Regie-Grundlagen: Einen Film mit 5 Shots aufnehmen

1. Trailer: ( MUSIK) Hallo. Heute gehen wir mit mir auf eine Reise, böser Boy Julian. Das ist mein Name, auch bekannt als dein Filmlehrer für den Tag. Das bin ich. Als ich anfing, Filme zu machen, gab es kein YouTube, es gab keine Skillshare. Ich ging auf die Filmschule und sagte : „Ich will Regisseur werden.“ Dann habe ich immer noch nicht gelernt, wie man so etwas in der Schule macht. Als ich dann die Schule verließ und versuchte, eigene Filme zu machen, kamen sie nicht heraus, wie ich sie mir in meinem Kopf vorgestellt habe. Denn beim Filmen geht es so viel um die Details und so viel darum, Menschen zu sehen und zu lernen. Schließlich musste ich mich mit vielen Filmemachern freunden, in die Schule der harten Schläge gehen wie vermasseln , schlechte Filme machen, um zu lernen, wie man die richtigen Sachen macht. Jetzt sieh uns an, wir sind hier. Ich hoffe, dass ich teilen kann, was ich leidenschaftlich und aufgeregt bin, nämlich das Filmen. Ich habe vorher eine Skillshare Klasse unterrichtet und das hieß „Wie man dope Low-Budget-Filme macht “, vom Schreiben über Regie bis hin zur Postproduktion, die Redaktion ist. Richtig für diesen Kurs, ich möchte mich nur auf Regie konzentrieren. Ich denke, das bin ich direkt massieren. Ich weiß nicht, was meine Hände manchmal tun, ich entschuldige mich. Es gibt eine Menge, die in diese Regie geht. Es ist manchmal sehr technisch. Aber es ist auch wirklich immersiv und ist immer dieser Hin und Her Tanz, den man braucht, um die Feinheiten zu lernen. Dafür bin ich heute hier, um mich wirklich auf den Regie-Teil des Filmemachens zu konzentrieren. Deshalb bin ich super aufgeregt, weil wir lernen werden. Beweisen Sie Ihre Mom falsch. Sie glaubt nicht, dass du lernen kannst. Jedenfalls. Ich bin sicher, dass sie das tut, oder vielleicht tut sie es nicht. Wir werden beweisen, dass jemand falsch ist. 2. Einführung und Kursübersicht: Hallo, mein Name ist Julian. Heute gehen wir auf eine Reise, wo wir die Grundlagen der Regie lernen und wie man direkt beginnt. Was wirklich cool an dieser besonderen Klasse heute ist, dass du mich tatsächlich sehen wirst , während ich einen speziellen Film nur für dich in dieser Klasse mache. Wir werden sehen, wie ich hinter die Kulissen gehe und einen Film drehe und wir werden das mit dem schneiden, was ich jetzt sage. Das ist cool. Ich bin ein Fan von immersivem Lernen und das ist wie meine erste Gelegenheit, das mit Skillshare zu tun. Ich bin aufgeregt. Der Titel dieser Klasse ist Regie 101: der 5 Shot Film. Das liegt daran, dass wir lernen werden, wie man den Film in fünf Aufnahmen macht. Dann haben wir noch ein paar mehr da drin. Aber wirklich das Herz, das Fleisch und der Saft unseres Films werden in fünf einfachen Aufnahmen passieren. Ich werde uns durch diesen Prozess führen und wir werden alles lernen , was in die Regie geht. So richten Sie die Kamera ein, wie Sie mit einem Regisseur der Fotografie arbeiten, wie lenken Sie die Schauspieler, was ist die Sequenzierung, die Sie tun, all das lustige Zeug, das wir heute lernen werden und wir werden es sehen. Ja, lassen Sie uns aufgeregt sein. Lass uns das vorbeibringen. Ich weiß nicht, ob dir das helfen wird, aber du kannst tun, was immer du willst. Vielen Dank. 3. Kursprojekt: Lassen Sie uns über das Klassenprojekt sprechen. Sie werden ein Skript schreiben oder einen Umriss einer Aufnahme machen , die zwei Fremde betrifft, die in Konflikt miteinander kommen. Dann filmen Sie das Stück, das Sie haben, was auch immer es ist, und Sie haben fünf Aufnahmen, um diesen Film zu machen. Sie können es auf Ihrem iPhone tun, Sie können es auf einem schönen Telefon tun, Sie können es auf, was Sie wollen, solange es Dinge aufzeichnet. es nicht bei deiner Oma, du weißt, dass das keine Sachen aufnimmt. Oh, und noch eine Sache, die direkt nach diesem Video auftaucht, ist mein Klassenprojekt. Sehen Sie, ich habe meine eigene gemacht, ich trinke meine eigene Kool-Aid, und ich habe einen Kurzfilm gemacht, in dem der Großteil der Geschichte in fünf Aufnahmen erzählt wird. Ich habe ein paar extra gemacht, sag nichts. Schreiben Sie eine Kopfzeile. Wir mögen hier keine Regeln. Wie auch immer, genießen Sie es, und dann werden wir später darauf verweisen, wenn die Klasse passiert. Danke. 4. Projektbeispiel: The Moment: Das ist also der fertige Film, den ich speziell für Skillshare gemacht habe , damit ihr gucken könnt, wie ihr den Prozess von mir sieht, Julian, lenken und einen Film erstellen könnt. Hinweis, Es dauerte nur etwa eineinhalb Stunden, um es zu filmen, einen Tag zu bearbeiten und nur ein wenig Probezeit. So etwas kannst du selbst machen. Geh raus, schau zu, ich habe genug gesagt. Nun, wenn ich nichts sage. Ich werde platzen, weil das verrückt war. Vielleicht interpretiere ich es falsch. Weil ich glaube, wir hatten gerade etwas. Nein. - Was? Spielen Sie nicht Coy. Du spielst Coy. Ich weiß nicht mal deinen Namen. Also bin ich verrückt. Ist es das, ich bin verrückt? Ok. Ich glaube, wir hatten nur einen Moment. Das ist nicht passiert. Alles klar, wir hatten nur einen Moment. Haben wir, nicht wahr? Wir hatten einen Moment. Das ist großartig. Momente, ich liebe sie. 5. Deine Szene schreiben: Also möchte ich nicht, dass du dich darauf konzentrierst, zu viel zu schreiben. Weil wir sagen: „Was ist meine Geschichte? Wie soll das sein?“ Da ist zu viel, was damit einhergeht. Es gibt eine grundlegende Vorlage, die wir folgen werden , die es Ihnen ermöglicht, einen Fünf-Shoot-Film zu machen. Zuerst beginnt unsere Geschichte mit zwei Fremden und dann entsteht ein Konflikt zwischen diesen beiden Fremden und das ist, wo das Fleisch unserer Geschichte passiert. Wir fangen mit Fremden an, dann gibt es Spannungen, es gibt einen Konflikt, und dann haben wir eine Lösung. Ihre Auflösung muss nicht wie eine Skizzenkomödie sein , wo sie sich einfach auflöst und sie umarmen. Es kann eine Anti-Auflösung sein. Ich möchte, dass du dich auf interessante Geschichten konzentrierst. Das ist wie der Mad Libs Ansatz zum Drehbuch und ich denke, wir können alles,was unser Herz begehrt, ausfüllen was unser Herz begehrt und es ist breit genug, um etwas Interessantes zu machen. Eine Sache, die an unseren Geschichten wichtig ist, vergewissern Sie sich, dass Subtext drin ist, okay? Da ist etwas ungesagt, also gibt es Spannungen im Konflikt, aber vielleicht geht es bei dieser Spannung wirklich um etwas Tieferes. Vielleicht wartet ein Charakter online und er ist wirklich wütend und wirklich ist er nicht wütend, dass er online wartet. Er ist wütend, weil sein Freund krank ist und wie wir offenbaren, dass es vielleicht passiert, wenn es einen Kampf zwischen zwei Menschen gibt, wer weiß. Subtext ist wirklich interessant und es macht eine Szene einfach Pop. Das ist das erste, was du tun musst. 6. Vorproduktion: Das ist also eine Regieklasse. Wie ich schon sagte, das ist kein Schreibkurs und es ist nicht wirklich eine Vorproduktionsklasse, aber wir müssen ein paar Dinge durchgehen, bevor wir unseren Film drehen. Zuerst schreibst du den Film. Darüber haben wir im Klassenprojekt gesprochen. Dann musst du deinen Film drehen. Wenn Sie jemanden kennen, der ein erstaunlicher Schauspieler ist, passen Sie vielleicht Ihre Szene an sie oder fragen Sie Ihre Freunde, die sie wissen, ist wirklich super talentiert oder machen Sie eine Craigslist oder einen Backstage-Post und versuchen, jemanden auf diese Weise zu finden. Nutzen Sie jede einzelne Ressource, die Sie können, um Ihren Film interessant zu machen. Für den Film, den ich gemacht habe, hatte ich von Theo gehört und er war so ein seltsamer, interessanter Schauspieler, und ich dachte, ich weiß, dass ich irgendwie mit diesem Kerl arbeiten muss. Ich schrieb das Drehbuch und ich dachte, Theo wäre wirklich gut. Er hat die Szene mit mir gelesen. Wir haben eine Probe gemacht und er war erstaunlich. Dann die andere Rolle, Ich habe einen Casting-Aufruf auf Craigslist, wo die Leute ein Video von ihnen einreichen sagen; nein. Ich habe wirklich ein gutes Gefühl, wer er war. Ich habe ihn angerufen. Wir haben ein wenig geredet und ich warf ihn, weil wir wirklich so verbunden sind. Einfach wie das. Das ist gegossen. Nummer zwei, beim Proben. Wenn Sie Zeit haben, proben Sie die Szenen mit Ihren Schauspielern. Mit meinem Film, mit Theo und ich haben das Drehbuch durchgemacht. Ich sah, dass das, was er wirklich gut war, das war sehr ehrlich und verletzlich und es änderte die Richtung dessen, was ich für diesen Film wollte. Standort-Scouting. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, es zu tun. Ich sage immer, schreibe einen Ort, auf den du Zugriff hast, damit du nicht immer jemanden umherwandern musst, auf den du nicht wirklich Zugriff hast. Es ist eine seltsame Erfahrung. Sie möchten sich wohl und frei fühlen, während Sie Filme machen. Nicht so, als wärst du in irgendeinem Gefängnis. Vielleicht ist das dein Job. Vielleicht ist das dein Haus, und vielleicht ist das irgendwo draußen wie ein Park. Ich habe unsere Szene speziell auf der Bücke gedreht, weil ich dort wohne. Ich wollte es ursprünglich in einem Vintage-Laden drehen. Aber der Vintage-Shop hatte nicht genug Platz und ich wollte sicherstellen , dass ich so viel Zeit in Anspruch nehmen kann, wie ich es brauchte. Wenn Sie gehen, um zu erreichen, um Ihre Szene zu schießen, ich sage, bieten Sie ihnen, sehen, ob Sie mit nur 50 Dollar oder vielleicht 75 davonkommen können. Die Leute sind oft sehr glücklich, zu helfen, aber man muss nur um zu gehen. Seien Sie zuversichtlich. Fragen Sie die Leute nach einem Ort. Positionen sind wichtig, und Sie möchten sicherstellen, dass sie einer Szene hinzugefügt werden können. Shot-Listing. Sie schreiben ein Skript, und dann müssen Sie verstehen , welche Aufnahmen mit welchen Zeilen des Dialogs übereinstimmen. Vielleicht haben Sie einen Mastershot, einen mittleren Schuss, einen weiteren mittleren Schuss und dann zwei Nahaufnahmen. Ok. Genau das habe ich für den Film gemacht, den ich gemacht habe. Dann kannst du mit Nahaufnahmen oder anderen Details ausfüllen , die du brauchst, um deine fünf Schüsse zu runden. Nun, wenn du Sachen wie, Art von Cutaways machst. Denn wenn wir einen Film gedreht haben, haben wir etwas von dem Zeug abgeschnitten, das auf dem Boden ist oder das in der Szene ist. Das ist in Ordnung. Das nenne ich nicht mal eine Chance. Ok. Also meinte ich nur, dass der Großteil unseres Films in fünf Aufnahmen passieren wird. Planen Sie wirklich fünf Aufnahmen, in denen Sie Ihren Film machen werden. Wie ich schon sagte, du könntest das auf deinem iPhone schießen und es könnte sein, dass du das tust. Oder Sie können Leute ausleihen, um Ihren Film zu machen. Wenn Sie Leute einstellen, stellen Sie zum größten Teil einen Fotografiedirektor ein. Sie sind die Person mit der Kamera. Du bezahlst sie oder nicht, vielleicht sind sie deine Freunde. Das wäre super cool. Sie werden Ihre Szene komponieren und schießen. Sie müssen eine Arbeitsbeziehung mit dieser Person haben und Sie müssen klar kommunizieren, genau das, was Sie wollen. Sie sind da, um Ihre Vision auszuführen, aber Sie arbeiten auch mit ihnen zusammen. Sie können also kein Diktator für sie sein, weil es ein Push-Pull ist. Sie sagen ihnen irgendwie, wonach Sie suchen, und dann helfen sie, es zu erreichen. Dann gibst du ihnen Notizen. Aber Sie sollten dieser Person auch nicht unterwürfig sein. Sie sollten nicht so sein, „Ich hab's verstanden“, und dann tun, was sie wollen. Du bist verantwortlich für das Filmset und hast letztes Mitspracherecht. Sie sind der Regisseur. Arbeiten Sie also mit Ihrem Fotografiedirektor zusammen, um eine Vision davon zu erstellen , was Sie sehen und wie es aussehen soll. Wie soll es sich anfühlen? Wenn Sie Ihren Film machen, wissen Sie alles darüber. Ich möchte, dass du all deine Beats kennst, und ich möchte, dass du die ganze Formulierung weißt. Sie müssen so viel Vorbereitung wie möglich machen, bevor Sie können, damit Sie eine sehr spezifische Vision in Ihrem Gehirn haben , wie Sie Szene aussehen muss. All das ist wichtig, denn das wird Ihnen helfen, der beste Regisseur zu sein, den Sie sein können. Je mehr Zeit Sie darüber nachdenken, desto mehr Dinge planen Sie, desto mehr Dinge schreiben Sie auf, sogar wie Referenzen. All das hilft wirklich, Ihre Szene zu gestalten und Details zu geben. Dies ist die Zeit, in der wir über das Klassenprojekt sprechen. Nur um zusammenzufassen, es gibt fünf Dinge, die Sie tun müssen, bevor Sie Ihren Film drehen. Casting, Proben, Location-Scouting, Shot-Listing und Einstellung Crew. 7. Regieführung am Set: Wow, weißt du, wie spät es ist? Es ist Zeit, dass wir tatsächlich den Regie-Teil dieser Klasse machen. Du wirst mich also beobachten, das ist ein immersives, da ich das Projekt zusammen mit dieser redenden Sache mache, die ich tue. Super spannend, weil wir von Anfang bis Ende sehen werden, was es ist, ein Regisseur zu sein. Schritt 1: Sagen Sie den Leuten, wann sie kommen und grüßen Sie sie dann. Tun Sie wie eine von diesen, wie schütteln Sie ihre Hände oder was auch immer Sie tun. Aber du bist als Regisseur da, du als Botschafter, wenn du Leute bemerkst, das ist cool, offensichtlich, sei einfach regelmäßig. Aber Sie sind da, damit sich die Menschen wohl fühlen, besonders wenn Sie Regisseur der Fotografie in Ihren Schauspielern sind. Je komfortabler die Leute sind, desto besser werden sie arbeiten. Sie müssen also eine Umgebung schaffen, in der sich die Menschen wohl fühlen. Es ist oft schön zu essen, ein paar Bananen, ein wenig Kaffee, und dann langsam in das zu gehen, was Sie für den Tag tun werden. Ein Profi-Tipp. Lügen Sie die Leute darüber an, welche Zeit sie anfangen sollen. Weil die Leute es lieben zu spät zu sein. Ich weiß nicht, warum. Aber die Leute lieben es zu spät zu kommen. Eigentlich weiß ich, warum ich manchmal auch zu spät komme, nur weil die Leute schlecht sind. Shaheem war wie eine Stunde zu spät, aber es war egal, weil ich ihn belogen habe spät wir das Start-up brauchten. Pro-Tipp Wenn jeder da ist, müssen Sie eine grundlegende Sache zu tun.Sie müssen jedem sagen , was der Lauf nach unten für den Tag wird aussehen. Das ist sehr wichtig, weil die Leute gerne eine Vorstellung davon haben , was sie tun und wie lange etwas dauern wird. Wann immer einer kam, gab ich ein wenig Pep Reden und ich werde alle wissen lassen, zuerst wollen wir draußen sein, wir werden unseren Meisterschuss schießen. Dann werden wir uns in die Nähe bewegen, um den Großteil von allem, was innerhalb unserer mittleren Nahaufnahme passieren würde. Dann schießen wir fünf Schüsse und dann sind wir fertig. Ich lasse die Leute eine Vorstellung davon haben, was passieren wird und wann sie essen werden. Weil die Leute eigentlich alle Arten von lästigen Fragen mögen , anstatt sich auf die Kunst zu konzentrieren, aber es ist wie gültig für sie. Aber sie sind wie, „wenn das Essen kommt“. Und ich sage: „Warum redest du so? Es ist eine sehr seltsame Art, nach Essen zu fragen.“ Aber sie werden so sein: „Ich bin hungrig“ und ich sage „Okay“, und ich sage: „Ich versuche, Kunst zu machen.“ Aber wenn du es den Leuten im Voraus erzählst, dann stellen sie dir keine Fragen. Deshalb sage ich immer, gehen Sie über das, was Sie tun. Wenn Sie einmal über die Szene gehen wird, gehen Sie zu wo immer Ihr Standort ist und sprechen Sie zuerst mit Ihrem Fotografiedirektor, wo wird das passieren? Dann fangen sie an, die Szene anzuzünden oder die Kamera einzurichten und herauszufinden, welches Objektiv mit der Aufnahme einhergeht. Wir werden ein wenig später über Linsen reden. Das ist eine wichtige technische Sache. Aber du gibst jemandem die Grundidee davon, wie der erste Schuss aussehen soll. Ich benutze gerne Lavalier-Mikrofone und [unhörbar] Show hier nur weil das großartige Filmen ist, aber oft werden Sie einfach ein Mikro auf jemand Solarplex kleben, dieser Bereich genau hier. Sie können es mit Gaffe Tape oder ihre speziellen wie Band machen, das Sie bekommen und dann stecken Sie es in einen externen Empfänger wie ein H Fremdkörper, und Sie tun das mit dem anderen Charakter. Ich liebe Lavalier-Mikrofone. Manche Leute mögen Lav von Mikrofonen nicht. Ich verstehe nicht ganz warum, aber sie klingen so gut und es gibt Ihren Charakter wirklich wie ein Umph zu ihren Stimmen. Du wirst Leute vor dem Schuss micken und wenn du eine solide Person hast, benutzt eine solide Person, wenn du es dir leisten kannst, es ist so hilfreich, okay, du solltest dich nicht auf Ton konzentrieren. Ich hatte keine gesunde Person, aber das liegt daran, dass ich das schon mal gemacht habe und ich weiß, wie man Leute mikelt. Wenn Sie auch nicht wissen, wie man Mikrofon gibt es YouTube-Videos, erhalten Sie zwei Lieben und einen Empfänger, und dann drücken Sie einfach die Aufnahme. Dann kommt hier eine wirklich wichtige Sache. Du findest deine Schauspieler. Sie richten sie irgendwie in dem Rahmen ein, wo sie sein sollten, und Sie gehen über Block. Was ist Blockierung? Blockieren ist grundlegende Richtung darüber, wo Menschen innerhalb der Szene bewegen sollten. Es ist wirklich wichtig, dass Ihre Schauspieler verstehen, wo sie stehen und wo ihre Spuren sind. Oftmals wie: „Wo ist mein Zeichen in dieser Szene?“ Das bedeutet genau, wo sie stehen sollen und was sie tun. Aktion. Um richtig blockieren zu können, muss man hinter die Kamera schauen und Schauspieler lenken , damit sie genau wissen, wo sie in diesem Rechteck stehen, also sieht es gut aus. Man gibt immer Notizen zwischen den Szenen über das Blockieren oft, aber sobald ein Schauspieler es bekommt, bekommt er es. Ich wusste in meiner Szene, dass Theo die Stufen hinaufgehen würde, und du schaust durch die gebeugte abgestanden. Dann kam sein Kopf hoch und er sah Augen mit Shaheem. Also musste ich sicherstellen, dass wir unsere Aufnahme aufgestellt haben und dass Theo perfekt läuft. Aber dann wäre er nicht außerhalb des Rahmens, oder er wäre nicht zu weit in den Rahmen. Da ging ich mit Theo über und richtete Shaheem genau dort auf, wo er sitzen würde und was er tat. Es ist immer wichtig, dass die Leute wissen, was sie tun. Sie als Direktor, Ihre Aufgabe ist es, sicherzustellen, dass die Leute wissen, was sie tun, weil Sie mit einem Team arbeiten und Sie der Leiter dieses Teams sind. Du bist der Leiter eines Teams.Das ist cool. Zimmerton, es ist sehr wichtig, dass Sie Raumton bekommen. Das ist, dass wir Raumton bekommen, weil im Hintergrund eine Maschine brummt . Was ist Raumton? Raumton ist 30 Sekunden Audio , wo niemand spricht oder es ist nur der Umgebungssound in der Szene. Wir waren draußen und es gab Autos, und manchmal gibt es ein Flugzeug, das oben passiert. Also wollten wir 30 Sekunden oder manchmal länger davon bekommen, jeder wäre ruhig und du nimmst den Raumton auf, oder es ist draußen Ton, und du hast 30 Sekunden davon. Wenn Sie dann Ihren Film bearbeiten, legen Sie diese 30 Sekunden auf eine Schleife. Das ist also hinter der ganzen Szene. Wann immer du zu einem anderen schneidest wie, also mache ich meine Wide Shot und ein Auto kommt vorbei und dann, wenn ich zu meinem Medium Schuss kam, ist das Auto nicht ihr Kommen vorbei und das kann wirklich lästig sein. Was Sie haben, ist dieser Raumton dahinter, um die Schnitte zwischen den Szenen zu glätten. Es ist sehr wichtig. Du brauchst Raumton. Pro-Tipp Ihr Mikro Leute, ihr richtet sie ein, ihr geht über die Blockierung, euer Direktor der Fotografie richtet die erste Aufnahme ein, stellt sicher, dass es genau das ist, was ihr es sein wollt. Dann sind Sie fast bereit, Rekord zu treffen, wie die Filme gemacht werden. Sie können sie nicht ohne Aufzeichnung machen, aber bevor Sie den Rekord treffen, gibt es etwas, das Sie tun. Entweder Sie oder Ihr Assistant Director, und Assistant Director hilft nur, das Set zu verwalten und sicherzustellen, dass alles pünktlich läuft. Wenn Sie nicht das Geld für einen haben, Sie sind Ihr eigener Assist-Regisseur, sie werden vor der Kamera gehen und sie werden gehen-. Ganz auf dem Set Schauspieler bist du bereit? Sie werden sich an sie wenden und ihnen gerne ein wenig nicken oder so was geben und dann gehen sie. „ Kameras, rollst du?“ Und dann bedeutet das, dass die Kamera-Person auf Rekord trifft und sie sagen zurück zu dir: „Rollen“. Es ist sehr wichtig, dass Sie diesen Austausch haben. Ich weiß, dass das nicht viel scheint, aber es ist passiert auf wie große Sets, wo jemand wie „Oops, ich habe nicht aufgenommen“, das oft, weil sie nicht diesen verbalen Austausch hatten. Die andere Sache, die du sagst, ist „Sound, Speed“ und sie gehen „Speed“, was bedeutet, dass sie auch aufnehmen. Beide Leute, die das Wichtigste tun müssen, nämlich Video aufnehmen und Ton aufnehmen, müssen Ihnen bestätigen, dass sie das tun. Sobald sie das tun, gehen Sie : „Szene 1, nimm 1.“ Wenn es Ihre erste Aufnahme ist, dann können Sie mit dem Klatschen, wenn Sie Postproduktionsvideo machen, Ihre Audiodaten mit dem Video synchronisieren, weil Sie eine visuelle Referenz haben und die Hände klatschen. Dann gibt es eine Spitze im Audio, und dann koppeln Sie die beiden zusammen. Oft werden die Leute einen Schiefer machen und es wird das Zeug dort geschrieben haben. Deswegen machen sie das. Du machst das Klatschen, auch wenn du keine Audioaufnahme zu tun hast, mach es trotzdem. Es fühlt sich schön an. Sobald Sie die Szene eingerichtet haben und hinter der Kamera gehen, stellen Sie sicher, dass jeder eingestellt ist und die Szene ruhig ist, Sie schauen hinter die Kamera. Das ist ein großer Profi-Tipp. Es ist ein Muss, Sie müssen all Ihre Energie und all Ihre Gedanken in dieses kleine Rechteck konzentrieren . das das, was da drin passiert? Wie sieht es aus, gibt es da drüben zu viel Licht? Das ist, wo Ihre Energie und das ist, wo Ihr Fokus liegt, das Rechteck. Es ist oft hilfreich, wenn Sie einen größeren Monitor haben, aber wenn Sie nicht mit dem tun, was Sie haben. Sobald Sie hinter das Rechteck schauen, setzen alle das ist, wenn Sie aufhören und Sie rufen „Aktion“. Ich liebe es zu hören, dass, es fühlt sich gut an, Aktion zu nennen.Sie sind verantwortlich, Sie an der Macht. Das ist, wenn die Szene beginnt, wenn Sie Aktion aufrufen, und Ihre Charaktere werden durch ihre Szene gehen. Sie machen den ersten Durchlauf und beim ersten Schuss, der dein Mastershot ist, lassen sie die ganze Szene machen, es sei denn, sie vermasseln sich vollständig. Laßt sie hin und her gehen, laßt sie es tun, und laßt sie diese Energie in diesen Königen herausholen. Wenn sie ihre Szene machen, schaust du dahinter. Unterbrechen Sie sie nicht. Wenn es fertig ist, und das ist ein weiterer Pro-Tipp, geben Sie sich Zeit, bevor Sie Cut aufrufen, lassen Sie es vollständig gemacht werden, und dann rufen Sie „Cut“. Da hört jeder auf, die Aufzeichnung zu machen. Gönnen Sie sich einfach die Zeit, um sicherzustellen, dass Sie mehr bekommen. Deshalb warten Sie ein wenig, um Cut zu nennen. Das ist deine erste Take. Dies ist, wo die Kunst, Regisseur zu sein, passiert nach Ihrer ersten Take.Dies ist, wo Sie Anpassungen vornehmen. Theo, ich weiß, dass er nicht genau an der Stelle stand. Er war nicht für das zentriert, was interessante Komposition für mich machte. Also musste ich nochmal darüber nachdenken, wie er sein Blockieren etwas anders machen sollte. Ich sagte ihm, er soll um die Ecke gehen und dort stehen. Ich wollte, dass mein anderer Charakter, Shaheem, etwas mehr auf das Lesen konzentriert trotzdem mit Theo beschäftigt ist. Also machst du Anpassungen. Sie arbeiten mit dem Schauspieler, entweder indem Sie die Blockierung anpassen, Sie passen die Kamera an, Sie passen an, wie viel Licht Sie hereinlassen, vielleicht hören Sie die Tonwiedergabe und Sie passen vielleicht wie Pegel oder wo es Mikrofon ist, Du machst immer kleine Anpassungen. Das ist es, was ein Regisseur tut. So machen Sie jedes Band besser, hörend. Sobald Sie alles eingerichtet haben und genau so, wie Sie wollen, tun Sie das Gleiche.“ Ruhiger Beginn“ „Schauspieler sind Sie bereit?“ „ Kameras sind Sie Geschwindigkeit“, „Kameras rollen Sie“ und sie sagen, „rollen“,“ Schallgeschwindigkeit“ .Sie sagen, „Geschwindigkeit“. Dann sagst du, „Szene 1, nimm 2" und du gehst hinter die Kamera, jeder wird eingestellt und du rufst „Aktion“ und es passiert wieder, einfach so. Tun Sie das, bis Sie es richtig haben. Aber die Sache ist, du kannst nicht ewig verbringen, besonders für deine erste Take. Ich hasse es, so viel Zeit zu verschwenden, weil Zeit eine endliche Ressource ist, ich wollte sagen, unendlich, und das wäre so falsch gewesen, du musst fleißig mit deiner Zeit sein. 8. Die fünf Aufnahmen: Wir haben alles durchgemacht, was du für deinen ersten Schuss tust. Aber ich möchte noch ein bisschen mehr über den Mastershot sprechen. Der Mastershot ist eine unglaublich wichtige Sache im Filmemachen. Master Shot ist der Wide Shot, mit dem Ihre gesamte Szene passieren kann. Das heißt, du beobachtest deine zwei Charaktere in diesem weiten Schuss. Wie einfach nur die ganze Szene, die passiert, und Sie beginnen immer mit dieser Aufnahme, weil sagen wir, dass etwas Schreckliches passiert, wie ich einmal Bus-Backup für 45 Minuten hatte. Ich war eigentlich 45 Minuten lang ein Truck und wir konnten kein sauberes Audio bekommen, aber ich bekam einen Master Shot, der gut war oder du warst hinter dem Zeitplan und du hattest nur Zeit, einen Schuss von einer Szene zu bekommen. Wenn du deinen Mastershot erhältst, hast du wenigstens deine Szene, die ein Pro-Tipp ist. Vergewissern Sie sich, dass Sie zuerst Ihren Master-Schuss bekommen. Zeitraum. Ich liebe es jedoch nicht, Master-Aufnahmen zu verwenden, um die meisten meiner Filmemacher zu machen. Ich mag die meisten Szenen, die ich mache, vor allem zwischen Charakteren, die in ihren singulären Aufnahmen passieren, die genau wie mittel- oder mittelbreit oder nah an einem der Charaktere sind. Denn es gibt mehr Bearbeitung, die ich durchführen darf, mehr Varianten und Takes. Ich verbringe keine extra lange Zeit mit meinem Master Shot. Wenn es nicht perfekt endet, ist es in Ordnung. Nicht jedes Bit muss exakt perfekt fließen. Sie haben gerade diesen Schuss eingerichtet und das wird immer Ihr erster Schuss sein, aber zur gleichen Zeit möchten Sie vielleicht perfekt aussehende Mastershot. Woody Allen wird seine Szenen machen, halten, nur ganze Szenen haben und einen wirklich schön gut beleuchteten Mastershot, und er hat einfach seine Schauspieler gehen lassen. Es hängt alles davon ab, was Sie tun und was Ihre Vision ist für mich und für die Szene, die wir heute hier gemacht haben, ich wollte nicht auf den Mastershot konzentrieren, weil das war nicht wo der Großteil der Szene, die ich wusste, wie ich aussehen wollte und -Bearbeitung. Darauf wollte ich mich nicht konzentrieren. Ich wollte mit der einen Hauptfigur dabei sein. Master-Schüsse. Sie sind wichtig. Nun, die Sequenzierung Ihrer Aufnahmen, das geht zusammen mit dem Grund, warum Sie zuerst Ihren Mastershot schießen. Also schießen wir unseren Meisterschuss und dann bewegen wir uns näher. Sie bewegen sich näher und näher an Ihre Charaktere. Also, die zweite Aufnahme, die ich in dem Film gemacht habe, wollte ich eine mittlere Nahaufnahme auf Theo haben. Das war bei weitem die wichtigste Aufnahme des Stücks, weil Theo den Großteil des Dialogs hatte. Er war die Person, die diese Szene fuhr, und ich wollte, dass er so viel Zeit wie möglich in dieser Aufnahme hat, um neue Dinge auszuprobieren. Da verbrachte ich den Großteil meiner Zeit, und als ich den Schuss bekam und diesen zweiten spielte, denn sobald ich das bekam, wusste ich, dass meine Szene gut sein könnte und ich wusste, dass es wirklich gut war, weil Theo eine erstaunliche Job in diesem Schuss und das ist, wo der Großteil meines Schneidens stattfinden würde. Ich plane das als meine zweite Chance, nur um sicherzustellen , dass wir das bekommen und ich hatte so viel Zeit wie möglich zu tun. Danach, weil wir genau da waren und wir das gleiche Objektiv für den dritten Schuss benutzten, machten wir Theos Nahaufnahmen. Alles, was ich buchstäblich tun musste, war, die Kamera dorthin zu bewegen. Das war also mein dritter Schuss. Dann drehen wir die Kamera um und wir nennen das einen Schuss, Rückwärtsschuss, und wir haben Shaheen Mittelschuss erschossen, der mit dem zweiten Schuss von Theo übereinstimmt. Vor allem, wenn sie hin und her handeln, wirst du Shaheen in diesem mittleren Schuss sehen. Das war eine wichtige Aufnahme, aber er war nicht so, als wäre er ein zentraler Charakter für die Geschichte, aber er hatte nicht so viel Dialog. Ich kann ihn gehen lassen, nachdem Theo-Schüsse mittlerer, mittlerer Nahaufnahme hat. Dann haben wir ihn aus nächster Nähe erschossen. Das war der Großteil des Filmemachens. Zeitraum. Das war der Großteil unserer Schüsse. Es war ein Fünfgefilmter Film. Wir haben alles drin und ich konnte sein Medium aus der Nähe nehmen und dann einfach ein wenig einfacher einziehen. Wieder einmal ist Zeit eine endliche Ressource in einem Filmset, Sie müssen in der Lage sein, durchzugehen und vernünftig zu planen , was Sie Zeit damit verbringen werden. 9. Schauspieler:innen anleiten: Regie Schauspieler. Das ist ein entscheidender Teil des Filmemachens. Du musst dafür sorgen, dass sie sich wohl fühlen und sich gut fühlen, was sie tun. Also scheue ich immer Leute auf. Ok? Du bist als Regisseur da, du musst Sachen positiv halten. Die meisten Menschen funktionieren nicht gut mit negativem Feedback. Geh nicht, „Mir gefällt, was du tust, aber denkst du, wir können es nur mit etwas mehr Leidenschaft tun?“ Das ist nicht hilfreich. Ok? Weil die aber in dieser Klausel alles annullierte, was davor kam. Niemand hört, dass mir gefällt, was du tust. Sie hören nur das Aber, und dann das negative Feedback. Also würde ich sagen, nehmen Sie den Ansatz vor allem als Direktor von Ja, okay? Mir gefiel, was du tust. Wir haben wirklich einige wichtige Notizen dort getroffen und ich frage mich dieses Mal, sei ein bisschen feuriger, gib mir ein bisschen mehr Leidenschaft, aber halte die Leidenschaft in deinen Augen. Ich möchte, dass du das wirklich fühlst. So liebe ich es, den Leuten Feedback zu geben, egal ob es mein Fotodirektor oder für meine Schauspieler ist. Wir versuchen immer, etwas Positives zu behalten. Sie sind der Führer, das ist ein lustiger Prozess, um einen Film zu machen, halten Sie es positiv. Selbst wenn Sie es vortäuschen, versuchen Sie es nicht zu fälschen. Aber Sie müssen der Anführer Beginn sein. Also hatte ich viele Male, wo ein Schauspieler einfach wirklich auf sich runter kommt oder etwas passiert, und jemand ist einfach nicht da und sie sind nicht anwesend. Also hier ist mein Pro-Tipp in diesem Szenario. Ziehen Sie jemanden zur Seite, nehmen Sie sich ein wenig Zeit, wenn sie nicht da sind, sie sind nicht anwesend, Sie ein Gespräch mit ihnen, engagieren Sie sich. Regisseur zu sein, geht nicht nur darum, deine Befehle zu bellen. Es geht darum, anderen Menschen zuzuhören. Also lassen Sie jemanden sprechen, lassen Sie sie anwesend sein, und dann helfen Sie ihnen, jede Energie umzuleiten, egal ob sie nervös sind oder traurig in ihren Prozess sind. Du bist wie ein Tai Chi Meister. Du bist da, um Energie umzuleiten und Menschen frei zu lassen. Das ist also immer ein guter Rat, den ich Ihnen geben kann , um nur die Energie auf einem Set zu korral. Eine der größten Notizen, die man fast immer den Schauspielern geben muss, ist, dass sie ein wenig groß in ihren Gesten sein oder etwas wirklich Großartiges tun, und meistens muss ein Regisseur immer so sein, man es etwas weniger machen kann? Das ist nicht wirklich hilfreich. Was Sie sagen müssen, ist genauer zu sein. Wenn sich ihre Hände zu sehr bewegen, gehe ich zu ihnen und ich sage etwas ganz einfach wie „Kannst du das machen, aber mehr in deinen Augen.“ Nehmen Sie diese Verwirrung, anstatt dass Sie sich so umsehen. Halten Sie einfach Ihren Körper fokussieren und zeigen Sie mir das in Ihren Augen. Sie müssen in der Lage sein, Schauspieler zu leiten und sehr spezifisch zu sein, was Sie von ihnen wollen. Wenn Sie sie bitten, weniger zu tun, sagen Sie ihnen, weniger zu tun, aber lassen Sie sie einen Fokus haben. Ok? Die andere Sache ist, es ist immer wichtig, dass ein Schauspieler etwas zu tun hat. Also, wenn ich nervös bin oder wenn ich eine Szene mache, ist es immer hilfreich, etwas mit einer Requisite zu tun. Das nimmt mir als Schauspieler weg, so wie eine große Geste, wo ich nervös bin und wie [unhörbar] bin. Das ist ein nervöser Akt. Stattdessen kann ich es tatsächlich in ein visuelles Detail einfügen. Ich habe nicht viel Regie in der Master-Aufnahme gemacht, weil ich wusste, dass ich das nicht dort war, wo ich die meiste Zeit verbringen würde. Ich habe viel von meiner Regie in der mittleren Nahaufnahme gemacht. Deswegen bin ich hinter der Kamera. Ich schaue sie an und lasse die Szene einfach passieren. Einige Regisseure, sie werden ziemlich beginnende Schauspieler nennen, die bereit sind, Szene eins, eine Aktion ergreifen. Wenn etwas vermasselt wird, werden sie abgeschnitten und sie werden dasselbe immer wieder wiederholen. Das tue ich nicht. Das macht es ein bisschen mehr ein Hündin für den Editor, weil sie das Katalog-Zeug haben. Ich habe die Kamera einfach weiterlaufen lassen. Also, nachdem mein Schauspieler im Medium Nahaufnahme, gibt es wichtige Aufnahmen, die ich weiß, dass sie eine Menge der Schauspielerei machen werden, macht ein komplettes Band. Dann fange ich an, sie zu lenken, während die Kamera rollt. Also werde ich sagen: „Theo, versuchen Sie diese Zeile noch einmal, versuchen Sie das etwas anders, versuchen Sie es vielleicht ein bisschen mehr in Ihrem Körper. Vielleicht brauchen Sie weniger Hände.“ Also lasse ich sie wie zwei Zeilen oder so etwas tun, und dann unterbreche ich sie, weil ich weiß, wenn ich editiere, alles, was ich brauche, sind die zwei oder drei Zeilen, und dann werde ich auf etwas anderes schneiden. Ich werde auf die andere Figur schneiden. So können Sie einen Schauspieler irgendwie unterbrechen, um eine Art Hilfe zu bekommen, koaxieren sie, um eine bessere Leistung zu erhalten. Auf diese Weise musst du nicht bis zum Ende der Szene warten und so sein, Jack, kannst du das ändern? kannst du nicht einfach ändern. Nein. Du willst sichergehen, dass es passiert. Nun, es ist passiert, aber Sie geben ihnen auch früher die Freiheit, die ganze Szene zu machen , weil einige Schauspieler gerne in einen Rhythmus geraten. Es hängt alles davon ab, mit wem du arbeitest. Aber wenn ich Notizen gebe, bin ich sehr spezifisch. Wir versuchen, neue Sachen auszuprobieren, aber wir versuchen auch sicherzustellen, dass wir es in eine Richtung bekommen. Also manchmal ist die Leistung ein wenig größer und ich bin wie yeah gehen für das oder manchmal wie ziemlich gemacht, und wir gehen durch die Szene. Sobald wir genug auseinander gemacht haben, gehen wir einfach zu den nächsten paar Zeilen über. So richte ich meine Schauspieler, ich lasse sie wirklich frei fließen und arbeite mit ihnen, gebe ihnen aber gleichzeitig eine bestimmte Richtung. Sei spezifisch. Okay? Manchmal ist es auch wirklich schön, wie blumige Sprache zu haben , oder man kann einem Schauspieler etwas geben wie, ich möchte, dass du eher wie ein gewickelter Tiger bist, wenn du die Szene machst. Ich liebe das. Manchmal bin ich auch Schauspieler. Also, wenn mir jemand erlaubt, nur diese poetische Interpretation der Worte in der Szene zu haben . Du kannst mich wirklich gerne entlassen. Das ist ein Pro-Tipp. Sei poetisch. Als Schauspieler, gib mir nicht zu viele Informationen. Nur ein bisschen nach dem anderen, zwei Dinge nach dem anderen und lassen Sie mich reinschnallen. Was ist da drin? Ein guter Take. Warum? Weil du mir Raum gegeben hast, um eine Katze zu schwingen. Das sage ich immer, ich brauche ein wenig Platz, um eine Katze zu schwingen. Es gibt eine kleine Marke, die sagte, dass einmal und ich benutze diese Linie. Was ist, ich brauche ein wenig Platz. Außerdem lasse ich meine Schauspieler Affäre improvisieren. Aber wir versuchen die Szenen einmal so, wie sie sind, aber dann erlaube ich ihm oder ihnen, die Szene so zu machen , wie sie das Gefühl haben, dass sie sie zu der Zeit treffen. Das gibt Spontaneität. Man weiß nie, was passiert, wenn jemand sich verbessert. Du probierst immer Zeug aus. Ok? Eine weitere wichtige Notiz über das Handeln. Viele Male, Leute überschreiben Sachen und Sie brauchen keinen Dialog. Also fast immer werde ich meine Schauspieler zu einer ihrer Linien nonverbal. Nonverbale Takes könnte einfach so sein, als wäre ich sauer auf dich oder IIe-Würfel, der so ein gutes wie wütendes Gesicht ist, oder ich liebe Eiswürfel wütend Gesicht. So verstehst du, dass ich sauer auf dich bin, gegen dass ich so : „Ich bin sauer auf dich.“ Du brauchst die Worte nicht. Ok? Nonverbal. Hier ist verbales Annehmen von dir riecht schlecht wie „Du riechst schlecht. Versus wie. Ist das in Ordnung? Ja, das könnte so sein, als ob es dir gut geht, oder es könnte so sein, als ob es so schlecht ist. Das kann ich nicht tun. Deshalb macht man mehrere Takes, weil ich ein guter Schauspieler bin, aber zumindest denke ich es, aber manchmal bin ich nicht erstaunlich. Etwas im Sinne des Vorgangs. Wenn Sie diese nonverbale Take haben, können Sie diese in Ihrer Bearbeitung verwenden. Ich wette, wir werden eine Menge der nonverbalen Takes verwenden, genau wie dieses Hin-und-He-Ding, weil so viel nonverbal vermittelt werden kann , dass Sie denken, dass Sie Worte brauchen. Du brauchst keine Worte für alles. Ok? Nonverbales Handeln. Es ist mein Zeug. Das ist ein weiterer Profi-Tipp. Stellen Sie sicher, dass Sie eine Einnahme von allem nonverbal erhalten. 10. Objektive und visueller Stil: Linsen, sie sind wichtig. VF DSLR-Kamera, haben Sie die Möglichkeit, verschiedene Objektive auszutauschen. Verschiedene Linsen geben einen anderen Effekt, und es ist sehr wichtig, dass Sie die Wirkung jedes einzelnen verstehen. Du sagst vielleicht zu dir, Julian oder böser Junge, Julian, was muss ich über Linsen wissen? Ich bin nur der Regisseur. Das ist es, was dieser Nerd Kerl oder Mädel hinter der Kamera machen soll, und ich sage, nein. Linsen sind ein wesentlicher Bestandteil dafür, wie Sie Ihre Szene tatsächlich gut aussehen lassen. Ich werde Ihnen ein paar Notizen darüber geben, wie meine Linsen aussehen. Ich würde gerne eng. Ich bin ein erklären, was das alles bedeutet, weil es auf den ersten Blick verwirrend klingt. Ich mag enge, lange Linsen mit einem niedrigen Blendenstopp und einer weit offenen, flachen Schärfentiefe. Vielleicht bist du verwirrt, vielleicht weißt du, wovon ich rede. Wirklich einfach flache Schärfentiefe ist, wenn es weniger Zeug und Fokus, Periode. Ein tieferer Fokus bedeutet, dass es mehr Zeug und Fokus, Periode. Das ist alles, was du wissen musst. Weite Objektive ermöglichen es Ihnen, ein breiteres Stück der Szene zu erfassen. Aber ich liebe es nicht, sie zu benutzen, aber manchmal muss man sie benutzen. Zum Beispiel verwende ich sie in der Szene, die wir heute gedreht haben, weil ich einen weiten Schuss von meiner ganzen Straße machen wollte und die braunen Stufen sehen konnte. Manchmal liebe ich meine breiten Aufnahmen, und so braucht man ein Objektiv, das etwas breiter ist, und das ist, irgendwo zwischen 10 Millimetern, das war wie ein Fischaugen-Objektiv. Man sieht wie ein ganzer Raum zu etwa 24 Millimeter, wo es ein bisschen weiter drin ist und man immer noch einen großen Raum sieht. Zwei, enge Objektive, engere Objektive sind etwa 70 Millimeter und nach oben auf 100 Millimeter, sie sind viel vergrößert. Im Moment ist dieses Objektiv 85 Millimeter. Es ist auf mich gezoomt und Sie können den ganzen Weg bis zu 200 Millimeter bis 300 bekommen , sogar länger als das. Das sind diese super langen Teleobjektive. Eigentlich haben die Blicke von denen geliebt. Ich würde sie lieben, ich liebe sie.. Ich liebe es, wieder lange Linsen in das ein bisschen weiter zu verwenden. Wir waren in Schweigen mit uns, das passiert übrigens in Filmen. Ich sagte, ich benutze gerne enge Linsen. Warum? Hier ist eine Venensache. Manchmal bin ich vor der Kamera, je enger das Objektiv, die dünneren Gesichter. Sie schießen tatsächlich Badeanzug Modelle nur mit langen Objektiven wie diese. Ich bin gerade eine Vene. Ich bin bei 85 Millimeter mein Gesicht ist weniger fett. Ich gehe gleich hier hin. Ich denke wirklich, dass es die Leute tatsächlich besser aussehen lässt. Wenn Sie eine breitere Linse haben, stellen Sie sich vor, es macht Ihr Gesicht ein wenig breiter. Wenn Sie eine engere Linse haben, bringt es Zeug rein. Lange, enge Linsen Das ist überall von 50 Millimeter auf. Je enger Sie gehen, desto mehr bringt es Sie in die Szene und desto mehr können Sie, es konzentriert sich genau das, was Ihre Szenen sind. Es ermöglicht Ihnen, mehr Hindernisse in Ihre Szenen zu haben und Sie können wie ein kleines unscharfes Ding in der Ecke haben und das gibt Tiefe zu Ihrem Bild. Ich liebe flache Schärfentiefe, besonders für Nahaufnahmen. Denn wenn du eine flache Schärfentiefe hast, wenn Sachen hinter deinem Charakter verschwommen sind, konzentrierst du dich nur auf den Charakter. Du konzentrierst dich nicht auf all die anderen Sachen da. Du siehst nur diese Person an und es schafft wirklich einen interessanten filmischen Look. Die Schwierigkeit dabei ist, dass manchmal Dinge in den Fokus und außerhalb des Fokus stehen. Sie müssen sicherstellen, dass Ihre DP eindeutig fokussiert ist und dann Ihr Schauspieler nicht zu sehr in den Fokus bewegt. Es ist sehr wichtig, dass du es verstehst. Pro-Tipp ist, dass die Blockierung damit übereinstimmt, wie flach, wie viel Fokus und wie sich das Thema in Ihrer Szene befindet. Aber ich werde sagen, dass einige DPs nicht gerne ein solches Risiko eingehen. Sie wollen mehr Zeug im Fokus. Ich dachte, das ist kitschig und es lässt es nicht gut aussehen. Das gefällt mir wirklich nicht. Ich schlage immer vor, mehr Chancen einzugehen, mehr Risiken einzugehen, die Szene zu behalten, du bist in einer flachen Tiefenschärfe erschossen. Beachten Sie, dass Sie, wenn Sie an einem iPhone arbeiten, diese Fähigkeit nicht haben. Ein iPhones ist ein iPhone, weil es nur ein Objektiv hat und alles im Fokus hält. Sie haben eine variable Objektive auf DSLR-Kameras , so dass Sie verschiedene Fokussierungen und verschiedene Arten von Objektiveffekten haben können. Sie haben das nicht auf dem iPhone. Ich denke, das neue iPhone hat wie drei Objektive, aber sie sind es nicht. Worüber ich rede, wo man Sachen in den Fokus bringen kann. Focus ermöglicht es Ihnen, sich auf das Wesentliche zu konzentrieren. 11. Outro und Projektrückblick: Ich möchte Sie damit verlassen. Es ist wirklich einfach, ich habe eine wirklich einfache Nachricht, die ist, dass Sie dies mit allen notwendigen Mitteln tun können. Tun Sie es mit einem Telefon, tun Sie es war eine Kamera, tun Sie es mit allem, was Sie haben. Du hast das in dir. Alles, was Sie tun müssen, ist leidenschaftlich zu sein, die Details herauszufinden und einfach darauf zu gehen. Überdenken Sie nicht. Ich habe versucht, so wenig wie möglich zu denken. Deswegen bin ich irgendwie dumm. Aber wie, dumme Leute machen Sachen erledigt. Über Denker sind immer wie [unhörbar] und ich überdenke manchmal auch. Also bin ich nicht sauer, wenn du ein Überdenker bist. Aber geh einfach da raus und mach es und hab Spaß. Machen Sie glauben, genießen Sie das Zeug. Das Filmen ist großartig. Ich bin stolz auf dich. Lasst uns das machen. Dies ist die Zeit, in der wir über das Klassenprojekt sprechen. Lass uns das Ding erschießen. Du hast dein Drehbuch geschrieben, du verstehst die Grundlage der Regie, und jetzt sind wir bereit, einen Film zu machen. Viel Spaß damit, schnitzen Sie die Zeit aus. Tun Sie all die Dinge, die ich Ihnen vorhin in diesem Prozess skizziert habe, und genießen Sie einfach den Prozess des Films. Du lässt etwas passieren, das gerade in deinem Gehirn existiert hat. Dann kann sich jeder das ansehen. Das wird großartig. Ich bin stolz auf dich. Machen Sie den Film. Beachten Sie auch, dass dies keine Editierklasse ist, aber Sie müssen dies an bestimmten Punkten bearbeiten. Daher empfehle ich, es gibt so viele Editing-Tutorials online und ich gebe eine kurze Grundierung über die Grundlagen der Bearbeitung in meiner ersten Klasse. Ich meine, Dope Low Budget Filme. Alles klar, einen tollen Tag. Genießen Sie sich selbst. Mach den Film. Du hast deine fünf Schüsse gemacht, du hast einen Film gemacht. Sie rufen Wrap an. Ich bin sehr stolz auf dich. Ja, hoffentlich hast du das genossen, weil ich super in den Prozess des Filmemachens bin. Ich bin nur froh, dass ich mit dir teilen kann, was mir so wichtig ist. Wenn Sie Fragen oder Kommentare oder Bedenken haben, schreibe ich Ihnen gerne zurück. So tippe ich. Ich bin generell aufgeregt, etwas von diesem Zeug zu hören oder zu sehen und nur um mich mit Ihnen weiter zu beschäftigen. Also yay, das Dach wieder hochzuheben. Ich hebe das Dach hoch. Outro, das ist dein Outro, und ich hebe das Dach. Es tut mir so leid, ich werde das Dach nicht mehr heben. Es wurde hoch genug angehoben. Okay, ich bin fertig. Viel Spaß.