Aprende a diseñar patrones artísticos y artesanales, parte 1

1. Introducción: Hola, soy [inaudible], diseñador de patrones y profesor en línea de Suecia. Además de ser apasionado por el diseño de patrones, también soy un enorme nerd de la historia y amo los estilos de patrones históricos. Uno de mis estilos favoritos absolutos son las artes y la artesanía. Se trata de diseños de patrones convincentes tienen alguna calidad de genio para ellos que ha hipnotizado a la gente desde hace 150 años. Es uno de los estilos más admirados hoy en día y ha influido y moldeado tanto el diseño interior como el moderno patrón de muchas maneras. Como saben, los patrones de artes y manualidades son bastante complejos con motivos de capa entrelazados y composiciones que pueden parecer muy difíciles de crear. Pero en este curso, que es el primero de esta serie, comenzaré a desmitificar los secretos y cómo crear patrones de artes y manualidades. En esta clase, aprenderás sobre el fondo del estilo de patrones de artes y manualidades, sus influencias, y el principio de diseño que lo dio forma. Vamos a echar un vistazo más de cerca a las características de los patrones de artes y manualidades cuando se trata de tema, composición y maquetación, motivos típicos y esquemas de color y voy a compartir mi proceso para diseñar estos diseños complejos en manejables pasos. También aprenderás sobre los diferentes tipos de patrones que puedes encontrar dentro del estilo de artes y artesanías. Para que sea un poco más fácil, he dividido esto en cuatro categorías. En cada parte de esta serie, echaremos un vistazo más de cerca a cada categoría. En esta primera parte de la serie, aprenderás a crear patrones en la categoría que llamo trailing. Se trata de patrones con una estructura fluida de plantas y flores en una o dos capas de motivos. También obtendrás ejercicios para practicar cómo dibujar motivos en el estilo de las artes y artesanías, y cómo redactar una repetición recta a la antigua manera. Al finalizar este curso, tendrás un patrón de artes y manualidades propio para incluir en tu portafolio o para agregar en una impresión bajo demanda servicios tal vez, o para utilizar para producir tus propios productos como tela, hogar textiles, y papel tapiz por ejemplo. Este curso es para ti que quieres subir de nivel tus técnicas de diseño de patrones y entrenar tu ojo para lo que hace una composición fluida. Es para ti que quieres mejorar tus habilidades de dibujo y explorar tu estilo de diseño. Pero es especialmente para ti que has anhelado crear patrones en el estilo de las artes y artesanías. Este es un curso intermedio y necesitarás tener conocimientos básicos de usar las herramientas esenciales en Adobe Illustrator. Ya que eso es lo que usaremos para colorear nuestros patrones y crear la repetición digital final. Si estás listo para aprender a crear patrones de artes y manualidades, te doy la bienvenida a unirte a mí por dentro y empecemos. 2. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos, y bienvenidos a la primera parte de esta serie de cursos sobre cómo crear patrones de artes y manualidades. Yo quiero poder crear patrones en el estilo de las artes y artesanías, pero parecen tan avanzados y complejos y no tengo ni pista de cómo hacer eso ni siquiera por dónde empezar. Este es probablemente el comentario número uno que obtengo al preguntar qué les gustaría aprender mis alumnos y de qué debe tratarse mi próximo curso. Artes y artesanías es un estilo complejo de muchas maneras con sus motivos y composiciones entrelazados y capas. Pero podemos aprender y lograr cualquier cosa estudiando, practicando y tomando las cosas paso a paso. Eso es exactamente lo que hice cuando intenté averiguar cómo crear un patrón de artes y manualidades por mi cuenta hace un tiempo. Hice toneladas de investigación, estudiando los patrones de cerca, disecándolos en sus elementos más pequeños, para tratar de averiguar cómo se hacían. Después probando y probando diferentes técnicas y métodos para lograr este estilo y cuidar mucho ensayo y error y practicar, finalmente logré crear un patrón de artes y manualidades por mi cuenta. Este tipo de proceso de estudiar y averiguar cómo crear un tipo específico de patrones es como he desarrollado tanto mis habilidades artísticas como técnicas. Pero el resultado más valioso de todo esto es, que esta forma de aprender también me ha ayudado a explorar y descubrir mi propio estilo de diseño personal y crear un proceso de cómo diseñar patrones avanzados y complejos. Al igual que en el estilo de artes y artesanías o [inaudible] o florales indios y damasco por ejemplo. En esta serie de cursos, te mostraré cómo crear patrones de artes y manualidades utilizando mi proceso. Ese paso a paso te ayudará a crear un patrón al estilo propio. Creo que podemos aprender mucho de la historia porque es un tesoro tan preciado de conocimiento e inspiración. ¿ Qué es realmente el arte y la artesanía? Bueno, eso es algo que aprenderás en la primera lección. Te veré por eso en el siguiente video. 3. ¿Qué es el arte y las artesanías?: El término artes y artesanías no se refiere a un estilo de diseño de patrones específico, si queremos ser correctos. A pesar de que muchos asocian artes y artesanías con los diseños de patrones de William Morris. La definición más correcta es que las artes y las artesanías se han utilizado para describir el arte y el diseño que se creó en Gran Bretaña y Norteamérica entre los 1870hasta alrededor de losaños 1920. hasta alrededor de los utilizado para las artes decorativas y aplicadas, lo que conlleva todo tipo de principios de diseño y arte, no sólo patrones para papel tapiz y textiles. Artes y artesanías incluye arquitectura, interiorismo, vidrieras, trabajos metálicos, pintura, ilustración, escultura, talla de madera, alfarería, bordados, mobiliario , tapices, tapices, alfombras, pero también ropa, joyería, y jardinería. Artes y artesanías es también un término que hace referencia al grupo de artistas, diseñadores y artesanos durante este tiempo, que basan su trabajo en un conjunto de principios que fue influenciado en gran medida por las circunstancias sociales en la sociedad victoriana y cultura. Juntos estos grupos se convirtieron en una fuerza llamada movimiento de artes y oficios. Eso cambiaría la forma en que la gente veía y valoraba las artes decorativas y sus creadores y al mismo tiempo creó una nueva tendencia de diseño en arquitectura, decoración de interiores, jardinería y moda. A pesar de que el movimiento de artes y artesanías incluye muchos diseñadores y productos diferentes, los patrones de William Morris y su empresa empresarial Morrison, que se han convertido en el nombre del cartel para esta histórica era del diseño. El hecho es que fue un icono del diseño e influencia para muchos de los diseñadores contemporáneos y su trabajo. Su estilo de diseño específico fue en muchos sentidos lo que dio forma al estilo general de artes y artesanías como lo percibimos hoy, al menos. Pero dentro del movimiento de artes y artesanías, hubo muchos diseñadores más exitosos que contribuyeron al desarrollo del diseño de artes y artesanías y los estilos que siguieron. En la siguiente lección, te daré un trasfondo y una breve historia del movimiento de artes y artesanías y algunos de sus diseñadores clave y su trabajo. 4. La historia detrás del movimiento artístico y artesanal: En esta lección, les contaré más sobre los antecedentes y circunstancias que llevaron al movimiento de artes y artesanías y lo que representaba y esto les dará un contexto a los principios que dan forma a la obra de los diseñadores de artes y artesanías. El siglo XIX en general fue una era de entusiasmo a todo lo nuevo y máquina hecha. Todo el progreso y las oportunidades que había venido con la Revolución Industrial crearon un ambiente especial y una energía que es característica para este periodo, también llamada la era victoriana. En 1851 se llevó a cabo la primera gran exposición en el Palacio de Cristal de Londres.Fue un gran evento para presumir de la superioridad y esplendor de British Engineering Innovation y sus productos provenientes de todos los rincones del imperio. La exposición fue todo un éxito con más de seis millones de visitantes de todo el mundo, pero no fue un éxito completo. Mucha gente pensó que mostraba debilidad y falta de gusto en británico firmar y esto creó debate y discusión en la prensa del arte especialmente. En general, la gente había comenzado a reaccionar ante el impacto no tan positivo que los fabricantes y la producción masiva tenían en la sociedad y sobre todo las condiciones para los trabajadores, así como cómo había cambiado el paisaje y el medio ambiente. Tan sólo para leer una novela de Dickens para echar un vistazo a ese lado de la moneda. Ahora círculos y grupos de artistas y diseñadores y artesanos, comenzaron a formarse y a quienes no les gustó cómo la producción en masa afectó la calidad tanto del diseño como de la producción. Especialmente despreciaban, cómo había desprendido al trabajador del proceso de diseño. Todo trabajador acababa de convertirse en un engranaje en una gran maquinaria, lo que a sus ojos lleva a la desmoralización de los trabajadores ya que ya no podían enorgullecerse de su trabajo. Se trataba sólo de ganancias y ya no de un buen diseño o una verdadera mano de obra. Otros grupos culturales querían crear un cambio y reformar cómo las artes aplicadas y decorativas eran vistas y valoradas por el público y elevar su estatus para ser igualitarias a las bellas artes. Por ejemplo; no hubo muchas oportunidades para exhibir diseños y productos dentro de las artes aplicadas y decorativas al público y una batalla fue reformar la Real Academia, quien sólo favoreció las bellas artes y los pintores en su exposiciones. Incluso la arquitectura y la escultura, fueron severamente tergiversadas. Cuando la Real Academia se negó, a pesar de las duras críticas en la prensa del arte y en la sociedad cultural. Se formó un comité separado con el objetivo de crear un lugar para que diseñadores, artistas y artesanos expongan y muestren su trabajo al público. Fue ahora que el término artes y oficios fue acuñado durante una reunión de comité en 1887 para decidir un nombre para esta exposición. Una carpeta de libros de nombre T. J, Cobden-Sanderson, propuso el nombre Arts and Oficios Exhibition Society. La primera exposición tuvo lugar en The New Gallery en 1888 y se le dio seguimiento los dos años siguientes y después de eso continuó cada tercer año muy entrado el siglo XX. Alrededor de 1920, la era del diseño de artes y artesanías llegó a su fin por cómo tanto cambiaron el estilo y las técnicas y la Primera Guerra Mundial también fue un punto de inflexión que cambió esta industria para siempre. Esta fue la historia del movimiento de artes y artesanías y su estilo pero podemos obtener una imagen completa sin contar la historia de sus diseñadores clave. Acompáñame en la siguiente lección donde aprenderás más sobre William Morris y algunos de sus compañeros y lo que influyó en su trabajo. 5. William Morris y las influencias del diseño artístico y artesanal: Contar la historia de las artes y las artesanías y lo que dio forma a este estilo de diseño es contar la historia de su gente clave y lo que les influyó. Esto se puede contar a través de la vida y obra de William Morris. William Morris nació en 1834 y provenía de una familia adinerada de Stowe en el noreste de Londres. Creció en un pintoresco paisaje cercano a la naturaleza con bosques y prados lejos de las fábricas de humo. Era muy inteligente y leía y escribía mucho cuando era niño, fascinado por la literatura medieval romántica y el arte y las historias de amor sobre caballeros y damas justas y cuentos de hadas. Pasó mucho tiempo en la naturaleza estudiando ruinas e iglesias y otros edificios antiguos. Cuando William Morris tenía 16 años, visitó la exposición de cuadrícula junto con su madre y como muchos otros, no quedó impresionado por todo ese esplendor y exhibición de nuevos productos. En cambio, pensó que era una abominación vulgar. El diseño victoriano en general fue una colección ecléctica de diferentes estilos e influencias. Mucho gracias a las nuevas innovaciones y transportes que acercaron al mundo. Con el streaming de productos desde todos los rincones del vasto Imperio Británico, gente se obsesionó con las culturas exóticas y la arqueología y todas las áreas históricas. diseño y los productos japoneses y otros asiáticos y orientales también se volvieron extremadamente de moda y popular. Todas estas diferentes fuentes influyeron también en Morris. Pero para él, el diseño victoriano era exagerado y abarrotado de adornos y solo mucha nostalgia deslumbrante y sentimental. En su opinión, todo fue creado para engañar a los consumidores y no tener integridad ni calidad. Fueron tres figuras clave y su trabajo que influyeron mucho en William Morris y sus pensamientos sobre el diseño y cómo estaba conectado con la sociedad. El primero fue un tipo llamado Pugin. Formó parte del Movimiento de Renacimiento Gótico que se formó durante el siglo XVIII y que se inspiró imágenes y fuentes medievales y góticas. El Movimiento de Renacimiento Gótico fue enorme durante el siglo XIX y es la razón por la que tantos edificios públicos e iglesias de esta época se hacen en un estilo gótico. Pugin pensó que el diseño gótico era superior a todos los demás porque era cierto y honesto. No trató de parecer ni de ser otra cosa. También, en la sociedad y cultura medievales y góticas, los artesanos y la mano de obra eran mucho más apreciados según Pugin, que era integral para el buen diseño, y esto sólo podía crearse en una buena sociedad. Todo esto le habló a William Morris. Otro temprano influyó para William Morris en lo que era un buen diseño fue la gramática del libro de adorno de Owen Jones. Esto se convirtió en un clásico libro de referencia victoriano para el diseño ornamental. En el libro, Jones se basó en los principios de Pugin de que el diseño debe ser verdadero y honesto. Se llevó esto un poco más allá, afirmando que el diseño no debe crearse sólo para ser admirado o para vender algo. Primero se debe crear el diseño fuera de la función, luego se podría agregar ornamento y núcleo profundo. También pensó que el diseño debía crearse en contexto del entorno donde existiría. También dijo que el buen diseño sólo podría inspirarse en la naturaleza. Todo esto en realidad se convirtieron en piedras angulares del movimiento de artes y oficios más adelante. Cuando William Morris tenía 19 años, llegó al Exeter College de Oxford para estudiar literatura y los clásicos. Aquí desarrolló aún más sus valores junto con sus nuevos amigos artistas. También es donde su amor por todo grupo medieval, por ejemplo, a través de los manuscritos iluminados que inició en la biblioteca Bodleiana. Ahora conoció los escritos de otra figura clave, John Ruskin, quien cuestionó el éxito comercial de la producción en masa y cómo creó la miseria humana. Él también era fan de la arquitectura gótica y de lo que representaba. Ruskin argumentó que el trabajador necesita estar involucrado en cada etapa de la producción para sentirse orgulloso de su trabajo, que fue integral para crear un buen diseño. Esto fue socavado por la industrialización y es comercialismo. Inspirado en todo esto, William Morris y sus amigos formaron un grupo llamado La Hermandad con la agenda de rebelarse contra todo comercialismo y materialismo creado por la industria. Al principio, William y su mejor amigo, Edward Burn Jones, habían planeado convertirse en clérigo de la iglesia. Pero durante un viaje a Francia, cambiaron de opinión después de ver la impresionante arquitectura y pinturas medievales, decidieron convertirse en artistas en su lugar. Edward Burn Jones decidió por una carrera de pintura y William por la arquitectura. Después de graduarse, regresó a Londres para aprender en la práctica de George Edmund Street, quien también estaba en la arquitectura gótica y el Movimiento de Renacimiento Gótico. En la práctica de las calles, William conoció a Phillip Webb, quien también se convirtió en uno de sus mejores y de toda la vida amigos junto a Burn Jones. Ahora entra otra figura clave en la vida de Morris, Dante Gabriel Rossetti, a quien también había conocido en Exeter. Rossetti era poeta y pintor ya con cierto éxito, y fue uno de los fundadores del grupo denominado la Hermandad Pre-Raphaelite. Este grupo también se rebelaba contra algo. Pero para ellos, era la tendencia actual imitar el estilo renacentista de los famosos artistas del siglo Rafael. En cambio, se inspiraron en el periodo anterior esa verdad y honestidad en el arte medieval y gótico, por supuesto. Morris admiraba mucho a Rossetti y su obra y cuando se da cuenta de que la arquitectura tampoco era lo suyo, Rossetti lo convenció para que se convirtiera en pintor. Ahora sucedió algo muy importante. Pero para enterarse de eso, hay que ir al siguiente video donde continuaremos con esta lección. Bastante el cliffhanger. 6. Continuación: William Morris y las influencias del diseño artístico y artesanal: Rossetti había conseguido una gran comisión para decorar los muros de la cámara de debate de la Unión de Oxford, y ahora invitó a Morris y Burne-Jones a que vengan a ayudarlo. Los frescos que pintaron para este proyecto representaban escenas típicas medievales del cuento del Rey Arturo. Pero lo curioso es que realmente no sabían lo que estaban haciendo, y las pinturas fueron criticadas bastante por sus extrañas proporciones, y después de un año, los frescos se habían desvanecido casi por completo, porque los había pintado encima de una superficie húmeda. Pero esta fue una fase muy importante en la vida de William Morris y el inicio de su nueva carrera. Durante este proyecto, Morris también conoció a Jane Burden, su futura esposa. Se casaron en 1859 y se trasladaron a la Casa Roja, cual fue diseñada por el amigo de William, Philip Webb. la Casa Roja se le suele llamar la primera casa real de artes y artesanías , y por supuesto, no había ningún mobiliario o decoración existente en el mercado que hiciera por Morris. Por lo que con la ayuda de sus amigos y esposa, diseñó y aprovechó la mayor parte del mobiliario y decoración para la propia casa. Este fue también un paso importante hacia la fundación de Morris, Marshall Faulkner y compañía. Esta empresa incluía a Rossetti Burne-Jones, Philip Webb, y algunos otros amigos y asociados. La descripción de la empresa era obrero de arte en pintura, talla, muebles, y los metales. Por lo que las artes en combinación con las artesanías. El bufete, como la empresa fue apodada, se convirtió en un gran éxito comercial desde el principio. Los primeros productos fueron diseñados para amigos y familiares en su mayoría. Morris y sus parejas hicieron todo ellos mismos con un verdadero espíritu de artes y artesanías, desde el diseño hasta la fabricación. Por ejemplo, producían azulejos decorados y productos de bordado. Pero el producto más importante fue la producción de vidrieras para iglesias y otros edificios con una demanda de rápido crecimiento por su hermoso trabajo. Lo que era tan genial sus vidrieras es que todos colaboraron y trabajaron juntos. Burne-Jones y Rossetti diseñaron las figuras centrales, Philip Webb diseñó algunos de los otros elementos y las letras, y Morris fue el responsable de los esquemas de color. Ahí hay otra y trágica historia paralela a la vida de Morris que afectó a su obra, especialmente a su escritura y pintura. Este fue el romance entre su esposa y su amigo, Rossetti. Fue una historia extraña y un tiempo destructivo para él, pero uno que parecía aceptar. El hecho es que en 1871, la pareja y la familia Morris y Rossetti juntos arrendaron y se trasladaron a Kelmscott Manor, donde continuó el romance entre Jane y Rossetti. respecta a los negocios, las cosas empezaron a dar un mal giro también. William Morris había sido el mayor inversionista financiero en la firma, pero después de unos años, comenzó a drenar sus propios recursos financieros. En gran parte por la disminución de la demanda de vidrieras y mobiliario, que fueron las principales fuentes de ingresos para esta firma en los primeros años. Por lo que Morris se vio obligado a hacer algunos cambios y reconstruir la compañía en 1875, que terminó con excluir a algunos de los socios incluyendo a Rossetti, y yay por eso, estoy en el Equipo William. A pesar de todo ese drama, William Morris se había convertido en un hombre de negocios inteligente. Entonces cuando las cosas en el mercado cambiaron, adaptó y amplió su trabajo en papel tapiz y diseños textiles en su lugar. El despacho que ahora se llama Morris and Company comenzó a conseguir comisiones para la decoración interior completa, y el negocio creció. En 1876, Morris abrió un showroom en Oxford Street donde los clientes pudieron ver muestras de papel tapiz, tapices, bordados alfombras y bocetos de diseños interiores completos. Tener tu casa decorada por Morris y Compañía se hizo muy popular entre los ricos. propio William Morris no estaba tan contento con esto. Pensó que muchos de sus clientes no entendían o realmente apreciaban la calidad y la artesanía detrás de ella, pero sólo seguirían una tendencia. Se dice que una vez expresó que, “pasé mi vida ministrando al lujo estafador de los ricos”. Esto fue en realidad una frustración para él a lo largo de su carrera. Se ha esforzado por la igualdad en la sociedad y el buen diseño disponible para todos, pero en su esfuerzo por crear un diseño bueno y honesto y de alta calidad con verdadera mano de obra, sus métodos de producción de impresión a mano, por ejemplo, sólo hizo posible que los ricos compraran sus productos y servicios. En este momento entra otro ícono de las artes y artesanías, John Henry Dearle. Puede que no hayas oído hablar de este diseñador antes, pero el hecho es que en realidad es el diseñador detrás de muchos de los patrones creados por Morris and Company y que todavía se cree erróneamente que fueron diseñados por el propio William Morris. Dearle comenzó a trabajar para Morris and Company en 1876 como asistente de tienda en el showroom de New Oxford Street. Pronto avanzó y comenzó a trabajar con la producción de tapices junto con William y también se convirtió en parte del proceso de diseño y creó sus propios patrones para papel tapiz y textiles, altamente influenciados por el estilo de William Morris, aunque. En realidad, a finales de los 70, Morris pasó cada vez menos de su tiempo diseñando y girando más hacia su compromiso en las reformas sociales. Dearle se hizo cargo cada vez más. A partir de 1888, fue él quien se encargó de diseñar todos los textiles y papel tapiz. En 1888 se llevó a cabo la primera exposición de artes y oficios. Morris and Company fue uno de los principales expositores, por supuesto, y ahora William Morris era muy considerado como un ícono y diseñador superestrella entre sus pares. Sus habilidades y patrones habían influido en ellos y en sus estilos a lo grande. En sus últimos años, sus aportaciones al movimiento se inclinaron más hacia dar conferencias sobre el diseño y las artes decorativas, inspirando a una nueva generación de artistas y diseñadores, como el autor Heygate Mackmurdo, Charles Voysey, Lewis Foreman Day, Christopher Dresser, John Dando Sedding, y Walter Crane, claro. Una que quiero mencionar particularmente es la hija de William Morris, May Morris, quien también trabajó para la firma y como con Dearle, creó muchos de sus diseños para papel tapiz y textiles. Por ejemplo, Madreselva, un patrón icónico que muchos todavía piensan que fue creado por William Morris. Al igual que su padre, May Morris era multitalentosa, escritora, artesana-mujer, socialmente comprometida, pero su especialidad artística era el bordado. En 1885, se convirtió en la directora del departamento de bordado de Morris and Company. En 1896 murió William Morris, sólo 62 años de edad. La causa de la muerte fue, según su médico, simplemente ser William Morris. Decía que sus últimas palabras fueron : “Quiero sacar el revoltijo de barro de este mundo”. Hasta el final, libró su batalla por hacer del mundo un lugar mejor para las personas con mejoras sociales y buen diseño. William Morris fue una de las figuras clave del movimiento de artes y artesanías y la fuerza detrás de sus valores y principios de diseño. En la siguiente lección, resumiré esos principios de diseño y cómo podemos interpretarlos como diseñadores de patrones de hoy. 7. Los principios del diseño artístico y artesanal: [ MÚSICA] En la lección anterior, obtuviste la historia de lo que influyó en William Morris, y de los diseñadores del movimiento de artes y artesanías. También aprendiste sobre los valores que formaron un conjunto de principios que fue la base de su trabajo y dictando cómo crear un buen diseño y calidad. En esta lección, estoy enumerando todos esos principios y trato de dar una interpretación sobre cómo nosotros como diseñadores de patrones de hoy, podemos usar estos principios para nuestro propio trabajo. El primer principio es que el diseño debe crearse en contexto al entorno donde existirá, no para su propia existencia o sólo para admiración. Los diseños de William Morris fueron creados inicialmente con un interior completo en mente donde cada pieza y producto tenía su lugar y trabajaban en armonía con toda la habitación. Todo fondo de pantalla o tela de mobiliario, o alfombra que hizo fue creado con intención y diseñado para un propósito específico. Es así como podemos usar también este principio, no para crear un patrón sólo para su propia existencia, sino con intención y un propósito desde el principio. Por supuesto, debemos ser capaces de crear desde nuestros propios corazones deseos de vez en cuando, pero si queremos crear patrones que funcionen bien en productos específicos optimizados, tenemos que tomarlo en consideración. Por ejemplo, un fondo de pantalla. ¿ Para qué habitación funcionará este patrón? ¿ Es la cocina, o sala de estar, o para recámara? Cuando creemos con intención y propósito, haremos nuestro mejor trabajo. El siguiente principio es que primero se debe crear el diseño fuera de la función, después de que se logre, se puede agregar ornamento y decoración. En el trabajo de Morris, nunca hubo nada redundante ni ningún detalle innecesario. Esta cita de él lo capta todo. “ No tengas nada en tu casa que no sepas que sea útil o creas que es hermoso”. Esto se puede aplicar por cómo diseñó sus patrones también. En sus patrones, nunca encontrarás un elemento o forma o una línea que no debería estar ahí o que no tenga sentido ni apoye la impresión general. Todo motivo tiene su trabajo; ya sea llevar otros elementos o llenar un espacio y añadir al brillante flujo. Cuando creamos nuestros patrones, también debemos comenzar con la función. ¿ Cómo se construirá y construirá el patrón con el fin hacer su trabajo y crear la impresión que queremos lograr? Cuando tenemos la estructura básica del patrón, podemos empezar a agregar las decoraciones con motivos, y detalles, y color. Nuestro tercer principio es que el diseño debe ser fiel al propósito y a sus materiales, y también honesto en cómo se crea. No debe imitar ni parecer algo que no es. Es por ello que el estilo de artes y artesanías fue creado en una materia bidimensional. Con plantas simplificadas y estilizadas y motivos animales que no intentaron lucir reales, sino que solo tomaban prestada la belleza de la naturaleza y usaban de una manera que complementaba el interior. Es así como podemos aplicar este principio también para estilizar los motivos que se adapten a nuestro propósito, producto y a la superficie para la que estamos diseñando. El siguiente principio de diseño de artes y artesanías es bastante fácil. Es usar la naturaleza como tu fuente de inspiración. Todos los diseños de artes y artesanías están inspirados en la naturaleza con motivos de follaje, flores y animales y frutas. No hay diseños abstractos o no figurativos. Eso es bastante sencillo cuando se trata de cómo podemos aplicar esto también. Pero aún así tener en cuenta el tercer principio para no tratar de representar la naturaleza de manera realista, sino de manera estilizada. El último principal es un poco complicado para nosotros sin embargo, y es que el diseñador debe estar involucrado en todo el proceso desde el diseño hasta la fabricación. Para William Morris, esto significaba aprender y practicar cada artesanía detrás de sus productos, desde diseñar y dibujar, hasta bordar y tejer, hasta morir e imprimir sus propias telas. Pero para nosotros que tal vez no tengamos la oportunidad de hacer todo eso, ¿cómo podemos tener uso de este principio? Bueno, antes que nada, todo se trata de aprender el oficio del diseño y llegar a ser realmente bueno en ello. Entonces es para abastecer tus propios materiales. Otra cosa para practicar este principal es probar muchas técnicas diferentes para crear patrones, tanto para cómo crear motivos a mano, con diferentes tipos de medios, usar digitalmente diferentes herramientas y aplicaciones. También es bueno tener una comprensión de cómo se producen diferentes productos y materiales y cómo actúan. Participar en todo el proceso también puede significar que si diseñamos para una empresa, podemos ser parte del proceso de producción del producto también. Por mucho que se nos permita revisar las firmas, visitando la impresora al iniciar la producción. Por ejemplo, tengo una amiga que está diseñando patrones para papel tapiz y para cada colección de papel pintado que está presente en la fábrica de papel pintado, asegurándose de que los esquemas de colores sean exactamente correctos, y luego todo sale como previsto. Entonces esa fue una compilación de los principios de diseño que pueden ayudarnos a mantener el enfoque correcto cuando empezamos a diseñar nuestros propios patrones de artes y manualidades. En las próximas lecciones, vamos a estudiar las diferentes características de los patrones de artes y artesanías y también dividirlas en diferentes categorías. Pero empecemos con temas comunes que se usaron. Entonces vamos a reunirnos en la siguiente lección. [MÚSICA] 8. Características: temáticas: En esta lección, vamos a echar un vistazo a algunos de los temas que podemos identificar en patrones de artes y manualidades. Esto nos ayudará cuando estemos a punto de llegar a ideas para nuestros propios patrones, y mantenernos dentro del tema que nos permita crear una expresión de artes y oficios. El tema general de los patrones de artes y manualidades es la naturaleza, como ya sabrás, pero es más que eso. Aquí hay algunos subtemas que podemos usar como inspiración. Un sub-tema son las flores silvestres. Se trata de motivos que los diseñadores de artes y artesanías provenían de prados y a lo largo de ríos del campo inglés. Por ejemplo, en este patrón de William Morris llamado Daisy, donde podemos identificar algunas flores silvestres comúnmente representadas. Además, uno de los favoritos de William Morris, la Daisy, que este patrón lleva el nombre, también podemos ver flores de primula y colombinas. En este patrón llamado Woodland Weeds por John Henry Dearle, podemos ver flores de maíz, no me olvides, y lirio de rey. Aquí hay otro diseñado por Dearle llamado Thistle, y eso no requiere ninguna explicación adicional. En este patrón, Blackthorn también de Dearle, tiene además de las obvias espinas negras, también volvió a incluir lirio del rey, anémonas de madera, no me olvides, y margaritas. Entonces tenemos un sub-tema que representa follaje de diferentes árboles o arbustos. En este llamado Oak, de Dearle, es tan sencillo y sin embargo extremadamente sofisticado. En este patrón de William Morris, ha utilizado un árbol de granada para su tema. Aquí, tenemos otro clásico de él que está muy de moda en este momento para todo tipo de productos desde papel tapiz, hasta bolsas, arco de sauce. Entonces tenemos el sub-tema inspirado en los jardines ingleses. Aquí tenemos Enrejado y Ladrón de Fresas de William Morris, que son grandes ejemplos. Entonces está este patrón de John Henry Dearle llamado Garden, lleno de tulipanes, y lirios, y otras flores comunes de jardín. En éste, encontramos Jacinto, más tulipanes, y algo que estoy adivinando que son peonías y quizás los de Navidad . Otro tema que quizá sea un poco más descabellado son los ríos, pero no como representar los ríos literalmente, sino usando la impresión de cómo fluyen los ríos a la manera serpentina. En estos patrones de William Morris, y que en realidad llevan el nombre de ríos ingleses también. Último tema de artes y manualidades que quiero compartir contigo es algo que se ha inspirado en tapices medievales. Eso son patrones con una perspectiva más alejada que representa árboles enteros o paisajes y escenas como estos patrones de Charles Voysey. A continuación, estamos echando un vistazo a la composición y cómo se pueden estructurar los patrones de artes y manualidades. 9. Características: composición: En esta lección, vamos a ver los diferentes tipos de composición de patrones de artes y manualidades. El primer tipo de composición que encontrarás es algo que podríamos llamar una composición simple. Es plano y tiene una capa con solo una o tal vez un par de plantas o elementos de motivos diferentes con más o menos espacio entre ellos y sin motivos de fondo o relleno. Entonces tenemos un tipo de composición que llamo una por todas partes, que también es plana con una capa, pero ahora con una mezcla de motivos tanto con flores más grandes como con hojas en combinación con otras más pequeñas. Entonces tenemos algo que podemos llamar una composición de relleno, que sigue siendo plana pero tiene dos capas visibles con motivos principales más grandes en primer plano y pequeños rellenos entre ellos que están conformados por pequeñas ramitas o simplemente marcas y puntos. Última composición es algo más dinámico y no tan plano. Tiene más profundidad para las dos capas, pero con una capa de fondo mucho más compleja y motivos que se entrelazan. En la siguiente lección, vamos a ver algunos ejemplos de patrones y cómo se han repetido. 10. Características: repeticiones: Cuando empecé a estudiar patrones de artes y manualidades, pensé que la mayoría de ellos se crearían como una repetición de media gota solo por cómo ocultan mejor los bordes de la repetición que, por ejemplo, una repetición recta o diagonal. Pero me equivoqué. En realidad, la repetición más común en patrones de artes y manualidades, parece ser la repetición recta, donde el patrón se repite recto, horizontalmente, y verticalmente así. Estos son algunos ejemplos de patrones de artes y manualidades con una repetición recta. Incluso estos patrones con motivos reflejados y dobles, están dispuestos en una repetición recta. También hay patrones hechos con una repetición de media gota y es cuando el patrón se repite hacia arriba y hacia abajo perfectamente alineado verticalmente. Después a los lados, pero con media distancia hacia abajo así. Aquí hay algunos ejemplos de patrones con una repetición de media gota. Variación de media gota, es una llamada repetición de ladrillo. Aquí es donde el patrón se repite directamente a los lados, perfectamente alineado horizontalmente. Pero entonces, cuando se repite hacia abajo o hacia arriba, es con media distancia a los lados también. Las repeticiones de ladrillo son raras entre los patrones de artes y manualidades, pero logré encontrar una. Se trata de COMPTON de John Henry Dearle. A continuación, vamos a echar un vistazo a los diseños típicos de los patrones de artes y manualidades. 11. Características: diseño: Hay algunas estructuras que se repiten que podemos ver en patrones de artes y manualidades. Eso es lo que vamos a ver en esta lección sobre cómo se pueden poner los patrones de salida. En primer lugar, tenemos patrones donde los motivos están dispuestos de una manera más realista. En la forma en que crecen las plantas con ramas y follaje, flores y frutos en un trazado final. Entonces tenemos una versión de esto pero más estilizada con los motivos dispuestos a lo largo de una estructura y disposición serpentinas. Puede ser en dirección vertical o diagonal. El tercer trazado tiene una estructura de líneas circulares y curvas con ramas y hojas que se desplazan. Otro diseño es con una estructura doble con motivos que se reflejan a lo largo de una línea vertical. Este diseño doble o reflejado también puede estar en combinación con los diseños anteriores, los diseños trailing, serpentine y scroll. El último diseño está organizado en una estructura más geométrica con los motivos principales dispuestos de manera más separada de forma cuadrícula o diagonal. Otra característica a mencionar aquí es que todos los patrones de arte y manualidades son direccionales. Deben verse desde una dirección específica, mucho porque representan motivos naturalistas de plantas en crecimiento y también animales para ser vistos sentados en el suelo o encarnados en las ramas. Ahora bien, si miramos todas estas diferentes composiciones, repeticiones y diseños en patrones de artes y manualidades. Podemos recogerlos en diferentes categorías. Echemos un vistazo rápido a esas categorías en la siguiente lección. 12. Mis categorías de patrones artísticos y artesanales: Como ya han visto, existen tantos tipos diferentes de patrones de artes y manualidades que podemos hacer con muchas variables a considerar, como temas y número de motivos y cómo se estilizan, entonces hay diferentes diseños y composiciones con una o dos capas, entonces se pueden hacer en una repetición recta o media gota, incluso un descanso. Para tener algún orden en todo esto y poder aprender a crear patrones de artes y manualidades de manera manejable, he creado un conjunto de categorías a partir de estas variables. A la primera categoría se le llama trailing. Se basa en la versión de diseño de ramas trailing y follaje con flores y frutas y animales, esta categoría tiene típicamente una capa con el follaje de una o quizás dos plantas de árboles y arbustos, pero también otras plantas de jardín trailing. Se crea con una repetición recta, pero también puede tener una segunda capa de fondo de rellenos pequeños y simples, si queremos. Esta es la categoría que aprenderás a crear en este primer episodio de mi serie de artes y manualidades. la segunda categoría se le llama serpentina, basada en el diseño y patrones de serpentina, tiene una capa frontal con una mezcla, un jardín grande y muchas veces muy estilizado plantas y flores. El fondo tiene motivos más pequeños, más delgados, y éste lo haremos con una repetición de media gota. A la tercera categoría se le llama desplazado. Esta también tiene dos capas, la capa de primer plano tiene una disposición y estructura de ramas desplazadas y hojas de árboles y arbustos y plantas tanto silvestres como de jardín, es bastante amplia y qué tipo de motivos podemos agregar aquí. Al fondo, hay una capa de follaje más elaborado y detallado de hojas, algunas pequeñas flores que se desplazaron categoría, crearemos una media gota o repetición recta. la cuarta categoría que llamo emparejado, y lo que caracteriza a esta categoría es que los motivos se reflejan a lo largo de una línea central vertical y con motivos emparejados en ambos lados, y todo hecho en una repetición recta por supuesto. En esta categoría, haremos una composición todo sobre con sola capa plana tanto de plantas silvestres como de jardín. Mi pensamiento detrás de estas categorías específicas es que en cada curso, practicarás algo nuevo, y cuando hayas cursado los cuatro cursos, tendrás un conjunto de habilidades para que puedas usar y mezclar estas variables de la manera que quieras y poder crear un amplio espectro de diferentes patrones de artes y manualidades. A continuación, veremos algunos motivos típicos en la categoría de patrones trailing. Te veré en la siguiente lección. 13. Características: motivos: En esta lección, vamos a estudiar los motivos típicos utilizados en los patrones de artes y manualidades trailing. En primer lugar, tenemos la columna vertebral o estructura fundamental de los patrones trailing, que por supuesto son las ramas. Ellos son el esqueleto y marco sobre el que se adjuntan todos los demás motivos. En un patrón de trailing, se puede utilizar una o dos, a veces incluso tres tipos diferentes de plantas, pero con una planta dominante cuyas ramas conformarán la estructura principal. Algunos patrones finales tienen dos capas, una capa frontal y una capa de fondo. La capa frontal tiene elementos de motivo más grandes y más distintos y dominantes, incluyendo las ramas, y la capa de fondo a menudo tiene ramas que son más pequeñas, más simplificadas y utilizadas como rellenos. Pero volveré a esos rellenos en detalle, más adelante en esta lección. En este patrón llamado Jazmín por William Morris, hay dos plantas diferentes. El Jazmín con ramas delgadas verdes, y una planta secundaria no identificada, pero que tiene detalles espinosos. Descubre cómo se hacen las ramas de una manera básica, sencilla sin contornos u otros detalles para sombreado o textura. Pero son variadas en la forma en que giran y cómo se bifurcan y se dividen en ramas más pequeñas, y en algunos lugares, las ramas se cruzan y se entrelazan. A pesar de que no hay muchos detalles, todavía han logrado crear variación. Lo mismo pasa aquí en Sweet Briar de John Henry Dearle. Aquí hay otro ejemplo. No hay contornos ni detalles en las ramas, pero son variados con unas ramitas pequeñas aquí y allá, y con ramas en dos colores diferentes. En Roble Tree de Dearle, las ramas también están muy simplificadas. Sin sombreado ni textura, pero con muchas ramas laterales y ramitas. Aquí tenemos otro ejemplo de cómo representar las ramas. Este es un patrón llamado follaje, también por John Henry Dearle. También se hace de una manera muy simplificada, pero con contornos más oscuros, ¿ves? En este patrón llamado Bramble por Kate Faulkner, las ramas de mora no tienen contornos, sino líneas que siguen la longitud de las ramas y se han añadido para crear textura. Después hay espinas en un tono verde más oscuro. En Bird and Pomegranate, Morris ha añadido algunos detalles más ligeros para crear una impresión de reflejos. Las ramas también tiene algunos detalles con ramitas más pequeñas aquí y allá. En este patrón, Tom Tit de Dearle, las ramas del rosal tienen ambos contornos y algunos sombreados con líneas que siguen la longitud de las ramas, y también algunas marcas más pequeñas alrededor de las espinas. En Madreselva por May Morris, las ramas tienen más detalles, tanto con contornos como cómo se dividen en secciones más pequeñas así como líneas texturales. Aquí en fruta, las ramas son todo sobre contornos y detalles con líneas de eclosión a lo largo de un lado de las ramas, que crea sombreado y textura al mismo tiempo. Podemos concluir que las ramas de árboles y arbustos se hacen de manera muy simplificada. El detalle es mayormente en la forma en que se dividen en ramas laterales y ramitas, y cómo se doblan y se rizan en una agradable impresión fluida. Su tarea principal aquí no es ser altamente decorativa, sino ser la estructura y la base de los patrones. Ahora echemos un vistazo a algunas hojas típicas. Las hojas junto con las ramas conforman el follaje importante y decorativo que es característico para trailing de patrones de artes y manualidades. Si el patrón se hace con una planta, obviamente sólo hay un tipo de hojas, pero para crear variación, se representan de diferentes maneras. A los diseñadores de artes y artesanías les gustaba mucho y expertos crear las hojas desde diferentes ángulos y con giros y giros decorativos. Si el patrón se hace con dos o más plantas, las hojas suelen ser diferentes en forma y tamaño, y esta es una gran manera de crear variación y utilizar formas y formas que se complementan entre sí. Este es un principio importante para crear flujo y armonía en el patrón. Esto lo verás mucho en patrones de artes y manualidades, y cuando elijas plantas para tus patrones, este es un buen principio para aplicar también. Ahora bien, estos patrones aquí no están en la categoría de trailing, sino en las categorías serpentina y desplazada. Pero son ejemplos tan grandiosos de cómo usar plantas y hojas de cortesía, así que quería mostrarlas aquí también. supuesto, la forma en que se representan las hojas de artes y manualidades son, además, más o menos simplificadas y estilizadas. Algunas formas generales son oblongas y estrechas, con o sin nervios simples y líneas texturales, y son hojas bifurcadas o lobuladas, muy sencillamente ejecutadas o con algo más de estilo. Hay hojas más cortas, más redondeadas con bordes rectos o espinosos dependiendo de la planta, por supuesto. La siguiente categoría de motivos típicos son las flores grandes, o podemos llamarlas las flores halo. Aquí tenemos las flores grandes y exuberantes con muchos pétalos, como tulipanes, y aquí harían amapolas. Entonces tenemos una mezcla de otros tipos de flores como rosas, y caléndula, crisantemo, y peonías. Después tenemos algunos ejemplos de flores halo con looks muy específicos, como madreselva e iris, y lirios. Que las flores grandes suelen ser variadas con más pequeñas o llamémoslo de tamaño mediano. Pueden ser con algún detalle o muy simplificados. Un favorito obvio entre los diseñadores de artes y artesanías de esta categoría, son las rosas. Entonces tenemos las pequeñas flores por supuesto, elementos de motivo muy importantes. Como flores de cortesía para crear contraste y variación a las grandes flores de halo. Para estos pequeños motivos florales, se utilizaron todo tipo de flores de jardín o silvestres, como margaritas no olvides, jacinto, narcisos, todo tipo de flores de campana, prímula, y pimpernel. Los patrones de la categoría posterior a menudo representan plantas que llevan frutas y bayas también. Algunos motivos frutales favoritos son las uvas, y aquí se ven naranjas y limones y melocotones, y un favorito en particular parecía ser las granadas. Aquí tenemos un ejemplo de moras, en este patrón llamado Bramble de Kate Faulkner. tema y los motivos favoritos de William Morris fueron las aves en follaje, y las aves están incluidas en muchos patrones de la categoría de trailing. Vienen en diversas formas y tamaños, pero más a menudo ves aves más pequeñas que encontrarás en tu jardín, como gorrión, teta y aftas. Por supuesto hay aves más majestuosas como cacatúas y pavos reales. A pesar de que son más comunes en los patrones serpentinos, algunos ejemplos de patrones trailing tienen una capa de fondo con hojas y tallos más pequeños, que generalmente no son más que ramitas y líneas o siluetas. Su trabajo es ser rellenos en los espacios entre los motivos de halo de la capa frontal, y crear una impresión pareja que complementará los motivos frontales sin robar la atención. Algunos rellenos son solo marcas o incluso puntos, muy sencillos pero tan decorativos. Los motivos típicos de artes y artesanías son más o menos estilizados. En la siguiente lección, vas a conseguir unos ejercicios de dibujo para practicar esto. 14. Ejercicio de dibujo: hojas básicas: En este primer ejercicio de dibujo, vamos a practicar cómo dibujar algunas hojas básicas y estilizadas con variaciones. Al dibujar una versión estilizada de una planta y sus diferentes elementos de manera artística y artesana, por ejemplo, una hoja, el principio es afinar la forma en que se ve la hoja en vida real y convertirla en una versión que no parecen más la cosa real, pero lo recuerda. Esto se puede hacer simplificando algunos detalles y exagerando otros. La hoja más sencilla, básica y universal es ésta. Puede ser una hoja de muchas plantas diferentes como hojas de manzano o cítricos y laurel por ejemplo. Tiene esta forma más o menos de gota, un ápice y base puntiagudo, o la base puede ser redondeada. Esta hoja puede ser variada de tantas maneras. Podemos estirar y hacerla más oblonga en estrecha, como la hoja del sauce o sobre una hoja de serrano. Otras formas en las que podemos crear variaciones es con los bordes. Puedes hacerlas lisas y rectas con bordes lisos, o puedes hacerlas un poco irregulares y onduladas o espinosas. También podemos variar las hojas con las venas y los nervios. Estos pueden ser variados de tantas maneras también con más nervios laterales o solo unos pocos o simplemente por un lado. También podemos dibujarlos desde diferentes ángulos, como se ve desde la parte superior justo en línea, o desde un lado un poco. También podemos hacerlas volteadas o retorcidas donde se puede ver un poco la parte trasera de la hoja. Esa es una característica muy típica en las hojas de arte y manualidades. Ahora permítanme mostrarles algunos ejemplos de cómo variar estas hojas con giros y giros y nervios y así sucesivamente. Dibujar una hoja básica es, para empezar, realmente sencillo, sobre todo cuando se ve justo desde arriba. Pero no importa lo sencillo que sea, siempre uso líneas direccionales para dónde colocar la hoja. La versión más sencilla de una hoja básica aquí es justo, aquí está el centro de la misma, son mis líneas direccionales, me muestra dónde quiero colocar la hoja en el papel por una vez, pero también me da la dirección del hoja, como literalmente, cómo quiero que se incline. Aquí estoy dibujando una hoja recta, así que no es curva ni nada. Cuando se ve directamente desde arriba, se ven ambos lados de las hojas por igual. Pero si quieres ver una hoja desde un lado, como desde un ángulo un poco, voy a dibujar mi línea direccional, entonces ves la parte que está más lejos, parece ser más delgada y luego puedes dibuja la parte que está más cerca de ti, un poco más gruesa. Esto hará que la impresión de que la hoja está inclinada o una escena desde un lado un poco. Pero mi consejo aquí es trabajar siempre con las líneas direccionales. Esto viene realmente útil cuando comienzas a dibujar hojas más complejas o variadas. Por ejemplo, si quiero hacer una hoja curva. Lo estoy dibujando como si esto fuera un poco de una curva S quizás, y luego le estoy dando algo de cuerpo, mi contorno, y entonces es más fácil seguir la dirección a la hora de tener esta línea direccional. Ahora, realmente puedo sentir que está curviéndose y ahora los contornos están siguiendo eso y potenciando esa impresión también. Si quiero hacer una curva más pronunciada, va a ser mucho más fácil si tengo la dirección de la que dibujar. Además de darles un ángulo o una curva, se pueden agregar otras variaciones a una hoja básica, por ejemplo, estoy dibujando otra hoja como esta, y en todas estas hojas sólo se puede ver un lado de la hoja, como el superior parte de la hoja. Pero tal vez quieras crear algunos detalles donde puedas echar un vistazo a la parte inferior de la hoja, para entonces podrás añadir un poco de vuelta donde se pliega un poco el borde de la hoja. Puedo dejarlo así, claro, pero creo que realmente no tiene sentido con esta parte bulliciosa de aquí. Lo que me gusta hacer es hacer esto un poco más recto porque aquí es donde se pliega la hoja. Esto hace que se vea un poco más real. Se trata de una vuelta en el costado de la hoja, pero también se puede hacer en la parte superior de la hoja. De nuevo, estoy dibujando algunos contornos, y luego en lugar de hacerlo en el centro de la, o en el costado de la hoja así, empecé de nuevo aquí en su lugar. Ahora, parece que la parte superior de la hoja está volteada. También puedes usar tu línea direccional para tomar rodamiento para tu vuelta. Por ejemplo, si quieres hacer una hoja donde en la parte superior esté curvada o volteada hacia ti así, puedes hacer las líneas direccionales, empezar con eso y luego te muestra cómo la hoja se curva hacia ti. En este ejemplo, necesitas crear un espacio plano en la parte superior aquí donde parece estar el pliegue de la hoja y luego puedes agregar un lado aquí a éste, y luego también el lado derecho aquí, y luego, vamos a ver, agregamos este uno. Este lado derecho de la hoja aquí, este es el lado derecho de la parte superior de la hoja y necesita conectarse también al lado derecho del fondo de la hoja. Ahora, es fácil ver cómo reunirse con el otro lado de la hoja. Detrás de este giro, este lado aquí, este es el lado izquierdo de la hoja, se conectará también con el lado izquierdo de la parte superior de la hoja. Podrías alterar esto. Ahora, parece como si la parte superior se estuviera doblando hacia ti, pero podrías alterar esto realmente fácil y hacer que pareciera que se ha vuelto lejos de ti solo definiendo esta línea y borrando estas. Ahora, parece que está volteando en la otra dirección. Otro detalle divertido para agregar a tus hojas es hacer un giro. Esto puede ser un poco complicado, por lo que necesita algo de practicar definitivamente. Empieza con una hoja curva como ésta, y luego comienzas con un lado del contorno, un lado de la hoja y lo bosqueja así, y luego cruza hacia el otro lado y se encuentra en el ápice de esta hoja. Después subes hasta el otro lado y también está cruzando, pero en lugar de solo cruzar, solo puedes quedarte ahí y luego continúa por el otro lado. Entonces puedes suavizar un poco esta parte también. Ahora, parece que esta es la parte inferior de la hoja mostrando, y aquí está la cara superior de la hoja mostrando. Ahora puedes hacer lo contrario, para que esta parte sea la parte superior, entonces empezaría con este lado en su lugar, cruzaría y encontrara ahí arriba. Después haces el otro lado y te paras y sigue por el otro lado, y luego viene por ahí. Entonces puedes suavizar un poco las líneas si es necesario. Ahora esta es la parte superior y aquí está la parte inferior de la hoja mostrando. Puedes hacer un doble giro o tantos giros como quieras, entonces tienes que crear quizá una hoja un poco más larga para que sea más fácil. Después cruzas por encima de la línea central dos veces en su lugar. Estoy dibujando primero un lado de la hoja y está cruzando, ahí está el primer giro, y luego vuelve a cruzar, el segundo giro, y se encuentra con el ápice, la parte superior de la hoja. Entonces entro y hago el otro lado de la hoja, y ahí entra atrás, y luego continúa por ahí y se detiene y luego continúa por el otro lado. Ahora parece estar retorcido dos veces, así que aquí está la parte superior de la hoja, y aquí está la parte inferior, y aquí está la parte superior otra vez. Estos son los contornos básicos de la hoja y ahora puedes entrar y añadir algunos detalles y variación en los bordes de las hojas. lo mejor quieres tener como un borde ondulado o un poco regular en su lugar, y tal vez no quieras tener toda esta línea, vanidoso a través de la hoja así pero solo un poquito, y entras y le agregas estos detalles que se añadir el carácter a cada hoja. O quizá quieras tener como un borde espinoso, porque quizá sea una hoja de rosa o algo así, y luego solo algunas venas laterales de un lado. Entonces también puedes simplemente agregar algo de textura. No tienes que tener una vena central o nervios así, solo puedes agregar un poco de líneas texturales. Hay muchas maneras en que puedes agregar carácter a las hojas. Al igual que tu ejercicio, quiero que dibujes una rama como esta con unas tenedores y ramitas más pequeñas, luego lo vistes con hojas en diversas formas y complejidad con ángulos y bordes, giros y voladizos. Entonces puedes variarlos con diferentes bordes y venas. Si necesitas algo de ayuda para empezar, he creado esta estructura de sucursales que también puedes encontrar en el cuaderno de trabajo. Puedes usarlo como inspiración para extraerlo o imprimirlo y dibujar directamente encima o rastrearlo. En el libro de trabajo, también encontrarás algunas ilustraciones de hojas para inspiración y referencia a las variaciones con las que puedes jugar. Pero quiero animarte a que aparezcan tus propias formas y detalles y bordes y venas también. En el próximo ejercicio de dibujo, vamos a dibujar algo que a menudo se ve en patrones de artes y manualidades. Hojas que tienen lóbulos de diversas maneras. 15. Ejercicio de dibujo: hojas lobuladas: En este ejercicio de dibujo, vamos a practicar cómo dibujar formas de hoja un poco más variadas que bifurcadas con lóbulos y lengüetas como ésta. Este tipo de hojas son muy comunes en patrones de artes y manualidades, y serán muy útiles cuando crees tus propios patrones de artes y manualidades. Se puede utilizar este tipo de hojas para representar hojas de varios planes diferentes, tanto para las plantas heroicas como para las plantas secundarias más pequeñas, o incluso plantas en un fondo. Por ejemplo, una variedad de flores silvestres como cardos y anémonas. Una hoja lobulada muy básica es ésta con tres lengüetas, como una hoja de vid estilizada quizás. Entonces puedes elaborar en este y añadir más pestañas que se pueden variar un poco. Puedes hacerlas anchas o angostas. Entonces podemos hacer hojas que son casi como ramas; más largas y estiradas. A estos, podemos agregar venas y también textura. No importa la complejidad, siempre empiezo con planear la estructura general de una hoja con líneas guiadoras o las líneas direccionales, igual que en la lección anterior con las hojas básicas. Pero con hojas bifurcadas o lobuladas, también uso líneas de guía para donde quiero las pestañas. Hagamos una realmente simple, la hoja bifurcada básica primero. Aquí está mi primera línea guía, y luego agrego otra línea guía donde quiero que estén los lóbulos, para luego agregar los contornos. Es el mismo principio todo el tiempo. Estas líneas guía aquí también pueden ser los nervios o las venas de la hoja. Con ellos, puedo, desde el principio, decidir cómo se va a curvar la hoja, y la dirección de la misma. Puedo hacer más detalles y más lóbulos. uso de líneas direccionales como esta solo hace que sea mucho más fácil saber dónde dibujar los contornos y la forma general de la hoja. Cuando comienzas a redactar los contornos, otras hojas como esta, sigues esa línea guía, y simplemente lo vistes, y le das cuerpo. Es casi como si la línea direccional fuera el esqueleto. Ahora, le estoy dando carne, o un cuerpo al menos, simplemente realmente hace que sea más fácil darle su forma. Ahora, puedes elegir si quieres tener una hoja ancha como esta, o puedes hacerla más estrecha. Basta con acercar los contornos a las líneas de guía. Una vez que tenga esta estructura básica en su lugar, puedo agregar más detalles y más lóbulos laterales como este. Hagamos uno más grande. Con una estructura básica, el esqueleto así, agregas la forma general, luego agregas algunos detalles más si quieres algunos, y puedes tener más lóbulos si sientes que hay espacio para ello. También puedes crear giros, y giros, y otras variaciones como te mostré en las lecciones anteriores. mejor aquí fui a tener una facturación, eso es fácil de hacer. A lo mejor aquí hay otra facturación como esa. También puedes hacer giros, pero entonces yo lo planearía un poco desde el principio. Puedes acumular tus hojas lobuladas así, y puedes darles todo tipo de formas. Tampoco tiene que ser este tipo de forma. les puedes dar otra mirada, así. Después se crean otros tipos de lóbulos. Si creas una flor de anémona de madera, crearías otro tipo de hojas lobuladas. Pero entonces es bueno observar esa flor original y ver cómo se ve eso, para luego crear los lóbulos, y la estructura de acuerdo a eso. Cuando hayas encontrado una forma que te guste, entonces puedes agregar algunos detalles más. Por ejemplo, puedes agregar diferentes tipos de venas, como ésta de aquí. Podríamos dar solo una vena realmente simple como esa, o podrías hacerlo como una vena delineada con un relleno o una manchada, ¿recuerdas? Entonces solo puedes usar la línea de guía para esto también. Esta es una vena que normalmente se ve con las hojas de acanto, por ejemplo. Hablando de hojas de acanto, por lo que estas son variaciones de cómo normalmente dibujas una hoja de acanto con lóbulos como este y pestañas diferentes. Si quieres aprender y practicar más sobre cómo dibujar este tipo de hojas lobuladas, puedes echar un vistazo a mi otro curso llamado Dibujar el Acanthus. Ahí conseguirás muchos más ejercicios, por ejemplo. Entonces también puedes agregar algo de textura. Puedes agregar estas pequeñas marcas extra aquí también para resaltar que podría haber alguna parte elevada de la hoja ahí tal vez. Estas líneas texturales se pueden hacer de muchas maneras diferentes, algunas solo un poco o mucho. También puedes dibujar algunas extensiones a este nervio, que es bastante típico de los patrones de artes y manualidades, donde comienzas por donde está el nervio central, para luego crear estos nervios laterales que salen de éste. Puedes jugar con diferentes formas de agregar textura, y detalle, y variaciones a esto. A medida que tu ejercicio, quiero que elabores una estructura ramificada, nuevo, así, o utilizas la que encontrarás en el cuaderno de trabajo, y lo vistes con diferentes tipos de hojas lobuladas, con variaciones en lo delgadas o gruesas que son , con o curvos, y retorcidos, detalles ondulados, o curvos, y retorcidos, y volteados, y tal vez, también cruzando unos sobre otros. En el siguiente video, vamos a practicar cómo dibujar grandes flores de héroe. 16. Ejercicio de dibujo: flores grandes: En este ejercicio, vamos a practicar cómo dibujar esas exuberantes flores de héroe con muchos pétalos y en un par de variaciones. El tipo de flor que te mostraré en este ejercicio, se puede dibujar con la misma base y estructura pero luego variada, por ejemplo, escenas directamente desde arriba como ésta o desde un lado. En primer lugar, déjame mostrarte cómo puedes dibujar estas escenas de flores desde arriba, sin ningún ángulo ni nada y el principio es en realidad el mismo cómo las dibujas. Se puede variar un poco el tamaño de este centro y se puede variar el aspecto de los pétalos, si son estrechos, o anchos, o bordes puntiagudos y así sucesivamente. Primero probemos este, que podría ser como un crisantemo o algo tal vez. El primer paso que hago siempre es hacer las líneas direccionales, así que esta vez se trata de marcar el tamaño de la flor. Estos son los límites exteriores de la misma y luego marco el centro, por lo que este centro es bastante grande y así los pétalos aquí son bastante estrechos y están sobresaliendo desde el centro, pero son variados un poco para que puedas crear ellos un poco doblados y enfrentados a diferentes direcciones, solo para crear alguna variación, y aquí está incluso un poco de rotación. Simplemente haz estas pequeñas líneas de guía y si quieres, entonces puedes refinarlas y ver si puedes crear alguna variación desde el principio y tal vez quieras tener una que sea curvada un poco así. Después comienzas a acariciar estos pequeños pétalos estrechos, por lo que son un poco más estrechos en el centro o hacia ellos, empiezan por la parte inferior del pétalo y luego se vuelven un poco más anchos en la parte superior. Simplemente bosquejarlos más o menos [inaudibles] primero y puedes ajustarlos un poco, tal vez algunos de ellos son más cortos de lo que debería ser tanto más largo. Cuando estás satisfecho con la forma de tus pétalos, entras y dibujas una segunda capa como esta. Aquí tenemos una segunda capa de pétalos y de nuevo, te aconsejo empezar con algunas líneas de guía porque es más divertido y solo es más fácil asegurarte de que creas algunas variaciones y agregas algo de cuerpo a estos pétalos también. Siempre cuando dibujas así, entrecerrar los ojos de vez en cuando y ver cómo se siente todo. Entonces cuando tengas todos los pétalos en su lugar, puedes entrar y agregar algunos de estos estambres o detalles del centro, jugar con algunas formas. Este es el crisantemo con pétalos estrechos vistos desde arriba. Ahora bien, si dibujáramos esto de un lado como se ve un poco con un ángulo, empezamos con una elipse aquí en su lugar, y luego podemos empezar con algunas líneas direccionales otra vez para estos pequeños pétalos, solo hacerlos realmente básicos al principio y luego aquí arriba, están entrando así y luego puedes alterarlos con algunas direcciones diferentes para los pétalos una vez que te hayas asentado con éste. Entonces puedes empezar a darles alguna forma, estos pequeños pétalos. Esta flor es bastante divertida de dibujar, y después de que hayas dibujado ésta un par de veces, conseguirás el ahorcamiento de ella y podrás empezar a experimentar. Entonces podemos agregar otra capa interior de pétalos, así que aquí solo podemos entrar y dibujar un poco más. Entonces necesitamos algunos pétalos externos, menos que quieras tener este brote más como flor pero vamos a añadir algunos pétalos externos. Sólo haremos unas líneas guiadoras otra vez y aquí podemos hacer un poco de variación, tal vez, aquí hay una que incluso se está volteando así y aquí viene otra como esta y solo ver qué puedes crear con algunos pétalos de capa externa como bien. Entonces entra y déles un poco de cuerpo también, quizá éste pueda tener un giro también. Una vez que empieces a dibujar turnovers así, vas a querer hacerlo todo el tiempo y vamos a hacer algunos detalles en el centro aquí y sólo voy a hacer que éste sea un poco diferente. Siempre tengo que llegar a nuevas formas de hacer las cosas. Este era el crisantemo, entonces puedes agregar variaciones para crear otros tipos de flores como una peonía quizás, o un tulipán, o algún otro tipo de flor y luego solo varias los pétalos, la forma en que se ven los pétalos. Déjame mostrarte cómo puedes dibujar una flor que tiene pétalos un poco más amplios como este, y ves aquí hay algunas capas más de pétalos que se están volteando así. En lugar de tener los pétalos asomando, directamente así para que puedas ver todo el centro, aquí, es más una flor cerrada así que veamos cómo podemos crear eso también. De nuevo, empieza ahora con el primer círculo guía así, así que aquí vamos a dibujar todos los que se presentaron sobre nuestros pétalos dentro de esto y luego vamos a hacer algunos pétalos externos que están sobresaliendo, fuera del círculo. Empecemos a dibujar la primera capa de pétalos y en realidad es ésta de aquí. Empiezas con un pétalo en alguna parte y ese es tu punto de partida, y luego puedes empezar a construir sobre esto agregando más pétalos. Aquí está la primera capa de pétalos y ahora podemos traer otra capa en el interior, por lo que agregas algunas capas aquí en el interior, diferentes formas y tamaños, y ahora vamos a añadir otra capa fuera de ésta pero nos vamos a quedar dentro de este círculo más o menos, pero vamos a añadir un poquito de otro pétalo volteado, que es cruzar hacia esta primera capa que acabamos de crear. Borremos estas líneas, y algunas son más grandes, ahí, ahora se está poniendo realmente exuberante. Ahora la siguiente y la última capa de pétalos está sobresaliendo así que solo voy a hacer esto realmente áspero solo para mostrarte cómo añades eso. Entonces en realidad puedes agregar algunos girnovers a estos tipos también, solo para crear alguna variación, así que como hice aquí. Aquí tienes un poco de facturación allá y aquí. Cuando rellenas estas líneas aquí, puedes refinar un poco tus pétalos y luego también puedes añadir estas líneas texturales, estas de aquí, que están dando a las flores algo más de profundidad y algo de sombra, y luego puedes rematar con algunos detalles del centro. Se acumula el pétalo de flor por pétalo desde el interior y luego hacia adentro un poco y luego se expande con algunos pétalos externos también. Este tipo de flor, también puedes alterar un poco, variar haciendo pétalos espinosos o puntiagudos en su lugar. Aquí te dejamos otra versión de dibujar una flor desde un costado, que es ésta, por lo que ésta es bastante fácil, también puedes hacer un contorno inicial para donde quieres que esté la flor, y luego comienzas por la parte inferior con un primer pétalo, y luego construyes sobre eso, y también tratando de hacer alguna variación en los pétalos, que vayan en diferentes direcciones, tal vez un poco curvo así, por lo que solo construyes sobre él así. Cuanto más cerca de la parte superior te acerques, más estrechos se vuelven los pétalos y luego también puedes agregar algunas líneas texturales y también puedes agregar algunas variaciones aquí, como, si tienes algunos pétalos sobresaliendo en la parte inferior, aquí son algunas líneas guía y aquí quiero tener algo que sea más una vuelta, un pétalo con un poco de rotación y quizá el tallo. Pero esto es recto desde un costado y esto desde un poquito de ángulo también mordió desde el costado y luego tenemos algunos rectos desde arriba. Ahora para tu tercer ejercicio, quiero que experimentes con estas flores, así que dibujas un par de ellas desde arriba, desde arriba así y algunas con un ángulo desde costado y luego usas ese básico estructura, donde comienzas con el centro y luego construyes los pétalos a partir de eso y varias los pétalos con algunos pétalos curvos diferentes, pétalos espinosos, estrechos, y más cortos y simplemente juegas alrededor con él y ve qué puedes subir con. A continuación, vamos a dibujar algunas flores más simples y más pequeñas que pueden hacer grandes contrastes con estas grandes y exuberantes. 17. Ejercicio de dibujo: flores pequeñas: En esta lección, vamos a dibujar un par de pequeñas flores que se pueden utilizar como flores de cortesía y también para una capa de fondo. Estas flores son bastante simples y básicas, pero muy importantes ya que conforman las formas contrastantes y elementos de motivo a esas flores de héroe más grandes y complejas, por ejemplo. contraste y la variación es todo en buen diseño y sobre todo en patrones de artes y manualidades. Pero a pesar de que estas flores puedan parecer básicas, pueden ser variadas de muchas maneras diferentes. Al agregar detalles específicos, podemos crearlos como versiones simplificadas de plantas específicas como olvidado-me-nots y margaritas y primrose y pimpernel por ejemplo. Estas pequeñas flores son realmente sencillas de dibujar, aún así utilizo líneas de guía para hacerlas tan siquiera un aseado como sea posible, lo cual es bastante importante cuando se crean motivos estilizados. No se supone que se vean incompletos en absoluto. Son bastante simétricos, pero aún con un look dibujado a mano. Para estos pequeños, diminutos que podrían ser quizás no me olvides. Siempre empiezo con un círculo para decidir el tamaño de la flor. Entonces dibujo ese pequeño centro conozco también el tamaño de eso. Para estas cuatro flores pétalas, dibujo una cruz y empiezo a dar forma a los pequeños pétalos. Realmente simple. Pero la clave aquí como dije para hacerlos simétricos pero no perfectos, necesitan lucir todavía dibujados a mano, y también para que se distribuyan uniformemente más o menos y también que tengan la misma longitud de los pétalos por todas partes. Por eso uso estas líneas orientadoras.Entonces puedes crear más pétalos. Este tenía cuatro pétalos, pero luego puedo hacer cinco pétalos. Yo lo hago igual. Asegurémonos de que se vuelvan bastante parejos. Este hacha que puedes ver tiene estos dos pétalos laterales están como metidos detrás del otro. Esto en realidad recuerda un poco a una violeta creo. Este es un poco más grande, así que estoy haciendo un círculo más grande. Otra vez sólo para cruzar ahora creo los pétalos exteriores, los dos aquí primero y luego entro y los empiezo por detrás de los otros. Aquí hay otras cinco flores pétalos donde creé los pétalos de esa más grande o más alta, más larga. Aquí podemos hacer lo mismo. Primero los límites exteriores y algunas líneas de guía luego añadir algunas de estas pequeñas hojas extra sobresaliendo así. Para éste se puede ver es justo donde he alterado el centro. En lugar de hacer estos pequeños puntos, realidad hice un centro más grande. Los pétalos pueden ser un poco más cortos quizás. Crea este crujiente centro. Entonces aquí está otro amiguito divertido donde tienes un centro realmente grande. No sé qué tipo de flor es ésta, una especie de mini girasol. Entonces creas tal vez esta vez voy a crear seis pétalos y lo divido así y solo pétalos realmente cortos esta vez. También una forma de variar las flores. Este chiquito de aquí, también muy decorativo. Empezando por el centro y además estoy marcando dónde van a estar los pétalos, haciéndolos distribuidos lo más simétricos posible e parejos. Entonces solo hago estos pequeños pétalos en forma de corazón en su lugar. Cuando delineo estos, puedo elegir que estos contornos exteriores vayan hasta el centro o simplemente hagan que se detengan aquí. Esta es también una forma en que puedes variarlos. Puedes agregar estas pequeñas marcas de sombreado en el centro. Entonces una variación para ésta es ésta, que yo diría que es una flor de margarita. Tengo el centro y luego solo hago algunas líneas de guía para mis pétalos. Da forma a cada pétalo, pero hazlos con este tipo de borde exterior en la parte superior de cada pétalo. Pueden ser un poco curvos y doblados cada pétalo para hacer alguna variación. Entonces tenemos a estos pequeños estelares. Están realmente simplificados. Aquí solo creo esta cruz, creo un centro. Podría hacer el contorno también solo para asegurarme de que los tengo bastante parejos y solo añadir estos cuatro pétalos así. Entonces cuando vaya a llenarlos con un delineador fino. Puedo refinar el borde y luego también puedo agregar algunos detalles en los pétalos así. Entonces este es tan bonito también. Un poco más grande, centro más grande que tiene este centro de rejilla muy elegante muy estilizado. Entonces puedes agregar algunos pétalos así. Esto es un poco de girasol. El característico aquí además del centro entrecruzado son estas líneas texturales aquí. Así que adelante y crea algunas flores pequeñas al igual que estas. Para ayudarte y guiarte, haces estas líneas de guía para los pétalos donde puedes decidir cuántos pétalos quieres. Puedes tener cuatro o cinco, incluso puedes tener seis pétalos o puedes tener más. Puedes agregar algunos detalles extra como estas hojas o, puedes hacer diferentes centros. Puedes hacerlos pequeños o medianos o bastante grandes. Podrás hacerlos con puntos o entrecruzados, o qué se te ocurre a la hora de agregar variación y llegar aquí a algunos nuevos detalles decorativos. Para este ejercicio, quiero que elaboren otra rama o usen una de las estructuras de sucursales del cuaderno de trabajo y agreguen estas pequeñas flores aquí y allá. Explora y practica cómo puedes crear variaciones y agregar algunos detalles diferentes en los pétalos y también cómo puedes distribuirlos en un diseño parejo en estas ramas. Si lo deseas, puedes agregar algunas hojas pequeñas también. Si quieres practicar dibujo más ejemplos de hojas y flores, encontrarás algunos ejercicios de bonificación al final de este curso. A continuación, les voy a mostrar el proceso que estoy usando para diseñar este tipo de patrones. Nos reunamos en el siguiente video. 18. Planificar tu intención de patrón: Está bien. Es hora de ponerse creativo. En esta lección, vamos a planear nuestros patrones y tener un plan agradable y claro para tu patrón. Todos los demás pasos van a ser más fáciles, y además serás más intencional y enfocado a lo largo de todo el proceso de diseño. En la sección de proyectos y recursos de esta clase, encontrarás un cuaderno que he creado o puedes anotar todas las ideas que te propongas y las decisiones que tomarás. Entonces descarga el PDF, imprímalo si quieres, y empecemos. En primer lugar, decidamos sobre qué tipo de superficie o producto va a diseñar. Esto decidirá muchas de las variables que tienes que considerar para crear tu patrón, como el tamaño y formato de tu repetición de patrón y eventualmente el archivo de impresión. Conocer para qué tipo de producto o superficie diseñarás, también te dice cuántos colores puedes usar y la cantidad de detalles, y también qué tipos de motivos, diseños y composiciones que funcionarán mejor. Un ejemplo para ilustrar esto es la diferencia entre diseñar para un fondo de pantalla y diseñar para la tela utilizada para la ropa, por ejemplo. Si quieres que tu patrón sea para un fondo de pantalla, puede ser direccional, que es para ser visto desde una dirección específica. Si estás diseñando para tela sin embargo, para acolchado o para moda, quizá quieras tener un patrón no direccional que se pueda ver desde cualquier ángulo porque eso lo hará más útil y no creará tanto derrame en la predicción. Es posible que también quieras darle algún pensamiento a la escala. Los fondos de pantalla pueden tener motivos más grandes que los estacionarios y los embalajes, por ejemplo. Si deseas poner tu patrón a disposición para licenciar o comprar, por ejemplo, a una empresa de fondos de pantalla, tienes que asegurarte de que se pueda utilizar para diferentes técnicas de impresión que se utilizan para el papel tapiz. Si se imprime digitalmente, no hay límites en número de colores y se pueden imprimir degradados y detalles muy pequeños, y no hay que considerar tanto el tamaño y formato de repetición. Pero si se va a imprimir en volúmenes más grandes, hay que utilizar las técnicas de impresión tradicionales para ser rentable. Técnicas como impresión superficial o grabado en huecograbado. Entonces tu patrón solo puede tener hasta seis colores además del color de fondo, y el tamaño de repetición es de 53 veces 53 centímetros o cualquier cosa que se pueda dividir con eso. También, dar al contexto un poco de pensamiento. Esto fue integral para los diseñadores de artes y artesanías y sus patrones y arte. Si quieres diseñar para un fondo de pantalla, ¿para qué reglas será adecuada? un fondo de pantalla para una cocina necesite una expresión diferente a la de una recámara o una habitación de niños. Esto puede afectar sus opciones de temas, elementos de motivos, escala y esquemas de color. Basta con pensar en ello, la tela para ropa de cama tiene un contexto muy diferente al de la tela para un abrigo. De acuerdo, es hora de tomar algo de acción. Así que piensa algo en qué tipo de producto y superficie vas a diseñar y anota tus planes para tu patrón en el cuaderno de trabajo. Cuando tienes una intención para tu patrón, es hora de empezar a tomar una lluvia de ideas en torno a los temas. 19. Planificar tus temáticas de patrón: Un tema no tiene por qué ser complejo en absoluto. Es solo una idea que te puede guiar a la hora de decidir qué tipo de motivos incluir en tu patrón. Puede ser tan simple como la primavera, o la Pascua, o los bosques, o las flores de jardín, o puede contar una pequeña historia. Toma el Ladrón de Fresas, de William Morris por ejemplo. Este patrón se inspiró en los pájaros de su jardín que seguían robando sus fresas. Un tema también puede ser una oda a alguien que conoces, o quieres recordar, como sus flores favoritas o un árbol específico. O cosas que asocias con una situación o un recuerdo específico. Tener un tema te ayudará en los próximos pasos del proceso. Por ejemplo, dónde buscar inspiración y materiales fuente. lo único que hay que tener cuidado aunque cuando se trata de temas son los temas de temporada. Si estás diseñando para un fondo de pantalla o algo más que no cambias con frecuencia, es posible que no quieras tener un tema de Halloween o Navidad. Es hora de volver a tomar algo de acción. Entonces ahora, tómate unos minutos o lo que necesites, y haz una lluvia de ideas en torno a algunos temas para tu patrón. Trata de inventar al menos cinco temas y anotarlos en el cuaderno de trabajo. Ahora es el momento de hacer una lluvia de ideas sobre qué motivos incluir en cada uno de estos temas. 20. Planificar tus motivos de patrón: En esta lección, vamos a hacer una lluvia de ideas alrededor de algunos objetos y elementos; como en diferentes plantas, y árboles, y flores, y tal vez animales que conformarán los motivos del patrón, y construirán y apoyarán los temas que has venir con. Tip aquí es no parar ante las obvias ideas de motivos que aparecen de inmediato. Dale un poco más de pensamiento, porque no siempre es la primera idea la que será la mejor. En realidad, las primeras ideas suelen ser los clichés. Si cavas un poco más profundo, encontrarás algo novedoso y quizás incluso mejor. En ocasiones, tenemos que matar a nuestros queridos y salir de nuestras referencias actuales y expandirnos para crear una obra maestra. Cuando hayas anotado algunas ideas de motivos para cada tema, apuesto a que habrá una que te hable más que los demás, así que circle ese favorito, el que decida, y guarde los otros para más tarde patrones, tal vez. A continuación, vamos a planear alrededor de la composición del patrón. 21. Planificar tu composición de patrón: En esta lección, vamos a planear qué tipo de composición tendrán nuestros patrones. Pero primero decide qué tipo de categorías de patrones de artes y manualidades vas a crear. Trailing, serpentine, desplazado o emparejado. Pero para esta primera parte del curso, nos vamos a centrar en la categoría de trailing. Cuando se trata de tu composición de patrones, ¿quieres tener un patrón denso con poco espacio entre los motivos y tal vez con rellenos. ¿ O quieres tener una composición de repuestos? ¿ Quieres tener una o dos capas? ¿ Quieres tener sólo uno o dos tipos de plantas o tal vez muchas, o tirar a un animal, por ejemplo, un pájaro aquí y allá? Después de que hayas decidido por tu composición de patrones, un segundo vistazo a tus motivos. Funcionarán para la composición que quieras? ¿ Hay suficientes elementos de motivos, o necesitas algunos más o menos? Un consejo aquí es utilizar al menos dos tipos diferentes de plantas que creen variación y contraste. Por ejemplo, dos tipos de hojas, una más grande, y otra más pequeña, o una con formas oblongas puntiagudas, y otra con formas más redondeadas, o flores. Una flor más grande con muchos detalles, y una más pequeña, más sencilla. Por supuesto, puedes tener más de dos plantas y tipos de motivos, pero probablemente no deberías ir más de cuatro o cinco. Si estás creando un patrón con dos capas, una buena regla general es tener un elemento de motivo más grande más complejo en la capa frontal, y más pequeño, y más simple en la capa de fondo. A continuación, es hora de decidir qué técnica de coloración usarás. Quieres colorearlo digitalmente en tu computadora, o en tu iPad quizás, o pintarlo con gouache. En esta clase, vamos a colorear digitalmente nuestros motivos y patrones. También puedes saltarte este paso esta vez, y nos centraremos en la coloración analógica en una próxima clase. El siguiente paso es reunir inspiración y materiales fuente para cuando vamos a empezar a dibujar nuestros motivos por ejemplo. Voy a hablar un poco de eso en la siguiente lección. 22. Reúne la inspiración: Este paso en el proceso de planeación se trata de reunir inspiración para la expresión que deseas para tu patrón de artes y manualidades. También se trata de encontrar materiales de origen para utilizar para dibujar nuestros motivos de patrón estilizados. También puedes usar estas imágenes para tirar de colores a tu paleta de colores más adelante. Estos son algunos ejemplos de lo que puedes hacer para encontrar y reunir inspiración y materiales de origen. Por ejemplo, salir afuera y tomar fotos de plantas, hojas y flores. Si quieres usar plantas que no crecen donde vives, puedes ir a visitar una florería o un jardín botánico, por ejemplo. Se puede, por supuesto, también buscar unas imágenes de referencia en línea usando Google y Pinterest o mirar a través de revistas y libros. Un consejo es que si no son tus propias imágenes, reúne una diversidad de imágenes para hacer referencia para estar seguro de que no trazas ni copias el trabajo de otra persona. Asegúrese de crear su propia versión a partir de múltiples fuentes de imágenes. Si lo deseas, crea un tablero de inspiración, puedes, por ejemplo, meter tus imágenes en un documento de Illustrator para que puedas verlas todas paralelo para obtener una visión general y un acceso fácil al que volver. Este tablero de inspiración también se puede utilizar como documento de trabajo donde posteriormente creas tu paleta de colores tirando de colores de tus fotos e imágenes. Este documento y tablero de inspiración, también es muy práctico y suave para hacer referencia cuando empezamos a dibujar los motivos para nuestros patrones. Esto es lo que quiero que hagas ahora. Reúne imágenes de cosas que representen una expresión que desea para su patrón. Además, encuentra planos para fotografiar y recolectar imágenes de objetos o plantas que representen los motivos que deseas incluir. Por último, encuentra cosas para fotografiar o imágenes que incluyan colores que te gusten y quieras explorar para tu esquema de color de patrón más adelante. En la siguiente lección, vamos a explorar un poco nuestros motivos de patrón para que tengamos algo para elegir cuando empecemos a dibujar lo real. 23. Explorar tus motivos: Puedes por supuesto, empezar a dibujar el diseño completo justo fuera del [inaudible] pero de verdad te recomiendo que pases algún tiempo a practicar dibujo, los motivos que vas a usar en tu patrón primero y explora algunos diferentes formas de representarlos. Esto es lo que puedes hacer. Dibuja hasta tres a cinco versiones de cada motivo, y prueba diferentes ángulos y giros, y detalles de las hojas y las palas y centro en las flores y así sucesivamente. Para esto, puedes usar los ejercicios de dibujo de antes para guiarte. Después refina cada boceto un par de veces y prueba nuevas formas de dibujar cada uno. Piensa en cómo puedes simplificar algunas partes y cómo exagerar otras luego elige las versiones que crees que funcionan mejor y deja a un lado las otras puedes usarlas más tarde quizás u otra vez. Después de que hayas encontrado las mejores versiones para tus motivos, va a ser más fácil crear y dibujar el diseño de repetición compuesto. A continuación vamos a crear una estructura de patrones y la columna vertebral para nuestros patrones. 24. Hacer una estructura de repetición preliminar: [ MÚSICA] En esta lección, vamos a redactar el marco y la estructura de nuestros patrones utilizando el truco Post-It que he aprendido de mi compañero diseñador sueco, [inaudible]. Aquí te dejamos un patrón de artes y manualidades que he hecho y como puedes ver, tiene dos capas. Una capa de primer plano con flores más grandes detalladas, hojas, algunas ramas o tallos en este caso. Después hay una capa de fondo con pequeños retoques rizados simplificados y diminutas flores tulipídicas. Ahora te mostraré cómo construí este patrón. El primer paso es redactar la estructura de repetición general y el diseño de los motivos de la capa de primer plano. Este paso es importante para obtener una visión general de la distribución de los motivos y el flujo general del patrón. Aquí es donde usaremos las notas post-it. Voy a usar mi caja de luz aquí. Creo que va a ser más fácil para ti ver lo que estoy haciendo cuando empiezo a dibujar en mis notas post-it. A mí me gusta colocar mis notas encima de una pieza ordinaria de papel de impresión. Este es sólo un papel de impresión A4 ordinario. Necesitarás una pila de notas Post-it, solo las ordinarias, y un lápiz y, definitivamente una goma de borrar. Necesitarás una regla y luego necesitarás algún delineador fino negro. Si no tienes una caja de luz como esta, realidad no necesitas una para este paso porque las notas Post-It son bastante vertidas, por lo que te las arreglarás sin una. Vamos a crear una repetición recta. Ya que estamos viendo notas postit cuadradas, su repetición va a ser cuadrada también, lo cual en realidad es bastante bueno para diseñar por ejemplo, papel tapiz y tela, donde a menudo se necesita tener una caja de repetición cuadrada. Pero también puedes agarrar dos notas a la vez así. Después córtalas por la mitad para que en su lugar tengas cuatro notas rectangulares altas. Después usas estos, entonces tu repetición será rectangular alto. Esto te ayuda a crear un tipo diferente de impresión para tu repetición o para tu composición de motivos. Pero entonces puedes crear una repetición cuadrada usando estos combinando dos de ellos uno al lado del otro. Obtendrás una repetición cuadrada pero con un doble diseño. Empecemos aquí. Tomaré mi primera nota y la colocaré en algún lugar así. Realmente recomiendo ahora cuando empieces con tu primer patrón como este, para ir realmente simple, no exagerar o crear demasiados o demasiado complejos o demasiado pequeños motivos. Entonces ve bastante grande la primera vez definitivamente. Eso es lo que hice con mi patrón de tulipán también. Te voy a mostrar cómo hacer esto para que sea lo más sencillo posible por primera vez. Entonces puedes evolucionar y construir y crear motivos cada vez más complejos y detallados y combinar más motivos y tal vez usar más tipos de plantas en primer plano y así sucesivamente. Para éste, solo voy a crear este primer plano con los tulipanes. Puedes empezar por distribuir y colocar tus motivos principales. Para mí, eso sería colocar los tulipanes más o menos. A ver. Yo sólo voy a hacer esta forma de tulipán realmente estereotipada aquí. En este paso, no vas a dibujar ningún detalle ni nada. Esto es sólo redactar el diseño general. Entonces voy a tener como un tallo bajando así y quizá uno por aquí. Trata de afinarlos un poco para que sea más fácil ver a través del papel. Ahora voy a agarrar mi segunda nota post-it. Ahora voy a trazar este y crear exactamente las mismas líneas. Vas a cambiar esto muchas veces antes de que termines, te lo prometo. Ahí así ahora tenemos la primera estructura general. Ahora sigamos con la colocación de segunda flor. Voy a tener uno, eso es conectar a estos dos por aquí. Entonces podría colocar algunas de las hojas aquí también. Voy a tener uno que se estira todo el camino por aquí y uno por allá. A ver. Creo que éste necesita subir un poco así porque entonces quería otro como éste. Ahora solo estoy tratando de colocar algunos motivos diferentes. Voy a hacer este tulipanes puntiagudos o lobulados. Estos son simplemente bocetos realmente rudos. Se van a refinar muchas veces antes de que terminemos aquí. Algo así. Ahora necesito trazar todo esto que ahora he dibujado para que se repita en cada nota de la misma manera. Voy a empezar con este. [ MÚSICA] Aquí puedo ver que estos están chocando. Eso es algo que necesito considerar y tal vez cambiar después de esto. Aquí, éste necesito subirme a esta nota también. Ahora a la siguiente, traza todo en cada nota. Ahora tengo un boceto general, y aquí ahora puedo ver si necesito hacer algunos ajustes. Al igual que por aquí es grande un poco espacio vacío así que tal vez quiero mover un poco este hacia arriba. Pero vamos sólo por esto ahora un ejemplo. Un cuadrado está representando la repetición, que se puede duplicar y repetir hacia arriba, hacia abajo hacia los lados para crear el patrón completo. En el siguiente paso vamos a transferir esta estructura que ahora hemos creado a un pedazo de papel más grande donde podemos empezar a dibujar los motivos y la repetición completa a fondo y con todos los detalles. Para hacer esa transferencia sin problemas, necesitamos encontrar una sección de esta estructura general donde incluso los motivos estén lo más agrupados posible y donde podamos recolectar tantos de los motivos y elementos dentro de un cuadrado y donde lo menos posible de los motivos están colgando de los bordes cuadrados. Si lo hacen, tenemos que encontrar lugares donde fácilmente podamos dividir los motivos hacia arriba, por ejemplo, en el cruce entre tallos y hojas. Ahora me gusta usar un delineador fino y entrar y rellenar las líneas. Algunos de estos motivos o un conjunto de los motivos donde puedo ver más claramente ahora donde puedo dibujar esta óptima nueva repetición cuadrada. [ MÚSICA] Entonces puedo usar la pila publicada y tratar de encontrar esa plaza donde tengo el menor de los motivos colgando, y ahí dibujo una nueva plaza o los límites repetidos. Ahora necesito agarrar mi regla y hacer una rejilla que va a facilitar la transferencia a un pedazo de papel más grande. Divide éste en 16 cuadrados iguales. Ahora tengo lista la estructura de mi patrón inicial. Esto es sólo un borrador. Definitivamente puedo ver que como hago mi próxima versión de esto, que verán en la siguiente lección, probablemente haré algunos ajustes y esta flor se moverá un poco hacia arriba solo para asegurarme de que yo distribuir los motivos de manera más uniforme y crea una mejor armonía y flujo en el patrón. medida que avanza por todos estos pasos hasta tener mi repetición final, haré muchos cambios y redibujando y reelaborando. Prepárate para eso. Esta fue la técnica publicada usando un azulejo cuadrado como este. Pasemos al siguiente paso donde vamos a subir esto otro nivel con más detalle y arriba en escala. [ MÚSICA] 25. Dibujar la capa de primer plano: Por fin hemos llegado a la parte donde realmente diseñamos nuestros patrones y elaboramos la repetición. Vamos a hacer esto de una manera analógica tradicional, que creo que es muy apropiado ya que estamos diseñando patrones de artes y manualidades. Ahora, tengo que advertirte un poco. Este paso puede ser un poco complicado las primeras veces, pero mi consejo es no ponerme demasiado colgado en hacerlo perfecto ya que tenemos mucha oportunidad de arreglar y editar errores en Illustrator y más adelante. También te animaré a crear varios tries, e iteraciones, y ediciones, y versiones de tu diseño de patrones. En primer lugar, tenemos que preparar el papel sobre el que vamos a dibujar nuestra repetición. Cuanto más grande puedas dibujar el diseño de repetición de patrón, mejor para que puedas encajar suficientes detalles en tu diseño. Pero como vamos a escanear en los diseños que ahora vamos a retirar, tiene que poder caber en su escáner. Tengo un escáner A3 grande, por lo que puedo usar fácilmente un papel A3 y poder escanear eso en su conjunto. Pero si tienes un escáner más pequeño, un truco es tomar dos papeles más pequeños, por ejemplo, dos A4 o dos letras tamaño y pegarlos juntos así. Ahora, vamos a cortar esto en un cuadrado para que coincida con nuestro proyecto de estructura de patrón publicado. El papel cortado debe ser de este tamaño para que cuando se coloca en un papel tamaño A3, por ejemplo, haya algún margen alrededor por todos los lados. Mida un cuadrado, así. Si estás usando la cinta juntos papeles, una punta es centrar los bordes sellados y entenderás por qué en tan solo un poco. Puedes usar tijeras o cortador de rodillos como este para hacer bordes realmente rectos y parejos. Cuando tengas tu papel cuadrado, dibuja la misma cuadrícula de 16 cuadrados que hiciste en el borrador de franqueo. Ahora, usando el franqueo como referencia, comienza a transferir las líneas de boceto de eso al papel, cuadrado por cuadrado hasta que tengamos todo el boceto de estructura en la escala más grande sobre tu papel. Usa líneas de boceto realmente ligeras y fáciles de borrar al principio. Entonces, cuando tienes toda la estructura en su lugar, vas y dibujas contornos más refinados y detallados de tus ramas, y hojas, y flores, y otros motivos que tienes en tu plan de patrones. Ahora puedes referir esas exploraciones de motivos que hicimos para que sepas exactamente dibujar en tus motivos. Entrecerrar los ojos de vez en cuando, y echar un vistazo general a los motivos. ¿ Están bien distribuidos o algunos de ellos están demasiado cerca el uno del otro? ¿ Hay espacios desiguales y vacíos? Todo lo que llama demasiado la atención, ahora puedes editar y redibujar hasta que encuentres ese bonito flujo. Además, no dibuje los contornos todo el camino hacia los bordes, guarde una pulgada más o menos. Cuando estés contento, corta el papel en cuatro cuadrados del mismo tamaño, y si tienes una cinta junto papel y has centrado los bordes, ahora puedes simplemente cortar fácilmente la cinta para separarlos. Después cambia las casillas así para que terminen en las esquinas opuestas y vuelvan a pegarlas juntas. Ahora dibuja en las piezas de motivo faltantes en estos espacios vacíos en el centro ahora y conectando los contornos y completando todos aunque motivos. Nuevamente, entrecerrar los ojos y echar un vistazo al flujo general de la repetición, y edita, y muévete, y vuelve a dibujar cosas con las que no estás contento. Ahora es el momento de refinar y rellenar estos contornos con un delineador fino o un pincel fino. En primer lugar, separe la cinta juntos, cuadrados de nuevo, y colóquelos en el cuadrado original y cinta juntos de nuevo. Ahora agarra un nuevo trozo de papel grande y coloca esto encima de tu dibujo a lápiz cuadrado. Si tienes una caja de luz como yo, realmente viene muy útil en este paso. Pero también puedes usar una ventana aquí o un papel de calco. Ahora vamos a colocar este trabajo lo más estratégico que podamos. En mi caso, he logrado crear motivos donde apenas hay pequeñas partes de los motivos que faltan en algunos letreros, como estas hojas aquí y aquí, y luego también la parte tallo por aquí y por aquí. Cuando ahora trazamos estas líneas, queremos hacer motivos lo más completos y completos posible. Si tengo algún margen, en realidad puedo extender y dibujar estas partes en motivos completos. Esto va a ser mucho más fácil en el proceso de edición. Idealmente, colocaría mi papel de calco así. Ahora tengo margen para extender la rama aquí desde aquí y esta hoja para escuchar por alto, y luego lo mismo con esta parte de la hoja por aquí también. Pero a veces el papel no es lo suficientemente grande como para hacer eso, y el motivo se extiende mucho más allá para poder dibujar el motivo completo a la vez. Ahora voy a fingir que este es el caso para mí también, poder mostrarte cómo manejarlo más adelante. Simplemente centraré mi papel así. Ahora esta parte de la hoja no cabrá por aquí. Tendré que juntar estas dos piezas más tarde en lugar de hacer una forma completa y cerrada. Hora de empezar a entintar. Pero primero, marquen así sus esquinas, y les mostraré por qué en poco tiempo. Para esto, estoy eligiendo mi favorito, es un bolígrafo de pincel con una punta de pincel muy fina. Es de pigma. Este crea una línea más dinámica y un poco más gruesa. Algo a considerar ahora mismo desde el principio es, si quieres tener algo de tu motivo en diferentes colores delineados, por ejemplo, si quiero tener estos contornos de flores, entonces el rojo oscuro, y luego los tallos, y quizá las hojas en otro color de contorno. Entonces tengo que asegurarme de que estos contornos no toquen, lo contrario vamos a tener que dividirlos capa en Illustrator. Pero otro truco es rastrearlos en diferentes trozos de papel. En este papel, por ejemplo rastrearé los tallos y las hojas tal vez, y algunos otros detalles pueden ser, y luego usaré otro papel para trazar mis flores, así que sólo voy a empezar. Ahora también puedo decir eso, me gustaría tener los tallos y los contornos de mi vena en el mismo color, pero no necesariamente el contorno de las hojas en el mismo color. Por lo que podría rastrear esos en papel diferente. Tienes que planear un poco con anticipación para que tu flujo de trabajo sea lo más suave posible. Aquí he entintado todos los contornos para los tallos y los contornos de las venas. Lo que aún necesito es esta parte de aquí, necesito tener aquí abajo un oleaje. Para poder conectar eso, quiero decir, podría tinta esto por aquí y luego tendría que conectarlos más adelante cuando lo haya digitalizado todo. Pero una forma más inteligente de hacer esto es simplemente mover este papel una línea con las esquinas aquí y ahora entrar y seguir dibujando así para que ahora mismo voy a crear contornos completos. Ahora solo puedo agarrar otro trozo de papel, colocarlo arriba aquí, y ahora también voy a dibujar esquinas en este. Ahora, voy a entrar y tinta los contornos de las hojas para que las tenga separadas. Voy a seguir adelante y a tinta estas también, y luego te voy a mostrar cómo extenderé esta hoja. Lo que me queda aquí ahora es asegurarme de que esta hoja esté entera. A ver. Esta parte por aquí, puedo extenderme en esta área en lugar de dibujar los bits por ahí. Para ello, lo subiré aquí en su lugar, lo alinearé con las esquinas, y así aquí puedo continuar éste por aquí y crear el motivo de hoja completa como este. Tengo esta pequeña punta de la hoja por aquí, esa es la punta de la hoja allá también. Pero como llegará fuera de los límites de mi periódico, no voy a hacer eso. Entonces lo que haré en su lugar es solo rellenar la punta de la hoja donde está en su posición, y luego te mostraré cómo podemos conectarlos después. A mí me quedan las hojas pequeñas y también las flores. Veamos en qué papel sería bueno usar eso. Creo que el papel de hoja sería perfecto. Ahora, quiero tener algunas líneas de textura o líneas de sombreado en los pétalos de flores y también en las hojas un poco. Creo que en realidad las líneas en las hojas van a ser parte de los contornos de la vena. Pero para las líneas texturales florales, las voy a dibujar aquí. Un poco de detalles extra como este es lo que a veces marca la gran diferencia en el motivo. Ahora voy a lápiz primero mis líneas nerviosas aquí en las hojas solo para asegurarme de que no lo haga más o algo así. Creo que me ha parecido bonita manera de ir por estos nervios. Ahora sólo los voy a llenar también. Ahora he llenado todo lo que necesito aquí. Tengo mis ramas o los tallos, en este caso, con las venas, y los nervios, y también algunas líneas de sombreado para las flores. Entonces aquí tengo los contornos de las flores y las hojas. Mi capa frontal ya está lista para ser escaneada. Entonces dejaré esto a un lado, y la siguiente lección tomaremos sobre la capa de fondo. 26. Dibujar la capa de fondo: Para la capa de fondo, lo hacemos de la misma manera que con la capa de primer plano. Comience preparando un papel cuadrado grande como antes. Ahora puedes dibujar la capa de fondo cubriendo todo el espacio. Entonces no tienes que considerar en absoluto los motivos de la capa de primer plano. O bien puedes dibujar en motivos solo en los espacios vacíos entre los motivos de la capa de primer plano. Incluso puedes dibujar motivos donde algunos de los motivos de fondo entrelazan con unas ramas de primer plano que entran por detrás o por delante, dependiendo del tipo de plantas que hayas elegido, por supuesto. Si eliges ese tipo de fondo, necesitas usar los dibujos de primer plano para mostrarte dónde dibujar. Para mi patrón, haré ambos tipos de capas de fondo para mostrarte cómo hacerlas. Haré uno con, motivos muy pequeños y sencillos de ramitas y flores que cubrirán todo el papel. Una segunda donde dibujo en ramas y hojas y pequeñas flores que se entrelazarán con motivos de capa de primer plano. Empezaré con una versión simple por todo. De nuevo, deja los bordes, porque cuando has cubierto el papel con tus motivos, lo cortas en cuatro pedazos igual que antes,los cambias y los pegas los cambias y los pegas juntos y dibujando motivos en las secciones vacías y el centro, completando y conectando los motivos. Para mi otro diseño de fondo, volví a hacer mi caja de luz, y ahora estoy usando mis dibujos de primer plano y colocando mi papel de fondo en la parte superior, alineándome con las esquinas. Ahora puedo ver dónde dibujar para emparejarlo con motivos de primer plano. Haré que algunas de las ramas de fondo crucen los escalones por aquí. Entonces haré el mismo proceso con éste que el otro. Cortar en cuatro conmutándose, llenando los centros vacíos para completar los motivos. Cuando tengas tu dibujo a lápiz de fondo terminado, agarra un nuevo trozo de papel grande y traza con un delineador fino. Nuevamente, hacer que los motivos crucen sobre los bordes del cuadrado para hacerlos formas completas si es posible. A continuación vamos a llevar el primer plano y las capas de fondo, dibujos entintados a Illustrator y digitalizarlos. 27. Digitalizar y vectorizar tu diseño: En esta lección, vamos a llevar nuestro diseño repetido Illustrator y convertirlo en una versión digitalizada. Lo primero que vamos a hacer es escanear nuestros dibujos repetidos entintados. Tengo un escáner A3, por lo que puedo escanear todo el dibujo como está en una sola pieza. Pero si tienes un escáner más pequeño, puedes cortar tu dibujo en dos piezas y escanear por separado. Si no tienes un escáner, puedes intentar tomar una foto de tus dibujos con una cámara o tu cámara móvil, solo asegúrate de que tenga una iluminación realmente buena y sin sombras, y además no sesgar la imagen. Aquí he colocado uno de mis dibujos de capa de primer plano en mi escáner plano. Como pueden ver, mi interfaz en sueco, pero traduciré a medida que avanzamos. Aquí puedes hacer algunas configuraciones para optimizar el escaneo. En primer lugar, seleccionará “Blanco y Negro” y “300 DPI” para obtener una buena resolución y que el escaneo registre suficientes datos en su dibujo. Entonces en el cuadro llamado escanear para que elijas o crea una carpeta donde quieras guardar tu escaneo. Crearé uno nuevo llamado flores trailing. Entonces aquí nombramos nuestro escaneo y llamaré mina trailing scan, pues el formato JPEG está bien. Entonces aquí en la corrección de imagen, haces clic en las flechas y seleccionas “Manual”. Aquí puedes jugar con los mangos de brillo y contraste para hacer una imagen lo más nítida y clara posible. Para éste, bajaré el brillo hasta el final y el contraste hacia arriba, lo que hará que las líneas sean muy definidas y un poco más gruesas, y el fondo completamente blanco. Esto va a facilitar que Illustrator registre correctamente las líneas cuando las vectoricemos usando la herramienta de traza más adelante. Ahora dibujo una marquesina alrededor de mis ilustraciones y golpeo “Escanear”. Entonces haré lo mismo con todos mis dibujos de tinta para el primer plano y las capas de fondo. El siguiente paso es convertir estas ilustraciones escaneadas en vectores en Illustrator. Para esto, estoy creando un nuevo documento. Yo lo llamaré flor trailing. Estoy eligiendo un tamaño A3 aquí y empezando con milímetros, CMYK está bien y 300 DPI y haga clic en “Crear”. Ahora voy a importar mis ilustraciones escaneadas a este documento. Encontraré mis escaneos en la carpeta, los seleccionaré, y los tiraré a mi documento de Illustrator así, y los colocaré para poder verlos todos. Ahora, los voy a vectorizar usando la herramienta de traza de imagen, que es ésta que he guardado aquí en mis paneles de herramientas derecha. Pero también lo puedes encontrar en “Ventana” y “Rastreo de imagen”. Haré éste primero, y seleccionaré la herramienta “Rastreo de imagen” y aquí tenemos que hacer algunas configuraciones también. En “Modo”, elige “Blanco y Negro”. Ahora vamos a jugar aquí con algunos de estos valores. Pero primero haz clic en “Ignorar Blanco” aquí abajo, y también previsualizar. Entonces umbral aquí está el valor de cuántos datos se registran de tu imagen escaneada. Menos hace que Illustrator registre menos datos, lo que resulta en líneas más delgadas y también puede causar lagunas en sus contornos. Si la línea de la pluma es un poco delgada, por ejemplo, más se registrará de forma más natural y hará que tus líneas sean más gruesas. Empezaré con el default en 128 y veré cómo se verá eso. En caminos altos, mantendrá el aspecto de tus líneas más cercano al original con más detalles, pero también hará que el documento sea mucho más pesado. Bajo simplificaría las líneas con menos datos. Trata de mantenerlo lo más bajo posible, pero sigue manteniendo el look que quieres. En las esquinas, más le dará a las líneas bordes y esquinas más nítidas, y menos las hará más suaves. Jugaré con estos hasta que encuentre los niveles que me gustan. Creo que esto de aquí se ve bien. Ya que voy a trazar varias ilustraciones, voy a guardar estos ajustes como preestablecidos acostumbrados que puedo usar nuevo para que no tenga que volver a jugar con estos valores. Subiré aquí a “Administrar presets” y haga clic en “Guardar como nuevo preset”. Voy a nombrar los míos contornos entintados, y haga clic en “Ok”. Ahora puedo acceder a esto en los presets y usar esto hace que mi proceso sea un poco más suave y rápido. También asegúrate de que mis ilustraciones tengan un aspecto similar. Entonces necesito subir a “Objeto” y “Expandir”, para expandir y finalizar mis nuevos contornos vectorizados. Entonces seguiré adelante y haré lo mismo con todos los demás. Aquí tengo todas mis ilustraciones de primer plano y fondo vectorizadas y ampliadas. Todavía están agrupados y lo mantendré así por ahora. Ahora vamos a hacer algunas ediciones para preparar nuestros motivos para colorear. 28. Editar tus motivos: Bienvenido de nuevo. En esta lección, editaremos y prepararemos nuestros motivos para que estén listos para colorear. En primer lugar, necesitamos arreglar errores y pulir un poco nuestros contornos. Después de expandir tus motivos se agruparán y de alguna manera se agrupa dos veces. Presiono Shift Command G dos veces para desagrupar mis motivos. Empezaré por quitar pedacitos y piezas que no necesito. De lo que voy a empezar es arreglar cualquier error, y puedo ver que tengo algunos como donde me he resbalado un poco con el fino liner. aquí, por ejemplo, así que estoy usando mi herramienta Eraser y simplemente entrando aquí y quitando algunos de los contornos negros. Entonces he usado la herramienta Smooth para suavizar algunas de las líneas aquí. Entonces si necesito agregar un poco más, solo usaré mi herramienta Pincel de blob para arreglar este cruce aquí, por ejemplo. Ahora voy a seguir adelante y pulir y arreglar errores para todas estas ilustraciones. Mi siguiente paso ahora es juntar estos. Ahora solo los voy a alinear así. Ahora voy a colorear este rojo, así que va a ser más fácil para mí ver los diferentes elementos aquí. Ahora puedo entrar y seleccionaré justo este negro aquí y a ver si puedo mover eso un poco. Pero, a pesar de que tengo diferentes elementos de contorno como líneas no separadas, si los hago cruzados, también haré una forma cerrada si los selecciono juntos. Pero por aquí, no va a hacer eso. Voy a entrar y arreglar eso de inmediato. La mejor manera de hacerlo es probablemente usar la herramienta Pincel de Blog e ir y dibujar una nueva línea. Entonces borraré éste. Ahora si has cortado motivos porque cuando los dibujaste no cabían en el mismo papel, como de mi punta de hoja aquí, ahora es el momento de fusionarlos. Estoy haciendo doble clic en los contornos negros para entrar en modo de aislamiento, y luego moveré éste por aquí, y luego seleccionaré ambos e iré a Pathfinder y los fusionaré así. Entonces puedo entrar con la herramienta Eraser. Ahora tengo una forma cerrada ahí también. Agruparé a estos ahora. Este funciona tal como está, pero éste con el que necesito hacer algún trabajo. Esto es bastante complicado en realidad. En primer lugar, vamos a alejar un poco a mis otros grupos de motivos, para que pueda tener un poco más de espacio para éste. Ahora voy a igualar estos bordes aquí y también estos dos aquí para asegurarme de que pueda repetir toda esta sección a los lados y arriba y abajo sin que estos motivos interfieran entre sí. Empezaré copiando este de aquí, puedo ver dónde igualarlo porque en realidad he dibujado aquí algunos dobles. Presionaré Shift a medida que lo muevo para mantenerlo recto, alineado verticalmente y luego Opción para hacer una copia. Voy a darle a éste un color rojo, para que con eso pueda distinguir más fácilmente los diferentes elementos. Entonces lo mismo para este, y aquí también tengo algunos dobles, así que solo lo alinearé y presionaré Opción para hacer una copia, y lo haré rojo también. Creo que voy a llevar este original al frente. Ahora voy a editar esta versión original negra y con la ayuda de estas copias para solo asegurarme de que se alineen y no se superpongan. Desde acercar aquí, y puedo ver de inmediato que aquí está pasando algo de choque. Creo que voy a borrar este. Esta pequeña curva aquí va a estar abajo. Esta pieza es en realidad un poco redundante, así que sólo voy a quitar eso. Este sin embargo, quiero pasar al otro lado. Porque también quería agregar un poquito de tallo aquí. Todas mis pequeñas flores tienen un tallo así. Eso tendremos que hacer, y volveré aquí, volveré a acercar. Aquí puedo ver que tengo otro doble. Creo que sólo voy a quedarme con el de abajo. Estos dos necesito fusionarme de alguna manera. Creo que la forma más fácil aquí es agarrar este, y luego lo moveré abajo aquí. Ahora veamos si podemos fusionar estos dos juntos. Lo que voy a hacer aquí es simplemente borrar una parte de ésta. Después seleccionando ambos, y luego usando la herramienta Pincel de blob, puedo fusionarlos juntos y al mismo tiempo fijar un poco la línea. Ese se ha cuidado. Creo que voy a subir todo esto otra vez. Estoy teniendo aquí un espacio vacío del que necesito hacer algo. Entonces pasaré a esta parte. Voy a probar esto otra vez para ver cómo se ve. Simplemente haré otra copia aquí en esta nueva versión editada. Ya veo que cometí algún error por aquí así que haré doble clic y luego solo borraré un poco de éste, también éste está demasiado cerca, así que voy a rehacer esto. De lo contrario, creo que se ve bien. Quitaré esta copia extra y luego revisaré también el lado izquierdo, y lo colorearé de amarillo solo para ver qué pasó aquí. Arriba en esta esquina aquí creo que se ve un poco vacío. Voy a dibujar unas ramitas extra para llenar eso. Ya veremos si eso funciona entonces el final. Esta capa de fondo también se hace. El siguiente paso que podemos hacer es simplificar estos para bajar el número de puntos de anclaje. Acercaré bastante para poder ver las líneas, luego seleccionaré este grupo, y voy a presionar Comando H para ocultar mis bordes. Entonces iré a Object > Path and Simplify, y aparece esta ventana de Configuración. El defecto es de 75 por ciento. Se simplificó todas estas líneas y las hizo lucir un poco diferentes ahora. Si traigo esto un poco al 95 por ciento, va a mantener más de ese look original, y creo que esto funciona bastante bien en realidad. Aquí en realidad disminuí mi número de puntos de anclaje a la mitad, lo cual es realmente genial. Daré clic en “Ok” y quedaré con eso. Ahora seguiré adelante y haré lo mismo con los otros motivos también. Ya he mencionado que necesitamos tener formas cerradas unas cuantas veces. El motivo es para que podamos usar las herramientas Paint Bucket y Shape Builder cuando coloreemos nuestros motivos más adelante. Ya nos hemos ocupado de algunos motivos de corte, pero todavía tengo un lugar que necesito arreglar, que es este tallo de aquí. Esto aún no está cerrado. El final de este tallo aquí va a estar encima de esta flor de aquí. El top de la flor aquí en realidad me va a ayudar a encerrar la forma del tallo. Empezaré con hacer un cuadrado del mismo tamaño el papel cuadrado que dibujé mi repetición para firmar. En mi caso, era de 26 centímetros, que es de 260 milímetros. Aquí le daré un fondo gris realmente claro. Entonces la voy a mandar a la parte de atrás. Cuando creo mi repetición digital, me gusta trabajar en píxeles. Ahora que tenemos nuestro cuadrado de repetición medido hacia arriba en verdadera escala en milímetros, vamos a cambiar nuestra Configuración de Documento aquí y cambiarlo a píxeles en su lugar. Después selecciona la plaza y revisa las medidas aquí arriba. Ahora vamos a redondearlos a píxeles parejos, y memorizar los números. Para mí es 737 y luego coloca tu motivo de capa frontal en el cuadrado, y con él seleccionado, y con él seleccionado, haz clic derecho y elige Transformar y Mover. Ahora vamos a copiar este debajo de este original. Cero píxeles horizontalmente, luego 737 píxeles verticalmente y, a continuación, presione Copiar. Aquí ahora puedo ver cómo en realidad se superponen un poco. Voy a copiar este a todos los demás lados también. Necesito mover a estos tipos por aquí, y luego copiaré éste a la izquierda. Aquí está el primer vistazo de nuestros patrones de primer plano. Lo primero que haré ahora es arreglar el tallo aquí. Otra cosa que podemos hacer ahora es ver si hay algunos motivos que no se distribuyen uniformemente o no se ve genial, pero creo que los míos se ven bastante bien. Este es mi motivo original y éste es el que voy a repetir más adelante. Ahora voy a acercar y en realidad voy a bloquear mi cuadrado de fondo. Ahora voy a acercarme aquí y desagruparé mi motivo original, y luego también desagruparé este. Ahora sólo puedo seleccionar aquí los contornos rojos, y también la parte superior negra de la flor. Ahora tengo estas piezas superpuestas y voy a usar esta herramienta Shape Builder por aquí para cortarlas. Voy a dar clic aquí en el tallo rojo solamente, y luego por ahí. Entonces estoy presionando V para mi herramienta Flecha Negra, haga clic en otro lugar para Anular selección. Ahora puedo volver a seleccionar mis contornos rojos y hacer doble clic para entrar en modo de aislamiento. Ahora sólo puedo borrar estos pedacitos. Ahora tengo este pixel realmente limpio, corte exacto donde toca el motivo superior y el motivo inferior. Eso fue en realidad eso. No necesito esto ahora, y no esto ahora. Necesito todavía tener esta flor aquí para mantener esta forma cerrada. Haga doble clic para entrar en modo de aislamiento, y luego eliminaré todos estos. Agruparé esto por si acaso. Ahora los motivos de primer plano y de fondo están listos para colorear. Pero primero tenemos que ir y echar un vistazo a cómo trabajaron los diseñadores de artes y artesanías con el color, y qué va a conformar un esquema de color inspirado en las artes y las artesanías. Te veré en la siguiente lección para eso. 29. Características: esquemas de color: [ MÚSICA] William Morris y los diseñadores de Artes y Artesanías fueron brillantes al crear esquemas de color hermosos y armoniosos. En esta lección, vamos a echar un vistazo más de cerca a esta importante característica. En primer lugar, vamos a responder a la pregunta de cuántos colores usar. Algunos de los patrones de Artes y Oficios tenían solo un color en dos o tres tonos, llamados patrones monocromáticos, pero la mayoría de los diseños tenían múltiples colores. Ahora te voy a mostrar algo realmente genial. Se trata de un dibujo de diseño para el diseño de patrón Corona de William Morris. En este trabajo, ha explorado y documentado el esquema de color para este diseño, con notas a la izquierda del dibujo donde ha anotado los colores utilizados y los diferentes elementos de motivo. Echemos un vistazo a lo que ha hecho aquí. Esto es lo que dicen las notas. Comienza con algo que llama el primer acanto, afirmando los colores utilizados para ello. Verde amarillo, al que se le da el número 1, luego sombra con el color número 2, luego su contorno de vena como número 3, y luego algo que llama a la manchada de vena como número 4, que es el relleno de la vena. Me encanta ese término “manchas”, así que usemos eso también. Después tenemos un segundo acanto, con un color que llama azul verde, color número 5, luego sombra es color número 6, el contorno de la vena es color número 3 otra vez, por lo que el mismo color que la vena delinea en el primero acanto. Entonces la manchada de la vena es el color número 5, ese azul verde que usó antes. Después nota las pequeñas hojas y tallos, donde el color de la manchada es el número 7, y las venas son de color número 3, por lo que lo mismo de nuevo que en las hojas de acanto. Al fondo y a los contornos de la flor se les da el mismo color, número 8. Después continúa con las flores, donde tenemos la flor blanca y la manchada blanca con el color número 17. Entonces aquí hay un salto en números. Podemos adivinar que abordó este color en un paso posterior, tal vez. El gris oscuro en la flor blanca, que son las líneas en los pétalos, se le da el número 9, y el gris sombreado claro es el número 10. Las flores rosadas tienen tres tonos de rosa, número 11, 12, y 13. Las flores azules también tienen tres tonos de azul, número 14, 15, y 16. Entonces hay algo que llamó a los jefes de las flores, que creo que son los centros de las flores. Aquí los jefes de las flores rosadas tienen un fondo blanco, que se le da el número 17, igual que la manchada de las flores blancas. El fondo central de la flor azul es un número verde 9, así mismo que en la primera hoja de acanto. Entonces hay algo que él llama la impresión de jefes, que son esas casitas del centro, y se les da el color número 18. Por lo que en conjunto, este diseño tiene 18 colores, incluyendo el fondo. Este diseño también muestra una característica muy común en los patrones de Artes y Oficios a la hora de colorear, que es que los contornos suelen ser los mismos que el fondo. De esa forma se fusionan muy bien y le da al diseño un aspecto sofisticado, donde parece que los motivos ni siquiera tienen un contorno realmente. Con un contorno de color diferente, el diseño tendrá una expresión más distinta, y quizás inexistente, pero también un poco más desordenada. Este diseño tiene bastantes colores diferentes, 18. ¿ Es esto típico de los patrones de Artes y Oficios, me pregunto? Echemos un vistazo más de cerca a algunos de los patrones más icónicos y veamos cuántos colores tienen. En primer lugar empecemos con el patrón Acanthus de William Morris. He intentado sacar de esto los diferentes colores, pero existe el riesgo de que no los haya logrado identificar a todos porque depende un poco de la calidad de la imagen. En este, encontré al menos 12 colores, pero posiblemente podría ser más. Se trata de Ladrón de Fresas, también de William Morris. En comparación con Acanthus, éste tiene colores más vivos, y parece tener más colores, creo. Pero en este, sólo pude encontrar 10 colores. Este patrón de John Henry Dearle llamado Golden Lily también parece tener muchos colores, pero sólo encontré nueve. Lo mismo va para Leicester también de Dearle y Blackthorn y Pimpernel de William Morris, que parece un patrón muy dinámico. Sólo pude identificar ocho colores. Ahora ese es un gran esquema de color, diría yo. Lo mismo va con Pájaro y Granada. Este llamado Seaweed by Dearle tiene siete colores de lo que pude encontrar. El sauce, que representa sólo una planta, tiene seis colores, incluido el fondo. ¿ Qué pasa con Fruit? Este debe tener muchos colores diferentes. Tiene al menos 11 colores, probablemente uno o dos más. El resultado es que un patrón de Artes y Oficios con múltiples colores típicamente oscilan entre 6 y hasta 18 colores. La mayoría de los esquemas de color tienen un par de tonos claros y un par de tonos oscuros, y luego varios tonos medios o colores diferentes en uso. El fondo a menudo tiene un color oscuro, pero muchos de los patrones vinieron de varias maneras de color. Eso variaría, por supuesto, con fondos blancos o crema, y algunos incluso con fondo de tono medio, aunque eso parece un poco más raro. Dado que los patrones de Artes y Oficios siempre representan la naturaleza y los diferentes tipos de plantas, hay , por supuesto, muchos greens, desde un gris verde fresco, verdes azules, hasta verdes amarillos. Otro color muy típico es el índigo en diferentes tonos y tonos. En muchos de los patrones, encontrarás un toque de un color vívido, y esto agrega un ingrediente de contraste convincente que hace que el patrón sea interesante y emocionante y haga estallar algunos de los motivos, pero nunca de alguna manera que toma demasiada atención o se hace cargo del patrón. Encontrar las combinaciones de colores adecuadas para un diseño es probablemente la parte más difícil del proceso. El único consejo aquí es practicar y probar muchas combinaciones diferentes. A continuación vamos a crear una paleta de colores para nuestros patrones. [ MÚSICA] 30. Crear tu esquema de color: Es hora de crear un esquema de color y polit para tu patrón. Agarra tu patrón, repita el dibujo, y hagamos algunas notas de la misma manera que William Morris hizo por el diseño de Reef. Para primero averiguar cuántos colores necesitan y también hacer algunas sugerencias para los colores que desea utilizar para los diferentes motivos y sus elementos. Para esto, puede volver a usar el libro de trabajo y encontrar la página con la lista de esquemas de colores. Comience con el color de fondo. Mi consejo es comenzar ya sea con un fondo oscuro o claro. Un fondo de medio tono es algo con lo que puedes jugar durante un segundo o tercer color de distancia. Un fondo claro suele ser más o menos algún tipo de blanco roto, color crema, o tono realmente claro de amarillo, rosa o azul. Para un fondo oscuro, puedes, por ejemplo, elegir un azul oscuro, gris, verde, marrón o ¿por qué no un color rojo oscuro? Para mi patrón, estoy eligiendo un verde oscuro, ese será color Número 1. Ahora decidamos sobre el color del contorno. Para un fondo claro, puedes elegir lo mismo que el fondo, o más bien un contorno oscuro, igual que en el patrón de fruta. Para un patrón con un fondo oscuro, los contornos también pueden ser los mismos que el fondo, pero también puedes experimentar con un tono aún más oscuro. Voy a usar el mismo color que mi fondo para volver a colorear Número 1, luego sobre los motivos. Si tienes un patrón con dos capas, comienza con la capa frontal. Para las hojas, elija un color base y quizás un color de sombra, y luego un color para la vena. Dependiendo de la vena, eliges un color para los contornos de una vena y uno para la manchas de la vena. De mis hojas, tendré este verde amarillo para mi base y un gris verde como sombra. El contorno de la vena y los nervios tienen un verde ligeramente más brillante que los contornos generales. Para la manchada de vena y ramas, usaré un verde gris claro y luego asignaré un nuevo número de color para cada nuevo color que agrego a mi esquema. Para mis hojas pequeñas, usaré el mismo verde amarillo para el color base y el mismo verde para los nervios que en las hojas grandes. Para tus flores, puedes elegir usar un color en dos o tres tonos. Por ejemplo, para el tono base de mis flores, usaré este rojo claro y luego tengo un tono más oscuro de rojo como el color de sombra. Entonces tengo un rojo aún más oscuro para mis líneas texturales. Cuando hayas terminado con la capa de primer plano, haz lo mismo con los motivos de la capa de fondo. Mis motivos de capa de fondo solo necesitan dos colores. Una para las ramitas rizadas y para esas, estoy usando el mismo color que para la manchada de la vena y las ramas. Para las pequeñas flores de tulipán, estoy usando un color crema. Recuerda que puedes reutilizar colores y tonos y utilizarlos en diferentes motivos. Un color utilizado para un tono en la hoja se puede reutilizar para el centro de una flor y así sucesivamente. Esto te ayudará a mantener el número de colores hacia abajo. Por ejemplo, mi número total de colores son nueve, incluido el color de fondo, y eso puede ser demasiado, por lo que puede que tenga que reducir esto. Para ello, podría, por ejemplo, usar el mismo color para los contornos de las venas y dejar nervios que para los contornos generales. También podría reutilizar un color para las pequeñas flores en la capa de fondo. Ahora, adelante y haz el mismo esquema de color planeando para averiguar qué colores necesitas y cuántos. El siguiente paso es ir y encontrarlos. Aquí podrás hacer uso de esas fotografías que tomaste o de las imágenes inspiradoras que has recopilado. Otra cosa que puedes hacer es mezclar tus propios colores usando guash o acuarela y hacer algunas muestreas en un papel que puedes escanear una importación en illustrator. Ahora ve a tu tablero de inspiración y crea tantos cuadrados como el número de colores que has definido con la herramienta de rectángulo, para luego duplicarlos. Siempre es bueno tener algo extra para jugar alrededor y comparar el uso y los tonos. Ahora, puedes seleccionar un cuadrado a la vez. Con la herramienta cuentagotas, encuentra colores y tensos en esas fotos e imágenes que pueden funcionar para tus motivos. Puedes ajustar los colores haciendo doble clic en la muestra de aquí y aparecerá esta ventana de ajuste y donde podrás ajustar un poco los colores si quieres, puedes hacerlo más silenciado o más claro y vívido o más brillante y oscuro. También puedes encontrar y recoger colores aquí en el panel de muestreas. Juega con tus colores hasta que hayas creado una paleta de colores para empezar al menos. Todavía no tiene que ser perfecto y más probable es que lo cambies y lo ajustes varias veces antes de que termines. Guarda tus colores seleccionándolos todos y luego haz clic en la pequeña carpeta aquí. Esto guardará tus colores en un grupo de colores aquí en tu panel de muestra. Cuando estés listo, vayamos a la siguiente lección donde empezaremos a colorear nuestros patrones. 31. Colorear tu diseño en Illustrator: En esta lección, vamos a agregar color a nuestros patrones y a los motivos. Empecemos trayendo nuestras paletas de colores a este documento. Para eso, necesitamos volver al tablero de inspiración y guardar este grupo de colores como global para que podamos acceder a él y usarlo también en otros documentos. Trabajé un poco más en mis colores y creé un grupo de colores adicional que quiero usar. En primer lugar, eliminaré estos colores ilustrados por defecto, así que haré clic en este rojo aquí y luego presionaré “Shift” y en este último aquí para seleccionarlos todos y luego tirarlos hacia abajo a este pequeño cubo de basura, y ahora guardaré estos dos colores grupos como globales haciendo clic en este icono por aquí, y luego guardar Swatch Library como ASE, y les daré el nombre de las flores finales. Ahora cuando vuelva a mi otro documento, puedo dar clic en este icono ir a Abrir Biblioteca de muestras definida por el usuario, y aquí puedo seleccionar mi grupo de colores Trailing Flowers, y dar clic en las carpetas aquí que aparecerán en este pop-up y, ahora serán accesibles en mi panel de muestras. Mantendré estos colores predeterminados porque pronto tendremos uso para ellos, y mantendré este fondo gris claro también por ahora, y también lo mantendré bloqueado, y ahora empezaré con mis motivos de capa de primer plano. En primer lugar, necesito organizarlos un poco y también darle a cada grupo de formas dentro de esto un color único. Porque pronto vamos a usar la herramienta de cubo de pintura para llenar de color estas formas. Pero cuando se utiliza esta herramienta, tiene que expandir todo después, y luego se agrupará de una nueva manera. Para poder volver a organizar fácilmente los contornos, podemos darles estos colores únicos para que sea fácil reagruparlos utilizando la herramienta de varita mágica. Pero te mostraré las cuerdas a medida que avancemos. Primero desagruparé todo, solo para que tenga una pizarra limpia. Seleccionaré todos los contornos de flores y los agruparé y les daré este color naranja. Entonces la flor sombreando contornos y pueden mantener este color rojo, y todos los contornos de las hojas, que conseguiremos este color azul, y luego el tallo y la vena contornos, y obtendrán este color verde. Otra cosa que quiero hacer es crear un borde aquí y aquí, donde se junten los tallos y las flores para que pueda crear formas cerradas para rellenarlas con colores separados. Agarré la herramienta de pincel blob y le daré un color amarillo, y luego dibujaré una línea entre los contornos del tallo así, y ahora quiero cortar los extremos superpuestos de esta forma para hacer una forma limpia. Seleccionaré la forma amarilla y los contornos del tallo, y con la herramienta constructor de formas. Doy click y la parte media aquí, anula la selección, y ahora puedes eliminar estas dos partes finales, y luego haré lo mismo en el otro vástago, y mientras estamos en ello, ¿por qué no limpiar todos los contornos superpuestos con la herramienta constructor de formas para hacer una forma limpia en todas partes. Ahora podemos empezar a rellenar estas formas con colores. Seleccionaré todo y seleccionaré la herramienta de cubo de pintura, y empezaré con mis hojas. Seleccionaré este amarillo-verde aquí y revolveré para rellenar todas las formas vacías de mis hojas, y me aseguraré de que consiga todas las formas separadas, después seguiré con las venas y tallos, y ahora gracias al contorno de flor extra aquí en el fondo, y también las fronteras extra aquí arriba en las flores. Tengo una forma cerrada que puedo rellenar. Ahora, seguiré con las flores, y ahora cuando todo esté lleno, tengo que ampliarlas. Vaya a “Objeto” y expanda, y ahora todos los objetos que he seleccionado y las nuevas formas que he creado con la herramienta bucket se agrupan dos veces. Los desagruparé, y ya que todo lo que quiero en grupos de colores separados tienen colores dedicados. Ahora, puedo usar la herramienta varita mágica aparecer, para seleccionar todo con el mismo color y agruparlos de nuevo. A continuación, quiero agregar algo de sombra a mis hojas, y para eso, quiero hacer la mitad de estas grandes hojas en un gris-verde oscuro, y así dividiré las hojas grandes en dos mitades. Voy a acercar, y con una herramienta de pincel de manchas, dibujo otro borde amarillo desde la punta de este nervio hasta el ápice de la hoja. Después retiraré las piezas superpuestas seleccionando los contornos de la vena y la hoja y la forma del borde y la cortaré nuevamente con una herramienta constructor de formas, y luego eliminaré estos bits. Ahora, volveré a seleccionar la forma del borde y, esta base amarillo-verde, y seleccionaré la herramienta titular de forma, y luego, escogeré este gris-verde aquí de mi paleta de colores y dibujaré sobre la base, y el borde, a ambos unirlos y darles un nuevo color al mismo tiempo, y luego le haré lo mismo a mis otros agrandar las hojas. Otra cosa que necesito cuidar de esas formas de borde que hice entre los tallos y las flores. Seleccionaré las formas amarillas y el tallo y donde la herramienta constructor de formas, las fusionaré. Lo siguiente que haré es darle un poco de sombra a mis pétalos, y para esto, usaré la herramienta de pincel de manchas para pintar en estos tonos. Seleccionaré este rojo medio aquí abajo, y ahora pintaré los contornos para mis formas de sombra. Después seleccionaré todos estos contornos, y con una herramienta de constructor de formas, los rellenaré dibujando con mis cursor a través de ellos todos así, y ahora agruparé estas formas de sombra también. Pero ahora no puedo ver mis contornos de sombra de flores. Seleccionaré el color base rosa y el color de sombra e iré a “Objetos” y enviaré hacia atrás hasta que vuelvan a aparecer. Ahora voy a dar mis formas de contorno, los colores finales. El verde oscuro para la hoja y los contornos de la flor y este otro verde para los contornos del tallo y la vena, y por último, el rojo oscuro para las líneas de sombreado de la flor. Pero ahora, cuando miro esto, creo que en realidad se vería realmente genial si los contornos de las flores también tienen ese rojo oscuro, y también quiero que todos los contornos estén encima de las otras formas. Seleccionaré todos los grupos alejados y los llevaré al frente. Estos fueron los motivos de capa de primer plano, y ahora voy a dar a mis motivos de capa de fondo algunos colores también, usando las mismas técnicas y herramientas, y voy a dejar que me observen mientras trabajo. A continuación, es hora de convertir todo esto en una muestra de patrones digitales y ver cómo resultaron nuestros diseños. 32. Crear el patrón final: En esta lección, finalmente es hora de armar todo y crear la repetición final en Illustrator y ver cómo resultan nuestros patrones. En realidad hemos hecho muchas preparaciones con nuestros motivos de patrón ya e incluso hemos creado el cuadrado de fondo que también será el cuadro de límite de patrón. Pero hay algunos pasos más de edición que vamos a necesitar hacer en esta lección también. Pero primero, toma notas de esas medidas de tu cuadrado de fondo o rectángulo porque ahora vas a tener uso para ellos. Empiezo con desbloquear mi plaza y colocar mis motivos de primer plano encima de ella en algún lugar aquí en la esquina superior izquierda. que ahora vamos a crear una repetición recta con los motivos repetidos rectos horizontalmente y rectos verticalmente, voy a hacer copias a todos los lados de esta plaza. Con ella seleccionada, haré clic derecho, escojo Transformar y mover, y ahora aparece esta ventana de Configuración, y aquí, ahora puedo moverme y hacer una copia de mis motivos exacta al píxel, lo cual es necesario para crear un repite. Empezaré con hacer una copia directamente hacia abajo. En mi caso, eso es cero horizontalmente y 737 píxeles hacia abajo verticalmente. Si quisiera subirlo, tendría que hacerlo negativo e ingresar un menos antes de esos números y presionar Copiar. He cubierto este lado izquierdo de la plaza, y ahora puedo seleccionarlos a ambos y copiarlos aquí al otro lado también. Con los dos seleccionados, volveré a hacer clic derecho, transformaré , moveré, y ahora quiero moverlos horizontalmente a la derecha. Aquí ingresaré 737 pixels. Pero si quisiera moverlos a la izquierda, tendría que entrar un signo menos antes, y cero verticalmente y presionar Copiar. Ahora tengo listo mi repetición de primer plano. Conseguiré una de mis capas de fondo, y empezaré con esta y veré si puedo encontrar un lugar para ello. Por aquí, así, creo. copiaré y los repetiré como con la capa de primer plano para que pueda ver cómo se ve alineado uno al lado del otro. Puedo ver que tengo algunos espacios vacíos aquí y allá y también que necesito editar algunos de mis motivos un poco más para que encajen bien con motivos de capa de primer plano. Empezaré aquí para llenar este espacio vacío. Voy a hacer doble clic para entrar en modo de aislamiento. Ahora, me gustaría moverme alrededor de estos pequeños tallos, y hojas, y flores de ella, pero todos están agrupados según tipo de objeto. Todas las hojas están agrupadas y todos los nervios de la hoja y así sucesivamente. Ahora, necesito desagrupar todo y hacer nuevos grupos con motivos completos en su lugar. Ahora que tengo todo agrupado adecuadamente, puedo entrar y mover los motivos para encajarlos entre los motivos de primer plano y crear una distribución mejor y más uniforme si es necesario. También puedo manipular y ajustar algunos motivos si no funcionan como son. Por ejemplo, puedo cortar algunas hojas con la herramienta de borrador y moverla y girarla para que quepa mejor. Después lo conecto nuevamente al tallo dibujando con una herramienta de pincel de blob. Para llenar este gran espacio vacío por aquí, vamos a pedir prestado otro motivo de aquí arriba. Lo copiaré aquí abajo y lo reorganizaré un poco. Creo que voy a ver cómo se ve esto ahora. Creo que se ve mejor, pero creo que necesito trabajar en ello más abajo en toda la repetición aquí. Eliminaré estos otros fondos y copiaré esta versión editada a continuación para asegurarme de que tengo todas las ediciones cuando haga ajustes aquí también. Volveré a hacer doble clic en Modo de aislamiento, y seguiré haciendo el mismo tipo de ajustes. Voy a mover y copiar algunos motivos para reutilizarlos, y mover algunos alrededor, eliminar partes y añadir otros usando la herramienta de pincel de blob. En ocasiones cuando mueves un motivo, termina detrás de otro motivo. Para solucionar esto, puedes seleccionar tanto los motivos e ir al panel Capas y encontrar los motivos en la lista. Al ser seleccionados, tienen casitas azules a la derecha de ellas en la lista. Aquí, puedo encontrar esa pequeña flor y hacer clic en su fila para luego arrastrarla hacia arriba y colocarla sobre el motivo de la hoja, y eso traerá la flor delante de la hoja. También puedes dibujar un nuevo objeto si no encuentras otro para reutilizar. Voy a seguir adelante y hacer algunos más de estos ajustes y llenar los espacios restantes y hacer algunas correcciones aquí y allá, y volver en un segundo. Ahora, haré doble clic para salir del modo de aislamiento, y quiero hacer copias de mis motivos de capa de fondo a todos lados, tal como lo hice con unos motivos de primer plano. Ahora, es hora de probar mi patrón para ver cómo funciona. Para crear una muestra de patrón, selecciono mi fondo cuadrado, presiono Comando C para hacer una copia, y luego Comando B para pegarlo detrás. Con ella todavía seleccionada, subiré aquí a mi Panel de Muestres y le daré esa copia sin relleno, y me aseguraré de que tampoco tenga un trazo. Seleccionaré todo y lo tiraré a mi Panel de Muestres así hasta que pueda ver una pequeña línea azul, y luego puedo dejarla caer. Ahora, dibujaré un rectángulo grande en algún lugar mi lienzo y luego lo llenaré con mi patrón y voila. Aquí está la primera mirada a mi patrón de artes y manualidades trailing. Creo que resultó realmente agradable. Pero hay una cosa más cool que me gustaría mostrarles en este antes de probar mis otros motivos de fondo. En algunos lugares, sería realmente bonito que las ramas de fondo cruzaran sobre los grandes tallos de flores, como aquí, aquí, aquí, y aquí. La forma más fácil de hacer esto es simplemente borrar la parte del tallo grande que está al frente. Tengo que seleccionar este motivo de capa frontal por aquí e ir con la herramienta de borrador y quitar estas partes. Pero antes de hacer eso, quiero hacer una copia de toda esta repetición y colocarla aquí ya que quiero estos motivos de primer plano para mi otro fondo, y luego los quiero intactos. Conseguiré mi herramienta de borrador y empezaré. Me aseguraré de borrar algún margen como si el tallo pequeño también tuviera un contorno. Eso lo hace más distinto, y como las ramas de fondo y la manchada del tallo son los mismos colores, simplemente se fusionarían de otra manera. Eliminaré estos motivos frontales y copiaré el editado y ahora veamos cómo se ve esto. Arrastraré esto hasta aquí para hacer una nueva muestra de patrones y luego llenar mi rectángulo con el nuevo patrón. me gusta mucho. Ahora, voy a probar mi otro fondo y crear un patrón con eso también. Esto resultó realmente bonito también. Pero con una mirada y expresión completamente diferentes a la primera. ¿ Cuál te gusta más? Mi favorita es ésta, y creo que son esas ramas entrelazadas las que lo hicieron. En la siguiente lección, te mostraré cómo recolorear este tipo de patrones de manera efectiva. 33. Recolorear tu patrón: En esta lección, te mostraré cómo hacer las últimas ediciones a tus colores de patrón. Lo primero que vamos a hacer es revisar los colores en el patrón. Usaré este, mi favorito. Entonces lo que quiero hacer ahora es ver exactamente con qué colores y cuántos terminé. Una forma fácil de hacer eso es seleccionar toda la estructura de repetición. Entonces, por aquí en el panel de muestras, haga clic en esta pequeña carpeta para crear un grupo de colores de todos esos motivos y objetos en el patrón. Ahora puedo ver los colores que he usado y también contarlos. Entonces terminé usando 12 colores. Eso son unos cuantos más de lo que tenía en mi plan. Entonces si quisiera disminuir los números, por ejemplo, podría quitarme este marrón aquí que de alguna manera usé para los pequeños puntos en este pequeño centro de flores. También puedo cambiar mi segundo verde oscuro que he usado para los contornos de la hoja y también los nervios de la pequeña hoja, y usar el mismo verde oscuro que el fondo mi verde número uno, ¿recuerdas? Entonces para hacer eso seleccionaré mi rectángulo de patrón aquí y pincharé en la herramienta de recoloración aquí arriba. Esta es una herramienta realmente útil en Illustrator. Es bastante sofisticado con muchas características y lleva tiempo familiarizarse con todas ellas. Por aquí tengo todos los colores en mi patrón. Esto es ese marrón y aquí está ese segundo verde oscuro. Voy a cambiarlos por mi verde número uno, que es éste. Ahora tiraré de este verde de aquí para arriba a esta pequeña muestra marrón de la derecha. Entonces le hago lo mismo a ese segundo verde. Ahora todo en el patrón que era marrón y ese verde ahora ha cambiado a mi verde número uno. Voy a dar click bien y ahora se ha guardado una nueva versión de mi patrón en mi panel de muestras. Ahora puedo volver a revisar mis números sacando mi repetición de patrón de la muestra así, luego guardar eso como un nuevo grupo de colores. Como puedes ver este nuevo grupo tiene menos colores que el anterior, así que lo logré. Entonces que si quiero cambiar el color de digamos todas las pequeñas ramas y hojas de fondo, sin cambiar el color del sello grande Lacz también porque tienen el mismo color. Entonces ahora no puedo recolorear el patrón, pero si voy a mi estructura de patrones que acabo de sacar y ahora está agrupada, así que solo lo desagruparé. Entonces puedo hacer doble clic en este motivo de fondo aquí para entrar en modo de aislamiento. Ahora dibujo un rectángulo y lo llena con un color en el que me gustaría cambiar esos motivos de hoja y rama en. Voy a probar este nuevo color verde que no he usado antes. Ahora selecciono todo, haga clic en la herramienta de recolor, y ahora todos los colores de estos motivos y el nuevo verde se enumeran aquí. Ahora puedo cambiar de lugar por esta luz gris-verde en mis ramas y hojas y el nuevo verde. Aquí puedo ver cómo se ve y si quiero conservarlo, doy clic bien. Ahora esto no crea un nuevo patrón de swot ya que no era el patrón que estaba recoloreando. Entonces lo que tengo que hacer ahora es volver a copiar este grupo de motivos editado, y crear una nueva muestra. Aquí es como resultó eso con el nuevo color verde. Lo bonito ahora es que como las ramas y hojas de fondo ahora tienen un color único que no existe en ningún otro lugar del patrón, puedo entrar y volver a colorear el patrón en su lugar, si quisiera probar nuevos colores para esas ramas y hojas. Por supuesto, también puedes usar la herramienta de recolor para experimentar con nuevas combinaciones de colores de tu paleta usando esta característica aquí, que barajará tus colores. En este tipo de patrón complejo aunque por lo general no va a funcionar tan bien y conseguir alternativas locas que no se ven muy bien. En ocasiones te puede dar una idea para un nuevo color, para un motivo, o el fondo, por ejemplo. Un último consejo es crear una nueva paleta de colores y guardarla como un nuevo grupo de colores en tu panel de muestras, como he hecho aquí. Aunque importante, es mantener la misma cantidad de colores que tienes en tu paleta de colores existente y grupo por aquí. Entonces con mi rectángulo de patrón aquí seleccionado volveré a hacer clic en la herramienta de recolor, y aquí en esta lista de la derecha, puedo dar click en mi ahora grupo de colores alternativo, y aparece por aquí y también ha recoloreado el patrón con él. Ahora puedo arrastrar y cambiar estos para encontrar las posiciones que quiero. Cuando estoy contento, puedo dar click bien y se ha guardado una nueva muestra de patrones para mí con la nueva paleta de colores. Por lo que estos son algunos consejos para ajustar los colores de tu patrón en tu nuevo patrón de artes y manualidades trailing. Ahora, ve a la siguiente lección donde tengo algunas palabras finales para ti. 34. Próximo paso y nota final: Estamos llegando al final de este curso y espero que lo hayan disfrutado y aprendido mucho. Si te gustaría tener aún más orientación en el proceso de diseñar tu propio patrón de artes y manualidades trailing, he creado un taller de correo electrónico de tres semanas de duración como acompañante, y extensión a este curso. Durante estas tres semanas, recibirás 10 correos electrónicos, cada uno con alentadores unos pasos accionables y recursos adicionales que te ayudarán a avanzar en tu proceso de diseño de hacer tu patrón. Si quieres unirte al taller, encontrarás un enlace a dónde inscribirte en la sección de cajas de este curso y también en mi página de perfil aquí en Skillshare, y en mi página web, por supuesto. Puedes unirte en cualquier momento e ir a tu propio ritmo. Al inscribirte, también obtendrás una versión extendida del Cuaderno de Trabajo de Artes y Manualidades Trailing que necesitarás y tendrás uso para en el taller. Antes de dejarte, quiero animarte a crear un proyecto estudiantil en la sección de recursos y proyectos de este curso y compartir conmigo y tus compañeros alumnos sobre el patrón de artes y manualidades que creas con la ayuda de lo que has aprendido en este curso. En la sección de proyectos, he enumerado sugerencias sobre lo que puedes incluir en tu proyecto. Ahí también encontrarás el cuaderno de trabajo que he creado para este curso. Otra cosa, al final de cada año, selecciono a un estudiante entre los que han concluido un proyecto de clase en cualquiera de mis cursos durante el año, y que obtendrá mi beca Skillshare. Este es un año libre de la membresía premium de cuota de habilidad. Si quieres conectarte conmigo fuera de Skillshare, puedes unirte a mi grupo de Facebook llamado Diseño de Patrones con Barbel Dressler o puedes inscribirte en mi newsletter y también seguirme en Instagram @bearbellproductions. Encontrarás más información sobre cómo aplicarla a la beca y todos mis enlaces en mi página de perfil y también en la sección de cajas de este curso. Un recordatorio, si no consigues suficiente de ejercicios de dibujo, encontrarás esos ejercicios de bonificación justo después de este video. Estos videos son tutoriales que compartí con mi lista de correo como bono de preparación antes de que se publicara este curso. La siguiente parte de esta serie sobre la creación de patrones de artes y manualidades es sobre Cómo crear patrones serpentinos. Mantén un ojo fuera para ese también. Está bien, eso es todo por esta vez. Tengo ganas de ver qué haces. 35. Ejercicio de dibujo extra: la rosa Tudor: Hay, por supuesto, muchos tipos diferentes de rosas que podríamos dibujar. Pero fue la rosa silvestre o la rosa Tudor que fue la reina de todas las rosas en los patrones de artes y manualidades. Al igual que con la mayoría de los motivos de artes y manualidades, estos dos fueron en su mayoría de manera bastante simplificada y plana. Empecemos con este, una versión clásica de la rosa Tudor. Tiene estos dobles conjuntos de pétalos, con algunas hojas pequeñas entre cada pétalo. Como se puede ver, son altamente simétricas y muy estilizadas. El clave para dibujarlos es ser muy metódicos y dibujar todas las formas y líneas similares juntas en pasos. Déjame mostrarte cómo puedes hacer esto. En primer lugar vamos a dibujar un círculo guía para la forma externa. Entonces vamos a dibujar otro círculo dentro de éste. Si te imaginas que aquí está el centro, entonces podrías hacer la mitad de la distancia desde el centro hasta la línea exterior, en algún lugar aquí colocarás el segundo círculo, círculo central también. En una rosa de artes y artesanías, y en el estilo medieval, siempre hay cinco pétalos en cada conjunto de capas, por lo que necesitamos dividir el círculo en cinco partes iguales, más o menos así. Entonces también, hagamos unas líneas de guía extra para el círculo interno así. Ahora es el momento de empezar a agregar las formas a los pétalos. Vamos a empezar con los pétalos interiores. Lo primero que vamos a añadir son estos pequeños bucles aquí o cruces entre los pequeños pétalos. Vamos a hacer eso todo el camino de una vez. Tan sólo para asegurarse de que se vean simétricas, más o menos iguales. A continuación, vamos a dibujar las esquinas de los pétalos, las esquinas redondeadas por aquí, y tú haces lo mismo por cada pétalo. A continuación nos vamos a conectar con estos. Entonces vamos a conectar los pequeños cruces con las esquinas también. Dibujando las mismas líneas y formas todas a la vez, comenzamos con todos los cruces, luego hacemos las esquinas todas a la vez, y luego las conectamos. De esta manera es mucho más fácil crear esa forma y línea simétricas. Siguiente paso, voy a añadir estos pequeños giros estilizados a estos pétalos. Ahora vamos a hacer lo mismo. Vamos a empezar con una curva a lo largo de esta línea guía aquí, y vamos a hacer la misma forma a cada pétalo. Ahora haremos la curva o curva opuesta así. Simplemente da la vuelta a cada pétalo y haz el mismo paso para cada uno. No vamos a dibujarlos de la mano libre así, porque cuando hagas eso, no va a lucir igual que mucho. El siguiente paso es crear estas hojitas. Ahora, como con casi cualquier patrón clásico y son elementos de motivo, usas esa línea S. Entonces se crea un contorno que tiene la forma de una S. Entonces, del otro lado, es sólo una curva, una curva simple. También podrías, por supuesto, simplemente hacer una cosa muy simétrica aquí así, así que eso depende de ti. Pero aún se puede hacer la línea S, pero hacerlo de manera simétrica. El siguiente paso es dar forma a los pétalos externos. Vamos a empezar como lo hicimos con los pétalos internos. Vamos a crear estas esquinas redondeadas, y tú sí vas por ahí y haces eso por todos los pétalos. Entonces en lugar de crear los pétalos que se curvan de esta manera, señalando hacia el borde, estamos creando una variación. Vamos a hacer una curva que está mirando hacia el centro en su lugar. Siempre queremos tener variación en nuestros motivos, luego conectarlos, las curvas, y los lados, y al centro. Entonces ahora vamos a hacer estas pequeñas hojas. Entonces podemos rematarlo con estos pequeños pistilos. Nos perdimos un detalle, ya puedo ver. Es esta línea aquí la que implica también poco de un giro o al menos una textura. Vamos a hacer esto metódicamente de nuevo, hacer todas esas curvas, y luego añadir las curvas laterales. Entonces esa es esta versión. Entonces podemos probar este, que también nos da variación de opciones de cómo crear los pétalos. Vamos a hacerlo igual metódicamente. Ahora empecemos a dar forma a estos pétalos. Vamos a empezar con las curvas de estos pequeños pétalos. Entonces solo los conectemos al círculo central. El siguiente paso, ahora vamos a ir derecho a los pétalos exteriores en realidad, y luego vamos a añadir los detalles más adelante, y vamos a hacer lo mismo que antes. Hagamos las esquinas, las esquinas redondeadas de cada pétalo. Como pueden ver, ahora vamos a hacer una curva que está mirando hacia fuera desde el centro. Vamos a utilizar el círculo de la línea guía y añadir esta pequeña curva fuera del círculo. Ahora conecta todas estas pequeñas curvas. Entonces haremos algunos detalles. En primer lugar, vamos a hacer estas pequeñas hojas, y luego vamos a hacer algo de textura o sombreado también. Ahora no va a ser tan visible con mis líneas de guía en el camino. Pero yo sólo los voy a hacer así, creo que los vas a ver. Entonces para los pétalos exteriores, más grandes, vamos a hacer tres líneas como esa para crear algo de textura. Ese fue un par de ejemplos sobre cómo se puede dibujar la estilizada rosa medieval Tudor. Ahora es tu turno. Adelante e intenta dibujar esto, practica un par de veces. También utilizó esto como inspiración para ideas de cómo se pueden variar los pétalos y los centros y así sucesivamente. Después sigue adelante y dibuja tu propia versión de la rosa Tudor. 36. Ejercicio de dibujo extra: la rosa silvestre: Esta es más una representación de una rosa silvestre. Simplemente dibuja el círculo guía y el centro. Ahora vamos a hacer algunas líneas de guía más para los pedales. Vamos a hacer los bordes redondeados. Entonces puedes variar los pétalos. Puedes hacerlas para que sean un poco planas o pueden ser redondeadas. Pueden tener un poco de curva extra así. Aquí puede ir más mano libre y no tienes que ser tan metódico como si estuvieras creando algo que es simétrico. Este tiene un poco más de una forma orgánica a ella. Entonces la clave aquí son estos sombreados o unas líneas texturales que les da este carácter y farsa creo que sí. Simplemente puedes seguir adelante y agregar algo de eso y hacerles destino viniendo en diferentes direcciones y simplemente hacerlos variados. Entonces podemos hacerle una forma de S a éste. Entonces aquí creé una doble saliendo. se puede hacer. Entonces tenemos uno que es un poco ondulado. Cuando las hago, me gusta hacer líneas guiadoras también, lo contrario son bastante difíciles a veces de lograr así. Entonces tenemos uno largo. Entonces podemos hacer esto que es un poco más que lobulado. Voy a tener uno viniendo por aquí y el que va por allá. Tenemos estos tres lóbulos y éste está bien, es un poco más largo que el primero. Entonces haríamos los puntos dentro de este centro. Vamos a repasar rápidamente este también. A ver, voy a necesitar más espacio aquí, pero no voy a tener que hacerlo tan grande. Ese centro más grande, hagamos nuestras piezas guiadoras de tortas. Ahora cuando creamos estos pétalos puntiagudos, una punta es comenzar afuera y hacer que la S tenga forma así. Aquí también puedes ser un poco más metódico, aunque el objetivo aquí no es ser completamente simétrico. Simplemente es más fácil hacer formas bonitas si lo haces de esta manera. Yo he encontrado al menos. Entonces solo los sacudes, más de ellos, y los haces conectar con ese círculo central. Para estos, también vamos a sumar algunos detalles que están implicando un poco de vuelta de los pedales, y éstos definitivamente son muy delgados. Entonces haremos unos pétalos, y éste se va a dividir como la lengua de una serpiente. Estas rosas de aquí, no tienen tanto detalle ni variaciones a ellos cuando se trata de textura y sombra, pero cuando estamos creando patrones e incluyendo estos, los colorearíamos y en ese paso, agregaríamos más detalles. Crearíamos líneas o formas adicionales como esta. Este podría ser de color blanco y el resto del pedal sería de color rojo claro o rosa. A continuación quiero mostrarte cómo dibujar variaciones de esta rosa silvestre, y eso es por supuesto dibujar las diferentes etapas de la rosa de un brote muy nuevo a algo que ha comenzado a desarrollarse un poco y entonces tenemos este que acaba de estar listo para reventar y florecer. Estos son por supuesto dos estilizados, de una manera muy medieval inspirada. El modo de dibujar esto es golpeando primero con un círculo así. Es éste. Entonces aquí agregas esta cosita aquí, y luego solo sigue ésta y crea una bonita curva como ésta. Entonces entra y crea algunos lóbulos. Entonces aquí, la clave es este pequeño ojal de aquí. Eso es muy característico para este tipo de rosa. Entonces tenemos otro lóbulo viniendo aquí, y sube así, y no está hasta el lado izquierdo. Tan solo para agregar más variación y tenemos el tallo pequeño también. Aquí podemos agregar algo de textura también. Yo no hice eso por éste, pero será algo así. También lo hace tan decorativo. El siguiente que vamos a hacer, el medio. Es que es realmente fácil también, y vamos a ver si podemos hacer una variación que no sea exactamente como esta. Se va a bajar así en su lugar, y luego tenemos estos ojales aquí abajo. Empecemos con eso, y tenemos este centro. Ahora, un poco funky. El último, hagamos eso también. Ahora voy a empezar con la creación de este cáliz. Entonces tenemos el centro, y aquí no tenemos que hacer los ojales porque eso no es realmente adecuado para los cruces aquí. Voy a hacerlo un poco diferente. Entonces tenemos pétalo que está emergiendo, el centro. Para estos puedes agregar algo de textura. Si lo deseas, solo por este ejercicio, puedes seguir adelante y llenarlos con un delineador fino solo por diversión. Me encanta rellenar con delineador fino y sé que te encanta verme hacerlo. lo mejor, sólo debería seguir adelante y hacer eso. Yo voy a hacer eso por este pequeñito de aquí por lo menos. Noqueaos y diviértanse dibujando para rosas. 37. Ejercicio de dibujo extra: hojas de rosal: Otros elementos de la rosa es por supuesto, las ramas y las hojas. Aquí puedes ver un ejemplo de un conjunto. Te voy a mostrar ahora cómo dibujarlos. Voy a empezar con la rama más gruesa. Como se puede ver, es bastante simple en realidad en sus características. Tiene estas espinas grandes aquí y allá. Eso para mí es un estilo muy medieval. Después tenemos estas ramas cortadas. Alguien está cuidando su jardín de rosas y recortándolos en primavera para luego salir de éste. En realidad, creo que solo, fingir que esto no está aquí, la tierra alta allá. Eso fue un error que hice. Muy bien, pero emergiendo de esta rama principal más gruesa, la columna vertebral, es otra rama que es más delgada y también se divide en algún follaje aquí. Esas ramas sólo tienen espinas pequeñas, sólo pequeñas marcas como esa. Realmente me encanta ese detalle en realidad. Después de estas ramas más delgadas, tenemos estas rosas, características hojas de rosa adjuntas. Aquí y allá podemos pegarle unas rosas y diferentes cogollos y demás. Te voy a mostrar cómo dibujar esto. Empecemos con esa espesa rama con las espinas grandes. Hagamos una línea direccional. Yo quería tenerlo un poco irregular, así que estoy haciendo esta forma de S así. Ahora estoy dibujando el grosor de la rama. Puede ser incluso todo el camino porque en un patrón de repetición probablemente sólo tendremos que esto continúe por encima de los límites de la repetición. Creo que eso es bastante bonito y parejo. Ahora quiero tener esas ramas cortadas y creo que lo mejor es hacer esas en las curvas así. Empieza con un cruce curvo como ese y luego otro liso como éste. El característico del final aquí es como lo haces en forma de gota como esa. Entonces vamos a tener otro por aquí. No se ve realista, es estilizado, pero es justo, capta la esencia de un corte de rama, ¿no crees? Continuemos, para que hagas esta curva y otra como pico de pájaro casi. Están bastante exagerados, estas espinas, grandes y no quieres que te picen. Colóquelos aquí y allá en esta sucursal principal. Yo quiero tener algunas ramas más delgadas que salen de esta principal. Creo que aquí es un lugar realmente genial, así que estoy haciendo ese cruce redondeado. Yo quiero que este sea un poco atrevido y que venga así. Entonces vamos a tener otro que viene así y luego tal vez uno pequeño sobresaliendo así. Entonces probablemente otro como éste. Porque se quiere distribuir las ramas más delgadas y luego cuando se unen las hojas en una superficie pareja. Ahora le daremos a esto un poco más de cuerpo. Aquí puedes decidir si querías entrar detrás de la sucursal principal o al frente. Creo que voy a cruzar por delante. Cuando tienes aquí estos cruces bifurcados, haces lo mismo. Esos pequeños cruces suaves. Las hojas de rosa están unidas a las ramas en pares. Bueno, primero comienzas con una hoja superior. Las hojas de rosas son bastante redondeadas en su forma y con punta puntiaguda. Por supuesto que son espinosos, pero sólo los vamos a colocar ahora y luego vamos a entrar con los detalles. Entonces tenemos otra hoja surgiendo así. Ahora se colocan en pares. Estos son bastante sencillos, no se ven demasiado desde un costado. Entonces aquí los podrías hacer apegados hacia arriba así también, pero para crear alguna variación, ¿qué puedo hacer para que apunten hacia abajo? Coloca algunas hojas en pares así y otras ramas también. Por supuesto, no olvides colocar una rosa o un capullo en diferentes etapas florecientes aquí y allá también. Ahora vamos a hacer los bordes espinosos. No queremos que se vea realista, queremos que sea estilizado. Una verdadera hoja de rosa tiene un montón de espinillas o puntos. Estás a lo largo del filo pero no vamos a hacer eso porque queremos simplificar y simplemente capturar la esencia de cómo se ve una hoja de rosa. Entonces vamos a tener espinillas, pero sólo unos pocos. Ese es el truco. Vamos a hacer como cuatro espinillas, quizá cinco. Ahora tenemos los bordes espinosos, otro detalle que vamos a sumar son los nervios centrales. Siempre están más o menos doblados o curvos así. Ahora vamos a hacer algunos detalles extra. Como dos o tres, igual que con las espinillas, no demasiados. Lo que puedes hacer ahora es solo agregar algunas hojas más, quizás algunas más ramas, y algunas flores. Entonces cuando estés terminando, puedes agregar algunas de estas pequeñas mini espinas a lo largo de estos bordes. Eso es algo que probablemente haría cuando lo llene con mi fineliner negro o ese bolígrafo de pincel que uso. Entonces esas fueron las ramas de rosa y las hojas. Ahora puedes usar estas técnicas y estos elementos y cómo dibujarlos y crear tu propio conjunto y practicar para crear motivos para un patrón de rosas de artes y manualidades.