Zeichnen für Storyboards

1. Einführung: Hallo, da. Willkommen in der Klasse. Ich bin so froh, dass Sie sich angemeldet haben und ich bin wirklich aufgeregt, dass wir diese Reise gemeinsam unternehmen werden, um Zeichnen für Animationen und Storyboards zu erkunden. In diesem Einführungsvideo werde ich erklären, wie die Klasse so ausgelegt ist, dass Sie wissen, was zu erwarten ist. Ich werde Ihnen auch einige Hinweise geben, wie Sie das Beste daraus machen können. In den ersten Videos werde ich ein wenig über das Zeichnen auf Papier sprechen. Viele Studenten in meinen anderen Kursen zeichnen auf Papier, nicht in einem digitalen Format. Ich wollte wirklich die Gelegenheit hier nutzen, um einige Tipps und Tricks zu teilen , die Ihnen bei Ihrem Zeichnungsprozess helfen könnten, besonders beim Storyboarding. Ich wollte auch erklären, wie Sie Ihre Zeichnung in Photoshop importieren wenn Sie Ihre handgezeichnete Kunst nehmen und dann in einem digitalen Format daran arbeiten möchten. Dann befindet sich der Rest der Klasse in drei Hauptabschnitten: Zeichen, Hintergründe und Zeichnungssequenzen. Wenn es darum geht, Charaktere zu zeichnen, werde ich Ihnen die Kurzschrift und die Zeichnungskonventionen zeigen, die der Animationsbranche am häufigsten verwendet werden. Ich zeige dir, wie du deine Charaktere posieren kannst und wie du Emotion und starke Charakterausdrücke zeichnen kannst. Du musst kein Charakterdesigner sein, aber du wirst in der Lage sein, jeden Charakter zu nehmen, der dir gegeben wird, und ihn in einer Vielzahl von Posen neu zu zeichnen. Dann werde ich Ihnen im Abschnitt über Hintergründe zeigen, wie Sie eine Szene schnell und einfach visualisieren können. Ich werde Ihnen auch einen Storyboard-Künstler Überblick über die Perspektive geben. Welche Perspektive ist, wann Sie es in Ihrer Arbeit verwenden und auch warum. Im letzten Abschnitt werden wir uns dann ansehen, wie alle diese Zeichnungstechniken zusammengesetzt werden, wenn wir Sequenzen für Storyboard zeichnen. Das bedeutet, welche Aufnahmen und Winkel Sie verwenden können, welche Storyboard-Muster sind und wann Sie sie verwenden können. Dann schließlich Möglichkeiten, wie Sie die visuelle Sprache des Films verstehen können , so dass Sie Ihren eigenen einzigartigen Stil für die Visualisierung von Geschichten, für Filmen und für Animationen entwickeln können. Während der gesamten Klasse gibt es Aufgaben, die Sie tun können. Sie erhalten, um ein Zeichen posiertes Blatt zu zeichnen, sowie Hintergründe zu zeichnen, und am Ende wird es ein großes Klassenprojekt geben. Ich gebe dir das, was man ein Spaßpaket nennt, und ein Drehbuch. Wenn Sie in einem Animationsstudio in einer TV-Show arbeiten, würden Sie dies wahrscheinlich erhalten. Ein lustiges Paket enthält Charakterdesigns sowie Layouts. Ich gebe Ihnen auch ein einseitiges Skript, das Sie bekommen , um Ihr eigenes Storyboard von Grund auf neu zu zeichnen. Es gibt eine Menge zu decken. Ich bin wirklich aufgeregt, dass du hier bist. Ich denke, diese Klasse wird eine hervorragende Ergänzung zu Ihrem bestehenden visuellen und kreativen Fähigkeiten sein. Dies öffnet Ihnen Türen, um Ihre Arbeit und sogar Ihren Karriereweg voranzutreiben. Danke, dass du mich auf dieser Zeichenreise begleitet hast. Lasst uns eintauchen. 2. Zeichnen auf Papier: Ein sehr großer Teil der Schüler in meinen beiden Storyboard-Kursen macht tatsächlich ihre Arbeit auf Papier. Ich wollte Sie ermutigen, dass, wenn Sie keine Software oder Ausrüstung haben, um digital zu zeichnen, Sie immer noch Storyboards mit Bleistift und Papier erstellen können. Für Materialien können Sie alles verwenden, was Sie wirklich mögen. Die Grundlagen wären einfaches altes Papier in Ihrem Skizzenbuch und einige Bleistifte. Aber Sie können sogar einen Stift oder einen Marker oder einen Kohlestab, Kohlestift verwenden, wenn das für Sie funktioniert. Ich habe einen gekneteten Radiergummi. Aber wenn Sie einen normalen, regelmäßigen Radiergummi haben , dann ist das auch in Ordnung. Ich wollte mit Ihnen einen Tipp zum Zeichnen von Hand teilen, wenn Sie Storyboards zeichnen. Insbesondere, das heißt, anstatt in Ihrem Skizzenbuch zu arbeiten, können Sie nur einen Stapel Patronenpapier oder Druckpapier verwenden. Das ist Papier von unserem Heimdrucker. Es ist Standardgröße, Standardgewicht. Die Sache daran ist, dass Sie viele und viele Blätter Papier verwenden können und Sie nicht in teuren Skizzenbuch Papier arbeiten. Nun, offensichtlich ist die Sache beim digitalen Zeichnen, dass Sie viel Spielraum haben, um Ihre Zeichnung zu ändern , zu löschen oder sogar zu wiederholen. Sie haben diese Option nicht wirklich mit Bleistift und Papier. Mein Rat ist, Ihre groben Konstruktionslinien sehr leicht zu skizzieren oder Ihre groben Skizzen separat zu zeichnen und sie dann mit präziseren Details neu zu zeichnen. Ich denke, der Schlüssel ist, so viel wie möglich leicht zu arbeiten. Sie können mit Ihren Konstruktionslinien beginnen. Ich weiß nicht mal, ob du das überhaupt sehen kannst, extrem leicht. Verstehen Sie, wohin Sie gehen, was Sie mit Ihrer Zeichnung tun werden. Dann können Sie zurückkommen und eine definiertere Zeile einfügen. Was wir früher früher in der Animationsschule gemacht haben, als ich Animation studierte, ist,dass wir, wenn wir auf Papier zeichnen müssten als ich Animation studierte, ist, , entweder einen blauen oder roten Bleistift für die erste Skizze verwenden, und dann würden wir gehen darüber mit einem Bleistift. Die Marke, die wir damals benutzten, hieß Col-Erase Pencils. Sie hatten einen Radiergummi auf der Spitze und man konnte sie in verschiedenen Farben bekommen. Ich bin mir nicht ganz sicher, ich bin mir nicht 100 Prozent sicher, warum wir Buntstifte verwenden, aber ich könnte mich hier irren, ich denke, es hat damit in den alten Tagen der handgezeichneten Animation zu tun, sie haben oft Zeichnungen kopiert. Ich denke, wenn Sie mit einem blauen Bleistift zeichnen, die Linien nicht kopiert, wenn Sie sie kopieren. Ich bin mir nicht hundertprozentig sicher. Zitieren Sie mich nicht, aber ich glaube, da kam die Idee her. Was Sie tun, ist sagen wir, wir zeichnen ein Storyboard-Panel und wir haben einige Panels genau so. Ich habe keinen Col-Erase Bleistift, ich habe gerade diesen roten Bleistift, aber es ist das gleiche Prinzip. Ich werde schnell in meiner Komposition skizzieren, sehen, was ich in diesem Rahmen will. Ich mache die Standardsache, die ich immer tue. Schau, hier ist eine Landschaft mit einem Baum. Es wird nicht sehr interessant sein, aber ich will nur, dass du die Idee bekommst. Dann sag, vielleicht haben wir eine Nahaufnahme des Cowboys vom vorherigen Storyboardkurs, haben seine Nahaufnahme dort bekommen. Vielleicht schaut er sich die Waffe in seinen Händen an. Wir haben hier eine extreme Nahaufnahme von seiner Waffe. Was sehen wir dann im letzten? Vielleicht gehen wir einfach zurück in die Landschaft. Das habe ich mir komplett ausgedacht. Das hat nichts mit irgendetwas zu tun, aber ich zeige Ihnen das nur, damit Sie sehen können, wie Sie mit einem Farbstift arbeiten und es dann übergehen können . Ich werde nehmen, das ist nur ein nach B Bleistift. Aber sagen wir, ich habe in diesen Zeichnungen herausgearbeitet, was ich will. Ich werde sagen: „Jetzt kann ich nur eine Zeile aussuchen und sehr sauber, sehr sorgfältig gearbeitet.“ Wir haben Hügel im Hintergrund. Es ist eine sehr schöne Art zu arbeiten. Sie haben eine Anleitung unten in einer anderen Farbe. Selbst wenn Sie dunkel genug mit Ihrer Linienarbeit zeichnen, könnten Sie wahrscheinlich zurückkommen und die roten Linien löschen. Ziemlich viel. Ich würde nicht die ganzen vier Panels machen. Das ist nur, um dir eine Idee zu geben, vielleicht ist da ein Stein vorne. Das ist auch eine dieser westlichen Art Ding Felsformationen. Mein letzter Tipp für das Zeichnen auf Papier ist ein bisschen seltsam, aber es ist gut zu wissen, denn in der Animation ist das, was man so ziemlich die ganze Zeit macht, Dinge immer wieder neu zu zeichnen. Wir alle wissen, dass das der Prozess für Animation ist, für Storyboarding sowieso. Möglicherweise müssen Sie einen Hintergrund neu zeichnen. Sicherlich werden Sie die ganze Zeit Zeichen in Panels neu zeichnen. Wenn wir in einem Studio wären und Sie auf Papier zeichnen, dann würden Sie eine Lichtbox verwenden. Sie würden Ihre Zeichnung auf die Lichtbox legen, die Lichtbox einschalten und ein weiteres Blatt Papier darauf legen. Dann könnten Sie Ihre Zeichnung nachvollziehen und sie für das nächste Panel ändern oder weitere Zeichen hinzufügen, was auch immer der Fall sein mag. Da wir nicht in einem Studio sind, wenn Sie Ihre Linienarbeit verfolgen wollen, dann schlage ich vor, dass Sie diesen sehr seltsamen Tipp verwenden. Lassen Sie mich zunächst eine Zeichnung machen. Für die Zwecke dieser Übung werde ich einfach dieses Panel hier des Cowboys neu zeichnen. Ich habe gerade das Video beschleunigen, damit ich es durchkommen und Ihnen den Prozess zeigen kann , wenn ich diesen Charakter neu zeichnen oder ihn verfolgen wollte. Ich mache schnell so gut wie möglich eine Skizze. Dies ist übrigens auch ein sehr guter Prozess wenn Sie Ihre grobe Zeichnung verfolgen möchten. Ich habe meine Zeichnung. Ich werde es zu einem Fenster nehmen, es glauben oder nicht, und kleben Sie es einfach auf das Fenster oder verwenden, was ich dort benutze, das heißt, drücken Sie Tick und kleben Sie einfach ein sauberes Blatt Papier darüber. Wenn ich mich vergrößere, können Sie tatsächlich sehen, wie klar das unter der Zeichnung auf Ihr Blatt Papier hindurchstrahlt . Wirklich, es ist nur eine Frage, der Linienarbeit zu folgen und Ihre Zeichnung zu verfolgen. Nun, es ist nicht die einfachste Methode der Welt, weil du aufstehst und auf das Fenster zeichnen musst . Es kann ein bisschen anstrengend sein. Es ist offensichtlich nicht ideal, aber es ist ein wirklich guter Hack, wenn Sie zu Hause sind. Wenn Sie Ihre Zeichnungen bereinigen oder weitere Details zu einer vorhandenen Zeichnung hinzufügen oder eine Zeichnung kopieren müssen , dann ist dies nur eine wirklich gute Problemumgehung, wenn Sie keine Lichtbox haben. Ich versuche, meine Linienarbeit super sauber und knackig zu halten und nicht rau zu zeichnen. Das ist die Schönheit dieser Art des Zeichnens. Eigentlich ist das Zeichnen auf Glasscheibe sehr schöne Oberfläche für schöne, klare Linien eigentlich zu arbeiten. Naja, für mich jedenfalls wird meine zweite Zeichnung nie genau wie die erste sein. Ich neige immer dazu, die Linien zu verpassen. Aber du verstehst sowieso die Idee. Das ist so ziemlich es. Wenn ich diese Zeichnung abnehme und sie nebeneinander vergleiche, wirst du sehen können, wie effektiv das ist. Es hat wirklich nur ein paar Minuten gedauert. Das sind meine Tipps, um Storyboards auf Papier zu zeichnen. Nun, einige von Ihnen bevorzugen es, Ihre Zeichnungen auf Papier zu erstellen und sie dann in den Computer zu scannen, damit Sie sie mit Farbe bearbeiten können. Färben Sie Ihr Kunstwerk in einem Programm wie Photoshop. 3. Zeichnen auf Paper Demo: Dies ist wirklich nur ein schnelles Prozessvideo zum Zeichnen von Charakteren. Ich wollte dir nur zeigen, wie du es nähern kannst, wenn du auf Papier zeichnest. Später im Kurs werde ich viel detaillierter über die richtige Herangehensweise an Charakterdesign gehen, wie man Ihre Charaktere konstruiert, wie man mit grundlegenden Formen arbeitet. Wenn du in diesem Video zusammen mit mir arbeiten willst, geh vielleicht und überprüfe diese Grundlagen, diese Prinzipien zuerst und komm dann zurück. Aber ich wollte etwas haben, eine Art Zeichnung auf Papier, mit der ich Ihnen zeigen könnte , wie Sie Ihre Arbeit scannen und wie Sie Ihr Kunstwerk aus Papier in ein digitales Format vorbereiten können. Ich werde eine kurze Skizze eines Piraten-Charakters machen. Ich habe an einer Aufstellung von Piraten-Charakteren für mein Skript gearbeitet. Ich skizziere sehr leicht, sehr gestisch, sehr, sehr locker und rau. Er hat seine Hände an den Hüften. Lassen Sie mich sehen. Ich könnte auch eine andere machen, vielleicht eine kontrastierende Charakterform. Ich benutze einen sehr leichten Sepia-Farbstift also werde ich diese groben Zeichnungen als nächstes mit meinem Bleistift durchgehen. Aber das ist nur eine sehr grobe Art, meine ersten Ideen zu skizzieren. Lassen Sie mich noch einen machen. Der Captain Kerl. Ich habe diesen Charakter immer und immer wieder gemacht, so dass Sie vielleicht völlig gelangweilt sein , mich zeichnen diese Piratenfigur, aber es ist nur so, dass es eine einfache für mich zu zeichnen. Ich denke, deshalb wende ich mich oft darauf zurück. Jetzt, da ich eine extrem grobe Zeichnung auf meiner Seite habe, werde ich zu meinem Bleistift wechseln und anfangen, ihn wieder zu zeichnen. Offensichtlich gibt es nicht eine ganze Menge Details für mich, an der ich arbeiten kann, aber zumindest in meinem Kopf habe ich einen Führer aufgestellt. Ich habe einige grundlegende Formen niedergelegt, denen ich folgen werde. Ich benutze nur meinen Bleistift, um das neu zu zeichnen. Ich erfinde es tatsächlich mehr oder weniger während ich gehe, aber ich habe das Gefühl, ich habe eine Grundlage, auf der ich arbeiten kann. Wie gesagt, ich werde Sie später durch einen viel detaillierteren Prozess sprechen. Wenn Sie das Gefühl haben, dass hier einige Schritte fehlen, tragen Sie einfach mit mir und wir werden später im Charakterdesign-Video dazu kommen. Wie Sie sehen können, flügele ich es nur ein bisschen und erfinde es. Aber ich wollte darauf hinweisen, dass ich, wenn ich mit Bleistift auf Papier arbeite, versuche, meine Linienarbeit ein wenig zu variieren. Ich werde ein wenig leicht in einigen Bereichen ziehen und dann ein wenig definierter und schwerer in anderen Bereichen. Dies ist eine gute Praxis, weil es Ihre Linie ein wenig abwechslungsreich macht, und es hilft Ihnen, gute saubere Linienarbeit zu üben. Es hilft Ihnen, Vertrauen in Ihre Liniengrafik zu gewinnen. Der Kerl hat seine Hände an den Hüften. Ich blockiere nur in einigen Formen für die Hand und folge den Schultern auf die andere Seite und zeichne diesen Arm. Es geht bis zum Ellenbogen und kommt dann wieder so in die Taille. Einfache, grundlegende Blöcke der Form wirklich. Die Idee für dieses Prozessvideo ist, Ihnen zu zeigen, wie Sie Ihre Zeichnungen einscannen können. Vor diesem Hintergrund muss ich nicht unbedingt eine vollständig fertige, vollständig definierte Zeichnung auf Papier erstellen. Weil ich das einscannen werde, gibt es eine Gelegenheit für mich, dies in Photoshop zu überarbeiten und es zu diesem Zeitpunkt aufzuräumen. Er wird kleine Fische haben, vielleicht keine Schuhe. Wir sehen nur seine Zehen und seine Füße so. Dann kleine dünne Beine. Ich werde weitermachen und nur noch eine Zeichnung machen. Ich denke, ich werde nur zwei Charaktere aufarbeiten. Das ist der Piratenkapitän. Das werden seine Augenbrauen sein. Ich versuche gerne, die Funktionen herunterzubekommen, die Hauptmerkmale des Gesichts, so dass der Rest des Kopfes um das passen kann. Sobald ich das Gesicht ausgearbeitet habe, dann habe ich das Gefühl, dass ich ziemlich viel mehr weiß und den Rest der Zeichnung erkunden muss. Er hat einen großen Schnurrbart. Er hat seinen großen Piratenhut. Dann sein sehr wilder langer Bart. Ich werde seine Schultern zeigen, seine Arme ziehen, die wie diese nach vorne kommen. Für die allgemeinen Proportionen werde ich seine Füße ziemlich klein halten. Er trägt Stiefel. Die Idee ist, dass die Hauptform dieses Charakters dieser große runde Bauch ist, und er hat kleine Beine darunter, kleine winzige Füße. Dann geht sein anderer Arm einfach so dahin. Ich werde einfach den Bart fertig machen. Ich werde nicht zu viel mehr an dieser Zeichnung arbeiten. Ich will es nur so nah wie möglich machen. Das ist so ziemlich es. Ich lasse es dort für diese beiden Zeichnungen. Dann werde ich Ihnen im nächsten Video meinen Prozess zum Scannen zeigen, um sie in Photoshop färben oder zumindest verfeinern zu können. Begleiten Sie mich im nächsten Video. 4. Scannen deiner Bilder: Lassen Sie mich Ihnen zeigen, was ich tun würde, wenn ich diese Zeichnung einscannen würde. Zuallererst würde ich es verdeckt auf meinen Scanner legen. Dies ist mein besonderer Scanner, den ich benutze, er ist Teil meines Druckers. Dann gehe ich zu den Systemeinstellungen , weil ich auf einem Mac bin und Drucker und Scanner öffne. Ich werde auf „Scannen“ klicken und dann den Scanner öffnen. Sobald der Scanner aufgewärmt ist, gibt er Ihnen diese Übersicht hier links. Nur um sicher zu sein, ich klicke und ziehe immer um das Bild, das ich gescannt werden möchte, es ist ziemlich das gleiche wie die ganze Seite. Sie können es bei Farbe belassen, aber hier würde ich von irgendetwas niedrig, wie 75 auf 300 DPI ändern . Dann haben Sie die Wahl, wohin Sie Ihren Scan senden möchten. Sie können andere auswählen, wenn Sie es in einen bestimmten Ordner einfügen möchten, aber für mich ist Dokumente in Ordnung. Das einzige, was ich ändern würde, ist dies, ich möchte nicht, dass es Scan heißt, also gebe ich einfach den Namen der Datei ein und klicke auf „Scannen“. So wird es an meinen Computer gesendet. Wenn Sie keinen Scanner haben, können Sie einfach ein Foto mit Ihrem Telefon oder mit einer Digitalkamera machen und es auf diese Weise an Ihren Computer senden. Jetzt, da die Zeichnung eingescannt ist, werde ich sie in Photoshop bringen, sie etwas anpassen, so dass sie bereit ist, mit digitaler Zeichensoftware wie Photoshop zu arbeiten . Sie können es einfach nach unten in Ihre Anwendung ziehen und es öffnet sich so. Jetzt ist es in dieser Ausrichtung kommen, also gehe ich zu Bild, Bilddrehung und Drehen um 90 Grad im Uhrzeigersinn. Was ich tun werde, ist versuchen, den Kontrast zu erhöhen, es ein wenig dunkler zu machen. Vielleicht löschen Sie diese Zeilen , die ich nicht brauche, weil Sie letztendlich eines von zwei Dingen tun wollen. Sie möchten diese Skizze entweder in Photoshop neu zeichnen und sie digital zeichnen, indem Sie diese als Hilfslinie verwenden, oder Sie möchten Ihre Linienarbeit und -farbe darunter behalten. die Hintergrundebene ausgewählt ist, werde ich nur ein paar sehr leichte Anpassungen vornehmen. Sie können mit diesen so viel spielen, wie Sie wollen. Es gibt eine ganze Menge verschiedener Möglichkeiten, den Kontrast in Ihrer Zeichnung zu erhöhen. Dies ist nur der Workflow, den ich normalerweise mache. Ich erhöhe die Helligkeit, sage zu hell dort, vielleicht nicht so hell. Vielleicht erhöhen Sie den Kontrast, Sehen Sie, was passiert. Klicken Sie vorerst auf „OK“. Was ich tun könnte, ist jetzt versuchen, mit den Ebenen des Bildes ein wenig zu spielen. Die Ebenen wirken sich auf die Dunkelheit und die Helligkeit Ihrer Zeichnung aus. Sie können die Dunkelheit erhöhen, und Sie können sehen, dass meine Zeichnung ein wenig dunkler wird. Ich kann auch den Mittelwert anpassen, indem ich diesen Schieberegler inkrementell nach vorne ziehe. Ich würde nicht in großen Schritten mit Ihren Levels gehen , weil Sie eine Menge Integrität in Ihrer Zeichnung verlieren können. Zum Beispiel, wenn ich das Weiß den ganzen Weg dorthin schiebe, siehst du, dass ich viel davon verliere. Experimentieren Sie einfach in schrittweisen Phasen damit. Ich klicke vorerst auf „OK“. Es sieht ein bisschen besser aus. Eine andere Sache, die Sie tun könnten, ist, den Kurven-Editor aufzurufen. Gehen wir zu Bild, Anpassungen und wählen Sie Kurven oder drücken Sie Befehlskontrolle M auf Ihrer Tastatur. Eine sehr praktische Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, den unteren linken Graphen nach unten zu ziehen und die obere rechte nach oben zu drücken. Vielleicht je so leicht. Du verstehst die Idee. Es macht in diesem Fall so ziemlich dasselbe wie die Levels. Nun, was ich tun werde, ist einfach M auf meiner Tastatur zu drücken, klicken und ziehen Sie über diesen Befehl oder Control C zu kopieren und Command Control V zum Einfügen. Ich kann jetzt diese Hintergrundschicht loswerden, und ich werde eine Ebene darunter füllen, Sie könnten den gleichen Ton wie Ihre Seite wählen, wenn Sie möchten. Drücken Sie G auf Ihrer Tastatur. Es wird nicht genau das gleiche sein, weil das Papier verschiedene Schattierungen abgeleitet hat, aber das ist nah genug. Ziehen Sie das dann in die Mitte, passen Sie es leicht an. Jetzt sind Sie bereit, wie gesagt, entweder darunter zu malen oder neu zu zeichnen. Wenn Sie dieses Bild neu zeichnen möchten, erstellen Sie einfach eine neue Ebene über Ihrer Zeichnung, ich werde die Deckkraft dieser Ebene ein wenig nach unten bringen, damit Sie sehen können, was Sie tun und buchstäblich wirklich super nah und mit einem Pinsel, um mit einer viel saubereren, glatteren Linie neu zu zeichnen. Aber weil du deine grobe Zeichnung darunter hast, wird es sehr einfach sein. Das ist ein Weg. Wenn Sie das nicht tun wollten, wenn Sie Ihre ursprüngliche Bleistift-Arbeit behalten wollten und Sie darunter malen wollten. Sagen wir, wir wollen ihm einen Hautton geben. Ich werde darunter malen. Geben Sie eine Bestellung an, damit die Farbe tatsächlich unter der Linie durchscheint. Ich muss den Füllmodus meiner Zeichnungsebene auf Multiplizieren ändern. Grundsätzlich muss der Layer, auf dem sich Ihre gescannte Zeichnung befindet, zu Multiplizieren gehen. Auf diese Weise haben Sie Ihre Linienzeichnung. Nun, wenn Sie das tun wollen, müssen Sie wahrscheinlich dieses Bild viel mehr üben. Sie könnten zu Bild gehen, Anpassungen und bringen Sie die Farbtonsättigung. Ich würde die Sättigung nach unten bringen und die Leichtigkeit ein wenig nach oben bringen. Dann würde ich wieder in meine Levels gehen und sehr langsam nur anfangen, die Ebenen auf die rechten Ebenen nach links zu ziehen. Dort haben Sie so ziemlich den größten Teil der Seite losgeworden. Jetzt können Sie weiter an der darunter liegenden Schicht arbeiten und wegmalen. Dies sind nur einige grundlegende Optionen für Sie, um Ihr Kunstwerk zu scannen, zu gewinnen und es in Photoshop vorzubereiten. 5. Einführung in die Zeichnen von Figuren: Für die nächsten Videos werden wir uns Konventionen und Techniken zum Zeichnen von Charakteren entweder für Animationen oder für Storyboarding ansehen . Ich zeige Ihnen nur die Art und Weise, wie ich mein Dokument in Photoshop eingerichtet habe. Ich öffne einfach Photoshop und gehe zu „Neu erstellen“. Anschließend können Sie entweder frühere Voreinstellungen oder einen Satz gespeicherter Voreinstellungen oder spezielle Voreinstellungen für Fotos oder Drucken auswählen. Normalerweise mache ich so etwas, wie ich hier rüber gehe und ich werde 1080 von 1920 einlegen, und das sind Pixel. Das liegt einfach daran, dass diese Art von Auflösung mit der Bildschirmaufzeichnung übereinstimmt, die ich mache. Aber wenn Sie möchten, ist ein weiterer praktischer Tipp, um zu drucken, wählen Sie Buchstaben oder A4, und drehen Sie einfach die Ausrichtung horizontal. Klicken Sie auf „Erstellen“. Dann hast du eine schöne große, breite Leinwand, an der du arbeiten kannst. Das erste, was ich immer mache, ist, dass ich eine neue Ebene über dieser Hintergrundebene erstelle. Wie Sie sehen können, ist diese Hintergrundebene gesperrt. Jetzt können Sie es entsperren, indem Sie einfach auf das Vorhängeschloss tippen. Aber es ist bereits mit Weiß gefüllt. Was das bedeutet, ist, wenn ich darauf zeichne, ich kann nicht auf diese Markierungen zugreifen, wenn es auf der obersten Ebene ist. Wenn ich das einfach rückgängig mache und auf der obersten Ebene zeichne, kann man sehen, dass ich eigentlich nur auf diese Linie zugreifen kann, was eigentlich sehr praktisch ist. Also werde ich das rückgängig machen. Sie können diesen Layer sogar ganz löschen, wenn Sie möchten. Aber es ist schön, eine Hintergrundebene zu haben, um darüber zu arbeiten. Nun, einige Leute arbeiten nicht gerne auf einem krassen weißen Hintergrund. Was Sie tun können, ist vielleicht die Farbe zu ändern. Also habe ich hier unten eine Farbe, die vielleicht etwas papierhaft ist. Wenn ich zum Eimer-Tool gehe und dort hineintippe, gibt mir das einen schönen getönten Hintergrund, an dem ich arbeiten kann. Eine praktische Sache ist, diese Ebene wieder zu sperren, nur so dass Sie nicht versehentlich darauf zeichnen und einfach auf die Ebene darüber kommen, um mit dem Zeichnen zu beginnen. Im nächsten Video werden wir uns mit einigen Konventionen und einigen Techniken zum Zeichnen von Charakteren befassen . Es gibt definitiv eine Reihe von Konventionen, denen Sie folgen können. Wenn Sie versuchen, Ihre Zeichenfähigkeiten zu erhöhen und versuchen, Ihre Zeichenfähigkeiten zu erhöhen, dann zu wissen, diese einfachen Techniken zu schreiben, werden diese einfachen Ansätze zum Zeichnen von Figuren und zum Zeichnen von Charakteren wirklich, wirklich helfen Ihnen, gute Zeichnen von Animationszeichen zu bekommen. Wir sehen uns im nächsten Video. 6. Formsprache: In diesem Video werde ich einige der Kurzhandkonventionen zum Zeichnen von Charakteren in Filmen erklären, die Sie für Ihre Storyboard-Arbeit, für Ihre Konzept-Design-Arbeit und für Animationen anwenden können . Worüber ich sprechen werde, wird sich auf die Stilisierung von Charakteren anwenden, nicht realistisch aussehende Charaktere, weil Sie zum größten Teil in der Animation mit stilisierten Designs, stilisierten Charakteren und Umgebungen arbeiten . einer Reihe von Gründen ist ein Grund, dass stilisierte Charaktere immer wieder leichter zu zeichnen sind und daher leichter zu animieren sind und sie leichter zu posieren sind. Um zu beginnen, werde ich erklären, welche Formensprache ist und wie das in Animation und Storyboarding verwendet wird. Shape-Sprache wird oft als wirklich wichtig in Ihren Designs bezeichnet , weil Formen Ideen kommunizieren. Das ist entscheidend für das Charakterdesign, denn von Anfang an geht die eigentliche Form oder das Design eines Charakters sehr weit , um dem Publikum etwas über diesen Charakter zu erzählen ihnen ein wenig Einblick oder ein visuelles Hinweise über ihre Persönlichkeit und sogar über ihre Hintergrundgeschichte. Es ist wirklich wichtig, wenn man sich hinsetzt, um Charaktere zu zeichnen oder Charaktere für sich selbst zu finden, über ihre Formen nachzudenken und was die Formen über ihre spezifische Persönlichkeit sagen. Hier habe ich drei Grundformen, wahrscheinlich die grundlegendsten Formen im Design. Du hast den Kreis, das Quadrat und das Dreieck. Formen sind eigentlich allgemeiner verstanden als Farben. Jetzt können Farben verschiedene Dinge in verschiedenen Kulturen bedeuten, aber Formen kommunizieren über die gleiche Idee über kulturelle Grenzen hinweg. Zum Beispiel, ein Kreis, wenn Sie über Formen in der Natur denken, runde flauschige Wolken oder runde Blumen, oder sogar die Sonne am Himmel, all diese Formen vermitteln Ideen, die sicher, beruhigend, freundlich sind , und die Sie zu Ihrem Vorteil im Charakterdesign nutzen können. Ebenso hat ein Quadrat einen bestimmten Satz von Konnotationen. Wenn Sie an ein Quadrat denken und sich umschauen, denken Sie sofort an starke, unbewegliche, robuste Objekte wie Gebäude oder große Granitblöcke. Ein Dreieck kann Edginess implizieren. Es kann definitiv in der Natur Gefahr implizieren, wie ein stacheliger Igel, oder sogar über einen Kaktus nachdenken. Edginess und Spikiness und gefährlich ist oft mit dreieckigen Formen verbunden, aber es gibt einen weiteren wichtigen Aspekt das Dreieck, das Sie im Charakterdesign verwenden können, und das ist, dass es Ungleichgewicht vermitteln kann, oder Ich sollte sagen, Ungleichgewicht. Wenn Sie ein Dreieck haben, das auf einem der Spitzen balanciert , dann zeigt das Ihnen, dass dieser Charakter wahrscheinlich instabil, unvorhersehbar ist. In Ordnung. Was ich tun werde, ist diese drei Formen zu nehmen und ich werde beginnen, Ihnen zu zeigen, wie man extrapoliert, wie man Ideen aus diesen Formen zu Charakterdesigns zieht. Fangen wir zuerst in Gesichtern an. Für jede dieser drei Formen werde ich ein Gesicht zeichnen, das auf dieser bestimmten Form basiert. Eine runde Form ist sehr einfach, Charakter-Gesichter zu zeichnen, Sie zeichnen nur einen Kreis, und Augen, und runde Nasen. Dann für ein Quadrat, müssen Sie jetzt in Bezug auf mehr Blockigkeit wie einen Blockkopf denken, Dinge wie diese, quadratischer Kopf auf, robuste Schultern. Sie beginnen einfach mit dem Zeichnen der Form und bauen dann das Gesicht und die Funktionen um das herum. Diese sind sehr rau, übrigens mache ich keine Charakterentwürfe. Ich wärme mich nur auf und löse mich auf und zeige dir wie man einfach eine Grundform runterwirft und sie von dort aus aufbaut. Was ich immer tue, ist nur die Augenlinie, die Nase und den Mund anzugeben, so dass ich weiß, wohin auf der Form, die die Merkmale sind, und dann beginnen, Eigenschaften aufzubauen. Für ein dreieckiges Gesicht, mal sehen, ob ich einfach ein Dreieck wie dieses herunterlasse und eine Nase und ein paar Augen darauf werfe. Das ist schon ein interessanter aussehender Charakter. Üben Sie einfach damit, zeichnen Sie Ihre Grundform zuerst auf ein paar verschiedene Arten und beginnen Sie dann einfach, sie aufzubauen , indem Sie Features auf diese Form platzieren und sehen, was Sie mit sich kommen können. Jetzt können Sie einen Schritt weiter gehen und beginnen diese grundlegenden Formen zu verwenden, um einen ganzen Charakter aufzubauen. Wenn Sie mit einem Kreis beginnen würden, wieder, nur skizzieren wirklich raue und locker große runde ovale Form. Nun, offensichtlich mit runden kreisförmigen Formen wie dieser, ist der Charakter, der am meisten sofort in den Sinn kommt rounder Charakter, eine lustige Figur wie der Weihnachtsmann oder so etwas. Arbeite einfach damit, wenn du kannst. Fügen Sie auf die Beine hinzu, Sie müssen in diesem Stadium wirklich keine Details machen. Das sind grobe Ideen, grobe Konzeptskizzen. Wenn Sie nur angeben, wo die Gliedmaßen sind und versuchen, auf diese Weise Zeichnen zu üben, wirklich locker und rau zu zeichnen, haben Sie dann viel Zeit, um Ihre Ideen zu verfeinern und die Details zu zeichnen. Für diesen letzten kreisförmigen Charakter werde ich versuchen, eine weibliche Figur zu machen. Das könnte so ziemlich die gesamte Masse des Körpers sein und ich könnte einfach ein paar kleine Füße am Ende hier stecken und das wäre in Ordnung. Dann oben ein kreisförmiges ish-Gesicht. Vielleicht trägt sie einen Schal über dem Kopf und sie hat eine Schürze an und sie trägt etwas in ihren Händen, genau so. Ich werde dies für den Rest der Formen mit einem Quadrat und für das Dreieck tun. Ich wähle diese aus und verkleinere sie. Ich werde diese Ebene ausblenden und eine weitere darüber hinzufügen, damit ich weiterhin groß zeichnen kann und dann skaliere ich sie nach unten. Aber ich möchte Ihnen am Ende zeigen, wie all diese Charaktere in einer Aufstellung aussehen. Ich werde weitermachen und einige Ideen für den Platz und das Dreieck skizzieren und du kannst mit mir folgen, das wäre großartig und hoffentlich hast du einige viel, viel bessere Ideen als ich und du bist in der Lage , um einige wirklich coole und interessante Charaktere aus diesen Grundformen zu machen. Die Idee ist, dass Sie nur visuelle Ideen notieren, so dass es nicht perfekt oder erstaunlich sein muss. Sicher muss es nicht detailliert sein. Der Grund, warum quadratische Jungs, wieder, Ich werde einfach schrumpfen sie, Befehl oder Control T für das kostenlose Transformationswerkzeug. Reduzieren Sie sie, stellen Sie sie aus dem Weg. Dann werde ich eine andere Ebene erstellen. Dann werde ich diese beiden Ebenen ausblenden und eine weitere Ebene oben legen und nur noch drei weitere Zeichnungen für die dreieckigen Figuren machen. Jetzt können Sie sehen, dass ich all diese Charaktere erledigt habe. Das hat mich gar nicht lange gedauert, vielleicht 10 oder 15 Minuten. Eine Grundform zu verwenden, um Ihre Zeichnung oder Ihre Konzeptideen für Charaktere zu beginnen , ist wirklich einfach. Ich hoffe, Sie haben gesehen, dass es wirklich einfach ist. Das ist eine wichtige Sache bei der Verwendung von Formen zu beachten, aber es gibt eine andere wichtige Sache, die ich erklären möchte, und das ist, dass, wenn Sie Formen wie diese in Ihren Entwürfen verwenden, Sie in der Lage sind, Variationen innerhalb Ihrer Designs hinzuzufügen und Das ist eines der wichtigsten Dinge. Wenn ich dir jetzt zeigen würde, wenn ich nur drei zufällige Zeichen von all diesen greife , werde ich sie alle auf eine Ebene legen und sie in ein bisschen eine Aufstellung bringen. Dann will ich den Kerl drehen, damit er nach rechts schaut. Dann werde ich Silhouette, weil ich will, dass Sie sehen wie, wenn ihre Silhouetting out so, sie sofort als verschiedene und separate Zeichen registrieren. Es gibt keine Verwirrung, sie sehen alle völlig anders aus und das ist, was Sie in Ihren Charakterdesigns wollen. Sie möchten Variationen, damit Zeichen voneinander unterschieden werden können. Sie sehen nicht alle genau gleich aus, sie haben Variationen, wenn sie einen mit dem anderen vergleichen. Letztendlich möchten Sie Variationen innerhalb eines bestimmten Versuchsplans haben. Denken Sie darüber nach, einen Kreis zu verwenden und einen dreieckigen Kopf oder einen quadratischen Kopf hinzuzufügen. Denken Sie darüber nach, ein Quadrat zu verwenden und einen kreisförmigen Kopf hinzuzufügen , oder denken Sie darüber nach, ein Dreieck mit einem quadratischen Körper zu verwenden. Im nächsten Video werde ich darüber sprechen, wie Sie jetzt beginnen können, Ihre Charaktere zu posieren und warum Posen ist so wichtig für Zeichnen und Animationen und Storyboarding, plus einige wirklich einfache und einfache Tipps wie bekommen Sie Ihre Posen, um wirklich stark und dynamisch zu sein. 7. Character-Posen: In diesem Video möchte ich darüber sprechen, wie Sie das Zeichnen dynamischer Posen üben können. Dies ist der Schlüssel für ein gutes Storyboard-Zeichnen sowie für Animationen und Illustrationen im Allgemeinen. Eine Pose ist die Art und Weise, wie ein Charakter steht, oder die Art und Weise, wie er oder sie eine Aktion ausführt. Der Grund, warum posiert, ist in Storyboards so wichtig, weil es dem Regisseur, dem Animator und allen anderen, die in den Prozess involviert sind, mitteilt dem Animator und allen anderen, die in den Prozess involviert sind , wie sich der Charakter innerhalb einer Szene bewegt. Sie könnten denken, nun, ist das nicht wirklich die Aufgabe des Regisseurs und des Animators, zu bestimmen, wie sich ein Charakter bewegt? Die Antwort ist eigentlich nicht immer. Es ist eigentlich häufiger der Job des Storyboard-Künstlers. Wenn Sie eine überzeugende Pose in Ihren Storyboards zeichnen und diese dann den Animatoren übergeben, wissen die Animatoren genau, wie sie diesen Charakter animieren können, wenn das sinnvoll ist. Ihre Zeichnung zeigt die Aktion an, sie zeigt die Emotionen und manchmal zeigt sie die Handlung einer Szene an. Dynamische Posen zeichnen zu können ist wirklich, wirklich entscheidend. Es ist einer der wichtigsten Aspekte eines Animations-Storyboard-Künstlers. Was ich tun werde, ist diese Idee eine Grundform als Ausgangspunkt für ein Design zu verwenden, und ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie dies in Bezug auf die Struktur verstehen können , weil die Struktur richtig zu machen ist, was wird die einzige Sache sein, die es Ihnen ermöglicht, Ihr Design in jeder Pose zu zeichnen, die Sie wollen. Genau hier habe ich diese grundlegende runde Form. Ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie eine Dreiviertelansicht erstellen. Stellen Sie sich vor, wir sehen diesen Charakter aus einer Dreiviertel-Frontansicht. denke daran in einem 3D-Sinne und nicht einfach als flachen Kreis, kann ich schätzen, dass die Schultern des Charakters hier und hier sind. Stellen Sie sich für einen Moment vor, dass dies völlig durchsichtig ist , so dass man dort drüben auf dieser Seite sein wird. Dann sind die Hüften hier, eine hier und eine dort. Jetzt kann ich einen ausgestreckten Arm zeichnen weil er direkt von der Schulter kommt, er kommt ein wenig auf mich zu, und ich weiß auf der anderen Seite genau, wo der Arm sein wird , weil ich identifiziert, wo sich diese Schulter befindet. Dann werde ich einfach in Skizze zeichnen und wirklich schnell, der Kopf kann dorthin gehen. Nun, in diesem Fall neigt der Kopf nach unten zur Schulter, so dass Sie den Hals nicht wirklich sehen. Aber es ist so wichtig, die Schultern auszubilden. Ebenso weiß ich genau, wohin die Beine gehen, da sie direkt aus den Hüften kommen. Sie wollen wissen, wo die Hüften sind und wo die Schultern sind; hier und hier. das anschaue, fühle ich, dass der Kopf etwas abgeschaltet sein könnte. Wenn ich eine gerade Linie in der Mitte meines Designs zeichne, denke ich, das ist die Mittellinie, Sie können sehen, dass es aussieht, als wäre der Kopf leicht zurück. Es ist wahrscheinlich in diesem Fall in Ordnung, weil ich denken würde, dass sein runder Bauch das ausgleicht und sie ein wenig ausgleicht, aber ich werde eine leichte Anpassung vornehmen, den Kopf nach vorne bewegen. So trainieren Sie Ihre Struktur, wie Sie verstehen, wo die Hüften und Schultern sind, und dann erhalten Sie dieses Gleichgewicht innerhalb der Gesamtfigur. Denken Sie daran, dass dies tatsächlich in der Perspektive ist. Ich zeige dir, was ich meine. Wenn ich einen Würfel um diesen Charakter zeichne, können Sie sehen, dass wir tatsächlich einen Teil der Seitenansicht sowie die Vorderansicht gleichzeitig sehen . Sie können sehen, ob ich die Ebene abschalte, was ich meine. Es ist nicht perfekt gezeichnet, aber Sie bekommen die Idee. Jetzt kann ich diesen Kerl in verschiedenen Posen zeichnen, weil ich die Struktur kenne. Nehmen wir an, ich wollte ihn ziehen, um etwas vom Boden zu holen. Ich beginne mit der großen runden Form und lege die Hüften hinein, wo sie sein würden, und von hier aus kann ich die Beine zeichnen. Dieses Bein wird nicht so sichtbar sein, es ist auf der anderen Seite von ihm. Ich mache dasselbe mit den Schultern und dann mit den Armen. Es ist so einfach. Ich glaube nicht, dass du schiefgehen kannst, wenn du diese Dinge identifiziert hast: Hüften und Schultern. Lasst uns noch eine kurze Skizze machen. Sagen wir, dieses Mal läuft er mit Geschwindigkeit. Sein Kopf wird so zurückgeschleudert werden. Sie können sehen, dass er vorwärts läuft. Seine eine Hüfte wird so vorwärts gehen, was bedeutet, dass entsprechende Schultern und Arm, es wird zurückgehen. Dann geht das ferne Bein zurück. Sagen wir, er ist in der Luft, er berührt nicht einmal den Boden. Dann kann der Unterarm so vorwärts gehen. Da gehst du. Dort rennt er wirklich, wirklich schnell. Sie können diese Idee der Struktur auf alle diese grundlegenden Formen anwenden. Offensichtlich ist die quadratische Form am einfachsten zu verstehen, weil sie eine einfache Struktur in 3D zu sehen ist. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, wie Sie es aufbauen können, wenn Sie zuerst Hüften und Schultern identifizieren würden. Zeichnen Sie Ihre Hüften und Schultern in genau so als runde Kreise mit der Linie, das sind die Schultern. Dann ist eine Sache zu wissen, dass Schultern und Hüften sich immer gegenübergestellt haben. Ich weiß nicht, ob ich gerade dieses Wort ausgedacht habe, aber im Grunde, wenn die Schultern in einem Winkel sind, dann werden die Hüften immer im entgegengesetzten Winkel sein. Es ist, als könntest du dir ein Akkordeon vorstellen. Eine Seite wird eingequetscht und die andere Seite wird lang sein. Sobald du das runter hast, kannst du dann den Körper um diesen herum aufbauen. Dieses Bein wird so gebeugt sein. Lassen Sie uns dasselbe mit Dreiecksformen zeichnen. Nehmen wir an, wir zeichnen eine weibliche Figur. Wenn ich nun eine blaue Farbe wähle, sind hier ihre Schultern; hier und hier, und die Hüften sind hier und hier. Nun, wenn Sie kämpfen, können Sie immer mit der Vorderarm-Pose beginnen , wenn das Ihnen hilft, die Struktur besser zu verstehen. Nun, mit dem ausgearbeitet, können Sie sie in eine viel dynamischere Pose ziehen. Nehmen wir an, wir machen noch eine kurze Skizze. Sie lehnt sich an so etwas, so dass eine Schulter höher ist, die ihre Hüften so nach außen werfen wird. Eine Hüfte wird höher sein als die andere, und das bedeutet, dass ein Bein nach vorne kommt, das andere Bein geht zurück. Wenn Sie dann Ihre grobe Skizze ausgearbeitet haben, können Sie diese übergehen und die Zeichnung verfeinern und mehr Details hinzufügen und sie besser ausarbeiten. Begleiten Sie mich im nächsten Video und ich werde Ihnen zeigen, wie Sie wirklich gut in der Herstellung großer Mimik. 8. Emotionen zeichnen: Der bei weitem wichtigste Aspekt der Pose des Charakters wird der Gesichtsausdruck oder die Emotion sein. In diesem Video möchte ich Ihnen zeigen, dass es nicht schwierig sein muss, Emotionen zu zeichnen, oder Ihre Story-Boarding oder Animation. In der Tat gibt es eine wirklich einfache Möglichkeit, Mimik richtig zu machen, und das heißt, vor allem, es sehr einfach zu halten. Ich meine, einige Standard-Animationskonventionen oder kurze Hände zu verwenden. Was ich tun werde, ist, zuallererst, werde ich ein paar Emotionen aufschreiben, die Sie wahrscheinlich als Story-Artist zeichnen müssen. Offensichtlich Dinge wie glücklich, traurig , wütend, vielleicht Angst, und vielleicht Angst, so etwas. Nun, das erste, was zu tun ist, wenn Sie versuchen, die Emotion eines Charakters zu zeichnen, ist im Grunde nur eine grobe Skizze des unmittelbarsten Aspekts dieser Emotion zu erstellen. Dann später kannst du deinen Charakter um ihn herum aufbauen. Ich habe diese Worte notiert. Was ich tun werde, ist schnell die grundlegendsten Indikatoren für jede dieser Emotionen zu ziehen . Wenn Sie dies tun, denken Sie an Emojis auf Ihrem Telefon, wenn Sie SMS. Alles, was Sie sehen müssen, sind die Augen und den Mund. Zum Beispiel, glücklich. Die absolute grundlegende Sache, die glücklich vermittelt, ist ein großes Lächeln und helle Augen. Für den traurigen Ausdruck wird die Abkürzung darin bestehen, die Oberseite der Augen so zu winkeln. Stellen Sie sich vor, dass die Augenbrauen an den Enden nach unten ziehen und oben angeln, und vielleicht schauen die Augen so nach unten. Wenn Sie über die Idee von traurig denken, zieht alles nach unten, der Mund enthalten. Für wütend, denken Sie darüber nach, wie Sie sich fühlen, wenn Sie wütend sind. Ihre Augen werden wirklich laserfokussiert, so dass Sie die Pupillen in der Mitte so sortieren können. Dann werden Sie die Augenbrauen nach unten in Richtung Mitte drehen. Der Mund, wenn Sie wirklich wollen, um das Design zu schieben, ist, dass Sie die Zähne zeigen können, weil wir manchmal neigen, unsere Zähne zu pressen, wenn wir wirklich wütend sind und vielleicht nur eine Ecke des Mundes zeigen. Wieder, es ist wie die einfachen Emojis in diesem Stadium. Sie behalten es nur auf drei Elemente: Augen, Nase und Mund. Das ist alles, was du jetzt zeichnen musst. Aus Angst, sagen wir, der Charakter hat einen Schreck? Nun, damit tauchst du zurück oder ziehst dich hoch und weg von dem Ding, das dich erschreckt hat. Ich werde sogar die Augen ein bisschen so winken. Die Augenbrauen sind so. Dann hängt sich der Mund ab, öffnet sich aber ein wenig in einem Keuchen oder Schockausdruck. Nun, ich könnte die Schüler tatsächlich ändern, um wirklich winzige Punkte zu sein , weil selbst die Schüler hier vor sich zusammenziehen. Auf zum letzten. Ich erkannte gerade, dass ich Angst für die letzte, die tatsächlich mehr oder weniger das gleiche wie Angst ist. Also lassen Sie mich lieber eine andere Emotion ganz machen, etwas sagen, wie laut auslachen. Das ist gut, weil es extremer als glücklich ist und tatsächlich eine andere Zeichnung ist. Also lasst uns das machen. Zum Lachen könntest du vielleicht die Augen ganz schließen. Haben Sie nur zwei Zeilen wie diese, die zeigen, dass sie geschlossen sind, halten Sie sie fest. Dann ein großer, offener Mund zeigt vielleicht nur eine Linie von Zähnen an der Spitze, die Innenseite des Mundes so, und diese beiden Falten zeigen, dass die Wangen nach oben schieben. Eine gute Idee ist, diese Emotionen zu notieren, die nur mit Augen, Nase und Mund arbeiten. Sobald du das getan hast, kannst du diese Ausdrücke auf deinen Charakter anwenden. Nehmen wir an, wir arbeiten mit einem sehr generischen Charakter eines Jungen. Das wird seine neutrale Position hier sein, nur um damit zu beginnen. Ich werde schnell die Grundform des Kopfes skizzieren, in das Ohr, die Augen legen. Seine Haare gehen hoch und umher und wieder. Dies ist eine Kieferlinie und Wange. Es ist eine sehr neutrale Position, generisches Kind, das ist einfach genug. Jetzt werde ich das gleiche Gesicht zeichnen, aber versuchen, ihn glücklich aussehen zu lassen. Ich werde mit der gleichen Gesamtform beginnen, die zugrunde liegende Struktur des Charakters, und dann erinnere mich, die Eigenschaften dieser vereinfachten Emotion von glücklichen oder großen Augen schauen nach oben und ein großes Lächeln mit den Wangen leicht nach oben geschoben werden. Du verstehst die Idee. Arbeiten Sie einfach durch all diese Emotionen, indem Sie zuerst die Struktur Ihres Charakters ganz leicht zeichnen und dann die Kurzschrift oder die Konventionen dieser Emotion auf den Gesichtsausdruck anwenden . Dann kannst du wieder hineingehen, deine Zeichnung anziehen, so dass der Charakter auf dem Modell bleibt und so klar ist, dass es sich um den gleichen Charakter handelt. Denken Sie daran, für jede Emotion, gibt es eine Pose oder eine Haltung in der Zeichnung als auch, wie wütend könnte auf Sie kommen, vielleicht wollen Sie die Schultern jagen um die Ohren ziehen. Schreck lehnt sich zurück, so dass vielleicht die gesamte Pose des Charakters nach hinten lehnt und vielleicht wird das Gesicht selbst nach unten gezogen, es ist etwas gestreckt. Zum Lachen ist vielleicht das Gesicht des Charakters etwas zerquetscht. Die Wangen können nach oben zu den Augen drücken. Es ist vorbei an dir. Ich möchte, dass Sie ein paar Emotionen auf einem Blatt Papier oder in Photoshop aufschreiben. Dann verbringen Sie etwas Zeit, um zu versuchen, diese Emotion bis auf die Augen und den Mund zu destillieren; wie könnten Sie diese Emotion beschreiben, wenn Sie nur Augen, Nase und Mund zuerst benutzen müssten . Dann, wenn Sie das getan haben, sehen Sie, ob Sie diese vereinfachte Version auf das Gesicht eines Charakters anwenden können und geben Pose und dem ganzen Charakter dieses Gefühl von Emotionen. 9. Ein Character-Posen-Sheet erstellen: Nach der Emotion ist das nächste Wichtige, was zu üben ist, Posen zu zeichnen. Ich habe viel über Charakterposen gesprochen. In diesem Video möchte ich euch zeigen, wie man die physische Dynamik eines Charakters durch verschiedene Posen erarbeitet . Was ich hier habe, ist, das ist nur eine grobe Reihe von Charakterideen für meine Piratengeschichte namens Metal Queen. Dies wird Teil Ihres gesamten Klassenprojekts gegen Ende dieses Kurses sein, wo Sie das Skript Storyboard bekommen. Diese Reihe hier ist etwas, das Sie oft in einer Animationsproduktion finden. Diese Zeichnungen sind immer noch sehr rau, sie sind noch nicht aufgeräumt letzte Zeile Arbeit. Aber was ich möchte, dass du jetzt einen dieser Charaktere auswählst und ein Posenblatt erstellt. Ein Posenblatt ist, wo Sie das gleiche Zeichen in einer Reihe von verschiedenen Posen zeichnen. Der Grund, warum du das tust, ist, nicht nur den Bewegungs- und Handlungsbereich zu erkunden , den der Charakter tun kann, sondern auch zu erkunden, ob dein Charakterdesign tatsächlich funktioniert oder nicht. Ob die zugrundeliegende Konstruktion etwas ist , mit dem Sie arbeiten können, um diesen Charakter in verschiedene Posen zu setzen. Wenn Sie Ihren eigenen ursprünglichen Charakter setzen, an dem Sie arbeiten möchten, dann ermutige ich Sie wirklich, das zu tun. Nehmen Sie einfach Ihren Charakter und setzen Sie ihn oder sie in völlig neue dynamische verschiedene Posen und sehen Sie, wie viele Sie tun können. Aber wenn Sie nicht Ihren eigenen Charakter haben, dann können Sie eine dieser Zeichnungen hier nehmen, muss nicht die gleiche sein, die ich tun werde, sondern wählen Sie einen aus und versuchen, es so auszuarbeiten, wie ich es Ihnen jetzt zeige. Für mich, sagen wir, ich werde den Captain Charakter auswählen, also was ich tun werde, ist, diese Zeichnung zu kopieren und eine neue Leinwand hier zu erstellen, und ich werde ihn einfügen. Sehr ähnlich wie die Mimik im vorherigen Video, ist diese Zeichnung jetzt seine neutrale Pose. Bringen Sie ihn zur Seite. Jetzt werde ich einige dynamische schauspielende Posen freestyle. Das bedeutet, zunächst wie gewohnt sehr rau zu zeichnen. Sagen wir, ich werde ihn anziehen, um die Truppen zu sammeln oder die Crew zusammenzurufen , um zu sortieren und in die Schlacht zu gehen oder so etwas. Ich werde an dieser Pose mit seinem Kopf beginnen und ich werde wieder die Form zuerst vereinfachen und die Richtung des Kopfes mit seinen Augen und seiner Nase bekommen, so dass alles so aussehen wird. Das ist sein Bart. In meinem Kopf sehe ich diese Pose, ich sehe, dass sein Kopf so zugewandt ist, aber er wird sich irgendwie drehen und als ob er nach links abfährt. Ich werde einfach die Form des Körpers und des Beines so zeichnen, als würde er auf etwas steigen, und dieser Arm wird hoch sein. Ich ziehe das da rein und ich werde diesen anderen Arm bewegen, damit die anderen sich ihm anschließen. Jetzt ist der Rest der Zeichnung wirklich nur eine Frage des Ausfüllens der Kleidung und des Trainings, wie sie sich um den Körper bewegt. Ich denke, die Gesamtbewegung der Pose ist in Ordnung. Ich versuche, die Grundelemente gleich zu halten, die gleichen Volumina und die gleiche Konstruktion. Das war's. Was ich jetzt tun werde, ist, dass ich es so lasse, wie es ist. Ich werde nicht mehr daran arbeiten, nur skalieren. Ich ziehe es aus dem Weg und arbeite an ein paar weiteren Posen. Für diesen nächsten habe ich darüber nachgedacht, ihn im mittleren Schritt zeichnen zu wollen, als ob er entlang geht, seine Hände hoch sind. Während ich es zeichne, wird die Gesamtrichtung der Pose so zurücklehnen, seine Arme werden in der Luft sein. Diese Form der großen runden Bäuche ist so wichtig, um runter zu kommen. Ich kann später die Details des Kostüms ausarbeiten. Dann nehmen wir an, er hat ein Bein, das nach vorne geht und ein Bein zurückgeht. Jetzt kann ich hineinzoomen und an den Augen und der Nase arbeiten und einen Ausdruck in Gang bringen. Es ist wirklich wichtig, nicht zu viel zu zoomen , wenn Sie so zeichnen, weil Sie eher in Zeichnungsdetails stecken bleiben und was Sie tun möchten, ist einfach wirklich rau und locker zu bleiben. Um dies zu tun, ist es immer am besten, Ihre Posen zu zeichnen, während Sie verkleinert sind und Sie können die gesamte Pose in einem Zug sehen. Dann wieder, wenn ich damit fertig bin, skaliere ich es einfach nach unten, schiebe es zur Seite, und ich werde vielleicht zwei oder drei weitere Posen aufarbeiten. Du verstehst die Idee. Sie können Emotionen wie, sagen wir, Überraschung, Wut, Verwirrung oder Lachen, Dinge wie, Sie können sie als Ausgangspunkt oder Sprungbrett für Ihre Ideen für die Pose verwenden , wenn Sie wollen. Oder Sie können einfach nur anfangen, Ihren Charakter zu zeichnen und zu sehen, wohin die Zeichnung selbst Sie führt. Ich denke, das ist wirklich, was ich vor allem mit diesen Zeichnungen gemacht habe. Ich schaffte es, die Pose entstehen zu lassen, während ich den Charakter zeichnete. Das an sich war eigentlich eine wirklich gute Übung beim Zeichnen dynamischer interessanter Posen. Sie beginnen wirklich rau, Sie haben keine Erwartungen, wohin Sie gehen, aber wenn die Zeichnung beginnt, Gestalt anzunehmen, dann folgen Sie dem wirklich und sehen, ob Sie mit einer interessanten Pose kommen können. Am Ende von etwa einer halben Stunde oder einer Stunde, denke ich, ich habe eine Pause in der Mitte dieser Zeichnungen gemacht, aber in nicht so langer Zeit konnte ich eine Seite mit Zeichnungen für einen Charakter finden. Wenn Sie wollten, könnten Sie dann diese Zeichnungen aufräumen, sogar färben sie vielleicht, und dann hätten Sie ein tolles Posenblatt bereit für Ihr Portfolio. Aber der Hauptgrund, warum ich wollte, dass du diese Übung machst, ist, dass, wenn du jemals ein Modellblatt zum Arbeiten oder ein neutrales Charakterdesign gegeben hast, diese Übung wirklich gut ist, um dir zu helfen, deine Storyboards zu zeichnen, es ist etwas, das Sie entweder tun könnten, um sich vor dem Storyboarding aufzuwärmen, oder als eine Möglichkeit, tatsächlich eine Bibliothek von Posen aufzubauen , mit denen Sie während des Boarding-Prozesses arbeiten können. Sie können zu diesem Blatt zurückkehren und sehen, wie sich der Charakter bewegt und sich verhält, und dann diese Posen in Ihre Storyboard-Panels anwenden. 10. Flächen im Hintergrund: In diesem nächsten Abschnitt von Videos werde ich Sie durch den Prozess der Schaffung von Umgebungen und Hintergründen führen. Dies wird nicht nur Ihre Storyboard-Fähigkeiten helfen, sondern es wird Ihnen auch zusätzliche Animationsproduktionsfähigkeiten geben. Denn wie Charakterdesign, Hintergrundkunst und Layout sind tatsächlich unterschiedliche Fähigkeiten , auf die Sie sich spezialisieren können, wenn Sie auf die Arbeit in der Branche gehen. Zuallererst werde ich die Begriffe ein wenig definieren. Ein Layout ist eine fertige gesperrte Linienzeichnung. Mit gesperrt, ich meine, dass es vom Direktor genehmigt wurde. Sehr oft nimmt ein Layoutkünstler eine wirklich grobe Zeichnung, die der Storyboard-Künstler gemacht hat, und skaliert sie und macht sie zu einer richtigen Ziellinie Zeichnung für die Produktionskunst. Dann wird diese Linienzeichnung an den Hintergrundkünstler oder den Farbstylist zum Färben gehen . Aber meistens ist der Hintergrundkünstler auch der Layoutkünstler. Der Hintergrundkünstler nimmt das Storyboard-Panel, zeichnet das Layout und vervollständigt die endgültige Färbung oder Malerei. Wenn Sie daran interessiert sind, Hintergrundkunst und Gemälde für die Animation zu erstellen, dann müssen Sie sich darauf konzentrieren, wirklich gut zu zeichnen in Perspektive, Details in Umgebungen zu zeichnen und solche Dinge zu zeichnen. Ich werde einen separaten Kurs über Umweltkunst und Hintergrunddesign machen und in diesem Kurs werde ich Sie Schritt für Schritt durch den Prozess führen. Für diesen Kurs sind wir jedoch daran interessiert, Szenen zu zeichnen um Ihr Storyboarding auf ein viel professionelleres Niveau zu bringen. Was ich Ihnen von den nächsten Videos zeigen werde, wird Ihnen helfen, genau das zu erreichen. Das erste, worüber ich in diesem Video sprechen möchte, ist, wie man Blockieren und Schattieren verwendet, um Ihren Prozess zu starten, Ihren kreativen Geist zu beginnen, die Szene zu visualisieren und Ihnen dabei hilft, Ihre Kompositionen auszuarbeiten. Anstatt direkt mit komplexen perspektivischen Rastern und Linealen zu springen und Dinge zu plotten, fange ich immer rau an. Manchmal ist es wirklich schwer, die Szene tatsächlich zu visualisieren , wenn Sie gerade Linien zeichnen beginnen. Wann immer ich festlege, schließe ich buchstäblich meine Augen, stelle mir die Szene vor, die ich zeichnen möchte, und verwende dann sehr große Blöcke von Tönen, um herauszufinden, wohin die Elemente in dieser Komposition hingehen. Ich habe eine neue Leinwand in Photoshop erstellt. Dieser ist 1920 Pixel x 1080 Pixel, so dass er groß genug ist, um eine große grobe Zeichnung zu zeichnen. Das nächste, was ich tun werde, ist auf meiner Tastatur für das Auswahlwerkzeug „M“ zu drücken und ich werde ein Rechteck klicken und herausziehen. Dann gehe ich zu Bearbeiten und wähle Strich und in diesem Feld hier ändere ich die Breite des Strichs auf etwa vier Pixel. Die Farbe ist bereits schwarz, also werde ich es dabei belassen und „Okay“ drücken. Dann drücke ich „Command“ oder „Control D“, um die Auswahl zu deaktivieren. Grundsätzlich habe ich jetzt dieses Rechteck, es wurde auf meiner Hintergrundebene erstellt, die gesperrt ist. Ich mache das einfach, um mir einen Rahmen zu geben, in dem ich arbeiten kann. Ich fange nicht nur auf einer völlig leeren Leinwand an. Es ist sehr nützlich, immer eine Rahmenbegrenzung zu haben. Ich erstelle eine neue Ebene oberhalb der gesperrten Ebene und wähle dann einen großen weichen Pinsel aus. Dies sind alle Standardpinsel in Photoshop 2020, aber ich wähle diese, die ich tatsächlich den gesamten Satz von Pinseln von Adobe-Website heruntergeladen. Ich überlasse diese Pinsel für Sie, damit Sie sie auch im Download-Bereich haben können. Nun, als ich dieses Video machte, habe ich versucht, Beispiele für Hintergrundkunst zu denken, an denen ich arbeiten konnte, um Ihnen diesen Prozess zu zeigen , und ich dachte darüber nach, wie ein Standard-Märchen als Beispiel zu verwenden. So etwas wie Rotkäppchen, weil wir alle diese Geschichte kennen. Wir sind alle damit vertraut. Nehmen wir an, du hast ein Drehbuch von Rotkäppchen und du brauchst dein Storyboarding bei der ganzen Geschichte und du musst eine Szene für das Haus der Großmutter zeichnen, das im Wald ist. Nun, was ich tun würde, ist, dass ich diesen Pinsel und sehr grob Block in Schwungen des Tones nehmen würde. Ich zeichne keine Details, blocke nur Tonspuren. Ich weiß, ich will etwas im Vordergrund. Ich brauche einen Kohlenstoff, offensichtlich für den Wald. Etwas offener Raum, ein großer Baum im Vordergrund. Bäume vielleicht und Foresty Elemente im Hintergrund. Dann kann ich es einfach schattieren, um Tonwerte zu blockieren. Ich weiß, dass du denkst, das sieht absolut schrecklich aus, aber gebar mit mir. Das nächste, was ich tun werde, ist hier drüben im Layer-Stack, ich ziehe die Deckkraft dieser Ebene auf etwa 1/2 oder 50 Prozent, und füge dann eine neue Ebene darüber hinzu. Jetzt wieder auf meiner Leinwand, kann ich Pinsel zu etwas wechseln, das ein bisschen linearer ist und beginnen, einige meiner Ideen zu erarbeiten. Über die Töne und die Schattierung werde ich nur die kompositorischen Elemente skizzieren, über die ich nachgedacht habe. Also sehr grob in einer Hütte hier drüben, vielleicht hat es eine Veranda, die so rauskommt. Ich werde noch nicht ins Detail kommen, überhaupt nichts, nur versuchen, es locker zu halten. Die Idee ist, dass ich diese Tonwerte verwende, die ich in Blöcken gesetzt habe , um mich dazu zu führen, etwas Definierteres zu schaffen , wie zum Beispiel die Bäume, oder diesen Anstieg des Hügels im Vordergrund. Vielleicht kann ich auch ein paar Steine hineinlegen und den Wald im Hintergrund mit Baumstämmen und Laubbaldachin bevölkern . Irgendwann, wenn ich zu einem bestimmten Punkt komme und dann diese beiden Schichten zusammenführe und ich kann den Vorgang hier wiederholen, wenn ich will. Bringen Sie die Deckkraft nach unten, so dass ich eine andere Ebene oben machen kann und dann die Zeichnung ein wenig besser verfeinern , jetzt, wo ich verstehe, dass die Komposition funktioniert und ich welche Details und welche Elemente ich wollen innerhalb der Komposition aussuchen. Zu diesem Zeitpunkt möchte ich keine richtige endgültige Zeichnung machen. Es ist immer noch explorativ. Zum Beispiel, die Kabine, vielleicht kann ich dies ein bisschen größer machen, vielleicht machen es mehr von einer definierten Veranda, machen es strukturierter. Ich bin mir nicht sicher. Ich meine, in diesem Stadium sieht es in der Konkurrenz ein bisschen zu groß aus, aber ich werde sehen, wie es geht und vielleicht später ändern. Nun dieser Baum und dieser Aufstieg im Vordergrund, dieser umrahmt den Mittelteil. Ich füge wieder etwas Schattierung hinzu. Hier schalte ich wirklich nur zwischen der großen weichen Bürste für Tonbereiche und der kleineren Kohlepinsel für Linie und Details. Verwendung von Blockierung und Schattierung, um Ihre Hintergrundkunst zu starten , ist immer ein wirklich guter Weg, nur um sich zu lösen. Sie müssen überhaupt nicht an irgendeinen Teil dieser Zeichnung gebunden sein weil sie in diesem Stadium alles beweglich ist. Es ist alles wirklich rau. Sie experimentieren nur mit Elementen und mit der Komposition. Jetzt werde ich das Haus ändern, weil ich nicht wirklich mag, wie es ist, auch tatsächlich löschen Sie es ganz und neu zeichnen. Ich wollte, dass dies eine typische Holzhütte ist, vielleicht mit ein paar Schritten, die auf die Veranda gehen. Ich will, dass es ein wirklich großes Pitch Dach wie dieses hat. Das sieht viel besser aus, viel mehr Cartoony. Das ist das Ende meiner groben Phase auf dieser Zeichnung. Dies an sich könnte Teil eines Storyboards sein. Abhängig vom Stil der Show oder dem Storyboard, das Sie zeichnen, muss es nicht detaillierter werden. Aber wenn ich wollte, könnte ich es noch einen Schritt weiter gehen und eine sauberere Version zeichnen. Aber lassen Sie uns einfach für eine Minute schalten und ich wollte Ihnen zeigen, wie es ist, ein Interieur zu zeichnen , weil manchmal Landschaften Waldhintergründe einfach genug sind. Aber was, wenn Sie wollten oder Sie aufgefordert werden, ein Interieur zu zeichnen? Zum Beispiel, ich habe meine Piratengeschichte mit meinem Piraten-Charakter und es gibt eine Innenaufnahme des Kapitänszimmers. Nun, ich könnte genau das Gleiche tun. Ich fange mit blockiger Schattierung an. Ich weiß, ich will einen Schreibtisch hier drin, ich will diese inneren Schiffslochbau-Dinge und auch ein Hinterfenster. Dann möchte ich natürlich etwas im Vordergrund zum Framing. Ich bin mir nicht einmal sicher, was das auf der Bühne ist. Ich blocke nur in einigen Tönen, etwas im Vordergrund links und rechts. Dann wieder werde ich die Deckkraft dieses nach unten senken und ich werde darüber ziehen und versuchen herauszufinden, was jedes dieser kompositorischen Elemente sein könnte. Der Schreibtisch ist gut. Es ist unkompliziert. Das ist in Ordnung. Da sind Dinge oben auf dem Schreibtisch. Ich setze einen Stuhl nach hinten und die sehr kunstvollen Schiffsfenster, die Sie an der Vorderseite des Schiffes sehen. Dann diese rippenartigen strukturellen Balken für die Kurve des Schiffes. Beachten Sie, dass ich noch nicht einmal die Perspektive betrachte. Ich finde wirklich nur heraus wie die Dinge aussehen werden und wie sie zusammenpassen. Ich werde ein schönes Holzfass setzen, das ist immer ein großartiges kompositorisches Element, egal was die Geschichte ist, und die Meereskiste, und offensichtlich einige zusammengerollte Karten, sehr piratey suchen. In diesem Stadium ist das eine gut genug grobe Zeichnung und ich denke, ich werde es dabei belassen. Wenn Sie beim Zeichnen von Hintergründen oder Szenen fest sind, versuchen Sie diese Methode, mit der Sie sehr locker, sehr kritzelig gleichmäßig beginnen und Ihre Elemente in breiten Strichen ausarbeiten können. Es wird Ihnen wirklich helfen, Ihre Visualisierung zu befreien sowie Ihnen helfen, wirklich schnell und dynamisch zu zeichnen. Im nächsten Video werde ich den wichtigen Aspekt der Perspektive betrachten. 11. Grundlagen der Perspektive: In diesem Video ist es Zeit, über Perspektive zu sprechen. Nun habe ich die Perspektive in den anderen Storyboard-Kursen abgedeckt, also wird dies wirklich eine einfache Auffrischung sein. Aber ich wollte auf einige wichtige Dinge hinweisen, die Sie beachten müssen , wenn es darum geht, zu lernen, wie man in der Perspektive zeichnet, weil einige dieser Punkte von Studenten in diesen anderen Kursen angesprochen wurden, und ich dachte, dies würde eine wirklich gute Gelegenheit sein, sie anzugehen. Aber zunächst einmal, lassen Sie uns genau überlegen, welche Perspektive ist und welche Aspekte der perspektivischen Zeichnung Sie als Storyboard-Künstler beherrschen müssen. Als Boardkünstler müssen Sie wissen, wie man in zwei Haupttypen perspektivischer Zeichnung zeichnet. Die erste ist eine Ein-Punkt-Perspektive. Hier haben Sie nur einen Fluchtpunkt auf der Horizontlinie. Sie können sich diese Horizontlinie und den Fluchtpunkt als die Richtung vorstellen , in die Sie schauen. In diesem Fall schauen Sie geradeaus, Sie befinden sich in der Mitte des Bildes oder des Suchers, und Ihre Augenlinie oder Kamera ist etwa etwas höher als der Mittelpunkt. Unter diesem Gesichtspunkt werden Objekte in Ihrem Rahmen optisch kleiner, je weiter sie entfernt sind. Je näher das Objekt Ihnen liegt, desto größer erscheint es im Rahmen. Um diese Skala von groß bis klein zu zeichnen, können wir einfach ein Gitter verwenden. Wir machen ein Gitter, indem wir strahlende Linien verwenden, die aus dem Fluchtpunkt, unterhalb der Horizontlinie und darüber kommen. Diese Linien werden unser Leitfaden für die Größe der Objekte in unserer Szene sein. So wie ich diese zeichne, tippe ich einfach auf den Pinsel in der Mitte und halte dann die Umschalttaste auf meiner Tastatur gedrückt und tippe auf den Pinsel am azurblauen Rand. Das wird mir eine geradlinige Linie geben. Sie dann, um das Gitter zu vervollständigen ZeichnenSie dann, um das Gitter zu vervollständigen, parallele Linien, die auch von der Vorderseite des Rahmens in Richtung Horizont verlaufen. Sie beginnen bereits, ein Gefühl der Tiefe in Ihrem Rahmen zu bekommen. Um diese Linie gerade zu zeichnen, können Sie einfach die Umschalttaste gedrückt halten, während Sie von einer Seite zur anderen zeichnen. Sie nun Ihr Raster haben, können Sie mit dem Ausfüllen der Zeichnung beginnen, indem Sie diagonalen Linien und parallelen Linien folgen. Sagen wir, wir zeichnen eine Stadtstraße. Das ist das einfachste, was man auf diese Weise visualisieren kann. Folgen Sie einfach dem Gitter. Zeichnen Sie Rechtecke wie folgt. Das werden die Gebäude sein. Was Sie sehen, ist, Sie eine Seite des Gebäudes sehen, die in Richtung Fluchtpunkt geht. Die Vorderseite ist parallel zu uns, zum Betrachter, zur Bildebene oder zur Kamera. Es spielt keine Rolle, wie groß oder wie klein Ihre Gebäude sind. Solange sie dem Raster folgen, werden sie so dargestellt, dass sie korrekt skaliert werden. Nehmen wir zum Beispiel an, es gibt einige Straßenlaternen, die die Straße auskleiden, alle haben genau die gleiche Höhe, und in der Perspektive sind diejenigen, die am weitesten entfernt sind kleiner als die, die in Ihrer Nähe sind. Das ist unkompliziert genug. Die zweite Art von Perspektive, die Sie am meisten zu zeichnen aufgerufen werden, als Storyboard-Künstler ist Zwei-Punkt-Perspektive. Nehmen wir an, wir betrachten genau die gleiche Szene, diese Straßenszene hier drüben. Aber jetzt, anstatt in der Mitte der Straße zu stehen und geradeaus nach unten zu schauen, stellen wir uns vor, wir sind zur Seite, so dass wir die Gebäude aus einem Winkel sehen. Ich werde genau die gleiche Horizontlinie zeichnen. Aber dieses Mal, um die Gebäude aus einem Winkel zu zeichnen, werde ich zwei Fluchtpunkte machen, einen auf der linken und einen auf der rechten Seite. Bevor ich weiter gehe, möchte ich jetzt darauf hinweisen, dass Sie diese Fluchtpunkte fast immer außerhalb desBilderrahmens platzieren sollten diese Fluchtpunkte fast immer außerhalb des , wenn Sie in Zwei-Punkt-Perspektive zeichnen. Einfach, weil, wenn Sie das nicht tun, Ihre Zeichnung wirklich zerquetscht und verzerrt wird. In fast jedem Fall ist es eine gute Idee, diese beiden Fluchtpunkte so weit wie möglich auseinander zu setzen. Das bedeutet oft, dass sie außerhalb des Rahmens des Rahmens platziert werden, in dem Sie zeichnen. Ich habe eine hier und hier, und von jedem dieser Punkte werde ich meine strahlenden Linien zeichnen. Es besteht eigentlich keine Notwendigkeit, parallele Linien zu zeichnen, da sich jeder Satz dieser strahlenden Linien schneidet und sie so das Raster bilden. Dann werde ich voran gehen und anfangen, die Gebäude zu zeichnen. Stellen Sie sich vor, dass die Straße jetzt von der rechten Seite Fluchtpunkt über den Bildschirm läuft und auf uns zukommt, in einem Winkel wie diesem. Ich folge wirklich dem Raster vollständig, um diese Rechtecke zu zeichnen. Jede Seite des Gebäudes geht nun zu einem der Fluchtpunkte. Es gibt keine parallele Seite, wie wir es in der Ein-Punkt-Perspektive hatten. Aber das gleiche Skalengefühl funktioniert immer noch. sich die Dinge auf der rechten Seite in die Ferne bewegen, werden sie immer kleiner. Wenn die linke Seite sichtbar wäre, würden wir sehen, dass Objekte oder, in diesem Fall, Rechtecke, kleiner werden, wenn sie in Richtung des linken Fluchtpunktes reisen. Das ist eine Ein-Punkt- und Zwei-Punkt-Perspektive. Die nächsten beiden Dinge, über die Sie wissen müssen sind, ob Ihr Standpunkt ein hoher Winkel ist oder nicht, oder ein niedriger Winkel ist. Dieses Konzept kann zunächst schwierig sein, denn wenn Sie an einen hohen Winkel denken, dann könnten Sie visualisieren, dass Sie auf etwas schauen. Aber eigentlich muss man sich vorstellen, dass die Kamera oder Sie selbst wirklich hoch sind und Ihr Blickwinkel nach unten schaut. Dann würdest du auf etwas hinabschauen. Die Horizontlinie und der Fluchtpunkt sind hoch. Lassen Sie uns den Fluchtpunkt leicht nach links legen. Ich verwende für dieses Beispiel eine Ein-Punkt-Perspektive. Nehmen wir an, die Szene, die wir zeichnen, ist ein Tisch in einem Raum. Ich werde nur dem Gitter folgen, den Tisch so zeichnen. Ich werde sogar das Raster verwenden, um den Boden zu zeichnen und die Bodenebene und die Wände anzuzeigen. Eine gute Möglichkeit, sich daran zu erinnern, wie man hohen Winkel zeichnet, ist, dass Sie immer die Spitze der Dinge sehen, wenn Sie diesen Winkel zeichnen. Zum Beispiel die Oberseite eines Stuhls oder die Oberseite des Tisches. Für einen niedrigen Winkel, denken Sie an sich selbst oder die Kamera als tief nach unten fast auf dem Boden und sie schaut nach oben. Ihr Standpunkt ist diesmal nach oben. Wenn Sie den Tisch wieder aus einem niedrigen Winkel zeichnen und dem Gitter folgen, wie Sie in diesem Winkel sehen können, werden wir tatsächlich die Unterseite der Tabelle sehen, wir sehen nicht die Spitze. So erinnere ich mich immer daran, wie man niedrige Winkel zeichnet, ist, dass ich nicht die oberen Oberflächen der Dinge sehe, ich sehe Dinge von unten. Diese vier Dinge, Ein-Punkt-Perspektive, Zwei-Punkt-Perspektive, ob es sich um einen hohen Winkel handelt oder ob es sich um einen niedrigen Winkel handelt, diese stellen meiner Meinung nach die wichtigsten Konzepte dar, die Sie verstehen müssen, und auf Ihre Zeichnungen anzuwenden. Ich habe Studenten jetzt gefragt, wie man zeichnet oder warum zeichnen wir diese extremen Winkel nicht mit Drei-Punkt-Perspektive, die völlig nach unten auf etwas schauen oder weit nach oben schauen, wie die Aufnahmen, die Sie in Spider-Man oder Action-Filmen sehen wie das. Die Sache, die ich sagen würde, ist, dass die meisten der Zeit Studenten, die versuchen, extreme Down-Shots mit komplexen mehreren Fluchtpunkten zu zeichnen , noch nicht gemeistert oder sogar verstanden haben, eine einfache Ein-Punkt-perspektivische Zeichnung. Ich erwähne, dass, um nicht kritisch zu sein, sondern nur um darauf hinzuweisen, dass Sie wirklich in der Lage sein müssen, eine einfache Ein-Punkt-perspektivische Zeichnung zu verstehen und zu zeichnen , bevor Sie für etwas gehen können , das extreme, komplexe Drei-Punkt-Ansicht ist Perspektive. Wenn Sie wirklich komplexe Aufnahmen wie diese zeichnen möchten, aber Sie nicht wissen, wie Sie eine Ein-Punkt-Perspektive zeichnen, werden Sie es nie richtig machen. Sie müssen zuerst Ein-Punkt- und Zwei-Punkt-Perspektive verstehen. Dann, wenn es darum geht, Drei-Punkte-Perspektive oder extreme Down-Aufnahmen, extreme Upshots zu zeichnen , werden Sie in der Lage sein, sie zu zeichnen, ohne etwas gelehrt werden zu müssen, denn diese vier Dinge sind zuerst die einfachen Bausteine. Ich wollte das wirklich erwähnen, und ich hoffe, es ergibt Sinn und ich hoffe, Sie verstehen, woher ich komme. Auch die andere Sache, die ich über Perspektive sprechen möchte , ist , dass Sie von Perspektive in Bezug auf den Story-Point denken müssen. Es gibt einfach keine Notwendigkeit, einen extremen Abschuss mit Drei-Punkte-Perspektive zu zeichnen , wenn die Geschichte nicht nach ihm verlangt. Ich weiß in so etwas wie Spider-Man, offensichtlich der Typ, der durch die Wolkenkratzer von New York schwingt, und ja, du wirst diese Schüsse definitiv brauchen. Aber denken Sie darüber nach, wann Sie ein Storyboard machen, wessen Standpunkt Sie zeigen? Denken Sie immer an Ihren Story-Punkt, wenn Sie Ihre Aufnahmen auswählen, und denken Sie an Ihren Story-Punkt, wenn Sie Ihre Perspektive wählen. Nun, da diese Grundlagen behandelt werden, möchte ich jetzt wieder in die wirklich grobe Zeichnung springen, die ich im letzten Video gemacht habe. Ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie Ihre Perspektive in Ihren groben Zeichnungen erarbeiten können. Es ist wirklich einfach Prozess. Zunächst einmal, wenn ich mir diese Zeichnung anschaue, werde ich feststellen, wo die Horizontlinie und die Fluchtpunkte sind. Nun für mich in dieser Zeichnung werde ich auf die grobe Zeichnung schauen und ich kann sehr grob sehen, dass ich aus einer Sicht gezeichnet habe, wo die Horizontlinie knapp über der Mitte des Rahmens lag. Ich weiß, dass, weil ich ein wenig von der Spitze des Schreibtisches sehen kann, ich die Oberseite des Fasses und der Truhe sehen kann, Dinge wie diese. Dann kann ich mein Gitter zeichnen. Obwohl ich diese Linien auf dem Boden habe , die aussehen, als ob sie der Perspektive folgen, werde ich sie tatsächlich vollständig ignorieren und einfach ein Raster erstellen, das sich von der Zeichnung unterscheidet. Ich möchte, dass es sich von der Zeichnung an dieser Stelle in allen Aspekten mit Ausnahme des Standpunkts unterscheidet . Ich passe das Gitter nicht an die grobe Zeichnung an. Ich werde mein Raster in und für sich selbst zeichnen, und dann passe ich die Zeichnung an das Raster. Sobald dieses Raster erstellt wurde, senke ich die Deckkraft der Ebene, dann werde ich die Ebene sperren und eine brandneue darüber erstellen. Dann werde ich auch die Deckkraft der groben Zeichnung, die hier in dieser Gruppe ist, senken. Sie können die Deckkraft einer Gruppe sowie nur einer Ebene verringern. Darüber hinaus werde ich die Elemente zeichnen, die ich in meiner Komposition ausgearbeitet habe. Diesmal werde ich genau dem Gitter folgen. Der Tisch, den ich so aufarbeiten kann. Nun, diese Zeichnung ist immer noch rau. Es ist keineswegs meine letzte Arbeit. Aber das ist mein nächster Schritt, wenn ich das für das Storyboard-Panel auszeichnen würde. Sie diese Arbeitsweise befolgen, ist das Wichtigste, um richtig zu werden, die Bodenebene. Sobald ich das reinkomme und die Wände und die Decke ausgearbeitet habe , weiß ich, dass die Zeichnung in Ordnung sein wird. In diesem Fall habe ich gekrümmte Wände, aber ich werde mir noch keine Sorgen darüber machen. Es ist wichtiger, zuerst die grundlegende Würfelform des Raumes zu erarbeiten. Sobald das erledigt ist, können alle Elemente auch dem Gitter folgen, wie die Truhe, die Fässer. Das sind wirklich die Grundlagen, wie man Perspektive in eine grobe Zeichnung einarbeiten kann. Sobald Sie die Konstruktionslinien herausgefunden haben, und wie gesagt, die grundlegende Würfelform des Raumes, kann alles andere dann an Ort und Stelle fallen, wenn Sie die Elemente jetzt mit Struktur neu zeichnen. Dieses Beispiel soll Ihnen zeigen, wie Sie ein Raster auf Ihre Grobzeichnung anwenden. Es ist nicht wirklich gedacht, um Ihnen zu zeigen, wie Sie ein komplexes Layout zeichnen. Denn zum einen, wenn ich das mache, sollte ich eigentlich Referenzbilder verwenden. Für diese Zeichnung sortiere ich das einfach und erstelle alle Elemente in der Zeichnung. Bedenken Sie das im Hinterkopf. Verwenden Sie dieses Beispiel, um zu verstehen, wie Sie zuerst Ihr grobes Bild für Ihre Komposition erarbeiten und dann die Perspektive darauf anwenden. 12. Tiefe, Skala und Tangenten: Das nächste Thema, über das ich sprechen möchte, ist, wie man Zeichnen mit einem Gefühl von Tiefe und Raum angehen kann, ohne dass man in präzisen Layouts zeichnen muss und jedes Mal ein perspektivisches Raster verwenden muss. Denn sehr oft, wenn Sie Storyboard-Panels schnell und wütend zeichnen, haben Sie nicht wirklich Zeit, ein richtiges Layout oder ein Hintergrunddesign mithilfe eines Rasters zu skalieren . Aber gleichzeitig wollen Sie in der Lage sein, realistisch mit einem glaubwürdigen Sinn für Maßstab und Tiefe zu zeichnen. In diesem Video werde ich ein wenig darüber reden und einige Konventionen und aus Kurzhadern erklären , mit denen Sie arbeiten können, um genau das zu tun. Ich habe eine Standardleinwand hier in Photoshop. Es ist etwa 1920 mal 1080. Wieder gehe ich zum Auswahlwerkzeug für Auswahlrahmen hier oben, rechteckigen Rahmen, und klicke einfach und ziehe einen Bereich wie diesen heraus. Gehen Sie zu „Bearbeiten“ und wählen Sie „Kontur“, und drücken Sie dann Befehl oder Strg D, um die Auswahl aufzuheben. Das wird mein Rahmen sein, in dem ich unsere Schließfächer zeichnen und darüber eine neue Ebene erstellen werde. Im vorherigen Storyboard-Kurs habe ich den Schülern eine Aufgabe gegeben, um Ihre Fähigkeit zu testen, mit Tiefe und Maßstab zu zeichnen. Die Herausforderung bestand darin, eine Bauernhofszene mit einigen einfachen Elementen wie einer Scheune zu zeichnen. Ich werde hier drüben in einer Scheune skizzieren. Sagen wir, es hat eine Tür. Das war's auch. Dann war ein weiteres Element, das Sie verwenden könnten, sanften Hügeln im Hintergrund. Wir machen einfach ein paar Hügel so rüber. Dann natürlich, wenn es ein Bauernhof ist, wird es Felder haben. Ich ziehe hier nur ein paar Fechten ein. Nehmen wir an, wir sehen Zäune, die da herumkommen. Sagen wir, das ist ein Tor, und wir können einfach die Straße so abfahren lassen. In Bezug auf Überlappung habe ich die Hügel im Hintergrund benutzt, ich habe die Scheune und den Zaun benutzt. Das alles funktioniert sehr gut, um ein Gefühl der geschichteten Perspektive zu schaffen, ohne, wie ich sage, alle voll auf das Zeichnen eines Rasters gehen zu müssen. Sie können sehen, dass diese Scheune eine sehr einfache Zwei-Punkte-Perspektive verfolgt , ohne zu viel aufarbeiten zu müssen. Wenigstens können wir die Front sehen und die Seite sehen. Ich weiß nicht, ob es Fenster in einer Scheune gibt. Ich bin mir nicht sicher. Setzen wir einfach ein Fenster rein, nur um auf der sicheren Seite zu sein. Nun, um diesen einen Schritt weiter zu gehen, würde ich auch vorschlagen, dass Sie ein Gefühl der Skalierung geben können , indem Sie zwei oder drei ähnliche Objekte verwenden. Also zwei oder drei Dinge, die genau gleich sind. Ein offensichtliches Beispiel dafür ist die Verwendung eines Baumes. Hier drüben, wenn ich einfach schnell in einem Baum skizziere , werde ich „E“ auf meiner Tastatur drücken. Verringern Sie die Größe, indem Sie die offenen eckigen Klammern verwenden und nehmen Sie einfach die Zeile dort heraus. Ich werde „B“ drücken, zurück zum Pinselwerkzeug wechseln, den Baum beenden. Sagen wir, der Baum ist da. Wir haben einen Baum dorthin gelegt. Wenn ich nun ein Element wie dieses in den Vordergrund stellen würde, ist die Art und Weise, wie dies funktioniert, dass das Auge dies sofort als Baum lesen wird, obwohl wir nur ein winziges Stück davon sehen, weil es einen Baum bereits in voller Ansicht Da hinten im Hintergrund, wird das Auge des Publikums wissen, dass dieses Element hier, das wir der Nähe sehen, dasselbe ist, es ist ein Baum. Das geht sofort kompositorisch weit , um Tiefe und Maßstab für den Betrachter zu etablieren. Es ist eine wirklich einfache Kompositionstechnik, zwei oder drei Elemente zu verwenden , die ziemlich gleich sind, und dann nur einen Teil von einem zu verwenden, weil die volle Ausdehnung der anderen bereits gezeigt wird. Eine andere Sache, die Sie tun können, ist, dass Elemente wie diese in der Nähe des Vordergrunds hilft, Ihre Komposition einzurahmen. In gewisser Weise ist dieser Baum, wenn man diesen Bereich hier umrahmt, die Äste und die Blätter zeigen nach unten auf uns, weil das Auge des Betrachters entlang dieses Baumes und in dieses Interessengebiet wandert. In dieser sehr einfachen Szene könnte man sogar das Gleiche mit dem Zaun machen, man könnte anfangen, den Zaun zu skalieren und vielleicht einzusetzen, ich bin mir nicht sicher, ich habe nicht wirklich herausgearbeitet, woraus dieser Zaun besteht. Sagen wir, es besteht aus diesen Holzstangen und einem Draht, der durch geht, so. Ein bisschen Stacheldraht. Aber da bekommst du die Idee. Wieder, es führt nur das Auge in als Rahmengerät, und es bezieht sich auch auf diese weit entfernten Elemente hier und sagt dem Publikum, dass dies in unserer Nähe ist und das ist weit weg. Es klingt ein bisschen simpel, aber ich denke kompositorisch, dass es ein wichtiges Konzept ist, an Bord zu nehmen und zu versuchen, so viel wie möglich in Ihre eigenen Zeichnungen zu arbeiten. Nun haben einige Studenten mich gefragt, ob die Verwendung des Konzepts der atmosphärischen Perspektive auch dazu beitragen kann, Tiefe und Maßstab in Ihrer Komposition zu bestimmen oder zu beschreiben. Atmosphärische Perspektive ist, wenn Dinge, die weiter entfernt sind, leichter erscheinen und Dinge, die näher an der Kamera oder näher an Ihnen sind, dunkler erscheinen. Könnte auch über die Dinge nachdenken, die näher an Ihnen sind, haben höheren Kontrast und die Dinge, die weiter entfernt sind, haben einen niedrigeren Kontrast, und das ist, was macht sie aussehen heller im Ton. Ich persönlich würde sagen, dass ich das nur zum Malen benutze. Für die Zeilenarbeit wird es nicht wirklich auf die gleiche Weise gelesen. Es wird nur ein wenig seltsam aussehen, wenn Ihre Linienarbeit in bestimmten Bereichen Ihrer Zeichnung Freizeit ist und dann dunkler für die Dinge, die näher an der Kamera sind. Ich werde Ihnen nur zeigen, was ich meine, wenn ich diesen Abschnitt der Zeichnung auswähle, so dass diese Elemente im Follow-up im Hintergrund ein wenig sind, also mit dem ausgewählten, so dass diese Elemente im Follow-up im Hintergrund ein wenig sind, also mit dem ausgewählten,werde ich „Befehl“ oder „Control X“ auf meiner Tastatur drücken, um es aus dieser Schicht. Ich werde „Command Shift V“ drücken, um es an Ort und Stelle einzufügen, und jetzt befindet es sich auf einer brandneuen Ebene über der oberen Ebene. Wenn ich die Deckkraft auf etwa 60 oder sogar 70 Prozent senke , kann man sehen, was ich meine. Es sieht ein bisschen seltsam aus. Ich verstehe, dass Sie versuchen, den Eindruck zu erwecken, dass die Dinge weiter weg sind. Für mich funktioniert es jedoch nicht unbedingt. Was ich denken würde, wäre eine viel effektivere Verwendung, den Eindruck von Tiefe in Ihrer Linienarbeit zu geben, ist tatsächlich , dass die Dinge , die näher an Ihnen sind, eine dickere Linie haben. Elemente, die so im Vordergrund stehen, könnten Sie diese Dinge etwas mehr von einer dickeren Linie haben, und dann haben die Elemente, die weiter entfernt sind eine dünnere oder hellere Linie, wenn sie sich in die ferne Entfernung bewegen. Für diesen Baum könnten wir diese Linie nur ein bisschen dicker machen sie nicht vollständig übertreiben. Ich meine, Sie möchten immer noch, dass das Bild ein bisschen Kohäsion und Lesbarkeit hat , aber es ist schön, diese Vordergrundelemente zu betonen, indem Sie im Vergleich zu der Linienarbeit ein bisschen dickere Linie verwenden, die ist im Rest der Komposition. Dies gilt insbesondere für Dinge, die wiederholt werden. Angenommen, Sie hatten Grashalme im Vordergrund. Sie könnten eine dickere Linie für Ihre Grashalme wie diese verwenden, und dann dünnere und offensichtlich kleinere Linien als ob Sie Gras angeben wollten, wenn es sich zurück in die Bildebene bewegt. So würde ich es behandeln. Ich würde Dinge, die weiter entfernt sind, eine dünnere Linie haben und die Elemente, die näher sind, etwas eher eine dickere und ausgeprägtere Linie. Das letzte, worüber ich sprechen möchte, sind Tangenten, und das ist etwas, worüber ich im vorherigen Storyboardkurs keinen großen Punkt gemacht habe , aber es kam ein paar Mal auf, also dachte ich, das würde eine gute Gelegenheit sein, es anzugehen. Ich möchte Ihnen erklären, was Tangenten sind, wie Sie sie in Ihrem Kunstwerk vermeiden können, und ich möchte auch darüber sprechen, ob sie wirklich so wichtig sind oder nicht. Eine Tangente ist ein kompositorisches Element, oder ich sollte sagen, es ist ein Fehler in Ihrer Komposition. Dort treffen sich zwei Linien und erzeugen eine neue gerade Linie. Dort berühren sie sich, aber sie kreuzen sich nicht. Lassen Sie mich das nur ein bisschen klarer erklären. Diese Zeilen hier, du hast eine Zeile, die so läuft und eine so läuft. Eigentlich sollte ich das auf eine neue Ebene legen. Diese Linie, die diese Linie trifft, ist eine Kreuzung, also ist es keine Tangente, aber wenn wir greifen würden, sagen Sie die Linie, die den Berg schafft, wenn ich das einfach packe, und wenn ich es nach oben bewegen würde so sagen wir, ich habe mein Bild zunächst mit dem Berg ein bisschen höher auf dieser Seite, wo die Linie des Berges auf die Spitze der Scheune trifft, das ist eine Tangente. Wir sind wieder auf der obersten Ebene. Es schneidet nicht die Scheune, es trifft sie und schafft eine neue gerade Linie. Was dies tut, ist, dass es die Wirkung hat, Ihre Komposition zu verflachen, und deshalb werden Tangenten als so schlecht angesehen. Sie können hier auch ein bisschen eine Tangente sehen, wo es eine aufrechte ist. Einer der Pfosten des Zauns trifft auf diese Linie zurück, die eine Tangente erzeugen wird. Alles, was sich schneidet, ist in Ordnung, also sind diese Linien alle in Ordnung. Ich sehe hier keine anderen Tangenten, aber hoffentlich bekommst du die Idee. Das ist es, was Sie in Ihrem Kunstwerk zu jeder Zeit vermeiden möchten. Jetzt werde ich dir etwas sagen, das du nicht oft hörst, aber ich will, dass du es verstehst. Tangenten sind eigentlich nur sehr kleine, unbedeutende Fehler in Ihrer Zeichnung. Ich werde Ihnen nicht sagen, wenn Sie eine wirklich gute Zeichnung gemacht haben, dass Ihre Komposition schlecht ist, nur weil es eine Tangente gibt. Sie sind eigentlich nicht so groß in Bezug auf Ihre Zeichnung. Was Sie jedoch wissen müssen, ist, dass jeder andere, der weiß, auf Tangenten zu achten , sie sofort erkennen wird und Sie unweigerlich auf sie hinausrufen wird. Das ist eigentlich der Grund, warum Sie sie am meisten vermeiden wollen, ist, weil Sie den ganzen Tag lang auf einem wirklich schönen, extrem gut komponierten, sehr detaillierten Hintergrund arbeiten können, und nur eine kleine Tangente zu haben bedeutet, dass Ihre Arbeit für Revisionen von Ihrem Art Director, Ihrem Vorgesetzten oder Ihrem Regisseur zurückgeschickt wird. Die bestmögliche Strategie besteht darin, über Tangenten zu wissen und sicherzustellen, dass sie sich nicht in Ihrer Zeichnung befinden, so dass Sie bei der Übergabe sein können und sicher sein können, dass Sie keine Revisionen erhalten, weil es genau so ist, wie ich sage: die einfachste und einfachste Sache, in jemandes Kunstwerk zu finden und es zurück zu senden, so vermeiden Sie sie einfach aus diesem Grund allein. 13. Einführung in das Zeichnen von Sequenzen: Bisher habe ich Sie in diesem Kurs durch einige der üblichen Zeichnungskonventionen für Charaktere und Hintergründe geführt. Als Boardkünstler müssen Sie in der Lage sein, beide Elemente schnell, klar und dynamisch in Ihren Storyboards zu zeichnen . Ich möchte einen Punkt ansprechen, der oft dazu kommt, und das heißt, müssen Sie in der Lage sein, detaillierte vollständige Layouts und Hintergründe für jedes Storyboard-Panel zu zeichnen ? Müssen Sie in der Lage sein, Modellblätter und vollständig fertige Charakterdesigns zu zeichnen ? Die Antwort lautet „Nein“. Generell müssen Sie wirklich nur vorgeschlagene Hintergründe in Ihren Storyboards zeichnen oder wenn Sie an einer animierten TV-Show arbeiten, ist es wahrscheinlich, dass Sie das Layout erhalten, das bereits entworfen und erstellt wurde und erhalten Sie auch die Charaktere und ihre Modellblätter. Dann wird Ihre Aufgabe darin bestehen, sowohl diese Layouts als auch diese Modellblätter zu verwenden , um das Storyboard zu zeichnen. Denken Sie daran, dass Sie das Layout zeichnen müssen, das Ihnen aus verschiedenen Blickwinkeln gegeben wird, und Sie werden die Charaktere, die Ihnen in verschiedenen Posen gegeben wird, zeichnen müssen . Außerdem müssen Sie in der Lage sein, all diese Dinge sehr schnell und sehr korrekt zu zeichnen. All das bedeutet, dass, obwohl Sie keine detaillierten Layouts für Ihre Storyboards zeichnen müssen, Sie wirklich in der Lage sein, dies zu tun. Lassen Sie uns nun weitermachen und schauen, wie Sie all Ihre Zeichenfähigkeiten auf Storyboards einbringen können . Wie wenden Sie Ihre Zeichenfähigkeiten auf ein Skript an? In diesem Abschnitt von Videos werde ich die grundlegenden Kamerawinkel und Aufnahmen zusammenfassen , die im Erzählfilm und in der Animation verwendet werden. Ich werde auch mit Ihnen einige Tipps teilen, die Regisseure oft Story-Artists geben. Außerdem werden wir uns ansehen, wie viele Panels Sie pro Szene zeichnen möchten. Dann gehen wir schließlich über einige Musterbretter und haben einen Überblick über die Arbeit der Schüler. 14. Übersicht über Einstellungen und Blickwinkel: In diesem Video werde ich Ihnen einen kurzen Überblick über die verschiedenen Arten von Aufnahmen geben , die Sie verwenden könnten, um Ihre visuellen Geschichten zu erzählen. Dies wird eine Auffrischung auf das, was ich im ersten Storyboardkurs viel ausführlicher behandelt habe . Aber ich wollte die Gelegenheit nutzen, jetzt zusammenzufassen, da es sich sehr stark auf das Zeichnen bezieht, denn bis jetzt haben Sie Ihre Zeichenfähigkeiten für Charaktere und Hintergründe aufgebaut und Sie müssen sie jetzt auf visuelle Geschichtenerzählen. Sie müssen diese Zeichenfähigkeiten verfeinern eine Geschichte in einer überzeugenden Weise zu erzählen, und um das zu tun, müssen Sie die verschiedenen Arten von Aufnahmen verstehen, die Ihnen zur Verfügung stehen. Diese sechs Aufnahmen, die ich hier habe, sind so ziemlich die wichtigsten Storytelling Aufnahmen, die in Film oder Animation verwendet werden. Ich werde jede von ihnen kurz durchgehen und einfach erklären, wann und wie Sie sie verwenden. Die Einspielung wird offensichtlich am Anfang von Filmen verwendet. Es ist diese sehr weitläufige Aufnahme, die Sie zu Beginn eines Films sehen. Es kann auch zu Beginn einer Sequenz verwendet werden. Wenn Sie eine Menge Action hatten und Sie den Betrachter so atmen wollen , wo sie sind, können Sie zurück zur Gründung Schuss gehen. Das ist wirklich das, was das macht. Es teilt dem Betrachter mit, wo die Aktion stattfindet. Der nächste ist der Wide Shot. Das Wide wird genauso genutzt wie die Einspielung, es dem Publikum etwas über die Landschaft oder etwas über den Ort erzählt . Dies kann jedoch häufiger während der gesamten Sequenz verwendet werden als der Einführungsschuss. Sie können sich das vorstellen, da es ein visuelles Storytelling Muster gibt , das als fortschreitend nach innen bekannt ist, so dass Sie sich der Wide Shot als der nächste Schritt in Richtung der Szene nach dem Einführungsschuss vorstellen können . In der Tat nehmen alle diese ziemlich viel den Betrachter schrittweise nach innen und Sie werden oft sehen, die breite Aufnahme direkt nach dem Einführungsschuss verwendet wird. wir nun festgestellt haben, wo die Szene ist, gehen wir ein wenig weiter in die Szene und beginnen die Geschichte mit anderen Worten. Ich habe im letzten Storyboard-Kurs erwähnt, dass diese beiden Aufnahmen so ziemlich mit der Landschaft und der Umgebung der Geschichte verbunden sind, wie zum Beispiel, wo die Aktionen stattfinden und dass die folgenden vier Aufnahmen für -Zeichen. Es ist keine harte und schnelle Regel, wie Sie lange Aufnahmen oder mittlere und Nahaufnahmen und extreme Nahaufnahmen von Objekten in einer Szene, oder Teile der Landschaft oder Teile des Raumes, in denen die Aktion stattfindet, haben können. Es muss sich nicht nur auf Charaktere beziehen. Aber es ist eine gute Möglichkeit, über Storytelling nachzudenken, weil Sie immer wieder auf die Tatsache zurückkommen, dass der Charakter die Geschichte antreibt. In jedem einzelnen Film oder jeder visuellen Geschichte, die man sich vorstellen kann, ist es in der Regel der Charakter, der die Geschichte antreibt. Deshalb sind diese Aufnahmen wichtig, um in Bezug auf Charakterbögen und Charaktergeschichten zu verstehen, weil sie verwendet werden können, um Ihr Thema zu verstärken und vor allem, um die Identifikation des Publikums mit Ihren Hauptfiguren zu etablieren. Nachdem all das gesagt, ist der lange Schuss, der nach dem breiten ist, mit Charakter verwandt. Es zeigt die volle Länge des Zeichens an. Sie werden den Charakter von Kopf bis Fuß sehen. Es wird oft als Ganzkörperschuss bezeichnet. Dies wird verwendet, wenn es viel Action in der Szene gibt oder wenn es Bewegung gibt, wenn der Charakter herumläuft. Sie möchten in der Lage sein, die gesamte Länge des Zeichens anzuzeigen , damit die Aktion lesbar ist. Dann danach ist der mittlere Schuss. Der mittlere Schuss ist so ziemlich der absolute Standardcharakterschuss, würde ich sagen. Es zeigt einen Charakter von knapp unterhalb der Taille und bis zum Kopf und es wird verwendet, weil mit diesem Setup, können wir immer noch die Emotion deutlich auf dem Charakterraum lesen, aber es ist immer noch breit genug, um handeln, wenn er braucht, und vor allem, um seine Hände zu benutzen. Jedesmal, wenn es einen Schuss oder eine Szene gibt, wo der Charakter etwas mit seinen Händen tut, dann gehen Sie für den mittleren Schuss. Die Nahaufnahme ist in der Regel nur mit dem Kopf und den Schultern verbunden. Diese Aufnahme ist die wichtigste, um Emotion auf dem Gesicht des Charakters zu etablieren und dem Publikum zu erlauben , diese Emotion zu lesen und sich mit dem Charakter zu identifizieren. Ich werde sagen, dass viele Leute dazu neigen, ein bisschen zu nahe zu gehen, wenn sie Nahaufnahmen zeichnen , und ich würde Sie ermutigen, sich der Tatsache bewusst zu sein, dass so etwas vielleicht zu nah ist. Sie wollen dem Charakter Raum geben, sehen Sie die Oberseite des Kopfes, sehen Sie seine Schultern, und auch Raum, wenn er in der Aufnahme herumlaufen muss. Dann endlich, die extreme Nahaufnahme, das ist, wenn man ganz nah dran gehen kann. Man könnte sogar so nah wie die Augen hineingehen, wenn man die Emotion wirklich nach Hause fahren oder die Emotion in der Szene erhöhen wollte. Es ist eine sehr klaustrophobische Aufnahme, deshalb funktioniert es nicht so nah an einer regelmäßigen Nahaufnahme, weil es dazu neigt, dass das Publikum ein wenig erstickend oder desorientiert fühlt, wenn es so nah kommt. Es wird wirklich verwendet, um die Emotionen der Szene zu unterstreichen. Wieder, nur um mich zu wiederholen, kann es auf einem Objekt oder einem Teil einer Szene oder so etwas verwendet werden. Es ist nicht nur für Charaktere. Man hört oft mich und andere Leute reden über Kamerawinkel, Kameraaufnahmen und es scheint, als wäre es ein wenig austauschbarer Begriff. Eine Kameraaufnahme beschreibt die Größe der Ansicht, die wir sehen. Denken Sie darüber nach, ob es sich um eine Weitsicht, eine Nahaufnahme, eine extreme Nahaufnahme und ein Kamerawinkel beschreibt die Platzierung der Kamera relativ zu dem, was wir sehen. In jedem einzelnen dieser Aufnahmen ist der Kamerawinkel gerade eingeschaltet. Es ist sehr generisch. Die Horizontlinie befindet sich in fast jedem einzelnen in der Mitte meiner Aufnahme. Das ist vielleicht ein bisschen nach unten. Es sieht so aus, als hätte ich es gezeichnet, als ob wir nach unten schauen würden. Aber zurück zu diesem hier, diesem und diesem hier, das sind alles regelmäßige Winkel. Wie ich im früheren Video zum perspektivischen Zeichnen erklärt habe, können Sie einen hohen Winkel und einen niedrigen Winkel haben. Nur um zusammenzufassen, ist der hohe Winkel, wenn Ihre Kamera hoch oben auf die Szene schaut. Hätten wir einen hohen Winkel von einer Einspielung, wäre mein Montage-Bereich hier oben, mein Horizont wäre da oben, und ich würde viel mehr von der Grundfläche sehen. Ich würde immer noch meinen Baum sehen und ich kann den Kaktus im Vordergrund haben, aber es gibt viel mehr Sicht auf die Grundebene. Dann einen niedrigen Winkel, wenn Sie Ihre Kamera unten niedrig, dann würden wir weniger von der Erde sehen. Die Grundebene wäre viel tiefer nach unten. Sagen wir mal, wenn ich diesen Großschuss zeichne, hätte ich meine Berge weit unten am Horizont und am Baum. Wir schauen von unten auf den Baum dort und dann einen anderen Winkel, den Sie verwenden können, nennt man den niederländischen oder geneigten Winkel und das ist, wenn die Horizontlinie geneigt ist, etwas so. Wenn Sie den Betrachter wirklich desorientieren wollen, könnten Sie so etwas tun. Eigentlich ist dieser geneigte Winkel eine wirklich schöne Option zu verwenden, wenn Sie es einfach mischen wollen und nicht alles so langweilig und tot-on gerade aussehen. Sie können den Winkel einfach so kippen und sofort gibt dies viel interessanteres Gefühl. Es ist viel dynamischer. Kompositionell funktioniert es wirklich gut. In der Tat, für Leute, die diese sehr extremen Hochschüsse oder extrem niedrigen Winkelaufnahmen verwenden wollen diese sehr extremen Hochschüsse oder , über die ich zuvor gesprochen habe, könnten sie stattdessen einen niederländischen oder geneigten Winkel verwenden , um zu vermitteln, dass Unstetigkeit und diese dynamische Qualität ihren Aufnahmen zu vermitteln, ohne sich in komplizierten perspektivischen Rastern zu verfangen zu müssen. Das ist etwas zu beachten. Ich würde auf jeden Fall vorschlagen, das zu tun. Ich bin mir nicht sicher, warum es ein niederländischer Winkel genannt wird, aber das ist der Filmbegriff, und denken Sie daran, dass es der Kamerawinkel ist oder die Kamera geneigt ist. Da du an diesem Kurs teilst und es wahrscheinlich ist , dass du meine anderen Storyboard-Kurse besucht hast, weiß ich, dass du bereits einen sehr scharfen visuellen Sinn und ein wirklich gutes Verständnis für filmische Bildsprache hast. Sie wissen wahrscheinlich sehr instinktiv, wie man einen Film liest und können die Geschichte in Bezug auf Aufnahmen visualisieren. Ich habe sicherlich gesehen, dass in den letzten Monaten mit Studentenaufträgen, dass sie selbst bei Menschen mit sehr rudimentären Zeichenfähigkeiten immer noch diesen unglaublichen visuellen Storytelling Sinn haben und in der Lage sind Aufnahmen und Kamera zu sehen Winkel in einer sehr anspruchsvollen Art und Weise. Es ist wichtig zu wissen, warum die Aufnahmen, die Sie für Ihre Storyboards auswählen , funktionieren und wie sie zusammenpassen. Dies wird Ihnen helfen, gute Sequenzen zu erstellen, denn wenn Sie diese visuellen Motive von Aufnahmen und Winkeln fließend kennen und wenn Sie wissen, warum sie funktionieren, dann können Sie beginnen, Muster zu erstellen und Ihre eigenen speziellen Stil als Filmemacher, als Animator und als Story-Artist. Das Wichtigste ist, dass jeder Schuss in eine Gesamtsequenz passt, und jede Sequenz passt in einen größeren Abschnitt oder eine Handlung innerhalb Ihres Skripts, und jede davon passt in die gesamte Geschichte. Dies wird Ihnen eine Vorstellung davon geben, wie Sie Ihre Aufnahmen für Ihre Story-Punkte auswählen können. Wie ich schon sagte, wenn Sie einen extremen Schuss wollen, fragen Sie sich einfach, was ist der Story Point der Szene? Passt es tatsächlich in den Story-Point? Vielleicht gibt es noch einen Schuss, der die Ideen, über die Sie sprechen möchten, oder die Idee, die Sie erklären, geschickt unterstreicht . Im nächsten Video werde ich über einige Top-Tipps sprechen, die am häufigsten Storyboard-Künstler gegeben werden , um ihre Arbeit zu verbessern , und es kommt wirklich alles zurück auf diese Idee, Ihre Aufnahmen zu verwenden, um die Geschichtenpunkt. 15. Tipps von Regisseuren für Storyboard-Künstler: Jetzt möchte ich ein paar Tipps mit Ihnen teilen, wie Sie Ihr Storyboarding von einem professionelleren Niveau erreichen können. Dies sind Tipps, die sehr oft von Regisseuren an Storyboard-Künstler gegeben werden. Es sind nicht wenige, ich denke, ich habe nur etwa vier Tipps für dich, aber sie sind wohl wissenswert. Sie gelten für alle Storyboards, an denen Sie arbeiten möchten, und ich denke, viele Anfänger Storyboard-Künstler sind sich der einfachen Hacks nicht voll bewusst , die Sie wirklich verwenden können, um Ihr Storyboarding zu verbessern. Sie darüber Bescheid wissen, können Sie Ihre Storyboards zeichnen und es wird auch helfen, die Anforderungen Ihres Regisseurs zu verhindern. ist auch sehr gut zu wissen, was der Regisseur aus dir heraus will. Mein erster Tipp ist es, wirklich für die über-Schulter Schuss zu gehen , wenn Sie Einsteigen Dialoge Sequenzen. Ich sehe das oft für Anfänger Storyboard-Künstler, wo sie haben, sagen wir zum Beispiel, so etwas, was ich hier habe, zwei Leute reden und sie werden den Dialog zeigen oder sie werden den Dialog aussteigen zeigt nur ein Zeichen nach dem anderen. Offensichtlich, wenn wir uns diese Sequenz ansehen, können wir sagen, dass dieser Kerl das ganze Reden macht und der Kerl nur zuhört. Aber denken Sie sorgfältig über die Dynamik, die zwischen zwei beliebigen Charakteren im Spiel ist. Eine, die wirklich helfen wird, die Dynamik und die Interaktion zu etablieren , ist, ein wenig von Kopf und Schultern des anderen Kerls zu zeigen. Es treibt dem Publikum die Beziehung zwischen diesen beiden nach Hause und es ist eine sehr gute Möglichkeit, diese Beziehung aufzubauen. Außerdem kann es auch verwendet werden, um jede Spannung zwischen ihnen zu unterstreichen. Wenn ich das beheben sollte, würde ich vielleicht diesen Kerl über ein wenig bewegen und in den Kopf und Schultern dieses anderen Charakters sofort hinzufügen , ändert es die Dynamik dieser einfachen Szene, die es viel stärker macht. Ich denke, es fügt wirklich zu dieser Interaktion hinzu, was passiert. Dieser Kerl plaudert und dieser Kerl hört zu und selbst hier kann er immer noch reden und diesen Kerl nur zuhören, ein besseres Verständnis und eine bessere Verbindung zwischen den beiden Charakteren, die dann dem Publikum hilft, zu lesen die Szene viel besser. Die andere Sache ist, dass diese Dynamik, die mit einem über-Schulter Schuss etabliert wird, wirklich jede Spannung zwischen den Charakteren unterstreichen kann. Zum Beispiel, wenn wir uns diese Reihe von Thumbnails ansehen , die ich in der früheren Storyboarding-Kurs gemacht habe, diese Dialogsequenz hier zwischen dem Sheriff geht diese Dialogsequenz hier zwischen dem Sheriff und dem Barmann entlang, um das zu demonstrieren. Dieser Schuss hier wird wahrscheinlich technisch gesehen ein Zwei-Shot genannt, also sind beide Charaktere gleich im Schuss, aber dann bewegen wir uns in ein bisschen über-Schulter Schuss, wir schneiden zurück zu seiner Reaktion und dann haben wir das über die Schulter Schuss . Ich mag das, weil es hilft, festzustellen , dass dieser Kerl in einer etwas schwächeren Position ist. Wenn ich nur eine neue Ebene erstelle, werde ich eine andere Farbe greifen. Sie werden sehen, dass Appleby, der Barkeeper, so ziemlich in jedem Schuss diesen Bereich des Rahmens einnimmt. Während der Sheriff die obere linke Ecke des Rahmens einnimmt , und in diesem Fall noch mehr von uns. Das ist nur ein subtiler visueller Hinweis für das Publikum , dass die Dynamik am Spiel hier Weg ist, sollte in Richtung dieses Himmels. Die Über-Schulter-Aufnahme zeigt dem Publikum, was die Figur ansieht , und es zeigt entscheidend den Charakter im Akt des Blicks. Verbessert nur die Identifizierung der Zeichen. Nun ist der nächste Tipp einer, der oft von Regisseuren an Storyboard-Künstler gegeben wird, und das ist, breiter auf die Action zu schneiden. Was ich damit meine, ist, dass, wenn es in einer Szene zum Beispiel hier Action gibt, ich denke, dass diese beiden Aufnahmen etwas breiter sein sollten. Es ist sehr eng und fast klaustrophobisch, wenn man sich diese beiden Schüsse anschaut. Du hast drei Charaktere hier drin, etwas ist los. Sie drehen sich um, weil diese Jungs reingekommen sind, aber es liest nicht wirklich gut. Wenn wir uns dieses Beispiel hier ansehen, ist das jetzt viel besser. Wir gehen von der Nachfolge oder einer Reihe von Nahaufnahmen und in diesem Schuss Tucker, der Sheriff, wird vor Gretta treten und versuchen, die Situation zu bewältigen, indem er breiter schneidet. Sie haben nur viel mehr Platz für die Charaktere zu handeln und sich zu bewegen. Das ist, was gemeint ist, indem man die Aktion breiter einschneidet, und es ist nur etwas, das man im Hinterkopf behalten muss. Viele Leute werden automatisch für die Nahaufnahmen eingehen, vielleicht liegt es daran, dass sie die Geschichte verbessern oder die Emotionen der Szene verbessern wollen, aber im Allgemeinen für so etwas, das breitere Schneiden ermöglicht tatsächlich die Aktion zu spielen in einem viel klar weg. Mein dritter Tipp ist etwas, das ich im letzten Video erwähnt habe und das ist, um den geneigten Winkel oder den niederländischen Winkel zu verwenden. Auch hier kann die Verwendung von geraden auf gewöhnlichen kompositorischen Winkeln , in denen die Kamera direkt vor Charakteren ist, dazu neigen, etwas langweilig zu sein. Das ist ein ziemlich schöner Winkel. Es ist ein bisschen wie ein Abschussschuss. Die Sache eines geneigten oder niederländischen Winkels ist, dass er diagonale Linien erzeugt, und das sind die kompositorischen Elemente, die einen Betrachter interessieren oder das Publikum ansprechen. Ich habe eine Reihe von groben Thumbnails hier und ich wollte dir nur zeigen, wie effektiv dieser Schuss hier runter ist. Wir gehen von sehr Standardaufnahmen, Nahaufnahmen, Kameras alle auf der gleichen Ebene, und dann hier hat er die Kamera leicht geneigt, so dass wir ein wenig vom Boden sehen und diese Linien hier zur Tür führen. Es hat nur den Effekt, dem Drama beizutragen und dieses Gefühl von Ungleichgewicht und Spannung zu erzeugen. Wie ich sage, diese diagonalen Linien sind wirklich gut in jeder Zeichnung, in jeder Komposition, um die Augen des Betrachters zu führen wo der Bereich des Interesses ist, der in diesem Fall die Tür ist. Sie rennen aus der Tür. Denken Sie daran, einen geneigten oder niederländischen Winkel zu wählen, wann immer Sie Ihre Komposition verbessern möchten oder ein bisschen mehr Interesse in Ihre Tafeln hinzufügen möchten. Der letzte Tipp, der in jeder Arbeit ziemlich Standard ist, ist daran zu denken, Elemente Ihrer Komposition zu verwenden, um Ihre Charaktere zu rahmen. Dies wird nur immer für ein viel stärkeres Bild und einen viel stärkeren Schuss sorgen. Wenn du einige Dinge im Vordergrund stellst oder Objekte innerhalb der Aufnahme verwendest, um deinen Charakter zu rahmen, dann wirst du es wirklich gut machen. Zum Beispiel, in dieser Aufnahme hier, diese diagonale Linie des Geländers und dieser Charakter hier perfekt umrahmt diesen Bereich von Interesse. Es führt unsere Augen auf den Charakter des Sheriffs und geht dann durch die Szene und geht weiter zum nächsten Panel. Was das hier tut, und wie ich sage, ihr direktionaler Blick ist vorrangig, Sheriff nahm sie herein. Das ist sehr schönes visuelles Geschichtenerzählen. Es ist nur ein einfaches Beispiel, aber du hast gesehen, wie ich es immer wieder mache, sogar hier oben, wo ich Elemente in den Ecken verwendet habe , um alles zu rahmen, was in der Mitte passiert. Wieder, in diesem Abschnitt oder in diesem Panel, hier ist das Geländer die Treppe hinauf, schafft diese wirklich schöne diagonale Linie und rahmt das Auge des Betrachters in Richtung dieser beiden Charaktere. Es ist ein perfektes Setup für die darauffolgende Dialogsequenz. Das sind meine Top-Tipps, um Storyboards zu zeichnen und deine Sequenzen auszubauen. Im nächsten Video werden wir einen Blick auf einige Schülerarbeiten werfen und einige der Storyboards überprüfen, die in Bezug auf von Sequenzen und das Erstellen dynamischer Storytelling durch Ihre Shot-Entscheidungen. Wir sehen uns im nächsten Video. 16. Kursprojekt: Gut gemacht, um bis zum Ende des Kurses zu gelangen. Ich bin wirklich stolz auf dich, dass du das den ganzen Weg durchgesehen hast. Ich hoffe, Sie haben es genossen und ich hoffe, dass Sie etwas Nützliches gelernt haben. Ich möchte Ihnen jetzt das abschließende Klassenprojekt vorstellen. Wie ich bereits erwähnt habe, wird dies ein sehr lustiges Projekt für Sie sein, alles zu übernehmen und anzuwenden , was wir bisher im Kurs zum Storyboarding eines Skripts von Grund auf behandelt haben. Was ich getan habe, ist, dass ich dir einen Ordner in deinem Download-Bereich hinterlassen habe. Sie werden in der Lage sein, all diese Vermögenswerte zu finden. Zunächst einmal finden Sie Ihr Skript. Ich habe sowohl eine PDF- als auch eine Word-Dok-Version hinterlassen. Wenn Sie nicht auf diese zugreifen können, lassen Sie es mich wissen und ich werde Ihnen ein anderes Sortierformat senden. Was Sie finden, ist, dass es so ziemlich eine Seite des Skripts ist. Ich möchte nur darauf hinweisen, dass Sie diese ganze Seite nicht Storyboard machen müssen. Sobald Sie anfangen, in die Details zu wählen, werden Sie sehen, dass es eine ganze Menge, die in nur einem einfachen One-Pager beteiligt ist. Fühlen Sie sich frei, einen Teil davon zu nehmen, wenn Sie das Gefühl haben, das ist genug, oder nehmen Sie das ganze Skript, das wird großartig sein. Im Wesentlichen haben Sie Ihr Skript und Sie haben einige Charakterdesigns. Ich habe diesen Charakter gezeichnet, das ist Captain Barnaby. Ich habe auch eine Aufstellung seiner Piraten-Crew zusammengestellt. Wie Sie sehen werden, habe ich Posen für Captain Barnaby gemacht, aber ich habe keine Posen von diesen Jungs gezogen. Hoffentlich haben Sie einen Versuch gehabt, einige dieser Charaktere selbst in Posen zu setzen . Aber Sie sollten in der Lage sein, alle diese für Ihr Storyboard zu verwenden. Sie haben auch ein Beispiel-Layout. Dies ist das Layout, das mit der ersten Szene im Skript verknüpft ist. Wenn ich zurück zum Metal Queen-Skript springe , wo es sagt, die Nacht von außen docks, dann ist das Layout. Der Rest liegt an dir. Ich möchte, dass du dir einen suggestiven Hintergrund für das Schiffsdeck einfällst. Sie können sich auf meine grobe Zeichnung für die Kabine des Kapitäns beziehen, wenn Sie wollen, wenn Sie bis zum Ende davon kommen. Mein Rat ist, das Skript durchzulesen, Ihre Ideen, Ihre Gedanken zu notieren und darzustellen, wie Sie die Geschichte visualisieren, kleine Notizen über das Skript machen und dann diese Ideen formulieren. Sie möchten über Winkel, Schüsse nachdenken und wie diese Aufnahmen zusammenpassen, um die Geschichte zu erzählen. Wenn Sie Ihre Thumbnailing fertig haben, können Sie zurückgehen und es als endgültiges fertiges Storyboard neu zeichnen. Ich habe Ihnen auch einige Storyboard-Vorlagen hinterlassen, die Sie verwenden können, um Ihr Projekt zu beenden. Es gibt ein paar Dateien hier, sowohl JPEG als auch PDF. Diese Vorlage verfügt über drei Panels. Ich habe eine andere Vorlage, die sechs Panels auf einer Seite hat. Es liegt ganz an dir. Wenn Sie Fragen haben, können Sie mich natürlich einfach Bescheid geben, mir eine Nachricht schicken und ich helfe Ihnen gerne weiter. Aber ich hoffe, Sie können Spaß mit diesem Projekt haben. Ich hoffe wirklich, dass Sie in der Lage sind , Dinge, die Sie in diesem Kurs gelernt haben, auf Ihre Zeichnung, für dieses Projekt und in die Zukunft anzuwenden . Bleiben wir in Kontakt. Ich freue mich darauf, Sie im nächsten Kurs zu sehen.