Adobe Lightroom Classic: flujo de trabajo avanzado y consejos para mejorar tus ediciones de color

1. Introducción y descripción general de la clase: Tomar grandes fotografías es sólo la mitad de la historia. Cómo editas tus fotografías puede significar la diferencia entre una buena fotografía y una estupenda. Las fotografías digitales sin editar y crudas carecen alma y trabajar con los colores y tonos ayuda a agregar personalidad y carácter y crear ediciones fotográficas emocionantes y diversas que hablan. La gama de herramientas de edición en color disponibles en Adobe Lightroom Classic puede ser un poco abrumador. Pero aprender lo que hace cada una de las herramientas y cómo difiere de otras herramientas y cómo se puede usar en combinación son las herramientas para mejorar un look puede hacer que su proceso de edición mucho más versátil y te ayudará a producir ediciones más consideradas estéticamente agradables, ayudando a tus imágenes a contar una historia. Soy dominante grupo guinea marca, fotógrafo profesional, diseñador y profesor apasionado por fotografía y recreando looks fílmicos en mis fotografías digitales. En esta clase, estaré compartiendo con ustedes mis consejos especiales, técnicas y flujos de trabajo para sacar el máximo provecho de adobe Lightroom es alto para mejorar las ediciones en color o fotografías en bruto. Desarrollando tu comprensión de cuándo y cómo. Puede utilizar diversas herramientas de Adobe Lightroom para trabajar con colores y tonos. Esta clase está diseñada para fotógrafos de nivel intermedio y avanzado, diseñadores gráficos, editores fotográficos y creadores de contenido. Y para sacar el máximo provecho de esta clase, necesitarás acceso a la última versión de Adobe Lightroom Classic o Adobe Camera Raw, y tener una comprensión razonable de la terminología fotográfica y herramientas básicas de edición. Ya sea que esté buscando llevar sus habilidades de edición de fotos y competencia al siguiente nivel y crear ediciones más variadas. O siéntete abrumado con todas las herramientas disponibles. Y no sé por dónde empezar. Esta es la clase para ti. Para el enfoque estructurado estaré compartiendo en esta clase y mirando diferentes herramientas disponibles, sus usos, y su lugar en el flujo de trabajo de edición. Podrás mejorar tu comprensión e integrarlos mejor en tu flujo de trabajo de edición para construir emocionantes ediciones personalizadas. Así que únete a mí en esta clase y aprovecha todo el potencial de las herramientas de edición de color de Adobe Lightroom para crear ediciones fotográficas, que están llenas de carácter. 2. Edición de fotos: Entonces & Now: Desde los primeros pioneros fotográficos comenzaron a experimentar con técnicas fotográficas y grabar imágenes de nuestro mundo. Fotógrafos y creativos han estado editando imágenes. En primer lugar con procesos químicos, y ahora con técnicas digitales para presentarnos narrativas visuales que se han convertido en una parte intrínseca de nuestras identidades colectivas. La edición fotográfica es la mitad de la historia. Y como el sonido de una película, es sublime, pero una parte muy real e importante de la historia. tecnología digital moderna ha aumentado la versatilidad en las técnicas de edición. Pero esas técnicas siempre han sido parte de la fotografía y muchas veces influyen en las técnicas y procesos de edición de hoy. En los tiempos pasados, un fotógrafo a menudo seleccionaba cuidadosamente la película fotográfica que se estaba utilizando. Considera cómo reacciona la película a la luz y es grano fotográfico. Los fotógrafos también podrían mejorar aún más su fotografía en el cuarto oscuro controlando la exposición de la fotografía. Medios de impresión, procesos aditivos y técnicas de manipulación de imágenes de frutas. En muchos sentidos, la base de lo que es alcanzable y posible en el cuarto oscuro digital de hoy se estableció a finales de los siglos XIX y XX. Esto se evidencia con frecuencia en los nombres de herramientas en Adobe XD, cuarto oscuro digital, que muchas veces lleva el nombre de sus técnicas o procesos contrapartes a partir de las doctrinas fotográficas de antaño. A pesar de las nociones de que la cámara nunca miente. Por el contrario, la fotografía siempre ha sido un medio inestable. Esto no necesariamente debe ser visto como un negativo. Pero al igual que la escritura, la fotografía siempre ha estado abierta a las influencias de sus creadores, editores, y en última instancia de sus espectadores. Y edición fotográfica. No obstante, se utiliza como parte de ese proceso. Al tomar el control del proceso de edición de fotos, puedes mejorar tu fotografía produciendo imágenes que mejor se ajusten a las narrativas que deseas transmitir. A través de la utilización de modernas herramientas y técnicas de edición digital. Existe una amplia gama de diferentes estilos y técnicas de edición fotográfica que puedes emplear para crear tu narrativa deseada. En esta clase, vamos a echar un vistazo a una gama de diferentes conjuntos de herramientas disponibles en Adobe Lightroom Classic, incluyendo perfiles, ajustes tonales, curvas, calibración, gradación de color y HSL, y su papel en el flujo de trabajo de edición de color. Y cómo puedes combinar eficazmente estas herramientas juntas para crear ediciones emocionantes y variadas. También te compartiré consejos para hacer ajustes locales usando máscaras para que tus fotografías se vean bien y junten las ediciones. Si bien estará trabajando con estas herramientas en cierto orden. Comenzando con perfiles y ajustes tonales, y corriendo a través técnicas avanzadas de gradación de color utilizando la gradación de color y los paneles HSL. El orden general en el que se aplican estas herramientas no se establece en concreto. Deberías esperar tener que volver a visitar herramientas anteriores para modificar y finalizar tu look. En última instancia, solo necesitas saber qué papel juega cada una de estas herramientas en el proceso de desarrollo, cómo se relaciona con las otras herramientas. Y teniendo en cuenta cada herramienta los efectos potenciales. Ve por desarrollar tus fotografías utilizando todas las herramientas que tienes a tu disposición. En esta clase, estaremos trabajando con fotografías sin procesar porque las imágenes capturadas en fila tienen más información guardada en el archivo. Incrementar la versatilidad y la gama de cosas que puedes hacer al editar. Técnicamente, puedes usar las mismas técnicas al editar formatos de imagen positivos como tiff y jpegs. Pero habrá algunas limitaciones basadas en la información real almacenada en la imagen. Siempre recomendaría rodar y editar inscribirse siempre que sea posible. En esta clase, estaré usando Adobe Lightroom Classic. Pero también podrás seguir lo largo en Adobe Camera Raw porque tiene exactamente las mismas herramientas. Si está utilizando Adobe Lightroom en una tableta, teléfono inteligente o computadora. También podrás seguir lo largo durante la mayor parte de esta clase. No obstante, las técnicas que implican trabajar con calibración no están disponibles actualmente en Lightroom. Entonces sin más preámbulos, comencemos. 3. Cómo empezar con perfiles: Mi primer consejo es hacer un uso efectivo de los perfiles, que son una herramienta realmente poderosa que puede hacer que sea más fácil para ti lograr el look que buscas. Los perfiles ajustan el nivel base de tonos, colores y contraste en tu imagen sin afectar a ninguno de los deslizadores son ajustes en la pestaña de desarrollo o en el panel de edición. Desafortunadamente, los perfiles son frecuentemente ignorados por los editores de imágenes porque están ocultos en la interfaz de Adobe Lightroom, pero se puede acceder aquí en la pestaña Desarrollo de Adobe Lightroom Classic, o en la ficha Editar en Adobe Lightroom y Adobe Camera Raw. Al utilizar perfiles en su flujo de trabajo, se pueden utilizar ya sea como punto de partida para su edición, lo que le permite lograr una mirada deseada en cualquier momento durante el proceso de edición, para modificar el mirar sin afectar ninguno de los entornos de desarrollo. Cuando desarrolle una fotografía sin editar en Adobe Lightroom, el perfil se establecerá en Adobe standard por defecto, que tiene un aspecto bastante neutro. Sea cual sea el perfil que lo aplique a su imagen, tendrá un efecto más fuerte y más notable en su imagen. Por ejemplo, si estás editando un paisaje, un buen punto de partida es el perfil de Adobe Landscape, que te dará un aspecto más saturado y contrastante. Por otro lado, si estás editando un retrato, posible que quieras comenzar con el perfil de adobe Portrait, que presenta más contraste que el perfil estándar. Pero hace esto sin impulsar la saturación y el contraste en tonos de piel que son críticos a la hora de editar un retratos. Pero porque puedes cambiar de perfil en cualquier momento durante tu proceso de trabajo sin afectar a ninguna de las otras configuraciones. Puedes explorar diferentes perfiles siempre que quieras usarlos para alterar o mejorar el aspecto de tus imágenes ya editadas. Por ejemplo, aquí hay una fotografía que ya he editado. Vamos a echar un vistazo a cómo crear ediciones con estos colores en general, mire más adelante en la clase. Pero por el momento, sólo nos centremos en el perfil que se establece en color Adobe. Quiero que los colores estallen un poco más. Entonces lo voy a cambiar a Adobe landscape. Se puede ver cómo el perfil afecta esa imagen, aumentando instantáneamente el contraste y la saturación en la escena. Usando perfiles. De esta manera significa que puedes editar un conjunto de imágenes utilizando los mismos ajustes de desarrollo o presets, pero variar suavemente las ediciones dependiendo del tema mediante el uso de los perfiles sin necesidad realizar cualquier otro ajuste a la configuración de desarrollo. Aparte de los perfiles estándar de Adobe, también hay una selección de perfiles creativos, que se puede acceder a través de navegar en el menú aquí, o a través de este botón. Los perfiles creativos incluyen conjuntos artísticos, modernos y vintage para editar fotografías en color. Y perfiles especiales para editar fotografías en blanco y negro. Los perfiles en blanco y negro son cruciales para crear emocionantes ediciones en blanco y negro. Puedes aprender sobre crear negro y mis ediciones y usar filtros de color y perfiles en mi clase, fotografía en blanco y negro. Utilizando filtros de color para mejorar tu película e imágenes digitales. En cuanto a los perfiles de color creativos, pueden ser divertidos de explorar, modificar el aspecto de tu imagen y crear una representación de colores ligeramente diferente. Cuando aplicas alguno de estos perfiles creativos. También notarás la configuración de cantidad aquí que puedes controlar. Esto afecta la fuerza para el efecto que el perfil tiene en tu imagen. Cuando cierras el navegador de perfiles, puedes cambiar los perfiles de la configuración Mount aquí sin volver al navegador de perfiles. Así que recuerda que puedes cambiar de perfil en cualquier momento a lo largo de tu flujo de trabajo de edición. Es posible que desee iniciar su edición de imagen con un perfil de color específico o cambiar su perfil de color medio de flujo, o después de haber finalizado sus imágenes, edite para completar ese aspecto que buscas. También ten en cuenta que esta es una de Adobe Lightroom es herramientas más oscuras. Entonces, si estás luchando para crear un look específico con Adobe Lightroom, otras herramientas, comprueba dos veces que no tienes un perfil específico aplicado, lo que crea un conjunto y look o drásticamente afecta el rango de color o el contraste tonal, y le impide desarrollar su aspecto deseado. También puedes crear tus propios perfiles, los cuales se pueden utilizar en Adobe Lightroom, adobe Lightroom Classic y Adobe Camera Raw. No obstante, actualmente esto solo se puede hacer usando Adobe Camera Raw. El proceso implica crear edición inicial y guardarla como un perfil en lugar de un preset a través de la pestaña de presets. No voy a entrar en detalle sobre cómo hacer esto en esta clase, pero he creado un conjunto de instrucciones que puedes descargar desde la pestaña de proyectos y recursos para esta clase. En la mayoría de los casos, la gama de perfiles proporcionada por Adobe funcionará bien como punto de partida o ajustes para tus ediciones. No obstante, la capacidad de crear tus propios perfiles puede ser útil si quieres crear un look especial o quieres duplicar efectivamente la fuerza de algunos de los ajustes en la pestaña de desarrollo. Aparte de los perfiles, hay varios ajustes en el panel básico que determinan el aspecto general y el nivel de detalle en tus fotografías. Y en la siguiente lección, compartiré mis consejos para usar ajustes tonales y recuperación para salir en el camino correcto para desarrollar su edición deseada. 4. Cómo desarrollar la base para tus ediciones: El aspecto general y los colores en tu edición fotográfica están influenciados no solo por el trabajo que haces con Adobe Lightroom es herramientas de edición de color, sino en un grado considerable por el rango tonal, contraste , exposición, y el nivel de detalle en su imagen. Entonces, antes de pasar a trabajar con tus imágenes colores, ya sea ajustándolas manualmente o aplicando un preset, siempre es una buena idea conseguir tus imágenes de exposición y niveles tonales adecuados para el mira que quieres crear. Al trabajar con fotografías en bruto, tenemos una enorme cantidad de información disponible, lo que nos permite tomar nuestras ediciones en cualquier dirección que queramos. No obstante, para poder utilizar las imágenes de rango tonal completo, color, profundidad y nivel de detalle. Necesitamos recuperar esta información utilizando las herramientas disponibles en el panel básico. Independientemente de cómo quieras que luzca tu edición final, siempre es una buena idea comenzar comprobando cuánto detalle hay en tu imagen. La mejor manera de ir por la recuperación tonal. Para empezar recuperando los reflejos y sombras en su máximo grado. Para revelar los detalles ocultos y ver cuánta información es esa. Después de recuperar reflejos y sombras, si es necesario, ajusta la exposición para conseguir que la fotografía se vea bien. La mayor parte de la recuperación tonal proviene de trabajar con estos dos deslizadores. Tanto el ajuste de los deslizadores blancos como negros también puede ser útil a la hora de recuperar detalles y las áreas más claras y oscuras. Después de ver cuánto detalle hay en tu imagen, es un buen momento para decidir la dirección general en la que quieres tomar tu edición de imágenes. Esto puede basarse en sus fotografías, género, materia, colores, y el estado de ánimo o narrativa que desea transmitir. Por ejemplo, si quieres crear un registro de teclas alto, necesitarás retener los detalles en tu imagen son áreas de sombra y levantar las áreas más oscuras y tu fotografía manteniendo un aspecto natural en tus imágenes resaltadas y blancos. No obstante, si buscas un look moodier, más oscuro o más natural, querrás hacer lo contrario y tener sombras más oscuras que ayudan a ocultar el detalle en la imagen es oscuro. Áreas que tienen más detalles en las imágenes, áreas más ligeras para establecer el estado de ánimo. Si estás buscando crear un look hiperrealista, recupera más información en general, y ve desde ahí. Cuando hayas decidido la dirección en la que quieres tomar las cosas, empieza a jugar con los deslizadores de tono para encontrar el punto dulce para el tipo de look y nivel de detalle que buscas. De ser necesario, ajuste la exposición general para compensar el efecto de la recuperación tonal. El objetivo principal de la recuperación tonal es darte la oportunidad de retener más información en la imagen a lo largo del proceso de edición, lo cual te dará más flexibilidad y control sobre su edición al usar otras herramientas más adelante. Entonces no te preocupes si temporalmente te da una fotografía, un aspecto plano. En este punto, es bueno resistir la tentación de impulsar drásticamente el contraste usando la herramienta de contraste ya que cambia el contraste globalmente y limitará tus opciones mientras editas y la medida en la que puedes desarrollar tu imagen utilizando las otras herramientas más adelante. Si es necesario, puede hacer ajustes menores a la configuración de contraste. Pero mejor guárdalo para afinar tu look más adelante. Por otro lado, en esta etapa, puedes jugar con la herramienta Dehaze para aumentar suavemente el contraste local. Saca más detalles en tu fotografía. D Hayes es una gran herramienta para usar cuando necesitas traer más vida y carácter a tus ediciones. Y se puede utilizar moderadamente al inicio del proceso para impulsar el contraste local en su imagen. O ajustado más tarde. Sobre todo si no puedes obtener los niveles de contraste que deseas en ciertas áreas de tu imagen usando una combinación de otras herramientas. Las herramientas del panel Basic son bastante sencillas y te permiten establecer rápidamente un nivel base de detalle en tu imagen. Empieza siempre jugando con los deslizadores de tono para ver cuánta información no es tu imagen. Y luego ajustarlos dependiendo del aspecto y nivel de detalle que quieras crear. Recuperar los aspectos más destacados te ayuda a aumentar el rango dinámico de tus fotografías y hace que se vean más como cinematográficas y cinematográficas. También puede ayudarte a sacar la textura en tus imágenes áreas más claras, potencialmente dando a tu imagen un aspecto hiperrealista. No obstante, también debes tener en cuenta que puede aplanar inadvertidamente tonos de piel más claros y revelar cualquier imperfecciones en la piel. Lo mismo que con la recuperación de puntos destacados. Recuperar sombras puede ayudar a dar a tus fotografías de película como look. Pero ten cuidado con las imperfecciones visibles en tonos de piel más oscuros y aumento del ruido en las zonas oscuras de tu fotografía. Dado que los ajustes tonales también se pueden aplicar a cualquier área enmascarada en su fotografía. Al trabajar con los deslizadores de tono y ajustar toda la imagen, concentérese en obtener el look adecuado para la mayoría de la fotografía. Después usa máscaras con diferentes ajustes para obtener los tonos y el nivel de detalle bien en cualquier área problemática. Y vamos a echar un vistazo a las mezquitas hacia el final de la clase. Si bien las herramientas y el panel básico son grandes para recuperación tonal y trabajar con la exposición general y nivel de detalle. En realidad no están diseñados para desarrollar el aspecto tonal de tu fotografía o trabajar con contraste de manera avanzada. Existen otras herramientas, a saber, curvas, que están diseñadas especialmente para esta tarea. Entonces en la siguiente lección, vamos a echar un vistazo a los diferentes tipos de curvas y su uso como bloques de construcción en ediciones avanzadas de imagen. 5. Cómo mejorar la profundidad y el contraste tonales: Después de recuperar los detalles y las diferentes regiones tonales en tu fotografía. El siguiente paso es desarrollar el look tonal y trabajar con la curva de tono para ajustar el contraste y los niveles a diferentes tonos, lo que determinará la intensidad y profundidad de los colores que puedes obtener en tu imagen. Curvas. Por lo que es una de las herramientas de edición más poderosas, pero también las más fiddly. Y tienen una serie de usos diferentes. Por su cuenta. Se pueden utilizar para crear algunos looks emocionantes. Pero cuando se usan en combinación de otras herramientas disponibles en Adobe Lightroom, se pueden utilizar para mejorar tu fotografía y crear diferentes ediciones. Ignorar las curvas y tratar de sustituirlas otras herramientas puede dificultar el logro del look que buscas. Y también limita tus opciones de edición. Y lo que puedes hacer usando las otras herramientas como HSL, gradación de color y calibración. Si has estado evitando curvas, espero que esta lección las haga un poco menos intimidantes y más comprensibles y te permita desbloquear todo su potencial a la hora de editar o fotografías. Si bien hay bastantes herramientas para ajustar el contraste en tu fotografía, incluyendo contraste, claridad y neblina, que son excelentes para afinar tus ediciones. Solo la herramienta Curva de tono te permitirá trabajar con imágenes de contraste tonal de manera avanzada, y realizar ajustes personalizados en y realizar ajustes personalizados el rango tonal y los niveles de color en diferentes regiones de tu fotografía. En el panel Curva de tono, hay algunos tipos diferentes de curva disponibles. Y cada uno de ellos puede ser utilizado con fines ligeramente diferentes. Y en combinación entre sí. Y construyendo encima de la corrección de exposición y recuperación tonal realizada utilizando el panel básico. Curvas te permitirán mejorar tu fotografía y configurarte para un mayor desarrollo efectivo y flexible utilizando otras herramientas. La curva paramétrica le permite ajustar los niveles de diferentes regiones en sus fotografías, incluyendo los reflejos, luces, oscuras y sombras. Puedes usarlo para aumentar el contraste en tu fotografía y levantar o bajar ciertos tonos. Pero no es lo mismo que la recuperación, lo que se puede hacer con los deslizadores de tono. Al utilizar los deslizadores bajo el histograma, se puede controlar el rango tonal en cada región, lo que permite editar el contraste y la exposición de una manera más sofisticada. Haciendo esto TO idea de ediciones rápidas y ajustes. Debido a que estás trabajando con deslizadores, esta curva es bastante rápida y fácil de usar. No obstante, sí tiene varias limitaciones. Trabajar con deslizadores significa que no se puede agregar manualmente ningún punto a la curva. Y no se puede mover el punto blanco o negro para crear reflejos o sombras descoloridas. Y ahí es donde entra en juego la curva de puntos. La curva de puntos está disponible en todas las aplicaciones de edición de imágenes de Adobe y es una herramienta flexible que permite agregar puntos personalizados a la curva y manipular la curva de una manera más avanzada para oscurezca o aligere tonos selectos en su fotografía. Puedes aumentar aún más el contraste y fotografiarás creando algún tipo de curva S. O puede acercar ciertos tonos al tener valores de salida más cercanos para los puntos adyacentes en la curva. Lo cual hace gráficamente el segmento de la curva un poco más horizontal. O puede aumentar el contraste entre regiones tonales adyacentes al tener un posicionamiento más vertical entre los puntos. Una de las curvas de puntos características más útiles es su capacidad para desplazar los puntos blanco y negro, lo que permite crear sombras y reflejos descoloridos moviendo estos puntos a lo largo del eje vertical. Si quieres añadir un look descolorido a tu fotografía, simplemente no puedes evitar usar curvas. Por otro lado, si tu imagen carece de sombras más oscuras o reflejos más brillantes, como podrás ver en el histograma y el panel de curvas, así como en el histograma principal arriba arriba. Se pueden mover los puntos blanco y negro hacia adentro a lo largo del eje horizontal hasta el punto donde realmente comienza la información. Al hacerlo, notarás cambios en el histograma aquí. Y podrás ver la información tonal que ahora tienes en tu fotografía. Si bien se trabaja con las curvas, así como con otras herramientas que afectan el contraste. Es importante mantener un ojo hacia fuera para cualquier recorte, que podría no ser evidente a simple vista. recorte resultará en tener un tono aplanado y pérdida de información región tonal específica en la fotografía. Por lo que siempre es una buena idea usar estos dos botones aquí para comprobar si hay algún recorte en los reflejos o sombras. Y mira el histograma para cualquier parte que golpee la parte superior. Por lo que incluso si no puedes ver ningún problema en la fotografía, usa el histograma como referencia y ajusta la curva en consecuencia hasta que no haya recorte. Usar la curva de puntos es genial para trabajar con los niveles de diferentes tonos en tu fotografía. Crear un look descolorido o traer sombras más oscuras o reflejos más claros. Y con bastante frecuencia, los ajustes realizados utilizando la curva de puntos y la curva paramétrica lo suficiente para crear el aspecto tonal deseado y el nivel de contraste. Por ejemplo, como en esta fotografía. Pero y si el desvanecimiento se ve muy bien, pero te falta profundidad de color y contraste en la imagen en general, en los tonos que te estás desvaneciendo. Y los ajustes de contraste realizados utilizando las curvas paramétricas y puntuales no son suficientes para crear el aspecto tonal deseado. En este caso, también puedes lanzar las curvas de canal de color a la mezcla. Las curvas de canal de color incluyen tres curvas separadas para los canales rojo, verde y azul. cual cuando se utiliza en combinación entre sí, le permiten ajustar el contraste tonal y modificar la intensidad de sus fotografías componentes de color. Para ajustar el contraste tonal usando curvas de canal, necesitarás crear una curva S, por ejemplo, así. Y luego replicarlo exactamente para cada uno de los canales de color. Para hacer las cosas precisas, puedes introducir manualmente los mismos números exactos para cada uno de los puntos en cada una de estas tres curvas. De esta manera, la curva solo afectará el contraste y no cambiará ningún tono en ninguna región de tu fotografía. Por otro lado, tener diferentes curvas para los canales libres te permite ajustar los tonos y seleccionar regiones de tu fotografía, lo cual puede ser útil si la representación de colores en ciertas partes de tu fotografía no es de tu agrado. O para crear un efecto de tonificación dividida desplazando negro, blanco y otros puntos requeridos en el canal requerido. En las nuevas versiones de Lightroom Classic, hay esta práctica coloración que se muestra en cada curva con el color de los canales por encima la diagonal y su color complementario debajo de la diagonal. cual hace que sea más fácil entender qué color estás agregando a ciertas áreas tonales en tu imagen. Si bien el uso de las curvas de canal te da un mayor control sobre los matices a lo largo de tu fotografía. Dependiendo de dónde coloques tus puntos en las curvas, ajustando tonalidades en tu imagen de esta manera toma algún tiempo y retocando las curvas para obtener el look justo de inmediato usando la gradación de color y paneles de calibración es forma más rápida y más fácil de desarrollar el aspecto deseado de los colores a lo largo de sus fotografías. Y veremos estas herramientas un poco más tarde. No voy a entrar en todos los matices de mezcla de color de usar curvas de canal de color para ajustar los matices o crear un efecto de tonificación dividida. Pero por todos los medios, siéntete libre de jugar con diferentes combinaciones de curvas de canal para ver cómo afecta a tu fotografía particular. Cuando se trabaja con curvas de canal de color individuales, es una buena idea mantener un ojo en el histograma principal para asegurarse de que ningún color esté golpeando la parte superior y obteniendo salidas voladas, lo que creará un efecto de recorte en este canal de color particular. vez que aumenta el contraste tonal en tu imagen. Cambios realizados en las curvas de canal, intensifica los colores y aumenta la saturación en tu imagen. Lo cual podría hacer que las cosas se vean un poco por encima mientras trabajas. No obstante, tu imagen estar sobresaturada en esta etapa es realidad algo bueno porque es más fácil trabajar con imágenes saturadas. Y luego D saturar los colores necesarios después usando otras herramientas, lugar de intentar inyectar color en una imagen desaturada. Si estás trabajando con las curvas del canal, tu imagen comienza a lucir realmente brillante y vibrante. No te preocupes por eso. Y solo míralo desde el punto de vista de contraste tonal. Porque trabajar con curvas, y sobre todo si estás usando curvas de canal de color, es bastante inquieto para acelerar tu flujo de trabajo y hacer que sea más rápido aplicar tus curvas, dos imágenes diferentes. Es posible que desee guardar sus curvas como presets. Puede guardar todos los ajustes de curvas juntos al guardar preajuste de desarrollo irregular con solo el ajuste de la curva de tono comprobado aquí. O si desea guardar por separado la curva de puntos y la configuración de curvas de canal sin la curva paramétrica, puede ir al menú desplegable curva de puntos en el panel Curva de tono. Y guarde el preset de ajuste de curva separado, que luego será accesible en esta lista. Ya que es mucho más rápido ajustar la curva paramétrica y la curva de puntos. También puedes considerar guardar presets de las curvas, ajustes que solo tienen algunos cambios en las curvas de canal y mantienen sin cambios las curvas puntuales y paramétricas para que puedan ser editadas posteriormente como requerido. Las curvas son la base de tu imagen editar. Así que recuerda que existen todos estos diferentes tipos de curvas y úselas para lo que están diseñadas. Al ajustar el contraste al crear un look de túnel, recomiendo comenzar con la curva paramétrica. Entonces viendo hasta dónde puedes empujar tu imagen con la curva de puntos. Entonces, si es necesario, muévete a las curvas del canal de color para realizar cualquier ajuste de diseño al contraste o tonalidades de tu fotografía. Y después de eso, volver a la curva de puntos, seguir trabajando en los niveles de diferentes tonos. Pero dicho eso, al editar tus fotografías, no necesariamente necesitas usar todos los diferentes tipos de curvas. Realmente depende de lo que estés trabajando y del efecto que quieras crear. Construyendo sobre el contraste, profundidad y saturación de colores logrados utilizando las curvas y ajustes básicos. A continuación, echaremos un vistazo a los primeros pasos para desarrollar un look de color usando calibración. 6. Cómo hacer ajustes iniciales en el color: Para desarrollar el aspecto de color de tus fotografías, tienes a tu disposición una serie de herramientas, que incluyen HSL o mezcla de colores, clasificación de colores y calibración, así como las curvas. Si bien puedes crear algunos looks interesantes usando solo una o dos de estas herramientas al mismo tiempo. Utilizarlos de una manera combinada te dará mucha más flexibilidad a la hora de desarrollar ediciones. Y te permiten afinar los tonos y su brillo y saturación para crear looks bellamente desarrollados y emocionantes. Por ejemplo, en esta fotografía, el contraste y la profundidad de los colores provienen de la curva de tono. El aumento de la saturación a partir de los ajustes de calibración. Se realizaron ligeros cambios en la tonificación en el panel Calificación de color. Y se hizo mucho trabajo a través del panel HSL para crear una mirada profunda y dramática. Todas estas herramientas sirven propósitos ligeramente diferentes y el flujo de trabajo y parapropósitos ligeramente diferentes y el flujo de trabajo y permiten un control más preciso sobre los diferentes aspectos de la coloración. En la siguiente lección, compartiré con ustedes mis consejos para usar la gradación de color y los paneles HSL. Pero empecemos con una mirada a la calibración y exploremos su uso en la edición de fotografías. A diferencia de todas las demás herramientas que he cubierto en esta clase, panel de calibración solo está disponible en Adobe Lightroom Classic y Adobe Camera Raw, y actualmente no está disponible en el escritorio y móvil versiones de Adobe Lightroom. calibración le permite ajustar rápidamente el equilibrio de color cambiando el tono de los colores primarios y ajustando los tintes de sombras. Y controlar de manera inteligente la imagen de saturación cambiando la saturación de los componentes de color separados. Puede utilizar la calibración en cualquier momento durante el proceso. Y lo más probable es que necesites volver a visitarlo unas cuantas veces para afinar los colores. Por lo general, es una buena idea ajustar la calibración después de trabajar con las curvas para impulsar aún más la saturación de ciertos componentes de color. Y ajustar los matices en tu fotografía para subir por el camino correcto para crear tu edición deseada. Los colores primarios producidos por las cámaras digitales a menudo parecen un poco duros. Y usar la calibración para ajustar los tonos de los colores primarios es una gran manera de compensar cómo tu cámara captura e interpreta diferentes colores. La calibración de tonos se puede utilizar para crear colores de aspecto más natural o audaz, imitar los looks de las existencias de películas clásicas. O para reducir el rango de tonalidades en tu fotografía, permitiéndote crear diversos looks diferentes. Cuando empiezas a trabajar con el deslizador de tono está en el panel de calibración. Es importante recordar que afectan no sólo colores específicos, como es el caso de los deslizadores en el panel HSL. Pero la presencia de cada componente de color en todos los colores a lo largo de toda la imagen. Por ejemplo, cambiar el tono de los rojos tendrá un efecto en todos los demás colores también. Y eliminaremos cualquier rojo de pares de imagen y crea una combinación de colores más sutil y armoniosa. Lo mismo ocurre con las otras dos primarias. Y cambiarlos en diferentes combinaciones permite ajustar fácilmente todos los matices en la imagen y hacer que los colores más interesantes, agradables o dramáticos. Por ejemplo, mientras mira la vegetación en esta fotografía, si empiezo a cambiar la primaria azul hacia el acervo, se puede ver que todos los tonos verdes se vuelven más amarillos porque estoy quitando los componentes azules de la escena. Y para compensar esto, puedo desplazar los greens hacia cian para reducir la presencia de amarillo en los granos. Juntos, estos cambios me permiten crear una representación diferente y más interesante de los greens en la fotografía. El enfoque más común al usar calibración es mover el primario rojo hacia el naranja, Mover verde hacia cian. Azul hacia aqua. cual incluso con los más mínimos ajustes, hace que los rojos, los azules y los greens parezcan más suaves y orgánicos. Entonces si los matices de tu imagen no se ven muy bien para el look que quieres crear. Puedes empezar moviendo suavemente los deslizadores alrededor en estas direcciones para crear un aspecto más natural o agradable. O puedes ser un poco más experimental. Y mover la diapositiva está más lejos de 0 para cambiar drásticamente el aspecto de tu fotografía, lo cual puede ser útil si quieres crear un look más gráfico. Este enfoque es más o menos infalible porque resulta en crear un conjunto de colores gratuitos azules y anaranjados. Así que realmente no puedes equivocarte. No obstante, si quieres experimentar con ajustes de tonalidad alternativos y diferentes looks, intenta empujar el deslizador de tonalidad es al máximo en cualquier dirección y en diferentes combinaciones para ver cómo estos cambios afectan los colores de tu imagen. Cuando haya establecido lo que funciona para usted, comience a reducir el cambio tonos para crear el rango de vistas deseado. Realmente no necesitas ir todo por aquí porque incluso pequeños turnos afectarán visiblemente tu imagen. Recuerda que tus ajustes de calibración de tonalidad pueden ser solo un punto de partida para tus ediciones de color. Y no necesitas hacer todo el trabajo aquí porque puedes trabajar con tonalidades individuales después de usar el panel HSL para encontrar melodía, mira. Si lo desea, también puede descargar este gráfico de rueda de color de los recursos de clase para jugar con las diferentes combinaciones de colores y ver el efecto de los cambios de tono, y luego aplica los mismos ajustes a tu propia fotografía. Por lo que aquí, la calibración se trata mezcla de colores y aquí la reducción, lo que le permite crear más armoniosas, consideradas unas paletas de colores emocionantes en sus fotografías. También puedes experimentar con el deslizador de tinte de sombra para alterar aún más la representación del color. Para avanzar rápidamente hacia la creación de ciertos looks cinematográficos agregando más magentas o greens a tu imagen. Pero ten en cuenta que puedes ajustar aún más el tinte de sombra una manera más avanzada usando el panel Calificación de color, que veremos en la siguiente lección. Generalmente, el tinte de sombra en calibración, gradación de color y ajustes de temperatura y tinte en el panel Basic se usan mejor en combinación entre sí para ajustar el aspecto general de los colores en la fotografía antes de finalizar la mirada en el panel HSL. Aparte de ajustar la reproducción de colores, calibración es una herramienta invaluable para mejorar o reducir la saturación de los componentes de color en su fotografía. El cual por un lado te permite realzar fotografías filmadas en condiciones de iluminación deficientes y artificiales agregando color y aumentando su vitalidad y carácter. Y por otro lado, se puede utilizar para ayudar a que los colores se vean más naturales y afinar el aspecto de los tonos de piel. ajuste de la saturación en el panel de calibración es más avanzado y afecta la imagen de manera diferente en comparación con los deslizadores de vibración o saturación en el panel Basic. Porque estás trabajando con la saturación de componentes de color separados, que también es completamente diferente de ajustar la saturación de tonalidades individuales. Utilizando el panel HSL. El aumento de la saturación de los componentes de color primario mediante calibración afecta a todo el rango de señales en la imagen. Y la fuerza de su efecto depende en gran medida la cantidad de ese color primario presente en la fotografía. Impulsar la saturación de esta manera te permite aumentar suavemente la saturación general a lo largo la imagen y evitar cualquier problema con el flete de color, que podría ocurrir cuando intentas drásticamente la saturación de tonalidades específicas utilizando los ajustes HSL. En esta fotografía. Si potencio la saturación de los rojos y el blues, toda la escena se vuelve más vibrante y todos los greens pop. Pero para compensar esto y para evitar crear una mirada excesivamente ácida, voy a rechazar la saturación de la primaria verde. Después de trabajar con la saturación, voy a ajustar rápidamente los cambios de tono más para conseguir que los colores se vean justo para la edición que tengo en mente. En este caso, el cambio no es dramático, pero me ayuda a traer calidez y mayor saturación a la piel de los ciervos e intensificar los greens. Después de ajustar la curva de tono. Estoy trabajando con calibración, tu imagen podría empezar a parecer muy vibrante y excesivamente saturada. Pero de nuevo, esto es algo bueno porque puedes reducir la saturación de tonalidades individuales usando el panel HSL más adelante cuando afinar el registro y tener una mayor saturación en esta etapa permitirá tú para crear una mirada profunda y vibrante si eso es lo que buscas. En términos generales, si quieres tener una fotografía con colores ricos y profundos, lo mejor es usar calibración y curvas para intensificar primero los colores. Y luego usa la HSL para bajar la saturación de Hughes separados y afinar el look. Y llegaremos a esto más tarde en la clase. Además de usar la calibración al realizar ajustes iniciales y trabajar con ella durante todo el proceso. También puede ser útil a la hora finalizar el look de tu edición. Por ejemplo, la calibración se puede utilizar para afinar los tonos de piel. Después de desarrollar el look usando el panel HSL y la gradación de color. Al ajustar la saturación y tono de los componentes de color rojo. O una combinación de componentes de color. Puedes hacer que los tonos de piel se vean más naturales. Y trabajar en conjunto con los paneles de calibración y HSL te permite afinar el aspecto de los tonos de piel junto con todos los demás colores en tus fotografías. Así que juega con calibración lo largo del proceso para ajustar los matices y crear looks más armonizados o gráficos. Y aumentar o disminuir la saturación de los componentes de color individuales para afectar la saturación global de la imagen. La calibración es una de esas herramientas que pueden ayudarte a alterar drásticamente o afinar el aspecto de tu fotografía. Así que mientras desarrollas tus ediciones, ten en cuenta los cambios que has hecho usando el panel de calibración para entender mejor lo que está sucediendo en el color de tu imagen sabio y vuelve a ella mientras se trabaja con los paneles de gradación HSL y color. Como se mencionó anteriormente, sacarás el máximo provecho de estas herramientas al usarlas juntas. A continuación, estaremos mirando las herramientas disponibles en el Panel de Calificación de Color y cómo se pueden utilizar para ajustar aún más los colores en sus fotografías. 7. Cómo entender las herramientas de clasificación de colores: Después de trabajar con calibración, pero antes de realizar cualquier ajuste importante con el panel HSL, es una buena idea hacer alguna clasificación inicial de color y tonificación dividida. gradación de color te ayudará a equilibrar y armonizar el aspecto de diferentes colores dentro de los conjuntos. Los rangos tonales animan cualquier tono que carezca de color o saturación, tinte, calientan o enfrían toda la imagen sin cambiar el balance de blancos. Y ponte en el camino correcto por el estado de ánimo que quieres establecer. gradación de color y la tonificación dividida se pueden hacer usando el panel Calificación de color y las curvas de canal de color, que a veces es posible que necesites usar juntos para lograr un aspecto particular. Pero en esta clase, nos concentraremos en cómo se puede sacar el máximo provecho de las herramientas disponibles en el panel Calificación de color. El panel Color Grading es un desarrollo de Adobe Lightroom, herramienta de tonificación dividida más antigua. Y te permite tonificar por separado tus imágenes, reflejos, sombras y tonos medios, así como teñir la fotografía en general utilizando los ajustes globales. En el panel Color Grading, puede controlar y editar el matiz, saturación y la luminancia de cada una de las regiones tonales libres. El tono y la saturación de cada tono son bastante simples. Y controlan la intensidad y el tono del color que estás agregando a un rango tonal selecto. Por otro lado, la Luminancia controla el brillo de la región tonal real y no el brillo del color que estás agregando. Por lo que se puede utilizar para refinar aún más los niveles en diferentes tonos. Contraste entre ellos y se puede ajustar incluso si no aplicas una cola específica a la región tonal, estás trabajando en. Para afinar la forma en que se aplica la tonificación y cómo afecta a diferentes rangos tonales. Puedes usar los deslizadores de mezcla y balance. Aquí. El deslizador Fusión permite ajustar cómo se mezclan los tonos y los reflejos, tonos medios y sombras. Por defecto, el deslizador Fusión se establece en 50 por ciento. Por lo que ya estás recibiendo alguna mezcla, pero no la cantidad completa. Cuanto menor sea el valor de fusión, más aparente. Entonces será la diferencia entre los matices aplicados a tus imágenes, aplicados a tus imágenes, diferentes regiones tonales. Con valores más altos. Los Hughes se mezclarán más y tendrán un efecto más fuerte en todas las regiones tonales. El deslizador equilibrado le permite cambiar qué áreas tonales se ven afectadas por las sombras, tonos medios, y el tono de resaltado. Cuando el equilibrio se establece en 0, todos los tonos se ven afectados por sus respectivos Hughes. Mover el deslizador hacia la izquierda desplazará el equilibrio hacia la sombra aquí. Y se volverá más dominante a lo largo de la imagen. Y moverlo a la derecha hará que los aspectos más destacados que sean más dominantes. En cambio. No existen reglas duras y rápidas sobre el uso de la mezcla y el equilibrio. Pero generalmente es bueno comenzar con su configuración predeterminada y luego ajustarlos según sea necesario para conseguir que la tonificación se vea justo a través de todas las regiones tonales de la fotografía. Girar los reflejos y sombras y darles Hughes desde lados opuestos del espectro de colores es un enfoque tradicional para la tonificación dividida. Pero girar tonos medios puede permitirle desarrollar aún más el aspecto de diferentes colores e imitar ciertos looks de película fotográfica. Pero ten en cuenta que quiere que el efecto de resaltado y tonificación de sombras puede ser muy sutil. Tonificar tonos medios puede crear un efecto mucho más fuerte porque los tonos medios suelen ser la región tonal más grande en fotografías digitales con una exposición bien equilibrada. En ocasiones es una buena idea dejar tonos mediados neutrales o contarlos con un color creado entre los reflejos y la sombra Hughes, y controlado usando los ajustes de mezcla y equilibrio. La intensidad de la tonificación es controlada por la saturación del color. Y en la mayoría de los casos, para tener tonificación ligera, el valor de saturación debe establecerse bastante bajo. Si se pone demasiado inquieta para ajustar la saturación arrastrando el punto en la rueda de color. O si quieres trabajar con más precisión al ajustar los tonos y la saturación de regiones tonales seleccionadas. Puede cambiar a los controles separados de la región seleccionada y trabajar con estos controles deslizantes en su lugar. Aparte de la diferencia de interfaz, estos libres o controles para los mismos ajustes que en la vista principal. Tonificación global. Una nueva herramienta súper útil que te permite crear looks más gráficos tonificantes sin salir Lightroom y refinar el aspecto de los colores y equilibrarlos agregando el mismo tono a todos ellos. Se trata de un control separado del otro libre y se puede utilizar para teñir toda la imagen para crear un look particular. Para bajar la fotografía, o calentarla de una manera diferente. Y sin meterse con el balance de blancos. Nuevamente, el control de saturación aquí controla la intensidad del efecto de esta superposición de color sobre la imagen. Y el deslizador de luminancia afecta a la imagen real y le permite aumentar o disminuir suavemente el brillo general. Ahora que hemos analizado los aspectos técnicos del uso del panel New Color Grading. Echemos un vistazo a cómo puedes usar el panel Calificación de color dentro tu flujo de trabajo de edición para desarrollar y armonizar aún más los colores en tus fotografías. Y usa la tonificación dividida para ayudar a crear el estado de ánimo deseado. 8. Armonizar los colores: Antes de comenzar la gradación de color, debes analizar tu fotografía para ver qué le falta Hughes, qué tonalidades puedes mezclar para armonizar los colores y crear un look deseable. Normalmente, utilizarías colores opuestos al elenco original presente en tus imágenes áreas tonales. Por ejemplo, si tienes un costo desagradablemente frío en las sombras, necesitarías compensarlo agregando sombras cálidas, tonificación dividida. Siempre es una buena idea experimentar con emparejar diferentes combinaciones de tonos desde lados opuestos de la rueda de color. O para combinar sombras cálidas con reflejos fríos o viceversa. Y luego escoge visualmente una combinación que funcione mejor para el look de colores que quieras tener en tu imagen particular. Y el estado de ánimo que quieres establecer. Aparte de los aspectos técnicos de la mezcla de colores, hay que tener en cuenta la psicología del color y cómo los diferentes tonos pueden ayudar a comunicar ciertas narrativas y evocar sentimientos. Por ejemplo, la calificación de color visualmente cálida evocará sentimientos de felicidad, calidez, nostalgia o romance. Si bien se llama expiación, se puede utilizar para transmitir miedo o tristeza. Pero se trata de encontrar el equilibrio entre girar en las sombras y los reflejos y su intensidad respectiva. Por ejemplo, aplicar sutil giro azul o verde a las áreas de sombra de una fotografía que cuenta con mucha agua o plantas, puede ayudar a profundizar estos colores y desequilibrarse con cómo están los reflejos tonificado no hará que la escena parezca triste o aterradora. La gradación del color es un arte sutil, pero súper poderoso. Y tendrás que experimentar con la aplicación diferentes combinaciones de tonos a diferentes tonos hasta que los colores comiencen a parecer justo. Por ejemplo, en esta fotografía, hay un yeso ligeramente azulado en las sombras y tonos medios, lo que hace que la imagen se vea un poco fría. Incluso con todos estos colores vibrantes. La sombra aquí es fundamental para cambiar la sensación de temperatura en tu imagen y ayuda a armonizar los colores y los tonos más oscuros. Y te recomiendo comenzar con las sombras, tonificar, jugar con diferentes tonalidades, y ajustar la saturación para conseguir el color en las sombras a tu gusto. Quiero darle a mi imagen un look de resumen más cálido. Por lo que voy a dar las regiones de sombra y tonalidad naranja, que elimina el elenco de color azul, hacen que la imagen sea más agradable. Como bono resalta los colores en la piel de los ciervos. Cuando las regiones más oscuras empiezan a verse mejor, sugeriría pasar a más destacado. En esta fotografía. Los aspectos más destacados son bastante cálidos, crean una especie de perspectiva lavada. Detalles aquí carecen de contraste. Puede hacer que los reflejos sean más fríos, lo que mezclará un poco de azul en los verdes amarillentos brillantes y ayudaron a diferenciar entre los tonos verde y amarillo. Y generalmente los hacen un poco más emocionantes. Porque los cambios en el tono más destacado pueden ayudar a significar diferentes momentos del día con luz azulada más clara por la mañana y al mediodía y una luz dorada más cálida hacia la noche y el atardecer. Esta gradación de color crea la impresión de un sol a altas horas de la mañana o del mediodía. Después de conseguir los matices en las sombras y reflejos, si es necesario, se puede ajustar la luminancia de estos tonos. Hacer cambios en la luminancia de tonos separados en el panel HSL es súper fácil. Y es genial para afinar, mirar y profundidad de los tonos en tu imagen sin volver a las curvas. Por lo que definitivamente vale la pena jugar por ahí para que tu imagen se vea bien. Por ejemplo, para aumentar ligeramente el contraste tonal en esta fotografía, voy a reducir la luminancia de las sombras para hacerlas más profundas y aumentar la luminancia de los reflejos. El siguiente paso es afinar la distribución de tonos utilizando los deslizadores de mezcla y balance. En esta fotografía, seguiré mezclando establecido a 50 por ahora. Cambia un poco el equilibrio hacia las sombras. Lo más probable es que necesites modificar estos más adelante después de usar el panel HSL. Después de tonificar las sombras y reflejos, echa un vistazo a los tonos medios y si es necesario, gírelos también para afinar tu look. En esta fotografía, estoy bastante contento con los tonos medios. Que provienen de la mezcla entre las sombras y los reflejos. Entonces no voy a estar cambiando el tono. Voy a jugar con la iluminancia para ver cómo afecta a la imagen. Y tal vez levante los tonos medios para alegrarlos. Porque en esta etapa, lo más probable es que estés trabajando con una imagen brillante o excesivamente saturada. Potencialmente puede hacer que todos estos ajustes sean un poco complicados y algo contra-intuitivos. Pero hacer alguna calificación de color inicial antes desarrollar el look con el panel HSL realmente hará que sea más fácil crear el look que buscas al trabajar con el panel HSL más tarde porque los colores serán más equilibrados y armoniosos. Así que para empezar, solo asegúrate de que estás agregando los tonos correctos para el look que buscas. Luego vuelve a visitar el Panel de Calificación de Color para ajustar la configuración si es necesario mientras desarrolla el look usando el panel HSL. Si bien la calificación de color inicial realizada antes de desarrollar un look usando el panel HSL hará que sea más fácil crear un aspecto más armonioso de colores en tu fotografía. Siempre es una buena idea volver al Panel de Calificación de Color durante todo el proceso. Y después de trabajar con los ajustes HSL para refinar aún más la tonificación. Por ejemplo, los colores en esta fotografía generalmente se ven bien después de que se hayan realizado algunos ajustes con el panel HSL. Pero puedo ajustar aún más las sombras aquí y cambiarlas un poco más hacia el azul, lo que ayuda a refinar el matiz de la vegetación. Ahora la imagen se ve un poco más fría en general. Entonces para calentarlo un poco, vamos a los ajustes globales y añadamos un poquito de calidez con un tinte naranja. Al ajustar la imagen utilizando las herramientas de gradación de color, hay que ser muy sutil. Vale la pena pasar algún tiempo haciéndolo bien porque realmente puede ayudar a unir todos los colores. Aunque sea muy sutil. gradación de color te ayudará a comunicar narrativas específicas para tus fotografías. Desde un punto de vista técnico. gradación del color, y mezclar el mismo tono en diferentes colores en las mismas regiones tonales te ayudará a armonizar todos los colores y hacer que la imagen se vea más natural. Así que haz los ajustes iniciales de gradación de color antes de pasar a trabajar con el panel HSL y volver a él para ajustar y afinar el look durante todo el proceso. Y úsalo en combinación con los ajustes HSL y calibración para conseguir que los colores se vean bien. A continuación, pasemos al panel HSL y explore cómo puede usarlo para desarrollar aún más el aspecto de los colores en su fotografía. 9. Finalizar tu mirada en colores: Ya sea que quieras cambiar considerablemente la apariencia de diferentes colores en tu fotografía y crear looks gráficos fuertes. O simplemente afinar el aspecto de diferentes tonalidades, la imagen y haber considerado más una coloración armoniosa. Ajustar Hughes la saturación y luminancia separadamente entre sí utilizando el panel HSL te permite desarrollar aún más el aspecto de los diferentes colores en tu fotografía y llevarlos en la dirección que quieras. Ser capaz de ajustar la saturación de diferentes tonos independientemente unos de otros permite equilibrar los colores, desarrollar miradas gráficas emocionantes haciendo algunos matices más prominentes que otros. Y simplificar lo mismo o eliminar las distracciones no deseadas causadas por colores excesivamente dominantes. Si has seguido los consejos anteriores al llegar a esta etapa desarrollando tus fotografías usando el panel HSL, estarás lidiando con imágenes bastante saturadas y brillantes. Entonces antes de empezar a jugar por ahí con cambiar cualquier Hughes, es una buena idea ajustar la saturación de diferentes tonalidades para hacerlos parecer más naturales y trabajar con la edición general quieres crear. Los ajustes iniciales de saturación son solo el primer paso. Y lo más probable es que necesites ajustar aún más estos en conjunción con los tonos y particularmente la luminancia a lo largo del proceso. Así que para empezar, simplemente ajusta los niveles de saturación de todos los matices a tu gusto para compensar el aumento de saturación creado con otras herramientas y para salir por el buen camino para el editar que desea crear. Por lo general, y particularmente al desarrollar más looks gráficos, es una buena idea tener un nivel variable de saturación para diferentes tonalidades y hacer algunos matices más vibrantes y prominencia. Con base en materia. Lo que quieres ser el punto focal en la escena, y el estado de ánimo que quieres establecer. Por ejemplo, en esta fotografía, quiero hacer que las naranjas y los ciervos oculten los elementos más saturados. Y quiero tener verdes menos saturados en el fondo. Voy a reducir la saturación en los greens y amarillos, lo que de inmediato hace que el ciervo destaque. También voy a reducir la saturación de los azules y el acervo. Para que estas áreas parezcan más naturales. Entonces puedo impulsar aún más la saturación de las naranjas para hacer que el ciervo se esconda más vibrante. Al trabajar con los deslizadores de saturación, es una buena idea revisar cada color para ver dónde está presente en la imagen, aunque no sea evidente a primera vista. Por ejemplo, es difícil ver rojos, magentas y morados en esta fotografía. Pero eso no significa que estos puntos de vista no estén presentes. Cuando se trata de algo complicado como esto. Simplemente arrastre el respeto al deslizador al máximo en ambos sentidos y vea qué áreas se ven afectadas y basar sus ajustes en él. Y muchos casos, púrpuras y magentas podrían ser particularmente difíciles de detectar, pero lo más probable es que estén presentes en algunos elementos más pequeños son de una manera muy sutil. Comprobar su presencia de esta manera también te ayuda a aprender dónde están y ajustarlos. No terminarás con manchas aleatorias de colores. Especialmente si entonces quieres aplicar la misma configuración a una fotografía diferente o crear un preset. Si bien se cambia la saturación diferentes tonalidades, es importante recordar que la luminancia es una variable que afectará la presencia de diferentes tonalidades en la fotografía. Y se puede utilizar junto con la saturación para afinar la intensidad de los colores o para crear looks completamente diferentes, aunque todos los demás ajustes sean similares o iguales. Por ejemplo, después de reducir la saturación, ciertos matices podrían comenzar a parecer un poco demasiado ligeros o lavados. Entonces para profundizar el color y traer de vuelta la presencia de ciertos matices, como los greens en esta fotografía. Voy a reducir su luminancia, lo que hará que estos tonos sean más pronunciados. Y en este caso, también quiero oscurecer las naranjas para intensificar la coloración en el día esconderse. Y luego ajustaré la luminancia del resto de los matices para desarrollar aún más el look y ajustar el contraste entre diferentes colores en la imagen. Trabajar con la saturación y luminancia en conjunto permite afinar la profundidad e intensidad de señales específicas en su fotografía, así como recuperar algunos detalles. Y fotografía al aire libre. Esto puede ser particularmente útil si quieres tener cielos emocionantes. Para ello, necesitarás recuperar el blues y acervo reduciendo su luminancia. Y luego sintonizar bien su saturación para conseguir el look que buscas. Usando la saturación junto con la luminancia, le permite reducir el nivel de detalle en la imagen, creando un aspecto más gráfico. Esto se puede utilizar de dos maneras opuestas. Dependiendo de lo que estés trabajando. Con imágenes de alta clave y elementos de luz, se puede reducir la saturación de ciertos matices a la vez que aumenta su luminancia. Por lo que se convierten en unos elementos más neutrales dentro de la fotografía. Por ejemplo, en esta edición, decidí crear un look reducido desaturando, iluminando los greens, amarillos, y azules presentes en las plantas y el cielo. Para que la atención recaiga sobre las naranjas y rojos en la fotografía. Por otro lado, si estás editando una imagen de clave baja, puedes combinar la saturación reducida con luminosidad reducida de ciertos tonos para crear un look más intenso y moody. Por ejemplo, tener verdes oscuros y desaturados permite crear escenas ricas, de mal humor y sofisticadas donde el color verde simplemente establece el estado de ánimo y trabaja para apoyar otros colores en la fotografía. En algunos casos, al trabajar con fotografías que tengan una exposición neutra, podrás utilizar cualquiera de estos enfoques que te permitan crear looks muy diferentes. Y siempre es bueno jugar con estos ajustes y ver qué funciona mejor. Sobre todo si no estás totalmente configurado en el look que quieres crear. Cambiar la luminancia de Hughes separado te permite aumentar o disminuiraún más aumentar o disminuir el contraste tonal en tu fotografía. Al trabajar con la luminancia de los Hughes adyacentes, es importante mantener un ojo en lo que está sucediendo en tu fotografía y evitar mover los deslizadores demasiado separados ya que puede causar algunos gráficos cuestiones y ruido. Esto se debe a que se hará un área con un color percibido con píxeles de los tonos adyacentes. Por ejemplo, naranjas y amarillos, amarillos y verdes, y azules y acervo. Usualmente presento uno al lado del otro. Incluso si no puedes verlos en tu fotografía. Para evitar estos problemas, puede utilizar este widget para ajustar la saturación y luminancia en áreas específicas visualmente y al mismo tiempo que afecta una serie de tonalidades simultáneamente. Y luego afina los ajustes manualmente si es necesario. Además, al trabajar con luminancia y saturación, es necesario tener cuidado con la franja de color, que podría ocurrir al tirar los ajustes de los tonos adyacentes en la dirección opuesta y aumentar el contraste tonal y la diferencia de saturación entre ellos. Si ves algo como esto, ajusta cuidadosamente los controles deslizantes para eliminar los problemas. Cuando trabajes con saturación y luminancia, confócate en desarrollar el aspecto general de los colores de tu imagen. Y si tu fotografía presenta los mismos colores en diferentes áreas que quieres lucir diferentes entre sí. Por ejemplo, las naranjas en una escena, que también son prominentes en tonos de piel clara. No te comprometas tratando de conseguir que estas áreas se vean bien con el panel HSL. Mejor dejar algunos de estos elementos para ser ajustados posteriormente usando máscaras. La mayor parte del trabajo importante realizado en el panel HSL se realiza con la saturación y la luminancia ya que pueden cambiar drásticamente todo el aspecto de una fotografía. Por otro lado, trabajar con los matices, permite realizar ajustes adicionales, más precisos a diferentes colores en la imagen y crear un aspecto final de diferentes tonalidades. Explorar grandes turnos es un proceso visual. Y de nuevo, puedes intentar jalar cada una de las diapositivas es de ambas formas de ver a qué parte de la imagen afecta. Y luego tráelo de vuelta y encuentre su entorno deseado. Si quieres desarrollar más looks fílmicos, cinematográficos o gráficos. Recuerda, estos looks suelen tener turnos de tonalidad muy específicos y sofisticados. Y no verás un montón de colores primarios brillantes ya que vienen de la cámara digital. Además de trabajar con la saturación y luminancia para todos los matices desarrollen looks más armoniosos, equilibrados y considerados. Puedes experimentar con acercar conjuntos de tonalidades adyacentes. Puedes agruparlos de diferentes maneras dependiendo de lo que estés trabajando y del efecto que quieras lograr. Por ejemplo, puedes acercar a los rojos, naranjas y amarillos haciéndolos un poco más anaranjados . Y también acercando los greens y el blues haciéndolos más cian. Y en este caso, también se pueden desplazar ambos morados y magentas en la dirección más cálida. También puedes trabajar en pares, por ejemplo, rojos y naranjas, amarillos y verdes. Y blues, morados y magentas. Magentas y rojos, naranjas y amarillos. Verdes y acuíferos, y azules y morados. Y experimenta con diferentes turnos de tonalidad para crear el look y el conjunto de colores que te gustan. Ajustar los matices te permite aumentar o disminuir el contraste de color en tu fotografía. Si bien se separan diferentes tonalidades entre sí o aplastarlos juntos, ayuda a crear emocionantes piernas inclinadas. Es necesario tener cuidado con el ruido, el flecos de color, y evitar crear áreas sólidas con el mismo color ya que es probable que causen recortes de color y cierta pérdida de detalle. Si alguno de estos problemas ocurre, es mejor rectificarlos lo antes posible utilizando una combinación de los deslizadores de tono, luminancia y saturación. Por lo que puedes tener una edición que se puede aplicar a diferentes imágenes sin necesidad de tener muchos ajustes adicionales que se les hagan después. Recuerda que los ajustes de tono que realices en el panel HSL funcionarán junto con cualquier otro ajuste que hayas realizado usando calibración, gradación de color y las curvas de canal de color. Por lo que podría necesitar volver a visitar estos paneles en el proceso también para afinar el aspecto de los diferentes matices en su fotografía. Hsl es una herramienta muy poderosa que te ayuda a llevar tus ediciones al siguiente nivel y en muchas direcciones diferentes. Amasado en este flujo de trabajo, suele ser el paso principal final. Lo más probable es que necesites afinar el look saltando entre diferentes deslizadores HSL. Y yendo de ida y vuelta entre calibración HSL y los paneles de gradación de color para finalizar el registro. Y aparte de estos paneles, es posible que también debas ir al panel básico y reducir o aumentar globalmente la vibración, la saturación. O ajustar el ajuste de contraste global. O afina bien el look con los ajustes D Hayes o claridad. El panel HSL es forma o edición finalmente se reúne. Así que utilízala para desarrollar esquemas de color emocionantes y armoniosos reduciendo el número de diferentes tonalidades. Edita colores difíciles, elimina distracciones no deseadas y tira atención a los elementos deseados en tu fotografía. Si bien HSL y otras herramientas cubiertas anteriormente son excelentes para desarrollar el aspecto de la imagen general. Más a menudo que no, necesitarás hacer más ajustes locales a diferentes áreas, colores o tonos en la imagen para finalizar cada fotografía en particular. Al desarrollar tu look general, deberás ignorar ciertos elementos son áreas en tu imagen que podrían parecer realmente extraño o no coincidir con el ambiente general. Y luego abordó estos por separado y ajustarlos usando máscaras. Y eso es lo que estaremos mirando en la siguiente parte. 10. Cómo hacer ajustes locales: Crear grandes ediciones de imágenes es un proceso inflexible. Y al editar tus fotografías, es importante que no te conformes con una edición de imagen, que está más o menos bien. Y para que todos los elementos de tu fotografía se vean bien, necesitarás hacer ajustes locales a áreas seleccionadas usando máscaras. Lo más probable es que necesites máscaras para ajustar la exposición y los tonos en ciertas áreas para resaltar los detalles. Un encuadre el sujeto, y eliminar distracciones para ajustar el tono o saturación de los elementos en el mismo color. Y ajustar la luminancia específica o rango de color para que funcione mejor con el esquema de color general de las imágenes. Trabajar con máscaras en la última versión de Adobe Lightroom Classic y Adobe Camera Raw es ahora más fácil que nunca, gracias a varias nuevas funciones de enmascaramiento automático, lo que hace que la selección de elementos, colores y gamas tonales súper rápidas y crea nuevas posibilidades, edición y afinación de fotografías. Con todas estas potentes máscaras a tu disposición. Puedes utilizarlos para seleccionar y refinar áreas específicas de tu imagen. Entonces en esta lección, compartiré algunos consejos para usar diferentes tipos de máscaras para definir efectivamente una selección. Y varios ejemplos de ajustes que puedes realizar los cuales tendrán un poderoso impacto en tu fotografía y ayudarán a unir tus ediciones. Solo puedes usar una gama limitada de herramientas de ajuste dentro de la máscara. Por lo que es importante que saques el máximo provecho de otras herramientas de adobe Lightroom primero al editar toda la fotografía. Y luego usa máscaras para afinar áreas específicas, elementos o color particular o rango tonal dentro de tu imagen. buenas máscaras de pincel viejas, combinadas con la opción Auto Mask para definir los bordes de tus máscaras, siguen siendo la mejor manera de trabajar cuando necesitas seleccionar un área continua específica. Por ejemplo, en esta fotografía que D es cabeza y cuello son un poco demasiado oscuros en comparación con otros elementos. Voy a cepillarme rápidamente una máscara en estas áreas específicas. Y luego en general aumentar la exposición y las luces y reflejos en esta zona para hacer que el ciervo se vea más uniformemente expuesto. La nueva máscara Select Subject es genial cuando necesitas seleccionar persona en tu fotografía. Es una herramienta muy rápida de usar y te permite realizar ajustes a toda tu asignatura. Por ejemplo, puede cambiar la saturación. La exposición sacará más detalles en tan solo unos clics. Si bien está diseñado principalmente para trabajar con personas. Esta característica también puede detectar otros objetos y sujetos en su fotografía con diversos grados de precisión. La característica de seleccionar el tema puede ser súper útil en muchos casos. Pero dicho eso, si solo quieres editar partes seleccionadas de tu tema o temas, por ejemplo, los tonos de piel o la ropa. Tendrás que refinar tu máscara usando el modo Sustraer. Y luego la herramienta Pincel para eliminar áreas de la selección. Por ejemplo, así. No obstante, si tu selección automática incluye demasiados elementos que no quieres ajustar, a veces es más fácil y rápido dibujar una selección manualmente usando el pincel. Por ejemplo, aquí, solo quiero ajustar los tonos de piel para que se vean más naturales. El rostro, las manos y los brazos enmascarados. Puedo reducir la saturación en estas áreas. Y para sacar un poco más de detalle en la cara, voy a aumentar el contraste, potenciar los reflejos, recuperar un poco las sombras, y levantar los blancos. Y para hacer que el rostro sea un poco más ligero aún, voy a aumentar la exposición cada vez tan levemente. Si necesitas enmarcar mejor tu tema dentro de tu composición de imágenes, y también lo hacen cualquier área que distrae. Puede utilizar una combinación de máscaras de degradado de plástico, radial y lineal. Por ejemplo, en esta fotografía, el pájaro ya se ha aligerado usando una máscara de pincel. Pero no basta con cambiar el enfoque hacia ella. Son estas áreas las cuales están distrayendo debido a su brillo en detalle. Por lo que para cambiar la vista está enfocada hacia el ave. Puedo crear un nuevo gradiente radial. En esta materia, que quiero formar el punto focal. Y luego invierta la máscara. Por lo que se convierte en una especie de viñeta personalizada. Ahora voy a bajar los reflejos de exposición y blancos un poco para que los detalles alrededor de los bordes sean menos pronunciados. Ahora se ve mejor. Y me gusta la iluminación de este lado. Entonces para desarrollarlo aún más, voy a añadir aquí un gradiente lineal adicional y reducir aún más la exposición y oscurecer los reflejos en esta área. Estos cambios muy simples y sutiles la iluminación alrededor del marco realmente han ayudado a componer el tema de la fotografía y enfocar la atención del espectador. Cuando necesites realzar el cielo en tu fotografía, puedes usar la nueva función Seleccionar cielo, que te ahorrará mucho tiempo enmascarando manualmente elementos contra el cielo o a lo largo del horizonte. No obstante, debido a que es una máscara de área, posible que deba restar parte de la selección utilizando la máscara de degradado lineal. Si quieres aplicar los ajustes de forma gradual. Por ejemplo, así. Este enfoque inteligente te permitirá combinar lo mejor de ambos mundos a la hora de editar cielos. La máscara de rango de luminancia es una nueva y emocionante característica que hace que sea más fácil afinar el aspecto de diferentes tonos en tu imagen mientras preserva el aspecto y la coloración de otros tonos que son afectados por clasificación de color y otros ajustes. Por ejemplo, en esta fotografía, me gusta la coloración. Sería agradable, demasiado oscuro y más allá y D saturar las fotos tonos más oscuros alrededor de los troncos de los árboles, lo que hará que el ciervo destaque un poco más. El uso de la máscara de rango de luminancia facilita la selección de áreas tonales específicas. Lo bueno de esta herramienta es que puedes ser realmente preciso y refinar aún más los tonos seleccionados y la suavidad de la selección aquí. Si quieres ajustar globalmente el look de todas las áreas de tu fotografía con el mismo tono. Por ejemplo, la D saturan los negros y las sombras mientras mantienen el color fundido en tonos adyacentes igual. Entonces esta es una herramienta súper rápida de usar y te ahorrará mucho tiempo enmascarando diferentes áreas y elementos. En este caso, sin embargo, sólo quiero los troncos de árboles y algunas de las ramas incluidas en mi selección. Voy a necesitar restar unas cuantas áreas de la máscara que comparten la misma luminancia. Estos incluyen el ciervo y algo de vegetación. Ya que necesito quitarme un poco, voy a usar el pincel con mascarilla automática apagada para quitar estas áreas sin dejar nada atrás. Y luego voy a cambiar a auto mascara de nuevo y trabajar en áreas donde hay algunos bordes, por ejemplo, alrededor del ciervo. Ahora mi máscara está lista. Y voy a hacer que las áreas de sombra un poco menos distraen al hacerlas más oscuras usando el deslizador de sombras. También voy a reducir la saturación por lo que no hay color fundido en las sombras. Todo esto ayuda a enfocar al espectador en el tema de la fotografía, que es el atrevimiento. Hacer ajustes para seleccionar rangos de color en tu fotografía, usar máscaras es un toque final importante que ayuda a que todos los colores de la imagen se vean bien. Y puede ser útil cuando se necesita alterar los colores en áreas o elementos específicos. Por ejemplo, en productos o fotografía de alimentos, o para refinar localmente los colores en áreas específicas de tu fotografía. De manera similar al rango de luminancia, puedes seleccionar y enmascarar un rango de color específico en tu fotografía. Por ejemplo, para crear una coloración más agradable y consistente del agua en esta fotografía, voy a usar la Máscara de Rango de Colores y seleccionar este color aquí. Entonces voy a refinar rápidamente el rango de color usando este deslizador para reducir el rango de color incluido en la máscara. Hay, sin embargo, algunas áreas que no quiero incluir en la selección. Voy a restarlos usando el pincel. Porque quiero que el agua se vea más fría y clara. Voy a ajustarlo cambiando la temperatura. En este caso, basta con crear el look deseado. Pero también puedes usar una combinación de cambio de tono, blanco, equilibrio y saturación para ajustar los colores o cualquiera de las otras herramientas básicas para obtener el aspecto que te guste. Ahora el color del Agua del Támesis se ve mucho mejor. Cuando estás editando tus fotografías. No aguantes todos los ajustes que afectan a toda la imagen y usa máscaras para afinar diferentes áreas y realzar el aspecto general de tu fotografía. Y eso es todo por mis consejos para usar una gama de herramientas de edición de color. Por supuesto, la edición no se detiene con estas herramientas. Y lo más probable es que necesites usar algunas otras herramientas para finalizar tus ediciones. Por ejemplo, efecto de grano, afilar y corrección de lentes. Pero es una historia diferente. Así que vamos a terminar esta clase con algunos pensamientos finales. 11. Reflexiones finales y conclusión: En esta clase, compartí mi flujo de trabajo de edición y haciendo ajustes en el orden en el que creo que estas herramientas se aplican mejor para permitirte construir uno encima del otro y crear fácilmente variadas ediciones. Pero al crear tus ediciones de color, lo más probable es que necesites saltar entre estas diferentes herramientas y paneles para afinar tu mirada. No te sientas restringido a trabajar con estas herramientas en el orden prescrito de los flujos de trabajo. Pero entender cómo cada una de estas herramientas afecta la edición de imagen y su papel en el proceso de edición. Empezar tu edición de imagen desde cero es una gran manera de crear un nuevo look fresco o dos experimentos con la edición de imágenes. Pero usando presets guardados en el camino, que captan todos los peajes aplicados o aspectos separados de una imagen. Editar es una gran manera de acelerar tu flujo de trabajo y experimentar con aplicar presets diferentes, a veces inesperados a las fotografías que normalmente no pensarías en editar de cierta manera en el primer lugar. Esto te ayudará a salir de tu zona de confort. Potencialmente tropezar con algunos nuevos estilos de edición en el proceso. Y también construye nuevos looks alterando las ediciones creadas por tus presets para desarrollar presets aún más diferentes que puedes usar en el futuro. Sheriff su equipo, o incluso vendedores de productos digitales. Para tu proyecto de clase experimenta con la edición tus fotografías utilizando el flujo de trabajo completo cubierto en esta clase. O implementa cualquiera de los consejos y técnicas para mejorar tu flujo de trabajo personal y ediciones fotográficas. Fotografías posteriores, incluyendo sus estados antes y después en tu proyecto de clase, y comparte qué herramientas has utilizado para mejorar tus imágenes. También siéntete libre de usar el tablero de discusión para compartir tus consejos favoritos, trucos. Herramientas de Adobe Lightroom, que has aprendido en esta clase, o usa tu auto al editar tus fotografías. Cuando se trabaja en sus proyectos de clase, o en general practicando la edición. Recomiendo encarecidamente experimentar con la creación de diferentes ediciones, utilizando fotografías de diferentes géneros y con colores específicos. Y luego aplicando los mismos ajustes a otros tipos de fotografías para ver cómo funciona la edición con ellas. Y luego ajustando los ajustes para desarrollar looks más diferentes. Por ejemplo, después de desarrollar el tratamiento general del color, puede explorar aún más la creación looks alternativos basados en los mismos ajustes de color. Al volver al panel básico y ajustar los controles deslizantes de tono, ajustes de contraste y dehaze. Estoy haciendo ajustes a las curvas puntuales y paramétricas para crear ediciones alternativas de clave alta , clave baja o neutra. Entonces eso es todo para esta clase. Realmente espero que te ayude a mejorar tus ediciones fotográficas y subir de nivel tu flujo de trabajo de edición. Y no puedo esperar a ver sus fotografías en la pestaña de proyectos y recursos para esta clase. Si has encontrado esta clase útil, por favor deja una opinión y no dudes en seguirnos en Skillshare para ser el primero en enterarte nuestras nuevas clases, actualizaciones y anuncios. Si te gusta la fotografía en blanco y negro, asegúrate de revisar mi clase. Fotografía en blanco y negro, utilizando filtros de color para mejorar tu película e imágenes digitales. Para aprender mis consejos para crear emocionante edición en blanco y negro en Adobe Lightroom, Classic, Adobe Camera Raw. Para Adobe Photoshop. Si generalmente te interesa la fotografía, no dudes en echar un vistazo a mi nuevo blog, que exploro la fotografía es historia tecnológica y antropológica y su papel en el mundo moderno. Gracias por acompañarme en esta clase, y espero verte en nuestras otras clases.