¡Anima tu marca! Plantillas de animación en Procreate para redes sociales

1. Introducción: No dejes que tu trabajo creativo se pierda en un mar de videos y tendencias de baile. Déjame mostrarte cómo destacarte en las redes sociales. Hola, soy Taylor. Soy artista de tiempo completo y mamá gato con sede en Virginia. Hago arte divertido para ayudar a mis clientes mostrar su marca y personalidad ante sus audiencias. Mi trabajo es colorido, juguetón, y alegre. Mi principal objetivo cuando creo trabajo es hacer sonreír a alguien siendo un punto brillante en su feed de redes sociales. En esta clase, aprenderemos a animar y Procreate para hacer gráficos que puedas colocar en tus videos de YouTube, Instagram Reeles, TikToks, o incluso clases en línea. Vamos a trabajar a través de la introducción a auto-marca con una divertida hoja de trabajo, luego repasaremos algunos principios para crear la mejor composición para cada plataforma. Cómo animar y Procreate, y luego finalmente cómo crear estructura en tus archivos para hacerlos fácilmente razonables. Lo mejor es que tengas una comprensión básica de Procreate, pero esta clase puede funcionar para principiantes totales que estaban ansiosos por empezar. En general, esta clase es perfecta para cualquier persona que quiera marcar sus cuentas de redes sociales con divertidos gráficos cohesivos para ayudarlos a destacar. En un mar de cuentas, es fácil que tu audiencia se pierda o te resulte difícil encontrar tu trabajo. Esta clase te ayudará a crear una voz unificada que luce tu personalidad en diez segundos de animación o menos. Las habilidades que te voy a enseñar en esta clase te ayudarán a comprender mejor tu marca y voz así como a compartir eso visualmente con los demás. Además con las herramientas que aprendas en esta clase, estarás listo para hacer animaciones adicionales para más usos, como pop-ups para gustar y suscribir animaciones externas o incluso promover animaciones para futuros clientes. Si bien hay otros programas de animación poderosos por ahí como Adobe After Effects, Procreate es más fácil de saltar directamente. Todas las herramientas son un poco más simples de usar y agarrar para animadores principiantes. Al final de esta clase, tendrás una introducción animada que expresa quién eres como persona creativa que puedes ajustar para trabajar en todas las plataformas de redes sociales que usas. ¿ A qué esperas? Te veré en clase. 2. Tu proyecto: Para el proyecto de hoy, vamos a crear una animación de autopromoción para tu plataforma social favorita. La primera parte de esta clase estaremos enfocados en el auto-branding. Entonces repasaremos cómo animar y procrear, y luego finalmente cómo organizar tus capas para poder ajustar tu animación final para adaptarse a cualquier plataforma de redes sociales que te guste. El auto-branding puede ser intenso, pero las animaciones de introducción son una baja presión, y una forma rápida de presentarte a tu audiencia. También típicamente solo duran unos 5-10 segundos, por lo que no hay necesidad de ese sentimiento asqueroso que a veces surge cuando nos estamos promoviendo a nosotros mismos. Además, cuando la gente lo vea, van automáticamente : “Oye, es esa persona genial y creativa que he visto antes”. También rápidamente permite a todos saber quién lo está mirando, de qué se trata. No te preocupes si estás como, “Taylor, no tengo idea de cuál es mi marca personal”. Vamos a hacer una hoja de trabajo entera juntos que te ayudará a reducir lo que quieres que piensen los demás cuando vean tu trabajo. Además eres un humano en constante crecimiento, así que no seas demasiado serio al respecto. Puede cambiar en seis meses, y luego adivinar qué? Se pueden hacer ajustes a la misma. Se supone que tu marca crezca contigo. Al final de esta clase, tendrás una animación promocional de 5-10 segundos que encaja perfectamente en tu plataforma social favorita. Te estaré proporcionando plantillas para todas las principales aplicaciones de redes sociales con dimensiones. Yo sí, sin embargo, recomiendo comenzar con YouTube porque es el formato más grande, que es HD estándar. Esto hará que sea mucho más fácil de dimensionar para adaptarse a todas las demás plataformas sin problemas de calidad importantes. Tomarte el tiempo para reducir lo que te hace un formato de video único y divertido te ayudará a entender mejor lo que ofreces a los demás. También puedes aprender algo sobre ti mismo que ni siquiera te diste cuenta. Podrías mirar por encima de todo tu trabajo y por primera vez en mucho tiempo ir, “Guau, realmente uso mucho morado”. Entonces puedes incluir eso en tu animación. Todo lo que vas a necesitar es un iPad, un Apple Pencil o stylus, y la app Procreate, así como los recursos que he proporcionado en la pestaña del proyecto. Vamos a seguir adelante y empecemos a trabajar juntos a través de nuestra marca personal comenzando con una autoauditoría. 3. Self-Branding: : ¡Audita a ti mismo!: Conozco el pensamiento de branding cuando eres creativo para ser desalentador, pero una marca es simplemente un concepto que ayuda a la gente a identificarte. Para mí, mi marca incluye muchos corazones, gatos, y tal vez un poco demasiado rosa. No obstante, sé cuando la gente ve dibujos a mi gato con sus pequeñas caras sonrientes y mejillas de corazón que piensan en mí. No obstante, solo lo sé porque he trabajado en ello por un tiempo y poco a poco he recibido retroalimentación de mi audiencia a lo largo del tiempo. Como mencioné, no eres una empresa, eres una persona viva que crecerá y cambiará y tu marca necesita hacer eso contigo. Es muy importante que te comprometas esta próxima cosa a la memoria. ¿ Estás listo? Una marca no es un logotipo. Las empresas usan logotipos en su marca, pero eso no es lo que hace que la marca. Las marcas son el concepto general de una empresa o individuo en nuestro caso. Nos enfocamos en nuestro trabajo pensando cómo queremos que sea percibido por nuestro público. Podemos hacerlo a través de; iconos de color, fuentes, nuestra voz de marca, y mucho más. Repito, no estamos haciendo un logotipo. Ahora que tienes una mejor comprensión de lo que es una marca y cómo puede aplicarse a ti, nos vamos a auditar nosotros mismos. He hecho una útil hoja de trabajo dandy de preguntas para responder sobre tu trabajo para entender mejor cómo representarte visualmente como un creativo. Tómate el tiempo para abrir tu plataforma de redes sociales más utilizada, pero no te distraigas con videos de lindos animales, necesitamos enfocarnos. Mira por encima de tu trabajo y piensa en las preguntas de la hoja de trabajo. Es difícil pero trata de mirarlo es si eres un nuevo seguidor que tropezó con tu página. ¿Qué ves? ¿ Qué no ves? ¿ Qué quieres ver? Una vez que tengas todo lleno, pasaremos a afilar en lo que encontraste con algunas técnicas de branding geniales antes de empezar a animar. Te veré en la próxima lección. 4. Diseño consistente y voz de marca: Ahora que tienes una mejor comprensión de tu trabajo y cómo eso conecta con quién eres como creativo, vamos a profundizar un poco más en por qué la consistencia es clave para tu marca y cómo cultiva tu voz de marca. Si ya estás pensando : “¿Qué carajo, Taylor? Acabas de decir que mi marca puede cambiar conmigo, pero ahora estás diciendo que necesita ser consistente?” Lo hice y tienes razón, pero si cambiaras tu marca todos los días o incluso todas las semanas, no haría lo que queremos que haga, lo que está permitiendo a nuestra audiencia conectarse con nosotros por siendo fácilmente reconocible cuando aparecemos en su feed de redes sociales. Queremos que nuestros seguidores actuales vayan , “Es obra de Taylor. Déjame ir a comprobarlo o como este video”, así como nuestros potenciales seguidores para ir, “creo que ya he visto esto antes. Déjame ir a revisarlos un poco más”. Queremos construir sobre lo que creamos, no derribarlo cada vez que obtenemos una nueva idea brillante. Es como arrancar una casa vieja, quieres mantener toda la historia encantadora mientras agregas quieres mantener toda la historia encantadora mientras agregas cosas nuevas que la hacen más funcional a medida que creces. La consistencia en tu marca puede parecer usando un conjunto de colores, tener una fuente que te gusta usar, o incluso un fragmento de música o audio que acompaña a tu animación cada vez que se reproduce. Utilizar algún tipo de consistencia en tu marca puede ayudar a tu audiencia a reconocerte, sentirte conectado con lo que estás haciendo y lo más importante, confiar en ti. Ya sea que confíen en ti como fuente de información, confían en la calidad de tus productos, o incluso confían en que haces contenido fresco que quieren seguir, necesitas ser confiable para ellos. Si bien nos enfocamos fuertemente en los elementos visuales en esta clase, tu voz de marca es igual de importante. voz de marca es la personalidad única de tu marca. ¿ Tu trabajo es gracioso? ¿ Extraño? ¿En serio? ¿Quizás un poco más vulnerable? Piensa en tu hoja de trabajo de auditoría, ¿respondiste muy seriamente a todas las preguntas? ¿ Tu trabajo aborda un tema muy pesado que necesita mucho detalle dado para transmitir el mensaje que deseas? ¿ O tu trabajo es un poco más gracioso? ¿ Te gusta crear un trabajo que haga reír a la gente o que sea relacionable con ellos? Esto puede ayudarte a encontrar tu voz de marca. Para mí, mi voz de marca es más juguetona. Me gusta escribir títulos que podrían hacer reír a la gente. No me gusta ser serio, pero sí me gusta ser vulnerable y honesto. Piensa en cómo te gusta presentar tu trabajo a tu público y cómo te gusta comunicarte con ellos. Esto te va a ayudar a descubrir tu voz de marca. En la siguiente lección, repasaremos los aspectos visuales de tu marca que ayudan a la hora de crear un diseño consistente. Te veré pronto. 5. Paletas limitada y estilización: Como mencioné en la última lección, color es una buena manera de aportar consistencia a tu marca así como la estilización del diseño de tu marca. No obstante, el color puede ser abrumador, especialmente cuando estás trabajando digitalmente, porque tienes acceso a todo el arco iris. Para ayudar con esto, vamos a diseñar una paleta de colores limitada. Así que nos quedemos con tres colores para empezar, ya que nuestra animación es corta y dulce. Siéntete libre de escoger tus tres colores de los colores principales que encuentres en tu trabajo. Ese es honestamente un gran lugar para empezar. De mi trabajo, elegí el rosa como mi primer color porque lo uso mucho a lo largo de mi trabajo, y sé que va a ser un gran uso en los elementos de mi corazón que absolutamente voy a tener. Después de eso, sin embargo, decidí comisariar mis otros dos colores basados en lo que realmente me gusta ahora mismo, que es púrpura. He estado obsesionado con la lavanda ligera recientemente, así que sé que quiero usar eso como color de fondo. Los colores claros son realmente buenos para los fondos porque ayudarán a llamar la atención sobre elementos más oscuros en tu composición. Entonces decidí elegir un morado más oscuro para darle un aspecto monocromático a mi marca. En general, creo que estos colores invocan un aire de juguetón que se une de nuevo a la voz de mi marca. Para tus colores, prueba a escoger un color principal que destaque en tu trabajo y luego podrás construir a partir de ahí. Los colores tienen muchos significados asociados con ellos y esto es solo un pequeño fragmento de algunas de las palabras asociadas con todo manojo de diferentes colores. Me aseguraré de incluir esto en los recursos del proyecto para que te refieras a la hora de escoger tus tres colores. También puedes sentirte libre de publicar tu paleta de colores en discusión si quieres comentarios de mí o de tus compañeros de alumnos. En cuanto a estilizar, aquí es donde quieres hacer referencia a tu propio trabajo. Sé que el estilo puede ser algo complicado para muchos artistas, pero no tienes que tener un estilo set para esta clase. Solo tienes que elegir un estilo que te guste y sentirte alineado con el trabajo que has hecho en la creación de tu marca hasta ahora. Siempre predico que múltiples iteraciones es una gran manera encontrar tu mejor trabajo. Entonces vamos a emplear ese método aquí. Abre tu Instagram, tu sitio web, cuaderno de bocetos o lo que uses para echar un vistazo al trabajo que has realizado por completo. Entonces vamos a esbozar algo sin presión. La clave aquí es seguir dibujando incluso después de haber dibujado algo que te gusta. Empecemos tratando de dibujar algunas formas simples que se sientan como tú. Para mí, me encantan las líneas burbujeantes con curlicues en ellas. Es justo lo que pasa por salir de mi mano. Pero tal vez como dibujar líneas rectas con rayas. Ya sabemos que me encanta dibujar gatos, pero tal vez un simple boceto a lápiz se siente más como tú. Simplemente llena una página con un montón de garabatos y ver qué sale. Después de que hayas hecho eso, vuelve atrás y resalta tus favoritos. Queremos tratar de tener de 1 a 3 elementos visuales que podríamos incluir en nuestra animación. Si eres un ávido pintor, podría ser un pincel y una paleta de aspecto pictórico o tal vez estés haciendo diario fanático, por lo que quieres soltar boceto de un diario con alguna cinta [inaudible]. Lo que te sientas más emocionado es lo correcto. Recuerda que es tu marca y estás usando esto para mostrar lo que estás a punto de los demás. Lo hiciste. Lo lograste a través de la introducción a la auto-marca. Así que ahora es el momento de animar todas las cosas que hemos recogido en una rápida representación de ti como creativo. Te veré en la próxima lección. 6. Composición para movimiento: Tenemos nuestra dirección general para nuestra marca ahora abajo, así que ahora es el momento de pensar el movimiento real de nuestra animación. Recuerda, estamos creando una animación de 5-10 segundos que nos presentará a nuestro público con todo el trabajo de marca que acabamos de hacer. Antes de que podamos meternos en lo más arenoso de animar, tenemos que pensar en nuestra composición. Probablemente hayas escuchado el término antes, pero la composición es justo como todos los elementos visuales de una pieza trabajan juntos. La composición es especialmente importante para nosotros porque sólo tenemos una corta cantidad de tiempo para mostrar una buena cantidad de información visual. También es bueno pensar en cómo se verá tu composición a lo largo de la animación. En una pieza estática de trabajo, generalmente solo tienes una composición sin embargo, animación tiene muchas composiciones fluyendo juntas. Para nuestra introducción, tendremos una composición inicial, media y final. Trabajemos juntos a través de esos tres. He creado una hoja de trabajo que puedes imprimir físicamente, o puedes abrir y procrear para llenarla. Como mencioné anteriormente, recomiendo usar mi plantilla de YouTube para empezar, ya que es la más grande de todas. Cuando terminemos de animar, te voy a mostrar cómo insertar las plantillas de redes sociales en procreate para escalar tu trabajo a cualquier tamaño. Escalar hacia abajo en lugar de subir mantendrá mejor la calidad de nuestra animación. Para nuestra primera composición queremos pensar en cómo estarán entrando nuestros elementos visuales a nuestro Canvas. Entrarán nuestros iconos primero? ¿ O queremos que nuestro nombre sea el primero? También podemos esbozar una transición fresca para ser nuestra primera composición si pensamos que eso encajaría muy bien, o simplemente puede ser un corte tan simple y simplemente empezar. Es realmente bueno enfocarse en el equilibrio aquí. Queremos utilizar una buena cantidad de espacio negativo ya que llenaremos nuestro Lienzo en los próximos fotogramas. El espacio positivo es donde están tus elementos y el espacio negativo es donde el Lienzo estará vacío. Ten en cuenta que nos vamos a llamar la atención del espectador a algún lugar del medio. Una composición media necesita ser una explosión, este soy yo. Si la animación fuera una montaña rusa, esto sería justo al bajar la primera gran colina. Queremos que nuestro nombre, nuestro ícono, nuestra información visual más importante sea de frente y centro. Asegúrate de pensar en el contraste aquí. Esta animación es tan corta, por lo que necesitamos nuestros elementos principales para sobresalir, y definitivamente no queremos que nuestro público los busque. Esto es lo que usaría mi color más oscuro en lo que quiera dibujar su ojo. Por último, nuestra composición N es donde podemos envolver la animación con un final satisfactorio. Esta puede ser una transición divertida sobre todo si no tenías una al principio, como puedo tener un corazón volando y llenar todo el Lienzo de color, o puedo tener un fresco pictórico deslizado que transitarán al siguiente marco. Repasaremos el tiempo en la siguiente lección pero mientras trabajas a través esta hoja de trabajo realmente piensa el ritmo de tus composiciones. Funcionarán bien espalda con espalda? ¿ Ya puedes empezar a ver cómo se forma la animación? Si es así, esa es una gran señal. Si no, no te preocupes, visualizar mentalmente estas cosas es una habilidad que puede tomar tiempo para aprender. Además en la siguiente lección, vamos a conseguir tus composiciones y ponerlas en un procrear y hacer que comiencen a animar, y podemos ajustar todo lo que necesitemos a partir de ahí. Solo recuerda enfocarte en el equilibrio, los contrastes y el ritmo mientras terminas tus composiciones. Una vez que estés listo podemos seguir adelante y empezar a animar. 7. Pruebas de animación: temporización: Has llegado a la fase de animación. ¿Estás listo? Sé que hemos hecho mucho trabajo antes de esto, pero va a valer tanto la pena cuando veas que todo tu arduo trabajo se unen. Si alguna vez te encuentras con algún problema en el camino, siéntete libre de hacer estallar tu pregunta en la pestaña de discusión y me aseguraré de ayudarte. Ahora, vamos a tomar nuestras tres composiciones principales y empezar a construir sobre ellas. Pero antes de que podamos hacer eso, déjame mostrarte los conceptos básicos sobre animar en Procreate. Antes de que podamos empezar a dar vida a nuestra animación desde las composiciones que acabamos de hacer, quería mostrarte los fundamentos de usar la línea de tiempo de animación en Procreate. En este momento no tenemos ninguna línea de tiempo y estoy usando 1920 por 1080, que es HD estándar, eso es como el tamaño de YouTube. Pero para conseguir nuestra línea de tiempo, queremos subir a este ícono de engranaje pequeño, toque eso y luego activar la asistencia de animación. Desde aquí, verás un pequeño pop-up de línea de tiempo en la parte inferior. Tenemos nuestra configuración de reproducción y pausa y luego agregamos frame. Vamos a entrar en configuraciones. Aquí es donde te voy a mostrar algunas cosas geniales que Procreate puede hacer. Loop significa que tu animación se bucle una y otra vez. Esto se usa típicamente en GIFs y lo vamos a usar para nuestros propósitos momento porque solo queremos que las cosas jueguen para que podamos averiguar cómo se ven las cosas. Ping-Pong significa que va de principio a fin y luego de fin a inicio. Simplemente hace eso interminablemente. Entonces un solo disparo significa que solo jugará una vez, que es lo que hará nuestra intro final o video promocional. Pero solo por el bien de la animación cuando estamos pasando por lo que no tenemos que seguir abriendo y presionando el juego. Vamos a mantenerlo en bucle. Cuadros por segundo significa cuántos fotogramas hay en cada segundo que jugará. No somos animadores a nivel Disney, lo que la animación típica es como 24 fotogramas por segundo, pero eso significa que tienes que dibujar 24 dibujos por cada segundo. Vamos a bajar a unos cuatro dibujos cada segundo. Puedes ir tan bajo como dos, uno se siente realmente entrecortado. Dos es el más bajo que iría, y luego seis es el más alto que iría ya que solo estamos aprendiendo a animar. Los marcos de piel de cebolla se refieren a los marcos que puedes ver detrás. Tendrá más sentido cuando empiece a dibujar. Pero básicamente, es igual que cómo una piel de cebolla tiene capas translúcidas y se puede ver que hay otra capa debajo de ella. Así es como funcionan las pieles de cebolla. Puedes cambiar la opacidad de la piel de cebolla. Voy a dejar el mío a los 60. No tienes que preocuparte por el cuadro primario de mezcla, pero todo eso significa que va a fusionar el marco en el que estás trabajando actualmente, se desvanecerá. Estoy bien con el mío como ser más oscuro o el color en el que estoy trabajando. Puedes cambiar los colores de tu piel de cebolla aquí. Creo que el estándar es de color verde brillante y rojo brillante. Sólo tengo el mío en púrpura claro y oscuro. Lo que quieras, puedes cambiar eso si quieres. A partir de aquí, vas a abrir el panel Capas y verás que tenemos una capa, lo que significa que solo hay un fotograma. Si agrego una capa, entonces tenemos dos marcos. Si cambio entre estos, estoy cambiando entre la capa uno y la capa dos. También puedes ver que si hago clic entre ellos, lo verás aquí abajo. Se moverá de ida y vuelta. Vamos a eliminar nuestra segunda capa y apenas empezar con la capa uno. Te voy a mostrar muy rápido cómo va a funcionar la animación. Sólo voy a acercar para nuestros fines. Voy a dibujarnos un corazito rápido. A partir de aquí, puedo abrir el panel Capas y hacer clic más para agregar una capa, o hay un pequeño botón Handy-dandy Agregar marco. Voy a hacer clic en Agregar marco. Entonces esto es lo que estoy hablando de nuestras pieles de cebolla. Ya ves, esto es un morado claro, que es lo que mi piel de cebolla está fijada. Entonces verás mi corazón aquí abajo. Pero entonces no hay nada en este marco. Eso significa que vamos a dibujar encima de éste. Voy a dibujar un corazón otra vez. Esto es útil si quieres ver lo que dibujaste el último fotograma. Entonces ya sabes, si quería moverme de esta manera, entonces puedo ver dónde estaba mi último corazón lo puedo mover. Voy a sumar algunas líneas y vamos seguir adelante y sumar un fotograma más. Nuevamente, puedes ver nuestras pieles de cebolla trabajando aquí. Dibuja algunas líneas más. Boom. Entonces ahora si presionamos Play, se reproducirá a través de nuestra pequeña animación. Nuevamente, aquí es donde podemos empezar a ajustar como tal vez quiero que sea dos cuadros por segundo. Se siente más entrecortado y eso me gusta. A seis cuadros probablemente van a ser súper rápidos porque sólo hay tres cuadros. Para empezar. Vamos a importar nuestras tres composiciones como un lugar de partida ya sea tomando una foto de nuestros bocetos o trayendo nuestra capa de boceto desde la hoja de trabajo. Lo que hice es que seguí adelante y lo exporto desde aquí, PNG de mi ilustración de composición y acabo de guardarlo en mi iPad. Entonces en mi composición que me estoy preparando para animar, solo voy a ir al ícono de la llave inglesa, Agregar, insertar una foto, y desde aquí puedes insertar una foto si sacaste una foto o puedes insertar la foto desde tus capas y luego solo acercaré estas para que estén listas para ir. Agrega un nuevo marco y solo repita el proceso hasta que tenga todas mis composiciones aquí y listas para ir. No tenemos que ser demasiado precisos acerca de dónde van estos porque solo estamos tratando de entrar en nuestras primeras ideas. Ahora, que tenemos nuestro set de principio, medio y final, vamos a trabajar en lo que se llama in-betweens. Esto significa que vamos a rellenar lo que sucede en medio son tres fotogramas principales para crear movimiento. Esta parte es casi completamente de prueba y error, por lo que tomará algún tiempo salir bien, pero te voy a dar un par de consejos rápidos para que sea más fácil. Lo primero que debes saber es cómo controlar la velocidad de tu animación. Digamos que tienes un círculo en el lado izquierdo del lienzo y quieres que se mueva hacia la derecha. Si sólo dibujas dos fotogramas extra para llegar allí, se va a parecer que se está moviendo súper rápido. No obstante, si dibujas seis fotogramas para llegar allí, se moverá a través del lienzo un poco más lento. Puedes usar este conocimiento para controlar la rapidez con que suceden las cosas en tu animación. Quizás tu primera transición sea lenta, por lo que tiene muchos marcos, pero tu nombre aparece muy rápido. Es sólo como tres marcos con movimiento. La mejor manera de empezar a ver esto en acción es solo saltar a bosquejar tus marcos. Podemos reproducirlas para probar el cronometraje y sumar fotogramas para ajustar la velocidad de nuestra animación a medida que avanzamos. También puedes controlar la velocidad ajustando la velocidad de fotogramas como si pasáramos. No obstante, una mayor velocidad de fotogramas significa que hay que dibujar más fotogramas. Si configuro esto a 12, nuestra animación va a jugar súper rápido, lo cual es genial. Pero eso significa que tengo que dibujar mucho más marcos. Ya que nuestra animación es tan corta y no somos animadores a nivel Disney, te recomiendo mantener tu velocidad de fotogramas alrededor de cuatro a seis cuadros por segundo. Otra cosa que puede ayudarte a animar movimiento con más facilidad es las trayectorias de movimiento. Estos pueden permitirte fácilmente visualizar mejor cómo entrarán las cosas, qué rapidez entran y cuántos fotogramas necesitas dibujar para que ocurra ese movimiento. Lo mejor es dibujar tus trayectorias de movimiento en un color diferente. Aquí tengo rojo y morado. Simplemente porque estos son pequeños caminos secundarios que van a estar pasando en rojo son los principales corazones que quiero hacer estallar. Lo que estoy haciendo aquí cuando dibujé este es pensar que quiero que el corazón suba en un camino poco arduo. Sé que va a terminar por aquí, sólo un adivino. Quiero que sea lento cuando llegue. A lo mejor pondría uno aquí frente a éste significa que vendrá muy rápido porque va de la nada a aquí. Entonces tal vez vaya despacio. Tengo tres marcos más que el pico del corazón golpeará. Entonces saltará muy rápido. Eso significa que irá de aquí a esta siguiente muesca y luego terminará aquí. Puedes ajustarlos a medida que avanza. Definitivamente lo hago si siento que tal vez donde pensé que quería que aterrizara no era del todo lo correcto. Entonces voy a usar la función de primer plano de Procreate. Para ello, quieres asegurarte que tus trayectorias de movimiento estén configuradas todo el camino en la parte superior de todas tus capas. Sólo voy a bajar la opacidad a unos 50. este momento los caminos de movimiento desaparecen y quiero poder tenerlos para que pueda ver estos corazones y qué camino seguirían. Lo que voy a hacer ahora que mi capa está en la parte superior de todas mis capas es hacer clic en ella. Verás que hay toda una duración, duplicar o eliminar, o hay esta opción llamada primer plano. Voy a dar la vuelta en primer plano. Ahora si vuelves, verás que toda nuestra animación tiene esto en lo alto como primer plano, lo que nos va a ayudar a dibujar los corazones. Si ves a través de mi Hearts Animate, verás que están siguiendo un pequeño camino de movimiento. Entonces eso sólo me ayuda a pensar en cómo van a entrar como dije, y luego darles un movimiento más dinámico que si solo los dibujara marco a fotograma sin pensarlo. Como dije, todo este paso es de prueba y error. Si sientes que lo estás haciendo mal, entonces te prometo que lo estás haciendo bien. Simplemente toma un poco de tiempo trabajar a través lo que mejor funciona para crear lo que nos gusta. Este paso me llevó unos 30 a 40 minutos en completarlo, por lo que no es necesario apresurarlo. Simplemente diviértete. Una vez que tengas el tiempo abajo y estés contento con cómo se mueve, vamos a comenzar la parte divertida de colorear todo en el que lo daremos todo a la vida. Te voy a enseñar en la siguiente lección cómo agrupar tus marcos mientras los coloreas para permitir que sean escalados y reutilizados una y otra vez. Nos vemos pronto. 8. Staying organizado: plantillas: Primero lo primero, vamos a duplicar nuestra película antes de empezar a colorear para tener nuestra animación original y volver a si alguna vez queremos cambiarla. A partir de aquí, podemos empezar a colorear, y en base a nuestra paleta de colores limitada que elegimos antes, seguí adelante y agregué mis colores a mi paleta para que sea más fácil seleccionar de. Lo mejor es mantener tus secciones de colores separadas en diferentes capas. Va a hacer mucho más fácil hacer ajustes más tarde si es necesario. Puedes usar los pinceles que te gusten para este paso. Estos son algunos de mis pinceles favoritos que me gusta usar para colorear, pero usa cualquier estilo de pincel se ajuste mejor a tu trabajo creativo. Si estás buscando algunos pinceles extra para comprar, te recomiendo encarecidamente revisar estos. Después de que tengas la coloración de tu primer marco hecho, vamos a empezar a agrupar nuestras capas. Esto es lo que nos va a permitir hacer ajustes fácilmente cuando lo cambiemos de tamaño para que se ajuste a otras dimensiones de las redes sociales. Vamos a cambiar el nombre de nuestro nuevo grupo como Grupo 1, y el siguiente grupo será dos, y luego así sucesivamente hasta que todo esté coloreado. Es realmente importante que nuestras capas y grupos organicen en esta etapa porque es la base de nuestra plantilla. Asegúrate de tomarte ese poco de tiempo extra para esto. Después de terminar, y tener una animación súper divertida a todo color, vamos a redimensionarla para que se ajuste a otra plataforma de redes sociales que nos encanta usar. Dependiendo de la complejidad de tu animación, esto puede llevar algún tiempo, así que definitivamente simplemente pop en tu película favorita y consigue colorear. En la siguiente lección, voy a mostrarte cómo cambiar el tamaño de esto para que se ajuste a otra plataforma de redes sociales que te gusta usar. Te veré ahí. 9. Redimensionar para más sociales: Vamos a empezar duplicando nuestra animación a todo color y renombrando nuestra animación original de YouTube o cualquier plataforma social para la que la hayas hecho. Después de eso, vamos a asegurarnos de que tengamos nuestra próxima plantilla social descargada. Los puedes encontrar en los recursos del proyecto. Son todos los PNGs que tienen las dimensiones de la plataforma de redes sociales para referencia, así como una ilustración de una interfaz de usuario para esa plataforma. Esto nos va a ayudar a colocar nuestros gráficos sin que ninguno de ellos sea cortado o fuera de marco. Creé mi animación para YouTube, que es 1920 por 1080, y quiero hacerla encajar en Instagram Reeles, que es 1080 para 1920. Para ello, todo lo que tengo que hacer es tomar nuestro nuevo archivo y luego pellizcar y voltear. Esto hará que nuestro lienzo sea vertical, por lo que ahora todo lo que tengo que hacer es subir nuestro archivo de plantilla, vamos a agregar insertar foto. Desde aquí vamos a abrir nuestro panel de capas, seleccionar todos nuestros grupos ordenadamente organizados deslizando hacia la derecha sobre ellos. Una vez seleccionado, solo golpeamos nuestro pequeño icono de cursor, toca el mango verde, y luego tecleamos 90 para rotar toda nuestra obra de arte, asegurándonos de que nuestra ilustración más grande encaja en el lienzo. Realmente es así de simple. A partir de aquí, solo queremos reproducir nuestra animación y agregar cualquier sección faltante que pudiera haber sido recortada, como colores de fondo o marcos de transición. Ahora tienes una animación para dos plataformas de redes sociales, bueno tres de ustedes usan Tiktok también, pero solo hicieron el duro trabajo de crear una. Puedes usar este método para cualquier dimensión que te guste. Por ejemplo, si quieres que tu animación quepa en tu feed de Instagram como un cuadrado, todo lo que tienes que hacer es duplicar nuevo tu animación original, luego ve a abrir la copia, ve a la llave inglesa icono, lienzo luego recortar en tamaño. Necesitaríamos cambiar las dimensiones a 1080 por 1080 para conseguir nuestra plaza. Solo tenemos que asegurarnos de que no estamos recortando ninguna información importante de la animación cuando hacemos esto, sugiero tener tu capa en tu ilustración más grande para comprobar esto. Desde aquí puedes seleccionar todas tus capas y otra vez, moverlas por ahí si lo necesitas, pero realmente eso es todo. Ahora tienes una animación que cabe en tu feed de Instagram también. Ten en cuenta que lo mejor es ir más pequeño, no más grande. Si aumentas el tamaño de tu animación, perderás calidad así que trata de estándar 1920 por 1080. No obstante, mayoría de las plataformas de redes sociales no pasan por este lado, por lo que no deberías tener que preocuparte por ello. Realmente es así de simple. Espero que estés emocionado de tener hermosos gráficos coincidentes en todos tus sociales de los que puedas estar orgulloso, porque te pones en el tiempo para transformar tu trabajo creativo en una animación divertida. En la siguiente lección, te voy a mostrar cómo exportar estos gráficos para que puedas agregarlos a todo tu trabajo de video. Te veré ahí. 10. Exportar para compartir: Ahora que hemos redimensionado nuestras animaciones geniales para adaptarse a todas nuestras plataformas de redes sociales en las que queremos usarlas, necesitamos exportarlas como un archivo MP4. Si no estás familiarizado, un archivo MP4 es solo un formato de video estándar utilizado para la mayoría del trabajo de video. Para empezar, abre la animación que quieres exportar y luego pulsa el ícono de la llave inglesa y ve a Compartir. A partir de ahí, obtendrás muchas opciones para exportar. Vamos a seleccionar “Animated MP4" cerca de la parte inferior de la lista. Esto abrirá una pequeña ventana de vista previa para que podamos ver nuestra animación. Asegúrate de que esté en resolución máxima. A partir de aquí, también puedes ajustar los fotogramas por segundo si lo deseas. Siempre meterse con esto antes de exportar, solo para ver si me gustaría más rápido o más lento. Una vez que estés listo, simplemente pulsa “Exportar” en la parte superior derecha y selecciona dónde quieres guardar el archivo. Eso es todo. Desde aquí, puedes usar esta animación en cualquiera de tus videos para agregar una introducción divertida y cohesiva para tu público actual y potencial vea. Te voy a dar algunos consejos rápidos para ayudarte cuando estés usando tu nueva animación. En TikTok e Instagram, lo mejor es agregar esta animación al final, ya que son un formato de video de ritmo rápido que necesita captar la atención de sus espectadores de inmediato. Agregarlo al final seguirá teniendo los mismos efectos de llevar cohesión a tu marca sin el riesgo de perder espectadores que puedan desplazarse antes incluso vean el video principal. Si estás creando un video de YouTube, sin embargo, pop ese tonto justo al frente del video. Siempre me gusta cuando otros creadores tienen cinco segundos de un clip del video real, y luego su animación promocional comienza justo después. Me da un pequeño vistazo a lo que viene en el video, pero luego una animación genial me hace ilusionar por ver más. Me recuerda a quién video estoy viendo. Para agregar estas animaciones a tus videos, puedes usar cualquier software de edición de video. Yo uso Adobe Premier Pro en mi computadora, pero si no tienes software de pago, Canva tiene buenas capacidades de edición así como DaVinci Resolve, y ambos son de uso gratuito. En tu teléfono, puedes usar el editor dentro de Instagram o TikTok, pero prefiero usar una app llamada Im Chat. La base de la misma es gratuita, pero si quieres extras que ofrecen, solo $10 al año. Mencioné agregar sonidos antes también. Me gusta usar freesound.org para efectos de sonido libres de regalías como swipes o pops. Pero también podrías mirar a Temática si quieres agregar música. Solo asegúrate de seguir sus pautas para evitar un cargo por copyright. Creo que eso es todo. Estoy tan feliz de que hayas decidido tomar esta clase y poner en la obra para crear una animación impresionante para ti mismo. No puedo esperar a ver lo que creaste, así que asegúrate de subir una versión de tu animación final en la galería del proyecto. Además, asegúrate de hacer estallar en tus mangos de redes sociales a mí mismo y tus compañeros pueden echar un vistazo a tu trabajo creativo. Vamos a seguir adelante y envolver toda esta clase. Te veré en la última lección. 11. Conclusión: Ronda de aplausos por crear una animación súper cool todo sobre ti mismo. La autopromoción puede ser rara, pero espero que haya disfrutado tomando esta clase. Sumérgete más en tu trabajo creativo y crea algo que se exprese a otras personas en internet. Nuevamente, no olvides compartir tu arduo trabajo en la galería del proyecto. No puedo esperar a ver lo que creaste. Para recapitular, repasamos lo que es una marca y cómo auditar tu trabajo creativo, por qué un diseño consistente y voz de marca es importante para tu audiencia, cómo elegir una paleta de colores y estilo para tu animación, las mejores formas de diseñar composiciones para el movimiento, algunos consejos fáciles para clavar el momento de tus animaciones, mantener tus capas organizadas en Procreate, cómo cambiar fácilmente el tamaño de tu para adaptarse a cualquier plataforma de redes sociales, y por último, exportar tu animación y consejos sobre cómo usar tu nueva promoción genial. Espero que hayas disfrutado de esta clase y puedas ver todas las formas geniales en las que puedes implementar las técnicas que pasamos para crear animaciones más divertidas para ti o para otros. Recuerda sin embargo, eres una persona en constante cambio así que no tengas miedo de cambiarla cada vez que sientas que tu voz creativa se ha desplazado. Esta clase siempre estará aquí para hacer referencia si la necesitas. Si solo hay una cosa que tomaste de esta clase, espero que sea que tener una animación de marca consistente pueda ayudarte a ser más reconocible para tu público actual y potencial. Utilizando todas las técnicas de auto-branding y animación que aprendimos en esta clase, puedes crear y adaptar fácilmente cualquier animación para que se ajuste a tu estilo y marca particulares. Por favor, no olvides compartir tu creación en la galería de proyectos junto con tus mangos de redes sociales para yo y tus compañeros compañeros de clase hagan el pago. También puedes etiquetarme en Instagram o TikTok siempre que uses tu animación en tus videos. último pero no menos importante, si te gusta la clase, me encantaría que me dejaras una reseña y siguieras por más. Te veré en la siguiente. Adiós.