Transkripte
1. Einführung: Hallo, ich heiße Zoe. Ich bin Kameramann
und Professor für Film. Einer der Kurse, in denen ich
gerne Drehbuchschreiben unterrichte. Und heute werden wir darüber
sprechen, wie Sie
anfangen können, Ihre
eigenen Drehbücher zu schreiben. Haben Sie den Film jemals
gesehen und Fehler in der Handlung
bemerkt? Oder vielleicht schauen Sie sich einfach einen Film an
, den Sie überhaupt nicht mögen. In den meisten Fällen hat das mit dem Schreiben von Drehbüchern zu
tun. Während des gesamten Kurzkurses werde
ich Ihnen
alles geben, was Sie wissen müssen um
Ihr eigenes kurzes Drehbuch zu schreiben, einschließlich der Formatierung
, der zu verwendenden Software und der Strukturierung Ihr Drehbuch ,
damit Sie
die größte Wirkung erzielen können. Am Ende dieses Kurses sollten
Sie in der Lage sein, in kürzester Zeit Ihr eigenes
kurzes Drehbuch
zu schreiben . Lass uns anfangen.
2. Formatierung: Formatieren. Lassen Sie uns zunächst
über das Drehbuchformat sprechen. Wenn Sie bereits mit dem Format
vertraut sind oder mit einem
Programm wie Final Draft vertraut sind, können Sie
gerne weitermachen. Aber wir werden das Drehbuch der Unterfelder
als Leitfaden verwenden. Es gibt mehrere
technische Regeln , die alle Drehbücher erfüllen müssen , um
als ordnungsgemäß formatiert betrachtet zu werden. Hier ist eine Liste von allen. Der Grund, warum
Drehbücher
diesem speziellen Format folgen , ist nicht nur, dass alle
gleich aussehen. Es hat tatsächlich viel mit Produzieren
zu tun. In
der Filmbranche wird allgemein verstanden , dass
eine einzelne Seite eines Drehbuchs
etwa
einer Minute Bildschirmzeit im
endgültigen Schnitt des Films entspricht . Wenn einem Produzenten also ein 120-seitiges Drehbuch
ausgehändigt wird, kann er schnell
herausfinden, dass der Film wahrscheinlich
etwa zwei Stunden lang sein
wird. Auf diese Weise können sie
anfangen, ihre Pläne zu schmieden und das Budget des Films auf der
Grundlage dieser Zahl zu
erstellen. Wenn ein Skript nicht
richtig formatiert ist
, ist dieses Timing für sie viel
schwieriger abzuschätzen. Okay? Sobald Sie Ihre Seiten
richtig formatiert haben, ist
es Zeit, mit dem
Lesen zu beginnen, oder? Fast. Ein weiterer Teil der Formatierung
besteht darin, sicherzustellen, dass der Text selbst
einer bestimmten Struktur folgt. Lassen Sie uns ein Beispiel durchgehen damit ich Ihnen zeigen kann, was ich meine. In diesem Beispiel werden Sie feststellen
, dass jede Zeile genug hat. Linie“. Eine wird als
Slug-Line oder Scene Heading bezeichnet. Diese Zeile gibt
entweder das allgemeine
oder ein bestimmtes Gebietsschema an
und wird immer großgeschrieben. In diesem Fall befindet sich die
Szene außerhalb, was
durch EXT für extern angegeben wird. Das Gegenteil davon
wäre INT für intern. Der allgemeine Ort
der Szene befindet sich irgendwo in der Wüste von Arizona,
und die Szene spielt tagsüber und
nicht nachts. Diese Zeile gibt allen , die das
Drehbuch lesen, viele wichtige Informationen, die ihnen
helfen, die Szene zu visualisieren. Es ist auch äußerst nützlich für Kameraleute und
Gaffer, da wir wissen , dass es sich um einen externen
Tag handelt, der uns
hilft , die Art der
Beleuchtung zu planen, die das Setup benötigt. Und wenn wir auf Film drehen, die Art von Filmmaterial, das wir gebrauchsfertig haben
sollten. Zeile zwei wird als Aktionslinien bezeichnet
. Dies ist eine Beschreibung
der Personen, Orte
und Aktionen, die
stattfinden, während Sie sehen mit der Aktionslinie
beginnen. Es ist wichtig,
nur die wesentlichen Details zu schreiben. Beschreibungen von
Zeichen werden platziert. Es sollten nur
ein paar Zeilen lang sein. Und wenn Sie anfangen, die Handlung zu
beschreiben, sollten
Sie versuchen,
diese Gedanken auf vier Zeilen oder weniger zu beschränken. Zeile drei ist ein optionales
Element mit dem Wort moving, der Autor eine
Verschiebung des Kamerafokus vorschlägt. Beim Schreiben können Sie wählen, ob
Sie diese Elemente
für weitere Details einbeziehen möchten, oder
Sie können sie zulassen. Wisse nur, dass die ultimative
Entscheidung, wie die Szene
gedreht wird , der Regisseur
und der Kameramann zu treffen sind. Linie für eine weitere durchgezogene Linie. Es ist wichtig zu
beachten, dass wir immer dann Ort in einem Film
wechseln, wir den Ort in einem Film
wechseln, eine durchgezogene Linie einschließen müssen. Und das ist ein perfektes Beispiel. Obwohl wir uns zuvor gerade
außerhalb des Fahrzeugs
in Reihen befanden , haben
wir jetzt
unsere Perspektive gewechselt und sind
in das Fahrzeug eingedrungen. Ein ganz anderes Setup. Manchmal scheint es so, als
ob diese tatsächlich
im Studio mit
einem Greenscreen aufgenommen tatsächlich
im Studio mit
einem Greenscreen aufgenommen wurden und nicht in den Elementen denen Dinge wie Audio und
Beleuchtung schwer zu kontrollieren sind. Dies ist etwas, das ein
Produzent zur
Kenntnis nehmen und für
die Dreharbeiten planen würde . Zusätzlich gibt uns diese Zeile Anweisungen, auf wen sich die
Aufnahme konzentrieren sollte. Dies deutet möglicherweise
darauf hin, dass der Regisseur den Charakter so dem
Publikum in einer bestimmten Reihenfolge
offenbaren kann. In Zeile fünf sehen wir, dass
der Name Andy groß geschrieben wird. Wenn neue Charaktere eingeführt werden, werden
ihre Namen
immer groß geschrieben. Dies soll dem
Leser helfen, zu wissen, dass diese Person das
Skript zum ersten Mal eingibt. Und für die Produzenten
hilft das sehr bei der Terminplanung. Wenn sie wissen, dass
sie ohne den Schauspieler,
der spielt, bis zu
Zeile fünf drehen können . Und dann können sie Geld sparen, indem diesen Schauspieler
nur bei Bedarf anrufen. Je nachdem, wie lange
die Produktion braucht , um an diesen Punkt zu
gelangen, können
sie sogar einen
Tag Lohn sparen. Die Aufgabe eines Produzenten besteht
darin, immer über
das Endergebnis
und die finanziellen
Auswirkungen seiner Entscheidungen nachzudenken das Endergebnis
und die finanziellen . Ein gut formatiertes Skript kann
ihre Arbeit erheblich erleichtern. Blind Six, der Beginn
unseres ersten Dialogs. Wenn Sie einen Dialog formatieren, der Name der Zeichen, die wird
der Name der Zeichen, die
sprechen, immer groß geschrieben und befindet sich immer in der
Mitte der Seite. In Zeile sieben haben wir eine Bühnenrichtung in Klammern
geschrieben. Dies sind Regieanweisungen
für den Schauspieler, die ihnen
mit ihrem Dialog eine Richtung
geben. Es hat sich bewährt, diese im Drehbuch
nur dann zu verwenden wenn es
für den Ton der Szene absolut notwendig ist. Als Schauspieler sollte es in der Regel
überlassen werden ,
ihre Charaktere
für sich selbst zu interpretieren und auch der Vision des Regisseurs zu
folgen. Zeile acht beginnt der
Dialog tatsächlich. Sie werden feststellen, dass der Dialog in der Mitte der Seite mit einem ganz bestimmten
Abstand von 1,5 Zoll vom linken Rand bleibt. Dies soll wiederum sicherstellen, dass die Länge des
Films leicht
abzuschätzen ist , da
es auch leicht ist,
sich von so
etwas wie einem Dialog mitreißen zu lassen. In der Regel
sollten
Sie beim Schreiben von Skripten zeigen, nicht erzählen. Linie neun ist ein weiteres
Beispiel für die Regieführung. In diesem Fall ist dies eine
physische Richtung, die an die Stelle einer
möglichen Dialoglinie
tritt. wird
empfohlen, eher eine physische
als eine verbale Reaktion zu verwenden , um zu vermeiden, dass
der gesamte Film nur ein
Haufen sprechender Köpfe ist. In Zeile zehn sehen wir, dass das
Wort Sputters groß geschrieben ist. Dies gilt für alle
Sound- oder Musikeffekte, da es uns
Sounddesignern hilft, schnell zu
erkennen, wo sie einen Song
beziehen oder einen Sound aufnehmen müssen , z. B. zu beachten, dass dies nur Vorschläge
sind. Manchmal ist es aus
Budgetgründen nicht möglich, einen exakten
Sound oder Song zu bekommen,
aber ein guter Sounddesigner wird
sein aber ein guter Sounddesigner wird Bestes
tun, um
eine vergleichbare Option zu erhalten. Schließlich können
Sie in Zeile 11 optional das Ende der Szene
angeben. Dies ist kein notwendiger Schritt, aber wenn Sie das
Gefühl haben, dass das Schreiben besser
fließt, können Sie es
gerne hinzufügen. Sie können Phrasen
wie cut verwenden, um
zwei aufzulösen oder als
Vorschläge für den
Regisseur und den Herausgeber zu blenden . Und das war's. Jetzt können Sie mit
dem Tippen beginnen. Lassen Sie uns also darüber sprechen welche Software wir verwenden können
, um unsere Arbeit zu erleichtern.
3. SOFTWARE: Software. Es ist wichtig zu beachten
, dass Sie keine teure Software benötigen ,
um ein Drehbuch zu schreiben. Wenn Sie
Zugriff auf einen Computer mit
einer grundlegenden
Textbearbeitungssoftware wie
Pages oder Microsoft Word haben einer grundlegenden
Textbearbeitungssoftware wie , können
Sie die Informationen in
der Lektion zur
Formatierung verwenden , um Ihr
Drehbuch perfekt zu formatieren. Wenn
Sie jedoch Zugang zu
einer Internetverbindung haben oder
sogar ein paar Dollar ausgeben können, würde
ich dringend empfehlen,
eine Software zur Formatierung von Drehbüchern zu verwenden . Eine kostenlose Version, die online
verfügbar
ist , heißt Celtics. Viele meiner Schüler verwenden
die kostenlose Version, die sie anbieten, um beide Drehbücher bevor sie ihre Arbeit einreichen. Wenn Sie jedoch
rund 100 US-Dollar haben , um in Software zu
investieren, würde
ich dringend empfehlen eine Kopie
des endgültigen Entwurfs zu
kaufen. Final Draft ist die
branchenübliche
Drehbuch-Formatierungssoftware , die die gesamte
Formatierung für Sie übernimmt. Und zumindest ist es derzeit
nicht abonnementbasiert. Sobald Sie also das erste Mal
dafür bezahlen, erhalten
Sie alle
Updates lebenslang kostenlos. Wenn
Sie ein Student sind, bieten
sie es Ihnen in der Regel zu
einem ermäßigten Preis an. Meiner Meinung nach ist
der endgültige Entwurf die beste Option, wenn Sie ernsthaft
mit dem Schreiben von Drehbüchern beginnen möchten.
4. Struktur der Geschichte: Struktur der Geschichte. Jetzt ist es an der Zeit zu schreiben. Aber wie machen wir
unsere Geschichten eigentlich interessant? Welche Elemente sind notwendig
, um ein Drehbuch für Leser
und letztlich für Zuschauer
interessant zu machen? Lassen Sie uns über die
narrative Struktur sprechen. Erzählstruktur ist
normalerweise so, wie die meisten Drehbücher geschrieben
werden und wie die meisten Filme Sie wahrscheinlich gesehen haben, strukturiert
sind. Es gibt drei Hauptteile
der Erzählstruktur. Sie sind ziemlich einfach.
Der Anfang, die Mitte und das Ende. Einfach genug, oder? Aber lassen Sie uns sie ein bisschen weiter
aufschlüsseln. Am Anfang. Die Hauptfiguren
und die Hauptszene,
der Hauptort , werden
in der Regel vorgestellt, ebenso wie der Konflikt, der die Geschichte
dazu veranlasst, wirklich
zu beginnen, wie zum Beispiel eine Alien-Invasion
oder ein Lottogewinn. Okay, das ist der Anfang.
Dann ist da noch die Mitte. Hier findet der Großteil
des Films statt. In diesem Teil steigt die
Spannung im Film
stetig an, da
die Hauptfigur oder Hauptfiguren einem
Hindernis
nach dem anderen gegenüberstehen , bis sie schließlich den Höhepunkt des Films
erreicht haben. Dann ist da noch das Ende oder die
Auflösung des Films. Dies ist der Zeitpunkt, an dem die Geschichte
zu einem Abschluss kommt . Es ist wichtig zu beachten, dass
das Ende des Films nicht unbedingt das Ende
der Reise für
den Charakter bedeutet . eher ein Zwischenstopp auf Für uns
als Publikum eher ein Zwischenstopp auf
unserer Reise. Denken Sie als Beispiel an die
Harry-Potter-Serie.
5. Konflikt und Charakter: Konflikt und Charakter. Wenn man beim Schreiben eines Drehbuchs alles andere vergisst, gibt es eine wirklich wichtige
Regel, an die man sich erinnern sollte. Konflikt. Um etwas für ein Publikum dramatisch
interessant zu machen , muss
es in jeder Szene
zu Konflikten kommen. Konflikte, egal wie
klein sie sind, was das Publikum beschäftigt und die nächste Szene
beobachtet. Wenn Sie beim Schreiben feststellen, dass Ihr Drehbuch nicht so interessant ist, wie Sie es erwarten,
versuchen Sie, mehr Konflikte einzuführen. Es ist auch wichtig,
sich daran zu erinnern, dass unsere
Geschichten von
unseren Charakteren oder Themen und
ihren eigenen tiefen Wünschen oder Wünschen angetrieben unseren Charakteren oder Themen und werden. Ihr Charakter wünscht sich
etwas, das stark genug ist, um es beim Schreiben
durchzusetzen. Filmen
geht es in der Regel um eine Figur , die etwas will, es
aber nicht haben kann. Und dann ihre anschließende
Reise, um sie von Hindernissen
zu durchbrechen,
denen sie auf dem Weg begegnen. Es ist wirklich der Charakter
und
die Reise , in die wir
als Publikum investieren, nicht unbedingt das Ziel.
6. Drei oder vier?: Drei Akte, aber vielleicht vier. Wenn Sie vor diesem Kurs einige Recherchen zu
Drehbüchern
angestellt haben , haben
Sie vielleicht von
der Struktur aus drei Akten gehört. Dies ist eine Struktur
, die der Form folgt und ich habe gerade
mit einem Anfang, einer
Mitte und einem Ende diskutiert , und x 123
entspricht entsprechend. Da wir heute speziell
über das Schreiben von Kurzfilmen sprechen ,
Filme, die technisch gesehen
weniger als 40 Minuten lang sind, aber eher um
die 10-Minuten-Marke liegen. Die Struktur mit drei Akten
ist immer noch vorhanden, beinhaltet
aber gelegentlich eine kleine Verdrehung. Also werden
wir das besprechen. Für diesen Teil der Lektion. Wir werden uns Claudia Hunter Johnsons Buch orientieren und kurze
Drehbücher erstellen, die eine Verbindung herstellen. Also werden
wir heute tatsächlich über die Drei-,
vielleicht Vier-X-Struktur sprechen ,
die Sie
verwenden sollten , wenn Sie
kurze Drehbücher schreiben.
7. Akte I: Erster Akt. Im ersten Akt, über den wir gesprochen haben, werden wir in unseren Charakter,
ihr Leben und ihre Welt
eingeführt . Irgendwo
auf dem Weg ändert sich jedoch alles und
unsere Geschichte beginnt. Dieser Moment ist die Entdeckung. Die Entdeckung ist ein
Wendepunkt im Leben unseres Charakters. Ein Moment, der dazu führt, dass sich ihr
Weg völlig ändert. In
diesem Moment beginnt der Konflikt in unserer Geschichte
zuzunehmen und wir machen uns auf die Reise mit
unserer Hauptfigur.
8. Act II: Zweiter Akt. zweiten Akt stehen wir vor mindestens
einer, aber möglicherweise mehreren
Entscheidungen, die unser Charakter je nach
Länge des Drehbuchs treffen
muss. Dies sind zusätzliche
Wendepunkte in unserem Geschäft. Und die Entscheidungen
, die unser Charakter trifft, bestimmen
ihr Wachstum für ihn. Weltanschauung, die Grenze. Normalerweise ist in
einem
zehnminütigen Kurzfilm nur Zeit für eine wichtige Entscheidung, aber es ist möglich,
dass die zwei oder mehr.
9. Act III: Dritter Akt. Und mit drei haben wir möglicherweise nicht
unbedingt das Ende
unseres Films erreicht , wie wir es
bei einem typischen dritten Akt tun würden. Stattdessen kommen wir vielleicht zu einem Punkt, der Boxkampf
genannt wird. Wie wir bereits besprochen haben, brauchen
alle guten Filme Konflikte, und dies ist der
wichtigste
Konfliktpunkt im
Film, der Höhepunkt. Bis wir
den Boxkampf erreicht haben, sollten
wir uns darüber im
Klaren sein, was unser Charakter in diesem Film braucht und
will. diesem Akt im Film
geht es darum, dass sie vor dem größten Hindernis stehen, da wir sie davon
abhalten, das zu bekommen. Dieses Hindernis kann alles
sein, von einem anderen Charakter über die Gesellschaft bis hin zu den
eigenen Ängsten und Zweifeln des Charakters, den Boxkämpfen über ihren Kampf gegen
was auch immer das ist.
10. Act IV: Optionaler Akt für die
unwahrscheinliche Verbindung. Schließlich gibt es noch diese
optionale App für den zusätzlichen Act, den manchmal
Kurzfilme enthalten. Dieser Akt wird als
unwahrscheinliche Verbindung bezeichnet, die das
Ergebnis
des Boxkampfs zum Erliegen bringt. Manchmal gibt es eine kleine
Wendung, die wir, da das Publikum
nicht kommen sah. Das nennen wir sie
wahrscheinliche Verbindung. Es könnte sein,
dass zwei
Charaktere, die
polare Gegensätze zu sein scheinen , etwas finden , auf dem sie beide
eine gemeinsame Basis haben, oder eine unerwartete Entdeckung, die unsere Hauptfigur gerade macht,
während der Film verpackt wird. oben. Diese Verbindung kann in wenigen Zeilen
stattfinden, aber sie ist ein wesentlicher Schritt unsere Charaktere
abzuschließen,
und die Geschichten nicht, um ihr
Wachstum auf dem Weg zu zeigen. Wie der typische F3 wird
man feststellen, dass die Geschichte kommt am
Ende dieser Sitzung zu einem
natürlichen Abschluss
kommt.
11. Verbinden der Punkte: Die Punkte verbinden. Wir haben also alles, was
wir brauchen, um mit Excellent Award
ausgezeichnete Drehbücher richtig zu machen . Jetzt geht es nur noch darum, es zu tun. Das Wichtigste
bei jedem neuen Unterfangen ist , einfach anzufangen und sich selbst
zu schonen. Versuchen Sie, sich kleine,
erreichbare Ziele zu setzen , z. B.
eine einzelne Szene pro Tag zu schreiben und von dort aus weiterzugehen. Wenn du es
so einstellst, hast du deinen ersten Entwurf
fertig und nicht mal. aber auch daran, dass
Schreiben ein Umschreiben ist. Und der erste Entwurf
, den Sie schreiben wird
wahrscheinlich keine Oscars gewinnen. Sogar professionelle
Drehbuchautoren werden
mehrere Entwürfe mit ihren Filmen schreiben mehrere Entwürfe mit ihren Filmen bevor es Zeit ist, mit den
Dreharbeiten zu beginnen. Wenn Sie jemanden haben,
dessen Meinung Sie vertrauen, lassen Sie ihn Ihren ersten
Entwurf lesen und holen Sie sich Feedback. Es kann auch sehr nützlich sein Ihr Drehbuch laut
vorlesen
zu hören. Wenn Sie also versuchen können,
ein paar Leute zusammenzubringen ,
um eine inszenierte Lesung zu machen. Manchmal klingen Wörter, die wir getippt haben, nicht gerade natürlich
, wenn sie gesagt werden. Möglicherweise müssen Sie den eines bestimmten
Charakters überarbeiten Dialog eines bestimmten
Charakters überarbeiten, um ihn besser an die beabsichtigte
Persönlichkeit anzupassen. als letzte Übung
für diesen Kurs Nehmen
wir uns als letzte Übung
für diesen Kurs ein
paar Minuten Zeit
und überlegen uns ein paar Ideen
für Ihr Drehbuch. Stellen Sie einen Timer für eine Minute und schreiben Sie einfach
alles und jede Geschichte auf, über die Sie
gerade schreiben
möchten . Die Charaktere
enthalten sie. Es gibt keine Regeln, die
Inhaltsbeschränkungen genau richtig sind , und schreiben Sie weiter, bis
diese Minute abgelaufen ist. Sie können das
Video für diese Minute pausieren. Okay, als nächstes wähle
eine dieser Ideen. Stellen Sie den Timer erneut ein
und fragen Sie sich, wie sieht die Hauptfigur
in der Geschichte aus? Wer sind sie und
was wollen sie? Schreiben Sie diese Antworten auf. Stellen Sie zum Schluss den Timer ein letztes Mal ein und
fragen Sie sich
Folgendes, was dieser Charakter im
Weg steht, was
er
will, welchen Hindernissen auf seiner Reise begegnen
könnte. Schreiben Sie all diese Antworten auf. Hoffentlich
war das Brainstorming für Sie hilfreich. es gerne noch einmal mit
einer neuen oder anderen Idee tun , bis du etwas findest
, das dich inspiriert.
12. Schlussbemerkung: Wir haben in diesem Video
viel darüber gesprochen, von der Formatierung
des Drehbuchs über die Story-Struktur bis hin zu den verschiedenen zu
verwendenden Softwareprogrammen. Ich hoffe, dass einige, wenn
nicht sogar alle davon für Sie
nützlich sein werden , wenn Sie anfangen, Ihre Skripte zu
schreiben. Ich habe noch ein paar andere
Videos darüber, wie man mit
Kameraausrüstung und Beleuchtung arbeitet. Schauen Sie sich
diese auch an. Lassen Sie mich wie immer wissen, wenn Sie
Fragen, Kommentare
oder Bedenken zu
allem haben, was ich
heute geteilt habe , und ich würde mich freuen
, darauf einzugehen.
Zoë Davidson, Software Engineer & Cinematographer
