Watercolor von der Skizze bis zur fertigen Malerei

1. EINFÜHRUNG: Hi. Mein Name ist Bia Barrett und ich bin Aquarellkünstler, die sich auf Porträts spezialisiert haben. Hast du dir jemals ein Aquarellporträt angeschaut und gedacht, wow, ich wünschte wirklich, ich wüsste, wie man so malt. Ich wünschte, ich hätte eine Technik. Wenn du versuchst alleine zu lernen, war es nur eine frustrierende Erfahrung. Nun, ich habe mich dafür eingesetzt und deshalb habe ich 2019 angefangen, in Workshops und Kurse mit einigen der besten Künstler der Welt zu investieren . Jetzt, nach ein paar Jahren Übung, kann ich endlich sagen, dass dies mein Lieblingsmedium ist. Vorher habe ich bei meiner Arbeit viel Graphit verwendet. Aber das hat lange gedauert und es hatte nicht die Vielseitigkeit und den Spaß, den ich mit Aquarell finde. Aquarell ist auch ein viel schnellerer Prozess, das Gemälde dauert ungefähr eine Stunde, bis ich fertig bin. Während dieses Kurses werde ich meinen gesamten Prozess von der Skizze bis zur endgültigen Malerei teilen und wertvolle Ratschläge erhalten, die ich nicht nur von den Meistern als auch von meiner eigenen Praxis gelernt habe . Am Ende dieser Klassen können Sie einen farbenfrohen Teil basierend auf der Fotoreferenz malen . Hoffentlich verlieben Sie sich auch in Aquarell. 2. Kursprojekt: [MUSIK] Reden wir über das Klassenprojekt. Das Klassenprojekt wird ein Selbstporträt sein und warum ein Selbstporträt? Nun, sie werden traditionell von Künstlern als Studienform verwendet , aber in diesem Kurs werde ich auch durchgehen, wie man ein gutes Referenzfoto auswählt, und es ist wahrscheinlich, dass Sie mehr Referenzfotos von sich selbst haben als jeder andere. Dieser Kurs basiert auch auf Fotoreferenzen und Beobachtungen. Sie müssen das Bild oder das Motiv lange beobachten , und Sie möchten wahrscheinlich jemanden auswählen, dem es Ihnen nichts ausmacht, lange Zeit darauf zu starren. Wenn Sie sich beim Malen und Posten eines Selbstporträts nicht wohl fühlen, können Sie natürlich Malen und Posten eines Selbstporträts nicht wohl fühlen, ein anderes Referenzbild auswählen Achten Sie einfach auf die Best Practices, die ich teilen werde während dieses Kurses. Vergessen Sie schließlich nicht, Ihr Projekt mit uns zu teilen , damit ich und Ihre Neugierigen Ihnen Feedback geben können. Dies ist ein wertvoller Schritt des Prozesses, und ich kann es kaum erwarten, alle Ihre Projekte zu sehen. 3. Zubehör: [MUSIK] Lassen Sie uns einige der Vorräte durchgehen Sie für diesen Kurs benötigen. Erstens, hier ist ein Aquarellpapier. Für diese Technik muss das Aquarellpapier zu 100 Prozent aus Baumwolle bestehen. Papier, das nicht mit 100 Prozent Baumwolle gekennzeichnet ist, besteht normalerweise aus Zellulose oder einer Mischung aus beidem und das wird mit dieser Technik einfach nicht funktionieren, da Zellulose beim Hinzufügen langsam zerfällt mehr Wasser und mehr Schichten. Ein weiteres wichtiges Vorrat, das Sie für diese Klasse benötigen , sind Ihre Bürsten. Hier habe ich drei Aquarellpinsel. Eines ist zu 100 Prozent natürliches Fell, eines ist synthetisches Fell und eines ist eine Mischung aus beidem. Nun, natürliches Fell hält viel Wasser. Es ist auch viel weicher und man kann nicht wirklich lange einen guten Punkt behalten. Was das Synthetische betrifft, ist es robuster, hält aber weniger Wasser. Deshalb entscheide ich mich für eine Mischung aus synthetischen und natürlichen Pelzen, also habe ich das Beste aus beiden Welten. Es hält viel Wasser und es ist auch ziemlich robust, so dass ich diesen sehr feinen Punkt mit Rundspitzenpinsel bekommen kann. Dies ist der optimale Pinsel, weil er nicht zu klein ist, also kann ich große Flächen malen, aber da er einen runden Punkt hat, kann ich diesen kleinen Punkt verwenden, um viele feine Details zu machen , wie Sie in den Demos sehen werden. nun zu Farben übergehen, egal ob Sie kleine Tabletten wie diese verwenden oder Tuben verwenden, Wenn Sie nun zu Farben übergehen, egal ob Sie kleine Tabletten wie diese verwenden oder Tuben verwenden, ist es am wichtigsten, in Aquarell in professioneller Qualität zu investieren. Sie müssen nicht viele davon kaufen, in diesem Gemälde verwende ich nur drei Farben, um Ihnen zu zeigen , dass Sie nur die Grundfarben benötigen , um ein schönes Porträt zu malen. Dies wird Ihnen auch helfen mehr Harmonie in Ihrem Porträt zu bekommen, besonders wenn Sie anfangen, da Sie nicht darüber nachdenken müssen , wie die Farben zusammenpassen. Sie werden alle aus einer Mischung aus Gelb, Blau und Rot stammen, und dies wird dem Gesamtbild Harmonie verleihen . Natürlich brauchst du auch Wasser. Ich behalte gerne zwei Tassen, eine für schmutziges Wasser und eine für klares Wasser. Auf diese Weise stellen Sie sicher, dass Ihre Farben immer sauber sind. Ich habe auch eine Palette zum Mischen der Farben, und wenn Sie nicht die gesamte Farbe verwenden, können Sie sie trocknen lassen und einfach wieder aktivieren, wenn Sie sie erneut verwenden müssen. Es ist auch wichtig, ein Stück Altpapier zu haben , in dem Sie die Farbe testen können , die Sie mischen und sicherstellen können, dass die Töne stimmen. Sie einen alten Lappen oder Papiertücher oder sogar einen kleinen Schwamm, um die zusätzliche Feuchtigkeit und Farbe von Ihren Pinseln aufzusaugen . Für den Zeichnungsteil stellen Sie sicher, dass Sie einen guten Radiergummi mit Bleistift und Gleichheit haben. Schließlich haben wir die optionalen, aber sehr nützlichen Extras. Eine Wassersprühflasche zum Aktivieren der Farben und etwas Klebeband, um Ihre Bilder aufzukleben und sicherzustellen, dass sie sich während des Malens nicht bewegen . Dies ist auch optional, aber wenn Sie auf einer leicht geneigten Oberfläche arbeiten können, treibt dies das Wasser nach unten und hilft, das Papier schneller zu trocknen. [MUSIK] 4. So wählst du gute Fotoreferenzen aus: [MUSIK] Der erste Schritt bei der Erstellung eines Aquarellporträts aus einem Referenzfoto besteht darin ein gutes Referenzfoto zu wählen. Um ein gutes Referenzfoto auszuwählen, müssen Sie zwei Dinge beachten. Die erste ist die Beleuchtung. Sie möchten ein Bild auswählen , das viel Kontrast hat, das viel Licht und Schatten hat. Klare Lichtquelle, da diese Schatten werfen, um Ihnen dabei zu helfen, die Trig-Dimensionalität in Ihrem Gemälde zu gewinnen. Kontraste schaffen Interessen und davon wird Ihre Malerei profitieren. Vermeiden Sie Bilder , die schön oder kommerziell sind , da diese in der Regel eine sehr gleichmäßige Beleuchtung haben und es sehr schwierig für Sie ist, wirklich einen Tonunterschied und alle Gesichtszüge zu haben. Das zweite, was zu beachten ist, ist Verzerrung. Wenn Sie ein Foto machen abhängig von dem verwendeten Objektiv, insbesondere wenn Sie ein Selfie, ein Frontlinse und ähnliches verwenden oder eine Verzerrung Ihres Gesichts haben , wo Dinge sind näher an der Linse wird größer aussehen als der Rest Ihres Gesichts. Dies kann Ihre Malerei wirklich seltsam aussehen lassen oder Ihre Zeichnung etwas abseits aussehen, und es kann Ihre Fähigkeiten im Portraitzeichnen wirklich behindern. Ich empfehle Anfängern nicht, Fotos mit Verzerrung zu verwenden , nur weil Sie immer noch Ihr Auge trainieren, Sie versuchen immer noch, Proportionen und die Verzerrung dieser Linsen wirklich zu verstehen die Verzerrung dieser Linsen behindert diesen Prozess. Eine weitere dumme Sache , die auch Verzerrungen verursacht , sind diese Filter, ob sie TikTok oder Instagram sind, sie verändern wirklich unsere Gesichter, sie machen unsere Nasen kleiner, sie machen unsere Augen größer. Es mag ein bisschen albern erscheinen, aber sie verzerren wieder unsere Sicht auf Proportionen und sie können Ihr Porträt wirklich ein wenig absehen lassen. [MUSIK] 5. Das Porträt zeichnen: Beginnen wir damit, das Portrait zu zeichnen. Dafür benötigen Sie einen Druckbleistift oder einen normalen Bleistift, was auch immer für Sie angenehmer ist, einen hochwertigen Radiergummi und ein Lineal. Als erstes schaue ich mir mein Referenzbild an und stelle sicher, dass ich das Bild in meiner Zeitung zentriere. Dann schnappe ich mir ein Lineal und zeichne die Hauptproportionen des Gesichts auf. Ich mache das nicht immer, aber es hilft, besonders wenn du anfängst zu zeichnen, um die Proportionen richtig zu machen. Also hier sorge ich nur dafür, dass ich die richtigen vertikalen Proportionen bekomme. Die Länge der Stirn, die Nase, die Lippen, wo mein Kinn ist. Diese Proportionen richtig zu machen, wird nicht nur ein höheres Maß an Realismus sicherstellen , sondern auch die Ähnlichkeit einfangen, die in einem Porträt sehr wichtig ist. Eigentlich ist es nicht immer notwendig, Ihr Referenzbild zu messen und ein Lineal zu verwenden, aber es wird sehr helfen, besonders wenn Sie anfangen, Porträts zu zeichnen, und Sie benötigen eine Anleitung, die Ihnen beim Trainieren Ihres auge. Je mehr Sie üben, desto mehr wird Ihr Auge verfeinert und Sie können tatsächlich erkennen, indem Sie sich die Referenz ansehen und sich Ihre Zeichnung ansehen, welche Proportionen ein ein bisschen abgehauen. Aber wenn Sie gerade erst anfangen und besonders wenn Sie die nackten Knochen der Zeichnung niederlegen , hilft es wirklich, diese Messungen durchzuführen. Jetzt, da ich die vertikalen Proportionen festgelegt habe, gehe ich zu den horizontalen Messungen über. Was ist also die Länge meines Kinns, meines Kiefers und so weiter. Auch hier funktioniert diese Methode für mich schneller, als wenn ich die Loomis-Methode zum Zeichnen von Köpfen oder wirklich eine andere Referenz von Proportionen verwende, die fertig sind, weil ich versuche aus Referenz und keine Phantasie. Ich versuche mich wirklich zu konzentrieren und die Ähnlichkeit des Themas zu ermitteln, mit dem ich arbeite. In diesem Fall ist es also ein Selbstporträt, wie wir zuvor gesprochen haben. Es ist wirklich wichtig, dass Sie eine Referenz auswählen , die Ihnen eigentlich nichts ausmacht, lange Zeit anzustarren, denn nur so können Sie diese Proportionen wirklich abbilden und Ähnlichkeit erfassen. Ich finde diesen Prozess sehr interessant, denn mit der Zeit werden Sie feststellen, dass niemand ein super proportionales Gesicht oder ein super symmetrisches Gesicht hat . Jeder hat seine eigenen Macken und besonderen Eigenschaften , die seine Ähnlichkeit bilden. Sie müssen sich also keine Sorgen machen, wenn Sie feststellen, dass Ihre Nase nach rechts etwas schief ist oder ein Auge höher ist als das andere. Es ist einfach normal, das hat jeder. Je mehr Sie in Ihre Referenz starren und sie als Leitfaden für Ihre Zeichnung haben, desto mehr werden Sie feststellen, dass dies natürlich ist. diesem Grund ist es auch wichtig , eine Referenz auszuwählen, die Ihnen wirklich gefällt, weil Sie sie sehr lange anstarren werden . Jetzt, da ich die Hauptproportionen angelegt habe, suche ich ganz leicht nach den großen Formen. Was ist also die Gesamtform des Kopfes? Wo ungefähr die Nase, der Mund und das Auge sein sollten. Auch hier habe ich eine sehr leichte Hand. Ich konzentriere mich auf das große Ganze und versuche so lange wie möglich nichts zu beschreiben. Weil ich sicherstellen möchte , dass alles an der richtigen Stelle ist , bevor ich mich wirklich zu Details verpflichte. Dies erleichtert den Zeichnungsprozess wirklich denn wenn Sie sich nicht übermäßig zu Details verpflichten, werden Sie nicht an diese Zeichnung angehängt, und falls Sie ein einzelnes Teil löschen und erneut beginnen müssen oder vielleicht werden Sie sich alles nicht so schlecht fühlen für die Zeit, in die Sie investieren. Der wichtigste Ratschlag, den ich in diesem Stadium habe, ist, sich auf die großen Formen und die großen geometrischen Formen zu konzentrieren und zu versuchen, auch geometrische Formen für Mund, Augen und Nase zu verwenden , Augen und Nase und nicht detailliert sie übermäßig detailliert. Eine Sache, die in diesem Stadium auch sehr nützlich sein kann, ist, die Schatten auch als tatsächliche geometrische Formen zu sehen. Wenn Sie ein kontrastreiches Bild ausgewählt haben, das Sie hoffentlich nach dem Unterricht über Referenzbilder erhalten, haben Sie viele geworfene Schatten und eine Menge Definition zwischen dem Licht und dunkle Teile des Bildes. Also benutze diese Formen. Die Schatten können Ihnen wirklich helfen alle Gesichtszüge zu definieren, und wenn Sie sie abbilden, können Sie leichter erkennen, ob die Proportionen korrekt sind. Wenn die Augen an der richtigen Stelle sind, wenn die Nase an der richtigen Stelle ist und so weiter. Im Video können Sie auch sehen, dass ich die Winkel ständig mit dem Bleistift oder mit dem Lineal überprüfe , und das hilft wirklich, diese Schatten richtig machen und jeden Winkel des Gesichts so nah zu machen wie möglich zu dem, was ich im Referenzbild sehe. Ich weiß, das Fundament zu legen und die Zeichnung zu machen, vielleicht nicht so aufregend wie das Malen selbst. Aber ehrlich gesagt ist dies der wichtigste Teil des Prozesses. Es spielt keine Rolle, welche Aquarelltricks oder -fähigkeiten Sie haben, wenn Sie keine gute Konstruktion darunter haben, können Sie kein gutes Endergebnis erzielen. Die Qualität Ihrer Zeichnung ist der Hauptfaktor, der beeinflusst, wie gut Ihr Gemälde sein wird, wenn Sie es fertigstellen. Also bitte, überstürze dieses Gesicht nicht. Nehmen Sie sich Zeit. Sieh dir die Referenz genau an. Sieh dir deine Zeichnung genau an. Stellen Sie sicher, dass diese Winkel und Proportionen korrekt sind, und beginnen Sie langsam, Ihre Zeichnung aufzubauen. Auf diese Weise beginnt Ihr Gemälde bereits mit einer großartigen Planung. Je mehr Sie Ihr Gemälde im Voraus planen können, desto mehr genießen Sie das tatsächliche Malerlebnis, denn Sie werden nicht versuchen, kleine Details darüber herauszufinden , was Sie brauchen, um richtig oder falsch zu machen. Sie können sich einfach auf den Prozess, das Wasser und darauf konzentrieren, wie sich die verschiedenen Farbschichten verbinden werden. Mir wurde klar, dass einige Leute frustriert sein könnten , dass ich keine Schritt-für-Schritt-Art habe , ein Auge, eine Nase und einen Mund zu zeichnen . Aber das liegt daran, dass ich wirklich glaube , dass Sie, wenn Sie auf ein Foto verweisen, das Beste, was Sie tun können, darin besteht Ihre Referenz wirklich zu betrachten, diese Winkel und die Proportionen richtig zu machen, und baue deine Zeichnung langsam aus geometrischen Formen auf. liegt daran, dass Sie auf diese Weise jedes Referenzbild zeichnen können , und kein Ausstechermodell einer Nase, eines Mundes oder eines Auges. Ein letzter Tipp, dem Sie folgen müssen bevor Sie in die Detailphase gehen, ist eine Pause einzulegen, spazieren ist eine Pause einzulegen, gehen, zu Mittag zu essen, mit jemandem zu sprechen und dann zu Ihrer Zeichnung zurückzukehren und du wirst plötzlich Dinge sehen , die dir vorher nicht so klar waren. Lassen Sie uns ein paar kleine Details und Fehler durchgehen, die ich erwischt habe. Erstens ist mein Mund keine gerade Linie. Es ist leicht nach oben geneigt, schief nach oben zu einer der Seiten. Beim Betrachten des Bildes und meiner Zeichnung wurde mir auch klar, dass eines der Nasenlöcher aufgrund des Schattens, der auf eine der Seiten geworfen wird, größer aussieht als das andere . Also hat es das auch in meiner Zeichnung korrigiert. Ich habe auch jeden Winkel in der Zeichnung doppelt überprüft, um sicherzustellen , dass er harmonisch aussieht und mit meinem Referenzbild übereinstimmt. An diesem Punkt wurde mir klar, dass ich wirklich unzufrieden mit der Art und Weise war, wie sich die Augen herausstellten, und ich beschloss, sie einfach zu löschen und von vorne anzufangen. diesem Grund ist es so wichtig , dass Sie Ihre Zeichnung sehr locker halten nicht viele Details machen, da wir auf diese Weise viel mehr Flexibilität haben werden. Selbst psychologisch wird es einfacher sein zu löschen und von vorne anzufangen. Ich habe es damals nicht bemerkt. Aber der Grund, warum ich mit dieser Positionierung nicht zufrieden war, ist, dass meine Augen nicht wirklich symmetrisch sind. Einer von ihnen ist etwas höher als der andere. Als ich mit der Idee zeichnete, dass unsere Augen in derselben kleinen Linie liegen, hat das meine Zeichnung wirklich leiden lassen, weil ich das Referenzbild nicht wirklich angeschaut habe, und merkt, dass ein Auge etwas höher ist als das andere. Zum Glück habe ich das erwischt, als ich die zweite Zeichnung gemacht habe. Wir machen zwei Zeichnungen für diese Klasse weil eine für das monochrome Gemälde verwendet wird und eine für das endgültige bunte Gemälde verwendet wird. Es ist wirklich wichtig , dass Sie nicht übermäßig an diese Zeichnungen angehängt werden. Nachdem Sie den ersten gemacht haben, können Sie sofort mit dem neuen beginnen, oder Sie können ein paar Tage warten und den neuen beginnen. Sie werden jedoch feststellen, dass das zweite viel einfacher sein wird , weil Sie das Referenzbild bereits kennen. Sie haben es bereits mindestens eine halbe Stunde lang studiert und jetzt haben Sie viel einfacher zu bauen oder zu zeichnen. Erst wenn ich mit dem Gesamtbild wirklich zufrieden bin, gebe ich Details und so ist die endgültige erste Zeichnung geworden. 6. Aquarellfarben - Grundlagen: [MUSIK] Bevor wir mit dem Malen beginnen, ist es wichtig, darüber zu sprechen, wie Aquarell funktioniert. Wenn Sie im Aquarell versuchen , hellere Töne zu erzielen, müssen Sie mehr Wasser in die Mischung und weniger Pigment geben. Aquarell ist ein transparentes Medium, was auch bedeutet, dass Sie, wenn Sie eine dunklere Farbe haben, nicht in der Lage sind, es mit einer helleren Farbe zu übergehen und es zu vertuschen, was möglich ist, wenn Sie es sind arbeiten mit Öl oder Gouache. Das funktioniert nicht mit Aquarell und deshalb arbeiten wir normalerweise von hell bis dunkel. Wenn Sie hellere Farben mit Aquarell erzielen möchten , müssen Sie viel Wasser und nur ein wenig Pigment hinzufügen Wasser und nur ein wenig und Sie haben eine Konsistenz, die wir Tee nennen. Wenn Sie mehr Pigment und etwas weniger Wasser hinzufügen, haben Sie eine Konsistenz, die wir Milch nennen, und Sie können sehen, dass sie lebendiger ist. Es ist ein dunklerer Ton. [MUSIK] Wenn Sie noch dunkler werden, mit viel Pigment und nur ein wenig Wasser, haben Sie die Konsistenz, die wir normalerweise Honig nennen , und dies ist sehr einfach zu kontrollieren. Sie können damit kleine Details und feine Linien machen und so malen Sie die dunkleren Teile des Bildes. Dieser Tonunterschied innerhalb derselben Farbe ist das, was wir in unserer monochromen Malerei verwenden werden. Arbeiten von hell bis dunkel, von mehr Wasser zu weniger Wasser. [MUSIK] nun einige der Techniken zu präsentieren, die wir für die Porträtmalerei verwenden werden, malen wir eine einfache Kugel , die Licht von links empfängt. Zuerst beginnen wir mit einem sehr leichten Anstrich , der eine Teekonsistenz hat, also ist das viel Wasser und nur ein bisschen Pigment. Die Farbe fließt nur dort, wo Sie das Papier nass gemacht haben. Seit wir mit einem trockenen Stück Papier angefangen haben, haben Sie die volle Kontrolle darüber, wo das Pigment und das Wasser fließen. [MUSIK] Um die Übergänge zwischen Licht und Schatten zu mildern, können Sie einen sauberen Pinsel nur mit Wasser greifen und diesen Bereich des Papiers benetzen. [MUSIK] Dann bekomme mehr Pigment in einer Mischung, die eine Milchkonsistenz hat , also mehr Pigment und weniger Wasser und male den Teil der Kugel , der im Schatten liegt. Da die ganze Kugel immer noch nass ist, haben Sie einen sehr weichen Übergang. [MUSIK] Solange das Papier noch nass ist, können Sie die Farbe bewegen und den gewünschten Übergang erstellen. Aber das funktioniert nur, solange das Papier noch nass ist. [MUSIK] Eine andere Technik, die nur möglich ist, wenn das Papier noch nass ist, besteht darin, eine saubere, trockene Bürste zu greifen und ein bisschen von dem Pigment aufzunehmen , das sich in einem Bereich befindet um diesen Bereich anzuheben und mach es leichter. [MUSIK] Um den geworfenen Schatten zu malen, der der dunkelste Teil dieser Figur ist, habe ich eine Mischung aus viel Pigment und nur ein bisschen Wasser. Da das Papier vollständig trocken ist wenn ich diese Farbschicht abgelegt habe, gibt es einen sehr klaren Schnitt zwischen Licht und Schatten. Dies sind nur die grundlegenden Techniken, die Sie während dieser Klasse verwenden werden. Sie können immer zu vereinfachteren Formen zurückkehren und diese Unterschiede in weichen Übergängen und härteren Schatten üben und auch versuchen, verschiedene Farben zu experimentieren und zu mischen, damit Sie die Unterschiede lernen können zwischen jeder Konsistenz. 7. Monochrome Malerei: Lasst uns unser einfarbiges Gemälde machen. Dies ist eine großartige Möglichkeit , sich nur auf Werte zu konzentrieren und sich nicht um Farbtöne kümmern zu müssen. Ich habe Dutzende davon gemacht, bevor ich zur Farbe runtergegangen bin. Schnappen Sie sich die Zeichnung, die wir in der vorherigen Lektion gemacht haben und kleben Sie sie auf eine geneigte Fläche. Die Neigung hilft dem Wasser in eine einzige Richtung zu fließen und erleichtert den Lackierprozess. Je steiler die Steigung ist, desto schneller trocknet das Papier. Hier habe ich ein Stück Stoff zum Abtrocknen meiner Bürsten, zwei Tassen Wasser, eine für klares Wasser, eine für schmutziges Wasser. Die Aquarellfarben, die ich verwende, obwohl ich für dieses Porträt eine einfarbige, verbrannte Sienna verwende. Wähle immer ein dunkles Pigment wie Dunkelbraun oder Dunkelblau, wenn du in Monochrom arbeitest. Ich habe auch meine Palette aufgeräumt, damit du mich tatsächlich Farbmischung sehen kannst. Normalerweise mache ich das nicht, nur weil Aquarell immer reaktiviert und wieder verwendet werden kann und ich auch ein Stück Altpapier habe, in dem ich alle Farben teste, die ich verwende. Für diesen verwende ich, wie ich bereits sagte, gebranntes Sienna und wie Sie sehen können, kann es sehr helle Farben erzielen wenn es mit viel Wasser und sehr dunklen Farben gemischt wird, wenn es fast kein Wasser gibt und es ist hauptsächlich Pigment. Bevor ich anfange zu malen, tränke ich meine Pinsel immer gerne für ein paar Sekunden in Wasser , damit sie wieder formbar werden können. Beachten Sie auch, dass ich einen anderen Pinsel verwende, einen billigeren, völlig synthetischen Pinsel, nur um die Farbe zu mischen und mit Wasser zu aktivieren da diese Bewegung die teuren Aquarellpinsel wirklich beschädigen kann . Ich empfehle Ihnen wirklich, einen billigen Pinsel zu kaufen, nur um die Farben zu mischen , damit Sie sich keine Sorgen machen müssen, ihn zu beschädigen. Da wir uns auf Werte konzentrieren, habe ich mein Bild so bearbeitet, dass es schwarz und weiß ist. Sie können dies in verschiedenen Apps tun, indem einfach die Sättigung Ihres Referenzbildes senken. Für unsere erste Schicht ist es hauptsächlich Wasser und nur ein bisschen Pigment. Im Aquarell nennen wir diese Schicht oft T, weil sie die gleiche Konsistenz wie T haben soll , damit Sie sehen können sie sehr flüssig und sehr hell ist. Da wir keine wirklich hellen Highlights im Gemälde haben , können wir unser gesamtes Portrait mit dieser ersten Ebene getrost abdecken . Denken Sie daran, dass Aquarell immer aufhellt, wenn es trocknet, also haben Sie keine Angst, es zu vertuschen. Wenn es Bereiche gibt, die Sie aufhellen möchten , während die Farbe noch nass ist, können Sie dies tun, indem Sie einen relativ trockenen Pinsel und einen sauberen Pinsel nehmen und den Bereich abwischen, da der Pinsel die Farbe aufsaugt und dieser Bereich wird weißer. Eine andere Möglichkeit, einen Bereich aufzuhellen besteht darin, ein wenig reines Wasser zu nehmen und es dorthin zu legen, da es die Fasern des Papiers wieder öffnet und die Tinte von dieser Stelle heraus bewegt. Bitte beachten Sie, dass diese beiden Techniken nur funktionieren , solange die Farbe noch nicht getrocknet ist. Nachdem die Farbe getrocknet ist, ist es wirklich schwierig, wenn nicht sogar unmöglich für Sie, Ihre Aquarellmalerei zu überarbeiten und hellere Flecken zu machen. Man kann erkennen, ob das Papier getrocknet ist oder ob es noch nass ist , um wie viel Licht es noch reflektiert. Hier im Video sieht man deutlich, dass es gerade oben auf dem Gemälde immer noch einen Bereich gibt, in dem es viel Reflexion gibt , was darauf hinweist, dass noch Wasser im Papier ist , es ist immer noch nass. Leider zeigt mir in diesem speziellen Fall, da das Papier dort auch nach dem Trocknen des restlichen Gemäldes nicht wirklich getrocknet war, da das Papier dort auch nach dem Trocknen des restlichen Gemäldes nicht wirklich getrocknet war, an, dass dieses Papier beschädigt war. Dies geschieht manchmal in der Lagerung oder manchmal in der Produktion, aber diese Bereiche saugen die Farbe nicht wirklich auf und es kann sehr schwierig sein, damit zu arbeiten. In diesem speziellen Fall hat es mir nichts ausgemacht, weil es sich in einem Bereich befindet, der dunkel sein wird und keine Details hat, sodass es nicht so oft auftaucht. Aber ich zeige Ihnen eine Nahaufnahme, damit Sie sagen können , wie es aussieht, wenn Ihr Papier beschädigt ist. Nachdem diese erste Schicht vollständig getrocknet war, habe ich etwas mehr Farbe mit Wasser vermischt, diesmal um einen dunkleren Ton zu bekommen und ich definiere die Schatten. Später entdeckte ich oder wurde mir klar, dass dies immer noch zu hell für die Schatten war. Gleich nachdem ich diese Schicht gemacht habe, habe ich noch etwas Farbe gemischt , um die Schatten wieder zu machen. Die große Lektion hier ist, dass Sie keine Angst haben, Ihr Gemälde zu verdunkeln. Es ist der Kontrast, der Ihr Porträt interessant machen wird . Mischen wir etwas Farbe. Für die leichtere Schicht, wie bereits erwähnt braucht man nur ein bisschen Pigment und viel Wasser. Dies hat die Konsistenz von T und wird in den leichtesten Teilen des Gemäldes verwendet. Für unsere zweite Schicht brauchen wir eine tiefere Konsistenz , die uns eine dunklere Farbe verleiht. Dafür brauchen wir weniger Wasser und mehr Pigment. Was wir suchen, ist etwas mit der Konsistenz von Milch. Ja, dies wird normalerweise als Milchschicht bezeichnet. Nachdem ich mehr Pigment hinzugefügt habe, habe ich die Konsistenz, nach der ich gesucht habe. Aber ich überprüfe immer mit meinem Stück Altpapier, denn denken Sie daran, dass Aquarell auch aufhellt, wenn es trocknet. Es ist immer schön, Ihre Farbe zu testen und sicherzustellen , dass Sie das haben, was Sie wollen. Dies ist die Konsistenz, nach der Sie in der zweiten Schicht suchen , Milch. Eine Sache, die Sie beachten sollten, auch in diesem Schritt des Prozesses ist, immer Ihre Referenz zu betrachten. Habe ein sehr vorsichtiges Auge und nimm dir Zeit , die Informationen aufzunehmen, die es dir gibt. Denn obwohl wir die Schatten im Zeichnungsteil markiert haben , ist es immer noch wichtig, Ihr Auge darauf zu trainieren , die verschiedenen Werte zu sehen. Da wir uns mit dem Thema Schatten beschäftigen, gibt es in dieser Referenz Orte, an denen Sie einen weicheren Übergang zwischen hell und dunkel wünschen , und in anderen möchten Sie eine härtere Linie, eine härtere mehr definierter Aspekt für deinen Schatten. Um diesen weicheren Übergang zu bekommen, habe ich einen sauberen Pinsel und mit diesem sauberen Pinsel pflücke ich ein wenig Wasser und befeuchte einfach die Bereiche neben dem Schatten. Die Farbe kann in die Nassbereiche fließen, ist aber kontrollierter. Sie haben einen weicheren Übergang, riskieren aber nicht, den hellen und dunklen Effekt zu verlieren , den Sie gerade haben. Jetzt, da die vorherige Schicht vollständig getrocknet ist, gehen wir in die kleinsten Details des Gemäldes und der dunkelsten Bereiche über. Für die kleinen Details, die dunkelsten Bereiche, die wie diese Trennung der Lippen sind , die Nasenlöcher, die Details der Augen. Wir verwenden viel Pigment und nur einen kleinen Tropfen Wasser, gerade genug, um es mit unserem Pinsel praktikabel und nutzbar zu machen . Die Konsistenz dieser Schicht ähnelt Honig. Dies ist die Honigschicht. Wie Sie sehen können, verwende ich immer noch genau den gleichen Pinsel, den ich in allen vorherigen Ebenen verwendet habe. Deshalb liebe ich einen Pinsel mit runder Spitze. Es ist so vielseitig. Sie können große Flächen malen und wie Sie hier sehen können, kann es zu einem feinen Punkt kommen, und mit diesem kleinen Punkt kann ich wirklich kleine Details wie die kleinen Nasenlöcher oder sogar die feinen Augenlinien machen. Nachdem ich die dunkelsten Dunkelheiten gemalt hatte, wurde mir klar, dass meine Schatten immer noch nicht dunkel genug waren. Ich ging zurück und korrigierte das, indem ich die Schatten noch einmal verdunkelte. Denken Sie daran, dies ist eine Wertestudie. Es muss nicht perfekt sein. Du musst es vielleicht so überarbeiten, wie ich es getan habe. Die Hauptidee ist zu verstehen, wie dunkel oder wie hell die Werte sein müssen, um die gewünschte Tiefe in Ihrem Bild zu vermitteln. Dies kann aus zwei Gründen schwierig sein, um den ersten Versuch zu machen. Erstens wird das Aquarell immer leichter trocknen als das, was Sie auf Papier legen, wenn es nass ist, also müssen Sie das berücksichtigen. Aber es dauert eine Weile, bis du dich daran gewöhnt und wirklich messen kannst, wie dunkel du sein musst damit er den richtigen Farbton trocknet, wenn du fertig bist. Ein anderes Problem ist, dass der Wert immer relativ ist. Wenn das Papier weiß ist und Sie diese Schichten zuerst ablegen, sieht es im Verhältnis zum Weiß des Papiers dunkel aus. Aber wenn Sie zu den dunkelsten Ebenen gehen, können die dunkleren Ebenen wirklich darauf hinweisen, dass Ihre Medien, der mittlere Schatten, einfach nicht dunkel genug sind. Während Aquarell diese allgemeine Regel hat , sollten Sie von hell nach dunkel wechseln , nur weil es keinen Rückgängig-Button gibt und Aquarell ein transparentes Medium ist. Du kannst es nicht wirklich mit einer helleren Farbe übergehen und es später aufhellen. Ich ermutige dich immer noch zu experimentieren und sogar etwas Ähnliches zu tun wie ich hier gemacht habe, nämlich in die dunkelste Dunkelheit zu gehen und es dann noch einmal anzuschauen und zu sehen, ob du diese Mitte wirklich verdunkeln musst Töne, diese Schatten. Denken Sie daran, dies ist nur eine Möglichkeit für Sie herauszufinden, wie Sie Ihr endgültiges Gemälde machen werden . Es muss nicht perfekt sein. Jetzt auf die Haare. Um die Illusion von Haarsträhnen abzugeben, habe ich normalerweise eine sehr leichte Hand und mache all diese Bewegungen hin und her. Dies wird dazu beitragen, sehr feine Linien zu erzeugen, die sich verjüngen und gibt die Illusion von Haarsträhnen, die in die gleiche Richtung fließen. Nun zum Highlight-Teil habe ich einen sauberen Pinsel mit etwas Wasser und benetze das Papier vorher, so dass wir einen sehr weichen Übergang von hell zu dunkel haben . Da die andere Haarseite größtenteils im Schatten liegt, muss ich mir nicht so viele Sorgen um Details machen und ich kann den gesamten Bereich einfach in einem dunkleren Ton abdecken. Nachdem ich den geworfenen Schatten verdunkelt habe, das einzige, was noch zu tun ist, das Kleid. Zuerst befeuchte ich das Papier mit einer leichteren und wässrigen Schicht, dann bekomme ich sehr konzentrierte Farbe und gebe einfach ein paar Tropfen hinein und lasse die Farbe fließen. Ich dachte, das wäre ein schöner Effekt und die gleiche Idee und das gleiche Gefühl vermitteln, das das Kleidermuster im Referenzbild tut. Hier ist das Endergebnis. Jetzt, da Sie mit dem monochromen Gemälde fertig sind, gehen wir mit der Farbe fort. 8. Farbmischung: [MUSIK] Bevor ich mich mit dem farbenfrohen Gemälde beschäftige, möchte ich darüber sprechen, wie ich die Farben mische und wie ich eine Vielzahl von Hauttönen erreiche. Denken Sie daran, dass ich nur die Primärfarben verwende, also gelb, rot und blau. Für die meisten kaukasischen und ostasiatischen Hauttöne, so hellere Hauttöne , mische ich im Allgemeinen etwas Orange , also ein bisschen Gelb, ein bisschen Rot und ich spiele einfach damit herum. Wenn Sie viel Wasser verdünnen, erhalten Sie wirklich schöne Hauttöne aus verschiedenen Orangetönen. Manchmal füge ich nur ein bisschen Blau hinzu, damit ich verschiedene Variationen von coolen versus heißeren Hauttönen sehen kann . Manche Leute haben diesen grünen Unterton auf ihrer Haut und du kannst das wirklich einfangen , indem du deinem Mix ein bisschen Blau hinzufügst. Wenn Sie nach dunkleren Hauttönen suchen, wenn Sie also nicht weiße Menschen, Ureinwohner, Schwarze, braune Menschen malen , möchten Sie im Grunde genommen mehr Blau hinzufügen und ein bisschen hinzufügen mehr Rot. Das bringt dir ein paar verschiedene Variationen von Braun. Auch hier müssen Sie Ihre Referenz wirklich beobachten und sehen, ob das Braun rötlicher oder bläulicher ist. Es gibt auch die Variationen des Lichts. Denken Sie immer daran, dass die Haut nicht einheitlich ist. Das ist kein Cartoon. Echte Menschen haben Hautunreinheiten und sie haben auch Variationen des Hauttons, nur basierend darauf, wie viel Blut diese Gesichtsbereiche haben. Wenn man sich das Bild anschaut, sieht man, dass meine Wangen ein bisschen rötlicher sind als der Rest meines Gesichts. Das liegt daran, dass wir dort im Allgemeinen mehr Adern haben. Du bekommst mehr Blut, du bekommst mehr Rot. Ein Großteil der Farbvariationen Sie sehen werden, hängt auch vom Licht ab. Hier mische ich auch dunklere Farben, obwohl ich mich selbst male. Ich bin Ostasiatin und weiß. Weil all diese Schatten bräunlich sind, manchmal in einem rötlicheren Farbton. wollte ich wirklich festhalten. Für dunklere Hauttöne beginne ich gerne mit einem Lila, also habe ich viel Blau und Rot gemischt und dann nur ein bisschen Gelb hinzugefügt , damit ich einen neutraleren, bräunlicheren Farbton bekommen kann . Aber in dunkleren Hauttönen ist Lila eine großartige Möglichkeit, ist Lila eine großartige Möglichkeit genau wie in helleren Hauttönen anzufangen, Orange kann ein großartiger Ausgangspunkt sein. Da dies eine Demonstration ist, mische ich eine sehr kleine Menge, weil ich nur möchte, dass Sie die Reichweite sehen, die Sie von diesen drei Farbtuben erhalten können . Aber sobald ich weiß , welche Farben ich tatsächlich für mein Portrait brauche, möchte ich große Mengen machen , damit ich mir keine Sorgen mache, während ich male zu laufen , weil es sehr schwierig sein kann damit Sie den gleichen Farbton erreichen können, sobald Ihnen eine bestimmte Mischung ausgegangen ist und Sie mehr machen müssen. Machen Sie immer mehr aus einer Farbmischung , dann denken Sie, dass Sie Ihr Porträt fertigstellen müssen. Sie sich keine Sorgen , verschwenderisch zu sein, denn Aquarell trocknet auf der Palette und kann immer mit Wasser reaktiviert werden. Es läuft nicht wirklich schlimm. Sie können wirklich so viel mischen, wie Sie sich wohl fühlen , damit Sie genug für Ihr Porträt haben. Wenn Sie Reste haben, ist es in Ordnung, dass Sie sie wieder benutzen können. Sie können sie mit verschiedenen Farben mischen und verschiedene Töne und Farbtöne erhalten. Es wird wirklich nicht verschwenderisch sein und Sie werden wirklich dankbar dafür sein , wenn Sie ein Porträt gemalt haben und genug haben, um es zu vervollständigen, Sie müssen sich keine Sorgen machen und sich Sorgen machen, Nun, was ist, wenn mir mein Hautton ausgeht ? Was ist, wenn mir diese Schattenfarbe ausgeht? Sie haben wirklich eine weniger stressige Erfahrung wenn Sie einfach große Farbmengen mischen. Das ist im Grunde das, worauf ich mich in diesem Stadium vorbereite , weil ich alle meine Farben bereit haben möchte, oder zumindest die Haupttöne , die ich brauche bevor ich mit dem eigentlichen Malprozess beginne. Deshalb habe ich zu Beginn dieses Videos gesagt , dass dein Bild wirklich mit der Palette beginnt. Genau wie Sie zeichnen, dient Ihre erste Zeichnung als Karte und Markierungen dafür , wo Sie malen müssen. Wo ist der Schatten? Wo ist das Licht? Es ist ein Leitfaden. Diese Planung findet auch auf Ihrer Palette statt. Sie müssen die Hauptfarben und Hauptfarben haben, die Sie verwenden werden , bereits gemischt. Wenn Sie dann in den Rhythmus des Gemäldes geraten, müssen Sie nicht anhalten und mehr Farbe mischen. Ich möchte wirklich, dass Sie mit diesen drei Farben experimentieren und sehen, welche Farbtöne Sie erhalten und sicherstellen, dass Sie alle Ihre Farben für unseren nächsten Schritt, nämlich das bunte Gemälde, bereit haben alle Ihre Farben für unseren nächsten Schritt, nämlich das bunte Gemälde, bereit . 9. Fertige Malerei: [MUSIK] Jetzt lasst uns ins letzte Gemälde gehen. In diesem Video habe ich das Referenzfoto nicht aufgenommen, nur damit Sie deutlich sehen können , was ich in der Palette mache. Der eigentliche Malprozess beginnt mit der Palette. Wenn Sie Ihre Sachen vermischen, wenn Sie die richtigen Töne und die richtigen Farbtöne erhalten, je besser Sie Ihr Gemälde mit all diesen Farben bereit betreten , desto einfacher wird der Vorgang. Genau wie im vorherigen Bild beginnen wir mit einer Teeschicht. Es hat viel Wasser und nur ein bisschen Pigment. Hier wurde bereits eine Verbesserung gegenüber der Studie gefunden , die wir vorgenommen haben. Eine Seite des Gesichts ist leichter als die andere, da die Lichtquelle von links nach rechts kommt. Um diesen weichen Übergang und Effekt zu erhalten, habe ich eine der Seiten mit meiner Farbmischung gemalt und dann etwas mehr mit Wasser verdünnt , so dass es einen sehr weichen Übergang gibt und ein hellerer Ton auf der linken Seite. Selbst nach dem Verdünnen eines Teils der Farbe gab es immer noch Bereiche , in denen ich noch leichter sein wollte , wie die Highlights. Dafür habe ich eine Technik verwendet, die ich in der monochromen Malerei erwähnt habe , nämlich eine saubere, relativ trockene Bürste zu haben, eine saubere, relativ trockene Bürste zu haben um einen Teil des Bürgersteigs aufzunehmen und diesen Bereich aufzuhellen. Jetzt wollte ich ein bisschen über den Rhythmus des Gemäldes sprechen . Sie bemerken vielleicht, dass es eine gewisse Geschwindigkeit gibt , mit der ich hier arbeite, was in diesem Fall ziemlich schnell ist. Warum arbeite ich schnell? Nun, Aquarell ist ein Medium , das sehr schnell trocknet. Um sanfte Übergänge zu erhalten, müssen Sie arbeiten, solange die Farbe noch nass ist. Das wird je nach Klima variieren , in dem Sie malen. Hier habe ich im Sommer in Brasilien gemalt, es ist ziemlich heiß und das Papier trocknet sehr schnell. Wenn Sie in einem kälteren Klima oder wenn es hier Winter ist, habe ich etwas mehr Zeit zum Arbeiten und der Rhythmus des Gemäldes ändert sich. Aber man muss sich dessen bewusst sein, um mit dem Aquarell zu arbeiten und nicht dagegen. Jetzt, da wir mit Farbe arbeiten, müssen Sie sich der leichten Farbvariationen bewusst sein , die Sie in Ihrer Referenz sehen können. In derselben Schicht einer Teemischung haben Sie möglicherweise einen Bereich, der rötlicher ist wie die Wangen hier, oder einen Bereich, der etwas grauer ist. wirklich auf diese leichten Variationen achten , können Sie Ihrem Bild Realismus verleihen. Denn anstatt die Haut einheitlich zu haben, was nicht im wirklichen Leben passiert, können Sie wirklich alle leichten Schwankungen erfassen , die durch die Verteilung unseres Blutes in unserer Haut verursacht werden und Gesichter oder leichte Verfärbungen, die mit dem Alter einhergehen und so weiter. [MUSIK] Jetzt, da wir den Hals malen, muss ich über dasselbe nachdenken, was ich getan habe, als ich anfing, das Gesicht zu malen. Die Lichtquelle kommt von links und eine der Seiten ist leichter als die andere. Nachdem ich eine insgesamt sehr verdünnte Wäsche durch den ganzen Körper durchläuft, greife ich mehr Pigment und eine Seite ist dunkler als die andere. Der Übergang wird sehr weich , weil all diese Farbe noch nass ist. [MUSIK] Nachdem diese erste Schicht vollständig trocken ist, gehe ich einfach mit einer sehr leichten Wäsche rüber, also viel Wasser, nur ein bisschen Pigment und mache einige Farbkorrekturen. Im Grunde mische ich verschiedene Farbtöne. Auch hier nur viel Wasser und ein bisschen Farbe, und ich färbe diese Bereiche nur ein, also gibt es diese Variation, über die wir mit der Haut gesprochen haben. [MUSIK] Jetzt gehen wir weiter in die Milchschicht. Es gibt mehr Pigment und weniger Wasser in dieser Mischung. Eine Sache, die ich mit der monochromen Studie dieses Porträts gelernt habe , war, dass ich diesen Schatten einfach nicht dunkel genug bekam. Hier war ich wirklich vorsichtig beim Mischen der Farbe so, dass sie sehr dunkel ist , damit ich diesen Schatten nicht immer wieder durchgehen muss , wie ich es in der monochromen Malerei getan habe. [MUSIK] Genau wie in einem monochromen Gemälde, wenn ich den Übergang zwischen Licht und Schatten mildern möchte , schnappe ich mir einen sauberen Pinsel, der mit etwas Wasser beladen ist, und ich befeuchte einfach den Bereiche neben dem Ort, an dem sich die Farbe befindet. [MUSIK] An dieser Stelle möchte ich Sie warnen, dass jedes Bild eine „hässliche Bühne“ hat. Für mich war es das genau hier. Dies ist ein Punkt im Bild, wenn Sie anfangen, Ihre Entscheidungen in Frage zu stellen, alles sieht ein bisschen aus und Sie beginnen sich zu fragen, ob es sich überhaupt lohnt, es durchzuziehen. Lassen Sie mich Ihnen sagen, geben Sie nicht auf, wenn Sie zu diesem Stadium kommen, vertrauen Sie dem Prozess. Dies ist nur vorübergehend und sieht nur falsch aus, weil Sie es noch nicht beendet haben. Also mach weiter und selbst wenn dir das Endergebnis nicht wirklich gefällt, hast du immer noch viel aus dem Prozess gelernt. [MUSIK] In dem nächsten Clip gibt es etwas, das ich bereue, mit diesem Bild gemacht zu haben. Wenn Sie einen geworfenen Schatten haben, kann es sein, dass ein reflektiertes Licht in diesen Schatten zurückspringt und ein Bereich heller wird. Ich versuche das mit einem nassen Pinsel einzufangen , der etwas von dem Pigment in diesem Schatten wegnimmt . Das kann gut funktionieren. Aber ich habe das Gefühl, dass ich es hier übertrieben habe, ich habe das Bild überarbeitet. Wenn Sie das Gemälde überarbeiten, wenn Sie das Papier zu viel bearbeiten, erhalten Sie diese Tricks und Markierungen, die ich einfach nicht ästhetisch ansprechend finde, also überarbeiten Sie bitte nicht das Gemälde . [MUSIK] Jetzt, da die vorherigen Schichten getrocknet sind, bewegen wir uns in die Honigschicht. Dies ist eine Farbmischung mit viel Pigment und nur einem Hauch Wasser. Es ist sehr dunkel. Es funktioniert für kleine Details und dunkelste Teile des Gemäldes, wie die Augen, die Nasenlöcher und so weiter. Um jetzt dunkle Brauntöne und Schwarz zu mischen, können Sie Brauntöne und Blau verwenden, was Ihnen ein sehr dunkles, nahezu schwarzes Pigment verleiht. Wenn Sie jedoch keine braune Farbe besitzen, denken Sie daran, dass das Mischen von Gelb , Rot und Blau braun wird, also müssen Sie der Mischung nur mehr Blau hinzufügen. [MUSIK] Obwohl uns in der Regel gesagt wird, dass wir in Aquarell von hell bis dunkel arbeiten sollen, können Sie an dieser Stelle andere Wäschen mit mehr Wasser und weniger Pigment machen mehr Wasser und weniger Pigment nur um die richtige Farbtöne, die du willst. Manchmal, um den Ton der Dinge zu ändern. Das ist kein Problem. Der Grund, warum es diese allgemeine Regel gibt, ist nur, dass man diesen Bereich nicht wirklich aufhellen kann, sobald man mit Aquarell dunkel wird. Ich habe hier ein paar Tricks gezeigt, bei denen man das machen kann, aber diese Techniken haben ihre Grenzen. Sie gehen von hell nach dunkel, nur um sicher zu sein, nur um sicherzustellen, dass die helleren Bereiche erhalten bleiben. Aber nachdem Sie die dunkelste Schicht gemalt haben, gibt es nichts, was Sie davon abhält zurückzukehren und Ihr Gemälde mit leichteren Waschungen zu korrigieren oder zu fixieren oder kleine Anpassungen vorzunehmen . [MUSIK] Jetzt, da wir hauptsächlich mit der Haut fertig sind, ist es an der Zeit, den Hintergrund zu malen. Hier verwende ich eine sehr leichte Wäsche und der Hintergrund ist heller als die Haare, deshalb male ich ihn zuerst. Ich bedeckte auch den Teil der Haare, der das Highlight sein wird , denn als ich mir das Referenzbild ansah, wurde mir klar, dass es ein ähnlicher Farbton wie der Hintergrund war , den ich als dieses sehr Licht sah gräulich grün. Ich fing auch an, die Haare zu malen während das Papier noch leicht nass war weil ich einen weichen Übergang zwischen Haar und Hintergrund wollte . [MUSIK] Da das Haar dunkler ist als der Rest des Referenzbildes, habe ich bereits angefangen, es mit einer Milchmischung zu malen. Dies wird auch jede der T-Ebene des Hintergrunds verdecken . [MUSIK] Ich wollte nur ein Detail erwähnen , das einen großen Unterschied ausmacht, das Weiß der Augen ist niemals wirklich weiß. Normalerweise verwende ich eine Teemischung aus einem hellgrauen, um die Schatten zu malen. Das Malen dieser Schatten verleiht Ihren Augen Tiefe und guten Realismus. [MUSIK] Wenn ich auf die rechte Seite der Haare gehe, verwende ich diese fast schwarze Mischung da dieser gesamte Bereich im Schatten liegt. Aus demselben Grund mache ich mir keine Sorgen, diesen Teil zu detaillieren und jede einzelne Haarsträhne herzustellen. Ich muss hier nicht noch einmal so viele Informationen geben, da dieser Bereich im Schatten liegt. Was am Ende am wichtigsten ist, ist der Eindruck, den Sie vom Gesamtbild erhalten, und ich glaube nicht, dass viele Details in wirklich dunklen Schattenbereichen zu diesem Eindruck beiträgt. [MUSIK] Jetzt, da wir mit ihren Haaren fertig sind, ist nur noch das Kleid zu malen. Hier habe ich einen anderen Ansatz als die monochrome Malerei. Ich beginne mit den hellsten Farben, weil ich möchte , dass das leuchtende Orange und das Hellgrün erhalten bleiben. Ich male hier locker Blumen , weil das Muster meines Kleides so war. Aber ich bin nicht übermäßig präzise damit, weil ich möchte, dass sich die Leute auf das Gesicht konzentrieren und nicht die Details oder die Musterung des Kleides. Dies sind auch Entscheidungen, über die Sie nachdenken müssen , wenn Sie ein Portrait malen. Sie können auswählen, welche Bereiche Sie am meisten detailliert beschreiben müssen, die die meiste Aufmerksamkeit auf sie und welche Bereiche einfacher gehalten werden könnten. [MUSIK] Hier ist unser letztes Gemälde. Ich hoffe, dir hat diese Demo gefallen. 10. Letzte Gedanken: [MUSIK] Nun, wir haben das Ende unseres Kurses erreicht. Ich hoffe wirklich, dass Ihnen der ganze Prozess gefallen hat und viel über Aquarell-Porträtmalerei gelernt hat. Ich freue mich darauf, Ihre Projekte zu sehen und Ihnen Feedback zu geben. Ich würde auch gerne Ihr Feedback zu diesem Kurs haben. Sie können mich entweder hier auf Skillshare oder in meinem Instagram bei biabarrett erreichen , und ich freue mich, von Ihnen zu hören. Bis zum nächsten Mal.