Licht und Schatten malen: die Grundlagen für Porträts und Figuren

1. Einführung: Heute im Unterricht werden wir die Beleuchtung für potraite Gemälde in Charakterillustrationen erforschen . Licht ist ein riesiges Thema, aber in dieser Klasse werden wir es in überschaubare Teile zerlegen , die wir unser Wissen erweitern und bessere Kunstwerke machen können. Sie lernen, wie Sie die Muster, Formen und Tendenzen des Lichts erkennen , damit Sie in Ihren Zeichnungen und Gemälden bessere künstlerische Entscheidungen treffen können . Wir werden über verschiedene Hauttöne, die verschiedenen Arten von Lichtquellen und wie sie die Farben unserer Themen beeinflussen. Wir werden uns unzählige Beispiele ansehen, von Beleuchtung im Sonnenlicht, bewölktem Licht, Fensterlicht und elektrischem Licht. Wir werden auch über gemeinsame Beleuchtungswinkel gehen , die wunderbar für Porträts und Charakterillustrationen funktionieren. Ich werde Ihnen zeigen, wie ich weiche Kanten mit einigen meiner Lieblingsmedien mischen und erhalten; einschließlich Marker, digitale Malwerkzeuge, Ölfarben und weiche Kreidepastellfarben. Wir werden auch über einige wirklich auffällige Lichteffekte sprechen , die Sie in Ihren Stücken verwenden können. Wir erforschen aufgeblendetes Licht, unterirdische Streuung, wie Sie dieses Leuchten in Ihren Stücken erhalten und vieles mehr. Sie werden in der Lage sein, zu sehen, wie ich Demo Techniken für die Beleuchtung von Charakteren in vier verschiedenen Lichtszenarien. Ich werde auch meinen Denkprozess und meine Methoden zum Malen stilisierter Porträts und realistischerer Porträts teilen . Aus dem Unterricht gehen Sie mit Tonnen von Referenzmaterialien und Ressourcen, die Ihnen helfen, Ihr Verständnis für das Schreiben zu verfestigen. Ich bin so aufgeregt, diese Klasse mit euch allen zu teilen. Ich hoffe, du wirst dich mir anschließen. Also, holen Sie sich Ihr Lieblingsmedium und springen Sie in die Klasse. 2. Begriffe und Ideen: In dieser Klasse geht es um das Spotting von Mustern. Licht ist vorhersehbar, wenn es sich um eine Lichtquelle im Gesicht handelt. Sie werden sehen, wie sich geformte Muster von einem Gesicht zur nächsten wiederholen. Also, in dieser Klasse werde ich mich an das halten, was ich weiß. Anstatt Sie durch eine Klasse sitzen zu lassen, in der wir über die Wissenschaft des Lichts sprechen, werde ich einfach bei meiner künstlerischen Perspektive bleiben. Dies wird eine sehr beobachtende Beleuchtungsklasse sein. Also überlasse ich den wissenschaftlichen Aspekt des Lichts Lehrern, die es viel besser erklären können, als ich konnte. Wenn du ein Anfänger bist, möchte ich, dass du die Sprache kennst, die ich hier spreche. Also lasst uns ein paar Dinge durchgehen, über die ich im Unterricht reden werde , damit ihr wisst, worauf ich mich beziehe. Du wirst mich in dieser Klasse oft über die Flugzeuge des Kopfes reden hören. Es ist im Grunde eine künstlerische Konzeptualisierung des Kopfes, die hilft, die Formen des Gesichts zu vereinfachen und es einfacher zu malen. Anstatt auf den Kopf zu schauen und zu versuchen, alles herauszufinden, können Sie es zuerst in einfache Behauptungen zerlegen. Dies kann Ihnen helfen, den Lichteffekt auf dem Kopf zu erfassen. nächsten Video werden wir viel mehr darauf eingehen. Wenn ich über Farbtemperaturen in dieser Klasse spreche, spreche ich darüber, wie warm oder wie cool eine Farbe ist. Wärmere Farben, wenn sie zu allen anderen Farben gehören, sind die Rot-, Orangen-, Gelb- und warmen Grüns. Kühle Farben neigen dazu, die kühlen Grüns, Blues und Purples zu sein. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass eine Farbe sowohl warm als auch kühl gehen kann. Wie hier haben wir ein kühleres Gelb und hier haben wir ein wärmeres Gelb. Farbe ist relativ. Dieses Gelb ist näher an einem Grün und dieses ist näher an einer Orange. Im Gesicht gibt es viele Temperaturverschiebungen, die passieren. Wenn die Beleuchtung sehr warm ist, neigen die Schatten dazu, kühl zu werden. Wenn die Beleuchtung kühl ist, haben die Schatten im Vergleich oft eine Wärme. Lassen Sie uns jetzt über lokale Farbe sprechen. Lokale Farbe ist die natürliche Farbe einer Sache, wie sie in neutralem Licht erscheint, unbeeinflusst von der Farbe einer Lichtquelle. lokale Farbe dieser Zitrone ist gelb. Aber wenn wir verschiedene Lichtquellen einschalten, ändert sich die Farbe. Wenn die Zitrone unter ein blaues Licht gestellt wird, können Sie sehen, dass die Farbe ändern, die passiert. Es ist nicht mehr die lokale Farbe gelb, die wir normalerweise denken, wenn wir eine Zitrone sehen. Wenn wir es unter eine warme Lichtquelle stellen, können Sie sehen, wie es sich wieder ändert. Nun ist value die relative Helligkeit oder Dunkelheit eines Objekts. Werte sind sehr wichtig, wenn es um Beleuchtung geht. Genaue Wertänderungen geben Ihrem Portrait das 3D-Aussehen, was 2D auf dem Papier real erscheint. Wir werden auch über Kontrastwerte sprechen. Hier haben wir ein Bild mit hohen Kontrastwerten. Dieses Bild erforscht die gesamte Palette von Lichtern und Dunkelheiten. Während wir hier einen subtileren niedrigen Kontrast von Werten haben, ist das Bild ziemlich in nur einen bestimmten Bereich von Graustufen gesperrt. Es ist gut, die Kontrolle darüber zu haben, ob Ihre Wertverschiebungen einen hohen Kontrast oder einen niedrigen Kontrast aufweisen sollen. Lassen Sie uns nun über den Unterschied zwischen direkten und diffusen Lichtquellen sprechen. Einige Beispiele für direkte Lichtquellen sind die Sonne, ein Strahler oder eine Glühbirne ohne Lampenschirm. Direkte Lichtquellen führen in der Regel zu einer klaren Unterscheidung zwischen Licht und Schatten. Es gibt nichts zwischen der Lichtquelle und dem Subjekt, um das Licht zu diffundieren oder zu erweichen. So sind Licht- und Schattenformen leichter zu erkennen. Die Kantenqualität zwischen Licht und Schatten in einem direkten Beleuchtungsszenario ist hart. Die Kontrastwerte sind höher als bei einem diffusen Beleuchtungsszenario. Diffuse Lichtquellen sind Lichtquellen , die eine Art Weichmacher vor sich haben, was zu einem insgesamt weicheren Szenario führt als unsere bisherigen direkten Lichtbeispiele. Ein gutes Beispiel für ein diffuses Beleuchtungsszenario ist an einem bewölkten Tag draußen. Die Sonne ist immer noch da, aber jetzt wird sie von einer Wolkendecke verbreitet. Nun kommt das Licht aus allen Richtungen auf einmal, was zu diesem Erweichungseffekt und weniger Kontrast zu den Werten führt. Oft verwenden Fotografen Softboxen oder Regenschirme, damit sie in ihren Studios die Möglichkeit haben, eine weichere oder diffuse Beleuchtung zu erhalten. Einige Arten von Porträts werden mit der weichen Beleuchtung am schmeichelhaftesten sein. In einer diffusen Beleuchtungssituation ist es schwieriger, den Unterschied zwischen dem zu erkennen was ins Licht fällt und was in den Schatten fällt. Sie können an Ihrer Referenz schielen, um dabei zu helfen. Aber wenn Sie ein Anfänger sind, ist es vielleicht einfacher, Porträts in direkten Beleuchtungsszenarien zu üben , während Sie zuerst lernen da die Formen von Licht und Schatten viel leichter zu erkennen sind. Sie werden wahrscheinlich eine angenehmere Erfahrung beim Zeichnen eines direkten Beleuchtungsszenarios haben, da Sie die Wertformen leichter sehen können. So erhalten Sie schneller zu diesem befriedigenden 3D-Effekt. Sie werden hören, wie Fotografen über ihr Schlüssellicht sprechen. Sie beziehen sich auf die Hauptlichtquelle, die sie verwenden. Das Schlüssellicht oder Hauptlicht ist, was die Formen des Gesichts formt. Zusätzlich zur Schlüssellichtquelle verwenden Fotografen eine Fülllichtquelle. Diese Art von Licht wird als sekundäre Lichtquelle verwendet, die dem Haupttastenlicht untergeordnet ist. Fülllichter werden in der Regel verwendet, um sanftes Licht wieder in die Schatten zu springen. Das Fülllicht kann eine große diffuse Lichtquelle oder es kann sogar ein großes Stück Whiteboard sein. Werfen Sie einen Blick auf dieses Whiteboard. Sehen Sie, wie das Hauptlicht auf das Brett trifft, und dann springt das Licht wieder in die Schatten. Wenn Objekte ihre Farbe und ihr Licht zurück ins Subjekt werfen, bezeichnen wir das in der Malwelt als reflektiertes Licht. Sehen Sie, wie diese farbigen Papiere können wieder schöne Farben zu hüpfen. Jedes Objekt, das Licht empfängt, wird zu einer anderen Lichtquelle. Nicht so stark wie die erste, aber stark genug, um Farbe und Licht auf die umliegenden Gebiete und die Schatten zu schieben. Sie werden oft sehen, wie bunte Hemden Licht und Farbe wieder in den unteren Teil des Gesichts reflektieren . Es ist gut, die Grundlagen von Licht und Schatten auf einem Ball zu verstehen. Dies wird helfen, wenn Sie versuchen, andere runde Dinge wie den Kopf oder den Ball der Nase zu rendern . In diesem Szenario mit direkter Beleuchtung erhalten wir eine vorhersehbare Reihe von Tönen. Wenn wir alle diese Töne in angemessener Beziehung zueinander zeichnen, können wir diese 3D-Realität in unseren Zeichnungen erreichen. So gibt es Licht und Schatten. Diese Formen sind die ersten wesentlichen Dinge, die wir brauchen, um uns selbst zu sehen. Wenn Sie Ihre Augen nach unten schielen, können Sie diese Formen leichter sehen. Jetzt lassen Sie uns diese helle Seite untersuchen. Es gibt ein paar Töne im Licht zu kennen. Das Highlight wird der leichteste Punkt sein. Es ist eine Reflexion der Lichtquelle selbst. Die Highlights sind jedoch nicht immer reinweiß. Also, wenn Sie gehen, um sie zu malen, können Sie versuchen, mit anderen hellen Farben zu experimentieren. Nun, wenn Sie können, stellen Sie sich diesen Ball als facettierte Flugzeuge vor. Die Ebene, die dem Licht am meisten zugewandt ist, wird als Mittellicht bezeichnet. Da sich das Flugzeug immer weiter um und weg von der Lichtquelle bewegt, werden sie nur teilweise vom Licht getroffen. So bewegen sich die Werte allmählich dunkler und dunkler. Diese werden die Halbtöne genannt. Nun wird die Kante, die Sie sehen die Form von Licht zu Schatten übergeht, als Abschlusszeichen bezeichnet. Es ist ein ziemlich schneller Übergang in diesem direkten Licht-Szenario. Nun, lassen Sie uns diese dunklere Seite untersuchen. Schatten brechen in zwei Hauptteile auf: den Formschatten und den gegossenen Schatten. Formschatten sind diejenigen auf der Form selbst, wenn die Ebenen von der Lichtquelle weg zeigen. In der Form Schatten finden Sie manchmal, was man den Kernschatten nennt. Dies ist der dunkelste Teil des Formschattens. Sie finden auch reflektiertes Licht in der Form Schatten. Dies geschieht, weil die Lichtquelle auch auf den Tisch trifft und ihn grundsätzlich in eine sekundäre Lichtquelle verwandelt. Sehen Sie, wie dieses rosa Papier Licht und Farbe zurück in die Schüssel springt. Nun treten Schatten auf, wenn ein Formular verhindert, dass Licht auf ein anderes Formular trifft. In diesem Fall blockiert die Kugel diesen Teil des Tisches daran, direktes Licht von der Quelle zu erhalten. Sie werden jedoch feststellen, dass ein wenig reflektiertes Licht das im Raum springt, in den geworfenen Schatten springen kann. Wie Sie sehen können, ist es hier etwas leichter als hier. Dieser Raum, in dem der Ball auf den Tisch trifft, ist klein. Es ist also schwer für jede Menge Licht da rein zu kommen. Diese Dunkelheit wird hier als Okklusionsschatten bezeichnet. Okklusion Schatten, fand ich, tun gut, wenn ein warmes braunes Orange auf einem Porträt gemalt. Die Formen von Licht und Schatten ändern sich, wenn wir uns um die Lichtquelle bewegen. Wenn wir die Quelle weg bewegen, werfen Schatten länger. Aber mit einer direkten Lichtquelle bleiben diese vorhersehbaren Grundtöne in der gleichen Beziehung zueinander. Grundsätzlich bedeutet, ob Sie einen Ball in einem hohen Schlüssel oder in einem niedrigen Schlüssel rendern, die Beziehungen dessen, was am leichtesten und am dunkelsten ist, bleiben gleich. Wenn Sie dies weiter studieren möchten, können Sie geometrische Formen online kaufen, verschiedene Farben malen und dann unter verschiedenen Lichtquellen malen. Harte Kanten erfordern Aufmerksamkeit von Ihren Zuschauern, während verschwommene Kanten ein Ort für die Augen Ihrer Zuschauer sind, um sich zu entspannen und entlang des Stückes zu fließen. Experimentieren Sie mit verschiedenen Kanten, machen einige scharfe und andere weich und verschwommen. Dies verleiht Ihrem Stück einen malerischen Look, ein Gefühl von Tiefe und ein Element der Realität, weil unsere menschlichen Augen nicht alles sehen und konzentrieren, was es will. Versuchen Sie also, mit Kanten herumzuspielen, auch wenn es bedeutet, das zu ändern, was die Fotoreferenz Ihnen sagt, da Kameras normalerweise alles scharf erfassen. Die Kantenqualität rund um das Haar ist einer der lustigsten Orte zum Experimentieren. Normalerweise sehen Sie härtere Kanten um die Ecken des Kopfes und dann weichere Kanten, wenn Sie die Länge der Haare nach unten bewegen. Weiche Kanten können tatsächlich gefunden werden, wo zwei berührende Objekte einen ähnlichen Wert haben. Sie fließen auf natürliche Weise ineinander. So kannst du das in deinem Bild festhalten. Sie keine Angst, die Dinge undefiniert zu lassen. Suchen Sie auch nach Bereichen, in denen zwei berührende Kanten dramatisch unterschiedliche Werte aufweisen. Dies sind großartige Bereiche, um die Schärfe zu verbessern. Um eine Kante scharf zu machen, verwenden Sie einen höheren Kontrast zwischen Werten und entscheidender Markierung. Verwenden Sie einen scharfkantigen Pinsel, feinen Marker oder einen geschärften Bleistift, um die Arbeit zu erledigen. Mit harten und weichen Kanten können Sie Ihrem Stück visuellen Rhythmus geben und es macht ein Gemälde spannend, um weiter zu schauen. 3. Ebenen des Kopfes: Einige Situationen sind besser geeignet, um mit einer detaillierten Skizze zu beginnen, aber meistens finde ich den einfachsten Ansatz, ein Porträt und Malmedien zu starten, ist es, eine schnelle Skizze für die Platzierung zu machen und dann direkt in die großen Farbmassen zu springen und Ebenen des Kopfes. Dies ist der Kopf, der vom Künstler Andrew Lemus in Flugzeuge vereinfacht wurde. Denken mit der Mentalität eines Flugzeugs, hilft uns, über den Kopf in 3-D nachzudenken. Das Denken auf diese Weise kann uns zu einer soliden Struktur zum Kopf führen. Es wird nicht flach sein, aber glaubwürdig, weil Sie die 3-D-Drehungen der Formen des Kopfes berücksichtigt haben . Sehen Sie sich diese Gemälde von John Singer Sargent an. Man kann sagen, dass er in drei Dimensionen gedacht hat. Er dachte nicht an den Kopf in zwei Dimensionen auf der Leinwand, aber er dachte an den Kopf, den ganzen Weg herum. Die Unterteilung unserer Motive in Ebenen gibt uns auch eine vereinfachte Möglichkeit, die große Beleuchtungsaussage zu visualisieren. Mit all der Komplexität des Gesichts vereinfacht, ist es einfacher, das Licht zu entwerfen. In einer gegebenen Beleuchtungssituation winkt jede Ebene etwas anders zur Lichtquelle. Jede dieser Ebenenänderungen führt also zu einer Farb- oder Werteänderung. Dies kann eine fast unmerkliche Veränderung oder eine offensichtliche Veränderung sein, abhängig von der Ebene und der Lichtquelle. Die Stirn kann in drei Hauptebenen unterteilt werden, eine Mittelebene mit zwei Winkelseitenebenen. Dies verbindet sich mit dieser Keystone-Form hier zwischen den Augen und zwei Augenhöhlenebenen. Die Nase kann in eine vordere Ebene zerlegt werden, zwei seitliche Ebenen, die abwinkeln, und dann zwei obere Nasenflügelebenen, zwei untere Flügelebenen, wo sich die Nasenlöcher befinden, und eine untere Ebene. Am Wangenknochen können Sie drei imaginäre Linien zeichnen. Einer zum Masseter, dem Kaumuskel; einer zum Kinn; und einer dahin, wo man sich vorstellen würde, dass der spitzen Eckzahn landen würde. Dies erzeugt acht weitere Ebenen, die den Kopf von vorne zu den Seiten drehen. Der Mund kann auch in Ebenen zerlegt werden, am einfachsten ist die nach unten gerichtete Oberlippe und die nach oben gerichtete Unterlippe. Aber Sie können es auch in sechs kleinere Ebenen wie diese aufteilen. Dies sind die Änderungen der Hauptebene, die ich betrachte, als ich mit einem Porträt angefangen habe. Wenn ich dann ins Rollen komme, beginne ich, die kleineren Ebenen zu berücksichtigen, um den Mund, das Kinn und am Hals. In einer geraden Ansicht sind nach oben gerichtete Ebenen, auch als oberste Ebenen bezeichnet werden, jene Ebenen, die im Allgemeinen nach oben gerichtet sind. Nach unten gerichtete Ebenen, auch unter Ebenen genannt, zeigen im Allgemeinen nach unten in Richtung Boden. Wenn es Ihnen schwer fällt, herauszufinden, ob etwas eine nach oben gerichtete Ebene oder eine nach unten gerichtete Ebene ist, legen Sie Ihre Hände auf das Flugzeug auf Ihr eigenes Gesicht und ziehen Sie es dann geradeaus in die gleiche Richtung. Wenn du den Weg deiner Hand für immer fortsetzen könntest, würde sie schließlich den Himmel oder den Boden treffen? Sie werden in der Lage sein, eine wirklich schöne Struktur auf den Kopf zu erreichen , wenn Sie es in Ebenen wie diese brechen. Eine gute Übung, die Sie versuchen können, diese Idee zu verfestigen , ist es, die Ebenen des Kopfes auf Fotos zu zeichnen. Einmal ging ich durch ein ganzes Magazin und tat das und es war wirklich hilfreich für mich. Dies wird Ihnen helfen, in 3D-D zu denken, aber Sie werden auch beginnen, die Farb- und Werteänderungen zu bemerken , die von Ebene zu Ebene passieren. Diese Farbwechsel von Ebene zu Ebene sind das, was uns unseren Hauptlichteffekt geben wird, wenn wir mit dem Malen beginnen. In dieser Klasse werde ich meistens das Erwachsenenporträt abdecken, aber diese gleichen Ebenen können auf jedes Alter, jede Rasse oder jedes Geschlecht angewendet werden, nur mit unterschiedlichen Proportionen und leichten Abweichungen zu den Flugplanrichtungen. Diese Ebenen sind jedoch nur der Ausgangspunkt. Sobald Sie diese erhalten haben, müssen Sie Übergangsfarben hinzufügen oder eine andere Mischtechnik anwenden , damit eine Ebene reibungslos in die nächste fließen kann. Dies wird Ihre Roboterzeichnung in einen Menschen verwandeln, aber wir werden mehr darüber im Video zu Mischtechniken später in der Klasse sprechen. 4. Hauttöne: Der Hautton einer Person ist wirklich wichtig, weil es eine der Hauptfarben ist, mit denen Sie auf einem Porträt arbeiten werden. Es ist eine gute Idee zu lernen, wie man Hauttöne in den Medien mischt, die Sie wählen. Wenn Sie mit einem traditionellen Medium arbeiten, finden Sie es vielleicht eine gute Idee, zu versuchen, Ihre eigene Hautfarbe in neutraler Beleuchtung zu kopieren und zu beachten, welche Farben Sie verwenden, um die Mischung zu erhalten, die Sie erreichen. Wir erhalten die beste Darstellung der lokalen Farbe einer Haut unter neutraler weicher Beleuchtung. Natürlich, wenn wir anfangen, Lichtquellen einzuführen, die viel wärmer oder kühler sind, wie wir herausfinden werden, ändert sich die Farbe der Haut und das Licht im Schatten. Aber die Grundlagen des Mischen von lokalen Farbtönen zu kennen, wird ein großartiger Ausgangspunkt sein. Sie können sich auch Referenzen ansehen. Meister Maler sind großartig zu studieren. Sergeant, Bouguereau, Zorn, oder sogar einige der modernen Meister. Wenn Sie mit Pigmenten mischen, ist ein guter Ausgangspunkt für mittlere Hauttöne ein Kambiumrot plus gelbes Ocker plus Titanweiß plus King's Blau oder Aquamarin Blau. Aber anstatt sich immer an einem Mischrezept zu halten, nehmen Sie sich die Zeit, jeden Hautton zu beobachten und mit anderen Kombinationen zu experimentieren. Wenn Sie zu einer Live-Zeichensitzung kommen und aus dem Leben malen können, ist dies eine der besten Möglichkeiten, um schnell alle Aspekte Ihrer Zeichen- und Malfähigkeiten zu verbessern. Es gibt ein paar Dinge zu beachten, wenn Sie bestimmen, wie man die Haut eines Menschen malt. Zuerst könnten Sie überlegen, was der Wert ist? Wie hell oder dunkel ist ihre Haut? Zweitens, was ist der allgemeine Farbton? Wir alle haben unsere Basen in einem orangebraunen Farbton. Aber dann nehmen Sie es weiter, haben sie eine rosa oder rötliche Uniters Haut? Oder haben sie einen gelben oder grünen Unterton? Oder gibt es keinen unterscheidbaren Unterton? Machen Sie Vergleiche mit anderen Farben, um Ihnen bei der Entscheidung zu helfen. Einige Hauttöne neigen eher zu rosa oder rötlichen Tönen während andere goldene oder olivfarbene Untertöne haben. Schließlich, was bedeutet die Sättigung ihrer Haut? Haben sie einen gedämpften Hautton, oder ist ihre Haut sehr reich und gesättigt? Antworten auf diese Fragen zu finden, können Sie dazu führen, bessere Hauttöne zu malen. Fahren Sie mit dem Experimentieren, Anpassen und Optimieren der einzelnen Farbkomponenten fort, während Sie mischen. Eine große Farbfarbe zum Mischen aller Arten von Hauttönen ist transparentes Oxidrot. Sie können viele wirklich schöne Hauttonmischungen bekommen wenn Sie mit dieser Farbe experimentieren. Wenn Sie den Farbton etwas weiter abbauen, werden Sie manchmal Farbverschiebungen sehen, die zwischen diesen Gesichtszonen passieren. Bei hellen bis mittleren Hauttönen wird oft die mittlere Zone, in der die Wangen und diese sind, einen mehr roten oder rosa Farbton haben. Dies ist die offensichtlichste zu sehen, denke ich. Auf dem unteren Drittel des Gesichts um den Mund ihren Kiefer, können Sie einen bläulichen oder grünlichen Farbton sehen. Dies ist in der Regel besser sichtbar bei Männern, die einen 5-Uhr-Schatten haben. Manchmal ist die obere Zone der Stirn im Vergleich zu den anderen beiden Zonen gelber oder goldener. Erkunden Sie diese Idee von Fall zu Fall, und beobachten Sie, ob es neue Variationen zwischen den Gesichtszonen Ihres Motivs und einigen dunklen Hauttönen gibt. Ich habe persönlich bemerkt, dass die mittlere Zone tatsächlich goldener sein kann als Rottöne. Also, seien Sie wachsam auf Veränderungen und schwärmen von dieser Idee abhängig vom Hautton. Farbton noch weiter auf allen Hauttönen zu nehmen , kann schön sein, um mit gebrochener Farbe zu experimentieren. Die Haut sollte wirklich nicht eine einheitliche Farbe haben. Sie können verschiedene Farbtöne direkt nebeneinander platzieren , um das Gefühl von Licht und Farbe zu erfassen. Hier ist der Hautton ein Mittelwert mit gelben und orangefarbenen Untertönen. Es ist auch ein ziemlich gesättigter Hautton, aber wir können dem Hautton noch mehr Energie hinzufügen, indem wir gebrochene Farbe verwenden. hineinzoomen, können Sie sehen, wie ich einige kühlere Rosen und Purples über diesen Bereich getanzt habe, um der Haut etwas Lebendigkeit zu verleihen. Ich habe auch einige gebrochene Farben in dieses Porträt verstreut , um das Gefühl von Licht und Farbe besser zu zeigen. Versuchen Sie, den Wert gleich zu halten, damit nichts herausspringt, zu hell oder zu dunkel ist. Verschieben Sie einfach den Farbton um das Farbrad und versuchen Sie, einige neue Farben über Ihre Hauttöne zu überspringen , um sie zu beleben. Eine kurze Notiz zum digitalen Arbeiten, Arbeiten mit digitalen Schmerzen ist viel einfacher Farbe weise, weil Sie Farbe direkt aus dem Bild auswählen können. Manchmal werde ich voran gehen und mit Farbanpassungen und Photoshop spielen , wenn ich denke, dass es mir optisch ansprechende Farben geben wird. Hier mag ich die Wirkung der gestoßenen Sättigung so dass wir diese schönen Farben in den Schatten sehen können. Experimentieren Sie mit Farben und ändern Sie sie von der Referenz, wo Sie für richtig halten, besonders wenn Ihr Ziel ist, etwas künstlerischer oder echter aussehen zu lassen. Die Kamera kann Ihnen nur so viele Farbinformationen geben. Wenn Sie eine Figur aus Ihrer Phantasie färben, möchten Sie vielleicht vermeiden, zuerst auf einem weißen Hintergrund zu malen , weil die Tendenz sein kann, zu leicht im Wert zu malen, so dass Sie wenig Platz für Highlights. Daher ist es oft einfacher, mit einem mittleren Tonwert als Hintergrundfarbe zu beginnen. Einige Ölmaler werden ihre Leinwand sogar zuerst mit einer lockeren braunen, blauen oder grünen Mischung klingen. Als Hinweis für digitale Maler stellte ich fest, dass die natürlichen Hauttöne oft hier in diesem Bereich liegen werden , wobei der Farbton entweder rot oder gelber gedrückt wird. Aber natürlich gibt es immer Ausnahmen, also seien Sie aufmerksam und experimentieren Sie immer. 5. Lichtquellen: Also haben wir gerade über die lokale Farbe der Hauttöne gesprochen. Aber wirklich, lokale Farbe ist nur ein Ausgangspunkt, denn wie das Zitrone Beispiel früher, müssen wir auch die Lichtquelle berücksichtigen und welche Farbtemperatur die Lichtquelle ist. Die Farben, die wir in Bildern malen werden, sind die lokalen Farben, da sie von der Lichtquelle betroffen sind. In diesem Abschnitt werden wir durch die Tendenzen mehrerer gängiger Lichtszenarien gehen . Wir werden die Farbtemperaturen, Kanten und Werte vergleichen und kontrastieren. Ich denke wirklich, dass das Studium dieser grundlegenden Szenarien uns helfen wird, bessere Kunstwerke zu schaffen. Ein Porträtbild oder eine Charakterillustration muss nicht über eine Menge unterschiedlicher Lichtquellen verfügen , um ein großartiges Stück zu werden. Wirklich, ein einfaches Lichtszenario wird schön sein, also überlegen Sie, diese Szenarien zu studieren und dann andere von dort zu erkunden, wenn Sie es wünschen. An einem sonnigen, klaren Himmel wirkt die Sonne als direkte Lichtquelle. Da die Sonne nicht von Wolken gestreut wird, sind die daraus resultierenden Formen von Licht und Schatten auf dem Gesicht für uns ziemlich offensichtlich. Die geworfenen Schatten haben in der Regel eine härtere Kantenqualität, und die Werte im Portrait sind in der Regel ein hoher Kontrast. Die Farbtemperatur des Sonnenlichts im Freien wird Ihnen normalerweise eine Wärme in der Haut im Licht und eine Kühle in den Schatten geben. Dies ist am deutlichsten bei Sonnenaufgang und Sonnenuntergang zu sehen. Zu diesen Zeiten wird das Licht rot orange in der Qualität im Licht und kühles blau-violett in den Schatten sein. Wenn Sie eine Person draußen betrachten, müssen Sie auch ihre Umgebung berücksichtigen. Die Sonne trifft sowohl den Himmel als auch alles andere auf der Welt, so dass diese Dinge zu sekundären Lichtquellen werden, die der Sonne selbst untergeordnet sind, aber dennoch Lichtquellen. In dieser Situation, wo Sie sehen, die Kante der Haare leuchtet mit Licht, das bedeutet, dass die Person ist weg von der direkten Lichtquelle, der Sonne. Aber wie Sie sehen können, ist ihr Gesicht immer noch beleuchtet. Aber wie, wenn sie von der Sonne abgewandt ist? In dieser Art von Situation erreicht direktes Licht von der Sonne nur den Rücken, aber ihr Gesicht wird tatsächlich von sekundären Lichtquellen beleuchtet, hauptsächlich vom Himmel und vom Boden. Die nach oben gerichteten Ebenen im Schattenbereich werden vom Oberlicht und der Farbe beeinflusst und haben daher eine blaue Qualität für sie. Die nach unten gerichteten Ebenen werden durch das Licht und die Farbe des Bodens beeinflusst, was normalerweise warm ist, da es sich normalerweise um Schmutz, Sand, einen Bürgersteig oder warmes grünes Gras handelt. Wenn Sie also die Situation sehen, in der der Rücken einer Person zur Sonne ist, erhalten Sie diese Kühle auf den nach oben gerichteten Ebenen, der Stirn, Wangenspitzen, der Nasenbrücke, der Oberseite der Lippen und der Oberseite des Kinns. Dann sehen Sie eine Wärme auf den nach unten gerichteten Ebenen, die Ebene zwischen den Augen, die Unterseite der Nase, die Unterseite der Wangen, direkt unter der Unterlippe hier und der Unterseite des Kinns. Dies wird entlang des Halses, der Brust und schließlich des Körpers auf die gleiche Weise fortgesetzt , wobei die nach oben gerichteten Ebenen eine Kühle haben und die nach unten gerichteten Ebenen eine Wärme haben. Es ist wirklich erstaunlich, wenn Sie anfangen, dies im wirklichen Leben, in Bildern und in Filmen zu sehen . Ich erinnere mich, Filme zu sehen und das die ganze Zeit gesehen zu haben, als ich das erste Mal gelernt habe. Es ist ein wirklich schöner Effekt, der im wirklichen Leben passiert und es übersetzt ganz schön in Porträtkunst. Die Sonne ist jedoch die wichtigste Lichtquelle an einem klaren, sonnigen Tag. Also, denken Sie daran, nichts im Schatten wird heller sein als das starke Licht. Bewölktes Licht ist im Grunde die Sonne, die von einer Decke aus dicken Wolken blockiert wird. Es ist ein diffuses Beleuchtungsszenario, wie wir vorhin gesprochen haben. Bei bewölktem Licht kommt das Licht aus vielen Richtungen gleichzeitig. Dadurch werden Werteübergänge von Licht zu Schatten deutlich weicher. Der Kontrast zwischen Licht und Schatten ist nicht mehr intensiv und dramatisch, sondern vielmehr sehr schrittweise. Die Kanten von geworfenen Schatten sind viel weicher als in einem Szenario mit direkter Sonneneinstrahlung. Denken Sie daran, nach unten zu schielen, um die Unterscheidung zwischen Bereichen,die vom Licht getroffen werden, und Bereichen, die in den Schatten fallen,zu finden die vom Licht getroffen werden, und Bereichen, die in den Schatten fallen, Dies wird Ihnen helfen, sie besser zu malen. In meiner Beobachtung neigt das Licht an einem bewölkten Tag dazu im Licht kühler und im Schatten wärmer zu werden. Oft habe ich rosa oder violette Töne auf den Lichtern und warme orangefarbene Grüns im Schatten gesehen. Wenn Sie das Malen aus dem Leben genießen, ein guter Weg, um relativ konsistente natürliche Beleuchtung in Innenräumen zu erhalten, ist ein guter Weg, um relativ konsistente natürliche Beleuchtung in Innenräumen zu erhalten,durch ein Fenster zu malen. Porträtkünstler, die im Innenbereich arbeiten, werden oft gerne in einem Nordlichtstudio arbeiten. Licht, das aus dem Norden kommt, wurde im Laufe des Tages als das konsequenteste akzeptiert , ohne dass direktes Licht von der Sonne einströmt. Wenn Sie diese Blumen zum Beispiel aus dem Leben malen, würden sich diese Schattenformen den ganzen Tag über bewegen, was es schwierig macht, sie in Ihrer Zeichnung zu fixieren. Aber diese Schattenformen bleiben während der späten Stunden des Tages ziemlich konsistent und bieten Ihnen viel Arbeitszeit. Fensterlicht gibt Ihnen in der Regel eine Kühle im Licht und eine Wärme im Schatten, aber es kann sich ändern, je nachdem, was außerhalb des Fensters ist. Bei einem kleineren Fenster wird der Unterschied zwischen Licht und Schatten dramatischer, mit intensiveren Schatten und schärferen Kanten. Bei einem größeren Fenster wird der Unterschied weicher sein, mit allmählicheren Übergängen zwischen Licht und Schatten. Ein mittelgroßes Fenster, wahrscheinlich typisch für die meisten Fensterlichtszenarien, landet irgendwo dazwischen, wobei die Übergänge nicht zu weich, aber nicht zu hart sind. Aber auch die Entfernung des Subjekts vom Fenster selbst wird hier einen Unterschied machen. Also, aufmerksam zu sein, wird immer der Schlüssel sein. Nach Norden gerichtete Fensterleuchte ist eine bequeme Möglichkeit, aus dem Leben zu malen und gleichzeitig ein relativ konsistentes Beleuchtungsszenario zu haben. Sie können ein Stillleben einrichten, um eine Farbstudie zu machen, ein Selbstporträt zu machen oder sogar einen Freund für Sie sitzen zu lassen. Mit Blick auf Ihr Modell mehr ins Licht, können Sie einige sehr schmeichelhafte weiche Hauttöne bekommen. Um zu finden, welche Fenster in Ihrem Haus am meisten nach Norden ausgerichtet sind, können Sie einen Kompass oder eine Kompass-App auf Ihrem Handy verwenden. Es gibt so viele verschiedene Arten von elektrischen Glühbirnen in der Welt. Also, um zu vereinfachen, lassen Sie uns einfach mit der Unterscheidung zwischen den häufigsten Farbtemperaturen beginnen . Bei elektrischer Beleuchtung werden Sie am häufigsten warme orangefarbene oder gelbe Lichter, neutrale weiße Lichter und kühle blaue Lichter sehen . Warme Beleuchtung wird oft im Haus gesehen. Dies gibt ein Gefühl von Wärme und Gemütlichkeit, die für den Heimgebrauch sinnvoll ist. Wenn Sie diese Art von elektrischer Beleuchtung auf dem Gesicht sehen, sehen Sie orangey warme Töne in den hellen und kühlere Töne in den Schatten. Weiße neutrale Beleuchtung findet sich oft in Orten wie Klassenzimmern. Dies ist eine gute Aufgabe lichtweise, weil es Farben so nah wie möglich an ihrer lokalen Farbe hält . Die Farben in Licht und Schatten sind neutraler und in ihren Farbunterschieden nicht extrem offensichtlich. Kühle Beleuchtung ist oft eine modernere Art der Beleuchtung, oft in der Eventbeleuchtung zu sehen ist. Diese Art von Licht zeigt eine Blauheit im Hautton im Licht und erzeugt wärmere Schatten, wenn sie hell genug sind, damit wir sehen können. Wenn sie nicht durch einen Lampenschirm diffundiert werden, sind alle Glühbirnen direkte Lichtquellen. Also, sie produzieren normalerweise hartschneidige werfen Schatten und der Wert ändert sich von hell zu dunkel wird für uns ziemlich offensichtlich sein. Aber wie wir wissen, gibt es viele Möglichkeiten, Glühbirnen zu diffundieren. Zum Beispiel bieten Kuppeln an Deckenventilatoren ein wenig Diffusion, ebenso wie Lampenschirme. Wenn eine Diffusionsquelle wie diese hinzugefügt wird, wird die Beleuchtung weich erzeugt weichere Kanten zwischen Licht und Schatten auf der Fläche und insgesamt einen geringeren Kontrast in den Werten. Oft werden Fotografen zwei bis drei elektrische Lichtquellen in der gleichen Zusammensetzung kombinieren , was für uns etwas verwirrend sein kann, um auf den ersten Blick zu sezieren. Aber mit ein wenig Geduld können wir es herausfinden. Normalerweise verwenden sie ein Schlüssellicht, die Hauptlichtquelle, um das Gesicht zu bilden, dann fügen sie oft ein Fülllicht als untergeordnetes Licht auf der Schattenseite hinzu, um Farbe und Licht wieder in die Schatten zu bringen, und dann Sie werden manchmal ein Raumlicht verwenden, das hinter dem Motiv platziert werden kann, um den Kopf oder das Haar zu beleuchten, wodurch eine Trennung zwischen dem Motiv und dem Hintergrund entsteht. Fotografen diffundieren oft elektrische Lichtquellen mit Regenschirmen oder Softboxen. Wie wir wissen, führt dies zu einem gedämpfteren Effekt. Sie werden auch weiße Tafeln verwenden, wie ich bereits erwähnt habe, als sekundäre Lichtquellen, die Licht wieder in die Schatten reflektieren und diesen Formen Informationen hinzufügen, die sonst als starke Dunkelheit gelesen hätten. Natürlich werden einige Fotografen diese dunkel lassen, da alles von der Stimmung des Stückes abhängt. Elektrische Beleuchtungssituationen können extrem experimentell werden, da die Möglichkeiten endlos und nicht so einfach sind wie einige dieser anderen Beleuchtungsszenarien. Also, nehmen Sie sich die Zeit, ein wenig zu untersuchen, und versuchen Sie Ihr Bestes, um herauszufinden, was Sie denken, die Farbe des Lichts ist auf dem Foto und dann die resultierenden Schatten, und wie hart oder weich die Beleuchtung ist, und wie das wirkt sich auf die Kanten zwischen Licht und Schatten aus. Die Verwendung von Feuerlicht, Kerzenlicht, Wunderkerzen oder Laternen in Ihrem Gemälde kann wirklich schön sein. Es wird sofort Stimmung erzeugen und Ihre Zuschauer über die Geschichte Ihres Themas wundern. Es wird schöne warme Orangen im Licht von den Flammen und kühlen Blues in den Schatten geben, besonders wenn Ihr Motiv draußen mit dem Himmel über ihnen ist. In Feuerlicht-Szenarien wird der Kontrast hoch sein und die Schattenformen werden ziemlich deutlich sein. Es ist wichtig zu beachten, dass Fotos manchmal diese echten Farben nicht erfassen können. Also, Sie werden immer die Natur beobachten wollen, während Sie durch Ihren Alltag gehen, dann können Sie einige der Dinge, die Sie gelernt haben, zurück in Ihre Kunst bringen. 6. Beleuchtungswinkel: Sie können Ihr Motiv und Ihre Lichtquelle endlos bewegen. Aber in diesem Video möchte ich Ihnen ein paar zeigen, dass Sie die ganze Zeit in Fotografie, Gemälde und Illustrationen sehen , weil sie darüber wirklich gut übersetzen. Ich werde Begriffe verwenden, die Fotografen manchmal verwendet werden, um uns wie Willey zu helfen. Schmetterlingsbeleuchtung tritt auf, wenn die Lichtquelle über Kopf und leicht vorwärts vom Modell ist . Wahrscheinlich ist die offensichtlichste Schattenform, die in diesem Szenario produziert wird, die direkt unter der Nase. Ich vereinfachen es oft, denke es als ein umgedrehtes Dreieck. Sie werden auch sehen, wie die Ebenen um die Augen in Schatten fallen. Die Oberlippe fällt in Schatten, und Sie erhalten auch einen Wurfschatten unter der Unterlippe. Die Seitenebenen des Gesichts um den Kiefer werden ebenfalls in Schatten fallen. Sie werden diese Art von Form sehen, die vom Kopf auf den Hals geworfen wird. Wie ich bereits erwähnt habe, male ich gerne Formschatten und werfe Schatten zusammen in eine Form, wenn ich kann, und finde dann ihre Feinheiten. Was wirklich cool ist, können Sie sehen, dass diese Formen von einer Person zur nächsten erscheinen. Weil wir alle die gleichen grundlegenden Punkte haben. Sobald Sie sich diese grundlegenden Schattenformen auswendig gelernt haben, können Sie sie sogar in phantasievollen Skizzen verwenden und das Aussehen Ihres Motivs von oben abziehen. Schmetterlingsbeleuchtung funktioniert sowohl für Porträts als auch für Charakterillustrationen. Loop-Beleuchtung ist eine weitere, die sowohl für Porträts als auch für Charaktere sehr gut funktioniert. Sehen Sie diese kleine Schleife des Schattens hier. Das ist charakteristisch für Loop-Beleuchtung. Der Schatten, der von der Nase geworfen wird, geht auf eine Seite, die normalerweise nach unten in Richtung Mund zeigt. Um eine Loop-Beleuchtung zu erhalten, wird die Lichtquelle oben platziert und dann ein wenig nach links oder rechts vom Modell gedrückt. In einem Loop Beleuchtungsszenario fallen diese Ebenen in Schatten. Sie erhalten einen gegossenen Schatten von den Lippen und wieder auf den Hals bilden eine Dreiecksform. Loop-Beleuchtung funktioniert auch in einer Dreiviertelansicht gut. Dies wird als Breitschleifen-Beleuchtung bezeichnet, da wir mehr von der Lichtseite ausgesetzt sind. auf die Schattenseite herumlaufen, haben wir das, was man Kurzschleifenbeleuchtung nennt. Ich habe gesehen, dass Breitschleifenbeleuchtung besonders gut für Charakterillustrationen funktioniert. Es ist eine einfache, saubere Art, Ihre Charaktere anzuzünden. Ich denke, alle Loop Beleuchtungsszenarien können gut für realistischere Arbeit funktionieren. Wenn Sie ein Dreieck auf der Wange sehen, wissen Sie, dass Sie es mit Rembrandt-Beleuchtung zu tun haben. Um Rembrandt-Beleuchtung zu erreichen, die Lichtquellen oberhalb und links oder rechts vom Modell platziert, die den Nasenschatten mit dem Wangenschatten verbinden. Dies ist ein ansprechender Linienwinkel und vertrauen vielen Künstlern und Porträtmalern, da es schmeichelhafte Ergebnisse liefert. Viele der alten Meister malten mit Licht und trafen auf diese Weise ihre Motive. Ich persönlich reservierte diese dramatischere Beleuchtung eher für meine realistischeren Porträtarbeiten als für meine skizzenhaften Charaktere. Aber experimentiere, um zu sehen, was dir gefällt. Split-Beleuchtung ist sehr dramatisch. Bei geteilter Beleuchtung befindet sich die Lichtquelle zur Seite des Modells. Die Kante zwischen Licht und Schatten teilt das Gesicht in Halblicht und Halbschatten. Die Intensität dieses Beleuchtungswinkels eignet sich gut, um stimmungsvollere Szenen darzustellen. Randbeleuchtung, auch als Randbeleuchtung bezeichnet, tritt auf, wenn sich das Licht hinter diesem Objekt befindet. Es erzeugt diesen wirklich dramatischen Effekt, vor allem, wenn der Hintergrund dunkel ist. Damit das Felgenlicht wirklich knallen kann. Wenn der Kopf in einen Höhenplan verwandelt wird, ist es wichtig zu beachten, dass das Felgenlicht möglicherweise nicht das gleiche Linienstärke hat, wie es entlang der Fläche geht. Breitere Flugzeuge werden mehr Licht auf ihnen haben. Zum Beispiel landet das Licht dicker auf der Stirn als auf der Nase. Sie werden oft Felgenbeleuchtung um den Rand der Haare sehen, und es gibt eine wirklich schöne Wirkung. Es kann auch helfen, das Motiv in Ihrer Illustration vom Hintergrund zu trennen. Unterbeleuchtungen können einen großen Storytelling-Effekt haben. Es wird erreicht, wenn das Licht vor und unter dem Motiv platziert wird. Dies ist das Gegenteil von Schmetterlingsbeleuchtung. Alle Flugzeuge sind in der entgegengesetzten Weise beleuchtet. Ebenen, die normalerweise von Licht getroffen werden, befinden sich jetzt im Schatten, und Ebenen, die normalerweise im Schatten sind, werden nun von Licht getroffen. Dies ist ein aufmerksamkeitsreichendes Beleuchtungsszenario. Oft wird es verwendet, wenn jemand am Lagerfeuer ist, wenn er die Kerze hält oder wenn er etwas Magisches hält, das leuchtet. Es kann ein gruseliges Gefühl, ein ruhiges Gefühl oder ein magisches Gefühl geben . Je nachdem, wie Sie die anderen Teile des Stückes wie das Thema selbst und ihren Ausdruck spielen . Ich weiß nicht, wie ich diese Art von Beleuchtung nennen soll. Aber ich sehe es die ganze Zeit. Vor allem in Charakterabbildungen. Nose Pop-Beleuchtung, wie ich es nennen werde, tritt auf, wenn die Schlüssellichtquelle über und leicht hinter dem Motiv ist , so dass nur ihre Nase und die Stirnspitze ins Licht fallen. Ich fand, dass dies ein guter Beleuchtungswinkel für süße Charaktere ist. Weil es die süße Rundheit der Nase fängt. Dies kann auch für ein weibliches Modell gut funktionieren. Mit all diesen Winkeln habe ich sie dir in direkten Lichtszenarien gezeigt. Weil ich will, dass du die Schattenformen klar siehst. Aber natürlich können Sie diese auch in weichen oder diffusen Lichtszenarien replizieren. Kanten werden nur deutlich weicher, und Werteänderungen sind nicht so sicher. Dies sind nur ein paar Beleuchtungswinkel, um Ihnen den Einstieg zu erleichtern. Diese mögen einfach erscheinen, aber sie erweisen sich als zuverlässig für mich. Die Formen werden von einem Gesicht zur nächsten übertragen. Also, sobald Sie diese Grundlagen auswendig gelernt haben, können Sie sie auf jeder Art von Gesicht reproduzieren. Also, experimentieren und finden Sie die Beleuchtungswinkel, die Sie lieben das Aussehen. 7. Mischtechniken: Lassen Sie uns jetzt darüber sprechen, wie wir die Übergänge von einer Ebene zur nächsten verschmelzen und glätten können. Wir sind nicht facettiert wie diese Flugzeugmodelle. Also können wir es nicht einfach dabei belassen. Wir können Kanten zwischen den Ebenen ein paar verschiedene Möglichkeiten erweichen, und ich werde Ihnen einige meiner gehen zu Methoden und einige meiner Lieblings-Medien zeigen. Beim Malen in Photoshop verwende ich persönlich keine Airbrush, um Flugzeuge zu malen. Stattdessen werde ich normalerweise mit einem härteren Pinsel beginnen. Dies hilft mir die solidere Struktur zu geben, die ich will. Wenn es darum geht, einen Übergang zu glätten, was ich manchmal tun werde, ist Farbauswahl aus der ersten Ebene, und dann Farbe wählen aus der zweiten Ebene und dann sehen, wo sie landen. Ich mag es zu sehen, welche Farbe zwischen diesen beiden Farben fallen könnte. Dieser scheint in der Mitte zu sein, also versuche ich das hier. Dann wiederhole ich diesen Vorgang so viel wie ich möchte, bis ich mehrere inkrementelle Farbänderungen habe, die mir geholfenhaben mehrere inkrementelle Farbänderungen habe, die mir geholfen von einer großen Ebene zur nächsten zu wechseln. Dann kann ich meine Airbrush nehmen und sie etwas glätten, wenn ich will. Farbe Kommissionierung, wie ich auf diese malen. Eine andere Methode, die ich verwende, ist, dass ich eine Farbe aufnehme und sie leicht in die nächste einfärbe. Dann nehme ich die andere Farbe mit meinem Pipettenwerkzeug auf und ziehe diese leicht zurück in die erste Farbe. Ich gehe so hin und her, bis die Mischung glatt ist. Sie können dies für alle einfachen Änderungen tun, die geglättet werden müssen. In Photoshop ist die Farbauswahl sehr einfach und wenn Sie ein Tablet haben, können Sie die Taste auf Ihrem Stift mit der Pipette programmieren, wenn Sie darauf klicken. Schauen Sie sich meine Photoshop Demystify-Klasse an, wenn Sie Hilfe bei der Programmierung benötigen. In der Procreate App auf dem iPad Pro. Eine meiner Lieblingsweisen zu mischen, ist die Verwendung des Schmierwerkzeugs mit dem weichen Pastellpinsel. Mit diesem Pinsel können Sie einfach ziehen und ziehen diese Farben ineinander und es wird eine schöne Mischung zu schaffen. Hier können Sie die weiche Pastell-Schmiertechnik in Aktion sehen. Auch hier können Sie, wie in Photoshop, auch die Methode verwenden, bei der Sie versuchen, Farben zu finden, die direkt dazwischen landen würden. Mit Ölfarben können Sie den Übergang glätten, indem Sie Ihren Pinsel auf die beiden Ebenen so zerquetschen. Dadurch kann eine neue Übergangsfarbe erstellt werden. Wie bei den anderen Medien, können Sie auch eine neue Farbe mischen, die zwischen ihnen landen könnte Wert weise. Hier mischen sich die hellere Farbe mit der dunkleren Farbe auf meiner Palette, um eine Art Mittelton zu schaffen, der zwischen ihnen fallen würde. Mit weichen Pastelltönen können Sie die Farben beim Zeichnen überlappen und dann mit dem Finger oder einem Taschentuch glätten. Sie können sogar Q-Tipps und Stempel für kleinere Bereiche verwenden. Mit Markern, wie den Copic-Markern, die ich hier verwende müssen Sie wirklich einen Aktionsplan mit Ihrer Beleuchtung haben, was ein bisschen anders ist als der malerische Ansatz, den ich bisher gelehrt habe, wo man einfach auf Farbänderungen und verschmelzen sie später. Mit Markern und mit einem Medium wie Aquarell erhalten Sie die glattesten Übergänge, wenn Sie von hell zu dunkel arbeiten. Copic's, Ich denke, sind eine der besten Marken von Markern auf dem Markt, weil sie sehr glatt und baubar sind auch. Wenn Sie in Erwägung ziehen, in Marker zu investieren, würde ich empfehlen, hellere Farben zu kaufen, als Sie denken würden. Kaufen Sie auch ein paar Farben nahe einander auf ihrem Diagramm, da dies sicherstellen wird, dass Sie diese glatten Übergänge leicht erhalten können. Hier sind die Farben, die ich gerne benutze. Ich fing mit meiner sehr hellsten Farbe an und arbeitete mich langsam aber sicher bis hin zu den dunkleren Tönen. Ich werde bald eine Klasse machen, wie Sie Ihre Charaktere mit diesen Markern färben können. Achten Sie also darauf, dass Sie darauf achten. 8. Die kleineren Gesichtspartien: Nachdem Sie die grundlegenden Tragwerksebenen verschmolzen haben, müssen Sie darauf zurückbauen. Hier können Sie mit der Arbeit an einigen der kleineren Formen des Gesichts beginnen. Dies sind die Formen, die ich am häufigsten auf dem Gesicht sehe. Diese W-Form um den Mund herum, diese kleinen bohnenartigen Formen an den Mundwinkeln, diese Formen, die sich von der Nase bis zum Mund erstrecken, und diese kleinen Dreiecke über den Augenbrauen, die oft Licht fangen können. Sehen Sie, wie diese Formen und andere auf dem Gesicht dieses Mannes auftauchen. Also, seien Sie auf der Suche nach diesen kleineren Formen. Einige werden sich offensichtlich zeigen, aber meistens habe ich festgestellt, dass sie ziemlich subtil sind, besonders bei jungen Menschen und bei Frauen. Also, sie sollten sorgfältig geprüft und mit Sorgfalt gezeichnet werden. Dies ist der Teil der Porträtmalerei, der am längsten in Anspruch nimmt. Die Dinge werden sich verlangsamen, wenn Sie sorgfältig beginnen die weniger offensichtlichen Windungen des Gesichts zu beobachten und zu rendern. Also, während dieser Zeit nur geduldig mit sich selbst und halten Sie Ihre Beobachtungskappe auf. Sie müssen diese nicht auf Charaktere setzen, aber um realistische Porträts zu modellieren, sollten Sie erwägen, etwas Aufmerksamkeit auf diese kleineren Formen zu lenken. Wenn Sie mehr über diese kleineren Formen des Gesichts erfahren möchten, schauen Sie sich diese Bücher an. Sie mehr über die rhythmischen Liniengrafiken erfahren möchten, die Sie beim Zeichnen anwenden können, schauen Sie sich die Frank Reilly-Methode an. 9. Mehr Beleuchtungseffekte: In diesem Video möchte ich durch einige weitere Lichteffekte laufen, die wirklich cool sein können, um in Ihren Stücken auszuprobieren. Wenn Licht auf einem Baum scheint, werden viele Strahlen des Lichts durch die Blätter blockiert, aber durch die Löcher der Bäume kann noch etwas Licht durchdringen. Diese Lichtflecken erzeugen einen aufgeblendeten Lichteffekt. Sie können kreisförmige Formen, elliptische oder abstrakte Formen sein. Gesättigtes Rot oder Orange kann oft entlang der Ränder gesehen werden, wie es hier gibt. Im Inneren des Bildes werfen Dinge wie Hüte, Haare und Pony und Sonnenbrillen Schatten auf das Gesicht. Ich empfehle, eine Referenz zu verwenden, wenn Sie sich dies für einen Charakter ausdenken. Diese Arten von geworfenen Schatten in direktem Licht haben in der Regel eine definierte Kantenqualität. Sie können sich auch vorstellen, dass die Objekte außerhalb des Bildes Schatten auf Ihr Motiv werfen. Dies ist ein guter Weg, um ein Gefühl von Drama zu schaffen. Halbe Schatten wie dieser erzeugen ein Gefühl des Staunens für Ihren Betrachter. Harte geworfene Schatten zeigen etwas näher an, während sehr weiche Schatten etwas weit entfernt in der Ferne zeigen. Dies schafft Drama, Stimmung am Anfang einer Geschichte. Fensterschattierungen können auch wirklich interessante Schattenformen auf Ihr Thema werfen. Unterflächenstreuung kann in bestimmten Beleuchtungsszenarien an den Ohren, Fingerspitzen und manchmal am Rand der Nasenlöcher gesehen werden. Wissen Sie, wenn Sie jemanden draußen sehen und Licht von hinter ihnen kommt, und ihre Ohren sind diese leuchtend gesättigte rote orange Farbe? Das ist unterirdische Streuung in Aktion. Was passiert ist, ist, dass Licht in das durchscheinende Fleisch der Ohren eindringt und überall drinnen springt. Sie können dies auch sehen, wenn Sie die Taschenlampe auf Ihrem Telefon einschalten und Ihren Finger darauf legen. Sie können sehen, wie Ihr Finger eine Transluzenz hat und er wird mit Licht leuchten. Sie können auch mit einem Spiegel in einen dunklen Raum gehen und die Taschenlampe direkt hinter Ihr Ohr legen. Licht tritt in den Scan ein und breitet sich unter der Oberfläche aus, um diesen Glanz zu erzeugen. In einem High-Key-Gemälde gibt es einen helleren Tonumfang für das gesamte Stück. Anstatt in einem vollständigen Wertebereich zu arbeiten, sieht der Wertebereich eher so aus. Ich habe viele erfolgreiche High-Key-Gemälde gesehen, die in schönen Pastellzonen hängen. Es ist, als würde man Klavier spielen und alle Noten um ein paar Oktaven höher verschieben. Es schafft eine andere Stimmung. Niedrige Key-Bilder sind wie das Verschieben der Klaviertasten bis hin zu den tiefen Tönen. Dinge werden stimmungsvoller. Es ist ein anderes Gefühl. Low-Key-Gemälde erkunden die dunklere Seite der Werteskala. Eine Halation ist der weiche glühende Effekt, der manchmal an einem heißen oder hellen Tag passieren kann. Es ist ein sanftes Leuchten, das über die natürlichen Grenzen eines Objekts hinausgeht. Fügen Sie diesen Effekt mit einem großen weichen Pinsel hinzu, wird in Gemälden wirklich schön aussehen. Manchmal füge ich sie um die Haare, die Haut oder um die Kleidung der Subjekte. Es funktioniert wirklich gut, um Farben als auch zu harmonisieren. Werfen Sie einen Blick darauf und starren Sie für ein paar Augenblicke in die Mitte der Form. Haben Sie jemals eine Person gesehen, die so lange auf der Bühne sprach , dass die Ränder um sie herum begannen, eine helle Farbe und eine Art Glühen zu werden? Wenn unsere Augen für eine lange Zeit einer Farbe ausgesetzt sind und wir dann wegschauen, werden unsere Augen sehen, dass sich die Farben ergänzen. Dies wird als nachträgliches Bild bezeichnet. Schauen Sie nicht weg, aber sehen Sie in Ihrer peripheren Vision gerade jetzt, wie die Kanten der Form beginnen, eine kühle blaue Farbe zu leuchten? Jetzt, wenn ich diese Form wegnehme, können Sie das gesamte blaue Nachbild sehen. Das ist eine echte Sache, die unsere Augen tun, aber wir können diesen Effekt auch in unseren Gemälden einfangen. Hier habe ich die Kanäle in Photoshop verwendet, um die Art von Effekt zu imitieren, aber Sie können auch Hand farbige Kanten zeichnen, wenn Sie diese Idee mögen. Sie können auch mit farbigen Glühbirnen experimentieren, andere als die typischen warmen Orangengelb oder kühles Blau. Dies kann zu einem dramatischen und interessanten Porträt führen. Die Verwendung der komplementären Farben zusammen kann für ein wirklich interessantes Stück. Auf einem Gesicht, besonders wenn es etwas mehr Öl auf der Haut gibt, können Sie Highlights auf der Stirn, der Nasenbrücke, der Nasenspitze, den Wangenknochen, der Oberseite der Lippen, auf der Unterlippe, an der Oberseite des Kinn, um die Brauen und an den Ecken der inneren Augen. Bei manchen Gelegenheiten werden Sie nur einige davon sehen und bei anderen Gelegenheiten können Sie all diese sehen. Diese Highlights werden auch natürlich auf Männer zeigen , aber wenn Sie jemals gesehen haben Make-up Tutorials, Sie wissen, wie Make-up-Künstler versuchen, dieses Leuchten durch Hinzufügen von Highlighter zu einigen dieser Punkte zu verbessern . Öle können sich auch an den Nasenhöhlen sammeln, manchmal auch Highlights hinzufügen. Glänzende Lippen werden auch ein Highlight haben. genauem Hinsehen handelt es sich normalerweise um eine Sammlung von horizontalen und vertikalen Strichen und Punkten, die zusammen eine abstrakte aussehende Form bilden. Sparkle Lidschatten wird auch ein wenig Punkt-Highlights fangen. Experimentieren Sie mit der Farbe des Glanzlichts. Leichte Pastelltöne funktionieren gut und Weiß wird auch die Wirkung bringen. Augäpfel sind nass und dieser Glanz gibt uns mehr Highlights. Augenlichter werden auf der gleichen Seite sein, von der das Licht kommt. Also, hier kommt das Licht von dieser Seite, so dass die Highlights in den Augen auch auf dieser Seite sein werden. Ehrlich gesagt, können Sie glänzende Highlights wie diese herum bewegen und die Leute werden nicht bemerken. Wahrscheinlich, weil im wirklichen Leben Licht normalerweise aus vielen verschiedenen Richtungen auf einmal kommt. Also, in Charakteren, werde ich manchmal kreativ mit den Augen Highlights, aber wenn Sie eine allgemeine Rolle für die Platzierung wollen, legen Sie sie auf die gleiche Seite, die die Lichtquelle ist. Suchen Sie nach Highlight Bands auf den Haaren. Es gibt eine endlose Vielfalt an Frisuren, so dass es schwierig ist, eine genaue Formel zum Zeichnen und Malen festzuhalten. Seien Sie also auf der Suche nach Lichtformen, die sich von einer Frisur zur nächsten wiederholen. Suchen Sie im Zweifelsfall nach einer Referenz. Eine kurze Notiz für Haare obwohl, versuchen Sie, große Gruppen von Haaren, die Sie in große Formen machen können zu finden. Suchen Sie nach S-Kurven und C-Kurven im gesamten Haar. Zeichnen Sie zuerst die großen Formen und fügen Sie dann später Detailhaare hinzu. Auch wenn Sie Haare malen, gibt es in der Regel Babyhaare um den Haaransatz, die für einen schönen Sege-Wert von der Stirn in das Haar zu machen . Also, suchen Sie nach dieser Wertänderung, da es Ihnen hilft, reibungslos in das Haar zu übergehen. 10. Verweisen auf Referenzen: Die meisten Referenzen sind keine exakten Ausstechformen wie wir in der Klasse gesprochen haben, aber wenn Sie diese Beleuchtungsgrundlagen kennen, können Sie Referenzen analysieren und Ihnen helfen, besser zu verstehen, was Sie suchen. Wenn Sie ein Foto beobachten, berücksichtigen Sie die Neigung des Kopfes. Dies wird die Dinge von der Norm ändern, weil Licht das Flugzeug etwas anders treffen wird, aber nicht so sehr, dass Sie es nicht verstehen können. Bei der Beobachtung einer Referenz müssen Sie auch die mögliche Verwendung von mehr als einer Lichtquelle berücksichtigen . Setzen Sie ein wenig Geduld in das. Finden Sie, aus welcher Richtung die leistungsstärkste Lichtquelle kommt, und gehen Sie dann von dort aus. Zu vermeidende Referenzen sind in der Regel Fotos mit flacher Beleuchtung, bei denen das Licht und der Schatten für Sie nicht offensichtlich sind. Sie müssen sich auf Zeichenfähigkeiten verlassen, und nach meiner Erfahrung ist diese Art von Referenz in der Regel nicht so lustig zu arbeiten und kann oft zu einer flach aussehenden Zeichnung führen. Da Farben von realen Leben zu Fotos ändern können, manchmal werde ich die Sättigung ein wenig auf meine Fotoreferenzen stoßen , dass ich etwas lebendigere Farben erfassen kann. Diese subtilen Farbverschiebungen von warm zu kühl werden manchmal in der Fotografie vermisst. Versuchen Sie also, einige subtile Farbverschiebungen in den Hauttönen einzubeziehen , auch wenn sie nicht auf dem Foto vorhanden sind. Reflektierte Lichtquellen können auch in Fotoreferenzen verloren gehen. Betrachten Sie also die Umgebung des Motivs auf dem Foto, besonders wenn die Kamera Dinge als dunkelbraun oder schwarz aufnimmt. Bevor Sie ein Bild von einem Referenzfoto beginnen, lassen Sie Ihr Gehirn schnell die Situation beurteilen. Sie können sich Fragen stellen, wie, ist das Thema drinnen oder draußen? Was ist die Hauptlichtquelle? Aus welchem Blickwinkel trifft das Licht auf das Motiv? Wie hoch ist die allgemeine Farbtemperatur des Lichts? Sind die geworfenen Schatten hart oder weich? Gibt es mehr als eine Lichtquelle? Wenn Sie am Anfang die Antworten auf diese Art von Fragen haben, beginnen die Dinge klarer in Ihrem Kopf zu werden, und wenn die Dinge in Ihrem Kopf klar sind, werden sie in Ihrer Zeichnung als Ergebnis klar sein. Also, lassen Sie uns eine Referenz zusammen analysieren. Also, ist er drinnen oder draußen? Nun, er ist offensichtlich draußen und es sieht so aus, als ob sich die Sonne wahrscheinlich niederlässt, da er von der Seite hier angezündet ist. Es ist fast wie ein Split-Licht-Szenario. Die Sonne ist unsere Hauptlichtquelle und versorgt uns mit warmen Tönen im Licht, und wir bekommen kühlere Töne im Schatten. ein bisschen Licht hier bekommen, und ich glaube, das ist von der Sonne, die den bewölkten Himmel trifft, und dann verhält sich der Himmel wie eine sekundäre Lichtquelle, also beleuchtet er seine Formen in den Schatten. Die Sonne macht es so, dass einige der gegossenen Schatten hart sind, besonders man kann es hier von seinem Hemd auf seinen Kragen sehen. gegossene Schatten ist ziemlich knackig. Wenn wir nach unten auf dem Bild schielen oder wenn Sie das Bild Graustufen drehen, können wir sehen, dass wir hier eine ziemlich volle Wertepalette haben, und ich beobachte auch, wie es hier um seine Nase eine Untergrundstreuung gibt . Dies ist die Art von Sache, die Sie tun können, um die Referenz zu bewerten, und während Sie malen, werden Sie weiterhin Entdeckungen wie diese zu machen. Wenn Sie zeichnen, sagen Sie ein Zeichen, das einfallsreicher ist, und Sie versuchen zu entscheiden, wie Sie sie beleuchten, können Sie mit einem der häufigsten Szenarien beginnen, die in der Klasse angezeigt werden, und dann Referenzen verwenden, wenn Sie brauchen sie. Ich werde viele Referenzen zur Verfügung haben, damit Sie Ihre Stücke durchstöbern können. Ich werde einen Link zu diesen Klassenressourcen im Community-Bereich und in Ihrem Projektbereich hier auf Skillshare setzen. Beim Färben und Anzünden eines Charakters können Sie auch ein Foto einer echten Person verwenden , um Ihnen Ihre Farb- und Beleuchtungsinformationen zu geben, oder Sie können sich sogar von den Meistern inspirieren lassen. Sie wussten, was sie taten. Fotos von kugelgelgelenkten Puppen sind auch wirklich tolle Referenzen für die Charakterbeleuchtung, weil ihre Proportionen schon mehr Charakter mögen und cutesy sind. Außerdem ist die Handy-App ideal, um mögliche Beleuchtungsszenarien für Ihre Charaktere zu entwickeln, sowie das Anatomy 360 Neutral Heads Pack. 11. Kursprojekt: Ich weiß, dass es für diese Klasse viel zu sehen gibt, aber es geht genauso darum, was Sie tun, nachdem Sie diese Videos gesehen haben. Es geht darum, die Ideen aus der Klasse durch die Praxis in die Tat umzusetzen. Also, hier sind einige Klassenübungen, die Sie tun können, um Ihre Fähigkeiten und Ihr Verständnis von Licht in die nächste Ebene zu bringen . Zeichnen Sie einen Ball mit Licht und Schatten. Ich weiß, es scheint grundlegend, aber das wird Ihnen beibringen, wie man Kanten arbeitet , wie man glatte Übergänge zwischen Tönen macht und wie man alle Werte in der richtigen Beziehung zueinander arbeitet. Wenn Sie in einem digitalen Medium arbeiten, versuchen Sie, die Farbauswahl nicht zu verwenden, damit Sie üben können, richtige Werte zu finden. Wenn etwas auf seltsame Weise erscheint, nehmen Sie das als ein Stichwort, dass die Werte falsch sind. Zeichnen aus dem Leben mit einer Lichtquelle auf einem Ball wäre großartig, aber wenn Sie keinen Ball haben, können Sie diese Referenz hier verwenden. Zeichnen Sie die Ebenen auf ein Foto. Schnappen Sie sich ein Magazin oder ein Online-Foto und lernen Sie die Ebenen des Gesichts kennen. Denken Sie an die 3D-Qualität und wie jedes Flugzeug seine eigene Farbe erhält. Mach dir keine Sorgen, wenn es keine genaue Aufstellung ist. Dies sind Allgemeinheiten und jedes Gesicht wird leichte Abweichungen haben. Üben Sie, einige der grundlegenden Lichtmuster zu malen, die wir auf dem Flugzeugset gelernt haben. Verwenden Sie Graustufenwerte, um wirklich die Wertänderungen zu erfahren, die passieren können. Lassen Sie uns jetzt über einige abschließende Projekte sprechen, die Sie machen können. Nimm einen Charakter und zünde sie auf vier verschiedene Arten an. Verwenden Sie eine beliebige Kombination aus Lichtquelle und Winkel. Dies kann Ihnen helfen, herauszufinden, Ihren Geschmack und was Ihnen das Aussehen am besten gefällt. Schließlich malen Sie eine Figur, stilisiertes Porträt oder ein realistisches Porträt mit Licht und Schatten. Teilen Sie eine oder alle dieser Übungsübungen und Projekte mit der Klasse. Der Teil dieser Klasse ist wirklich, wo Ihre Arbeit wird beginnen, sich zu transformieren. Wir können den ganzen Tag über Licht und Schatten sprechen, aber nichts wird sich in unserer Arbeit wirklich ändern, bis wir unsere Lieblingsmedien greifen und anfangen, mit den Ideen zu kämpfen. Dies ist ein komplexes Thema, das unsere Geduld und Aufmerksamkeit braucht. Je mehr wir in der Praxis lernen, desto besser werden wir, und das ist spannend. 12. Demo zur Beleuchtung einer Figur: Bevor wir anfangen, möchte ich Ihnen ein paar verschiedene Möglichkeiten zeigen , wie Sie Ihre Charaktere beleuchten können. Man muss die Dinge nicht immer realistisch rendern. Es gibt eine Möglichkeit zu vereinfachen, die immer noch den Punkt bringt. Der grundlegendste Weg ist die einfache Cel-Schattierung. Sie können die Beleuchtung in vier grundlegende Teile vereinfachen: Malen einer Form für das Glanzlicht, Licht, Form Schatten und Schatten. Aber Sie können auch darauf ausdehnen. Wie, im zweiten Beispiel, das ich künstlerische Lizenz genannt. Ich nahm diese einfache Idee, aber dann erweiterte ich es Hinzufügen ein bisschen tonale Vielfalt in den Schatten, verlieren einige Kanten und geben dem Ball ein wenig wie ein Leuchten mit einer weichen Airbrush, oder wenn Sie möchten, können Sie Ihren Charakter zu einem vollständig gerenderten Platz. Persönlich lande ich normalerweise irgendwo zwischen den ersten beiden Optionen. Aber du bist der Künstler, also kannst du entscheiden, was deine Ästhetik ist. diese Idee der Zellschattierung ein bisschen mehr erweitern, können Sie eine Seite vereinfachen und die andere Seite rendern. Also, zum Beispiel, auf diesem Ball, habe ich ein paar weitere tonale Änderungen auf der hellen Seite hinzugefügt, aber die Schatten einfach gelassen. Auf diesem Ball ließ ich das Licht flacher und legte mehr Details in die Schatten. So können Sie einfach gehen, ohne den ganzen Weg zur Cel-Schattierung zu gehen. Also habe ich die Skizze in der Procreate App mit dem Weidenholzkohlepinsel gemacht. Wenn Sie meinen Entwurf eine weibliche Charakterklasse genommen haben, wissen Sie alles darüber, wie man Charaktere wie diese skizziert. Und wenn Sie eine Skizze für diese Klasse erstellt haben, können Sie sie sogar für dieses Projekt verwenden, wenn Sie möchten. Also, ich richte ihr Gesicht hier ein und ich schiebe am Ende ihre Proportionen mit einem Auswahlwerkzeug um einiges herum, und an dieser Stelle bin ich mit der Skizze zufrieden; also beginne ich mit einigen Grundfarben. Ich werde eine Klasse über meinen Prozess zum Färben von Zeichen machen. Also, wenn du Hilfe dabei brauchst, halte ein Auge aus. Ich setze auch nur ein paar lokale Farbänderungen ein, als ob ich ihre Wangen ein bisschen pinker gemacht habe. Hier ist die fertige Skizze. Wenn Sie es herunterladen und für Ihr Projekt verwenden möchten, können Sie es. In meinem ersten Beispiel werde ich durch sie gehen und in Echtzeit, so dass Sie all die kleinen Dinge, die passieren, fangen können. Also, hier habe ich eine Hintergrundfarbe, meinen Charakter, und dann eine andere Ebene oben. Und das erste, was ich tue, ist, dass ich diese Ebene mit einer Farbe fülle, ich habe den Mischmodus so eingestellt, dass er sich auf diese multipliziert, und dann klicke ich mit der rechten Maustaste auf die Ebene und drücke Create Clipping Mask, und jetzt senke ich nur die Deckkraft davon. Dies macht es so, dass die Farbe wird nur auf die Pixel direkt darunter bleiben. Also, in diesem Fall bleiben sie an der Figur, und dann drücke ich diesen Knopf hier, um eine Ebenenmaske hinzuzufügen. Grundsätzlich wird es uns ermöglichen, zerstörungsfrei zu malen. Also, es scheint seltsam, aber Sie werden schnell den Dreck bekommen. Sie verwenden schwarze Farbe, um die helleren Werte unter dieser Ebene anzuzeigen , und Sie verwenden weiße Farbe, um sie wieder abzudunkeln. Ich weiß, es scheint seltsam zu sein, aber wenn du es hast, ist es einfach. Normalerweise male ich auf diese Weise nicht mit einer Reihe von Ebenen und Ebenenmasken. Normalerweise möchte ich mit einer Schicht malen. Aber für diese Praxis, in der wir irgendwie mit Beleuchtungswinkeln und Szenarien experimentieren, denke ich, dass es eine gute Methode zum Üben ist, weil Sie irgendwie leicht auf der Leinwand malen können , bis Sie es genau richtig bekommen und es ist einfach, leichte Anpassungen vorzunehmen, wenn Sie es brauchen. Wie Sie sehen können, beginne ich mit einer Airbrush und das liegt daran, dass der Stil meiner Charaktere im Allgemeinen sehr weich und feminin ist. Also, anders als bei realistischeren Porträts, gehe ich nicht mit harten Flugzeugen rein. Für meine Charakterzeichnungen geht es mehr darum, den Lichteffekt einzufangen, als jede Facette der Beleuchtung einzufangen. Also, Sie werden einige Flugzeuge sehen, die ich sogar weglassen werde, um einem weicheren Gesicht willen. So denke ich gerne in Bezug auf Charakterflugzeuge für meine Mädchen. Das ist nur ein weiterer Teil dieser ganzen künstlerischen Lizenzsache. Ich verwende nur diese allgemeinen Referenzen hier, um einige Punkte zu markieren , die in einem zugrunde liegenden Szenario vom Licht getroffen würden. Ich benutze einen ziemlich leichten Druck dafür, da ich versuche, alles noch herauszufinden. Jetzt verwende ich einen härteren Pinsel und übrigens werde ich diesen auch für euch zum Download zur Verfügung haben. Also, wie Sie mit der weißen Farbe sehen können, kann ich die Kante irgendwie weich machen und sie wieder in die Schattenzone bringen. Diese Ebenenmaske macht es so, dass wir diese Anpassungen den ganzen Tag lang vornehmen können. Also, ich bin langsam, aber sicher, schleiche mich an diesen Lichteffekt. Das ist genauso gut wie das Schlagen auf Farbwechsel wirklich schnell. Verwenden Sie immer den Prozess, der Ihnen als Künstler die besten Ergebnisse liefert, und das kann sogar eine Charakterillustration zur nächsten variieren. Ich mag diesen Pinsel wirklich dafür. Es macht einen wirklich schönen Abwärtsschlag. Die kluge Sache, an dieser Stelle zu tun wäre, eine Fotoreferenz von Haaren in einem unter beleuchteten Szenario zu greifen . Aber ich werde mir vorstellen, dass diese Haare etwas mehr Licht haben würden , da sie näher an der Lichtquelle sind. Ich ändere jetzt die Hintergrundfarbe, da sich eine Geschichte in meinem Kopf bildet. Vielleicht ist sie an einem Lagerfeuer, also mache ich es dunkler. Übrigens, wenn eines dieser Dinge, die ich mit Photoshop mache, Ihnen nicht vertraut erscheint, können Sie meine Photoshop Demystified Klasse überprüfen, wo ich durch die Grundlagen gehe. einer Ebenenmaske arbeiten, stellen Sie außerdem Wenn Sie miteiner Ebenenmaske arbeiten, stellen Sie außerdem sicher, dass dieser Teil direkt hier angeklickt wird. Wenn Sie auf den anderen Teil geklickt haben, stoßen Sie auf Probleme. Wenn Sie also die Schwarz-Weiß-Farbe zum Malen verwenden, stellen Sie sicher, dass auf diese Schaltfläche geklickt wird. Jetzt bin ich mit diesem allgemeinen Effekt zufrieden, den ich bekomme, also verschmelze ich diese Ebenen. Ich füge eine weitere Ebene hinzu und füge ein wenig ein orangefarbenes Leuchten hinzu, setze es auf weiches Licht und dann verschmelze ich sie auch. Dann dupliziere ich die Charakterebene, weil ich ein kleines REM-Lichtblatt ausprobieren möchte. Also, was ich tue, ist, ich die transparenten Pixel sperre, indem ich hier auf diese Schaltfläche klicke und sie mit weißer Farbe fülle. Dann ziehe ich die Ebene heraus und lösche dann einfach die Teile, die ich nicht benötige. Das ist etwas, an das ich gerade im laufenden Betrieb gedacht habe, aber es hat funktioniert, also habe ich es behalten. Hier können Sie sehen, dass ich mit verschiedenen Farben experimentiere, nur mit diesem Maleimer-Tool, um es auszufüllen. Dann versuche ich nur weiter verschiedene Farben mit Bild, Anpassungen, Farbtonsättigung. Nun, ich füge nur ein paar Fliegenhaare hinzu. Und ich drehe die Glättung ein bisschen um, damit ich einen schönen glatten Schlag bekommen konnte. Ich bin damit zufrieden, also verschmelze ich die Schichten. Also, ich mag diese violettfarbene Farbe hier wirklich. Also, ich wähle das Farbe und ich fange an, das leicht in ihre Schattenbereiche hinzuzufügen. Dann beginne ich ein wenig mit dem Mischmodus zu experimentieren. Sie können den Bildlauf Ihrer Maus verwenden, um durch einige dieser Füllmodus-Optionen zu blättern. Ich am Ende dupliziere die Ebene auch, weil ich die Auswirkungen davon mag. Dann verschmelze ich die Ebenen. Nun wähle ich diesen Farbbereich aus, ergreife eine Orange und verwende einen Farbverlauf, um ihr Gesicht von unten nach oben mit einem Farbverlauf von Orange zu versehen. Ich versuche, über die Intensität des Lichts nachzudenken und wie es stärker auf sie auf den Bereichen, die näher an der Lichtquelle sind, und dann würde es abfallen, wenn ihr Gesicht weiter von der Lichtquelle kommt. Dann ändere ich den Füllmodus, um zu multiplizieren, die Deckkraft zu senken und diese Ebenen zusammenzuführen. Das ist alles Experimentieren, die Sie beobachten. Es ist nicht so, dass ich eine genaue Methode dafür habe, die ich jedes Mal befolge. Eine Menge meiner Kunst wird gemacht, indem ich Dinge ausprobiere. Wenn sie arbeiten, arbeiten sie, und wenn sie es nicht tun, tun sie es nicht. Nun, ich verarsche mit der Kurvenanpassung ein wenig um zu sehen, ob das mir etwas Spaß macht. Jetzt versuche ich einige Farbsuche Anpassungen und scrolle einfach mit meiner Maus durch sie. Ich scheine immer knackiger Winter zu mögen. Nun wähle ich das ganze Stück aus und kopiere es, und dann gehe ich zurück in meine Geschichte zu dieser wärmeren Version und ich bearbeite die Levels, um ein bisschen intensiver zu sein. Dann füge ich diese kühlere Version ein. Jetzt habe ich die kühlere Version oben und die wärmere Version darunter. Jetzt schnappe ich mir einen weichen Radiergummi und lösche die kühle Schicht aus, um die Wärme unten zu enthüllen. Ich traf all die Flugzeuge, die von der warmen Unterlage getroffen werden würden. Also bekomme ich direkt unter den Augen, direkt über den Augen, dem Nasenboden und um den Kiefer und das Kinn. Sobald ich glücklich bin, verschmelze ich es wieder. Ich verschmelze, weil ich gerne auf einer Ebene arbeite, aber es finde auch, dass es mir hilft, ein entscheidender Maler zu sein. Nun, mit einer neuen Ebene in diesem Pinsel, gehe ich hinein und setze einige Highlights hier unten ein. Ich habe einige dieser kleinen Highlights auch auf den Rest dieser Features gesetzt. Jetzt hinzufügen und einige dunklere Anpassungen hier und da, nur an dieser Stelle zu optimieren und einen wirklich leichten Druck auf meinen Stift zu verwenden. Jetzt dupliziere ich das Stück, weil ich das Highlight auf dem Kinn bewegen möchte. Mein Instinkt ist es, Highlights auf eine bestimmte Weise hinzuzufügen weil ich selten in diesem Beleuchtungsszenario arbeite. Aber wirklich, das Highlight wäre niedriger, näher an der Quelle. Also, ich mache diese Anpassung. Ich füge auch ein Highlight zur unteren Lippe hinzu. Also, hier ist, wie ich es in Photoshop gelassen habe, und dann habe ich ein paar weitere Anpassungen vorgenommen, nachdem ich es auf Instagram genommen habe. Ich habe das Gefühl, Instagram ist wirklich ein netter Editor, obwohl Sie alle die gleichen Dinge in Photoshop tun können. Also passte ich die Helligkeit an und brachte das ein wenig auf, und ich brachte auch den Kontrast auf. Dann brachte ich die Sättigung und die Wärme ein wenig auf, und dann habe ich mit der Farbe diese violette Farbe aufgetragen, schließlich habe ich das Bild geschärft. Hier ist das fertige Stück. Jetzt werden wir es ein wenig beschleunigen und durch ein paar weitere Beleuchtungsszenarien laufen ich denke , dass es wirklich gut für deine Charaktere funktionieren wird. Also, dieser wird eine Schmetterlingsbeleuchtung sein, so dass die Lichtquelle über und leicht nach vorne vom Modell ist. Also mit diesem hier arbeite ich nicht von Anfang an mit der Ebenenmaske, stattdessen verwende ich das Lasso-Werkzeug, um einige dieser dunkleren Schmetterlingszenarien Formen einzugeben, und Sie können sehen, dass ich diese Ebenen Mischmodi auf Verdunkeln eingestellt habe. Ich verwende diese Referenzen als allgemeine Anleitung, wo meine Schattenformen platziert werden sollen. Hier malte ich diese Schattenform auf ihre eigene Ebene und wählte sie dann und verschwommen die Kante, indem ich filtere, unscharfe, Gaußsche Unschärfe. Ich mag diese kleinen Andrae Formen und Augenecken Formen, so dass ich nur leicht auf diejenigen mit wenig Wert Verschiebungen um die Augen hinweise, und ich setze in die Highlights, aber am Ende werde ich zurückgehen und diese ändern , um Highlights mehr typisch für ein Schmetterlings-Beleuchtungsszenario. Also, ich zoomen viel hinein und heraus, weil ich gerne sehen möchte, ob Details, die ich hinzufüge, auch aus der Ferne funktionieren. Also, jetzt wähle ich diesen Teil der Haare aus und ich verdunkle ihn ein wenig und verblasse ihn dann ab. Das Haar würde wahrscheinlich wirklich eine härtere kantige Qualität im wirklichen Leben haben, aber ich nehme meine künstlerische Lizenz und Erweichung dieses Verblassen von Licht zu Schatten. Außerdem setze ich ein wenig Schatten darauf, wo die Haare einen Schatten auf das Gesicht werfen würden. In diesem Szenario wird es einen kleinen Schatten wie diesen hinterlassen. Genau dort habe ich gerade die Form und den Anteil der Augen angepasst , indem ich filtern und verflüssigen werde. Jetzt füge ich ein sanftes Leuchten an der Oberseite ihres Haares hinzu. Ich setze diese Ebene auf weiches Licht, passe den Farbton ein wenig an und verschmelze die Ebenen. Also, jetzt ändere ich nur die Platzierung der Augenlichter, aber wie ich bereits erwähnt habe, ist es okay, wenn Sie mit diesen kreativ werden wollen. Sie werden auch bemerken, wie ich diese Flugzeuge in den Schatten fallen gelassen habe. Auch hier ist dies nur eine künstlerische Wahl, die ich für meinen Charakterstil getroffen habe. Ich fand, wenn ich diesen Kiefer schlicht zu dunkel auf sie, beginnt es seltsam aussehen, also habe ich ihn einfach ausgelassen. Jetzt werde ich ein Schnellschleifen-Beleuchtungsszenario demonstrieren. Ich beginne mit der Form des Nasenschattens, diesem kleinen Schatten hier und dem nächsten Schatten. Ich benutze das Lasso-Werkzeug, um mir zu helfen, diese Formen in. In einigen Situationen funktioniert es besser, mit Dunkelheit zu beginnen und die Lichter herauszuziehen, und für andere Situationen wie diese, finde ich es besser für mich, mit den Lichtern zu beginnen und in die Schattenformen zu setzen. Ich denke, dieses Breitschleifen-Beleuchtungsszenario funktioniert gut für Charaktere, und es ist nicht zu schwer zu tun. Denken Sie daran, dass die oberen Deckel einen Schatten auf die Augäpfel werfen, also warf ich hier ein wenig Schatten, sonst werden die Augen als zu hell erscheinen, also füge ich Cush raus. Ich denke, ich habe online eine Referenz gesucht, um zu sehen, wie ein kleiner Schatten in dieser Beleuchtungssituation auf die Schulter fallen könnte. Also, Google um Referenzen, wenn Sie jemals unsicher sind, wie etwas aussehen könnte. Nun, ich setze diese Highlights auf die gleiche Seite wie die Lichtquelle, deutliche die Iris an und jetzt füge ich nur noch den letzten Schliff von hellen und dunklen Akzenten hinzu, und ich werde das als fertig bezeichnen. Für diese abschließende Demo, lasst uns Nose Pop Lighting versuchen. Ich beginne damit, tatsächlich ein Duplikat meines Charakters zu machen, die Deckkraft zu sperren, sie mit einer Top-Farbe zu füllen und dann den Mischmodus zu multiplizieren. Aber die Art, wie ich Ihnen in der ersten Demo gezeigt habe ist eigentlich ein schneller Weg, um zum selben Endpunkt zu gelangen. Nun, wie ich es in der ersten Demo getan habe, füge ich eine Ebenenmaske hinzu und fange an, diese Lichter mit schwarzer Farbe herauszuziehen. Für diesen hatte ich tatsächlich eine Pulsaufnahme und schaue mich in den Spiegel mit meinen Haaren nach unten im Stil an , um zu sehen, wie Licht auf meine Stirn in dieser Beleuchtungssituation fallen würde. Es stellte sich heraus, dass das Licht eine dreieckige Form auf der Stirn machte, also wirst du sehen, wie ich es in und heraus auf das Stück steckte. Aber am Ende mochte ich die Formqualität meines Charakters nicht wirklich, also benutzte ich wieder meine künstlerische Lizenzkarte und hielt die vier Hüte weich. Ich denke, es ist eine gute Idee, einige Referenzen zu speichern , wenn Sie sie sehen, so dass Sie, wenn Sie sie brauchen , nicht endlos im Internet suchen müssen, um sie zu finden. Wenn Sie Ideen haben möchten, wie Sie das tun können, nehmen Sie an meiner 10-minütigen Inspiration Board-Klasse teil. Sie werden sehen, dass diese kleinen Formen über den Augenbrauen ein wenig ins Licht kommen, aber ich hielt es weich, so dass der Charakter nicht zu aggressiv aussehen würde. Vergiss nicht die gesättigte kleine Kante, die hier passieren kann. Sie können den Ausweichen für wirklich starke Highlights verwenden, seien Sie vorsichtig mit ihm, obwohl es leicht weg von Ihnen. Nun füge ich eine dunkle Ebene des Ganzen hinzu, und ich benutze eine Ebenenmaske und schwarze Farbe, um sie zu löschen, um diesen Scheinwerfereffekt zu verleihen. Hier ist das fertige Stück. Dies sind nur einige meiner Lieblings-Beleuchtungswinkel für Charaktere zu verwenden, aber ich experimentiere mit allen von ihnen. Wenn Sie sich für ein Projekt entscheiden, verwenden Sie das Medium, das Sie möchten. Es wird wirklich cool sein, dies in allen möglichen Medien zu sehen, also sollten Sie mit der Klasse teilen. Ich habe die Referenzen, die in den Klassenressourcen verfügbar sind, aber Sie können auch Meisterwerke und Fotos als Ihre Farbe und Beleuchtung Inspiration verwenden. 13. Demo zu stilisierten Porträts: Wenn Sie also meine bevorzugten Procreate App-Pinsel herunterladen möchten, können Sie diese im Abschnitt „Ihr Projekt“ unter „Klassenressourcen“ greifen. Also für die Malerei ich hier nur auf Farben klatsche und ich schaue mir noch nichts zu spezifisches an. Ich bekomme nur die Formen der Farbe da oben, also habe ich etwas, mit dem ich arbeiten kann. Und dann, wie Sie sehen können, fängt es an, Form anzunehmen. Also, ich komme in einige der kleineren Formen hier, und dann im Gesicht fange ich an, über diese Farbtemperaturregale nachzudenken. Dies ist einer jener Fälle, in denen das Modell von der Sonne weg ist , wie wir sehen können, wegen des Felgenlichts um sie herum. Also, in dieser Situation, wie wir wissen werden die nach oben gerichteten Ebenen eine kühlere Qualität für sie in Farbe haben da sie dem Himmel zugewandt sind und die nach unten gerichteten Ebenen eine Wärme haben werden, weil sie dem Boden zugewandt sind. Selbst auf ihrer Brust hier können Sie sehen, dass die nach oben gerichtete Ebene ihrer Brust eine Kühle hat und die nach unten gerichtete Ebene eine Wärme hat. Im Hintergrund hast du gerade gesehen, dass ich das vermischt habe und ich nur das erstaunliche Prokreat für Wischwerkzeug verwende. Ich liebe absolut das Schmierwerkzeug und Fortbildung. Und in letzter Zeit sind meine Lieblings-Schmierwerkzeuge die weichen Pastellpinsel. Jetzt benutze ich einen 6B-Bleistift, um reinzugehen und zu definieren. Also bekomme ich dieses Felgenlicht in den Haaren hier und um ihren Arm und jetzt fange ich gerade an, ein paar kleine Feature-Formen zu setzen. Ich mag es, diese kleinen dunklen Ecken des Mundes Ende zu bekommen, die mir hilft, die Lippen zu platzieren. Ich mag auch, um die Form der Unterseite der Nase in sehen, dass orange Form. Ich bekomme das gerne rein und dann auch nur diese Augenmuscheln. Das ist offensichtlich kein realistisches Stück. Ich möchte nur die Wirkung dieses Felgenlichtszenarios erfassen. Felgenbeleuchtung ist immer so atemberaubend für mich, so dass ich wirklich wollte, dass mein Fokus zu machen, keine Sorgen über Details ihres Gesichts oder Dinge wie das oder sogar erfassen ihre Ähnlichkeit, aber ich wollte auf Licht und die Schönheit des Lichts konzentrieren. Und ich glaube, das hat mich wirklich nicht so lange gedauert. Ich denke, es dauerte vielleicht eine Stunde und ich hätte es zu einem weiteren Punkt bringen können, aber ich war wie, Ich mag, wie das aussieht, also ließ ich es an diesem skizzenhaften und stilisierten. Und gerade jetzt mit diesem kleinen Detail auf der Oberseite ihres Kleides, Ich kopiere das überhaupt nicht, Ich habe nur in ein paar Striche wirklich schnell mit dem Willow Charcoal Pinsel und ich dachte, es erfasst die Formqualität, dass so dass ich es einfach wie das. Also, für dieses Stück, Ich habe das Bild auf der linken Seite von shutterstock.com heruntergeladen und dann habe ich es in Photoshop bearbeitet , um mehr von einer Farbpalette zu sein, die ich wollte. Also, ich habe ihren Hautton ein wenig verdunkelt und ich benutze diese minziggrüne Farbe für den Hintergrund. Also, um dies einzurichten, verwende ich den 6B Bleistift groß und ich mag diesen Pinsel aus ein paar Gründen wirklich. Ich mag es vor allem, weil Sie eine wirklich winzige dünne Linie damit bekommen können , wenn Sie die Spitze Ihres Apple Bleistifts verwenden und dann können Sie auch einen wirklich schönen dicken Strich bekommen, wenn Sie den Bleistift auf die Seite legen und die Seite des Bleistiftes verwenden. Also, ich liebe diese Bürste wirklich. Es ist einer meiner Lieblingsstücke. Also, ich richte nur die Formen hier ein und jetzt benutze ich den Borstenpinsel, um Dinge herum zu schmieren. Also, wie Sie sehen können, ist dieses Haar ein komplettes und totales Chaos, aber wieder, es ist einer dieser Fälle, in denen ich nicht wirklich besorgt war alles perfekt wie Haare für Haare einzufangen. Ich war mehr daran interessiert, das Gefühl dieses Mädchens einzufangen , das über ihre Schulter schaut und vielleicht, wenn sie ihren Kopf über ihre Schulter bewegt , gibt es etwas Schwärmen an ihren Haaren und ich wollte wirklich die Bewegung davon einfangen. Also wollte ich, dass meine Pinselstriche diese Bewegung widerspiegeln und deshalb habe ich das ein bisschen wild gelassen. Also, jetzt mit meinem 6B-Bleistift, fange ich an, einige dieser Features Details zu bekommen und ich fange an, sie an Ort und Stelle zu verankern. Was ist schön an der digitalen Malerei ist, dass Sie Dinge mit einem Lasso und Auswahl-Tools bewegen können . Also, selbst wenn es etwas gibt, das etwas an der falschen Stelle ist, haben Sie die Möglichkeit, es anders als bei herkömmlichen Werkzeugen zu bewegen, wo Sie es einmal eingelegt haben, müssen Sie entweder dabei bleiben oder Sie müssen es löschen. Also, das ist einer der wirklich schönen Vorteile von digitalen Malwerkzeugen. Also, soweit die Beleuchtung geht in diesem, ich denke, es landet irgendwo zwischen Split-Beleuchtung und einem Rand braune Beleuchtung Szenario. Es ist wirklich weich, aber wenn ich es einen nennen müsste, würde ich sagen, es ist ein bisschen mehr in eine Felge braune Beleuchtung Szenario geschoben. Wie Sie sehen können, habe ich dieses kleine Dreieck Licht auf ihrer langen Wange. Also, an diesem Punkt habe ich immer wieder Dinge reingesteckt und sie herausgenommen und mir wurde klar, dass dieses Stück nicht weiter gehen soll. Es soll nur dieses einfache skizzenhafte stilisierte Porträt sein, also habe ich es dabei gelassen. 14. Demo zu realistischen Porträts: Für dieses Gemälde begann ich mit einem weichen Pinsel mit dem Hintergrund und ging dann direkt mit dem 6B Bleistift groß. Verwenden Sie die Seite des Apple Pencil, um diese schönen dicken Striche zu bekommen. Ich bekomme nur Farbformen nach oben. Also, ich habe etwas zu beginnen, herumzuschieben. Ich beginne zuerst mit großen Formen und beginne dann mit einigen kleineren Formen. Ich merke dort eine Neigung zu seinem Kopf, aber ich bin nicht übermäßig darüber verwirrt, das reinzubringen. Also, ich lasse ihn jetzt geradeaus. Jetzt merke ich nicht, dass ich mich entschieden habe, die Farben aus der Referenz zu bearbeiten , und Sie können das richtig machen und sich mit den Anpassungen fortbilden. Ich wollte mit dunkleren Farben arbeiten. Nach meiner Erfahrung aus dem Leben habe ich bemerkt, dass Fotos dazu neigen, die Farben der Hauttöne auszuwaschen. Irgendwie, sie ein bisschen aufzuhellen. Also wollte ich das Foto bearbeiten, um die Hauttöne reicher und etwas dunkler zu machen. also das Licht analysieren, können wir sehen, dass es zwei Lichtquellen auf seinem Gesicht gibt. Der Hauptmann kommt von der rechten Seite und dann füllt eine sekundäre Quelle seine Schatten auf der linken Seite. Wie Sie sehen können, führt dies zu Highlights in den Augen. Eigentlich auf zwei verschiedenen Seiten zu sein, was interessant ist. Das siehst du normalerweise nicht. Schließlich wird das Denken in Flugzeugen nicht diese starre Sache sein , die wirklich gezwungen erscheint. Es wird natürlich kommen und fließen, während Sie arbeiten. Es ist hilfreich, auch andere Konzeptualisierungen des Kopfes zu studieren, wie die Frank Riley Rhythmuslinien, die ich erwähnt habe. Also, jetzt, da ich eine gute Basis habe, gehe ich mit meinem weichen Pastellpinsel ein und schmiere leicht alle Farben der Komposition ineinander. Du denkst vielleicht, aber du steckst die ganze Zeit rein , nur um es zu verschmieren, und das verstehe ich. Es ist schwer, ein Bild loszulassen, aber ich weiß, dass ich am Ende froh sein werde, dass ich das getan habe. Weil es funktioniert, um das Stück zu vereinheitlichen und am Ende zu einem lebensechten Porträt zu schaffen. Nachdem ich verschmiert habe, setze ich meine hellen und dunklen Akzente, um zu beginnen, einige Teile wieder in Nicholas zu sperren. mit einer geraden Linie auf einer neuen Ebene misse, sehe ich, dass die Dinge nicht genau aufstehen. Also, ich bewege diesen Teil des Gesichts nach unten. Auch hier ist dies einer jener Zeiten, in denen ich sehr dankbar bin, dass ich digital male. Sie können Proportionen auch in traditionellen Medien erarbeiten. Wie bei Ölfarben, könnte man es einfach neu streichen, aber es ist definitiv eher eine Herausforderung. Für dieses Porträt verwende ich meistens diese Pinsel. Das sind meine Go-to's für Porträts. Also hat er definitiv einen aggressiveren Ausdruck in meinem Gemälde, als ich ihn haben möchte. Das ist von diesen Formen, die zu stark über die Augenbrauen gezogen werden, und ich arbeite das im Laufe der Zeit etwas mehr aus. Aber das ist die Art der kleineren Form des Gesichts, über die man subtil sein muss, vor allem auf so etwas wie ein Babyporträt. In den meisten Fällen bin ich Farbauswahl aus dem Bild. Obwohl ich manchmal den Farbton, den Wert oder die Sättigung ein wenig anpassen werde, wenn ich denke, es wäre besser so. Jetzt tausche ich die Dinge aus. Ich ziehe in Photoshop zu arbeiten, und ich mache nur diese Übergänge mit diesem Pinsel von Charlie Bowater weich. Es ist einer dieser schönen Pinsel, die eine Texturqualität hat, während sie immer noch weich ist. Jetzt verwende ich eine große Airbrush, um ein paar sanfte Glanzlichter hinzuzufügen. Für dieses Porträt, weil es realistischer ist, denke ich über die Ebenen des Kopfes viel mehr als ich auf dem Charakter und auch über diese kleineren Formen des Gesichts. Diese Dinge erfordern definitiv etwas Geduld und konzentrierte Aufmerksamkeit. Das ist ein Teil des Grundes, warum ich diesen beiden Typen nicht in Echtzeit zeige, weil du für immer hier sitzen würdest. Aber wenn es einen Wunsch nach Echtzeit-Demos gibt, kann ich diese mit Ihnen über die Zukunft teilen. Der Umzug in Photoshop hat mir wirklich geholfen, ein frisches High zu bekommen. Wenn Sie keine digitalen Malprogramme haben, aber auch nur einige Zeit nehmen, um weg von Ihrem Gemälde zu gehen und kann zurück zu ihm kommen, kann Ihnen helfen, Dinge aus einer neuen Perspektive zu sehen, wenn Sie zurückkommen. Nach einiger Zeit werden Sie Fehler leichter sehen. Also, wenn Sie eine Pause machen müssen, machen Sie eine. Seien Sie sicher, dass Sie irgendwann wiederkommen. Beim Einzoomen wurde mir klar, dass ich ihm ungewollt ein paar zusätzliche Haare gab. Also, mit einer weichen Bürste, ändere ich den Wert. Damit bin ich cool auf diesem einen fertig. Also, ich beginne dieses Porträt mit einer kurzen Skizze, um die Geste zu bekommen. Dann lasse ich einige horizontale Linien auf einer neuen Ebene fallen, so dass ich ihre Features leichter platzieren kann. Nachdem ich die Grundlagen an Ort und Stelle habe, gehe ich hinein und beginne mit Farbformen mit dem Weidenholzkohlepinsel zu malen. Während ich diese Farben absetze, versuche ich, die Beleuchtung zu berücksichtigen. Für mich sieht es so aus, als würde sie an einem bewölkten Tag von oben geführt. Also, ich merke ihre Haut und das Licht hat eine bläuliche Qualität, und ihre Haut im Schatten hat einige warme Orangen und Grüns. Außerdem ist sie in dieser sehr grünen Umgebung. Also, etwas von dem Grün springt auch in ihre Schatten. Sie können hier eine imaginäre Linie sehen. Dort überlege ich den allgemeinen Bruch von Licht zu Schatten. Jetzt verwischt ich alles mit einem weichen Pastellpinsel, und jetzt arbeite ich wieder daran. Dieses Stück war definitiv eine Herausforderung für mich, aber ich wollte es durchsetzen. Weil ich denke, dass es gut für uns ist, diese herausfordernden Stücke durchzudrängen , weil wir am Ende bessere Künstler herauskommen werden. Wir lernen durch Herausforderungen und Fehler, nicht nur indem das tun, was wir schon immer und immer wieder tun können. Jetzt ziehe ich in Photoshop um und ich werde nur glätten und ein paar weitere Details hinzufügen. Dieses Stück hat mich wirklich über lokale Farben nachdenken lassen. Siehst du, wie blau das Zitat unzitiert Weiß ihrer Augen ist? Überlegen Sie also immer, wie sich die Lichtquelle und die Umgebung auf das auswirken, was Sie malen. Ich liebe diese leuchtend violetten Highlights auf ihren Lippen. Farbe und Licht sind wirklich erstaunlich und ich freue mich auf eine lebenslange Kunstreise, bei der ich ständig beides erkunden kann. Ich könnte wahrscheinlich zu diesem Stück zurückkommen und weiterhin Dinge optimieren, und vielleicht die Sättigung des Hintergrunds senken. Aber vorerst werde ich das als fertig bezeichnen. 15. Schlussgedanken: Vielen Dank, dass Sie an dieser Klasse teilgenommen haben. Ich kann es kaum erwarten, deine erstaunlichen Stücke zu sehen. Also, teilen Sie bitte Ihre Arbeit und lassen Sie mich wissen, wenn Sie Fragen haben. Ich denke, es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass die Beleuchtung ist so ein riesiges Thema.Es gibt buchstäblich endlose Kombinationen, die auftreten könnten, mit all den verschiedenen inkrementellen Veränderungen der Hauttöne, Beleuchtungswinkel und all die verschiedenen Lichtquellen da draußen, kann es ein schwieriges Thema sein, um unsere Köpfe zu wickeln. Aber, beginnend mit diesen grundlegenden Szenarien, die im Unterricht diskutiert werden, denke ich, wird wirklich unsere Arbeit so weit nehmen. Beleuchtung ist definitiv eine endlose Erkundung. Also, immer weiter zu studieren. Studiere mit anderen Lehrern, die auf eine andere Weise unterrichten, studiere die Meister, schließe dich einer Lebenszeichnungsgruppe an, male jeden Tag, auch wenn du Filme siehst, studiere das Licht. Ich fand, dass ich durch die Patientenbeobachtung des Lichts um mich herum kleine Leckerbissen über Beleuchtung aufheben kann. Also, beobachten Sie Licht und brechen Sie es in Ihrem täglichen Leben. Du kannst üben, auch wenn du deine Kunstwerkzeuge nicht vor dir hast. Viel zu lernen ist, mit Farbe und Beleuchtung zu experimentieren und den Mut zu haben, Dinge auszuprobieren, auch wenn Sie nicht sicher wissen, ob es klappt. Versuchen Sie also ein neues Beleuchtungsszenario und experimentieren Sie auch mit lustigen Lichteffekten. Ich hoffe, diese Klasse wirft ein wenig Licht auf das Thema. Auch hier finden Sie für Klassenressourcen einen Link zu den Ressourcen im Community-Bereich und in Ihrem Projektabschnitt. Ich würde dich auch gerne in meinen anderen Kunstkursen sehen. Ich habe weitere Kurse zum Zeichnen von Porträts, Charakteren, zum Arbeiten mit Farbe und zum Arbeiten mit Photoshop Illustrated. Also, überprüfen Sie diese, wenn Sie interessiert sind, und folgen Sie mit, um mit meinen zukünftigen Klassen auf dem Laufenden zu bleiben. Ich bin so aufgeregt, mehr von euch allen zu teilen. Vielen Dank nochmals für Ihren Beitritt. Bis zum nächsten Mal. Glückliche Malerei.