en una capa pareja para evitar que se agriete porque a diferencia de la pintura acrílica, el Gouache acrílico no es genial para crear textura tridimensional en tu página. Lo primero que notarás es que el Gouache es muy grueso y no del todo tan extensible. Incluso he añadido un poco más de agua para que pueda conseguir líneas crujientes al borde. Con esta opacidad de la pintura, es muy fácil obtener efectos de cepillado en seco y tu color generalmente va a ser opaco. Especialmente con un color como este, magenta claro que es un color más calcáreo, que es opaco a casi cualquier consistencia. Ahora, vamos a añadir un poco más de agua y pasar al siguiente cuadro de esta fila. Te darás cuenta de que en cuanto empieces a agregar la más mínima cantidad de agua, comenzarás a obtener más textura. Podrás ver tus pinceladas, lo que significa que a menudo considero mis pinceladas como en la pintura. En este caso, porque es un rectángulo trato de mantener las pinceladas bastante paralelas a lo largo del rectángulo. Realmente disfruto usando Gouache en diferentes opacidades para diferentes cosas. Pintar en esta opacidad media donde es muy translúcida es algo que me encanta por estratificar y construir color. Por otro lado, usaría una gruesa opacidad de pintura para una capa base de pintura al principio de una pintura para crear una capa de color consistente debajo de todo. Puede valer la pena señalar que si bien pintura acrílica puede empezar a desprenderse si la regas demasiado, nunca he tenido ese problema con el Gouache acrílico. Estas consistencias finales de pintura son las que rara vez uso por su cuenta, pero me gusta agregar pequeñas salpicaduras de agua como estoy pintando, para crear áreas de menos translucidez y áreas de más translucidez para agregar mucha profundidad a mi pinturas. Ahora, que estamos terminados nuestra primera fila, vamos a agarrar unos tubos más de pintura para explorar cómo se comportan en diferentes proporciones de pintura a agua. Ahora, que hemos creado escalas con algunos de nuestros tubos de pintura podemos empezar a ver las diferencias entre cada dos. Ese primer tubo de magenta es muy opaco en comparación con todos los demás colores. tanto que ese azul prusiano al lado es muy translúcido. En realidad es uno de mis colores favoritos para trabajar, pero nunca va a ser opaco a menos que le agregues otros colores. Se pueden ver los trazos del pincel incluso cuando sale justo del tubo. A medida que lo regas, sí empieza a granularse un poco. El tercer color ahí, la pintura de color japonesca, tiene mucha textura ardiente que no encuentras en las otras pinturas. Se pueden ver los trazos de pincel un poco, pero es más opaco que cualquiera de los colores a ambos lados de la misma. A medida que lo regas, se mantiene bastante consistente. No granula. En tanto que a medida que nos movemos a nuestra cuarta fila, este color rosa hace algunas cosas locas. Es un pigmento con el que realmente me encanta trabajar. No es ligero estable. Se desvanecerá con el tiempo porque tiene pigmento fluorescente en él. Pero granula el wazoo tan pronto como le agregas agua, y obtienes grandes pinceladas justo fuera del tubo. Es una pintura realmente cremosa con la que trabajar. Otra pintura con la que realmente me encanta trabajar es este azul smalt final. Es más opaco como nuestro magenta claro, pero sí consigues un poco de pinceladas con él. Ahora, que hemos terminado este ejercicio, te invito a que vayas a pintar, si aún no lo has hecho. Prueba esto. Podrás ver apenas a partir de estos pocos ejemplos, las diferentes personalidades que puedes encontrar en tus tubos de Gouache. En la siguiente parte de esta lección, estaremos explorando nuestra relación entre pintura y agua, centrándonos en crear líneas exactamente como las quieres. 10. Lección uno: líneas y textura: En esta sección, estaremos explorando líneas y texturas con Gouache acrílico. El delgadez o grosor de cada tubo de pintura, junto con la relación de pintura a agua afectará el tipo de líneas que puedes hacer, ya sean expresivas y un poco gloppy e impredecible o si será lisa, crujiente, y claro. Voy a usar exactamente los mismos colores para este experimento que usé para la primera lección sobre áreas de color porque creo que nos dará la oportunidad de explorar realmente las cualidades de estas pinturas. Ya sabemos cuáles son translúcidos, cuáles son opacos, y cuáles hacen cosas locas. Veamos cómo eso afecta nuestras líneas. Haremos dos filas de rectángulos por cada color. Empezaré en el primer rectángulo, haciendo líneas con pintura sin diluir. Esta es una pintura tiza y se puede decir por cómo estoy tratando de hacer líneas que no crea líneas muy consistentes cuando está sin diluir. La pintura no fluirá por el pincel, por lo que obtendrás áreas de espesor y delgado, lo cual es genial para líneas expresivas o para crear ciertas texturas, pero no tan genial para cuando buscas delinear una forma o crear lisas y líneas uniformes. Ahora, probaremos un pincel más grande y una línea más expresiva con curvas y curvas. De la misma manera, vemos muchas variaciones en color y tamaño de la línea. A continuación, centrémonos en solo una textura divertida y rápida para ver cómo se comportan los pequeños trazos de pintura. Ya verás porque la pintura es gloppy en el pincel, crea marcas de escotilla realmente inconsistentes. algunas son muy pequeñas, algunas son muy gruesas, otras son cepilladas más secas en efecto, y algunas son muy opacas. Ahora, regemos la pintura al 50 por ciento y repita los mismos tres experimentos cortos. Empezaremos primero con líneas y nuestro pequeño pincel. Ya estas líneas son mucho más delicadas y consistentes. Incluso si estoy pintando en el extraño ángulo y haciéndolos un poco tambaleantes, puedes conseguir mucho más detalle con una pintura más húmeda. A pesar de que estas líneas son un poco menos opacas y pueden ponerse bastante pálidas, tienes mucho más probabilidades de obtener líneas consistentes y predecibles cuando tu pintura es más delgada. Es decir, cuando tienes más agua en ella. Si quieres un color más opaco, puedes repasarlo en múltiples capas. Esa es la magia del Gouache acrílico. Sólo estoy haciendo algo de eclosión texturizada ahora con la misma pintura diluida, y se puede ver que el color es mucho más consistente. Los trazos son mucho más consistentes. Son más delicados y son mucho más ligeros. Pero eso está bien, siempre y cuando eso sea lo que estás esperando. Ahora que terminamos estos pequeños experimentos con nuestro primer color, probemos otros colores para ver cómo se comportan. Ahora que hemos terminado de pintar todos los colores, podemos empezar a notar patrones en la forma en que se comporta la pintura. El primero que hay que notar es que la pintura sin diluir te da líneas impredecibles, ya sea que estés tramando o creando trabajo de línea. lo que podemos sacar de esto es que cada vez que buscamos crear líneas rectas consistentes y lisas, solo tienes que añadir más agua a tu pintura. Te va a hacer la vida mucho más fácil. Otra cosa que podemos notar es que estas pinturas tizas son mucho más gruesas, incluso directamente del tubo que las pinturas translúcidas. Las pinturas translúcidas pueden crear algunas líneas consistentes y un patchwork más detallado, pero aún así van a conseguir líneas más bellas y consistentes si la regas. Dicho eso, ese color rosa todavía te va a dar algunos efectos muy fríos, incluso aguados porque es una pintura granuladora. Obtendrás mucha dimensión en tus líneas y mucha gradación en tu trabajo de línea más grueso, más expresivo. Ahora que entendemos la relación de pintura, necesitamos obtener los efectos que queremos en nuestro trabajo de línea. Vamos a pasar a una parte fundacional de mi práctica, haciendo muestreos de toda la pintura que tengo para que pueda entender los colores. 11. Lección uno: crear muestras: El siguiente punto fundacional que hago para trabajar con gouache acrílico es crear muestras. Creo muestras de cada color de pintura que tengo. En primer lugar, porque los colores en el tubo no son precisos, crear muestras me permite saber exactamente qué color de pintura hay en el tubo, cómo va a aparecer en el papel que uso y me va a dar una comprensión del propiedades de ese tubo particular de pintura; ya sea opaco o translúcido, si va a granular, todas esas cosas. Hay tantas maneras diferentes de crear muestras. Puedes usar papel de acuarela suelto o tu cuaderno de bocetos pero me encantan los gouaches sueltos porque puedo mezclarlos y emparejarlos para llegar a paletas de colores. Aquí está mi método para hacer muestras que demuestren la opacidad de mi pintura. En primer lugar, tomo un cuadrado de 2 pulgadas por 3 pulgadas de papel de acuarela. Tengo un cortador de papel de lujo que uso para cortar estos pero puedes absolutamente solo usar tijeras o rasgarlas si quieres. Utilizo una pequeña regla para medir 1 uno desde abajo. Aquí es donde voy a poner toda mi información de pintura; el nombre del color, el número, la marca, para que sepa exactamente a qué pintura se refiere esta muestra. Entonces, voy a grabarlo. Absolutamente no tienes que grabarlo. Simplemente hago esto que tengo una línea crujiente entre donde estoy escribiendo y donde está mi pintura. También me gusta poner un trozo de papel de paleta detrás para proteger mi escritorio. gouache acrílico solo se frotará de la mayoría de las superficies pero si no tengo que frotar mi escritorio después de hacer muestras, entonces eso es realmente un bono. Ahora, acabo de exprimir mi pintura. Al igual que hemos estado haciendo para todos los ejercicios hasta ahora, me gusta incluir dos opacidades de pintura en mis muestras. Me gusta usar sin diluir a lo largo de la parte superior para que pueda ver que es propiedades más opacas. Después meto mi pincel en agua y termino la muestra con una versión diluida de la pintura. No necesitas mucha pintura para esto, así que definitivamente no estás desperdiciando ninguna pintura. Entonces, solo entro y cruzo cualquiera de los bordes para asegurarme de que esté completamente cubierto de color. También te habrás dado cuenta de que acabo de sacar un pelo de gato de mi muestra también. Tengo un gato y eso significa que muchas veces su pelo se mete en mis cuadros. En ocasiones puedes simplemente arrancarlo con un cepillo mojado pero si eso no funciona, toma un cepillo para secadora y solo usa eso para sacar el cabello o si no te importa, solo déjalo ahí. Ahora, solo arranquemos nuestra cinta y escribamos nuestra información de identificación. En ocasiones, usaré un bolígrafo impermeable para esto, pero en este momento solo estoy usando lápiz porque el lápiz también es impermeable y puedo cambiarlo si mi letra es terrible. Sí quieres usar algo impermeable si eres como yo, porque uso mucho estas muestras. Se sientan alrededor de mi escritorio de arte, se manchan y se manchan y empujan por ahí y si tuvieran una pintura no impermeable, rápidamente se volverían ilegibles. Si quieres una forma más elegante de hacer muestras, te recomiendo usar esto. Esto es genial si estás usando tus muestras como utilería para cuando estás tomando fotos de tu trabajo o si realmente quieres solo información visual clara sobre los colores que estás usando. Esto crea cada muestra como su propia pequeña obra de arte. Empiezo por solo crear un borde de cuarto de pulgada alrededor del borde de mi papel de 2 pulgadas por 3 pulgadas. Entonces, voy a cinta alrededor de ese borde boceto para crear líneas nítidas y limpias sin tener que enfocarme en mi pincel. Ahora, solo rellenaré ese rectángulo con mi color. Puedes usar el mismo método que usamos antes, donde degradamos el color para poder ver más de las cualidades de la pintura o como estoy haciendo aquí, solo podrías crear una muestra de una sola opacidad de pintura, lo que sea opacidad con la que te gusta trabajar, cualquiera que sea el color de la pintura te va a dar la mayor información que necesitas cuando estás pintando. Ahora, solo lo secaré y me quitaré la cinta. Pondré toda mi información sobre la marca, el número, y el nombre de esta pintura en el reverso de la tarjeta para que no quede visualmente abarrotada en el frente donde la estaré usando. Repito este proceso con cada tubo de pintura que poseo para entender cada tubo de pintura y usar como tu referencia visual para llegar a paletas de colores para mis pinturas. Ahora, que tengamos nuestras muestras y tengamos una comprensión profunda de la relación entre pintura y agua que nos gusta usar, pasemos a nuestra primera pintura. Es jarra, tarro, botella o olla de vida muerta. 12. Proyecto uno: bocetos: Para este proyecto, estaré trabajando con un trozo de papel de acuarela 9x6. Es solo una de las piezas de papel Canson XL cortadas por la mitad. Al cortar el papel a la mitad, acabo de darme áreas más pequeñas cubiertas de pinturas. Puedo enfocarme más en la pintura. Siéntase libre de trabajar con su papel de acuarela a cualquier tamaño que desee. Empiezo como empiezo todas mis pinturas: creando un borde alrededor del borde. Esto asegurará que mi trabajo esté centrado y solo crea un marco de aspecto más profesional para mi pintura. En cuanto termine esta frontera, voy a empezar a bosquejar. Elegí bosquejar en Procreate porque me hace sentir mucho menos ansioso. No soy un dibujante competente a pesar de que lo llevo haciendo desde hace tanto tiempo. A mí me gusta bosquejar en algo que no es mi papel de acuarela, así que no termino empañando la superficie con líneas duras de lápiz y marcas de borrador. Puedes bosquejar en tu cuaderno de bocetos, en tu papel, o de cualquier forma que te sientas más cómodo. Como persona de forma autoidentificada, no me encanta bosquejar porque es tan dependiente de la línea. Tiendo a hacer un boceto muy suelto que puedo afinar y cambiar mientras estoy pintando, porque la pintura es un medio mucho más basado en formas. Solo estoy empujando por grandes áreas de color. Empiezo todos mis bocetos centrándome en el espacio negativo, es decir, en el área alrededor de mi tema más que en el propio sujeto. Esto realmente funciona con mi cerebro basado en formas porque es una forma mucho más clara y se puede ignorar la mayoría de los detalles. Después de que me he centrado en eso y tengo un contorno áspero, lo afino para convertirme en un contorno nítido, y luego añado detalle último. todo, mi boceto tardó apenas unos 10 minutos, lo cual no es del todo tan largo, por mal que Contodo, mi boceto tardó apenas unos 10 minutos, lo cual no es del todo tan largo, por mal queme diga que estoy en bosquejar. Notarás que mi boquilla es un poco inestable e imperfecta, pero eso está bien. Tu boceto no tiene por qué parecer lo que estás viendo frente a ti. El bello de pintar un bodegón es interpretar lo que ves a tu manera. Entonces si se ve un poco apagado, está bien. Ahora, solo transferiré mi boceto a papel de acuarela. Puedes hacer esto usando una caja de luz, una ventana soleada, o papel de transferencia de carbono, pero sea cual sea la forma que utilices, estará bien. Ahora, vamos a pintar. 13. Proyecto uno: pintura: Ahora que tenemos nuestra transferencia de boceto al papel de acuarela, pego mi papel, esto solo evita que el papel se deforme. Se quiere cinta al borde de la página si se trata de evitar que se deformen, pero esto es sólo un proyecto para esta clase, y no es una ilustración terminada que voy a estar usando o vendiendo, así que lo estoy tocando un poco suelto. Si te preocupa que tu cinta sea demasiado pegajosa, siéntete libre de pegarla primero a tu brazo o a tu escritorio, luego pégala y pégala a tu pintura, que no te arriesgues a arrancar los bordes. Mi siguiente paso cuando empiezo un cuadro es elegir colores base. Ya que no estoy planeando mezclar ningún color para este proyecto, solo estoy eligiendo para mis muestras. Estos son los colores que pensé que se adaptarían al diseño que quiero hacer. Todos los marrones para mi jarra, y algunos colores púrpuras para cumplirlo desde mi fondo. Voy a empezar con un morado claro para mi fondo detrás de la jarra. Siempre me gusta empezar con el fondo en lugar de la jarra porque puedo pintar sobre gouache. Si estoy un poco desordenado con mis antecedentes, está bien. Solo puedo limpiarlo mientras pinto mi jarra. Ahorra tiempo, y es realmente divertido empezar solo pintando grandes áreas de color. Voy a tratar de no pintar demasiado sobre la zona que va a ser mi jarra porque no quiero capas demasiada pintura, porque vas a tener algo de traslucidez, y poder ver algo del color a través. También tiendo a hacer mi capa base en lavado bastante grueso. Este es básicamente el más grueso que lo uso. Sí tiene algunas pinceladas, sobre todo en este color, pero en su mayoría es opaca y plana. No es acuosa. No estás viendo demasiado del papel a través. Esto es sólo para que tenga un área de color consistente detrás de mi pintura, para comenzar a construir profundidad y capas. Tiendo a mezclar mi gouache con agua en pequeñas cantidades, si solo estoy mezclando desde el tubo. De esa manera, no tengo que preocuparme por desperdiciar todo un montón de pintura. Pero si estoy mezclando colores de múltiples colores, tiendo a mezclar mucho más de esa manera no tengo que preocuparme conseguir una mezcla consistente cada vez porque tendré suficiente pintura para lo que quiera usarla. Al estar pintando a través de esta gran área, se está secando porque el gouache se seca rápido. Solo estoy limpiando los bordes y agregando una capa extra de pintura a las áreas que creo que podría usar algo más de opacidad. Ahora cambiaré a mi siguiente color. A mí me gusta usar dos tonos diferentes del mismo color para mis fondos en estos porque quiero que el foco esté en mi tema, la jarra, no en un fondo de pantalones de lujo. En este caso, sólo voy a usar un morado oscuro. Te darás cuenta cada vez que estoy llenando una gran área de color, cuando primero meto mi pincel en la gouache, no voy por los bordes de las cosas que quiero delinear. Voy por las grandes áreas. Sólo después de eso empiezo a moverme hacia los bordes más precisos que quiero hacer. Esto sólo significa que tengo gouache menos grueso en mi pincel. Me da un poco más de control sobre el área que estoy pintando. También pueden notar que repaso las mismas zonas más de una vez. Esto es solo para asegurarme de que tenga una capa de pintura lisa y consistente. Como mencioné en el video Áreas de Pintura, gouache acrílico no tiene las mismas cualidades que la pintura acrílica. No puedes dejarlo grueso y texturizado en tres dimensiones porque se romperá. En cambio, me gusta repasar todas las áreas que pinté varias veces, para asegurarme de que sean lisas y se sequen justo como yo quiero que lo hagan. Ahora, vamos a pasar a la capa base de nuestra jarra. Lo primero que pueden notar es: “Oye señora, ese amarillo no es el amarillo para tu jarra modelada, vieja, sucia, de latón”. Yo sé que chicos, pero siempre me gusta empezar las zonas a las que voy a añadir detalles, sobre todo algo tan funky como esa jarra en el color más claro posible. A pesar de que puedes capas de gouache, siempre es más fácil capas de colores oscuros encima de la luz porque vas a conseguir algo de traslucidez. Algo de ese color base va a salir. Además, solo va a hacer mucho más fácil dar mis reflejos de jarra, porque los colores claros son una capa un poco más dura encima de los colores oscuros, esto lo hará para que tenga una gran base para hacer cara brillante y brillante. Si tienes muchos detalles en tu jarra, esta es la parte donde podrían empezar a ponerse un poco fangosos. Esta es otra razón por la que me gusta bosquejar en un programa como Procreate o en un cuaderno de bocetos, porque entonces siempre tengo la copia prístina de mi boceto que podría usar como referencia, para que sepa dónde deben aterrizar mis detalles. Ahora que estoy llenando el interior de este espacio más complejo, en realidad he cambiado a un pincel más pequeño. Quiero decir que absolutamente podría estar usando mi cepillo más grande. La mayoría de estos espacios no son tan detallados, pero esto me da mucho más control sobre las áreas en las que estoy trabajando. También verás que estoy agregando unas líneas extra, detalles solo para señalarme dónde van a mentir esos detalles una vez que empiece a agregar capas de pintura. Ahora que estoy trabajando en mi tema en lugar de mis antecedentes, estoy prestando especial atención a mis pinceladas. Porque trabajo con mi gouache en una opacidad donde se pueden ver los trazos de pincel, van a ser visibles en mi pintura terminada. Entonces quiero asegurarme de que estén complementando la forma que estoy pintando. En las porciones redondas de mi jarra, estoy siguiendo las curvas y en las porciones rectas, voy en un movimiento paralelo a los lados del trote. Al seguir este mango, estoy curviéndome a lo largo del mango. Sería molesto ver pinceladas atravesando el mango porque así no es como nuestro ojo quiere ver esas líneas de liderazgo. Algo que no puedes ver está pasando fuera de cámara, probablemente debería haberlo mencionado antes de ahora, tengo una jarra de agua justo al lado de donde estoy pintando. Yo sumerjo mi cepillo ahí para lavarlo en medio de colores, pero también solo lo sumerjo en su intermitentemente para mantener mi cepillo húmedo y para asegurar que ningún gouache se seque en mi cepillo, porque simplemente no es divertido limpiarlo. Ahora me estoy moviendo a la primera capa de profundidad en mi jarra. Es realmente acuosa. En realidad sólo tenía un poco de miedo de crear toda la textura en la jarra, así que quería empezar con algo que no iba a ser- Indotable, si eso tiene sentido. Quería asegurarme de que fuera de color lo suficientemente claro que pudiera pintar sobre cualquier área que no se vea de la manera que yo quería. A medida que empiezo, solo busco áreas más oscuras en la jarra. Sean cuales sean las áreas que tengan esas sombras, ahí es donde estoy poniendo la pintura. No estoy tratando de ser demasiado preciado. Es decir, estoy usando como el pincel más pequeño del mundo por alguna razón, pesar de que podría estar usando un pincel más grande en este punto pero está bien. Cuando estás tratando de soltarse, generalmente es mejor usar un pincel más grande porque simplemente consigues líneas más impredecibles, y te da un poco menos para ser precioso. Algo que también notarás es que no solo estoy delineando mi jarra. Resulta que eso es un error novato que cometí desde hace bastante tiempo. Cuando pones un contorno duro en el exterior de la forma que estás tratando de hacer parecer tridimensional, simplemente hace que se vea apagado. Porque la realidad es, es que no todos los bordes de tu forma van a ser líneas duras. Así que sólo presta atención a qué bordes concentran sombras oscuras en las que no lo hacen. Te darás cuenta mientras estoy pintando a través de esto, cada vez más volveré y añadiré un color más oscuro a ciertas zonas de la jarra. Esto se debe a que esa zona de mi pintura se ha secado para que pueda seguir acumulando capas de color. Si intentas capas el color mientras aún está mojado, no creará una capa de color, solo se fusionará. Pero una vez que se seca, puedes acumular colores más oscuros colocando capas sobre las áreas que ya has pintado. Si quieres acelerar el proceso de secado, puedes usar absolutamente un secador de pelo. Simplemente lo hará mucho más rápido. Generalmente uso uno todo el tiempo, pero no traje mi secador a la mesa donde estoy pintando en este apartado. Si estás usando un secador de pelo para secar tu trabajo, solo quieres asegurarte extra de que no haya piscinas de agua ni pintura porque el secador de pelo empujará a esos alrededor. Es otra razón para asegurarte de suavizar tu pintura a medida que avanzas. Ahora, voy a pasar a la siguiente sombra que estaré usando, un ámbar más oscuro, crudo. Me gusta mucho este tono porque creo que le tiene algo de verde, y creo que realmente va a hacer que parezca latón empañado. Voy a regar esta pintura de manera bastante significativa, igual que lo hice con el primer tono que usé en mi jarra porque quiero que tantos de los colores bajo se muestren a través. También notarás que cuando estoy regando bastante pinturas, empiezo por poner una gota en mi paleta y regarla y luego moveré algo de pintura a otro poquito y le agregaré más agua. Para mí esto sólo me da más control sobre la cantidad de pigmento y pintura que tengo a mi disposición. Puedo agregar más pigmento según sea necesario sin tener que exprimir más del tubo, y puedo agregar más agua como me parezca conveniente. A lo largo de todo este proceso. Constantemente estoy mirando mi jarra. Todavía no estoy en el escenario donde mi pintura habla por sí misma, así que no estoy buscando las formas que ya he hecho para averiguar dónde estarían los aspectos más destacados. Constantemente estoy haciendo referencia de ida y vuelta, mirando mi jarra, deteniendo y reflexionando sobre dónde se encuentran la luz y las sombras. Otra técnica que me gusta usar es dejar un borde mojado ya que estoy trabajando. Esta es una técnica común en acuarela, pero me parece que funciona muy bien con gouache también, sobre todo cuando lo estás usando de esta manera no opaca. Si dejo un borde mojado en la zona en la que estoy trabajando, puedo seguir agregando color y se verá como una zona de color sin costuras. tanto que si dejo secar el borde o si uso la pintura muy finamente al borde de lo que estoy trabajando, creará distintas áreas de color como las capas de gouache sobre sí mismo. También acabas de presenciar una de mis técnicas favoritas y eso es sólo usar mis manos. A veces, un pincel tendrá un poco de pigmento o un poco de agua, así que si busco mezclar el borde de lo que estoy trabajando, a veces simplemente empujaré la pintura con el dedo. Es muy desordenado y realmente apela a mi hijo interior y funciona. Podrías llegar a esta etapa de tu pintura y desesperación. Esto es lo que yo llamo la fase fea. Estás pintando está a mitad de camino hacia convertirte en algo real, como una pintura real de una cosa pero aún no está ahí. La mayoría de tus ideas están a medio acabado y es realmente fácil meterte en tu propia cabeza en este punto. Yo sé que sí. El caso es, es que no se puede juzgar a un cuadro por su medio y si se detiene ahora, usted está pintando nunca va a llegar a esa fase bonita. Siempre se va a quedar en la fase fea e incluso podrías terminar contándote esta historia sobre cómo realmente no puedes pintar porque siempre solo haces cosas feas. Pero el truco para salir de la fase fea es en realidad muy sencillo. Es sólo perseverancia y confianza. Tienes que confiar en que tu ojo está viendo las cosas correctas y confiar en que tu mano pueda imitarlas. Aunque todavía estés aprendiendo, eso está bien. Porque cuanto más hagas esto y empujes y te permitas resolver problemas creativos sobre la marcha, más confiados te van a poner tu mano y tus ojos. Ya he pasado a un tono más oscuro. En realidad es sólo la misma pintura. Este es el ámbar crudo y apenas tiene un poco menos de agua ahora. Acabo de sacar algo de esa pintura más altamente pigmentada desde mi centro bien, hacia el pozo desde el que estoy trabajando. Sólo estoy atravesando y agregando aún más profundidad y dimensión. Para mí, me encanta agregar capa sobre capa sobre capa de pintura con el fin de agregar detalle y dimensión. Es una manera fácil de hacerlo menos presión. Porque si entré con un color realmente oscuro de gouache de inmediato, y no tengo mis sombras en el lugar correcto, entonces va a ser mucho más difícil repasar eso y hacerlo del color correcto después. Te darás cuenta de que en realidad estoy dejando mis reflejos probablemente más grandes de lo que están en el jarrón original y eso es solo porque es difícil entrar y agregar reflejos después que se vean bastante vibrantes. Por lo que estoy siendo muy cauteloso sobre la forma en que paso a esas áreas con mi pintura. No quiero agregar demasiado color demasiado pronto. Ya que estoy trabajando con colores más oscuros, empezarás a notar que empiezo a usar mucho mi toalla de papel. Esto es solo para controlar la cantidad exacta de líquido que está en mi cepillo. No quiero que mi pincel esté demasiado mojado y demasiado oscuro, y no quiero que mi pincel sea impredecible, sobre todo cuando estoy haciendo líneas más delgadas, más controladas, como lo que estoy haciendo ahora mismo. Dicho eso, yo sólo lo repasé con pintura grande y pastosa. No obstante, la técnica es la misma. Para líneas consistentes que son muy predecibles, quieres controlar la cantidad de agua en tu cepillo y eso incluye asegurarte de que no haya goteos en la broca metálica de tu cepillo. Porque si hay viajes allá arriba, como estás pintando, van a tirar hacia abajo en tus cerdas y añadir más agua a tu pintura de la que esperas. Así que solo asegúrate después de enjuagar tu cepillo, que estás limpiando cualquier gotita de repuesto. Simplemente voy a seguir agregando capas de profundidad y dimensión hasta que lleguemos a la parte donde empiezo a agregar detalles. Después abordaremos el mango, las sombras, todos los demás bits que necesitamos para juntar esta pintura. Ahora agarré mi pincel pequeñito para empezar a captar los detalles de mi jarra. Estoy usando pintura fina para crear líneas nítidas, limpias y consistentes. Te darás cuenta de que pasé mucho tiempo en este momento solo arremolinando mi pintura, asegurándome de que tengo absolutamente la cantidad correcta de pintura en mi pincel. Porque con líneas detalladas como esta, es realmente difícil deshacerlas porque tengo tanta profundidad y textura debajo de ellas. Otra cosa a tener en cuenta es que estas líneas detalladas no tienen por qué ser perfectas. Intento pintar lo que veo, pero la belleza de un bodegón es pintar lo que ves a través de tus propios ojos. Si las líneas terminan un poco tambaleadas o desiguales o terminan exactamente donde planeas que estén, eso está bien. No tienes que rehacerlas. Podrías simplemente abrazar la imprevisibilidad, el proceso de pintar e ir desde ahí. Empecé pintando mis líneas bastante separadas y decidí que eso no era lo que quería. Por lo que acabo de llenar con más líneas en el medio. Tu jarra, tarro, botella o olla, podría tener detalles totalmente diferentes a los míos. De hecho, casi definitivamente tiene detalles totalmente diferentes a los míos, pero solo puedes confiar en tu instinto y en lo que ves. ¿ Estás pintando un tarro con hermosos motivos florales repartidos por la superficie o tipo, o quién sabe qué más podría estar en tu cosa hermosa que estás pintando en persona. Pero puedes confiar en tus ojos, confiar en lo que estás viendo, y simplemente seguirlo y abrazar estar suelto y expresivo con tus detalles. No tienen que parecer la jarra que ves antes que tú. Estás creando una cosa totalmente separada, una pintura de naturaleza muerta por la tuya verdaderamente. No tiene que reflejar la vida real. Mi trabajo que estoy pintando no se ve exactamente como el que veo ante mí, sobre todo la parte de caño. No sé por qué, pero creo que es el ángulo en el que estoy sentado. Cada vez que lo miro, veo dentro de la abertura y hace que la boquilla venga todo funky. Pero eso está bien. Yo lo estoy abrazando y quiero ver adónde me lleva. Porque un cuadro, a diferencia de una fotografía, no tiene que parecer la vida real. No eres una cámara. Eres un ser humano con una mano tambaleante, impredecible. Ahora, he empezado a trabajar en el mango. Cuando trabajo en un mango como este estoy prestando especial atención a las sombras, porque a veces si no lo haces, el mango va a parecer que está flotando encima de tu jarrón o jarra, o va a parecer que no es realmente adscrito. Quieres asegurarte de que lo estás poniendo a tierra con sombras exactamente donde las ves. Las sombras son lo más mágico cuando estás pintando y son mi obsesión actual, probablemente por eso estoy tan obsesionado con las bodegones. Las sombras le dan peso a tu trabajo. Hacen que se sienta como si estuviera descansando sobre algo o sentado en el espacio. Me estoy centrando en las sombras en la parte inferior en la parte superior de ese mango y en la parte lateral orientada hacia el exterior. También estoy poniendo sombras debajo de ese extraño detalle en mi mango de mi jarra. Al trabajar en un área pequeña como este mango, es posible que encuentres que tienes que agregar sombras y luego volver con reflejos y eso está bien. Es realmente duro trabajar en áreas pequeñas y hacer sombras justo donde quieres que estén. Alterno entre claro y oscuro a medida se seca la pintura para asegurarme de que tengo mis sombras y reflejos donde las quiero. Algo que debes recordar mientras estás trabajando a tu paso por cualquier pintura es que, veces, tu ojo de los espectadores se va a dibujar dondequiera que pases más tiempo. Para mí, no me importa fastidiarme con este caño por mucho tiempo. No me importa si la gente tiene sus ojos dibujados ahí a pesar de que es torpe. Pero si hay algo en tu cuadro que no te gusta, swoosh algo de pintura ahí, y seguir adelante. Porque cuanto más detalle, y capas, y tiempo que pases en esa zona, más enfoque va a dibujar en medio de tu pintura. Ahora, estoy pasando a agregar en unos momentos destacados solo para darle un poco de vida extra a mi jarrón. También voy a entrar con un poco de mi color de fondo para limpiar los bordes en cualquier lugar que haya pintado sobre lo que quería, o para arreglar la forma de cualquier cosa de lo que no estoy seguro. Simplemente voy a seguir arreglando estos pequeños detalles, agregando sombreado y un poco más de pulido a cualquier área que creo que lo necesite. Cuando llegas a esta etapa de un cuadro, puede ser realmente difícil decir cuándo está terminado. Podrás pasar un millón de años agregando pequeños detalles, ajustando esta cosa y esa cosa, agregando sombreado y reflejos. Pero la realidad es que una pintura está terminada cada vez que dices que está terminada, ese es realmente el único factor guía que tienes. Cuanto más pintes, más aprenderás a escuchar esa voz dentro de ti que te dirá, creo que estamos ahí. Creo que lo hemos logrado. Si no estás seguro, siempre es una gran idea simplemente dejar un cuadro a un lado hasta mañana o por unos días y volver a él, porque nunca hay ningún daño en hacer eso. Acabo de agarrar algo de pintura blanca, que estoy mezclando con ese amarillo Nápoles inicial para agregar en algunos reflejos en cualquier lugar que creo que lo necesitan. Te darás cuenta de que en esta etapa del proceso, al agregar reflejos, ahí es donde más consigo pintar con los dedos porque quiero que los reflejos sean suaves. Esa es sólo mi preferencia personal. Eres más que bienvenido para agregar reflejos atrevidos y pictóricos en cualquier lugar que quieras. Solo estoy poniendo especial atención en cualquier lugar la luz golpee mi jarra, sobre todo duro. Algo que pueden notar es que mi jarra en realidad parece tener dos puntos de luz y eso es porque estoy usando un rebote ligero para filmar esto para conseguir que la luz sea más pareja. Pero significa que mi jarra tiene luz desde la ventana de un lado y refleja luz de mi rebote de luz en el otro lado. Si estás pintando cerca de una pared o ventana blanca, es posible que encuentres que tu jarra también tiene dos puntos de luz, debido a que la luz se refleja de nuevo en tu jarra desde tu fuente de luz principal. Ahora, todo lo que queda por hacer es agregar mi sombra final, la sombra que colocará mi trote en la superficie sobre la que se sienta. Estoy usando un morado negro del Klein japonés de Turner porque me encanta. Pero me voy a bajar como loco para que mi sombra sea un poco de software. Al agregar mucha agua también me da mucha agua para moverme para ponerme bochornoso, y manchada, y brushstrokey partes de la sombra, porque quiero que sea un poco galleta. No quiero que sea una sombra perfecta para el objeto que estoy mirando, sobre todo porque estoy disparando en una habitación bastante luminosa y mi jarra en realidad no tiene mucha sombra. Siéntase libre de usar su propia interpretación de cómo agregar sombras. Al estar terminando este cuadro, quería tomarme un minuto para decirles que la pintura lleva tiempo, lo que suena como lo más absurdo decir. Pero para mí, a menudo tengo prisa. Siento que si este video es de 30 minutos, esa señora lo pintó en 30 minutos, ¿por qué mi pintura me lleva tanto más tiempo? Pero la realidad es que este metraje está acelerado. Chicos, este cuadro me llevó dos horas completas. Tu pintura puede tardar más o más corto que eso dependiendo de cómo pintes, cuánto detalle añades, cuánto tiempo quieras pasar. Pero no hay prisa cuando estás pintando. Puedes tomar el tiempo que necesites tomarte. Ahora que hemos terminado nuestro primer proyecto, pasemos a nuestra segunda lección donde exploraremos estratificar nuestra pintura. 14. Lección dos: capas: Hola y bienvenidos a la Lección Número 2. En esta lección, nos vamos a centrar en el estratificación y el control del pincel. Nuestro primer ejercicio será capas de colores claros en la parte superior de los oscuros, y colores oscuros en la parte superior de la luz. Imprimí una plantilla de un montón de círculos y puedes encontrar una plantilla en la guía de recursos en la sección de proyectos. Este podría ser un poco más difícil de bosquejar a mano porque no se pueden dibujar círculos con una regla. Pero si tienes algo circular en tu escritorio que solo quieres trazar, eso también funcionará maravillosamente. Tan solo asegúrate de que haya suficiente área dentro de tu círculo para poder ver variaciones de color y translucidez de tu pintura. Para este ejercicio, escogí cinco colores diferentes de pintura que estaré usando en mi consistencia preferida, la consistencia que uso con más frecuencia. Tendrás que elegir tres colores claros y dos colores oscuros o viceversa. Pero de cualquier manera, querrás una mezcla de colores claros y oscuros. Este primer color es el azul claro de toda la viga. Empezaré pintando en colores claros, dos colores claros diferentes en los círculos segundo y cuarto de mi primera fila para ver cómo los colores más oscuros se recubren encima de ellos. Ya, se puede ver que los colores oscuros de mis contornos que imprimí se están mostrando a través. Esta pintura no es lo suficientemente opaca para cubrir esas líneas. A menudo encuentro cuando estoy trabajando con una pintura de color claro, quiero dejar espacio en blanco debajo de cualquier área donde necesiten brillar. Si trato de trabajar con estos colores claros encima de los colores más oscuros, o encima de las líneas detalladas, se va a mostrar a través. Esto puede ser genial si ese es el efecto que vas por, pero si estás tratando de conseguir una forma plana, de color opaco, va a ser muy frustrante y tendrás que hacer múltiples capas de pintura para conseguir el efecto que quieres . Esta es también una de las razones por las que me encanta trabajar con los Prismacolor, lápices coloreados cuando estoy trabajando con gouache, porque el color claro de esos lápices no se muestra a través de mis pinturas de la misma manera que un gris áspero línea de lápiz lo haría. Si necesitas estar pintando sobre líneas más oscuras como esta, sugiero trabajar con una de las pinturas más tizas, algo con un pigmento blanco en ella que sea muy opaco, o uno de los colores cenicientos. Por ejemplo, esta pálida lavanda es uno de mis colores favoritos absolutos para trabajar. Lo uso en casi todas las pinturas. Es muy tiza y opaca. Bueno puede que no cubra completamente las líneas, ya se puede ver que tiene una cobertura mucho mejor que esa pintura azul claro. Cuando estás planeando capas de tu pintura, es especialmente importante asegurarte de que estás suavizando cualquier área de pintura o agua de tu página, que tengas un área lisa para capas. De lo contrario, tu pintura podría terminar agrietándose. Ahora empecemos a capas nuestras zonas de color más oscuras. Tendrás que asegurarte de que tu pintura esté completamente seca antes de comenzar a estratificar encima de ella. Porque el gouache acrílico no reanima con agua. Pero si aún está mojado, se va a mezclar. Siguiente paso, voy a agarrar mi azul smalt, otra de mis pinturas favoritas absolutas. Este es muy opaco, como verás en un minuto. Es un color de gama media, realidad no es del todo tan oscuro. Pero por los pigmentos que componen esta pintura, cubrirá casi cualquier cosa. Por eso es tan importante hacer pequeños ejercicios como este para entender realmente la calidad de tus pinturas. Cada tubo es un poco diferente. Si los miraba en el estante, mi azul ultramarino va a verse bastante similar a este azul smalt, sobre todo porque los colores en el tubo no son del todo tan precisos. Pero el azul ultramarino, que verás en unos minutos, es muy translúcido, mientras que esta es una pintura mucho diferente. Bueno, se puede ver el más mínimo indicio de mis líneas de contorno oscuras, la parte trasera de este cuadro, es mayormente opaca. No se te da una pizca de esa pálida lavanda debajo. Ahora, llenemos los dos siguientes de nuestros colores más oscuros en esta primera fila para ver cómo se comportan sobre los colores más claros de la pintura. Ahora seguiré rellenando exactamente los mismos colores en mi fila inferior, excepto en esta ocasión los colores oscuros estarán detrás de los colores claros. Ahora que todos nuestros círculos están llenos, realmente podemos ver las cualidades de estas pinturas y cómo se capas. Ese primer azul ultramarino es de alguna manera opaco, pero no súper opaco. El azul prusiano medio, uno de mis favoritos absolutos, no es para nada muy opaco. Se puede ver directamente a través de los colores debajo, y luego el azul smalt al final es bastante opaco. En oposición, podemos ver que nuestra fila inferior, esos colores claros no capas muy bien en la parte superior de los colores oscuros, se puede ver a través de casi todos los detalles. También puedes notar que cuando pones colores claros encima de la oscuridad, amplifica la sensación de tus trazos de pincel. Te vas a poner mucho más bocetos. Si ese es el efecto que vas por, puede ser increíble. Pero si no vas por ese efecto, si quieres áreas planas de color vas a tener que colocar múltiples capas de pintura o simplemente planear tu pintura para que estés poniendo esos colores claros abajo primero y dejando el área debajo de ellos blanca. Ahora que entendemos cómo capas nuestros colores para obtener los efectos que queremos, nuestro próximo ejercicio cubrirá el control de pinceles para aquellos momentos en que necesitas pintar alrededor de una forma en lugar de sobre ella. 15. Lección dos: control del pincel: Para este ejercicio, estaremos trabajando con la misma plantilla exacta que estábamos usando para el último ejercicio. Siéntase libre de rastrearlo de mis plantillas que proporcioné o agarrar algo circular de su escritorio. Nuevamente, este ejercicio se centrará en el control de pinceles , es decir, asegurándose de que tu pintura caiga exactamente donde la quieras. Estaremos rellenando estas formas, trabajando alrededor de las esquinas y las curvas. Te recomiendo agarrar una mezcla de pinturas calky y unas más translúcidas para que veas cómo se comportan en tu pincel. Empiezo con este magenta claro, y estoy usando un pincel talla seis con un punto bastante bueno. Ese puede ser mi mejor consejo para conseguir líneas donde las quieras aparte de la práctica. Tener un pincel que es más nuevo y tiene una punta puntiaguda crujiente te va a dar mucha más variación en línea, y te va a permitir llegar directo al borde, sobre todo cuando estás trabajando con gouache acrílico porque no reanima con agua. A medida que tus cepillos envejecen, algunos de sus porquería podrían quedar atrapados en la brocha de metal de tu cepillo. Eso significa que ya no va a sostener un punto perfecto porque habrá diminutos espacios entre tus cerdas que lo van a hacer menos que ideal para trabajar. No tan mal si estás trabajando con grandes áreas de color, pero realmente frustrante si estás tratando de meterte en un pequeño rincón pequeñito. Si tus pinceles son bastante viejos o no tienes los pinceles de alta calidad que deseas porque simplemente no está en tu presupuesto. uno de los mejores trucos para probar es simplemente cambiar a un pincel más pequeño cuando necesitas meterte en espacios más pequeños, porque la verdad es un pincel más pequeño significa errores más pequeños. El otro punto a tener en cuenta aquí es que estoy trabajando con mi gouache en una proporción uno-a-uno. Esta es mi relación favorita. Se pueden ver los trazos de pincel. Es un poco acuosa, pero sí me da mucho más control sobre mi pintura del que tendría si estuviera trabajando con una más gruesa. Discutimos esto en detalle en nuestra última lección, pero vale la pena repetirlo. Tener un poco más de agua en tu pintura te va a dar más control sobre tus líneas. Ahora, voy a pasar a mi siguiente color. Este es melocotón pálido, uno de mis colores favoritos para trabajar. Voy a tratar de pintar hasta la línea que acabo de pintar sin solapar. Porque este es un color mucho más claro, inmediatamente verás cualquier error de rasqueta que cometa. También estoy tratando de seguir la curva de esta forma tan bien como puedo. Es decir, en general, pinto expresivamente. me gusta que mis líneas sean un poco divertidas y indecibles e impredecibles, pero hay límites para eso. A veces solo necesitas una forma para ser exactamente la forma que necesitas que sea, y necesitas tener confianza en que puedes hacerlo, para que te diviertas en el proceso de pintar, en lugar de preocuparte por todo el proceso de pintura. Si el control del pincel es algo que te pone un poco nervioso, siéntete libre de romper estos círculos en formas aún más pequeñas, llenando las áreas entre los círculos con diferentes colores. Es un gran ejercicio solo para practicar y construir confianza cuando no estás trabajando en un cuadro en el que estás emocionalmente invertido. Esa es la magia de hacer pequeños ejercicios como estos. Al menos para mí, cuando estoy trabajando en una pintura real, mi perfeccionismo entra en marcha. mí me preocupa tanto hacer algo que sea bueno, que a veces pierdo el impulso para experimentar. Pero al completar pequeños ejercicios que tienen menos presión, puedo construir habilidades fundacionales que me servirán a medida que paso a pintar cosas que me importan. También puede valer la pena señalar que la perfección es una tontería, chicos; de verdad. No existe tal cosa. Al trabajar en estos experimentos, puede que te frustres que tus líneas no coincidan exactamente, o que haya pequeños huecos de luz o pequeños bits de superposición. Yo estoy aquí para decirles que esa es la belleza de la pintura, esas líneas impredecibles, los lugares donde se puede ver la mano del artista. Como dije en la primera lección, no eres una cámara. No estás aquí para recrear con precisión las cosas que ves. Estás aquí para interpretar las cosas que ves a través de tus propios ojos y a través de tu propia mano. A veces podemos ponernos realmente abajo en nosotros mismos cuando nuestras líneas están temblorosas o impredecibles o seguimos cometiendo los mismos errores una y otra vez. Pero la realidad es, es que esos errores que solo tú cometes una y otra vez se van a convertir en la base de tu estilo personal. Cuando empecé a pintar, mi estilo personal era usar muchos lápices de colores con mi gouache, y una gran parte de eso fue porque mi control de pinceles no era genial y no pude hacer que mis áreas de color se alinearan justo como yo quería a. Usé lápices de colores para enmascarar las zonas donde había huecos entre mis colores. Ahora, a pesar de que mi control de pinceles ha mejorado mucho después de años de pintura, todavía me encanta llegar a los lápices de colores. Ahora es parte de mi ADN. Te darás cuenta de que con ese color magenta profundo que usé como mi tercer círculo, lo muestra todo. Esta es otra de las pinturas que tiene un pigmento fluorescente en ella. Ese pigmento fluorescente granulado. Una de las cosas con un pigmento granulante es que ves los trazos del pincel al máximo y puede lucir cada pequeño detalle. Si estoy haciendo algo realmente complejo o difícil, tengo más probabilidades de agarrar por una pintura tiza o un color más claro que va a ocultar un poco más mis errores. Ahora trabajo con lila pálida. Qué bonito color de luz. Ya verás que accidentalmente me detuve en mi color más oscuro un poco, pero está bien. Yo sólo puedo volver a repasar. Esa es parte de la belleza de trabajar con gouache acrílico. Hay tanta flexibilidad porque la pintura no reanima para arreglar tus errores. Volver a entrar con un pincel más pequeño si es necesario. Algo a notar sin embargo es que si vas por encima pinturas muy translúcidas con capas extra de color, vas a perder algo de esa translucidez. Para mí, me gusta trabajar con estas pinturas translúcidas, generalmente con blanco debajo de ellas, para que puedas ver toda la hermosa textura y trazos de pincel. Pero cuantas más capas de color agregues, menos probable es que vayas a poder ver toda esa hermosa textura. A lo largo de este ejercicio, estoy tratando de alternar áreas oscuras y claras de color, su mayoría para hacerlo más difícil para poder ver claramente cualquier área donde haya repasado lo que pretendía hacer. Si te está costando meterte en un área pequeña o te está costando seguir la forma de la curva, veces ayuda solo dar vuelta a tu página. No estoy haciendo eso aquí porque mi página está pegada para que no la mueva fuera del área donde la cámara la pueda ver, pero puede ser enormemente útil. Nuestras muñecas sólo giran en tantas direcciones. A veces es realmente útil ampliar tu rango de movimiento simplemente girando la página. Pequeños trucos como ese pueden ser tan útiles para conseguir tus líneas donde quieras. También sugiero sostener su pincel mucho más suelto que yo. Agarro la mía apretada en mi puño y eso puede hacer realmente difícil controlar mi pincel porque no tengo mucho rango de movimiento en mi mano y muñeca entonces. Un agarre más holgado te dará mucha más fluidez a tus curvas. Al terminar esta primera fila, sólo voy a agarrar unos colores más y empezar en la segunda fila. En la segunda fila, voy a dejar espacios en blanco entre cada círculo en lugar de rellenar esas áreas, para conseguirme más esquinas y curvas con las que trabajar. Estamos todos terminados. Te darás cuenta de que en un momento, sí entré y corrijo algo de mi verde radiante profundo con un poco de blanco titanio. Esa es una de las maravillas del gouache acrílico. Porque es opaco, puedes entrar y tapar pequeños errores. Notarás que ninguno de estos círculos es perfecto. Todos son un poco tambaleantes y expresivos, y eso está bien. Tu pintura no tiene por qué ser perfecta. Ahora que hemos cubierto todos los fundamentos del estratificación y el control del pincel, pasemos a nuestro segundo proyecto, un arreglo floral de naturaleza muerta. 16. Proyecto dos: bocetos: Para este proyecto, estaré trabajando con un pedazo cuadrado de papel de acuarela de nueve pulgadas. Eso es sólo porque me encanta trabajar en formato cuadrado. No sé por qué, pero me parece súper satisfactorio. Siéntete libre de trabajar con tu papel a cualquier tamaño que funcione mejor para ti. Estoy haciendo un borde de una pulgada alrededor del borde de mi página para crear un contorno nítido y limpio y para asegurarme de que mi trabajo esté centrado. Si bien hago eso, siento que tengo una confesión que hacer. Pintar flores me estresa. Creo que es el perfeccionista en mí. Algo sobre todas esas capas y volantes y pétalos de inmediato me da palpitaciones del corazón. Si este es el caso para ti también, no te preocupes, vamos a empujarlo a través de él y hacer algo genial. La primera parte de crear un bodegón floral es conseguir tus flores y arreglarlas. Puedes arreglarlos de la forma más sencilla o tan fantasiosa como quieras. Las flores de la tienda de comestibles están bien, o puedes regalarte algo un poco especial. Divulgación completa, usé flores de tienda de abarrotes la primera vez que disparé esto, y luego tuve que volver a dispararlo, así que me traté a estos pequeños cabrones de lujo. Mi primer paso es arreglar las flores. A mí me gusta mantenerlo sencillo. Empecé con esa hortensia grande y vieja. Lo conseguí porque era súper barato y sabía que llenaría cualquier espacio vacío en mi arreglo. Entonces empecé con mis pequeñas proteas de lujo. Después, acabo de llenar los espacios restantes con esas pequeñas flores de manzanilla y los pedacitos verdes que no podía dejar en la tienda. Cuando solía bosquejar flores, solía hacer bocetos muy precisos, intensivos en mano de obra, y largos para conseguir cada detalle justo. Después de un tiempo me di cuenta de que al hacer eso me estaba preparando para el fracaso. Me encantan los florales sueltos y expresivos, pero con ese boceto preciso, estaba un poco atrapado. Así que he empezado a crear menos de un boceto y más de un mapa. Mi intención no es captar la personalidad de ninguna de las flores cuando las dibuje. Yo sólo quiero tener una buena comprensión de dónde va a estar cada flor dentro de mi pintura y dónde estará mi punto focal. Bloquear mi pintura de esta manera me ayudará a ver cómo se verá la pintura terminada y me ayuda a solucionar problemas con mi composición antes de empezar a pintar. En este caso, esta composición es un poco desequilibrada por esa gran hortensias. Entonces he tomado una de las hojas tristes de mi hortensias, y sólo la voy a poner al otro lado de mi pintura. Está un poco marchita ahora, pero está bien. En general, este boceto me tomó menos de 10 minutos, su mayoría sólo para pulir la forma de mi jarra porque pensé que quería que eso fuera bonito, crujiente, y claro porque francamente, estoy enamorado de esa jarra. Te darás cuenta de que ni siquiera dibujé la forma para mis pequeñas flores de manzanilla, acabo de poner un montón de medios. Ahora que tenemos un boceto terminado, vamos a transferir nuestro boceto al papel de color agua y conseguir la pintura. 17. Proyecto dos: pintura: Tengo mi boceto transferido y mi papel pegado listo para pintar. Ahora, voy a elegir algunos colores. A veces lo haré con muestras, y a veces lo haré solo agarrando algunos de mis tubos de pintura favoritos. Simplemente estoy pasando por mis tubos de gouache agarrando todos los colores que creo que funcionarían muy bien con los colores en mi arreglo floral. Tan amarillo para los medios de mis flores de manzanilla, algunos verdes para mis hojas, algunas rosas brillantes y rosas más suaves para mi hortensias y esas locas, pequeñas flores de protea. Seguro que estás absolutamente al tanto de esto, pero por si acaso te has olvidado, no tienes que usar los colores que ves en tu arreglo. Especialmente si estás usando flores de tienda de abarrotes, los colores que ves pueden no ser los colores que te gusta usar, pero eso está bien. En ese caso, usa los colores que amas, y usa tu arreglo floral físico real como guía dónde estarán los diferentes valores dentro de tu pintura. Será una increíble guía de dónde golpean tus sombras, donde están sentados diferentes valores contrastantes, y cómo las diferentes flores se juegan entre sí, incluso mientras juegas con todos los diferentes colores que tu corazón desea. Tampoco tienes que elegir cada color que vas a estar usando en tu pintura antes de empezar. Pero para mí, me parece realmente útil tener una hoja de ruta de los colores a los que estoy planeando llegar para que tenga menos opciones que tomar mientras estoy pintando. Porque soy tan perfeccionista, puedo desanimarme fácilmente. Si dejo demasiadas decisiones que tomar mientras estoy en medio de la pintura, bueno, entonces termino poniéndome un poco nerviosa y probablemente no voy a hacer mi mejor trabajo o voy a renunciar. Por lo que al cuidar estas decisiones antes de abrir un tubo a de pintura, me estoy preparando para un poco más de éxito. No estoy 100 por ciento seguro de esta decisión, pero creo que voy a hacer mis antecedentes en la línea pálida. Creo que complementará los colores fríos en mis proteas y creará un bonito telón de fondo para esas cosas onduladas, onduladas, pequeñas, verdes. Dicho eso, también es un color realmente pálido. Entonces si después decidí que lo odio, bueno, sólo puedo pintar sobre él. No estoy planeando mezclar ningún color de pinturas de fantasía para esta pintura. Planeo usar toda mi pintura justo fuera del tubo. De esa manera no tengo que preocuparme por nada más que centrarme en el estratificación y la opacidad de mi pintura. Darte límites como este es una gran manera de enfocarte en los fundamentos. Empiezo con mis antecedentes, igual que con cada pintura, con mi pintura diluida a 50 por ciento de pintura y 50 por ciento de agua. Ahora, podrías estar preguntando, con esos trozos sueltos, ondulados, verdes, Lana, ¿cómo vas a decidir dónde pintar, ni siquiera los dibujaste? La respuesta es, solo voy a pintar cerca posible de esos porque me encanta cuando los pedacitos de papel blanco asoman y cuando vas a ver pedacitos del fondo alrededor de esos realmente sueltos, gesturales- buscando piezas de follaje. Ya que mi fondo es ligero, no tengo que preocuparme por pintar ese follaje encima de él. Va a aparecer bien porque estaré usando un color verde más oscuro. Si estás usando un fondo más oscuro, tal vez quieras considerar que con cualquier follaje suelto que tengas porque podría ser más difícil conseguir líneas crujientes, limpias, y un color más claro encima de un fondo oscuro. En esos casos, yo sólo dejaría esas áreas en blanco. Pintar a su alrededor. Después podrás rellenarlos más adelante en el color más claro que quieras, una gran oportunidad de practicar tu control de pincel. He profundizado bastante en mi arreglo con mi color de fondo. Eso es porque quiero usar pintura blanca encima de ese fondo para crear mis flores de manzanilla. Espero que el contraste entre esta lima pálida y la pintura blanca sea suficiente contraste para hacer estallar esas flores. Ahora bien, si esto fuera una pintura de lujo, es comisión de clientes, probablemente lo hubiera probado primero. Pero, en este caso, estoy dispuesto a arriesgarme y experimentar un poco. Nada se va a lastimar excepto quizá mi ego si no funciona. Ahora, sólo voy a llenar unas pocas áreas más y luego empezar por la mitad inferior de mi pintura. Voy a acelerar un poco las cosas para que podamos llegar a las cosas buenas. He elegido un color bastante neutro marrón para esto, pero lo estoy regando un poco para que me quede marcada dimensión en el color. Ya que mi jarra es blanca, estoy tratando de tener bastante cuidado alrededor de esos bordes para que pueda pintar en esa zona con el color blanco crujiente más adelante sin tener que hacer demasiadas capas sobre este marrón oscuro. Este color ámbar crudo es el primer color translúcido que me has visto usado sobre un fondo. Me encanta absolutamente cuando puedo ver pinceladas, diferentes dimensiones y texturas en el trabajo que estoy haciendo. Pero si esa no es tu taza de té, probablemente quieras evitar usar estos colores translúcidos en áreas grandes para colorear porque, como puedes ver, vas a conseguir zonas más claras y zonas más oscuras a diferencia de lo que haces con una pintura más calky. O también podrías agregar un poco de blanco u otro color calky a esta pintura para que sea más opaca. Pero, claro, eso cambiará el color. Ahora, voy a pintar esa jarra. Porque las flores y todas las cosas de la base se van a solapar la jarra, pensé que sería buena idea empezar primero con la jarra. De esa manera, no tengo que ser tan preciso en trabajar a mi manera alrededor de esas hojas que se superponen a la jarra. Ya que estoy pintando el trote en este color marfil pálido, casi cualquier cosa que pinte encima va a aparecer muy bien. Al empezar a pintar esta jarra, me estoy dando cuenta de que el color marfil pálido que estoy usando para pintar la jarra es en realidad bastante similar a mi color de fondo. No estoy seguro de que eso sea lo que voy a querer. Yo sólo voy a estar pendiente de esto mientras sigo pintando. Ahora, voy a entrar con un verde de gama media para empezar con esos trozos de zarcillo de follaje verde que no podía soportar dejar en la florería. Están en la parte trasera de este arreglo, por lo que todo lo demás se superpondrá con ellos. Por eso los estoy pintando primero para que todo lo demás en la pintura se superponga con ellos. Aquí también un pro tip que me olvido casi perpetuamente. Si eres diestro, empieza por el lado izquierdo de tu cuadro y trabaja hacia la derecha para que no estés alisando mano a través de los detalles que acabas de pintar. De la misma manera si eres zurdo, empieza por el lado opuesto, para que puedas moverte y no tengas que preocuparte por poner la mano en la página. También puedes usar un secador de pelo en cualquier momento para secar las cosas. En general, el gouache acrílico se seca muy rápido, sobre todo si estás en un clima seco. Pero si estás saltando alrededor de tu pintura con pequeños detalles, no va a estar seco antes de moverte porque literalmente vas de una cosa a otra. En esos casos, solo tienes que planear dónde vas a pintar antes de empezar o tener un secador a mano para secar las cosas para que puedas seguir avanzando. Voy a agarrar un pincel más grande y sólo llenar estas grandes hojas expresivas. Sé que les voy a agregar más detalle más adelante pero por ahora, solo quiero que sean una zona base de color. mí me gusta pasar la primera parte de mis cuadros simplemente llenando cada área de color. No me gusta agregar demasiado detalle demasiado pronto. A veces cuando entramos con detalle de inmediato en nuestras pinturas, puede distraernos de las cosas compositivas más grandes que suceden en nuestra pintura. ¿ Hay suficiente contraste? ¿ Cómo se dirige tu ojo a la escena? Todas esas cosas que harán que tu pintura sea más exitosa. Si empecé con todos los pequeños, diminutos, pequeños detalles de inmediato y luego me di cuenta de que tengo un problema con la composición, me voy a sentir mucho más incómodo pintando sobre las cosas de lo que de otra manera lo haría. Ahora, voy a entrar y añadir pequeños tallos de mis flores de manzanilla. Al igual que con mis pedacitos verdes, esas flores de manzanilla se van a sentar encima de sus tallos, así que necesito agregarlos primero. Porque quiero mantener este cuadro muy suelto, no estoy poniendo demasiada atención a cada pequeño detalle. Solo estoy reuniendo unas piezas pequeñas y agregándolas a mi pintura, después revisando con una composición mientras trabajo. Estoy tratando de no solapar mi hortensia porque aún no está pintada y va a ser sobre pop de la mayoría de estos pequeños tallos. Si necesito agregar más tallos en más adelante, eso estará totalmente bien. Una vez que todos estos tallos estén en su lugar, pasaré a pintar mi hortensias. Es un gran, forma ruda, pero en su mayoría es sólido. Simplemente lo voy a pintar con un color sólido, pálido. Quiero pintar esto antes de pintar mis flores de manzanilla porque al igual que con el fondo, espero poner las flores blancas de manzanilla encima de partes de esta flor. Te darás cuenta de que no hay mucho contraste entre esta flor y mi jarra y mi fondo, y eso está bien porque voy a entrar y añadir más sombreado a medida que paso. Ahora, estoy empezando a trabajar en mis flores de manzanilla. Quiero usar mi pintura muy gruesa para esto, porque busco que aparezca sobre este fondo más pálido por lo que necesita ser completamente opaco. No quiero ver nada del papel ni del color que hay debajo de él a través. Me está costando un poco asegurarme de que estoy consiguiendo ese efecto. Entonces en realidad sólo voy a pintar una muestra para probar los efectos de mi pintura para estar seguro de que obtengo el efecto correcto para lo que estoy buscando. Asegúrate de secar tu pintura antes de estratificar otros colores encima de ella. Por eso, en realidad finalmente agarré mi secador porque estoy impaciente como diablos. Pero no se puede capas de pintura encima de pintura húmeda. Por lo que era simplemente inevitable que agarrara esto. Este es uno de mis mejores consejos para conseguir los efectos que quieres en tus cuadros. A veces llegas a un punto en el que quieres probar algo, pero realmente no estás seguro de si funcionará y no quieres crear capa tras capa de errores. En ese caso, solo agarro un trozo de papel de acuarela, en realidad es el mismo papel que uso para mis muestras, y luego voy a probar ahí. En este caso, probé mi blanco titanio, pero simplemente no está apareciendo. En realidad tengo otro blanco del [inaudible] de Turner y voy a probar eso. Es mucho más grueso, así que tengo que remolinarlo mucho más, pero sí parece dar los efectos que quiero. Ahora voy a entrar con esta pintura y mucha más confianza. Al igual que con los tallos, no estoy siendo súper literal con donde pongo estas flores. Estoy tratando de mantenerlo suelto y expresivo y simplemente seguir lo que exige la composición de la pintura en lugar de cómo se ve mi arreglo floral. Una vez que haya terminado todos mis pequeños pétalos blancos, voy a volver a entrar con unos medios amarillos. Algo que estoy notando ahora es que podría no haber suficiente contraste entre mis flores blancas y mi fondo pero eso está bien. Siempre puedo entrar más tarde y añadir sombreado para crear más contraste. Ahora por mis medios amarillos. Solo estoy usando un amarillo mostaza para esta parte del proceso porque creo que irá tan maravillosamente con el medio de mis flores. Ya que he sido muy expresivo en la colocación de mis flores, también puedo ser muy expresivo en la colocación de estos pequeños puntos de centro para mis flores. Estoy usando un pincel pequeño, pero fácilmente podría entrar con un pincel más grande si quisiera algo aún más funky y dinámico. Estoy vigilando de cerca mi arreglo por lo cerca que espaciar estos puntos del centro y por dónde colocarlos. Pero dicho eso, no me preocupa demasiado si hay blanco detrás de ellos o exactamente donde están tendidos en la página, porque siempre puedo volver a entrar más tarde una vez que estos se hayan secado y añadir más pétalos para crear un poco más de una sensación de flor. El otro punto a considerar es que con una pequeña flor como esta con un centro redondo definido, algunos de ellos van a estar mirando hacia adelante por lo que van a ser círculos, pero otros van a estar de su lado o volteados boca abajo, cualquier de qué manera. Por lo que es genial agregar diferentes formas para dar la sensación de una maraña de flores preciosas y diminutas. Tenía una idea de cómo agregar más profundidad y dimensión a estas flores, así que sólo voy a probarlo otra vez en mi pequeño trozo de papel. De esa manera, no estoy haciendo nada que sea difícil de deshacer en mi papel antes de saber que va a funcionar. No me encantó el efecto de alguna manera. Yo sólo voy a entrar en su lugar con unas capas más de pétalos blancos para hacer estallar estas pequeñas flores. Una vez que termine de agregar esta capa extra de blanco, volveré a pasar a mi hortensias para empezar a agregar más detalles para darle vida y diferenciarla del fondo. Estoy usando esta pintura roja, muy diluida, porque quiero crear zona de color muy suave y espero que se granule un poco también. También estoy usando un pincel enorme. Te darás cuenta de que estoy usando mi toalla de papel para controlar la cantidad de agua que hay en mi cepillo, ya que me paso por esta zona. Ahora estas flores de hortensias en realidad no se ven así en la vida real. Pero me estoy divirtiendo jugando con diferentes formas de hacer textura y me encanta. Ahora, creo que pasaré a mis muy lujosas flores de protea. Ese será el punto focal de este cuadro. Voy a empezar con verde, porque tienen mucho verde funky en ellos, así como el rosa y rojo, todo tipo de otros tonos preciosos. De nuevo voy a usar un pincel más grande para crear grandes marcas pintóricas, para crear las formas de estas flores. No estoy tratando de obtener la forma exacta, precisa de los pétalos, solo estoy tratando de poner color donde veo color en mi arreglo. Voy a repasar estas partes más tarde con trabajo de línea y detalle más precisos así que no necesito enfocarme demasiado en eso ahora mismo. Yo sólo busco conseguir los colores a donde van. Entonces las formas verdes donde están. Busco las flores cercanas que tengan una forma un poco diferente a las otras, y solo estoy sonando donde va a estar cada cosa. Ya que estas flores tienen mucho color rosa y verde en capas, voy a estar alternándolas mientras pinte, como las veo en la pintura. Dado que el rojo y el verde son colores de cortesía, me aseguro de secar mi pintura antes de poner estos colores encima uno del otro. De lo contrario, podrían terminar siendo un lío fangoso. Siempre y cuando ambas capas estén secas, crearán colores distintos por su cuenta. Pero si aún están mojados, van a smoosh juntos. medida que vuelvo a entrar con pintura, veces pruebo solo para asegurarme de que estoy obteniendo la proporción correcta de pintura a agua en mi pincel antes de comprometerme a ir en papel. Dicho eso, estoy trabajando súper suelto aquí. Al mirar esto, podría ser como, “Hey señora, esto no se ve como el arreglo en absoluto”. Francamente, como estoy pintando, eso es lo que estoy pensando también. Pero sólo estoy confiando; confiando en mis ojos, confiando en mi mano, confiando en que si solo sigo imitando lo que veo, agregando sombras donde hay sombras, reflejos, donde hay reflejos, eventualmente se unirá. Sólo voy a volver por encima de mi hortensia porque quiero que tenga un poco más de profundidad. Para ser honesto, como futura Elena viendo esto, estoy diciendo: “Pasa Elena, detente. Por favor, detente. Probablemente estaba bien de la forma en que estaba”, pero eso está bien. A veces vas a sobrecargar parte de tu pintura y eso es simplemente inevitable. Especialmente cuando apenas estás empezando o si eres como yo, tal vez te resulte difícil dejarte lo suficientemente bien en paz, y confiar en que esas marcas sueltas que has hecho se traduzcan como lo que estás tratando de pintar. Por lo que podrías terminar entrando y agregando mucho más detalle del que necesitas. Eso es sin duda lo que estoy a punto de hacer aquí. Voy a entrar y añadir más contornos en detalles a esta hortensia. Pero el problema es, es que cuanto más detalle agrego, más dibuja el foco. Bueno, eso no es objetivamente malo. No quiero que esta hortensia sea la pieza central de este cuadro. Simplemente no es donde quiero que vayan los ojos de mis oyentes. Entonces al agregar tanto detalle, en realidad no estoy haciendo lo que quiero con este cuadro. Es posible que encuentres que llegas a esta etapa en tu pintura también, donde solo estás ciegamente a tientas para obtener los efectos que quieres. Francamente, sugiero tomarme un descanso o pasar a una parte diferente de tu pintura y planear volver a ella más tarde. Eso es lo que estoy haciendo. He regresado a mis flores protea donde quiero poner la mayor parte de mi detalle. Esa gran y vieja flor de protea en el medio es donde quiero que el ojo vaya en mi pintura. Quiero agregar mucho detalle exquisito a ese spot para que capte la atención de mi espectador. Para ello, estaré agregando muchas capas de pintura, colores más claros y oscuros. Pero por ahora, sólo voy a esperar a que esto se seque y pasar a otras áreas de mi pintura. La parte media de un cuadro, puede ser difícil decidir qué necesita tu atención a continuación. Pero en las sabias palabras del encantador Dylan M, siempre me gusta enfocarme en lo que se ve más mal. Para mí, ahora mismo, esas son estas flores. Simplemente no creo que tengan suficiente contraste entre ellos y el fondo. Entonces vengo con un color más oscuro para ojalá agregar más definición a las flores para que las puedas ver y tengan su propia personalidad chispeante. Mi plan no es tener visibles estos contornos de color verde oscuro, mi plan es volver a entrar sobre ellos con blanco para que solo haya un toque de sombra en los bordes de los pétalos de estas flores. Una vez que tenga unas cuantas hojas esporádicas alrededor de mi pintura pintada, me mudaré de nuevo a mi flor protea. Me gusta cambiar de ida y vuelta entre áreas de mi pintura ya que las cosas se están secando para que pueda mantener el movimiento constante. De la misma manera, me ayuda a no ser demasiado preciado sobre ninguna sola área en la que estoy trabajando. Es como tomar un descanso para tus ojos y enfocarte en una cosita muy detallada. Solo quiero asegurarme de que mi protea esté absolutamente seca antes de entrar a añadir más color en la parte superior para que los colores no sangren juntos. Esta vez, vengo con un color más oscuro para empezar a sombrear. Entonces seguiré capa color sobre color hasta que empiece a parecerse a la flor que veo ante mí. Creo que ya casi está ahí. Definitivamente llama la atención con esa flor central grande. Solo estoy agregando algunos detalles blancos más para realmente darle vida. A lo largo de este proceso, he usado una serie de diferentes colores, incluyendo el tinto vino, que uno es de frijol entero, he usado el marrón rojizo japonés, he usado algo de la lima pálida que utilicé en el fondo, así como un color melocotón pálido. Al estratificar estos colores en diferentes opacidades de la pintura, he creado tantos más colores de los que podría tener si estuviera tratando de mezclar cada color individual desde cero. Ahora, voy a entrar con un verde más oscuro, profundo en mis hojas para darles más contraste. Ya que quiero que este arreglo esté suelto y expresivo, no voy a entrar y añadir una tonelada de detalle a estas hojas, sobre todo porque no quiero que las hojas sean el punto focal. Pero voy a usar algunas líneas expresivas para que se vean un poco más como se ven en la vida real. A pesar de que estas hojas de hortensias tienen toneladas de venas pequeñas en su superficie oscura, realidad estoy usando un pincel un poco más grande para que no me quede demasiado preciosa y atrapada en los detalles. También estoy usando mi pintura bastante gruesa y seca. De esa manera puedo obtener efectos de cepillado seco. Ahora, voy a seguir agregando capas de color y detalle para rematar este cuadro. Sólo estoy agregando detalles finales de acabado, algunosdetalles finales de acabado,algo de textura y algo de sombreado, y mucking alrededor del lápiz de color porque no puedo evitarme. Lo hice tan bien hasta ahora, pero solo creo que estos necesitan un poco más de definición. Absolutamente podrías hacer esto en gouache, pero me encanta garabatear con el lápiz. Ahora, creo que estoy llamando a esto hecho. En general, esta pieza me llevó alrededor de dos horas, pesar de que está bastante acelerado en este video, así que no te desesperes si sientes que tu pintura está tardando un poco más de lo que habías planeado. Ahora, vamos a saltar a nuestra siguiente lección sobre el color. 18. Lección tres: mezcla intuitiva: Hola, y bienvenidos a nuestra tercera y última lección. En esta lección, nos vamos a centrar en mezclar color, primero de manera intuitiva en la página y luego creando recursos como un diagrama de mezcla para que puedas mezclar con confianza los colores que quieras. Bueno, he dibujado un poco de cuadrícula y esta plantilla está disponible en la sección Recursos de clase. Absolutamente puedes hacer este estilo suelto y libre en tu papel. Yo sólo quería agregar un poco de estructura para este video para que sea fácil de seguir junto con lo que estoy haciendo. He seleccionado cuatro colores por sus propiedades específicas para poder mostrarte diferentes calidades de la pintura. Pero siéntete libre de elegir cualquier cantidad de colores, cualquier color que te guste para hacer este ejercicio. Voy a empezar con este azul claro. Es de un color más calcáreo con un poco de traslucidez. Empezaré por solo poner un poco de este azul claro a mi costado y etiquetarlo para que recuerde de qué color he estado usando. Entonces comenzaré aclarando el color con blanco y oscureciendo el color con negro. Para ser honesto, no uso mucho negro en mis cuadros así que a lo largo de este ejercicio de mezcla intuitivo, también voy a probar otros colores oscuros para disminuir el valor de los colores con los que estoy trabajando. Al trabajar nuestro camino a través de este proceso, no estamos buscando un resultado en particular. Ya que estoy mezclando colores, no estoy buscando sólo el color pálido adecuado. Esta es la técnica que usaremos más adelante en nuestra tabla de mezclas también. Solo busco un cambio de color. ¿ Es diferente a la pintura directamente del tubo? ¿ Qué me puede decir eso del tipo de pigmentos con los que estoy trabajando. Ahora pasaremos a oscurecer el color con el negro. Algo de usar blancos y negros para oscurecer e iluminar nuestros colores es que, una cosa que hacen es que bajen la saturación de nuestro color, sobre todo cuando estás oscureciendo con negro, puede ser una gran manera de gris tu colores, pero también puede dejar tus pinturas sintiéndose un poco planas. Otra cosa a considerar es que debido a que el negro es tan altamente pigmentado, sólo se necesita la cantidad pequeñita para obtener un cambio de color. También voy a intentar oscurecer este azul con mi azul prusiano para ver si me da un color más dinámico. Este es un divertido, experimentos desordenados. Simplemente voy a incluir todas las diferentes splotches y experimentos con cada tipo de color en mi página. No me voy a preocupar si estos colores van juntos porque en realidad hay cierta magia que sucede cuando estás mezclando todo desde el mismo color base. Crea una paleta cohesiva aunque estés mezclando en un montón de colores diferentes. Esta puede ser una manera absolutamente genial de hacer que tus pinturas parezcan que van juntas. Ahora voy a empezar a mezclar diferentes colores primarios con mi azul para ver cómo se comportan. Estos son en realidad colores primarios. Estoy usando mostaza y bermellón, que es un poco amarillo y un poco de rojo, y eso está bien. No tienes que usar primarias puras para esto porque solo estás aprendiendo sobre los pigmentos en tu pintura. Al igual que con los blancos y los negros, solo estoy agregando diferentes cantidades que color mostaza a esta primera caja con el fin de ver cómo se comporta mi pintura. Voy a seguir eso en la siguiente caja con mi pintura bermellón. Esto te da una gran idea de los tipos de greens y los tipos de morados que puedo hacer con este azul que se verá cohesionado dentro de mi paladar. También vale la pena señalar que colores como el rojo y verde son generalmente muy pigmentados. Por lo que solo necesitas un poquito de ellos para crear un cambio de color. De la manera contraria, los colores como el amarillo suelen ser mucho más silenciados y es posible que necesites más de ellos para ver un cambio de color a medida que te abres camino a través de estos experimentos. En estas dos últimas cajas, voy a mezclar mi azul con su color de cortesía, naranja, para crear un color roto o marrón. Entonces lo voy a gris para ver qué toneladas de gris podemos obtener de este azul. En primer lugar, naranja. He escogido una naranja bastante llana aquí. Pero hay algunos factores diferentes que entran en esto, saturación de la pintura, la opacidad. Simplemente voy a seguir sumando cantidades cada vez mayores de este tono para ver los diferentes tipos de marrones que puedo conseguir. Te darás cuenta de que empieza un poco gris porque en realidad hay algo de blanco en este plano azul claro. Pero a medida que añado más naranja, se convierte en un azul más cálido, naranja, marrón, que puede ser genial para crear tonos neutros complementarios dentro de tus pinturas. De la misma manera, crear pastoreo a partir de los colores que estás usando en lugar de usar un gris neutro, puede hacer que tu pintura luzca más dinámica. Para crear gris todo lo que tienes que hacer es agregar blanco y negro al color que estás usando. Puedes seguir agregando blanco y negro para bajar la saturación y también para obtener diferentes valores en tu gris. Ahora repetiré exactamente el mismo proceso para cada color diferente. Voy a hacer cuatro colores diferentes. Lo aclararé, lo oscureceré, agregaré colores primarios, y luego pasaré al color contrastante y al gris. Una nota rápida, cuando estás trabajando con colores secundarios, eso es verde, morado y naranja, los colores primarios que usaremos son los que no es su color contrastante. Ahora vámonos. Bien. Ahí vamos. Todo terminado. Simplemente me quitaré la cinta para que pueda mostrarles de cerca lo que ha pasado aquí. Notarás, incluso desde esta vista lejana, que algunos colores tienen mucha más translucidez, puedes ver sus trazos de pincel. También notarás que cambié esa naranja por mustered, porque recordé que quería mostrarte algo particular sobre la pintura amarilla. Es decir, realmente no puedes oscurecerlo con negro, termina pareciendo un lío fangoso porque la mayoría de los negros son de base azul por lo que terminan volteando tu pintura amarilla oscura verde. Tienes que usar un marrón oscuro para eso. La otra cosa a la que quería llamar especial atención es que, con la mayoría de los colores, cuando añadas algún pigmento secundario, vas a conseguir un color menos saturado. Por eso a menudo es mejor usar colores primarios y secundarios directamente del tubo, granos verdaderos en lugar de verdes mixtos. Pero cuando estás trabajando con algo como esto, violeta rojo con un pigmento fluorescente, ahí es cuando tus colores en realidad pueden ponerse más brillantes cuando los agregas juntos, porque ese pigmento fluorescente hace locos cosas cuando lo mezclas junto con otros colores. Es una de mis cualidades favoritas para jugar con nosotros y pintar. Pero es importante recordar que estos pigmentos fluorescentes no son rápidos a la luz, se desvanecerán y se desvanecerán rápidamente. La otra cosa a la que quería llamar especial atención es la forma en que los colores opacos y los colores translúcidos interactúan cuando los estás mezclando. Cuando mezclas un color opaco con otro color opaco, obviamente sigue siendo opaco. Pero cuando mezclas un color opaco con algo translúcido, te va a dar trazos de pincel y granulación y mucha más textura de la que de otra manera hubieras tenido. Ejercicios como este también son una gran manera de destapar los matices de tu pintura y de solo encontrar mezclas que realmente te encantan. Ya verás que cuando mezclamos el azul claro y la mostaza, nos dieron unos verdes azules bastante bellos y verdes cálidos. Pero cuando mezclamos el azul con esa pintura ultramarina, terminó luciendo bastante asqueroso. Seguro que hay una situación en la que esa pintura sería preciosa. Pero por sí solo, es un color bastante buffy. Ahora que hemos jugado alrededor con la mezcla en la página e intuitivamente mezclando colores, pasemos a pintar en tabla de mezclas, un recurso maravilloso que podemos usar en los próximos años para obtener el color exacto como queremos mientras pintamos. 19. Lección tres: gráficos de mezcla de colores: Un gráfico de mezcla de colores hace un maravilloso proyecto de fin de semana o si eres como yo, absurdo, esfuerzo de un mes para terminar una tabla de mezclas que es más grande de lo que nunca necesitó ser. Aprendí mi método para hacer tablas de mezcla de la encantadora Dylan M. Es simple y realmente romperá tu relación con color para darte la confianza de que estás mezclando los colores que quieres. Este proceso es muy sencillo. Acabamos de empezar seleccionando los colores que queremos utilizar. Cuando hice mi primer gráfico de mezcla, en realidad usé cada tubo de Gouache que poseía, y tengo muchos tubos de Gouache. No es necesario hacer una tabla de mezclas con 60 colores diferentes de Gouache para obtener una comprensión minuciosa de tu pintura. Aquí, estaré usando sólo 15 colores, y comenzaré escribiendo los nombres de cada color a lo largo del lado izquierdo de mi página. Si bien absolutamente no tienes que hacer esto en ningún orden de color, puede ayudarte a reconocer cambios sutiles y cambios en los colores. Por lo que siempre trato de seguir el arco iris. ROYGBIV. Rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo, violeta. Entonces voy a hacer mis negros y blancos al final mismo. A veces incluyo mi marrón junto a mi amarillo, pero esta vez quería un arco iris claro. Por lo que puse mi marrón al final, al lado de negro. En cuanto termine esto, comenzaré en mi primera fila. Vino tinto. El propósito de la tabla de mezclas es ver variaciones sutiles en el color que puedes obtener al mezclar dos pinturas diferentes juntas. Me parece especialmente útil en trabajar con Gouache acrílico porque a diferencia de la acuarela, no se reanima así que simplemente puedo meter alrededor agregando color hasta obtener el tono que quiero. Quiero estar bastante seguro del color para que no mezcle una tonelada de pintura y cree un desperdicio. Empiezo llenando justo ese vino liso sin mezclar tinto al lado y a lo largo de la parte superior. Ahora, sólo voy a hacer lo mismo con mi próximo color, rojo puro. Haré esto por cada color al inicio de cada fila y columna para que sepa cómo se ve el color sin mezclar. Ahora, empezaremos a mezclar. Solo estoy mezclando una pequeña cantidad de mi tinto de vino con ese rojo puro para conseguir un cambio de color. Dejaremos un espacio vacío donde el tinto del vino se cruza con el tinto del vino y rellenamos nuestro color mixto en la primera fila, pero por debajo de ese cuadrado rojo puro, porque este color es una mezcla de tinto vino y rojo puro. Entonces, agregaremos más de la pintura roja pura para otro sutil cambio de color y rellenaremos eso en la fila junto a nuestro rojo puro. En general, para esta primera fila, busco asegurarme de que todos mis colores a lo largo de la parte superior tengan un tinto vino como el color dominante y luego todos mis colores que están procediendo por la longitud de la página, quiero hacer seguro que el color secundario es el color dominante. Eso me dará una idea maravillosa de todos los diferentes tonos que puedo sacar de estos dos tubos de pintura. Es posible que te resulte un poco complicado conseguir un cambio de color entre dos colores tan similares como estos tonos rojos pero eso está bien. Verás la diferencia a medida que trabajas a través del gráfico. Ahora, pasaré al siguiente color, rosa concha, y haré exactamente lo mismo. Lleno el color sin mezclar en la primera fila y primera columna y luego procedo a mezclarlo con mi vino tinto. Así como aprendimos en nuestro ejercicio de mezcla intuitivo, algunos colores tienen mucha más pigmentación que otros. En esos casos, solo quieres asegurarte de que solo estás agregando una pequeña cantidad del color altamente pigmentado. De esa forma podrás controlar el cambio de color. Puede ser fácil ya que estás haciendo una tabla de mezcla de colores para meterte un poco en la cabeza y pensar que tal vez no estoy haciendo esto del todo bien. A lo mejor estos turnos de colores no son exactos. A lo mejor está un poco demasiado cerca del extremo oscuro del espectro o del extremo luminoso del espectro. Pero sólo confía en ti mismo y confía en el proceso porque como estás mirando una página, sobre todo si tienes muchos colores de tono similar, puede sentir que no estás haciendo nada en absoluto. Pero la realidad es, es que cuando das un paso atrás, vas a encontrar tantos colores maravillosos ahí dentro. Ahora que hemos empezado, vamos a seguir haciendo exactamente lo mismo con cada fila adicional. Y eso es todo lo que hay a ello. Hacer una carta de colores puede ser un proceso maravillosamente meditativo que te ayuda a aprender sobre el color. Incluso a partir de una simple mirada casual, se puede ver la forma en que los colores calcáreo, y los colores translúcidos, y esos molestos colores granulantes realmente cambian las pinturas con las que se mezclan. Ahora que tenemos un profundo entendimiento del color, pasemos a nuestro tercer y último proyecto, un bodegón de fruta. 20. Proyecto tres: bocetos: Hola, y bienvenidos a nuestro proyecto final. Ya lo hemos logrado. Al igual que en los últimos proyectos, estoy trabajando con un pedazo cuadrado de papel de acuarela de nueve pulgadas y estoy creando un borde de una pulgada alrededor del borde. Estas son solo mis preferencias, pero sí encuentro crear ese borde alrededor del borde sí hace que tu pintura se vea un poco más pulida. Para este proyecto muy final, vamos a estar centrándonos en las formas simples de un tazón de fruta. Eso es porque quiero que tengas todo el tiempo del mundo para enfocarte en los colores, mezclar en la página, jugar, usar esa tabla de mezclas que hiciste, y quería tener algo sencillo con lo que jugar. Las frutas son perfectas para eso porque no solo son simples, sino que tienen una tonelada de textura y maravillosas variaciones de color. Estaré pintando manzanas porque francamente, las manzanas son la fruta que tengo a mano con más frecuencia y también tienen colores maravillosos. El único truco para bosquejar fruta es asegurarte de que tengas una buena composición en el tazón. Quieres algo donde haya diferentes formas y capas. Por eso he cambiado mi tazón así para que pudieras ver las manzanas que están detrás, y obtienes grandes destellos en el frente. A pesar de que mis manzanas están sentadas en esta situación de tazón de plato festoneado muy elegante, solo me voy a centrar en dibujar lo que veo. Si sale un poco inestable, mejor. Eso le dará mucha más personalidad. Al igual que en los videos anteriores del proyecto, dibujé en Procreate para esto porque ahí es donde más me siento cómodo. Dibuja donde quieras, ya sea en papel de acuarela, en un programa digital, en un programa digital, o en tu cuaderno de bocetos. No importa, todos son igualmente válidos. En cuanto tengas tu boceto terminado, pasaremos a pintar. 21. Proyecto tres: pintura: Ahora, queremos la pintura. Tengo mi boceto transferido al papel de color agua y solo estoy pegando los bordes de mi página para que pueda obtener un borde nítido y limpio. Entonces agarraré mi tabla de mezclas para poder empezar a decidir sobre los colores. Ahora, mi tabla de mezclas es estúpidamente grande. Enseguida verás por qué es una idea mucho mejor hacer un gráfico más pequeño que solo tenga colores que te encantan, pero eso está bien. Al encontrar un color que creo que sería perfecto para mi pintura, agarro las dos pinturas que necesito para mezclarlo. De esa manera tengo todo disponible antes que yo, antes de que me ponga en marcha. Puede valer la pena señalar que el solo hecho de que esté mezclando algunos colores personalizados basados en mi tabla de mezclas, no significa que cada color de mi pintura tenga que ser alguna hermosa mezcla personalizada. Estaré usando sólo un beige liso para el fondo porque creo que encenderá perfectamente el rojo brillante de las manzanas y el verde de mi pequeño plato scout. También estaré mezclando intuitivamente un color o dos aquí y allá según vaya en base a lo que veo que necesito. Te darás cuenta a un costado de mi pintura que tengo un trozo de papel de acuarela. Voy a usar eso como estoy pintando. Basta con marcar las mezclas que he estado usando para que sepa qué colores hay ahí si necesito rehacer algo. También solo estoy llenando el fondo primero como siempre lo hago. Es de color claro, así que será fácil pintar sobre si me meto un poco en esa zona de mi plato o en mis manzanas, pero estoy tratando de ser un poco cuidadoso alrededor del contorno. Como siempre, notarás que mi pintura tiene un poco de translucidez en ella, porque eso es lo que me encanta. Me encanta poder ver los trazos de pincel, sobre todo en un fondo, me parece que hace que se vea mucho más dinámico. Pero si buscas un pop más audaz, más gráfico a tu pintura, quizá quieras usar pintura que sea un poco más opaca. Ahora, empezaré a mezclar unos colores. No sé por qué, pero empecé a mezclar primero el color para mi plato. A lo mejor sólo quería saber cómo sería el color para poder estar seguro de que tenía suficiente contraste entre eso y el fondo. Eso ciertamente suena como una buena razón, así que iré con eso. Pero en cuanto tengo un color que me gusta, lo pongo en mi cartulina y etiqueto los colores que han usado para mezclarlo, en este caso, cobalto y ocre amarillo, para que después, si necesito volver a hacer ese color, tengo todo la información. Ahora, voy a trabajar en averiguar el color que quiero usar para mi mesa. En este caso, quiero asegurarme de que tenga suficiente contraste entre el verde que voy a estar usando para la placa y la base que he usado para el fondo. También me encanta cuando partes de mi fondo tienen alguna translucidez para que realmente puedas ver los trazos de pincel que vienen a través. Mezclo hasta encontrar translucidez a la pintura que me funciona. En este caso, es un color quemado, umber con apenas el más mínimo poquito de rosa en él. Lleno toda la zona, asegurándome de que haya un montón de pinceladas deliciosas. Debido a que este color es más oscuro, estoy tratando de ser un poco más preciso cerca de los bordes de mi plato para asegurarme de que no tenga demasiada pintura oscura para pintar más tarde. Ahora, sólo me aseguraré de anotar esta mezcla de colores también para que la tenga más adelante si necesito corregir los bordes en algo. Apenas superior umber y concha rosa. Ahora, pasaré a mezclar los colores para mis manzanas. Voy a estar usando tres tonos diferentes porque estas manzanas en realidad tienen una tonelada de colores diferentes en ellas. Va a estar haciendo algo de mezcla en la página también y efectos de cepillado seco para conseguir que las manzanas se vean como las veo en la vida real. Por eso, estoy dejando mi pintura un poco más gruesa lo que normalmente la utilizaría para que pueda obtener capas opacas de color. Todas estas mezclas que estoy haciendo también tienen una pintura tiza en ellas para que pueda confiar en que van a ser opacas y no terminan mostrando demasiadas pinceladas. A pesar de que a menudo mezcle mis colores uno a la vez ya que los necesito, porque sé que voy a estar estratiendo varios colores diferentes para estas manzanas, los estoy mezclando todos al principio, así que los tendré todos para capas una encima de la otra. Debido a que están en los pozos de mi paleta de cerámica, no deberían secarse demasiado rápido. Pero si estás en un clima muy seco, tal vez quieras simplemente mezclar un color a la vez. Ambos colores se basan con amarillo Nápoles y ese mismo amarillo Nápoles va a ser el color base que uso para empezar mis manzanas, porque hay muchos matices amarillos en estas frutas de lujo. Cuando empecé a pintar, uno de los problemas que tuve con la mezcla de colores fue que tenía esta impresión equivocada de que cada parte de lo que pinto tenía que ser algún color perfectamente mezclado. Pero la realidad es, es que mientras estás pintando, ya que estás construyendo capas de color, estás creando colores que no podrías mezclarte. Tienen tantas más variaciones en el tono de las que posiblemente podrías hacer. Por eso empiezo con este subcuadro del amarillo Nápoles. Esta pintura amarilla va a mostrar a través de todas las capas que pinto encima de ella. Si estás trabajando con diferentes variedades de la misma fruta o frutas diferentes enteramente en tu frutero, entonces querrás solo prestar atención a los matices de la fruta que estás pintando. Si tienes uvas moradas, podrían tener un subtono más azul o un trasfondo rojo. Si estás trabajando con naranja, podría ser amarillo o rojo. Si estás trabajando con fresas, podrían tener un trasfondo verde. A lo mejor están un poco menos maduros, o un subtono amarillo, o un rojo brillante. Hay tantas opciones y nada anda mal. Si estás mirando tu fruta y ese es el color que ves, entonces ve por ella. Este es tu amistoso recordatorio de que estás interpretando lo que ves a través de tus ojos y solo tus ojos. Entonces si ves matices azules, o tonos rojos, o matices verdes, o quieres tomar alguna licencia artística, todas esas son opciones muy válidas y te ayudarán a tu pintura de naturaleza muerta sea más que una simple re-creación de un tazón de fruta. Para mi manzana en el frente, realidad estoy usando el rojo como subtono, solo para agregar algo de variedad y ayudar a esta manzana a sobresalir de las que están detrás de ella. Al estar pintando, estoy notando que el área del tallo de esta manzana tiene algún brillo verde pálido sucediendo ahí. Entonces solo voy a agarrar esa pintura para tenerla lista porque voy a probar algunos efectos de cepillado seco para darle vida a esa zona. Simplemente estoy llenando las zonas que creo que serán este rojo más oscuro y luego entraré a secar el cepillo. Puede valer la pena señalar que este cepillado seco sólo será una primera capa de color. Es probable que vaya a entrar con tonos más oscuros más adelante para realmente darle vida. Conforme estoy cepillando seco, voy a usar una mezcla de esa lima pálida que exprimí directamente del tubo y mi pintura roja mixta, esa manera se mezclará hacia el borde de mi manzana. Te darás cuenta mientras seque el cepillo, me limpio mucho mi cepillo en mi toalla de papel y eso realmente es solo para quitarme la pintura para que pueda conseguir un efecto más holgado, cepillador. Trabajaré en esta área por un tiempo, consiguiendo justo el equilibrio de colores adecuado que quiero porque no tengo prisa. No importa si me lleva cinco capas de pintura o 10 capas de pintura para llegar a donde quiero. Simplemente voy a seguir buscando a mis manzanas y luego mirando hacia atrás a mi pintura para conseguir las formas y colores justo donde las quiero. Ahora que tengo una primera capa ahí abajo, sólo voy a pulir un poco más la forma de mi manzana y luego pasar a pintar mi plato. Realmente me encanta tener un área base de color en la mayoría de las áreas de mi pintura antes de empezar a agregar demasiada textura y detalle. Ahora que puedo ver todos los tonos cálidos de este cuadro y cómo se están desarrollando, me estoy dando cuenta de que ese verde que mezclé va a necesitar un poco más amarillo. Por lo que he añadido un poco más ocre amarillo con el fin de acercar el verde a lo que veo y un color que funcionará armoniosamente con el resto de mi pintura. Estoy dejando un hueco a lo largo del fondo de este plato porque la alfarería que estoy pintando en realidad no tiene el glaseado va todo el camino hacia abajo. Solo estoy tratando de enfocarme en asegurarme de que lo consiga con precisión. Esa pequeña banda del color más pálido también va a proporcionar algún contraste muy necesario para realmente dibujar tu ojo hacia el centro de este cuadro. Además, si estás trabajando con mucha pintura gruesa o metes alguna pintura en la brocha de metal, solo quieres asegurarte de lavar eso de lo contrario lo hará para que pierdas el punto limpio crujiente de tu pincel. Como siempre, cuando paso a hacer un trabajo más detallado, como los bordes festoneados de mi frutero, cambio a un pincel más pequeño. Este es un pincel talla cero, creo. Simplemente me da mucho más control sobre las líneas que estoy haciendo. Especialmente porque el borde festoneado de este tazón es realmente un punto focal. Estoy llenando el borde sin esmaltar de la bola con un blanco marfil para darle un poco de diferenciación de mi fondo. Entonces seguiré llenando el resto de mi tazón, porque estos son los bordes y usando un poco más ancho tu pintura. Estoy tratando de conseguir un montón de pinceladas. También me estoy pegando con mi pincel pequeñito, que me dará mucho más detalle incluso en esta área plana de color. Te das cuenta que estoy dejando un poco de espacio alrededor de mis manzanas. Eso es porque realmente hay una sombra ahí dentro, donde mi tazón y mis manzanas carnes. Voy a mezclar el color más oscuro para representar esa sombra. En cualquier momento estoy mezclando color, guardo una chatarra de papel justo al lado de donde estoy trabajando. Aquí, en realidad es solo el borde de la página que corté para hacer la plaza. Yo usé eso solo para probar el color y mantenerlo cerca de mi pintura antes de comprometerme a ponerlo en mi pintura. A pesar de que fácilmente puedes pintar sobre áreas de color con gouache, me gusta usar mi pintura de una manera más translúcida. A menudo no quiero tener que capas de color para encubrir un error que cometí con el color. Por Por Por mis colores primero, sólo significa que no tengo que preocuparme por comprometerme a poner ese color en la página. En cuanto terminemos de llenar esta situación de plato de frutero, entonces pasaré a agregar detalle a mis manzanas. Aquí es donde las cosas se pusieron realmente divertidas, si estoy siendo honesto, me encantó absolutamente el color de capas para hacer que estas manzanas cobraran vida. Ahora, que voy a empezar a trabajar con rojos y amarillos en lugar del verde con el que estoy trabajando, voy a dar la vuelta a mi toalla de papel. gouache acrílico no se reanima con agua, pero si hay algún trozo de dolor ahí que todavía estén mojados, no quiero que hagan mis colores fangosos. Se puede reutilizar absolutamente una toalla de papel como esta durante mucho tiempo con gouache acrílico, porque no se reanima con agua. No se va a sangrar en tus colores siempre y cuando esa pintura ya se haya secado. Ahora, voy a entrar con cepillado en seco, que van a notar, voy a usar mucho esa toalla de papel. Este es mi color rojo más oscuro y apenas estoy empezando por los bordes de mi manzana, donde hay más sombra. De esa manera, cuando mi pincel tiene más pintura en él, es en las zonas más oscuras. No quiero entrar, en las zonas iluminadas con una tonelada de pintura en mi pincel, porque va a crear áreas oscuras. Dicho eso cuando intentes cepillarte, puede ser maravillosamente impredecible. Cuando intentas conseguir pintura en un área determinada, esas cerdas simplemente no te van a dar ninguna pintura. Cuando estás tratando de conseguir áreas de luz brillante, podrían simplemente entrar con un gran chorro de color. Pero eso es parte de la magia aquí. Ya se puede ver incluso con esta primera capa de cepillado seco, que estoy consiguiendo muchos tonos diferentes, solo de este rojo y amarillo que no me podría haber mezclado. Tantas variaciones diferentes. Debido a que tienes tan poca pintura en tu pincel, puede tardar un tiempo en acumular capas de color. Si esta es la técnica que vas a usar, no tengas mucha prisa, porque en el segundo que tengas prisa, vas a conseguir una gran pizca de pintura, y de verdad te va a frustrar. Sólo tienes que confiar en que hay suficiente pigmento en esas cerdas para hacer un impacto si solo sigues trabajando en ello. Esta es solo mi primera capa de color aquí. Estoy usando el mismo color que ves en mi frente, manzana roja. Después de que acumule suficientes capas de color en este rojo más claro, pasaré a los rojos más profundos y ricos para que podamos dar vida a esta manzana. Al igual que con toda mi pintura, estoy empezando lo más ligero posible. Te darás cuenta de que ahora mismo estoy haciendo muchas capas realmente ligeras. Casi se ven como lápiz de colores realmente. Eso es lo que voy a buscar. Quiero crear capas de color realmente sutiles para simplemente definir dónde están mis sombras, y dónde están mis reflejos de una manera que no es incorregible. Es decir, siempre puedo poner un color encima. Pero si estoy construyendo todos estos hermosos efectos de pincel seco en él, no quiero tener que simplemente poner una gran pizca de pintura encima más tarde. Entonces, estoy trabajando lentamente y construyendo capa sobre capa de color. Al trabajar con estas capas de pincel seco, también voy a capas en alguna de mi pintura amarilla Nápoles, ese color base original que pinté mis manzanas. Debido a que esa pintura está hecha de múltiples pigmentos directamente del tubo, a veces encontrarás que se separa. Pero simplemente mirad juntos y es bueno como nuevo, siempre y cuando aún no se haya secado. Lo único que estoy encontrando sin embargo, es que esta pintura no tiene la opacidad que necesito para esta etapa de mi pintura. Realmente no puedo conseguir los efectos de cepillado seco que quiero, o el color opaco porque hay demasiada agua en él. Voy a exprimir un poco más de mi pintura amarilla Nápoles, y solo usarla directamente del tubo o con una cantidad muy pequeña de agua. Eso me dará un poco más de flexibilidad para los efectos que quiero. Voy a usar este amarillo Nápoles más opaco para crear reflejos y textura en esa manzana roja más oscura, y para rellenar áreas en mis otras manzanas más claras en el fondo también. Una vez que tenga todos los colores del medio tono y resalte hechos en mi manzana, pasaré a un tono más oscuro para empezar a agregar sombras. Acabo de entrar y agregar algunas sombras y reflejos a mi juego de fruteros, sea cual sea esta cosa también. Simplemente manchando con los dedos para mantener las cosas suaves porque eso es lo que hago, y realmente tratando de enfocarme en dónde están las áreas de color y dónde están las sombras. Sé que el borde de mi bola de fruta es onky, sobre todo mal lado izquierdo. Pero eso está bien. Cuando van Gogh pintaba sus bodegones, no buscaba recrear la vida. Simplemente se expresaba y disfrutaba del proceso de poner pintura en papel. Nadie más va a ver la configuración de bodegones que tienes frente a ti. Simplemente van a ver tu pintura terminada. Entonces si tu plato se ve un poco diferente a lo que hace en la vida real, o has añadido fruta extra o reorganizado un poco las cosas, eso está bien. Nadie está comparando. Si hay una parte que realmente te molesta que pienses, “realmente debería haber observado más de cerca, podría haberlo hecho mejor”. Esa realmente es la magia de la naturaleza muerta, sobre todo cuando estás pintando algo como fruta, a menos que sean plátanos, no se van a ir de inmediato, se van a quedar mirando exactamente de la manera en que lo hacen bien. Puedes pintarlas día tras día y aprender cosas nuevas y explorar y experimentar. Aprender sobre el gouache y sobre el tema que tienes ante ti. Ahora, casi termino con este cuadro. Solo estoy molesto, jugueteando, agregando pedacitos de destello y pedacitos de sombra aquí y allá. En ocasiones puedes pensar que tu pintura no está funcionando, y luego añades solo una pequeña línea o un poco de reflejos para llevarlo al primer plano y de repente aparece. Este puede ser un buen momento para volver a mirar de cerca a tu tema, o simplemente para enfocarte en el mundo que has creado dentro de tu pintura. ¿ Hay sombras donde debería haber sombras? Lo que he notado es que en realidad sí necesitaba un montón más de sombra en el fondo, sobre todo de esas manzanas que están en el fondo, detrás de esa prominente manzana llamativa en el frente. Estoy usando un efecto de cepillado seco, igual que lo hice antes para asegurarme de que mi sombra permanezca suave, no sea demasiado dura. Pero también podría usar un cepillo aguado para esto. Todo depende del efecto que vaya a por el que vaya. Esas sombras realmente sí muelen esas manzanas en este plato. También estoy agregando un poco más de pigmento oscuro a mi manzana delantera también. Después trabajaré en agregar una ligera sombra a la mesa debajo de mi frutero. Esto molido el cuenco de frutas sobre la superficie sobre la que se sienta. Porque mi fondo es realmente pincelada. Solo estoy usando exactamente la misma pintura para crear mi sombra, no nada más oscuro. Porque crear una capa extra de esta pintura translúcida ya la hará más oscura, sobre todo porque no estoy buscando una sombra súper dura. Una vez que haya terminado mi sombra, he terminado, o al menos creo que ya he terminado. Existe la posibilidad de que vuelva más tarde y añada más detalles diminutos. ¿Quién sabe? Pero por ahora, lo estoy llamando terminado. Con eso, terminamos nuestra primera aventura con gouache acrílico. Al comenzar, hemos aprendido a obtener la opacidad correcta de nuestra pintura para crear áreas de color y líneas. Hemos aprendido acerca de estratificar nuestro control de pintura y pincel para conseguir nuestra pintura exactamente donde la queremos, y para ver exactamente cómo la queremos. Después exploramos el color, mezclándolo en la página de forma intuitiva y creando recursos como un gráfico de mezcla para que podamos obtener exactamente el color que buscamos. Yo sólo tengo algunos mensajes finales antes de ir por caminos separados. 22. Preguntas y respuestas sobre el gouache acrílico: Hola y bienvenidos a la Q y A para mi clase de aventuras gouache acrílico. Estoy aquí para contestar todas tus preguntas ardientes sobre gouache acrílico. Vamos a saltar justo dentro. ¿ Por qué prefieres el gouache acrílico sobre un gouache tradicional? Mis preferencias bajan a algunos factores. Una es la textura de la pintura. El gouache tradicional es muy tiza. gouache acrílico es mucho más cremoso, lo que hace que sea una alegría pintar con. El segundo motivo es que el gouache acrílico es resistente al agua, lo que facilita mucho la capa de pintura y cubrir los errores. El motivo final, probablemente sea sólo un fracaso de mi parte. Compré un set de mezcla cuando compré mi gouache tradicional, y solo odio trabajar con un set de mezcla. Se siente como un reto mezclar cada color desde cero. Entonces simplemente no lo uso. ¿ Cómo evito desperdiciar pintura? Entiendo mucho esta pregunta. Mi primera salvedad sería, toda la fabricación de arte implica un poco de desperdicio. Pero hay algunas formas en que puedes limitar la pintura que no terminas usando. Número uno, consigue buenos mezclando colores. Cuanto más seguro estés con la mezcla de colores, menos pintura desperdiciada tendrás, porque no necesitarás agregar más y más pintura para obtener la mezcla correcta. No hay otra forma de hacer esto que sólo practicar. Clase de gusano Marina well, coleccionista de color, explora el arte de la mezcla de color con gouache, es una excelente inmersión profunda en la mezcla de color con gouache acrílico, y podría ser una gran manera de empezar si quieres convertirte en un maestro. Número dos, consigue una mayor variedad de colores. Cuando estés mezclando colores de tres colores primarios, será mucho más difícil obtener justo el tono adecuado, entonces cuando lo sepas, solo necesitas aclarar el color melocotón pálido que ya tienes. Recoge unos tubos que estén más cerca de los colores que usas todo el tiempo, y desperdiciarás menos pintura tratando de hacerlo justo. Esa es parte de la razón por la que estoy tan enamorada de los colores y el turner japoneses. Porque son colores más cálidos, malolientes que me salvan pasos al mezclar los colores que me encantan. Número tres, envuelve tu pintura de día a día. Si tienes un frasco pequeño hermético, eso funcionaría. En ocasiones también pondré envoltorio de plástico sobre mi paleta de cerámica solo para asegurarme de que no entra aire, lo contrario, tu pintura se secará. Cuatro, la forma final de evitar mezclar pintura húmeda es darse un lugar para experimentar con pintura que de otro modo se desperdiciaría. Tengo un cuaderno de bocetos que guardo con manchas de color en él, donde puedo jugar con texturas y patrones. Conozco a otro artista que trabajará en dos pinturas a la vez para agotar el dolor que de otra manera iría a desperdiciar. Ambos métodos pueden ser geniales para garantizar que no desperdicies pintura. ¿ Por qué recomiendan pinceles de acuarela sobre pinceles para pintura acrílica, cuando se trabaja con gouache acrílico? Te recomiendo pinceles de acuarela para gouache acrílico en lugar de los pinceles tipo pelo hall que podrías usar para pintura acrílica, porque el gouache acrílico suele ser mucho más delgado que la pintura acrílica. Los pinceles de acuarela están diseñados para absorber y sostener líquido, mientras que esos cepillos tipo pelo de cerdo están diseñados para no hacerlo. Desde que diluyo mi gouache acrílico al 50 por ciento de pintura y 50 por ciento de agua, al menos, los pinceles de acuarela son más adecuados a cómo trabajo. ¿ Por qué recomiendan Holbein titanio blanco sobre blanco chino? Encuentro que el blanco chino Holbein no se mezcla del todo tan bien. Encuentro que los pigmentos coloridos terminan suspendidos en pintura en lugar de incorporarse, lo que deja muy rayada la pintura. Prefiero usar blanco titanio porque se mezcla suavemente para alcanzar tus colores. ópera de Holbein, y los colores rosa se ven similares. ¿Son similares? ¿ Cuál recomienda? En Holbein carta de colores en línea, ópera y rosa sí se ven bastante cerca. Pero en realidad, son colores bastante diferentes. Ambos son colores granulando con pigmento fluorescente, pero la ópera es más de un rosa neón, mientras que la rosa es una más profunda y rica y menos brillante. Yo soy dueño de ambos y los uso para cosas diferentes. ¿ Cómo limpia la pintura de su paleta de cerámica? Cuando necesito limpiar mis paletas, solo las enjuago con agua. En ocasiones si la pintura está muy seca, necesitarán un remojo corto, pero la pintura debe salir de inmediato. Debido a que la cerámica no es porosa, el gouache acrílico no tiene nada que adherir a pesar de que la pintura es de base acrílica e impermeable. ¿ Se puede obtener textura 3D con gouache acrílico? ¿ Se puede usar gouache acrílico con medios de gel o espesante? En general, cuando estás pintando con solo gouache acrílico, no puedes obtener efectos 3D. Se seca muy duro y se agrieta, sobre todo si estás trabajando sobre una superficie flexible como papel o lienzo. No obstante, turner sí ofrece pasta de modelado, y medios de gel para su uso con gouache acrílico. Todavía no he experimentado con ellos. Pero si estuvieras buscando lograr efectos 3D con gouache acrílico, ese sería un gran lugar para empezar. ¿ Cómo creo diferentes texturas con gouache acrílico? Básicamente hay tres texturas diferentes que combino para crear todo tipo de efectos y marcas diferentes al trabajar con gouache acrílico, mate plano, acuoso, y luego seco y brushstroky. Cubro cada uno de estos métodos de trabajo con gouache acrílico en la clase. Pero pasemos por algunos ejemplos de mis libros de boceto de las texturas en acción. Por lo que se puede ver cómo se pueden aplicar para crear diferentes efectos. ¿ Cómo consigo que mis colores se mezclen más suavemente cuando se trabaja con gouache acrílico? Mi mejor consejo para tener transiciones más suaves entre áreas de color, es trabajar rápido o usar pintura más acuosa o ambas. Mi jarra de vida muerta tiene transiciones bastante suaves entre áreas de color, porque construí decenas de delgados lavados de gouache acrílico para crear mis sombras. Usar capas delgadas o pintura muy húmeda te dará más tiempo para mezclar colores antes de que la pintura se seque, y te permitirá trabajar la pintura húmeda en pintura húmeda. Esto te dará transiciones más suaves entre áreas de color. También me gusta usar mis dedos para simplemente smoosh la línea entre áreas de color mientras la pintura aún está húmeda, para crear una transición más suave. ¿ Cómo recupero lápices de colores sobre gouache sin tallar en el gouache ni crear crestas? El enfoque de mi próxima clase son los enfoques de medios mixtos al gouache acrílico, por lo que esta información se cubrirá con tanto más detalle allí. Pero básicamente, se reduce a unas cuantas cosas. Una, delgada, incluso capas de pintura. Dos lápices de colores, de buena calidad, altamente pigmentados y suaves. Tres, cómo se sostiene el lápiz y cuánta presión se aplica. Si estás usando un punto muy afilado, se va a tallar en el gouache, y si estás usando el lado blando del lápiz, es más como poner una capa uniforme de color encima de tu pincel. Esas son todas las preguntas que tengo. Pero sólo porque hice este video de Q& A muy oficial, eso no significa que el tiempo para preguntas haya terminado. Siéntete libre de contactarme aquí en la sección de discusión, en Instagram o en hello@alannacartier.com. Siempre estoy feliz de ayudar, sobre todo si significa otro miembro de mi club de diversión de gouache acrílico no oficial. 23. ¡Gracias!: Muchas gracias por tomar mi clase. Estoy tan agradecido de que estés aquí explorando el maravilloso mundo del gouache acrílico conmigo. Si estás publicando tu trabajo en redes sociales, etiquetame @ Alanna Cartier Ilustración o usa el hashtag que enseña Alanna. Si quieres estar al día con mi viaje de ilustración o pasar el rato y charlar sobre arte, puedes encontrarme en Instagram en Alanna Cartier Ilustración. Si solo quieres saber qué hay de nuevo conmigo, también puedes inscribirte a mi newsletter en alannacartier.com. También estaría tan agradecido si pudieras dejar una reseña para esta clase. Leí cada uno de ellos, y hacen mi día y me hacen un maestro más fuerte que sea mejor capaz de traerte las clases que quieras. Muchas gracias otra vez. Eres absolutamente el mejor. No puedo esperar a ver las cosas hermosas que creas.