Verbessere dein künstlerisches Spiel: die Elemente und Designgrundlagen

1. Leveling Up Einleitung: He, Leute. Ich bin Dylan Mierzwinski, Illustrator und Oberflächenmusterdesigner, der in Phoenix, Arizona lebt. In dieser Skillshare Klassestellen wir unsere Tastenkombinationen und Tablets bereit, stellen wir unsere Tastenkombinationen und Tablets bereit um über die Werkzeuge des Handels zu sprechen, nicht über Ihre Ausrüstung, nicht über Ihre Social-Media-Plattformen, sondern über die Elemente und Prinzipien, die Ihnen helfen können Endlich erforschen und entwickeln Sie Ihren persönlichen Stil, interpretieren Sie endlose Inspiration, ohne zu stehlen oder auf die Zehen anderer Künstler zu treten, und bewerten und kritisieren Sie Ihre und andere Kunstwerke. Kurz gesagt, wir bringen Ihre Künstleridentität auf die nächste Ebene. Schnappen Sie sich Ihr Notebook und Ihren Lieblings-Highlighter und beginnen Sie mit uns. 2. Kursprojekt: Für dieses Klassenprojekt gehen Sie auf eine Schnitzeljagd mit den Elementen und Prinzipien des Designs im Auge, gefolgt von einer praktischen Erkundung der gleichen Elemente und Prinzipien in jeder Form von Marke, die Sie wählen. Vielleicht möchten Sie die Linie mit Holzkohle-Stiften erkunden, mit Farbe durch Malerei spielen und das Gleichgewicht mit einer Reihe von Holzblöcken betrachten. Es liegt ganz an dir. Das Beste daran ist, dass dies nicht nur Ihre kreativen Säfte fließen und bereit für Ihr nächstes Projekt, sondern dies kann als Beginn eines kreativen Spielbuchs dienen, in dem Sie Ideen ziehen können, um an jenen Tagen, an denen Sie das Gefühl haben, Ideen zu mischen und zu passen stecken. Alle Details finden Sie auf der Registerkarte „Projekt“ einschließlich Ressourcen-Downloads. 3. Für wen ist der Kurs: Lassen Sie uns darüber sprechen, für wen ich diese Klasse vorstelle, für die ich hilfreich bin. Sie haben wahrscheinlich bereits eine Handvoll Skillshare Kurse absolviert und haben damit begonnen, diese technischen Fähigkeiten aufzubauen. Sie haben damit begonnen, Ihre Arbeit zu teilen und Ihre Nachfolge zu erweitern, aber Sie sehen immer noch eine deutliche Trennung zwischen Ihrem Kunstwerk und denen, die Zitat „gemacht“ haben. Sie haben viel Arbeit gemacht, aber es sieht alles anders aus oder sieht aus wie ein Abreißen von jemandem, den Sie bewundern oder einfach nicht wie Sie fühlen. Sie möchten mit dem Aufbau eines Portfolios beginnen, auf das Sie stolz sind und sich nach diesen großen Träumen auseinandersetzen, aber fühlen Sie sich, als würden Sie Ihre Räder für immer drehen. Vielleicht fühlst du dich selbstbewusst darüber, dass du keine formale Ausbildung hast oder wie du ein Betrüger bist. Vielleicht ist es so einfach, sich überwältigt zu fühlen, wenn jemand Sie nach Ihrem Beitrag zu seiner Arbeit fragt oder nicht zu wissen, wie man nach Feedback zu Ihrer eigenen Arbeit fragt. Wenn eine Kombination von diesen klingt wie du, dann können wir uns zuerst Freunde anrufen. Weil ich an all diesen Orten mehrmals gewesen bin, und zweitens denke ich, dass du viel von diesem Kurs wegnehmen wirst. Ich bin nicht dabei, Ihnen Kunstgeheimnisse in den Sinn zu bringen. Das ist Art 101 Zeug. Aber für Autodidakt Kreative ist es genau diese Grundlage, die ein fehlendes Stück sein kann, wenn Sie sich auf das Erlernen technischer Fähigkeiten konzentrieren und selbst wenn Sie einen Kunstlehrer dieses Material abdecken, macht es eine Welt mehr Sinn, wenn Sie tatsächlich einen Kontext haben, auf den es angewendet werden kann. Es gibt einen Grund, warum es Teil der Art 101 ist, es ist ziemlich wichtig. 4. Entwurfselemente: Zuerst werden wir über die Elemente des Designs sprechen, die wir als Bausteine betrachten können, aus denen die gesamte Kunst besteht. Der Maler und Designtheoretiker Maitland E. Graves fasste es schön zusammen, indem er sagte: „Diese Elemente sind die Materialien, aus denen alle Entwürfe gebaut werden.“ Es gibt einige Unklarheiten darüber, wie viele Elemente es gibt, wie 6 bis 10, je nachdem, wen Sie fragen, aber ich werde mit einer soliden sieben gehen. Fangen wir mit der Biggie an, die Sie wahrscheinlich gut kennen, Farbe. Farbe ist ein Element des Designs, das die Stimmung setzt oder ein Gefühl oder Emotion für das Stück liefert. Farbe an sich ist eine Welt zu erforschen mit Farbbeziehungen, psychologischen und sozialen Bedeutungen gebunden an Farben und Farbharmonien und Paletten, die Menschen neigen dazu, angenehm zu finden. Aber vor allem ist es wichtig zu wissen, dass Farbe eine große Rolle bei der Einstellung der Stimmung spielt. Wir können ein Kunstwerk nehmen und nur die Farben ändern und das ganze Gefühl des Stückes kann sich drastisch ändern. Piggybacking off of color ist Wert, sich auf die Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe innerhalb einer Komposition bezieht. Ähnlich wie Farbe oder Farbton kann die Verwendung von absichtlichem Wert eine Stimmung oder Emotion verstärken oder weiter vermitteln. Zum Beispiel kann die Farbe Rosa eine Stimmung der Weiblichkeit, Freundlichkeit und Weichheit einstellen , aber ob das Rosa ein Babyrosa oder eine staubige Rose ist , ändert den Ton erheblich. Wir werden später mehr darauf eingehen, aber der Wert spielt eine wertvolle Rolle bei der Schaffung von Tiefe, Schaffung von Kontrast oder der Steigerung der Betonung. Als kurzes Beispiel ist der gesamte Text hier die gleiche Größe, Schriftart und Farbton, aber die drastischere Wertänderung, dh die hellste und dunkelste ist, was das Auge zuerst befiehlt und zeichnet. Als nächstes haben wir eine Textur, die sich natürlich auf die Art und Weise bezieht, wie sich eine Oberfläche fühlt oder empfunden wird, so denken Sie glatt, alt, körnig, natürlich, synthetisch, rau usw. Echte Texturen sind physische Texturen, die wir berühren können, so die Strickjacke des Pullovers, den Sie gerade tragen, oder die Rinde eines Baumes vor Ihrem Fenster. Simulationen von Texturen, so ein Bild von Baumrinde oder eine Zeichnung in Holz grüne Textur wird als implizierte Textur bekannt. Also, der Großteil der Textur, über die wir in der Illustration sprechen, ist implizierte Textur. Textur kann Kontrast hinzufügen und dabei helfen, einen Brennpunkt hervorzuheben, eine Komposition auszugleichen oder einfach visuelles Interesse zu schaffen. Element Nummer vier ist Zeile. Die komplexe Beschreibung ist ein Punkt, der sich im Raum bewegt, aber wir kennen diese als gerade Linien, gekrümmte Linien, diagonale Linien, gebrochene Linien, starke Linien, unscharfe Linien, implizierte Linien. Sie können in Breite und Textur variieren, sie können durch zwei Formen berührt werden, sie können geschlossen oder offen sein. Es gibt unzählige Möglichkeiten, wie Linien ihren Weg in die Kunst schaffen und mit Linien kommen Formen, also flache Bereiche, die durch Linienwert oder Farbe gebunden sind. Sie können geometrisch sein wie Ziegel und Sechsecke, oder organisch wie Blätter und Kurven. Sie können positiven und negativen Raum einnehmen, sie können einfach oder komplex sein und so weiter und so weiter. Ich würde sagen, die ersten fünf Elemente sind alle leicht zu erfassen und zu beziehen. Aber mit sechs und sieben fangen wir an, etwas weniger konkret zu werden. Nummer sechs ist Raum in allen Designs befasst sich mit Raum, unabhängig davon, ob es beabsichtigt ist oder nicht, da es sich auf den Bereich bezieht den eine Form einnimmt, und die Räume zwischen diesen Formen sind die Elemente gleichmäßig verteilt, wenn sie sich überlappen. Beachten Sie, wie eine Wertabstufung verwendet werden kann, sodass eine Abstufung von dunkel nach hell verwendet werden kann, um einen Schlagschatten zu erzeugen, der das Gefühl von 3D-Raum im 2D-Raum erzeugen kann. Der Raum ist ein sehr flexibles Element und es hat viele Wege, die erforscht werden können. Schließlich haben wir eine Form, die sich traditionell auf 3D-Kunst bezieht, die Raum einnimmt und Masse hat. Es ist die 3D-Version der Form. Form kann jedoch innerhalb von 2D-Arbeit wiedergegeben werden. Also, nur weil eine Skulptur Form hat, bedeutet das nicht, dass es in einer Zeichnung keine Form gibt. Eine Person, die eine Figurzeichnung macht, kann sehr genau auf die Form achten und sicherstellen, dass die Form dieses Körpers dargestellt wird. Also, nichts Gehirn zerschmettert bisher in unseren Grundelementen Farbe, Wert, Textur, Linien, Formen, Raum und Form. Aber fangen wir an, die Implikationen und Beziehungen dieser Elemente im Zusammenhang mit den Prinzipien des Designs zu betrachten . 5. Grundlagen im Design: Wenn Elemente die Bausteine oder Basiskomponenten sind , sind die Prinzipien die Fahrzeuge für und die Beziehungen zwischen ihnen. Manche Leute nennen sie Regeln, aber ich denke, das ist eine falsche Kennzeichnung. Um es mit Lebensmitteln in Verbindung zu bringen, sind Elemente die Zutaten, und Prinzipien sind die Techniken. erste Schritt ist die Balance, d. h. die Verteilung der visuellen Gewichtung von; Objekte, Farben, Texturen und Raum. So können Sie sich vorstellen, als ob jedes Element in Ihrem Stück Gewicht zu dem Stück hinzufügt, und dieses Gewicht sollte absichtlich ausgeglichen oder absichtlich unausgewogen sein, abhängig von der Wirkung, die Sie wollen. Beispielsweise kann ein großer, sehr hellgelber Kreis das gleiche visuelle Gewicht wie ein viel kleinerer schwarzer Kreis haben. Balance kann symmetrisch, asymmetrisch oder radial sein. Wenn Sie eine leere Leinwand nehmen und ein Quadrat auf einer Seite hinzufügen, welche Seite fühlt sich schwerer an? Das ist Gleichgewicht, und es kann durch endlose Kombinationen der Elemente des Designs erreicht werden . nächste Schritt ist ein Klassiker, und das ist Kontrast, sich darauf bezieht, visuelles Interesse zu schaffen, indem gegenüberliegende Elemente gegenübergestellt werden. Also, denken Sie an helle und dunkle Werte, große und kleine Formen, glatte und raue Texturen, helle und matte Farben, Vorder- und Rückseite , oder nah und weit im Raum, etc. Kontrastbereiche gehören zu den ersten Stellen, an denen das Auge eines Betrachters gezeichnet wird, so dass Sie es sehr bewusst verwenden können, um die Augenlinie zu lenken. Oder auf der anderen Seite könnten Sie einen niedrigen Kontrast verwenden, um weniger wichtige Elemente davon abzuhalten , mit den wichtigen zu konkurrieren. Dies bringt uns zu Betonung oder Dominanz, das ist, wenn die Aufmerksamkeit auf einen einzelnen Bereich innerhalb eines Designs konzentriert wird, wodurch ein Brennpunkt entsteht, oft durch einen Kontrast irgendeiner Art. Traditionell bezieht sich dies auf das wörtliche einzelne wichtige Element in einem Stück, aber ich denke es eher als eine allgemeine Idee, eine Hierarchie in Ihrem Design zu erstellen. Was ist das Wichtigste? Was ist der zweitwichtigste Teil? Also weiter und so weiter, und was können Sie tun, um sicherzustellen, dass diese Elemente wie beabsichtigt beachtet werden? Die nächsten drei haben alle Namen, die Sie für eine Weile mischen , weil sie alle vertraut klingen, aber sie haben spezielle Anwendungen, wie es um Kunst geht, und das sind Rhythmus, Wiederholung und Bewegung. Rhythmus ist wie ein tatsächlicher Takt, durch einen gleichen Abstand von visuellen Elementen erzeugt wird und oft Wiederholungen verwendet. In diesem Gemälde von Andy Warhol wird das Bild von Marilyn Monroe mehrfach wiederholt, wodurch ein stabiler eins eins eins eins eins eins eins eins eins eins eins eins eins visueller Beat entsteht. Selbst mit der Farbabweichung von Iteration zu Iteration gibt es dort immer noch einen Beat. Aber Rhythmus kann auch Variation innerhalb der Wiederholungen haben, so denken Sie ein zwei drei zwei drei oder zwei eins zwei, sind auch Rhythmen, obwohl sie variieren. Diese Wiederholung muss aber nicht nur mit Form sein, sie kann jedes Element oder eine Kombination von Elementen sein, deshalb ist der Rhythmus so aufregend. Wiederholung ist dann einfach, und ist buchstäblich nur das Vehikel der sich wiederholenden Elemente, um Einheit zu schaffen. In diesem Stück von Luli nutzte sie eine Wiederholung der Form, um Einheit zu schaffen, während Farbe und Wert variieren ließ. Dann haben wir Bewegung, und Bewegung bezieht sich auf die Linie, die dein Auge durch ein Stück Arbeit folgt. Also, dieses Kandinsky Gemälde zeigt Bewegung und zieht Ihr Auge rundum und durch das Gemälde, aber es gibt nicht wirklich einen wahrnehmbaren Rhythmus, obwohl es eine gewisse Wiederholung von Farbe und Form gibt. Schließlich haben wir Einheit. Einheit ist eine Art Großheit, es ist die Hauptsache, die wir hier drehen, was ein Gefühl der Ganzheit ist, das sich aus der Kombination von Harmonie und Vielfalt ergibt . Wenn Sie nun ein Stück kreieren, um Leiden darzustellen oder ein schwieriges Thema zu beleuchten, perfekte Einheit vielleicht nicht das, was Sie suchen, aber im Allgemeinen mit Design und Illustration wollen Sie ein Gefühl der Einheit. Sie möchten, dass sich Ihre Arbeit so einheitlich anfühlt, dass alle Elemente bequem zusammenpassen. Seien Sie sich jedoch bewusst, zu viel Einheit schafft Monotonie, und zu viel Vielfalt schafft Chaos. Du brauchst ein Gleichgewicht von beidem. Unsere sieben Prinzipien, die unsere Elemente zum Leben erwecken, sind Gleichgewicht, Kontraste, Betonung, Rhythmus, Wiederholung, Bewegung und Einheit. 6. Weitere Beispiele: Bevor wir uns intensiv mit den Anwendungen dessen befassen, was wir gerade übergegangen sind, werfen wir einen kurzen Blick auf einige Kunstwerke, damit wir anfangen können, diese Worte und Ideen zu verwenden. Zunächst einmal ist diese Abbildung links von Natalia Z. Es gibt so viele großartige Dinge, die auf einmal geschehen, dass ich fast nicht weiß, wo ich anfangen soll. Erstens nutzt sie den Raum, indem sie eine Szene erstellt, die die Illustrationsdimension verleiht. Es sieht so aus, als ob sich das Ruderboot vorwärts zum Haus bewegt, anstatt zu stagnieren, oder rückwärts oder in einer anderen Richtung. Obwohl das blaue Wasser den größten Teil der Szene einnimmt, lenkt es Ihre Aufmerksamkeit nicht vom Haus und der Figur ab, weil sie meisterhaft Wiederholung verwendet um die anderen wichtigen Elemente hervorzuheben. Merkst du, wie sich die Formen im Wasser überall wiederholen? Dies hilft unseren Augen, sich nicht so sehr darauf zu konzentrieren und zu den anderen Elementen zu gehen. Neben einem starken Kontrast im Wert, sehen Sie, wie hell das Haus ist im Vergleich zu allem anderen in der Szene. Sie schuf eine interessante Wasserstruktur, indem sie organische gekrümmte Linien verwendet. Auch hier kontrastieren die Linien nicht so stark gegen das Wasser, dass sie das Auge ablenken. Die Art und Weise, wie sie Raum geschaffen hat, hilft auch, das Auge des Betrachters zu lenken, was bei der Bewegung hilft. Als nächstes haben wir diese Illustration von Blanca Gomez, und ich liebe dies als Beispiel für Kontrast und Betonung. Mein Auge schießt in beiden Bildern direkt in den Schulbus. Denn der Schulbus ist so verschieden von den wiederholten Formen um ihn herum. Beachten Sie jedoch, der Schulbus nicht ganz so stark auffällt wie unten, und das liegt daran, dass die umgebenden Elemente in Farbe und Wert dem Bus näher sind als im Fall des Schulbusses in der Bäume. Außerdem unterscheiden sich die Baumformen stärker vom Bus als die Gebäude zum obigen Bus. Beachten Sie, dass die wiederholten Elemente jedoch keine perfekten Kopien sind. Blanca hielt das Stück optisch interessant, indem die Grüntöne und die Bäume leicht variierte und subtile Textur lieferte. Also haben wir Einheit ohne Monotonie und Interesse ohne Ablenkung. Dieses nächste Stück ist ein weiteres großartiges Beispiel für Raum als die Perspektive verwendet, gibt uns ein Gefühl, in einem Raum zu sein. Es schafft den Raum um uns herum. Diese Perspektive hilft auch bei der Bewegung des Stückes, da es unser Auge den Raum hinauf und aus der Tür führt. Wiederholung wurde in den Betten verwendet, um das Auge in der Halle zu halten, anstatt aufhören zu müssen und durch unterschiedliche Bettdecken abgelenkt zu werden, oder verschiedene Bettformen konnten sich einfach direkt dort oben bewegen. Mit so viel Muster und Textur in diesem Stück würde man denken, es wäre einfach für es zu chaotisch zu werden. Aber die zusammenhängende und begrenzte Farbpalette hält alles davon ab, überwältigend zu werden. Die Linienarbeit ist weniger präzise. So wird das Auge nicht an Details aufgehängt, so dass es sich weiterhin frei bewegen kann. Hier drüben haben wir diese Banane kaufmännisches Und-Zeichen, geschickt betitelt Bandana, und ich liebe es als ein Beispiel für spielerische und effektive Textur. Obwohl die Form nicht das ist, was wir in einer Banane gewohnt sind, treiben die Farbe und die stippling Textur den Punkt ohne Probleme nach Hause. Ich habe das Gefühl, dass ich die Banane durch die Szene riechen kann. Dank dieser Textur. Die Textur erzeugt auch Tiefe, indem sie mit Werteänderungen spielt , wenn das Stippling mehr oder weniger dicht wird. Es gibt der Banane ein falsches, aber erfolgreiches Gefühl der 3D-Form. Ich habe zwei weitere Beispiele, auf die ich in meiner eigenen Arbeit hinweisen wollte. Dann werden wir über Stil-Inspiration und Kritik sprechen. Also, zuerst möchte ich einen meiner Blumensträuße neben einem klassischen botanischen Blumenstrauß zeigen . Obwohl beide mit einem Blumenstrauß Schwerpunkt zu tun haben , die in der Mitte der Seite lebt, traditionelle Botanicals verwenden Wert, Textur und Farbe, um die Blütenform zu zeigen. Also, die tatsächliche Form der Blume in der Natur, sie versuchen, das zu vermitteln. Während ich in meiner Arbeit gerne die Form von der Blume zugunsten einer flachen Form abziehe, und dann verwende ich Linie nur, wenn es notwendig ist, Textur oder Form zu zeigen. Also, das ist auch ein gutes Beispiel dafür, wie sich Form von Form als Element unterscheidet. Hier haben wir eine Gießkanne Muster, die ich gemacht habe. Das kommt wie ein lustiges und süßes Sommermuster. Etwas davon kommt aus der Farbpalette und dem niedrigen Kontrast zwischen Figur und Boden und den Figuren selbst. Aber was diesen Spaß nach Hause treibt, ist der Rhythmus. Obwohl ich mir die Zeit genommen habe, um den Raum zwischen den Formen als Ganzes auszugleichen, so dass es sich atmungsaktiv und komfortabel anfühlt. Die Gießkannen sind nicht alle perfekt voneinander angeordnet oder sogar in die gleiche Richtung gerichtet. Diese leichte Varianz bildet den unregelmäßigen Beat, der dem Muster etwas Energie verleiht. Betrachten Sie es als Jazz-Beat anstelle des linearen 1 1 1 Beats, den wir in der Malerei von Andy Warhol von früher gesehen haben. 7. Stil berücksichtigen: Nun, da Sie eine Sprache und Grundlage haben, um unsere Arbeit in der Welt um Sie herum zu interpretieren, können Sie die Dinge, die Sie lieben, mit frisch ausgebildeten Augen betrachten. Jetzt, anstatt es Rätsel zu geben, können Sie mit den Teilen, die Sie lieben gemeinsam haben und was all das, was Sie nicht lieben, gemeinsam hat, und dann können Sie das in Ihre eigenen Kunstwerke tragen. Ich werde mich selbst als Beispiel verwenden. Ich habe hier ein Moodboard, das eine destillierte Sammlung dessen ist , was ich in meinem Beispiel Klassenprojekt bedecke. Also, wenn Sie mehr von dem sehen wollen, wovon ich hier spreche und größere Bilder, können Sie sich das ansehen. Ich fand diese, indem ich zurück in meinem Illustrationstafel auf Pinterest ging, zurück zu, bevor ich das Gefühl hatte, dass ich einen Stil entwickelt hatte und immer noch irgendwie meine Räder drehte und versuchte, etwas zu machen, das mir gefallen hat, und es macht wirklich Spaß, jetzt zurückzuschauen um zu sehen, dass einige der Säulen meines Stils heute in diesem Zeug, das ich vor Jahren sammelte, vorhergesagt wurden. Das ist also eine Art, wo die Magie von dir, du bist , ins Spiel kommt, denn niemand sonst wird diese Bilder kombinieren, genau so, als würde ich kein Stimmungsbrett machen, das genau wie deine aussieht. Wir werden seltsame Kombinationen finden, die unsere eigenen Vorlieben abspielen. Sie sind alle von verschiedenen Künstlern und verschiedenen Arten von Arbeiten und doch der Faden, der sie verbindet, ist uns und unsere Liebe zu ihnen. Diese Kombination aus bestimmten Vorlieben und Dingen, die Sie angezogen werden ist genau das, was Sie einbinden und mit denen Sie spielen möchten. Das ist dein Künstler Mojo. Aus diesem Grund können Sie einige Elemente und Prinzipien berücksichtigen, um Ihre Interpretation über verschiedene Medien hinweg zu leiten und Sie zu informieren. Aber schauen wir uns das speziell an, damit Sie sehen können, was ich meine. Hier sind einige der wichtigsten Muster, die ich gefunden habe, wenn einen Blick auf diese alten Pins, die ich gesammelt habe. Zuerst ist die Farbe. Alle Stifte, die ich für sparen, ihre Farbe hatte fett, Kontrast und Farbton. Manchmal sogar ein Zusammenstoß in Farbton. Die Paletten waren tendenziell minimal. Ich bemerkte auch, dass außer für meine Liebe zu Gelb, die meisten Farben, die ich gezeichnet habe, tatsächlich dunkler oder langweiliger im Wert als die meisten zeitgenössischen Arbeiten, die ich sehe. So zum Beispiel, wo ich eine Menge wirklich, wirklich helle Korallen sehe , die wirklich gesättigt sind, die Korallen, die ich in meiner Arbeit benutze und die ich angezogen bin, sind ein bisschen geerdet, ihre dunkler sind sie ein wenig weniger gesättigt. So kann ich das als persönliche Präferenz von mir und etwas bemerken, das mich auszeichnet. Wie ich schon sagte, es sind diese Vorlieben, die die Edelsteine sind, die darauf achten. Als nächstes sind die Stifte, die meine Aufmerksamkeit wegen der Linie zog. Ich bemerkte, dass ich kaum jemals Linie mochte und verwendet, um eine gefüllte Form zu skizzieren. Ich bevorzuge reservierte und durchdachte Linienplatzierung für wesentliche Details und neige dazu, Linie zu bevorzugen, die verwendet wird, um Textur zu erstellen, anstatt eine Form zu bilden. Das ist also ziemlich interessant. Als nächstes sind meine Formpräferenzen. Wie ich gerade sagte, ich mag es normalerweise nicht, meine Formen in Kombination mit Farbfüllungen zu erstellen. Ich mag die Grenze der Farbfüllungen, um die Formen oder implizierte Linien und Formen aus Texturfüllungen zu erstellen . Es ist weniger wichtig für mich, dies zu betrachten und meine eigene Arbeit zu wissen , damit die Formen klare Grenzen haben, und stattdessen möchte ich, dass die Idee der Form oder der Gruppe von Formen mit nur einer schnellen Betonung auf notwendige Nur Details. Also, ich weiß, es ist klein, aber wenn man sich dieses Formular genau hier anschaut, ist diese Form nicht wirklich skizziert. Das einzige, was diese Form diktiert, ist, wo diese Textur, wo dieser Streifen auftaucht, der Rest ist negativer Raum, aber wir bekommen eine implizite Linie dort, weil die Textur platziert ist. Das ist das gleiche Spiel, das in diesem Trenchcoat hier passiert. Der Trenchcoat wird von einem Muster diktiert , das die gleiche Farbe wie der Hintergrund in Schwarz und so jeder der Orte, an denen wir den schwarzen Cutoff sehen können , ist, wo wir annehmen können, dass die Linie von diesem Objekt ist. Dann hier oben mit dieser Katze gibt es keine Linie, die diese Katze umreißt, es gibt eine cremefarbene Füllung, die vorgibt, wo die Form der Katze ist, mit einigen Akzentlinien darüber. Das ist also die Art von Sache, auf die ich mich wirklich hingezogen zu fühlen scheint , wenn ich das ganze Zeug anschaue. Schließlich habe ich mein Gleichgewicht und meine Betonung. Ich neige dazu, lineare klare Layouts zu mögen. Nicht, dass ich keine abstrakte Arbeit mag, aber ich neige dazu, Kunst nicht zu mögen oder mich von Kunst hingezogen zu werden, wo ich nicht wirklich verstehen kann , warum sie da ist oder was sie auf den Tisch bringt. Ich weiß gerne: „Okay, ich schaue mir dieses Stück an und ich kann sagen, dass dies ein botanischer oder ich kann sagen, was die Figur ist und was der Boden ist“, so etwas. Ich neige auch dazu, mein Gleichgewicht zu mögen, um sich symmetrisch zu fühlen. Also, wenn ich diesen botanischen Stoff hier in zwei Hälften schneiden würde, und wieder, ich weiß, dass er klein ist. Wenn ich es halbieren würde, auf halbem Wege, würden wir sehen, dass es auf beiden Seiten gleich Gewicht gibt. Es hat ein symmetrisches Gleichgewicht. Die Elemente selbst sind jedoch nicht genau gleich. Dieser Farn ist also nicht derselbe Farn, der hier drüben ist. Ich mag es also, dass es ein symmetrisches Gleichgewicht gibt, dem die tatsächlichen Elemente und Formen selbst variiert sind. So können Sie sehen, dass Sie einfach sammeln und darauf achten, was Sie lieben, eine Tonne Intel über Ihre eigenen Vorlieben und eine Kombination sammeln können , die völlig Ihre eigenen ist. Dies gilt nicht nur für Kunstwerke. Gibt es bestimmte Autos auf der Straße, auf deren Formen Sie sich hinziehen? Bevorzugen Sie Filme, die unkompliziert in der Natur sind oder avantgardistischer sind? Liebst du, wenn dein Haus nachts dunkel und launisch ist? Wenn Sie alle Elemente und Prinzipien im Spiel berücksichtigen und wie sie verwendet werden können, um eine bestimmte Erfahrung zu schaffen, können Sie das zurückentwickeln, um einen Stil zu kreieren, der dynamisch ist und ständig wächst, anstatt eng und starr. 8. Inspiration nutzen: Also setzen Sie sich hin, um an einer Illustration zu arbeiten. Wie kommen alle diese Informationen hier tatsächlich ins Spiel? Tolle Frage. Ich denke, es eignet sich auf zwei Arten. Tun Sie sich zuerst einen Gefallen und fragen Sie sich, was Sie erreichen wollen. Dies kann etwas Geradliniges sein, wie eine hübsche Blumenillustration, die Aprilblumen zeigt, oder etwas tiefes und reflektierendes wie Tiefe und Wert, um eine Szene zu schaffen, die eine depressive Episode darstellt. So oder so, indem Sie sogar eine breite Richtung festlegen, können Sie Ihr Gehirn dazu bringen, welche Werkzeuge Sie verwenden möchten, um dies zu erreichen. Für eine chaotische und dunkle Szene würden Sie wahrscheinlich keine klaren Linien und hellen Farben verwenden, oder deshalb möchten Sie helle Farben mit dunklen Bildern oder schweren Formen gegenüberstellen. Also, es ist eine schnelle Übung, um auszuspüren, was nicht funktioniert , was wird und welche Regeln Sie vielleicht brechen wollen. Aber der zweite Weg, wie es sich eignet, ist, wenn man überlegt, wie man Inspiration verwendet, ohne zu stehlen. Nicht viele Künstler sind stark darin, 100 Prozent aus ihren Vorstellungen zu erschaffen. Also, wie verwenden Sie Referenzen, ohne den Fotografen abzureißen? Wie bewundern Sie andere Künstler, ohne unbewusst zu versuchen, sie zu emulieren? Wenn Sie die Rechte an den Bildern, die Sie betrachten, nicht besitzen, sollten Sie die Elemente und Prinzipien des Spiels interpretieren, anstatt die Ideen und die Ausführung, die der Künstler erstellt und gerendert hat. Also lassen Sie uns vorwärts mit meinem Beispiel gehen, eine hübsche Blumen-Illustration von April-Blumen erstellen zu wollen . Zuerst würde ich so etwas wie Google machen, was Blumen im April blühen, und dann nach meiner Grundlagenforschungsphase würde ich wahrscheinlich auf Pfingstrosen zoomen und sagen: „In Ordnung, ich möchte etwas auf Pfingstrosen tun und so würde ich gehen und anfangen zu sammeln Referenzbilder von Google und Pinterest und Aktien-Websites, et cetera. Dann werde ich manchmal einige fertige Kunstwerke im Kopf haben , die ich sehr liebe und von meiner Arbeit im Hinterkopf behalten möchte. Also, hier ist, wo wir wirklich vorsichtig sein müssen. Ich möchte sicherstellen, dass ich ihre Inhalte nicht kopiere. Also, wenn ich mir diese Stücke anschaue, die ich liebe, werde ich nicht die Farben probieren und die gleiche Bouquet-Komposition zeichnen oder sie sogar ansehen, sobald ich anfangen zu arbeiten. Stattdessen werde ich fragen, was ich an ihnen mag. In diesem Fall liebe ich, dass es ein Spiel mit gefüllten Formen und ungefüllten Formen gibt. Ich liebe es, dass sich die Komposition geschichtet anfühlt, anstatt flach zu sein, wie ich normalerweise arbeite. Ich liebe den hohen Kontrast in der Farbe. Also wieder, Sie können sehen, dass ich den Inhalt von diesem Künstler nicht nehme. Ich nehme das, worauf ich in ihrer Arbeit antworte, und dann kann ich das in meine eigene bringen. Wenn ich ein Schriftstück finde, das ich liebte, würde ich das Zitat nicht nehmen und es im gleichen Stil schreiben oder ein anderes Zitat im gleichen Stil schreiben. Ich würde genau bestimmen, was ich an ihrem Stück genossen habe, und dann in diesem Zusammenhang an meinem Stück arbeiten. Darüber hinaus, wenn es um Referenzen geht, ist es nicht nur das Schlimmste, wenn man Bilder von sagen drei Blumen sammelt und dann nur genau diese drei Blumen zeichnen kann und nichts mehr? Ich hasse es, mich so begrenzt zu fühlen. Indem wir die Elemente und Prinzipien auf Referenzfotos anwenden, können wir beginnen, ein paar mehr Blüten aus ihnen zu bekommen, und noch wichtiger in Fällen, in denen wir nicht die Rechte an den Referenzen besitzen , wie in dieser Situation Ich habe diese Bilder von Pinterest. Ich kann es völlig vermeiden, auf die Zehen des Fotografen zu treten. Zum Beispiel, auf diesen Fotos von Pfingstrosen und ich weiß, sie sind klein und irgendwie schwer zu sehen auf dem Bildschirm, ich beurteilen wirklich ihre Form. Insgesamt sind sie rund. Ich kann eine gemeinsame Blütenblattform sehen, obwohl sie in der Größe variieren. Manchmal klappen sich die Blütenblatt-Spitzen nach außen von der Masse der Blume weg. Die Blätter gruppieren sich manchmal an einer Stelle. Hier können Sie sehen, dass sie alle an einem Ort wachsen, und manchmal sind sie spärlicher verteilt. Im Höhenplan ist die Gesamtform rauer als bei einem Blick auf einen Blick. Ich kann darauf achten, wie die Blütenblätter oder Formen miteinander interagieren, wenn sie in Kontakt kommen. Ich kann sehen, dass die Werte dunkler näher an der Mitte der Blume sind. Wieder, indem ich mehr auf das schaue, was wir sehen, kann ich jetzt diese Referenzen verwenden, um ein Stück zu erstellen , das nicht Linie für Zeile meiner Referenzen ist, aber immer noch nicht 100 Prozent auf meine Phantasie für das schwere Heben angewiesen ist. Mit Blick auf das Endergebnis, können Sie auf jeden Fall Ähnlichkeiten zwischen meiner Arbeit und der Inspiration und Referenzen sehen, aber keine der Blumen wurden Blütenblatt für Blütenblatt gezogen. Meine Farben wurden nicht von den Kunstwerken, die ich liebte, gesampelt, und ich habe versucht, mich in den Grenzen treu zu bleiben , die ich basierend auf meiner Inspiration gesetzt habe. Hier ist eine Faustregel, die ich gerne vorbeigehe, wenn ich nicht sagen kann , ob ich zu viel von meinen Referenzen nehme. Das ist, um mich zu fragen, ob dieser Malerfotograf, der meine Inspiration oder meine Referenzen gemacht hat, mein Stück gesehen hat, wie würden wir beide darüber empfinden? Manchmal gibt es diese Einstellung von, sie werden es nie wissen, oder wer es sagen könnte, oder wie können sie es beweisen, und diese Frage zu stellen umgeht das, weil es nicht wirklich wichtig ist, was das Risiko ist, wenn der Künstler ging vorbei und sah Ihr Stück, konntest du mit Integrität dazu stehen? Oder würdest du ein wenig in einen peinlichen Moment klappern und hoffen, dass sie nicht zu genau hinschauen? Eine letzte Anmerkung, die ich hier hinzufügen möchte, bevor ich zur Kritik übergehe, und das ist, nicht mit Gefühl über Bord zu gehen, dass jedes Element und Prinzip berücksichtigt und absichtlich und perfekt berechnet werden muss. Viele Kunstschaffungen sind glückliche Unfälle, Intuition und schnelle Entscheidungen. Fühlen Sie sich frei, diese zu verwenden, wenn Sie Hilfe mit der Richtung benötigen. Manchmal betrachte ich sie nicht einmal, bis ich fast fertig mit dem Projekt bin und nicht ganz herausfinden kann, warum etwas nicht klickt. Dies sind großartige Richtlinien, aber lassen Sie sie nicht den wichtigsten Teil, die Herstellung, halten. 9. Kritisieren: Schließlich, als ob es nicht schon genug wäre, Ihren Stil zu dekonstruieren und einen Weg nach vorne in Ihrem Kunstwerk zu ebnen, geben uns die Elemente und Prinzipien des Designs Sprache, um mit anderen Menschen über Kunstwerke zu sprechen. Weißt du, wie es wirklich beängstigend ist, nach Input für dein Kunstwerk zu fragen? Nun, es ist ziemlich unangenehm, über diese Verwundbarkeit zu wissen und immer noch nicht sicher zu sein, was ich sagen soll, als Antwort auf jemanden, der Sie fragt. Sie ein gutes Feedback geben wollen, aber nicht Gefühle verletzen oder aus der Reihe reden, kann es wirklich schwer sein, zu navigieren Wäre es nicht einfach ein gutes Gefühl etwas anderes als Ihre subjektive Meinung anbieten zu können, es zu mögen oder nicht? Die Elemente und Prinzipien haben Ihren Rücken hier. Genau wie alle Fälle, über die wir bereits gesprochen haben, fragen Sie sich, was Sie daran mögen. Was ist die Betonung in dem Stück, wenn Sie es betrachten? Ist es ausgewogen? Funktionieren die Farben? Auch wenn Ihre persönlichen Vorlieben von anderen Künstlern abweichen. Indem Sie einfach Licht auf das werfen, was Sie sehen, in Begriffen, die sie verstehen können, geben Sie dem Künstler und anderen eine weitere wertvolle Perspektive, um zu berücksichtigen, dass weder richtig noch falsch sind. Wenn Sie nicht bereit sind, andere zu fragen, können Sie die gleiche Technik verwenden, um Ihre eigene Arbeit zu kritisieren und zu bewerten. Ich bat ein paar mutige Freiwillige, mir ein paar Kunstwerke zu schicken , um hier eine Live-Kritik zu machen, damit Sie hören können, wie es für mich persönlich ist, diesen Prozess durchzugehen. Also, springen wir direkt rein. Zuerst habe ich diese schöne gemusterte Fliese von Anne Lafollette und das erste, was ich merke, ist Farbe. Meine Augen schienen erfreut zu sein, dass es diese komfortable Varianz von hell bis dunkel gibt. Von diesem hellgelben bis hin zu dunklem rostigem Orange und dem Dunkelgrau und einer gleichmäßigen Ausgewogenheit und Verteilung der Farbgewichte. So, zum Beispiel diese gelbe Blume hält das leichteste visuelle Gewicht von allen von ihnen und deshalb gibt es mehr von ihnen. Da die verbrannten orangefarbenen und dunkelgrauen Blüten schwerer sind, gibt es weniger, um auch Dinge zu helfen. Also, Anne hat es auf die Verteilung und das Gleichgewicht dort genagelt. Diese Verteilung sorgt auch dafür, dass meine Augen bequem um die Fliese fließen, anstatt an einem einzigen Punkt gezeichnet oder geklebt zu werden, was eines der wichtigsten Dinge ist , die Sie vermeiden möchten, wenn Sie Ihr Muster erstellen. Wenn ich etwas Konstruktives anbieten müsste, würde ich sagen, dass der sehr geringe Kontrast zwischen den hellgelben ungefüllten Blüten, also nicht die gefüllten nur die ungefüllten, und der Hintergrund lässt meine Augen ein wenig in einem unbequeme Art und Weise, und es macht sie angespannt, um zu sehen, ob ich etwas vermisse. Vielleicht könnten die Instanzen der gelben ungefüllten Blüten einen leicht veränderten Gelbton haben, der einen angenehmeren Kontrast vor dem Hintergrund bietet , während sie immer noch in die aktuelle Palette passen oder vielleicht alle gelben Blumen sollten gefüllt werden. Beachten Sie, wie ich nicht gesagt habe, oh ich liebe das oder ich hasse das, denn während Anne meine Meinung wissen möchte, will sie vielleicht, dass ich es liebe und ich, Anne, ich denke, das ist ein schönes Muster. Diese Antwort gibt Anne nicht wirklich viel zu tun. Nun, das heißt nicht, da ich einen besseren Job mache, zu kritisieren, dass sie meine Vorschläge annehmen muss. Aber jetzt hat sie wenigstens eine neue Perspektive auf das, was von einer anderen Person gesehen wird. Vielen Dank, Anne. Sie können mehr von Annes zarten Blumen bei annelafollette überprüfen. Als Nächstes haben wir ein Gemälde von Alanna Cartier. Also, direkt von der Fledermaus geht mein Auge die Mitte der Platte und das ist nicht nur, weil es die Mitte der Seite ist, sondern weil die Elemente mit dem stärksten Kontrast im Wert sind da. Also die tatsächliche Muskatnuss und die Nelken, sie bieten einen höheren Kontrast als alles andere auf der Seite. Also würde ich sagen, das ist erfolgreich und wahrscheinlich, wo Alanna will, dass meine Aufmerksamkeit konzentriert wird. Dann habe ich diese schöne Mittelton-Platte, die die Betonung kreist, ohne mit ihm zu konkurrieren, und dann wird die Augenlinie interessanter mit jeder Pfeillinie und einem Stück Text , der die Gewürze beschriftet, die mit der Bewegung des Stückes hilft. Mein konstruktiver Teil ist dies: Also beginnt mein Auge in der Mitte, bewegt sich um und nach außen, und dann ist es irgendwie vom Rand der Seite verkümmert, und ich denke, das lässt die allgemeine Harmonie und Balance unvollständig oder verunsichert fühlen. Ich bin wirklich froh, dass Alanna mir dieses Stück geschenkt hat, denn als ich es zum ersten Mal öffnete, fühlte ich diese verstörte Bewegung oder den Raum, konnte es aber nicht wirklich finden , denn als ich mich durch die Formen bewegte , dachte ich, dass alles wirklich schön war, nichts sah wirklich fehl am Platz aus. Manchmal müssen wir also vom eigentlichen Inhalt der Seite zurücktreten und uns das Formular ansehen. Sehen Sie sich in diesem Fall den Unterschied an, den es macht, nur den weißen Raum um das Bild zu reframen. Plötzlich haben der Text und die Pfeile Raum zum Atmen, was meinem Auge Raum gibt , sich bequem in und aus der Mitte zu bewegen. Eigentlich, jetzt, wo ich nicht abgelenkt bin, kann ich die subtile Tiefe schätzen, die durch die Werte und Schatten erzeugt wurde, die ich vorher nicht wirklich gesehen habe. Ich kann die organische Liniengrafik genießen, die durch den Pinsel erstellt wurde und alles fühlt sich vollständiger an, nur indem ich es reframiere. Vielen Dank Alanna. Wenn ihr mit ihren Malreisen folgen wollt, könnt ihr sie auf Instagram bei alannacartier finden. In Ordnung, hier haben wir eine Bleistiftzeichnung von Rebecca Espana und oh meine Güte, meine Augen fühlten sofort die Einheit dieses Stückes. Der Kontrast von kühlen Farben auf warmen Farben ist so befriedigend und wirklich die perfekte Balance von Harmonie und Varianz, wie wir es früher gesprochen haben. Wenn es alle schmerzhaften warmen Farben wären, könnte das Stück langweilig und eintönig sein. Wenn die kühlen und warmen Farben geteilt wurden 50 50 und mit gleichmäßigeren Rhythmus verteilt, könnte es super chaotisch sein, aber ihr Irr auf der Seite der warmen mit einem Kompliment von cool ist genau richtig. Alle Formen scheinen organisch zu sein, was ihnen hilft, zusammen in das Stück zu gehören. Was ich am meisten bemerkte ist, dass es scheint, dass Sie sich vorgenommen haben, um diese erstaunliche Szene zu illustrieren und die Platzierung der Szene auf der unteren Hälfte, anstatt perfekt zentriert zu sein hilft, mit dem Raum zu spielen, um mich dorthin zu bringen. Aber es gibt nur etwas, das sich unvollständig anfühlt. Wir haben diese fröhliche und süße Szene und dann einfach nichts, nur eine leere Seite. keinen Fall müssen alle Szenen jeden Quadratzoll der Seite aufnehmen oder eine Hintergrundszene oder so etwas haben, aber in diesem Fall denke ich, dass selbst ein subtiles hinzugefügtes Designelement dieses Stück an den Hintergrund binden könnte Besser. Denken Sie daran, wie die Palette auf der warmen Seite irrt. Was wäre, wenn die Hintergrundfarbe eine warme Neutralfarbe anstelle des kühleren Neutrals war, das sie derzeit ist? Oder was, wenn der kleinste Vorschlag eines Baumes, eines Hügels oder einer Textur im Hintergrund war? Alles, was uns einen Schritt zwischen der kalten Hintergrundseite und der warmen Szene gibt, die Sie erstellt haben. Vielen Dank, Rebecca. Sie können mit ihrer Arbeit bei beejoyart folgen. Schließlich, aber sicherlich nicht zuletzt, haben wir dieses entzückende Katzenporträt von Corri Sheff. Genau wie Aiannas Gemälde, Corri es genagelt, indem er der Katze den höchsten Kontrast gab, um unser Auge direkt darauf zu ziehen. Die zarten organisch geformten Blumen sind bunt und leicht, aber konkurrieren nicht mit dem Star der Show, die eine harte Balance zu finden ist , wenn es so viele Elemente in einem Stück gibt. Ich liebe auch, dass die Form der Katze so solide und schwer im Gewicht ist , während die Blütenformen zart und luftig sind, mit viel Spiel zwischen Vordergrund und Hintergrund, was wahrscheinlich auch hilft dass die Blumenbordüre kostenlos statt abzulenken oder schwer. Sie hat schöne Texturen mit Farbe und weichen Linien geschaffen und wirklich kein einzelnes Element fühlt sich an, als ob es nicht gehört. Mein Auge beginnt auf die Katze bewegt sich durch das Stück und kommt zurück in die Mitte. Mein konstruktiver Kommentar zu diesem Stück ist genau wie von AiAnna, es gibt kein Element oder Prinzip in dem Gemälde, das mich abwirft, außer der Gesamtbilanz. Ich denke, eine Rahmenanpassung könnte es perfektionieren und ihm helfen, sich vollständiger zu fühlen. Sie können auch ohne Zentrieren der Katze in der Zusammensetzung sehen, nur das Stück leichte Atemraum um den Rand zu geben hilft, das Stück zu entspannen. Natürlich haben Sie mit einem fertigen Gemälde nicht immer den Luxus, Elemente neu zuschneiden oder zu bewegen, aber vielleicht wird Corri dies für das nächste Mal im Hinterkopf behalten und versuchen , das Gleichgewicht während des gesamten Lebens des Gemäldes zu beurteilen. Eine andere Sache zu beachten wäre der Raum dieses Stückes, am unteren Rand der Illustration haben wir einige Blumenstiele fallen von der Seite, was sie das Gefühl gibt, als würden sie in der Szene wachsen. Aber alle anderen Blumen sind schön innerhalb des Randes der Komposition. Nun, das muss nicht gelöst werden, aber es ist immer am besten, mit diesen Entscheidungen absichtlich zu sein , anstatt sie zufällig entscheiden zu lassen. Vielleicht würde es helfen, wenn die um den Rand herum alle aus dem Rahmen kommen, oder keiner von ihnen oder einer anderen Lösung. Nun, da wir etwas weißer Raum um den Rand hinzugefügt haben , könnte es tatsächlich funktionieren, dass die Blumen, die von unten kommen, den ganzen Weg aus der Szene kommen, nur um die Aufwärtsbewegung in Richtung Katze zu helfen. Corri, ich liebe das. Vielen Dank für den Austausch. Sie können mit ihrer Illustrationsreise auf corri_sheff folgen. 10. Letzte Gedanken: Also, das ist es Jungs, die Art 101 Vorlesung, die dir Traktion und all die harte Arbeit gibt, die du bereits gemacht hast, um deine technischen Fähigkeiten zu lernen und die eigentliche Arbeit zu erledigen. Ich hoffe, Sie freuen sich, dass diese einfachen Definitionen und Ideen in so vielen funktionalen Anwendungen verwendet werden können, es sind nicht nur Worte. Nichts kann die Macht ersetzen, regelmäßig Ihr Kunstwerk zu erstellen und zu erforschen, aber die Kombination dieser Arbeit mit Sprache und den Tools, um es zu brechen, und es besser zu verstehen, das ist, wenn Sie wirklich gehen von technisch kompetent zu einer kreativen Kraft. Natürlich, vielen Dank, dass Sie diese Klasse besucht haben. Vergessen Sie nicht, sich die Ressourcen anzusehen, die ich im Projekt-Reiter geteilt habe , und beginnen Sie mit Ihrer Schnitzeljagd. Es ist ein kleiner Schritt auf dem Weg, klar zu werden, wer Sie als Künstler sind. Zum Schluss, liebe Instagram. Folgen Sie mir bei BYDYLANM für weitere Tipps und Anteile über meinen Arbeitsablauf und meinen kreativen Prozess. Oh, und viele Preise.