Storytelling im Film: Emotionen durch Cinematografie vermitteln

1. Einführung: In Ordnung, sieh dir die Kamera an, richtig? Schönheit ist etwas, das Sie bei einem Sonnenuntergang oder an einem Strand finden können. Schönheit ist auch etwas, das man in den dunkelsten Dingen finden kann. Mein Name ist Joe Simon, ich bin Filmemacher und Kameramann. In der heutigen Klasse lernen wir etwas über die Kinematographie. Wir werden uns mit Framing, Beleuchtung und Kamerabewegungen beschäftigen und wie das Emotion in die Arbeit bringen kann, die Sie gerade erledigen. Ich werde einige meiner kleinen Projekte durchlaufen und dann wird es dein Job sein, deine Lieblingsfilme zu analysieren und dir die Kinematographie anzusehen. Sie werden dann in der Lage sein, zu sehen, wie es in der realen Welt gemacht wird, und in der Lage sein, Ihre Projekte zu verbessern. Wenn Sie eine Sache aus dieser Klasse nehmen, wird es sein zu verstehen, wie der emotionale Aspekt der Kinematographie Ihnen bei Ihrem Filmemachen helfen kann. Du solltest diese Klasse nehmen, wenn du Filmemacherin bist. Kinematographie ist ein großer Teil des Films und selbst wenn Sie Regisseur oder jemand anderes in der Welt des Films sein wollen, wird das Verständnis eines Aspekts der Kinematographie Ihnen helfen, Ihre Arbeit besser zu machen. Auch wenn Sie kein Filmemacher sind, wird diese Klasse von Vorteil sein, wenn Sie Filme lieben. Es ermöglicht Ihnen, hinter den Kulissen zu sehen , wie sie die Kinematographie verwenden, um Geschichten zu erzählen. Ich bin so aufgeregt, dass ihr euch dieser Klasse angeschlossen habt, also lasst uns anfangen und ein paar Filme zusammenreißen. In Ordnung. In Ordnung. Lass uns zu Mittag. 2. Das Wie und Warum: Kinematographie ist mehr als nur ein hübsches Bild zu erschaffen. Es ist zu verstehen, warum und wie du es machst. Ein wirklich wichtiger Aspekt ist, dass wir, wenn wir anfangen , eine Kamera auf unser Motiv zu zeigen oder wenn wir die Kamera auf irgendetwas zeigen, denken, dass sie cool aussieht. Wir mögen denken, dass die Framing richtig ist, aber Sie wissen wirklich nicht, bis Sie anfangen, das Wie und warum davon zu studieren. Wir werden eine Menge verschiedener Framing-Aspekte aufschlüsseln , warum Sie jemanden in die Regel der Drittel einrahmen könnten, oder warum Sie jemanden kurzseitig einrahmen könnten oder warum Sie jemanden mit andere Art von Kamerabewegungen, machen einen Dolly Shot, machen einen stetigen Cam-shot, oder einfach nur geben Sie der Kamera überhaupt keine Bewegung und setzen Sie sie auf ein Stativ. Sie wollen jede dieser Entscheidungen aus einem bestimmten Grund treffen. Warum machst du das für den Film, die Geschichte oder den Charakter? Nicht nur zu sagen, dass ich dieses neue Gimbal habe, es ist wirklich cool, lass mich einfach alles mit diesem Projekt auf dem Gimbal schießen. Sie möchten wissen, warum Sie dieses Tool für jeden Aspekt dieses Films verwenden. Mit dieser Klasse werden wir jeden einzelnen von ihnen zusammenbrechen. Manche Menschen sind in der Kinematographie sehr natürlich. Sie kommen in eine künstlerische Familie , fangen an , Dinge zu sehen und fangen an, Dinge zu fotografieren, und Sie sind in der Lage, es auf eine Weise zu tun, die angenehm ist, aber Sie verstehen vielleicht nicht, warum Sie es so machen. Was ich heute tun möchte, ist, Sie durch die Elemente zu führen, damit Sie verstehen können, warum Sie diese Entscheidungen treffen. Denn wenn du in der Lage bist, es mit den Informationen zu tun, okay, ich muss jemanden einrahmen und es sich beängstigend anfühlt, oder ich brauche einen Rahmen, der es sich peinlich oder ängstlich anfühlt, verstehst du die Prinzipien davon und nicht Schießen Sie es einfach auf die gleiche Art und Weise, wie Sie jemanden in einer Liebesszene schießen würden. Kinematographie ist einzigartig für das Filmemachen, weil Sie das visuelle Bild erstellen. Im Allgemeinen ist Filmemachen eine Zusammenarbeit zwischen vielen Menschen, aber manchmal, wenn man gerade anfängt, kann es einfach selbst sein, das zu tun. Also zu verstehen, was Sie tun müssen, um zu helfen, diese Geschichte zu erzählen, wird wirklich wichtig sein. Du erzählst eine visuelle Geschichte und möchtest alles in deiner Fähigkeit innerhalb dieses visuellen Mediums nutzen , um dir zu helfen, diese Geschichte zu erzählen. Wenn es also die richtige Beleuchtung erzeugt oder Komposition erstellt oder ihr die richtige Kamerabewegung verleiht, Sie jedes dieser Stücke verwenden, um sicherzustellen, dass die Kinematografie, die Sie gerade machen , diese Geschichte erzählt. Also nehmen Sie zum Beispiel, wenn Sie eine Dolly Bewegung haben und Sie auf jemanden drängen. Sie schauen nach unten, die Kamera drängt und drängt hinein, und dann schauen sie nach oben und Sie können in ihre Augen sehen, Sie können ihre Seele sehen, Sie können ihre Gefühle sehen. Es ist der Aspekt der Fähigkeit, diese Emotion oder Spannung mit der Bewegung zu erzeugen. Gleiche Art, wenn Sie den gleichen Schuss hatten und es ein Stativ und es gab einen breiteren Schuss weiter entfernt. Du wirst nicht das gleiche Gefühl bekommen, weil es ein breiter Schuss ist und du nicht so nah wie ihre Augen siehst, du siehst diese Emotion nicht. Es ist also wirklich in der Lage, visuell zu wählen, was Sie mit der Kamera machen und wie Sie es tun werden, eine informative Entscheidung, dann können Sie helfen, diese Geschichte zu erzählen. Zuerst werden wir mit dem Rahmen und der Komposition beginnen. 3. Framing und Komposition: In der Kinematographie ist das Framing äußerst wichtig. Ihre Framing und Komposition werden dem Betrachter viel darüber erzählen, worum es bei der Geschichte geht. Es gibt einige grundlegende Stücke der Framing-Komposition, die Sie nur verstehen müssen , um sicherzustellen, dass Sie einen angenehmen und ausgewogenen Rahmen erstellen. Was wir Ihnen hier gerade zeigen, ist eine ziemlich grundlegende Regel von Dritte-Art von Bild. Was das heißt, ist, dass es diese Rasterlinie erstellt, so Sie Ihr Raster hier auf dem Frame haben, dass Sie Ihr Raster hier auf dem Frame haben,das wäre die Regel von Dritteln, und was Sie erstellen, ist dieses Gleichgewicht der Symmetrie. Sie werden sehen, dass Ihre Horizontlinie gerade jetzt auf diesem unteren Drittel ist, und dann auf dem oberen Drittel haben Sie die Spitze dieses Berges oder den Himmel. Im Allgemeinen möchten Sie beim Framing die Horizontlinie auf einem dieser Drittel platzieren . Was das tut, ist, dass es ein ausgewogenes Bild schafft. Ein weiterer Teil der Regel von Dritteln beim Ausgleich Ihres Bildes wird sein, wo Sie Ihre Themen oder Ihr Talent platzieren. Wie Sie hier sehen können, haben wir unser Talent hier in diesem unteren dritten Bild sitzen, wir haben unser Wasser hier im unteren Drittel, und das schafft diesen ausgewogenen Rahmen. Ein weiterer Aspekt des Ausbalancierens eines Rahmens und der Schaffung der Drittel ist, wo wir unsere Themen Platz haben, Sie sehen, wo sie suchen, ihre Augenlinie schaut heraus, so dass sie in all diesen negativen Raum schauen. Es ist eine sehr wichtige Sache zu haben, dies ist eine super Grundregel von Dritteln ausgewogenes Bild, ist, dass Sie Ihr Talent mit dem negativen Raum zu suchen, denn all dieser negative Raum ist Informationen, die sie sehen können. Wenn wir das umdrehen würden und wir unser Talent hätten, sagen wir, dass wir sie hier rüber bringen und sie auf diese Weise schauen, fühlt es sich sehr seltsam an, wie warum sind sie am Rand des Rahmens? Es ist nicht ausgeglichen, es wird sich peinlich fühlen, es wird sich seltsam anfühlen. Im Allgemeinen, wenn Sie bauen diese Regel von Dritteln, sehr grundlegende Symmetrie oder Framing, und es ist, wo Sie für ein normales ansprechendes Bild beginnen sollten. Mit diesen paar Beispielen, das ist ein 2.39 Bild, das ist ein Breitbild, etwas, das wir auf anamorphe Linse schießen. Die meisten Projekte, die Sie tun werden, werden auf 16 von 9 sein, die Sie hier sehen können. Die gleichen Regeln gelten immer noch, Sie machen immer noch diese Regel von Dritte-Bild, wo Sie den Bildschirm in diese Drittel teilen, und Sie möchten, dass die Dinge in der Regel auf dem gleichen Raum ausgerichtet sind. Wie Sie hier sehen können, liegt unsere Horizontlinie genau dort auf einem oberen Drittel, dies ist ein beweglicher Schuss in Richtung dieses Traktors, also ist dieser Traktor hier auf diesem Drittel. Wenn Sie die Aufnahme spielen, können Sie sehen, wie die Kamera entlang des Gras schiebt und wie das diese Regel von Dritteln beibehalten, und Sie haben all diese Vordergrundbewegung, die Ihnen ein interessantes Bild gibt. Ich denke, das ist auch etwas, das an Ihrer Gestaltung wirklich wichtig ist, ist, dass Sie Tiefe in diesen Rahmen haben wollen. Das kommt auf einige Arten, dies ist mit einem breiteren Objektiv oder drücken Sie über das Gras im unteren Vordergrund, aber diese Vordergrundbewegung gibt Ihnen das Gefühl, dass Sie eine lange Strecke reisen. Also, wenn Sie dies spielen, können Sie sehen, dass sich all das Gras über den Rahmen bewegt und Ihnen die Tiefe und das Interesse in ihm gibt. Jedes Mal, wenn ich eine Aufnahme beginne, schaue ich mir meinen Raum an und sehe „Okay, wie kann ich einen ausgewogenen Rahmen erstellen?“ Ich spiele mit der Kamera, du hörst es vor, du gehst von links nach rechts, rauf und runter und siehst, was sich richtig anfühlt. Du willst nicht einfach eine Kamera rausziehen und dann mit dem Fotografieren beginnen, du willst wirklich darüber nachdenken, wie wird das funktionieren? Was ist dann darüber hinaus der nächste Schuss? Dass Sie schießen und wie können Sie sicherstellen, dass Sie die Art und Weise passen, wie diese Frames funktionieren. Wenn wir sehen, wie dieser Kerl, der Bauer, aus seinem Haus kommt, geht er raus und dann schneiden wir ihm direkt in den Truck. Mit diesem Rahmen, wenn Sie es sichern, haben Sie ihn kommen aus dem Haus, so ziemlich Mitte des Rahmens, Brauch hier, kommen in den LKW, und dann gibt es den LKW wieder, immer noch auf dieser Seite der Rahmen, von dem wir gerade kamen, genau hier, immer noch in der gleichen Region, also das ist der Schlüssel, den Sie sicherstellen möchten, dass alles ansteht. Bald gehst du, es passt, es ist nicht lästig, denn wenn wir ihn hier drüben im Haus hätten und dann zum nächsten Schuss hier rüber schneiden, und dann ist er hier drüben, wird es sich ein bisschen nervös fühlen. Dasselbe mit dem Einsteigen in das Auto. Sie möchten über all Ihre Schnitte nachdenken und auch die Art und Weise, wie Sie jeden dieser Schnitte umrahmen, um sicherzustellen, dass sie passen. Jetzt, da wir ein grundlegendes Verständnis der Regel von Dritteln und Rahmung haben, können wir über lange Abstellgleis gegen kurze Abstellgleis sprechen. Der Rahmen wird jetzt hochgezogen ist im Grunde traditionelle Rahmen und wird lange Abstellgleis genannt. Es setzt die Person auf die andere Seite des Rahmens, und wir sehen die Richtung, wohin sie suchen. Der negative Raum enthält im Allgemeinen alle Informationen Ihres Rahmens. Welche Art von rückwärts scheint, weil das Talent hier ist. Das sind die Informationen. Nein, das Talent ist das, was du siehst, aber was sieht dein Talent? Was ist dieser Charakter, der sich ansieht? Das sind diese Informationen, die nur außerhalb des Bildschirms sind. Dies ist ein Punkt, an dem du dich umrahmst, du kannst diesen Schuss halten, 30 Sekunden lang sagen, und du kannst nicht sagen, was diese Person ansieht. Aber als Zuschauer die ganze Zeit, die du denkst, ist, was sieht er da an? Zeig mir das Ding. Indem Sie diesen nächsten Rahmen nicht zeigen, können Sie die Aufmerksamkeit dieser Person behalten, können Sie ihre Angst am Laufen halten, weil Sie es ihnen nicht zeigen. Dieser Kerl geht in eine Bar, es ist ziemlich einfach, er geht in diese Bar, steht hier, schaut sich noch um, wir schneiden, lange Seite und schaute sich um, ein Kerl kommt rein, dunkel silhouettiert, wieder ist er immer noch lange einseitig, wir haben den ganzen Raum, den er ansieht. Was kurze Abstellgleis ist, ist, wenn Sie jemanden auf den Rand des Rahmens schauen lassen. Hier in diesem Film , der Angus and the Boys genannt wird, ist dies eine Szene, in der eine Menge Spannung aufgebaut wird und jemand gerade in diese Bar gekommen ist, die ihre Deckung brechen wird. Dieser Kerl ist jetzt, wieder, wir sind immer noch auf der Drittelregel hier. Aber was passiert ist, ist, dass wir ihn kurzseitig haben. An diesem Punkt sind alle Ihre Informationen hier zurück. Mit all den Informationen hier, können Sie sehen, dass er auf den Rand des Rahmens schaut, also an diesem Punkt, was Sie versuchen zu schaffen, ist, wie, wird etwas in diesen Raum kommen? Wird jemand reinkommen und etwas tun, oder versuchen wir nur, dass es sich peinlich anfühlt? Was machst du mit dem Rahmen? Der Grund, warum wir das tun, und wenn man sich den Rahmen davor anschaut, ist, dass er natürlich auf seinen Bruder blickt, der da drüben steht. Wenn wir zu seinem Bruder schneiden, ist er ein kurzes Abstellgleis, und der Grund, warum wir das tun, ist, dass der ältere Bruder ein böser Kerl ist und der jüngere Bruder der gute Kerl ist. An diesem Punkt wollen wir alle denken lassen: „Okay, er ist normal, es fühlt sich gut an, wir halten ihn nicht für schlecht oder böse, er ist nur ein normaler Charakter.“ Aber wir wollen, dass du diesen Kerl schon als die böse Person in diesem Film siehst und das ist eine subtile Art, dir das Gefühl zu geben, indem du ihn kurz abstellst und ihn dort an diesen Ort bringst. Es ist nicht nur da, dass diese Dame in die Bar gegangen ist, die versucht, ihren entführten Sohn zu finden, dieser Kerl entführt hat, also wollen wir, dass Sie sich peinlich fühlen, wie, okay, böser Kerl, er ist derjenige, der das Schlimme tut, um Dieser Junge, der gerade in der Bar ist. Mit diesem Bild hier, sie ist immer noch auf der Regel der dritten, sie ist direkt auf dieser Linie, aber sie schaut in den Rand des Rahmens, also wird das kurze Abstellgleis genannt. Anstatt sie in der Lage zu sein, den ganzen Bereich hier zu sehen, schaut sie auf den Rand. Was das schafft, ist eine sehr peinliche Komposition, und in diesem Film wird sie von einem schlechten Menschen aufgenommen werden. Wir wollen also einen Rahmen schaffen, der Menschen Angst und Angst empfinden lässt, und indem sie auf den Rand des Rahmens schaut, tut es das unbewusst. Es ist nicht so: „Mein Gott, sieh dir diesen Rahmen an, es ist verrückt.“ Es ist nur ein sehr niedriges Unterbewusstsein macht die Leute lustig, vor allem in der Tatsache, dass dieser Rahmen von hier schneidet, und wenn wir auf den anderen Rahmen schneiden, sieht die andere Person auch in die andere Richtung. Sie schauen auch auf den Rand des Rahmens hier, also haben wir all diesen negativen Raum hinter ihnen, der sich einfach peinlich anfühlt, weil er leer ist. Dies wird ein kurzer Abstellgleis sein, wo es ausgewogen ist, aber es fühlt sich peinlich und seltsam an. Sie tun dies, um Spannung zu erzeugen, Angst zu erzeugen, Angst zu schaffen. Also in dieser Szene, wo jemand wieder genommen wird , würden wir das tun. Lassen Sie uns über Linsen sprechen. Objektivwahl ist sehr wichtig. Die Länge der Linse, die Sie verwenden, also sagen wir 24 Millimeter im Vergleich zu 70 Millimeter, wird Ihr Motiv ganz anders fühlen. Ihre Augen sehen eine 50-Millimeter-Linse, und so wie Sie im Alltag herumlaufen, ist das, was Sie sehen. Aber eine Kamera sieht nicht so breit wie Ihre Augen sehen, wir haben eine sehr breite periphere Sicht im Vergleich einer Kamera hat eine ziemlich enge Sicht auf ein 50-Millimeter-Objektiv. Das heißt, eine Menge von dem, was ich mache, ist Filmen zwischen 24 Millimetern und 50 Millimetern. Für mich ist das eine nette Auswahl, die, wenn man Menschen als Thema dreht, wird es das Gefühl geben, dass man mit ihnen da ist, was subjektives Filmen genannt wird. Die Dinge, die Sie über die Objektivlängen erkennen müssen, ist, dass, wenn Sie schießen, sagen Sie mit einem 25-Millimeter-Objektiv, und Sie wirklich ins Gesicht kommen, es wird ihnen Verzerrungen geben, es wird es machen Fühlen Sie sich ein wenig peinlich. Das könnte richtig sein für die richtige Art von Geschichte, die du erzählst, wie wenn es eine Komödie ist, und du willst die Kamera wirklich im Gesicht haben, um etwas Lustiges zu machen, oder wenn es ein gruseliger Film ist, und du willst die Kamera wirklich in jemandes Gesicht, und machen es sich verzerrt und desorientierend. Aber für das normale tägliche Filmemachen, wenn Sie ein 24-Millimeter-Objektiv nehmen und eine mittlere Nahaufnahme an jemandem machen, wird es sich peinlich fühlen, also wollen Sie wirklich über das Objektiv nachdenken, das Sie verwenden. In diesem Rahmen hier wäre das etwa ein 50-Millimeter-Objektiv, das wir sehen. Das ist anamorph, also mit einer anamorphen Linse ist es ein bisschen anders, Sie haben einen breiteren Rahmen. Aber man kann sehen, dass bei einem 50-Millimeter-Objektiv ein paar Dinge passieren. Auf ihrem Gesicht haben wir Kompression, so dass die Kompression der Linse bei einer längeren Linse schmeichelhafter ist. Auf einem 25-Millimeter-Objektiv wird es jemandes Gesicht viel länger aussehen lassen. Wie Sie zu einer längeren Linse gehen, die die Gesichtszüge komprimiert, so sagen, wie eine Nase, oder die Länge ihres Gesichts wird kürzer und komprimierter mit einer längeren Linse. Ein weiterer Aspekt davon wird der Hintergrund sein. Also der Hintergrund, den Sie offensichtlich auf einem längeren Objektiv haben, wird es den Hintergrund komprimieren. Dieser Hintergrund wird sich der Person auf einer längeren Linse gegenüber einer breiteren Linse näher fühlen . Wenn wir scrollen, sagen wir hier, das ist jetzt eine breite Linse, jetzt sind wir bei 24, jetzt ist dieser Wasserfall ziemlich weit weg von ihr in diesem Objektiv, und was das tut, ist es gibt Ihnen offensichtlich eine größere Sicht, eine größerer Blick auf das, was Sie sehen, aber auch macht die Dinge fühlen sich weiter weg von jemandem. Das sind die Grundprinzipien zwischen einer breiten und einer strafferen Linse. Wenn Sie in Aktion gehen, Sport oder eine Verfolgungsjagd oder so etwas, wird ein breiteres Objektiv alles fühlen, als würde es sich schneller bewegen. Wenn Sie sich diesen Kerl ansehen, der hier auf dem Fahrrad fährt, benutzen wir eine breite Linse, damit es sich anfühlt, als würde er durch unsere Gegend fliegen. Gleiches mit den Autoaufnahmen, wir verwenden ein breiteres Objektiv, um es so aussehen zu lassen, als würde das Auto schneller fliegen. Wenn du diesen Schuss hier siehst, benutzen wir ein 20-Millimeter-Objektiv und lässt das Auto so aussehen, als würde es nur vorbeifliegen. Wenn Sie das mit dem Beginn desselben Films gegenüberstellen, verwenden wir ein längeres Objektiv und es macht das Auto das Gefühl, dass es hier langsamer geht. Schuss, wir benutzen ein 50-Millimeter-Objektiv. Alles wieder ist komprimiert, der ganze Hintergrund, dieser Hintergrund ist zu diesem Auto komprimiert, so fühlt es sich an, als wären wir nicht so weit, das Gleiche mit der Straße. Das längere Objektiv gibt Ihnen diesen Effekt und wenn die Geschichte aufbaut, erhalten wir breitere Linsen, schnellere Bewegung, was es aufregender macht. Es gibt einen Grund, wie wir es den ganzen Weg durchgeschossen haben, um diese Bearbeitung auf eine Weise zu erstellen, die Aufregung erzeugen wird. Also beginnen wir langsam am Anfang, mehr komprimierte Aufnahmen, langsamere bewegte Aufnahmen, und gehen dann in schnellere Aufnahmen und breitere Objektive gegen Ende, um diese Aufregung zu erzeugen. Lassen Sie uns über subjektives versus objektives Filmemachen sprechen. Eine subjektive Sicht oder ein Standpunkt ist, wenn man mit jemandem zusammen ist, also im selben Raum zu sein, im selben Auto zu sein, fühlt es sich an, als wärst du Teil des Gesprächs. Objektives Filmemachen wäre außerhalb der Szene oder Situation, also ist es auf einer langen Linse, wirklich breite Aufnahme, man sieht jemanden weit unten in einem Feld allein, Sie sind ein Außenseiter, der in, also wäre das ein objektiver Blickwinkel. Mit Blick auf diese schnelle Auto-Szene, dieser Rahmen genau hier, das ist sehr objektiv, wir sehen diese Leute von außen. Während wir das spielen, können Sie sehen, dass sie ihr Auto fahren, wir sehen sie von außen, noch immer hier, das ist objektiv, wir schauen von außen hinein. Versus, mit ihnen hier ins Auto zu gehen, fühlt es sich jetzt an, dass wir Teil des Gesprächs sind, wir sind hier mit diesen Typen, das ist eine breitere Linse, wir sind im Auto, wir sehen ihre Unterhaltung, wir sehen ihre Emotionen. Sie können sehen, dass es sehr unterschiedliche Wege gibt, und die Art und Weise, wie Sie subjektiv gegen Ziel verwenden , ist, wie Sie versuchen, eine Geschichte zu erzählen. Also sagen wir für diese Autoszene, wir stellen das Auto vor, wir stellen die Landschaft vor, wo diese beiden Brüder hängen, aber dann gehen wir mit ihnen ins Auto, damit Sie ihre Emotionen sehen und sehen können, was das tun sie. Es ist für diesen Zweck getan. Jetzt, da wir durch die Framing-Komposition gegangen sind, ist es Zeit, zur Beleuchtung zu gehen. 4. Beleuchtung: Es ist Zeit, über Beleuchtung zu sprechen. Beleuchtung für die Kinematographie kann auf viele Arten erfolgen. Wenn ich Beleuchtung sage, gilt dies für die Verwendung von natürlichem Licht und in welche Richtung Sie das Licht verwenden, um mit oder durch Einrichten von Leuchten als Beleuchtung zu arbeiten oder es könnte in einen natürlichen Ort mit praktischen Lampen gehen, aber Wahl, wo diese Lampen zu platzieren oder zu wählen, wo Sie Ihr Talent zu platzieren. Beleuchtung ist die Art und Weise, wie das Licht über das Gesicht der Person oder über den Ort fällt. Im Allgemeinen, für die Beleuchtung, Ich mag einen naturalistischen Ansatz zu nehmen, und naturalistisch in dem Sinne, dass ich möchte, dass ein Raum natürlich für seine Umwelt zu fühlen. Ich habe viel Zeit damit verbracht, mich umzusehen, wenn ich in einem Restaurant bin oder die Straße entlang spazieren gehe oder in welchem Raum ich bin, schaue ich mir an, wie Licht natürlich fällt. Es ist etwas, das Sie anfangen sollten zu tun, denn das wird Sie wirklich darüber informieren , wie Sie eine Szene beleuchten, wenn Sie zu einer Szene kommen, die einen ähnlichen Platz hat. Angenommen, Sie sind in einem Restaurant und es ist am Nachmittag und es gibt einige wirklich große Fenster an diesem Ort, und Sie sehen, wie Licht durchströmt und Sie sehen, wie es über die Gesichter der Menschen und die Schatten fällt, die es schafft, und die Hotspots und Glanzlichter, die es schafft, achten Sie auf diese Dinge und versuchen dann, sie im wirklichen Leben neu zu erstellen. Es gibt zwei große Dinge, die ich gerne nähere, wenn ich anzünde, oder zwei Arten, die ich gerne anzünden, ich denke, du müsstest es so einfach wie möglich machen oder du machst es so aufwendig wie möglich. Manchmal, wenn Sie zwischen der Welt fallen, beginnt es einfach zu gefälscht und zu gezwungen zu fühlen, also in der Regel, wenn Sie nur sich selbst und ein paar Menschen haben, versuchen Sie, es so einfach wie möglich zu beleuchten, die Szene so zu beleuchten, wie Sie es brauchen. Eines der ersten Prinzipien, über die ich sprechen möchte, ist Dreipunktbeleuchtung, es ist sehr, sehr einfach, es ist die Art, wie man ein Interview anzündet, es ist die Art, wie man ein Talent und so ziemlich jeden Raum anzünden kann. Es ist ein Ort für Sie zu beginnen, aber es ist definitiv nicht etwas, das Sie tun müssen, es ist nicht wie, Ich mag Menschen mit drei Lichtquellen an allen Punkten, es ändert sich immer abhängig von meiner Umgebung. Etwas anderes, um über Beleuchtung nachzudenken, ist die Stimmung, die du kreierst, was ist der Charakter, der zu dieser Zeit durchmacht? Ist es eine traurige Geschichte, ist es eine beängstigende Geschichte, ist es eine glückliche Geschichte, und mit Ihrer Beleuchtung helfen, diesen Moment für diesen Charakter oder Geschichte zu verbessern. Das Bild, das wir gerade betrachten, ist ein Kerl, der in eine Bar geht, jetzt drehen wir das tagsüber, also ist die Bar geschlossen, also gibt Ihnen das ein bisschen Freiheit, es wirklich so aussehen zu lassen, wie Sie wollen. Ein paar Dinge zu bemerken, und er geht in die Dreipunktbeleuchtung, also werde ich Ihnen zeigen, woher diese Quellen kommen bevor wir in die Nähe gehen und Ihnen die Dreipunktbeleuchtung zeigen. Wir haben diese Tür, wo Licht durch diesen Raum kommt, das ist eine Leuchte, es heißt M18, sie setzten hier rein, um das Licht durch das Fenster zu schieben. Das gibt uns also unsere Tageslichtquelle. Dies ist auch 5600 Farbtemperatur, und das ist Tageslichtfarbe, also Kelvin Temperatur, Sie haben 5600. Jetzt drinnen, all diese anderen Lichter, die Sie sehen und überall hier im Rest des Raumes, das sind 3200 und 3200 ist die Farbe der Wolfram-Beleuchtung. In der Aufnahme können Sie sehen, dass es Tageslicht ist, weil wir das ganze Tageslicht in dieses Fenster kommen, so dass es die natürliche Temperatur verlassen. Wir hatten auch dieses wirklich tolle Highlight, das wir auf dem Boden erschaffen , und dein Auge ist gezeichnet, wieder als wir in Framing sprachen, das schafft diese visuellen Linien, Kerl geht in die Bar, Er kommt hier zu dieser Position und die Linien führen ihn in diesen Raum. Wir haben dieses Licht, wir haben auch eine Licht-Setup hier drüben, die auch 3200 ist, er wird in gehen, es ist ein großes weiches Licht, das wird sein Schlüssellicht sein. Aber dann wollen Sie sicherstellen, dass Sie Hintergrundlicht haben, also haben wir Hintergrundlicht hier, Hintergrundlicht hier, all diese, die uns helfen, Textur in unserer Szene zu geben. Wenn diese Lichter ausgeschaltet wären, wäre der Hintergrund sehr flach und unser [unhörbar] würde sich auch einfach in den Hintergrund einfügen, so dass Sie eine Hintergrundbeleuchtung benötigen. So können Sie auf seinem Gesicht genau hier sehen, es ist Licht, das ihn von hier trifft, wodurch eine Kante auf unserem Charakter selbst entlang seines Armes entsteht, und dann bekommen die hinteren Lichter hinter ihm eine kleine Textur in den Hintergrund, um Geben Sie eine Trennung. Also nur im Allgemeinen, nur grundlegende Prinzipien der Beleuchtung, wollen Sie eine Lichtquelle haben, die ist, eine, Beleuchtung Ihres Charakters, also haben wir dieses Randlicht. Zweitens möchten Sie eine Quelle haben, die Ihnen Ihre Tageszeit zeigt oder helfen, diesen Standort aus zu bauen, die unser Sonnenlicht eintritt sowie unsere Wolfram-Hintergrundbeleuchtung sein wird. Dann wird unser drittes Ding unser Schlüssellicht sein, wenn er hineingeht. Also, wenn Sie das spielen, können Sie sehen, dass er reingeht, er geht in dieses Schlüssellicht, das dann dieses Gesicht hier leuchtet und dann gehen wir in ein wenig näher und schießen, wo ich die Dreipunktbeleuchtung skizzieren werde sich selbst. Nun, im Allgemeinen sage ich, dass, wenn Sie zum ersten Mal anfangen, es ist gut, diese Prinzipien der Dreipunktbeleuchtung zu kennen, aber es ist nicht etwas, das ich sicherstellen möchte, dass immer passiert, wie ich bereits sagte, es ist etwas, das manchmal passiert in meiner Arbeit, aber oft könnten es nur zwei Lichtquellen sein, es hängt nur von der Szene ab und wie ich es mir natürlich anfühlen möchte. Also, was wir hier in dieser Szene tun, ist, wir unser Schlüssellicht haben, das hier drüben ist, das ist, was wir ein Kino Flo nennen, es ist eine Vier von Kino Flo, die durch kommt. Ich denke, an dieser Stelle hatten wir ein halbes Gittertuch, also ist es eine Leuchte, die ungefähr vier Meter lang ist, eine Menge Quellen auslöschte, indem wir auch eine Erweichungsquelle durchlaufen, also benutzen wir den Diffusionslappen vor es und das schafft unseren Schlüssel. Man kann sagen, dass es weich ist, denn wenn man sich seinen Nasenschatten hier anschaut, ist dieser Schatten weich, er ist nicht wie ein harter Schatten auf seinem Gesicht. Jetzt haben wir auch unser zweites Licht, also ist das Licht, das ist unser Schlüssel, also brauchst du dein Schlüssellicht. Jetzt wird unsere zweite Quelle unser Randlicht hier sein, das Sie sehen können, das heißt, seine Kante anzuzünden das Sie sehen können, das heißt, seine Kante anzuzünden und das kommt von dem Fensterlicht, das wir früher gesehen haben. Aber an diesem Punkt ist es nicht so schwer, wie wir es vorher gesehen haben. In dem Bild, das ich dir das letzte Mal gezeigt habe, siehst du ein hartes Licht, das sich hineinströmt. An diesem Punkt haben Sie es aufgeweicht, so dass es nicht zu ablenkend ist, wenn ein Licht jemanden hinterleuchtet und es zu viel von einem Heiligenschein in bestimmten Szenen ist, kann es einfach übertrieben erscheinen, Sie wollen es so natürlich wie möglich machen. Also hier erweichen wir das Licht, um sicherzustellen, dass es nicht zu schwer war, also ist das unsere Hintergrundbeleuchtung. Dann wird das dritte Licht die Füllung sein, also ist die Füllung alles, was diese Seite seines Gesichts hier trifft, also kommt das Fülllicht rein, was es nicht viel gibt, aber es gibt ein bisschen. Denn eine Sache, die Sie sich daran erinnern müssen, ist, dass, wenn Sie Null in einem dunklen Raum füllen, dann werden Sie wahrscheinlich zu hoch von einem Kontrastverhältnis haben. Damit seine Haut auf der Kamera auftaucht, muss man eine Füllung haben. Aber was wir hier verwendet haben, ist nur ein sehr einfaches Perlenbrett, ein Beadboard ist ein vier mal vier Quadrat und es ist im Grunde etwas, das Sie kaufen können, dass wie ein Hobbyladen. Es ist wie ein Schaumkern, ist das, was man es in der realen Welt nennen würde, aber in der Filmwelt nennen wir es ein Perlenbrett, und ein Perlenbrett schafft eine schöne weiche Sprungkraft. Der andere Aspekt, wenn Sie Beleuchtung im Allgemeinen tun, ist, mit der Szene und dies ist ein Drama oder ein Thriller und er ist in einer dunklen Bar, Sie wollen sicherstellen, dass es passt zu der Umgebung, in der er ist, und so diese Umgebung, die in, das macht Sinn, warum er auf diese Weise beleuchtet ist, Sie wollen, dass Kontrast haben. Ein weiterer wirklich wichtiger Aspekt der Beleuchtung ist die Außenbeleuchtung und wie man sich dem nähern würde. Ich denke, die meisten Leute, die in einer Ein-Mann-Band-Situation oder einer kleineren Crew sind, viel Zeit, die du draußen bist und du versuchst, das Licht am besten für dich zu machen. Es gibt zwei Schlüsselprinzipien, die ich Ihnen mitteilen und darüber nachdenken möchte , um sicherzustellen, dass Sie das nächste Mal erfolgreich sind. Die erste ist die Tageszeit, die Sie schießen, es ist wirklich wichtig zu schießen, wenn das Licht am Himmel unter 40 Grad ist. Es gibt eine Menge dieser Sonne sucht Apps, Sie im Grunde sehen können, wo die Sonne am Himmel sein wird. Wenn Sie also gehen und Ihren Standort ausfindig machen, können Sie sehen, wie hoch die Sonne gehen wird. Also im Sommer wird die Sonne in einem viel höheren Winkel sein, weil es Sommer ist. So können Sie nur zwei bis drei Stunden am Morgen, zwei bis drei Stunden am Abend, wenn die Sonne ein optimaler Winkel sein wird, um Ihnen schönes Licht zu geben. Im Winter haben Sie bessere Bedingungen, weil die Sonne nie so hoch ist. Nun, wenn du dein Shooting planst, willst du versuchen, die Dinge morgens oder abends draußen zu planen , mittags ist die Sonne so hoch oben, dass sie einen Overhead-Schatten auf jemanden schafft, das ist wirklich unschmeichelhaft. Das Gleiche gilt für all Ihren Hintergrund, das Licht im Hintergrund wird sehr hart und Overhead sein, anstatt längere Schatten zu erzeugen und mehr Lichtstreifen zu haben, die viel angenehmer sein werden. Wenn Sie sich diese Szene hier mit diesen Mädchen ansehen, werden Sie feststellen, dass hier alles hinterleuchtet ist und wenn ich es für Sie spiele, können Sie sehen, dass Sie immer das Licht auf die Rückseite von ihnen und hinter ihnen haben, aber auch die Lichter in einem niedrigeren Grad-Winkel, die es schmeichelhafter macht. Sie können sogar hier auf dem Boden sehen, Sie haben diese leichten Streifen kommen, hinter ihnen, die Schatten sind sehr lang und es macht es angenehmer. Aber auch, indem Sie das Licht hinter ihnen halten, ermöglicht es Ihnen, nicht wirklich harte Hauttöne auf ihrem Gesicht zu haben und gibt Ihnen auch einen automatischen Kontrast. Wenn man sich ihr Gesicht hier anschaut, kommt das Licht auf diese Weise zurück und es gibt uns diesen Kontrast auf der Seite des Gesichts , der angenehmer ist. Wenn das Licht in die entgegengesetzte Richtung zurückkommt, würde es sich sehr flach anfühlen und man hätte überhaupt keine Kontraste oder Tiefe. Dies ist etwas, das ich die ganze Zeit mache und wenn Sie sich Ihre Lieblingsfilme oder Arbeit ansehen , die Sie lieben, werden Sie immer sehen, dass das Licht hinter dem Thema oder hinter dem Thema um 45 Grad ausgeschaltet ist . Also im Grunde, wenn das Ihr Thema ist und Sie das filmen, Sie filmen das Thema hier, Sie wollen das Licht hinter ihnen irgendwo innerhalb von 45 Grad hinter der Person selbst oder dem Auto oder was auch immer Sie sind Dreharbeiten. Wenn ich das noch ein bisschen mehr durchspiele, wirst du sehen, das Licht ist immer noch weit von ihrem Gesicht. Nächste Aufnahme, auf der anderen Seite ihres Gesichts, ist es immer auf derselben Seite zu halten, um dir diesen Blick zu geben. Eine andere Sache, die Sie bekommen, wenn Sie mit der Sonne hinter Ihnen schießen, ist, dass die Bäume, all dieser Bereich hier drin sind dunkler. So gibt es Ihnen mehr Trennung von Ihrem Talent zum Hintergrund gegenüber wieder, wenn das Licht von vorne kommt und es auf die Menschen selbst zukommt, all dies wird super hell im Hintergrund und dann geht es , um mit dem Hintergrund zu vernetzen, so dass es keine Trennung gibt. Ich würde auch bemerken, dass all das Zeug, das hier geschossen wird, wir nur ein Vier-by-Vier-Perlenbrett verwenden, ein wenig Filter die Gesichter gibt, aber nichts Großes verwendet, das war eine ziemlich laufende Pistole Setup von unserem Shooting selbst hier. Siehst du, du hast ein bisschen in ihren Gesichtern nur mit einem Steckbrett, das ist alles, was wir benutzen, und dasselbe hier. Alle Regeln gelten, es ist sehr wichtig, die Sonne hinter Menschen zu halten und zur richtigen Tageszeit zu schießen. Lernen, wie man Licht braucht Übung, es ist definitiv eine Versuchs- und Fehlerart der Situation. Der beste Weg, dies zu tun, ist, einen Screenshot von einem Film, den Sie lieben, oder von jemandem Arbeit, die Sie lieben, zu nehmen und zu versuchen, ihn zu Hause zu replizieren. Finden Sie einen ähnlichen Raum, entweder draußen oder innen, was auch immer das sein wird, und versuchen Sie, die Beleuchtung so einzurichten, dass sie übereinstimmt. Dies ist wirklich der beste Weg, um zu lernen, können Sie Lichter einrichten und einfach um sich selbst spielen. Aber es ist viel einfacher, die Arbeit eines anderen zu betrachten und zu versuchen , das zuerst nachzuahmen , bevor Sie in Ihre eigenen kreativen Bemühungen gehen. Denn dann können Sie sehen, was sie getan haben, was funktioniert, was nicht funktioniert, anstatt es einfach selbst zu tun und nicht die Prinzipien zu verstehen, wie das Licht auf jemandes Gesicht fällt. Sie werden Fehler machen und Sie werden Fehler haben, es ist nur ein Teil des Lernens und ich denke, es ist wirklich wichtig zu scheitern, denn durch die Misserfolge, die Sie haben, werden Sie wirklich verstehen, wie Sie es beim nächsten Mal richtig machen. Dies sind nur ein paar kleine Stücke von Beleuchtung, ich könnte buchstäblich über Beleuchtung für Wochen sprechen, weil es so viel daran beteiligt ist, die richtige Art von Licht für verschiedene Situationen zu schaffen, aber das wird ein großartiger Sprung aus Punkt für Sie und wenn Sie gehen und üben diese Schritte und tun Sie etwas scheitern und etwas lernen, dann werden Sie großartig sein. Als Nächstes werden wir in die Kamerabewegung springen, also gehen wir los. 5. Kamerabewegungen verwenden: Lassen Sie uns über Kamerabewegungen sprechen. Kamerabewegungen sind extrem wichtig für das, was Sie als Kameramann tun. Wie Sie die Kamera bewegen und wenn Sie die Kamera nicht bewegen, sagt viel an das Publikum, sowohl über den Charakter, sondern auch über die Szene. Ich denke, es ist einfach, als Anfänger Filmemacher in diese Rolle zu kommen und einfach nur die Kameras überall bewegen zu wollen. Heutzutage sind Gimbals super billig, die Technologie ist im Allgemeinen super billig so dass Sie eine Kamera auf einem Gimbal setzen und einfach alles auf diese Weise schießen wollen. Aber es ist wirklich wichtig zu verstehen, warum Sie die Kamera bewegen und ist es hinzugefügt, um die Szene oder wird sie von der Szene genommen. Ich denke, das größte Problem, auf das Sie stoßen werden, ist es ein Zuschauer, der das Publikum durch die Art und Weise ablenkt, dass sich die Kamera bewegt, Sie werden sie aus der Geschichte nehmen und das ist das Letzte, was Sie tun wollen. Ich weiß, dass ich als junger Filmemacher die ganze Zeit die Kamera bewegt habe. Es war entweder auf der Glide-Cam, die an dieser Stelle ein altes Werkzeug ist, oder es war auf einem Schieberegler und die Kamera bewegte sich ständig nur hin und her. Aber als ich anfing, mehr zu lernen, fing ich an, ein Stativ zu benutzen, so viel ich konnte. Weil die ganze Zeit während der Szene und Sie wollen, dass die Aktion oder die Geschichte vor dem Objektiv stattfinden und lassen Sie, dass die Geschichte erzählen, stattdessen die Kamera versucht, die Geschichte zu erzählen. Lassen Sie uns also einige verschiedene Werkzeuge aufschlüsseln, die Sie verwenden können und warum und wie ich diese verschiedenen Werkzeuge in verschiedenen Szenen verwenden würde. Ich würde im Allgemeinen sagen, dass die Verwendung von Stöcken oder einem Stativ, wie Sie es nennen möchten, wahrscheinlich Ihr wichtigstes Werkzeug ist. Ich nähere mich jeder Szene, dass, wenn ich die Kamera nicht bewegen muss, lässt die Kamera nicht bewegen. Eine Menge der erzählerischen Arbeit, die ich mache, die Filme, die ich dir bisher gezeigt habe, wie Angus und die Jungs sind Ebbe, eine Menge davon nur auf Stativ, weil es keinen Sinn macht, die Kamera zu bewegen. Sie möchten die Geschichte entfalten lassen, lassen Sie das Gespräch stattfinden, ohne dass die Kamera ablenkt. Lassen Sie mich Ihnen ein kurzes Beispiel dafür zeigen. Wenn wir also Ebbe betrachten, kommen wir aus einer Montage. Es ist ein Haufen Schnelles Schneiden und ich werde Ihnen ein wenig zeigen, dass Montage, damit Sie eine Vorstellung davon bekommen können, wie das alles zusammenschneidet, denn das ist offensichtlich wichtig ist, ist von Schuss zu Schuss, wie es funktioniert. So können Sie eine Montage sehen und es ist eine lustige Montage dieses Paares, das Spaß hat und es ist eine Rückblende ihres Lebens und was sie getan hatten. All das ist handheld. Es ist ein Handheld-Abschnitt, weil es zeigt die Aufregung und den Spaß, den sie haben, und so dass die Kamera bewegt, es fühlt sich an, als wäre sie lebendig und es ist mit ihnen. Ich würde bemerken, dass wir alle weißeren Objektive verwenden, ist eine sehr subjektive Aufnahme. So macht es diese Montage, wir hatten diesen Spaß mit ihnen. Dann geht es in einen langsamen Dolly. Während wir mit ihnen ablegen, bringen wir sie in die nächste Szene, drängt sie in die Schaukel, die in diese Szene gesetzt ist. Dann, wenn wir in das Gespräch gehen, verriegelt die Kamera auf Stativ, wie wir haben, dass das Gespräch stattfinden. Also werde ich es einfach von hier aus spielen. So sehen Sie, das ist die Montage alle Handheld. Sie können die intelligenten Kamerabewegungen sehen, die stattfinden. Spaß, aufregend, nützlich, authentisch ist ein Wort, das in letzter Zeit viel zu viel herumgeworfen wird, aber ein authentisches Gefühl gibt, wo Sie sind. Dann werden Sie sehen, dass wir von dieser Szene verblassen und wir würden in eine Dolly Szene gehen. Ein Dolly ist eine schöne Einführung in die Kamera, die uns reibungslos mit ihnen in die Schaukel setzt Szene selbst bewegen . Dann haben sie meistens da drüben ein Gespräch. Dann sehen Sie, wir beginnen hier zu reden, und es geht nur um das Gespräch, das ist alles, was an diesem Punkt stattfindet, ist, dass sich keine Kamera um sie bewegt , keine Dollies, nichts, es lässt sich nur die Geschichte erzählen. Du konzentrierst dich darauf, was die Geschichte ist, was die Leute sagen. Sie werden nicht von der Kamera belästigt , die sich ständig hin und her bewegt oder schneiden wir einen Teil der Bewegung zeichnen. Also hast du dich rein auf das konzentriert, was passiert, und ich denke, das ist wichtig. Wenn Sie die Kamera nicht bewegen müssen, bewegen Sie die Kamera nicht. Lassen Sie sich die Geschichte vor dem Objektiv entfalten. Also lassen Sie uns ein wenig über einen Dolly Shots oder einen Gimbal Shot reden. Sie sind ziemlich ähnlich und sie sind ein bisschen anders, aber sie tun dasselbe. Dolly Shot ist wie ein Stativ. Es ist gesperrt, aber es bewegt sich auch, also ist es etwas glatter. Ein steady Cam oder ein Gimbal Shot ist ein wenig freier Bewegung, aber immer noch sehr glatte Tracking-Aufnahmen mit einem Charakter. Nun, der Grund, warum du irgendwas von diesen Dingen benutzen würdest, einen Dolly oder einen Gimbal, ist ein paar Dinge. Erstens: Sie stellen eine Szene oder einen Ort vor. Du folgst einem Charakter. Also bewegt sich die Kamera mit dem Charakter, also verwendest du sie, um dieser Person zu folgen. Oder vielleicht ist es ein Übergang aus einer Szene und du verlässt einen Ort. Nun, mit diesem Beispiel hier, ist dies die erste Aufnahme zu diesem Film namens „Alles ist ein Gefühl“. Was wir tun, ist, dass wir unseren Standort, unser Talent und was passiert, in einem Schuss enthüllen . Um das zu tun, mussten wir einen Gimbal benutzen. Dies ist im Grunde ein Dolly Out Shot zu enthüllen. Also, wenn wir das spielen, werden Sie sehen, dass wir hier am Scheinwerfer beginnen, Sie beginnen zu sagen, es ist ein Motorrad. Wenn du zusiehst, ist es so, als wäre eine Person auf einem dunklen Parkplatz auf einem Motorrad. Also fangen Sie an, all diese Informationen zu erhalten, ist nicht wirklich durch den Umgang mit einem Stativ, Sie hätten einen Schuss auf den Scheinwerfer haben können und dann zu einem breiteren Schuss und einem breiteren Schuss ausschneiden können. Aber es wird nicht so glatt wie offenbar sein, wie es mit dem Gimbal zu tun. Mit dem Gimbal oder Steady Cam ist es eine großartige Möglichkeit, einen Charakter einzuführen, einen Ort einzuführen, er enthüllt langsam all diese Informationen. So große Verwendung dieses Werkzeugs. Sie hätten auch etwas Ähnliches tun können, sagen wir mit einer Neigung nach unten, Sie hatten wie ein breites Stativ Schuss und Sie beginnen mit dem Himmel und Sie kippen sich nach unten in die Szene. Wenn Sie also nicht das Budget für einen Gimbal oder Dolly haben, können Sie damit auf andere Weise durchkommen. Sie können eine Szene mit einer Neigung nach unten oder einem Schwenken aufdecken. Nun, andere Teile dieses Films, die wir einen Gimbal verwenden, sind, wenn wir verfolgen. Also machen wir ein paar Motorradschüsse, wir verfolgen sie auf ihrem Motorrad. Es wäre wirklich schwer gewesen, auf einen Gimbal zu verzichten, denn ein Handheld wäre etwas zu wackelig und ohne den Gimbal ist es zu schwer, aus einem fahrenden Fahrzeug zu schießen. So können Sie hier wieder sehen, ist ein guter Grund, dieses Werkzeug zu verwenden, denn dann können wir ihr zeigen, das Motorrad fahren und bekommen einige reibungslose Tracking-Aufnahmen. Lassen Sie mich Ihnen einen weiteren Gimbal Shot zeigen, Gimbal Steady Cam. Also nur für Leute zu verstehen, ist eine stationäre Kamera im Grunde ein älterer Typ von Gerät verwendet, um eine Kamera zu bewegen. Sie machen beide dasselbe, es sieht nur ein bisschen anders aus, abhängig von der Art des Projekts, das Sie schießen. meiste Teil meiner Arbeit wird auf einem Gimbal gemacht, weil es kostengünstig ist. Größere Studiofilme, die Sie in Filmen sehen werden, verwenden meist Steady Cams, weil es ein organischeres Gefühl hat, aber es ist auch teurer, diese Aufnahmen zu haben. Diese Szene kann erklären, warum wir es benutzen, weil eine Mutter sehr beschäftigt ist, ihr Leben ist sehr chaotisch, und sie versucht, diesen Kindern ein paar Notizen und einige Anweisungen zu schreiben , wenn sie nicht in der Stadt sein wird. Also ist sie auf dem Weg aus der Stadt, sie schreibt ihnen Notizen, sie versucht, einen Anruf anzunehmen. All dies geschieht zur gleichen Zeit. Anstatt also ein Stativ zu benutzen oder Handheld zu gehen, benutzen wir den Gimbal, um diesen Raum zu verfolgen und es so zu machen, als würden wir uns durch den Raum drehen den Film chaotischer und desorientierender machen. Du wirst sehen, wie das Mädchen reinkommt, wir sind auf der Mom, dann schneiden wir zurück zu dem Mädchen, und jetzt geht sie los, das ist, wenn das ganze Chaos beginnt zu passieren. Wir folgen herum, wir holen die Mom hier und wir drehen uns mit der Mom herum, sie schreibt Notizen. Wir drehen uns weiter zu dem anderen Mädchen. Es ist also eine konstante Bewegung, genau wie ihr Leben ist wie ständig bewegend und chaotisch, und hilft, das an das Publikum zu verkaufen, denn wir haben nur einen statischen Schuss davon oder einen Handheld-Schuss. Wir haben das speziell für diesen Schuss gewählt. Also denke ich, dass es über jede Szene nachdenkt, über jede Person nachzudenken, der du folgst und wie du sie fit für die Geschichte machen kannst. Lasst uns in Handheld eintauchen. Handheld wird der kostengünstigste Weg zu schießen, aber auch schnellste Weg zu schießen sein. Sie wollen sicherstellen, dass Sie aus dem richtigen Grund Handheld schießen. Aber für viele Leute könnte es der einzige Weg sein, um zu schießen, weil sie vielleicht keine Stöcke haben, sie haben vielleicht keinen Gimbal, sie haben vielleicht nichts anderes für das Projekt zu verwenden. Aber zur gleichen Zeit, stellen Sie sicher, dass Sie es auf die richtige Weise tun. Es gibt definitiv ein Handheld, wo es wirklich wackelig ist und es gibt ein Handheld , das viel stabilisiert und durchdacht ist. Ich mache nie wirklich super wackeliges Filmmaterial, es sei denn, es ist für eine bestimmte Szene gedacht, es ist eine Kriegsszene oder eine Verfolgungsjagd oder was auch immer und Sie möchten ein wenig mehr Aufregung in die Stimmung bringen. Aber größtenteils lege ich meine Kamera wirklich. Ich halte es ziemlich fest an meinem Körper, also ist es Teil meines Kerns. Diese Art von Handheld-Aufnahmen macht es sich natürlicher und organischer, es ist nicht wie eine wackelige Kamera. Wenn Sie eine DSLR verwenden und sie so in Ihren Händen halten und Sie versuchen zu filmen, wird es ziemlich wackelig, gegen wenn Sie sagen, ein Einbeinstativ verwenden. Ich betrachte immer noch ein Einbeinstativ Handfilmmachen weil ein Einbeinstativ mit dem Boden verbunden ist, aber Sie halten es wirklich immer noch in Ihren Händen. Aber durch Halten und Wiege, dass mit dem Einbeinstativ, zumindest gibt es Ihnen glattere Füllmaterial, es fühlt sich natürlicher an Handheld-Aufnahmen als wackelige Handheld-Aufnahmen. Wenn Sie größere Kameras verwenden, fotografiere ich meistens mit einem ALEXA mini, eine größere Kamera, ich werde etwas verwenden, das ein einfaches Rig genannt wird. Es ist diese Vorrichtung, die über deinen Kopf kommt. Es ist lächerlich. Das hat ein Kabel, das mit der Oberseite der Kamera verbunden ist. Es hilft, die Kamera zu stabilisieren, so dass ich dann die Kamera halten und wiegen kann. Aber Klammer kommt von oben, anstatt ein Einbeinstativ, das von unten kommt. Aber es erlaubt mir, es dann zu benutzen und wirklich schön aussehende Aufnahmen zu bekommen. Also dieses Projekt hier heißt „Alles hat ein Gefühl“, ist ein persönliches Projekt, das ich mit einem Fotografen gemacht habe. Sie hatte tragische Vorfälle durch ihr Leben und es tötete sie wirklich kreativ. Sie wollte eine Weile nicht fotografieren. Es ist die Geschichte, diese Inspiration zurückzubringen und die Liebe für die Fotografie wieder zu finden. Da es für sie so eine persönliche Geschichte war, wollte ich es so machen, dass es sich natürlich anfühlte und es fühlte, als wären wir mit ihr da, als wären wir eine andere Person, die es beobachtet, aber wir sind da. Also wollte ich nicht, dass es draußen hineinschaut, ich wollte sehr subjektiv sein. Also benutzten wir bessere Objektive, hatten ein wenig natürliche Bewegung mit der Kamera, so dass es sich authentisch und organisch anfühlte. Also spiele ich ein bisschen das für dich und ich kann durch einige der Stücke reden. Sie können ein wenig natürliches Schütteln mit der Kamera sehen, aber es ist nicht alles, was zu viel zittert. Es fühlt sich an, als wärst du mit ihr da, du beobachtest, wie sie den Prozess durchläuft und tatsächlich macht sie diese Bilder und erinnert sich daran, wie es ist in das Fotografieren zu verliebt zu sein und wie es ist , fühlen sich wirklich inspiriert darüber, was sie tut. Also ist die ganze Sache mit Handheld-Fotografie gedreht, außer für die Motorrad-Szenen, die wir mit ihr verfolgen , weil wir zu verfolgen und Panel nicht funktioniert hätte. Aber das ist ein Beispiel wie, wir wollten mit ihr zusammen sein, wir wollten, dass dies eine persönliche Geschichte ist, wir wählten Handheld, um das zu tun. Wenn wir das auf Stöcken machen oder das die ganze Zeit auf Gimbal machen, würde es sich nicht so anfühlen. Das sind die grundlegenden Möglichkeiten, wie man eine Kamera bewegt. da raus, übe sie. Sehen Sie sich Ihre Lieblingsfilme an, sehen Sie, wie sie die Kamera bewegen, und analysieren Sie diese Bewegungen. Als Nächstes werden wir darüber sprechen, wie Sie einen großen Produktionswert in Ihren Geschichten erzielen können. 6. Shooting für einen höheren Produktionswert: Ein paar dieser Dinge scheinen ziemlich einfach zu sein, aber sie sind extrem wichtig, um einen besseren Produktionswert auf Ihre Triebe zu erzielen. Eine wirklich wichtige Sache sind Standorte. Ich denke, Ort und Akteure sind wahrscheinlich einige der wichtigsten Aspekte Ihres Projekts. Daher ist es sehr wichtig, den richtigen Standort zu wählen. Es gibt zwei Dinge: Eins, oft werde ich gehen und Orte ausfindig machen, bevor ich anfange, meine Geschichte auszubauen. Damit ich einen Ort finden kann, bin ich vielleicht draußen herumwandern. Ich lebe in Austin, Texas, also bin ich draußen auf dem Feld und finde diese coole Scheune, und dann kann ich eine Szene mit meinen Charakteren in dieser Scheune schreiben um sie dann an diesem Ort zu platzieren, der schon unglaublich aussieht. Also muss ich nicht eine ganze Kunstabteilung mitbringen, um die Scheune zu bauen, wir haben sie bereits gefunden, und es sieht zu Beginn cool aus. So finden Sie Orte, die eine Geschichte um sie herum gebaut haben können, oder finden Orte, die wirklich zu Ihrer Geschichte passen, bereits vor der Tatsache oder super wichtig, dass dieser Produktionswert integriert ist. Der andere Aspekt davon ist die Tageszeit, die Sie an diesen Orten fotografieren. Also gehen Sie raus und scouting Orte, Blick auf die Beleuchtung. Schauen und sehen, wann die Sonne perfekt ist, um an diesen Orten zu filmen, ist super wichtig. Wenn man um 12 Uhr mittags auftaucht und an einer Tankstelle filmt, und plötzlich sieht man, dass das Licht schrecklich aussieht, aber man muss trotzdem schießen, wird Ihre Produktion ziemlich schrecklich aussehen. Aber wenn Sie ein paar Tage vorher scout und sehen , dass 18.00 Uhr das Licht perfekt ist, um die Szene zu drehen, unsere Schauspieler sind hinterleuchtet, der Hintergrund sieht gut aus. Wir sollten es zu dieser Zeit schießen, du gehst zurück und du schießt zu dieser Zeit und es lässt es viel besser aussehen, als es haben könnte. Es ist also wirklich wichtig, über deine Geschichte nachzudenken. Denken Sie darüber nach, wie die Beleuchtung aussehen sollte. Denken Sie darüber nach, wie Sie an diesem Ort zur richtigen Tageszeit fotografieren können und planen Sie es auf diese Weise. In der Beleuchtung haben wir ein wenig über das Schießen zur richtigen Tageszeit angefasst. Es ist wirklich wichtig, wenn Sie Outdoor-Szenen machen , um es zu schießen, bevor die Sonne zu hoch am Himmel wird. Für mich selbst filme ich nicht, wenn die Sonne höher als 40 Grad am Himmel ist. Ich benutze eine App und ich kann genau sehen, wann das sein wird. Also, wenn ich den Ort ausfindig mache, werde ich wissen, dass entweder A, der Morgen oder der Abend der Ort sein wird, an dem ich schießen sollte. Also, wenn die Sonne mein Talent am Morgen hinterleuchtet, möchte ich an diesen Ort in der Morgen-Shooting gehen. Wenn die Sonne abends mein Talent hinterleuchtet, würde ich dort ein Abendschießen machen. Daher ist es wirklich wichtig zu verstehen, wo die Sonne sein wird und wie Sie sie zu Ihrem Vorteil nutzen können. Wenn Sie nur mittags auftauchen und auch wenn das Licht schrecklich aussieht, wird Ihre Produktion schrecklich aussehen. Also müssen Sie wirklich darüber nachdenken, wann Sie es schießen, arbeiten Sie es in Ihren Zeitplan und nur zu diesen Zeiten am Tag schießen. Mit den meisten Kameras, die wir heutzutage verwenden, können Sie eine sehr flache Schärfentiefe haben. Es war definitiv etwas, das übertrieben wurde, aber manchmal müssen Sie es wirklich verwenden, um Ihrem Produktionswert zu helfen. Wenn Sie an einem Ort sind und der Hintergrund nicht so toll aussieht, oder Sie haben keinen Art Director oder ein Budget, um den Hintergrund wirklich zu kleiden und es aussehen zu lassen, als ob Sie in einer Garage sind und Sie nicht alle Werkzeuge haben, die Sie setzen möchten auf dem Hintergrund, um es wie eine Werkzeugbank aussehen zu lassen und was auch immer Sie dort haben würden. Wenn Sie auf eine flachere Schärfentiefe schießen und alles hinter ihrem Talent aus dem Fokus machen , müssen Sie das nicht tun. So ist es eine wirklich gute Möglichkeit, Ecken in gewissem Sinne zu schneiden und flachere Schärfentiefe zu schießen. Wir machen es die ganze Zeit, wenn wir die Zeit mit einem Shooting ausgehen, und wir müssen uns eine Szene schnappen, wir haben nicht genug Zeit, um alles zu kleiden, wir gehen einfach zu 1,5 F-stop, werfen alles aus dem Fokus, Halten Sie unser Talent im Fokus, und das war's, Sie bewegen sich mit dem nächsten Schuss. So eine gute Möglichkeit, einen hohen Produktionswert zu halten. Ein weiterer großer Trick für einen hohen Produktionswert ist die Verwendung der Filtration auf Ihrer Kamera. Viele der preiswerteren Kameras da draußen, und ich denke, nur DSLRs haben im Allgemeinen eine sehr hohe Schärfe für sie. Ihre Höhepunkte blasen ziemlich schnell aus. Sie haben keinen guten Roll-off, und ein Roll-off ist im Grunde, wo der Himmel sehr weiß wäre. Anstatt eine harte Kante zu sein, wo das Weiß von Dunkelheit zu Weiß geht und mehr von einem Farbverlauf zu haben, ein schönes Roll-off, was eine höhere End-Kameras tun wird. Aber um sich selbst zu helfen, wenn Sie eine DSLR verwenden, machen sie Diffusionsfilter, die wirklich großartig sind, um Ihnen einen natürlicheren Roll-off wie Film zu geben. Einige dieser Diffusionsfilter ist, dass Sie unsere Hollywood Black Magic oder Pro Mist oder Super Mist verwenden können , aber Sie wollen einen Geschmack, der etwa ein Achtel ist. Es ist gerade genug, um den Rand zu nehmen und nette Highlight Roll-off zu helfen, aber es ist nicht zu viel, um es aussehen zu lassen, als würden Sie einen 80er Jahre Film drehen. Ich mag den Black Pro Mist ein Achtel wirklich. Es hilft, alles zu erweichen, nur zu berühren, gibt Ihnen schöne Highlight-Blüte und es ist ein wirklich, wirklich schön aussehender Filter. Ein weiterer Filter, der wirklich wichtig ist, ist ein kreisförmiger Polarisator. Oft kann es am Set schwierig werden, weil Sie sich einfach so schnell bewegen, und Sie gehen von innen nach außen und das Hinzufügen eines weiteren Filters auf Ihre Kamera braucht Zeit. Aber du willst dir diese Zeit definitiv nehmen. Ein kreisförmiger Polarisator hilft, die Grüns grüner zu machen, Ihren blauen Himmel blauer zu machen. Es ist also wirklich, wirklich toll zu haben. Es wird machen, eins, die Farben Pop mehr, aber es wird Ihr Talent Pop aus dem Hintergrund als auch. So ist ein kreisförmiger Polarisator ein toller Filter zu haben. Die andere Filtration, die Sie tragen sollten, sind ND-Filter. Wenn Sie eine DSLR verwenden, erstellen sie einen schönen Filtrationsfilter, der als variable ND bezeichnet wird. Es ist im Grunde ein ND-Filter, den Sie drehen können, und es ändert die Anzahl der ND-Stopps, die Sie auf der Kamera haben. Ein ND-Filter ist sehr wichtig, weil Sie Ihren Verschluss auf 150. oder 148. halten möchten, abhängig von der Art der Kamera, die Sie haben, und wenn Sie diese 150. Einstellung beibehalten, wird die Bewegungsunschärfe natürlich und normal so anfühlen, wie Ihre Vision sieht. Nun ein verräterisches Zeichen, um zu sehen, dass jemand nicht weiß, was er tut oder keinen hohen Produktionswert hat, ist die Kurbel ihre Verschlusszeit um ein Fünfhundertstel oder ein Tausendstel verzögert , weil es draußen einfach zu hell ist, und so Sie kurbeln die Verschlusszeit auf diese Ebene. Jetzt können Sie mit dem ND-Filter jederzeit bei 150 bleiben. Es wird angenehmer Bewegung für das Auge sein und es wird natürlicher aussehen und Ihnen einen höheren Produktionswert geben. Einen letzten Tipp habe ich für dich, dem wir kurz gesprochen haben, aber das Licht hinter deinem Talent zu behalten. Wenn Sie also draußen bei natürlichem Tageslicht filmen, möchten Sie immer Ihre Sonne irgendwo hinter Ihrem Talent behalten. Es gibt ihnen also mehr ein Kantenlicht, anstatt sie zu beleuchten. Es ist eine großartige Möglichkeit, einen hohen Produktionswert zu haben. Es wird Ihnen mehr Kontrast zu Ihrer Szene geben, es wird mir mehr Tiefe in Ihre Szene geben. Also empfehle ich es sehr. Geh da raus und probiere es aus, beleuchte jemanden und zünde ihn dann an und sieh den Unterschied für dich selbst. Es ist sehr, sehr cool. 7. Kameraausrüstung und -einstellungen: Die beste Kamera ist diejenige, die Sie auf sich haben. Technologie hat sich so weit entwickelt, dass Kameras so billig geworden sind und Sie buchstäblich mit jeder Kamera üben können, die Sie haben. Ich habe ein iPhone und sie haben einige tolle Apps für das Telefon, mit denen Sie es als Videokamera verwenden können. Sie können alle Ihre Einstellungen im manuellen Modus steuern, und es macht einen ziemlich guten Job, und es kann Ihnen erlauben, Filme zu machen und Ihre Storytelling Fähigkeiten ziemlich einfach zu üben. Sie können auch eine gebrauchte Kamera online für ein paar $100 mit einem Objektiv kaufen und diese verwenden, um Ihr Filmemachen Leben zu beginnen. Es gibt also viele Möglichkeiten und ich denke, das größte, was zu verstehen ist, ist, dass es nicht um die Technologie geht, sondern darum, dass du die Fähigkeiten erlernst und praktizierst, damit du weißt, wie man es richtig macht. Es ist wirklich wichtig, die Kamera zu verstehen und zu lernen, die Sie haben. Sie möchten in die Einstellungen eintauchen, in seine Vor- und Nachteile eintauchen und wirklich lernen, was es ankreuzen lässt. Wenn Sie etwas Neues bekommen, ist es einfach, einfach zu gehen und es einfach zu benutzen. Aber Sie müssen einige Zeit in der Forschung verbringen wirklich herauszufinden, welche Einstellungen am besten sind, welchen Codec Sie schießen möchten, auf welche Bildrate Sie schießen möchten, was ist der Dynamikbereich der Kamera? All diese verschiedenen Dinge, die Ihnen helfen, zu verstehen, wie Sie bessere Aufnahmen damit bekommen. Es gibt Tonnen von YouTube-Videos auf jeder einzelnen Kamera, die verfügbar ist. Also würde ich das tun, dorthin gehen, Ihre Kamera durchsuchen und etwas Zeit damit verbringen, zu lernen, wie man sie am besten für das Filmemachen einrichten kann. Die Einstellungen, die Sie auf Ihrer Kamera verwenden, sind extrem wichtig, viele der Kameras sind sowohl für Foto als auch für Video gemacht. Wenn Sie also diese Kamera bekommen, ist sie wahrscheinlich für eine Fotokamera anstelle einer Videokamera eingerichtet, also ist das nicht die Priorität bei einer DSLR oder einer spiegellosen Kamera. Stellen Sie also sicher, dass Sie die richtigen Einstellungen für den Filmmachenmodus in Ihrer Kamera haben. Einer der wichtigsten Aspekte davon sind nicht auf „AUTO“ schießen. Die Kamera wird alles tun, was sie für das Bild tun muss, das Sie aufnehmen anstatt die Kamera für Ihre Szene einzustellen und sicherzustellen, dass sie für das, was Sie tun möchten, eingerichtet ist. Es gibt ein paar wichtige Dinge, die Sie auf Ihrer Kamera für die Aufnahme einrichten möchten. Eins, filmt bei 24 Frames pro Sekunde, 24 Frames pro Sekunde ist die gleiche Bildrate, die Ihre Augen sehen. Es erzeugt Emotionen Unschärfe, es fühlt sich natürlich an, es fühlt sich organisch an. also mit 24 Bildern pro Sekunde filmen, erhalten Sie automatisch einen höheren Produktionswert für Ihre Filme und es wird sich wie alle Filme anfühlen, die Sie da draußen sehen. Ein weiterer wichtiger Teil ist, sicherzustellen, dass Ihre Verschlusszeit bei 148 oder 150., 148. wäre die tatsächliche Zahl, weil es doppelt so viel wie Ihre Bildrate ist. Wenn Ihre Bildrate also 24 beträgt , wäre 148. Aber einige Kameras haben nur eine Einstellung von 150., also ist das die nächste Zahl, also möchten Sie diese übereinstimmen. Was passiert jetzt, wenn Sie diese Verschlusszeit haben? Es ist die Menge an Unschärfe, die du bekommen wirst. Wenn Sie also Ihre Hand vor Ihr Gesicht legen und es bewegen, werden Sie feststellen, dass es Bewegungsunschärfe gibt, wenn Sie es betrachten. Es ist nicht perfekt alles im Fokus, es ist nicht perfekt scharf, es hat eine Bewegungsunschärfe, und Sie möchten, dass Ihre Kamera dasselbe tut. Wenn Sie es also auf die 24 Bilder pro Sekunde einstellen und auf 150. Verschlusszeit einstellen, erhalten Sie denselben Effekt, so dass es sich natürlich anfühlt. Das nächste, was Sie einrichten möchten, ist der Weißabgleich. Sie möchten sicherstellen, dass Ihr Weißabgleich im manuellen Modus ist, wird die Auswahl in Kelvin Temperatur sein und das wird überall von 1.800-10.000 gehen. Die meisten typischen Einstellungen werden drei Dinge sein: eins, 3.200, was die Einstellung für die Innenbeleuchtung sein wird. So Glühlampen und Schießen in einem Haus, Sie werden es bei 3.200 verwenden. Der nächste große wird 5.600 für die Dreharbeiten draußen sein. Tageslicht wird also 5.600 sein. Also, wenn du draußen etwas fotografierst, willst du es auf 5.600 schießen. Wenn Sie in einem Raum mit gemischter Temperatur schießen, sagen wir, Sie bekommen etwas Fensterlicht, Sie verwenden einige praktische Glühbirnen im Haus, können Sie es auf 4.300 einstellen, was genau die Mitte zwischen 3.200 und 5 ist, 600. Der Schlüssel ist, auf Ihren Bildschirm zu schauen, mit der Kelvin-Temperatur zu spielen und zu sehen, was Sie bekommen. Im Grunde, was Sie auf Ihrem Bildschirm sehen, ist das, was Sie haben werden. Sehen Sie sich die Kelvin-Temperatur an, fühlt sich nicht natürlich an? Die Probleme, wenn Sie es auf Auto lassen, wenn Sie die Kamera herum anheften, wird es automatisch die Temperatur auf Sie ändern. Also, wenn Sie später auf der Post gehen und Sie versuchen, Szenen zusammen zu schneiden, werden sie nicht übereinstimmen, weil die Temperatur sich geändert hat, während Sie die Dinge drehen. So möchten Sie sicherstellen, dass Sie das auf Handbuch haben und Sie genau wissen , welche Aufnahmen und welche Farbtemperatur das sein wird. Die nächste große Sache mit Kameraeinstellungen ist Ihre Aufnahmequalität. Sie möchten sicherstellen, dass Sie den höchsten Codec für die Kamera aufnehmen. Jede Kamera ist anders, also werde ich keine bestimmten Codecs anrufen, aber schauen Sie in das Handbuch, schauen Sie auf YouTube nach den besten Einstellungen der Leute und das wird Ihnen einen guten Startplatz geben. Aber im Allgemeinen möchten Sie die höchste Megabyte-Aufnahme möglich haben, so dass Sie das sauberste Bild mit der geringsten Menge an Rauschen oder Artefakten erhalten. Das sind zwei Dinge, die ich euch zeigen möchte, warum ihr die Regeln für Weißabgleich und Verschlusszeit brechen würdet. Es ist etwas, das Sie tun würden, um eine andere Art von Emotion zu schaffen. Hier ist ein Projekt, das ich gemacht habe, es ist ein Musikvideo, und es geht um zwei Brüder, einer der Brüder starb in einem Krieg und der Bruder geht zurück, um ihn zu begraben und er ist eine Reise durch seine Erinnerungen und bringt 10 seiner Brüder gibt es mit ihm und es ist eine wirklich coole Geschichte. Aber ein Teil davon war die Möglichkeit, eine Kriegsszene zu filmen und wie würden wir das wirklich anfühlen, aber auch mehr Intensität hinzufügen? Es gibt also ein paar Dinge. Zum einen haben Sie die Flashback-Szenen von ihnen Training, wo das Training macht Spaß und es ist warm und lebendig. Ich spiele hier ein bisschen für dich. So sieht man es wie die Trainingsszenen ein sehr warmes. Hier ist also eine Trainingsszene, es sich warm anfühlt und eine tolle Zeit im Training hat. Warmes Sonnenlicht, wie Sie sehen können. Aber wenn sie tatsächlich in den Krieg ziehen, anstatt 5.600 Farbtemperatur draußen zu verwenden, wie du es tun würdest, schießen wir es bei 3.200 Temperatur, also machen wir es Tageslicht, damit es sich sehr blau anfühlt, weil die Farbe blau bezieht sich auch auf Traurigkeit oder Angst. Die warme Farbe gibt Ihnen mehr von Liebe und Glück. Also, wenn Sie es haben, gibt diese blauere Farbe Ihnen das negative Gefühl. Wir haben auch die Verschlusszeit viel höher gebracht. Also haben wir es mit einer Verschlusszeit von 500 statt 50 Belichtungszeit geschossen , damit es sich mehr störend anfühlt und [unhörbar], das gleiche, was sie taten, und wenn Sie den Sparen Private Ryan ansehen, ist es mit einer sehr hohen Verschlusszeit, also ist es fühlt sich sehr staccato, es ist sehr gezackt. Dies ist also die üblicherweise gedrehte Trainingsszene, und Sie werden sehen, wie wir hier in diese blauen Szenen kommen, die sehr schnellen Rückblenden, aber es ist wieder blauere Temperatur, sehr hohe Bildrate. All diese blauen Szenen hier, sie sind ziemlich schnell, aber Sie können sehen, es ist wie eine höhere Bildraten, blauere Farbe, es hilft Ihnen, das Gefühl zu geben, dass sie durch in diesem Raum gehen. Das wäre also ein Grund, warum Sie diese Farbtemperatur aufnehmen und aus dem richtigen Grund eine höhere Bildrate verwenden möchten , nicht nur weil Sie keinen ND-Filter haben. Also musst du deine Verschlusszeit ankurbeln, oder du hast vergessen, den Weißabgleich zu ändern und es ist genau so, wie es jetzt aussieht, weil es das Publikum verwirren wird, es wird deinen Betrachter verwirren und ihnen geben unterbewusste Gefühle, die sie nicht hätten sich diesen Szenen anschließen sollen. Es sind einige coole Tricks zu verwenden und wenn man sich den Rahmen anschaut, kann man sehen, dass er bei 3.200 Kelvin Temperatur eingestellt ist, es ist sehr cool. Schießen mit einer höheren Verschlusszeit macht auch alles viel schärfer, so dass das Bild viel schärfer ist. So hilft es Ihnen , dieses Gefühl und die Emotion zu erzeugen , die Menschen haben sollen, während sie diese Nähte beobachten. Dies sind also einige Tipps und Vorschläge, aber es ist wirklich wichtig, dass Sie Ihre Kamera herausnehmen, eine Ausrüstung dort draußen nehmen, sie testen, verwenden, einen Blick auf das Filmmaterial auf Ihrem Computer werfen und sehen, wie es aussieht denn so wirst du wirklich lernen, indem du dir das anschaust, was du geschossen hast. 8. Letzte Gedanken: Herzlichen Glückwunsch. Du hast es durch die Klasse geschafft. Wir sprachen über Komposition und Framing, wir sprachen über Beleuchtung, wir sprachen über Kamerabewegungen und alles andere, was mit der Kinematographie zu tun hat. Bitte teilen Sie Ihre Übungen in der Projektgalerie und ich freue mich darauf, Ihre Arbeit zu überprüfen.