El diseño gráfico es el arte de combinar imágenes, texto e ideas para crear trabajos que capten la atención del espectador para comunicar un mensaje específico. Dado que los diseñadores gráficos siempre se esfuerzan por conseguir esto, han ideado una serie de consejos y técnicas para mantener su trabajo organizado y efectivo.

La mejor manera de entender los elementos del diseño es como los bloques de construcción de cualquier proyecto. Incluso el portafolio de diseño gráfico más complejo puede desglosarse en elementos fundamentales como líneas, formas y fuentes. Por otro lado, los principios del diseño (a veces denominados “los principios del arte”) son reglas que ayudan a definir y regular la forma en que esos elementos interactúan entre sí, con su contexto y con su público. Aunque tanto los elementos como los principios del diseño son conceptos importantes que hay que conocer, este artículo se centra en los elementos del diseño, que se consideran las características más básicas de cualquier proyecto de diseño gráfico.

Imagen a través de Temi Coker
Imagen a través de Temi Coker

Los siete elementos básicos del diseño gráfico son la línea, la forma, el color, la textura, la fuente, el espacio y la imagen. Cada uno tiene sus propias fortalezas y debilidades. Domina estos elementos básicos y llevarás tu portafolio de diseño gráfico al siguiente nivel.

Actualiza tus habilidades de diseño

Únete al ilustrador Dylan Mierzwinski para subir de nivel en tu juego artístico: los elementos y principios del diseño, un curso intensivo sobre los fundamentos del diseño perfecto para los artistas en formación.

Línea

Las líneas son siempre algo más que puntos encadenados. Dependiendo de su forma, peso, longitud y contexto, las líneas pueden ayudar a organizar la información, definir formas, implicar movimiento y transmitir emociones.

Cuando se trata de seleccionar las líneas adecuadas para los proyectos, los diseñadores tienen muchas opciones. Las líneas pueden:

  • …ser horizontales, verticales o diagonales.
  • …ser rectas, curvas o de forma libre.
  • …zigzaguear o crear otros patrones.
  • …ser sólidas, discontinuas o implícitas.

Las líneas invisibles que se encuentran en las cuadrículas de los diseños impresos actúan como guías, ofreciendo a los proyectos más estructura y dirección. Por su parte, las líneas visibles con peso y forma pueden utilizarse para comunicar una variedad de mensajes y estados de ánimo en el trabajo final de un diseñador.

Piensa en los tipos de líneas que ves en tu vida cotidiana y recuerda los tipos de mensajes que te transmiten. Dependiendo de su contexto, las líneas oscuras más gruesas pueden comunicar estabilidad o subrayar una amenaza. Las líneas garabateadas pueden sugerir emoción, confusión o desorden. Las líneas en zigzag pueden expresar electricidad o ira, mientras que las líneas onduladas pueden sugerir fragilidad, elegancia, incertidumbre o belleza.

Dado que incluso las líneas más sencillas son capaces de transmitir tanto, los diseñadores siempre deben considerar cuidadosamente cómo y cuándo utilizarlas para proporcionar el máximo impacto.

Del Staff Pick de Skillshare de Dylan Mierzwinski, Subir de nivel en tu juego artístico: los elementos y principios del diseño
Del Staff Pick de Skillshare de Dylan Mierzwinski, Subir de nivel en tu juego artístico: los elementos y principios del diseño

Forma

En el diseño gráfico, las formas se entienden mejor como áreas, formas o figuras contenidas por un límite o contorno cerrado. Hay dos tipos de formas que todo diseñador gráfico debe entender: las geométricas y las orgánicas (o “de flujo libre”).

Las formas geométricas pueden ser bidimensionales o tridimensionales. Se crean a partir de un conjunto de puntos que se conectan mediante líneas rectas o curvas y suelen ser abstractas y simplistas. Las formas geométricas pueden incluir triángulos, pirámides, cuadrados, cubos, rectángulos, pentágonos, hexágonos, octágonos, decágonos, círculos, elipses y esferas.

Las formas orgánicas son mucho menos uniformes, proporcionales y bien definidas. Pueden ser simétricas o asimétricas. Pueden incluir formas naturales, como hojas, cristales y enredaderas, o formas abstractas, como manchas y garabatos.

La gente suele equiparar los bordes redondeados y los anillos con la positividad, la comunidad, el amor, la amistad y la armonía. Los cuadrados y rectángulos pueden sugerir equilibrio, fiabilidad y fuerza. Y los triángulos tienen asociaciones culturales con la ciencia, la religión, la historia, la civilización y el poder. Si eliges un determinado conjunto de formas, puedes transmitir estabilidad, fiabilidad y organización. Si eliges otras, comunicas caos, creación y diversión.

Según la psicología de la Gestalt, -una teoría del diseño vigente-, el público entiende los diseños viéndolos como un todo y no como sus partes individuales. Elige formas interesantes y apropiadas, y estarás en camino de ofrecer a los espectadores un diseño visualmente más agradable y que mantenga la atención.

Color

El color puede ser una herramienta útil para comunicar un estado de ánimo o provocar una respuesta emocional en el espectador. La teoría del color y la rueda del color proporcionan una guía práctica para los diseñadores gráficos que desean seleccionar un solo color o combinar varios colores de forma armoniosa -o intencionadamente discordante.

En el diseño gráfico, algunos colores se agrupan en categorías particulares.

  • Los colores primarios (rojo, amarillo y azul) se definen como los colores de pigmento puro a partir de los cuales se fabrican todos los demás. No se puede mezclar ningún otro color para obtener el rojo, el amarillo o el azul. Pero si se mezclan, se crean todo tipo de tonos.
  • Los colores secundarios (violeta, verde y naranja) son el resultado inmediato de la mezcla de dos colores primarios: el rojo y el amarillo crean el naranja; el azul y el rojo crean el violeta; y el amarillo y el azul crean el verde.
  • Los colores terciarios (rojo-naranja, amarillo-naranja, amarillo-verde, azul-verde, azul-violeta y rojo-violeta) son los seis colores que resultan de la mezcla de un color primario y un color secundario.

Las armonías de color se crean cuando se eligen dos o más colores a partir de sus posiciones en la rueda de colores.

  • Los colores complementarios se sitúan uno frente al otro en la rueda de colores.  Son muy contrastados y pueden expresar vitalidad y energía o ser visualmente discordantes, dependiendo de cómo se utilicen. El rojo y el verde son colores complementarios.
  • Los esquemas de colores análogos utilizan colores que se encuentran uno al lado del otro en la rueda de colores. Son visualmente agradables y pueden crear una sensación de armonía y calma en un diseño. Sin embargo, también pueden parecer aburridos si se utilizan de forma incorrecta, o si no tienen otros elementos de contraste que los dinamicen.
  • Los esquemas de color de la tríada utilizan colores que están espaciados uniformemente alrededor de la rueda de color. Son muy vibrantes y requieren equilibrio para ser visualmente agradables.
  • Los esquemas de colores complementarios divididos utilizan un color base y los dos colores adyacentes a su color complementario. Proporcionan un gran contraste visual sin ser discordantes, por lo que muchos diseñadores los prefieren.
  • Los esquemas de color rectangulares o tetraédricos utilizan dos conjuntos de colores complementarios. Al contar con cuatro colores, los esquemas tetrádicos ofrecen a los diseñadores un sinfín de variedades y resultados posibles.
  • Los esquemas de color cuadrados presentan cuatro colores que crean la forma de un cuadrado en la rueda de color. También presentan muchos resultados de diseño posibles, pero siempre deben ser equilibrados cuando se utilizan.

Mientras consideras tus esquemas de color, es posible que también quieras decidir qué tinte y tono son apropiados para tu proyecto. Los colores pastel pueden parecer tranquilos o poco confiados, mientras que los tonos brillantes pueden transmitir diversión y felicidad, o parecer baratos en un contexto equivocado. Los tonos más oscuros denotan seriedad y profesionalidad, pero también pueden parecer sombríos o aburridos si no se tiene cuidado.

Según los expertos, los seres humanos tienen diferentes respuestas psicológicas al color en función del contexto cultural. Es importante conocer las asociaciones de color de tu público y aprovecharlas o evitarlas, según los objetivos de tu proyecto.

Cómo usar la teoría del color

Aprende a despertar ciertos sentimientos y respuestas en tus espectadores con el curso de Skillshare Original de Introducción al diseño gráfico del diseñador Dominic Flask: expresando emociones con la teoría del color.

Textura

La textura es la sensación de una superficie: afelpada, lisa, áspera, suave, pegajosa o brillante. La mayoría de los diseñadores gráficos deben transmitir visualmente la textura mediante ilusiones para sugerir cómo se sentiría su trabajo si los espectadores pudieran tocarlo. Dominar la textura es una parte importante para que los diseños parezcan pulidos y profesionales.

Hay diferentes maneras de experimentar con la textura en tu trabajo de diseño. Si te inspira en la naturaleza, puedes trabajar con texturas orgánicas, inspirándote en las hojas, la corteza de los árboles, las piedras, la piel, las flores, la hierba y la tierra. 

También puedes crear un patrón abstracto repitiendo uniformemente elementos bidimensionales, y luego utilizar ese patrón para crear fondos con textura. Considera la posibilidad de trabajar con tipografía texturizada para aportar un interés visual adicional.

Si te interesa la fotografía, también puedes aprender a incorporar imágenes a tu fondo que formen capas en tu trabajo. Para conseguir un mayor contraste de texturas, ajusta los niveles de saturación de color y transparencia de tu foto y comprueba cómo afecta al ambiente de tu diseño.

Fuente

Ya sea para elegir un tipo de letra o para crear tu propia tipografía para un proyecto de diseño gráfico, es importante asegurarte de que el tipo que utilizas es legible y apropiado para tu tema. La fuente influye en el ambiente general de un diseño, por lo que hay que tener en cuenta si las letras deben ser de imprenta o de molde, y si deben tener ángulos agudos o redondeados.

El peso de tu lettering también es una parte importante del diseño. Normalmente, las letras grandes o gruesas transmiten que las palabras que transmiten son importantes. Sin embargo, si no se tiene cuidado, también pueden parecer pesadas o romper el equilibrio del diseño. Las letras finas pueden connotar elegancia o modernidad, pero también pueden parecer frágiles. Si no puedes decidirte por una fuente o tamaño de letra, puedes incorporar más de una en el diseño final de tu logotipo. Pero, como regla general, no excedas de tres en un mismo proyecto.

Familiarizarse con el diseño tipográfico

Un gran primer curso para principiantes o un perfecto repaso para los diseñadores más avanzados.

Espacio

El espacio es una parte vital de las herramientas de cualquier diseñador. Puede dar al diseño un respiro, aumentar su impacto visual, equilibrar los elementos visuales más pesados y enfatizar las imágenes o los mensajes que los espectadores deben recordar. Sin el espacio suficiente, un diseño puede correr el riesgo de resultar demasiado recargado visualmente para que su público lo entienda.

El espaciado puede separar objetos o unirlos. Un espaciado estrecho entre elementos visuales transmite que tienen una fuerte relación, mientras que un espacio más amplio comunica que están menos relacionados. Cuando rodeas un elemento visual con espacio, se está enfatizando su importancia, pero el espacio también puede sugerir soledad y aislamiento.

El espacio positivo es el que ocupan los elementos visuales en los que el diseñador quiere que se centre el público. El espacio negativo se refiere a todo lo demás, incluido el fondo. Muchos diseñadores cometen el error de centrarse solo en la creación de un espacio positivo, pero un espacio negativo organizado es igual de esencial para una composición cohesiva y visualmente interesante. Si prestas atención a la forma en que el espacio negativo afecta a tu diseño, podrías elevar tu proyecto de aficionado a profesional.

Imagen

Ya sea que los diseñadores gráficos utilicen fotografías o ilustraciones, confían en las imágenes para captar la atención del público y expresar mensajes específicos. Una imagen funciona en varios niveles simultáneamente: proporciona un contexto para la comunicación del diseñador, añade el dramatismo o la acción necesarios y crea un ambiente general.

A la hora de incorporar imágenes a tu trabajo, es vital encontrar una imagen que cuente la historia adecuada y maximice el interés visual. Podrías elegir una imagen con muchos contrastes de colores y texturas, que ofrezca a los espectadores un festín visual para mantener el interés del público. O podrías destacar una parte concreta de una imagen para transmitir el lugar en el que se centra la mayor parte de su atención.

Las imágenes son quizás las herramientas visuales más impactantes de la comunicación. Si utilizas su poder a tu favor, tu trabajo transmitirá más de lo que creías posible.

Mezclar imágenes y diseño

El reconocido artista digital Temi Coker guía a los estudiantes a través del proceso de mezcla de fotografías y arte digital para obtener resultados atrevidos

Conclusión

Puedes utilizar elementos de diseño en cualquier forma o diseño que requiera texto, imágenes e ideas para expresar algo único, desde afiches y vallas publicitarias hasta folletos y envases. Aprende a elegir y utilizar cada concepto con sabiduría y estarás en camino de crear diseños gráficos frescos, comunicativos y visualmente atractivos.

Written By

Dacey Orr Sivewright

  • Click here to share on Twitter
  • Click here to share on Facebook
  • Click here to share on LinkedIn
  • Click here to share on Pinterest