Perspektive 101: Vollständige Perspektive Zeichnung

1. Einführung in den Kurs: Hi, mein Name ist Scott Harris und willkommen zum Kurs. Ich habe sehr hart gearbeitet , um sicherzustellen, dass dies der effizienteste Weg ist, Sie zu unterrichten. Und damit Sie lernen, epische Umgebungen, Hintergründe und Szenen zu schaffen und Welten mit den Grundlagen der Perspektive zu schaffen. Und wir werden den Kurs logisch durchlaufen , wo wir von diesen Grundlagen zu fortgeschrittenen Prinzipien übergehen und Ihnen helfen, komplizierte und detaillierte und vor allem glaubwürdige zu schaffen detaillierte und vor allem und ansprechende perspektivische Szenen für jede Art von Arbeit, die Sie sich vorstellen können. Der Kurs wurde in Photoshop gefilmt , um die Aufnahme zu erleichtern, aber es gibt keinen Einfluss auf die Tools, mit denen Sie lernen können , diese Umgebungen zu zeichnen, Szenen, in denen sie verwenden herkömmliche Werkzeuge wie Bleistifte und Papier mit digitalen Tools wie einem iPad Pro oder PC mit Tablet, macht es überhaupt keinen Unterschied. Tools sind Werkzeuge , die das Verständnis der Umsetzung der Fundamentaltheorie der wichtigste Teil sind. Vergessen Sie nicht, Ihre Arbeit und Ihre Aufgaben in unseren Online-Communities zu veröffentlichen . Mit anderen zu lernen ist eine wirklich unterhaltsame Erfahrung und es kann Ihnen auch helfen, viel schneller zu lernen , da Sie all dieses großartige Feedback von allen haben , auch von mir selbst. Wenn du lernst. Das war's für mich. Bitte genieße den Kurs und wir sehen uns in den Lektionen. Lasst uns dran kommen. 2. Modul 1.1 Das große Bild: In diesem Modul lernen wir die Werkzeuge und Grundlagen der Perspektive kennen. Aber bevor wir einsteigen, möchte ich Ihnen einen Teaser geben, einen Vorgeschmack darauf, was wir mit diesen Tools machen können in einer sehr schnellen Zusammenfassung der Zeitraffer. Werfen Sie einen Blick auf die schwierige Phase und die Rückerstattungsstufe einer abgeschlossenen Umweltzeichnung. Und dies gibt Ihnen einen guten ganzheitlichen oder makrotischen Überblick darüber, wie wir die Theorie und den Workflow der Theorie implementieren die Theorie und den Workflow der , um eine fertige Umgebungszeichnung zu erreichen. Wenn wir anfangen, perspektivische Szenen zu zeichnen, arbeiten wir in zwei Phasen. Die schwierige Phase, die unsere Bauphase ist, und die Rückerstattungsstandards sind unsere Aufräumphase. Die harte Phase ist wirklich eine Planungsphase , die wir verwenden, indem wir die Grundlagen einer App-Perspektive zeichnen, wir bleiben locker, wir bleiben ein wenig chaotisch. Und was wir wirklich tun wollen, ist das perspektivische Oberteil, den Kamerawinkel zu definieren . Und dann zeichnen wir unsere Werkzeuge wie die Rasterlinie und die Horizontlinien, die Fluchtpunkte und andere Elemente der Perspektive ein , die wir lernen werden. Dann machen wir einen groben Block aus der Komposition und den Hauptformen unter Verwendung des Rasters, das wir eingerichtet haben. Danach rauben wir einfach die Szene aus. Es hält immer noch die Dinge locker, hält die Dinge Macy und fügt irgendwie sehr allgemeine Details hinzu. Wir versuchen nicht, auf der Bühne zu hübsch zu sein. Wir versuchen funktioneller zu sein. Stellen Sie sicher, dass die Dinge richtig platziert und auf eine Weise platziert sind , die für denselben Typ ansprechend ist wie wir. Sobald wir alle Elemente eingezeichnet haben , die wir gerne in der rauen Phase hätten. Wir gehen dann zur Verfeinerungsphase über. Die Verfeinerungsstufe ist unsere raffinierte, saubere Upstage, wo wir zusätzliche Details hinzufügen und uns der Liniengewichte sehr bewusst waren . Wir bemühen uns auch, in jeder Zeile der Bühne einen Hauch von Professionalität, Sauberkeit und Klarheit in jede Zeile der Bühne zu bringen in jeder Zeile der Bühne einen Hauch von Professionalität, , damit das Stück so gut wie möglich aussieht. Jetzt denken wir immer noch über alle Grundlagen nach, die wir in dieser Phase in der harten Phase gemacht haben. Aber hier konzentrieren wir uns wirklich auf Stilisierung, sind kreativ müssen uns nicht unbedingt genau an den groben Plan halten , den wir gemacht haben, sondern uns lieber locker sein, ein wenig zusätzlich zu den soliden Fundamenten, die wir gebaut haben, etwas ausdrucksvoller. Verwendung unserer perspektivischen Tools, der grundlegenden Perspektivtheorien und eines soliden Workflows können wir eine klare und lesbare Umgebungszeichnung erstellen. Ich hoffe, dass dieser kurze Überblick Ihren Appetit dazu gebracht hat etwas über Perspektive und Umweltzeichen lernen zu wollen . Lasst uns also direkt in die Lektionen einsteigen. 3. Modul 1.2 Die Picture: Bevor wir anfangen können, unsere Szenen und unsere Umgebungen zu rendern , müssen wir anfangen, etwas über die Tools zu lernen, die wir verwenden müssen , um diese Szenen und Umgebungen Wirklichkeit werden zu lassen . In den nächsten Lektionen werden wir einige dieser Tools kennenlernen . Und ich möchte, dass Sie über diese Werkzeuge nachdenken, als gäbe es stationäre Geräte oder Geräte , die Sie in einem Kunstgeschäft kaufen könnten . Lassen Sie uns also auf das erste Tool einsteigen und es ist ein grundlegendes Werkzeug, aber es ist auch gleichzeitig ein sehr kritisches Werkzeug, und das ist die Bildebene. Jetzt ist die Bildebene wirklich das Fenster in deine geschaffene Welt , das zwischen dem Betrachter und der Welt liegt , die du zeichnest. Jetzt kann der Rahmen eines Gemäldes sein, der Rand einer Seite oder es kann nur ein Block oder ein Rechteck sein , wie ich hier auf der Seite gezeichnet habe. Die Bildebene ist ziemlich kritisch, um uns dabei zu helfen, sie in Verbindung mit den anderen Elementen der Perspektive zu nutzen Verbindung mit den anderen Elementen der , um den Kamerawinkel, das Kameraobjektiv und den Aspekt zu steuern Verhältnis der Szene. Ist es eine große Szene? Ist es eine enge Szene? Ist es eine quadratische Szene? Ist es zum Beispiel eine Runde zu sehen? Die Bildebene ist ziemlich kritisch. Es ist einfach in der Prämisse, aber es ist sehr nützlich. Es ermöglicht uns, gut zu komponieren und viele Elemente unseres Bildes zu kontrollieren. Das ist also die Bildebene. Werfen wir einen Blick auf das nächste Werkzeug der Perspektive. 4. Modul 1.3 Horizon: Das nächste Tool, über das wir lernen werden heißt Horizontlinie. Und es heißt, spielt ein wenig auf seinen Zweck an. Wird oft als die Linie angesehen, die den Himmel von der Grundebene aus definiert. Es ist absolut kritisch und notwendig in allen unseren Szenen, da die Horizontlinie es uns im Wesentlichen ermöglicht, die Augenhöhe des Betrachters zu kontrollieren. Ist die Aussicht, die wir auf hohe Gebäude schauen, oder schauen sie von diesen hohen Gebäuden auf die Straßen? Die Horizontlinie ist das Werkzeug, mit dem wir dies tun können. Wir können einige lustige Dinge mit der Horizontlinie machen, auf die wir uns einlassen werden, wenn wir über Kamerawinkel sprechen. Wissen Sie vorerst, dass die Horizontlinie innerhalb oder außerhalb unserer Bildebene existieren kann . Und das ist eine der wichtigsten Möglichkeiten, die wir kontrollieren. Das sind sehr Blickwinkel. Es ist einfach eine Linie , die es uns ermöglicht, das Niveau des Betrachters zu kontrollieren, und das ist die Horizontlinie. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 5. Modul 1.4 Fluchtpunkte: Das nächste Tool, von dem wir lernen werden , ist der Fluchtpunkt. Und wenn Sie mehr als einen haben, nennen wir sie einfach Fluchtpunkte. Wirksam. Es sind wirklich nur Punkte, die Bezugspunkte verspotten. Wir werden Rasterlinien zu den Rasterlinien selbst erhalten , sind ein weiteres perspektivisches Werkzeug, das wir über eine Verkürzung lernen werden. Fluchtpunkte werden üblicherweise an der Horizontlinie gezeichnet, aber sie sind nicht darauf beschränkt, dort verwendet zu werden, je nachdem, was Sie erreichen möchten. Inosin-Fluchtpunkte werden bei Bedarf auch außerhalb der Horizontlinie innerhalb und außerhalb der Bildebene verwendet. Aber denken Sie im Wesentlichen an die Fluchtpunkte als Bezugspunkte, die uns helfen, den dynamischen dreidimensionalen Raum unserer Szene aufzubauen . Sie können auch zu Messzwecken mit Inosin verwendet werden . Lassen Sie sich das vorerst nicht übermäßig verwirren. sie einfach als Bezugspunkt, Punkte und denken Sie daran, dass Sie in diesen Kunstladen oder dieses Schreibwarengeschäft gehen, in das Sie eine Reihe von Fluchtpunkten kaufen können. Es gibt Tools , die Sie so verwenden können, wie Sie sie in Ihrer Szene benötigen. Diese Fluchtpunkte sehen wir uns in der nächsten Lektion. 6. Modul 1.5 Rasterlinien: Werfen wir nun einen Blick auf unser nächstes Tool in unserer Toolbox, dem es sich um die Rasterlinien handelt. Und die Rasterlinien sind effektiv Referenzlinien , die von den Fluchtpunkten über die Bildebene ausstrahlen und es uns ermöglichen , die 3D-Natur der Szene festzustellen. Ich benutze hier Orange für den linken Fluchtpunkt. Und ich benutze das Line-Tool in Photoshop. Natürlich sollten Sie dafür ein Lineal verwenden , wenn Sie traditionell arbeiten. Und der Grund, warum ich Orange verwende, ist, dass Linien, wenn wir verschiedene Farben für unseren Fluchtpunkt verwenden, verschiedene Farben für unseren Fluchtpunkt verwenden, Gitterlinien sind, die auf Fluchtpunkte zurückgehen oder von unseren Fluchtpunkten ausstrahlen. Dies hilft uns leichter zu verstehen, an welcher Ebene wir arbeiten, wenn wir die 3D-Objekte in der Szene rendern . Ich werde diese Rasterlinien nur von diesem linken Fluchtpunkt dort drüben über die Szene ausstrahlen . Und für den richtigen Fluchtpunkt werde ich mit Schwarz ausstrahlen. Und das hilft mir leicht zu verstehen, was ich sagen werde. 3D-Blöcke sind Würfel oder andere Elemente in der Szene , in der ich diese Elemente erhalte , um sie zu erhalten? Also der linke Arm oder siehst du sie nach rechts? Wenn Sie traditionell arbeiten, scheuen Sie sich natürlich nicht, dafür Buntstifte zu verwenden. Hier haben wir also diese Gitterlinien, die jetzt von ihren verschiedenen Fluchtpunkten ausgestrahlt wurden. Und sie helfen uns, ein Gefühl für den 3D-Raum zu bekommen , den wir in dieser Szene geschaffen haben. Und natürlich haben wir mit dieser speziellen Horizontlinie einen sehr hohen Szenentyp und eine sehr durchschnittliche Ebenenansicht auf der von uns erstellten Himmelsebene und der Grundebene, die wir erstellt haben. Wir bekommen also ein Gefühl für eine Welt , in die wir Objekte platzieren können. Diese auf den Punkt gebracht oder die Rasterlinien. Lasst uns weitermachen. 7. Modul 1.6 Vertikale und Horizontale: Unser nächstes Werkzeug, oder vertikale und horizontale Linien, sind wirklich die Linien in unserer Szene, die nach oben und unten und links und rechts verlaufen . Diese werden auch Vertikale und Horizontale oder kurz Verts und Horden genannt . Und was wir tun, ist, dass wir sie vertikale und horizontale Linien in Verbindung mit unseren Rasterlinien verwenden vertikale und horizontale Linien in Verbindung , um 3D-Blockformen in der Szene auszubauen . Was ich also tun werde, ist, dass ich zwei Vertikale definiere. Und zwei Horizontale hier. Verwenden Sie diesen richtigen Fluchtpunkt, um eine Ebene zu definieren. Und dann mache ich das Gleiche mit dem linken Fluchtpunkt. Um dort eine Horizontale zu definieren. Ich bringe es hier auf eine Vertikale. Und dann ziehe ich diese Linie mit der Rasterlinie am linken Fluchtpunkt dort, eine weitere Horizontale erzeugen. Und deshalb ist der Grund, warum wir diese Terminologie verwenden möchten , dass basierend auf der Art der Perspektive, die Sie verwenden, etwas anderes mit Ihren vertikalen Linien und horizontalen Linien passieren kann , basierend auf dem Fluchtpunkte in der Szene. Und das werden wir ausführlicher behandeln, wenn wir dort ankommen. Betrachten Sie aber vorerst Verts und Horden als ein weiteres Werkzeug in Ihrer Toolbox, um die sehr großen 3D-Elemente einer Szene zu definieren . Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 8. Modul 1.7 Referenzpunkte: Wir werden jetzt etwas über unser endgültiges Basis-Tool erfahren. Und das ist der Referenzfluchtpunkt, auch als diagonaler Fluchtpunkt bezeichnet wird. Jetzt, in der Szene, bin ich gegangen und habe eine Art Bodenfliese hier drüben im Türkis gezeichnet . Und die Verwendung eines Referenzfluchtpunkts oder eines diagonalen Fluchtpunkts besteht darin, dass er einen Bezugspunkt darstellt, der es uns ermöglicht, etwas mit diesem Bezugspunkt zu tun. In diesem Beispiel werde ich den Bezugspunkt verwenden , um die Messung dieser Bodenfliese über und zurück in die Ferne zu multiplizieren Messung dieser Bodenfliese über und zurück in die . Sie können Referenzfluchtpunkte für mehrere Dinge verwenden , und ich gebe Ihnen später im Kurs einige Verwendungszwecke dafür. Was ich also tun werde, ist, dass ich eine Linie von Ecke zu Ecke durch diese Kachel bis zur Horizontlinie ziehe von Ecke zu Ecke durch . Und ich werde eine Referenz des Fluchtpunkts genau hier an der Horizontlinie definieren . Und was ich von dort aus tun kann, ist, diese Linie zu nutzen , die zur Ecke des nächsten vorgeschlagenen Blocks führt. Und das hilft mir dann die nächste Zeile zu definieren, die ich von meinem linken Fluchtpunkt ziehen kann . Es gibt mir eine exakte, mathematisch korrekte Messung für das nächste Top. Also kann ich das weiter tun, indem ich den diagonalen Fluchtpunkt in diese indem ich den diagonalen Fluchtpunkt Ecke und das Ei noch einmal ziehe, es gibt mir die nächste Position der Linie in der oberen rechten Ecke der Oberseite. Wissen Sie vorerst, dass Referenzfluchtpunkte diagonale Fluchtpunkte sind, auch als D-VPs bezeichnet werden, eine andere Art von Fluchtpunkt sind, die Ihnen für mehrere Referenzen zur Verfügung stehen oder Messzwecke. Wir werden später im Kurs genauer darauf eingehen. Und das sind im Wesentlichen alle Ihre wichtigsten Tools, die Sie benötigen, um perspektivische Szenen zu erstellen. Wenn wir jetzt anfangen, mehr Fluchtpunkte hinzuzufügen, mit der Horizontlinie herumzuspielen und verschiedene Dinge ohne Vertikale und Horizontale zu tun, können wir anfangen, wirklich ziemlich dynamisch in den Arten von Szenen, die produzieren konnten. Wenn wir davon ausgehen, werden wir uns jetzt die drei Haupttypen von Perspektiven ansehen die drei Haupttypen von , die wir in diesem Kurs lernen werden. Und verwendet, um alle Arten von Umgebungs - und Innenszenen zu schaffen . Egal, ob Sie oben am Himmel, unten am Boden, im Weltraum oder in einem Wissenschaftslabor sind. Wir können die Perspektive nutzen, um jede Art von Szene zu zeichnen , die wir uns vorstellen können. Also lasst uns direkt darauf eingehen. 9. Modul 1.8 Zeichnen von 1 Punktperspektive: werden wir jetzt wirklich Mit unserer perspektivischen Zeichnung werden wir jetzt wirklich real. Und wir werden diese grundlegenden Werkzeuge verwenden , die wir gelernt haben um unsere erste Art von Perspektive zu schaffen, die als Ein-Punkt-Perspektive bezeichnet wird. Und es heißt so, weil wir einen Fluchtpunkt verwenden , wenn wir diese rauen Ein-Punkt-Perspektivszenen erstellen. Jetzt werden wir einfach die Grundlagen machen. Wir zeichnen einfach Würfel, Blöcke und Boxen. Und das wird uns ein Gefühl geben, wie wir die groben Grundlagen einer perspektivischen Szene aufbauen können . Also lasst uns gleich darauf eingehen. Ich benutze das Line-Tool in Photoshop. Wenn Sie an Papier arbeiten, sollten Sie auf jeden Fall ein Lineal verwenden. Ansonsten, wenn Sie gerade Linien geübt haben, können Sie sehr gut freihändig zeichnen , das sogar schneller sein als ein Router. Ich zeichne eine typische Bild-Ebenenform. Ja. Dies ist nur eine Breitbild-Form. Sie könnten ein Quadrat oder ein langgestrecktes Rechteck verwenden. Was hast du? Lasst uns eine Horizontlinie einziehen und anstatt sie Roslyn in den Toten zu stellen, bringe ich die Horizontlinie etwas tiefer. Stimmt's? Und was das normalerweise bedeutet ist, dass wir mehr von der Unterseite von 3D-Formularen sehen mehr von der Unterseite von werden, die wir zeichnen, wenn sie sich über der Horizontlinie befinden, oder? Okay, also haben wir eine Horizontlinie da drin und lassen Sie uns diese Ein-Punkt-Perspektive mit einem roten machen . Und die Sache mit einer Ein-Punkt-Perspektive ist, dass wir ihn bei diesem einzelnen Fluchtpunkt genau hier in der Mitte der Horizontlinie platzieren werden, wenn dieser einzelne Fluchtpunkt bewegt sich zu weit nach rechts oder nach links, Sie können genauso gut eine 2-perspektivische Szene erstellen. Denken Sie daran, dass wir immer versuchen so viel Anziehungskraft und so viel Dynamik wie möglich aus unserer Arbeit herauszuholen. Und besonders bei 1-Punkt-Szenen, wenn sich der Einzelpunkt zu weit nach rechts bewegt , zwei Teile nach links, können Sie genauso gut in eine Zwei-Punkte-Perspektiv-Szene gehen, und wir werden 2 Perspektiven in das nächste Video. Und wenn Sie wirklich darüber nachgedacht haben was passiert ist, als wir die Tools behandelt haben, werden Sie feststellen, dass dies tatsächlich eine 2-perspektivische Szene war , die wir in den Tool-Lektionen gemacht haben. Was ich hier mache, ist nur ein paar Zeilen aus diesem 1. Sie können diese gleich weit entfernt machen, wenn Sie möchten, oder Sie können nur ein bisschen zufällig sein wie Sie sie herausziehen. Der Schlüssel hierbei ist, dass diese Rasterlinien kein einschränkender Faktor für Sie sind kein einschränkender Faktor , was Sie zeichnen. Sie sind einfach eine Richtlinie, um Ihnen ein Gefühl für den Raum in der Szene zu vermitteln. Egal welche Formen Sie zeichnen und welche Formen Sie zeichnen möchten. Sie verwenden immer den Fluchtpunkt selbst als Referenz. Und die Rasterlinien sind nur da, um Ihnen dabei zu helfen dieses Gefühl von 3D zu etablieren. Was ich jetzt tun werde, ist diese Rasterlinien zu verwenden. Ich habe mein Bildebene und meine Horizontlinie, einen einzigen Fluchtpunkt in der Mitte mit seinen roten Strahlungslinien heraus. Nimm hier ein Blau und wir werden nur eine einfache quadratische Form zeichnen. Gerade hier ist der obere linke Abschnitt dieser Bildebene. Denken Sie jetzt noch einmal daran, dass die Bildebene möglicherweise die Ränder Ihrer Seite sein könnte, oder es wird die Bildebene sein, die Sie definiert haben. Vielleicht ist es in einem Comicbuch oder du machst nur ein paar perspektivische Zeichnungen auf einem großen Blatt Papier. Denken Sie daran, dass die Bildebene selbst das Fenster definiert , von dem aus wir in die Welt schauen und in das wir den Betrachter platzieren. Okay, jetzt habe ich diese quadratische Form hier gezeichnet und sie ist nach vorne gerichtet. Und etwas Wichtiges, das bei Ein-Punkt-Perspektivszenen auftritt, ist, dass Ihre nach vorne gerichteten Vertikalen und Horizontalen parallel zu den Rändern der Bildebene verlaufen. Behalte das also im Hinterkopf. Man sieht, dass sie ziemlich parallel zu den Rändern der Bildebene liegen. Was wir tun werden, ist, dass wir den Fluchtpunkt benutzen und ein paar Linien zurückziehen. Bitte haben Sie keine Angst , während Sie diese Art von Übungen machen, rau und locker zu sein, besonders wenn Sie mitmachen. Der Punkt hier ist, dass Sie verstehen, wie die Perspektive funktioniert. Und lassen Sie mich das auch früh sagen. Glaube nicht, dass du komplexe Szenen mit Messungen und verrückten perspektivischen Techniken erstellst . Ich möchte nicht, dass du auf diese Weise über die Perspektive nachdenkst. Das wird den Wunsch töten du Szenen aufbauen musst. Plötzlich werden massive städtische Szenen in Bezug auf die Blöcke viel Struktur haben . Aber wissen Sie einfach, dass Sie ein größeres Verständnis dafür haben möchten , wie die Perspektive funktioniert. Anstatt zu denken, dass wir die Perspektive allein verwenden , um diese Szenen zu erstellen furchtbar langweilig sind und eine extrem lange Zeit dauern eine extrem lange Zeit und wir werden diesen vollständigen Workflow durchlaufen. Also lasst uns in diesem Sinne weitermachen. Ich habe das Quadrat gezeichnet und habe aus einigen Ecken Linien zurück zum Fluchtpunkt gezogen . Und das hat mir geholfen, eine Seitenebene und eine untere Ebene zu definieren . Ich füge hier einfach eine weitere Vertikale hinzu und eine weitere Horizontale hier. Und Sie können sehen, dass wir jetzt eine Box in einer Ein-Punkt-Perspektive definiert haben . Und was ich dann machen werde, ist, dass ich diese Zeilen löschen werde , die ich nicht brauche. Wenn du jetzt an Bleistift und Papier arbeitest. In der Regel zeichnen Sie Ihre Konstruktionslinien sehr leicht. Und dann zeichnest du mit einem dunkleren Stift auf deine Hauptform . Oder du benutzt vielleicht einen Stift oder eine Tinte oder ähnliches. Und so haben wir hier eine schwebende Box über der Horizontlinie am Himmel, wenn ja, in Ein-Punkt-Perspektive. Das ist also eine einzige Kiste dort. Was wir nun auch tun können, ist wir uns die anderen Seiten dieser Box vorstellen können , indem wir ein paar Linien aus ihren Ecken ziehen, auch zurück in diesen Fluchtpunkt. Also definiere ich die linke obere Ecke dort. Ich bringe es auf einen einzigen Fluchtpunkt. Und so ziemlich alle anderen Ecken oder Schrank. Und dann kann ich eine Horizontale zu dieser Linie ausdehnen und dann auch eine Vertikale nach unten legen. Und jetzt haben wir das Drahtgitter einer Box. Und wir können hier einfach die Zeile löschen , dass wir uns kein Drahtgitter oder eine Art durchsichtige Version dieses Bucks geben uns kein Drahtgitter oder eine Art müssen. Stimmt's? Jetzt ist die Ein-Punkt-Perspektive eine sehr einschränkende Art von Perspektive. Sehen Sie nicht, dass 1,2 und drei Punkte im Schwierigkeitsgrad zunehmen. Das ist nicht wirklich der Fall. Vielmehr erhöhen Sie nur die Fluchtpunkte, um mehr Dynamik in einer Szene zu ermöglichen . Ein-Punkt-Perspektive eignet sich hervorragend für jene Szenen, in denen jemand die Straße entlang fährt und Sie ihn in einer Szene eines Tunnels haben oder etwas sehr Symmetrisches machen möchten, wie zum Beispiel hineingehen die Schlosstore in 1 und ähnliches. Aber wieder, wenn du anfängst, diese 1 zu weit nach rechts oder zu weit nach links zu bewegen . In Ihrem typischen Szenentyp sind Sie wirklich besser dran, Zwei-Punkte-Perspektive zu verwenden. Im Grunde sage ich also, dass Sie einen einzigen Fluchtpunkt an einem Punkt behalten möchten einen einzigen Fluchtpunkt an einem Punkt typischerweise um die Mitte der Horizontlinie herum zu sehen ist. Du willst nicht wirklich zu weit von dort abweichen. Wenn Sie dies tun, können Sie genauso gut eine 2-perspektivische Szene zeichnen. Okay, lasst uns noch ein paar dieser Blöcke einziehen und sehen, was passiert, wenn wir sie über und unter die Horizontlinie bewegen. Was ich hier machen werde, ist, dass ich eine Kiste zeichne, die tatsächlich außerhalb des Bildeflugzeugs kommt. Natürlich würden wir dann nicht die untere Hälfte sehen , die in der letzten Szene aus der Bildebene liegt . Auch hier ziehe ich diese Linien zurück zum Fluchtpunkt. Und das wird mir helfen, ein korrektes Gefühl für 3D zu bekommen. Und wenn die Kiste in die Ferne zurückgeht und ich hier eine Vertikale hochziehe, ziehe hier eine Horizontale rüber. Und dann lösche ich die Zeilen, die ich nicht brauche. Schon wieder. Wirklich, mach dir keine Sorgen um Sauberkeit, sorge dich um die Richtigkeit. Es ist okay, wenn es locker und chaotisch ist. Und ich werde das während des Kurses oft lesen . Das Wichtigste beim Zeichnen von Umgebungen, Szenen, Innenräumen und sogar Strukturen ist, dass Sie grundlegend verstehen, wie die Perspektive funktioniert. Denn wenn Sie verstehen , dass die Perspektive funktioniert, spielt es keine Rolle, welche Perspektive Senior tut. Sie werden verstehen , ob Sie einen bestimmten Standort oder ein Flugzeug richtig oder falsch gezeichnet haben . Und hier möchten wir Sie dazu bringen, die Perspektive als Ganzes einfach zu erfassen und grundlegend zu verstehen erfassen und grundlegend zu verstehen. Lass uns eine sehr dünne Kiste hier oben am Himmel machen. Diese Flugzeuge stehen uns also direkt gegenüber. Diese sehr parallelen Horizontalen und Vertikalen zu den Rändern der Bildebene. Sie können sehen, wie ich die Ecken immer wieder an diesen Fluchtpunkt ziehe . Sie können also sehen, wie wichtig der Fluchtpunkt darin ist die Formulare in einer Ein-Punkt-Perspektive zu definieren, ich werde erneut die Zeilen löschen , die ich nicht brauche. Und ich habe eine dünne schwimmende Box im Scott. Und so merkst du hoffentlich auch, dass wenn die Dinge über die Horizontlinie gehen, deine Teams, wenn die Dinge über die Horizontlinie gehen, mehr vom Boden des Objekts sehen. Und wenn die Dinge unter den Horizont gehen und du gesandt hast , um mehr von der Spitze des Objekts zu sehen. Und hoffentlich können Sie sich vorstellen, wenn wir diese Horizontlinie verschieben, wie dies die Art und sich vorstellen, wenn wir diese Horizontlinie verschieben, wie dies Weise verändern würde, wie wir diese Objekte tatsächlich gesehen haben. Im Wesentlichen ist dies eine Ein-Punkt-Perspektive. Wir können damit beginnen, viele, viele verschiedene Arten von Formularen zu zeichnen viele verschiedene Arten von Formularen die diesen Einzelpunkt verwenden und jene zurückgehenden Linien erstellen, die bis zu diesem einzigen Punkt ziehen, um uns bei der Erstellung der Formulare zu helfen. Egal, ob Sie Drahtgitterrahmen wie dieses Feld auf der linken Seite zeichnen oder vollständige Formulare wie das Feld unten rechts hier zeichnen. Vielleicht fragen Sie sich, was ist mit Zylindern und Kugeln und verschiedenen anderen geformten Objekten? Was ich möchte, dass Sie grundlegend verstehen, ist, dass wir die Box in erster Linie als Grundlage verwenden , in die wir andere Elemente zeichnen, richtig, für unsere Zwecke beim Entwerfen von Szenen werden Sie schnell beginnen zu erkennen, dass die Perspektive nur ein Teil des Kuchens ist , wenn wir eine Szene für Auditzwecke zeichnen . Nichtsdestotrotz ist dies eine Ein-Punkt-Perspektive, und Sie werden eine Reihe von Übungen haben, um im Wesentlichen zu wiederholen, was Sie hier mit den grundlegenden Tools gesehen haben, von denen Sie gerade gelernt die ich werde wir sehen uns in der nächsten Lektion. 10. Modul 1.9 Zeichnen der 2-Punkt-Perspektive: Wir werden jetzt etwas über 2 Perspektiven lernen. Und wieder einmal werden wir eine Bildebene definieren, die unser Fenster in die Welt ist. Verwenden Sie einen sehr ähnlichen Bildebentyp , der ein Breitbild-Winkel ist. Und ich werde hier unten eine Horizontlinie setzen. Dann definiere ich diesmal zwei Fluchtpunkte anstelle eines. Technisch gesehen, wenn Sie zwei Fluchtpunkte verwenden, Sie vorsichtig sein, wie nah oder wie weit Sie sie voneinander entfernt haben. Wenn sie zu nahe beieinander sind, werden Sie am Ende eine sehr verzerrte Szene haben , in sich alles auf den Betrachter zu erstrecken scheint und sehr, sehr lang. Und wenn sie zu weit voneinander entfernt sind , scheint alles sehr, sehr flach und sehr, sehr zweidimensional oder eindimensional zu sein. Sogar. Sie möchten sie in gutem Abstand voneinander haben . Und das ist eine Art High-Level-Abkürzung Trick oder Cheat, wenn du willst. Aber technisch gesehen ist es in Zwei-Punkte-Perspektive eine großartige Idee , einen Fluchtpunkt ganz nahe an der Grenze der Bildebene und einen weiteren Fluchtpunkt weiter davon entfernt zu haben Grenze, sogar mehrfach weiter entfernt, dann die Entfernung des nächstgelegenen Brettes und Fluchtpunkts. Und der Grund, warum ich dies einen Trick oder eine Abkürzung nenne, ist, dass Sie feststellen werden , dass die Fluchtpunkte eine optimale Platzierung haben. Genau wie wir uns die Ein-Punkt-Perspektiv-Szene angeschaut haben, in der wir den Fluchtpunkt in die Mitte der Bildebene legten . Und ich sagte, das ist im Allgemeinen ein guter Ort, um es zu behalten. Zwei-Punkte-Perspektive ist im Allgemeinen eine gute Idee, einen der Fluchtpunkte nahe der Grenze der Bildebene und einen anderen sehr weit von der Grenze der Bildebene entfernt zu haben. Natürlich kannst du damit herumspielen. Sie können es von links nach rechts wechseln. Sie können einen der Fluchtpunkte in die Szene bringen und einfach sicherstellen, dass die Entfernung des anderen Fluchtpunkts gleich weit entfernt ist usw. Und wir werden darauf eingehen detailliert später im Kurs. Aber dennoch haben wir vorerst eine Bildebene, wir haben eine Horizontlinie und wir haben zwei Fluchtpunkte sind rot Fluchtpunkt links und unser Blau auf der rechten Seite. Und ich werde die Rasterlinien für diesen Fluchtpunkt einzeichnen . Jetzt ist die Zwei-Punkte-Perspektive die am häufigsten verwendete Art von Perspektive in vielen, vielen Umgebungs- und Innenszenen. Es ist eine sehr einfache Perspektive zu verwenden. Es gibt nicht zu viele verrückte Dinge vor sich. Und wenn Sie einen Blick auf Ihre Lieblingskünstler werfen, arbeiten in Bezug auf ihre Umgebung, Zeichnungen oder Gemälde. Sie werden feststellen, dass viele der Stücke tatsächlich 2, Comicbuchhintergründe und verschiedene andere Arten von Szenen und Innen- und Außenbereichen im Allgemeinen in Zwei-Punkte-Perspektive sind . Es ist der gebräuchlichste Typ und daher ist es die wichtigste Art von Perspektive, ist es die wichtigste Art die wir lernen möchten, um unsere coolen, dynamischen Umgebungsszenen zu erstellen . Sie verwenden hier ein helles Rosa, um uns zu helfen, jetzt in einigen Formen zu zeichnen, in denen wir auf einige wichtige Unterschiede zwischen Ein-Punkt-Perspektive einige wichtige Unterschiede zwischen und Zwei-Punkte-Perspektive hinweisen werden. Das erste, was ich tun werde, ist, dass ich einfach eine vertikale Linie erstellen werde , buchstäblich direkt durch die Horizontlinie hinunter zur Grundebene. Und wir haben jetzt hier drüben vertikal definiert. Willst du das dort wartende Land etwas dicker machen. Okay, also haben wir eine Vertikale. Aber im Gegensatz zur Ein-Punkt-Perspektive sind unsere Horizontalwerte niemals in zwei Punkten parallel, oder? Es sei denn, sie sind buchstäblich an der Horizontlinie. Aber im Allgemeinen sind sie niemals parallel. Was wir jetzt tun werden, ist von der Spitze dieser Vertikalen zu ziehen, ich werde ein zurückgehendes Land vom unteren Ende des vertikalen Pools zum richtigen Fluchtpunkt vom unteren Ende des vertikalen Pools zum richtigen Fluchtpunkt unteren Ende des vertikalen Pools , auch besser als rechter Fluchtpunkt. Dann ziehen wir hier auch ein paar Länder an den linken Fluchtpunkt. Und ich füge zusätzliche Vertikale hinzu. Stimmt's? Jetzt haben wir unsere Box und sehen sie uns irgendwie an ihrer Ecke an. Bestimmte Zwei-Punkte-Perspektive, Sie werden feststellen, dass Sie in dieser Art von Perspektive viele Ecken sehen. Und du bekommst einen schönen dynamischen Blick. Wenn Sie sich diese spezielle Box ansehen, können Sie sehen, dass wir wirklich nur zwei Seiten der Box sehen können , aber wir können die Anzahl der Zeichen anpassen, die wir sehen, wenn wir die Felder höher oder tiefer über den Horizont zeichnen Linie. Und genau das werde ich jetzt tun. Also lasst uns noch eine Kiste hier oben am Himmel holen. Platzieren wir einfach eine Vertikale da unten. Und ich ziehe Linien von dieser Vertikalen zu den Fluchtpunkten. Und ich gestatte diesen Zeilen, die tatsächlichen Formulare zu definieren. Also lege ich eine Zeile hin und lege dort eine Zeile. Und jetzt können wir diese Vertikalen hinzufügen , aber wir fehlen die Basis dieser Box. Aber die linke Seite vertikal ja, hat dazu beigetragen, eine der Linien für den Boden zu definieren. Also ziehen wir das zu seinem jeweiligen Fluchtpunkt, und dann ziehen wir die Linie von der anderen Vertikalen zu ihrem jeweiligen Fluchtpunkt. Und das ist etwas, das für Sie am Anfang vielleicht etwas verwirrend sein könnte. Woher weißt du, an welchen Fluchtpunkt du ziehen musst? Was Sie sich wirklich fragen müssen, ist, in welche Richtung geht das Formular zurück? An einer bestimmten Ecke nach links oder rechts zurückgehen. Aber ich bin mir ziemlich sicher, dass du den Dreh schnell rauskriegen wirst. Jetzt haben wir also eine Kiste am Himmel. Lassen Sie mich diese Konstruktionslinien einfach herausnehmen diese Konstruktionslinien einfach damit wir eine schöne klare Sicht darauf haben können. Und Sie können sehen, dass wir einen schönen dynamischen Blick auf diese Box haben , die dort oben am Himmel schwebt. Weil es 2 ist, fühlt es sich großartig an und fühlt sich dynamisch an. Es fühlt sich mehr 3D an. Ein-Punkt-Perspektive, da die nach vorne gerichteten Ebenen parallel sind, scheinen sie etwas langweilig zu sein. Eine der grundlegenden Regeln für Kunst und Kunst, wenn Sie wollen, ist, dass wir uns bemühen wollen , Parallelen zu beseitigen. Jetzt, in Zwei-Punkten, werden wir natürlich parallele Vertikale haben, wie Sie in dieser Szene sehen können. Und das kann nicht vermieden werden, denn das ist die höchste Perspektive, die es ist. Aber wir können unsere Parallelen beseitigen , sind viele der Parallelen in der Szene, weil wir keine parallelen Horizontale haben. Und das gibt uns eine nette Asymmetrie. Und Asymmetrie und merkwürdig ist fantastisch. Es ist wundervoll. Es hilft dem Betrachter, sich in die Schönheit der Szene einzukaufen. Das Gehirn findet asymmetrische Formen, sehr interessante und symmetrische Formen, sehr langweilig. Und als Teaser für das, was in der nächsten Lektion liegt , sagen Sie vielleicht: Nun, was ist, wenn ich keine parallelen Horizontalen und Vertikalen will , oder? Was ist, wenn ich keine parallelen Vertikalen will? Und genau darum geht es bei einer Drei-Punkte-Perspektive . Es ermöglicht uns , sicherzustellen, dass unsere Horizontalen und Vertikalen nicht parallel sind, wodurch eine dynamischere Szene entsteht und eine bestimmte Art von Gefühl erzeugt oder besonders Emotionen hat, wie wir es getan haben hat diese Formulare gerendert. Aber ich schweife ab. auf die 2-Perspektive zurückkehren, möchten Sie bedenken, dass dies die am häufigsten verwendete Art von Perspektive ist . Und es ist die normalisiert aussehende Art von Perspektive, in der es irgendwie widerspiegelt, wie wir die Welt um uns herum sehen. Denk darüber nach. Sehr selten schaut man sich ein Objekt direkt vor. Wir betrachten Objekte immer aus einem leichten Blickwinkel. Und so hilft uns Zwei-Punkte-Effekt, diesen Top-Effekt nachzuahmen. Und genau wie die Ein-Punkt-Perspektive können wir das Aussehen der Formen ändern, indem wir sie in unserer Bildebene größer oder kleiner zeichnen , indem wir sie über die Horizontlinie oder unter den Horizont legen Linie. Bald werden wir auch darauf eingehen, was passiert, wenn wir die Horizontlinie innerhalb der Bildebene und außerhalb der Bildebene bewegen die Horizontlinie innerhalb und was passiert, wenn wir diese Horizontlinie kippen. Aber für die Zwei-Punkte-Perspektive haben wir zwei Punkte. Wir wollen sie in gutem Abstand voneinander halten . Nicht zu weit, weil die Dinge flach sein werden, nicht zu nah, weil die Dinge extrem verzerrt sein werden. Und wir nutzen diese beiden Fluchtpunkte um eine normale letzte Art von Ansicht zu zeichnen Viewport ist normalisiert Art von Weg, oder? Das ist 2 Perspektiven. Und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 11. Modul 1.10 Zeichnen der 3-Punkt-Perspektive: Wir werden jetzt etwas über die letzte Art von Perspektive lernen , die in diesem Kurs gelehrt wird. Und das ist eine Drei-Punkte-Perspektive. Und wie der Name schon sagt, bezieht es sich auf drei Fluchtpunkte. Die Szene, die ich bereits vor uns gezeichnet habe , ist eine Zwei-Punkte-Perspektiv-Szene. Wir haben unsere Bildebene, Horizontlinie oder linken Fluchtpunkt, rechten Fluchtpunkt und ihre jeweiligen Rasterlinien. Wenn wir diese Zwei-Punkte-Perspektiv-Szene nur zum Zeichnen verwenden würden, würden wir sehr parallele Vertikale und dann konvergierende Horizontale erhalten . Wenn wir einer Szene Drama hinzufügen wollen, ein Gefühl von epischer Größe oder epischer Tiefe. Das ist, wenn wir ein Drittel benutzen wollen. Und so werden wir hier eine dritte Rasterlinie und einen dritten Fluchtpunkt rendern . Und wir werden sehen, was drei Punkte mit einer Szene bewirken können. Das Wichtigste bei Drei-Punkte-Perspektive ist, dass wir den Fluchtpunkt definieren möchten , den ich hier oben auf der Seite grün verwende . Ich möchte es ziemlich hoch über der Bildebene definieren, 2,5- bis dreifache der Höhe der Bildebene selbst. Wir wollen es definieren. Und der Grund dafür ist , dass wir eine Szene bekommen, die entweder sehr verzerrt ist, wenn wir diesen Fluchtpunkt zu nahe an die Bildebene oder zu weit weg bringen diesen Fluchtpunkt zu nahe , eine Szene, die entweder sehr verzerrt ist , wenn sie in der Nähe ist oder sehr, sehr flach und man merkt kaum, dass der dritte da ist. Es ist zu weit weg. Und so haben wir jetzt eine Szene mit drei Fluchtpunkten. Und es ist wichtig zu beachten, dass sich dieser dritte Fluchtpunkt nicht auf der Horizontlinie befindet. Es schwimmt über der Bildebene, kann sich nach links bewegen, es kann neu schreiben. Es kann in der Mitte sein , wo ich es platziert habe. Wichtig ist, dass Sie es in gutem Abstand von der oberen Grenze der Bildebene halten möchten. Lasst uns nun in diese Szene gehen und tatsächlich in eine Form zeichnen und sehen, was dieser Dritte tatsächlich für uns tut. Ich werde diese Seitenbreite hier einfach erweitern. Bringen Sie uns hier eine Szene in die Mitte des Bildschirms. Und schnappen wir uns eine rosa Farbe, leuchtend rosa, und wir werden hier eine Schachtel zeichnen. Was ich jetzt tun werde, ist, dass ich die grünen Rasterlinien des dritten Fluchtpunkts als Grundlage für meine Vertikalen verwende die grünen Rasterlinien des . Also zeichne ich hier eine Vertikale. Lassen Sie uns das ein bisschen heller machen. In der Tat werde ich den Hintergrund ein bisschen leichter machen . Sie können dieses Formular deutlich sehen. Also haben wir hier eine Vertikale auf einer der Rasterlinien des dritten Fluchtpunkts definiert . Und genau wie in der Zwei-Punkte-Perspektive werde ich zurückgehende Linien zu den jeweiligen Fluchtpunkten bringen , um die Seiten meiner Box auszubauen . Bringen Sie Linien nach links und zu den rechten Fluchtpunkten. Und ich definiere zwei weitere Vertikale. Und etwas hier, das ein wesentliches Unterscheidungsmerkmal zwischen Drei-Punkte-Perspektive und Zwei-Punkte-Perspektive ist, ist, dass unsere Vertikalen in Zwei-Punkte-Perspektive parallel verlaufen. Aber in Drei-Punkten konvergieren unsere Vertikalen. Und natürlich haben wir, wenn wir dies mit der Ein-Punkt-Perspektive vergleichen, parallele vertikale und horizontale Linien in einer Ein-Punkt-Perspektive. In Zwei-Punkte-Perspektive parallele Vertikale und Drei-Punkte-Perspektive konvergieren parallele Vertikale und Drei-Punkte-Perspektive Vertikale und Horizontale. Und es ist wirklich eine großartige Idee, die Kunstwerke und großartige Umweltstücke der Menschen zu sehen , die Sie gesehen haben, und bestimmen, welche Art von Perspektive verwendet wird. Und das hilft Ihnen, ein gutes Gefühl dafür zu bekommen, warum sie sich für eine bestimmte Art von Perspektive entschieden haben. In der Szene, die ich hier gezeichnet habe. Wir schauen uns irgendwie das Gebäude an. Und das Gebäude scheint etwas kleiner zu werden , wenn es sich in Richtung Himmel bewegt. Und das ist das Gefühl von Drama. Und der Hauptgrund, warum wir eine Drei-Punkte-Perspektive in einer bestimmten Szene verwenden möchten . Umgekehrt, wenn wir das dritte nehmen und es unten in die Bildebene legen , ein ähnliches Versteck. Es wäre, als würden wir mehr in Richtung Straßenniveau schauen oder in gewissem Sinne , dass die Dinge kleiner werden, wenn Straßenniveau schauen oder in gewissem Sinne , dass die Dinge kleiner werden sie unter uns gehen. Und wieder ist es ein Gefühl von Drama. Drei-Punkte-Perspektive fügt also das Drama der Höhe oder das Drama der Tiefe zu den Formen hinzu, die Sie gezeichnet haben. Also lass uns diese Szene hier drehen und du wirst diese Perspektive sehen. Es gibt keinen richtigen Weg nach oben oder nach unten. Jetzt ist es, als wären wir vielleicht im mittleren Stock eines sehr hohen Gebäudes und schauen auf dieses Gebäude hier auf Straßenniveau. Und das Gebäude ist so riesig, dass es sich anfühlt, als würde es wirklich klein, wenn es auf den Grund geht. Auch hier soll ein Gefühl von Drama hervorgehoben werden. Deshalb würden wir effektiv Drei-Punkte verwenden. Und es ist ein großartiges Werkzeug, um einer Szene Drama und Dynamik zu verleihen , aber Sie möchten diesen Effekt nicht allzu sehr nutzen. Und du willst es auch nicht wirklich in jedem einzelnen Stück machen , das du machst. , bei 2 zu bleiben, wie ich bereits sagte ist ein viel normalisierteres Gefühl wenn Sie Ihre Szenen erstellen. Wenn wir nun den dritten zu nahe an den oberen Rand der Bildebene bewegen , passiert es, dass unsere Vertikalen extrem extrem werden. Sie können sich also vorstellen, dass wir, wenn das dritte hier drüben wäre, einige sehr, sehr extreme Vertikale hätten, die ein bisschen seltsam aussehen würden. Es würde ein bisschen verrückt aussehen, all diese sehr extremen Vertikalen auf Bolding zu haben all diese sehr extremen Vertikalen auf und dass wir Verzerrung nennen werden. Es wird genauso verzerren , wie wenn wir zusammen nach links und rechts gehen, wir auch eine Menge Verzerrungen und zu viel extreme Konvergenz bekommen würden extreme Konvergenz an den Seiten unserer Objekte. Umgekehrt wäre es kaum bemerkbar, wenn wir unseren dritten VP sehr, sehr weit weg bewegen würden. Behalten Sie das also definitiv im Hinterkopf. Sie möchten an einer optimalen Position oberhalb Ihrer Bildebene oder unter Ihrer Bildebene haben an einer optimalen Position . Normalerweise ist das etwa das 2,5- bis dreifache der Höhe der Bildebene selbst, wo Sie diesen dritten Fluchtpunkt platzieren möchten. Zusammenfassend ist dies eine 3-Perspektive, die wir verwenden, wenn wir mehr Drama hinzufügen und einer Szene ein Gefühl von Skalierung oder ********* vermitteln möchten. Es ist nicht wirklich immer eine realistische Art, eine Szene darzustellen. Zwei-Punkt ist eher ein normalisierter Standpunkt, wird aber definitiv als Drei-Punkte-Perspektive als Werkzeug in Ihrer Toolbox angesehen , das Sie bei Bedarf verwenden können, um dieses Gefühl von Epik und Drama in einer Szene zu erzeugen. Das ist das Ende dieser Lektion, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 12. Modul 1.11 Perspective: Eines der coolsten Dinge an der Perspektive ist die Fähigkeit für uns, perspektivische Oberteile so oft übereinander zu stapeln , wie wir brauchen, um die gewünschten Ergebnisse zu erzielen, nach denen wir aus unserer Perspektive suchen szenen. Vor Ihnen habe ich eine Standard-Zwei-Punkte-Perspektivszene gezeichnet . Wir haben einen linken und einen rechten Fluchtpunkt. Ich bilde Flugzeug, unsere Horizontlinie und unsere Rasterlinien. Was ich also tun werde, ist einfach weiterzumachen und hier in einer einfachen Form auf der linken Seite zu zeichnen und hier in einer einfachen Form auf der linken Seite dabei die Rasterlinien wie in Zwei-Punkte-Perspektive zu verwenden . Also stelle ich sicher, dass meine Vertikale dort senkrecht zur Horizontlinie steht. In Zwei-Punkte-Perspektive sind die Vertikalen also parallel zueinander. Und ich zeichne einfach ein blockiertes Formular hier drüben. Und lasst uns diese Konstruktionslinien löschen. Und das sollte keine große Überraschung für Sie sein. Du hast zwei Punkte gemacht und ich bin mir ziemlich sicher , dass du es verstehst. Dort haben wir also einen Zwei-Punkte-Block. Stimmt's? Jetzt. Was passiert, wenn wir uns entscheiden , ein zusätzliches Raster in einem anderen Winkel mit einer eigenen Horizontlinie an seinen eigenen Fluchtpunkten hinzuzufügen, was ebenfalls 2 ist. Um die erste Rasterlinie wegzunehmen, füge ich eine zweite Reihe von Fluchtpunkten in einer Horizontlinie und auf Rasterlinien hinzu. Und jetzt kann ich in die Szene kommen und tatsächlich neue Formen zeichnen, indem ich die Vertikale senkrecht zur Horizontlinie halte und dort eine Vertikale hinzufüge und genau dasselbe mache. Aber jetzt bekomme ich ein sehr dramatisches in einer sehr dynamischen Form in der Szene, die völlig anders ist. Und es ist, als wäre dies ein weiterer Block, der von oben rechts in die Szene fliegt . Nun, während ich das tue, stellen Sie vielleicht die Frage, warum sollte ich Perspektiven stapeln wollen? Perspektive scheint verrückt genug zu sein, wie sie ist. Behalte nur 12 oder drei Punkte. Nun, wenn Sie sich eine Szene mit einem Space Shuttle oder einigen Felsen vorstellen können , die von einem Ort aus in die Szene fliegen , wo Sie mehr Drama haben möchten, möchten Sie mehr Dynamik haben, mehr Seiten von verschiedenen gesehen werden objekte. Genau das stapelt die Perspektiven von vier. Stellen Sie sich das Stapeln der Perspektive als ein weiteres Werkzeug in diesen stationären Bulks Ihrer potenziellen Werkzeuge vor , mit dem Sie das gewünschte Aussehen erzielen können , das Sie in Ihrer Arbeit wünschen. Sie werden eine Vision haben und dies ist ein weiteres Werkzeug, das Ihnen hilft, Ihre Vision zu erfüllen. Ja, wir haben zu Zwei-Punkte-Perspektivszenen übereinander gestapelt . Und es ermöglicht uns, diesen Block in einem sehr dramatischen und dynamischen Blickwinkel einzubringen . Nehmen wir das Raster weg und sehen, wie das aussieht. Sieht immer noch ganz normal aus, was großartig ist. Und einer der Gründe, warum es normal aussieht, ist, dass wir die gleiche optimale Fluchtpunktplatzierung die gleiche optimale Fluchtpunktplatzierung verwenden, die wir normalerweise für 2.1 der VPs verwenden würden , die weit weg von der Bildebenen Grenze und einer der anderen VPs sollte in der Nähe der Bildschmerzen breiter sein. Und es kann sich wieder einmal innerhalb der Bildebene befinden. Halten Sie die Entfernungen einfach sehr ähnlich, wenn Sie den einziehen, stellen Sie sicher, dass sich der weitere gleicher Entfernung bewegt. Okay, aber wir haben 22 Perspektiven gestapelt. Fügen wir jetzt auch eine Ein-Punkt-Perspektive in die Szene ein. Ich nehme das kranke und zweipunktige perspektivische Raster weg. Und jetzt haben wir ein Ein-Punkt-Perspektivraster in der Szene. Und ich werde hier eine perspektivische Ein-Punkt-Form in der Szene zeichnen . Zeichnen wir also eine rechteckige Ein-Punkt-Perspektive, die uns als Betrachter gegenübersteht. Genau wie ich es tun würde, halte ich die Vertikalen und Horizontalen parallel zueinander. Ich bringe meine Zeilen zurück zum Fluchtpunkt. Und dann baue ich den Rest des Formulars mit zusätzlichen Vertikalen und Horizontalen aus. Und ich lösche diese Konstruktionslinien. Und ich habe jetzt eine Ein-Punkt-Perspektivform in unserer Zwei-Punkte-Perspektiv-Szene. Nun etwas , an das Sie sich erinnern sollten, wenn Sie dies tun, da Sie diese Baseline-Perspektive festlegen möchten , indem Sie den Basisbereich sehen, den Basisbereich sehen in dem Sie den Viewer platzieren der Betrachter ist ziemlich klar, wo wie sie sich befinden und wie sie zur Szene stehen. Und in diesem Fall wäre es unsere 2-perspektivische Szene. Und natürlich könnte dies eine 2-Perspektive oder eine 3-Perspektive oder eine Ein-Punkt-Perspektive sein. Aber stellen Sie einfach sicher , dass Sie dem Betrachter sehr klar sind, wo er in Bezug auf die 3D-Dynamik der Szene steht. Und lasst uns die Dinge noch einen Schritt weiter gehen. Und lasst uns nun ein Drei-Punkte-Perspektivraster einführen. Es sieht also aus wie eine Disk Go. Ich weiß, dass es dieses 1-perspektivische Raster-Layout braucht. Wir haben ein Drei-Punkte-Perspektivraster eingeführt. Und jedes Mal, wenn wir dies stapeln, haben wir neue Fluchtpunkte und neue Horizontlinien, die nach Belieben angeordnet werden können um die Ziele zu erreichen , die Sie für die Szene wünschen. Und in diesem Fall verwenden wir dieses Raster hier, dieses Drei-Punkte-Raster, um eine riesige Form zu erhalten, die so groß ist , dass die Vertikalen bis zum dritten Fluchtpunkt zurückgehen werden . Ich ziehe hier eine Vertikale ein und bringe sie zurück. Zoomen wir einfach hier raus. Ich bringe es zurück zum dritten Fluchtpunkt. Es bringt also eine Vertikale hierher. Ich lasse diesen Block direkt von der Seite abhauen. Du willst die Spitze dieses Blocks sehen. Und ich bringe eine Linie von dieser Vertikalen und Horizontalen nach rechts, die 0,1 zum linken Fluchtpunkt verschwindet, um unsere Form dort festzulegen. Und ich bringe hier eine Linie von hier bis zu diesen Fluchtpunkten , den dritten Fluchtpunkten. Jetzt ist die Vertikale da. Bringen wir hier eine weitere Vertikale ein. Gewinnen Sie bis zu unserem dritten Fluchtpunkt. Und wir können jetzt auch hier von dieser Ecke zum linken Fluchtpunkt ziehen . Und von dieser Ecke zum richtigen Fluchtpunkt. Jetzt haben wir hier einige Überschneidungen. Was ich also machen werde, ist, dass ich zuerst die Rasterlinien wegnehme. Und ich werde nur die Linien löschen , die ich nicht sehen muss, einschließlich meiner, meiner Konstruktionslinien. Damit wir uns eine klare Vorstellung von den dritten Fluchtpunkten in der Drei-Punkte-Perspektive machen können den dritten Fluchtpunkten , mit denen wir dieses riesige Objekt so groß gebaut haben dieses riesige Objekt so groß gebaut , dass es eine Konvergenz seiner Vertikalen aufweist. Alles klar, also nimm das s. Und was wir hier effektiv getan haben, ist, dass wir unsere Perspektiven übereinander gestapelt haben . Das ist der Kernpunkt dieser Lektion ist, dass dies eine Möglichkeit ist. Ich weiß, dass die Perspektive sehr komplex erscheinen mag, besonders in diesem Stadium für Sie. Verflippen Sie nicht darüber, wissen Sie nur, dass Stapelperspektive möglich ist und machbar ist und nützlich ist. Es ist also ein weiteres Werkzeug , das Sie in Ihrer Toolbox verwenden können , um erstaunliche, tiefgehende und ansprechende, dreidimensionale Umgebungen sowie Innenräume und andere Szenen zu erstellen tiefgehende und ansprechende, dreidimensionale Umgebungen . Mit dieser Technik können Sie die perspektivischen Typen stapeln. Das ist das Endergebnis, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 13. Modul 1.12 Distortion: Wenn Sie neu in der Perspektive sind, wird Verzerrung Ihr schlimmster Feind sein. Du siehst dir deine Szenen an und fragst warum sie ein bisschen seltsam aussehen. Vor uns. Wir haben eine 2-perspektivische Szene, aber die Fluchtpunkte liegen ziemlich nahe beieinander. Sie folgen nicht der optimalen VP-Platzierung. Nicht nur das, weil sie so nah beieinander liegen, haben wir den Sehkegel eingeengt, was entscheidend ist, das wir im zweiten Modul lernen werden. Aber bevor wir dort ankommen, möchte ich Ihnen nur darauf aufmerksam machen, dass der häufigste Grund für Verzerrungen darin besteht, dass VPs zu nahe beieinander liegen. Sie sollten also versuchen , Ihre VPs in 23 Perspektive zu eng zusammenzubringen , wenn wir uns diese Formulare auch ansehen, wenn diese Kachelformen sind, können wir sehen, dass es an Flow in ihrem Aussehen mangelt und fühlen sich irgendwie wirklich streckende Seiten zu ihnen haben. Und Sie können sehen, dass sich in diesem Block in der unteren Ecke der Grenzherzen wirklich auf seltsame Weise auf uns hin erstreckt . Dieses größte Glück, ja, es scheint etwas zu sein, das wir in der realen Welt vielleicht nie wahrnehmen werden, zumindest in Bezug darauf, wie wir Menschen sehen, es ist nur ein bisschen seltsam und es gibt etwas Seltsames dehnen Sie sich auch. Es ist plötzlich oben rechts zum Formular auf der linken Seite, die hinteren Ebenen biegen sich nur und es ist irgendwie ein seltsamer Winkel, sieht nicht normal aus. Auch hier auf der linken Seite findet diese Strecke in den nach vorne gerichteten Ecken statt. Verzerrung führt also zu einem Gefühl von Verrücktheit oder Unbeholfenheit. Es kann sicherlich als kreatives Werkzeug verwendet werden , wenn Sie das in eine bestimmte Szene einführen möchten. Aber meistens könnte der Betrachter der Szene das Gefühl haben, dass etwas nicht stimmt, Seltsames oder Verkorktes mit der Perspektive ist stimmt, Seltsames oder . Und so werden wir normalerweise versuchen, die Verzerrung zu vermeiden. Und die wichtigste Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, sicherzustellen, dass Ihre Fluchtpunkte optimal platziert werden oder zumindest in ausreichend weiter Entfernung voneinander liegen. Vergessen Sie nicht die empfohlenen optimalen Platzierungen da wir etwas über die Arten der Perspektive erfahren haben. Jetzt gibt es einen technischeren Grund , warum wir diese optimalen Platzierungen haben. Und das kommt wirklich zu etwas, das als Kegel des Sehens bezeichnet wird. Und wir werden den Blickkegel im zweiten Modul tief eintauchen. vorerst, insbesondere wenn Sie sich an Ihren Aufgaben beteiligen, Beachten Sie vorerst, insbesondere wenn Sie sich an Ihren Aufgaben beteiligen, dass Ihre Szenen etwas verzerrt aussehen werden, wenn Sie Ihre VPs zu eng beieinander platzieren . Denken Sie also daran, wenn Sie vorankommen. Das ist das Ende dieser Lektion, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 14. Modul 1.13 isometrische Perspektive: Damit Sie einen abgerundeten Blick auf die Perspektive haben einen abgerundeten Blick auf die Perspektive Grundlagen zeichnen können, wollte ich kurz die isometrische Perspektive behandeln. Und effektiv verwendet die isometrische Perspektive Achsen anstelle von Fluchtpunkten, um einen Pseudotyp von 3D zu erzeugen. isometrische Perspektive eignet sich hervorragend für Industriedesign und das Erstellen von Objekten sowie für Pseudo-Down-Ansichten von Szenen. Aber es hat keinen Rückgang. Es ist also wirklich nicht so nützlich für uns, Umgebungen zeichnen zu wollen, die sich in einer realistischen Weltumgebung zu befinden scheinen . Werfen wir einen Blick darauf, wie die isometrische Perspektive funktioniert. Vor uns. Wir haben ein isometrisches perspektivisches Raster. Und wenn man genau hinschaut, scheint es, als wären viele Würfel übereinander gestapelt. In diesem Raster haben wir drei Achsen. Wir haben eine X-Achse, eine Y-Achse und dann haben wir eine vertikale Z-Achse. Und mit diesem X-, Y- oder Z-Systemtyp sind wir in der Lage, 3D-Basisformen zu zeichnen , die wir dann zu den Objekten formen können , die wir von ihnen haben möchten. Möglicherweise wissen Sie, dass es sich bei dem System um ein XYZ-System handelt, das möglicherweise in Mathematik oder technischen Zeichnungstypen von Klassen gesehen wurde . Und es ist sehr nützlich, insbesondere für Produktdesign und architektonische Designarten. Lassen Sie uns das Raster und dieses XYZ-System nutzen , um einige 3D-Formulare zu zeichnen . Ich benutze das Line-Tool hier. Sie können auch ein Lineal verwenden, wenn Sie an Papier arbeiten, Sie können es ausdrucken. Ich habe diese Gitter für dich bereitgestellt. Ich ziehe nur ein paar Formulare heraus. Also erstelle ich hier eine schöne lange rechteckige Form. Und es ist fast so, als hätte man sofortiges 3D. Nun, wie gesagt, eine wichtige Sache, an die man sich erinnern sollte, weil es auf Achsen basiert, wir keine Fluchtpunkte haben. Und wenn wir also etwas weiter weg oder in die Ferne ziehen , werden wir diese Rezession nicht haben. Wir werden nicht haben, dass die Dinge kleiner werden wenn sie sich in die Ferne bewegen. Und deshalb hat die isometrische Perspektive für uns ziemlich eingeschränkt in Bezug auf Zeichnen und Umgebungen , die sich in einer realistischen Art von Welt befinden sollen , in der wir realistische Arten von perspektive. Man sieht, dass sich die Skala nicht wirklich ändert. Und effektiv ist es wie eine ewige Ebene. Es geht einfach immer weiter und weiter. Wieder einmal sind dankbare, von oben nach unten geplante Ansichten, bei denen Sie einen Blick auf die Stadt oder ähnliches planen möchten , geplante Ansichten, bei denen Sie einen Blick auf die Stadt oder ähnliches planen möchten, großartig zu nutzen, wenn Sie ein bestimmtes Stück vorplanen möchten bestimmtes Stück vorplanen Architektur und Hörstücke, aber letztendlich nicht allzu nützlich. Das heißt, ich wollte wirklich, dass Sie etwas über die isometrische Perspektive wissen. Ich weiß, dass es sich grundlegend von der anderen Perspektive unterscheidet, Tubbs, die wir gelernt haben, aber immer noch ein Tool in Ihrer Toolbox, wenn Sie es verwenden möchten. Lasst uns weitermachen. 15. Modul 1.14 1.14 Shortcut: Wie Sie vielleicht bemerkt haben, bei der optimalen VP-Platzierung, Gott, benötigen Sie bei der optimalen VP-Platzierung, Gott, viel vertikalen Seitenraum um diesen dritten Fluchtpunkt genau zu platzieren. Und manchmal ist es wirklich unpraktisch, drei oder vier Seiten hoch zu schichten, wenn Sie an Papier arbeiten oder ein sehr großes Dokument erstellen, wenn Sie digital arbeiten, ist es einfach nicht wirklich praktisch. Eine großartige Abkürzung ist es also, diese Vertikalen auf logische Weise einfach einzuschwingen . Und deshalb gebe ich hier ein Beispiel dafür , wie du das machen kannst. Und was ich wirklich machen werde, ist mitten in meiner Szene, ich werde nur eine wirklich gerade Linie setzen. Und ich werde eine subtile Konvergenz dieser Linien erzeugen Konvergenz dieser Linien während wir uns weiter zum Rand der Bildebene bewegen . Und das ist wirklich ein Erwachsener oder ein geflügelter Drei-Punkte-Perspektive. Und es ist offensichtlich nicht 100% genau, aber gleichzeitig wird es auch in Bezug auf seine Genauigkeit nicht sehr auffällig sein . Dies ist also ein schneller Weg, um in die Drei-Punkte-Perspektive zu kommen , ohne dritte tatsächlich explizit definieren zu müssen. Wenn wir diese Art von Kunst machen, in der wir phantasievolle Szenen und Innenräume und solche Dinge zeichnen , bei denen Genauigkeit keine große Sache ist , können wir dies tun. Wenn Sie jedoch eine spezifische Genauigkeit der Messungen benötigen, müssen Sie wirklich genau diesen bestimmten dritten Fluchtpunkt eingeben . Das ist in dieser Lektion. Wir sehen uns im nächsten Modul. 16. Modul 1.15 lässt die Perspektive zum Sprechen!: Wenn wir uns dem Ende des ersten Moduls nähern, nehmen wir uns einfach eine Minute Zeit, um ein bisschen mehr über die Perspektive zu sprechen ein bisschen mehr über die Perspektive und nur ein paar zusätzliche Berührungspunkte zu erläutern . Das erste ist also das Ausmaß , in dem wir die Perspektive verwenden, da Perspektive des Künstlers eine Vielzahl von Werkzeugen hat und für viele Dinge verwendet werden kann, die für die Architektur werden können, zum Beispiel wird für den Wirtschaftsingenieurwesen verwendet, um komplexe Komponenten für Maschinen zu schaffen . Aber wir, als Künstler, werden wir es nicht unbedingt in diesem Ausmaß nutzen. Es heißt nicht, dass du es nicht könntest, du könntest es sicherlich. Aber wenn Sie Umgebungen und Hintergründe machen, müssen wir keine extrem komplexen Dinge mit Perspektive tun . Unser Ziel ist es, damit den 3D-Raum und die großen 3D-blockierten Objekte zu schaffen den 3D-Raum und die großen 3D-blockierten , die wir benötigen , damit wir ein ansprechendes ökologisches Hintergrundstück erstellen und einwerfen können . Denken Sie also sorgfältig über das Ausmaß nach, in dem wir Perspektive verwenden, und lassen Sie die Tiefe und Komplexität , die Sie mit der Perspektive erreichen können, nicht die Tiefe und Komplexität , die Sie mit der Perspektive erreichen können zu, um Sie davon abzuhalten, die Kerngrundlagen zu erlernen es ist ein sehr nützliches Tool. Es ist einfach, sich diese grundlegenden Grundlagen wirklich zu merken und Sie können sich für Zeichnungsumgebungen und Hintergründe entscheiden . Die zweite Sache, die ich ansprechen möchte , ist , dass die Art der Perspektive, die Sie verwenden, nicht unbedingt die Dynamik oder Komplexität einer Szene impliziert. Was das also ist, heißt es nicht, dass die Ein-Punkte-Perspektive eine schlechteste Art von Perspektive ist als zum Beispiel die Drei-Punkte-Perspektive. Drei-Punkte-Perspektive, es kann einen bestimmten Effekt und ein gewisses Gefühl erzielen. 1 kann eine bestimmte Wirkung und plötzliche Fütterung erzielen und sich an seine Verwendung halten. Und in ähnlicher Weise hat es für die Zwei-Punkte-Perspektive seine Verwendung. Im Grunde genommen verwenden Sie die Punktperspektive, von der Sie glauben, dass sie am besten für die Szene funktioniert , die Sie darstellen möchten. Jetzt können neun von zehn mal 2 Perspektiven alles schaffen. Eine sehr vielseitige öffentliche Perspektive. Aber wenn Sie diese abgewinkelten Vertikalen benötigen, weil Sie die Höhe oder Tiefe in etwas erhöhen möchten, verwenden Sie Drei-Punkt. Und wenn Sie wirklich einen symmetrischen rechten Tunneltyp von Szene als 1 erstellen möchten einen symmetrischen rechten Tunneltyp , ist Ihr Anlaufpunkt. Denken Sie jedoch daran , dass die Arten von perspektivischen Punkten, die Sie verwenden, nicht notwendigerweise eine größere Komplexität in der Szene implizieren . Es ist wirklich nur da, um Ihnen zu helfen , Ihre Vision für die Szene zu erreichen. Und in Bezug auf Ihre Aufgaben besteht Ihre Hauptaufgabe darin, jede Art von Perspektive und die perspektivischen Tools vollständig zu verstehen . Sobald du es also runtergekommen bist, wenn du einmal sagst: Nun, ich verstehe wirklich 1.2.3, es ist nicht nötig, diese Übungen fortzusetzen. Sie müssen keine zehntausend perspektivischen Gitter und 10 Tausend Blöcke zeichnen , nur um aus bedeutungslosen Gründen zu erzwingen und mehr von diesen Dingen zu ziehen. Es wird Ihnen nicht helfen, Ihre Aufgaben zu erledigen , bis Sie sicher sind, dass Sie die Arten der Perspektive und die Tools vollständig verstanden haben. Und nicht zuletzt, bevor wir in unseren fantastischen und kreativen Umgebungsprozess einsteigen können , müssen wir noch ein paar Dinge in Bezug auf die Kamerasteuerung lernen, als sowie ein paar großartige perspektivische Techniken, mit denen Sie AD-Perspektivszenen schneller zeichnen können. Also lasst uns gleich losgehen und wir sehen uns im nächsten Modul. 17. Modul 2.1 Steuerung des Kamerawinkels: Willkommen bei Modul zwei. Wir werden uns ansehen, wie die Kamera perspektivisch gesteuert werden kann. In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie wir die Kamerawinkel steuern, insbesondere in der Perspektive. Und der primäre Weg, um dies zu tun, besteht darin, die Horizontlinie innerhalb und außerhalb der Bildebene nach oben oder unten zu bewegen die Horizontlinie innerhalb und außerhalb der Bildebene nach oben oder unten . Lassen Sie uns einen tiefen Eintauchen in die potenziellen Kamerawinkel machen. Wenn wir die Horizontlinie bewegen. Auf der linken Seite haben wir eine Seitenansicht der Szene. Es ist eine sehr flache ikonografische Ansicht. Und auf der rechten Seite haben wir die perspektivischen Szenen , die für diese Standpunkte herausgezogen wurden . Beginnen wir also mit unserer Mittelwinkelansicht hier. Und im Wesentlichen haben wir, dass die Kamera direkt in die Szene schaut. Und das ist unser typischer Standpunkt. Wir schauen direkt in die Szene. Es ist ein sehr normalisierter Standpunkt. Sie können sehen, dass die Horizontlinie hier ist als in der etwas tiefer ist als in der Mitte, und das ist unser Mittelwinkel. Aber wenn wir anfangen, diese Horizontlinie zu verschieben, können wir einige sehr dramatische Effekte erzielen. Wir können wirklich steuern, wie der Betrachter die Welt durch das Fenster der Bildebene oder durch das Kameraobjektiv wahrnimmt durch das Fenster der . Und so haben wir den hohen Winkel hier. Die Horizontlinie ist jetzt nach oben verschoben, was dazu führt, dass die Kamera nach unten schaut. Und das gibt uns einen hohen Winkel. Wir fliegen gewissermaßen über die Welt, wir können hier sehen, dass der Kamerawinkel hoch ist, die Kamera oben am Himmel ist und in die Szene schaut. Und umgekehrt, wenn wir die Horizontlinie in die Szene verschieben , erhalten wir den Effekt, dass der Betrachter in die Welt blickt. Sie schauen in die Welt und wir stellen die Kamera tief auf den Boden und kippen sie nach oben. Und das gibt uns unseren niedrigen Winkel. Und ganz einfach, so können wir den Kamerawinkel in einer Szene steuern den Kamerawinkel in einer Szene indem wir die Horizontlinie manipulieren. Jetzt willst du es auf jeden Fall ausprobieren. Bewegen Sie die Horizontlinie nach oben, nach innen, außen, weit aus der Bildebene oder in die Nähe der Ränder der Bildebene. Und geben Sie es wirklich auf und bekommen Sie ein Gefühl, den Kamerawinkel zu steuern. Der Kamerawinkel ist besonders bei der Komposition sehr wichtig, besonders bei der Komposition sehr wichtig, da der von Ihnen verwendete Kamerawinkel die Art und Weise verändern kann , wie sich die Szene für den Betrachter anfühlt. Ist es eine gruselige Szene? Ist es eine erschreckende Szene, in der sie in Gebäude eintauchen, als Spider-Man zum Beispiel über die Gebäude fliegt oder so. Schauen wir zu einem mächtigen Wolkenkratzer auf? Diese Arten von Winkeln können sich wirklich auf das Anfühlen der Szene auswirken. Etwas, das Sie beachten möchten , ist, dass die Kamera nach unten schaut, wenn sich die Horizontlinie nach oben bewegt . Und wenn sich die Horizontlinie nach unten bewegt, schaut die Kamera nach oben. Dies kann etwas knifflig und verwirrend erscheinen, besonders semantisch , wenn man es sagt. Aber im Grunde genommen ist es auf den Punkt gebracht, wie man den Kamerawinkel steuert. Das war's für diese Lektion, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 18. Modul 2.2 Raumzonen von Environment: unsere Umgebungsszenen erstellen , müssen wir lernen, wie wir den Raum kontrollieren können, den wir schaffen, wenn wir unsere Perspektive herausziehen. Und was wir tun, ist, diese räumlichen Bereiche zu vereinfachen , indem wir ein System für Raumzonen verwenden, das wir den Vordergrund, den Mittelweg, den Hintergrund nennen . Und in Fällen, in denen Sie es verwenden müssen, den extremen Vordergrund, werden wir einige Fotos verwenden , um uns eine Vorstellung davon zu machen , wie das funktionieren würde. Und dann werden wir diese Theorie replizieren, wenn wir unsere tatsächliche Perspektive zeichnen können. Szenen sind phantasievolle Szenen. In dieser Szene werde ich die verschiedenen räumlichen Zonen so markieren , wie ich sie sehe. Und so haben wir hier im Vordergrund einen Haufen Sand. Und ich werde F, G benutzen, um den Vordergrund zu vereinfachen. Und im Mittelgrund haben wir das Min und die Strukturen der Bäume. Und das würde unseren gesamten Mittelweg räumlichen Bereich einnehmen. Dann haben wir natürlich den Himmel im Hintergrund. Das ist natürlich eine große Vereinfachung, aber das Wichtigste, an das man sich hier erinnern sollte, ist sie nicht als Vordergrundebene, als mittlere Grundebene in einer Hintergrundebene zu sehen , sondern sie eher zu sehen als dreidimensionale räumliche Bereiche. Dass es Tiefe im Vordergrund gibt, in der Tiefe im Mittelweg und natürlich Tiefe im Hintergrund. Wir haben diese drei Raumzonen. Werfen wir einen Blick auf ein anderes Bild. Hier haben wir ein Portrait eines Mädchenporträtfotos. Und was wir haben ist, dass wir das Mädchen sehr solide im Vordergrund haben. Sie ist also das Vordergrundelement. Und dann im Hintergrund sehr verschwommen, aber es ist immer noch sichtbar, tut mir leid, der Mittelweg, die Bäume und der Zaun. Was auch immer. Dies könnte hier eine Wand und der Boden sein, und das wäre unser Mittelweg. Und dann sehen wir etwas Himmel in der Ferne, und das wäre unser Hintergrund. Stimmt's? Werfen wir einen Blick auf diese Szene. Wieder einmal haben wir unsere drei Hauptraumzonen im Vordergrund, was dem Betrachter wirklich hilft zu wissen, wo er steht. In gewisser Weise unser Mittelweg , der irgendwo hier ist. Und dann unser Hintergrund , wo die Dinge hier wirklich weit in die Ferne gehen. Und typischerweise befindet sich der größte Teil der Aktion in der Szene oder den Brennpunkten in der Regel im Mittelweg. Sie können Schwerpunkte haben. Die Hauptsache, die in der Szene passiert, passiert, eine führende im Vordergrund, die dann in den Hintergrund springt, aber dann ist der Hauptgrund im Mittelweg. Der Mittelweg ist normalerweise der Ort , an dem die Aktion stattfindet. Und unser Hintergrund erzählt wirklich die Geschichte der größten Geschichte der Welt. Wie der Rest der Welt oder der Rest der Szene ist. Der Vordergrund Zweck wirklich Orte sind Betrachter, während unser Betrachter, der Vordergrund, genutzt wird, um uns die Vorstellung davon zu geben , ob der Betrachter in die Szene gesetzt wurde oder um ihm zu helfen, sich zu fühlen ihre Rolle ist in diesem bestimmten Bild. Werfen wir einen Blick auf eine andere Szene hier drüben. Wieder einmal haben wir diese Pannen. Wieder einmal fange ich in dieser Zeit mit einem Hintergrund an. Also zuerst haben wir unseren Hintergrund hier, die ferne Welt. Und dann haben wir unseren Mittelweg , der hier ist. Und die meisten Aktionen, die in diesem Mittelbodenbereich stattfinden . Nun, lassen Sie mich das hier ein bisschen mehr ins Wasser ausdehnen . Das ist rund um den Mittelweg. Sie können hier sehen, dass dies wirklich der Mittelpunkt dieses Bildes ist. Und dann haben wir unsere Vordergrundbereiche, die den Betrachter irgendwie platzieren. Aber was wir auch in diesem Bild haben, ist ein extremes Vordergrundelement, oder? Wir nennen das einfach E, F, G extremer Vordergrund. Und das sind diese Blätter, die fast direkt oben auf der Kamera liegen. Es ist ein extremes Vordergrundelement. Dies könnte viele Dinge in dieser Art von Szenen sein. Dies könnte zum Beispiel ein mittlerer Ball , der direkt vor die Kamera kommt sein, der direkt vor die Kamera kommt, oder einige Ketten von einem Dach hängen, oder? Das sind extreme Vordergrundelemente. Wir werden näher auf diese räumlichen Zonen eingehen, wenn wir uns mit unserer Zusammenstellung von Umgebungen befassen. Aber in diesem frühen Stadium des Kurses möchte ich Sie darauf aufmerksam machen, wie wir räumliche Zonen und Umgebungen behandeln und betrachten. Wenn Sie also über Ihre Grundlagen nachdenken, werden Sie wirklich die Theorie des Vordergrundhintergrunds, des Mittelwegs und natürlich der extremen Vordergrundelemente haben Mittelwegs und natürlich der . Das Ende der Lektion, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 19. Modul 2.3 Camera: Jetzt, da wir gelernt haben, unseren Kamerawinkel anhand unserer Horizontlinie zu steuern , werde ich mir einige Kameraaufnahmen ansehen, die uns wirklich helfen, die Geschichte zu implizieren, das Gefühl zu kommunizieren und Emotionen, die wir wollen, dass diese Szene dem Betrachter durch den Kamerawinkel beschrieben werden soll. Ich werfe mir neun Arten von Aufnahmen an. Und das ist wirklich keine erschöpfende Liste und spiegelt nicht genau die Spitze der Shortlist wider, die Sie vielleicht sehen, wenn Sie für Mammographie und ähnliches studieren. Wir betrachten dies jedoch durch die Perspektive der Umgebungszeichnung, wenn Sie so wollen, durch die Linse . Wir werden uns diese Shortstopps ansehen und wissen auch , dass sie Shot-Typen teilen können. Eine einzige Art von Schock kann einige dieser Shortstopps teilen , die wir uns ansehen werden. Die ersten Aufnahmen, die wir uns ansehen werden, ist die Nahaufnahme, bei die Nahaufnahme wir die Perspektive nutzen müssen, um die Szene zu zeichnen. Aber die Perspektive und die Umgebung sind nicht wirklich der Hauptfokus, in dem wir ein Subjekt oder ein Objekt haben ein Subjekt oder ein Objekt , das in der Szene, normalerweise in der Vordergrundebene, wirklich hautnah ist . Und die Perspektive wird verwendet, um die Hintergrundszenen, die Hintergrundbereiche, herauszuzeichnen . Das ist also eine Nahaufnahme. Und normalerweise werden wir haben , dass diese Brennpunkte viel Platz oder viel Platz der gesamten Bildebene einnehmen viel Platz oder . Und hier sehen wir diese Felsen hier im Vordergrund und eine teure Umgebung im Hintergrund. Aber ganz klar ist die Umwelt in Bezug auf den Fokus dieser Gesteine zweitrangig . Und auch wenn wir Porträttypen von Szenen, Charakteren oder Tieren in der Szene haben , möchten wir in der Lage sein, diesen 3D-Raum im Hintergrund zu schaffen, obwohl die Perspektive selbst eigentlich ziemlich minimal, man wirft einen Blick auf dieses Porträt, das wirklich gesehen wird, wir bekommen nur wirklich die Perspektive von der Amarice, auf der ihr Arm mit dem kleinen Welpen, diesem mittleren Balken und vielleicht ruht der Boden ein bisschen. Aber dann brauchen wir natürlich etwas Industrielles, das wie dieses Kind aussieht, all diese Wasserkocher auf dem Herd, all diese Wasserkocher auf dem Herd, eine Perspektive, um die Wasserkocher richtig einzuholen und den Herd hineinzuholen. Nichtsdestotrotz sind dies Nahaufnahmen, typische Art von Schuss sind , die wir in der Regel für die Umwelt verwenden. Gemälde, Umgebungszeichnungen sind der mittlere Schuss. Und normalerweise beschreibt ein mittlerer Schuss eine Aufnahme, bei der man normalerweise einen vollen menschlichen Körper oder das volle Ausmaß eines Dings in der Aufnahme sehen einen vollen menschlichen Körper oder kann. Aber es ist nicht aus sehr weit entfernten Entfernungen von einer normalen Betrachtungsentfernung. Und auch Ihre mittleren Aufnahmen haben den Blick darauf, die Szene normalerweise von einer normalen Augenhöhe aus zu betrachten. Und hier können Sie sehen, dass wir genau die normale Augenhöhe haben. Wir stehen am Strand und schauen uns diese Stadt hier unten an. Und es baute auf dem Berg und was hast du, aber es ist aus einem sehr normalisierten Blickwinkel. In ähnlicher Weise bekam ein Innenmedium, das hier eines Hauses aufgenommen wurde, ein wenig Verzerrung durch das Kameraobjektiv, das dies nahm. Sie können das Stück Holztür rechts sehen. Es biegt sich irgendwie ein bisschen. Und das liegt daran, dass die VPs nicht ein bisschen zu nahe beieinander liegen, wenn ja, im Kameraobjektiv per se. Aber wie auch immer, dies ist eine mittlere Aufnahme eines Innenraums und es ist nur Ihr normaler Standpunkt. Nun möchte ich über mittlere Aufnahmen sagen, dass sie großartig sind, sie sind vielseitig, aber sie sind auch überbeansprucht. Ich möchte Sie also ermutigen, eine kleine Neigung hinzuzufügen, Ihren mittleren Aufnahmen einen kleinen Kamerawinkel hinzuzufügen, sie leicht hoch oder leicht niedrig zu machen. Weil sie sehr schnell langweilig werden können , weil sie am einfachsten zu machen sind. Und dann die gebräuchlichste, üblicherweise gemachte Spitze des Schusses. Stimmt's? Weiter geht's, wir haben unsere langen oder breiten Schüsse. Und wirklich der Zweck der Lunge oder des breiten Schusses ist es, Weite zu zeigen, Epikur, Skalierung zu zeigen, Distanz zu zeigen, Tiefe zu zeigen und weit in die Ferne. Und so haben wir hier ein paar Beispiele für lange oder weite Aufnahmen. Der Schwerpunkt ist normalerweise klein in den Szenen und scheint weit entfernt zu sein. Es ist normalerweise in der mittleren Grundebene, aber es scheint in einiger Entfernung zu sein. Und Sie haben auch die Möglichkeit, eine Waage zu präsentieren , wenn Sie lange oder breite Aufnahmen machen. In diesem Fall können wir die Stadt auf der rechten Seite sehen. Es ist groß im Vergleich zu diesen epischen Bergen und all den winzigen kleinen Bäumen in den Bergen. Das sind also unsere langen oder breiten Aufnahmen. Ein paar weitere Beispiele hier, die den Berggipfel unten links und dann die Boote oben zeigen . Dies sind also einige Beispiele oder zusammen und iWatch denkt einfach groß, groß , episch im Maßstab. Und natürlich ist eine Menge Fantasy-Kunst tendenziell lange oder breite Aufnahmen. Aber auch hier kann es auch ein Klischee sein , wenn Sie es nicht implementieren. Nun, weil wir es gewohnt sind, diese riesigen Fantasie-Landschaftsbilder und -zeichnungen zu sehen diese riesigen Fantasie-Landschaftsbilder und so weiter. Dann haben wir unsere ultrabreiten Aufnahmen hier Sie können sehen, dass die Bildebene in ihrer Breite deutlich erweitert wurde . Und wirklich das Ultra-Wide ist nur eine Übertreibung oder noch weitere Dramatisierung Ihres typischen Long- oder Wide-Shots. Wir zeigten Umfang und Echtheit und einfach viel Platz. Hier gehen wir weiter zum Hochwinkelschuss. Wir haben darüber gesprochen, wie wir diese Art von Aufnahmen kontrollieren und bekommen. Und wenn wir diese Beispiele durchgehen, fragen Sie sich, hey, wo ist die Horizontlinie in der Szene, mit der ich meinen eigenen hohen Winkel, einen niedrigen Winkel-Aufnahmen, zeichnen kann . Hier sieht man also, dass die Horizontlinie sehr nahe am oberen Rand dieser Bildebene liegt . Und wir schauen hinunter in diesen Fluss und in diese verrückt aussehende Bergbauweise hier. In ähnlicher Weise ein Niedrigwinkelschuss einer Stadt. Die Horizontlinie in dieser Instanz liegt außerhalb der Szene. Und das hilft uns, diesen niedrigen Blickwinkel zu bekommen. Offensichtlich sind das Fotos. Die Kamera wurde gerade nach unten gerichtet. Aber wenn Sie diese Art von Szene zeichnen , müssen Sie sich fragen, hey, wo ist die Horizontlinie, um diesen Effekt zu erzielen? Es hat einen inneren Winkelschuss mit einer Person darin. Natürlich wird hier viel Perspektive benötigt, um diesen Effekt zu erzielen. Hier sind einige weitere Beispiele für Hochwinkelaufnahmen. Wir schauen runter in die Stadt, runter auf die Straße, hinunter in diese Etappe. Und fragen Sie sich, welches Gefühl wird durch einen Hochwinkelschuss hervorgerufen? Was sagt es dem Betrachter? Wie fühlt sich der Betrachter an, wo wir ihn in die Szene stellen? Womit kommunizieren wir? Ein Hochwinkelschuss. Und dann haben wir Luftaufnahmen, die im Grunde genommen eine hohe Winkelaufnahme sind. Normalerweise versuchen wir jedoch sicherzustellen , dass Elemente nicht den Horizont oder nur sehr wenige Elemente über den Horizont hinaus überschreiten . Die Horizontlinie, insbesondere wenn wir die Dinge unter dem Horizont halten, gibt sie einen Blick mit dem Gefühl, dass sie über den Wolken befinden, dass sie am Himmel sind. Sie fliegen über Strukturen, die sich vom hohen Winkel unterscheiden. Der hohe Winkel gibt dir einen Blickwinkel, ich schaue auf etwas herab. Luftaufnahmen geben dir das Gefühl über etwas zu fliegen. Und so können Sie auch in diesem Fall sehen, wir nur ein oder zwei Wolkenkratzer über die Horizontlinie stoßen, aber normalerweise ist alles andere darunter. Es gibt ihm also das Gefühl, dass der Betrachter das Gefühl gibt, am Himmel zu sein, ein paar weitere Beispiele für Luftaufnahmen sind. Hier haben wir einen Niedrigwinkel-City-Schuss. Wir suchen nach oben. Und wir wollen darüber nachdenken, was das Gefühl ist , das hervorgerufen wird, wenn wir uns etwas ansehen, vielleicht fühlt sich der Betrachter klein. Und es zeigt das Ausmaß der Strukturen auf sehr großartige oder sehr epische Art und Weise. Du willst dich auch fragen, wo ist die Horizontlinie? In diesem Fall? Möglicherweise haben Sie einen natürlicheren Low-Angle Shot zu sehen. Wir haben die Kamera hier sehr tief auf dem Boden schauen uns diese sehr seltsamen Felsstrukturen an, wo ist die Horizontlinie in dieser Art von Szene? Hier ist eine niedrige Innenszene, sehr futuristisch aussehende Struktur. Hier drüben. Noch ein paar Beispiele für Niedrigwinkelaufnahmen in verschiedenen Umgebungen. Und fragen Sie sich, was kann das für MSG tun? Welche Auswirkungen auf die Geschichte gibt es? Wenn ich mich entscheide zu zeichnen gesehen mit einem niedrigen Winkel. Dann haben wir unsere Top-Down-Shots. Diese können dir gute Kartenansichten der Dinge geben. Geben Sie Ihnen, gaben Sie Ihre Ansicht mit der Möglichkeit , zum Beispiel auf einen Tisch mit Essen herab zu schauen . Typischerweise werden diese in einer Einpunkt-Perspektive gezeichnet. Sie haben also viele Flatus-Formen, die auf den Betrachter zukommen und diese Ein-Punkt-Perspektive zurückgehen. Großartig für diese Art von Aufnahmen. Dann haben wir eine sogenannte niederländische Neigung, wobei die Horizontlinie selbst nicht parallel zum oberen und unteren Rand der Bildebene ist . Die Horizontlinie ist entweder nach links oder nach rechts geneigt. Und es kann einer Umgebungsszene ein gewisses Gefühl oder einen bestimmten Effekt verleihen ein gewisses Gefühl oder einen bestimmten Effekt , in der es so aussieht, als würden wir in die Szene fliegen oder es so aussehen lassen, als gäbe es ein gewisses Maß an Chaos oder etwas Peinliches oder anderes an der Szene. Dies sind holländische Neigungen. Sie können hier sehen , dass die Horizontlinie physisch geneigt werden muss, um immer noch die richtige Perspektive zu zeichnen, aber mit der Bildebene oder einem Kameraobjektiv, das bereit ist, auf die Welt zu schauen, bei ihm geneigter Winkel. Es gibt noch ein paar Beispiele für niederländische Tilt-Szenen. Wieder einmal sind dies die primären scharfen Tops, und ich möchte, dass ihr diese in Bezug auf ihre Tools versteht. Und es gibt ein Kästchen, das aktiviert werden muss , wenn Sie darüber nachdenken, eine Szene zu zeichnen. Sei nicht nur so, Oh, nun, ich möchte Schloss in die Berge zeichnen . Jetzt verkaufe dich selbst. Okay, welches Gefühl und welche Stimmung ich haben möchte, in welchem Verschluss-Typ für die Art von Szene, die ich kommunizieren wollte, am besten sein wird . Denken Sie also an diese Shortstops und wählen Sie ein scharfes Top , das Ihrer Meinung nach am besten zu Ihrer Vision für die Szene passt. Versuchen Sie es zu vermeiden, nur die mittleren oder langen Aufnahmen für alles zu verwenden . Streben Sie definitiv nach einigen hohen Winkeln, einigen Bereichen, einigen niedrigen Winkeln und so weiter. Und mischen Sie es, mischen und kombinieren Sie diese Art von Aufnahmen, um einige einzigartige Arten von Winkeln und Perspektiven auf die Welt zu erhalten , so dass Sie diese auf den Punkt bringen, RR-Kameraaufnahmen. noch einmal daran, dass sie zusammen verwendet werden können. Und auch, dass sie wirklich keine erschöpfende Liste sind, aber es gibt wirklich Fundamentalisten. Und wir schauen uns diese Kameras an, Aufnahmen durch das Objektiv der Umgebungszeichnung. Das war's für diese Lektion und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 20. Modul 2.4 Plane: Wir werfen nun einen kurzen Blick auf Seitenverhältnisse der Bildebene, die sich auf die Breite - und Höhenbeziehung einer Bildebene beziehen , um uns eine unterschiedliche Größe eines Bildbereichs zu geben . Und das ist wichtig, da Spiele, Filme, Handyspiele und Animationen spezifische Anforderungen haben können. Und so möchten Sie Ihre Bildebene an die Stelle anpassen an der Sie diese bestimmte Art von Umgebung anzeigen möchten. Das erste Seitenverhältnis, das wir uns ansehen werden, ist das Seitenverhältnis von eins zu eins, das Verhältnis von einer Breite zu einem heißen Seitenverhältnis, das ein Quadrat erzeugt. Dies eignet sich hervorragend für soziale Medien wie Twitter, Instagram, Facebook, wo Sie den Ihnen in diesen Feeds zur Verfügung stehenden Speicherplatz maximal nutzen können. quadratische Seitenverhältnis wird nicht wirklich für andere Dinge außerhalb davon verwendet, natürlich könnten Sie es auch im Druck verwenden, aber es ist wirklich großartig für soziale Medien und Online-Dinge. Das nächste Seitenverhältnis, das wir uns ansehen , ist das Fernsehgerät der alten Schule. Jetzt habe ich das hier wirklich nur als Bezugspunkt eingefügt, bei dem wir ein Verhältnis von vier mal drei haben, wirklich nicht die Breite des Windschutzscheibeneffekts lieferte, der es ermöglichen könnte Regisseure und Filmemacher , um wirklich breiteste Szenen zu präsentieren. Und so wurde es zugunsten des heutigen gängigsten Standards aufgegeben , nämlich des HDTV-Breitbilds einem Verhältnis von 169. Dies ist bei weitem das gebräuchlichste Seitenverhältnis. Sie werden viele Umweltzeichnungen sehen, die dieses Seitenverhältnis und auch die vertikale Version davon aufnehmen . Es gibt also viele HDTVs, die 16 mal neun sind, viele Computermonitore und sogar viele Mobiltelefone. Und so ist dieses Seitenverhältnis großartig, um Ihre Inhalte auf diesen Geräten zu verwenden, zu stützen und zu präsentieren. Wenn Sie für diese Gerätetypen zeichnen, machen Sie sich natürlich keine Sorgen um das Seitenverhältnis, keine Sorgen um das Seitenverhältnis da es sich in erster Linie um ein schlechtes Display handelt. Anzeigen und Bildschirmverhältnisse und ermöglichen die korrekte Anzeige des Inhalts auf diesen Bildschirmen. Jetzt ist das Seitenverhältnis der Breitbild-Katzentoilette von 1,8521 ein gängiger Kinostandard. Dies ist derjenige, der oft zu einem schwarzen Balken oben und unten in Ihrem Film führt , den Sie normalerweise auf Ihrem Fernseher sehen, da er etwas breiter als 16 mal neun ist . Dann haben wir das Seitenverhältnis von 2,3521, das als Kinoumfang oder Ultra-Breitbild bezeichnet wird. Viele Filme verwenden ein V-Kino-Seitenverhältnis. Es fühlt sich sehr ansprechend an, es ist sehr breit. Es ermöglicht den Direktoren, eine sehr breite Menge an Informationen in die Szene zu bringen. Es sieht sehr ansprechend aus. Nichtsdestotrotz sind dies einige Seitenverhältnisse , die auf verschiedene Geräte in verschiedenen Medienformaten angewendet werden . Insbesondere wenn Sie Szenen zeichnen möchten , die in der Filmindustrie, in der Spielebranche, Seitenverhältnisse oder etwas, das Sie beachten möchten. Und ich wollte es in den Kurs aufnehmen, damit Sie sich in Bezug auf Seitenverhältnisse besser ausgerüstet fühlen. Und wenn sie dir gegenüber erwähnt werden, weißt du, wovon sie reden. Denken Sie also daran, Bildebene, Seitenverhältnisse und die Breite - und Höhenbeziehung und wie sie auf die Registerkarte „Medien“ bezieht, für die Sie möglicherweise zeichnen müssen. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 21. Modul 2.5 Der Sinn der Vision: Verzerrung vermeiden: In dieser Lektion werden wir uns etwas ansehen, das als Kegel der Sehkraft bezeichnet wird. Und Sie erinnern sich vielleicht, dass ich dies im ersten Modul erwähnt habe, als wir Verzerrungen betrachteten und Verzerrungen in unserer perspektivischen Arbeit vermieden haben, oder? Jetzt wollen wir, dass der Betrachter das Gefühl normalen Sinne in eine Welt zu schauen, oder? Die Dinge sind nicht verzogen oder seltsam oder sehen ein bisschen ungewöhnlich aus. Wir wollten unsere Welt abnormalen oder verständlichen 3D-Raum präsentieren , und deshalb wollen wir Verzerrungen vermeiden. Normalerweise tun wir dies, indem wir etwas verwenden, das als Sehkegel bezeichnet wird. Das kann eine sehr technische Sache sein, aber es ist auch sehr simpel. Dennoch möchte ich hinzufügen , dass ich Ihnen zeigen und Ihnen Tools geben werde , die Sie nicht einmal unbedingt darüber nachdenken müssen unbedingt darüber wenn Sie Ihre Szenen zeichnen. Trotzdem, damit Sie gut gerüstet sind und ein hartes Verständnis dafür haben , wie das funktioniert. Ich werde dir etwas über den Sehkegel beibringen. Und dann zeige ich dir, wie du das ganz einfach selbst berechnen kannst . Also zuerst haben wir es hier gesehen und wir haben ein paar Blöcke. Und es ist der Szene im ersten Modul sehr ähnlich, wo wir solche Dinge in der Mitte der Szene sehen können , in diesem Block und diesem Block, sie sehen sehr normal und leicht verständlich aus. Aber wir fangen an, seltsame Dehnungen und Verzerrungen haben, während sich die Blöcke von der Mitte entfernen. Also haben wir unsere VPs, ja, nennen wir diesen VP links und dieses eine VP-Rechte. Und wir haben eine Horizontlinie hier drüben. Es ist also nur eine typische Szene, aber wir haben hier nicht unbedingt eine Bildebene. Und natürlich haben Sie vielleicht gehört, dass ich eine optimale VP-Platzierung erwähne, die sich auf die Bildebene bezieht , die Sie verwenden, oder? Wie auch immer, was wir in Zukunft tun wollen, ist zu verstehen wie können wir diese Art von Verzerrung vermeiden ? Wie können wir das vermeiden? Wir wollen unsere gesamte Szene in der sicheren Zone zeichnen, aber woher wissen wir, welche Zone tatsächlich sicher anzuziehen ist? Vor allem, wenn wir keine optimale VP-Platzierung haben, oder? Diese magische Zone hier, die ich rosa markiert habe, ist in der Tat die richtige sichere Zone. Und es sind tatsächlich 60 Prozent des Zwischenraums zwischen VP links und VP rechts, rechts. Diese Entfernung beträgt also etwa 60% des Platzes des, 100% des Raums der gesamten Horizontlinie, oder? Es sind also wirklich nur 60% des Platzes und wir haben dort einen perfekten Kreis gezogen. Und überall wo wir 60% dieses Raums an dieser Horizontlinie in diesem Kreis haben, wird normal aussehen, oder? Es wird unser Sehkegel sein. Dies ist eine Art, es zu betrachten. Wir werden gerade eine vereinfachte Version der Berechnung machen. Werfen wir einen Blick auf eine technische Sicht, oder? Sei nicht in Panik, wenn du es immer noch nicht verstehst. Wir werden es durchmachen. Alles klar, was wir hier haben, ist eine technischere Sicht auf die Berechnung des Sehvermögens. Und wirklich der Sehkegel ist wieder die Zone innerhalb eines erstellten perspektivischen Rasters, die uns eine normale Sicht gibt , die es ermöglicht, Dinge in einem normalen Blick zu zeichnen , wenn der normale 3D-Typ der Der Betrachter würde sehen. Was wir hier haben ist, dass wir vp links haben, Fluchtpunkt, links, Fluchtpunkt, richtig? Und wir haben unsere Horizontlinie hier drüben. Ich nenne es H L. Und dann haben wir diese spezielle Zone hier unten, diesen rosa Punkt, okay? Und dieser rosa Punkt hat verschiedene Namen. Manche Leute nennen es den magischen Fleck. Aber sein technischer Name ist eigentlich der Stationspunkt. Sie möchten darüber nachdenken, wie es der Punkt ist, an dem der Betrachter fast in Bezug auf die Szene steht in Bezug auf die Szene steht , die Sie mit Ihren Fluchtpunkten, Ihrer Horizontlinie, produziert haben mit Ihren Fluchtpunkten, Ihrer Horizontlinie, , und Ihre Rasterlinien. Es ist also fast mit einer Vision des Betrachters in Bezug auf die Szene, die Sie erstellt haben. Und was der Stationspunkt wirklich ist, ist, dass es sich um eine Position in der Mitte des Raums zwischen den Fluchtpunkten handelt, wo sich jede VPs Empfangsleitung zu jedem VP in einem 90-Grad-Winkel trifft. In Ordnung? Sie können also sehen, dass dies hier ein 90-Grad-Winkel ist. Und das normale menschliche Sehen, mehr oder weniger eine Annäherung, man kann es als Faustregel bezeichnen, beträgt etwa 60 Grad. In Ordnung? Und was wir dann tun, ist, dass wir auf jeder Seite unseres halben Punktes 30 Grad hier drüben berechnen . Also 30 Grad links und 30 Grad rechts geben uns 60 Grad. Und von diesem Stationspunkt ziehen wir dann zwei Linien bis zu unserer Horizontlinie heraus, und das gibt uns zwei Standorte. Und was wir tun können, ist, wenn Sie traditionell oder digital arbeiten , Winkelmesser verwenden und einen perfekten Kreis um Ihre Horizontlinie ziehen können . Verwenden Sie die Markierungen, die Sie ab dem 30-Grad-Punkt gemacht haben . Und jetzt haben Sie den Konus der Sichtregion, den Raum zwischen Fluchtpunkt links und Fluchtpunkt rechts, wo alles, was Sie zeichnen. In dieser Zone wird genau hier normal aussehen und alles außerhalb der Zone wird verzerrt und gestreckt und komisch aussehen . Stimmt's? Jetzt denkst du dich vielleicht selbst, mein Gott, das ist erschreckend. Muss ich das für jede perspektivische Szene tun , die jemals gezeichnet wurde? Dies scheint wie Mathematik oder ein verrücktes Niveau der Wissenschaft zu sein. Ich interessiere mich nicht mehr für das Zeichnen von Umgebungen. Bitte halte einen Moment fest. Alles klar. Du musst das nicht tun. Ich zeige dir einen einfachen Weg, es zu tun. Zuallererst, wenn du es willst. Aber dann zeige ich Ihnen in der nächsten Lektion eine optimale VP-Platzierung, damit Sie darüber nicht einmal Sorgen machen müssen, oder? Hintern. Auch hier möchte ich sagen, dass ich Ihnen keine Grundinformationen zur Farbe nach Zahlen beibringen möchte . Ich möchte dir keine Bildung nach Zahlen geben, ich möchte, dass du gut gerüstet bist und deshalb mache ich das mit dir durch. Also ertrage mit mir, damit wir dich auf ein Profi-Level in IT bringen können, Profi-Level des Verständnisses, oder? Werfen wir einen Blick auf die einfache Art und Weise. Der einfache Weg ist wirklich wann immer man eine Horizontlinie hat, okay? Es ist gerade eine Horizontlinie hier in Blau gezeichnet. Eigentlich lassen Sie es uns einfach rot halten weil wir die ganze Zeit die Ride Horizontlinie benutzt haben. Und ich setze einen linken Fluchtpunkt, rechten Fluchtpunkt, den linken Fluchtpunkt. Dies ist unser richtiger Fluchtpunkt. Wir haben jetzt etwas Platz dazwischen hier. Verwenden wir Grün, um anzuzeigen, dass wir dazwischen etwas Platz haben. Ja. Nehmen wir an, dass dieser gesamte Raum 100% des Platzes entspricht. Alles, was Sie tun müssen, ist dies in 60 Prozent des Platzes aufzuteilen. Also lasst uns hier auf unsere Linie gehen und lass uns einfach, lasst es uns einfach sehen und du kannst es total , weil ich verspreche, dass niemand es merken wird. Und sagen wir, das sind 50 Prozent des Platzes, oder das ist auf halbem Weg. Das sind also 50% des Platzes in der Szene. Cool. Fügen wir ein bisschen mehr hinzu und holen Sie sich einfach 60% des Speicherplatzes. Großartig. Was ich jetzt tun kann, ist zu sagen: Alles klar, dieser Bereich hier vom linken VP nach rechts beträgt 60% des Platzes. Und ich kann dann reingehen und mir einen Kreis schnappen. Ich benutze hier das Ellipse-Tool. Und ich zeichne einen Kreis in dieser Größe. Also mal sehen, ob wir hier grob kommen können. Ich bewege meinen Kreis bei Katzen ein bisschen groß, aber es ist okay. Ich werde die Größe in Kürze ändern. Ich werde ein paar Zeilen drauf legen. Wir können es blau machen, es ist in Ordnung. Okay. Und ich werde die Größe ändern, damit es gut in meine 60% Zone passt . Und dieser Kreis repräsentiert unseren Sehkegel und alles, was wir in diesem Kreis zeichnen, unabhängig von seiner Position an dieser Horizontlinie, wird nicht verzerrt oder nicht verzerrt. Es wird normal aussehen. So können Sie diesen Kreis tatsächlich beliebig an der Horizontlinie bewegen . Und alles in dieser Zone wird gut aussehen, weil Sie den Kreis an einer bestimmten Position halten und dann Ihre Szene zeichnen müssen. Sie können die Umlaufzeichnung, die Sie gesehen haben, weiter bewegen, dann werden Sie zu Verzerrungen kommen. In Ordnung? Aber jetzt könntest du sagen, hey, was ist mit dem Bild-Flugzeug? Wenn ich also diesen Sehkegel ausgearbeitet habe, der normalen Betrachtung, wo würde ich das Bildebene platzieren? Ganz einfach, Ihre Bildebene würde innerhalb oder um diese Zone herum gezeichnet . Also kann ich hier zum Beispiel hier ein Bildebene platzieren. Und du siehst, dass wir ein paar Bereiche haben, richtig? Diese Zone hier und hier und hier und hier sticht also aus unserer aktuellen Vision heraus. Und das stimmt, dass ja, diese Bereiche eine leichte Verzerrung erfahren würden , wenn Sie Blöcke und Dinge in den Ecken zeichnen würden . Aber während Sie bei der Zeichnungskomposition in Bezug auf die Umgebung lernen werden , legen wir sowieso nichts in die Ecken, in Ordnung, also spielt es keine Rolle, was in den Ecken passiert auch wenn es eine leichte Verzerrung gibt. Und in dieser Hinsicht erlebten Sie offensichtlich, wenn sich die Dinge vom Sehkegel entfernen, wenn sich die Dinge vom Sehkegel entfernen, immer mehr Verzerrungen bis die Dinge nicht mehr wirklich 3D aussehen. Dort haben wir also den grundlegenden Weg, den Sehkegel in einer Szene herauszufinden. Wir haben uns auch die technische Art angeschaut wie Sie dies berechnen. Und bitte, wenn es verwirrend ist, gehen Sie die Liste noch einmal durch und werfen einen Blick auf die Mathematik davon. Aber ich möchte abschließend sagen: Ich möchte, dass Sie zuversichtlich vorankommen und wissen, dass es ausreicht, das nur zu wissen. Weil ich Ihnen optimale VB-Placements zeigen werde , damit Sie sich keine Sorgen darüber machen müssen , wo Ihre Vision ist. Denn wenn man es lernt, die optimalen VB-Placements und es gibt wirklich nur wenige von ihnen. Sie sind sehr einfach. Es gibt nur 33 Regeln, die wir in der nächsten Lektion lernen werden. Dass du wirklich nicht mehr darüber nachdenken musst . Aber wenn Sie dies wissen, machen Sie eine besser ausgebildete Umgebung, Person und Umwelt malt auch Person. Okay, das ist also das Ende dieser Lektion. Ich freue mich sehr, Ihnen zeigen zu wie dies in der nächsten Lektion sehr einfach ist. Also sehe ich euch dort. 22. Moduel 2.6 Schnelle optimale Platzierung der Fluchtpunkte: In dieser Lektion werden wir einen Blick auf die optimale Platzierung des Fluchtpunkts in den drei Arten von Perspektiven werfen, die wir gelernt haben. Ein-Punkt-, Zwei-Punkt- und Drei-Punkte-Perspektive. Und was diese optimalen Fluchtpunktstandorte tun werden , ist, dass sie uns eine relativ gute aktuelle Teilung ermöglichen, um sicherzustellen, dass unser Zuschauer die Welt normal sieht ohne zu viel Verzerrung. Lassen Sie uns also direkt auf unsere Ein-Punkt-Perspektive optimale Platzierung des Fluchtpunkts eingehen. Natürlich haben wir in einem Punkt einen Fluchtpunkt. Und normalerweise möchten Sie, dass dies irgendwo in der Mitte der Szene erscheint . Diese Punkte, die ich zeichne, stellen mögliche Perspektivpositionen mit einem Punkt dar . Man könnte sagen, warum können wir den Fluchtpunkt nicht weit nach links oder weit nach rechts bewegen oder was haben Sie. Und der Grund ist, wenn wir das tun, könnten wir genauso gut von A nach Punkt C zeichnen, weil wir einen Abschnitt des sichtbaren Bildbereichs abschneiden , wenn Sie es sich vorstellen können. Und in ähnlicher Weise wollen wir unsere Punkte nicht weit, zu weit nach oben oder zu weit unten in einer Bildebene haben. Also die Regel mit Ein-Punkt-Perspektive wirklich für eine optimale Platzierung des Fluchtpunkts, ihr Platz diesen einzelnen Fluchtpunkt in der Mitte der Szene. Wenn Sie auf der rechten Seite einen Durchgang haben möchten , in dem Zeichen zum Beispiel nach rechts schauen, gibt es einen Durchgang in die linke Seite. Es gibt noch eine andere Passage oder es ist nur eine Mauer. Zwei Punkte sind dafür immer noch besser. Bemühen Sie sich also, Ihre Fluchtpunkte immer in 1 mitten in der Szene zu halten. Und natürlich, wenn die Fluchtpunkte in der Mitte der Szene befinden , befinden sich Ihre Horizontlinien auch relativ in der Mitte der Szene. Sie können also weitermachen und Ihre Horizontlinien relativ in der Mitte der Szene halten Ihre Horizontlinien relativ in der Mitte der , während wir dies tun weil wir Verzerrungen vermeiden wollen. Also wirklich diese anderen Zonen, in denen Sie diese Fluchtpunkte in einer Ein-Punkt-Perspektive platzieren möchten. Werfen wir jetzt einen Blick auf die Zwei-Punkte-Perspektive. Und aus Zwei-Punkte-Perspektive ist die allgemeine Regel , die wir haben wollen , dass wir einen Fluchtpunkt nahe der Grenze der Bildebene und einen weiteren Fluchtpunkt weit unabhängig davon, wo Sie die Horizontlinie platzieren. So werden wir zum Beispiel in diesem Fall den linken Fluchtpunkt hier nahe der Grenze platzieren und die rechte , die 0,45- oder sechsmal der Entfernung verschwindet. Und relativ gesehen wird uns dies einen großartigen Blickwinkel geben, wenn wir davon sprechen, dass das Seitenverhältnis von 16 mal neun hier drüben ist. Sie können sehen, dass wir, wenn wir uns den Platz ansehen, den es beansprucht, ungefähr 60 Prozent , die wir zuvor besprochen haben. In Ordnung? Aber die Dinge ändern sich ein wenig, wenn wir hier zu unserer vertikalen Bildebene und neun mal 16 gehen . Und der Grund, warum sie sich ändern, um diese gesamte Bildebene in der Vision zu halten , müssen wir tatsächlich eine viel längere Horizontlinie einführen. Lasst uns also hier eine wirklich lange Horizontlinie platzieren. Und wir müssen die gleiche Regel einhalten, einen Fluchtpunkt näher an der Grenze und einen weiteren Fluchtpunkt weiter entfernt. Also lasst uns das machen. Eins näher und lasst uns den anderen sehr weit weg bringen. Aber Tschüss. Das mache ich. Wir sind nicht so nah dran, wie wir es hören würden. Sie können sehen, dass wir uns ganz nah dran sind, aber hier sind wir etwas weiter weg. Und der Grund dafür ist, dass wir einfach sicherstellen wollen , dass es unabhängig von den 60 Prozent Räumen hier ist. 60% Design, was so etwas wäre. Dass wir die Gesamtheit dieser Bildebene umfassen . Und es ist okay, wenn ein bisschen von den Ecken in Bezug auf die Sicht herausstechen, wir verwenden die Ecken nicht wirklich zum Komponieren, aber Sie möchten sicherstellen, dass Ihre Horizontlinie hier etwas länger ist und dass Ihr Abstand, Ihre Fluchtpunkte links und rechts etwas weiter entfernt sind, um sicherzustellen , dass wir die gesamte Bildebene in diesem 60 Grad, 60% räumlichen Bereich eines Sehkegels bekommen in diesem 60 Grad, . Das ist also unsere Zwei-Punkte-Perspektive, optimale Fluchtpunktplatzierung, oder? Lasst uns zu unserem Drei-Punkt übergehen. Jetzt können Sie sehen, dass das Bildeflugzeug hier drüben wirklich winzig ist. liegt daran, dass wir diesen dritten Fluchtpunkt wirklich weit über der Krugenanlage platzieren müssen dass wir diesen dritten Fluchtpunkt wirklich . Und so gelten die gleichen Regeln für die Horizontlinienlänge in Bezug auf die Vertikale hier und die Platzierung dieser VPs, gelten dieselben Regeln. Wir werden einen VP in der Nähe haben und einen weiteren weit. So zum Beispiel 16 mal neun Seitenverhältnis, eines hier wird den rechten VP schließen und den linken VP, vp weit. Und das ist die gleiche Regel wie die Zwei-Punkte-Perspektive, optimale Fluchtpunktplatzierung, oder? Und ähnlich wollen wir hier eine schöne lange Horizontlinie für unsere vertikalen. Also werden wir sagen, dass dies der enge ist. Und lasst uns das weit bringen. Und das ist das Gleiche wie unsere 2. Der Unterschied besteht jedoch darin, dass wir sicherstellen müssen , dass wir unseren dritten Fluchtpunkt platzieren. Nun, der Ort, an dem wir das setzen wollen, ist relativ dreimal so hoch wie die Höhe der Bildebene, okay? Dreimal die Höhe der Bildebene in unserem Seitenverhältnis 16 mal neun hier, sagen wir einfach, es ist relativ 123, es ist relativ irgendwo hier oben. Dies sind Fluchtpunkte, die wir platzieren können und buchstäblich hier oben am Himmel über der Horizontlinie schweben werden . Und natürlich kannst du es umdrehen. Dieser dritte Fluchtpunkt hier oben kann also auch niedrig sein, die Bildebene, oder? Sie schauen also nach unten oder schauen nach oben oder was haben Sie oder Dinge bücken sich, Ihre Vertikalen bücken sich oder Ihre Vertikalen bücken sich. Sie möchten also das Dreifache der Höhe der Bildebene haben , damit Sie nicht zu viel Biegung an Ihren Vertikalen haben, wenn Sie von diesem Verschwinden herunterziehen punkt. Stimmt's? Nun, genau das Gleiche gilt, wenn wir uns hier eine unvoreingenommene 16- oder eine Porträtansicht ansehen, wir werden hier in Bezug auf die Höhe um eins bis drei steigen . Und wir können diese Fluchtpunkte oben in den Himmel stellen, könnten überall dort sein. Und Sie können sehen, dass ich diesen mittleren Fluchtpunkt bei unserem Seitenverhältnis 16 mal neun hier gewählt habe diesen mittleren Fluchtpunkt bei unserem Seitenverhältnis 16 mal neun hier gewählt . Und normalerweise möchten Sie, dass sich Ihr dritter VP irgendwo in der Mitte der Bildebene befindet, nur damit es sich zum Beispiel, wenn ein Gebäude auf- oder abstieg, logisch bewegte, oder? Dass die Winkel irgendwie in die Mitte zeigen. Aber es gibt hier keine harte und schnelle Regel. Du könntest einen links oder einen auf der rechten Seite benutzen , was auch immer der Fall sein mag. Die Hauptregel ist das Dreifache der Höhe Ihrer Bildebene. Sie möchten diesen dritten Fluchtpunkt wirklich, sehr hoch über der Bildebene platzieren . Es ist die gleiche Regel wie die 2.1 close one für einen VB, schließen Sie ein v vorher, aber wir fügen das dritte hinzu weil es eine Drei-Punkte-Perspektive ist, wollen wir einige schöne Bending Vertikalen. Und so werden wir es sehr hoch über die Bildebene legen . Und kurz gesagt, das sind die optimalen Richtlinien für die Platzierung von Fluchtpunkten. Ich hoffe, dass dies nicht übermäßig verwirrend und übermäßig komplex war. Denken Sie einfach über den optimalen Ort nach, um die Fluchtpunkte in die 123 Perspektive zu bringen . Ich fordere Sie dringend auf, sich das auswendig zu merken. Es wird Ihnen eine Menge Ärger ersparen, wenn Sie Ihre perspektivischen Szenen und Ganzzahlen zeichnen. Darüber hinaus habe ich einen Leitfaden zur optischen VP-Punktplatzierung erstellt, um nur eine 16 mal neun Bildebene für Sie zu verwenden . Dies ist eine Ressource für Sie und es beschreibt nur in Kürze genau, was ich besprochen habe. Und jeder dieser Punkte zeigt Ihnen, wie Sie sehen können, der Farbverlauf von der Farbverlauf von Blau zu Rot nur weit entfernt sich die Dinge voneinander bewegen würden. Zum Beispiel der blaue Punkt auf der linken Seite hier drüben. Sagen wir das hier drüben. Lasst uns einfach die Farbe ändern. Dieser blaue Punkt hier drüben, wenn dieser nahe ist, und dann wäre dieser blaue Punkt hier natürlich weit weg. Und so funktioniert es in dieser Dokumentation, oder? In dieser Drei-Punkte-Perspektive enthält es auch ein Horizontliniensymbol. Es ist richtig, wenn diese Horizontlinie hier näher ist als dieser Fluchtpunkt hier weit weg ist, oder wenn diese Horizontlinie hier, wenn wir sie umdrehen, in der Nähe ist, und dann ist dieser Fluchtpunkt hier weit entfernt weg. Natürlich ist es darin etwas komprimierter , damit Sie dies ausdrucken können. Aber Sie wissen, dass wir die dreifache Höhe der Bildebene haben wollen , um diesen dritten Fluchtpunkt zu platzieren. Oder daran ist das Ende dieser Lektion. Geh vorwärts und zeichne Szenen , die keine Verzerrung haben und großartig aussehen. Und Leute, es ist Zeit, Hardcore zu bekommen. Wir sehen uns im nächsten Modul. 23. Modul 2.7 Vanishing: Wie Sie vielleicht bemerkt haben, bei der optimalen VP-Platzierung, Gott, benötigen Sie bei der optimalen VP-Platzierung, Gott, viel vertikalen Seitenraum um diesen dritten Fluchtpunkt genau zu platzieren. Und manchmal ist es wirklich unpraktisch, drei oder vier Seiten hoch zu schichten, wenn Sie an Papier arbeiten oder ein sehr großes Dokument erstellen, wenn Sie digital arbeiten, ist es einfach nicht wirklich praktisch. Eine großartige Abkürzung ist es also, diese Vertikalen auf logische Weise einfach einzuschwingen . Und deshalb gebe ich hier ein Beispiel dafür , wie du das machen kannst. Und was ich wirklich machen werde, ist mitten in meiner Szene, ich werde nur eine wirklich gerade Linie setzen. Und ich werde eine subtile Konvergenz dieser Linien erzeugen Konvergenz dieser Linien während wir uns weiter zum Rand der Bildebene bewegen . Und das ist wirklich ein Erwachsener oder ein geflügelter Drei-Punkte-Perspektive. Und es ist offensichtlich nicht 100% genau, aber gleichzeitig wird es auch in Bezug auf seine Genauigkeit nicht sehr auffällig sein . Dies ist also ein schneller Weg, um in die Drei-Punkte-Perspektive zu kommen , ohne dritte tatsächlich explizit definieren zu müssen. Wenn wir diese Art von Kunst machen, in der wir phantasievolle Szenen und Innenräume und solche Dinge zeichnen , bei denen Genauigkeit keine große Sache ist , können wir dies tun. Wenn Sie jedoch eine spezifische Genauigkeit der Messungen benötigen, müssen Sie wirklich genau diesen bestimmten dritten Fluchtpunkt eingeben . Das ist in dieser Lektion. Wir sehen uns im nächsten Modul. 24. Modul 3.1 Einführung in Perspective: Willkommen zu diesem Modul zu perspektivischen Techniken. In diesem Modul werden wir einige grundlegende Techniken lernen , um Ihre Fähigkeiten zu erweitern, wenn Sie Ihre grundlegenden Formen in die richtige Perspektive zeichnen . Diese sind im Allgemeinen gut zu wissen, und sie stellen nicht die Gesamtheit der Techniken in der Perspektive dar. Perspektive Es hat viele Werkzeuge, die in unterschiedlichem Tiefengrad arbeiten . Aber wir möchten wirklich einige dieser grundlegenden Techniken erlernen , nur damit wir genügend Informationen haben , um eine solide Rohzeichnung zu erstellen , damit wir Umgebungen auf diesen Dächern festlegen können. Lassen Sie uns also direkt auf diese perspektivischen Techniken eingehen. 25. Modul 3.2 Das Zentrum von Ebenen finden und Pläne Duplizieren: In dieser Lektion werden wir jetzt lernen, zwei Dinge zu tun. Das erste ist, das Zentrum eines Flugzeugs zu finden und es zu teilen. Und das zweite ist das Duplizieren von Flugzeugen. Vor uns. Wir haben eine Bildebene, Horizontlinie, zwei Fluchtpunkte und die Rasterlinien. Und dann haben wir auch eine Kiste, und wir können sehen, dass sie zwei Ebenen hat, eine nach links und eine nach rechts gerichtet. Und das erste, was wir lernen wollen, ist wie man einen Raum in einer Ebene teilt. Und natürlich könntest du dazu ein Lineal nehmen, aber es gibt auch andere Möglichkeiten. Also werden wir auf die Hauptweise lernen, das heißt x markiert den Spot. Was wir also tun wollen, ist einfach einen X-Shape-Benutzer zu zeichnen , indem wir Linien von Ecke zu Ecke verwenden. Genau so. Und das zeigt uns jetzt das Zentrum dieser Ebene, den genauen Mittelpunkt des Flugzeugs, in dem sich die Linien schneiden. Wenn wir das dann in zwei Hälften teilen wollen, sei es eine vertikale Hälfte oder eine horizontale Hälfte. können wir machen. In diesem Fall. Es geht horizontal, indem man vom rechten Fluchtpunkt durch diese Kreuzungssanktion zieht. Und jetzt haben wir das horizontal in zwei geteilt. Und um es vertikal in Zwei-Punkte-Szene zu teilen, können wir es einfach so durchziehen. Und jetzt haben wir den Raum dieses Flugzeugs in Viertel geteilt . Und natürlich können wir weiter unterteilen, indem X auch auf den kleineren Abschnitten markieren. Und Sie können sehen, wie wir den Raum einfach kontinuierlich auf diese Weise unterteilen können. Aber jetzt, da wir die X markiert haben und wir uns horizontal geteilt haben, ist diese Methode eine großartige Möglichkeit, uns zu zeigen , wie wir diese Ebene, ihre genauen Messungen in die Entfernung, leicht duplizieren können . Und was wir tun werden, ist sobald wir x markiert haben, und wir sind allein von unserem rechten Fluchtpunkt hier durch die Mitte gezogen . Das funktioniert in jedem Flugzeug. Wir können dann einen Kredit von der oberen linken Ecke hier durch diesen Halfway-Divisionspunkt aufnehmen der oberen linken Ecke hier , direkt bis zur Linie , die den unteren Teil dieses Flugzeugs definiert. Und ich verwende hier eine andere Farbe. Und was wir jetzt haben, ist ein Marker-Standort hier drüben. Was wir tun können, ist dies vertikal hochzuziehen und wir haben jetzt den Raum in dieser Ebene dupliziert. Wir haben dieses Flugzeug tatsächlich nach rechts dupliziert. Und die Entfernung, die genau die gleiche Größe hat, wurde dupliziert. Es sieht ziemlich viel kleiner aus. Und während wir diese Methode fortsetzen , können wir jetzt, da diese Mittellinie horizontal durchläuft, horizontal durchläuft, einfach weitermachen. Und wir werden den Raum im Wesentlichen mathematisch in der Perspektive duplizieren. Sie können einfach weiter und weiter mit dieser Mittellinien-Technik weitermachen , um die Ebenen zu duplizieren. Markieren wir also einfach diese neuen Ebenen, die wir durch Duplizierung erstellt haben. Und Sie können sehen, dass Sie, sobald Sie diese Mittellinie nach unten haben, einfach ständig von der oberen Ecke durch diese Mittellinie ziehen und den Raum duplizieren können . Dies ist sehr nützlich, wenn Sie eine Reihe von Ebenen gleicher Größe oder 3D-Objekten in gleicher Größe wünschen. Wenn Sie die eine Ebene duplizieren, können Sie natürlich alle Ebenen duplizieren. Das ist die einfache Technik, um das Zentrum zu finanzieren, Unterteilungen des Raums zu schaffen, den Raum zu teilen und natürlich die Ebenen in die Perspektive zu duplizieren. Das ist das Ende dieser Lektion. 26. Modul 3.3 Korrekte Skalierung von Objekten in Perspektive: Unter Verwendung der gleichen Perspektive aus der vorherigen Lektion. Wir werfen keinen Blick auf die Skalierung in der Perspektive. Und was das bedeutet, ist unsere Fähigkeit, die Größe von etwas in unserer perspektivischen Szene zu behalten, egal wo in der Szene es erscheint, ist es weiter zurück als tiefer in die Szene? Steht es mehr im Vordergrund und so weiter? Und wie wir das machen können, ist ziemlich einfach. Was wir tun werden, ist, dass wir einen Bezugspunkt auf der Horizontlinie erstellen einen Bezugspunkt auf der Horizontlinie basierend darauf, wo die nächste Figur oder das nächste Objekt sein soll. Und so haben wir eine kleine grobe Zeichnung von einem Mann hier drüben. Und was ich tun werde, ist, dass ich einen Bezugspunkt erstelle , um den Charakter etwas tiefer in die Szene in diese bestimmte Richtung zu bewegen den Charakter etwas tiefer in . Was ich also tue, ist, dass ich oben auf seinem Kopf bis zur Horizontlinie messe. Ich erstelle einen Bezugspunkt an der Horizontlinie und bewege diese Linie dann ungefähr nach unten auf seine Füße. Und dann können Sie in die Szene gehen und dann den Charakter neu zeichnen, wobei die gleichen Proportionen berücksichtigt werden. Und jetzt wäre der Charakter weiter in der Ferne der Szene behält relativ glaubwürdige Proportionen in der Ferne bei. Sie werden also relativ genau in der Szene zurückskaliert, oder? Und Sie können dies nutzen, um eine Reihe von Bezugspunkten zu erstellen , um den Charakter auf verschiedene Arten zu verschieben . Zum Beispiel, wenn wir einige seitliche Referenzlinien erstellen einige seitliche Referenzlinien und das Zeichen zur Seite verschieben möchten. Wir können das einfach machen. Und wir können den Charakter horizontal, links oder rechts bewegen, und es wird die Proportionen auf diese Weise beibehalten. Wenn wir zum Beispiel den Charakter nach vorn bewegen wollen , können wir hier unten einen Bezugspunkt erstellen, etwa diesen. Lass uns gleich da gehen. Und hier drüben auf den Fußboden , hier drüben. Und dann können wir nun den Charakter in der Szene vorwärts bewegen und diesen Charakter dann einfach mit Photoshop duplizieren, nur zum Beispiel. Und ich werde ihn vergrößern. Und dies schafft ein relativ glaubwürdiges und relativ gutes Gefühl für die Skalierung von Charaktergrößen in Szenen. Und Sie können sie trotzdem wirklich bewegen, indem Sie diese Referenzpunkte , die wir in der Szene erstellen. Und wirklich, so einfach ist das. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 27. Modul 3.4 Ellipsen: Was ist eine Ellipse?: In dieser Lektion werden wir etwas kritisch Wichtiges lernen, und das ist das Verständnis von Ellipsen. Was ist ein Ellipsenbeispiel vor uns? Wir hatten einen perfekten Kreis auf der linken Seite der Szene. Und was passiert ist, wenn wir einen perfekten Kreis nehmen und ihn in Richtung oder weg von der Ferne drehen. Wir bekommen elliptische Formen, wie wir hier ein Beispiel sehen können. Und was wir sehen, ist dieser perfekte Kreis , der hier unten perspektivisch gezeichnet wird eine elliptische Form erzeugt. Beginnt langsam nach oben zu drehen. Und wir können dann anfangen, die Unterseite dieser Form zu sehen. Eine Ellipse ist ein perspektivischer Kreis . Das ist es, was Ellipsen macht. Werfen wir einen Blick auf einige der anatomischen Eigenschaften von Ellipsen. Es gibt also zwei Hauptaspekte bei den Auslassungspunkten. Und die erste ist etwas, das als Nebenachse bezeichnet wird , bei der es sich um eine gerade durch die Mitte gezeichnete Linie handelt, das horizontale Zentrum der Ellipse. Und die Nebenachse hat zwei großartige Eigenschaften. Das erste Merkmal ist, dass wir die Oberseite der Ellipse nur in Bezug auf die grundlegende flache Form mit dem unteren Rand der Ellipse vergleichen der Ellipse nur in Bezug auf die grundlegende flache Form mit dem unteren Rand der Ellipse können. Und entschlossen, dass wir, wenn sie gleich aussehen, eine großartige und gut gezeichnete Ellipse an unseren Händen haben. Einige häufige Fallstricke beim Zeichnen von Ellipsen oder wo eine Seite sehr klobig und eine andere Seite sehr schmal ist. Oder es gibt sehr scharfe Punkte in den Ecken, waren in einer Ecke oder einem Rugbyball-Design. Oder eine Ellipse ist einfach zu dünn und lang und etwas stimmt nicht ganz. Und so können wir schnell eine Linie durch die horizontale Mitte, die kurze Seite, ziehen. Und wir können dann die Größe der Form vergleichen , um festzustellen, ob die Ellipse eine gute Form hat oder nicht. Hier können wir dabei digital eine Ellipse zeichnen , dass wir eine wirklich gute Balance dieser Formen haben . Der zweite Vorteil der Nebenachse besteht darin, dass wir den halben Punkt zwischen jeder Seite, den kurzen Seiten der Ellipse, messen können den halben Punkt zwischen jeder Seite, . Und wir haben jetzt das elliptische Zentrum. Und das ist sehr nützlich, um zu wissen, wann wir Dinge wie Räder oder Fett zeichnen oder Dinge, bei denen wir den Mittelpunkt einer Ellipse finden möchten , um sie in einem zusätzlichen Raum oder einem zusätzlichen Detail hinzuzufügen. Oder zum Beispiel zeichnen wir Lautsprecher und möchten die Mittelellipse des Lautsprechers zeichnen. Die Nebenachse ist ein großartiges Werkzeug, um es uns zu ermöglichen, den Mittelpunkt der Ellipse zu kennen. Die zweite Eigenschaft einer Ellipse ist der Grad der Ellipse. Und der Grad der Lippen bezieht sich wirklich nur auf die Dicke oder die Dünnheit der Ellipse. Und so haben wir hier zwei verschiedene Grade der Ellipse. Eine dünne Version ist etwas dickere Version, und dann haben wir hier die dickste Version. Eine Ellipse kann fast vollkommen kreisförmig sein. Natürlich, wenn es vollkommen kreisförmig ist, ist es keine Ellipse mehr, es ist ein Kreis. guter Letzt gibt es so etwas wie die Hauptachse. Aber für uns in Bezug auf unsere Zeichnung ist es nicht besonders nützlich. Und die Hauptachse verläuft vertikal über die Ellipse. Es ist gut zu wissen, dass die Hauptachse existiert, aber sie hat nicht wirklich viel praktischen Nutzen für uns beim perspektivischen Zeichnen. Lassen Sie uns nun einige Freihandellipsen und einige Techniken zeichnen, um einige Freihandellipsen und einige Techniken zeichnen einige dieser Freihandellipsen zu zeichnen. Was wir immer tun wollen, wenn Sie Ellipsen zeichnen , ist sehr locker zu sein. Zeichne mit deinem Ellbogen und deiner Schulter. Versuche dein Handgelenk zu verriegeln und bekomme einfach das Gefühl. Sie können Ellipsen in unterschiedlichem Maße zeichnen. Sie können den Winkel bewegen, um sicherzustellen, dass Sie einen optimalen Winkel dafür erhalten, wie Sie sich besonders wohl fühlen . Was Sie tun möchten, ist einfach Seiten und Seiten dieser Ellipsen zu zeichnen . Es ist also eine sehr entspannende Übung. Und füllen Sie einfach eine Seite langsam und versuchen Ellipsen in unterschiedlichem Ausmaß zu zeichnen. Sobald Sie die Seite ausgefüllt haben, können Sie eine schnelle Mittellinie die Ellipsen hinunter zeichnen . Wir machen hier nur ein paar und gehen dann nach. Und was ich mache ist, dass ich drei Symbole verwende und x bedeutet, dass ich es schlecht gezeichnet habe. Erzählt bedeutet, dass ich es mittelmäßig gezeichnet habe. Und ein Häkchen bedeutet, dass ich einen Brunnen gezeichnet habe, und überprüfe einfach , wie groß ich meine Ellipse gezeichnet habe. Einige von ihnen sind möglicherweise sehr schlecht. Einige von ihnen sind vielleicht mittelmäßig. Einige von ihnen sind korrekter und einige von ihnen sind weniger korrekt. Und genau das können Sie tun, um Freihandellipsen zu üben. Die Hauptsache ist, dein Handgelenk zu verriegeln, also sei nicht zu steif, bewege dein Handgelenk nicht wirklich, bewege deinen Ellbogen und deine Schulter. Und zeichnen Sie einfach kontinuierlich elliptische Formen und ganze Seiten wie diese, ist eine großartige Praxis. Es macht irgendwie Spaß. Es ist auch nicht sehr schwer zu tun. Sprechen wir eine letzte Anmerkung zur Genauigkeit. In der Tat zeichnete die Mittelellipse zuerst freihändig. Der hier drüben ist digital gezeichnet. Dies ist diejenige, die ich zuerst freihändig gezeichnet habe. Und dann habe ich sie hier überlagert. Sie können also relativ sehen, Es gibt eine ziemlich gute Genauigkeit. Ellipsen dreht sich alles um Genauigkeit, wenn Sie sie freihändig zeichnen. Denken Sie also daran und streben Sie nach Genauigkeit. Du wirst ein paar tausend Mal durcheinander bringen. Mach dir darüber keine Sorgen. Die Hauptsache ist , dass Sie wirklich das Gefühl haben, Ellipsen zu zeichnen. In der nächsten Lektion werden wir einen Blick darauf werfen, Ellipsen in einer perspektivischen Szene korrekt zu zeichnen. Wir sehen uns also in der nächsten Lektion. 28. Modul 3.5 Ellipsen: Perspektive Ellipsen zeichnen: Jetzt, da wir gelernt haben, was Ellipsen sind, ist es an der Zeit, einen Blick darauf zu werfen, wie wir sie in Flugzeugen perspektivisch zeichnen können . Um die Messungen zu lernen, verwenden wir zuerst ein einfaches Quadrat und zeichnen einen Kreis darin , nur damit wir die grundlegenden Messungen erhalten können , die wir benötigen. Was wir also tun werden, ist, dass wir hier ein Quadrat haben , das wir benutzt haben. X markiert den Spot, damit wir das Zentrum finden können. Und dann haben wir diesen Mittelpunkt benutzt, um uns hier unsere vertikalen und horizontalen Spaltungen zu geben . Wir haben das runter. Wir wollen vier Punkte ansprechen. Zeigen Sie hier, hier, hier, auf die vertikalen und horizontalen Teilungslinien. Und dann wollen wir einige zusätzliche Bezugspunkte erstellen einige zusätzliche Bezugspunkte damit wir einen Kreis im Schrott zeichnen können. Und wie werden wir das machen? Also werden wir jede dieser Zeilen in drei aufteilen. Ich werde es sehen, nur um eine allgemeine Vorstellung davon zu bekommen , was der dritte sein könnte. Etwas wie Yvette, ich glaube, es wäre so etwas. Und der Punkt, der uns wichtig ist, ist diese äußere Dunkelheit an einem Bezugspunkt. Was wir also tun wollen, ist diese Aufteilung über alle Linien hinweg zu replizieren . Helfen Sie uns dort nur, um diese Drittel zu finanzieren. Und so werde ich diese Punkte erstellen jede der X-Markierungen, die Spot-Salons in drei teilen . Ich benutze die anderen Punkte , um mir auch hier zu helfen. Du kannst das total im Auge behalten. Sie müssen nicht wirklich explizit genau gemessen werden. Waren keine Architekten, wir sind Künstler. So kannst du es definitiv sehen. Siehst du ein bisschen Diskrepanz zwischen diesen inneren? Es scheint in Ordnung zu sein, und dann teile ich diesen auch in drei auf. Und so verwenden wir diese inneren Bezugspunkte nur noch einmal verwenden wir diese inneren Bezugspunkte nur , um zu unterscheiden, wie wir dazu kommen können. Drittens ist es das, worauf es ankommt. Und wir können dann weitermachen und tatsächlich in einem sehr groben Kreis skizzieren einem sehr groben Kreis diese Siedepunkte miteinander verbindet, oder? Und so willst du es viertelang machen. Versuchen Sie einfach, die Kreise mit diesen Bezugspunkten zu verknüpfen . Es wird chaotisch aussehen. Es wird ein bisschen grob aussehen. Aber ich möchte, dass Sie es nur als eine grobe Richtlinie dafür sehen , wo Sie Ihre Ellipse zeichnen müssen und welche elliptische Form richtig ist. Wenn es um die perspektivischen Szenen für diese bestimmte Ebene geht , ist das ziemlich kritisch. Viele Schüler sind verwirrt welche elliptische Form die richtige elliptische Form ist die richtige elliptische Form wenn eine Ebene in der Perspektive ist. Hier haben wir einen sehr groben Kreis und es ist ein Hinweis für uns, wie der richtige Kreis grob aussehen sollte , wenn die Zeichnung aufgeräumt wird. Also habe ich hier 18 Kreis und los geht's. Es ist, wie wir erwartet hatten, es ist ein perfekter Kreis innerhalb eines Quadrats, okay? Aber es ist da, um uns zu helfen zu verstehen , welche elliptische Form richtig aussehen wird. Lasst uns diese Theorie in unsere Ebenenansicht verschieben. Jetzt haben wir unsere Flugzeuge View Record drei Flugzeuge hier angelegt. Und was wir tun werden, es wird genau das Gleiche tun. Aber wir werden es nicht perspektivisch machen, aber wir werden genau die gleichen Messungen verwenden. Was ich also tun werde, ist, dass ich unsere X-Markierungen kriege, den Spot hier drüben. Arbeiten Sie zuerst an dieser rechten Seitenebene. Das hilft mir, das Zentrum zu finden. Und dann möchte ich auch vertikal und horizontal eine Mittellinie durch sie ziehen . Horizontal. Ich muss das vom Fluchtpunkt abziehen. Also lasst uns einfach den Fluchtpunkt da rein bringen. Stimmt's? Um der Sanftmut willen werde ich diese Markierungslinie herausnehmen. Und dann markiere ich die Punkte, die ich brauche, um eine Ellipse in dieser Ebene korrekt zu zeichnen. Es gibt also 1234 in unseren vertikalen und horizontalen Divisionen. Und dann mache ich hier einfach eine grobe Division. Natürlich basiert es ausschließlich auf der Linie, mit der Sie es zu tun haben. Die Teilung von Dritteln. Man macht die Division nicht wirklich basierend auf anderen Zeilen. Sie teilen diese Linie einfach für das x markiert den Spot in Drittel. Stimmt's? Und jetzt habe ich eine gute Vorstellung davon, wie die grobe Ellipse auf dieser Ebene perspektivisch aussehen wird . Also werde ich diese Referenzpunkte miteinander verbinden . Sei sehr hart damit. Und ich kann sehen, dass wir hier eine Ellipse mit einem ziemlich hohen Grad haben. Es ist eine ziemlich dicke Ellipse, die ungefähr die richtige elliptische Form für diese Ebene hat. Wenn du es aufräumst, wird es natürlich gut aussehen . Lass uns noch eins machen. einmal markiert x den Spot. Hier. Wir können sehen, dass sich dieses Flugzeug in einem ganz bestimmten Winkel befindet. Lasst uns seine Horizontale durchziehen. Ich muss den Fluchtpunkt benutzen, um mir zu helfen, das richtig zu machen , das aufzuräumen. Ich muss diesen Fluchtpunkt auch nutzen , um diese Spaltung hier zu bekommen. Großartig. Und ich habe jetzt genug Informationen , um meine Bezugspunkte hervorzuheben. Also lasst uns das nochmal machen. 1234. Und jetzt möchte ich diese Linien in drei teilen. Und es ist wirklich auf extremen Ebenen wie dieser, dass Sie sehen können, wie großartig das System ist um herauszufinden, welche elliptische Form auf einer bestimmten Ebene die richtige elliptische Form ist. Lasst uns weitermachen und diese Drittel runter bringen. mache hier nur ein paar grobe Schätzungen. Das scheint richtig zu sein. Denken Sie daran, dass wir diese äußeren Bezugspunkte verwenden. Wir machen uns keine Sorgen um die inneren. Und ich werde reingehen und jetzt herausfinden , wie diese Ellipse aussehen sollte. Relativ gesprochen, auf dieser speziellen Ebene. Ich sagte oft in Zeichenkursen, fürchten Sie sich nicht, in den Planungsphasen Ihrer Arbeit grob und locker und chaotisch zu sein. Weil das der Punkt ist. Das ist der springende Punkt der Planungsphasen, indem Sie sich nur auf Sauberkeit konzentrieren, je früher Sie wirklich runterbringen kann , wenn die Dinge nicht richtig aussehen. Und dann können wir sehen, wie die Ellipse auf dieser Ebene perspektivisch richtig aussehen sollte . Okay, lassen Sie uns noch ein Beispiel machen. Und auf diese Weise werden Sie sich hoffentlich daran erinnern, ohne diese Lektion noch einmal besuchen zu müssen. Lass es uns noch einmal machen. Was wir also zuerst machen wollen, ist in einem bestimmten Flugzeug, wir machen x Markierungen an der Stelle. Und dann wollen wir unsere vertikalen und horizontalen Divisionen erhalten . Dieser muss also von diesem Fluchtpunkt dort abziehen . Es geht ungefähr richtig? Und nur aus Gründen der Sauberkeit werde ich diese Linie herausnehmen. Sobald wir diese Markierungen in unserem Flugzeug haben, können Sie fortfahren und unsere Referenzpunkte 1234 erstellen . Und dann wollen wir die X-Markierungen, die Punktlinien, jede von ihnen in drei teilen . Und wir können das wirklich einfach auf die Linie selbst stützen. Nicht ganz Drittel dieses. Da sind wir los. Ups. Korrigieren wir diese Messung einfach ein wenig. Ich hatte das Gefühl, dass es ein bisschen abseits war. Stimmt's? Und noch einmal haben wir unsere Bezugspunkte und dies wird uns dazu führen zu sehen, wie die richtige elliptische Form für diesen Punkt in der Perspektive sein sollte . Ich werde das nur sehr grob reinziehen. Sobald das Rough drin ist und Sie die Rückerstattungsarbeit erledigen, können Sie natürlich Sie die Rückerstattungsarbeit erledigen, alle Arten von Tools verwenden, um es perfekt aussehen zu lassen. Ich würde Sie auf jeden Fall ermutigen, sich zu bemühen , es frei zu machen, oder? Vor allem, wenn Sie digital arbeiten, können Sie es leicht rückgängig machen und es erneut versuchen. Und es ist wirklich eine großartige Praxis denn wenn Sie frustriert sind, verwenden Sie einfach das notwendige Tool, um es zu bereinigen, besonders wenn Sie besonders wenn Sie etwas arbeiten, die erledigt werden muss. Aber genau so finden wir heraus, was die richtige Ellipse auf einer bestimmten Ebene in der Perspektive ist. Und das hilft Ihnen beim Zeichnen von Zylindern, Dosen, Lautsprechern, Rädern, zylindrischen Gebäuden, zylindrischen Löchern, Tunneln usw. Das ist das Ende dieser Lektion. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 29. Modul 4.1 Einführung in den Arbeitsablauf und die Komposition: Willkommen bei Modul vier, und es ist Zeit für uns, alles, was wir bisher gelernt haben, wirklich zu verstehen , um die Umgebungszeichnungen zu erreichen , die wir erstellen möchten. In diesem Modul lernen wir etwas über Workflow und Komposition. Wir werden gleichzeitig etwas über sie erfahren. Wenn wir über Workflow sprechen, es wirklich die logischen Schritte, die wir unternehmen , um das Bild von Fundamenten zu Trichter zu zeichnen. Was sind die praktischen Schritte, die wir Schritt für Schritt tun müssen, die Anleitung, die wir bisher gelernt haben, auf eine Weise einzuschließen wir bisher gelernt haben, auf eine Weise , die es uns ermöglicht, die Arbeit zu erledigen und die Zeichnung des zeichnung. Und dann werfen wir einen Blick auf die Komposition. Zusammensetzung bezieht sich auf das ansprechende Auslegen von Elementen. Und typischerweise hat die Zusammensetzung einige solide grundlegende Kompositionsregeln. Wege, wie wir wissen, Objekte oder Elemente in unsere Szene zu platzieren , entwerfen Sie Dinge. Ein besonderer Weg, der dem Bild hilft, sehr ansprechend zu sein und sich gut mit dem Betrachter zu kommunizieren. Komposition ist ein sehr breites Thema, aber wir werden uns einige wichtige Grundlagen ansehen, die einige wichtige Eckpfeiler für die Komposition sind , die Ihnen helfen werden, die Szenen zu erstellen , die Sie erstellen möchten. Während wir jedes dieser Dinge, Workflow und Komposition lernen , lasse ich Sie wissen, ob etwas, das wir lernen, in erster Linie ein kompositorisches Thema oder ein Workflow-Thema ist. In Bezug auf die Komposition, Es ist etwas, worüber wir während des gesamten Stücks ständig nachdenken , egal in welcher Phase des Workflows wir uns befinden. Das ist also etwas Wichtiges, das man beachten sollte. Okay, genug Chit-Chat. Lassen Sie uns direkt zur Arbeit unserer Arbeit und Komposition kommen. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 30. Modul 4.2 SCHRITT 1: Vision: Welt, Geschichte, Gefühl und Stimmung: Willkommen zu unserem ersten Schritt, der Vision ist. Und dieser Schritt ist sowohl ein Workflowschritt. Sie möchten also praktisch Ihre Vision, Ihre Geschichte und Ihre Stimmung sowie einen kompositorischen Schritt senken. Weil viele Ihrer Ideen und die Geschichte selbst oder tatsächlich kompositorische Elemente und sie wirklich darüber informieren, kompositorische Elemente und sie wirklich wie Sie das Stück umsetzen werden . Und so haben wir vor uns eine Art Ideationsausschuss. Und das kann viele verschiedene Formen annehmen. Dies ist nur das , das ich für dieses spezielle Bild erstellt habe, an dem ich arbeiten werde. Und was ich hier habe, sind einige Referenzfotos auf der linken Seite und verweisen dann nicht auf Fotos in dem Sinne, dass ich diese zum Zeichnen verwenden werde, sondern auf ihre Referenzfotos in dem Sinne , dass sie halfen mir Besseres vorzustellen und zu der Kernidee zu kommen , die ich erreichen wollte. Und als ich über das Stück nachdachte, das ich für dieses spezielle Modul machen wollte, dachte ich, es wäre großartig, eine dunklere Art von Szene zu machen, vielleicht eine vorhersehende böse Art von Kosten oder den Dunklen Lord und sein, sein Hauptquartier. Und ich hatte diese Vorstellung von vulkanischen und trüben Narben, dreieckigen Formen und vielen Stacheln und Ladensachen, die es sehr vorausschauend anfühlte und sich sehr gefährlich anfühlte. Und dann eine Art gotischer Architekturstil. Und wenn ich darüber nachdenke und diese Idee gleichzeitig bekomme , während die Referenzbilder anschaue, habe ich einige Bilder von Vulkanen und Bergen und schärfer aussehenden Felsen und Dingen. Hier sehen wir uns also einige der Referenzen an. Hab ich schon. Hier drüben brennt ein Feld und eine gotische Architektur. Es ist sehr scharf. Sie können viele der Dreiecke sehen, nur einige Bilder, die mein Interesse daran geweckt haben, mich zu dem Gefühl zu bringen , das ich im endgültigen Bild erreichen möchte . Und dann schreibe ich einige der wichtigsten Dinge auf, die ich will. Und das ist unter dieser Vision und Geschichte und Stimmung, die hier drüben treffen. Hier haben wir also die Dinge, über die ich gesprochen habe, das vorhersehende böse Schloss, die dunklen Lords sind sowohl der vulkanische als auch der bewölkte Himmel usw. und wirklich eine starke Vision zu haben ist absolut kritisch. Sie können sicher ohne Vision und Geschichte zeichnen und versuchen, es wieder gut zu machen. Aber das kann oft großer Zeitverschwendung sein, weil Sie Ihre Meinung ständig ändern und Ihre Vision verändern, während Sie es tun. Und vielleicht kann es so lange dauern und nicht zum Tragen kommen, dass Sie einfach aufgeben. Es ist wirklich eine gute Praxis, von Anfang an eine solide Vision, Geschichte und Stimmung zu haben . Und sieh das wirklich als Ziel an. Was ist das Ziel des Stücks? Was ist der Hauptpunkt des Stücks? Was willst du kommunizieren? Dies ist also wieder ein Beispiel für eine Art Ideationsblatt. Und diese können wie eine Million verschiedene Dinge aussehen. Aber wirklich ist es nur eine Möglichkeit, Ihre Gedanken, Ihre Notizen zu unterdrücken, einige Referenzbilder davon, wo Sie das Stück aufnehmen möchten und einige Dinge, die dazu inspirieren können, dies zu machen Stück Sehr kritisch ist auch, dass Sie eine gute solide Idee bekommen möchten, Ihre Perspektive und Aufnahmedetails , die Sie unten rechts noch sehen können. Und so habe ich beschlossen, dass es ein Landschaftsbilderflugzeug sein wird . Sie benutzen einen Low-Angle Shot mit Drei-Punkte-Perspektive, weil ich die Vorahnung dieser Art von böser dunkler Burg verstärken möchte die Vorahnung dieser Art von , oder? Ich muss sagen, während ich diese Lektion gerade aufnehme , habe ich noch nicht einmal einen einzigen Gedanken gemacht , der in Bezug auf das Zeichnen an diese Idee weitergegeben wurde . Sie werden es also mit mir zeichnen und wir werden erleben , dass wir den Workflow logisch durchlaufen , um das letzte Stück basierend auf dieser Vision Story und Mond zu erreichen . Natürlich, wenn Sie mit Ihrer eigenen Idee zusammenarbeiten möchten , während Sie diese Module durchlaufen. Sie sicher weiter und bauen Sie Ihr eigenes Ideationsboard auf. Es muss nicht so aussehen. Es könnte auf eine Million verschiedene Arten aussehen, aber stellen Sie sicher, dass Sie sich darüber im Klaren sind aber stellen Sie sicher, dass Sie sich darüber im Klaren sind, was Sie in dem Stück kommunizieren möchten, die Stimmung, die das Stück kommuniziert. Wenn es eine Geschichte zu dem Stück gibt, und natürlich auch die Perspektive und die scharfen Details, so dass Sie wissen oder zufällig diese Art von Perspektive zeichnen werden. Es ist diese Art von Schuss. Und das ist die Art von Bildebene, die ich verwenden möchte. Denn wenn Sie diese Informationen nach unten haben, ist es so viel einfacher, voranzukommen und Sie haben ein klares Endziel. Ich habe es schon oft gesagt, aber wenn du Pfeile ohne Ziel schießt, wirst du jeden einzelnen Begriff verpassen, dein Ziel festlegen und dann von dort aus vorwärts gehen. Schritt eins ist also unsere Ideenphase, unsere Vision, unsere Geschichte und unsere Stimmung. Entscheiden Sie, was Ihre Ziele mit dem Stück sind , und holen Sie sich diese wesentlichen Details nach unten. Wenn Sie das erledigt haben, sind wir bereit, mit den nächsten Schritten fortzufahren . Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 31. Modul 4.3 SCHRITT 2.1– Zeichnen in Perspektive: In unserem Schritt-2-Workflow-Schritt werden wir Informationen verwenden, für die wir uns in unserem Visitionsschritt entschieden haben , um unsere Bildebene zu zeichnen und sind Perspektive, Ober- und Kamerawinkel ausgewählt . Als erstes zeichne ich hier einfach ein rund 16 mal neun Stil-Bildebene ein. Also werde ich es als Landschaftsstück haben, oder? Und ich möchte, dass die Kamera in einem niedrigen Winkel ist, also wird sie anschauen, und deshalb werde ich dort in einem niedrigen Winkel die Horizontlinie zeichnen . Lassen Sie uns die Horizontlinie rot machen. Setze es einfach hier in eine schöne Horizontlinie. In der Tat, lasst es uns einfach ein bisschen höher machen . Stimmt's? Und was ich dann tun werde, ist die Fluchtpunkte zu definieren, die ich will. Ich habe mich für eine Drei-Punkte-Perspektive entschieden, aber wir werden diese dritte Perspektive, Gitterlinien, wirklich ermöglichen . Also lasst uns weitermachen und die 2-Perspektive so lange einsetzen. Um die rechte Seite blau zu machen. linke Seite kann grün sein. Und ich werde diese Rasterlinien mit dem Linienwerkzeug in Photoshop einzeichnen diese Rasterlinien mit , um dies zu tun. Bringen Sie nur diese Rasterlinien bis zu diesem Fluchtpunkt. Okay, also lasst uns die richtigen Fluchtpunkte in Redlands machen. Was ich dann machen möchte wenn ich mit diesen Rasterlinien fertig bin, ist, dass ich sie ein bisschen leichter machen möchte , damit ich leichter darüber zeichnen kann. Was Sie in Photoshop tun können, ist, dass Sie diesen Deckkraft Schieberegler hier verwenden können. Und Sie können die Deckkraft der Rasterlinien einfach senken. Und was Sie tun können, wenn Sie auf Papier zeichnen, ist einen gekneteten Radiergummi zu bekommen und einfach leicht über die Linien zu reiben, um sie ein bisschen leichter zu machen. Lassen Sie uns unsere angesagten Drei-Punkt-Perspektiv-Rasterlinien einsetzen. Kann diese lila machen. Und was ich tun werde, ist nur ein bisschen Drei-Punkte-Winkel. Die Szene sieht diesen Winkel ein wenig aus. Und wir verwenden diese, um in der Szene zu lenken und nach oben zu kippen. Nur ein leichter Aufwärtswinkel dieses Drittels, hindeutet, dass die dritte Perspektive darin noch ein paar Zeilen drin ist, falls wir sie brauchen. In der Regel benötigen Sie nicht zu viele Leitungen. In Ordnung? Und was wir jetzt getan haben, ist, dass wir die Grundlage wir in weiteren Schritten vorankommen können. Also werde ich versuchen, die Schritte, die wir verwenden, immer zusammenzufassen. Schritt eins ist unser Vision - und Story-Step, wie sieht diese Kamera? Was fühlt sich unsere Welt? Ich bin verheiratet, habe Typen geschossen und bleibe dann an unserem Arbeitsplatz dort. Lasst uns einfach das Raster runter bringen, oder? Ich wähle diese Ebenen hier aus und senke diese Deckkraft. Und wir werfen jetzt einen Blick auf Schritt zwei, die Komposition. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 32. Modul 4.4 SCHRITT 2.2: Erstellen von Key: Werfen wir nun einen Blick auf die Komposition von State Two. Wir haben unsere Bildebene und unsere Perspektive und Kamerawinkel, ein Setup. Aber jetzt wollen wir das Bild so komponieren, dass es optisch ansprechend ist. Und das primäre Instrument, mit dem wir dies tun werden, ist die Regel des Drittelkompositorsystems. Also zieh ich weiter und ziehe es ein. Und dann werden wir ein bisschen darüber reden. Außerdem habe ich einige Beispiele und andere großartige Richtlinien , die Ihnen helfen können. Das erste, was ich tun will, ist wirklich nur unsere Bullendrittel. Hier. Ich mache ein horizontales Drittel dieser Bildebene in Orange. Und dann mache ich vertikale Drittel. Das muss nicht super super Maß so perfekt sein, nur relative Drittel sollten Spaß machen. Augulierte Telefone lassen die Deckkraft der Bildebene ein wenig fallen , damit wir uns hier auf ein kompositorisches Drittel konzentrieren können . In Ordnung? Wenn wir uns das ansehen, können wir sehen, dass wir hier und hier und hier einen Block haben, und sie haben alle relativ gleich groß. Und die Regel des Drittelsystems ist großartig, weil es uns hilft , das Bild auf logische Weise zu komponieren, so dass der Betrachter verstehen kann, wie man das Bild richtig liest. Und eines der wichtigsten Dinge bei der Komposition der Drittelregel ist , dass wir den primären Brennpunkt an einem dieser wichtigsten Schnittpunkte hier im Bild halten wollen den primären Brennpunkt an einem dieser . Wenn wir also zu unserem Schritt 3 Workflow-Schritt übergehen, in dem wir die Standorte einiger unserer großen Formulare einrichten . Wir wählen hier einen einzigen Ort , an dem sich die Linien kreuzen, und sagen: Okay, ich möchte, dass dieser Bereich hier ist, wo mein zentraler Schwerpunkt sein soll. Im Fall des Stücks, an dem wir durch diesen Workflow arbeiten, wo ich die Art von dunklerem Boot, Dock Castle Typ der Struktur haben werde , würde ich sagen, in Ordnung, ich möchte, dass der Schwerpunkt liegt es gibt. Vielleicht hätte ich hier die Hauptformen der Schlösser. Ich schraue es nur beim Kritzeln hier ein bisschen ein. Stimmt's? Und das wäre der Hauptstandort im Hauptschwerpunkt, wenn es vielleicht einen Glockenturm oder so gibt es in diesem Schloss dort drüben. Und dann bauen wir von dort aus den Rest der Schwerpunkte aus. Was wir also tun, ist, dass wir die Drittelregel verwenden , um im Voraus zu definieren und zu entscheiden. Wo werden wir die wichtigsten Elemente des Bildes platzieren ? Effektiv bauen wir die Satzstruktur oder die Schilfreihenfolge vorzeitig bevor wir überhaupt mit dem Zeichnen beginnen. Gehen wir also noch einen Schritt weiter. Ich werde sagen, in Ordnung, stellen wir die Struktur hier drüben auf. Also nenne ich das hier meinen Hauptschwerpunkt. In dieser Bildebene , die wir definiert haben. Ich möchte insgesamt zwei oder drei Orte finden , einschließlich des primären Brennpunkts, an dem ich ihn platzieren kann, einige andere Elemente, damit wir das Auge des Betrachters führen und auch einen erstellen können Auge des Betrachters führen und auch einen erstellen visuelle Schleife und ich werde das in einem Moment erweitern. Aber das erste Mal zeige ich Ihnen, wie wir weitere Schwerpunkte finden können . Sobald wir unseren ersten Brennpunkt festgelegt haben. Nun sind diese Schnittpunkte, die wichtigsten, die primären Schnittpunkte des gesamten Stücks. Also würden wir jetzt wirklich die Nummer eins, das große Bild, die Hauptbotschaft des Bildes an diesen Schnittpunkten setzen große Bild, die Hauptbotschaft des . Wir müssen einige Unterkreuzungspunkte finden. Was wir also tun, ist, dass wir entscheiden wie wir den Raum teilen wollen. Auch hier wird eine neue Drittelregel geschaffen , die uns helfen wird, neue Schnittpunkte zu finden, Plastik und dann unseren tertiären Brennpunkt. In diesem Fall werde ich diesen Raum hier aufteilen , als wäre er gewissermaßen eine eigene kleine Bildebene. In Ordnung? Ich teile das in eine Drittelregel auf. Obwohl Sie das im Hinterkopf haben, könnten Sie diesen Raum wohl auch als separaten Raum teilen separaten Raum um Ihren zweiten Brennpunkt zu finden. Aber in diesem Fall gehen wir einfach mit dem Raum , den ich hier definiert habe. Was ich also noch einmal machen werde ist, dass ich hier eine Drittelregel einfüge. Und die Horizontalen wurden bereits für mich definiert , weil wir effektiv die gleiche Höhe beibehalten haben . Und was ich jetzt habe, ist für sich überschneidende Punkte. Und deshalb denke ich, dass Sie in diesem Fall wirklich einfach einen auswählen können. Ich sage, hey, lasst uns den sekundären Schwerpunkt hier setzen . In Ordnung. Jetzt habe ich das auf einer neuen Ebene und was Sie tun können , ist, dass Sie dies mit einem neuen Blatt Papier definieren können. Oder Sie können es in einer hellen Farbe definieren. Oder wenn du an Papier arbeitest. Die digitale Verwendung einer neuen Ebene eignet sich jedoch hervorragend zum Entwerfen, wo sich diese Schwerpunkte befinden, da Sie sie im Auge behalten möchten wenn Sie die Teile zeichnen. Definieren wir nun einen neuen Raum für unseren dritten Brennpunkt. Tertiärer Schwerpunkt soll ich sagen , den wir hier nutzen werden. Die vertikalen Abteilungen wurden für uns bereits mit der ersten Regel der Drittelplatzierung definiert . Wir werden also einfach unsere Horizontalen definieren. Und was wir jetzt haben, sind ein paar zusätzliche Standorte für einen tertiären Schwerpunkt. Und der Grund, warum ich tertiär und nicht nur drittens sage, ist, dass es eine Hierarchie von Schwerpunkten gibt. Nummer eins, Schwerpunkt ist der Hauptpunkt unseres Bildes. Es ist die Hauptbotschaft unseres Bildes. Und unsere sekundären und tertiären Schwerpunkte sollen das Auge zum Hauptschwerpunkt führen. Und hoffentlich können wir eine visuelle Schleife erstellen , um den Betrachter in dem Stück begeistert zu halten und das Stück länger anzusehen. Stimmt's? Daraus könnte ich jeden auswählen, der der Tertiär ist. Lass uns mit dem hier drüben gehen. Ich verteidige diesen als Dritten. Was ich jetzt habe, ist meine 123 Schwerpunktstruktur. Und man muss nicht immer genau drei Schwerpunkte haben , ist ein sehr nützliches Werkzeug. Kann nur einen Kern von zwei haben. Ich würde nicht zu viele hierarchische Schwerpunkte in Bezug auf 12345678910 haben. Denn dann wird die Botschaft sehr lang und kompliziert und Sie möchten den Betrachter wirklich auf den Hauptpunkt konzentrieren, die Hauptbotschaft des Bildes, die Brennpunkt 0.1 mit einem Drittelregel festgelegt und unsere Schwerpunkte definiert. Es gibt zwei weitere gute Layout-Regeln, die wir hinzufügen können, bevor wir mit unseren nächsten Schritten fortfahren . Der erste ist, dass wir vermeiden wollen, irgendetwas in die Ecken der Szene zu platzieren , etwas Wichtiges. Wir wollen also nicht, dass irgendwelche Schwerpunkte in den Ecken liegen. Wir wollen nicht, dass etwas zu detailliertes in den Ecken ist. Und die zweite Regel ist, dass wir auch einen guten Platz behalten und verhindern wollen , dass die Dinge nicht zu nahe an den Grenzen unserer Bildebene sind. Und wirklich darum geht es darum, einen Raum zu schaffen, der unseren Schwerpunkt und die Hauptbotschaft unseres Bildes umrahmt . Wenn Sie Dinge in die Ecken oder zu nahe an den Bildrändern platzieren , scheint es, als wäre dies nur ein Teil eines anderen Bildes. Natürlich wollten wir eine Welt für sich sein , die gut liest. Abstand und gute Abstände sind daher sehr wichtig um die visuelle Botschaft des Bildes zu kommunizieren , das wir zeichnen. Stellen Sie also nichts Wichtiges in die Ecken oder irgendetwas Wichtiges zu nahe an die Seitenränder, insbesondere an den Schwerpunkten, wir möchten sie in dieser Zone behalten. In Ordnung? Es soll nicht heißen, dass wir in diesen Bereichen nichts zeichnen. Natürlich werden wir Elemente des Bildes haben. Sie landen, Boden Felsen, was auch immer der Fall sein mag, aber wir stecken nichts Wichtiges in diese Zonen. Das war's für diese Lektion. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 33. Modul 4.5 Fortgeschrittenes Compositional Denken: Lassen Sie uns nun ein kompositorisches Denken noch einen Schritt weiter gehen. Und wir werden etwas Komposition in diese Szenen vor uns eintauchen . Wir haben unsere beiden groben Szenen oben und eine raffinierte Szene unten, was eine Verfeinerung der mittleren Szene darstellt. Werfen wir einen Blick auf diese erste Szene hier drüben. Was wir haben, ist eine Ein-Punkt-Perspektive mit niedrigem Winkel , bei der wir den Brennpunkt direkt in der Mitte der Szene platzieren . Dies wäre die Nummer eins. Dieser ganze Abschnitt ist im Grunde die Nummer eins. Und das ist wirklich typisch für 1 Szenen , in denen wir den Hauptschwerpunkt in der Mitte der Szene haben . Und das nennt man eine ikonische Komposition, oder? Es ist ikonisch, weil alles in der Mitte des Hauptfokals in der Mitte liegt, die Hauptgeschichten in der Mitte. Und was wir tun, ist, dass wir Elemente in der Szene haben , die wirklich danach streben, den Betrachter zu zeigen und den Betrachter in die Mitte der Szene zu lenken . So wollen wir diese Arten von Szenen strukturieren. Jetzt ist 1 großartig darin, weil wirklich alle Zeilen wirklich bis zur Mitte dieser Szene zurückgehen. Jetzt können wir andere kompositorische Werkzeuge wie gerade Linien verwenden , zum Beispiel diese Art von Türmen hier, diesen Turm hier drüben, irgendwie versteckt hinter dieser kleinen Hütte zu einer Art von Box der Betrachter in gewisser Weise und fokussiert und sagt: Hey Leute, schau hier drüben, hier möchte ich, dass du siehst Hey Leute, schau hier drüben, hier . Das ist es, was ich kommunizieren möchte. Diese epische Art von kausaler Eintrittsweise. Alles andere in der Szene ist wirklich nur für Regeln und hinzugefügte Details gedacht, die zur Geschichte dieses Gateways hinzugefügt werden können. Sie möchten also sehr viel über die Komposition in Bezug auf die versteckten Regeln nachdenken sehr viel über die Komposition in Bezug auf die versteckten Regeln die Szene mit dem Betrachter zu kommunizieren und ihm zu sagen: hey, das ist wichtig. Das ist nicht wichtig. Und mit Elementen, die sagen: hey, schau da rüber oder lass Dinge auf deinen Mittelpunkt hinweisen. Das ist also eine ikonische Komposition mit einer Ein-Punkt-Perspektive. Da drüben. In der mittleren Szene haben wir eine Zwei-Punkte-Perspektiv-Szene. Und was wir haben, ist unsere Dreidrittelregel hier drüben, wo wir hier unseren Hauptschwerpunkt haben. Und dann wurde der Rest des Raums geteilt, um uns zusätzliche Schwerpunkte zu geben. Teilen wir diesen Raum jetzt auf und schauen uns an wo sich diese anderen Schwerpunkte befinden. Stimmt's? Also teile ich diesen Raum hier drüben auf. Und lasst uns ein nettes Drittelraster in den Raum bringen. Okay, und was wir sehen ist diese Vögel hier unsere Nummer zwei sind. Und die Vögel fliegen tatsächlich in diese Art von Kosten oder die Stadt hier drüben, wir schauen uns das letzte Stück an. Man sieht, dass die Vögel dorthin fliegen. Und die Orientierung von ihnen oder der Fluss von ihnen ist diese Art von Form. Und das war von mir beabsichtigt , sie in einen solchen Fluss zu bringen, der das Auge des Betrachters auf unseren Hauptschwerpunkt hier drüben lenken würde Auge des Betrachters auf unseren Hauptschwerpunkt hier drüben lenken , oder? Teilen wir den Raum noch einmal auf, um unsere Nummer drei Zone zu finden. Dafür benutze ich Purple. Wir werden den Rest des Raums hier teilen. Wir haben unsere Vertikalen bereits platziert, was großartig ist. Und es ist in die Horizontalen gesetzt um dies in den Weltraum zu teilen. Und was wir hier sehen ist, dass diese beiden Bäume unser zentraler Punkt Nummer drei sind. Schauen wir uns das endgültige Bild an und sehen, wie das am Ende funktioniert. Okay, also haben wir unseren hier und das ist der Hauptpunkt dieses Stücks. Dieses Stück heißt Stadt auf einem Hügel. Aber normalerweise möchten Sie, dass der Betrachter versteht, was der Hauptpunkt des Stücks ist, nur durch das Bild allein, das ist, dass die Stadt auf dem Hügel hier der Hauptpunkt ist . Nummer zwei, mit den Vögeln, die sie irgendwie zeigen und zu einem führen. Und dann ist unser Hauptpunkt Nummer drei in der Tat, diese beiden dreieckigen Bäume, diese Pinien hier drüben. Was wir also haben, ist eine visuelle Schleife. Wenn der Betrachter einen sieht, schauen er sich den Rest der Szene um und bearbeiten auch hier einige zusätzliche kompositorische Elemente, die wir uns ansehen werden, wie man die -Szene und diese Bäume weisen irgendwie auf die Vögel hin. Und dann zeigen die Vögel irgendwie zurück in die Stadt. Und sie werden sich in der Szene umsehen und das geht unten nicht allzu viel vor , schwer und sie könnten wieder an den Bäumen landen. Und wir haben eine visuelle Schleife. Und was das bewirkt, ist, dass es visuelle Interessen schafft. Es hilft, die Geschichte ganz klar darüber zu erzählen , worum es in diesem Bild geht. Und natürlich müssen Sie auch zusätzliche kompositorische Elemente hier drin haben, darauf aufmerksam gemacht werden um sie zu sehen, wenn Sie nichts über Komposition wissen. Aber im Grunde habe ich diesen Fluss hier. Es läuft irgendwie den Hügel hinauf. Das weist uns auch zurück in die Stadt. Und es ist ein großartiges Werkzeug, um uns zurück zu diesen Bäumen zu bringen . Und ich habe auch diesen Weg hier drüben, der vorbeiläuft und dann geht er vielleicht irgendwo in die Stadt hinauf. Und wieder, das sind wirklich Möglichkeiten, das Auge des Betrachters in dieser Zone des Stücks zu behalten, oder? Ich möchte sie in dieser Zone behalten. Diese Felsen hier in der Ecke oder bedeutungslos passiert dort in dieser Ecke nicht viel. Dasselbe hier, es passiert nicht viel. Klar. Dieser Fluss ist ein bisschen in der Ecke, aber er ist kein wichtiger Teil der Komposition. Die ganze Geschichte dreht sich hier um unseren Schwerpunkt. Und Nummer zwei und Nummer drei, die dazu beitragen, das Auge des Betrachters auf diesen Schwerpunkt zu lenken. Und was wir tun, ist, dass wir visuelle Hinweise und visuelle Tools verwenden , um den Betrachter zu führen. Impliziere, Hey, sieh dir diesen primären Schwerpunkt an. Wie kann man das Auge des Betrachters mit diesem Teil des Bildes beschäftigen? Und so möchte ich, dass Sie ständig darüber nachdenken, wo Sie Elemente in einer Szene platzieren, während Sie vorankommen. Und während Sie dies weiterhin tun und Ihre Umgebung auszeichnen, werden Sie erkennen wie Pivots und kritisch wichtige Komposition in allen Formen von Kunstwerken sind. Denn letztendlich merkt man, dass wir wirklich versuchen mitzuteilen jemandem etwas ganz klar mitzuteilen. Es geht nicht um uns, wenn wir Szenen zeichnen. Zeichnen Sie eine Szene genau so aus, wie wir es uns vorstellen. Es geht mehr darum, wie wir dem Betrachter klar das vermitteln, was wir uns vorgestellt haben . Ich hoffe, dass dies für Sie nützlich war. Definitiv etwas , worüber Sie nachdenken möchten , während Sie sich in Ihrer Planungsphase befinden, wenn Sie Ihre Drittelregel aufstellen, finden Sie Ihre Schwerpunkte, Sie erhalten Ihre Basiskamera und Perspektive nach unten. Also ja, so möchte ich, dass du darüber nachdenkst , dass deine Kompositionen vorwärts gehen. Und wir sehen uns im nächsten Schritt. 34. Modul 4.6 SCHRITT 3: Grobe Block-in und Einrichtung von Räumlichkeiten.: Okay, es ist jetzt an der Zeit , dass wir tatsächlich zur Zeichnung unserer Szene kommen . Wir werden dies schrittweise durchführen , damit wir von einer starken Grundlage bis zu einem schönen sauberen Finale aufbauen können . Okay, also das erste, worauf wir uns in diesem Stadium konzentrieren wollen , ist die Ausarbeitung unserer großen Formen. Und wir beginnen mit den größten Formen und unserem Schwerpunkt. Wenn Sie jetzt nur Ihre Szene planen, möchten Sie sich daran gewöhnen, nur große blockierte Formulare zu zeichnen. Was ich also tun werde, ist, dass ich hier auf den Schwerpunkt 0.1 gehe . Und ich werde nur ein paar blockierte Formulare einzeichnen. In Bezug auf meine Vision wollte ich wirklich eine Art gotische Stilstruktur haben . Jetzt, wenn du zeichnest, sei einfach locker und sei chaotisch. Sie müssen nicht zu 100% genau auf diese perspektivischen Linien sein , wenn Sie möchten, dass sie richtig aussehen Wir können dies beheben, wenn wir später die saubere Zeichnung oben machen . Was ich hier reinzeichne, sind nur Blöcke, nur große Blöcke, die ich mit den perspektivischen Rastern verwende , um mir beim Definieren zu helfen. Und was ich tun werde, wenn wir im Workflow vorankommen ist, diese Blöcke in die Struktur zu verwandeln , die ich von ihnen haben möchte. Aber im Moment möchte ich ein Gefühl für die Form und die Position im Raum bekommen , die diese Blöcke einnehmen werden. Darüber hinaus wollen wir beginnen, einen Vordergrund und einen Mittelweg in einer Hintergrundebene zu etablieren . wir anfangen, Elemente hinzuzufügen, können wir diese Elemente verwenden, um diese Ebenen zu definieren. Verwenden Sie diese geflügelten Drei-Punkte-Perspektivlinien dort drüben, um sicherzustellen , dass ich dieses lehnende und sehr große Gefühl in die Struktur bekomme . Du siehst, dass ich die Dinge sehr locker halte. Ich liebe es, eine Art Hybrid ordentlich zu zeichnen. Es sieht nicht wie eine Architekturzeichnung aus. Ich versuche nur, diese Formulare reinzukriegen. Ich denke, diese Formulare sollten derzeit ausreichen, um den primären Schwerpunkt zu erreichen. Es fühlt sich ziemlich mutig an, fühlt sich ziemlich stark an. Vielleicht mache ich diesen Turm hier drüben etwas kürzer. Ich werde das tun, um immer noch zu nahe an dieser oberen Grenze zu sein, geben Sie ihm einfach einen guten Abstand. Wird dies später in eine coole Struktur verwandeln. Denken Sie daran, nur ein paar Zeilen hinzuzufügen, um vielleicht ein paar Steine hier anzuzeigen. Ryan ist einfach locker damit. Und ich werde auch meine sekundären und tertiären Schwerpunkte haben und tertiären Schwerpunkte über die ich nachdenken muss, als ich diese Struktur aufgrund meiner Referenzen, meiner Vision, zeichnete diese Struktur aufgrund meiner Referenzen, meiner Vision, wäre es cool, vielleicht im dritten Brennpunkt, habe eine Art Brücke, vielleicht nur fertig, wenn die Brücke rüber oder unter gehen soll, lass es uns untergehen. Zeichnen Sie hier also nur eine gekürzte Form. Und vielleicht lasst uns den Boden untergehen lassen. Und sie könnten ein Lavafluss oder so sein , der hier rüberläuft. Also lege ich nur eine Form ein, ein paar kleine Blöcke dort. Und ich stelle mir hier nur ein Land vor, etwas Platz hier. Und einer, um diesen Vordergrundraum zu definieren. Also benutze ich nur zum Beispiel Rot hier. Also möchte ich eine Vordergrundzone haben , in der sich der Betrachter wie Orion fühlt. Diese Zone hier ist der Vordergrundbereich. In der mittleren Bodenzone wird unser Schwerpunkt unser Hauptschwerpunkt sein. Und das kann alles in dieser Art von Zone sein. Natürlich könnte es irgendeine sein, in jedem Ausmaß, in dem Sie hohe Strukturen oder Objekte haben könnten , aber in jedem Ausmaß sein könnten. Dies ist nur zu Beispielzwecken. Dann wäre natürlich die Hintergrundzone da. Sie möchten jedoch einige Formulare hinzufügen um Ihnen bei der Definition dieser Zonen zu helfen. Ziehe noch ein paar Dinge rein. Also habe ich diese kleine Brückenstruktur hier. Und ich verwende diese perspektivischen Rasterlinien, die mir sagen, dass ich es auf logische Weise einziehe . Stimmt's? Vielleicht geht dieser Bergfelsen einfach runter und ich lege dort nur ein paar vertikale Linien ein. Und ich werde hier einfach eine Art Bergbau-Sache zeichnen . Natürlich erfinde ich das, während ich meine Referenzen in meinem Kopf verwende , vom Visionsschritt zu fett am Tatort. Stimmt's? Wir haben also eine Art Kluft hier rüber. Stimmt's? Ein S für den dritten Brennpunkt, den sekundären Brennpunkt. Wohlgemerkt, ich denke, was eine coole Komposition wäre , wenn es einen Mond am Himmel gäbe, vielleicht zwei Monde oder drei Monde. Tatsächlich werde ich diese Art von Viertelmond hier drüben machen von Viertelmond hier drüben und ihn so haben, dass es vielleicht irgendwie unheimlich ist, aber es ist ganz klar ein sekundärer Schwerpunkt. Nun der Grund, warum ich mich so krümmen wollte , damit es das Auge des Betrachters irgendwie auf diesen vorhersehenden Kausal lenken und lenken kann. Vielleicht ist das ein Blutmond am Himmel, so etwas. Und ich füge hier eine sekundäre hinzu, was ziemlich cool ist. Ich glaube, ich habe noch nie zwei Viertelmonde gesehen und stelle mir vor, ich füge dort einen sekundären hinzu. Und das schafft den Großteil unseres sekundären Brennpunkts. Unsere Schwerpunkte, die auf unseren Hauptschwerpunkt und unseren tertiären Schwerpunkt hinweisen, führen den Betrachter buchstäblich auf einen Weg, der wahrscheinlich zu diesem Schloss führen wird irgendwo weit in der Ferne. Nun, etwas, das wir in einigen Lektionen ansprechen werden einigen Lektionen Skalierungs- und Skalenindikatoren , die für die Schaffung von Tiefe in der Szene entscheidend sind. Wenn ich mir dieses Bild gerade ansehe, sieht die Waage etwas seltsam aus, als ob diese Brücke wirklich riesig aussieht und meine Struktur vielleicht wie ein kleines Haus aussieht. Keine Sorge, wir werden das ansprechen, denn das ist eines der wichtigsten Dinge , die wir verwenden müssen. Eines der wichtigsten Tools, die wir verwenden müssen, um überzeugende Szenen zu zeichnen. Aber im Moment haben wir gewissermaßen einen Vordergrund geschaffen. Ich werde hier nur noch ein paar Zeilen setzen. Wir haben unseren Schwerpunkt im Mittelweg. Und dann haben wir diesen Mond und den Sub Moon im Hintergrund. Und wir können auch weitermachen und nur einige grundlegende Zeilen hinzufügen , nur um eine Art Hintergrundbereich anzuzeigen. Vielleicht gibt es einen Vulkan im Hintergrund, aber wir wollen nicht, dass es zwei sind. Interessant, weil es dann anfangen würde einen sekundären Brennpunkt aufzunehmen, den man nicht übersehen kann. Richtig. Also wollen wir keinen von denen. Und ich füge hier nur ein paar Zeilen hinzu, nur um eine Art Hintergrundraum oder eine Zone anzuzeigen . Im nächsten Schritt werden wir das weiter machen , denn das tun wir. Ich wollte Sie nur an die Bedeutung dieser Zonen erinnern . Der Vordergrund ist also da , um den Betrachter in die Szene zu stellen. Wo stand die Ansicht gerade? Befinden sie sich in einer felsigen Ebene? Es hilft uns, sie in der Szene zu positionieren. Der Mittelweg ist der Ort, an normalerweise die Hauptaktion stattfindet, wo wir unseren Haupt - und Hauptfokalpunkt stellen werden. Natürlich kann der Hintergrund dazu beitragen, die größte Geschichte der Welt zu erzählen und dem Betrachter zu helfen , die Welt jenseits der Welt zu verstehen , die er gerade sieht. Behalte das also im Hinterkopf. Zeichnen Sie Ihre Grundformen und einige Ihrer Schlüsselelemente auf der Bühne ein. Heben Sie sie einfach ein, seien Sie locker, seien Sie grob. Und dann fahren wir mit der nächsten Lektion fort. 35. Modul 4.6 SCHRITT 4: Verwende kompositionelle Elemente, um Tiefe zu verleihen: Ich weiß mehr als jeder andere, wie verlockend es ist , reingehen und anfangen zu wollen , Dinge zu detaillieren. Aber es scheint ein General zu sein, der keine Regel ist. Das ist nur eine schlechte Idee. Wir brauchen starke Grundlagen und bauen Dinge von unten nach oben rechts auf, von den Fundamenten bis hin zu den Details. Und so werden wir innerhalb des Menschen voranschreiten und diesem Rough ein paar äußerst kritische Elemente hinzufügen ein paar äußerst kritische Elemente hinzufügen , während wir langsam anfangen solche Elemente von komplexerer Komplexität einzubringen. Das erste, was wir hier hinzufügen oder Indikatoren skalieren möchten, wollen wir einige Skalenindikatoren. Wie groß ist die Struktur im Vergleich zur Brücke? Woher wissen wir, wie groß irgendetwas auf dieser Welt ist? Und hier brauchen wir Skalenindikatoren. Dinge wie Türen, Vögel, Tiere, Menschen, vertraute Gegenstände wie Fässer oder ein Auto, Fahrrad. Dinge, auf die sich der Zuschauer beziehen kann und sagen kann: Oh, das ist Fahrrad, ich kenne die relative Größe eines Fahrrades. Und so wird alles andere in Bezug darauf gemessen. Werfen wir einen Blick auf ein Beispiel für einen Skalenindikator. Wenn ich weiter gehe und einen Mann hier drüben einsetze , wie ein rauer Mann, deinen typischen Stabverkäufer siehst du deinen typischen Stabverkäufer in Umweltstücken. Nun, die Waage sieht gerade echt komisch aus. Er ist zu groß und die Brücke ist plötzlich verrückt geworden. Kleiner. Umgekehrt kann ich, wenn ich ein größeres Ausmaß an Epikur bekommen wollte , einige Hinweise darauf geben , was den Menschen fehlen könnte. Vielleicht bringen Sie ein paar Leute hierher und bringen Sie ein paar kleine Leute hierher. Es ist echt winzig. Und jetzt fühlen wir uns wie, whoa, das ist eine ziemlich große Szene, ich denke vorerst, lasst uns diese Skalenindikatoren in ihren Vögeln auch großartig halten , um eine Skalenindikatoren zu verwenden. Ich glaube nicht, dass ich Vögel in die Szene setzen werde, aber lass mich dir die Kraft der Vögel in dieser Spitze der Landschaftsszene zeigen . Zum Beispiel kann ich hier und da ein paar Vögel aufstellen . Und plötzlich spüren wir die Höhe dieser Struktur. Für das Timing lasse ich sie da drin. Sie schaffen es vielleicht nicht in die endgültige Zeichnung. Dies ist jedoch die Bedeutung von Skalenindikatoren. Das nächste, was wir tun wollen, ist das Wiederholen von Formularen. Und wir möchten Formulare aus dem Vordergrund in den Hintergrund der Szene wiederholen . Der Grund, warum dies ziemlich kritisch ist, ist, dass es für den Zuschauer oft schwierig sein kann, die Tiefen der Szene zu erkennen, selbst wenn Ihre Perspektive wirklich super großartig ist, sie brauchen etwas, das sich von der Vordergrund zum Hintergrund, um sie in der Tiefe der Szene zu verankern . Ich habe also nicht wirklich an irgendetwas gedacht, aber das ist der springende Punkt, an dem wir diesen Workflow gemeinsam durcharbeiten Sie können sehen, wie wir über so etwas nachdenken würden . Mir gefällt die Idee, dass es ein sehr vulkanischer Hauch von Landschaft ist. Was ich also tun werde, ist hierher zu kommen und ich werde diesen Abschnitt hier ändern und ihn einfach so haben , dass er nicht so symmetrisch ist wie er war. Und lasst uns weitermachen und eine Art felsiges Outcropping haben hier eine Art felsiges Outcropping haben, das vielleicht in irgendeiner Weise auf unseren Hauptschwerpunkt hinweist . Und ich erinnere mich irgendwie an diese Rockformen. Und was ich mache ist, dass ich sicherstellen werde, dass die Formen zwei Seiten haben. Ich habe hier traurig und Assad bis zum Semi darüber gemacht , eine Linie in die Mitte der Gesamtform zu setzen . Und ich lege diesen felsigen Aufschlag hier rüber. Am Ende sieht es vielleicht ein bisschen anders aus. Aber wir haben dort einen felsigen Aufschlag. Okay, und was ich jetzt machen will ist, dass ich diese Grundform habe. Wir mussten es wirklich vereinfachen. Es wäre so etwas wie ein Dreieck, ein 3D-Dreieck, das aus dem Boden sticht. Das ist so ziemlich seine Grundstruktur. Und was ich tun kann, ist, diese Form in die Ferne zu wiederholen und kleiner zu machen. Und Sie müssen es nicht so skalieren, wie wir es getan haben , als wir etwas über Skalierung gelernt haben, weil es nicht genau die gleiche Größe haben wird. Es ist ein natürliches Objekt. Es ist also sehr wahrscheinlich, dass es anders geformt sein wird, aber in der Ferne ähnlich sein könnte. Und was ich tun könnte, ist einen weiteren von ihnen hier drüben hinzuzufügen, etwas ähnliches. Und mach dem Betrachter sehr klar , dass es sich um ähnliche Formen handelt. Und plötzlich haben wir gerade mit zwei von ihnen ein neues Gefühl von geerdeter Tiefe in der Szene. Als ob etwas Tieferes in der Szene steckt. Wir haben ein Gefühl von Tiefe in der Szene weil sich diese Formen wiederholen. Wiederholen wir diese Formen ein bisschen weiter. Und vielleicht werde ich hier noch etwas rockiges Outcropping haben. Und ich nehme da unten einen kleinen. Und es mag in der Ferne aus dem Weg sein, aber es trägt zum Gefühl des Einbruchs bei. Und wir müssen das nicht einfach einmal machen. Nehmen wir zum Beispiel an, wir haben einige vulkanische Löcher im Boden. Das wäre eine großartige Idee. Es ist also wie ein vulkanischer Gläubiger. Vielleicht. Du siehst, dass ich wirklich nur raue. Das ist kein Hardcore. Hübsch mit der Kunst zu sein. Hab einen Krater hier. Und ich werde die Liniengewichte hier einfach etwas dunkler machen. Es steht im Vordergrund. Werde alleine sein und mehr warten, wenn wir kurz vor dem Ende dieses Workflows kommen. Was ich jetzt tun kann, ist diese Art von Form zu wiederholen. Nur um die Tiefe in der Szene hervorzuheben. Und ich lege vielleicht eins ein, sagen wir geben uns ein bisschen ein. Nun, es scheint kein guter Ort dafür zu sein. Ich denke, lassen wir es einfach um zwei, denn ich möchte die Szene nicht mit zu vielen Elementen täuschen . Der entscheidende Punkt hier ist jedoch, dass Sie über das Wiederholen von Formen nachdenken möchten und auf jeden Fall wiederholte Formen irgendwo in Ihrem Stück haben möchten, insbesondere bei dieser Art von Landschaft. Aber selbst wenn Sie Innenräume machen, denken Sie an Lüftungsschlitze denken Sie über verstopfte Punkte an den Wänden nach. Sie möchten einige Formulare wiederholen damit der Betrachter ein Gefühl von Tiefe erhält. Bisher haben wir von Skalenindikatoren erfahren , die von entscheidender Bedeutung sind und einbezogen werden müssen. Und wir haben gelernt, wie man Formulare wiederholt. Nun, wir können auch tun, dass wir bestimmte Muster wiederholen können. Jetzt haben wir das gewissermaßen getan, indem diese beiden Ebenen auf einem Felsen unten genau hier definiert haben. Weil sich diese Art von allgemeinem Musterfluss in der Ferne zu diesem Felsen wiederholt hat. Machen Sie sich diese Zeilen nicht aus. Ich will nicht beschatten. Indem wir also bestimmte Muster wiederholen, können wir auch ein Gefühl von Tiefe vermitteln. Zum Beispiel, wenn ich hier eine Rockschicht habe, die ungefähr drei Felsen ist , müssen sie nicht Forms sein. Ich kann dieses kleine Muster wiederholen wenn wir tiefer in die Szene gehen. Ändere einfach die Zoomstufe hier. Und ich kann irgendwie Rockgruppierungen in gewisser Weise wiederholen. Und das kann auch Tiefe hinzufügen. Also werde ich diese Dinge im Hinterkopf behalten , während du das Rough herausziehst und die Elemente, die du haben willst, in die Szene bringst. Etwas, das auch sehr wichtig ist , sind mehrere Objektüberlappungen. Und worauf sich das wirklich bezieht, ist, dass sich Elemente in Ihrer Szene überlappen, andere Elemente. So können Sie hier zum Beispiel sehen, dass diese Steine, die ich hier gezeichnet habe, überschneiden. Die Bolding. Dieser dreieckige Felsen hier drüben überlappt den Hintergrund. Berge. Die Gebäude selbst überlappen ihren Hintergrund und ihre Berge. Und die Brücke überlappt den Hintergrund der Berge zwei mit ihren kleinen Säulen. Sie möchten also sicherstellen , dass es viele überlappende Dinge gibt. Du willst nicht nur, dass etwas alleine in der Szene sitzt und nichts überlappt. Überlappungen, schaffen mehr Tiefe. Was Sie vielleicht sehen können ist, dass wir durch Skalenindikatoren, Wiederholung von Formen, wiederholten Mustern und mehreren Objektüberlappungen und mehreren Objektüberlappungen eine großartige, großartige und große Tiefe schaffen können die Szene. Was ich jetzt tun werde ist ein weiteres Element für die Tiefe hinzuzufügen, das Sie normalerweise nicht immer hinzufügen würden. Aber damit Sie die Theorie davon kennen, werden wir sie trotzdem in die Szene aufnehmen. Und dieses Element wird als extremes Vordergrundelement bezeichnet . Jetzt wird es verwendet, um den Betrachter noch näher in die Szene zu bringen , um etwas wirklich nahe an der Kamera zu haben , damit der Betrachter das Gefühl hat, wirklich bei der Action zu sein. Und was ich denke, dass ich in diesem Fall tun werde, Evan, extremes Vordergrundelement, werde ich etwas von diesem Krater-Ding löschen , das ich hier gemacht habe. Und ich werde eine dunklere Linie verwenden, weil dieses Objekt sehr nahe an der Kamera liegt. Und ich bringe hier eine Art felsige Oberfläche ein, die die Szene durchschneiden wird . Es ist also nur eine Art felsige Oberfläche. Ich weiß nicht, welche Details davon sind. Du wirst es einfach hart halten und es in der Szene locker halten. Und was es jetzt macht, ist, dass das Auge des Betrachters daran hindert , diesen Abschnitt der Seite herauszufallen . Es behält ihren Fokus hier von R noch, um noch ein bisschen vorahnenderes Schloss im Detail gerendert zu werden . Es bringt den Betrachter auch mehr in die Szene. Sie haben das Gefühl, dass sie viel mehr in der Szene stehen. Lasst uns diese Elemente noch einmal durchgehen. Skalierungsindikatoren, Dinge, die uns helfen, das Ausmaß der Welt zu verstehen das Ausmaß der Welt , die wir dem Betrachter präsentieren. Wiederholung von Formularen aus dem Vordergrund in den Hintergrund. Das können kleine Dinge sein, große Dinge. Es können Steine, Gegenstände oder Gegenstände sein, Gebäude, Bäume könnten vieles sein. Aber du willst diese Formulare wiederholen. Sie können auch Muster, Muster auf Formularen oder einfach nur allgemeine Patente erteilen. Vielleicht hat der Fluss einen gewissen Rhythmus und er fließt in den Hintergrund. Sie möchten mehrere Objektüberlappungen haben. Wir möchten uns daran erinnern, dass Überlappungen Tiefe erzeugen. Und schließlich, wenn wir es brauchen, können wir, wenn wir es verwenden wollen, wenn wir es verwenden wollen, extreme Vordergrundelemente in die Szene setzen , um zu helfen, dass die Ansicht noch stärker in der Szene engagiert wird. Natürlich möchten Sie dies normalerweise nicht immer verwenden. Du benutzt es dort, wo du es brauchst. Sie glauben, dass es sehr nützlich wäre ein extremes Vordergrundelement zu haben. Ich hoffe, Sie haben sich Notizen aus dieser Lektion gemacht. Lasst uns zur nächsten Lektion übergehen. 36. Modul 4.7 Fertigstellung der groben Zeichnung: Da die meisten unserer Schlüsselelemente eingerichtet sind, sind wir bereit, alle Elemente herauszuarbeiten und die Szene wirklich auszuarbeiten. Während wir dies tun, möchten wir sorgfältig über die Komposition nachdenken, das Auge des Betrachters in den Hauptschwerpunkt lenken, den Hauptschwerpunkt herausziehen, den Hauptschwerpunkt herausziehen, alle Details eingehen darüber nachdenken der Hintergrund des Mittelwegs und der Vordergrundebene und das Eindringen all dieser Elemente, die wir brauchen, damit sich die Szene vollständig anfühlt. Aber denken Sie daran, dass es immer noch die schwierige Phase ist. Jetzt wollen wir also weitermachen, alle Elemente einholen, die wir brauchen, um reinzukommen und die Rohzeichnung zu beenden. Und sobald wir mit der Rohzeichnung fertig sind, können wir mit der aufgeräumten Zeichnung fortfahren, die etwa fünf Stunden länger dauern wird weil Sie feststellen werden, dass das Zeichnen von Rohs ziemlich schnell ist. Also werde ich weitermachen und alle Elemente in die Szene ziehen . Und dann fahren wir mit der nächsten Lektion fort. Wechseln Sie in einen vierfachen Geschwindigkeitszeitraffer. Werfen wir einen Blick darauf, während ich weitermache und den Rest des Bildes herausziehe. Und so fange ich dort an unserem Tertiärpunkt an und beschließe, dass ich eine interessante Struktur oder einen Torbogen oder ein Tor haben möchte, um eine interessante Struktur oder einen Torbogen oder ein den Zuschauern zu helfen. Ich führe in den Hauptschwerpunkt. Ich spiele mit ein paar Ideen von kleinen Geländern oder Dingen auf der Brücke herum . An dieser Stelle ist alles ein Spiel, um geändert zu werden. Also mach weiter und ändere die Positionierung dieses kleineren Mondes. Und ich gehe ein paar zusätzliche Berggebiete aus und erstelle eine Reihe von Überlappungen, um den Hintergrundebenen und den Fallback-Bereichen der mittleren Bodenebenen mehr Tiefe zu verleihen den Hintergrundebenen und den . Was du wirklich in den Etappen machst, in die du gehst und versuchst, alle Teile fit zu machen, letzte Teile des Puzzles , um alle Details zu bekommen, jede Art von durcheinander oder zerbrochener Perspektive zu reparieren. Ehrlich gesagt sehe ich es jetzt immer noch Perspektivbereiche, die nicht zu 100% korrekt sind. Aber es ist kein großer Zug-Smash. Ich werde das wirklich im Finale klären , wo wir sicherstellen , dass alles perfekt ist. Sie können sehen, dass ich anfange, an einigen Details des Schwerpunkts zu arbeiten . Und das ist wirklich eine wichtige Sache, an die man sich erinnern sollte. Der Schwerpunkt ist bei weitem der wichtigste Teil Ihres Stücks. Es ist das Element, in das Sie die meiste Zeit in den meisten Gedanken stecken möchten. Sie möchten, dass es in Bezug auf die Perspektive am korrektesten ist. Und Sie möchten, dass es der detaillierteste und überzeugendste Teil Ihres Bildes ist , denn das ist der gesamte Punkt des gesamten Bildes, der im Mittelpunkt steht. Und nehmen Sie dort einige Änderungen an dieser Art von Vordergrundfelsform vor. Und ich füge ein paar zusätzliche Steine am Boden der Struktur hinzu. Ich versuche wirklich, diese spitz kleine Felsform ein bisschen mehr in die Ferne zu wiederholen diese spitz kleine Felsform . Und so habe ich mir eine neue Gelegenheit gemacht, dies zu tun. Was ich anfangs gemacht habe, werden Sie sehen, dass ich die Größe der kleinen Türöffnung am unteren Rand der Struktur ändern werde , aber ich habe dort einen kleinen S-förmigen Pfad hinzugefügt aber ich habe dort einen kleinen S-förmigen Pfad hinzugefügt, der dem Betrachter hilft zu verstehen, dass wir es sind zurück in die Ferne. Irgendwann mache ich die Türöffnung deutlich größer als sie ist. Und das liegt daran, dass ich die Fütterung der Waage anpassen wollte . Ich mache diesen Prozess mit dir durch. Live hilft Ihnen, die Realität des Denkens durch Zeichnen der Szene zu erkennen . Und ich denke auch der Frieden bedeutete hauptsächlich meine Visionen, aber er wurde auch zu seiner eigenen Sache. Ich denke, zumindest sind es 25 bis fünfunddreißig Prozent sein eigenes Ding, dass es sich entwickelt hat, als ich es zeichnete. Und das ist eine gute Sache. Das passiert oft, wenn ich sie einziehe. Viele Künstler zeichnen dort, wo die Arbeit ihr eigenes Leben annimmt. In diesem Fall wurde diese halbgotische Art von Struktur der Festung fast zur Aufgabe der heißen, heißen Struktur in der Mitte dieses vulkanischen Ebenengebiets. Und ich fing an zu denken, dass es einige, viele ethische gotische Art von Mob-Boss oder Vampir-Lord sind. In der Tat lief eine diese Festung in dieser Wüstenebene. Altes vulkanisches Flugzeug. Sie werden feststellen, dass ich das Bild manchmal umgedreht habe. Dies ist etwas, das wichtig ist, nur um zu überprüfen, ob die Dinge korrekt sind und Ihre Augen sich sehr daran gewöhnen, das Bild in eine Richtung zu sehen , wenn Sie es nicht umdrehen, wenn Sie traditionell arbeiten, halten Sie einfach einen Spiegel auf einer Seite Ihres Bildes und schauen in den Spiegel, um die gekippte Version zu sehen . Und es gibt Ihnen nur eine großartige Perspektive um Böden zu sehen und Dinge zu sehen, die Sie vorher nicht gesehen haben, weil sich Ihre Augen daran gewöhnt haben. Ich gehe rein und füge ein paar zusätzliche Flugzeuge im Hintergrund hinzu. Ändern Sie die Waage. Ein bisschen von den Leuten auf der Brücke. Ich denke an den Trichter, ich füge auch noch mehr Leute hinzu. Ich hatte ein Abflussrohr an der Seite des Gebäudes. Wenn wenige zusätzliche Designelemente von Design Macken an der Struktur sind. Hier möchte ich, dass die Mondform ein bisschen runder ist. Es ist definitiv ein stilisierteres Stück, aber es kommt gut zusammen. Irgendwann werde ich die Skala des Mondes ändern , um sie kleiner zu machen. Aber jetzt, wo ich es mir ansehe, denke ich, dass ich sie wieder auf diese Größe skalieren werde , weil es wirklich ansprechend aussieht. Übersteuere die Ferne hinter dem Hauptschwerpunkt, arbeitete aber ein wenig an den Bergen dort und fügte ein paar entfernte Berge hinzu. Was bei Landgewichten von entscheidender Bedeutung ist , ist , dass, wenn Objekte näher an die Kamera kommen, das Gewicht oder die Dicke der Linie zunimmt und die Dunkelheit zunimmt. Und wenn Objekte weiter von der Kamera entfernt sind, sollten die Liniengewichte leichter und dünner werden. Das hilft dem Betrachter zu verstehen, dass die Dinge weit weg in der Ferne sind. Dies ist ein Spiegeleffekt , der als atmosphärische Perspektive bekannt ist und für das Zeichnen im Allgemeinen sehr wichtig ist. Hier passe ich einige Vertikale an, die nicht wirklich gut mit den 3 perspektivischen Rasterlinien übereinstimmten. Und dann füge ich Brücke ein paar zusätzliche Designdetails hinzu. Ich habe versucht, diese Form zu replizieren, aber sie sah nicht richtig aus. Also habe ich am Ende etwas anderes gemacht, von dem ich fühlte, dass es besser aussah. Natürlich ist es alles sehr grob. Niedrig, du wirst im Laufe der Zeit sehen, dass es tendenziell zusammenkommt. Und natürlich, wenn Sie es in eine saubere Zeichnung bringen, haben Sie die Möglichkeit, Fehler zu beheben, zusätzliche Details hinzuzufügen, um die Dinge auch dort wegzunehmen , wo Sie es benötigen. Und das ist im Wesentlichen das Ende dieser harten Phase. 37. Modul 4.8 SCHRITT 6: Professionelle Cleanup Verfeinerung und Erstellung sauberer Linien: Wir haben eine Menge Theorie benutzt , um uns an diesen Punkt zu bringen. Und wir sind jetzt auf unserem letzten Schritt, in dem wir unsere grobe, aber solide Zeichnung in ein sauberes und professionelles Stück verwandeln. Regel ist dies der einfachste Teil des Workflows, ist aber auch der zeitlich anlageorientierte Teil. Dies kann oft bis zu fünf Stunden oder mehr dauern, abhängig von der detaillierten Komplexität Ihres Stücks. Was wir tun werden, ist, dass wir einen Zeitraffer durchlaufen werden , in dem ich dieses Stück mit sauberen, schnellen und professionellen Linien aufputze , um es ordentlich aussehen zu lassen und es fertig aussehen zu lassen. Der reale Tom wird oben rechts im Bild erscheinen . Du siehst, dass ich ungefähr eine Stunde und 15 Minuten gedauert habe. Während wir diesen Workflow durchlaufen, erzähle ich Ihnen, was mir durch den Kopf geht , wenn ich ein Stück aufräume. Lassen Sie uns also direkt darauf eingehen und lassen Sie uns diese Umgebung aufräumen. Bevor ich mit dem Aufräumschritt beginne, sprenge ich zuerst das Dach auf die Größe, die das endgültige Bild haben soll. Wenn Sie nun traditionell arbeiten, ein Kopierer, um die Größe Ihrer Rohzeichnung zu erhöhen. Wenn Sie digital arbeiten, können Sie dazu natürlich einfach die Transformationstools verwenden. Dann möchten Sie eine mittlere Linienstärke auswählen, die der Mittelgrund zwischen sehr dick in der Bildebene ist zwischen sehr dick in und sehr dünn und leicht in der Bildebene ist. Und ich fange damit an , meinen Schwerpunkt 0.1 herauszuziehen. Einige Künstler verlassen den Mittelpunkt zum Schluss. Denn manchmal, wenn Sie zuerst den Schwerpunkt zeichnen, haben Sie das Gefühl, dass das Stück so ziemlich fertig ist oder der Hauptpunkt erledigt ist. Und du bist irgendwie faul, den Rest des Stücks herauszuziehen. Trotzdem können Sie es in beliebiger Reihenfolge tun. Ich habe hauptsächlich angefangen, die geraden Linien in den Mittelpunkt zu stellen. In Photoshop verwende ich dafür das Line-Tool. Sie zeichnen traditionell, dass Sie ein Lineal verwenden möchten , weil Sie diese geraden Linien wirklich gerade machen möchten. Natürlich ist es letztendlich viel schneller und besser, freihändig geradlinige Linien zu zeichnen . Ich würde sagen, es sieht schöner aus , weil du einen schönen Kegel hast. In diesem Fall haben wir uns dafür entschieden, das Zeilentool zu verwenden , damit ich dieses Bild nicht zu sehr zoomen und drehen würde dieses Bild nicht zu sehr zoomen und drehen , während ich Ihnen die Demo zeige Es kann sehr irritierend sein anzusehen ein Zeitraffer-Filmmaterial wird ständig umgedreht und gedreht. Trotzdem benutze ich das Linienwerkzeug und gehe hinein und bekomme viele meiner geraden Linien nach unten, weil viele von ihnen wirklich auf der Struktur sind. Ich fange an, den Rest der Linien im Bild zu arbeiten, die natürlich natürlichere Objekte sind. Und meine Bewegung hier ist schnell und locker, benutzt eine einzige Zeile, sehr schnell und stellt sicher, dass sie sich gut verjüngt. Und es hat viel Energie drin. Die Energie und Ausrichtung liest sich sehr gut, wenn Sie schnell und locker sind und die Leitung ihren gerichteten Fluss hat, oder? Es fließt und es hat irgendwie einen Punkt in einer Spitze, einen Anfang und ein Ende, das sich in eine bestimmte Richtung zu bewegen scheint. Mein Ziel ist es immer beim Aufräumen, beginne mit Klarheit sowohl der Grundlagen der Komposition als auch aller theoretischen Grundlagen , die die Kamera perspektivieren, den Schaft nach oben winkeln meine Elemente, um Dinge in die Ferne zu multiplizieren. Wiederholen Sie Formen, Wiederholungsmuster haben mehrere Objektüberlappungen von Donald dieser Theorie und dem Rough. Mein Ziel bei der Säuberung ist es also , alles, was ich bereits gemacht habe, sauber, ordentlich und professionell aussehen zu lassen. Klarheit ist in diesem Stadium sehr wichtig. Das heißt, Komposition ist immer etwas, das Sie beachten müssen, und alles sollte immer geändert oder geändert oder angepasst werden. Das ist eines der großartigen Dinge beim digitalen Arbeiten. Sie können Dinge auswählen, Dinge ändern, Dinge ändern , Dinge drehen. Das Bearbeiten ist also sehr einfach digital zu arbeiten. Natürlich ist es ein bisschen schwieriger, traditionell zu arbeiten, Sie müssen wirklich sicherstellen, dass Sie bei der Arbeit an Papier ein sehr, sehr solides Rough haben und dass Sie 110% mit einem Rough zufrieden sind denn natürlich kann es ziemlich schwierig sein, Dinge in Tinte später zu ändern , wenn nicht nahezu unmöglich. Ich bewege mich durch das Stück und denke über Dinge nach, die helfen können, das Stück ein bisschen mehr zu verschönern. Ich füge Details hinzu, kleine Menüdetails, die nicht im Rough vorhanden waren. Aber natürlich ist das alles ein Bolzen auf den soliden Fundamenten dieses Rohes. Letztendlich wurde dieses Stück eine Art Nightmare Before Christmas. Tim Burton, Nischen-Stil Art von Struktur ist Art von sehr zufälligen architektonischen Stilen zusammengepült. Und doch sind wir immer noch in dieser vulkanischen Ebene. Eine Bewegung durch das Stück, ständig Elemente aufräumt und sicherstellt, dass meine sich wiederholenden Elemente meiner sich wiederholenden Formen und Muster gut in die Ferne ablesen, mit dem Pfeilförmiger Felsen, der sich derzeit unten rechts befindet. Ich habe das tatsächlich herausgenommen, weil diese große Form sehr mit der Brückenform konkurrierte. Wenn Sie zwei konkurrierende Elemente in einem Bild haben, zwei konkurrierende grafische Elemente, können diese ablenkender sein als der Brennpunkt. Und natürlich muss der Schwerpunkt der Hauptbereich sein, in den der Betrachter schaut. Und so kann der Konflikt zwischen zwei Formen und sehr großen Elementen eher im Mittelpunkt des Brennpunkts selbst stehen. Und das kann ein Problem sein , da Sie die Bildbotschaft dann nicht klar kommunizieren können . Was ich tue, ist, dass ich am Ende diesen sehr scharfen spitzen Stein auslösche , der sich jetzt unten links befindet , und einen Weg einlege , der ein bisschen häufiger ist. Es konkurriert nicht mit der Brücke. Und das hilft, es im Stück im Gleichgewicht zu halten und die Schwerpunkte in der richtigen Hierarchie zu halten. Der Mond ist die Brücke und dann unser Hauptschwerpunkt, der die Struktur ist. Sie merken vielleicht, dass ich eine dünnere, leichtere Linie für den Hintergrund der Berge verwendet habe . Natürlich willst du das auf jeden Fall machen. Dinge, die weiter in der Ferne liegen , sollten dünnere, leichtere Linien haben. Dinge, die mehr im Vordergrund stehen, sollten dickere, dunklere Linien haben. Und dann sollte der Mittelgrund eine Art mittlere Art von Linienstärke sein. Und Sie werden später sehen, dass ich dickere Linien verwenden werde, um Vordergrundelemente zu rendern und anderen Elementen im Vordergrund nur ein wenig Dicke hinzuzufügen . Nur um dem Betrachter klar mitzuteilen, dass, hey, dieses Zeug näher an dir ist und Dinge, die dünne Linien haben, sind weiter von dir entfernt. Das kleine Kirchgebiet oben auf dem Brückeneingang ging tatsächlich an den Bergen vorbei. Und ich hatte zu diesem Zeitpunkt das Gefühl die Waage nicht super gut lief. Und wie ich bereits sagte, alles ist Spiel. Sie müssen die Änderungen vornehmen, um des Bildes willen , das es gut liest. Also nahm ich den kleinen Kirchturm, eine Art spitzen Bereich weg und brachte ihn unter die Berge, um ein Gefühl von großem Maßstab in der Szene besser zu schaffen. Und tatsächlich werde ich später mehr darauf eingehen und die gesamte Brücke und den ganzen Eingang noch ein bisschen kleiner machen , weil ich versuche sicherzustellen, dass die Waage gut ausgleicht und liest. Da der Mond ein weiterer Subfokalpunkt ist , entschied ich mich für eine realistischere Mondform. Ich habe zwei Formen erstellt. Am Ende ging ich mit einer zweiten Form, die ich gemacht hatte , ein bisschen mehr von der Mondoberfläche zeigte. Und ich denke, die Szene sah schon sehr fiktiv aus. Also wollte ich ein bisschen mehr Realismus hinzufügen. Sie hatten ein bisschen realistischere Mondformen, also wirst du sehen, wie ich später in eine endgültige Mondform wechsele. Das ist alles wirklich Intuition. Du nutzt deine Intuition auf der Bühne und deinen Geschmack und deine Stilisierung, um die Dinge cool aussehen zu lassen und die Dinge ansprechender aussehen zu lassen. Der Großteil der Arbeit wird in Ihrem Rough erledigt, die Grundlagen werden in Ihrem Rough erledigt. Sie sind also wirklich frei im Aufräumen, Schinken zu gehen und die Dinge so cool wie menschlich möglich aussehen zu lassen. Selbst in diesem Stück habe ich das Gefühl, dass ich wirklich zwei weitere Stunden hineinstecken könnte und die Liniengewichte verstärken, einige der Formen verstärken und weitere Details hinzufügen könnte. Und Sie könnten sich vorstellen, wenn dies, sagen wir mal das Zehnfache der Detailgenauigkeit, insbesondere im Mittelpunkt, wäre es ziemlich überzeugend. Ich will nicht sagen, lass uns nicht zehn Stadt nehmen. Es gibt fünf Mal, wo ich mehr kleine Kerben, mehr kleine Rillen, mehr kleine Details um die Fenster herum hinzufügen mehr kleine Kerben, mehr kleine Rillen, und dieses Detail wirklich herausziehen und diesen Mittelpunkt wirklich schaffen werde -Pumpe. Es gibt einige leichte Anpassungen an der Mondposition, der Position der Monde. Und ich wollte wirklich nur sicherstellen , dass die Komposition in diesem Stadium ausgeglichen anfühlt. Und dann füge ich noch ein paar zusätzliche Liniengewichte und einige der Vordergrundelemente hinzu. Und ich gehe auch hinein und füge einige Wolken im Hintergrund hinzu, nur um ein bisschen mehr Atmosphäre in die Szene selbst zu bringen. Am Ende des Tages habe ich eine aufgeräumte Umgebungszeichnung, die eine bestimmte Szene beschreibt , die auf der Vision basiert , die ich ursprünglich hatte. Und es ist zum Tragen gekommen, all diese Tools und Kompositationstechniken zu verwenden , die wir gelernt haben , als wir diesen Workflow durchlaufen haben. Am Ende dieses Moduls befindet sich eine Aufschlüsselung all dieser Schritte , die wir befolgt haben, um zu diesem letzten Teil zu gelangen. Und ich ermutige Sie wirklich, diesen Workflow zu lernen und ihn als Ihren grundlegenden Workflow zu verwenden, in dem Sie Ihre eigene Subjektivität in eigener Intuition nutzen können , um ihn nach Bedarf zu ändern. Denn natürlich können wir alle Teams ein bisschen anders arbeiten. Es gibt auch eine Vollversion dieses speziellen Aufräumschritts, in der Sie das Ganze von Anfang bis Ende in Echtzeit beobachten können . Das steht Ihnen also auch in diesem Modul zur Verfügung. Wenn Sie den gesamten Bereinigungsprozess beobachten möchten. Das ist das Ende dieser Lektion. Wir sehen uns im nächsten Modul. 38. Modul 5.1 Dr. Vigyl's Lab mit Kommentaren: Willkommen zu dieser Zeitraffer-Demo mit Kommentaren, wir werden uns eine innere Perspektivszene ansehen . Und dieses wurde mit einigen Photoshop-Tools durchgeführt , um das anfängliche Perspektivraster einzurichten . Einige arbeiten hier an der endgültigen Bildgröße. Und wir haben einen Zwei-Punkt mit der Horizontlinie gesehen. Wir setzen unsere linken und rechten Fluchtpunkte ein. Dann versuche herauszufinden, welche Art von Komposition ich will oder wie ich möchte , dass der Fluss sein soll, da eher eine S-förmige Art mehr visuelle Schleife fließt. Und dann zeichne einfach das grundlegende Layout des Raumes. Also haben wir hier in die Ecke eines Zimmers geschaut. Und ich fange an, einige der Elemente zu schruppen, die ich brauche. Die Visualisierungsphase für dieses Stück ist ziemlich merkwürdig, war es vor Jahren, vor vier oder fünf Jahren. Dies war eine Szene , in der ich eine Art futuristische, aber ein bisschen verrückte Wissenschaftler-Stimmung zeichnen wollte Art futuristische, aber ein bisschen verrückte Wissenschaftler-Stimmung zeichnen . Wo wir viele elektronische Geräte und Geräte haben, viel Experimente ein bisschen lässige Stimmung in der Szene. Ich verwende hier viele vertikale Linien , nur um herauszufinden, wo ich Elemente platzieren soll , hilft mir nur, das 3D ein bisschen besser zu sehen und zu fühlen. Und dann verwende ich die perspektivischen Linien, um Grundformen zu zeichnen und dann kleine, kleine Detailangaben zu den Rohformen selbst hinzuzufügen kleine, kleine Detailangaben . Sie können oft sehen, dass es immer damit beginnt, einen Basisblock zu machen , bevor dieser grundlegende 3D-Block in etwas dynamischeres verwandelt wird in etwas dynamischeres verwandelt wenn wir den Formen Kurven hinzufügen oder fügen Sie diesen Formularen einige indikative Details hinzu. Was ich haben wollte, war das Hauptexperiment als Schwerpunkt. Und dann hatte dieses Display auf der Seite hier darauf hingewiesen. Und die Lavalampe als eine Art extremes Vordergrundelement zu verwenden . Das hindert unsere Augen davon ab nach rechts von der Seite zu driften. Es funktioniert auch als visueller Zeiger. Schauen Sie uns das Hauptexperiment an , das dort drüben stattfindet. Beim Zeichnen der Szene musste ich viel über Elemente nachdenken , die logischerweise in einer Laborumgebung liegen würden. Zum Beispiel Lüftungsöffnungen, vielleicht Notfallsysteme, die Verkabelung, die Steckpunkte, die Computer, jede Art von Spezialausrüstung die sich in der Szene befinden können. Natürlich ist die Phase der visuellen Forschung äußerst wichtig , um Ihnen dabei zu helfen , Dinge hinzuzufügen, an die Sie nie gedacht hätten in die Szene zu setzen, weil Sie anfangen zu realisieren, besonders ich Als ich eine solche Szene machte, wurde festgestellt, dass Ihre visuelle Bibliothek manchmal extrem begrenzt sein kann, insbesondere in Bezug auf Dinge, mit denen Sie nicht vertraut sind. Ich stehe nicht so sehr auf Wissenschaft. Also für Labore schätze ich. Und so hatte ich nicht wirklich die starke Bibliothek von Laborgeräten im Kopf. Und so musste ich mir einfach ein paar Bilder von Labors ansehen und einige der Geräte und Geräte sehen , die da drin waren, und versuchen, einige dieser Ideen am besten in die Szene zu integrieren einige dieser Ideen am besten in so wie ich es könnte. Während ich diesen Workflow durchlaufe, denke ich über alle Workflow-Schritte nach. Man hat viele Objektüberschneidungen, insbesondere mit einer Innenszene, in der wir in gewisser Weise nicht viel Distanz haben, mit der wir spielen können. Wir können nicht weit in den Hintergrund wie wir es bei einer Außenszene können. Daher sind Objektüberlappungen in Innenszenen sehr wichtig , um uns zu helfen, dieses Gefühl von 3D zu bekommen. Gleichzeitig skaliere ich einige Objekte und wir haben viele Objekte in relativer Größe, um dem Betrachter zu helfen , die Größe der Szene zu verstehen. Also habe ich die Kaffeetasse neben das Display gelegt , weil sie uns ein Gefühl gibt, okay, das ist eine Kaffeetassengröße. Man bekommt die Vorstellung von der relativen Größe eines Menschen, die in der Szene stehen würde. Und so hilft es dem Betrachter, seine Größe in Bezug auf die Szene zu verstehen . Viele der Formen basieren natürlich grundsätzlich auf der Perspektive. Aber ich mache das grobe lose Zeichnen hier. Ich flügele ein paar Dinge, aber es ist ein Flügel, das auf der Perspektive selbst basiert. Die Dinge sind natürlich nicht messbar explizit, wissen Sie, 100% genau. Das Wichtigste ist, dass die Dinge gut lesen und Sie sehen werden, ich werde mich mit Dingen herumspielen, Dinge zeichnen, Dinge neu zeichnen, weil sie sich in der Perspektive richtig fühlen und richtig aussehen müssen in der Perspektive richtig fühlen und und das perspektive. Ich hatte viel Spaß beim Hinzufügen dieser Elemente, aber gleichzeitig denke ich, dass ich sehr bereut habe, wenn es um die Aufräumphase ging, weil dieses Stück wirklich etwa sechs oder sieben Stunden gedauert hat, Ich denke, um das ganze Stück aufzuräumen, hat es sehr lange gedauert, einfach weil ich so viele Details eingezeichnet hatte. Natürlich ist der Weg , nicht so viel sauberer zu machen , nicht weniger Details zu zeichnen, sondern mehr Elemente zu implizieren, nicht jedes einzelne Objekt auf ein sehr hohes Detaillierungsniveau zu zeichnen . Halten Sie die Dinge einfacher, halten Sie die Dinge einfacher. Halten Sie die Mengen der Dinge weniger. Und versuchen Sie, eine Menge Sachen in einem Raum zu implizieren , ohne tatsächlich jedes einzelne Element rendern und explizit zeichnen zu müssen. Während ich weiter zeichne, denke ich darüber nach, wie ich die Szene wirklich erweitern kann. Zeichne ein paar coole Dinge, erstatte einige Dinge zurück, die ich bereits getan habe. Erstelle wirklich ein sehr cooles Labor. Ich möchte, dass sich das Labor cool anfühlt. Und wenn Sie ins Labor gehen würden, wäre es ein lustiger Ort für Sie, mit den Zifferblättern und Knöpfen zu spielen und all diese interessanten Ausrüstungsgegenstände zu erkunden all diese interessanten Ausrüstungsgegenstände , die in der Szene erscheinen. Natürlich verwende ich diese Workflow-Grundlagen während alles, was wir gelernt haben, in irgendeiner Weise in dieses Stück implementiert wird . Und wenn ich fertig bin, erstelle ich eine neue Ebene. Und ich gehe rein und fange an, die klaren Linien zu machen. Wie ich schon sagte, das hat extrem langfristig gedauert. Ich denke, jede Szene mit vielen von Menschen geschaffenen Objekten wird ziemlich lange dauern, denn manchmal kann man es ziemlich lange dauern, denn manchmal zu sehr abkürzen, um ein bestimmtes vom Menschen geschaffenes Objekt zu beschreiben nicht zu sehr abkürzen, um ein bestimmtes vom Menschen geschaffenes Objekt zu beschreiben. Man muss tatsächlich hineingehen und diese besonderen Dinge einziehen. Machen Sie viele der geraden Linien freihändig, einige wichtige gerade Linien. Ich benutze das Linienwerkzeug, um einfach ein schönes, sauberes Lineal wie eine Linie zu bekommen. Und wenn Sie versuchen, die Ellipse freihändig zu machen, kann es oft ein paar Versuche machen, wenn Sie versuchen, die klare Linie zu machen, aber machen Sie es einfach weiter. Und je mehr Sie Zeichnen und Freihandellipsen üben, desto besser können Sie Freihandellipsen zeichnen. Effektiv folgt der Aufräumschritt wie zu erwarten, eine Art von Vorsicht, um darüber nachzudenken, welche Dicke von Linien ich dort platziere, wo in der Szene wir einen Vordergrund haben, Mittelweg und Hintergrund mit dem Hintergrund in dieser Art von Szene, in der inneren Szenenart wie dieser ist es ein sehr kleiner Prozentsatz eines Hintergrunds. Es sind nur die Dinge, die sehr weit in der Ecke liegen. Dinge, die auf der Welt darüber hinaus sind, vielleicht etwas, das diesem Fenster hinter dem Hauptexperiment hier drüben liegt. Und so werde ich jedes Element mit einer Schablone bereinigen , zum Beispiel verwende ich das Kreiswerkzeug, um eine perfekte Kreisform zu erhalten. Und ich werde dieses Stück durchgehen, aufräumen, ordentlich sein, professionell sein und offensichtlich auch kontinuierlich über die Komposition nachdenken. Während ich mich durch dieses Stück bewege, schaue ich mir das Gesamtbild des Stücks an und versuche alles wirklich, wirklich gut und ordentlich und sauber aussehen zu lassen. Und dann füge ich zum Schluss Landgewichte hinzu. Ich lasse den Rest dieses Highspeed-Toms durch, lass uns durchspielen, damit du den Workflow sehen kannst. Und wir sehen uns in der nächsten Demo mit Kommentar. 39. Modul 5.2 Stadt auf einem Hill mit Kommentar.: Willkommen zu dieser Zeitraffer-Demo für die Schlüsselstadt auf einem Hügel. In diesem Stück werde ich effektiv eine Stadt auf einem Hügel zeichnen . Und das ist eine Fantasy-Szene, in der wir eine sehr große Umgebung haben , mit der wir es zu tun haben. Ein anfängliches perspektivisches Raster ist für die endgültige Bildgröße eingerichtet . Ich verwende das Götterwerkzeug in Photoshop, und ich verwende auch das Polygonwerkzeug um die Rasterlinien sehr schnell zu erstellen. Und dann gehe ich direkt ins Rough. Jetzt habe ich eine Lektion für Sie, mit der Sie diese Tools in Photoshop verwenden können, die Sie im Bonus finden. Dieser Abschnitt. Könnte bemerken, dass ich den kompositorischen Schritt, den wir hier in unserem Workflow gemacht haben, nicht den kompositorischen Schritt, den gemacht habe. Ich mache es tatsächlich. Ich mache es nur in meinem Kopf. In diesem speziellen Stück. Ich wusste, dass ich die Stadt hier als Hauptschwerpunkt haben wollte und die Drittelregel haben wollte, dass wir diesen Brennpunkt an diesem dritten Schnittpunkt ersetzen . Und was ich also tue, ist effektiv, zuerst die großen Formen aufzubauen , den großen Block in Formularen und die größte Art von Hauptformen, die sehen können, dass es keine Definition gibt keine Definition diese Strukturen an dieser Stelle. Das sind nur eine Art von Blöcken. Diese spezielle RAF war eigentlich ziemlich schnell zu erledigen weil sie an sich nicht viele Elemente in dem Stück waren . Der komplexeste Teil dieses Stücks war diese Art von Mauern in der Stadt und der Rest der Szene ist effektiv nur Umgebung. Und so fange ich an, meinen Vordergrund -, Mittelweg- und Hintergrund-3D-Räume zu definieren . Gleichzeitig denke über die Komposition nach und wie ich Auge des Betrachters auf diesen Schwerpunkt lenken kann. Ich gehe diesen Weg ein. Und dieser Weg ist ein Werkzeug , mit dem ich anfange, um ein Gefühl für das Ausmaß der Dinge zu bekommen, indem eine Tasche kleiner habe, wenn sie in die Ferne geht, auch die Augenkomposition des Betrachters in den Mittelpunkt lenken. Und dann zeichne eine Linie an der Horizontlinie. Ich muss dem Betrachter wirklich ein Gefühl dafür geben , dass die Grundebene Anionen in der Ferne sind. Fügen Sie nun den Fluss auch auf der rechten Seite hinzu. Geh und füge dort eine Art Wasserstraße in die Stadt, nur um ein bisschen mehr Kontext dafür zu geben , warum dieser Fluss sein könnte Es könnte nur einen Fluss geben, der durch die Stadt geführt hat und die Stadt kanalisiert sich gerade durch die Stadt selbst. Und ich definiere hier wieder einige der Vordergrundbereiche. Bewegen Sie sich in den Hintergrund, seien Sie sogar im Rough. Ich verwende letztere Zeilen für diese Hintergrundberge. Ich verwende Linienüberlappungen, um wirklich zu zeigen , dass es zwei Seiten gibt und dass es sich überlappende Objekte und mehrere Objektüberlappungen gibt. Irgendwann um diesen Punkt stelle ich fest, dass ich einige zusätzliche Schwerpunkte benötigen werde. Ich denke, das Stück hat mit nur einem Schwerpunkt hier gut funktioniert . Aber ich wollte wirklich ein paar zusätzliche Elemente einbringen , nur für etwas zusätzlichen Geschmack in das Stück. kann sehen, dass ich hier zwei Vogelarten benutze. Ich habe die größte Vogelgruppe auf der linken Seite als einen meiner sekundären Schwerpunkte platziert . Und da die meisten grundlegenden Elemente der rauen Notaufnahme und ich anfangen, einige grobe Details und einige andere grobe Elemente hinzuzufügen . Hier stelle ich Bush einen extremen Vordergrund , nur um den Betrachter zu platzieren. Es könnte ein Busch sein, es könnte ein Haufen Bäume sein. Es ist, es soll vager sein, was es tatsächlich ist, nur damit wir wirklich darüber hinausschauen können. Es ist nicht da, um angeschaut zu werden. Es ist da, um vorbeigeschaut zu werden, damit wir den Betrachter dazu bringen können , sich auf den Hauptpunkt zu konzentrieren, die wichtigste kommunizierte Botschaft dieser Zeichnung. Ich habe die Figur da reingelegt. Die Vögel helfen uns auch, ein Gefühl für das Ausmaß dieses Stücks zu bekommen . Ich spiele schließlich mit der Skala der menschlichen Figur, nur um sicherzustellen, dass ich das Gefühl habe, dass die Skala dem Betrachter gut vorliest. Ich fange wirklich an zu fühlen, als bräuchte ich etwas mehr in der Szenenkomposition und zum Essen. Also füge ich irgendwann zwei Bäume zur unteren linken Seite des Bildes hinzu. Und diese haben wirklich dazu beigetragen, den Fokus des Betrachters in der Szene zu behalten den Fokus des Betrachters in und eine schöne visuelle Schleife des Baumes zu schaffen. Also die Last und die Vögel in die Stadt und schleifen wirklich zurück mit einem Weg und dem Fluss zurück zu diesen Bäumen. Ich stecke an dieser Stelle wirklich fest und füge der Stadt noch weitere grobe Details hinzu. Und der Trick besteht darin, zu versuchen die Skalierung korrekt zu machen, weil Sie nicht möchten, dass die Gebäude zu klobig aussehen oder als wären sie dem Betrachter zu nahe. Oder wenn dies eine seltsame Miniaturstadt oder eine Art gefälschte Stadt ist Miniaturstadt oder eine Art , die mutigere Fassade einer Stadt auf dem Hügel war , oder? Es muss wie eine Aktivität aussehen. Riesige skalierte Stadt. das Stück vergrößere, während ich einige dieser zusätzlichen groben Elemente einziehe, kann ich im Kontext zeichnen. Also denke ich immer im Kontext des Gesamtstücks nach. Manchmal, wenn Sie hineinzoomen, kann es ein großes Problem sein, dass Sie anfangen, Dinge zu detaillieren und die Perspektive auf eine bestimmte Weise zu verwenden in der Sie nicht im Kontext des gesamte Komposition. Und so kann das Ding, das Sie vergrößert und auf ein gutes Level gezoomt haben , gut aussehen, wenn es vergrößert wird, aber wenn Sie herauszoomen, passt es möglicherweise nicht in das gesamte Stück. Deshalb ermutige ich Sie immer, sich größtenteils darum zu bemühen und herauszuzoomen. Oder wenn Sie auf Papier zeichnen, immer den gesamten Kontext des Bildes im Auge behalten. Gehen Sie nicht in einen kleinen Abschnitt und gehen Sie in diesem Abschnitt heißer zeichnen Sie immer den Kontext des Gesamtbildes. Ich fange an, ein paar zusätzliche Linien und Elemente hinzuzufügen, nur um der Szene etwas Textur zu verleihen. Ich habe diese dreieckigen Berge gewissermaßen benutzt , um einige Überlappungen zu erzeugen, einige Linien, um die Ebenheit des Bodens und der Bereiche zu zeigen. Und was diesen Torbogen angeht, so ich wirklich konsequent Mühe, ihn gut lesen zu lassen, und ich habe einige wesentliche Änderungen daran vorgenommen , weil ich irgendwann das Gefühl hatte, den Torbogen zu haben Gesicht im Gegensatz zum Hintergrund, es funktionierte nicht wirklich gut Komposition. Und es war weniger interessant als den Torbogen mit uns konfrontiert zu haben. Sie werden also sehen, dass ich erwähnt habe, dass wir diesen Torbogen entwickeln , um uns zu begegnen, damit wir uns wie ein Betrachter fühlen, wir können diesen Weg entlang gehen und schließlich die Stadt selbst betreten, was viel aufregender ist der Torbogen die Art unscheinbarer rückwärts gerichteter Eingang in die Stadt ist. Du kannst mich sehen, sie skalieren die kleine Kerl-Silhouette eines Charakters dort neu . Und das ist nur um zu versuchen, die Waage gut zu lesen, ich habe auch ein paar andere kleine Leute auf dem Weg nur ein bisschen weiter zurück. Es soll uns helfen, ein Gefühl dafür zu bekommen , wie groß diese Umgebung ist. Sie können sehen, dass ich angefangen habe, sich wiederholende Formen dieser Bäume zu verwenden . Wiederholen Sie sie und skalieren Sie sie wieder in der Ferne, damit wir dieses Gefühl von Tiefe bekommen. Und was ich hier mit diesen beiden Vordergrundbäumen mache, ist natürlich, sie in einen tertiären Schwerpunkt zu mit diesen beiden Vordergrundbäumen mache, ist natürlich verwandeln. Und das kann uns helfen, in die Hierarchie einzusteigen. Führe den Betrachter zum Hauptpunkt des Bildes , der Stadt auf dem Hügel. Lieben Sie den Hintergrund des Bildes zeichnen auch noch kleinere Bäume. Und es ist diese Wiederholung von Objekten in die Ferne, aber das Scannen kleiner. Wiederholen von Shapes. Wiederholen der Objektüberlappungen, haben mehrere Objektüberlappungen in der Szene, aber die Bäume im Vordergrund überlappen den Pfad. Wir haben die Berge die Berge hinter ihnen überlappen usw. Wir haben diese Elemente, Wir haben diese Elemente die wir in unserem Workflow kennengelernt haben. Dies sind Ihre Kernwerkzeuge denn letztendlich mit einer Umgebungsszene, ob innen oder außen, versucht, den Betrachter davon zu überzeugen, dass es tot ist, fair? Das ist in einer Welt, oder? Dies ist ein Raum. Und so gehe ich dann in die Verfeinerungsstufe. Und noch einmal denke ich über Liniengewichte und die Linienstärke nach, basierend auf der Position des Raums von Elementen. Geh hier nah dran, wenn ich aufräume, weil ich natürlich etwas Genauigkeit und ein paar lustige Details in dieser Zone will . Und ich werde ziemlich viel Zeit damit verbringen, an diesem speziellen Schwerpunkt zu arbeiten , weil ich die Stadt lesen muss während ich nach oben schauen musste und auch einige Änderungen vornehmen muss hier wirst du sehen, wie ich es durchgehe, denn ich möchte, dass die Stadt im richtigen Maßstab ist. Und es kann schwer sein, wenn Sie versuchen , Ihre Skalierung richtig zu machen, das werden Sie feststellen. Skalierung ist eines der Dinge, mit denen Sie spielen müssen , während Sie Ihr Bild machen , damit es richtig aussieht. Also gehe ich noch einmal durch das Stück, strebe nach klaren Linien, strebe nach Professionalität und bin locker. Ich mache hier viele freie Handgeraden. Verwenden Sie das Linienwerkzeug ein wenig für die Hauptform von Formularstrukturen. In der Regel können Sie jedoch viel schneller sein , wenn Sie die Seite drehen und nur diese geraden Linien der freien Hand machen. Und ich gehe durch das Stück, bereinige jedes Element und mache kompositorische Änderungen, bei denen ich sicherstellen muss , dass das endgültige Bild wirklich gut liest, gut aussieht und extrem ansprechend ist für den Betrachter. Ich überlasse es dir, den Rest der Aufräumphase zu beobachten. Und das ist das Ziel des Stammes oder Kommentars. Okay. Okay. Richtig. 40. Schlussbemerkung zum Kurs: Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss des Kurses. Ich hoffe, es war eine großartige Erfahrung für Sie und erweitern Sie Ihren Geist auf das, was mit einer soliden grundlegenden Perspektiventheorie möglich ist mit einer soliden grundlegenden Perspektiventheorie wenn Sie das erste Mal durch den Kurs sind und wirklich empfehlen, zu gehen zurück und überarbeiten alles, von dem Sie glauben, dass Sie es nicht vollständig verstehen. Und auf jeden Fall Aufgaben erledigen, insbesondere in Bezug auf die Perspektive TBS, um sicherzustellen, dass Sie sich wirklich darüber im Klaren sind, wie jeder dieser potenziellen Typen verwendet und angepasst werden kann , um die Welt zu schaffen das brauchst du. Vielen Dank, dass Sie den Kurs absolviert haben. Ich hoffe, es war ein Fünf-Sterne-Erlebnis für dich. Ich bin immer offen für Anregungen und Feedback. also gerne Kontakt mit mir auf, egal ob in den Online-Communities oder direkt per Nachricht oder E-Mail. Sie haben jetzt die Werkzeuge, die Sie benötigen, um Welten, Innenräume, Außenbereiche, Landschaften, Umgebungen und Szenen zu erstellen Innenräume, Außenbereiche, Landschaften, . Geh weiter und erschaffe. Und wenn du mich brauchst, bin ich gleich hier bei dir. Also lass es mich einfach wissen. Prost. 41. Bonus: Perspektivraster zum Zeichnen von Shortcuts in Photoshop: Hey Leute Scott hier. Und in diesem Video zeige ich Ihnen, wie Sie schnell und einfach perspektivische Raster und Horizontlinien für Ihre Umgebungsstücke und alle Arbeiten erstellen perspektivische Raster und Horizontlinien für Ihre Umgebungsstücke und Ihre Umgebungsstücke und können, bei denen Sie ein perspektivisches Raster benötigen. Das Wichtigste zuerst, dass Sie die Lineale in der Photoshop-App benötigen. Wenn Sie auf Control R klicken, können Sie diese Lineale ein- und ausschalten. Wenn sie also ausgeschaltet sind, drücken Sie Control R und bringen Sie sie hoch. Sobald die Regel aktiviert ist , können Sie horizontale und vertikale Linien daraus ziehen horizontale und vertikale Linien daraus indem Sie einfach auf das Roulette klicken und ziehen. Und du bekommst eine türkisfarbene Richtlinie, genau wie die, die du hier siehst. Wenn Sie die Kontrolle drücken und den Mauszeiger über die Richtlinien bewegen, können Sie die Richtlinien oder Docket wieder in die ursprüngliche Position verschieben. Ich verwende hier die horizontale Vorlage für die Umgebungsmalerei . Lassen Sie uns also mit dieser Vorlage schnell ein Raster erstellen. Also ziehe ich eine Richtlinie nach unten, um meine Horizontlinie zu sein. Und dann füge ich die Rasterlinien ein. Und um das zu tun, verwenden wir das Polygonwerkzeug, das hier drüben dieses Werkzeug ist. Es kann auf Ihrem Bildschirm anders aussehen wenn Sie klicken und gedrückt halten, es könnte wie das Rechteckwerkzeug aussehen. Klicken und halten Sie einfach das Rechteck-Werkzeug gedrückt und wählen Sie das Polygonwerkzeug aus. Und dann gibt es nur ein paar Einstellungen, die wir ändern müssen, bevor wir mit dem Zeichnen auf unseren Rastern beginnen können. Das erste ist, dass Sie sicherstellen müssen , dass die Sod Xboxes 99 sagt. Klicken Sie dann auf das kleine Zahnradsymbol. Stellen Sie sicher, dass sich nichts im Radius befindet. Glatte Ecken sind deaktiviert. Stern wird überprüft. Seiten einrücken nach ist auf 99 Prozent festgelegt , und glatte Einrückungen sind deaktiviert. Sobald dies erledigt ist, ist es gut, Rasterlinien in verschiedenen Farben zu haben , die Ihnen helfen , leicht zu erkennen, insbesondere wenn Sie vergrößert werden oder an einem Teil des Stücks arbeiten, welches Raster Linie repräsentiert welchen Fluchtpunkt? Ich entscheide mich für Rot. Und wir werden unseren ersten Fluchtpunkt einsetzen. Was ich mache, ist, dass ich einfach einen Punkt irgendwo in der Horizontlinienrichtlinie auswähle . Und ich ziehe mich heraus und ziehe sicher , dass ich ziemlich weit über die Grenzen hinausziehe , weil die Lungen dadurch Veränderungen verursachen, um sich zu verjüngen und ein wenig zu verblassen. Und dann richte ich die Sternform oft an der Horizontlinie aus. Und dann haben wir unseren ersten Fluchtpunkt. Ich wähle eine andere Farbe aus, sagen wir grün. Und dann wähle ich einen Punkt auf der Horizontlinie aus. Klicken und ziehen und ziehen Sie einen weiteren Stern aus diesem VP heraus. Ziehen Sie auch außerhalb der Grenzen. Lasst los. Und dort habe ich ein Top-Down-Raster für mein Umweltstück. Also eine sehr schnelle und einfache Möglichkeit, ein perspektivisches Raster zu erstellen. Jetzt können Sie dies auch mehrmals tun. Verwenden wir die dreistufigen Photoshop-Vorlagen für Umgebungsdesigns und tun Sie das Gleiche hier. Was ich tun werde, ist, dass ich auf Horizontlinien klicke und ziehe. Lasst uns eine steigende Linie hineinlegen. Lasst uns eins hierher stellen. Und vielleicht in diesem Schuss, Bottom Shots, Es ist wirklich von oben nach unten und du wirst nicht einmal den Himmel sehen. Dann kann ich verschiedene Ebenen benutzen. Für jeden einzelnen. Ich nenne das gut. Und ich stelle sicher, dass mein Polygonwerkzeug ausgewählt ist. Und ich werde die Fluchtpunkte in diesem Raster definieren. Wählen Sie grün oder welche Farbe auch immer. Verwenden wir Türkis, diesen, und definieren meinen zweiten Fluchtpunkt. Und jetzt habe ich ein nettes Raster auf einer einzigen Ebene für die Szene. Das Gleiche kann für alle drei getan werden. Natürlich machen Sie sie auf verschiedenen Ebenen, weil Sie nicht möchten, dass das erste Bildebenraster den zweiten und den dritten Bildplan überlappt . So tun sie sicherlich verschiedene Ebenen und dann können Sie die Ebenensichtbarkeit für jeden einzelnen ein- und ausschalten, während Sie sie erstellen. Eine letzte Sache bevor ich gehe. Es kann ein bisschen schmerzhaft sein, tatsächlich Control zu drücken und die Horizontlinie ständig zu bewegen. So könntest du deine eigene Horizontlinie einzeichnen. Oder was Sie tun können, ist zum Menü „Ansicht“ zu gehen. Gehe runter, um die Anzeige zu zeigen und dann die Anleitung aufzuheben. Und Gottes Wille wird nicht mehr gezeigt, aber sie sind immer noch im Projekt. Du klickst erneut auf „Anzeigen“ und du gehst wieder zu zeigen. Du kannst dann die Götter auswählen und sie werden es wieder zeigen. Dafür gibt es auch eine Verknüpfung im Menü „Ansicht“. Und du kannst das an einen Schlüssel binden. Also ist es Control plus Semikolon. Großartig, ich hoffe, das war euch nützlich. Und so erstellen Sie im Wesentlichen einfache perspektivische Raster für alle Arbeiten, in die Sie eine Perspektive benötigen.