Aprende el proceso de ingeniería de Young Guru para Jay Z: introducción a la grabación de sonido

1. Avance: Mi nombre es Jamil, todos me llaman cariñosamente Guru Joven. Soy ingeniero, DJ, y también profesor. A mí, siempre me gusta decir, no me gusta estar fijo en la idea de la mezcla. Muchos de nosotros nos hemos vuelto perezosos por la inmensa cantidad de herramientas que tenemos a nuestra disposición para poder corregir las cosas, limpiar las cosas. Los maestros solían darme el mayor consejo en palabras breves reales. Simplemente dirían basura adentro, basura fuera. Entonces, intentas dar la mejor entrada que puedas. Eso fue genial. Vamos a empezar con un poco de teoría. Nos vamos a ir a la física del audio y a la acústica también. Al seleccionar un espacio de grabación, no solo seleccionas un espacio, sino que también determinas qué vas a hacer con ese espacio. Selección de micrófonos, y especialmente colocación de micrófonos. Multi-tomas o debería decir estratificación del sonido, cómo agregar armonías a ciertas cosas. Si repasamos esos conceptos, siento que sólo lo hago y tengo un gran agarre en el proceso de grabación. 2. Comprender la física del sonido: Bienvenidos a esta edición de la clase Skillshare. Antes de empezar, sólo quería repasar algunos conceptos básicos sobre el audio. Quería asegurarme de que todo el mundo estuviera al tanto, y de que todos estamos hablando en el mismo nivel. Entonces, si empezamos, supongo que la pregunta básica será ¿qué es el sonido? Básicamente el sonido es un desplazamiento de las moléculas de aire. Si lo piensas, y no ser demasiado científico, cuando hablamos, nuestra lengua realmente crea la presión que mueve las moléculas de aire. Una vez que esas moléculas golpean nuestro tímpano, entonces nuestro tímpano actúa como lo que llamamos un transductor, y no se asusten con las palabras grandes. Un transductor es sólo algo que cambia una forma de energía en otra. Un micrófono también es un transductor. Pero tu tímpano es el transductor que te permite escuchar. Entonces, una diferencia en el nivel de presión sonora o lo que decimos SPL, golpea tu tímpano y luego se transfiere a una señal eléctrica, lo que permite que tu cerebro interprete el sonido. Ahora, también describimos el sonido por qué tan rápido o la frecuencia a la que se mueve el sonido. Entonces, cuanto más lento sea el sonido, menor será la frecuencia y menor será el tono del sonido. El oído humano es de 20 hercios a 20 mil hercios. Nuevamente, no te asustes por la terminología. Un hertz es justo la forma en que medimos el sonido. El sonido en sí viaja a una velocidad constante de 1,130 pies por segundo. Entonces, ¿qué significa eso en términos de laicos? Eso significa que cuanto menor sea el tono o menor sea la frecuencia, mayor será la onda, y mayor será la frecuencia, mayor será el tono, y menor será la onda. Entonces, eso significa que si estoy lidiando con una onda de 20 hercios, es una onda muy grande, o si estoy lidiando con una onda de 20 mil hercios, es una onda muy pequeña. Te está diciendo que estás obteniendo 20,000 ondas por segundo frente a conseguir solo 20 ondas por segundo en nuestras frecuencias más bajas. El oído humano de nuevo, sólo puede oír de 20 hercios a 20 mil hercios. Entonces, cuando estamos viendo frecuencias base, estamos hablando de cosas en los años 30, los 40, los 50, incluso a veces en los 100, lidiando con ciertas patadas y bases. Cuando nos metemos en las frecuencias más altas, estamos lidiando con cosas que son como hertz alto y cosas de esa naturaleza que pueden estar muy arriba en el rango de 10 mil o 11 mil. El foco principal, o debería decir lo más difícil de mantener o de controlar, son todas nuestras frecuencias medias. Estas son las cosas más difíciles cuando estamos grabando porque todos los instrumentos tienen estas frecuencias medias, y tenemos que tomar decisiones sobre quién va a vivir donde. Cuando hablamos de frecuencia, también hay otro gran concepto que debe entenderse, y ese es el rango dinámico. Cuando hablamos de rango dinámico, realmente estamos hablando del sonido más suave hasta el sonido más fuerte, que cualquier instrumento que estemos grabando puede producir. Sea esa voz humana, sea ese un conjunto de tambores, sea esa una guitarra, o cualquier cosa que estemos grabando. Es como el viejo adagio donde decimos, sólo una molécula, sólo una cosa puede llenar espacio a la vez. Tenemos que hacer espacio para todos los ruidos de nivel medio, sonidos, y cosas que se presentan en nuestra grabación. Entonces, a mejor comprensión que tengamos de nuestro rango de frecuencias, mejor podremos acomodar todos estos sonidos. 3. Concepto de la física del audio (continuación): Ahora bien, el movimiento de la ola sería menos importante si solo estuviéramos grabando afuera, pero la mayoría de la gente graba en algún tipo de habitación. Entonces, aprender sobre la acústica es una de las cosas más grandes cuando nos ocupamos de los fundamentos del sonido, porque tenemos que lidiar con cómo ese sonido rebota fuera de la pared. Principalmente hay dos cosas que pueden pasar cuando el sonido se mueve. sonido puede reflejar, lo que significa que rebota fuera de cualquier superficie en la que esté, o puede ser absorbido por esa superficie. Las superficies duras tienden a reflejar y las superficies blandas tienden a absorber. Entonces, cuando estamos lidiando con una situación de estudio, necesitamos saber exactamente cómo esas frecuencias están rebotando de las paredes, porque esas frecuencias rebotan la pared y vuelven y afectan nuestra escucha. Desafortunadamente, la mayoría de la gente graba en una recámara, que probablemente es el peor lugar para que grabes. ¿ Por qué es eso? Porque estás lidiando con muros paralelos. La mayoría de los estudios profesionales se construyen para que no tengan paredes paralelas, o ¿qué quiero decir con eso? Las paredes que son perfectamente paralelas tienden a darte lo que llamamos ondas de pie. Es decir que un sonido puede rebotar de una pared, y rebotar de otra pared, y golpearse entre sí, y cancelarse entre sí. Eso es en el peor de los casos, pero la mayoría de las veces en situaciones del mundo real, es hacer algo al sonido que te dará algo que no sea una respuesta de frecuencia perfectamente plana. ¿ A qué nos referimos con respuesta de frecuencia? Bueno, esa es la forma en que la habitación o pieza de equipo que estás usando afecta el sonido. O te darán miradas o truss dentro del sonido que no estaba ya ahí antes de que estuvieras grabando en esta habitación en particular. Cuanto más muertos hagas el espacio, más control tendrás sobre la grabación real del sonido. Estás permitiendo que menos de la habitación se vea afectada al sonido. También puede estar en una posición en la que desee que la habitación se grabe en el sonido. Muchas veces vemos esto como ejemplos del mundo real cuando grabamos coros en iglesias particulares, porque esas salas fueron construidas para la acústica de un coro. Entonces, queremos reunir toda esa información juntos, al mismo tiempo que estamos grabando este coro, también queremos la sala. Conocer tu habitación y conocer tu espacio es la razón por la que escoges un espacio de grabación en particular. La mayoría de las veces los lugares con techos altos, amplias salas abiertas, te van a dar grandes tiempos de reverberación. Muchos otros espacios que están más cerrados te darán la capacidad de tener un sonido apretado más controlado. Entonces, ¿qué es la reverberación? Reverberación es en realidad un tiempo. Es el tiempo que tarda el sonido en irse a donde quiera que vaya, golpear algo, y volver a ti. En realidad es el tiempo que permite a nuestros sentidos saber lo grande que es el espacio en el que estamos. Cuanto más grande sea la habitación, más tiempo va a tardar ese sonido para ir a algún lugar rebotar y volver. Eso nos dará la determinación de por qué decimos: “Está bien, necesito una reverberación de un segundo, o dos segundos reverberación, o tres segundos reverberación”. Cuanto más tiempo, en esencia está diciendo que estamos en una habitación más grande. Otro concepto importante cuando hablamos ondas y la forma en que se mueve el sonido es fase. Este es probablemente uno de los conceptos más subestimados o incomprendidos en la grabación básica de audio. En primer lugar, la fase es una relación. No se puede tener fase con una sola forma de onda. Fase es la relación entre dos formas de onda. Dependiendo de dónde estén estas formas de onda en su viaje y cómo se sumen pueden determinar la fuerza de esa forma de onda. Asumar ondas juntas es igual que agregar números. Es acumulativo. Dependiendo de si la onda está subiendo o la onda está bajando puede afectar el sonido. Si tengo dos ondas donde son perfectamente la misma onda y una va subiendo y otra va bajando a la misma hora exacta se pueden cancelar entre sí. A esto se le llama estar 180 grados fuera de fase. ¿ Qué significa esto? Esto significa que en ciertas situaciones en las que tienes más de un micrófono, tu señal puede sonar más débil si no estás adecuadamente en fase. Esto es algo que necesita ser revisado por todos los ingenieros cuando estás grabando con más de un micrófono. La fase es sumamente importante. También otro concepto que quiero que entiendas plenamente es el decibel. Cuando hablamos del decibel, así es como medimos la sonoridad de un sonido, pero mucha gente vuelve a confundir este número al pensar que es un número finito. Cuando en realidad de nuevo, está expresando una relación. Es la relación entre el umbral de audición y el nivel de presión sonora de ese momento dado. Entonces, eso es muy importante entender cuando estás recibiendo estos conceptos. El número real del decibelios no es un número finito, es una relación entre el umbral de audición y su nivel de presión sonora. 4. Selección de un micrófono: Obviamente, nuestro primer paso en nuestra cadena de grabación va a ser el micrófono. Ahora, hay un mundo entero en y por sí mismo cuando hablamos de micrófonos, pero lo que quiero darles es algunos de los fundamentos, que puedas tener una comprensión de exactamente por qué los micrófonos se hacen de la forma en que están hechos. Cuando se trata de micrófono, generalmente hay dos tipos de micrófonos. Ahí hay un micrófono dinámico y ahí está lo que llamamos micrófonos de condensador. posible que te preguntes, cuál es la diferencia o quizás hayas escuchado estos términos y no entiendas realmente lo que significan o lo que está pasando. La diferencia entre micrófonos dinámicos y condensadores es justo esto: un micrófono dinámico puede lidiar con un nivel SPL mucho más alto. Cuando hablamos de eso, nos referimos al nivel de presión sonora. Bueno, ¿qué significa eso en la vida real? Eso significa que un micrófono como este Shure SM58 puede lidiar con una señal mucho más fuerte que un micrófono de condensador comparable. Mucho de nuestro entendimiento puede provenir de cómo funcionan estos micrófonos. Si miramos a un micrófono dinámico, lo que realmente está sucediendo aquí es que estamos creando un campo magnético. Al aplicar presión con nuestra voz, estamos interrumpiendo ese campo magnético, que luego crea una corriente eléctrica. A diferencia de la forma en que funciona un condensador donde tenemos dos placas que están dentro de aquí y al volver a aplicar, nuestra presión desde nuestra voz, nuestro nivel SPL se incrementa, nuestro nivel de presión sonora y creamos un señal eléctrica de esa manera. ¿ Qué significa eso? Eso significa que si estás parado en el escenario, probablemente sea mejor que tengas este Shure SM58 porque puede aguantar la presión, puede tomar el desgaste de los viajes, puede tomar el nivel de alta presión que va a venir estar en un escenario. Este micrófono podría no ser tu mejor selección porque es demasiado sensible para ese tipo de entorno. Entonces, de nuevo, no tratarías de mover tu casa en un Ferrari a pesar de que ese es un gran auto, hay una razón por la que compras un camión. Esa es la razón por la que comprarías este micrófono. Este micrófono no solo es genial para voces, es genial grabar tambores, cualquier cosa que tenga un alto nivel de presión sonora, tenderíamos a ir más con un micrófono dinámico. Ahora, un micrófono de condensador, nuevo funciona de una manera diferente. Tenemos dos placas. Una placa está estacionaria, una placa se está moviendo. Lo que esto nos permite hacer es tener todo tipo de configuraciones para este tipo de micrófono. ¿ A qué me refiero con configuraciones? Bueno, tenemos algo en cada uno de estos micrófonos que se llaman patrones polares. Lo que eso hace es que te explique a dónde va a venir la camioneta para el micrófono. El micrófono se puede configurar a lo que llamamos un super ocho, donde estamos captando el sonido que está en la parte delantera y trasera, o podemos tenerlo en un patrón cardioide, donde estamos tratando de quitarle las frecuencias que están en la parte de atrás y sólo se concentran en las cosas que están en el frente. También podemos ir a un patrón circular que nos está diciendo que estamos captando señal de todos los 360 grados alrededor del micrófono. Podrás preguntarte: “Bueno, ¿ en qué situación o por qué cambiaría el patrón polar?” Puede que haya una situación en la que estés grabando a dos cantantes que quieren cantar al mismo tiempo, y a veces personas a las que les gusta vibrarse el uno del otro. Entonces, si hay un cantante en el frente y el cantante en la espalda, podemos grabarlos en el mismo micrófono usando lo que llamamos un patrón super ocho. Para nuestras grabaciones de hoy, probablemente usaré este patrón cardioide porque voy a tener a alguien delante y a nadie atrás. Este micrófono es lo que llamamos un micrófono de estado sólido, lo que significa que este micrófono en realidad tiene un tubo en él que le permite funcionar. ¿Cuál es la diferencia? Bueno, en términos generales, y de nuevo hablo en generalizaciones, siempre debes escuchar el micrófono tú mismo para determinar cómo suena para ti. Pero dos micrófonos tienden a ser mucho más cálidos que solo los micrófonos de estado sólido. Al agregar los dos, estamos agregando una especie de calidez a la grabación. Entonces, me verás usar este micrófono para Don y me verás usar este micrófono para nuestra cantante. ¿ Por qué? Porque quiero calentar un poco sus voces. Ahora, una de las principales diferencias entre estos dos tipos de micrófonos es la forma en que se alimentan. Nuevamente, como dije, la dinámica tiene un campo magnético y esta es la forma que recibe o la forma en que se conduce con potencia, romper ese campo magnético estamos enviando una señal eléctrica. En este micrófono condensador, tenemos dos placas. Entonces, en esencia, el poder tiene que venir de algún lugar, lo que nos lleva a un gran concepto dentro de micrófonos que llamamos poder fantasma, eso significa que el poder tiene que ser extraído de otro lugar. Ahora, hay dos formas en que podemos hacer esto; podemos darle individualmente a este micrófono su propia caja individual. Si nos fijamos en este dos micrófono, la caja que está sentada aquí mismo es la fuente de alimentación pero puedes mirar y ver que este micrófono no tiene una caja directa ni fuente de alimentación en esta sala. Lo que está haciendo es usar el poder fantasma. Si notas en tu pizarra o en cualquier Preamp que tengas, hay un botón que se llama poder fantasma. Lo que eso hace es solo eso, envía energía a este micrófono, que luego podamos inducir una señal. Ahora, dependiendo de qué artistas estés trabajando, también determinará qué tipo de micrófono quieres elegir. La mayoría de las veces cuando estoy lidiando en el mundo del rap, tiendo a usar un 67, y Neumann 67. ¿ Por qué? Porque es un caballo de batalla en nuestra industria y es algo de lo que casi he aprendido el sonido y puedo decir si hay algún problema. También hay un gran micrófono llamado el Sony C-800 que mucha gente tiende a amar. Esto te dará un sonido más brillante que nuestro clásico Neumann, pero puedes elegir y marcar la diferencia por ti mismo. Nuevamente, dos micrófonos van a calentar un poco las cosas y si tenemos niveles de presión súper altos, siempre podemos elegir una dinámica. hoy, te estamos dando muchos ejemplos de grabación de voces pero puede que estés en una situación en la que necesitas grabar instrumentos, y ¿cómo te gustaría hacerlo? Hay tantas maneras diferentes y tantas cosas diferentes que puedes hacer para capturar el sonido de tu instrumento favorito. Pero lo primero que puedes hacer, que la gente pase por alto es escuchar realmente el instrumento. El modo en que suene en esta sala debe ser la forma en que suene en esa habitación. Es realmente así de simple. Entonces, en tu selección de micrófonos, estás tratando de imitar ese sonido. Quieres conseguir algo que capte la esencia pura de lo que sea que estás grabando. Si se trata de tambores, quieres asegurarte de que suenan exactamente igual ahí dentro. Si es una guitarra, quieres asegurarte de que estás descubriendo de dónde viene la esencia del sonido. ¿ Viene del todo o viene de las cuerdas o quieres una combinación de ambas? Todas estas cosas son cosas en las que puedes pensar cuando estás grabando tus instrumentos favoritos. Además, una de las cosas que quieres tener en cuenta a la hora de grabar tus instrumentos es que van a tener un rango dinámico mucho más alto que solo las voces. Entonces, quieres tener cuidado al grabar tus instrumentos de que no pongas demasiado alto tu preamplificador. Quieres asegurarte de que la señal más fuerte aún no es recortar entrar en tu puerta o en cinta si estás grabando de esa manera. Entonces, recuerda que como regla general, mayoría de los instrumentos tienen un rango dinámico mucho mayor que una voz humana. Después de tu preamplificador, tu micrófono es probablemente lo más importante en tu cadena, por lo que quieres asegurarte de que te encargues de este micrófono. Muchas veces veo a la gente pagar todo este dinero por cosas caras y luego no las cuidas. Estos micrófonos son sensibles a la temperatura, no se puede derramar agua sobre ellos, no es bueno tener mucho humo, y comida y cosas así alrededor de tu micrófono, pues afectará el diafragma del micrófono. Quieres asegurarte de que te encargues de este micrófono entendiendo que esta es la clave para que tengas una gran grabación. 5. Configuración de tu espacio de grabación: Ahora como puedes decir, estamos en un estudio adecuado donde hay espacio ha sido afinado. Todo en esta sala está diseñado para tener un cuarto muerto para que podamos grabar en voz. Esa puede no ser la situación dentro de su habitación. Si estamos en nuestras habitaciones, entonces podemos tomar ciertos materiales que permiten que nuestra recámara se convierta en un mejor espacio de grabación, una de las grandes cosas que se inventaron con Goebbels. Estas cosas fueron construidas para que puedas diseñar y hacer tu propio espacio en tu propia habitación, bloqueando los reflejos que naturalmente vendrían de estar en un amplio espacio abierto. Tendemos a pensar en las paredes y entendemos que el sonido rebota de las paredes, pero hay que entender que el sonido se mueve en una esfera, no sólo en una línea directa. Mi voz ahora mismo iba en todas direcciones, lo que significa que hay una señal que va al techo, al piso, a cada pared en todas las direcciones posibles. Entonces, al alinearnos con nuestra regla de que no podemos tener ningún muro paralelo en el estudio, esta es la razón por la que entrarías y veías todas estas divertidas formas en el techo. Lo que en realidad estamos tratando de hacer es rebotar la señal alrededor, para que no creemos ninguna onda de pie. Entonces, si estás en una situación en la que no puedes cambiar tu pared física, puedes crear algo que desequilibrará tu habitación. Nuevamente, todo el punto es sacar olas de pie. Entonces, las empresas han llegado con soluciones para esto. Son abundantes los ejemplos de lo que llamamos filtros de reflexión que están fuera en el mercado hoy. No tienes que comprar uno específico, todos funcionan bastante bien. Lo que esto está haciendo es tratar de imitar la idea de esta sala. Encontrarás un montón de filtros de reflexión que recorren el micrófono e intentan cortar cualquier reflejo que provenga de la sala que estás usando. Te recomiendo encarecidamente que gastes un poco de dinero que se necesita para comprar uno de estos. Hará una diferencia drástica si estás grabando en tu recámara o en cualquier otra habitación que no haya sido tratada. Otra cosa que no hemos tocado que creo que es absolutamente importante para que el ingeniero recuerde es el nivel de los auriculares. Lo que estás tratando de eliminar es la hemorragia de los auriculares en el micrófono. Estos micrófonos son muy sensibles. Están aquí para capturar la voz o instrumento que estás grabando, y si los auriculares están demasiado ruidosos, vas a conseguir lo que se llama sangrar en esa señal que es muy difícil de sacar. Entonces, siempre quieres asegurarte de que le das a tu intérprete lo suficiente para que puedan oírse a sí mismos, pero no quieres que sea tan fuerte que esté sangrando en el micrófono. Por último, uno de los detalles más pequeños que siempre se pasa por alto en un estudio es la forma en que se utiliza el cableado. Puede parecer algo pequeño y puede parecer lo último en lo que vas a pensar, pero créeme, la forma en que cuelgues el cable dirá lo duradero que va a ser ese cable por mucho tiempo. No quieres escudriñar el cable, no quieres rap cable, y definitivamente no quieres cable por todo el piso. La gente tiende a tropezar con él, y tiende a ponerse desordenado y desordenado en un estudio. Cuanto más aseado estés con tu cableado, va a durar el cable y mejor que estés grabando va a ser. 6. Configuración de una sesión: Hay algunas cosas que tenemos que hacer antes de que realmente metamos al artista en la cabina. A mí me gusta configurar la sesión para que el flujo de la sesión pueda ser lo más rápido posible para el artista. No quieres estar por aquí creando nuevas pistas, montando reverbs y cosas de esa naturaleza mientras el artista intenta crear, ralentiza el proceso. Entonces, me gusta hacer todas esas cosas antes de que realmente las envíe a la cabina. Muchas veces también me gusta revisar niveles solo para asegurarme de que tenemos el margen adecuado para nuestra sesión. Entonces, como pueden ver he importado esta pista y cuando toco la pista, nos dimos cuenta de que es recorte. Está un poco en rojo. Entonces, lo que haré es entrar aquí y tal vez ponerle uno de mis plugins favoritos solo para bajar el volumen. En este momento estoy usando el REQ6. No importa que esté trabajando en Pro Tools, todos estos conceptos se pueden aplicar a cualquier DAW que estés usando. Ahora, lo que voy a hacer es tirar eso hacia abajo hasta que tengamos un gran nivel donde no estamos alcanzando el máximo y entrando al rojo. También nos da mucho margen para que nuestro artista pueda trabajar. Demasiadas veces si tienes el tema al máximo, no va a haber lugar para que el artista ponga sus voces encima y vas a terminar consiguiendo una mala mezcla. Por lo que quieres asegurarte de que tienes suficiente margen para el artista pueda poner lo que sea que vayan a poner en la pista. Entonces después de tener un buen nivel, lo siguiente que quiero hacer es ponerme algún auxiliar para que pueda ponerme reverberaciones. Ahora bien, ¿qué son las vías auxiliares? Las pistas auxiliares son pistas a las que puedes enviar un bus. Dentro de todos tus DAW, hay un sistema de bussing. Puedes llamarlo buss uno, buss dos, lo que quieras. Esto te permitirá enrutar múltiples canales a un bus, y esto te ahorra tanta potencia DSP en comparación con poner reverbs en cada pista. Este es un error común que veo en muchas sesiones de gente. No tienes que poner una reverberación en cada pista, lo que puedes hacer es usar una reverberación y buss cualquier pista que quieras a esa pista auxiliar. Entonces, lo que estoy haciendo es que estoy creando, digamos tres pistas auxiliares estéreo. Después asignaré las entradas de bus para cada pista auxiliar. El primero es buss uno y dos, el segundo es buss tres y cuatro, y el tercero es buss cinco y seis. Entonces puedo configurar mi sesión para que todas mis pistas vocales vayan a estos busses. Por último, puedo agregar diversos efectos a estos canales auxiliares. Voy a seleccionar dos reverberaciones y un retraso. Entonces, ¿por qué seleccionaríamos ya sea una reverberación o un retraso? Porque a algunos cantantes les gusta cantar con la reverberación y retrasar mientras se escuchan a sí mismos. Les ayuda a pronunciar notas, les ayuda a meterse en el figgle de la pista. A algunas personas les gusta seco, a algunas les gusta con reverberación. Como ingeniero, es mejor que lo tengas configurado ya en caso de que sí lo quieran, que que que intentes agregarlo en medio de la sesión. Por último, después de tener configurada mi reverberación, me gustaría ir por cada canal y antes de que alguien empiece a grabar, nombra cada canal. No importa si dices uno, dos, tres, si dices el verso principal uno dos, cualquiera que sea tu sistema, es genial que pongas nombre a estos canales antes de empezar a grabar. De esa forma, tu archivo de audio tendrá el nombre de la pista incrustado en el archivo de audio. También me gusta nombrar la reverberación para que sepa la diferencia entre mis canales de reverberación y mis canales de audio. El siguiente paso en nuestra cadena en grabación va a ser seleccionar un preamplificador. preamplificadores son casi más importantes que los micrófonos porque la calidad del preamplificador determina directamente la calidad de la señal. Ahora mientras seleccionamos nuestro preamplificador, lo que vamos a hacer es establecer nuestro nivel aquí. Lo ajustaremos dependiendo de lo alto o lo suave que se ponga nuestro vocalista. Pero más o menos queremos empezar en un nivel general donde sabemos que la señal es lo suficientemente fuerte como para que vamos al DAW sin distorsionarnos. La distorsión es lo único que quieres asegurarte de que no lo hagas. Lo último que vamos a poner en nuestra cadena vocal es un compresor. El motivo por el que ponemos el compresor ahí es solo para captar cualquier señal extraña que pueda ponerse demasiado fuerte. También queremos asegurarnos de que no sea demasiado blando cuando estamos grabando. Entonces, el compresor nos permitirá tener un buen nivel parejo. Para esta grabación de hoy, he seleccionado el LA-2A, uno de los caballos de batalla de los equipos de estudio. Todas estas cosas se han replicado en algún tipo de forma de plugin. Entonces, el plugin te está dando una referencia al mismo tipo de sonido que haría el componente real en el mundo real. Creo que eso es algo hermoso para ti en casa que no tienen la capacidad de entrar a un estudio como este. 7. Grabación de voces de rap: Nos han bendecido lo suficiente como para tener aquí a mi buen amigo Don Will del grupo Tanya Morgan, y lo vamos a utilizar como ejemplo para mostrarles cómo colocar el micrófono. El modo más fácil y mejor de hacer esto es solo pensar que quieres colocar el diafragma del micrófono frente a tu fuente de sonido. Ese siendo su boca hoy porque está rapeando. Entonces, tomaremos el micrófono, que le dé un paso adelante y nos aseguremos de que estén en un nivel parejo. Ajustaremos la pantalla. Queremos que la pantalla esté a unos tres a cinco pulgadas del diafragma del micrófono. Esto se encargará de los ruidos que salgamos mientras estamos en nuestra grabación. Cada vez que pronuncias ciertas palabras que tienen P en ellas comienzas a conseguir cierto popping. Queremos asegurarnos de que eso no entre en nuestra grabación que es la razón por la que le damos suficiente espacio. La pantalla se puede hacer de cualquier cosa. Puedes hacer uno de estos tú mismo solo tomando unas pantimedias y un alambre de una percha y haciendo las tuyas propias. No tiene que ser profesional pero estos funcionan muy bien. Entonces, después de hacer ese ajuste, también vamos a mirar en nuestro micrófono y vamos a hacer un roll off el cual se encargará de todo el ruido del piso. Este micrófono tiene esa capacidad en él. Algunos micrófonos no, pero esa es otra razón por la que elegimos este es porque tiene un rodar de piso sobre él. Entonces, vamos a deshacernos de ese ruido de piso que obtendremos del stand moviéndose, del movimiento de la mano, de cualquier otro ruido extraño, vamos a asegurarnos de que saquemos eso de ahí. Sí, creo que eso fue una toma ahí mismo. Está bien. Enfriar. ¿ Quieres duplicar y ponerle algunas libs de anuncios? Sí, quiero doblarlo. ¿Se puede bajar un poco la voz y la paliza un poco? Sí. Te tengo. Una de las cosas más importantes para recordar mientras estás grabando es hacer que el vocalista se sienta cómodo. Sea lo que sea que soliciten debes tratar de hacer eso lo más rápido posible. A algunas personas les gusta la música en voz alta, a otras les gusta la música suave. Los registros te harán saber y decirte exactamente cómo lo quieren o después de un par de tomas empezarás a caer en un campo determinado. Entonces, así como él solicitó, daré la vuelta a la paliza y bajaré la voz. Como puedes ver, Don tomó la decisión de grabar algunas libs de anuncios. Esa es una de las principales preguntas que obtengo mucho es, Guru, cuántas libs de anuncios debo grabar, cuántas veces debo duplicar algo, y mi respuesta es siempre depende del artista. Tengo algunos artistas que no hacen ninguna libs de anuncios. Tengo algún artista que las libs del anuncio son extremadamente importantes porque se suma a la textura de una canción. Entonces, realmente depende del artista cuántas libs de anuncios tienes. Lo único que diría aunque es cuidarte y no desorden la pista. Muchas veces puedes exagerar las cosas o si hay algunas cosas que necesitan algo más de importancia o prominencia, puedes usar efectos. Pero agregar ocho más de lo mismo no necesariamente va a hacer algo más fuerte. Es donde se mezcla esa cosa. Entonces, puedes hacer esa determinación dentro de la mezcla. Una de las cosas que me gusta hacer es dar diferentes ad libs sabores diferentes. La persona puede usar una voz de tono más alto, puede susurrar la pista a veces, solo cualquier tipo de cosa creativa que no haga que la pista suene exactamente como la otra pista. Depende de lo que intentes hacer. En ocasiones estás reforzando la vocal principal, algún momento estás respondiendo a la vocal principal. Usa tu creatividad y utiliza tu determinación para averiguar dónde es el mejor lugar para complacer ad lib. Ahora que tenemos algunas tomas geniales, es muy importante que entiendas mi proceso final. La mayoría de las veces la gente simplemente graba música y nunca repasa la música y aquí es donde ocurre uno de los mayores errores. Entonces, cuando termine de grabar, siempre quiero traer al artista y que escuchen fresco después de que hayan hecho la toma por si acaso quieren cambiar algo o simplemente para asegurarme de que la sensación de lo que ellos están haciendo es lo que realmente quieren del registro. Entonces, volveré a jugar esto para Don. Si hay algo más que él quiera cambiar entonces deberíamos hacerlo ahora. Entonces tomemos una escucha. Está bastante bien. ¿ Y esta parte de aquí? ¿Crees que deberíamos agregar algunas libs de anuncios para recuperarlo? Me gusta sin anuncios libs sólo porque son tantas palabras, tantas palabras pasando ahí. Se lo agradezco, hombre. 8. Grabación de un cantante: Hoy nos sentimos honrados de tener a la Srta. MeLa Machinko. Tiene un nuevo EP out llamado 9am Blues. La agradecemos por detenerse, y vamos a grabar algunas voces sólo para demostrar cómo lidiar con armonías y grabar cantantes. También va a ser lo suficientemente amable de demostrar algunas técnicas para nosotros, que ustedes cantantes puedan ver la mejor manera de grabar sus voces. ¿Estás listo? Sí. ¿ Quieres alguna reverberación o algo así? No. Drywall en grabación. Está bien, genial. Está bien, ese fue un gran nivel hagámoslo una vez más. Por lo que podría ser parejo. Genial. ¿Quieres apilar eso o quieres seguir adelante? Yo quiero ver el gancho. Está bien. Genial. Por lo que trato de dar un poco de pre rollitos, para que puedan caer a la derecha donde lo dejaron. A veces si te metes directamente en esa sección no captan vibra. Entonces, esta parte fue buena. Está bien. Siguiente pista. ¿ Vamos a duplicar? Sí, me harías saber cuántos dobles o armonías quieres hacer y solo seguiremos adelante? Entonces la comunicación es clave. Ahora sé exactamente cuántas armonías y cuántas pistas voy a necesitar. Ahora, como estamos grabando estoy escuchando para comprobar y asegurarme de que todas las notas estén golpeando en la misma, y que ella no golpeó ninguna nota equivocada, y también el tiempo donde golpearon para asegurarse de que todo suene bien. Lo que escuchaste antes fue que le pidiera hacer triples, y para ella, me pidió que los hiciera panear. Entonces, lo que vamos a hacer es este pan uno a la izquierda, uno a la derecha, y mantener uno en el medio. Para que ahora pueda agregar más armonías a lo que estamos haciendo, y pueda oírse a sí misma y escuchar lo que acabamos de hacer. Entonces te puedes preguntar, ¿por qué necesitas panear las voces? Bueno, cuando piensas en el espectro del audio, podemos panear todo el camino de izquierda dura a derecha dura. Lo que eso significa es que obtienes ciertas señales acústicas de ciclo, y no te asustes con esas palabras. Todo lo que significa es que se puede decir dirección por donde viene el sonido. Si estás en la calle, puedes decir si el viene de la izquierda o de la derecha. Lo mismo es con la música. Tienes todo este espectro de donde puedes colocar diferentes instrumentos y voces diferentes. Entonces, es lo mismo que si te imaginas grabando un coro. Todas esas personas no están de pie exactamente en el mismo lugar. Están diseminados por todo el espectro. Eso es lo que estás emulando cuando haces panecillos a la izquierda o a la derecha o en cualquier lugar intermedio. Estás haciendo un spread para que parezca ser más de una persona, es decir, estamos tomando sus armonías, y difundiéndolas, poniéndolas en diferentes posiciones para que todo el coro suene muy lleno. Entonces, probemos la primera armonía. Sonaba bien. Vamos a probar una segunda. Como también ven, mientras grababa esa toma, me tomé el tiempo para agrupar al primer grupo de voces. El motivo por el que tal vez quieras hacer esto es a medida que agregamos más armonías puede que me pida que tire algo hacia arriba o lo empuje hacia abajo, dependiendo de qué armonía o de qué nota principal estemos hablando. Si agrupas a esos tres, es mucho más fácil y mucho más rápido para ti ajustar esto mientras el cantante está cantando. Nuevamente, en este punto de nuestra grabación, lo que estamos tratando de hacer es hacerla lo más cómoda posible, y facilitar la grabación lo más rápido posible. Entonces, probemos la siguiente armonía. 9. Finalización de la grabación: Eso fue genial. ¿Quieres hacer la tercera más? No hay problema. Voy a ir por el justo antes de eso. ¿ Qué te parece esa? Eso fue genial. Eso es otra cosa clave es asegurarse de que cada vez que alguien está golpeando en eso sabe por dónde está entrando, una comunicación muy pequeña como esa te puede ahorrar mucho tiempo. A veces los artistas están actuando, y hay cosas repetitivas en toda la canción. Siempre es bueno como ingeniero dejar que el vocalista sepa exactamente dónde están en la canción. Nuevamente, ese poquito de comunicación va un largo camino. Sonaba genial. Ahora, probablemente hablaré de esos un poco más, y ese es otro punto. Podrías mirar mi bus estéreo ahora mismo, y ver que a veces sí le pega al rojo, pero esa es en realidad nuestra salida porque estas voces son un poco más ruidosas de lo que van a ser en realidad cuando las mezclemos en la pista, pero nuestra principal preocupación ahora mismo es que para que nuestra cantante pueda escuchar exactamente lo que está haciendo en cada nota. Entonces, una vez que terminemos, entonces haremos una mezcla, pero el propósito principal en este momento es asegurarse de que ella pueda escuchar cada nota. Entonces, lo que normalmente haría es tener la nota principal en un nivel, y luego tener los fondos un poco debajo de eso, y a medida que empieza a agregar capas, empezaré a hablar y mezclar eso mientras está grabando nueva cinta. Otra cosa que notarás, y estamos bendecidos hoy porque tenemos un cantante tan grande es si ves el movimiento del cantante, gente real que son profesionales que saben lo que están haciendo saben cómo controlar su cuerpo así como su voz. Hay muchas veces en las que los cantantes irán a las notas altas. Creo que Patti LaBelle fue una de las mejores en esto. La verías realmente de nuevo desde el micrófono porque sabe que está golpeando una nota alta. Estas son técnicas que aprendes con el tiempo. A veces es difícil lidiar con cantantes que no saben eso, pero como ingeniero, más sepas de las técnicas vocales, más se puede enseñar a tu cantante. No todo el mundo tan experimentado como el que tenemos aquí hoy, pero puedes enseñar a quien necesites para enseñar todas las técnicas vocales que puedes conseguir la mejor toma la mejor grabación. hecho de que estemos lidiando con cantar no pienses que también haya técnicas para rapear. Una de mis mayores peeves de mascota es que la mayoría de los raperos escriben sus rimas y luego inmediatamente quieren decir la rima antes de memorizar la rima, pero memorizar la rima permite enfrentar el micrófono versus sostener un pedazo de papel y mirando hacia la derecha. Esto naturalmente saca tu boca de la zona de estar directamente en el micrófono. Esto es algo que quieres corregir. Entonces, siempre es mejor si puedes memorizar primero tu ronda. Te ayuda con tu flujo, te ayuda con tantas cosas diferentes, pero desde un punto de vista técnico, siempre es mejor ir directamente al micrófono. Ahora de nuevo, puede que te encuentres con una situación en la que tienes una gran cantante que simplemente está nerviosa o no está tan sazonada por estar en el estudio. Hay algo maravilloso que pasa cuando vas a ver a alguien cantar en su iglesia y suena genial, pero se ponen un poco nerviosos cuando se ponen detrás de un micrófono. Hay un montón de técnicas que puedes usar. Lo que quieres hacer es calmar a tu artista. Quieres hacerlos sentir lo más cómodos posible. No quieres necesariamente decirles todo el tiempo, hey esa fue una toma horrible. Quieres animar y llegar al punto de lo que estás tratando de llegar sin desanimar al cantante. Entonces, lo mejor que hay que hacer es que el cantante se sienta cómodo. A veces es una taza de té, tal vez a veces es hey necesitas cinco minutos para ir a comer o tal vez a veces deberías tomarte un descanso y venir, y que esa persona perfeccione lo que están tratando de hacer en la parte de estudio antes de que realmente vayan y lo hagan en el micrófono. Cualquier cosa que puedas hacer que pueda calmar al artista para dar la mejor actuación es lo que quieres hacer a la hora de conseguir las mejores tomas vocales. La mayoría de los cantantes, cuando cantan, van a hacer una nota principal y una serie de armonías. ¿ Qué significa eso realmente? Bueno, hay una nota principal que escogen que será el núcleo del coro o de los versos o lo que sea que estén cantando, pero también quieren escoger otras notas que vayan de la mano con esa nota principal que luego van a sumar para que podamos engrosar el coro. De nuevo, es algo que hará que suene como que hay muchas voces cantando y si solo esta nota principal, escucharemos esto. Si toco esa misma sección con el siguiente grupo de armonías, se puede escuchar que se fue un poco más baja, y si toco con el siguiente grupo de armonías, obviamente podemos escuchar que ella fue más alta. Toda esta combinación hace que el coro suene lleno. Lo último que me gusta hacer es pasar y sólo limpiar la sesión. Nuevamente, esto no es algo obligatorio. Esta es solo una recomendación que te estoy dando que cuanto más limpio sea tu sesión o más fácil es mirar visualmente lo que está pasando permite que tu auto o cualquier otro ingeniero que vaya a usar la sesión para saber dónde están las cosas. Entonces, voy a pasar y sólo sacar mucho del audio extraño. Si hay una larga brecha de silencio, me gustaría sacar eso. De esa manera, no necesitas tapar las cosas, no necesitas hacer nada más que dejar que ese audio se reproduzca dondequiera que esté. Limpiar la sesión es una de las cosas más pasadas por alto. Espero que hayan disfrutado de esta clase de Skillshare. Tratamos de darte algunos de los conceptos básicos, y un poco de lo avanzado en cómo hacer una gran grabación. Pero nuevamente, en general, ten una cosa en mente; tus oídos y lo que escuchas son la mejor determinación de tu grabación. Asegúrate de que las cosas no estén demasiado ruidosas, asegúrate de que no estén distorsionadas al entrar en tu DAW y asegúrate de que obtienes la señal más limpia posible entrando. Otra vez, basura adentro, basura fuera. Este es Joven Guru. Espero que disfruten de esta Skillshare. Mantente atentos para el siguiente.