Lippensynchronisation ausdrucksstarker Figuren: Animieren von Emotionen und Körpersprache

1. [NEU] Einführung: Rede ist Kultur, Persönlichkeit, Leben. Wenn du deinen animierten Charakteren Leben einhauchen willst , bist du hier genau richtig. Hallo, ich bin Vera. Ich bin Animatorin und Illustratorin aus Deutschland. Ein Großteil der Inspiration für meine Kunst kommt von allem Rollenspiel, wie LARP-Events und vielen D & D. Für diese Art von Rollenspielen ist es wichtig, glaubwürdige Charaktere zu schaffen. Ich gebe meinem Charakter Tiefe und Dimension indem ich nach innen schaue und mich frage, welche Art von Erfahrungen diese Person geformt hat und wie zeigt sich das nach außen? Neben offensichtlichen sichtbaren Elementen ist vieles davon die Einstellung und wie sie mit anderen sprechen und interagieren. In dieser Klasse lernen Sie, wie Sie dies auf einen animierten Charakter anwenden können. Die Schritte, die wir gemeinsam unternehmen werden, gehen über das technische hinaus und direkt in den Kern von Sprache und Körpersprache. Was machst du da? Keine echte Person redet so oder vielleicht tun sie es, aber dann würde ich annehmen, dass ihnen etwas Schreckliches passiert ist. Was machst du da? Unser Ton, unsere Körpersprache und unser Gesichtsausdruck vermitteln viel Bedeutung. Was machst du da? Wir analysieren verschiedene Arten, diesen einen Satz zu sagen. Jeder wird einen anderen Aspekt der Stimmung und Manierismus des Individuums hervorheben der Stimmung und Manierismus des Individuums und wie diese in Gesten und Mimik dargestellt werden . Wir beginnen mit einer Einführung in handelnde Prinzipien, damit Sie etwas besser verstehen , wie Sie Sinn und Persönlichkeit in die Art und Weise einbringen können, wie jemand spricht. Wir werden Wörter mehr wie Formen und Klangstücke verstehen als ihre Rechtschreibung. Auch was macht einen Charakter trotz generischer Mundformen einzigartig. Es ist an der Zeit sich anzusehen, was sie anders macht. Zeigen sie ihre Zähne? Was macht das Gesicht, wenn es spricht , wenn man sich selbst synchronisiert. Ich mache das in Photoshop. Dies ist jedoch keine Softwareklasse. Verwenden Sie also alle Tools, mit denen Sie sich wohl fühlen. Während einige Kenntnisse über Animation oder Illustration hier sicherlich von Vorteil sein können, würde ich diese Klasse immer noch jedem von Mittelstufen oder Anfängern empfehlen, der eine brennende Neugier darauf Mittelstufen oder Anfängern hat Verschieben von Linien. Egal, ob Sie ein Hobbyist oder ein Profi sind, wenn Sie mehr über Animation erfahren, mehr über Animation erfahren erhalten Sie ein neues Verständnis von Charakterdesign, Storytelling und Dimensionen. Um alles einfacher zu machen, checken Sie meine Ressourcen aus. Du könntest dein eigenes Charakterdesign erstellen oder du gehst direkt zum Animieren und benutze einfach meins. Am Ende dieses Kurses können Sie jede beliebige Dialogzeile auf jeden Charakter anwenden . Ich freue mich darauf, neue Charaktere mit Einstellung im Klassenprojekt kennenzulernen . Lasst uns auf dieses Abenteuer gehen. 2. Kursprojekt: Klassenprojekt; ebnen Sie Ihre Kunst, indem Sie mitnehmen. Animation kann ein bisschen entmutigend erscheinen. Das weiß ich aus Erfahrung. Aber ich selbst habe herausgefunden, dass es, wenn du anfängst , eigentlich nicht so schwer ist. Ich hoffe, ihr werdet die gleiche Offenbarung haben. Ich werde Sie in den folgenden Lektionen einleiten und möchte Sie einladen, die Schritte mit mir zu befolgen und sie bei uns anzuwenden. Was ich in Ihrem Klassenprojekt gerne sehen würde, ist folgendes : Ein Charakterdesign, das für Animationen geeignet ist. Dies kann von einem ursprünglichen Charakter von Ihnen sein, den Sie zum Leben erwecken möchten, oder Sie können das mitgelieferte Briefing verwenden, um in meine Fußstapfen zu treten. Bitte seien Sie nicht schüchtern, Ihre Skizzen, Ausdruckblätter und Gestenzeichnungen auch einzuschließen . Ein Blatt Mundformen, entweder in einer generischen Form, die zeigt, wie Sie sich der Vereinfachung nähern, oder Mundformen, die ein Modell für Ihr Charakterdesign sind. Eine animierte Lippensynchronisierung. Dies kann so einfach oder so komplex sein, wie Sie es wollen. Sie können ein einfaches Smiley-Gesicht als Übung animieren, oder Ihren Charakter in ihrer ganzen Pracht. Wählen Sie, was sich herausfordernd, aber realisierbar für Sie anfühlt. Fühlen Sie sich frei, einen der mitgelieferten Voice-Overs zu verwenden oder eine eigene Zeile aufzuzeichnen. Ich möchte, dass Sie sich für diese Herausforderung ermutigt und engagiert fühlen. Ich bin zu 100 Prozent sicher, dass du es schaffst. Jeder Schritt des Weges kann sich schwer anfühlen, aber es wird Ihnen ein großes Gefühl der Leistung am Ende geben. Seien Sie strukturiert über Ihren Ansatz, schauen Sie sich die Referenz an, machen Sie Pausen und vor allem Spaß. In der ersten Lektion werden wir mit dem Erstellen eines Charakterdesigns für die Animation beginnen. 3. Figurendesign: Charakterdesign, wie man es aus Sicht der Animation nähert. Bevor wir in das unheimliche Zeug springen, brauchen wir einen Charakter, in den wir Leben einhauchen können. Sie können einen eigenen Charakter verwenden, Sie bereits erstellt haben, oder Sie können von Grund auf neu beginnen. Mein Design basiert auf dem gleichen Charakter, den ich in meiner ersten Skillshare Klasse über Animation verwendet habe , die Sie in der Beschreibung verlinkt finden können. Dieses Briefing ist optional, damit Sie mitverfolgen können. Die Figur ist ein Koboldmädchen. Sie lauert oft im Schatten und kann Menschen mit ihrem zerklüfteten, animalistischen Aussehen und ihrer Wildheit erschrecken , aber sie ist liebenswert und freundlich im Herzen. Es ist immer gut, nach Referenz zu suchen. Ich mag es, auf Google oder Pinterest zu gehen und nur einige direkte Assoziationen zu zerschlagen, die ich in meinem Kopf habe, und dann sammle ich, was kommt. In diesem Fall tippte ich Goblin, achtjähriges Mädchen, Schurke, wütende Katze, so was. Mit einem Bezugspunkt, von dem aus gezählt werden kann, können Sie ins Skizzieren Ihrer Ideen springen. Aber halten Sie Ihre Pferde, das wird für die Animation sein. Ich habe ein paar Hinweise für Sie, die Ihnen während dieses Kurses helfen werden, mitzumachen. Dies sind einige Schlüsselprinzipien, an die ich mich gerne erinnere. Solide Zeichnung, das bedeutet, versuchen Sie, die Art des Denkens von flachen Formen zu 3D-Formen zu verschieben, und denken Sie immer an Volumen, Gewicht und Balance. Denken Sie an den Körper Ihres Charakters als eine Reihe von einfachen Formen im dreidimensionalen Raum, und brechen Sie ihn auf, um es besser zu verstehen. Wenn Sie der Oberfläche mit Linien folgen, können Sie ihre Form und Masse finden , anstatt sich nur auf die Umrisse zu konzentrieren. Bauen Sie Ihren Charakter aus Kugeln, Kisten und Zylindern anstelle von Kreisen, Quadraten und Dreiecken, es wird ihm viel mehr Tiefe geben. Versuchen Sie, sich von der Symmetrie in Ihrem Design zu entfernen, und denken Sie immer daran, Volumen, Gewicht und Balance. Dies wird Ihre Arbeit viel lebendiger und ansprechender machen. Berufung. Dies bedeutet nicht, dass alle Ihre Charaktere attraktiv sein müssen, es bedeutet, dass sie interessant zu betrachten sein sollten. Geben Sie Ihren Charakteren ein dynamisches Design mit Elementen, die ihre Persönlichkeit unterstützen. Sie gelten nicht für jeden Berufungsstandard, aber das ist nicht das Ziel. Der Hauptpunkt ist, dass sie ihren Zweck in dem Kontext erfüllen sollten, für den Sie sie erstellt haben. Hier sind ein paar Tipps, wie man das macht. Bauen Sie Ihren Charakter mit einer Vielzahl von Formen. Verwenden Sie nicht den gleichen Build für jeden neuen Charakter. Umarmen Sie, was jeden von ihnen interessant, charismatisch und einzigartig macht, indem Sie ihre Formen schieben und übertreiben. Spielen Sie mit Proportionen herum. Das Wunderbare an der Animation ist, dass sie die Realität nicht eins zu eins porträtieren muss, sondern die Realität widerspiegelt und das Design, das in der Realität basiert, tendenziell verwandter ist. Der Schlüssel ist, Aspekte zu finden, die die Persönlichkeit Ihres Charakters definieren oder unterstützen und sie zu verbessern, um sie attraktiver und interessanter zu machen. Last but not least, halten Sie es einfach. Übermäßig kompliziert ein Design wird es schwieriger zu lesen und auch super zeitaufwendig zu zeichnen. Sie müssen das animieren, und wenn Sie jede einzelne Zeile bewegen müssen, werden Sie, und vertrauen Sie mir auf diese, verfluchen Sie sich für jede zusätzliche Linie, die Sie in diesem Wunsch gezogen haben. Denken Sie wirklich hart, wenn diese zusätzliche Taste wirklich wichtig für das Design ist oder wenn es weniger, aber größere Tasten nicht die bessere oder intelligentere Idee ist. Ich beginne mit meinem eigenen Charakterdesign für diesen Charakter. Es gab auch für die Animation, aber da dies einen anderen Fokus hat, muss das Design etwas angepasst werden, um meine Bedürfnisse besser zu erfüllen. Ich analysierte meine Arbeit und nahm einige Notizen darüber, was ich als problematisch oder nicht zu gut funktionierte und was mir am allgemeinen Design gefallen hat. Dann fing ich an, mit den Formen und dem Design herumzuspielen. Ich habe ein paar kleine Probleme behoben und ging weiter, um Details herauszufinden. Der kleine Kobold verbirgt gerne ihr Gesicht, damit die Leute nicht zu viel Angst haben, aber brauche ich das wirklich in Lippensenkung? Das ist ein dummer Gedanke, Vera. Sehr redundant, um eine Maske auf diesen Charakter zu setzen. Ich konzentrierte mich viel mehr auf das, was unter der Haube passierte. Sie können sehen, wie ich verschiedene Farben für verschiedene Elemente verwende. Dies hilft mir, sie später zu trennen wenn ich das Modell als Referenz in meiner Animation verwende. Sie können sehen, ich hielt die Gesamtformen sehr nah an dem ursprünglichen Design, aber ich habe ein paar Probleme mit Körperteilen in seltsamen Manieren verbunden behoben, und ich fand heraus, wie der Charakter mit der Haube aus aussieht. Mein Hauptpunkt war jedoch, einen Mund zu haben, der mir ein bisschen mehr Möglichkeiten gibt, wenn es um das Sprechen geht, es ist jetzt viel größer. Sobald ich mit meinem Design zufrieden bin, speichere ich es als JPEG oder PNG, damit ich es als Referenz in meinem Animationsprozess verwenden kann. Ich würde gerne Ihre Charakterskizzen, Referenzblatt und endgültigen Entwurf in Ihrem Klassenprojekt sehen . Um zusammenzufassen, nehmen Sie einen vorhandenen Versuchsplan als Ausgangspunkt oder verwenden Sie das Briefing. Denken Sie daran, Formen mit Tiefe, Balance und Gewicht statt nur Formen zu zeichnen . Erstellen Sie Ihren Charakter mit einem bestimmten Zweck im Auge. Brechen Sie die Dinge in einfache Formen und damit Aspekte Ihres Designs auf, um es attraktiver zu machen. Haben Sie keine Angst, die Dinge zu ändern. Halten Sie es einfach. In der nächsten Lektion werde ich ein wenig über Schauspiel sprechen. 4. Schauspielprinzipien: Handlungsgrundsätze. Jede menschliche Handlung hat einen Zweck. Worte in den Mund eines Charakters zu setzen, ist nur ein Teil des Deals. Darauf werde ich kommen. Aber lassen Sie mich kurz über das Handeln sprechen. Wir als Menschen sind einfühlsame Geschöpfe; unsere Reaktionen sind immer die automatische Reaktion unserer Werte und Erfahrungen. Wenn jemand mit uns spricht, starren wir nicht auf ihren Mund, um besser zu hören, was die Worte sind, die sie sagen, nein, wir nehmen die Person vor uns wahr, analysieren ihre Körpersprache und Gesichtsbehandlung Ausdruck, um alles in einen größeren Kontext zu stellen. Dies zu verstehen und zu vermitteln, ist unsere Aufgabe als Animator. Wir haben kein Ziel, selbst Schauspieler zu sein, weil wir uns vielleicht zu sehr auf den Aspekt der physischen Aktion konzentrieren. Unser Ziel ist es, ein einfühlsamer Regisseur zu sein, die objektive und emotionale Reaktion des Charakters in diesem Moment zu verstehen und Körper und Gesicht in einer Weise zu bewegen, die den Gedanken zeigt. Wir müssen herausfinden, was wir brauchen, um den Charakter zu erzählen, anstatt nur zu sagen. Auch die Persönlichkeit Ihres Charakters spielt dabei eine Rolle. Es wird bestimmen, wie stark ihre visuellen emotionalen Reaktionen sind, ob sie sich in großen oder eher begrenzten Bewegungen bewegen und ob sie zum Beispiel versuchen, das durch Reaktionen zu verbergen. Wenn Sie Menschen in Ihrem Leben studieren und bewusst versuchen, ihre Handlungen und Reaktionen zu verstehen, wird es Ihnen helfen, Ihre Fähigkeiten zu verbessern, um diese auf Ihre animierten Charaktere zu übersetzen. Schauspiel zeigt nur einen sehr selektiven und verdichteten Teil des wirklichen Lebens. Aber es wird Ihren Charakter stärker zurelatable, glaubwürdiger, wenn ihre Handlungen im wirklichen Leben basieren. Zusammenfassend verhält sich Schauspiel glaubwürdig unter vortäuschenden Umständen für einen theatralischen Zweck. Sie den Charakter sichtbar denken, konzentrieren Sie sich nicht auf das Tun. Körpersprache und Mimik vermitteln eine Menge Bedeutung. Die Werte des Charakters und damit ihre Persönlichkeit bestimmen die automatische Reaktion oder Emotion auf ein Hindernis oder einen Konflikt. Als Nächstes, geschrieben gegen gesprochenes Wort. 5. Sprache und Ausdrucksweise: Sprache und Phrasierung, die Musik der Konversation. Jeder Mensch hat seine einzigartige Art zu sprechen. Manche sprechen langsam, manche sprechen schnell, manche sprechen sehr laut, manche sprechen sehr leise, manche zeigen ihre Zähne, während sie reden, und manche bewegen kaum ihren Mund. Nehmen Sie mich zum Beispiel, ich bewege meinen Mund nicht viel, wenn ich spreche, weil ich ein fauler Deutscher bin. Unsere Sprache erfordert nicht wirklich viel Mund- und Zungenanstrengung. Viel Englisch zu sprechen, ist eigentlich ziemlich anstrengend für mich. Aber in jedem Fall haben wir eines gemeinsam. Wir alle öffnen unseren Mund auf Vokale und schließen ihn auf Konsonanten. Dies bedeutet, dass es keine richtige Möglichkeit gibt, die Lippenbewegung eines Charakters anzuzeigen. Es geht darum, die richtigen Vokale und Konsonanten zu treffen, damit sich die Dinge rechtmäßig anfühlen. Vielleicht haben Sie eines dieser Videos da draußen gesehen, wo jemand ein berühmtes Stück Film nahm und eine neue Stimme darauf legte. Sehr oft ist dieser alternative Text total mumbo Jumbo und macht nicht viel Sinn, außer tatsächliche Wörter zu sein. Du weißt, dass Fische dich denken hören können, kurz bevor du niest. Mollig, Chuff, Kumpel. Wer war mollig, Chuff, Kumpel? Aber es funktioniert, weil sie die richtigen Vokale und Konsonanten treffen. Es sieht aus und fühlt sich richtig an. Verkomplizieren Sie die Dinge nicht für sich selbst. Ich weiß, dass es sich ein bisschen entmutigend anfühlen kann, aber der größte Teil davon ist nur Intuition und Beobachtung. Sprechen ist eine Menge wie Musik. Wir schlüpfen über Teile, betonen andere und komponieren etwas, das als Ganzes Sinn macht. Aber genau wie man nicht unbedingt jede Note hört, die auf den Noten geschrieben ist, hört man nicht jeden Teil der gesprochenen Wörter. Wir sprechen nicht jede Silbe perfekt aus. Versuchen Sie, in Wortformen und Klängen anstatt in Worten zu denken. Manchmal laufen sie ineinander. Manchmal gibt es eine Pause in der Mitte eines Wortes , die man nicht erwarten würde, oder eine Betonung, die den Rest überschattet. Dies ist, was in diesem Zusammenhang als Phrasierung bezeichnet wird. immer, lassen Sie mich eine universelle Grundlage für Sie abdecken , die Ihnen helfen wird, Lippensenk-Prinzipien im Allgemeinen zu verstehen, so dass Sie diese nehmen und biegen Sie sie an Ihre Bedürfnisse. Zusammenfassend bleiben Sie ruhig und erinnern Sie sich an Phrasierung. Vokale; Mund offen, Konsonanten; Mund geschlossen. Solange du die großen Wortformen triffst, bist du golden. In der nächsten Lektion werde ich darüber sprechen, wie ich dies umsetzen kann. 6. Mundformen: Mundformen, die ersten Schritte für Ihre eigentliche Lippen-Synchronisierung Animation. Nun, da Sie wissen, worauf Sie sich in den Sounds konzentrieren müssen, die Sie anzeigen wollten, lassen Sie uns sehen, wie tatsächlich Mundformen angezeigt werden können. Ich werde ein paar der gängigsten Formen durchgehen und Ihnen ein paar Beispiele geben , in welchem Klangkontext ich sie tatsächlich verwenden würde. Dies wird nicht speziell auf Stile fokussiert werden. Es ist mehr wie eine allgemeine Möglichkeit, Mundformen zu vereinfachen. Ich werde in der nächsten Lektion auf Details zu Stilen und solchen eingehen. Diese Formen sind fokussiert, um zu betonen, was bestimmte Elemente tun, Zähne, Kiefer, Zunge. Wenn Sie möchten, machen Sie Notizen als Skizzen für jede der Formen und machen Sie sie zu Ihren eigenen. Unsere Zunge spielt natürlich eine sehr große Rolle beim Sprechen, aber wir sehen sie eigentlich nicht so oft. Die Zunge kann ein wenig gesehen werden, wenn sie hinter den Zähnen nach oben geht für Geräusche wie in Nadel, Dart, Liebe und Trend. Diese Mundform wird für lange O- und U-Sounds verwendet. Die Lippen bilden im Grunde den Klang, den sie machen, und wir sehen die Zunge ein wenig im Rücken. Verwenden Sie die Form für Klänge wie in Schlepp-, Kegel, Dude oder Sud. Wir haben den kurzen O-Sound, der mit einem offenen Mund angezeigt wird. Der Kiefer etwas mehr verlängert, wenn er herausspringt, dass Ton. Es kann in Wörtern wie Schnecke, Sauerstoff, Shop und Box gefunden werden. Diese Mundform ist wahrscheinlich die am häufigsten verwendete, weil es für kurze Vokale wie in Apfel, Elefant, Internet, up verwendet wird. Diese Form wird für lange E-Sounds verwendet. Du siehst die Zähne, aber es gibt eine Lücke. Verwenden Sie es für Sounds wie in tiefen, Bier, oder real. Die geschlossene Mundposition wird verwendet, um Geräusche wie in Bombe, Mob oder Stolz zu visualisieren. Eine andere sehr oft verwendete Position ist diese mit geschlossenen Zähnen, wie für viele Konsonanten wie in Apfelwein verwendet, dunkel, Käse, Geschlecht, Gerechtigkeit, normal, traurig, Blatt, Schildkröte, Zorro. Ein Klang, der für die englische Sprache sehr spezifisch und wichtig ist, und ein Albtraum für viele andere Nationalitäten, vor allem Deutsche, ist dieser. Es umfasst Wörter wie Dieb, Bad oder drei. Dieser macht Spaß für klingt wie ein Telefon, Fuchs, Schleier, Stimme. Wir pressen unsere Unterlippe ein winziges Stück mit den Zähnen. Es macht Spaß, zu übertreiben. Der R-Sound kann variiert werden. Verwenden Sie entweder einen offenen Mund mit sowohl der oberen als auch der unteren Zahnreihe, der Unterkiefer ein wenig zurückgezogen, oder gehen Sie mit unter Biss für eine etwas übertriebene Anzeige des Sounds. Dies wird für Geräusche wie in Rakete, Gabel oder Kaninchen verwendet. Dies ist wahrscheinlich die kleinste, die unsere Lippen bekommen werden, wenn wir sie zu Klängen wie in leise, süß oder schwach zusammenziehen . Der L-Klang hat die Zunge berührt das Dach unseres Mundes hinter den Zähnen wie in Zitrone, Kissen, Kugel. Diese Mundform ist optional, da wir sie in den meisten Fällen durch eine der anderen Formen ersetzen können . Aber in bestimmten Fällen wird dies Ihnen ein besseres Ergebnis geben. Zum Beispiel in Worten wie Karma oder Gallone. Es ist ein offener Mund mit den oberen Zähnen. Die Lippen sind etwas breiter gezogen als für die kurzen Vokale. Wie Sie sehen können, sind diese Zeichnungen sehr übertrieben und vereinfacht. Nun, wenn Sie sich meine wunderbaren Referenzvideos ansehen, haben Sie wahrscheinlich bemerkt, dass nicht alle Beispielwörter die beste Wahl für die jeweilige Form und Frage waren. Einige Geräusche verschwommen über dem, der im Mittelpunkt des Beispiels stehen sollte. Denken Sie immer daran, Kontext ist der Schlüssel. Denken Sie auch daran, dass die Menschen atmen müssen. Das passiert nicht immer mit offenem Mund. Suchen nach Wörtern, Zögern und Stottern brauchen auch eine Form. Beobachten Sie Leute sprechen oder drehen Sie sich selbst sprechen, wird Ihnen helfen, diese Dinge auf die Animation anzuwenden. Wenn Sie Ihr eigenes Referenzblatt für Mundformen erstellt haben, denken Sie bitte daran, es zu Ihrem Klassenprojekt hinzuzufügen und es mit uns zu teilen. Um zusammenzufassen. Ein Wort allein macht nicht den Ton, es bedeutet den Kontext des Satzes. Übertreiben und vereinfachen. Denken Sie daran, die unausgesprochenen Elemente zu definieren. In der nächsten Lektion werde ich dir einige Tipps geben, wie du deinen Charakter im Sprechen personalisieren und definieren kannst. 7. Charakteristisches Sprechen: Charakteristisches Sprechen, einzigartig für jeden Charakter. Nun, da wir einen Ausgangspunkt haben, möchte ich ein wenig auf die Gestaltungsaspekte eingehen. Wie ich bereits erwähnt habe, hat jeder seine einzigartige Art zu sprechen. Das gilt nicht nur für die Geräusche, die sie machen, sondern auch für das allgemeine Gesicht und vor allem für den Mundbereich. Zunächst einmal würden Sie immer wollen, um die Stimmung des Charakters zu betrachten, und fragen Sie sich, wie es in ihrem Gesicht reflektiert. Ein glücklicher Mensch könnte lächeln, die Mundwinkel hochgezogen. Ein wütender Charakter würde wahrscheinlich eine sehr übertriebene Mundbewegung haben, abhängig von ihrer Persönlichkeit. Wenn sie versuchen würden, die Emotionen zu unterdrücken, könnte der Mund sehr angespannt und klein sein, oder sie lassen los, und es passiert das Gegenteil. Der Mund wird sehr groß und locker. Denken Sie daran, dass Animationen es Ihnen ermöglicht, Dinge zu tun, die in der Realität nicht möglich sind. Nicht nur in Bezug auf übertriebene Formen und Formen, auch in Bezug auf beispielsweise Zähne. Für mein Design wollte ich, dass der Charakter diesen einen großen Zahn hat. Das wäre 99 Prozent der Zeit sichtbar. Aber was ist mit den anderen Zähnen? Manche Leute zeigen nur ihre obere oder untere Zahnreihe, und manche haben keine Zähne. Ich beschloss, meinem Charakter Zähne und spezifische Ausdrücke zu geben, oder besser gesagt, entfernen Sie alle außer den Stoßzähne in bestimmten Momenten. Sie sind ein Geschichtenerzählerelement und betonen ihre Wildheit. Es gibt ihr ein gewisses animalistisches Element. Denken Sie über diese Dinge, wenn Sie die generischen Mundformen nehmen , um sie auf Modell für Ihren Charakter zu bringen. Ich bin versehentlich über dieses Video von Mary Elizabeth Kelly auf TikTok gestolpert. Sie zeigt sehr gut, wie der Mund den ganzen Charakter verändern kann. Hier sind noch mehr Schauspieler, die mit dem Mund handeln. Nein, Mr. Schnibley, ich würde lieber im Büro des Direktors reden. Willst du es wirklich wissen, Mom? Garanteche, die Hose. Wenn du das Game of Thrones spielst, gewinnst du oder stirbst. Ich bin Batman. Du sollst sterben. Nein, ich bin der Jüngste. Großer Fehler, große, riesige Süßigkeiten im Mund. Ich finde das eine gute Inspiration, denn es zeigt in großer Vielfalt die Verwendung des allgemeinen Mundbereichs, Gesichts und der Zähne, wenn Menschen sprechen. Wenn Sie möchten, können Sie ein Blatt mit bestimmten Mundformen und Ausdrücken für Ihren eigenen Charakter zum Klassenprojekthinzufügen bestimmten Mundformen und Ausdrücken für Ihren eigenen Charakter zum Klassenprojekt und uns ein wenig von Ihrem Denkprozess zeigen. Zusammenfassend finden Sie heraus, was an der Art und Weise, wie Ihr Charakter spricht, einzigartig ist. Deine Animation, deine Freiheit. Geh verrückt und tu, was du fühlst, macht Sinn. Denk an Zähne nach. Behalte Emotionen im Hinterkopf. der nächsten Lektion werden wir Ihnen einige ziemlich technische, aber wichtige Dinge über unsere Wahrnehmung beibringen. 8. Sehen und Hören: Sehen und Hören. Ein paar technische Tipps und Einblicke und wie wir als Mensch Dinge wahrnehmen. Bevor wir zum eigentlichen Lippen-Syncing- und Animationsteil kommen, muss ich ein wenig über Wissenschaft sprechen. Tut mir Leid, hab keine Angst. So schlimm ist es nicht. In der Wissenschaft lernen wir, dass das Licht schneller als der Ton ist. Wenn Sie zum Beispiel ein Feuerwerk beobachten, können Sie die Lichter sehen, bevor Sie das Geräusch hören oder in einem Gewitter, Sie können den Blitz sehen, bevor Sie tatsächlich das Rumpeln hören. Die Zeit, die zwischen dem Blitz und dem Rumpeln vergeht , kann Ihnen tatsächlich sagen, wie weit sie entfernt ist. Als Pfadfinder erfuhr ich, dass, wenn man die Sekunden zwischen dem Blitz und dem Grollenzählt die Sekunden zwischen dem Blitz und dem Grollen und man diese Zahl durch drei teilt, man die Entfernung zum Gewitter in Kilometern bekommt. Ton und Licht sind beide Wellen, die unser Gehirn als Schwingungen wahrnimmt, die mit deutlich unterschiedlicher Geschwindigkeit durch die Luft reisen und so kategorisiert es sie als zwei verschiedene Dinge. Während Schallwellen auf die Luft als Medium angewiesen sind, braucht Licht nicht wirklich die Luft zu transportieren, was sie unglaublich viel schneller macht. Der Grund dafür ist, dass die Materie träge ist, das Ding, das durch die Luft reist, es ist einfach so viel langsamer, weil sie durch die Partikel verlangsamt wird. Licht aber, schreitet einfach durch, ist es egal. Das bedeutet, dass unser Gehirn verdorben ist und es braucht die Dinge viel ernster, wenn es visuelle Beweise hat, bevor etwas gehört wird. Was bedeutet das für die Animation? Es bedeutet nur, dass unser verdorbenes Gehirn daran gewöhnt ist, vor dem Hören zu sehen. Deshalb müssen wir, wenn wir eine Lippensynchronisierung animieren, die Animation ein wenig vor dem Audio bewegen. Nicht viel, es ist nur etwa 2-4 Frames vielleicht, aber es hilft unserem Gehirn zu akzeptieren, dass die Dinge, die wir sehen, mit dem aufgereiht sind, was wir hören. Natürlich gibt es Ausnahmen von diesen Regeln. Zum Beispiel, wenn dein Charakter spricht und etwas sagt, das auf einer geschlossenen Mundposition endet, wie Mama, musst du diese Geräusche mit der Animation ausrichten, sonst hast du den Ton, der nach dem Mund überträgt bereits geschlossen, es würde einfach wirklich seltsam aussehen. Mom, du rockst. Oder wenn jemand klatscht, versuchen Sie, die Schläge des Klatschens genau in Ihrer Animation zu treffen, weil es sich sonst anfühlt. Was auch immer Sie tun, wenn Sie animieren, Sie können entweder perfekt auf den Beats animieren und dann weiter bewegen oder Sie planen Ihre Animation vom Start-Go entsprechend 2-4 Frames voraus und legen Sie die Beats vor Ort für die vorstehend genannten Fälle. Wenn Sie auf den ersten Weg gehen, müssen wir diese nach der Tatsache ausfüllen und Sie könnten Ihr Timing ruinieren. Hab keine Angst. Außerdem sind unsere Gehirne immer ein bisschen voraus. Das bedeutet, dass wir einatmen, bevor wir reden. Wir bilden O Formen mit unserem Mund bevor der Klang herauskommt und so etwas. Behalten Sie diese kleinen Dinge im Hinterkopf, wenn Sie eine Lippensynchronisierung animieren, damit Ihre Animation ein bisschen realer und lebensechter anfühlt. Das ist meine wissenschaftliche Erklärung. Da gehst du. Zusammenfassend sehen wir vor der Anhörung. Bewegen Sie Ihre Animation ein wenig vor Ihrem Audio. Schlagen Sie die Positionen des geschlossenen Mundes auf dem Beat, treffen Sie plötzliche Geräusche im Beat und antizipieren Sie Geräusche in Ihrer Animation wie das Einatmen und die Gestaltung Ihres Mundes für Klänge. In der nächsten Lektion werde ich einige Audio-Samples vorstellen. Lasst uns gehen. 9. Voiceover Sampling: Voiceover Sampling, eine Zeile und ein paar Stimmungen zur Auswahl. Sie haben wahrscheinlich schon eine Idee für Ihre Animation von was Sie möchten, dass Ihr Charakter sagen, das ist großartig. Aber falls du es nicht tust, habe ich für dich ein paar Beispiele einer Zeile mit mehrdeutigem Inhalt aufgezeichnet, aber mit unterschiedlichen emotionalen Konnotationen dazu. Lassen Sie mich Ihnen ein paar Beispiele zeigen, wie Sie damit beginnen können, und dann werde ich zu einer Linie gehen, die ich auswählen, um zu animieren. Bitte beachten Sie, wenn Sie möchten, können Sie sich ausschließlich auf die Ausdrücke und Lippenbewegungen konzentrieren. Ich habe auch einige Posen enthalten, so dass meine Skizzen einen Aspekt der physischen Aktion in ihnen haben, um die beiden zu unterstützen, aber das liegt ganz an Ihnen. Amüsiert. Hi, was machst du da? Dieser fühlte sich amüsiert und ein bisschen selbstbewusst oder sogar rotzig. Ihre Pose ist sehr entspannt, vielleicht konzentrierte sie sich auf etwas anderes und schaut nach oben, um was zu sehen. Sie ist neugierig, aber auch ein bisschen frech, wie die Linie kommt. Wütend. Hi, was machst du da? Die Linie hat hier eine Menge Spannung. Ihre Körperbewegung und ihr Gesicht drücken dies mit steifen Gliedmaßen, mutigen Bewegungen und einem sehr intensiven Gesichtsausdruck aus. Dieser Charakter ist bereit für die Konfrontation. Neutral oder glücklich. Hi, was machst du da? Dies ist die neutralste Version dieser Zeile. Sie könnte glücklich sein oder nur neugierig sein. Ich fügte ein wenig stille Beobachtung hinzu, bevor sie sich entscheidet, die Frage zu stellen. Traurig, enttäuscht oder demotiviert. Hi, was machst du da? Sie fühlt sich in dieser Variation ein bisschen unten, etwas wartet auf sie und sie ist brütig, sitzt auf dem Boden. Ihre Aufmerksamkeit wird gefangen, aber es gibt nicht viel Interesse, so dass wir ein bisschen eine sanfte Reaktion bekommen. Skeptisch oder neugierig, zwei Versionen. Was machst du da? In der ersten Version ist sie sehr direkt und neugierig. Ihr Ton klingt fast beschuldigt, und sie fühlt sich ein bisschen wie eine Mutter, die ihr Kind etwas tun sah, das sie nicht tun sollten. Hi, was machst du da? Die zweite Version ist neugierig und skeptisch. Es gibt viel mehr Sorgfalt in ihrem Verhalten. Überrascht, verwirrt, neugierig. Hi, aber was machst du da? Mit etwas zögerlich da drin zeigt sie nicht nur Überraschung und Neugier, sondern auch Verwirrung. Ich liebe es, ihre Ohren zu nutzen, um die widersprüchlichen Emotionen in ihrer Stimme und ihren ahnungslosen Gesichtsausdruck zu unterstützen . Angewidert. Hi, oh, was machst du da? Sie hört sich an, als wäre sie auf etwas eingegangen, was sie wirklich nicht erwartet hatte und wahrscheinlich auch nicht sehen wollte. Das glückliche und entspannte Gesicht ändert sich schnell zu Schock, dann Ekel, und dann lehnt sie sich zurück, abgestoßen von allem, mit dem sie konfrontiert ist. Ich liebe die Vielfalt der Emotionen, die sie hier durchgeht, also ist dies die Linie, die ich wähle, um zu animieren. Wenn Sie möchten, können Sie dafür Ihr eigenes Audio aufnehmen. Sie können einfach Ihr Telefon verwenden oder Ihren Computer mit Programmen wie QuickTime oder Audacity verwenden. Dies könnte ein Gruß, Glückwunsch zum Geburtstag oder ein Kompliment an einen Freund sein. Um zusammenzufassen, verwenden Sie eine der bereitgestellten Zeilen oder nehmen Sie Ihr eigenes Audio auf. Hinweis, je länger die Linie, desto mehr Übergänge und Handelschancen. Aber halten Sie es unter 5-6 Sekunden, es ist schon viel. In der nächsten Lektion zeige ich Ihnen, wie ich eine Datei für die Animation in Photoshop eingerichtet habe. 10. Einrichtung: Einrichten von Anweisungen zum Animieren in Photoshop. Ich hoffe, Sie haben eine Linie des Dialogs gewählt, die Sie jetzt animieren können. Sie können mit mir versehen, um die groben Story-Posen oder -Ausdrücke in der nächsten Lektion zu skizzieren . Bevor wir jedoch dazu kommen, werde ich Ihnen das Setup zeigen, in dem ich arbeiten werde. Ich werde in Photoshop animieren, aber Sie können das Werkzeug verwenden, das am besten für Sie funktioniert. Alternativen für Animationen können Clip Studio Paint, Toon Boom Harmony oder Procreate auf dem iPad Pro sein. Der letzte unterstützt jedoch keine Audio auf beiden, so dass Sie ein bisschen kreativ werden müssten. Alles klar, zuerst, starten Sie Photoshop. Erstellen Sie einen neuen Canvas. Ich habe das Standard-Videoformat ausgewählt; 1.920 mal 1.080, aber Sie können wirklich mit dem gehen, was Sie für Ihre Animation wollen. Um nun das richtige Setup für unsere Animation zu erhalten, müssen Sie die Timeline unter Fenster aktivieren und dann auf „Create Timeline“ klicken. Auf diese Weise erhalten Sie eine Zeitleiste Ihrer Ebenen als Frames. Wenn Sie möchten, dass Ihr Hintergrund die ganze Zeit da ist, stellen Sie sicher, dass sich dieser Frame über die gesamte Zeitachse erstreckt. Unter den Zeichnungsebenen befindet sich eine Ebene für Audio. Klicken Sie einfach auf das kleine Notensymbol, um das Audio zu vermitteln, das Sie in Ihrer Animation verwenden möchten. Dadurch erhalten Sie auch einen Hinweis darauf, wie lange Ihre Hintergrundebene erweitert werden soll. Wenn Sie einen besseren Überblick über Ihre Timeline benötigen, können Sie diesen kleinen Pfeil hier nach unten ziehen. Auf der einen Seite wird Ihnen eine Detailansicht einiger Frames angezeigt, und auf der anderen Seite wird die gesamte Timeline angezeigt. Als nächstes wichtige Sache, legen Sie Ihre Bildrate fest. Traditionell wären dies 24 Frames pro Sekunde für handgezeichnete Animationen. Unsere Gehirne sind in der Lage, etwas als eine Bewegung von acht Bildern pro Sekunde wahrzunehmen. Wenn Sie Ihre Animation reduzieren möchten, nehmen Sie dies als Herausforderung an. einen neuen Layer erstellen, erhalten Sie standardmäßig eine sehr lange Dauer. Ich mag es, die leere Ebene auf eine Länge von zwei Frames anzupassen und indem ich sie auf die neue Ebenenschaltfläche ziehe, dupliziere ich sie. Dann werde ich es wiederholen, bis ich eine Reihe von zwei Frame langen Schichten habe, die ich verwenden kann. Wenn Sie die Ebene in Ihrer Timeline neben eine andere ziehen, werden sie in eine Videogruppe gestapelt. Dies kann den Überblick ein bisschen besser machen, aber für den Anfang halte ich die Dinge normalerweise unter normalen Gruppen getrennt. Sie können hier sehen, dass ich einige ausgefallene Bedienfelder über meiner Timeline habe. Ich habe die Quellen dafür in der Beschreibung verknüpft. Sie sind zwar nicht wichtig, aber sie können Ihr Leben ein bisschen einfacher machen. Sobald Sie das ganze Setup haben, können Sie loslegen. Um zusammenzufassen, erstellen Sie eine digitale Leinwand in der Größe Ihrer Wahl. Richten Sie die Zeitachse ein. Stellen Sie sicher, dass Sie die Frames pro Sekunde auf 24 einstellen. In der nächsten Lektion werden wir in die Animation geraten. Lasst uns gehen. 11. Grobe Animation: Grobe Animation, das Fundament zu legen. Ja, wir kommen endlich zum Animationsteil. Schnappen Sie sich ein Getränk und lassen Sie sich ein. Das wird ein langer sein. Sie haben jetzt alle Werkzeuge zur Hand, um Ihre eigene Lippensynchronisierung Animation zu erstellen. Wenn Sie möchten, können Sie es super einfach halten und einen schwebenden Kopf oder ein Smiley-Gesicht animieren, wenn Sie nur gehen und Lippensynchronisierung üben möchten oder Sie Boss-Modus wählen. Dazu gehören der Oberkörper des Charakters oder sogar der ganze Körper und könnte Dinge wie das Handeln mit der ganzen Figur, komplexe Bewegungen und Anhängsel, die sich gemeinsam bewegen. Wählen Sie, was sich bei Ihnen wohl anfühlt und konzentrieren Sie sich bitte auf Genuss. Der Prozess der Animation kann viel Zeit in Anspruch nehmen und ich möchte, dass Sie ein Gefühl der Leistung fühlen, nachdem Sie dies angegangen haben, nicht Frustration. Mein Beispiel enthält den Körper des Charakters und ich werde meine Erklärungen allgemein anwendbar halten. Sie können sie auf Ihre Arbeit anwenden, egal was Sie wählen. Das erste, was ich tat, war ein Bild von der Wellenform meines Audios zu holen. Sie können diese Darstellung des Audiosignals mit vielen Programmen anzeigen. Ich habe Audacity verwendet, das ein kostenloses Audio-Editing-Tool ist. Ich habe gerade einen Screenshot der Wellenform gemacht und das in meine Photoshop-Leinwand gelegt. Dies hilft mir, die Audio-Beats, die Länge der Pausen und über die Beziehung des Satzes zu verstehen die Länge der Pausen . Hi, was machst du da? Ich nahm meine Skizzen aus der früheren Lektion als Inspiration und wusste grob, was ich wollte. Ich habe mich auch aufgezeichnet, als ich die Szene darstellte. Ich fange dann mit Schlüsselposen an. Dies erlaubt mir, die allgemeine Bewegung im Auge zu behalten. Ich bleibe nicht an Details hängen und sehe, wie meine Vision funktioniert. Dadurch kann ich auch schnelle Änderungen vornehmen, ohne zu viel nacharbeiten zu wenn ich in diesem Stadium feststellen kann, dass das Gefühl mit dieser Pose ausgeschaltet ist. Wichtige Posen sollen die Hauptstory Beats deiner Bewegung vermitteln. Mit dem Audio als Leitfaden ist es ein bisschen einfacher zu bestimmen, was und wo Ihre Schlüsselposen sein sollten. Ich erinnere mich, dass ich total verloren war, als ich mit Animation begann, weil das Konzept der Storytelling Posen für mich etwas zu abstrakt war. Woher sollte ich wissen, wann, was passiert, habe ich mich gefragt. Nun, das ist die Sache. Du entscheidest es einfach. Mit Referenzmaterial, Timing-Aktionen in Ihrem Alltag und nur ein Gefühl dafür, wie lange die Dinge dauern, wird Ihnen helfen. Verzweifeln Sie nicht, alles braucht Übung. Sobald ich mit meinen Schlüsselposen zufrieden bin, füge ich den Frames grobe Mundpositionen als mentale Note hinzu. durch das Audio gehe, versuche ich, die wichtigsten Beats zu nageln. Hi bekommt einen großen offenen Mund, der diesen großen Vokal darstellt. Auch der Charakter freut sich vorerst. Ich fügte auch den Übergang in das unglückliche Neue hinzu. Ich wählte die Mundform mit mehr exponierten Zähnen. Dies unterstreicht wirklich die wilde Seite des Charakters. Der folgende Übergang war ein Schuss im Dunkeln, weil ich nicht ganz sicher war , wie ich das wollte, aber das ist okay. Außerdem war die Anfangsform dieses Satzes noch nicht ganz dort, wo ich es treffen wollte. Ich habe tatsächlich ein paar dieser Formen während meiner groben Animation und meiner Bereinigungsphase geändert . Aber was von Anfang an war ein Schwerpunkt auf die sind Sie und ich verwenden die Pose für R mit dem verlängerten Unterkiefer. Dies unterstreicht auch die Zahnwirkung. Was übrig blieb, war die Zunge, die am Ende nach draußen spähte. Dann fange ich an, die wichtigsten Posen zu verfeinern, indem ich dem Charakter den Mund, die Augen, die Nase und die Ohren hinzufüge. Randnotiz, Ich empfehle, Dinge zu halten, die für später vom Hauptkörper getrennt sind, wie Haare und Kleidung. Sie bewegen sich koabhängig zur Bewegung des Hauptkörpers. Konzentriere dich zuerst auf die Form und Masse deines Charakters. Nun, wie Sie sich erinnern, ist die Zeitleiste so eingestellt, dass wir 24 Bilder pro Sekunde erhalten. Das würde insgesamt 120 Bilder für eine Fünf-Sekunden-Animation machen. Das ist ziemlich viel. Niemand hat dafür Zeit. Aber zum Glück ist unser Gehirn sowieso nicht in der Lage, all diese einzelnen Bilder zu unterscheiden, also können wir es ein bisschen betrügen. Wir werden an zwei arbeiten. Das bedeutet ein Bild pro zwei Frames. Behalten Sie dies im Hinterkopf, während wir weitermachen. Ich fülle jetzt die Zeichnungen zwischen meinen Schlüsselposen aus. Beachten Sie diese Linien hier auf der Seite mit Zahlen und Strichen auf ihnen? Diese werden als Zeitdiagramme bezeichnet. Sie helfen mir, meine Pannenposition und zwischendurch zu planen, so dass alle Bilder, die die wichtigsten Posen verbinden. Die Nummer oben ist die, mit der ich beginne. Die auf der Unterseite ist diejenige, in die ich arbeite. Dies bedeutet, dass die Linie einen Zeitabschnitt darstellt, der unterschiedlich lang sein kann, je nachdem, wie weit die wichtigsten Posen in der Zeit voneinander entfernt sind. Die Position der horizontalen Striche simuliert, wie nah am ersteren oder letzteren Rahmen die Zeichnung an dieser Position und Zeit ist. Um eine organische Bewegung zu erhalten, dämpfe ich oft den Anfang und das Ende einer Bewegung ab. Dies wird als langsam in und slow out bezeichnet. Mehr Zeichnungen bedeuten langsamere Bewegung, weniger Zeichnungen, schnellere Bewegung. Sie können oft einen Schlaganfall im toten Zentrum oder auf einem der Drittel einer Linie sehen, die normalerweise darstellt, was als Zusammenbruch bezeichnet wird. Ich arbeite mich von der Schlüsselposition zur Schlüsselposition über diese Mittelposition. Es kann näher an der einen oder anderen Schlüsselposition sein. Das hängt immer von der Bewegung ab. Sobald diese etabliert sind, gehe ich geradeaus aus bereits etablierten Posen und springe zwischen den Zeichnungen hin und her, die die Bewegung füllen werden. Während ich arbeite und nicht nur den Spielkopf durch meine Zeichnungen schrubbe , um zu sehen, wie sie in Aktion funktionieren, verwende ich auch die sogenannte Onion Skin. Sie können es aktivieren, indem Sie auf dieses Symbol in der oberen rechten Ecke Ihrer Timeline-Leiste klicken und es im Popup-Menü finden. den Einstellungen für die Zwiebelhaut können Sie den Bereich der Frames definieren, den Sie sehen möchten. Onion Skin aktiviert zeigt Ihnen dann Frames vor und nach dem, auf dem Sie gerade zeichnen. Während ich zeichne, bedenke ich immer die wichtigen Prinzipien der Animation für eine lebendige und unterhaltsame Aktion. Quetschen und Dehnen der Massen ist sehr relevant, um einem Gesicht eine gewisse Realität zu geben. Das Öffnen des Kiefers führt zu einer dehnteren Form und Schielen macht das Gesicht quetscht. kannst du wirklich verrückt werden. Spielen Sie mit der Quetschheit des Fleisches herum. Große Bewegungen werden in der Regel mit einer Vorfreude eingeleitet. Dies bedeutet, dass der Körperteil Energie für einen kurzen Moment auflädt und sich in die entgegengesetzte Richtung bewegt, bevor er in die beabsichtigte Bewegung geht. Zum Beispiel, beugen Sie Ihre Beine, bevor Sie springen. Ich werde auch ein bisschen Überschreitung auf dem Weg hinzufügen, was im Grunde das Gegenteil von Vorfreude ist. Das Element, das seine endgültige Position erreicht, wird das Ziel ein wenig überschritten und sich dann wieder in es niederlassen. Dies sollte ein bisschen klarer werden, wenn wir uns mit der Animation bewegen. Sobald ich die grobe Körperbewegung und Mimik etabliert habe , möchte ich, dass mein kleiner Kobold durchgeht, gehe ich weiter, um Haare und Kleidung hinzuzufügen. Wie Sie sehen können, entschied ich mich, eine große Kapuze abzulassen, die Haare und Kleidung bewegen sich mit dem Körper, aber Regel ziehen hinter ein wenig und sind ein winziges bisschen versetzt. Sobald sich der Kopf nach unten bewegt, bleiben die Haare für ein paar Bilder in der letzten Position , bevor sie der Bewegung des Körpers folgen. Es wird auch folgen, nachdem der Körper zum Stillstand gekommen ist, ein wenig schwingen, bevor es zur Ruhe kommt. Gleiches gilt für die Kleidung. Behalten Sie das Material Ihrer Anhänge beim Animieren im Auge. Je schwerer das Material ist, desto langsamer und langsamer wird es reagieren. Je leichter es ist, desto leichter wird es sich mit dem Hauptkörper bewegen. Hier ist die letzte grobe Animation. Hi, was machst du da? Sie können sehen, dass ich sehr rau und locker geblieben bin. Ich habe nicht alles definiert und oft nur Orientierungspunkte des Körpers oder der Kleidung angelegt , die mir in einer Bühne wichtig schien. Sie können so locker oder so raffiniert arbeiten, wie Sie möchten. Ich denke, solange Sie sich nicht auf jemand anderem verlassen, um Ihre Animation abzuschließen, gibt es keinen Schaden. Nur Sie müssen in der Lage sein, es auf dem Weg zu verstehen und damit zu arbeiten. Also hab einfach Spaß. Zusammenfassend kann die Wellenform Ihres Audiosignals Ihnen helfen, Zeit Ihrer Animation und einen Überblick zu behalten. Entscheiden Sie, was Ihre Animation enthalten soll. Wenn Sie mit einem Körper Ihres Charakters zu den großen Schlüssel Posen zuerst arbeiten, arbeiten groß bis klein. Entscheiden Sie sich für die wichtigsten Mundpositionen und notieren Sie sie. Sobald Sie Ihre Schlüsselposen haben, fügen Sie die Details wie das Gesicht hinzu. Fügen Sie Übergangsposen hinzu, um die Bewegung zu füllen. Timing-Diagramme können Ihnen helfen, Ihre Aktionen zu planen. Fügen Sie Anhängsel wie Haare und Kleidung erst nachdem Sie die Bewegung Ihres Hauptkörpers herausgefunden haben. Denken Sie daran, Folgendes. Squash und Strecken, Vorfreude, Ziehen, Durchlaufen, Überschreitung, Verlangsamung und Verlangsamung. Gehen wir zur Aufräumung und Färbung über. 12. Bereinigung, Farbe und Export: Aufräumen, Farbe und Export, binden Dinge nach unten. Dieser nächste Teil des Animationsprozesses kann eine andere Ewigkeit in Anspruch nehmen. Bitte beachte, dass mein Weg absolut nicht dein Weg sein muss. Sie könnten zum Beispiel einen sehr lockeren und lustigen Stil im Kopf haben und vielleicht sind Ihre groben Animationen schon so eng und gut funktionieren, dass Sie es einfach Dunsies nennen können. Das liegt ganz an dir. Ich bin jedoch ein unerträglicher, unermüdlicher Perfektionist und dies spiegelt sich in meiner sauberen Animation wider. Sie könnten sehen, wie ich Linien eine Milliarde Mal in dieser Lektion neu zeichne. Zeichnen eines Rahmens dauerte mich oft über eine halbe Stunde, also mach bitte nicht die Mathematik. Ich möchte Sie ermutigen, eine Art zu animieren, die Ihnen Spaß macht und die sich sehr von meinem Ansatz unterscheiden könnte. Aber wieder, meine Ratschläge und Leitfäden während dieser Lektion sollten immer noch auf Ihre Arbeit anwendbar sein. Lass uns reinspringen. Um meine Photoshop-Dateien in einer angemessenen Größe zu halten, exportiere ich zuerst meine grobe Animation als Video. Gehen Sie zum Dropdown-Menü unter Datei, klicken Sie auf „Exportieren“ und wählen Sie ganz unten „Video rendern“. Im auftauchenden Fenster können Sie den Speicherort und den Namen der Datei sowie das Format, die Größe und viele andere Dinge bestimmen . Ich benutze H264 und fasse nichts anderes an. Nach dem Rendern können Sie das Video in eine andere Animationsdatei ziehen , die Sie eingerichtet haben, und es wird als Smart-Objekt platziert. Jetzt kann ich anfangen zu säubern. Was ich gerne mache, ist, das Charakterdesign irgendwo zu haben, damit ich es jederzeit ansehen kann. Ich beginne mit einem Rahmen, der ich fühlte, war repräsentativ für den Charakter und nicht wie ein seltsamer Übergang oder so. Dieser Rahmen wird später auch als Referenz zurückgegeben. Sie könnten es hin und wieder auf niedriger Deckkraft sehen, während ich an anderen Frames arbeite. Dies hilft mir, [unhörbare] Beziehungen und Massen im Auge zu behalten. Für die Bereinigung bleibe ich auch bei einer Mischung aus Pose zu Pose und Straight-Ahead-Animation, um alles konsistent zu halten. Ich mache zum Beispiel kaum Frame 50 und mache dann direkt Frame 52. Es wird immer ein Hin und Her zwischen Frames geben, die normalerweise 8-16 Frames auseinander für einen Anfang sind und dann werde ich an den dazwischen arbeiten, genau wie ich in der früheren Lektion erklärt habe. Eine andere Sache, die ich mache, ist die Änderung der Arbeit an einem Frame in bestimmten und an einem Körperteil oder Detail. Es ist leicht, die Massen von Elementen aus dem Auge zu verlieren. Manchmal konzentrierte ich mich zum Beispiel nur auf die Ohren und säuberte das für ein paar Frames. Auf diese Weise verliere ich mich nicht in Details und kann mich wirklich auf den Antrag konzentrieren. Ein Element, das ich aus irgendeinem Grund nicht in meiner groben Animation hinzugefügt habe, war die Haube. Ich glaube, ich wollte die Dinge mitbewegen, also war es meistens Faulheit. Mit ihm jetzt in der sauberen Animation zu arbeiten, war aber nicht so einfach, wie ich gehofft hatte. Das Tuch fällt an so vielen Stellen, die große Klappe bewegte sich mehr als erwartet mit den Armen und ich vergaß, dass die Kapuze manchmal hinter dem Körper schwingen. Aber es hat am Ende gut geklappt. Ich kann nur empfehlen, zumindest wichtige Teile dieser Elemente zu notieren , bevor Sie Ihre Zeilen fertigstellen. Schauen wir uns meine Akte hier an. Ich habe meistens an zwei gearbeitet, wie bereits erwähnt. Jedes Bild ist für zwei Frames belichtet , aber irgendwo entlang dieser Linien ändere ich zu einem Teil. Dies war eine Entscheidung, die ich für diese sehr schnelle Veränderung getroffen habe. Die Wahl, weiter zu gehen, war, den Wechsel von glücklich zu angewidert zu betonen und es machte die ganze Bewegung ein bisschen glatter. Dies ist eine andere Sache, bei der kein Ansatz richtig oder falsch ist. Manche Leute könnten sogar alle auf Einsen animieren. Wenn Sie das tun wollen, tun Sie es. Niemand kann dich aufhalten. Ich verwende nur gerne Kombinationen von Einsen und Zweien. Probieren Sie einfach Dinge aus und finden Sie heraus, was am besten für Ihre spezifische Arbeit funktioniert. Außerdem erkennt sie in diesem Augenblick etwas und dieser Gedanke wird durch den Blinzeln unterstützt, den ich hier hineingesteckt habe. Menschen blinzeln, um ihre Augen vor dem Austrocknen zu bewahren. Das passiert Kreisverkehr alle vier Sekunden. Alle anderen blinkt oder Mangel an, in der Regel zeigt etwas passiert im Kopf der Person. Denken Sie nur daran, nervös zu blinken oder so konzentriert zu sein, dass Sie starren. Abschließend möchte ich betonen, dass es keine Schande gibt, Ihre Frames zu kopieren. Wenn sich nur Teile innerhalb eines Zeitraums ändern, kopieren Sie einfach den Rest und fügen Sie ihn ein. Arbeiten Sie klug, nicht hart. Sobald ich mit der Bereinigungsanimation zufrieden bin, exportiere ich sie erneut als Video. Aber bevor wir ins Färben gehen, lassen Sie mich ein paar Dinge darauf hinweisen. Bögen, Bögen sollten immer eine große Rolle in Ihrer Animation spielen. Sehen Sie, wie alle Elemente mit der Bewegung Bögen bilden. Wenn Sie diese unsichtbaren Bögen in Ihrer Bewegung brechen, wird die Glätte brechen und Ihrer Animation einen Schluckauf geben. Sehen Sie die Überschreitung der Arme, während sie aufhört. Denken Sie daran, dass die Dinge Masse haben und mit unterschiedlichen Raten aufhören werden. Gleiches gilt für die Haare und Ärmel, die durch die Bewegung und den Ohrring, der auch hinter sich zieht. Sie können auch schön sehen, die [unhörbaren] Rahmen in Richtung Anfänge und Enden der Bewegung, Verlangsamung und Verlangsamung. Schauen wir uns die Mundformen an und verlangsamen das ein bisschen. Hallo, hallo, was machst du da? Der Offset von Bild und Ton ist so etwas besser erkennbar. Beachten Sie die Übergänge, die ich gemacht habe. Der Mund geht von der großen glücklichen Form zu einem breiten widerlichen Ausdruck. Die Zähne zeigen deutlich. Sobald sie sich zurücklehnt, wird ihr Mund auch viel kleiner in den Ausdrücken, ein bisschen gedrückt und unter Spannung. Alle Elemente sind da, um die Grundidee zu unterstützen. Um die Animation zu färben, nehme ich noch einmal die zuvor exportierte Bereinigung und platziere sie per Drag & Drop in meine Photoshop-Datei als Smart-Objekt. Ich erstelle dann Trends entsprechend der Animation, indem ich den Zauberstab verwende, um das Weiß um meine Figur zu wählen und Shift und Befehl zu drücken , und ich wähle ihre Form in diesem Frame aus. Manchmal muss das Lasso-Werkzeug helfen, die Auswahl ein wenig zu bereinigen und dann fülle ich es mit einer flachen Farbe. Ich wählte diesen Hautton für diesen Zweck. Dies ist der erste Schritt. Tun Sie es für jeden Frame Ihrer Animation. Dann aktiviere ich die Alpha-Sperre für jeden Frame, damit ich nur in die farbigen Bereiche malen kann, ohne Linien außerhalb des Charakters zu übermalen. Ich bin mir sicher, dass es eine Milliarde Möglichkeiten gibt, dies zu tun, aber so arbeite ich. Wenn Sie uns alle mit Ihrem persönlichen Lieblingsansatz erleuchten möchten, schreiben Sie es bitte in den Kommentaren. Jetzt gehe ich immer wieder durch die Frames , um die einzelnen Elemente in ihrem jeweiligen Farbton zu färben. Als ich die Farben in meinem Zeichendesign-Prozess wählte, habe ich besonders auf die Farbwerte geachtet. Also, wie hell oder dunkel sie in Beziehung sind. Die Auswahl von Farben mit unterschiedlichen Werten hilft, Teile visuell zu unterscheiden. Sie können eine Proof-Setup aktivieren, um Ihre Arbeit in Schwarzweiß zu sehen, wie Sie hier sehen können. Jetzt, da ich alles schön gefärbt habe, füge ich jedem Rahmen einfache Schattierung hinzu, um ihm mehr Tiefe zu geben. All dies ist natürlich völlig optional für Sie. Ich wählte ein schönes dunkles violettes Grau, die Schichten auf Multiplikation und eine Deckkraft von 40 Prozent. Diese Layer sind so eingestellt, dass sie auf meine gruppierten Farbebenen zugeschnitten werden. Jeder Schattierungsrahmen wendet seinen Inhalt nur auf die bereits gefärbten Pixel an. Ein letztes und letztes Mal, exportieren Sie Ihr Video über Datei, Export, Video rendern und wir sind fertig. Hallo, hallo, was machst du da? Um zusammenzufassen, tust du das? Mein Weg ist kein Gesetz, aber ich hoffe, es inspiriert dich. Wählen Sie aus, wie locker oder sauber Sie arbeiten möchten. Exportieren Sie grobe Animationen als Video, um in eine neue Datei als Smart-Objekt zu platzieren. Beginnen Sie mit einem Rahmen, den Sie fühlen, zeigt Ihren Charakter gut. Lassen Sie Ihr Charakterdesign als Referenz verwenden. Springen Sie herum, um einen Überblick über Massen, Bewegungen und Details zu behalten. Ändern Sie Ihren Prozess, wenn Sie stecken bleiben. Denken Sie daran, die wichtigsten Prinzipien der Animation. Arbeiten Sie klug, nicht hart. Exportieren Sie die Bereinigung als Video, um zur Färbung zu wechseln. Verwenden Sie Magic Zauberstab und Lasso für eine schnelle und saubere Auswahl. Nutzen Sie Alpha-Sperre und Clipping. Fügen Sie Schattierungen nach Ihren Wünschen hinzu. Kaufen Sie sich einen Kuchen zum Feiern. Du hast es geschafft. 13. Schlussbemerkung: Herzlichen Glückwunsch, Abenteurer. Das war sicher eine Menge Input und Sie haben es bis zum Ende geschafft. Wir haben einen Charakter geschaffen, gelernt über Schauspielerei und Sprechen und vor allem eine lebendige, atmende und sprechende Animation geschaffen . Ich denke, es ist eine der magischsten Erfahrungen, zu sehen, wie deine eigene Arbeit zum Leben erweckt und gesprochen wird, auch wenn es ein bisschen seltsam ist, wenn es deine eigene Stimme ist. Ich hoffe, Sie haben viel darüber gelernt, wie Menschen handeln und sprechen und wie Sie diese auf Ihre eigenen bewegten Linien anwenden können. Das war sicherlich eine Herausforderung und Sie sollten stolz auf sich selbst sein. Ich kann es kaum erwarten, alle Ihre Projekte zu sehen und möchte Sie ermutigen, auch Arbeit in Arbeit oder unfertige Dinge hinzuzufügen. Ich würde sie gerne sehen. Wenn es offene Fragen gibt, zögern Sie bitte nicht, mich zu kontaktieren. Vielen Dank für Ihre Firma. Bis zum nächsten Mal, tschüss.