Regenbogenhaut – So zeichnest du bunte, aussagekräftige Hauttöne in Aquarell

1. Einführung: Hi. Mein Name ist Arleesha Yetzer und ich bin Aquarell-Illustrator und YouTube-Content-Schöpfer. Meine Arbeit in Aquarellen konzentriert sich größtenteils auf Porträts, und eine meiner Lieblingstechniken ist die Verwendung einer Vielzahl von Tönen beim Malen von Haut. Dies wurde von meiner liebevollen Gemeinschaft als „Rainbow Skin“ bekannt. In dieser Klasse möchte ich Sie durch den ganzen Prozess führen. Wir beginnen damit, über die Materialien zu sprechen, die Sie benötigen, sowie einige meiner Favoriten. Danach werden wir jede einzelne Farbe aufschlüsseln. Ich werde mit Ihnen über die Einrichtung Ihrer eigenen begrenzten Palette sprechen, sowie wie Sie jede einzelne Farbe von Rot, Gelb, Blau, Violett und Grün mischen . Wir werden alles abdecken, und danach werden wir auf ein paar Projektbeispiele eingehen. Ich werde Ihnen meinen Prozess zeigen, in jeder einzelnen Farbe zu legen. Ich werde Ihnen zeigen, wie diese Farben mischen und sich durch nass auf nass und nass auf trockenen Techniken mischen. Ich bin so sehr aufgeregt, diesen Prozess für Sie zu entmystifizieren. Die Verwendung einer breiten Palette von Farben in Hauttönen muss keine beängstigend, einschüchternd oder unnahbar sein. Ich persönlich finde es eine fantastische vertrauensbildende therapeutische Übung. Also, wenn Sie bereit sind, mit vielen kühnen, bunten Hauttönen und Aquarellen zu tauchen . Lasst uns loslegen. 2. MATERIALIEN: Um loszulegen, werden wir über die Materialien sprechen, die Sie benötigen, um sich zum Skizzieren und Malen vorzubereiten. meinen Lieblingsmaterialien gehören: Das Canton XL Mixed Media Skizzenbuch zum Skizzieren und Vorbereiten, und für unser letztes Stück wird jedes Aquarellpapier, das 100% Baumwolle ist, wirklich großartig für Ihr Porträt funktionieren. Ich werde Links zu allen Materialien im Abschnitt „Über“ dieser Klasse hinterlassen. Für Bleistifte sind meine Vorlieben entweder ein Druckbleistift zum Skizzieren und Herausgeben von Ideen oder ein Farbstift für das endgültige Gemälde. Meine zwei Lieblings-Buntstifte oder beide von PRISMACOLOR, und das beinhaltet das PRISMACOLOR Doppel-Rennen in Zinnoberrot, sowie die PRISMACOLOR VERITHIN in Purpurrot. Ich habe hier ein paar Radiergummis, einen weißen Polymer-Racer sowie einen gekneteten Radiergummi. Wenn Sie bereit sind, Farbfarben zu wählen, sind Sie herzlich eingeladen, Ihre Lieblings-Aquarellpalette herauszuholen. Etwas vielleicht ein bisschen wie dieses hier. Aber es wird in dieser Klasse entscheidend sein, dass wir mit einer begrenzten Palette arbeiten. Ich spreche vier Farben max. Für mich gehe ich durch und wähle vier spezifische Farben aus Tuben, die ich auf eine Porzellanpalette auspressen werde. Die einzigen wirklichen Regeln, wenn es darum geht, Farben für Ihren Gaumen zu wählen , ist, dass Sie mit den Primärwahlen beginnen. Gelb, Cyan, Magenta oder Rot, Gelb, Blau. Sie werden eine von jedem in einer Temperatur Ihrer Wahl haben wollen, und auch eine zusätzliche Farbe, die Sie denken, könnte das Schema gut ergänzen. Das kann braun oder Paynes Grau sein, oder für mich werde ich dieses Kaskadengrün verwenden, da es eine Farbe ist, die ich nicht wirklich aus den anderen Farben mischen kann, die ich gewählt habe. Sobald ich meine Farben ausgesucht habe, bekomme ich ein paar Gläser für Wasser, Papiertuch, und wir sind ziemlich bereit zu gehen. Nun, da Sie alle Ihre Vorräte zusammen haben, lassen Sie uns weitermachen und ein wenig darüber reden, warum die begrenzte Palette so wichtig ist und wie Sie sie nutzen können, um eine Vielzahl von Farben zu mischen. 3. Deine Palette kennen lernen: Beginnen wir damit, Ihre Aquarellpalette kennenzulernen. Übungen wie diese sind entscheidend für die Entwicklung eines Verständnisses der Palette von Farben, die Ihnen zur Verfügung stehen, wie Sie sie in harmonische Töne und Schattierungen mischen. Wie bereits erwähnt, können Sie gerne Farben in Halbfarben verwenden. Sie müssen nicht frisch aus der Röhre sein, wie meine. Das ist nur meine bevorzugte Methode für diese bestimmte Marke. Für die letzte Farbe in diesem Bereich habe ich beschlossen, frische Farbe nicht auszupressen. Stattdessen habe ich gerade den Teil der getrockneten Farbe aus seiner üblichen Heimat in meiner Palette für Daniel Smith Farben entfernt . Beginnen wir mit einem einfachen Farbrad. Ich werde mein Nickel-Azogelb, Chinacridon-Rotlicht und Manganblau so auslegen . Zwischen jedem dieser ersten Farbfelder werde ich sekundäre Farben mischen und platzieren , die sich auf Orange, Lila und Grün beziehen. Dies sind die Farben, die wir bekommen, indem wir zwei unserer Primärfarben miteinander vermischen. Ich werde auch in meinem Kaskadengrün platzieren, wo es im Verhältnis zu diesem Rad fallen würde. Ich werde nicht in tertiäre Farben gehen, was die Farben zwischen orange und gelb, rot und orange, gezüchtet und lila wären , Dinge wie diese. Wir bleiben nur bei Primär- und Sekundärfarben für dieses Anfangsrad. Unsere Gesamtpalette an Farben ist jedoch viel breiter als nur diese sechs. Ich werde auch ein wenig Zeit damit verbringen, mehr Mischungen mit diesen Farben zu erforschen und ein bisschen mehr Blau, Gelb oder Rot hinzuzufügen, um mehr Abwechslung zu schaffen. Wenn wir beide Sätze von Mustern nebeneinander betrachten, können Sie sehen, dass die Farben in unserem Rad viel gesättigter und dichter sind als die von unseren Mischforschungen. Das ist entscheidend, wenn wir an unserem eigentlichen Porträt arbeiten. Wenn unsere Farben wie im Rad auf dem Porträt erscheinen, wäre alles zu gesättigt und zu hart. Unsere Farben würden einfach kollidieren. Die meisten meiner Mixe auf der rechten Seite haben Bits aller drei Primärien in ihnen. Dies ermöglicht eine subtilere, gedämpftere Farben, die in einer viel harmonischeren Weise miteinander verschmelzen. Unser Blau sieht immer noch blau aus, und unsere Rottöne sind immer noch rot, aber sie haben Bits von einander in ihnen. Das vereint unsere Palette und bringt alles zusammen. Wenn Sie neugierig sind, würde ich empfehlen, auch andere primäre Sets zu erkunden. Versuchen Sie, ein kühles tiefes Blau anstelle eines warmen grünlichen oder vielleicht ein kühles Zitronengelb zu verwenden, um die ursprüngliche goldene Option zu ersetzen. Jede Variante in Ihrer ursprünglichen Farbauswahl wirkt sich auf die Mixe aus, die Sie erstellen können. Kühler Farben eignen sich besser für tiefe Purpur. Wärmere Farben können ein erdiges organisches Gefühl geben. Jetzt ist es an der Zeit, zu erkunden. Finden Sie die Kombination von Farben, die mit der Atmosphäre und Emotion fließt , die Sie in Ihrem Aquarell-Porträt vermitteln möchten. 4. Rot: In den nächsten Videos werden wir uns auf bestimmte Farben konzentrieren. Ich werde Ihnen meine bevorzugten Methoden zum Platzieren und Mischen dieser Farben zeigen und wir werden mit Rot beginnen. Sofort wirst du bemerken, dass ich meine rote Farbe nicht alleine verwende. Ich verwende Rot für Bereiche des Gesichts, die anfälliger sind für: erröten, Sonnenbrand oder hohen Blutfluss, und ich füge normalerweise ein wenig Gelb zu der Mischung hinzu, bevor ich mit dem Malen beginne. Das gibt mir einen weicheren, pfirsichigen Ton. Normalerweise lege ich Rottöne um Augen, Wangen, Ohren, Mund und Hals. Hier ist ein Beispiel für die relativen Farbzonen des Gesichts in Bezug auf Portraitur. Ich fand, dass diese Richtlinien sehr hilfreich sind, wenn sie in Farbe platziert werden. Natürlich werden wir einfach rechteckige Farbblöcke über unsere kleinen Gesichter platzieren , aber wir werden diese allgemeinen Regeln befolgen. Blushy Bereiche neigen dazu, am deutlichsten um die Augen, Wangen und Ohren zu sein. Beim Malen in diesen speziellen Tönen vermische ich sie oft mit sauberem Wasser, um weiche verblasste Kanten zu erzeugen. Schon mit diesen ersten Bits Farbe fange ich an, über Wert, Licht und Dunkelheit nachzudenken. Die Farbe kann dichter sein, wo es mehr Schatten und weicher in helleren Bereichen. Ich habe herausgefunden, dass Rottöne eine großartige Basis für die Porträtmalerei sind. Dies ist in der Regel mein Lieblingsplatz zu starten. Wenn Sie sich verschiedene Referenzbilder ansehen, erhöhen Sie Ihr Verständnis für Farbvariationen im Gesicht erheblich . Suchen Sie nach dichteren Bereichen von Rot. Sie sind möglicherweise nicht für jedes Porträt gleich. Nachdem wir jedes Farbbeispiel durchlaufen haben, komme ich zurück und beende diese kleinen Übungsköpfe. 5. Gelb: Jetzt werden wir in die Gelbe ziehen. Es kann eine große Varianz in dieser Kategorie geben, möglicherweise die meisten von allen Kategorien, da dies der Bereich ist , der oft den Grundton der Haut für Ihr Motiv bestimmt. Während ich auf diese Kategorie als Gelb beziehe, wird es auch diese Fleischtöne und braune Mischungen enthalten. Beim Mischen dieser Farbe wird Gelb natürlich den größten Teil der Mischung ausmachen. Ich werde auch ein bisschen Rot einschließen, um ein bisschen näher an Orange zu kommen. Wenn diese Farbe zu orange ist, kann ich ein bisschen Blau hinzufügen, um die Mischung zu entsättigen. Wenn wir einen kurzen Blick auf ein Farbrad werfen, können Sie sehen, dass Orange und Blau einander gegenüberstehen, indem Sie eine Farbe zu seiner Ergänzung hinzufügen, oder die ihm gegenüberliegende Farbe auf dem Farbrad entsättigt diese Farbe. Während die größte Fläche in unserer gelben Kategorie wird um die Stirn zentralisiert werden, wie wir in unseren Farbzonen Beispiel gesprochen. Ich werde dies auch an verschiedenen Stellen über die gesamte Phase malen , um die Idee zu verstärken, dass dies unsere Grundfarbe der Haut ist. Im Zweifelsfall, verlassen Sie sich auf Ihre Referenz, Sie können sogar einen Blick in den Spiegel werfen und beobachten, wo Ihre Haut am gelbsten ist. Dies werden subtile Variationen sein, nur wissen, wonach Sie suchen und haben keine Angst zu experimentieren. Wenn Sie etwas opalisierenderes oder Perlglanzeffekt wünschen, können Sie viel mehr Leerraum in Ihren Beispielen lassen, so dass die Farbe nur die Kanten der dunkleren Bereiche berührt und mehr Leerzeichen hinterlassen kann. 6. Blau und Lila: Blues und Purple sind einige meiner Lieblingsfarben, um Hauttöne hinzuzufügen. Wenn ich mein Lila mischte, bevorzuge ich etwas auf der wärmeren Seite mit etwas mehr Rot als blau. Passen Sie Ihre Farbmischungen nach Ihren Vorlieben an. Wie ich bereits gesagt habe, kann man es wirklich nicht übertreiben, wenn es darum geht, mit diesen Übungen neue Dinge zu experimentieren und auszuprobieren. In einem grundlegenden Umgebungslicht-Szenario werde ich diese Farbe Vorschatten in den natürlich versenkten Bereichen des Gesichts verwenden. Dazu gehört unter dem Augenknochen, unter der Nase, in den Bereichen um die äußeren Kanten des Gesichts, wo die Stirn, Wangen und Kinn sich von den nach vorne gerichteten Ebenen abbiegen, die möglicherweise mehr Licht fangen. Purples Schicht schön mit anderen Hauttönen besonders, mit einem warmen Lila wie diesem. Wir werden mehr von diesem Beispiel sehen, wenn ich auf dieses Gesicht zurückkomme, um in allen anderen Tönen zu färben , nachdem wir unsere spezifischen Beispiele beendet haben. Die Platzierung von Schattenfarben ist, wo Sie die größte Variation in Ihren Teilen haben , da sie sich je nach Richtung Ihrer Lichtquelle ändern. Sie können meine Klasse über dramatische Beleuchtungstechniken in Aquarell für weitere Beispiele überprüfen. Meine Blautöne werden einem ähnlichen Zweck dienen. Beim Mischen dieser Farbe füge ich meinem Blau etwas Gelb hinzu. Dies schiebt die Farbe um ein bisschen zu einem grünen Aufwärmen. Wir wollen dem Grün nicht zu nahe kommen, aber ich wärme mein Blau gerne ein bisschen auf. Ich benutze Blues, um Transluzenz und Tiefe zu kommunizieren. Dies ist oft neben Schattenbereichen, aber es dient einem einzigartigen Zweck, getrennt von den Violetten. auf dieses Beispiel von Farbzonen zurückblickt, werden Blues oft um das untere Drittel des Gesichts fokussiert. Dies liegt im Allgemeinen daran, dass der untere Kinnbereich dort ist, wo wir sehen, dass fünf Uhr Schatten oder wo sich das Gesicht vom Licht abkurbelt, so dass die Dinge etwas kühler werden, wenn wir uns nach unten in Richtung des Halses bewegen. Hier sind einige andere Beispiele für meine Verwendung von Blau in Hauttönen. Ich finde, dass dies die schwierigste Farbe ist, die für einen bestimmten Zweck und Argumentation hinter meiner Verwendung dieser Farbe zu platzieren . Hoffentlich geben Ihnen diese Beispiele eine Vorstellung davon, was ich vorhabe, insbesondere bei der Verwendung von Blues in Hauttönen. 7. Grün: Es ist Zeit, unsere Grüns zu platzieren. Greens sind für mich eine faszinierende Farbe, besonders im Bereich der Hauttöne. Beim Mischen beginne ich mit einer gelben Basis und füge Blau hinzu, um ein warmes Grün zu erzielen. Ich entsättige oft diese Mischung mit seiner Ergänzung nur einen Hauch von Rot. Ich mag es, diese Mischung relativ warm zu halten, aber wie ich bereits sagte, als wir über die Malerei unseres ursprünglichen Farbrades sprachen, ist es wichtig, dass unsere Farben ein bisschen voneinander in ihnen haben , um die Dinge harmonisch zu halten. Ich werde ein bisschen Rot hinzufügen, um die Farbe zu entsättigen und sie zu helfen, mehr mit diesen Tönen zu mischen, wenn wir sie später hinzufügen. Ich verwende nicht immer alle Farben, die wir bisher in jedem Bild behandelt haben. Wenn ich mich entscheide, Grün zu wählen, ist es in der Regel anstelle von meinem Lila und fungiert als Schattenton. Wann würdest du Grün anstelle von Violett verwenden? Das hängt davon ab, was Sie durch Ihre Malerei erreichen wollen. Grün ist erdig und viel subtiler, wenn sie mit anderen Farben geschichtet werden, da die Komplimente rot sind Diese beiden Farben werden sich gegenseitig abspielen, so dass der andere scheint, wenn er nebeneinander platziert wird. Bei jedem dieser Beispiele ist der effektivste Weg zu sehen, wie jeder Ton zum Gesamteffekt beiträgt, indem er mit den Farben insgesamt experimentiert. Jetzt, wo wir ein bisschen über jeden abgedeckt haben, gehen wir zurück und beenden jedes Gesicht. 8. Alles zusammenführen: Es ist Zeit, alles zusammenzufassen. Diese Methode, in einer Farbe über das Gesicht zu legen und dann zu einer anderen Farbe zu bewegen, es ist nicht etwas, was ich einfach für den Zweck dieser Klasse getan habe. Dies ist eigentlich meine bevorzugte Methode, wenn es darum geht, Aquarellporträts zu malen. Bei diesem ersten ist ein gelber Ton etwas näher an Braun. Beachten Sie, wie sich die Farbe vertieft und gesättigter wird , wo sich der gelbe Farbton und das Rot überlappen. Ich treffe ständig Entscheidungen darüber, wann Kanten aufgrund sanfter Kurven des Gesichts weich werden sollen und wann scharfe, harte Kanten hinterlassen werden sollen, was Licht, Schatten oder Form anzeigt. Experimentieren ist der Schlüssel. Nach den Gelben beschließe ich, in einigen Blues zu platzieren, sehen, wie wir sofort abgerundet und hinzugefügt Tiefe in das Gesicht. Das Blau verleiht der Haut ein Gefühl von Transparenz und Dimension. Ich werde das mit etwas Purpur beenden, das wird unsere dunkelsten Schattenbereiche vertiefen. Arbeiten in transparenten Schichten ist absolut unerlässlich damit diese Farben glasieren und miteinander verschmelzen können. Wir wollen, dass die Farbe darunter durchscheint, dies wird das Gesamtbild viel harmonischer halten. Lassen Sie uns etwas Rot zum zweiten Gesicht hinzufügen. Um mit der Gesamtwinkeligkeit dieser Features zu fließen, kann ich beim Platzieren meiner Farben mehr dreieckige Formen und harte Kanten hinzufügen. Ich habe beschlossen, die Beleuchtung nur geringfügig mit dem Zusatz von meinem Blau zu variieren. Diese Farbe spielt in diesem speziellen Beispiel keine besonders starke Rolle. Schließlich wird ein entsättigtes Purpur die starke Beleuchtung verstärken. Denken Sie daran, dass nicht alle Farben zusammenarbeiten möchten. Als Ergänzung zueinander das Mischen oder Überlappen von Lila und Gelb führt das Mischen oder Überlappen von Lila und Gelbzu einer leicht schlammigen und ziemlich langweiligen Farbe. Behalte das im Hinterkopf und erinnere dich daran, was du willst. Wenn ich zum Beispiel wollte, dass dies insgesamt grauer aussieht, würde ich definitiv sagen, dass dies ein guter Weg ist, dorthin zu gelangen. In dieser dritten Phase ist unser gelber Ton viel näher an Rot als alle anderen, die wir bisher gemalt haben. Sobald das Rot hinzugefügt wurde, erscheint dieses Beispiel insgesamt viel cooler, ohne einen starken Gelbton, um den Farbbereich auf einen eher mittleren Boden zu ziehen. Nur als Test lasse ich die meisten meiner Kanten scharf, ohne sie zu vermischen. Ich bin gespannt, wie das aussehen wird, wenn es mit allen anderen Gesichtern verglichen wird. Dieses letzte Beispiel mit der grünen Basis, endete mein Liebling der vier. Ich begann mit dem Hinzufügen von Rot zu meinen erröten Bereichen. Der gelbe Ton in diesem Beispiel war sehr nah an der Farbe des Rot und wurde auch angewendet, während das Rot noch nass war, was dazu führte, dass die Farben miteinander verschmelzen und schwieriger zu unterscheiden sind. Die Zugabe von etwas Blau half, Tiefe und Form wieder herzustellen, aber meine Rottöne waren immer noch verloren. Ich habe eine neue rote Ebene hinzugefügt. In Vollbildern gehe ich fast immer wieder zu Farben zurück, mit denen ich bereits gearbeitet habe , um Sättigung und Tiefe zu verstärken. Sie sollten definitiv nicht das Gefühl haben, dass Sie nur einen Schuss auf jede dieser Farben bekommen. Aquarelle in ihrer transparenten Natur lieben es, geschichtet zu werden. Eine letzte Schicht Blau fügte eine schöne Kühle und brachte alles zusammen und damit sind unsere vier Beispiele komplett. Sie sind alle bunt und stilisiert, aber mit einer zusammenhängenden Menge an Farbersatz, was Gesichtern führt, die nicht ganz unnatürlich aussehen. Malen Sie selbst ein paar kleine Gesichter auf. Fühlen Sie sich frei, mit dunkleren oder blasseren Teint zu experimentieren indem Sie Ihren gelben Grundton anpassen oder einen kühleren violetten Schatten verwenden. Wie bereits erwähnt, können Sie auch mehr von dem Weiß der Seite lassen , um die Haut attraktiver zu machen. Ich kann es kaum erwarten, dich zu sehen, was du dir einfällt. 9. Kursprojekt: Beispiel Nr. 1: Nun, es ist Zeit für das Klassenprojekt. [ MUSIK] Ich habe heute zwei spezifische Malbeispiele mit euch zu teilen. Wir beginnen mit einem sehr lockeren Beispiel in meinem Skizzenbuch und gehen dann zu etwas weiter, das auf unserem Baumwoll-Aquarellpapier verfeinert ist. Mit diesem ersten wollte ich Ihnen auch meinen Skizzierprozess zeigen, denn ich finde, dass Sie ohne eine gute Skizze kämpfen werden, um etwas zu bekommen, mit dem Sie in der letzten Malphase zufrieden sind . Ich arbeite hier mit meinem roten Prismacolor Verithin Bleistift, und wenn ich mich meiner ersten Skizze nähere, denke ich wirklich darüber nach wie Schnitzen als Zeichnen. Normalerweise beginne ich mit dem äußeren Umriss des Kopfes, um die allgemeine Gesichtsform korrekt zu erhalten , bevor ich beginne, die Features einzubauen. Manchmal füge ich einige äußere liegende Komponenten hinzu, damit ich die Komposition eingrenzen kann bevor ich zu tief in die Details stecken und dann erkennen kann, dass sich etwas Grundlegendes ändern muss. Wie Sie an dieser Stelle sehen können, habe ich einige Grundformen für Augen, Nase und Mund gelegt und mich weiterhin bewegen, hin und her springen, verschiedene Teile der Skizze verfeinern, da alles zusammenkommt. Dies führt manchmal zu Anpassungen, wie Sie vielleicht gerade mit dem Auge bemerkt haben, dass ich dachte, es wäre ein bisschen zu weit raus, also habe ich es ein wenig bewegt. Ich werde später hineingehen und meine Nase nach unten bewegen, als ich dachte, dass sie zu hoch im Gesicht war. Ich habe an ein paar verschiedenen Referenzfotos für dieses besondere Porträt gearbeitet, und wenn Sie aus einer Referenz arbeiten möchten, zögern Sie bitte nicht, dies zu tun, besonders wenn es darum geht , die Layouts für die verschiedenen Farben, wenn wir in unsere Malphase gehen. Wenn Sie wachsen und entwickeln, werden Sie in der Lage sein, mehr aus der Phantasie zu tun und in der Lage , sich weniger auf Referenz verlassen, wenn das Ihre Wahl ist. Alles hängt von Ihren endgültigen Zielen ab, wenn es um Ihre Kunst geht. Sie werden feststellen, dass ich meine Zeilen verdunkle, nur um sie in einigen Fällen wieder zu löschen. Manchmal drücke ich ein bisschen zu hart, wenn ich meine Details verfeinere, aber letztendlich möchte ich nicht, dass meine Linien besonders dunkel sind, wenn ich sie übermale. Farben wie dieses Rot neigen dazu, sehr schön in Hauttöne zu mischen, also mache ich mir keine allzu große Sorgen darüber, und ich mag manchmal, wie es aussieht, wenn diese Skizzenlinien durchscheinen, aber ich möchte nicht, dass die Linien die Farbe, wenn es Zeit kommt, tatsächlich in unsere Aquarelle zu bekommen. Wenn wir unsere Skizze beenden, werde ich sagen, dass eine meiner größten Empfehlungen darin besteht, im weiteren Sinne zu beginnen. Legen Sie also in großen Formen, großen Formen, setzen Sie sich auf Ihre Komposition, bevor Sie in die Details gehen. Auf diese Weise müssen Sie später nicht zurückverfolgen, wenn etwas nicht ganz richtig platziert ist. Wenn wir uns in unsere Farbe bewegen, werde ich mit dem Hintergrund beginnen, und ich werde das Cascade Green verwenden, das wir ausgesucht haben. Ich werde sagen, dass ich eine kleine Anpassung an meine Anfangspalette vorgenommen habe , bevor ich diese Farbe startete. Ich vertauschte meine Nickel Azo Yellow, so dass der gelbe Farbton, und ersetzen Sie es stattdessen mit einem transparenten Yellow Oxid, das ist das gleiche Pigment, das für gelbe Ocker verwendet wird, das ist eine viel mehr entsättigt Gelb. Ich entschied, dass ich etwas etwas weicheres für mein abschließendes Projekt wollte. Fühlen Sie sich frei, Ihre Farben anzupassen, wie Sie möchten. Als wir mit dem Malen beginnen, werde ich voran gehen und beginnen mit meinem Lieblingsplatz in Bezug auf Hauttöne, die ich bereits erwähnt habe, sind die Roten. Normalerweise setze ich Rot in sehr großen Bereichen, wähle aus, wo ich diese Kanten ausblenden und wo ich sie ein bisschen härter lassen soll. Es mag scheinen, als würde ich an dieser Stelle viel Rot hinzufügen, aber während wir unsere Farben schichten, werden Sie feststellen, dass das Rot verschmilzt und irgendwie in den anderen Tönen verschwindet. Wenn ich mit unserem Blau arbeite, habe ich versucht, es ein kleines bisschen wärmer als unser Hintergrund zu halten, damit es nicht zu viel zu dieser Hintergrundfarbe Cascade Green passt. Wie Sie in diesem Beispiel sehen können, halte ich die Dinge relativ locker und habe nur Spaß, Farben und Werte zu legen. Das ist eine Sache, die ich wirklich genießen, Stücke wie diese in meinem Skizzenbuch zu tun ist ich bin nicht super besorgt über die Schaffung etwas super raffiniert oder super fertig. Ich kann einfach loslassen und Spaß haben, und ich denke wirklich, es ist eine gute Idee, Stücke wie diese neben den raffinierteren fertigen Stücke, die Sie auf tatsächlichen Aquarellpapier tun können auszugleichen . Weil es sich nicht um Baumwollpapier handelt. Ich fand in einigen Fällen, dass meine Farben hielten und vermischten mehr als auf einem tatsächlichen Aquarellpapier. Das ist nur ein Mixed-Media-Papier. Aber es landete sich zu einer wirklich schönen, lockeren, sorglosen Erfahrung, die sehr angenehm war. Mein Plan war, wieder hinein zu gehen und mehr zu den Hauttönen hinzuzufügen, aber ich brauchte eine bessere Beurteilung der Gesamtwerte, bevor ich hineinging und die Dinge im Gesicht verdunkelt. Also entschied ich mich, ein bisschen an meinen Haaren zu arbeiten. Springen um dein Stück ist eine wirklich tolle Idee, um Wert zu schaffen und ein Stück zu schaffen, das insgesamt zusammenhängender ist. Sobald ich diesen Grundton für das Haar hatte, konnte ich dann wieder auf die Haut gehen und umgekehrt. Nachdem ich das getan hatte, ging ich zurück auf die Haut machte dann mehr Anpassungen an den äußeren liegenden Elementen. Es geht alles darum, Stück für Stück an dem Stück zu arbeiten. Du bist mehr als willkommen, mit einem Auge zu beginnen und weiter zu malen, bis dieses Auge fertig ist. Ich finde es viel einfacher, das Gesamtbild des Stückes zu beurteilen und wie es läuft, wenn ich Dinge ausbreiten und herumspringe. Ich entschied mich auch, zu gehen, nachdem ich in meinem Haar Wert gesetzt hatte und fügen Sie etwas lila auf das Gesicht. Ich fühle mich wie diese Farbe funktioniert wirklich gut als eine helle Schattenfarbe. Dieses Stück hielt ich insgesamt sehr leicht und gab ihm ein bisschen mehr von einem glühenden, ätherischen Look. Die Schattenfarbe, die ich jetzt in den Haaren lege, hat auch ziemlich viel Purpur darin. Dies hilft es, mehr mit dem Purpur in der Haut zu mischen. Sie werden bemerken, dass ich fast die ganze Arbeit mit der gleichen Bürste. Ich genieße diesen kleinen Federpinsel wirklich. Es ist eine Größe eins, aus natürlichem Haar. Es kommt zu einem wirklich schönen Punkt, der es mir erlaubt, auf kleineren Flächen zu arbeiten, aber es hält auch viel Wasser und kann flach gedrückt werden, um größere Flächen abzudecken, so dass ich es eine sehr vielseitige Option für Dinge wie diese. Ich hielt meine äußeren liegenden Elemente wie diese Blumen sehr locker, weil ich wollte, dass das Gesicht im Mittelpunkt steht, also war das Gebiet, in dem ich die meiste Zeit damit verbrachte, den Kontrast und die Details zu verfeinern. Ich verbrachte knapp eine Stunde mit der Gesamtheit dieses Stückes und fühlte mich, als wäre es eine gute Aufwärmübung, um meine Hände und meinen Geist über Farben und Hauttöne und Komposition nachzudenken . Nun, da wir diese erste abgeschlossen haben, gehen wir zu einem zweiten Beispiel über. 10. Kursprojekt: Beispiel 2: Jetzt, da wir alle aufgewärmt sind, ist es an der Zeit, zu unserem zweiten Beispiel zu gehen. Für dieses Stück habe ich meinen gleichen Prismacolor verwendet, [unhörbaren] Bleistift, aber diesmal auf unserem 100 Prozent Baumwoll-Aquarellpapier. Ähnlich wie bei unserem letzten Stück werde ich mit meinen Rottönen beginnen, und wie ich bereits erwähnt habe, als wir die Besonderheiten für diese bestimmte Farbe durchgingen, fange ich bereits an, über Wert nachzudenken. Ich schichten auf mehr Farbe in den Bereichen, die ich ein bisschen dunkler sein möchte und ich weiche aus und vermische die Kanten zu Bereichen, die ich heller bleiben möchte, so dass das Weiß der Seite durch mehr zu zeigen. Ich werde sagen, dass ich mir gewünscht hätte, dass ich in der Skizzierungsphase meinen eigenen Rat befolgt hätte. Ich fühle mich, als hätte der Mund für dieses besondere Porträt ein wenig genauer platziert werden können. Ich finde die Kontrolle des Wassers wesentlich, wenn es um das Ablegen von Farben geht, da es mir hilft zu wissen, wann ich meine Kanten weich machen soll und es mir erlaubt , es lockerer und flüssiger auf meine Farben anzuwenden. Ich beschloss, dass ich etwas anderes mit diesem ausprobieren wollte. Also ging ich mit einer Art Zuckerwatte-Effekt für den Hintergrund legte in Stücke von unserem reinen Rot, Gelb und Blau in den Hintergrund. Ich habe am Ende bedeckt die meisten dieser Farbe mit unserer Kaskade grün, wenn ich im Hintergrund hinzugefügt, aber ich liebte absolut den Effekt, dass dies auf das Bild gab. Nach meinen Roten ging ich mit dem Blues rein. Ich finde, dass es hilfreich ist, an Blau etwas anders zu denken , als nur eine Schattenfarbe zu sein. Ich benutzte sie auch, um Tiefe auf das Gesicht aufzutragen. Es strafft die Wärme des Roten, und damit mehr an der dreidimensionalen Form von Kopf, Hals und Schultern. Layering ist eines der wichtigsten Werkzeuge, wenn es um die Verwendung dieser speziellen Technik geht. Ich lege meine gelbe Farbe über mein Rot in den Bereichen, die ich sehr reich und warm sein möchte. Durch das Verlegen der gelben Oberseite meiner blauen Bereiche wird die Farbe entsättigt und lehnt sich etwas mehr in Richtung eines grünlichen Grauen. Genau wie bei unserem letzten Porträt, wenn ich einmal eine Grundfarbe für die Haut hatte, bin ich weggezogen und zog zu meinen Haaren. Ich füge gerne lose fließende gestische Markierungen hinzu, wenn ich in Form der Haare lege. Ich finde, dass dies dazu beiträgt, den Gesamtfluss des Stückes zu verstärken, sobald es fertig ist. Denken Sie daran, dass jede Farbe, die ich mischte, alle von dieser gleichen Palette stammt, und abgesehen vom Hintergrund habe ich das Kaskadengrün nicht sehr verwendet. Die Farben, die du siehst, wurden von unserem Rot, Gelb und Blau gemischt. Die Einführung einer Tonne von verschiedenen Farben ist wirklich, was verhindert, dass Farbpaletten in vielen Fällen harmonisch sind. Indem ich meinen Gaumen begrenzt hielt, erlaubte ich diesen Farben, viel zusammenhängender zusammenzuarbeiten. Während sie alle sehr getrennt lesen, sehen unsere Blues blau aus, unsere Rottöne sehen rot aus, und unsere gelben Fleischtöne lesen, wie sie sollten, sie unterscheiden sich nicht so voneinander in der Sättigung. Ich genieße es oft, einen Hauch von Rot in den Augen meiner Charaktere hinzuzufügen. Es lässt es fast so aussehen, als ob die Figur vor kurzem geweint wurde, was ein wenig traurig klingt, aber ich liebe die emotionale Absicht, die sie dem Frieden mit einem so winzigen subtilen Hauch von Farbe hinzufügt . Bei der Arbeit an einem Porträt stellte ich im Allgemeinen fest, dass die Bereiche, die am dunkelsten sind die Pupillen, die Nasenlöcher und die Mundwinkel. Indem man sich auf einen dieser Bereiche konzentriert, um der dunkelste zu sein, es für mich besonders die Schüler. Es lenkt den Blick auf diesen Bereich, wenn Sie das Porträt betrachten und ermöglicht es, den Fokus des Stückes zu bilden, so dass Sie das Gefühl haben, als ob Sie tatsächlich Blickkontakt mit dem Motiv zu machen. Immer mehr lose organische Pinselstriche im Laufe vieler transparenter Schichten verleihen dem Stück viel dreidimensionale Form. Normalerweise kontrastiere ich die Dreidimensionalität des Gesichts mit einem flacheren, verschwommenen, abstrakteren Hintergrund, der den Fokus des Stückes wieder verstärkt. Sobald ich meine Kaskade grün über den Hintergrund gelegt hatte, waren die meisten dieser Anfangsfarben vertuscht, aber sie zeigten sich in winzigen Bits durch. Ich freue mich sehr darauf, in Zukunft noch mehr mit dieser speziellen Methode zu experimentieren . Damit sind unsere beiden Beispiele vollständig. Vielen Dank, dass Sie sich mir für diesen Kurs angeschlossen haben. Der Bereich „Klassenprojekte“ ist ein großartiger Ort, um Ihre Kunst nicht nur mit mir, sondern auch mit Ihren anderen Schülern zu teilen , damit wir alle daran arbeiten können, einander zu inspirieren. Ich hoffe, Sie haben Spaß daran, die Techniken zu erkunden, die wir in dieser Klasse behandelt haben, und ich kann es kaum erwarten, zu sehen, was Sie kreieren. Fröhliche Malerei.