Kunstschule Boot Camp I: Zeichnen überzeugender Kompositionen

1. Trailer zum Kurs: Hallo, ich bin Christine Fleming, Illustratorin bei Might Cloud Studios, und willkommen zur ersten Session des Art School Boot Camp. Der Besuch der Kunstschule kostet leicht mehr als $50.000 im Unterricht allein. Die meisten Menschen können es sich nicht leisten. Diese Skillshare Klasse Serie richtet sich an Studenten, die die Leidenschaft für Kunst haben und das wesentliche Wissen aus der Kunstschule lernen möchten. In dieser Serie werde ich Sie durch die grundlegenden Konzepte, die in Kunst- und Designschulen gelehrt werden, einschließlich Komposition, Farbe und Gesten. Schüler in Kunstschulen üben diese Fähigkeiten immer und immer wieder, bis sie sie sie so hart an ihrem Gehirn gebunden haben , dass sie zu Gewohnheit und unbewusstem Denken geworden sind. Zu diesem Zeitpunkt kommen diese Konzepte so natürlich, sie nicht einmal darüber nachdenken müssen. Aber bevor Sie das tun können, müssen Sie am Anfang beginnen. Die erste 30-minütige Sitzung von Boot Camp konzentriert sich auf die Komposition. Komposition ist die Anordnung von Elementen in einem Kunstwerk. Komposition ist möglicherweise der wichtigste Aspekt was ein Kunstwerk stark oder schwach macht, so werden wir durch alle Grundlagen gehen, die sie in der Kunstschule unterrichten. Zuerst werde ich die grundlegenden Gestaltungselemente vorstellen. Dann werde ich über die grundlegenden Designprinzipien gehen. Danach zeige ich Ihnen die sechs verschiedenen Techniken, die Sie beim Erstellen einer Komposition berücksichtigen müssen. Kinematographie ist eine großartige Möglichkeit, Komposition zu studieren. Nachdem ich also jede Technik erklärt habe, werde ich Beispiele aus Filmen geben, wie jede Technik auf eine Komposition angewendet werden kann. Ihre Aufgabe für diese Klasse besteht darin, eine Kompositionstechnik aus den Videos auszuwählen und ein Kunstwerk neu zu zeichnen, das Sie bereits erstellt haben , mit dem Fokus auf die Verbesserung der Komposition. Sie können jede Art von Kunstwerk auswählen, einschließlich eines Gemäldes, einer Zeichnung oder sogar eines Projekts aus einer anderen Skillshare Klasse. Am Ende dieser Klasse haben Sie ein überarbeitetes, stärkeres Kunstwerk, und Sie werden auf dem besten Weg sein, die Grundlagen der Kunstschule in Erinnerung zu setzen. Dieses Boot Camp ist ideal für alle Künstler, egal ob Sie Bücher, Illustrationen, Gemälde machen oder einfach nur zeichnen möchten. Also schnapp dir dein rotes Baskenmütze und lass uns zur Kunstschule gehen. 2. Was ist Komposition?: Was ist Komposition? Um die offensichtliche erste Frage zu stellen, was ist Zusammensetzung und warum ist sie so wichtig? Komposition ist die Anordnung von Elementen in einem Kunstwerk. Ziel ist es, die wichtigsten Elemente hervorzuheben, indem sie das Auge des Betrachters durch das Stück lenken, so dass sie die Botschaft des Kunstwerks verstehen und gleichzeitig ästhetisch ansprechende Harmonie schaffen. Hört sich einfach an. Nun, es ist, wenn du trainierst. Warum sollten wir über Komposition nachdenken? der Komposition geht es um Augenbewegungen, darüber nachzudenken und den Betrachter darauf zu leiten, wo er zuerst schauen und wo er als nächstes suchen soll. Sie möchten die Aufmerksamkeit des Betrachters erregen, daran festhalten und ihnen sagen, wo sie suchen sollen. Sie können entweder lernen, was eine gute Komposition ausmacht und diese Lektionen von Anfang an auf Ihre Arbeit anwenden, oder Sie können einfach Ihren Weg durch jede Zeichnung, die Sie machen, wandern und hoffen, auf ein interessantes Layout zu stolpern. Vertrauen Sie mir, wenn Sie die Mühe und den Beginn Ihrer Karriere und den Beginn jeder Zeichnung setzen , zahlt es sich auf lange Sicht wirklich aus und wird Ihnen helfen, Ihre Zeichnungen immens zu verbessern. 3. Projekt-Aufgabe: Die Projektzuweisung für diese Klasse besteht darin, ein Kunstwerk neu zu zeichnen, das Sie bereits erstellt haben, mit dem Fokus auf die Verbesserung seiner Zusammensetzung. Sie können jede Art von Kunstwerk aus einem Gemälde, einer Illustration oder sogar einem Projekt aus einer anderen Skillshare Klasse auswählen. Zuerst müssen Sie sich die Klassenvideos ansehen, um mehr über die Grundlagen und Komposition und die spezifischen Techniken zu erfahren. Dann wählen Sie eine Kompositionstechnik aus den Videos und zeichnen Sie Ihr Kunstwerk mit dieser Technik neu. Diese Aufgabe wird Ihnen helfen zu lernen, was eine starke Komposition ausmacht und gibt Ihnen die Möglichkeit, spezifische Techniken zu üben, damit Sie Ihre Fähigkeiten im Kompositionsdesign für alle zukünftigen Kunstwerke verbessern können . Sie können Ihr neues Kunstwerk in die Projektgalerie hochladen, indem Sie auf der Klassenprojektseite auf die Schaltfläche „Projekt starten“ klicken. Sie können auch überprüfen Sie Ihre Kommilitonen arbeiten und sehen, wie sie Komposition angegangen. Ich schaue mir jedes Projekt an, das in all meinen Klassen gepostet wurde, und ich bin immer begeistert, deine Arbeit zu sehen. Der beste Weg zu lernen ist, indem Sie tun, also machen Sie einen Riss bei der Überarbeitung des Kunstwerks. Jetzt fangen wir an. 4. Entwurfselemente: Elemente des Designs. Um zu beginnen, gehen wir über die Elemente des Designs. Es gibt sieben wichtige Elemente, die das visuelle Vokabular eines Künstlers ausmachen. Dies sind die Werkzeuge, die jeder von einem Fünfjährigen bis Leonardo da Vinci verwendet, um visuell zu kommunizieren. Hier sind sie, die sieben Elemente des Designs. Linie, Form, Farbe, Textur, Ton, Form und Raum. Lassen Sie uns schnell durch jede einzelne gehen, um sicherzustellen, dass wir alle auf der gleichen Seite sind. Als Erstes ist die Linie. Linien können horizontal, vertikal und diagonal sein. Sie können gerade, gebogen, gebrochen, dick und dünn sein. Form. Eine Form ist ein geschlossener Raum, der von anderen Bereichen getrennt ist. Formen sind zweidimensional, daher haben sie Breite und Länge, aber keine Tiefe. Hier sind einige Beispiele für Formen. Farbe. Farbe enthält Farbtöne mit all ihren Werten und Intensitäten. Farben sind eine Möglichkeit, Wellenlängen des Lichts zu sehen. Es wird eine ganze Boot-Camp-Klasse auf Farbe geben, also keine Sorge, wenn dieses Design-Element ein wenig verwirrend für Sie ist. Textur. Textur befasst sich mit taktilem Gefühl und physischer Oberfläche. Textur in der Kunst kann real sein, wie in der Rauheit von Aquarellpapier oder der Dicke der Ölfarbe, aber Textur kann auch impliziert werden, wie Bleistiftschattierung verwendet wird, um die Rockiness eines Berges zu zeigen oder wie Farbe verwendet werden kann, um die Flauschigkeit einer Wolke. Ton. Tone ist der Farbton von weiß bis schwarz. Manchmal wird Ton auch als Wert bezeichnet. Form. Form ist ein geschlossener Raum, der dreidimensional ist Formen haben also im Gegensatz zu Formen Breite, Länge und Tiefe. Hier sind einige Beispiele für Formulare. Weltraum. Raum ist der Bereich um und zwischen Elementen in einem Kunstwerk. Dies wird manchmal auch als negativer Raum oder Leerraum bezeichnet, also ja, das Fehlen eines Elements ist sein eigenes Element und es ist super wichtig, starke Kompositionen zu machen. Nun, da wir die Werkzeuge zum Erstellen von Kunstwerken behandelt haben, wie verwenden wir diese Werkzeuge, um Kunst zu machen? Dort kommen die Gestaltungsprinzipien ins Spiel. 5. Grundlagen im Design: Prinzipien des Designs. Als Künstler nutzen wir die Elemente des Designs, um Kompositionen zu schaffen, egal ob es sich um starke oder schwache Kompositionen handelt. Wie verwenden wir diese Werkzeuge, um starke Kompositionen zu schaffen? Durch die Befolgung der Prinzipien des Designs. Dies sind Regeln, die über Jahrhunderte hinweg entwickelt wurden , um zu erklären, warum Kompositionen funktionieren und nicht funktionieren. Sobald Sie diese Prinzipien wie den Handrücken kennen, müssen Sie nicht darüber nachdenken, während Sie zeichnen. Das Wissen wird tief in deinem Gehirn sein und sie werden als unbewusste Gewohnheiten herauskommen, aber im Moment musst du üben. Bitte beachten Sie, dass Regeln und Prinzipien aus einem bestimmten Grund da sind , weil sie nachweislich funktionieren, aber Regeln können immer gebrochen werden, und manchmal ist das Brechen der Regel die beste Regel. Sie werden sich mit dem Testen der Regeln vertraut machen, sobald Sie sie wirklich verstehen. Okay, hier sind die sechs Design-Prinzipien. Einheit, Balance, Betonung, Bewegung, Rhythmus und Proportion. Lasst uns jeden durchgehen. Einheit, Einheit ist, wenn alle Teile einer Komposition harmonisch zusammenwirken, sich die Komposition vollständig anfühlt und nichts fehl am Platz erscheint. Innerhalb jedes dieser Prinzipien sind spezifischere Ideen. Innerhalb von Unity haben wir die Idee der Nähe , also der Abstand zwischen den Elementen. Ähnlichkeit, die ein Gefühl der Wiederholung und Wiederholbarkeit ist, und Fortsetzung, ein Gefühl der Erweiterung. Unser nächster Grundsatz ist das Gleichgewicht. Balance ist die Verteilung der Elemente. Balance verleiht der Zusammensetzung ein Gefühl von Stabilität. Im Gleichgewicht haben wir Symmetrie, die sind, wenn Elemente gleichmäßig auf beiden Seiten einer Achse angeordnet sind. Auch Asymmetrie, die heißt, wenn Elemente nicht gleichmäßig auf beiden Seiten der Achse angeordnet sind , aber immer noch angeordnet sind. Dann haben wir auch radiale Symmetrie, bei der Elemente gleichmäßig um einen Kreis angeordnet sind. Betonung, Betonung ist bestimmte Elemente mehr Bedeutung durch die Verwendung von Kontrast. Jedes Element kann kontrastiert werden, Größe, Farbe, Textur, etc. Innerhalb der Betonung haben wir Highlight, brechen eine bereits etablierte visuelle Regel, um Betonung zu bringen, Farbe, brechen brechen Farbe Fortsetzung, um Betonung zu bringen, und Größe, kontrastierende Größe, um Betonung zu bringen. Bewegung, Bewegung ist, wie sich das Auge des Betrachters durch eine Komposition bewegt. Eine starke Komposition wird das Auge mit den Designprinzipien deutlich um das Stück lenken . Focal Point, der Mittelpunkt der Interessen, aber nicht unbedingt die Mitte Ihrer Seite. Rhythmus, Rhythmus ist die Wiederholung von Elementen in Harmonie. Wiederholung erzeugt Bewegung entweder mit klaren Mustern oder mehrdeutigeren Strömungen. Muster, eine organisierte vorhersehbare Wiederholung. Flow, eine unberechenbare, aber immer noch harmonische Bewegung. Proportion, Proportion ist die harmonische Relativität aller Elemente. Eine starke Zusammensetzung wird ausgewogene Proportionen und Elementgröße, Anzahl und Menge haben , sowie wie sie sich alle beziehen. Größe, unterschiedliche Größe, um auszubalancieren und zu fokussieren. Beziehungen, wie sich Elemente zueinander beziehen. In der nächsten Einheit gehen wir durch sechs Videos und die spezifischen Techniken, wie man diese Prinzipien in Kompositionen anwenden kann. 6. Drittel-Regel: Drittelregel. Lassen Sie uns nun in die spezifischen Techniken eintauchen, die Sie verwenden können, um starke Kompositionen zu erstellen. Zuerst auf dem Docket ist die Regel der Drittel. Die Regel von Dritteln ist eine Technik, wie Elemente in Ihrem Kunstwerk platziert werden, basierend auf der Aufteilung der Komposition in Drittel. Sie teilen zuerst Ihren Raum in neun gleiche Teile und dann platzieren Sie die wichtigsten Elemente Ihres Stückes auf die Schnittpunkte dieser Linien. Die Idee ist, dass das Platzieren Ihrer Brennpunkte an diesen Schnittpunkten Spannungen erzeugt und die Komposition dynamischer ausbalanciert , als entweder Ihren Brennpunkt zentrieren oder einfach nur zuversichtlich platzieren. Diese Technik erspart Ihnen, Ihre Fokuspunkte zu nahe an einem der Kanten des Kunstwerkszu platzieren Ihre Fokuspunkte zu nahe an einem der Kanten des Kunstwerks und Ihre Komposition in zwei Hälften zu teilen, was sich unnatürlich und ein wenig seltsam anfühlt. Sehen wir uns nun einige Beispiele für die Regel der Drittel aus der Kinematographie an. Sie können sehen, dass die Brennpunkte in all diesen Aufnahmen auf den Schnittpunkten der Linien in der Komposition platziert wurden. 7. Quotenregel: Regel der Quoten. Die Regel der Quoten ist eine weitere Technik, um Harmonie und Bewegung in einer Komposition zu schaffen. Diese Theorie ist etwas komplizierter und theoretischer als die Drittelregel. Es basiert auf der Theorie, dass Menschen Dinge mögen, die gerade, einfach, tröstend und vorhersehbar sind. Aber Sie kennen andere Gefühle, die diese Dinge hervorbringen, Langeweile und Selbstzufriedenheit. Das ist nicht das, was wir in unseren Kunstwerken wollen. Die Regel der Quoten zielt darauf ab, diesen Komfort und Vorhersehbarkeit zu stören. Wenn Sie eine ungerade Anzahl von Elementen in Ihrem Kunstwerk haben, fügt es der Komposition Spannung, Interesse und ein natürlicheres Gefühl hinzu. Es fühlt sich nicht ganz so erfunden an, obwohl es so ist. Eine andere Sache zu beachten ist, dass Sie die Regel der Quoten erzwingen können , auch wenn Sie eine gerade Anzahl von Themen haben. In diesem Beispiel aus der Kinematographie hatte der Film Stand By Me vier Hauptfiguren, also vier Themen in dieser Aufnahme. Um es in dieser Aufnahme interessanter zu machen, wurden die beiden mittleren Subjekte irgendwie miteinander verbunden, so dass, wenn man es wirklich betrachtet, es drei Schwerpunkte in dieser Komposition gibt, nicht vier. Dies macht die Komposition ein wenig interessanter und fügt etwas Spannung hinzu. 8. Linien und Formen: Linien und Formen. Linien sind ein riesiges Element in jeder Komposition, egal ob Sie Linienzeichnungen oder Ölgemälde erstellen. Lassen Sie uns über einige der Möglichkeiten gehen, wie wir Linien verwenden können, um unsere Kompositionen aufzupumpen. Linien, wie Farbe, können als emotional wahrgenommen werden und Sie können die Linien in Ihrer Komposition verwenden , um Emotionen mit Ihrem Kunstwerk zu kommunizieren. Hier sind einige gängige Wege, wie Linien interpretiert werden können. Horizontale Linien fühlen sich beruhigend und friedlich an, vertikale Linien fühlen sich stark und kraftvoll an, diagonale Linien fühlen sich instabil und angespannt und geschwungene Linien fühlen sich anmutig und beruhigend an. Eine andere Möglichkeit, Linien in Ihrer Komposition zu verwenden, besteht darin, die Linien in Ihrer Komposition so zu winkeln , dass sie alle auf Ihren Brennpunkt zeigen. Dies wird dazu beitragen, das Auge des Betrachters genau dorthin zu führen, wo Sie sie sehen möchten. Betrachten Sie auch unsichtbare Formen in Ihrer Komposition. Schafft Ihre Komposition Formen, die das Auge herumführen? Diese Formen können Wege schaffen, denen das Auge folgen wird. Dreiecke und Kreise sind gemeinsame kompositorische Wege. Hier sind einige Beispiele für führende Zeilen aus der Kinematographie. In dieser Aufnahme von American Psycho können Sie sehen, dass fast alle Linien in der Komposition direkt auf das Hauptthema zeigen, dies führt Ihr Auge direkt dorthin, wo er will, dass Sie schauen. In diesem Schuss aus Memories of a Mord führen die Linien von den Bahngleisen auch direkt zum Geschehen und zu den Themen. Dieses Beispiel ist ein wenig komplizierter, es ist ein Schuss von Reservoir Dogs und wenn man wirklich genau hinschaut, fast jede Linie von Schatten Tische, Arme, Beine, sie alle zeigen Sie direkt in Richtung die Handlung, die in der Szene und im Hauptfokal stattfindet. Sehen wir uns nun ein paar Beispiele für unsichtbare Formen an. In dieser Aufnahme aus Melancholien können Sie sehen, dass die kreisförmige Form des Mondes und die dreieckige Form des TP, in der die Probanden sitzen, sowohl die Fokuspunkte als auch die Augen zu den Themen lenken. Hier ist ein weiteres Beispiel für unsichtbare Formen aus dem Film True Grit. Sie können hier sehen, dass die drei Themen, die die drei Schwerpunkte sind, eine dreieckige unsichtbare Form erzeugen, die Ihr Auge um die Szene führt. 9. Rhythmus und Wiederholung: Rhythmus und Wiederholung. Sie können Rhythmus in Ihrer Komposition hinzufügen, indem Sie Elemente entweder in einem Muster oder nur ein paar Mal wiederholen . Sie können Formen, Farben oder bestimmte Elemente wiederholen . dieselben allgemeinen Formen oder Linien wiederholen, entsteht ein Rhythmus, den Sie dann brechen können, um die Aufmerksamkeit auf Ihren Fokus zu lenken. Hier sind einige Beispiele für Rhythmus und Wiederholung aus der Kinematographie. 10. Zuschneiden und Überlappen: Beschneiden und Überlappung. Wenn jedes Element in Ihrer Komposition gut in die Kunstwerkwände passt und jedes Element einfach herumschwebt, fühlt es sich ein bisschen wie ein flaches Kunstwerk an. Wir möchten, dass sich unsere Kompositionen realer und dynamischer anfühlen, und das Beschneiden und Überlappen sind großartige Möglichkeiten, dies zu erreichen. Das Beschneiden ist so, wie Ihr Kunstwerk gerahmt ist, wie man durch einen Sucher schaut. Sie können Elemente außerhalb der Sichtweite über den Rand Ihrer Bildfläche hinaus erweitern um den Betrachter in und aus dem Stück zu führen und ein Gefühl von Raum und Interesse zu schaffen. Überlappende Elemente in Ihrer Komposition erzeugen Beziehungen und Tiefe und bewegen den Betrachter auch um das Stück. Achten Sie bei der Überlappung auf Tangenten, auch Küssen genannt. Sie wollen nicht, dass sich Ihre Elemente nur kaum berühren, was sich unangenehm und unangenehm anfühlt, als wäre das Kunstwerk unvollendet. Es kann auch die Lesbarkeit des Bildes ändern. Entweder legen Sie die Elemente heraus oder überlappen Sie sie, berühren Sie sie nicht einfach. Hier sind einige Beispiele für das Zuschneiden aus der Kinematographie. Sie können hier sehen, dass der Planet aus dem Rahmen abgeschnitten wurde. Der gesamte Planet passt nicht in diese eine Komposition. es zuschneiden, erscheint es tatsächlich größer, als wenn Sie den gesamten Planeten in die eine Komposition einbezogen hätten. Hier ist ein weiteres Beispiel aus dem Minority Report, wo die beiden Themen eng beschnitten wurden , so dass die Gesichter das Wichtigste sind, was Sie sehen. Hier ist ein Beispiel für Überschneidungen in der Straße zur Verderbnis. Sie hätten leicht alle diese Elemente getrennt haben können , wobei jeder Körper auf dem Boden liegend nicht berührt, aber stattdessen entschieden sie sich, einige von ihnen zu überlappen, was der Szene Tiefe verleiht. 11. Aussichtpunkt: Aussichtspunkt. Unsere letzte Technik geht es um Standpunkte. Der Ansichtspunkt, in dem Sie das Bildmaterial zeichnen, wird zum Blickwinkel des Betrachters. Es hat also viel damit zu tun, wie sich der Betrachter mit dem Kunstwerk in Beziehung setzt und identifiziert. Wenn Ihr Subjekt aus einem niedrigen Blickwinkel betrachtet wird, erscheint das Subjekt stark, kompetent und maßgebend. Wenn es aus einem hohen Blickwinkel betrachtet wird, erscheint das Subjekt kleiner, unschuldig und verletzlich. Wenn es sich bei Ihrem Motiv um eine Person handelt, bezieht sich der Betrachter höchstwahrscheinlich auf die Person, die im Kunstwerk am sichtbarsten ist. Hier sind einige Beispiele für hohe Kamerawinkel aus der Kinematographie. 12. Wir kommen zum Ende!: Vielen Dank für die Teilnahme an dieser Klasse und ich hoffe, dass Sie einige hilfreiche Techniken lernen , um überzeugende Kompositionen zu zeichnen. Wenn Sie mehr mit Kompositionen üben möchten, schlage ich vor, Filme anzuschauen, die Filmpreise gewonnen haben. Diese sind eine großartige Inspiration, wie man Aktionen und Szenen rahmt. Ich hoffe wirklich, dass du dich entscheidest, das Klassenprojekt abzuschließen, und ich würde gerne sehen, was du dir einfällt. ob Sie Ihr abschließendes Kunstwerk hochladen oder bearbeiten möchten, Sie können dies in der Projektgalerie tun, indem Sie auf der Projektseite des Klassenprojekts auf die Schaltfläche „Startjahr Projekt“ klicken. Sie können auch überprüfen, wie Ihre Kommilitonen arbeiten und sehen, wie sie Kompositionen angehen. Ich schaue mir jedes Projekt an, das in all meinen Klassen gepostet wurde, und ich bin immer begeistert, deine Arbeit zu sehen. Viel Spaß beim Zeichnen von überzeugenden Kompositionen und ich kann es kaum erwarten, zu sehen, was du dir einfällt. Wir sehen uns im nächsten Art School Boot Camp.