Schöne Linie erstellen und Blumen waschen: Ein Leitfaden für Anfänger

1. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 1: Lieben Sie das Aussehen von losen Stiften und Aquarellwaschblumen absolut , fragen sich aber vielleicht als Anfänger, was der beste Anfang ist? Vielleicht fragen Sie sich, welche Informationen zu Stift und Tinte, Aquarell und zur Kombination dieser beiden Medien wissen müssen Informationen zu Stift und Tinte, ? So können Sie ein solides Fundament aufbauen, von dem Sie abspringen können. Wie kommt man auch zu einem Punkt, an dem Sie diese Art von Kunstwerk einfach und schnell ganz alleine erstellen können, ganz von Grund auf neu, wann immer Sie möchten, wann immer Sie möchten, wann immer Sie welche haben Grußkarten zum Erstellen, einige Lesezeichen, die Sie verschenken möchten , persönliche Stücke usw. Wenn Sie ein Anfänger sind, beginnen gerade mit der Entwicklung Ihrer Zeichenfähigkeiten und fangen gerade an zu springen in die Feder- und Aquarell-Wash-Welt oder Sie sind ein Zwischenkünstler , der gerade damit beginnt diese beiden Medien in Ihrer Arbeit zu kombinieren. Dieser Kurs ist für dich. Mein Name ist Erica und ich bin ein traditioneller Medienkünstler und Online-Pädagoge. Ich habe mehr als 15 Jahre Erfahrung in der Arbeit im kreativen und künstlerischen Bereich. Zuerst war ich Grafikdesignerin , die bei Werbeagenturen gearbeitet hat. Dann habe ich viele Jahre als Schulleiterin in einem Schulumfeld gearbeitet . Seit vier Jahren arbeite ich Vollzeit in meinem eigenen Kunstgeschäft als professioneller Künstler. Meine Tage drehen sich darum, Kunst zu schaffen, Kunst vor Ort zu verkaufen und aufstrebenden Künstlern auf der ganzen Welt dabei zu helfen, ihre Kunstfähigkeiten und ihre kreative Stimme über meine Website, meinen YouTube-Kanal, meine sozialen Netzwerke zu entwickeln ihre Kunstfähigkeiten und ihre kreative Stimme über meine Website, meinen Medien im Allgemeinen und auch meine Mitgliederseite. Springen Sie in das ein, was Sie in diesem Kurs lernen werden . Ich werde dir beibringen, wie man drei verschiedene Blumen zeichnet, eine Kegelblume, eine Wildrose und eine Narzisse aus zwei verschiedenen Perspektiven. Von einer Draufsicht und auch einer Seitwärts- oder Höhenansicht, damit Sie die Struktur dieser Blumen und ihre Besonderheiten wirklich verstehen können. Damit Sie diese dann besser aus der Phantasie und jeder gewünschten Perspektive ziehen können. Während wir zeichnen, werden wir uns darauf konzentrieren diese Blumen in Grundformen zu vereinfachen. Welches ist eine Fähigkeit, die dir in Zukunft helfen wird, egal was du zeichnen willst. Dieser Kurs richtet sich an Anfänger. Ich werde Sie durch meine Methode führen, bei der ich meine Zeichnung zuerst mit Graphitstift erstelle , damit ich alle Fehler löschen kann , die ich löschen muss. Wir verfolgen dann unsere Bleistiftarbeiten, indem wir Kanten definieren und mehr Details mit Stift und Tinte hinzufügen. Dann bringen wir schließlich unsere lebendigen bunten Waschungen mit Aquarell ein. Ich habe Kurse in diesen Kurs aufgenommen , in dem ich die wichtigsten Informationen teile, die Sie als Anfänger kennen sollten wichtigsten Informationen teile, die Sie als Anfänger kennen , erste Schritte mit Stift und Tinte, Erste Schritte mit Aquarell und Erste Schritte mit der Kombination dieser beiden Medien , damit Sie viel früher erfolgreich sein können. Bevor ich mit den drei letzten Stücken beginne , an denen wir zusammen arbeiten werden, teile ich auch eine vollständige Klasse, in der ich dich durch meinen Farbauswahlprozess führe und wie ich Swatch meine verschiedenen Farben aus, damit ich genau weiß, welche Farben ich für meine letzten Stücke verwenden werde . Schließlich arbeiten wir zusammen an unseren drei letzten Stücken, eines für jede Blume. Ein Kegelblumenstück, ein Wildrosenstück und ein Narzissenstück. Während dieses Prozesses streue ich auch einige Informationen über die Komposition ein, die Ihnen helfen werden, harmonische, ausgewogene und interessante Kompositionen zu erstellen , die Sie betrachten können. Als Kunstpädagoge bin ich ein großer Fan davon, nicht nur meinen gesamten Prozess mit Ihnen und meinen Techniken zu teilen , sondern auch Wissen über Kunstgrundlagen und nur Dinge zu streuen , die ich immer habe Sie daran, dass ich mich während des gesamten kreativen Prozesses weiterhin frage , damit Sie an einen Punkt gelangen, an dem Sie Originalkunstwerke von Grund auf neu erstellen. Das ist es, was ich für dich will. all dies gesagt wurde, hoffe ich, dass Sie sich mir für diesen Kurs anschließen werden. Ich freue mich sehr darauf, gemeinsam an diesen Übungen und Projekten zu arbeiten . 2. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 2: Lassen Sie uns mit der Klasse Nummer 1 in diesem Kurs beginnen , in dem ich zu Vorräten erklären werde Informationen zu Vorräten erklären werde, die wirklich wichtig sind, die Sie für eine reibungsloserer Prozess und bessere Ergebnisse, wenn es um diese Art von Stück geht, in dem wir Stift und Tinte mit Aquarellwaschungen kombinieren. Ich möchte Sie daran erinnern, dass jede einzelne Klasse in diesem Kurs über ein herunterladbares Gerät verfügt , das Sie auf der Registerkarte Projekte und Ressourcen finden können . Für diese erste Klasse habe ich eine Angebots-Checkliste hinzugefügt, damit Sie sicher sein können, dass Sie alles zur Hand haben , was Sie für beste Ergebnisse benötigen. Für andere Klassen können Sie herunterladbare Vorlagen finden, Referenzfotos, die ich verwendet habe, und natürlich können Sie auch meine herunterladbaren Gliederungsskizzen für alle diese verschiedenen Blumenstudien und Stücke, die ich für diese Klasse kreieren werde. Auf diese Weise können Sie sie herunterladen und ausdrucken und als Referenz zur Hand haben , während Sie Ihre Freihandskizzen erstellen. Wenn Sie die Skizzierphase der freien Hand überspringen und direkt in den Stift und die Tinte springen möchten Skizzierphase der freien Hand überspringen und direkt in den Stift und die und dann das Aquarell wäscht und sich nicht so sehr auf Ihre freie Handzeichnung konzentriert, können Sie jederzeit übertragen my outline skizziert auf Ihrem Blatt Aquarellpapier mit Pauspapier oder einer anderen Übertragungsmethode Sie und springen direkt zu den Klassen für Stift, Tinte und Aquarell. bei allem, was gesagt Lassen Sie uns bei allem, was gesagt ist, gehen wir direkt in die Vorräte, die ich in diesen Klassen verwenden werde. Zu Beginn sind dies die Zeichenvorräte, die Sie sehen werden, wie ich in der Klasse verwenden werde , in der ich mit Ihnen teilen wie man einen Coneflower, eine Wildrose und eine Narzisse zeichnet . Obwohl dieser Kurs auf Stift- und Tusche- und Aquarellwaschanlagen besteht und unsere letzten Stücke Mischmedienstücke sein werden , die Stift, Tinte und Aquarell verwenden, kann ich nicht betonen , wie wichtig es ist üben Sie Ihr Zeichnen zuerst mit normalen Graphitstiften oder neben Ihrer Entwicklung von Feder- und Tinte- und Aquarellfähigkeiten genug. Für mich ist es immer sehr wichtig, die Struktur dessen zu verstehen, was ich zeichnen werde, und in der Lage zu sein , das, was ich betrachte, in einfachen Formen oder Formen zu vereinfachen . Es ist viel einfacher und weniger einschüchternd, das Objekt oder das Subjekt zuerst durch einfaches Graphitskizzieren zu studieren , da wir leicht zeichnen können, um Fehler und all diese Dinge zu löschen . Wenn wir direkt mit Stift und Tinte zeichnen würden , ohne vorher üben oder mit Graphitstiften studiert zu haben, kann das sehr einschüchternd sein, da der Stift und Tinte ist ein dauerhaftes Medium, und Sie werden Ihre Fehler nicht löschen können. Ganz zu schweigen davon, wenn Sie kein Referenzfoto oder etwas verwenden , das Sie im wirklichen Leben vor sich haben , und Sie sich nie Zeit nehmen, um Ihr Objekt oder Subjekt zu studieren oder zu beobachten verstehe es zumindest ein bisschen tiefer , bevor du in deine Zeichnung springst, dann wird es sehr schwierig sein, auf mittlere bis höhere Ebenen des Realismus zu gelangen höhere Ebenen des Realismus , weil du es wieder verstehen musst, die Struktur dessen, was Sie zeichnen möchten , und die Eigenschaften, die in diesem Fall diese bestimmte Blume von anderen Arten von Blumen abheben. Ein regelmäßiges Zeichnungsskizzenbuch und grundlegende Zeichenwerkzeuge werden es uns ermöglichen, diese Praxis durchzuführen und die Arbeit vorzubereiten, bevor mit unseren letzten Stücken beginnen, damit der endgültige Prozess viel reibungsloser verlaufen kann die Endergebnisse werden viel erfolgreicher sein. Nach einiger Zeit mit Zeichnen und gezieltem Üben mit Stift und Tinte, nachdem Sie Ihre Fähigkeiten ein bisschen mehr entwickelt haben und viel selbstbewusster fühlen , als von allen bedeutet, dass Sie direkt mit Stift und Tinte in die Zeichnung springen können, ohne zuerst mit Graphit zu üben oder eine vorläufige Skizze mit Graphitstiften zu machen. Aber ich wollte diesen Kurs für den Anfänger machen , der gerade erst angefangen hat, und deshalb werde ich Ihnen mitteilen, wie man zuerst mit Bleistift zeichnet und dann mit dem Stift nachzeichnet. Ehrlich gesagt, bis heute, auch nach all den Jahren beim Zeichnen und Schaffen von Kunst, erstelle ich zum größten Teil vorläufige Skizzen mit Graphit bevor ich mit dem Stift reingehe. Ich werde in diesem Skizzenbuch von Strathmore arbeiten , das Papier mit einer feinen Zahnoberfläche hat, was bedeutet, dass es ziemlich glatt ist und dieses Papier 60 Pfund oder 89 g/m² groß ist dicke oder im Gewicht. Dieses spezielle Skizzenbuch ist neun mal 12 Zoll groß, aber Sie können jede beliebige Größe von Skizzenbuch verwenden. Ich verwende einen B-Bleistift von Faber-Castell. Wenn ich eine vorläufige Skizze erstelle , mit der ich auf Stift und Tinte oder Aquarell bewege, verwende ich normalerweise eine vorläufige Skizze erstelle , mit der ich auf Stift und Tinte oder Aquarell bewege, gerne einen HB-Zeichenstift weil ein HB-Zeichenstift richtig ist Schlagen Sie in der Mitte zwischen weicheren Bleistiftsorten und härteren Bleistiftsorten. Der Graphit, den sie in ihrem Kern enthalten , ist nicht zu hart und nicht zu weich, was es mir ermöglicht, eine sehr leichte Graphitskizze oder Gliederungsskizze zu erstellen eine sehr leichte Graphitskizze , die ich kann leicht zu löschen und auch , dass Sie nicht Lage sein werden, durch das ein durchscheinendes Aquarell zu sehen. Da ich jedoch möchte, dass ihr siehst, was ich mache, werde ich etwas weicher als der HB und ich werde einen B-Stift benutzen. Da der Graphit im Kern des B-Stiftes etwas weicher ist als der Graphit im HB-Stift, wird er etwas dunkler aussehen und du wirst meine Arbeit viel mehr sehen können klar. Ich würde jedoch empfehlen, ein HB zu verwenden oder zumindest sicherzustellen, dass Sie so leicht wie möglich zeichnen leicht wie möglich zeichnen , damit Sie Fehler leicht löschen können , damit Sie nicht kratzen oder beschädigen Sie Ihr Papier und damit Ihre Bleistiftarbeiten am Ende nicht durch Ihre Farbe sichtbar sind. Persönlich bin ich kein großer Fan von härteren Bleistiftnoten. Alles Schwierigere als eine 2H ist ein bisschen zu kratzig für mich. Obwohl Ihnen härtere Stiftgrade dabei helfen sehr leichte, saubere Skizzen zu erstellen, ist dieser Graphit etwas zu hart und ich möchte mein Aquarellpapier nicht zerkratzen oder beschädigen, weil ich mein Aquarellpapier nicht gerne zerkratzen oder beschädigen Diese kleinen Dellen und Kratzer, die Sie erzeugen, können nicht gelöscht, entfernt oder repariert werden . Abgesehen von diesen Vorräten habe ich auch zwei verschiedene Arten von Radiergummis zur Hand. Ich habe einen normalen weichen Graphit-Radiergummi. Dies ist ein staubfreier Radiergummi auch von Faber-Castell, und ich habe einen gekneteten Radiergummi, das aufgekaute blaue Kaugummi aussehende Ding ist , das Sie gerade auf dem Bildschirm sehen können. Es ist sehr hilfreich, einen gekneteten Radiergummi zur Hand zu haben , da Sie beim Zeichnen seine Form ändern und kleine Bereiche löschen können , in die Sie mit einem normalen Radiergummi nicht gehen könnten . Aber oft verwende ich sie gerne, nachdem ich meine vorläufige Skizze fertiggestellt habe. Ich benutze meinen gekneteten Radiergummi, um sanfte Klopfbewegungen über meine Skizze zu machen , um sie noch leichter zu machen und loszuwerden überschüssiges Graphit , das möglicherweise auf der Oberfläche meines Papiers herumschweben kann, was meine leuchtenden Farben sicherlich schlammig oder schmutzig machen kann und ich später verwenden werde. Diese Zeichnung, die ich gerade auf dem Bildschirm teile, ist keine Gliederungsskizze , die ich dann mit dem Malen fortfahren wollte . Dies ist eine alternative Graphitschattierungsstudie, aber ich wollte Ihnen zeigen, wie viel Graphit ein gekneteter Radiergummi sammeln kann , wenn Sie Ihre Zeichnung antippen, was unglaublich sein kann hilfreich, wenn Sie Ihre Gliederungsskizze erstellen, um mit Aquarell zu malen. Auf diese Weise werden wir nicht nur nicht in der Lage sein, unsere Bleistiftarbeit oder unsere Linie am Ende durch die Farbe arbeiten zu sehen unsere Bleistiftarbeit oder , sondern auch vermeiden, dass Graphit verschmiert wird , den wir auf unserem Papier hinterlassen haben. was sicherlich die Lebendigkeit unseres Aquarells beeinflussen kann. Schließlich verwende ich in Bezug auf meinen Anspitzer einen einfachen Metallschärfer. Gehen wir auf das Zubehör für Stift, Tinte und Aquarellmalerei , die ich empfehlen würde, für diesen Prozess zur Hand zu haben . Ich werde kaltes Presspapier von Primrosia verwenden. Dieses Papier hat eine Dicke oder ein Gewicht von 140 Pfund oder 300 g/m². Weil es kaltgepresst ist, ist es strukturiert. Richtig, ich werde einen Vergrößern machen , damit Sie sich ein besseres Bild von dem Grad der Textur machen können ein besseres Bild von , an dem ich arbeiten werde. In meinem vorherigen Skillshare-Kurs gibt es einen Kurs, in dem ich alles über die verschiedenen Arten von Aquarellpapier teile die verschiedenen Arten von , die Sie dort herausfinden können; die heiße Presse, die Kaltpresse und das Rough. Wenn Sie ein glatteres Finish wünschen und sich Sorgen machen, dass Sie mit der Spitze Ihres Stiftes und der Feder Ihres Zeichenstifts gegen den Zahn oder das Korn Ihres Papiers kämpfen mit der Spitze Ihres Stiftes und der Feder Ihres Zeichenstifts gegen den Zahn oder das Korn Ihres Papiers müssen, dann Ich würde wärmstens empfehlen, sich Heißpress-Aquarellpapier zu besorgen. Wann immer ich an einem Stück arbeite , das nur Stift und Tinte sein wird , also bringe ich keine Farbe mit, verwende ich eine Art glattes Zeichenpapier oder ich gehe mit Heißpress-Aquarellpapier. Aber weil ich heute Aquarellwäschen einbringen werde , gefällt mir sehr, wie Aquarell auf Kaltpress-Aquarellpapier aussieht. Wenn Sie sich jedoch Sorgen machen, die Spitze Ihres Stiftes oder die Feder Ihres Stiftes etwas zu sehr über den rauen Zahn oder das Korn Ihres Papiers springt rauen Zahn oder das Korn etwas zu sehr über den rauen Zahn oder das Korn Ihres Papiers oder wenn Sie sich Sorgen machen Sie können keine glatten Linien erzeugen, wenn Sie mit Stift und Tinte arbeiten, oder wenn Sie sich Sorgen machen, die Feder Ihres Stiftes aufgrund dieser Textur auf dem Papier zu beschädigen , dann würde ich empfehlen gehen mit Heißpresse-Aquarellpapier für die Projekte in diesem Kurs. macht mir nichts aus, etwas Textur auf meinem Aquarellpapier zu haben, denn die Nummer eins wird mir helfen, eine Variation des Textur auf meinem Aquarellpapier zu haben, denn die Nummer Liniengewichts in meiner Stift- und Tintenarbeit zu entwickeln , was ich bin über später in der Klasse über Stift - und Tuschzeichnungstipps sprechen werden. mir nichts aus, dass das Überspringen über den Zahn meines Papiers passiert und meine Linien hier und da brechen, weil dies mir hilft, eine Variation des Liniengewichts zu erzeugen und mir hilft, mich von den Dicken fernzuhalten, kühner, konsistenter, schwerer Outliney-Look , der oft in Malbuchvorlagen und Cartoons vorhanden ist . spreche ich später mehr. Abgesehen davon habe ich bereits genug Fähigkeiten mit Stift und Tinte entwickelt , dass ich das Bedürfnis habe, mit meinem Stift überhaupt nicht sehr stark nach unten zu drücken, was oft so ist, wie die Federn Ihrer Stifte werden beschädigt, weil Sie diese Textur zu stark nach unten drücken . Wenn Sie sich Sorgen um eines dieser Dinge machen, gehen Sie mit der Heißpresse, dem am wenigsten strukturierten Aquarellpapier , das Sie finden werden. Dies ist besonders hilfreich für Sie, wenn Sie nach glatteren, konsistenten Linien suchen und auch wenn Sie befürchten, dass Sie die Feder Ihres Stiftes beschädigen werden . In Bezug auf meinen Zeichenstift verwende ich einen Pigmentliner von Staedtler, und dieser Stift, den ich verwenden werde , hat eine Größe von 0,1 Spitze. Diese Pigmenteinlagen von Staedtler sind super gut in Kombination mit Aquarell zu verwenden , da sie dauerhaft und wasserdicht sind und nicht verschmieren oder bluten. Wann immer Sie Stift und Tinte mit Aquarell kombinieren , ist es sehr, sehr wichtig, dass Sie einen Stift verwenden, wasserdichte und wischfeste Tinte enthält. Ich mag auch Micron-Stifte sehr. Sie funktionieren auch sehr gut in Kombination mit Aquarell. In Bezug auf meine Aquarelle, die ich verwenden werde, verwende ich mein Set von Daniel Smith. Ich lasse Sie genau wissen , welche Farben ich in der Klasse verwenden werde , in der ich Sie durchführen werde , wie Sie die Farben für Ihre verschiedenen Blumen auswählen und wie Sie Ihre Farbmischungen erstellen können. Wenn ich zu den anderen Aquarellmalprodukten übergehe, würde ich empfehlen, ein oder zwei Behälter mit sauberem Wasser für diese letzte Phase dieses Prozesses, in dem wir verwenden werden, zur Hand zu Aquarell, eine Art saugfähiges Handtuch. Ich mag diese blauen Scott Shop-Handtücher , die für Autos bestimmt sind, wirklich , die für Autos bestimmt sind , weil ich sie immer wieder verwenden kann , bevor ich sie wegwerfen muss, aber selbst normale Küchenpapiertücher reichen aus. ein oder zwei saugfähige Handtücher zur Hand zu haben Es ist sehr wichtig, ein oder zwei saugfähige Handtücher zur Hand zu haben, da diese Ihnen helfen, die Wasserkontrolle auf dem Laufenden zu halten und jedes Heben durchzuführen , das Sie während des gesamten Malvorgangs benötigen . In Bezug auf meinen Pinsel verwende ich nur eines für all diese Blumenstücke, und dies ist ein Rundpinsel der Größe 10 aus Princetons Aqua Elite Linie. Ich würde empfehlen, es einfach zu halten und begrenzt zu halten, wenn es darum geht , Ihre Pinsel für diese Teile auszuwählen da wir schön und schnell und minimal arbeiten werden . Eine Größe 10 wäre das, was ich als mittelgroßen Pinsel betrachten würde, wie ich in diesem Kurs „ Watercolor 101“ erklärt habe. Ich empfehle dringend, es sich anzusehen. Alles von einer 8, einer 10 oder einer 12, denke ich, wird es gut machen, solange die Spitze schön und spitz ist, besonders für die Stängel und die Blätter in kleineren Bereichen. Das ist es für diese erste Klasse in diesem Kurs. Machen Sie weiter und stellen Sie sicher, dass Sie alle Ihre Vorräte einsatzbereit haben . Ich freue mich sehr, Klasse Nummer 2 mit Ihnen zu teilen , in der ich alle Projekte erklären werde, an denen wir in diesem Kurs gemeinsam arbeiten werden, von denen ich weiß, dass wir es tun Hab so viel Spaß mit und du wirst es gut machen. Wir sehen uns dort. 3. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 3: Hey da, und willkommen in der 2. Klasse. Dies wird ein Orientierungsvideo sein , in dem ich über die verschiedenen Übungen erklären werde über die verschiedenen Übungen erklären , die ich Sie durchführen werde, sowie über die endgültigen Projekte die wir sind wir werden gemeinsam daran arbeiten, in dem wir all das Wissen und die Fähigkeiten, die wir erworben haben, einbringen werden , und wir haben in den Klassen in diesem Kurs geübt. Die Übungen, die ich in allen in diesem Kurs enthaltenen Klassen teilnehme , sollen in sequentieller Reihenfolge bearbeitet werden . Ich würde nicht empfehlen, eine von ihnen zu überspringen, und auch wenn Sie mehr Zeit mit einer der Übungen verbringen möchten , bevor Sie vorankommen, würde ich das wärmstens empfehlen. Sie können zur nächsten Klasse übergehen sobald Sie sich bereit fühlen, und wenn Sie Zeit mit all diesen Übungen verbringen , wird Ihnen wirklich helfen, den Prozess für Ihr endgültiges Projekt zu durchlaufen den Prozess für Ihr endgültiges Projekt zu durchlaufen viel reibungsloser und erzielen bessere Ergebnisse. Lasst uns weitermachen und direkt reinspringen. Die ersten Klassen in diesem Kurs, Klassen 3,4 und 5, sind voll von wesentlichen Informationen über das Zeichnen mit Stift und Tinte, über das Malen mit Aquarell und über das Kombinieren von Stift und Tinte mit Aquarellwäschen. In diesen Kursen werde ich viele Beispiele für meine eigene Arbeit teilen und ich werde meine unverzichtbaren Tipps und wichtigen Informationen teilen , und ich werde meine unverzichtbaren Tipps und wichtigen Informationen teilen von denen ich wünschte, ich hätte es gewusst, als ich anfing diese Medien und mit der Kombination dieser Medien hätte mir das geholfen, mich viel schneller zu verbessern. Obwohl diese ersten Klassen keine praktischen Übungen enthalten, habe ich herunterladbare Arbeitsblätter hinzugefügt, die Sie herunterladen, ausdrucken und ausfüllen können, während wir die Klasse durchlaufen damit diese Informationen eine bessere Chance haben, tatsächlich zu haften. Von ihren Klassen 6 und 7 werden praktische praktische Übungen fortgesetzt 7 werden praktische praktische , die als Übungs- und Vorbereitungsarbeit dienen werden , bevor Sie mit unseren Abschlussprojekten beginnen. In Klasse 6 zeige ich dir, wie man eine Kegelblume, eine Wildrose und eine Narzisse zeichnet . Ich werde genau erklären, wie Sie diese Blumen mit wichtigen Informationen, die wir aus Referenzfotos aufnehmen können, in Grundformen vereinfachen diese Blumen mit wichtigen Informationen, die wir aus Referenzfotos aufnehmen können, in Grundformen können und wie Sie mit der können und wie Entwicklung Ihrer Visualisierungsfähigkeiten beginnen als Künstler, damit Sie diese Blumen aus verschiedenen Blickwinkeln und Perspektiven aus der Phantasie zeichnen können. Da ich diesen Kurs zu 100 Prozent anfängerfreundlich halten möchte , werden wir diese Blumen zuerst mit normalen Graphitstiften zeichnen , und dann werden wir Stift und Tinte, um unsere Graphitarbeit zu verfolgen, Kanten zu definieren und weitere Details hinzuzufügen. Sobald wir mit unserer Zeichenpraxis fertig sind, führe ich Sie durch meinen Farbauswahlprozess, damit wir genau wissen können, nach welchen Farben wir greifen werden und wie es uns geht wir werden unsere verschiedenen Farbmischungen für unsere letzten Stücke kreieren. Wir werden die verschiedenen Farben planen und vorbereiten, die wir für unser Kegelblumenstück, unser Wildrosenstück und unser Narzissenstück einbringen werden unser Wildrosenstück , und Sie müssen es keineswegs verwenden genau die gleichen Farben, die ich verwenden werde. Sie können alles verwenden, was Sie zur Hand haben , das diesen Farben ähnelt, die ich sehen werde, oder sogar die Farben Ihrer Blumen ganz in etwas ändern , das Ihnen mehr gefällt. Es ist jedoch sehr wichtig , dass Sie Ihre Farben planen und vorbereiten, die Sie verwenden werden, damit Sie auf dem Weg keine Überraschungen haben und sich von der Erstellung fernhalten können Launenhaftigkeit und unerwünschte Farben. Schließlich werden wir in den Klassen 8,9 und 10 gemeinsam an unseren letzten Stücken arbeiten. Klasse 8 ist das Kegelblumenstück , in dem wir drei Kegelblüten aus leicht unterschiedlichen Blickwinkeln und Perspektiven zeichnen werden drei Kegelblüten aus leicht unterschiedlichen Blickwinkeln und Perspektiven zeichnen . Dies wird zuerst mit einem normalen Graphitstift geschehen , dass wir mit dem Definieren von Kanten und Details mit Stift und Tinte fortfahren werden , und dann werden wir unsere Aquarellwäschen machen . In Klasse 9 werden wir unser Wildrosenstück kreieren, und wir werden genau das Gleiche tun. Zuerst werden wir drei Wildrosen mit normalen Graphitstiften zeichnen . Wir werden dann unsere Feder- und Tintenarbeiten machen, und dann werden wir unsere Aquarellwaschanlagen machen. Dann wird schließlich Klasse 10 das Narzissenstück sein. Da Narzissen größer sind, werden wir nur zwei Narzissen und etwas unterschiedliche Blickwinkel und Perspektiven zeichnen . Zuerst verwenden wir Graphitstifte, dann Stift und Tinte, und schließlich fügen wir unsere helle Farbe mit Aquarell hinzu . Auf dem Weg dorthin werde ich unzählige Tipps geben , damit Sie diese locker, lustig, ausdrucksstark und frisch halten können . Ich werde auch einige wichtige Tipps zur Komposition geben einige wichtige Tipps zur Komposition und wie man zu einer visuellen Harmonie und einem ausgewogen aussehenden Stück kommt . Auf der Registerkarte Projekte und Ressourcen finden Sie Ihre ausfüllbaren Arbeitsblätter, herunterladbaren Vorlagen, meine Gliederungsskizzen für den Fall, dass Sie sie als Referenz verwenden möchten oder um mit Pauspapier auf Ihre Blätter Aquarellpapier zu übertragen , oder Sie übertragen eine Methode Ihrer Wahl. Die Referenzfotos, die ich benutzt habe, und Fotos von meinen fertigen Stücken. Das wird es für diese kurze Einführungsschrägstrich-Orientierungsklasse tun . Ich freue mich darauf, mit Ihnen in die nächste Klasse einzutreten, in der ich alles über meine Wissens-Tipps und Informationen teilen werde alles über meine Wissens-Tipps und Informationen teilen , um zu wissen wann es um das Zeichnen mit Stift geht tinte. Wir sehen uns dort. 4. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 4: Hey da und willkommen zu diesem Kurs, in dem ich die wichtigsten Informationen teilen werde, von denen ich wünschte , ich wüsste als ich zum ersten Mal mit der Stift- und Tuschzeichnung angefangen habe , die mir geholfen hätten, zu erreichen bessere Ergebnisse, die ich viel schneller geliebt habe. Obwohl dies kein vollständiger Kurs Stift- und Tuschzeichnung ist. Ich wollte Ihnen die wichtigsten Tipps mitteilen , damit Sie diese im Auge behalten können, wenn Sie Ihrer Reise mit diesem Medium vorankommen, weiter auf diesen grundlegenden Blöcken aufbauen und auch wenn diese Informationen diese Tipps werden unglaublich hilfreich sein, egal an welcher Stift- und Tuschzeichnung oder Kunstwerk Sie arbeiten möchten. Ich werde die wichtigsten Punkte betonen , die Ihnen helfen werden, zu fantastischen Kunstwerken zu gelangen , wenn Sie Stift und Tinte mit Aquarellwaschungen kombinieren , woran wir in diesem Kurs arbeiten. Ich werde alle wichtigen Punkte, die ich teile, mit dieser Art von Mixed-Media-Artwork verbinden . Lassen Sie uns damit fortfahren und direkt in den Schlüsselpunkt Nummer 1 springen . Das allererste , was ich mit Ihnen teilen möchte, ist, dass Sie keine Angst haben, zuerst mit Graphitstiften anzufangen, ich würde Sie tatsächlich dazu ermutigen. Dies gilt auf zwei verschiedene Arten. Das erste ist, dass ich Ihnen im Allgemeinen empfehlen würde, wenn Sie mit dem Zeichnen beginnen, mit normalen Graphitzeichnungsstiften beginnen und mit dem Aufbau zu beginnen diese wesentlichen Fähigkeiten wie Ihre Beobachtungsfähigkeiten, Ihre Hand-Auge-Koordination, Ihre Kontrolle über Ihre Zeichentools, Ihre visuellen Messfähigkeiten, vielleicht Sie und Ihre Fähigkeit, Formen effektiv nachzubilden und beginnen Sie damit Ihr Wissen und Ihre Fähigkeiten mit dem Zeichnen der Perspektive mit normalen Zeichenstiften aufzubauen Fähigkeiten mit dem Zeichnen der Perspektive mit normalen Zeichenstiften , bevor Sie in Stift und Tinte springen. Der Grund dafür ist, dass das Zeichnen mit normalen Graphitstiften viel weniger einschüchternd ist , da Sie Fehler löschen können. Wenn Sie mit Stift und Tinte zeichnen, ist dauerhaft und Sie werden sie nicht löschen können. Als ich mit dem Zeichnen von Stift und Tinte anfing, konnte ich meine Fähigkeiten relativ schnell aufbauen weil ich bereits wusste, wie man mit normalem Bleistift zeichnet. Meine grundlegenden Zeichenfähigkeiten waren bereits vorhanden. Ich verstand diese wesentlichen Kunstgrundlagen wie 3D-Form und Perspektive und insgesamt hatte ich eine ziemlich anständige Linienqualität bereits entwickelt. Linienqualität ist riesig und äußerst wichtig, wenn es um das Zeichnen und Skizzieren mit Stift und Tinte geht Zeichnen und Skizzieren mit Stift und Tinte da dies Linienarbeit ist. Wir legen Linien und Markierungen fest. Stellen Sie sicher, dass Sie beim ersten Mal mit dem Zeichnen beginnen, mit normalen Graphitstiften oder daran arbeiten, Ihre Fähigkeiten mit normalen Graphitstiften aufzubauen Ihre Fähigkeiten mit normalen Graphitstiften neben deiner Zeichnung mit Stift und Tinte. Nun, die zweite Möglichkeit, mit Bleistift zu beginnen, ist, wie Sie gerade auf dem Bildschirm sehen können, nachvollziehe eine vorläufige Graphitskizze nachvollziehe, die ich erstellt habe, bevor ich zu meiner gewechselt habe Stift und Tinte sollten Sie sich niemals schämen, bevor Sie zuerst eine vorläufige Skizze in Graphit erstellen eine vorläufige Skizze in Graphit und dann zu Stift und Tinte wechseln. Sobald Sie mehr Übung haben und sich mit einem Zeichenstift immer komfortabler fühlen, können Sie mit dem normalen Zeichenstift in dieser vorläufigen Skizze weniger Details hinzufügen und mehr von dieser Zeichnung erstellen mit Stift und Tinte direkt der Fledermaus ohne Graphit darunter gelegt zu haben. Irgendwann legen Sie einfach einfache allgemeine Formen mit Bleistift fest und wechseln sofort zu Ihrem Zeichenstift und Sie werden all diese mittelgroßen erstellen Formen und Details sofort mit Ihrem Zeichenstift. Du wirst nur deine nackten Knochen geschaffen haben, dein Skelett mit Graphit, und du wirst alles andere mit Stift und Tinte machen. Dann können Sie sich irgendwann darauf aufbauen, alles sofort mit Stift und Tinte zu tun alles sofort . Aber Stift und Tinte können für Anfänger sicherlich schwierig und frustrierend sein für Anfänger sicherlich schwierig und frustrierend und die meiste Zeit liegt es daran, dass sie diese grundlegenden Zeichenfähigkeiten und ihre Kontrolle über ihr Zeichenmedium nicht aufgebaut haben diese grundlegenden Zeichenfähigkeiten und ihre Kontrolle zuerst per Bleistift. Deshalb werde ich Sie in diesem Kurs , der für Anfänger gedacht ist, zuerst durch das Zeichnen der Blumen mit Bleistift das Zeichnen der Blumen mit Bleistift führen und dann werden wir Kanten definieren und hinzufügen mehr Details mit Stift und Tinte, und dann werden wir unsere Bleistiftarbeit löschen. Dies ist die Strategie , die ich heute für meine Stift - und Waschstücke verwende , besonders wenn ich ein Thema zeichne , das etwas komplexer ist oder etwas, das ich nicht auch gezeichnet habe viel in der Vergangenheit. Weiter zum wichtigsten Tipp für den Erfolg Nummer 2, und dies hängt alles mit der Variation der Liniengewichtung zusammen. Die Variation des Liniengewichts ist wichtig, um zu verstehen, wann Sie versuchen, Ihre Fähigkeiten mit Stift und Tinte zu entwickeln , und sie steht direktem Zusammenhang mit der Linienqualität. Worauf sich die Sprachvariation bezieht ist im Wesentlichen die Variation von Gewichten oder Stärken in den Linien und Markierungen , die Sie erstellen. Wenn wir mit Stift und Tinte zeichnen und das Aussehen, das wir anstreben, dynamisch und fließend ist, möchten wir, dass unsere Zeichnungen interessant sind und eine Dimension für möchten wir, dass unsere Zeichnungen sie haben, müssen wir die Linienstärke nutzen Variation, was bedeutet, dass bestimmte Linien oder bestimmte Markierungen leichter sind und das visuelle Gewicht und andere Linienbemerkungen im visuellen Gewicht schwerer sind. Oder sogar innerhalb einer Linie oder einer gleichen Marke möchten wir , dass bestimmte Abschnitte dieser Linermarkierung leichter und andere Abschnitte dieser Linermarkierung schwerer sind. Wenn wir in der Lage sind, unser Zeichenwerkzeug zu kontrollieren und die verschiedenen Dinge zu verschieben und zu ändern, über die ich als Nächstes sprechen werde, absichtlich, um zu den Ergebnissen und dem zu den Ergebnissen zu gelangen und die Wirkung, die wir suchen, kann gesagt werden, dass wir ein gewisses Maß an Beherrschung unseres Zeichenwerkzeugs haben . Durch diese Beherrschung unseres Zeichenwerkzeugs können wir eine Variation des Liniengewichts erzeugen, durch die wir in unserer Arbeit eine hervorragende Linienqualität erzielen können. Der Grund, warum es so wichtig ist eine Vielzahl von Liniengewichten in einer Zeichnung oder Skizze zu haben, liegt darin, dass Sie jemals einen Cartoon oder sogar ein Malbuch gesehen einen Cartoon oder sogar ein Malbuch , in dem alle verschiedenen Abschnitte, Elemente, Teile des Bildes werden durch eine schwere, fette, dicke schwarze Linie umrissen, die in allen beteiligten Umrissen eine gleichmäßige Dicke oder ein gleichmäßiges Gewicht aufweist eine gleichmäßige Dicke oder , dass führt zu viel Ebenheit. Eines der wichtigsten Dinge, mit denen ich sehe , dass viele Anfänger zu kämpfen haben , ist, dass ihre Zeichnungen zu schwerhändig, zu steif, zu starr erscheinen , zu stark aussehend und die meisten mal liegt es daran, dass sie versuchen viel zu viel Kontrolle über ihren Zeichenstift zu haben, sie greifen zu fest, vielleicht sogar zu viel nach unten drücken, sie zögern, während sie sich hinlegen diese Linien und Markierungen und sie arbeiten viel zu langsam. Das ist die Absicht, alles sehr perfekt zu machen , aber am Ende sehen die Dinge etwas zu steif und zu schwer, zu starr, zu stark aus. Wenn Sie mit Stift und Tinte arbeiten, ist es oft besser, leichtes Wackeln, leichte Unregelmäßigkeiten und Unvollkommenheiten in Ihren Linien zu haben, aber sie dynamisch und fließend aussehen zu lassen. Und etwas, das unglaublich hilfreich sein kann, ist sich Zeit zu nehmen, ganze Skizzenbuchseiten mit verschiedenen Arten von Linien und Markierungen und einfachen Kritzeleien zu füllen mit verschiedenen Arten von Linien und , damit Sie sich mit Ihr Zeichenstift auf weniger überwältigende Weise. Es gibt vier wichtige Dinge , nach denen Sie suchen und aus erster Hand analysieren müssen, während Sie mit Stift und Tinte zeichnen. Dies allein oder in Kombination führt zu Schwankungen des Liniengewichts in Ihrer Stift- und Tintenarbeit. Wenn Sie diese vier wichtigen Dinge in Ihrem Stift und Tinte strategisch ändern und nutzen , um ein geringeres oder schwereres visuelles Gewicht in Ihren Linien und Markierungen zu entwickeln , wird Ihre Zeichnung am Ende seien Sie viel dynamischer und interessanter anzusehen, und es wird wahrscheinlich ein größeres Gefühl der Dimension vermitteln. Und am Anfang, wenn Sie anfangen, möchten Sie diese vier Dinge wirklich im Hinterkopf haben. Aber je mehr Sie absichtlich üben, diese vier Dinge im Sinn zu haben, desto schneller kommen Sie zu einem Punkt, an dem Sie diese Dinge intuitiv verschieben und ändern um besser aussehende Stücke anzukommen. Diese vier Dinge , die sich stark auf Ihre Liniengewichtsvariation und Ihre Linienqualität auswirken Ihre Liniengewichtsvariation und , sind Ihre Stiftspitzengröße, der Winkel, in dem Sie Ihren Stift verwenden, die Geschwindigkeit, mit der Sie Ihre Hand oder Arm, während Sie Ihren Stift benutzen, und den Druck, den Sie auf Ihren Stift ausüben. Je größer die Stiftspitzengröße, die Sie verwenden , desto schwerer und desto dicker sind die Linien und Markierungen, die Sie erstellen werden. Je kleiner die Stiftspitzengröße, die Sie verwenden, desto dünner und leichter werden Ihre Linien. Sobald Sie eine gute Kontrolle über Ihr Zeichenwerkzeug haben, können Sie wirklich nur eine Stiftspitzengröße verwenden und die anderen drei Variablen steuern und trotzdem zu einer großartigen Linienstärke gelangen Variation in Ihrer gesamten Zeichnung. Die zweite Variable, die Sie zu Ihrem Vorteil verwenden können um eine Variation der Liniengewichtung in Ihrer gesamten Zeichnung zu erstellen , ist der Winkel, in dem Sie Ihren Stift verwenden. Wenn Sie Ihren Stift in einem Winkel von mehr als 90 Grad von Ihrem flachen Tisch oder der Oberfläche verwenden von Ihrem flachen Tisch oder , auf der Sie zeichnen , fließt mehr von dieser Tinte nach unten, wodurch Ihre Linien und Markierungen schwerer werden und visuelles Gewicht. Während Sie versuchen, Ihren Stift in einem größeren Winkel von 45 Grad von Ihrer flachen horizontalen Fläche zu verwenden einem größeren Winkel von 45 Grad von , an der Sie arbeiten, oder sogar weniger als das, einem Winkel von 30 Grad oder im Winkel von 25 Grad, fließt weniger Tinte über diese Feder Zeichnen fließt weniger Tinte über diese Feder und Ihre Linien werden heller und dünner erscheinen. Das dritte , was Sie zu Ihrem Vorteil nutzen können , um zu einer Zeichnung zu gelangen , die durchweg eine schöne Liniengewichtsvariation aufweist, ist Verschieben und Ändern der Geschwindigkeit , mit der Sie Ihre Zeichnung verwenden stift. Wenn Sie Ihren Stift langsamer über diese Seite bewegen , wird noch einmal mehr Tinte die Möglichkeit haben, nach unten zu fließen und mutigere, dickere, schwerere Linien zu erzeugen. Wenn Sie Ihre Hand und Ihren Arm schneller bewegen, wird weniger Tinte die Möglichkeit haben, nach unten zu fließen, um das Papier zu treffen , und Sie werden zu dünneren, leichter aussehenden Linien kommen. Die letzte Variable , die Sie zu Ihrem Vorteil nutzen und mit der Steuerung beginnen können , damit Sie zu einer besseren Variation des Liniengewichts gelangen können , ist der Druck, den Sie auf Ihr Papier ausüben. Ich übe nie wirklich zu viel Druck auf meinen Stift aus, weil ich das Papier, an dem ich gerade arbeite , niemals beschädigen möchte . Aber nicht nur Ihren Stift schneller bewegen und den Winkel variieren, können Sie auch etwas mehr Druck auf Ihren Stift ausüben etwas mehr Druck auf , damit mehr von dieser Tinte diese Feder fließen und schwerer wird mutiger aussehende Linien, wo immer Sie eine dickere Linie haben wollen. Sie also an Ihren Übungsübungen in diesem Kurs arbeiten und an Ihren abschließenden Projekten arbeiten, fragen Sie sich, wo ich mutiger und schwerer will, wenn wir an unseren Stift- und Tintenphasen fragen Sie sich, wo ich mutiger und schwerer will, arbeiten mit Linien und Markierungen suchen? Und wo will ich dünnere, leichter aussehende Linien und Markierungen? Was muss ich tun oder verschieben oder ändern, um zu diesen Ergebnissen zu gelangen? Das allerletzte, was ich als wichtigen Tipp in dieser Klasse teilen möchte , ist, dass wir, wenn wir mit Stift und Tinte arbeiten, Wert oder Ton und Textur entwickeln gleichzeitig Wert oder Ton und Textur entwickeln. Dies liegt daran, dass wir Linien und Markierungen verwenden , im Gegensatz zu dem Skizzieren mit Graphitstift, durch Skizzieren mit Graphitstift, durch den wir eine große Menge Papier mit unserer Spitze gleichmäßig und reibungslos verdecken können unser Bleistift und wir sind in der Lage, leicht sanfte Übergänge und Farbverläufe zu entwickeln. Wenn wir mit Stift und Tinte zeichnen, entwickeln wir verschiedene Töne oder Werte, also helle Bereiche, Mitteltonbereiche und dunkelste dunkle Bereiche und Texturen gleichzeitig durch Wiederholung von Linien und Markierungen . Wenn Sie Ihre Fähigkeiten mit Stift und Tinte weiter entwickeln möchten , lohnt es sich wirklich, alternative Schattierungs - und Markiertechniken wie Schraffieren, Schraffieren, Kritzeln, Stippeln, Konturlinien usw. Für die Projekte in diesem Kurs verwenden wir hauptsächlich Stift und Tinte, um Außenkonturen zu definieren, Kanten zu definieren und eine kleine Menge an Details hinzuzufügen. Wir wollen mit unserem Stift überhaupt nicht viel schattieren oder Werte entwickeln , vielleicht sehr minimal. Aber weil wir Aquarell einbringen und zwei verschiedene Medien kombinieren werden, wollen wir nicht wirklich mit einem von ihnen übermäßig beschreiben. Denn wenn wir das tun, wird unser Stück übermäßig beschrieben und übertrieben aussehen. Ich werde mehr darüber in der fünften Klasse sprechen. Es ist jedoch wichtig, dass Sie wissen, dass Sie, wenn Sie immer wieder eine Linie oder Markierung wiederholen, eine visuelle Textur erstellen werden. Es ist wichtig, dass Sie dies wissen, denn oft können wir bei der Arbeit mit Stift und Tinte, weil wir Linien und Markierungen festlegen, weil wir Linien und Markierungen festlegen, versehentlich eine visuelle Textur erstellen , die wir nicht beabsichtigt hatten zu erstellen. Oder auf der anderen Seite können Sie einfach anfangen, die Dinge etwas zu chaotisch aussehen zu lassen, weil Sie anfangen, viel zu viele Linien und Markierungen festzulegen und es gibt keine Konsistenz in Ihrem -Gruppen. Halten Sie Ausschau danach, denn Sie möchten nicht damit beginnen, eine Ihrer Blumen haarig aussehen zu lassen, weil Sie immer wieder eine Linie wiederholen. Denken Sie einfach über die spezifischen Arten von Linien und Markierungen nach die spezifischen Arten von Linien , die Sie mit Ihrem Stift erstellen , bevor Sie sie ablegen und über die Menge, die Sie festlegen , damit sie es können kommuniziere die Textur und das Detail, das du tatsächlich beschreiben möchtest. Sie können sich davon abhalten, mehr hinzuzufügen , als es wirklich notwendig ist. Das war's für diesen Kurs. Wenn du es geschafft hast, herzlichen Glückwunsch. Ich freue mich darauf, Sie in der nächsten Klasse begrüßen zu dürfen , in der es um wichtige Tipps zur Aquarellmalerei geht, um zu wissen, dass Sie nicht nur mit den Stücken erfolgreich sind geht, um zu wissen, dass Sie nicht nur mit den Stücken erfolgreich , die wir haben hat in diesem Kurs gemeinsam gearbeitet , wird Ihnen aber helfen, großartige Ergebnisse mit anderen Aquarellstücken zu erzielen , an denen Sie in Zukunft arbeiten möchten. Wir sehen uns dort. 5. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 5: Hey da und willkommen zu diesem Kurs, in dem ich ein paar wichtige Tipps zum Malen mit Aquarell teilen werde. Sie werden Ihnen helfen, mit Ihren letzten Stücken erfolgreich zu sein, an denen wir in diesem Kurs gemeinsam arbeiten werden, werden aber auch für Sie hilfreich sein , wenn Sie anfangen dieses Medium, da sie sich wirklich für jede Art von Aquarellstück bewerben, an dem Sie in Zukunft arbeiten möchten an dem Sie in Zukunft arbeiten und sie werden Ihnen helfen, eine solide Grundlage des Wissens aufzubauen , von dem Sie abspringen können und fange an, darauf aufzubauen. Lass uns weitermachen und geradeaus reinspringen. Das allererste, was zu verstehen ist, ist, dass Aquarell ein durchscheinendes oder transparentes Medium ist, ein durchscheinendes oder transparentes Medium ist, im Gegensatz zu undurchsichtigen Malmedien wie Acryl oder Ölen. Wir wollen unser Substrat wirklich nicht vertuschen , in diesem Fall ist unser Substrat Papier, auf das wir mit dicken Farbschichten malen. Wenn wir mit Aquarell arbeiten, möchten wir diese Helligkeit dieses Papiers als Teil des Gemäldes unter die Farbe integrieren . Während des gesamten Malprozesses verändern wir die Konsistenz der Farben durch Zugabe von mehr oder weniger Wasser, je nachdem, ob wir diese Farbe gesättigter dunkler verwenden möchten mehr Papier verdecken oder ob wir die Farbe leichter und lichtdurchlässiger verwenden wollen , was weniger Papier verdeckt. Wenn wir unsere Farben dunkler verwenden und mehr Papier vertuschen wollen , fügen wir einfach mehr Farbe und weniger Wasser in unsere Farbmischungen hinzu. Wenn wir blassere Farben oder durchscheinendere Farben erzeugen wollen , fügen wir mehr Wasser in unsere Farbmischungen hinzu. Wir können bestimmte Bereiche auch vertiefen und verdunkeln , indem wir in Schichten arbeiten und mehr Farbe in den Bereichen schichten , die wir verdunkeln möchten, oder indem wir vor dieser vorherigen Ebene mehr Farbe einfallen fängt an zu trocknen. Um dies zusammenzufassen, während des gesamten Aquarellmalprozesses verschieben und ändern wir während des gesamten Aquarellmalprozesses ständig die Verhältnisse von Farbe zu Wasser in unseren Farbmischungen, abhängig den Effekten wir sind zu diesem Zeitpunkt hinter uns her. Wichtiger Punkt Nummer zwei, den ich in Bezug auf die Arbeit mit Aquarell mit Ihnen teilen möchte , und das ist normalerweise besser von Licht zu Dunkelheit zu arbeiten. Wie ich bereits sagte, nehmen wir bei der Arbeit mit Aquarell diese Helligkeit des Papiers als Teil unseres Stücks ein. Bei der Arbeit mit Aquarell wird uns der Weißgrad dieses Papiers helfen, unsere Highlights zu schaffen. Es steht für unsere leichtesten Wertbereiche, unsere hellsten Highlights. diesem Grund ist es sehr wichtig, eine Highlight-Form zu planen und diese Bereiche während des gesamten Lackiervorgangs geschützt und mit Farbe bedeckt zu halten . Viele Aquarellkünstler finden Maskierungsflüssigkeit als sehr hilfreiches Werkzeug , da sie ihre Highlights schützen können, während sie ein bisschen freier arbeiten können, und sie müssen Sie sich keine Sorgen machen, diese Highlights zu vertuschen. Wenn ich in Schichten arbeite, was normalerweise der Fall ist, wenn ich mit Aquarellstücken ein höheres Maß an Realismus , gehe ich zunächst mit sehr hellen, blassen, durchscheinenden und verwässerten Farben und ich mache mich schrittweise zu dunkleren, gesättigteren Farben oder Farbmischungen , die weniger Wasser und mehr Farbe enthalten. Dies gibt mir mehr Kontrolle, denn denken Sie daran, dass es immer einfacher sein wird , reinzugehen und zu verdunkeln, als es ist, hineinzugehen und aufzuhellen. Bei der Arbeit mit Aquarell sind Fehler sehr schwer zu korrigieren , denn sobald dieses Pigment von diesem Papier absorbiert wird, gibt es kein Zurück zu dem Weißgrad, den das Papier einst hatte. Für die Stücke, an denen wir in diesem Kurs gemeinsam arbeiten werden , werden wir wirklich nur mit einer Schicht Aquarell reingehen . Dies liegt daran, dass wir die Dinge mit diesen floralen Stücken locker und ausdrucksstark halten , und wir werden auch Aquarell mit Stift und Tinte kombinieren. Wir wollen es nicht mit keinem Medium übertreiben. Wir wollen eine gute frische Balance mit den beiden Medien schaffen , und ich werde Tipps geben wie das in der nächsten Klasse geht. All dies gilt jedoch immer noch, und ich werde Ihnen zeigen, wie Sie dies auch in schnelleren, ausdrucksstärkeren Stücken machen können, indem ich zwei verschiedene Farbmischungen für jeden Abschnitt unserer Blume vorbereite zwei verschiedene Farbmischungen für jeden Abschnitt unserer Blume eine hellere Farbmischung und eine dunklere Farbmischung, die in dieser zweiten dunkleren Farbe fällt , während diese anfängliche hellere Schicht noch nass ist. Key Aquarell Tipp Nummer drei wird sein, um darauf zu achten, dass Sie Ihr Stück nicht überlasten. Wenn Sie mit diesem Medium malen, ist es unglaublich einfach, Ihr Gemälde zu überarbeiten. Dieses Wort, Überarbeitung bedeutet verschiedene Künstler verschiedene Dinge. Für einige Künstler, insbesondere diejenigen, die mit ausdrucksstärkeren, lockereren Stilen arbeiten, kann Überarbeitung bedeuten ein Thema einfach zu beschreiben. Für einen Künstler, der mit einer einzigen Schicht arbeitet, die die Dinge immer minimal , sehr ausdrucksstark und locker hält , in fünf oder sechs verschiedenen Ebenen arbeitet und versucht, jeden einzelnen zu beschreiben wenig Details , um auf die höchste Ebene des Realismus zu gelangen , kann als Überarbeitung bezeichnet werden. In diesem Fall ist es einfach zu beschreiben, aber Überlastung kann sich auch darauf beziehen , Ihr Papier zu beschädigen. Wenn wir gerade erst mit diesem Medium anfangen und gerade erst anfangen, unsere Wasserkontrolle zu entwickeln, und wir haben nicht verstanden, wie wir in Schichten richtig arbeiten können, wenn wir dies wünschen, kann es sehr sein, Es ist sehr einfach, unser Papier zu beschädigen und sogar Löcher darin zu bohren, besonders wenn wir an dünnerem Aquarellpapier arbeiten. Die Art und Weise, wie Sie sich davon fernhalten, Ihr Aquarellpapier zu beschädigen , besteht darin, einfach Ihre Wasserkontrolle zu üben , über die ich als nächstes mehr sprechen werde, und auch indem Sie Farbe selbstbewusst auftragen was wirklich nur mit Zeit und Übung einhergeht und die organischen unregelmäßigen Effekte umarmt , die Aquarellfarbe erzeugt. Eine der Schönheiten dieses Mediums ist, dass es nur einen bestimmten Betrag gibt , den Sie kontrollieren können. Aquarell hat einen eigenen Verstand, und es wird immer bestimmte Dinge geben , die Sie nicht erwartet haben oder die Sie überraschen. Oft ist es am besten, das zu umarmen, was auf dem Papier passiert, damit diese Farbe ihr eigenes Ding macht und sie so viel wie möglich bleibt. Je mehr Sie versuchen, mit der Farbe zu kämpfen oder jede einzelne Sache, die passiert, „korrigieren oder perfektionieren“, desto wahrscheinlicher ist es , dass Sie zu überarbeiteten Ergebnissen kommen. Denken Sie auch immer daran, dass es bei der Arbeit in Schichten sehr wichtig ist , dass Sie diese vorherige Schicht vollständig trocknen lassen diese vorherige Schicht vollständig trocknen , bevor Sie mit der nächsten beginnen. Wichtiger Tipp für den Erfolg bei der Arbeit mit Aquarell Nummer vier, und das ist, beginnen Sie mit der Entwicklung Ihrer Wasserkontrolle. Während des gesamten Aquarellmalprozesses müssen wir ständig achtsam bleiben und die Wassermenge überprüfen , die wir in unseren Farbmischungen auf unserer Palette haben , um tragen Sie unsere Farbe in einem durchscheinenden oder gesättigteren Zustand auf, abhängig vom Ton und dem Wert, den wir wünschen. Wir müssen jedoch auch darauf achten, wie viel Wasser wir in unseren Pinselborsten haben , denn jedes Mal, wenn wir in unseren Wasserbehälter gehen, absorbieren wir den Wassergehalt , den wir haben Sie auf unser Papier oder in unsere Farbmischungen hinein und verwässern Sie sie noch mehr. Wenn wir nicht darauf achten, können wir leicht Hintergründe in unseren Gemälden und Fleckigkeit schaffen , da zu viel Wasser von unseren Pinselborsten heruntertropft und die Farbe stört, die setzt sich auf diesem Papier ab, und das könnte schon mitten im Trocknungsprozess sein. Wir können auch sehr schnell und ohne zu wissen beginnen, unsere Farbmischungen auf unserer Palette extrem wässrig zu machen, wodurch wir mehr Farbe als nötig verwenden , da wir es ständig tun finde die Notwendigkeit, mehr Farbe aus unserer Palette in die Farbmischung zu bringen . Abgesehen davon, dass wir feststellen, wie viel Wasser wir in unseren Farbmischungen auf unserer Palette und in unseren Pinselborsten haben , ist es auch wichtig, dass wir darauf achten , wie nass unser Papier ist. Aquarell wird sich immer auf nassem Papier ausdehnen, und je mehr Bewegung wir wollen, desto feuchter muss das Papier sein. Wir müssen diese Fähigkeit entwickeln, um die unterschiedlichen Feuchtigkeitsgrade zu erkennen, die ein Papier haben kann, um zu den gewünschten Effekten zu gelangen , wenn wir anfangen, diese Farbe auf Papier zu legen. Wir müssen auch bemerken, wann das Papier in diesem peinlichen halbtrockenen Zustand angekommen ist, denn wenn es so ist, sollten wir wirklich überhaupt keine Arbeit mehr machen. Das ist wieder ein sicherer Weg, der zu überarbeiteten fleckigen Ergebnissen kommt. Denken Sie daran, weiter zu überprüfen und darauf zu achten, wie viel Wasser Sie in drei verschiedenen Bereichen oder Dingen haben während Ihres Malprozesses in drei verschiedenen Bereichen oder Dingen haben. Eine davon sind Ihre Farbmischungen selbst, eine andere sind Ihre Pinselborsten und eine andere ist Ihr Papier. Stellen Sie sicher, dass der Wassergehalt, den Sie in diesen drei Bereichen haben , genau das ist, was Sie benötigen , damit dieser Zeitpunkt im Malprozess zu den gesuchten Ergebnissen gelangt Malprozess zu den gesuchten Ergebnissen gelangt . In meinem Aquarell-101-Kurs, ich zuvor hier auf Skillshare geteilt habe, gehe ich viel näher auf dieses Thema ein und viele Must-Do-Übungen zur Verfügung. Sie werden dir helfen, deine Wasserkontrolle zu entwickeln. Ich würde wärmstens empfehlen, es sich anzusehen. Der letzte wichtige Tipp, der Ihnen wirklich helfen wird, mit Aquarell voranzukommen , ist, die Dinge sauber und organisiert zu halten. Sie möchten sicherstellen, dass Sie die Dinge auf Ihrer Mischpalette organisieren , also zum Beispiel etwas, das dazu beitragen könnte, warme Farbmischungen von kühlen Farbmischungen getrennt zu halten oder Halten Sie Neutrale von lebendigen Farben fern und achten Sie einfach darauf, dass sich Ihre Farbmischungen nicht vermischen, da dies zu entsättigten gedämpften Farben führen kann und wenn Sie nach dem gesättigte Farben, und das ist absolut kein Problem. Aber zum Beispiel möchten wir für unsere Blumenstücke für diesen Kurs wirklich lebendige gesättigte Farben verwenden. Aber eine andere Sache ist , dass Sie sicherstellen möchten, dass Sie Ihre Pinselborsten vollständig zwischen Ihren Farben ausspülen, besonders wenn Sie gerade mit einer Farbe arbeiten und Sie dabei sind mit einer ganz anderen Farbe zu arbeiten. Sie können sehr einfach anfangen, Schlamm oder eine unerwünschte Farbe zu erzeugen , wenn Sie noch eine vorherige Farbe in Ihren Pinselborsten haben und Sie in eine Farbe gehen, das heißt, sie ist kostenlos, was bedeutet, dass das Gegenteil im Farbrad ist oder wenn Sie ein Braun in Ihren Farbmischungen haben und in eine lebendige Farbe gehen, können Sie es auch versehentlich stumm schalten. Seien Sie einfach sehr vorsichtig und stellen Sie sicher, dass Sie diese Borsten vollständig ausspülen bevor Sie mit einer neuen Farbe beginnen. Schließlich ist das Letzte, was Sie sicherstellen möchten, dass Sie sauber bleiben, Ihr Wasser in Ihrem Behälter. Sie möchten sicherstellen, dass Sie es im Auge behalten, damit Sie es sofort ändern, wenn es trüb wird, weil diese Farbe und diese Drümmigkeit in Ihrem Wasser auch Ihre Farbe beeinflussen können. Einige Künstler verwenden gerne zwei Behälter und sogar drei Behälter, damit Sie einen davon verwenden können , um Ihre Pinselborsten zwischen den Farben auszuspülen Ihre Pinselborsten zwischen den Farben , so dass der Großteil davon Drümmigkeit bleibt in diesem Wasser, und Sie können Ihren anderen Wasserbehälter verwenden, um sauberes Wasser in Ihre Farbmischungen zu bringen, und für alle anderen Techniken, bei denen Sie möglicherweise sauberes Wasser verwenden müssen. , ob Sie sich entscheiden, Egal, ob Sie sich entscheiden, mit einem Behälter, zwei Behältern, drei Behältern oder mehr zu arbeiten , stellen Sie sicher, dass Ihr Wasser sauber gehalten wird. die Dinge sauber und organisiert halten, können Sie in Ihren letzten Stücken lebendigere Farben erhalten. Ordnung, mein Freund, herzlichen Glückwunsch, wenn Sie diese Klasse überstanden haben, ich freue mich, Sie in der nächsten zu sehen , in der ich einige wichtige Tipps und Informationen erläutern werde , die hilft Ihnen dabei, Stift- und Tinte- und Aquarellwaschanlagen erfolgreicher zu kombinieren und zu ausgewogenen Ergebnissen zu gelangen , die nicht überarbeitet sind. Wir sehen uns im nächsten. 6. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 6: Hey da, Freund. dieser Klasse, in der ich für Must-Wissens-Tipps teilen werde für Must-Wissens-Tipps teilen , die Ihnen helfen werden, fantastisch aussehende, ausgewogene Stift- und Tinte- und Aquarellwaschstücke zu kreieren . Dies sind vier wichtige Dinge, die ich immer im Kopf habe, wenn ich an dieser Art von Kunstwerken arbeite , die meinen Kunstfertigungsprozess viel reibungsloser ablaufen und mir wirklich geholfen haben, beste Ergebnisse zu erzielen. Bevor ich in die Spitzen springe, möchte ich mitteilen, warum Stift und Tinte und Aquarell eine so großartige Kombination von künstlerischen Medien sind. Während meiner Kunstreise habe ich viele verschiedene Zeichnungs- und Malmedien erforscht , und ich habe auch viele verschiedene Medien kombiniert , um gemischte Medienstücke zu kreieren. Ich kann ehrlich sagen , dass aus allen Medienkombinationen, die ich ausprobiert habe, mein absoluter Favorit Stift und Tinte und Aquarell sind. Der Hauptgrund, warum dies der Fall ist, ist, dass sich diese beiden Medien unglaublich gut ergänzen. Wir können die Stärken beider Medien in Kombination nutzen , um ausgewogene Stücke zu kreieren , die interessant sind und Unmengen von uns selbst enthalten weil es so viele verschiedene Möglichkeiten gibt und Arbeitsweisen, aber es gibt einfach eine Menge Gelegenheit, mehr von uns selbst und unserer Art, Dinge zu tun, in unsere Arbeit einzubringen . Wenn wir mit einem Zeichenstift Tinte auf Papier auftragen, verwenden wir ein Zeichenmedium. Ein Zeichenstift ermöglicht eine höhere Präzision, größere Kontrolle, die Möglichkeit, Kanten zu definieren und Details hinzuzufügen und Linien und Markierungen auf verschiedene Arten zu verwenden. Obwohl wir wirklich jede Farbe von Tinte verwenden können , verwenden wir oft schwarze Tinte in Kombination mit Aquarell, um die Lebendigkeit des Aquarells zu erstrahlen. Aquarell hingegen ist ein Malmedium, und eine der Schönheiten des Aquarells ist, dass es einen eigenen Verstand hat , weil wir viel Wasser verwenden. Wir sind in der Lage, diese schönen, organischen, weniger kontrollierten Effekte durch schnelle Farbwaschanlagen zu erzeugen . Mit anderen Worten, wir verwenden unser Zeichenmedium, in diesem Fall sind es unsere Zeichenstifte, die Linien und Markierungen verwenden, und wir verwenden Aquarell, um in größeren Bereichen und Formen über Waschungen zu malen . Bei allem, was gesagt wurde, werde ich meine vier wichtigsten Tipps zur Kombination von Stift und Tinte mit Aquarell teilen meine vier wichtigsten Tipps zur . Tipp Nummer 1 ist sicherzustellen , dass du die richtigen Tools auswählst. Ich habe ein wenig darüber in der ersten Klasse gesprochen , in der ich meine Vorräte mit Ihnen teile , die ich während dieses Kurses verwenden werde. Aber es ist unglaublich wichtig, dass Sie, wenn Sie Stift, Tinte und Aquarell kombinieren, einen Stift verwenden, der wasserdichte Tinte enthält , die beim Hinzufügen von Farbe nicht verschmiert wird und Wasser darüber drauf. Wenn Sie an irgendeiner Art von Mixed-Media-Kunstwerk arbeiten, möchten Sie sicherstellen, dass Ihre Materialien und Lieferungen während des gesamten Prozesses gut miteinander reagieren. Gleichzeitig möchten Sie sicherstellen, dass Ihr Kunstwerk, insbesondere wenn Sie lange damit verbringen, den Test der Zeit aushalten kann. Wenn Sie nicht darüber nachdenken wie diese verschiedenen Medien beim Zeichnen oder Malen miteinander reagieren werden , werden Sie wahrscheinlich das Gefühl haben, dagegen kämpfen zu müssen das Substrat, auf dem Sie Ihre Malerei oder gegen eines der Materialien zeichnen, und der gesamte Prozess kann sich als viel frustrierender erweisen. diese Materialien im Wenn wir nicht darüber nachdenken, wie sich Laufe der Zeit auf einander auswirken werden , , wenn wir fertig sind können sie sicherlich ungünstig sein, wenn wir fertig sind reagieren Sie im Laufe der Zeit miteinander und lassen Sie das Stück viel schneller verschlechtern. weiter zu meinem zweiten Tipp , der Ihnen helfen wird, schön aussehende Stift -, Tinte- und Aquarellwaschstücke zu kreieren , und dieser soll darüber nachdenken, wie Sie die beiden ausbalancieren werden Medien vor dem Einstieg. Wie ich in einer früheren Klasse erwähnt habe, wenn wir ein gemischtes Medienstück erstellen werden , in dem wir zwei oder mehr verschiedene Arten von Zeichnungs- oder Malmedien einbringen werden zwei oder mehr verschiedene Arten von um ein einziges Stück zu erstellen, wollen wir wirklich nicht mit einem einzelnen von ihnen übermäßig beschreiben. Wir möchten darüber nachdenken, was wir tun werden und wie viele Details wir mit jedem hinzufügen werden denn wenn wir nicht darüber nachdenken, ist es extrem einfach, weiter hinzuzufügen und fügen Sie all Ihre verschiedenen Medien hinzu und fügen Sie sie hinzu, und am Ende können Sie zu einem Frieden kommen, der übermäßig beschrieben und übertrieben und vielleicht sogar überwältigend ist beschrieben und übertrieben und . Was ich Anfängern empfehlen würde auf ihren Reisen mit Mixed Media Artwork beginnen , ist immer fünf Minuten zu nehmen, bevor Sie anfangen und fragen Sie sich, wie viel Arbeit und auch welche Techniken planen Sie mit all Ihren verschiedenen Medien zu verwenden , die Sie mitbringen möchten. In diesem Fall zum Beispiel, wenn wir Stift, Tinte und Aquarell verwenden, und dies sind die beiden Medien, mit denen wir unser gemischtes Medienstück erstellen, wie viel Prozentsatz der Arbeit bin ich werde ich mit meinem Stift und meiner Tinte machen und wie viel Prozent der Arbeit werde ich mit Aquarell machen? Wird es 50-50 sein? 30-70? 60-40? Beantworten Sie diese Frage und entscheiden Sie zumindest allgemein, wie viel Sie mit jedem Medium machen und sicherstellen, dass Sie dies während der gesamten Zeichnungs- und/oder Malprozess, es besteht eine viel bessere Chance , dass Sie zu einem ausgewogenen Ergebnis kommen , das frisch ist, das ausdrucksstark ist und das der Betrachter weiter betrachten möchte. Nehmen Sie sich einen Moment Zeit, bevor Sie mit einem Kunstwerk beginnen , um sich diese Art von Frage zu stellen und achten Sie wirklich darauf, was im kreativen Prozess vor sich geht und ob dies Ihnen hilft Ihnen nicht zu helfen, zu den gewünschten Ergebnissen zu gelangen , wird Ihnen wirklich helfen, sich als Künstler zu entdecken, und es wird Ihnen wirklich helfen, Ihre eigenen zu entwickeln kreativer Prozess, der äußerst spannend ist. Fahren Sie mit der Schlüsselspitze Nummer 3 fort, um zu beachten, wenn Sie Stift, Tinte und Aquarell kombinieren, und dieser ist, um nachzudenken, ob Sie Ihren Stift und Ihre Tinte machen werden arbeite zuerst oder dein Aquarell arbeitet zuerst. Beide Methoden sind großartige Optionen und es hängt letztendlich davon ab, was Ihnen am meisten gefällt und was zu den Effekten führt, die Ihnen am besten gefallen. Für mich persönlich beginne ich gerne mit einer Zeichnung, die bereits einige Details enthält, abhängig von der Menge an Arbeit , die ich mit Aquarell machen werde, ich entscheide, ob ich mehr oder weniger Details mit meinem Stift und meiner Tinte hinzufügen werde. Aber für mich ist es einfach sinnvoll, diese ursprüngliche Struktur zuerst mit meinem Stift und meiner Tinte zu erstellen diese ursprüngliche Struktur zuerst mit meinem Stift und meiner Tinte und dann mit meinem Aquarell einzugehen. Dies hilft mir, ein gewisses Maß an Realismus in meine Arbeit zu bringen , das ich mag, weil ich länger damit verbringen kann zuerst meine vorläufige Bleistiftskizze zu erstellen, dann meinen Stift zu machen und Arbeiten Sie mit Tinte über diese vorläufige Bleistiftskizze, und ich bin in der Lage, meine Formen zu zeichnen , meine Proportionen in die richtige Perspektive zu bringen und all das, was sehr wichtig ist um mittlere bis höhere Realismus zu schaffen. Sobald ich das drin habe, kann ich lockerer und ausdrucksvoller sein, wenn es darum geht , meine Farbe zu verwenden. Aber andere Künstler genießen es wirklich, zuerst ihre Aquarellwäschen und -formen zu machen , und dann bringen sie ihren Stift und ihre Tinte ein. Das ist auch genial. Normalerweise sind dies die Künstler, die einen abstrakteren Look, ein ausdrucksstarkes Aussehen anstreben ein ausdrucksstarkes Aussehen und anfangs nach weniger Kontrolle suchen, und sie suchen nach der Farbe der Großteil der Reden. Es kann wirklich ein aufregender Prozess sein zuerst mit der Farbe zu spielen, sehen, was auf dem Papier passiert, und basierend auf dem, was passiert ist, können Sie Entscheidungen darüber treffen , was Sie tun werden Bedingungen für Ihre Linienarbeit und Ihre Markierung mit Stift und Tinte. Ich würde sagen, es ist insgesamt eher ein intuitiver Prozess. Das kann ein sehr, sehr aufregender Prozess sein, den man mit Sicherheit erforschen muss. Sie könnten sich fragen, ob Sie gerne mehr zeichnen, oder ob Sie gerne mehr malen oder ob Sie mehr ein kontrolliertes Aussehen oder ein weniger kontrolliertes Aussehen genießen . Erstellen Sie dann eine Strategie für sich selbst, basierend darauf. Das ist sehr, sehr wichtig. spielt keine Rolle, mit welchem Medium Es spielt keine Rolle, mit welchem Medium man zuerst reingeht, sei es Stift und Tinte oder Aquarell. Stellen Sie sicher, dass Sie es vollständig trocknen lassen , bevor Sie mit dem folgenden Medium beginnen . Wenn Sie einen wasserdichten wischfesten Stift verwenden und ihn vollständig trocknen lassen, bevor Sie ihn vollständig trocknen lassen, bevor mit Ihrem Aquarell reingehen, sollten Sie kein Verschmieren oder Verschmieren haben. Arbeiten Sie in Schichten und lassen Sie sie zwischendurch trocknen. Weiter zum allerletzten Tipp, den ich in dieser Klasse mit Ihnen teilen möchte, und dies soll zumindest mit einer grundlegenden Strategie eingehen. Dieser geht wirklich mit den letzten beiden Tipps in die Hand. Nachdem Sie entschieden haben , wie viel Arbeit Sie mit jedem Medium machen werden und welches Medium zuerst sein wird und welches Medium an zweiter Stelle sein wird, gehen Sie einfach ein bisschen tiefer und fragen Sie sich, welche spezifischen Techniken werden Sie mit jedem Medium verwenden und in welcher Reihenfolge denken Sie daran, und in welcher Reihenfolge denken Sie jeden Bereich anzugehen? Werden Sie in einem Hintergrund hinzufügen? Wirst du irgendeine Schichtung machen? Verwenden Sie alternative Schattierungs- oder Markierungstechniken wie Schraffieren, Crosshatching, Kritzeln, Stippeln usw.? Werden Sie beim Malen mit Aquarell nass auf nassen Techniken oder nass auf trockenen Techniken anwenden? Denken Sie auch an die spezifischen Farben , die Sie für Ihr Stück benötigen. sich Zeit zu nehmen, Ihre Farben und sogar die Farbmischer auszuwählen und zu markieren, die Sie verwenden werden ist sehr wichtig, sich Zeit zu nehmen, Ihre Farben und sogar die Farbmischer auszuwählen und zu markieren, die Sie verwenden werden, da die Farbe, wie ich in Klasse Nummer 7 erläutern werde, helfen wird wir schaffen ein gut integriertes, harmonisch aussehendes Stück. Aber was ich gerne mache, bevor ich mit einem neuen Stück anfange, für das ich ein bisschen Zeit verbringe, ist, dass ich mir diese Fragen gestellt habe , die ich dir gerade mitteilte, und ich nehme einige Notizen, und ich schreibe sogar Schritte für mich auf, 1, 2, 3, 1, 2, 5. Womit ich anfangen werde und wie ich daran denke, meinen Prozess zu durchlaufen, und all das hilft mir immens. Es hilft meinem Prozess viel reibungsloser zu verlaufen, und es ist viel wahrscheinlicher , dass ich zu Ergebnissen komme, die ich liebe. Wenn Sie sogar 5-10 Minuten brauchen, um einige Planungs- und Vorbereitungsarbeiten erledigen, macht den Unterschied auf der Welt. Alles klar, mein Freund. Wenn du diesen Kurs überstanden hast, herzlichen Glückwunsch. Ich freue mich sehr darauf, zur nächsten Klasse überzugehen , in der wir gemeinsam Blumen zeichnen werden. Ich werde erklären, wie man drei verschiedene Blumen, eine Kegelblume, eine Wildrose und eine Narzisse in einfache Formen vereinfachen kann und wie Sie anfangen können, an Ihrem zu arbeiten Visualisierungsfähigkeiten, die Sie später aus der Phantasie aus verschiedenen Blickwinkeln und Perspektiven schöpfen können. Ich kann es kaum erwarten, gemeinsam an unserem Zeichnen zu arbeiten. Wir sehen uns im nächsten. 7. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 7: Hey da und willkommen bei Klasse Nummer 6 , in der ich erzählen werde, wie man Blumen in Grundformen vereinfachen kann. Wir werden uns darauf konzentrieren, die drei spezifischen Blumen zu studieren und zu üben , die wir in unserem Abschlussprojekt einbringen werden . Wir werden diese Blumen zuerst mit Graphit zeichnen und dann werden wir sie mit Stift und Tinte verfolgen, damit wir unsere Praxis mit unseren Zeichenstiften einbringen können. Ich habe ein paar verschiedene Referenzfotos für jede der Blumen gesammelt , die wir üben müssen , damit wir ihre Struktur und Hauptmerkmale wirklich studieren und beobachten können . Ich habe dafür gesorgt, für jede Blume verschiedene Fotos zu erstellen , damit wir sie aus verschiedenen Blickwinkeln und Perspektiven sehen können . Dies ist wichtig, weil wir in der Lage sein werden , die dreidimensionale Struktur jeder Blume und ihre spezifischen Eigenschaften viel besser zu verstehen dreidimensionale Struktur jeder Blume . Sie können all diese verschiedenen Referenzfotos, die ich für Sie zusammengestellt habe, auf der Registerkarte Projekte und Ressourcen für diesen Kurs finden diese verschiedenen Referenzfotos, die ich für Sie zusammengestellt habe , auf der Registerkarte Projekte und . Diese Übungen, an denen wir in diesem Kurs gemeinsam arbeiten werden , sind erstaunlich, da sie dir helfen deine Fähigkeit zu entwickeln, zu vereinfachen, was du zeichnen willst und du gehst um diese Blumen, die Sie aus der Fantasie skizzieren werden, leichter visualisieren zu können, wenn Sie Ihre letzten Stücke erstellen. Lass uns weitermachen und geradeaus reinspringen. Wie Sie sehen können, habe ich eine der Seiten in meinem Skizzenbuch in drei Abschnitte unterteilt . Ich werde eines dieser Drittel für meinen Coneflower benutzen , ein weiteres Drittel für die Wildrose und ein weiteres Drittel für die Narzisse. Ich werde üben, jede Blume in zwei Ansichten zu skizzieren. Die erste Ansicht wird ein Blick von oben sein , als würden wir auf die Blume nach unten schauen und die zweite Ansicht wird die Profilansicht sein als würden wir uns diese Blume ansehen von der Seite genau auf Augenhöhe. Denken Sie daran, dass es bei dieser Übung wirklich darum geht als einfache Formen zu vereinfachen und zu visualisieren. Diese beiden Fähigkeiten werden Ihnen enorm helfen Sie auf Ihren Zeichnen - und sogar Malreisen weitermachen . Lasst uns weitermachen und mit dem Coneflower anfangen. Zuerst möchte ich ein paar Fotos mit Ihnen teilen und möchte auf einige wichtige Merkmale hinweisen und wie ich diese besondere Blume visualisieren würde. auf Makroebene Wenn ich auf Makroebene verschiedene Bilder dieser Blume sehe, habe ich das Gefühl, dass die Blütenblätter eine Kreisform erzeugen würden, wenn ich diese Blume von einer Draufsicht aus sehen würde, die auf die Blume hinunterschaut . Dann ist der zentrale Teil der Blume ein weiterer kleinerer Kreis innerhalb dieses größeren Kreises. Etwas, das ich merke ist, dass dieser zentrale Teil der Blume viel Volumen hat. Man kann sehen, wie es wirklich herauskommt. Es hat eine Höhe , die nach oben geht, weit an den Blütenblättern vorbei. Um die Proportionen in meiner Skizze glaubwürdig zu halten, möchte ich auch darauf hinweisen wie groß ein Unterschied zwischen dem kleineren Kreis besteht, der durch den zentralen Teil der Blume erzeugt wird zwischen dem kleineren Kreis besteht, der durch den zentralen Teil der Blume erzeugt , gegenüber dem größerer Kreis der von den Blütenblättern geschaffen wurde. Es gibt bestimmte Blumen wie zum Beispiel die Sonnenblume, sie hat einen riesigen Mittelteil. Es gibt andere Arten von Blumen, bei denen dieser zentrale Abschnitt relativ klein ist. Bei Kegelblumen merke ich, dass dieser zentrale Kreis im Vergleich zu den Blütenblättern ziemlich groß ist . Sie möchten feststellen, wie der Umfang des größeren Kreises, der durch die Blütenblätter erzeugt wird , mit dem kleineren Kreis verglichen wird, der durch den zentralen Abschnitt der Blume erzeugt wird . Dies wird Ihnen helfen, Proportionen genau in Ihren Skizzen zu erhalten. Aber es gibt eine Reihe auf den Fotos, die ich sehe, bei bestimmten Kegelblumen sind diese Blütenblätter länger, was einen größeren äußeren Kreis erzeugt. In anderen Kegelblumen sind die Blütenblätter kürzer, was einen kleineren äußeren Kreis erzeugt. Etwas anderes, das ich an dieser speziellen Blume merke , ist, wie die Blütenblätter nach unten hängen und diesen Regenschirmeffekt erzeugen. Noch ein paar Dinge, die ich wirklich gerne merke, weil dies wesentliche Eigenschaften sind , die von Blume zu Blume oder Pflanze zu Pflanze variieren von Blume zu Blume oder , sind die Blütenblätter der Blumen und die Blätter der Blumen. Ich merke gerne die Form, die Größe und die ungefähre Anzahl der Blütenblätter in dieser Blume sowie die Form und die Größe ihrer Blätter. Ich würde sagen, dass Coneflower Blütenblätter eine mittlere Größe haben. Sie sind nicht zu kurz und nicht zu lang und haben ziemlich abgerundete Spitzen. Was die Anzahl der Blütenblätter angeht, ich manchmal einfach zähle ich manchmal einfach die Blütenblätter auf dem Referenzfoto, in anderen Zeiten nehme ich mir Zeit ein bisschen zu recherchieren. In diesem Fall habe ich nachgeschaut und Kegelblumen haben irgendwo zwischen 15-20 Blütenblättern. Was mir an Coneflower Blättern aufgefallen ist, ist, dass sie ein spitzes Ende haben und nicht zu kurz und nicht zu lang sind. Sie sind mittelgroß, würde ich sagen, und sie fallen auch tendenziell in einen Bereich. Das heißt, dass die Blätter auf einigen Fotos, die ich sah, etwas kürzer aussahen und auf anderen Fotos, die ich sah, etwas länger aussehen. Jetzt, da wir uns die Zeit genommen haben, einige Referenzfotos von Koneblumen aus verschiedenen Blickwinkeln und Perspektiven zu beobachten einige Referenzfotos von , beginnen wir mit unseren Skizzen. Denken Sie daran, es geht darum, die Vereinfachung zu vereinfachen, also schalten Sie alle mittelgroßen und kleinsten Details aus und konzentrieren Sie sich auf die allgemein größten Formen. Die erste Skizze wird die Draufsicht für den Coneflower sein. Nach dem, was wir auf diesen Fotos gesehen haben, können wir eine ziemlich gute Vorstellung davon bekommen, dass die Blütenblätter optisch einen Kreis erzeugen würden, und innerhalb dieses größeren Kreises hätten wir einen kleineren Kreis erstellt durch den mittleren Teil dieser Blume. Beachten Sie, wie ich mein Bestes gebe , um meine Skizzen leicht zu halten. Dies liegt daran, dass ich diese anfänglichen Formen später löschen werde. Wenn Sie Probleme beim Zeichnen von Kreisen haben, sich keine Sorgen, es ist eine Frage der Übung. Meine Kreise sind immer noch nicht perfekt und ich übe seit vielen Jahren, also lass dich nicht entmutigen. Übe einfach weiter und es wird zu dir kommen. Der Zweck dieser Formen besteht einfach darin, Proportionen für diese verschiedenen Teile dieser Blume zu erhalten Proportionen für . Es hilft uns auch dabei, die Bereiche zu visualisieren , in die wir zeichnen werden. Sie müssen nicht perfekt sein und wir werden sie später löschen. Nachdem ich mit dieser grundlegenden Skizze für die Draufsicht des Coneflower fertig bin, arbeite ich jetzt an der Profilansicht des Coneflower. Machen Sie etwas Visualisierung. Schließen Sie Ihre Augen, wenn Sie müssen, und stellen Sie sich vor, wie diese Blume aussehen würde, wenn Sie eine vor Ihrem Gesicht halten würden, und wir schauen uns eine aus einer Seitwärts- oder Profilansicht an. Wie wir auf diesen Referenzfotos sahen, sanken die Blütenblätter in dieser Art von Blume herab bildeten eine Regenschirmform oder einen Halbkreis. Wir haben auch beobachtet, dass dieser zentrale Abschnitt in der Mitte der Blütenblätter ziemlich hoch ist. Wir können diesen zentralen Teil der Blume auch als zweiten kleineren Halbkreis- oder Halbkreisform visualisieren diesen zentralen Teil der Blume auch als . Sie können sehen, wie ich es direkt oben auf dem größeren Halbkreis in der Mitte gestapelt habe . Jetzt, da ich diese grundlegenden Formen für mich selbst festgelegt habe , die mir wirklich bei Proportionen helfen und visualisieren werden mir wirklich bei Proportionen helfen und visualisieren wo alles in dieser Blume sein wird, werde ich jetzt begann mit dem Zeichnen der Blütenblätter und anderer Details. In diesem Teil des Prozesses erinnere ich mich daran, was ich in diesen Referenzfotos in Bezug auf die Form dieser Pedale, die ungefähre Menge an Blütenblättern in dieser Art von Blume, beobachtet habe diesen Referenzfotos in Bezug auf die Form dieser Pedale, die ungefähre Menge an Blütenblättern in dieser Art von Blume, und auch die Länge der Blütenblätter. Es wird jedoch nicht viel über die Länge der Blütenblätter nachgedacht jedoch nicht viel über die Länge der Blütenblätter denn wenn wir diesen zentralen Kreis und den äußeren Kreis bereits geschaffen haben , wird mir dieser Raum sagen, wie lange es soll mach die Blütenblätter. Während ich diese Blütenblätter zeichne, denke ich an die Blütenblätter , die ich auf diesen Referenzfotos gesehen habe. Etwas, das ich auch gerne mache, ist, um diesen gesamten Blütenblattabschnitt zu springen diesen gesamten Blütenblattabschnitt und überlappende Blütenblätter zu erzeugen. Anstatt in eine Gegenrichtung oder gegen den Uhrzeigersinn zu arbeiten und meine Blütenblätter auf diese Weise zu füllen , springe ich um den gesamten Kreis. Dies hilft mir, mehr Unregelmäßigkeiten in den Blütenblättern zu erzeugen , was so wichtig ist, weil ich nicht möchte, dass diese Formen zu organisiert oder gemustert aussehen. Indem ich um den gesamten Kreis springe, hilft mir dies auch, ein glaubwürdigeres Aussehen überlappender und gruppierender Blütenblätter zu erzeugen ein glaubwürdigeres Aussehen . Dies sind organische Naturobjekte, die wir zeichnen, und es sollte immer Unregelmäßigkeiten und Unvollkommenheiten geben. Ich habe kleine Details in diesem zentralen Teil der Blume hinzugefügt und das reicht für meine Bleistiftskizze. Es ist jetzt an der Zeit, zum Höhenplan zu wechseln. Wie Sie sehen können, zeichne ich die Blütenblätter innerhalb dieses größeren Halbkreises. Dafür füge ich ein paar zusätzliche Blütenblätter auf beiden Seiten außerhalb des Halbkreises hinzu. Wenn Sie an den Seitenansichten arbeiten, denken Sie daran, wie alle Blütenblätter aus diesem zentralen Abschnitt herauswachsen. Sie beim Zeichnen daran, dass sie aussehen sollten, als wären sie alle diesem zentralen Bereich verbunden. Diese Blütenblätter hängen nach unten, wenn es um den Coneflower geht. Während ich mich nach links und rechts mache, werden die äußeren Ränder der Blütenblätter immer mehr gekrümmt, wenn ich mich zu beiden Seiten mache. Sie können sehen, wie ich ein paar zusätzliche Blütenblätter außerhalb dieses Halbkreises hinzugefügt habe. Ich habe dafür gesorgt, dass diese beiden Blütenblätter unterschiedlich waren und dass es in dieser Skizze insgesamt nicht zu viel Symmetrie gibt. Wenn Sie etwas sehr perfekt oder sehr symmetrisch aussehen lassen, wenn es um natürliche organische Objekte geht , könnte es eher wie ein Cartoon aussehen und das ist nicht der Stil, den ich bin ich gehe mit diesen Stücken. Nachdem ich mit den Blütenblättern im seitlichen Ansicht-Coneflower fertig war, fügte ich dann den Stiel hinzu. Wenn wir Blumen aus verschiedenen Perspektiven zeichnen, ist es wichtig zu bedenken , dass der Stiel mit diesem zentralen Teil der Blume ausgerichtet sein sollte . Sobald ich mit meinen Bleistiftskizzen fertig war, war es an der Zeit, etwas Übungsarbeit mit meinem Stift zu machen. Es ist super klug, mit den Tools zu üben und aufzuwärmen , die Sie für die letzten Stücke verwenden werden . Was ich hier mache, ist, dass ich meine Bleistiftarbeit leicht nachverfolgt. Ich denke gerne an diesen Prozess eher als eine Definition der Kanten, anstatt zu skizzieren. Im Allgemeinen wollen wir uns von dicken, mutigen und schwer aussehenden Umrissen fernhalten . Der Grund dafür ist, dass diese Art von Umrissen zu Schwere und Ebenheit führen. Wieder zu einem eher Cartoony-Look. Um sich von dieser Schwere und Ebenheit fernzuhalten, halte ich es in Bewegung. Ich springe von Blütenblatt zu Blütenblatt herum. Wenn ich hineinzoome, werden Sie wahrscheinlich feststellen, dass sich meine Zeilen in einigen Abschnitten nicht einmal verbinden. Sie werden feststellen, dass ich, sobald ich mit den Blütenblättern fertig bin, wenn ich diesen inneren Kreis für den zentralen Teil der Blume zeichne , tatsächlich reingehe und eine sehr unregelmäßige Kante schaffe dieser Kreis. Dies wird mir helfen , diese Textur im zentralen Teil der Blume zu kommunizieren . Schließlich gehe ich hinein und füge ein paar Markierungen hinzu , um die Textur im zentralen Teil weiter zu beschreiben. Da ich alle meine Stift- und Tuscharbeiten mache, drücke ich nicht zu stark nach unten und zögere nicht. Je langsamer Sie Ihre Hand bewegen und je mehr Sie zögern, desto mehr Tinte fließt die Feder Ihres Stiftes hinunter und dies wird zu schwereren, steifer aussehenden Linien führen. Wenn ich leichte Unvollkommenheiten habe und sogar Wackeln passieren, ist das vollkommen in Ordnung. Ich lasse sie einfach stehen, mache ich mir keine Sorgen. Es ist ehrlich gesagt vorzuziehen ein wenig Unvollkommenheit und Wackeln zu haben, aber dünnere, fließendere, dynamischere Linien zu haben, die eine Variation des Liniengewichts aufweisen, als haben Linienarbeit, die sehr schwer und sehr stark aussehend und sehr perfekt ist . Denken Sie daran, dass es sich schließlich um organische Naturobjekte handelt. Wir brauchen diese Unregelmäßigkeit und diese Unvollkommenheit. Nachdem ich mit meinem Stift und meiner Tinte fertig war, ließ ich alles etwa 10-15 Minuten lang vollständig trocknen und löschte dann alle meine Bleistiftarbeiten mit meinem weichen Graphit-Radiergummi aus. Wie Sie sehen können, konnte ich alle meine Bleistiftarbeiten sehr gut löschen . Dies liegt daran, dass ich dafür gesorgt habe, sehr leicht zu zeichnen. Alles klar Freunde, es ist Zeit, zu unseren Wildrosenstudien überzugehen . Noch einmal, genau wie wir mit dieser ersten Blume gemacht haben, schauen wir uns ein paar verschiedene Referenzfotos an, die ich gesammelt habe, denen die Wildrose oder die Wildrosen gezeigt werden von denen die Wildrose oder die Wildrosen gezeigt werden verschiedene Blickwinkel und Perspektiven, damit wir die dreidimensionale Struktur und die Hauptmerkmale für diese Art von Blume besser verstehen die dreidimensionale Struktur und die können, damit wir unsere Arbeit besser informieren können und in der Lage sein, diese aus der Phantasie zu ziehen. Also werde ich alle Punkte durchgehen, die ich zuvor mit dem Coneflower durchgemacht habe . Das erste ist, wenn ich auf diese Blume direkt von oberhalb der Blume nach unten schaue , bekomme ich das Gefühl, dass die Blütenblätter wieder eine kreisförmige Form erzeugen würden . Dann haben wir diesen inneren Teil der Blume, genau in der Mitte dieser Blütenblätter. Obwohl diese Blume in diesem Mittelteil keine sehr voluminöse Struktur hat, hat sie eine lange Pistole und ein langes Staubblatt aus einem kleineren Punkt wächst , der sich direkt in der Mitte von die Blume. Also würde ich diese Blume zunächst noch einmal als zwei Kreise visualisieren , einen kleineren Kreis innerhalb eines größeren Kreises, von den Blütenblättern geschaffen wurde. Was ich an wilden Blumen merke, ist, dass einige von ihnen mehr als eine Farbe in ihren Blütenblättern haben. Wie zum Beispiel dieser, den ich gerade auf dem Bildschirm teile, ist dieser zentrale Abschnitt von einem gelblichen Farbton umgeben. Während die meisten Blütenblätter rosa sind. Dies bedeutet nicht, dass das gesamte Gebiet, das von dem Ring umgeben ist, der einen gelben Farbton hat der zentrale Teil der Blume ist. Weil dieses Gelb einfach der innere Teil der Blütenblätter selbst ist . Wenn wir hier andere wilde Blumen wie diese sehen, die nur einen rosa Hauptton in ihren Blütenblättern haben . Sie können sehen, wie dieser zentrale Abschnitt und die Struktur im Vergleich zur Größe der Blütenblätter selbst ziemlich klein sind. Die Blütenblätter für die Wildrose, ich sehe, sind unterschiedlich, sie haben sehr unregelmäßige Ränder, besonders entlang der äußeren Abschnitte dieser Blütenblätter. Abgesehen von dieser Unregelmäßigkeit an den äußeren Rändern der Wildrosenblüten ist eine andere Sache, die sie sehr von Coneflower Blütenblättern unterscheidet , dass diese Blütenblätter viel größer sind und sie sind nur fünf im Vergleich zu den 15-20 Blütenblättern, die in Kegelblumen vorhanden sind. Etwas, das diese Blütenblätter auch von Coneflower Blütenblättern unterscheidet , ist, dass diese tatsächlich aufkrümmen. Wenn Coneflower Blütenblätter nach unten gekrümmt wurden. Sie fielen nach unten und erschaffen diesen Regenschirmeffekt. In diesem Fall erzeugen diese Blütenblätter eher eine umgekehrte Schirmform. Wenn wir uns die Blätter der Wildrosen ansehen, stellen wir fest, dass die Ränder dieser Blätter das sind, was als gezahnt bezeichnet werden würde. Sie können sehen, wie ihre Kanten stachelig und nicht glatt sind. Sie haben eine Mandelform für sie. Sie sind spitz an der Spitze. Sie sind mittelgroß, nicht zu kurz, nicht zu lang. Was ich auch merke ist, dass es verschiedene Blätter gibt, die aus einem einzigen Stamm kommen. unter Berücksichtigung dieser Informationen Lassen Sie uns unter Berücksichtigung dieser Informationen an unseren Skizzen arbeiten. Fangen wir zuerst mit der Bleistiftarbeit an. Also lege ich gerade den ersten größeren Kreis fest, dann füge ich den kleineren Kreis für diesen zentralen Teil der Blume hinzu . Genau hier sieht man, wie ich diesen kleineren Kreis kleiner gemacht habe als den kleineren Kreis im Coneflower, weil ich versuche, diese Proportionen für wilde Blumen richtig zu machen. Das ist die sehr einfache vereinfachte Draufsicht. Arbeiten wir nun an der Seitenansicht oder dem Höhenplan. Was wir aus dem Betrachten dieser Fotos gelernt haben, ist, dass die Blütenblätter diese umgekehrte Regenschirmform erzeugen. Je nachdem, wie offen die Blume ist, kann sie eher einem vollständigen Halbkreis oder eher einer Schalenform ähneln. Wie das, was ich hier zeige. Dieser kleine Kreis, den ich in der Mitte dieser Schalenform hinzugefügt habe , ist nur ein Hinweis auf den zentralen Teil der Blume dem die Pistole und das Staubgefäß herauswachsen werden. Es ist jetzt an der Zeit, diese größeren Formen in mittelgroße Formen zu zerlegen . Beginnend mit der Draufsicht hier stellen wir fest, dass wilde Blumen fünf Blütenblätter haben. Was ich mache, ist, dass ich fünf Ovale oder Kreise innerhalb dieses größeren Kreises hinzufüge fünf Ovale oder Kreise innerhalb dieses größeren Kreises , damit ich diesen größeren Kreis in Abschnitte aufteilen und visualisieren kann , wo ich mein anderes zeichnen werde Blütenblätter. Indem ich diese Ovale oder diese Kreise hinzufüge, kann ich sicher sein, dass sie später, wenn es an der Zeit ist, meine tatsächlichen Blütenblätter zu zeichnen , die sie haben werden, die Größe haben werden, die ich brauche befindet sich dort, wo ich sie befinden muss, und sie werden genau die richtige Überlappung zwischen ihnen haben . Dann habe ich genau das Gleiche für die Seitenansicht gemacht. Natürlich sehen wir für die Seitenansicht nur bestimmte Blütenblätter und bestimmte Teile anderer Blütenblätter. Aber genau wie das, was wir mit der Seitenansicht der Kegelblumen gemacht haben, ist es sehr wichtig zu bedenken, dass alle Blütenblätter aus diesem zentralen Abschnitt herauswachsen. Stellen Sie also sicher, dass sie beim Zeichnen dieser Formen alle so aussehen, als würden sie aus diesem zentralen Abschnitt herauswachsen und aussehen, als würden sie sich in diesem zentralen Abschnitt verbinden. Beachten Sie, dass die äußeren Blütenblätter am linken Rand und am rechten Rand länger oder flachere Ellipsen sind und die äußere Kante eher eine Kurve ist, während das zentrale Blütenblatt eher ein zerquetschtes reguläres Oval ist formen. Dann habe ich einfach ein paar kleine Blütenblätter hinzugefügt, die hinter diesen vorderen Blütenblättern hervorgucken , von denen wir mehr sehen können. Schließlich, da diese mittleren Formen hinzugefügt wurden, war es an der Zeit, auf meinen Stift umzuschalten. Ich werde genau das Gleiche machen wie bei der vorherigen Blumenstudie. Ich definiere Kanten, aber wie Sie bemerken werden, füge ich mehr Details hinzu, damit die Dinge etwas unregelmäßiger aussehen, besonders an den äußeren Rändern dieser Blütenblätter und auch an den Außenkanten dieses kleineren Mittelkreises. Für diese Blume können Sie sehen, wie ich dort einige Techniken zur Markierung hinzugefügt habe einige Techniken zur Markierung hinzugefügt , um die großen Staubblätter zu beschreiben , die aus diesem zentralen Abschnitt herauswachsen. Aber ich versuche mein Bestes, um diese relativ einfach zu halten. Beachten Sie, wie ich im Höhenplan dafür gesorgt habe, dass der Stiel an diesem zentralen Teil der Blume ausgerichtet ist . Das ist sehr wichtig. Schließlich ließ ich, genau wie beim ersten, alles etwa 10-15 Minuten trocknen lassen, ich ging mit meinem weichen Graphit-Radiergummi rein, um alle meine Bleistiftarbeiten zu löschen. Weil ich dafür gesorgt habe, leicht zu zeichnen , konnte ich alles sehr gut löschen. Schließlich geht es weiter zur Narzisse. Ich werde vier Bilder von Narzissen mit Ihnen teilen , damit wir sie beobachten und ihre Struktur studieren können , bevor in unsere Skizzierpraxis einsteigen. Wie Sie sehen können, hat diese Blume eine ganz andere Struktur als die beiden vorherigen. Diese Blume hat eine sogenannte Trompete- oder Kegelform direkt in der Mitte oder was ich gerne als Megafonform beziehe. Diese konische oder megaphonartige Struktur schützt den Stempel und das Staubgefäß im zentralen Teil der Blüte. Es hat auch ziemlich viel Höhe, sogar mehr als die Höhe dieser zentralen Struktur im Coneflower. Es ist fast so, als wären es zwei Blumen in einer, zwei getrennten Strukturen , die angebracht sind. Was ich auch an Narzissen merke, was sie sehr von anderen Blumentypen unterscheidet , ist, dass sie nicht wie die meisten Blumen nach oben zeigen oder leicht zur einen Seite oder zum kippen andere. Der obere Teil des Stiels biegt sich um, so dass der Blütenblattteil der Blüte vollständig zur einen Seite oder zur anderen Seite zeigt. Die Blume zeigt nicht wie bei den anderen beiden nach oben. Wenn diese Blume jedoch nach oben gerichtet wäre und wir auf diese Struktur schauen würden, würden wir immer noch einen größeren Kreis sehen, der durch die größeren Blütenblätter und einen kleineren Kreis entsteht, der von diese Trompeten- oder Megafonform. Die Blütenblätter dieser Blume unterscheiden sich stark von den anderen beiden, obwohl wir in dieser sechs Blütenblätter sehen. Es sind definitiv größere Blütenblätter, aber nicht so rund wie die Blütenblätter der Wildrose. Sie haben an den Außenkanten nicht sehr viel Unregelmäßigkeit , wie es die Wildrose tut. Die Ränder der Trompeten- oder Megafonform sind jedoch sehr, sehr unregelmäßig. Sie können sehen, wie sich die Außenkanten dieser Trompetenform nach außen krümmen. Schließlich unterscheiden sie sich in Bezug auf die Blätter auch deutlich von den Blättern der vorherigen Blumen. Diese Blätter sind sehr lang und schmal. also mit all diesen Informationen Lassen Sie uns also mit all diesen Informationen fortfahren und mit unserer Skizzierpraxis für die Narzisse beginnen . Erste Schritte mit der Draufsicht erstelle ich meine beiden Kreise. Der größere Kreis, der durch die Blütenblätter erzeugt wird, und der kleinere Kreis, der durch den Umfang der Trompeten- oder Megafonform in der Mitte erzeugt wird. Als ich diese beiden Kreise zeichnete, versuchte ich, die Proportionen zu haben , die ich beobachtete. Wie steht der Umfang des kleineren Kreises Vergleich zum Umfang des äußeren Kreises? Es war dann an der Zeit, zur vereinfachten Version der Seitenansicht für die Narzisse überzugehen . Das erste, was ich gemacht habe, war, dass ich mir wie die flacheren Blütenblätter aus einer Seitwärts- oder Höhenansicht aussehen würden . Also habe ich zuerst das abgeflachte Oval gezeichnet. Nachdem ich diese Basis abgeflachtes Oval erstellt hatte, fügte ich diese konische oder Megafonform direkt in der Mitte hinzu. Ich sorgte dafür, dass dieser Kegel oder eine Megafonform eine gute Höhe hatte und dass die Proportionen sinnvoll sind, wenn ich die Größen dieser beiden Teile der Blume miteinander vergleiche , wenn ich die Größen dieser beiden Teile der Blume miteinander . Es ist jetzt an der Zeit, diese allgemein größere Form in mittelgroße Formen zu unterteilen . Wie wir gesehen haben, haben Narzissen sechs Blütenblätter, die ziemlich groß sind, aber nicht so rund oder breit sind wie die Blütenblätter der Wildrose. Genau hier wirst du sehen, wie ich sechs ovale Formen innerhalb dieses Kreises hinzufüge . Ich möchte sicherstellen, dass sich meine Blütenblätter leicht überlappen, also stelle ich sicher, dass sich diese Ovale leicht berühren. Sie werden auch sehen, wie ich eine zusätzliche unregelmäßige Linie innerhalb dieses kleineren Kreises hinzufüge eine zusätzliche unregelmäßige Linie innerhalb , und das ist so, dass ich anfangen kann zu visualisieren, wo die Oberkante oder die Oberlippe dieser Trompete ist Form , die sich auskrümmt bewegt sich zur Seitenansicht oder zum Höhenplan. Dies ist erneut eine Visualisierungsübung. Unter Berücksichtigung allem, was ich über Narzissen gelernt habe, stelle ich mir vor, diese Blume aussehen würde, wenn sie von der Seite gesehen wird. Genau wie bei den anderen Blüten gibt es bestimmte Blütenblätter und bestimmte Teile der Struktur , die wir aus diesem Profilplan nicht sehen können. Was können Sie aus dieser Seitwärtssicht sehen? Wie verändern sich die Formen für diese verschiedenen Blütenblätter und die zentrale Struktur wenn sie aus dieser Perspektive gesehen werden? Mit diesem kann ich mindestens drei Blütenblätter sehen und fügte einen zusätzlichen kleinen Teil der beiden Blütenblätter im Rücken hinzu, die hinter diesen Blütenblättern vorne herausgucken. Wenn meine Bleistiftskizzen fertig sind, ist es an der Zeit, mit meiner Stift- und Tuscharbeit fortzufahren. Ich fange mit der Draufsicht an und all die gleichen Dinge kommen ins Spiel, die ich bisher mit den anderen beiden Blumen geteilt habe. Ich sorge dafür, dass es fließt, halte es in Bewegung, Sie können sehen, wie ich wirklich daran denke, diese Linienstärkungsvariation zu erstellen, es gibt bestimmte Abschnitte, in denen sich meine Linien nicht einmal verbinden. Ich nehme diese leichten Unvollkommenheiten und Wackeln an, die auftreten, und ich fange auch an, ein wenig mehr Details hinzuzufügen , besonders in diesem zentralen Teil der Blume. Ich denke an die kleinen Linien und Markierungen, die ich in meinen letzten Stücken verwenden werde , um den Stempel, das Staubblatt und die Textur und die Eigenschaften in diesem zentralen Abschnitt zu beschreiben Stempel, das Staubblatt und die Textur und die . Bei der Seitenansicht habe ich darauf geachtet, dass ich den Stiel in der Ausrichtung an den zentralen Teil der Blume hinzufüge . Ich ließ dann alles trocknen und löschte alles mit meinem weichen Graphit-Radiergummi. Um diese Studien zu beenden, füge ich sehr schnell einige Blätter für jede Blume hinzu, weil ich auf jeden Fall einige Blätter in meine letzten Stücke hinzufügen möchte . Also möchte ich diese Praxis auch einbringen. Du wirst mich zuerst mit Bleistift in diesen Blättern skizzieren sehen und sobald ich sie mit Bleistift skizziert habe, definiere ich meine Kanten mit meinem Stift und meiner Tinte. Ich denke daran, woran ich mich erinnerte, dass es über Coneflower Blätter wahr war. Ich erinnere mich, dass sie eine mittlere Länge haben, ich erinnere mich dass die Spitzen relativ spitz sind und dass die Kanten glatt sind. Du wirst sehen, wie ich diese zentrale größte Vene in diesen Blättern hinzufüge . In diesem Blatt, in dem du mich gerade skizzieren siehst, habe ich eine zusätzliche Linie hinzugefügt, und das ist nur so, dass ich die Illusion dieses Teils dieses Blattes erzeugen kann Illusion dieses Teils dieses Blattes erzeugen , der sich einkrümmt oder dass dieses Blatt darin eine etwas andere Perspektive als das andere Blatt. Wir können also ein bisschen von der Unterseite dieses Blattes sehen . Dies ist etwas, das Sie tun können, wenn Sie diese Art von Illusion auch mit einem der anderen Blätter erzeugen diese Art von Illusion auch mit einem möchten. Gehen Sie weiter zu den Blättern in der Wildblume. Wie ich bereits erwähnt habe, hat die Wildblume kleinere Blätter , die alle an einem gleichen Stamm befestigt sind. Wir stellen auch fest, dass die äußeren Ränder der Blätter der Wildblume einen Zahn haben. Das ist etwas, an das ich mich wirklich erinnern muss , wenn ich das eintuche. Diese spitze Zahnkante dieser Blätter ist sehr besonders für diese Blume und dies ist auch in normalen Rosen vorhanden. Ich denke gerne an diese Zahnkante wie einen modifizierten Zickzack. Es ist sehr hilfreich, bevor Sie feststellen, wohin der Punkt dieses Zahnes geht , damit Sie diese Richtung in allen Ihren Blättern konsistent halten können . Diese „Zähne“ oder kleinen spitzen Enden gehen nicht auf die Blume oder zum Hauptstamm hin, sondern zeigen nach außen von der Blume weg. Genau hier füge ich einen weiteren dieser zusätzlichen Abschnitte in einen weiteren dieser zusätzlichen Abschnitte in diesem untersten Blatt hinzu, damit ich hier ein wenig Abwechslung in der Perspektive haben kann . Indem wir einige dieser Blätter in verschiedene Perspektiven hinzufügen, können wir uns wieder von einem flachen Look fernhalten . Schließlich zeichne ich die Blätter für die Narzisse, die lang und schmal sind. Diese stelle ich mir eher wie Schlangen mit spitzen Enden vor. Während ich diese langen Formen zeichne, stelle ich sicher, dass in Bezug auf ihre Länge, wie sie sich krümmen, viel Abwechslung vorhanden ist in Bezug auf ihre Länge, wie sie sich krümmen, viel Abwechslung vorhanden , und ich habe dies auch hinzugefügt kürzeres Blatt, das sich auf andere Weise biegt. Diese Sorte wird dazu beitragen, dass diese Skizze natürlicher und interessanter aussieht. Mein Freund, wenn du diesen Kurs überstanden hast , herzlichen Glückwunsch. Wenn Sie an diesen Übungen gearbeitet haben, sind Sie jetzt viel besser gerüstet und bereit, an Ihren letzten Stücken zu arbeiten. Ich freue mich sehr darauf, mit Ihnen zur nächsten Klasse überzugehen mit Ihnen zur nächsten Klasse , über die wir sprechen werden, wählen Sie die verschiedenen Farben aus, die wir für unsere verschiedenen Blumenstücke verwenden werden für unsere verschiedenen Blumenstücke verwenden und ich werde auch darüber sprechen , wie wir Farben in unseren letzten Stücken mischen werden , damit der endgültige Prozess reibungsloser verlaufen kann und wir bessere Ergebnisse erzielen können. Tolle Arbeit und ich kann es kaum erwarten , dich im nächsten zu sehen. 8. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 8: Hey, und willkommen zu diesem Kurs, in dem wir daran arbeiten werden die Farben auszuwählen , die wir in unseren letzten Stücken verwenden werden. Ich werde auch einige wichtige Informationen bereitstellen , die in Bezug auf die Konsistenz und die Menge der Farbmischungen sehr wichtig sind in Bezug auf die Konsistenz und die Menge der Farbmischungen sehr wichtig . Jetzt möchten Sie sicherstellen , dass Sie sich auf sich vorbereiten , damit der Prozess für Ihre letzten Stücke viel reibungsloser verlaufen kann und Sie bessere Ergebnisse erzielen können. Ich bin ein großer Fan davon, die Farben zu planen , die ich für ein neues Stück verwenden werde, und auch mein Farbschema begrenzt zu halten. Dafür gibt es ein paar verschiedene Gründe. Die erste ist, dass Farbe ein Element der Kunst ist , das unglaublich wichtig ist und eine große Rolle dabei spielt, eine visuelle Komposition oder ein Kunstwerk harmonisch und zusammenhängend aussehen zu lassen visuelle Komposition oder . Wenn wir während des Malvorgangs nach dem Zufallsprinzip Farben auswählen , insbesondere als Anfänger, wenn wir gerade erst anfangen über das Farbrad und die Farbtheorie zu lernen, besteht eine hohe Wahrscheinlichkeit, dass unserem Kunstwerk wird es an die Integration mangeln. Der zweite Grund, warum ich denke, dass es unglaublich wichtig ist, besonders für Anfänger, ihre Farben zu planen , wenn sie für ein neues Stück verwenden, ist, dass sie planen und ausschauen verschiedene Farben und Farbmischungen, die wir verwenden werden, es ist nur viel wahrscheinlicher , dass wir uns von Verwirrung und unerwünschten Farben fernhalten können . Für diese letzten Stücke , an denen wir in diesem Kurs arbeiten, möchten wir sicherstellen, dass wir Farben auswählen, die Hand in Hand mit dem passen , wie diese Blumen tatsächlich aussehen und wir möchten auch sicherstellen, dass unsere Farben hell und lebendig und lebendig sind. Für diese Stücke in diesem Kurs verwende ich mein Daniel Smith Aquarellset. Ich beginne mit der Planungs - und Vorbereitungsarbeit für meine Farben, die ich in meinem Coneflower Stück verwenden werde . Ich habe mich dafür entschieden, mit gelben Blütenblättern zu gehen. Ich verwende meinen Rundpinsel der Größe 10, was für mich angenehm ist , wenn ich diese Farbmischungen erstelle, und ich nehme immer etwas Wasser aus meinem Behälter schwenke meinen feuchter Pinsel in meiner Farbe und bringt ein bisschen Farbe auf einmal in diesen Mischbereich meiner Palette heraus . Was ich tun möchte, ist, dass ich zwei verschiedene Farben für die Blütenblätter jeder Blume vorbereiten möchte zwei verschiedene Farben für die Blütenblätter jeder Blume , damit ich eine schöne Farbvariation und auch eine Farbvariation in diesen Blütenblättern haben kann . Und mit Ton meine ich wirklich nur, dass ich möchte, dass bestimmte meiner Blütenblätter heller und andere Abschnitte dunkler sind, und das gilt auch für all die verschiedenen Teile der Blume. Wenn die Blume einen zentralen Bereich hat, der eine andere Farbe als die Blütenblätter hat, wie der Coneflower und die Wildrose, bereite ich auch zwei verschiedene Farben für diesen zentralen Bereich damit ich diese Variation in Farbe und Ton auch in diesem Bereich haben kann . Schließlich, wenn es um den Stiel und die Blätter geht, möchte ich auch zwei verschiedene grüne Farbmischungen für mich selbst vorbereiten . Ich möchte ein dunkleres Grün und ein helleres Grün haben. Indem ich mich auf verschiedene Farben für jeden Bereich vorbereite, wird es so sein, dass ich all diese verschiedenen Teile für diese drei Blumen Dimension oder ein Gefühl von Licht und Schatten verleihen diese drei Blumen Dimension kann. Obwohl ich einen lockeren, ausdrucksstarken Look anstrebe , der keinen sehr hohen Realismus aufweist, indem ich einfach ein paar verschiedene Farben oder Variationen derselben Farbe für jeden Bereich vorbereite ein paar verschiedene Farben oder , dies wird mir helfen, dieses Gefühl der Dimension in der Blume zu schaffen . Ich werde auch in der Lage sein, ein bisschen mehr mit Farbe zu spielen und diese interessanten Effekte einzubringen , die Aquarell erlaubt, diese Blutungen, diese Blüten, diese Übergänge zwischen verschiedene Farben. Ich werde Sie jetzt genau wissen lassen , welche Farben ich für meine Farbmischungen für diese erste Blume gewählt habe . Wie ich bereits sagte, müssen Sie nicht genau die gleichen Farben verwenden , die ich verwende. Sie können die Farben verwenden die diesen am ähnlichsten sind, oder wenn Sie die Blütenblätter Ihres Coneflower eine völlig andere Farbe als meine machen möchten , können Sie das auch völlig tun. erste orange aussehende Farbmischung auf meiner Palette oben ist eine Mischung aus neuem Gamboge und tiefem Scharlachrot. Gelb plus ein bisschen Rot weil ich eine orangefarbene Farbe kreieren wollte. Die Farbe darunter ist einfach ein neues Gamboge, das ist mein Gelb, das ich für meine vorherige Farbmischung verwendet habe , plus ein bisschen Wasser. Gleich darunter habe ich meine dunkelgrüne Mischung, die einfach unterwassergrün von Daniel Smith ist , einem sehr dunklen, tiefen, satten Olivgrün. Genau das habe ich meine hellgrüne Farbmischung kreiert, die eine Mischung aus Unterwassergrün und Hansa-gelbem Licht ist . Indem ich dieses Gelb in dieses Dunkelgrün hinzufügte, konnte ich ein helleres Grün erzeugen. Schließlich habe ich für diesen zentralen Teil meiner Koneblumen ein paar verschiedene Brauntöne vorbereitet und diese kleinen braunen Pfützen in einem separaten Abschnitt meiner Farbmischpalette geschaffen in einem separaten Abschnitt meiner Farbmischpalette weil ich ich wollte nicht, dass sich diese Brauntöne mit meinen anderen Farben mischen, weil meine anderen Farben entsättigen oder stumm schalten würde , und wie gesagt, möchte ich, dass meine Farbe schön und hell und lebendig bleibt diese Blumen. Mein erstes helleres Braun, das ein rötliches Braun ist, ist nur eine schlichte verbrannte Sienna mit etwas Wasser, und das dunklere Braun ist verbrannte Sienna plus ein winzig winziges bisschen neutrale Tönung hinzugefügt das sieht aus wie ein dunkleres, schokoladenes Braun. Neutrale Tönung ist ein dunkelgrau, das zu Farben hinzugefügt werden kann , um sie zu verdunkeln. Wenn Sie diese Farbe nicht haben, eine gute Option, um sie zu ersetzen wäre eine gute Option, um sie zu ersetzen, das Grau von Payne. Sie können sogar mit einem Schwarz wie Elfenbeinschwarz oder Lampe Schwarz gehen , wenn Sie nur eines davon haben. Genau hier beschrifte ich nur die verschiedenen Farben, die ich gewählt habe, damit ich sicherstellen kann , dass ich die richtigen Farben verwende wenn es endlich an der Zeit ist, diese letzten Stücke zu erstellen. Es ist an der Zeit, mit der Auswahl der Farben fortzufahren , die wir für unser Wildrosenstück verwenden werden. Genau das Gleiche, was ich für die Coneflower Farbmischungen erwähnt habe , auch für diese. Wir möchten sicherstellen, dass wir erstellen der Blume zwei verschiedene Farben oder zwei verschiedene Versionen unserer Farbe für jeden Teil der Blume zwei verschiedene Farben oder zwei verschiedene Versionen unserer Farbe erstellen. Beachten Sie, wie saftig die Farbmischungen sind , die ich auf meiner Palette für mich selbst vorbereite. Es gibt eine gute Menge an Pigment und Farbsättigung, aber es gibt auch eine gute Menge Wasser in ihnen. Sie können die Bewegung und den Fluss, der durch diesen Wassergehalt erzeugt wird , in diesen Pfützen auf meiner Palette sehen. Dies ist die Konsistenz , nach der Sie suchen. In meinem ersten Skillshare-Kurs mit dem Titel Watercolor 101 spreche ich alles über die verschiedenen Konsistenzen, die Sie mit Aquarellfarbe verwenden können Aquarellfarbe verwenden , die Sie auf jeden Fall wissen sollten. Sie können sich diesen Kurs ansehen, wenn Sie mehr über die Konsistenzen von Aquarellfarben erfahren möchten . Aber es gibt die Tee-Konsistenz, es gibt die Konsistenz des Kaffees, die Milchkonsistenz und es gibt die Butterkonsistenz. Das ist im Wesentlichen ihre Bestellung von den meisten liquiden oder wässrigen bis zu den dicksten und gesättigtesten. Warum wir mit diesen Farbmischungen arbeiten, ist so etwas wie eine 50-prozentige Wasserfarbe von 50 Prozent, also irgendwo zwischen dem Kaffee milchähnlichen Konsistenz ist das, wonach Sie suchen. Es ist nicht nötig, sehr genau zu sein, aber Sie möchten sicherstellen, dass die Farbmischungen an Ihrem Gaumen, ein paar Pfützen, die Sie für sich selbst kreieren, eine gute Menge an Farbe enthalten in ihnen, damit Sie wirklich nur mit einer Farbschicht und einer schnellen Wäsche reingehen müssen . Denken Sie daran, dass Ihre Farbe höchstwahrscheinlich auf dem Papier ziemlich blass erscheint, wenn Ihre Farbmischungen zu viel Wasser höchstwahrscheinlich auf dem Papier ziemlich blass erscheint, enthalten sind. Sie werden das Bedürfnis haben, mit einer zweiten oder dritten Schicht reinzugehen , um diese Farbe gesättigter und lebendiger in Ihrem Gemälde zu machen diese Farbe gesättigter , und wir versuchen wirklich, mit nur reinzugehen ein schnelles Waschen der Farbe, nachdem wir unsere Stift- und Tintenarbeiten gemacht haben. Sehr wichtig, dass es eine gute Farbsättigung enthält, aber gleichzeitig wollen wir auch etwas Wasser in Ihrer Farbmischung. Warum? Denn wenn Sie nicht viel Wasser drin haben, können Sie Ihre Pinselborsten nicht effektiv aufladen und schnell malen können. Das letzte, was ich als Tipp geben möchte , der Ihnen hilft, effektiver an Ihrem letzten Stück zu arbeiten , ist, dass Sie sicherstellen möchten, dass Sie genug von Ihren verschiedenen Farben in Ihrer Farbe haben Mix-Palette, bevor Sie mit einem neuen Stück beginnen, oder zumindest bevor mit einem neuen Bereich Ihres Stücks beginnen. Der Grund dafür ist , dass unsere Farbe schnell trocknet und wenn Sie nicht genug Farbmischung auf Ihrer Farbmischpalette für Sie bereit auf Ihrer Farbmischpalette für Sie haben und Sie mehr erstellen müssen Diese Farbmischung, wenn Sie gerade einen bestimmten Bereich in Ihrer Blume malen, höchstwahrscheinlich werden Sie höchstwahrscheinlich mit einer scharfen definierten Kante um die vorherige Seite verlassen einer scharfen definierten Kante um Form , in die du gemalt hast, und das ist nicht unbedingt das, was wir wollen. Wir möchten in der Lage sein, einen Pinsel zu laden und schnell zu arbeiten und mehr Farbe aus unserer Palette zu nehmen und genau dort aufzunehmen, wo wir aufgehört haben, damit wir nicht mit diesen seltsamen Markierungen, Linien und Texturen. Die spezifischen Farben , die ich für das Wildrosenstück gewählt habe, sind für die Blütenblätter, ich werde Quinacridon Rose und französisches Ultramarin verwenden . erste kleine Pfütze auf meiner Mischpalette ist eine schlichte Quinacridonrose mit etwas Wasser drin. Die violette Farbmischung ist Quinacridon Rose plus ein bisschen französisches Ultramarin und etwas Wasser darin. Die Brauntöne, die ich für den zentralen Bereich der Blume vorbereitet habe, habe ich auf dem anderen Abschnitt meiner Farbmischpalette aus dem gleichen Grund , den ich zuvor erwähnt habe, ich will diese nicht braun , um mit meinen anderen Farben zu kommen, weil sie dadurch stumm werden. Aber ich werde einfarbig gelben Ocker verwenden , da mein helleres Goldbraun und mein dunkleres Braun einfach verbrannte Sienna sein wird. Schließlich werden meine Grüns für alle drei Blumenstücke genau gleich sein . Ich werde Unterwassergrün plus Hansa-gelbes Licht für mein helleres Grün und schlichtes Unterwassergrün als mein dunkleres Grün verwenden Unterwassergrün plus Hansa-gelbes Licht für mein helleres Grün und schlichtes . Genau hier nehme ich mir wieder eine kurze Sekunde Zeit, um all diese Farben zu beschriften, damit ich genau weiß, worauf ich greifen muss, wenn es darum geht, an meinen letzten Stücken zu arbeiten. Weiter zur Farbauswahl für unser letztes Stück, das das Narzissenstück sein wird. Wie Sie sehen können, habe ich mir eine kurze Sekunde Zeit genommen, um mein Wasser zu wechseln, bevor ich mit dem Umschaltvorgang begann , da Gelb sehr leicht mit trübem Wasser verschmutzt werden kann mit trübem Wasser verschmutzt da es sehr leicht ist und helle Farbe, und ich möchte sicherstellen, dass die Farben, die ich sehe, tatsächlich das sind , wie sie im letzten Stück aussehen werden . Alles, was ich in der Vergangenheit auch bei der Farbmischung mit Ihnen geteilt habe , gilt auch für dieses. Ich stelle sicher, dass ich für jeden Bereich der Blume zwei verschiedene Farben bereite . Viele der Narzissenblüten, die ich gesehen habe, haben zwei verschiedene Gelbe oder zwei verschiedene Farben in ihren Blütenblättern. Die konische Struktur in der Mitte ist manchmal ein dunkleres Gelb oder sogar ein Orange oder ein Orangerot auf einigen Bildern, die ich gesehen habe. Ich wollte eine gelbe und eine gelbe Orange vorbereiten. Bei Narzissen haben sie jedoch keinen bräunlich oder gar schwarz aussehenden Mittelteil wie andere Blumen. Dafür bereite ich eigentlich keine Brauntöne vor. Schließlich werden die beiden Grüns, die ich kreiere, genau die gleichen sein wie die beiden anderen Blumen. Für die Farben in meinen Blütenblättern habe ich mit schlichtem Hansa-gelbem Licht für mein helleres Gelb gewählt, mein dunkleres gelbliches Orange wird Hansa-gelbes Licht plus ein bisschen neues Gamboge sein, und für die Grüns in meinen Blättern verwende ich Unterwassergrün plus Hansa-gelbes Licht als mein helleres Grün und schlichtes Unterwassergrün für mein dunkleres Grün. Damit sind wir alle damit fertig, die Farben auszuwählen , die wir für unsere drei letzten Stücke verwenden werden. Erinnern Sie sich an alle Tipps, die ich in dieser Klasse gegeben habe , wenn Sie Ihre Farben mischen und während Sie sich in Ihrem Malprozess für Ihre letzten drei Stücke bewegen . Ich freue mich sehr, endlich mit dem ersten unserer letzten drei Stücke beginnen zu können, das unser Coneflower Stück sein wird. Wenn Sie bereit sind, mit Ihrem ersten letzten Stück zu beginnen und bereit sind alle erlangten Informationen und die Fähigkeiten , die Sie bisher geübt haben, zu verwenden erlangten Informationen und die Fähigkeiten , die Sie , schließen Sie sich an ich in der nächsten Klasse. Siehe Sieh dort. 9. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 9: Hey allerseits, willkommen bei der Klasse Nummer 8. Wir fangen endlich mit dem allerersten unserer drei letzten Blumenstücke aus Stift und Aquarell an. Dieser erste wird das Kegelblumenstück sein. Alle Informationen , die ich Ihnen in den letzten Kursen in diesem Kurs mitgeteilt habe , und die Fähigkeiten, die wir in den praktischen Kursen praktiziert haben den praktischen Kursen werden in diesen drei Teilen verwendet. Abgesehen davon werde ich einige Tipps zur Komposition geben . Ich werde einige Dinge erklären, die ich immer im Sinn habe, wenn ich meine vorläufige Bleistiftskizze erstelle, damit meine Stücke asymmetrisch ausbalanciert und interessant anzusehen sind . ohne viel weiteres Lasst uns ohne viel weiteres weitermachen und geradeaus reinspringen. Beginnen wir mit der Phase Nummer 1, und wir werden für alle unsere letzten Stücke dieselben drei Phasen durchlaufen . Für Phase Nummer 1 konzentrieren wir uns darauf, eine effektive vorläufige Bleistiftskizze zu erstellen , die im Wesentlichen die Knochen und die Grundlage für die nächsten beiden Phasen darstellt. Wir wollen nicht nur die Kegelblume zeichnen, indem wir die Vereinfachungs- und Visualisierungstechniken verwenden , die ich zuvor mit Ihnen geteilt habe, sondern wir möchten auch sicherstellen , dass wir es verwenden unser Zeichenraum effektiv und dass sowohl die Größe der Elemente , die wir zeichnen, als auch ihre Anordnung im Raum zu einer ausgewogenen, interessant aussehenden Komposition führen wird . Ich möchte Sie daran erinnern, in dieser Anfangsphase so leicht wie möglich zu zeichnen , damit Sie Fehler auf dem Weg löschen können , damit Ihr Bleistift durch Ihren Stift und Ihre Tinte und Ihr Aquarell nicht sichtbar ist wäscht am Ende und damit Sie Ihr Papier nicht zerkratzen oder beschädigen. Seit ich also mit meiner vorläufigen Bleistiftskizze beginne, stelle ich mir vor mit meiner vorläufigen Bleistiftskizze beginne, , wie ich in meinem letzten Stück aussehen möchte. Also wusste ich bereits, dass ich in diesem Stück dreikegelige Blumen hinzufügen würde . Ich wusste auch, dass ich wollte, dass alle meine Kegelblumen einen etwas anderen Winkel oder eine andere Ausrichtung im Raum haben . Ich wollte, dass meine Drei-Kegel-Blumen etwas andere Blickwinkel oder Perspektiven haben . Dies würde am Ende nicht nur realistischer aussehen, sondern auch interessanter. Ich erinnere mich an die visuellen Informationen, die ich aus den Referenzfotos gesammelt habe, die ich Ihnen in der vorherigen Klasse zum Zeichnen dieser drei Blumen mitgeteilt habe Ihnen in der vorherigen Klasse zum Zeichnen , und auch an die einfache Formen, die mir geholfen haben, diese besondere Blume in Klasse und die allgemeine Methode, die ich mit Ihnen teile, zu visualisieren, beginne ich mit diesem Prozess. Nun, wie Sie sich wahrscheinlich in Klasse 6 erinnern, üben wir, diese drei Blumen aus zwei verschiedenen Ansichten zu zeichnen ; Blick auf die Blume von oben und auch von einer Seitwärts - oder Höhenansicht, keine dieser drei Kegelblüten wird direkt von oben gut gesehen werden . Indem ich jedoch verstehe , wie diese Blume aus dieser Perspektive aussieht, kann ich diesen ursprünglichen Kreis jetzt verzerren. Ich kann es zerschlagen und mehr in eine ovale oder ellipsenartige Form verwandeln und diese Form je nach Perspektive und Ausrichtung neigen , die ich erreichen möchte. Diese einfachen Draufsicht- und Höhenplanzeichnungen , die wir am Anfang erstellt haben, ermöglichten es uns, die Struktur der Blume aus diesen beiden Perspektiven zu verstehen . Jetzt, da wir diese Struktur und die Hauptmerkmale der Blume verstanden haben , können wir noch einen Schritt weiter gehen und vorstellen, wie dieselben Formen aussehen würden uns vorstellen, wie dieselben Formen aussehen würden, wenn die Blume können wir noch einen Schritt weiter gehen und uns vorstellen, wie dieselben Formen aussehen würden, wenn die Blume etwas andere Orientierung im Raum, oder blickte mehr zur einen Seite als zur anderen Seite, oder schaute ein bisschen mehr nach unten oder nach oben. Normalerweise werden, was wir im wirklichen Leben Blumen sehen, ob es sich um einen Blumenstrauß oder ein Blumenarrangement handelt oder wir Blumen in der Natur sehen, eine Vielzahl von Orientierungen haben. Nicht alle von ihnen werden in die gleiche Richtung schauen. Sie werden unterschiedliche Neigungen haben usw. Ich möchte wirklich mit diesen Orientierungen spielen , weil dies dazu beitragen wird , dass mein Stück ein bisschen natürlicher und realistischer aussieht . Ich möchte mich auch von Steifheit und Ebenheit fernhalten. Abhängig von der Orientierung der Blume, die ich schaffen wollte, ging ich entweder mit dem Kreis, den ich aus der ersten Übung gelernt habe , in der wir auf die Blume hinunterblickten. Wenn ich eher eine seitliche Ansicht schaffen wollte, ging ich mit dem Regenschirm oder der Halbkreisform. Die Blume unten ist, wie Sie sehen können, eine Kombination aus beiden, fügte ich in den zentralen Abschnitten der Blumen hinzu, wie wir praktiziert haben, wo es bei dieser Orientierung sinnvoll war. Damit war ich fertig damit, meine Grundformen festzulegen. Abgesehen von der Festlegung dieser grundlegenden Formen, die es mir ermöglichen werden erfolgreicher zum nächsten Teil dieses Vorprozesses überzugehen, der mit dem Zeichnen beginnen wird meine Blütenblätter und meine Stiele und meine Blätter. Ich habe auch dafür gesorgt, dass diese Grundformen eine interessante Anordnung hatten und dass die Größen für die Größe des Aquarellpapiers, an dem ich arbeite, nicht zu groß oder zu klein waren . Wie Sie sehen können, habe ich sie in eine etwas dreieckige Anordnung gelegt . Dies wird mir helfen, eine asymmetrische Balance in meinem Stück zu schaffen , und es wird interessanter machen , es anzusehen. Ich wollte meine Blumen nicht in eine gerade Linie legen oder eine einzelne davon in der Mitte haben . Ich weiß, dass dies zu viel Symmetrie führen würde und Asymmetrie in einem Kunstwerk oft langweilig ist. Es ist immer hilfreich, nach Möglichkeiten zu suchen, wie wir eine asymmetrische Balance schaffen können , damit das Stück interessant zu betrachten sein kann. Dies wird auch den Augen der Zuschauer helfen, sich zu bewegen und durch das Stück zu fließen. Jetzt, da unser kompositorisches Arrangement sortiert wurde und diese ursprünglichen Formen festgelegt wurden. Ich fange an, die Blütenblätter zu zeichnen. Ich zeichne weiterhin so leicht wie möglich und erlaube mir diese ovale Form, erlaube mir diese ovale Form wie lange ich diese Blütenblätter machen kann. Ich erinnere mich an alles, was ich in dieser vergangenen Klasse geteilt habe, erinnere mich an die Besonderheiten Kegelblütenblätter, ihre Form, ihre ungefähre Anzahl, wie sie sich überlappen, und sorge auch dafür, dass ich eine Menge Unregelmäßigkeiten mit sich bringe , da es sich schließlich um ein organisches und natürliches Objekt handelt. Genau wie das, was ich mit meiner Übungsskizze gemacht habe, springe ich hier um das Oval und füge meine Blütenblätter nicht wirklich im Uhrzeigersinn oder gegen den Uhrzeigersinn hinzu, sondern springe um das Oval. Auch dies wird mir helfen, eine natürliche Überlappung der Blütenblätter zu erzeugen eine natürliche Überlappung der Blütenblätter und mich von dem Muster fernzuhalten, das Sie aussehen, ich möchte Blütenblätter verschiedene Arten und vielleicht zusammenreißen lassen bestimmte Abschnitte sogar etwas spärlicher aussehen als andere. Diese seitliche Ansicht habe ich mit dem Blütenblatt direkt in der Mitte angefangen . Sobald sich das zentrale Blütenblatt befindet, das in einer eher vertikalen Position nach unten hängt, ist es einfacher, die Blütenblätter auf beiden Seiten hinzuzufügen, die immer mehr gekrümmt werden ihren Weg zum linken und rechten Rand. Mit dieser Blume unten stelle ich mir wirklich vor, wie diese Blume und ihre Blütenblätter aus dieser besonderen Perspektive aussehen würden . Wie würden diese herabhängenden Blütenblätter , die alle mit dem Mittelteil verbunden sind , aus diesem Blickwinkel aussehen? Wir sehen hinten viel weniger Blütenblätter als die Blütenblätter vorne. Aus diesem Grund unterscheiden sich die Formen, die ich für diese Blütenblätter im Rücken kreiere für diese Blütenblätter im Rücken kreiere, stark von den Formen, die ich für die Blütenblätter vorne kreiere. Sie können auch sehen, wie ich in diesem zentralen Teil der Blume näher am oberen Rand dieser anfänglichen Ellipse als an der Unterkante hinzugefügt habe diesem zentralen Teil der Blume näher am oberen Rand dieser anfänglichen Ellipse als an , da dies für diese Perspektive einfach sinnvoller ist. Dann war es schließlich an der Zeit, die Stängel und die Blätter hinzuzufügen . Denken Sie daran, dass sie beim Hinzufügen Ihrer Stiele aussehen müssen, als wären sie an diesem zentralen Teil der Blume befestigt. Stellen Sie sich vor, sie wären in der Ausrichtung Wie Sie jedoch sehen können, habe ich darauf geachtet, diesen Stielen subtile Kurven hinzuzufügen , anstatt nur perfekte vertikale Linien zu erzeugen , die zu einer großen Steifigkeit führen würden. Auch hier würde es einfach nicht natürlich aussehen. Als es an der Zeit war, die Blätter zu zeichnen, habe ich auch an alle besonderen Eigenschaften für die Blätter dieser Blume erinnert besonderen Eigenschaften für . Ich erinnerte mich, dass Kegelblütenblätter nicht zu lang und nicht zu kurz sind. Sie sind am Ende spitz und haben glatte Kanten. Dies ist eine vollständige Komposition, die wir mit diesen drei Blumen kreieren. Sie können sehen, dass die Blütenblätter die Hauptelemente oder Brennpunkte dieses Stücks sind, und dann können die Blätter als sekundäre Elemente angesehen werden. Die Blätter sind sekundäre unterstützende Elemente. Obwohl ich sicherstellen wollte, dass ich etwas hinzufügen wollte, wollte ich nicht mit der Menge über Bord gehen oder sie auf eine Weise platzieren, die zu ablenkend wäre. Ich habe auch darauf geachtet, mit der Orientierung der Blätter zu spielen . Ich wollte eine gewisse Abwechslung in den Winkeln, die sie geschaffen haben, und ihrer Form. In Ordnung, weiter zur Phase Nummer zwei, die die Stift- und Tintenphase sein wird. Ziel bei dieser Phase wird es sein, Außenkanten zu definieren und auch ein bisschen mehr Details hinzuzufügen . Sie werden sehen, wie ich etwas detaillierter hinzufüge als bei meinen ersten Übungsskizzen, aber ich möchte es trotzdem minimal halten. Ich möchte mit dem Arbeitsaufwand, den ich mit meinem Stift und meiner Tinte mache, nicht über Bord Arbeitsaufwand, den ich mit meinem Stift und meiner Tinte mache, gehen, weil ich Aquarell einbringen werde und wir einen lockeren, ausdrucksstarken Look für diese Stücke wollen . Denken Sie daran, Ihr Bestes zu geben, um es in Bewegung zu halten, es am Laufen zu halten, nicht an einer einzigen Stelle stecken zu bleiben, und denken Sie daran, dass die Variation des Liniengewichts entscheidend ist. Denken Sie an die vier Dinge , über die ich zuvor gesprochen habe , die dazu beitragen, dass Sie diese Variation des Liniengewichts entwickeln können . Die erste ist die Stiftspitzengröße. Sie könnten eine zweite Stiftspitzengröße einbringen, die Ihnen hilft, dickere Linien und dünnere Linien zu entwickeln . Der zweite ist der Winkel , in dem Sie Ihren Stift verwenden. Sie können es in einer eher 90-Grad-oder aufrechten Position verwenden , um dickere, kühnere Linien und mehr in einem Winkel von 45 bis 35 Grad für dünnere, leichtere Linien zu erhalten. Die dritte Variable ist die Geschwindigkeit, mit der Sie Hand und Arm bewegen. Je schneller Sie es bewegen, desto dünner und leichter sind die Linien und je langsamer Sie sich bewegen, desto dicker und mutiger desto dicker und mutiger werden Ihre Linien sein weil mehr Tinte mach die Feder des Stiftes runter. Schließlich gibt es auch den Druck, Sie auf das Papier ausüben. Je mehr Druck, desto kühner die Leitung, desto weniger Druck, desto dünner und leichter wird die Leitung. Versuchen Sie, diese Variablen auf verschiedene Arten zu kombinieren oder untersuchen Sie sie einzeln. Genau hier füge ich ein paar Markierungen im zentralen Teil der Blume hinzu. Ich erinnerte mich an die Textur, die ich auf diesen Referenzfotos für Kegelblumen sah , und wählte einfach eine Art Marke, von der ich dachte, dass sie mir helfen würde, das zu beschreiben. Ich habe mich für umgekehrte Tropfenformen entschieden und habe nur dafür gesorgt, diese Markierungen auf sehr unregelmäßige Weise wieder hinzuzufügen , wirklich mein Bestes zu geben, um mich von jedem musterlichen Look oder organisierten Look fernzuhalten jedem musterlichen Look oder organisierten Look fernzuhalten etwas größer, einige kleiner machen und sie auf verschiedene Arten angeln. Ich habe auch sehr schnell einige Details in die Blütenblätter selbst hinzugefügt . Dies sind nur längere, geschwungene Linien, die ich sehr schnell und sehr schnell innerhalb dieser Formen erstellt habe . Sie können wahrscheinlich sehen, wie diese Linien im Vergleich zu den Konturlinien für diese Blütenblätter sehr dünn sind. Ich wollte nicht, dass diese beiden Linien konkurrieren, also sorgte ich dafür, ein geringeres visuelles Gewicht in diesen inneren Linien und Markierungen zu erzeugen , die ich für die Texturen in den Blütenblättern hinzugefügt habe . Ich stelle sicher, dass ich meinen Arm und mein Handgelenk viel schneller bewege und ich berühre auch kaum die Spitze meines Stiftes zu meinem Papier, wenn ich die Linien hinzufüge , die ich im visuellen Gewicht leichter machen möchte . Während die Konturlinien draußen an den Rändern der Blütenblätter liegen, nähere ich mich etwas langsamer und übe nur ein bisschen mehr Druck aus. Indem Sie diese beiden Variablen steuern, also die Geschwindigkeit und den Druck, können Sie sehen, wie diese Linien, die ich in den Blütenblättern erstelle, heller und dünner aussehen und die Linien die ich im Äußeren erstelle, sehen die Außenkontur für diese Blütenblätter dicker und dunkler aus. Dies ist ein Beispiel dafür , wie ich Variation des Liniengewichts achtsam einsetze. Ich fahre vorsichtig, aber schnell meine Bleistiftarbeit nach und ich nehme wirklich alle Unvollkommenheiten, Wackeln und Unregelmäßigkeiten an, die auf dem Weg passieren könnten. Ich achte darauf, bestimmte Stammabschnitte nicht zu verfolgen, insbesondere in anderen kleinen Teilen von Blättern oder Blütenblättern , die tatsächlich von einem anderen Element bedeckt wären, das sich vor ihnen befindet. Zum Beispiel ist diese Blume unten hier vor dem Stängel dieser Blume dahinter , also muss ich darauf achten, dass ich nicht über diesen Abschnitt des Stängels der Blume dahinter zurückverfolgen Stängels der Blume dahinter zurückverfolgen wenn ich die Illusion erschaffen möchte, dass diese Blume unten vor der Blume dahinter steht. Es deckt den Stamm teilweise ab. Wir müssen mit so etwas vorsichtig sein, weil Tinte dauerhaft ist und wir sie nicht löschen können. Ich beende gerade diese Blume unten und habe dafür gesorgt, dass meine Linienarbeit und meine Arten von Markierungen , die ich verwende, in all diesen Kegelblüten konsistent bleiben und meine Arten von Markierungen , die ich verwende . Ich bin fertig mit dem Stift und der Tinte. Ich habe alles etwa 15-20 Minuten trocknen lassen und nehme jetzt meinen weichen Graphit-Radiergummi und lösche die gesamte Bleistiftarbeit aus. Sie werden auch feststellen, dass ich diese Radiergummis mit meinem saugfähigen Handtuch abstaube , das zu diesem Zeitpunkt völlig trocken ist , weil ich meine Hände nicht benutzen möchte , um dies abzustauben. Wir können Öle in unseren Händen haben , die, wenn sie auf unser Aquarellpapier kommen, beim Malen Fleckigkeit erzeugen können. Genau hier bemerkte ich, dass ich einen kleinen Teil des Stiels für die zentrale Blume verpasst einen kleinen Teil des Stiels für die habe, also stelle ich sicher ihn hinzufüge, bevor ich vorwärts gehe. Schließlich gehen wir zu Phase Nummer 3 über, die die Aquarellwaschanlage sein wird. Wir haben bereits die spezifischen Farben ausgewählt , die wir für jedes Stück verwenden werden. Jetzt muss sichergestellt werden , dass wir eine gute Menge dieser schönen saftigen Farbmischungen auf unserer Palette für uns vorbereitet haben, bevor wir anfangen. Denken Sie daran, dass es sehr wichtig ist , dass die Konsistenz Ihrer verschiedenen Farbmischungen für das, was wir heute versuchen, hilfreich ist, nämlich unsere Pinselborsten gut zu laden. und wir möchten gut und schnell arbeiten können , und dass Sie sicherstellen möchten , dass Sie am Gaumen genug Ihrer verschiedenen Farbmischungen für Sie bereit haben Ihrer verschiedenen Farbmischungen . Sowohl die Konsistenz Ihrer Farbe die Farbmenge müssen für das, was Sie versuchen, sinnvoll sein. Ich arbeite daran, schöne saftige Farbmischungen für mich selbst auf meinem Mischbereich zuzubereiten . Der erste Schritt, die Spitze, ist die Orange, die ich durch das Mischen neuer Gamboge und tiefes Scharlachrot geschaffen habe . Direkt darunter habe ich einfach neues Gamboge mit etwas Wasser drin. Dann habe ich meine zwei Grüns, mein dunkleres Grün und helleres Grün. Das dunklere Grün ist schlichtes Unterwassergrün und das hellere Grün ist eine Mischung aus Unterwassergrün und Hansa-gelbem Licht. Dann habe ich auf der anderen Seite meines Mischbereichs meine zwei Brauntönen. Das hellere Braun ist verbrannte Sienna mit etwas Wasser darin, und das dunklere Braun ist verbrannte Sienna plus ein bisschen neutrale Tönung. Ich benutze meinen Rundpinsel der Größe 10 für alles. Das allererste , was ich male ist der zentrale Teil der Blumen. Wie Sie wissen, haben wir zwei verschiedene Farben für diese zentralen Bereiche vorbereitet , das hellere Braun und das dunklere Braun. Für all diese verschiedenen Teile der Blume arbeite ich zuerst in der hellsten Farbe, die ich vorbereitet habe, und dann lasse ich die dunklere Farbe fallen während diese anfängliche hellere Schicht noch nass ist. Dies wird zu schönen weichen Übergängen zwischen meinen helleren und dunkleren Farben führen. Weil ich diese dunklere Farbe einfalle während diese anfängliche hellere Farbe noch nass ist, dehnt sich diese dunklere Farbe aus und blutet in diese hellere Schicht ein und erzeugt schöne diffuse Soft-Effekte. Damit dies geschieht, müssen Sie relativ schnell arbeiten, da diese Farbe sofort mit dem Trocknen beginnt wenn Sie sie auf Papier legen. Wenn die Farbe und die erste Schicht trocknen, bevor Sie die dunklere Farbe einfallen , wird sich diese zweite Farbe nicht in diese Nässe ausdehnen. sind ziemlich kleine Formen , in denen wir malen also müssen wir über die Wasserkontrolle auf dem Laufenden bleiben. Wenn Sie viel zu viel Wasser in Ihren Pinselborsten haben oder viel zu viel von der Ihrer Farben , in die Sie fallen viel zu viel von der Ihrer Farben , in , fallen, können Sie anfangen, die Kontrolle zu verlieren. Jedes Mal, wenn Sie in Ihren Wasserbehälter gehen, stellen Sie sicher, dass Sie die Borsten Ihres Pinsels vorsichtig an der Oberseite Ihres Behälters abkratzen , damit überschüssiges Wasser nach unten tropfen kann. Stellt sicher, dass die Größe des Pinsels, den Sie verwenden, für diese Größen dieser Formen geeignet ist für diese Größen dieser Formen geeignet , die wir malen. Helfen Sie sich auch weiterhin mit Ihrem saugfähigen Handtuch. Auf dem Weg dorthin werden Sie feststellen, dass ich ständig die Spitze meines Pinsels auf mein saugfähiges Handtuch berühre , um sicherzustellen, dass ich nicht mit zu viel Wasser reingehe . Genau hier siehst du, wie ich etwas anhebe. Heben ist eine sehr hilfreiche Technik. Wann immer Sie das Gefühl haben, viel zu viel gesättigte Farbe in irgendeinen Bereich gefallen zu haben, oder dass die dunklere Farbe, die Sie in Ihre hellere Farbe fallen viel zu schnell erweitert und Wenn Sie die vorherige hellere Farbe vollständig verdecken, können Sie diesen Schmerz sofort von Ihren Pinselborsten entfernen, das überschüssige Wasser entfernen, indem Sie die Spitze Ihrer Borsten auf Ihr saugfähiges Handtuch berühren und hineingehen um diese überschüssige Farbe mit Ihren Pinselborsten als wenig saugfähigen Schwamm zu heben mit Ihren Pinselborsten . Sie können auch mit ihrem saugfähigen Handtuch reingehen. Solange Sie dies schnell tun und diese Farbe noch nass ist, können Sie einen Teil dieser überschüssigen Farbe anheben Teil dieser überschüssigen Farbe ein bisschen mehr von dieser helleren Farbe aufdecken darunter und erhellt bestimmte Abschnitte , die Sie vielleicht versehentlich viel zu sehr verdunkelt haben. Anheben kann Ihnen wirklich helfen, in Bereichen, die vielleicht etwas zu schwer oder zu flach aussehen, Dimension hinzuzufügen Bereichen, die vielleicht etwas zu schwer oder zu flach aussehen . Am Ende des Tages wird es vor allem sein, in all diesen verschiedenen Teilen der Blume eine Vielzahl von Farben und Werten zu schaffen der Blume eine Vielzahl von Farben und . Nachdem ich mit dem zentralen Teil dieser Blumen fertig bin, beginne ich mit dem Malen der Blütenblätter. Als ich anfing, die Blütenblätter zu malen, waren diese zentralen Abschnitte bereits trocken. Wenn Ihre Brauntöne nicht vollständig trocken sind und Sie anfangen, die Blütenblätter einzumalen, können diese Brauntöne in Ihre gelben und orangefarbenen Blütenblätter bluten . Wenn Sie nicht möchten, dass dies geschieht, warten Sie einfach ein bisschen länger bis diese zentralen Marken-Abschnitte einige Künstler wie das Aussehen dieser Blutung trocknen . Es liegt ganz bei dir und deinem Geschmack. Ich habe darauf geachtet, das gesamte Braun für meine Pinselborsten zu entfernen , bevor ich mein Gelb und mein Orange benutzte. Denn wenn Sie braune Borsten in Ihren Pinselborsten haben , die Sie nicht entfernt haben, wird dieses Braun anfangen zu sickern, vermischt sich mit diesen helleren Farben und es wird sie stumm schalten oder entsättige sie. Wir suchen nach leuchtenden leuchtenden Farben, besonders für die Blütenblätter. Aber die Methode, mit der ich die Blütenblätter und all diese verschiedenen Bereiche der Blume male , ist genau dieselbe. Ich gehe zuerst mit einer helleren Farbe der beiden rein. In diesem Fall ist es das Gelb. Während diese anfängliche hellere Farbschicht noch nass ist, lasse ich ein wenig von der dunkleren Farbe fallen, die in diesem Fall die Orange ist. Ich bin sehr unregelmäßig darüber, wo ich meine Orange einfalle, aber es ist hilfreich zumindest anzuerkennen welche Teile dieser Blütenblätter am dunkelsten wären. In diesen Bereichen können Sie die zweite Farbe eintragen. Vielleicht können Sie entscheiden, wo sich Blütenblätter überlappen, Schatten aufeinander erzeugen oder einfach nur unter Berücksichtigung der Kurve und Struktur der Blütenblätter Schatten aufeinander erzeugen oder einfach nur unter Berücksichtigung der Kurve und Struktur der Blütenblätter wo du deine dunklere Farbe einfällt. Wenn Sie nun feststellen, dass Ihre Farbe viel zu schnell trocknet , bevor Sie Ihre zweite Farbe einfallen, könnte Ihnen helfen , Ihre Pinselborsten über den gesamten Bereich zu führen 2-3 mal mit dieser ersten Farbe, bevor Sie die nächste Farbe einfallen. Dies wird dazu beitragen , dass die anfängliche Schicht etwas länger feuchter bleibt , und wir werden es viel wahrscheinlicher machen , dass Sie zu diesen schönen, weichen, diffusierten Farbverläufen gelangen . Mit anderen Worten, malen Sie etwas länger in dieser ersten hellsten Farbe. Führen Sie Ihre Pinselborsten 2-3 Mal über diese Form und lassen Sie dann Ihre zweite Farbe fallen . Sie während des Malvorgangs sicher, dass Sie weiterhin die Konsistenz Ihrer Farbmischungen am Gaumen bemerken . Denken Sie daran, dass Sie eine gute Menge Farbe darin haben möchten, aber auch eine gute Menge Wasser darin. Du willst wirklich mit der Transluzenz des Mediums spielen. Wenn einer dieser Teile Ihrer Blumen, die Sie bisher gemalt haben, sehr schwer, sehr flach oder vielleicht sogar sehr dunkel aussieht . Es bedeutet wahrscheinlich , dass Sie ein bisschen mehr Wasser verwenden müssen . Ich bin fast fertig damit, die Blütenblätter hier einzumalen. Nachdem ich mit den Blütenblättern fertig bin, werde ich die Stiele und die Blätter einmalen . Das Gleiche gilt für die Stängel und die Blätter. Ich werde all das Gelb und Orange für meine Pinselborsten entfernen , und dann fange ich zuerst mit dem leichtesten Grün an. Während das anfängliche hellste Grün noch nass ist, werde ich mein dunkelstes Grün eintauchen. Da die Stiele so schmal sind, möchte ich sicherstellen , dass ich sie nur mit der Spitze meines Pinsels male . Wenn es um die Blätter selbst geht, da es sich um größere Formen handelt, kann ich den Bauch meines Pinsels ein bisschen mehr nach unten drücken . Etwas, das Sie bemerken werden, ist, wie ich ein wenig winzig kleine Highlight-Formen in meinen Blättern unbemalt lasse . Diese Highlight-Formen, die ich nicht wirklich geplant habe, passieren einfach organisch, da ich meinen Pinsel schnell und auf verschiedene Arten bewege . Es kommt alles auf die Idee zurück , die ich mit Ihnen in einer anderen Klasse geteilt habe , in der wir mit Aquarell arbeiten. Es ist sehr wichtig zu sehen, wie wir das integrieren können Helligkeit des Papiers unter der Farbe als Teil des Stücks. Ich benutze dieses Papier, um für meine Highlights an Ort und Stelle zu stehen. Dies wird mir helfen, nicht nur den Wertebereich zu erweitern, den ich durch die Verwendung verschiedener Farben und unterschiedlicher Transluzenz entwickeln möchte, weil Sie daran denken, dass es sich um verschiedener Farben und unterschiedlicher Transluzenz entwickeln möchte, weil Sie daran denken, dass es sich diesen Bereich von Werte mit leichtesten Lichtbereichen, Mitteltonbereichen und dunkelsten Bereichen, die uns helfen werden, Dimension und ein gewisses Maß an Realismus in diesem losen Stück zu entwickeln Dimension und ein gewisses Maß . Aber indem ich diese Helligkeit des Papiers einbinde, werde ich auch zu diesem schönen , hellen, leuchtenden Look kommen schönen , hellen, leuchtenden , der für dieses Medium besonders ist. gerade mit dem letzten Schliff mit meinem dunkelsten Grün hier fertig. werde ich alles mit diesem losen Blumenstück aus Tinte und Aquarell fertig sein . Ich freue mich sehr , mit unserem zweiten letzten gemischten Medienblumenstück anzufangen , das das Wildrosenstück sein wird. Die Techniken und der Gesamtprozess für diese drei letzten Stücke werden genau gleich sein, was großartig ist, weil es uns wirklich die Möglichkeit gibt , den Prozess zu verbessern, um wirklich üben und bügeln Sie alle Kleinigkeiten aus, mit denen Sie möglicherweise zu kämpfen haben, und machen Sie diesen Prozess sogar zu Ihrem eigenen. Mein Freund also, sobald du bereit bist, sehen uns in der nächsten Klasse. 10. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 10: Hey Freund, willkommen zurück. Dies ist Klasse Nummer 9 in diesem Kurs. Wir werden an dem Wildrosen-Stift und dem Aquarellwaschstück arbeiten . Wie ich in unserer letzten Klasse erwähnt habe, werden die Techniken und der Gesamtprozess genau die gleichen sein wie beim Kegelblumenstück. Natürlich wird das Trocknen der Blumen, die Farben, die wir verwenden werden, und die Komposition selbst anders sein. kurzerhand weitermachen Lasst uns kurzerhand weitermachen und direkt in die Phase Nummer 1 springen, die die vorläufige Phase der Bleistiftskizzierung sein wird . Sie möchten leicht zeichnen, damit Sie Ihre Fehler auf dem Weg löschen können, damit Sie am Ende dieses Vorgangs nicht sehen, dass Ihr Bleistift durch Ihren Stift, Tinte und Ihre Farbe arbeitet . Auch dass Sie Ihr Papier nicht zerkratzen oder beschädigen. Denken Sie an das Ziel dieser Anfangsphase. Wir legen die Knochen und die Grundlage für alles , was als nächstes kommt, nieder. Wir konzentrieren uns darauf, unseren Zeichenraum effektiv zu nutzen. Wir möchten sicherstellen, dass die Formen, die wir niederlegen, nicht zu groß sind, dass sie in diesem Raum eng aussehen und nicht zu klein aussehen, dass wir einen Haufen leeren negativen Raum um sich herum haben . Es ist auch wichtig, dass wir in diesem Teil des Prozesses darüber nachdenken, die Blumenproportionen richtig zu machen. Mit anderen Worten, die Größen dieser verschiedenen Teile dieser Blüten müssen im Verhältnis zueinander sinnvoll sein. Unter Berücksichtigung natürlich alles, was wir für Wildrosen gelernt haben. Wir möchten auch sicherstellen , dass wir uns an die grundlegenden Formen erinnern , die wir in Klasse 6 für diese besondere Blume praktiziert haben . Dass sie etwas andere Perspektiven oder Variationen der Blumen zeigen , so dass unser Stück interessant aussieht und ein natürliches Aussehen hat. Wir wollen auch über kompositorische Arrangements nachdenken. Deshalb möchte ich diese Blumen nicht in einer geraden Linie zeichnen . Ich möchte keine bestimmte Blume direkt in die Mitte stellen . Ich werde versuchen, hier eine weitere dreieckige Anordnung zu verwenden , damit ich eine asymmetrische Balance schaffen und die Augen des Betrachters durch das Stück fließen lassen kann. Ich habe mir noch einmal an die grundlegenden Formen erinnert , die ich verwendet habe, um diese besondere Blume zu vereinfachen und zu visualisieren, als wir Zeichnen dieser Blumen zunächst in Klasse 6 übten . Wieder einmal haben wir für die Wildrose einen Kreis innerhalb eines anderen Kreises und wir haben eine Regenschirm- oder Halbkreisform. Genau wie bei dem Kegelblumenstück , an dem wir gerade gearbeitet haben, habe ich diese Grundformen leicht verzerrt oder geneigt. Für die oberste Blume habe ich diesen Kreis zerquetscht und ihn eher in eine ovale oder Ellipsenform verwandelt . Aber wenn es um die Blume in der Mitte geht, habe ich diese Schirmform ein wenig geneigt. Dies ist so, dass diese Blumen ein bisschen natürlicher aussehen können und ich kann mich von Steifheit oder Formen fernhalten , die ein bisschen zu organisiert sind, um realistisch auszusehen. Ich habe unten eine neue Variante dieser Blumen hinzugefügt . Sie können sehen, wie ich in einer kleineren ovalen Form hinzugefügt habe. Das ist die Grundform , die ich in eine kleine Wildrosenzwiebel verwandeln werde. Ich dachte, dies wäre eine großartige Ergänzung zu dem Stück, das dieser Komposition Abwechslung und Interesse verleihen würde . Ich habe mir gerade daran erinnert, wie Rosenzwiebeln aussehen, und wählte dann eine Grundform, um mich niederzulegen , damit ich zum nächsten Teil dieses Prozesses übergehen kann. Sobald diese Grundformen in meinem Zeichenbereich platziert waren, war es an der Zeit, sie in mittelgroße Formen zu zerlegen. Ich gehe rein und zerlege dieses größere Oval in fünf kleinere Ovale , die für die Blütenblätter stehen werden, die ich als nächstes ausprobieren werde. Ich erinnere mich an alle Eigenschaften von Wildrosen, die ich erfahren habe, als ich diese Referenzfotos beobachtete . Ich erinnere mich an die Form dieser Blütenblätter, die Größe dieser Blütenblätter und ihre ungefähre Anzahl. Wildrosen haben fünf größere, sehr abgerundete Blütenblätter, die der Oberseite unregelmäßige Kanten haben. Im Moment halte ich die Dinge super einfach. Ich werde diese unregelmäßigen Kanten erst später erstellen . Genau hier fange ich an, dem Rose Bowl ein bisschen mehr Details hinzuzufügen . Ich fügte in einer geschwungenen Linie hinzu , dass diese dort wie separate Blütenblätter und auch ein paar Blätter aussehen können . Es war dann an der Zeit, die Stängel und die Blätter hinzuzufügen. Denken Sie daran, dass die Stiele so aussehen müssen, als wären sie an diesem zentralen Teil der Blume befestigt. Gleichzeitig möchten Sie jedoch leichte Kurven hinzufügen , die Sie von der Steifheit fernhalten können. Als es an der Zeit war, die Blätter hinzuzufügen , dachte ich daran, was ich über Wildrosenblätter wahr gelernt habe . Ich erinnere mich dass sie etwas kürzer sind, am Ende spitz sind, sie haben Zahnkanten und es gibt mehrere Blätter, die aus demselben Stamm kommen. Ich werde diese unregelmäßigen Zahnkanten später mit meinem Stift und meiner Tinte erstellen . Ich halte die Dinge hier einfach. Auch hier können Sie diese Blätter als sekundäre unterstützende Elemente betrachten . Die Blütenblattbereiche selbst sind die Hauptschwerpunkte für dieses Stück. Obwohl wir auf jeden Fall einige Blätter hinzufügen möchten, wollen wir mit dem Betrag nicht über Bord gehen. Sie beim Hinzufügen der Stiele und Blätter, Beachten Sie beim Hinzufügen der Stiele und Blätter, welche Elemente sich überlappen oder andere Elemente hinter ihnen abdecken. Auf diese Weise besteht eine geringere Wahrscheinlichkeit, dass Sie bestimmte Abschnitte verfolgen, die am Ende nicht sichtbar sein sollten, wenn Sie Dinge einfärben bestimmte Abschnitte verfolgen, die am Ende nicht sichtbar sein sollten, . Meine Freunde. Lassen Sie uns in die Phase Nummer 2 einsteigen, die Stift- und Tintenphase ist. Denken Sie an die Ziele für diese Phase. Wir verfolgen unsere Bleistiftarbeiten, definieren Kanten und fügen detailliert hinzu , die wir noch nicht hinzugefügt haben. Sie werden zum Beispiel feststellen, dass ich die unregelmäßigen Kanten in den äußeren Abschnitten dieser Blütenblätter hinzufüge . Ich füge auch ausführlicher im zentralen Teil der Blume hinzu, wo ich diese Textur beschreiben möchte. Ich weiß noch, wie wilde Rosen die Pistole und das Staubgefäß in diesem zentralen Abschnitt haben . Ich denke darüber nach, welche bestimmten Arten von Markierungen mir helfen können, diese Elemente schnell, einfach und auf minimale Weise zu beschreiben. Ich bin mit kurzen Zeilen mit einer Schleife an der Spitze gegangen. Ich habe gerade dafür gesorgt, dass diese kleinen Markierungen, die ich hinzugefügt habe große Größenunterschiede in den Ausrichtungen aufweisen. Manchmal war die Schleife nach rechts, manchmal war die Schleife nach links. Einige von ihnen zeigten zur Seite, einige von ihnen zeigten nach unten usw. Nachdem ich dieses Detail hinzufügte, machte ich mich auf den Weg nach unten. Genau wie beim vorherigen Kegelblumenstück habe ich dafür gesorgt, dass ich die Variation des Liniengewichts im Auge habe. Ich möchte mich vom Aussehen schwerer, dicker, kühner Umrisse und dieser Malbuchvorlage Cartoony-Look fernhalten kühner Umrisse und . Ich halte es in Bewegung und halte es am Laufen. Irgendwelche Unvollkommenheiten, Wackeln, Unregelmäßigkeiten, die auf dem Weg passieren, umarme ich mich einfach und mache weiter. Sie können sehen, wie sich einige Abschnitte meiner Leitungen nicht einmal verbinden. Ich denke an diese vier Variablen , die mir helfen werden, während meiner gesamten Arbeit eine Variation des Liniengewichts zu erreichen . Ich verwende für all diese Teile nur einen gleichen Stift, aber ich verschiebe und ändere den Druck, den ich auf meinen Stift ausübe, den Winkel, in dem ich meinen Stift verwende, und die Geschwindigkeit, mit der ich mich bewege meine Hand und mein Arm. Genau hier siehst du, wie ich die Zahnkante in diesen Blättern hinzufüge . Ich bin sehr vorsichtig und stelle sicher , dass diese kleinen spitzen Enden alle konsistent sind und in die gleiche Richtung zeigen sie zeigen sollten, in die von der Blume entfernt ist. Dies ist ein herausforderndes Detail , das ich persönlich hinzufügen kann. Wenn es um diese Art von Detail geht, blicke ich immer auf meine Referenzfotos zurück , nur um sicherzustellen , dass ich das Detail richtig hinzufüge. Wenn Sie es also zu irgendeinem Zeitpunkt hilfreich finden , sich diese Referenzfotos oder sogar zusätzliche Fotos, die Sie für sich selbst finden, noch einmal anzusehen, Sie sich Zeit dafür, bevor Sie diese Details einzeichnen. Also füge ich endlich diese zentrale Ader in den Blättern hinzu. Ich habe versucht, diese zentrale Vene im visuellen Gewicht etwas leichter zu machen als die äußeren Konturen dieser Blätter. Nachdem ich fertig war, ließ ich alles vollständig trocknen. Ich würde empfehlen, 10-15 Minuten einzusehen, bevor Sie Ihren Graphit löschen da er möglicherweise mit meinem weichen Graphit-Radiergummi hineingehen kann , um alle meine Bleistiftarbeiten sehr sorgfältig zu löschen, und dann Anstatt meine Hand zu benutzen, um diese Radiergummis abzustauben, benutzte ich mein trockenes saugfähiges Handtuch, das ich für meinen Aquarellprozess verwenden werde . Auf diese Weise bekomme ich keine Handöle auf mein Papier und genau hier, bevor ich vorankomme, habe ich beschlossen, ein paar zusätzliche Linien und Markierungen in diesen Blütenblättern hinzuzufügen , um ein wenig Dimension zu vermitteln und Beschaffenheit in diesen Blütenblättern. Sie können sehen, wie ich das Gleiche gemacht habe wie mit dem Kegelblumenstück für diese Linien. Ich sorgte dafür, dass ich mich schnell bewegte und mit meinem Stift einen sehr geringen Druck auf mein Papier ausübte mit meinem Stift einen sehr geringen Druck auf mein Papier , damit diese Linien und Markierungen viel leichter aussehen als die Linien, die die äußeren Konturen erzeugen dieser Blütenblatt-Formen. Damit war ich alles fertig mit meiner Stift- und Tintenphase. Es ist jetzt an der Zeit, zur Phase Nummer drei überzugehen, nämlich die Phase der Wasserfarbe . Wir haben bereits die spezifischen Farben ausgewählt , die wir für dieses Stück verwenden werden, und wir möchten sicherstellen, dass wir genug unserer verschiedenen Farbmischungen an unserem Gaumen vorbereiten und dass die Konsistenzen, mit denen wir sie schaffen , werden für die Art der Arbeit, die wir heute leisten, angemessen sein . Wir wollen also eine gute Menge an schönen, saftigen Farbmischungen für all diese verschiedenen Farben, die wir brauchen. Wir suchen in diesen Mischungen nach rund 50 Prozent Wasser, 50 Prozent Pigment , damit wir gut aufladen oder pinseln können und unsere Farbarbeit in nur einer Schicht erledigen können. Oben auf meinem Mischbereich bereite ich meine zwei verschiedenen Grüns vor, mein helleres Grün und mein dunkleres Grün. Das hellere Grün ist wieder eine Mischung aus Unterwassergrün und gibt ein gelbes Licht. Das dunklere Grün ist schlichtes Unterwassergrün mit etwas Wasser drin. Im unteren Bereich bereitete ich mein Violett und mein Rosa vor. Mein Lila ist Quinacridonrose mit etwas französischem Ultramarin und die rosa Mischung ist schlichte Quinacridonrose mit etwas Wasser. Für meine Brauntöne, die ich auf der anderen Seite meines Mischbereichs vorbereitet habe . Ich verwende einfach gelben Ocker mit etwas Wasser darin und einfach verbrannter Sienna mit etwas Wasser darin. Arbeit an diesen Farbmischungen hier und sobald ich mit allen Farben fertig bin, die ich brauche, ist es an der Zeit, mit dem Malprozess zu beginnen. Ich benutze meinen Rundpinsel der Größe 10 für alles. Ich beginne wieder mit dem zentralen Teil dieser Blume, den wir oben sehen immer von Licht zu Dunkelheit arbeiten. Wie Sie sehen können, habe ich zuerst mit meinem gelben Ocker angefangen , der mein helleres, goldbraun ist. Ich malte diesen Mittelteil hinein und während das anfängliche hellere Braun da drin noch nass war, fiel ich ein bisschen von meinem dunkleren Braun ein. Dies ist also die einzige Blume, die diesen zentralen Bereich zeigt. Also ging ich weiter und entfernte all das Braun von meinen Pinselborsten und fing an, diese Wildrose darunter zu malen . Der Grund, warum ich an dieser Wildrose gearbeitet anstatt sofort die Blütenblätter in der Oberseite zu malen , ist, denn wenn ich angefangen hätte, die rosa Blütenblätter in der oberen zu malen , Diese Brauntöne in diesem zentralen Teil, in den ich gerade gemalt habe, sind immer noch nass. Ich könnte riskieren, dass diese Brauntöne in mein Rosa und mein Violett bluten. Wenn Sie also nicht möchten, dass diese Blutung auftritt, lassen Sie den zentralen Abschnitt vollständig trocknen, bevor Sie die Blütenblätter einstreichen. Was ich hier mache ist, dass ich zuerst mit meinem Flugzeug Quinacridon Rose, meiner rosa Farbe, reingegangen bin, die heller der beiden ist, die ich für die Blütenblätter verwenden würde , und während diese anfängliche hellere Schicht ist immer noch nass, ich ging hier und da in ein bisschen lila , um bestimmte Abschnitte darin zu verdunkeln. Weil ich im Violett sinke , während das anfängliche Rosa noch nass ist, bekomme ich diese schönen weichen, verschwommenen Übergänge zwischen meinen Farben. Wenn Sie feststellen, dass Ihre erste Schicht etwas zu schnell trocknet und Sie nicht diese schönen Übergänge zwischen Ihren Farben erhalten , wenn Sie Ihre dunklere Farbe einfallen, geben Sie einfach ein etwas länger in dieser ersten Ebene. Führen Sie Ihre Pinselborsten zwei- bis dreimal mit Ihrer helleren Farbe über die gesamte Form . Dies macht es so, dass das Trocknen der ersten Schicht etwas länger dauert. zentrale Abschnitt in der oberen Blume war also schon ziemlich trocken und ich konnte die Blütenblätter in der oberen Farbe bemalen. So wie der gleiche Prozess hier. Ich male zuerst in Rosa und dann falle ich im Lila um eine schöne Variation in Farbe und Wert zu erzeugen. Ich male weiterhin schön und schnell und benutze nur eine einzige Schicht. Ich erlaube dieser Farbe, ihr Ding zu machen und die organischen unregelmäßigen Effekte anzunehmen die organischen unregelmäßigen Effekte , die beim Malen mit diesem Medium auftreten. Ich gehe in keinen Bereich zurück und versuche etwas zu perfektionieren, weil das wahrscheinlich alles abflachen wird und es viel wahrscheinlicher ist , dass ich zu überarbeiteten Ergebnissen komme. Ich lasse meine dunklere Farbe fallen, die auf sehr unregelmäßige Weise mein Violett ist, und stelle sicher, dass ich mit meinem Lila keine Muster oder stark aussehenden Formen erstelle . Natürlich ist es hilfreich zu visualisieren, wo sich die Blütenblätter überlappen und leichte Schatten aufeinander zu erzeugen und an die Kurven und die Struktur von die Blütenblätter selbst, damit Sie Abschnitten, in denen es sinnvoll wäre, dass Sie etwas Schatten haben, in denen Sie etwas Schatten haben. Das heißt, Sie müssen nicht nur das Violett in diesen Schattenbereichen auftragen , denn wenn es um Blumen geht, gibt es viele natürliche Variationen in Farbe und Wert in ihren Blütenblättern. Solange Sie die Dinge unregelmäßig halten, werden Sie großartige Ergebnisse erzielen, insbesondere für den Stil der Kunstwerke, die es anbelangt. Da die Konsistenzen meiner Farbmischungen auf meiner Palette eine gute Menge an Pigment enthalten, kann ich genug lebendige Farben auf mein Papier auftragen , damit ich nicht das Bedürfnis habe, mit einem zweite Schicht. Es gibt jedoch auch eine gute Menge Wasser in diesen Mischungen , so dass meine Farbe nicht super dick aufgetragen wird, was zu viel Schwere und Ebenheit in einem Gemälde führen kann . Wir wollen immer sicherstellen, dass wir Aquarelltransluzenz einbringen , um helle, leuchtende Gemälde zu schaffen. Stellen Sie also sicher, dass Sie genug Wasser verwenden. Wenn Sie Ihre Farbe zu gesättigt und zu dick auftragen , führt dies oft zu Schwere und Ebenheit. Denken Sie immer daran, diese Helligkeit des Papiers als Teil des Stücks zu integrieren und die Art und Weise , wie wir dies tun, besteht darin , die Durchlässigkeit der Medien zu verwenden und die Farbe auf Wasser Verhältnisse in unserem Farbmischungen. Eine andere Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, Highlights zu integrieren , bei denen das Papier durch die unbedeckte oder unbemalte Farbe scheint . Also habe ich die Blütenblattabschnitte für all diese Blumen fertig gemalt und du kannst wahrscheinlich sagen, wie ich kleine winzige Papierteile durchscheinen ließ und kleine Formen hier und da. Diese kleinen Highlight-Formen passieren natürlich, als ich diese Blütenblätter malte und die Art und Weise, wie ich meinen Pinsel unterwegs benutzte, veränderte und veränderte. Ich habe sie einfach geschehen lassen und ich habe sie dort gelassen weil ich wusste dass sie wie kleine Highlights aussehen würden . Du wirst sehen, dass das auch in den Blättern passiert. Nachdem ich mit den Blütenblättern fertig war, war es an der Zeit, all diese Farben für meine Pinselborsten auszuspülen der Zeit, all diese Farben für meine Pinselborsten und mit meinen Grüns zu beginnen. Wie Sie sehen können, verwende ich den gleichen Prozess, den ich für das Kegelblumenstück verwende, zuerst im helleren Grün malt und dann in mein dunkleres Grün in bestimmte Abschnitte fällt , die ich verdunkeln wollte innerhalb dieser größeren hellen, grünen Form. Also fertig ich gerade mit den Blättern hier. Sie werden feststellen, dass ich in diesem unteren Abschnitt, dem ich viele überlappende Stiele und Blätter habe, vorsichtig mit der Reihenfolge bin, in der ich mich diesen Formen nähere, weil ich weiß, dass nass ist Farbe kann anfangen, in neue Formen zu bluten, die ich neben ihnen oder neben ihnen male. Sie können also immer herumspringen , damit die vorherige Form trocknen kann und dann zu dem Bereich zurückkehren , den Sie malen müssen, der direkt daneben ist. Diese Formen sind auch relativ klein, daher helfe ich mir immer mit meinem saugfähigen Handtuch, tupfe die Borsten meines Pinsels darauf und stelle sicher, dass ich nicht viel zu viel hervorbringe Wasser aus meinem Behälter. Denken Sie daran, dass Sie die sauberen Borsten Ihres Pinsels auch als kleinen saugfähigen Schwamm verwenden die sauberen Borsten Ihres Pinsels auch als können, wenn Sie viel zu viel Wasser auf Ihr Papier bringen . Damit bin ich fertig mit diesem Wildrosenstück. Ich hoffe wirklich, dass es Ihnen gefallen hat an diesem zu arbeiten, und ich freue mich darauf dem letzten Stück fortzufahren , mit dem letzten Stück fortzufahren, an dem wir gemeinsam arbeiten werden , das das Narzissenstück sein wird. Nehmen Sie sich Zeit, diesen zu beenden und üben alles, was Sie üben müssen , und wir sehen uns im nächsten. 11. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 11: Hallo Freund. Willkommen zurück zu dieser allerletzten Klasse, an der wir an unserem allerletzten Stück zusammen arbeiten werden, das das Stift - und Wash-Narzissenstück sein wird. Hoffentlich sind Sie zu diesem Zeitpunkt bereits gut mit dem Prozess und den Techniken vertraut mit dem Prozess und , die wir verwenden werden. Die gesamte Strategie und die Phasen werden die gleichen sein wie bei den letzten paar Stücken, natürlich zeichnen wir diesmal Narzissen. Wie wir in der Klasse gesehen haben , in der ich Ihnen gezeigt habe , wie man die drei verschiedenen Arten von Blumen zeichnet , eine ganz andere Struktur. Diese Blume hat ganz besondere Eigenschaften , die sie von den anderen Blumen unterscheiden , die wir bisher gezeichnet haben. Die Zeichnung wird anders sein, die Farben werden unterschiedlich sein und insgesamt wird die Komposition auch anders sein. Denken Sie an die Besonderheiten, die Eigenschaften und alles, was wir für diese Art von Blume in Klasse Nummer 6 gelernt haben für diese Art von Blume in , als ich diese Referenzfotos mit Ihnen teilte. Denn obwohl wir uns für ein lockeres, relativ einfaches Stück entscheiden, wollen wir diese dennoch wie Narzissen aussehen lassen. Denken Sie an ihre Gesamtstruktur, denken Sie an ihre Form und Größe und ungefähre Anzahl ihrer Blütenblätter. Denken Sie daran, dass eine ganz bestimmte Trompetenkegel oder Megafonstruktur, die sie an ihrem haben zentriert und erinnere dich an die Art des Blattes, das sie haben. Springen wir direkt in Phase Nummer 1, die unsere vorläufige Bleistiftskizze ist. In dieser Phase konzentrieren wir uns auf ein paar verschiedene Dinge. Wir konzentrieren uns darauf, diese grundlegenden Formen festzulegen , die es uns ermöglichen , die Blumen, die wir zeichnen werden, zu vereinfachen und zu visualisieren. Wir konzentrieren uns auch darauf, einen großen Anteil in diesen Blumen zu schaffen , um sicherzustellen, dass die Größen und Standorte der verschiedenen Teile im Verhältnis zueinander sinnvoll sind. Ziel dieser Phase ist es auch, unseren Zeichenraum effektiv zu nutzen. Wir möchten sicherstellen, dass diese vorläufigen Formen, die wir für uns selbst kreieren, eine großartige Größe haben. Dass sie nicht zu klein und nicht zu groß sind , so dass sie in diesem Zeichenbereich nicht zu eng erscheinen oder in viel negativem leeren Raum um sie herum schweben. Wir wollen auch an dieser Stelle unserer kompositorischen Vereinbarung nachdenken . Wir möchten sicherstellen, dass die Lage dieser verschiedenen Elemente im Weltraum interessant zu betrachten und irgendwie ausgeglichen wird . Ich möchte sicherstellen, dass ich leicht zeichne , damit ich die Fehler löschen kann, damit meine Graphitarbeit am Ende nicht durch meinen Stift und meine Tinte in meinem Aquarell sichtbar ist am Ende nicht durch meinen Stift und meine Tinte in meinem Aquarell und damit ich es nicht tue beschädige oder zerkratze mein Papier. Nun, für dieses Narzissenstück, weil diese Blumen definitiv eine größere, komplexere Struktur haben , habe ich beschlossen, einfach zwei statt drei einzubringen . Weil ich gerade zwei mitgebracht habe, konnte ich nicht wirklich eine weitere dreieckige Anordnung schaffen. Ich habe mich entschieden, mit einer Kurve zu gehen. Genau wie bei den anderen beiden Blumen in vereinfachten Version, in der wir diese Blume direkt von oben gesehen haben, haben wir sie auch in zwei grundlegende Kreise vereinfacht, einen kleineren Kreis innerhalb eines größerer Kreis. Als wir aus seitlicher Perspektive oder im Profil gesehen wurden, sahen wir diese konische oder megaphonartige Struktur, und darunter hatten wir eine sehr flache ovale Form. Indem ich verstehe, wie diese Struktur aussieht, wenn sie direkt von oben und aus einer Seitwärts- oder Profilperspektive gesehen direkt von oben und aus wird, kann ich mir leichter vorstellen, wie diese besondere Blume aussehen würde wie aus anderen Perspektiven gesehen. Wie Sie sehen können, liegen diese beiden übermäßig vereinfachten Narzissen , die ich geschaffen habe irgendwo zwischen den beiden Perspektiven , die wir in dieser ersten Zeichenklasse praktiziert haben. Sie befinden sich irgendwo zwischen der Draufsicht und dem Höhenplan. Ich habe diese Kreise verzerrt, ich habe sie leicht geschlumpft und beide in eine eher ovale oder ellipsenartige Form verwandelt, und ich habe sie auch so geneigt, dass ich gekrümmte Anordnung schaffen kann. Da diese Narzissen in diesem Fall leicht zu uns neigen, musste ich das obere Oval dieser konischen Struktur etwas mehr öffnen . Mit anderen Worten, wir können aus dieser Perspektive etwas mehr in diesen Kegel hineinsehen . Ich habe auch dafür gesorgt , dass die Narzisse oben etwas größer war als die Narzisse darunter. Dies würde mir helfen, die Komposition interessanter und asymmetrischer zu gestalten . Sobald sie meine Grundformen hatten, war es an der Zeit, diese Ovale in mittelgroße Formen zu teilen . Wir fingen an, die Blütenblätter zu zeichnen. Ich erinnerte mich, dass Narzissen sechs Blütenblätter haben, und ich erinnerte mich auch an ihre Größe und ihre Form. Ich erinnerte mich dass sie rund und am Ende etwas deutlicher waren. Sie haben relativ glatte Kanten, also keine gezackten Unregelmäßigkeiten. Sie können sehen, wie ich daran arbeite, diese größere Oval- oder Ellipsenform in sechs kleinere Formen zu teilen diese größere Oval- oder . Während ich diese vereinfachten Blütenblätter zeichne, stelle ich mir wirklich vor, welche Blütenblätter ich sehen könnte, ob ich diese Narzisse aus dieser Perspektive sehen würde und was diese Formen für diese Blütenblätter würde aussehen und mich fragen, ob ich diese Blume aus dieser Perspektive sehen würde , wie würde diese konische Struktur direkt in der Mitte der Blume die Blütenblätter verdecken , die weiter sind weg von mir hinter dieser kleinen Struktur. Welche Form würde ich für jene Blütenblätter sehen , die weiter entfernt sind und von anderen Blütenblättern oder dieser zentralen Struktur verdeckt werden? Denken Sie daran, wie sich diese Blütenblätter krümmen und wie sie alle mit diesem zentralen Teil der Blume verbunden sind. Ich bin ziemlich zufrieden mit den Formen, die ich für diese Blütenblätter geschaffen habe . Ich habe oben auf diesen Zapfen in beiden Blüten etwas detaillierter hinzugefügt . Dies ist so, dass ich feststellen kann, wo sich die Oberlippe dieser konischen Struktur befindet. Das ist etwas, das ich auf jeden Fall detailliert beschreiben möchte , wenn ich meine Arbeit mit Stift und Tinte mache. es zuerst mit Bleistift hinzufügst , wird mir diesen Prozess erleichtern. Wenn Sie noch mehr Details mit Ihrem Bleistift hinzufügen möchten , bevor mit einer Stift - und Tintenphase beginnen, können Sie dies auf jeden Fall tun, stellen Sie einfach sicher, dass Sie leicht zeichnen Sie dann Ihre Graphitarbeit löschen können. Nachdem ich das hinzugefügt hatte, war es an der Zeit, die Stiele für meine Blumen zu zeichnen. Für die Stiele sorgte ich erneut dafür, dass sie aussahen als wären sie an der Basis dieses Blütenblattabschnitts befestigt . Ich möchte sicherstellen , dass ich den Stiel direkt unter dem zentralen Teil der Blume beginne . Aber Sie können sehen, wie ich wieder viele Kurven in diese Stiele integriert habe viele Kurven , damit sie viel natürlicher aussehen können. Ich wollte keine perfekt vertikalen Linien oder ähnliches erstellen , was zu einer großen Steifigkeit führen würde. Schließlich war es an der Zeit, diese langen, schmalen Blätter für diese Narzissen hinzuzufügen . Ich habe gerade drei Blätter hinzugefügt und dafür gesorgt, dass einige von ihnen größer waren und einige von ihnen kürzer waren und dass sie sich auf unterschiedliche Weise leicht krümmten. Abwechslung und Unregelmäßigkeit sind entscheidend. Es ist Zeit, mit Phase Nummer 2 zu beginnen, die Stift- und Tintenphase ist. Denken Sie an das Ziel für diese Phase. Es sollte Kanten definieren und Details hinzufügen. Genau wie bei den letzten beiden Teilen möchten Sie wirklich eine Variation der Liniengewichtung in Ihrer Arbeit erstellen und sicherstellen , dass Sie sie in Bewegung halten und es fließen lassen. Nehmen Sie Wackeln, Unvollkommenheiten und Unregelmäßigkeiten auf, die auf dem Weg auftreten, während Sie Ihre Bleistiftarbeit verfolgen. Sie können weitermachen und mehr Unregelmäßigkeiten und Detailarbeiten hinzufügen . Hier können Sie zum Beispiel sehen, wie ich mehr unregelmäßige Kanten an der Oberseite dieser konischen oder megaphonartigen Struktur hinzufüge Kanten an der Oberseite dieser . Ich füge auch den Stempel und das Staubgefäß hinzu, die Arten von Linien oder Markierungen, die ich für den Stempel und das Staubgefäß hinzufüge , sind denen sehr ähnlich , die ich für die Wildrose verwendet habe. Dies sind Linien mit einer kleinen Schleife an der Spitze. Genau hier beschließe ich, auch ein bisschen mehr Details in die Blütenblätter einzufügen , indem ich einige sehr unregelmäßige Linien hinzufüge. Genau wie das, was ich mit den letzten beiden Blumen gemacht habe. Linien, die ich für Textur und Dimension innerhalb der Blütenblätter hinzufüge , sind viel leichter als die Linien, die ich für die äußeren Konturen dieser Blütenblätter erstellt habe . Ich ließ sie viel leichter und dünner aussehen , indem ich einfach meine Hand und meinen Arm viel schneller bewegte und weniger Druck auf meinen Stift ausübte , während ich diese Linien und Markierungen zeichnete. Genau hier wirst du sehen, wie ich mein Aquarellpapier drehe , damit ich meine Tinte besser in dieser unteren Narzisse erledigen kann. Beachten Sie, wie ich meine Liniengrafik und meine Markierung während des gesamten Stücks konsistent halte . heißt, wenn ich mich bestimmten Arten von Linien oder Markierungen verpflichtet habe, verwende ich diese spezifischen Linien und Markierungen für beide Blumen. Dies ist wichtig, damit all diese verschiedenen Abschnitte dieses Stücks gut integriert aussehen. Ich mache nur meine Verfolgung über diese langen, schmalen Blätter. Damit werde ich alles mit meiner Stift- und Tintenarbeit fertig sein . Schließlich war es an der Zeit, alles vollständig trocknen zu lassen , damit ich dann alle meine Bleistiftarbeiten auslöschen konnte . Ich würde empfehlen, Ihre Tinte etwa 15-20 Minuten trocknen zu lassen , bevor Sie sie löschen. Versuchen Sie auch, diese Radiergummis nicht mit der Hand abzustauben . Ich würde vorschlagen, ein normales Küchenpapiertuch zu verwenden, oder wenn Ihr saugfähiges Handtuch , das Sie für Ihre Aquarellmalerei verwenden, trocken ist können Sie das auch verwenden. Wenn Sie Ihre Hand benutzen, können Öle, die Sie auf Ihrer Haut haben, auf Ihr Aquarellpapier gelangen und dies kann später beim Malen zu Fleckigkeit führen. Also sei einfach vorsichtig damit. Es ist endlich an der Zeit, unsere Aquarellmalerei für dieses letzte Narzissenstück zu machen . Wir haben bereits die Farben ausgewählt , die wir für diesen verwenden werden. Wie bei den letzten beiden Stücken ist es sehr wichtig, dass wir eine gute Menge an schönen saftigen Farbmischungen für uns herstellen , bevor wir mit dem Malprozess beginnen. Denken Sie daran, dass die Konsistenz und die Menge Ihrer Farbmischungen an Ihrem Gaumen kurz vor dem Malen liegen müssen , damit Sie Ihren Pinsel gut aufladen und schnell arbeiten können . benutze immer noch meinen Rundpinsel der Größe 10 Ich benutze immer noch meinen Rundpinsel der Größe 10 und bereite diese Farbmischungen für mich selbst vor. Ich brauche nur vier verschiedene Farbmischungen für dieses Narzissenstück. Genau hier beginnend unten ist diese orange aussehende Farbe Hansa gelbes Licht und ein bisschen neues Gamboge. Direkt darüber habe ich schlichtes Hansa-gelbes Licht mit etwas Wasser drin. Die beiden Grüns an der Spitze sind die beiden Grüns, die ich die ganze Zeit benutzt habe. Mein dunkleres Grün ist schlichtes Unterwassergrün mit etwas Wasser drin. Das hellere Grün ist Unterwassergrün plus ein bisschen Hansa-gelbes Licht hinzugefügt. Diese Narzissen haben für diesen zentralen Bereich keine bräunliche Farbe. Diese zentrale konische Struktur werde ich mit einer gelben, orangen Farbe malen. Die Blütenblätter um ihn herum werden zuerst mit dem Gelb bemalt und dann werde ich ein bisschen von der gelben Orange fallen . Nachdem ich diesen zentralen Teil hier drin gemalt habe, hebe ich ein bisschen. Ich habe das ganze Orange für meine Pinselborsten entfernt. Ich habe das überschüssige Wasser entfernt, indem die Borsten mit meinem Pinsel auf mein saugfähiges Handtuch tupfte. Ich ging hinein und benutzte meine Borsten als kleinen saugfähigen Schwamm, um etwas überschüssiges Pigment aufzunehmen. Das mache ich auch genau hier. Heben ist eine großartige Technik, wenn Sie das Gefühl haben einen Abschnitt viel zu stark abgedunkelt oder leichtere, durchscheinendere Werte in einem Bereich entwickeln zu wollen . Sie können immer hineingehen und Ihr Heben mit sauberen und leicht feuchten Borsten Ihres Pinsels durchführen Ihr Heben mit sauberen und leicht feuchten oder sogar mit Ihrem saugfähigen Handtuch hineingehen und etwas von dieser überschüssigen Farbe anheben enthüllen Sie ein bisschen mehr von dem Papier darunter. Dies fügt diesem Bereich wieder Dimension hinzu. Nachdem ich diese orangefarbenen Mittelabschnitte für diese Narzissen gemalt diese orangefarbenen Mittelabschnitte habe, male ich jetzt die Blütenblätter um sie herum. Genau wie bei den letzten Blumen gehe ich zuerst mit meiner helleren Farbe kreiere diese anfängliche hellere Schicht. Während diese anfängliche hellere Schicht noch nass ist, lasse ich meine zweite dunklere Farbe ein, um kleinere Abschnitte innerhalb dieser größeren, helleren Form zu verdunkeln . Ich stelle mir noch einmal vor wo diese Blütenblätter einen kleinen Schatten aufeinander erzeugen und diese dunklere Farbe in diesen Bereichen fallen lassen würden Schatten aufeinander erzeugen und diese dunklere Farbe in diesen Bereichen fallen lassen . Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre zweite Farbe sehr unregelmäßig eintragen. Wenn diese anfängliche hellere Schicht viel zu schnell an Ihnen trocknet, denken Sie daran, etwas länger in dieser ersten helleren Schicht zu malen. Führen Sie Ihre Pinselborsten zwei- bis dreimal über die gesamte Form. Dies wird die anfängliche Trockenschicht etwas langsamer machen Trockenschicht etwas langsamer , so dass sich diese zweite Farbe sanft in das darunter liegende Gelb zerstreut, wenn Sie Ihre zweite Farbe fallen zweite Farbe sanft in das , Erstellen von schönen, weichen, verschwommenen Übergängen. Wenn diese anfängliche Farbe auf Sie trocknet, werden diese Effekte nicht auftreten. Versuchen Sie Ihr Bestes, um diese zweite Farbe sicher einzugeben , und gehen Sie nicht hinein und bewegen Sie die Farbe nachdem sie auf Papier gelegt wurde. Versuchen Sie, die unregelmäßigen organischen Effekte zu nutzen , die Aquarell erzeugt, und bewegen Sie Ihre Farbe nicht es sei denn, Sie müssen es wirklich tun. Immer wenn ich hineingehe, um ein wenig Farbe zu bewegen und zu erweichen , die ich auf Papier gelegt habe, mache ich es sehr sanft und sehr minimal. Ich beende gerade damit, die Blütenblätter hier zu bemalen. Schließlich male ich die Blätter mit meinen Grüns. Ich ging zuerst mit einem helleren Grün rein und während das anfängliche hellere Grün noch nass war, fiel ich ein bisschen dunkleres Grün ein, wo ich einen kleinen Schatteneffekt erzeugen wollte. Zum Beispiel füge ich direkt unter dieser großen Blütenblattstruktur dieser großen Blütenblattstruktur etwas dunkleres Grün hinzu und auch wo sich die Stängel und die Blätter überlappen. Ich bin sehr vorsichtig, dass ich in diesen sehr engen Bereichen einfach mit der Pinselspitze reingehe. Selbst wenn ich die Blätter male, stelle ich sicher, dass die Borsten meines Pinsels zwei- bis dreimal über diese Formen laufen , bevor in mein dunkleres Grün fallen , damit ich sicherstellen kann , dass der dunkleres Grün wird sich zerstreuen und verwischen und erzeugt Farbverläufe in das hellere Grün. Aber schnell zu arbeiten ist auch sehr wichtig. Das ist etwas, das ich verspreche, dass Sie im Laufe der Zeit zu Ihnen kommen werden . Damit bin ich fertig mit diesem Narzissenstift und Aquarellwaschstück. Ich hoffe wirklich, dass Sie es genossen haben, mit mir an diesen drei Stücken zu arbeiten und auch die Studien zu machen , die wir zuvor gemacht haben. Ich hoffe, dass Sie etwas Neues lernen und dieses Wissen und diese Fähigkeiten, die Sie erworben haben, nutzen dieses Wissen und diese Fähigkeiten, die Sie erworben haben , um selbst großartige Kunstwerke zu erstellen. Wenn Sie an diesen Studien und diesen Stücken neben mir gearbeitet haben , teilen Sie Ihre Arbeit hier in der Community. Ich würde es gerne sehen. Herzlichen Glückwunsch , dass Sie diese Klasse überstanden haben und wir sehen uns im letzten Video. 12. Lockere Blumen mit Linien und Lavierung 12: Vielen Dank, dass Sie sich mir in diesem Kurs angeschlossen haben. Ich hoffe wirklich, dass es Ihnen gefallen hat, mit mir an diesen Übungen und Projekten zu arbeiten , und ich hoffe, dass Sie besondere Leckerbissen gelernt haben , die Sie in Ihrer Werkzeugtasche aufbewahren und in Zukunft bewerben und darüber nachdenken können und in Zukunft bewerben und darüber nachdenken mit jeder Art von Kunstwerken, an denen Sie arbeiten möchten. Vergessen Sie nicht, die Arbeit, die Sie für diesen Kurs geleistet haben , auf der Registerkarte „Projekte“ hier auf Skillshare zu teilen. Ich kann es kaum erwarten, deine Arbeit zu sehen. selbst zuzuhören und sich weiterhin Zeit für meine Leidenschaften und Interessen zu nehmen meine Leidenschaften und Interessen ist etwas, das mir unglaublich wichtig ist. Ich möchte Sie ermutigen Ihren künstlerischen Weg fortzusetzen, künstlerischen Fähigkeiten und Ihre künstlerische Stimme weiter zu entwickeln . Ich glaube wirklich, dass wenn Sie zur Kunst berufen sind, dies aus einem bestimmten Grund ist. 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